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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Miércoles 31 de 2018 *
BOHEMIAN RHAPSODY (Dexter Fletcher y Bryan Singer, 2018
USA/UK. Duración: 134 min. Guion: Anthony McCarten, Peter Morgan, Stephen J. Rivele, Christopher Wilkinson Música: Brian May, Roger Taylor Fotografía: Newton Thomas Sigel Productora: GK Films / New Regency Pictures / Queen Films Ltd. / Tribeca Productions Género: Drama biográfico.
Reparto: Rami Malek, Joseph Mazzello, Ben Hardy, Gwilym Lee, Lucy Boynton, Aidan Gillen,Tom Hollander
Sinopsis: Biopic del cantante Freddie Mercury, que narra su etapa en Queen, la mítica banda británica que el cantante lideró junto a Brian May, Roger Taylor y John Deacon.
Tras ver algunas imágenes de Rami Malek, el actor que interpreta a Freddie Mercury en Bohemian Rhapsody, había ganas de ver si tras tan buena caracterización había algo más ¡Y vaya si lo hay! El biopic que ha pergeñado Brian Singer es también un buen filme que refleja de manera impecable todas las épocas que retrata: desde 1969 cuando Freddie se une al grupo hasta el punto álgido del retrato, cuando el 13 de julio de 1985 Queen ofrece sus epicos 20 minutos de concierto en el Live Aid. Del Londres pre-Glam inundado de Suedeheads y Skinheads junto a muchachos con zapatos de plataforma y ojos pintados, hasta el Wenbley que recibió a un Mercury ya enfermo que había aceptado plenamente su homosexualidad y había hecho las paces consigo mismo y con sus más cercanos allegados.
Narrada de manera ordenada, la película cuenta el nacimiento del grupo, su consolidación, el abandono de EMI y su imparable ascenso. Centrándose especialmente en la figura del cantante, el guión nos habla sobre todo de la soledad, de su homosexualidad, aspecto que se muestra de manera muy sutil, así como el abandono a los más cercanos que causó la traición de uno de sus colaboradores más íntimos. Pasearemos de refilón por el sexo fácil en los clubs leather, por la fama y el despilfarro, por las drogas, pero sobre todo, necesario es repetirlo, por la conmovedora soledad que rodeó a Mercury. Y de ahí al gran triunfo, rodeado de épica, en el concierto del 85. Todo lo cual se dramatiza para la ocasión de forma bastante comedido, lo cual no impide que algunos pasajes causen cierta vergüenza ajena. Pero eso pasa hasta en los mejores biopics y Bohemian Rhapsody se encuentra entre ellos. Y además, no lo olviden, cuenta con la mejor música de Queen.
UNA RECETA FAMILIAR (Ramen Tehaka, Eric Khoo, 2018)
Reparto: Tsuyoshi Ihara, Seiko Matsuda, Takumi Saito, Jeanette Aw, Tetsuya Bessho,Mark Lee, Beatrice Chien
Sinopsis: Masato, un joven chef de ramen que quiere saber más sobre el pasado de sus padres fallecidos, deja su ciudad natal en Japón embarcándose en un viaje culinario hacia Singapur para encontrar la verdad sobre su pasado y su familia. Durante esa odisea, Masato descubrirá los secretos de sus ancestros, suculentas recetas y mucho más.
FAHRENHEIT 11/9 (Michael Moore, 2018)
USA. Duración: 130 min. Guion: Michael Moore Fotografía: Luke Geissbuhler, Jayme Roy Productora: Midwestern Films. Distribuida por Briarcliff Entertainment Género: Documental
Documental sobre la campaña electoral y la presidencia de Donald Trump. Se titula «Fahrenheit 11/9» (haciendo referencia a su aclamado documental Fahrenheit 9/11 por el que recibió la Palma de Oro en el Festival de Cannes 2004) por la fecha en la que el mandatario republicano fue declarado presidente electo, el 9 de noviembre del año 2016. El propio Moore ha declarado que espera que los datos de su documental sean tan demoledores que el film contribuya a derribar la credibilidad que Trump tiene entre sus seguidores.
Ha habido etapas de la historia que han hecho que nos preguntemos ¿cómo fue posible que llegaran a ese punto? o ¿No se daban cuenta de lo que sucedía?, cuestiones que también salen a colación respecto a la llegada a la presidencia de Estados Unidos de un ridículo, mentiroso, machista, racista y peligroso millonario. Y Michael Moore nos responde a estas cuestiones y muchas otras, o al menos lo intenta, abriendo además nuevos interrogantes sobre lo que nos podría deparar este futuro próximo, con cada vez más países gobernados por regímenes de derechas y extrema derecha. Insinúa cosas realmente feas sobre Trump, su gabinete y su familia. Sobre campañas apoyadas por Fake News y sobre políticas que, no solo en América, están haciendo en plena crisis más ricos a los ricos y más pobres a los pobres. Michael Moore nos muestra cómo estos radicales se meten en política para enriquecerse, hablando siempre de democracia, resaltando los valores patrióticos y, escudándose detrás de la Constitución, recortando derechos y haciendo brutales demostraciones de fuerza en su propio país además de, por supuesto, en suelo extranjero.
Un mensaje, el de Moore, rápido, conciso, directo, como es habitual en él, y muy documentado con imágenes de impacto, extraídas todas de la hemeroteca, pues a veces una imagen vale más que mil palabras. Y en medio de todo ese caos, pesimista por realista, Moore deja una pequeña rendija abierta a la esperanza, depositada en los jóvenes, que poco a poco parecen darse cuenta del engaño que hay detrás de todo, comenzando a reclamar su lugar en un mundo que les pertenece en pleno derecho.
Y Ojalá. Ojalá así sea. Mientras tanto bueno es aprender y mentalizarse de todo lo que está sucediendo con este magnífico documental, que no deja títere con cabeza y baja del pedestal a los santones Barack Obama y Hillary Clinton, culpables también de la ascensión al poder de un tipo como Trump. Duro, directo, brutal. Un documental de los que hacen pensar e invitan a reflexionar y que todo el mundo debería ver.
EL ÁNGEL (Luis Ortega, 2018)
Argentina/España. Duración: 117 min. Guion: Luis Ortega, Rodolfo Palacios, Sergio Olguín Fotografía: Julián Apezteguia Productora: K&S Films / Underground Contenidos / El Deseo / Telefé Género: Thriller
Reparto: Lorenzo Ferro, Chino Darín, Mercedes Morán, Daniel Fanego, Luis Gnecco,Peter Lanzani, Cecilia Roth, William Prociuk, Malena Villa
Sinopsis: Carlitos (Lorenzo Ferro) es un joven de diecisiete años con fama de estrella de cine, rizos rubios y cara de bebé. Ya en su adolescencia manifestó su verdadera vocación: ser un ladrón. Cuando conoce a Ramón (Chino Darín) en su nueva escuela, Carlitos se siente inmediatamente atraído por él y quiere llamar su atención. Juntos se embarcarán en un viaje de descubrimientos, amor y crimen. Debido a su apariencia angelical, la prensa llama a Carlitos ‘El ángel de la muerte’. Llama la atención por su belleza, se convierte en una celebridad de la noche a la mañana. En total, se cree que cometió más de cuarenta robos y once homicidios. Hoy, después de más de cuarenta y cinco años en la cárcel, Carlos Robledo Puch es el preso que más tiempo lleva en prisión en la historia de Argentina.
Carlitos, el protagonistas de El Ángel, es un ser tan atractivo como amoral y Luis Ortega lo retrata de tal forma que sus acciones parecen casi casuales. En él el robo es algo natural. No hay maldad en ello. El mundo es suyo y todo lo que contiene es para él. Incluso su amante, su amigo, si no puede ser suyo, no será de nadie y en su mano estará el quitarlo de ese mundo particular en el que vive y en el que la muerte es una broma y el deseo no tiene un sexo concreto.
