Archivo

Archive for the ‘CINE FANTÁSTICO Y DE TERROR ESPAÑOL’ Category

“Amigo”, sorpresa mayúscula del cine de terror español, llega a Filmin el próximo 12 de marzo

El debut de Óscar Martín es un asfixiante thriller psicológico que ofrece un magistral duelo interpretativo entre Javier Botet y David Pareja.

Filmin estrena el próximo viernes 12 de marzo, en exclusiva en España, la película “Amigo”, una de las últimas grandes sensaciones de nuestro cine y del circuito de festivales de cine fantástico y de terror.

 

Triunfadora en certámenes como Molins de Rei, Nocturna Madrid, Toulouse o Alicante, la ópera prima de Óscar Martín es un asfixiante thriller psicológico que narra la extraña, dependiente y desquiciada relación de amistad entre David y su mejor amigo Javi, quien ha quedado postrado en una silla de ruedas tras sufrir un grave accidente. David ha decidido entregar su vida al cuidado de su amigo, a quien ha alojado en su casa de la montaña, aislada de toda civilización. A medida que pasen los días y las nevadas en la zona les dejen incomunicados, la relación entre ambos se irá volviendo más tóxica y su estabilidad psicológica más débil.

Javier Botet (uno de los actores más prolíficos del cine de terror internacional, presente en numerosas producciones de Hollywood) y David Pareja (figura del posthumor patrio, visto en films como Magical Girl o Matar a Dios) dan un giro de 180 grados al tono de sus papeles habituales y se entregan a un drama oscuro y perturbador de enorme exigencia emocional y física. Me encanta la idea de cambiar el rol habitual de actores de comedia e introducirles en un universo triste y oscuro, afirma Óscar Martín, que compara su película con títulos como Misery o ¿Qué fue de Baby Jane?

Amigo

País y año de producción: España, 2019.

Duración: 85 minutos.

Dirección: Óscar Martín.

Guion: Javier Botet, Óscar Martín y David Pareja.

Dirección de fotografia: Alberto Morago.

Música: Manú Conde.

Intérpretes: Javier Botet, David Pareja, Patricia Estremera, Esther Gimeno, Alfonso Mendiguchia.

Desiree Akhavan

ÓSCAR MARTÍN

DIRECTOR

Con más de 20 años de experiencia en el audiovisual, siempre junto a la productora Elena Muñoz, Martín se ha dedicado a los más diversos géneros y formatos: publicidad, vídeos musicales, documentales, videoarte… sin perder su vinculación con la escena del cine fantástico. Cortos de ficción como “Full of Empty” (2003) o “Bonsai” (2011) anticiparon su debut en el largo con “Amigo”.

Gustavo Hernández dirige el remake del título Israelí “Big Bad Wolves”

25 febrero 2021 Deja un comentario

Dirigida por Gustavo Hernández (La casa muda, No dormirás), de quien ya les hablamos hace muuuchos años, estos días se rueda en la provincia de Cádiz Lobo feroz, un thriller asfixiante y oscuro, no exento de un ácido humor y ambientado en algún punto recóndito Andalucía.

Lobo Feroz será una visión renovada del film israelí Big Bad Wolves (Aharon Keshales y Navot Papushado, 2013), cinta alabada en su día por Quentin Tarantino como mejor película del año y ganadora del premio a la mejor dirección en Sitges entre numerosos festivales internacionales.

Adriana Ugarte, Javier Gutiérrez y Ruben Ochandiano protagonizan esta dura historia de venganza y atroces crímenes sin resolver, en la que los personajes se mueven al filo de la ley. Junto a ellos, Juana Acosta, Manu Vega y Antonio Dechent completan el reparto principal de la película

SINOPSIS

Un policía al borde de la ley y una mujer en busca de venganza, cruzan sus caminos obsesionados con descubrir al asesino que se esconde tras los brutales crímenes de varias niñas. Ambos están dispuestos a hacer lo que sea necesario para lograr su confesión, aunque para ello tengan que tomarse la justicia por su mano. Una modélica detective luchará contra el reloj evitar que se cometan errores irreparables y que esa desesperada búsqueda de la verdad se convierta en el más feroz de los lobos.