Lorenzo Ferro realiza una magnífica interpretación. Su Carlitos despierta ternura. Incluso cuando asesina es como la gamberrada de un niño, especialmente adorable que está, tan solo, jugando. El resto del reparto, un conjunto de perdedores y detritos sociales encarnados por Chino Darín, Mercedes Morán y Daniel Fanego, componen un grupo de personajes que, al igual que Carlitos, no desentonarían en una película de Eloy de la Iglesia. Ambientada en la Argentina de 1971, sometida a una dictadura militar, El Ángel destaca también por su muy verista ambientación y vestuario, así como por una excelente banda sonora compuesta por éxitos de grupos argentinos de la época, entre los que destaca el tema que abre y cierra el filme, El extraño del pelo largo, del grupo La joven guardia.
Una refrescante sorpresa entre tanta mediocridad.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 26 de octubre de 2018 *
PESADILLA 2: NOCHE DE HALLOWEEN (Goosebumps 2: Haunted Halloween, Ari Sandel, 2018)
USA. Duración: 90 min. Guion: Darren Lemke, Rob Lieber (Libros: R.L. Stine) Música: Dominic Lewis Fotografía: Barry Peterson Productora: Columbia Pictures / Sony Pictures Animation / Original Film / Scholastic Entertainment / Silvertongue Films. Distribuida por Columbia Pictures Género: Fantástico
Reparto: Madison Iseman, Wendi McLendon-Covey, Jeremy Ray Taylor, Chris Parnell,Ken Jeong, Shari Headley, Peyton Wich, Tyler Silva, Courtney Lauren Cummings,Caleel Harris, Kendrick Cross, Sydney Bullock, Drew Scheid, Deja Dee, Jessi Goei,Ben O’Brien, Jason Looney, Brick Jackson, Serene Lee-Sng, Shaun McMillan,John Thelan Reece, Jack Black
Sinopsis:
Cuenta la historia de la familia Quinn, compuesta por Sarah, Madison Iseman («Jumanji: bienvenidos a la jungla«), su hermano pequeño Sonny, Jeremy Ray Taylor («It»), y su madre Kathy, Wendi McLendon-Covey («La boda de mi mejor amiga»). Sonny y su mejor amigo Sam, Caleel Harris («Castle Rock»), se dedican a coleccionar objetos que la gente no quiere, razón por la cual acaban cruzándose en el camino de Slappy, un perturbador muñeco que cobrará vida y querrá ser parte de la familia. Tras sentirse rechazado, Slappy decide crear su propia familia trayendo a la vida a los personajes de Halloween.
Pesadillas 2: noche de Halloween es una cinta ideal para los más jóvenes de la casa: aventuras con una pizca de terror sobrenatural basado en el imaginario de R. L. Stine, autor que los ahora treintañeros que fueron aficionados a la lectura conocieron íntimamente.
También resulta ideal por las fechas, y más ahora que la batalla parece perdida e inevitablemente Halloween va instaurándose firmemente en nuestro calendario, en detrimento del día de difuntos con su visita al cementerio y la ingestión de castañas y boniatos. Así que prepárense para un festival spooky en el que todos los personajes ideados por el escritor, y de paso muchas más criaturas propias de ese tétrico día, cobrarán vida de la mano de Slappy, el malvado muñeco de ventrílocuo viviente.
Dirigida por el ganador del Oscar® al Mejor Cortometraje, Ari Sandel, Pesadillas 2: noche de Halloween, a pesar de no ser la agradable sorpresa que resultó ser la primera, no engaña a nadie, pues cuenta con todos los elementos que pueden esperarse de ella: adolescentes arquetípicos (niño obeso nerd y niño negro a los que incordian los compañeros de colegio); mucha aventura; una pizca de terror (más bien sustos) inofensivo; y unas pequeñas enseñanzas de vida, como el no tener miedo ante los cambios.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 19 de octubre de 2018 *
MATAR O MORIR (PEPPERMINT) (Peppermint, Pierre Morel, 2018)
USA. Duración: 102 min. Guion: Chad St. John Música: Simon Franglen Fotografía: David Lanzenberg Productora: Laskeshore Entertainment Género: Thriller
Reparto: Jennifer Garner,Richard Cabral, John Ortiz, John Gallagher Jr., Juan Pablo Raba,Method Man, Tyson Ritter, Annie Ilonzeh, Jeff Hephner, Pell James, Eddie Shin,Chris Johnson, Kyla Drew Simmons, Erin Carufel, Johnny Ortiz, Sam Upton,Hans Marrero, Cailey Fleming, Edilsy Vargas, Sammy Voit, Ian Casselberry,Marco Morales, Mel Fair, Gustavo Quiroz Jr., Michael Reventar, Denney Pierce
Sinopsis: Riley North (Jennifer Garner) despierta de un coma después de que su marido y su hija hayan sido brutalmente asesinados. Cuando el sistema que debe juzgar a los asesinos fracasa, Riley decide tomarse la justicia por su mano.
Con un título como Matar o morir y una protagonista como Jennifer Garner, no puede decirse que se engañe a nadie. Muy al contrario, Pierre Morel, realizador suficientemente versando en este tipo de cine (Venganza, Caza al asesino), dirige este thriller de acción de manera firme sin renunciar a ofrecer altas dosis de violencia que, posiblemente, no agradarán a los/las más tiquismiquis, pero sabrán satisfacer a los que saben lo que buscan en una cinta protagonizada por la actriz que tantas patadas voladoras y tiros ofreció desde la pequeña (Alias) y gran pantalla (Elektra, Daredevil) y que Morel recupera para la acción con este filme, donde demuestra su buena forma.
Con una trama que no depara demasiadas sorpresas, pues resulta bastante predecible (cuando no increíble), lo mejor de Matar o morir, además de la Garner, está en su sencillez. Lástima que en su referencia a las leyendas urbanas se quede un poco en la superficie, pero no desespere el espectador, pues ese final abierto podría traer una nueva entrega, con la cual la serie sin duda podría acercarse más al Kersey de El justiciero de la ciudad (Death Wish, Michael Winner, 1974) o, ya que hemos hablado de personajes de cómic, a El Castigador (conocido por los más jóvenes por su nombre original, Punisher).
Pero no fabulemos, de momento tenemos una muy entretenida cinta en la que veremos a Jennifer Garner eliminando sin piedad (ni falta que le hace) a unos narcotraficantes hispanos lo suficientemente malos y poderosos como para tener vínculos con la policía y los poderes fácticos y que, además de haber matado a su adorable hija y a su marido, maltratan a las mujeres que trabajan para ellos, motivos más suficientes para que, pistolón, cuchillo, o lo que pille en mano, no se detenga a leerles sus derechos. ¿Resultado?: Jennifer Garner termina con cuarenta y tres villanos durante la película, cinco de ellos fuera de plano.
SLENDER MAN (Sylvain White, 2018)
USA. Duración: 92 min. Guion: David Birke,Victor SurgeMúsica: Ramin Djawadi Fotografía: Luca Del Puppo Productora: Mythology Entertainment / Madhouse Entertainment. Distribuida por Screen Gems Género: Terror
Reparto: Joey King, Annalise Basso, Javier Botet, Julia Goldani Telles, Jaz Sinclair,Kevin Chapman, Michael Reilly Burke, Alex Fitzalan, Kayla Caulfield, Jessica Blank
Sinopsis: En un pequeño pueblo de Massachusetts, cuatro estudiantes de instituto llevan a cabo un ritual en un intento de desmentir la leyenda de Slender Man. Cuando una de las chicas desaparece misteriosamente, empiezan a sospechar que ella puede ser su última víctima.
“El hombre más pálido. El traje más oscuro. Más grande que el gigante más alto. Ten miedo de este hombre: Slender Man ya que puede hacer lo que nadie puede”. Estas son algunas de las características que usuarios del internet dieron al personaje ficticio de terror Slender Man (el hombre delgado). Ahora la criatura llega a la gran pantalla con este film de terror, que nace de una de las leyendas urbanas de la web más populares, en base de una recopilación de imágenes en el foro Something Awful que, hoy en día, pertenece a la cultura «creepypasta», compuesta por historias cortas de terror recogidas y compartidas a través del Internet. Lástima que en su traslado a la pantalla, esta leyenda urbana ha perdido gran parte de su potencial, pues Slender Man no profundiza en el personaje, entra a saco en la acción para evitar que el adolescente, público al que va dirigido principalmente el filme, no tenga tiempo ni de consultar su teléfono, esa acción tan molesta como habitual en todos los ámbitos. Y es una lástima, pues este personaje, nueva encarnación del hombre del saco de nuestra infancia, tiene la novedad de invocarse mediante una tutorial de internet. Vive gracias y mediante la web y representa el miedo del adolescente a crecer, a tener que cargar con responsabilidades mediante una huida de la realidad. Además de una prueba de crecimiento que mezcla el miedo a lo desconocido y una innegable atracción por el abismo.