La película es una producción de Bowfinger International Pictures, con María Luisa Gutiérrez al frente, responsable de las películas más taquilleras en España de los últimos años (Padre no hay más que uno y Padre no hay más que uno 2) y Lobo Feroz AIE,  en coproducción con la empresa uruguaya  Mother Superior liderada por el reconocidísimo Ignacio Cucucovich (La Casa Muda), Film Shark de Guido Rud,Esto También Pasará de Alvaro Ariza y Basque Films con Carlos Juarez (que recogió en Toronto el Premio del Público en la Sección Midnight Madness con El hoyo)

El rodaje llega a Andalucía de  la mano del coproductor gaditano de la ecuación, Alvaro Ariza con ESTO TAMBIÉN PASARÁ (La Casa del Caracol).  Un rodaje que, tomando San Fernando como base de operaciones con la estrecha colaboración del ayuntamiento de la ciudad, se desarrolla en diversos puntos de la provincia con localizaciones en San Fernando, Barbate, Vejer de la Frontera, Chiclana, Sancti Petri o la propia ciudad de Cádiz. El rodaje ha contado con el apoyo de la Diputación de Cádiz.

En la coproducción encontramos también a Film Shark, que se encargará de las ventas internacionales.

La película cuenta con el apoyo del ICAA y la participación de NETFLIX que la estrenará en su plataforma tras el paso por las salas con la distribución de FILMAX.

Lobo feroz llegará a los cines de toda España la próxima temporada.

Sobre Gustavo Hernández

Dirigió su primer largometraje en el año 2010, “La Casa Muda”, película de terror narrada en un único plano secuencia que obtuvo una gran repercusión internacional, con estreno mundial en el festival de Cannes y seleccionada por Uruguay en la carrera de los Oscar. La película se convirtió en un suceso de críticas y ventas en el mundo y logró la realización, por primera vez en el cine uruguayo de una remake en Hollywood: Silent House.

En el 2014 realiza su segundo largometraje, “Dios Local”, estrenada en el Fantastic Fest de USA para luego seguir una extensa gira en prestigiosos festivales como Sitges, Bifán, Río, Ithaca New York.

En 2018 estrena “No Dormirás”, una coproducción con Argetina, España y Uruguay y distribución de FOX. En enero de 2018 se convirtió en la película de género de terror Argentina más taquillera de la historia del cine argentino.

‘La abuela’, la nueva película de terror de Paco Plaza, en cine el 22 de octubre

12 febrero 2021 Deja un comentario

 

La abuela, la nueva película de Paco Plaza, tiene previsto su estreno en cines de toda España el próximo 22 de octubre de 2021.

Producida por Apache Films, en asociación con Atresmedia Cine y Sony Pictures International Productions, y con la participación de Atresmedia y Amazon Prime Video, la película cuenta con guion de Carlos Vermut a partir de una idea original de Paco Plaza. El filme está coproducido por Sylvie Pialat y Alejandro Arenas.

El rodaje tuvo lugar en 2020 entre Madrid y París, y está protagonizada por Almudena Amor y la actriz brasileña Vera ValdezTras su paso por las salas de cine, la película estará disponible en Amazon Prime Video.

Sinopsis

Susana (Almudena Amor) tiene que dejar su vida en París trabajando como modelo para regresar a Madrid. Su abuela Pilar (Vera Valdez) acaba de sufrir un derrame cerebral. Años atrás, cuando los padres de Susana murieron, su abuela la crio como si fuese su propia hija. Susana necesita encontrar a alguien que cuide de Pilar, pero lo que deberían ser solo unos días con su abuela, se acabarán convirtiendo en una terrorífica pesadilla.

Paco Plaza (Valencia, 1973) es una de las figuras imprescindibles del cine de género en nuestro país. Creador junto a Jaume Balagueró de la saga ‘[REC]’, su película ‘Verónica’ (2017) recibió 7 nominaciones a los Premios Goya y un importante éxito de taquilla y de crítica a nivel internacional. En 2019, Plaza estrenó ‘Quién a hierro mata’, que obtuvo 3 nominaciones a los premios de la Academia de Cine Español.

Novedades Diábolo Ediciones: febrero 2021

11 febrero 2021 Deja un comentario

Interacción fotografía-cómic, cine, fantamagorías, anime y cómic entre las muchas novedades de Diábolo Ediciones para este mes de febrero. 

MÁS INFORMACIÓN: 

 

Arranca el rodaje de ‘El cuarto pasajero’, la nueva película de Álex de la Iglesia

Una inquietante road movie con tintes de comedia romántica arranca con El cuarto pasajero, el nuevo proyecto cinematográfico como director de Álex de la Iglesia y con Blanca Suárez (‘El verano que vivimos’, ‘El bar’), Alberto San Juan (‘Sentimental’, ‘El otro lado de la cama’), Ernesto Alterio (‘Perfectos desconocidos’, ‘Lo dejo cuando quiera’) y Rubén Cortada (‘El Príncipe’‘Lo que escondían sus ojos’) en su reparto principal.