Veremos si esta película dará pié a una franquicia. De momento se queda como terror de consumo para jóvenes, con un personaje poderoso pero desaprovechado que es más susurrado que mostrado (aunque el actor que encarna a Slender Man, nuestro Javier Botet, realiza un cameo como médico, cruzándose en un hospital con las protagonistas).
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 5 de octubre de 2018 *
ÁNIMAS (Laura Alvea y José F. Ortuño, 2018)
España. Duración: 85 min. Guion: Laura Alvea, José F. Ortuño Fotografía: Fran Fernández Pardo Productora: La Claqueta PC / Tito Clint Movies / Animas AIE / Raised by Wolves / Acheron Films Género: Drama fantástico
Reparto: Ángela Molina, Luis Bermejo, Chacha Huang, Clare Durant, Liz Lobato, Iván Pellicer
Sinopsis: Álex es una chica segura de sí misma, con una fuerte personalidad y gran tenacidad. Está muy unida a su mejor amigo Abraham, a quien brinda constante ayuda y apoyo, ya que Abraham es un chico tímido, retraído e inseguro, principalmente debido a la compleja relación con sus padres. Pero todo cambia cuando Daniel, el padre de Abraham, muere en un extraño accidente, cuya causa no está clara. A partir de este momento, Álex caerá en un viaje alucinatorio que la llevará a un descenso al infierno, donde la línea entre la realidad y la pesadilla se volverá borrosa hasta el punto en el que Álex comenzará a cuestionar los fundamentos de su propia existencia.
Ánimas adapta la novela homónima de José Ortuño, que en su traslado a la pantalla ofrece al espectador un paseo por la psique adolescente, sus temores y sus inquietudes. Y lo hace mediante un espectáculo visual, en el que el color, pero también los sonidos, son fundamentales para comunicar los estados de ánimo de los protagonistas. Y es que Ánimas es un cuidado trabajo de orfebrería repleto de detalles. Muchos detalles. Pero todos ellos con utilidad y al servicio de la narración.
Ortuño y Alvea demuestran su experiencia en el campo de la publicidad al aprovechar cada pulgada de celuloide (o lo que diablos sea) para dar luminosidad y belleza, pero sobre todo información. Pues son los gestos y expresiones de los protagonistas, así como la escenografía de las escenas los que, en gran parte, cuentan lo que está sucediendo y llevan a espectador a donde los directores quieren.
Y es que los autores juegan al despiste.
Una historia de adolescentes. Amores y desamores. Violencia doméstica, autolesiones. Pero también espíritus, fantasmas, oscuridad… ánimas. Sobresaltos, sustos y todos los elementos del fantástico al servicio de una original historia muy alejada de esos estereotipos. Pero ya les hemos dicho que los directores juegan al despiste. Y demasiado les estamos contando, pues conviene no ofrecer mucho ya que el factor sorpresa es importante.
El reparto resulta perfecto: los dos jóvenes protagonistas, que debutan en el cine con esta cinta, demuestran oficio, en especial Clare Durant. Y siempre resulta agradable reencontrarse con una veterana como Ángela Molina, que interpreta un papel secundario pero fundamental en la historia. La más fina fornitura para una maquinaria que funciona a la perfección.
Elementos oníricos, reflejos múltiples, tono inquietante. Ánimas demuestra que aún se puede innovar en el fantástico sin inventar nada nuevo, tan solo jugando con los recursos clásicos de una forma original. Sin agujeros de guión, con todos los detalles explicados de manera natural, con los engranajes encajando mágicamente hasta retornar, al finalizar, al protagonista y al espectador, a la realidad que les envuelve día tras día. Vida tras vida.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 28 de septiembre de 2018 *
SEARCHING (Shane Black, Aneesh Chaganty, 2018)
USA. Duración: 101 min. Guion: Aneesh Chaganty, Sev Ohanian Música: Torin Borrowdale Fotografía: Juan Sebastian Baron Productora: Stage 6 Films / Bazelevs Entertainment / Bazelevs Production. Distribuida por: Sony Pictures Releasing / Screen Gems Género: Thriller.
Reparto: John Cho, Debra Messing, Joseph Lee, Michelle La, Sara Sohn
Sinopsis: Después de que la hija de 16 años de David Kim (John Cho) desaparece, se abre una investigación local y se asigna una detective al caso. Pero 37 horas más tarde y sin una sola pista, David decide buscar en el único lugar donde nadie ha buscado todavía y donde se guardan todos los secretos hoy en día: el ordenador portátil de su hija.
Aunque narrar una historia mediante pantallas no es, ni mucho menos, una novedad (tan solo hace falta recordar Redacted de Brian de Palma y Open Windows de Nacho Vigalondo), Searching puede presumir de contar una historia de intriga mediante las pantallas de los dispositivos tecnológicos que tan familiares nos resultan a todos, investigando y rastreando en los perfiles de las redes sociales de una adolescente desaparecida. Buceando en ellos el padre de la muchacha, interpretado convincentemente por John Cho, averiguará algo que todo padre teme averiguar: que su hijo es un desconocido. Pero Searching también demostrará lo engañoso que puede resultar el anonimato proporcionado por internet, bajo cuya máscara tan fácil es el embeleco en las redes sociales
La película de Aneesh Chaganty lejos de resultar aburrida o monótona conseguirá, ya desde su modélico inicio, intrigar y mantener al espectador pendiente de la historia y de sus sorprendentes giros.
Ganadora del Premio del Público “Best of Next” en el último Festival de Sundance y con un excelente consenso por parte de la crítica, Searching es un experimento que supera con éxito su intención de intrigar y sorprender.
EL REVERENDO (First Reformed, Paul Schrader, 2017)
USA. Duración: 108 min. Guion: Paul Schrader Música: Nicci Kasper, Brian Williams Fotografía: Alexander Dynan (B&W) Productora: Killer Films / Arclight Films / Omeira Studio Partners. Distribuida por A24 Género: Drama
Reparto: Ethan Hawke, Amanda Seyfried, Michael Gaston, Cedric the Entertainer,Victoria Hill, Philip Ettinger, Bill Hoag, Michael Metta, Frank Rodriguez,Mahaleia Gray, Elanna White, Satchel Eden Bell, Joseph Anthony Jerez,Jake Alden-Falconer, Otis Edward Cotton, Delano Montgomery
Premios y festivales:
- Festival de Venecia 2017: Premio Green Drop, nominada al León de Oro.
- Festival de Toronto 2017: Sección Oficial.
- Premios INOCA 2018: Nominada a Mejor Película, Mejor Actor, Mejor Director, Mejor Guión Original.
- Festival Internacional de Cine FEST 2018: Mejor Director.
- Festival de Telluride 2018: Sección Oficial.
- Festival de Montclair 2018: Mejor Película.
- Festival de Seattle 2018: Nominada a Mejor Actor.
- Festival de Múnich 2018: Nominada a Mejor Película Internacional.
Sinopsis: El reverendo Ernst Toller (Ethan Hawke) es un párroco solitario de una pequeña iglesia en el estado de Nueva York. La iglesia, que está a punto de celebrar su 250 aniversario, es ahora una atracción turística que atiende a una congregación menguante. Es además eclipsada por su iglesia matriz cercana, Abundant Life, y sus instalaciones de vanguardia y cerca de 5,000 miembros. Cuando una feligresa embarazada (Amanda Seyfried) le pide al reverendo que aconseje a su marido, un ecologista radical, Toller se sumerge en su atormentado pasado y se encuentra a sí mismo cuestionando su futuro y el paradero de la redención. Con la presión sobre él en continuo crecimiento, deberá hacer lo posible para evitar que todo termine fuera de control.
Versus Entertainment y Festival Films presentan El reverendo (First Reformed), un emocionante thriller del guionista y director Paul Schrader (Taxi Driver, American Gigoló, Toro salvaje).
Con un elenco sobresaliente que incluye al nominado al Oscar Ethan Hawke (Boyhood, Maggie’s Plan, Antes del atardecer), Amanda Seyfried (Los Miserables, Twin Peaks, Mamma Mia) y Cedric Kyles (Larry Crowne, Barbershop), Schrader ha lanzado una emocionante y feroz película que presenta una actuación absolutamente hipnotizante de Hawke en el papel principal. Compulsiva, enervante y estimulante en la misma medida, El reverendo (First Reformed) obtuvo excelentes críticas en los festivales de Toronto, Telluride, Venecia y Nueva York.
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El reverendo (First Reformed), tenue atisbo de esperanza
¿Se han preguntado alguna vez qué ocurriría si cruzáramos al pastor Tomas Ericsson con Travis Bickle? La respuesta nos la trae Paul Schrader: del maridaje de ambos, sólo puede nacer el Reverendo Toller, un personaje complejo en el que Ethan Hawke se muestra a la altura de Gunnar Björnstrand y Robert de Niro. Con El reverendo (First Reformed), Schrader revisita al Bergman de Los comulgantes y reinterpreta su propia criatura de Taxi Driver, logrando una obra que parece entablar diálogo con el Silencio de Martin Scorsese. Sobre estos sacerdotes de celuloide pende una Espada de Damocles que se presenta como crisis interior, como viaje hasta el final de la creencia, que les lleva a cuestionar el sentido de las virtudes teologales (fe, esperanza y caridad) para concluir que hay que aceptar que estas no son sino unidas a sus opuestos. Así el reverendo Toller afirmará que de la existencia de la desesperación se deriva el surgimiento de la esperanza. Una verdad trágica (por ser dialéctica) que sólo pueden soportar los fuertes de espíritu.
You talkin’ to me? La interrogación de Travis es la pregunta que los protagonistas de Bergman y Schrader parecen formularse, el diálogo con Dios es lo que está en juego. Pero la actitud de Toller no es la misma que la de Ericsson, mientras al pastor sueco le pesa la ausencia suprema, el silencio de Dios, el reverendo de Schrader se duele de su incapacidad para orar. El estadounidense, pues, invierte el foco y con ello el drama se sitúa del lado humano y no del divino, un giro que parece permitir entrar un tenue soplo de libre albedrío en el seno de la asfixiante lectura protestante de la fe. En El reverendo parece que todavía está un poco en manos de los hombres la posibilidad de emprender la acción que permita alterar el destino de la humanidad. Schrader concede cuanto menos el beneplácito de la duda a la afirmación de que los hombres pueden alcanzar la salvación por sus méritos, sin quedar supeditados a una predestinación ineludible nacida de un Dios implacable y arbitrario. Es por eso que en el tercer acto abandona la falsilla de Los comulgantes y Toller se convierte, en su desesperación, en un semidios 
dispuesto a sacrificar su vida (como hace el Hijo de Dios) en aras de un bien más grande. Un héroe, por tanto, cien por cien schradiano que nos trae una brizna de esperanza.
“Los chinos han sido educados en el odio y tienen la bomba atómica” dice el personaje de Max von Sydow en Los comulgantes, poco antes de suicidarse. Su sosias en el filme de Schrader es un activista que ha desesperado de su lucha, el mundo que dejaremos a nuestros hijos habrá agotado sus recursos naturales por culpa del afán de desarrollo del capitalismo salvaje al que parece condenada irremediablemente la humanidad. Cada época tiene sus propios miedos, relajada la tensión entre los bloques, aparcada la Guerra Fría, la hecatombe nuclear ha dejado de ser un temor atenazante, pero han aparecido nuevos fantasmas, el cambio climático, la crisis energética, el colapso del planeta por la extinción de los recursos, son ahora los centros de nuestra atención y la fuente de nuevas lecturas apocalípticas (de hecho, el Apocalipsis de Juan de Patmos puede ser leído en clave de catástrofe ecológica). El objeto del pánico cambia, pero, en definitiva, lo que nos aterra es lo mismo: el fin de la especie humana causado por la propia acción del hombre. Para Toller arruinar la creación es el pecado que no recibirá perdón, incapaz de orar, habrá de tomar la determinación de pasar a la obra y aportar su pequeño grano de arena para combatir a los agentes del mal.
Sepulcros blanqueados, Schrader pone en la mirilla a todos aquellos que lucen su piedad ante la comunidad mientras de su ambición se deriva la aniquilación del mundo. Negacionistas del cambio climático, capitalistas desaforados que no detienen ante nada su afán de ganancia, hombres de fe que acogen en el seno de su iglesia a estos lobos con piel de cordero con tal de conseguir llenar sus templos. Dos formas de religiosidad están en juego, frente a la sobriedad austera de la iglesia de Toller, First Reformed, y su menguada congregación, nos encontramos con Abundant Life, con sus instalaciones de vanguardia y sus cinco mil feligreses. La mesura de la confesión original, frente a la religión como espectáculo que busca adeptos tal como los medios sensacionalistas buscan audiencia.
Dos mujeres en torno a Toller, dos formas de vivir la fe. La beatería de Esther (Victoria Hill) que mira hacia el pasado, frente a la sinceridad de Mary (Amanda Seyfried) que apunta hacia el futuro. La fe que constriñe opuesta a la fe que alienta. Mary, esa María encinta que trae esperanza y ganas de vivir. 
Si alguna redención es posible, vendrá de la mano de aquello que representa la honestidad. Una honestidad que aparta la cólera. Mary es la fuente de amor que aplaca el ansia de aniquilación, la mujer justa que habría impedido la asolación de Sodoma y Gomorra. Mary trae la paz de espíritu necesaria para soportar la carga de la incertidumbre. Más allá aún, es la que aporta la posibilidad de deponer la duda. Es la que refresca y reconcilia.
Schrader nos obsequia un filme de preciosa puesta en escena. Largos planos que componen cuadros geométricos como forma de expresar la severidad, la frialdad, de la desesperación. Sin música, para comunicar el tormento de un pastor que ha perdido el consuelo de la oración. Y juega con el tempo para sumergirnos en la tortura de la duda. Un ritmo pausado en el inicio que irá acelerándose conforme avanza la trama, conforme Toller va modificando su conducta, desde el dolor de su crisis de fe, hasta la ferocidad de su toma de decisión por el combate contra los nuevos fariseos que están llevando al planeta al límite, a la destrucción. Schrader demuestra una vez más su maestría para enfrentar temas complejos y lo hace ayudado por unos actores absolutamente sumidos en su papel que nos regalan interpretaciones convincentes y contenidas, no hay espacio para el histrionismo en esta cinta que nos lleva de viaje por las simas de la fe y los recovecos del activismo.
El reverendo sacude nuestra conciencia. Nos advierte sobre el peligro de la pasividad. Y nos deja suspendidos ante la pregunta por si es posible detener el tren que puede conducirnos a la autodestrucción. Funde a negro y nos siembra la inquietud. Schrader nos desasosiega, a la vez que nos hace ver un hilo de esperanza al final del túnel. Tal vez todavía estamos a tiempo de salvarnos.
‘Diana’ de Alejo Moreno: desvelando la doble moral
El dormitorio de un piso de la castellana, Madrid, es el dormitorio de Sofía (Ana Rujas), una escort de lujo. Un nuevo cliente, Hugo (Jorge Roldán), descubre el misterioso nombre que ella tiene tatuado en su pierna: “Diana». ¿Podría ser ese su nombre real? Pero Hugo es realmente un pseudónimo de Jano, un educado hombre de negocios que no desea revelar su verdadera identidad ante su «acompañante». El piso de Sofía se convierte entonces en el escenario de un perturbador juego donde poco a poco se van revelando las personalidades que ambos ocultan.