Coescrita por el propio Álex de la Iglesia y Jorge Guerricaechevarría, el proyecto vuelve a reunir al director con los productores Telecinco Cinema y Pokeepsie Films tras el éxito de taquilla y el reconocimiento de la crítica alcanzados en 2017 con Perfectos desconocidos, situada entre las diez películas españolas con mayor recaudación del cine español. La nueva película llegará a las salas de cine de la mano de Sony Pictures Entertainment Iberia S.L.U.

En El cuarto pasajero, Julián (Alberto San Juan), un divorciado de 50 años con problemas económicos, recurre a una aplicación para compartir su coche con desconocidos y, en especial, con alguien que ya no lo es tanto: Lorena (Blanca Suárez), una joven que viaja a menudo a Madrid. Desde hace meses tiene un asiento fijo en su coche y últimamente también en su corazón. Julián quiere aprovechar el viaje para sincerarse con ella, pero un error a la hora de escoger el resto de los ocupantes (Ernesto Alterio y Rubén Cortada) incluye a un inquietante pasajero, que provocara? un radical cambio en el rumbo de los acontecimientos.

‘EL CUARTO PASAJERO’ es una producción de Telecinco Cinema, Pokeepsie Films SL y Te Has Venido Arriba A.I.E., con la participación de Mediaset EspañaMovistar+ y Mediterráneo Mediaset España Group, y con la distribución de Sony Pictures Entertainment Iberia S.L.U.

El rodaje, que arrancó el pasado lunes, tendrá lugar durante siete semanas en distintas localizaciones de Madrid, País Vasco y La Rioja.

Ghislain Barrois, consejero delegado de Telecinco Cinema, ha indicado que “un dicho francés proclama que no se cambia un equipo ganador. Por esta razón, después del enorme éxito de ‘Perfectos Desconocidos’, nos hemos embarcado en un nuevo proyecto con el mismo director, guionista, productores e, incluso, en alguno casos con los mismos actores, una road movie alocada que solo un director con el talento de Álex puede llevar a buen puerto”.

Actualmente el rodaje se desarrolla en Bilbao y, para su alcalde, Juan Mari Aburto“es un privilegio tener de nuevo en nuestra ciudad a Álex de la Iglesia, bilbaino e ‘Ilustre’ de nuestra Villa, la mayor distinción que el Ayuntamiento de Bilbao concede a aquellas personas que contribuyen a difundir el buen nombre de nuestra ciudad. Álex sabe que tanto sus películas como su persona son muy queridas en Bilbao”. Además, ha puesto en valor la labor que el equipo está realizando en este nuevo film, así como el esfuerzo en un momento como el actual, reforzando todas las medidas de seguridad. “Estoy seguro de que ‘El Cuarto Pasajero’ será todo un éxito y esperamos que Álex regrese más a menudo a Bilbao, donde nuestras puertas siempre están abiertas para ayudar y contribuir a relanzar el sector audiovisual”.

Hector Caño edita Supersonic Man y otras de sus obras en tapa dura

Eneasbeat es el seudónimo de Héctor Caño, un dibujante, guionista, editor, estudioso y teórico del cómic que lleva 14 años creando y editando páginas y páginas repletas de aventuras protagonizadas por personajes propios, muchos de ellos claros homenajes a creaciones universales que han poblado de fantasía los sueños de muchos lectores.

Licenciado en Humanidades y Master en Antropología Aplicada, además de Doctorado en Filosofía en diversas universidades, Caño ha realizado comics, cortometrajes y audiovisuales. Muchos como para resumirlos en tan corto espacio. Algunos de ellos con trazos que homenajean desde el Manga a los superhéroes, creando en ese campo un universo particular habitado por personajes como los Super-Freaks, grupo conformado por sosias de actores reales que fueron devorados por sus personajes (Bela Lugosi, Johnny Weissmuller, Adam West, Leonard Nimoy…) Eneasbeat también ha escrito, dibujado y editado novelas gráficas, como la denominada trilogía americana, compuesta por Clubd-La Eneida (2008), Providence Dream (2009) y El cine de los pobres (2010), y es autor, entre otros, del libro Del Objetivismo de Ayn Rand a los cómics de Steve Ditko (Liber Factory, 2019)

En 2010 crea a Anteros XX, personaje que protagoniza The Book of Flesh (2010) otra novela gráfica en esta ocasión con guión de Ferran Brooks, y en 2012 junta a todos sus superhéroes, incluidos los Super-Freaks en el voluminoso tomo Legion Cosplay. Crisis en Tierra Alpha, según el autor “una fiesta donde todo el mundo está invitado“, y por cuyas páginas “desfilarán Drácula, Billy el Niño, Hércules, Sherlock Holmes…” además de… Supersonic Man.