Calificada en algún medio como thriller erótico (que en buena medida lo es), el debut en el largo de ficción de Alejo Moreno es una cinta que no se deja encerrar en una sola categoría, porque el filme se deja desvestir en varias capas componiendo una obra poliédrica en la que la forma es tan relevante como el fondo. Lejos de los trabajos mainstream, Diana es un claro ejemplo de otro cine más humilde, independiente y de bajo presupuesto, pero que nos ofrece resultados que a veces sobrepasan en interés a aquellos que alumbra la industria. El de Alejo Moreno es un nombre que se deja escribir junto a otros que ya nos resultan más conocidos, como Norberto Ramos del Val (Summertime, título que comparte actriz con el que estamos analizando), Carlos Marques-Marcet (10.000 Kilómetros), Joaquín Oristrell (Hablar), Juan Cavestany (Gente en sitios), o el mismísimo Carlos Vermut, que hizo más visible este nuevo cine español con su segunda película, Magical girl,que le valió la Concha de oro a mejor director, pero que debutó con Diamond flash una cinta que llevó adelante con sólo 11.000 euros y que le mereció, ya, ser considerado como un cineasta de culto. Diana demuestra que no son los medios de los que se dispone sino el talento creativo (que suple con imaginación lo que el presupuesto no aporta) el que permite alumbrar pequeñas-grandes piezas, después de todo una orquesta de cámara no tiene nada que la haga menor que una orquesta sinfónica.
Y eso es lo que nos trae Moreno: una opera de cámara que, con sólo dos protagonistas, es capaz de radiografiar la sociedad en la que nos movemos, con sus brechas sociales, su mercantilismo salvaje y sus enormes dosis de hipocresía. Diana no es un relato fácil. No lo es desde la forma que elige para expresarse, una puesta en escena alambicada que tiende al barroquismo visual, con su proliferación de picados, planos cortos y diálogos no sincronizados con la imagen que aparece en pantalla. Ni lo es por su discurso, Moreno busca incomodarnos, rompernos los esquemas y provocarnos. Su retrato de la prostitución de lujo no va a ganarse el favor de muchos progresistas que piden la abolición del llamado oficio más viejo del mundo. Sofía es una escort satisfecha de serlo, que prefiere ese trabajo de acompañante a cualquier empleo de becaria al que le habilitaría su licenciatura, gana mucho dinero y su esfuerzo es casi menor que el que requieren esos trabajos precarios y mal pagados. Sofía no quiere ocultarse ni quiere ser salvada, es dueña de sí misma y muy capaz de manejar los hilos de aquellos con los que tropieza. En este sentido, Diana resulta como un puñetazo en el estómago que no está lejos de otra pequeña-gran obra, Alanis de Anahí Berneri.
Pero, el filme no se agota aquí, su expresión del poder de lo erótico trae de la mano un mucho de denuncia social. Jano es un emprendedor, esa palabra tan de moda que quiere suavizar la carga negativa que acompañaba al término empresario, patrono, amo. No tiene entrañas, es capaz de engañar, de estafar a quienes confían en él mientras exhibe una faz de soñador que sólo aspira a darle a los humanos herramientas para progresar. Su nombre es una metáfora, no por obvia mal traída, y el personaje un arquetipo, es un ser de doble rasante que, bajo su agradable apariencia, esconde a un depredador que cree que todo puede comprarse, por eso no es vano que esté leyendo El extraño caso del doctor Jekyll y el señor Hyde, otra referencia obvia pero efectiva.
Sin embargo, Jano no es el único hipócrita empeñado en esconder sus instintos detrás de un rostro amable. Ni los empresarios los únicos que están bajo el punto de mira del director. Ahí está la prensa, aparentemente empeñada en sacar a la luz los fraudes, pero que en verdad busca escalar puestos en el share dándole a la audiencia lo que quiere escuchar. Porque, en verdad, somos todos los que queremos mantenernos en nuestras creencias, esos supuestos principios que nos dan identidad, no queremos ser movidos de nuestro discurso y con esa actitud alentamos los engaños y nos autoengañamos mientras mantenemos la conciencia tranquila. Diana viene a sacarnos de nuestra zona de confort, a hacer que nos preguntemos si no somos nosotros mismos ejemplos de la doble moral que parece cernirse sobre nuestra sociedad. Quizás ninguno de nosotros es inocente ante esa construcción, tan políticamente correcta, de un nuevo modelo de puritanismo, de la nueva censura que no es ejercida (o al menos no solo) desde instancias externas sino desde el actuar cotidiano con el que presionamos y somos presionados. Todos somos artífices de ella, todos nos merecemos que, en riguroso directo y en horario prime time, alguien nos espete un «soy puta y vengo a desarmarte».
Diana, pues, nos obliga a mirar lo que no queremos ver. Y lo logra también gracias al buen trabajo actoral de sus interpretes. Jorge Roldán es convincente en su representación de cazador-cazado, de hombre sin escrúpulos que se esconde detrás de un rostro sonriente en el que queremos ver a un creativo, a un hombre de éxito, a un líder que viene a traernos un mundo mejor, mientras en verdad lo que pretende es explotarnos y arruinarnos. Pero, si Diana resulta fascinadora, es por la enorme presencia de una felina Ana Rujas capaz de llenar la pantalla y de mantener la espina dorsal del filme ella sola.
Diana es una cinta que no va a contentar a todos, pero ya está bien que esa sea la reacción de parte del público. Al fin y al cabo, ello vendrá a certificar que el trabajo de Alejo Moreno da de pleno donde quiere golpear. En la boca de nuestro estómago.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 14 de septiembre de 2018 *
PREDATOR (The Predator, Shane Black, 2018)
USA. Duración: 101 min. Guion: Shane Black, Fred Dekker (Personaje: Jim Thomas, John Thomas) Fotografía: Larry Fong Productora: 20th Century Fox / Davis Entertainment / TSG Entertainment / Canada Film Capital / Dark Castle Entertainment Género: Ciencia ficción
Reparto: Olivia Munn, Boyd Holbrook, Trevante Rhodes, Sterling K. Brown, Jacob Tremblay,Jake Busey, Edward James Olmos, Yvonne Strahovski, Thomas Jane,Keegan-Michael Key, Kyle Strauts, Alfie Allen, Niall Matter, Paul Lazenby,Crystal Mudry, Devielle Johnson, Augusto Aguilera, Andrew Jenkins, Dean Redman,Rhys Williams, Steve Wilder
Sinopsis: Cuando un niño accidentalmente desencadena el regreso a la Tierra de los depredadores, solo un grupo de ex soldados y una profesora de ciencias podrán evitar, quizá, el fin de la raza humana a manos de estos seres, los cazadores más letales del universo. Ahora más fuertes, más inteligentes y más mortales que nunca. Mejorados genéticamente con ADN de otras especies.
Predator retoma la saga donde se quedó y añade pocas novedades a la fórmula original, si acaso unas saludables dosis de humor. Un humor sutil, de sorpresa, de más difícil todavía que sabrán apreciar los que no buscan la película de su vida, sino tan solo una muy buena tarde de evasión en el cine. Que no es poco.
La película de Shane Black, que como actor formó parte del reparto del film original, es una buena combinación de géneros, mostrando respeto por todos ellos. La sangre, tanto humana como la verde fosforito ‘Acid House‘ se recupera, y los comandos y la selva serán protagonistas y escenario de parte de la acción. Pero Black jugará al despiste con el espectador, abriendo nuevos campos de acción e introduciendo (¡horror!) un niño Asperger a la trama, sin que por ello el espectador tenga que salir corriendo de la sala. Todo funciona. E incluso se hace referencia a las visitas anteriores que los cazadores hicieron a nuestro planeta.
Como ya hemos indicado esta nueva Predator también tiene como protagonista a un grupo de comandos, sí, pero al contrario de lo que suele ser habitual, el grupo no incluye un soldado zumbado, aquí lo estarán todos, lo cual dará pié a algunas situaciones de lo más interesantes y ofrecerá pistas al espectador de por donde irán los tiros, sin que ello signifique que no se trate de una muy entretenida película de acción y terror, respetuosa con la película de 1987. Además del niño, también se unirá a la acción una científica que le cogerá rápidamente el tranquillo a las armas de fuego. Todo ello regado con cierto aroma 80’s pero sin nostalgias.
Una combinación de géneros químicamente perfecta con la que cerrar este verano a lo grande y cuyo final, dé paso a secuela o no, es uno de los más prometedores que hemos podido ver ultimamente.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 7 de septiembre de 2018 *
I LOVE DOGS (Dog Days, Ken Marino, 2018)
USA. Duración: 112 min. Guion: Elissa Matsueda, Erica Oyama Música: Matt Novack, Craig Wedren Fotografía: Frank Barrera Productora: LD Entertainment Género: Comedia
Reparto: Nina Dobrev, Vanessa Hudgens, Adam Pally, Eva Longoria, Rob Corddry, Tone Bell,Jon Bass, Michael Cassidy, Thomas Lennon, Tig Notaro, Finn Wolfhard,Ron Cephas Jones
Sinopsis: «I Love Dogs» sigue la vida de varios dueños de perros y a las propias mascotas en la soleado Los Ángeles. Cuando los caminos de estos humanos y sus perros comienzan a entrelazarse, sus vidas comienzan a cambiar en formas que nunca esperaron.
Vidas de perros y de humanos se entremezclan en esta cinta de encuentros, de adopciones, de amores a primera vista y de encantamientos a distancia. Humor y amor para toda la familia dirigida por el actor Ken Marino, que pasa al otro lado de las cámaras para hacerse cargo de esta comedia apta para todos los públicos que muestra los fuertes vínculos afectivos que se generan entre los perros, entre los dueños, y entre perros y dueños.
Una comedia coral cargada de humor blanco apta para todos los públicos que cuenta con un reparto, en su parte humana, encabezado por Eva Longoria (“Mujeres desesperadas”) y Vanessa Hudgens (Saga High School Musical, Spring Breakers) secundadas por Finn Wolfhard (It, Stranger Things), Nina Dobrev (Las ventajas de ser un marginado, Crónicas vampíricas), Adam Pally (Iron Man 3) y Tig Notaro (Transparent).
Una ocasión de pasar un buen rato a base de cine «sin malas pulgas» con el que despedir este caluroso verano.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 31 de agosto de 2018 *
YUCATÁN (Daniel Monzón, 2018)
España. Guion: Daniel Monzón, Jorge Guerricaechevarría Música: Roque Baños Productora: Ikiru Films / Telecinco Cinema Género: Comedia
Reparto: Luis Tosar, Rodrigo de la Serna, Joan Pera, Stephanie Cayo, Toni Acosta,Adrián Núñez, Txell Aixendri, Angelo Olivier, Alicia Fernández, Leticia Etala,Xavi Lite, Cristóbal Pinto, Óscar Corrales, Joche Rubio, Alex Amaral,Aranzazu Coello
Sinopsis: Lucas (Luis Tosar) y Clayderman (Rodrigo de la Serna) son dos estafadores, profesionales del engaño a turistas ingenuos en cruceros de lujo. Hace años trabajaban juntos, pero la rivalidad por Verónica(Stephanie Cayo), la bellísima bailarina del barco, les hizo perder la cabeza y dio al traste con su sociedad. Ahora trabajan por separado, Lucas en el Mediterráneo y Clayderman en el Atlántico. Ese fue el acuerdo. Pero un inesperado botín impulsa a Lucas a irrumpir en el barco de su exsocio, lo que convierte la exótica travesía de Barcelona a Cancún, pasando por Casablanca, Tenerife, Brasil y la selva de Yucatán, en un encarnizado duelo de tramposos sin ninguna regla, pero muchos golpes bajos…
La acción de la última película de Javier Monzón se sitúa en un crucero, una Rue del Percebe donde conoceremos a varios personajes que progresivamente se irán interrelacionando. Canallas, buscavidas y timadores competirán a bordo por encontrar un primo a quien engañar. Nacerán amores mecidos por la música y el glamour. Y la intriga se desarrollará con una cadencia que tiene mucho de cine clásico, pues la acción podría trasladarse sin problema a los años 30 y estar protagonizada por Gary Cooper, William Powell y Marlene Dietrich, por decir tres nombres. Al menos hasta que comienza a salir algún gag escatológico y los cuñados hacen su entrada, sin que por ello se empañe el desarrollo de esta magnífica comedia.
El que su acción se desarrolle en un crucero ofrece la oportunidad a Monzón de rodar en escenarios exóticos durante las escalas: de las favelas de Brasil, al Teide en Tenerife, y de ahí a el zoco de Casablanca. Más clásico y cinematográfico, imposible.
El apartado actoral está magníficamente bien resuelto con Luis Tosar, Rodrigo de la Serna y Stefanie Cayo, el trío protagonista, que quedan, eso sí, ensombrecidos por Joan Pera, actor que consigue que nos preguntemos porqué no se prodiga más en cine. Un Joan Pera con todos los números para recoger un Goya como secundario por su trabajo en Yucatán.
¿Le ponemos algún pero? Vamos allá: algunas situaciones resultan previsibles y el ritmo va decayendo hacia la última media hora de su, quizás, excesivo metraje, pues los guionistas, el propio Monzón junto a Jorge Guerricaechevarría, parecen tener una necesidad, posiblemente excesiva, de dejar atadas y bien atadas todas las subtramas.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 24 de agosto de 2018 *
REVENGE (Coralie Fargeat, 2017)
Francia. Duración: 108 min. Guion: Coralie Fargeat Música: Robin Coudert Fotografía: Robrecht Heyvaert Productora: M.E.S. Productions / Monkey Pack Films / Logical Pictures / Charades Género: Terror.
- Reparto: Matilda Anna Ingrid Lutz, Kevin Janssens, Vincent Colombe, Guillaume Bouchède
- Premios: Festival de Sitges 2017. Sección Oficial: Mejor dirección y dirección novel.
Este impactante thriller, Rape & Revenge de nuevo milenio, es la ópera prima de Coralie Fargeat, realizadora y guionista francesa salida de la prestigiosa escuela de cine parisina La Femis. Obra redonda a varios niveles, por un lado no tiene complejo a la hora de abordar el gore con exceso, desaforadamente, transformándolo en un elemento más con el que iluminar las bellas imágenes que la cineasta plasma en la pantalla. Revenge tiene una factura impecable y está rodada de manera inteligente y bella, brillante, captando las texturas del desierto. Y a pesar de la magnífica y estética forma en la que nos presenta su obra, que destila cuidado por el acabado, no le tiembla el pulso a Fargeat a la hora de llenar la pantalla con explosiones de violencia.
Resulta fundamental en el brillante resultado su protagonista, Matilda Lutz, actriz y modelo italoamericana escultural y aniñada. Un sueño. Un cuerpo objeto de deseo, un cuerpo que es puro poder. Y lo sabe. Con ella el deseo y el calor aumentan progresivamente, mientras la violencia comenzará a aflorar y la sangre, tímidamente, hará su aparición. Pero todo aumentará de manera tangencial: el deseo hasta consumarse. La violencia y la sangre hasta desbordarse. Los papeles se invertirán y el cazador se convertirá en presa. La presa tomará el poder y demostrará que es más fuerte y más inteligente. La directora, de manera muy ingeniosa, hará que la protagonista, ultrajada, asesinada, tenga una ceremonia de iniciación durante la cual volverá a renacer, mucho más poderosa y adquiriendo el relato saludables aires pulp, que no reñirán con el tono reivindicativo que también tiene Revenge, una magnífica película, con la acción situada en un tan bello como inhóspito paisaje, campo de juegos sin escape, en el que una mujer y tres hombres odiosos (Kevin Janssens, Vincent Colombe y Guillaume Bouchède), deberán enfrentarse. Ellos para confirmar su supremacía. Ella para demostrarles que puede con ellos y además, vengar su ultraje.
Tras tener su première mundial en la sección Midnight Madness del Festival de Toronto, Revenge pudo verse en otros certámenes tan importantes como Sundance o Torino, así como en numerosos festivales de cine fantástico, entre los que destacan el Festival de Sitges, donde la película se alzó con el Premio a la Mejor Dirección y el Premio Citizen Kane a la Mejor Dirección Novel y el Nocturna Madrid, donde ganó de nuevo el premio a la Mejor Dirección y el Premio a la Mejor Interpretación Femenina.
¿QUIÉN ESTÁ MATANDO A LOS MOÑECOS? (The Happytime Murders, Brian Henson)
USA/UK. Duración: 91 min. Guion: Todd Berger, Dee Robertson Música: Rupert Gregson-Williams Fotografía: Mitchell Amundsen Productora: Jim Henson Company / Henson Alternative / On The Day Productions / STX Entertainment / Black Bear Pictures Género: Comedia fantástica
Reparto: Melissa McCarthy, Elizabeth Banks, Maya Rudolph, Joel McHale, Cynthy Wu,Leslie David Baker, Jimmy O. Yang, Colleen Smith, Pamela Mitchell, Mitch Silpa,Brian Palermo, Drew Massey, Dorien Davies, Bill Barretta, Jen Sung, Allison Bills,Brekkan Spens, Ryan Tran, Thelma Gudmunds, Dana Schick
Sinopsis: En el barrio más vulnerable de Los Ángeles, donde cohabitan muñecos y humanos, dos detectives enfrentados, una humana (Melissa McCarthy) y un muñeco, se ven obligados a trabajar juntos para tratar de averiguar quién está asesinando brutalmente al antiguo elenco de «La Pandilla Dicharachera», un exitoso programa de marionetas de los años 80.
Brian Henson (‘Los Teleñecos en la isla del tesoro’), digno heredero de su padre, dirige esta película protagonizada por algunas de las cómicas más importantes de EEUU: Melissa McCarthy (‘Cazafantasmas’), Elisabeth Banks (‘Dando la nota’) y Maya Rudolph (‘La boda de mi mejor amiga’), entre otras. Una comedia satírica con humanos y marionetas que se basa estéticamente en el cine policíaco de los años setenta, sumergiendo al espectador en los peores antros de Los Ángeles, habitados por muñecos adictos, pero con guiños al cine negro de los cuarenta. ¿El resultado? sin resultar trasgresor, a pesar de utilizar un lenguaje y registro adulto en un medio tradicionalmente infantil como son los ‘muppets’ (aquí ‘moñecos’), la película resulta agradable y divertida, con buenos gags y en general indicada para pasar un buen rato fresquito en el cine.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 17 de agosto de 2018 *
EL PACTO (David Victori, 2018)
Pais: España Guion: Jordi Vallejo, David Victori Música: Miquel Coll Fotografía: Elías M. Félix Productora: Ikiru Films / 4 Cats Pictures / El Pacto La Película / Mogambo / Movistar+ / Televisión Española (TVE) Género: Fantástico
Reparto: Belén Rueda, Mireia Oriol, Darío Grandinetti, Antonio Durán, Josean Bengoetxea,Carlus Fàbrega, Vanessa Buchaca
Sinopsis: Una mañana, Clara (Mireia Oriol), la hija adolescente de Mónica (Belén Rueda) desaparece en extrañas circunstancias. Horas más tarde es encontrada inconsciente, con vida pero condenada a una muerte inminente.
Mónica se niega a aceptar la irremediable pérdida de su hija y, arrastrada por la desesperación, participa en un oscuro ritual donde un misterioso hombre le propone un pacto para salvar la vida de Clara. Al día siguiente y de forma inexplicable Clara vuelve a la vida. El viaje hacia el infierno de Mónica ha comenzado.
Con El Pacto David Victori demuestra su buen pulso en la dirección. Con un inicio impecable, en el cual nos presenta a los personajes principales y nos introduce en el misterio de forma modélica, despertando la curiosidad del espectador, va profundizando en los personajes, pincelada a pincelada, mostrando sus diferentes circunstancias: una madre sobreprotectora debido a la enfermedad de su hija; una hija adolescente que ya comienza a demandar escapar del control materno; un padre policía ex-alcohólico que tras el divorcio de su esposa vive en un barco. Y sobre todo una intriga que va en aumento conforme avanza la película y a la que comenzarán a sumarse elementos sobrenaturales con un pacto mefistofélico y un precio muy alto a pagar. Lamentablemente también surgen, conforme avanza la cinta, las primeras incongruencias en el guión.
Con buenos golpes de efecto, la película cuenta con Belén Rueda, que al parecer se ha especializado en el género fantástico, algo que si bien resulta positivo, pues no es una actriz nada despreciable, tira para atrás a los fans más acérrimos al género. Mireia Oriol hace su segundo papel cinematográfico tras E.S.O (Entidad sobrenatural oculta) de Santiago Lapeira, cinta también de temática fantástica, y finalmente, el argentino Darío Grandinetti vuelve a demostrar su eficacia como padre de la joven.
David Victori se dio a conocer como ganador del Festival de Cortometrajes de YouTube en 2012, premio que le llevó a rodar Zero, un proyecto producido por Ridley Scott y Michael Fassbender que le convirtió en uno de los directores jóvenes más interesantes a nivel internacional. El pacto es su ópera prima.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 10 de agosto de 2018 *
EL REHÉN (Beirut, Brad Anderson, 2018)
USA. Duración: 109 min. Guion: Tony Gilroy Música: John Debney Fotografía: Björn Charpentier Productora: Radar Pictures / ShivHans Pictures. Distribuida por Bleecker Street Media [USA] Género: Thriller.
Reparto: Jon Hamm, Rosamund Pike, Mark Pellegrino, Dean Norris, Shea Whigham,Alon Aboutboul, Jonny Coyne, Larry Pine, Jay Potter, Ben Affan, Mohamed Zouaoui, Mohamed Attougui
Sinopsis: El rehén cuenta la historia de Mason Skiles (Jon Hamm), uno de los diplomáticos más importantes de Estados Unidos que abandonó el Líbano en la década de los 70 tras un trágico incidente. Diez años más tarde, la CIA lo cita de nuevo en un Beirut devastado por la guerra con una misión que sólo él puede cumplir. Mientras tanto, una agente de la CIA (Rosamund Pike) que trabaja encubierta en la embajada estadounidense tiene la tarea de mantener a Skiles con vida y asegurar que la misión sea un éxito. Sin saber quién está de su lado y con muchas vidas en juego, Skiles debe superar todos los obstáculos para exponer la verdad.
Presentada en la pasada edición del festival de Sundance, El rehén reproduce, sin caer en los excesos, las dos décadas en la que se desarrolla la acción, los años setenta y los ochenta, el los que el protagonista Mason Skiles (Jon Hamm) deberá enfrentarse con su pasado mirando cara a cara al responsable de la tragedia que partió su vida en dos. Todo ello en una historia que puede resultar un tanto compleja si no se tienen los mínimos conocimientos sobre términos como el Mossad, siglas como la OLP o qué sucedió en Munich en 1972, elementos históricos que sirven de marco y enriquecen la verosimilitud de la acción, que resulta bien sencilla, pues si la despojamos de las diferentes intrigas, de lo que se trata, únicamente, es de que el protagonista medie y negocie con los palestinos el intercambio de un rehén.
La trama cuenta con la tensión necesaria, la intriga, la acción y las suficientes situaciones explosivas (discúlpennos el chiste fácil), para resultar altamente entretenida y emocionante en su clímax. Así como con un impecable anti héroe que no tiene nada que perder, encarnado por Jon Hann. Rosamund Pike resulta convincente en el papel de una tan gélida como poderosa agente de la CIA, un personaje que va mucho más allá de servir de simple interés romántico del protagonista.
THE EQUALIZER 2 (Antoine Fuqua, 2018)
USA. Duración: 120 min. Guion: Richard Wenk (Personaje: Richard Lindheim, Michael Sloan) Música: Harry Gregson-Williams Fotografía: Oliver Wood Productora: Columbia Pictures / Lonetree Entertainment / Mace Neufeld Productions / Sony Pictures Entertainment (SPE) / Fuqua Films / Escape Artists Género: Thriller
Reparto: Denzel Washington, Ashton Sanders, Pedro Pascal, Bill Pullman, Melissa Leo,Jonathan Scarfe, Sakina Jaffrey, Lexie Roth, Caroline Day, Donald Cerrone,Abigail Marlowe, Alin Halajian, Annie Pisapia, Joseph Oliveira.
Sinopsis: Si tienes un problema y no sabes a quién acudir, Robert McCall es tu hombre. Él es The Equalizer. McCall asegura una justicia inquebrantable para los apaleados, explotados y oprimidos, pero cuando su peligroso pasado llama a la puerta, necesitará de todas sus habilidades para ajustar las cuentas. Esta vez deberá enfrentarse cara a cara con asesinos altamente entrenados que no pararán hasta acabar con él.
Denzel Washington retoma uno de sus personajes más característicos en la primera secuela de su carrera. Y aunque el resultado es algo inferior, contiene, al igual que aquella, altas dosis de brutalidad, característica que distinguía The Equalizer (2014) del resto de los thrillers al uso. Dirigida, al igual que la primera entrega, por el prolífico Fuqua, The Equalizer 2 contiene las suficientes escenas de acción e intriga como para resultar un entretenimiento de primera. Además, no es fundamental tener fresca la primera o incluso no haberla visto para disfrutar de las aventuras de este ex-militar declarado oficialmente muerto metido a taxista justiciero con afición a quebrar el mayor número de huesos a sus contrincantes.
Destaca su parte final, rodada a la manera de un western, con una eficaz banda sonora y un viento que ya en el climax, se convertirá en todo un huracán, que con la calma volverá a dejar abierta la puerta a una tercera entrega.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 27 de julio de 2018 *
MISIÓN: IMPOSIBLE-FALLOUT (Mission: Impossible – Fallout, Christopher McQuarrie, 2018)
USA. Duración: 148 min. Guion: Christopher McQuarrie Música: Joe Kraemer Productora: Paramount Pictures Género: Acción
Reparto: Tom Cruise, Rebecca Ferguson, Henry Cavill, Simon Pegg, Vanessa Kirby,Michelle Monaghan, Alec Baldwin, Angela Bassett, Sian Brooke, Ving Rhames
Sinopsis: Sexta entrega de la saga. En esta ocasión presenta a Ethan Hunt (Tom Cruise) y su equipo IMF (Alec Baldwin, Simon Pegg, Ving Rhames), con algunos aliados conocidos (Rebecca Ferguson, Michelle Monaghan), en una lucha contrarreloj después de que una misión salga mal.
Hay que admitir que sin lugar a duda los responsables de esta saga saben lo que se hacen. Y también cuando deben de estrenar una película, pues Misión: Imposible-Fallout podría ser el bombazo de este verano, pues tiene absolutamente todo lo que se le puede pedir a una película y todo lo que apetece ver en estas fechas estivales: acción, escenarios suntuosos y de ensueño, más acción, agentes dobles, persecuciones espectaculares, peleas en el límite, glamour, mucha más acción e, incluso ¡Superman!, pues Henry Cavill, actor que mejor a encarnado al superviviente de Krypton (con permiso de Christopher Reeve) interpreta a un agente de la CIA que incordiará a nuestros amigos de IMF.
Gran parte de la acción tendrá lugar en París, en cuyas calles Tom Cruise tendrá ocasión de conducir temerariamente de tal modo que se vea que es él el que realiza muchas de sus escenas de riesgo.
Aunque la cinta hace referencia a una entrega anterior de la saga, no es necesario tenerla fresca en mente para disfrutar de este gran espectáculo pirotécnico, que contiene un clímax de infarto, con todos los elementos necesarios para tener al espectador pegado a su butaca sin pestañear los 148 minutos de película haciendo caso omiso a la presión de su vejiga, pues es imposible perderse ni uno solo de los fotogramas de esta Mision: Imposible-Fallout, que sigue demostrando que la saga goza de muy buena salud.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 20 de julio de 2018 *
HAPPY END (Michael Haneke, 2017)
Austria/Francia/Alemania. Duración: 110 min. Guion: Michael Haneke Fotografía: Christian Berger Productora: Les Films du Losange / X Filme Creative Pool / Wega-Film / arte France Cinéma / France 3 Cinéma / Westdeutscher Rundfunk (WDR) / Bayerischer Rundfunk (BR) / Arte France / Le Studio Canal+ / Ciné+ / Centre National du Cinéma / France télévisions / ORF Film/Fernseh-Abkommen / Filmförderungsanstalt / Eurimages Género: Drama
Reparto: Isabelle Huppert, Jean-Louis Trintignant, Mathieu Kassovitz, Fantine Harduin,Toby Jones, Franz Rogowski, Laura Verlinden, Aurélia Petit, Hille Perl,Hassam Ghancy, Nabiha Akkari, Joud Geistlich, Philippe du Janerand,Dominique Besnehard, Bruno Tuchszer, Alexandre Carriere, Nathalie Richard,David Yelland, Maryline Even, Frédéric Lampir, Jack Claudany, Waël Sersoub,Marie-Pierre Feringue, Maëlle Bellec, David El Hakim, Timothé ‘Tim’ Buquen
Sinopsis: La película gira en torno a una familia burguesa que posee una empresa en Calais, al lado de los campamentos donde viven miles de refugiados.
Haneke realiza esta, podría decirse, secuela de su anterior filme, Amor (Amour, 2012) contando con el mismo protagonista de aquella, Jean-Louis Trintignant. Y vuelve para hablarnos de nuevo de la muerte, pero también de la indiferencia de los miembros de una familia, que representa a nuestra propia sociedad, ante el sufrimiento ajeno. No ya de los refugiados tan lejanos como cercanos; ni del dolor de la pequeña hija de sus sirvientes, emigrantes, al ser atacada por la mascota de la casa; sino también ante los propios miembros de la familia, concretamente los más indefensos del clan: el anciano abuelo que interpreta Trintignant, y su nieta, encarnada de manera muy eficaz por la prometedora Fantina Harduin, que iniciará con su abuelo una deliciosa y sutil complicidad. Todo esto lo satina Haneke con un humor muy negro, pero también muy sano, que consigue que la digestión del patetismo que emerge de la pantalla nos resulte más llevadera.
Demuestra el director que sabe como utilizar las diferentes pantallas (móvil, ordenador…) con las que se comunican los personajes entre sí y que sirven para mostrar los diferentes lenguajes con los cuales estos se expresan. Algo que se suma a la habitual economía de planos y movimiento de cámara que caracteriza a Haneke.
Como en Amor, la acción se sitúa en un entorno acomodado lo que servirá, en esta ocasión, para que el director incluya crítica social a la historia. Todo ello en una trama que se irá construyendo por medio de sus personajes, de forma pausada, mediante sus diálogos, sus acciones y los mensajes que estos escribirán en las pantallas de sus ordenadores y teléfonos. Precisamente esta forma de narrar hace que el espectador no sepa, desde el primer momento, que es lo que está sucediendo, teniendo que hilvanar la trama conforme avanza la acción.
Con el protagonismo también de la muy ocupada Isabelle Huppert, Mathieu Kassovitz y Toby Jones, el realizador austriaco Michael Haneke reunirá a tres generaciones de una familia bajo el mismo techo. Con sus miserias y sus patrañas. Una falsedad que, irremediablemente, no tendrá final feliz. Los jóvenes tan solo desean seguridad y cariño y los ancianos morir en paz, dejando tras de sí una sociedad mejor que la que encontraron.
Michael Haneke, ganador de un Oscar (Amor) y de dos Palmas de Oro de Cannes (La cinta blanca y Amor) entre numerosos premios internacionales, es uno de los directores más relevantes en la actualidad. Happy End se presentó en la Sección Oficial de Cannes y posteriormente en la Sección Perlas del último festival de cine de San Sebastián, y ahora llega a nuestras pantallas como una de las más atractivas propuestas para este fin de semana.
Serendipia
Proyecto Naschy 
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