Y es que Héctor Caño recupera así el personaje que creó el director cinematográfico Juan Piquer Simón para su película de 1978, protagonizada por el primer superhéroe español, primero introduciéndolo en las aventuras de sus propios personajes y más tarde como protagonista de su propio comic book, del que hasta ahora Caño ha publicado cuatro números.

Pues bien, todas estas nuevas aventuras de Supersonic Man, junto a una amplia muestra de los trabajos de Caño pueden adquirirse, a un precio más que ajustado, en tres tomos que reúnen lo más destacado de la obra de Eneasbeat. Tres voluminosos tomos que resumen varios años de trabajo al margen de la industria y que muestran más que cualquier currículum la personalidad del autor.

Uno de los tomos, Marcha Zombie: orígenes, está compuesto, en su mayoría, por encargos y colaboraciones, con algunos trabajos guionizados por Ferran Brooks. El cómic que da título al libro está realizado como contribución a la Marcha Zombie de Madrid y es quizás su pieza más comercial y convencional en cuanto a guion. Si cuesta encontrar en esta historieta el estilo detallista del autor, es porque decide dibujarlo “con un estilo deliberadamente tosco” como explica él mismo, trabajando sin boceto previo y utilizando rotuladores de trazo grueso. Así que, si bien el guion no era tan enrevesado u original como en otras ocasiones (estamos hablando de zombies y si no está todo dicho, poco queda ya por decir), sí que ofrece visualmente un resultado más fresco, más ágil. Ideal para la historia que está tratando. El libro contiene, como hemos señalado, más historias, y además de muertos andantes, por sus hojas circulan asesinos en serie y, claro, superhéroes, como Anteros XX, una creación propia que ya conocen los seguidores del trabajo de Eneasbeat.

El segundo de los tres tomos a reseñar, La eneida y otras historias, es el más personal del autor y reúne algunas de las novelas gráficas realizadas, tal y como cuenta el mismo Héctor en el prólogo del tomo, durante las vacaciones estivales de la universidad. En todas las historias que comprende este volumen, Clubd (El Club Diógenes no existe), La Eneida, Providence Dream y El cine de los pobres, puede leerse entre líneas y sentir lo que vivía el autor en sus propias carnes mientras realizaba su obra. Su niñez como lector apasionado de tebeos, una afición que continúa alimentando su fantasía, como la de tantos otros, pues afortunadamente el cómic ha dejado de ser considerado, al contrario de cuando éramos niños, una lectura infantil (o juvenil) para pasar a formar parte, con casi total normalidad, de la vida de los lectores adultos. Leemos las aspiraciones y la incomprensión de sus personajes. También el enamoramiento y la ruptura. La alegría y la tristeza. La soledad. Y uno cree percibir todo esto porque la sensibilidad de lo narrado desborda las viñetas y aunque la acción de sus cómics se desarrollan en Idaho o Providence, son historias que podrían haber sucedido en tu ciudad. En tu calle. En tu bloque.

Y finalmente el tomo estrella, el que hizo que muchos nos acercáramos a Eneasbeat llamados por su conexión con el cine fantástico español. Supersonic Man Compendio contiene todas las páginas que Héctor Caño ha dedicado al personaje, con una inmejorable calidad de impresión y de papel que resalta el trazo más trabajado y el cariño con el que ha tratado al personaje. Cada uno de los episodios contiene una introducción en la que Eneasbeat explica las circunstancias de cada aventura e incluso el significado de las mismas para quien no ha sabido entenderlas, pues el Supersonic Man de Héctor Caño es un homenaje al personaje de Piquer Simón, sí, pero también a los personajes olvidados del cómic español e incluso al actor que dio vida al personaje, José Luis Ayestarán. Además de un pescozón a la industria y al fandom de nuestro país, compuesto por grupos y grupúsculos, familias y entidades dotadas de la facultad de la autofelación.

El tomo Supersonic Man Compendio, finalmente, es todo un regalo para los que pensamos que Héctor Caño ha realizado el mejor Supersonic Man que podría haberse creado. En un tomo que termina dejando al personaje en lo más alto, tanto en guion como en dibujo, dejándonos con la miel en los labios, pero también con una sonrisa de satisfacción.

Y es que a Héctor le mueve la pasión. Y de eso sabe mucho. Personalmente sus ambiciones y objetivos son otros y la labor que realiza la hace por amor al medio. Por eso mismo se apoya, a la hora de difundir su trabajo, en los que como él y sin ningún tipo de pretensiones más allá de la satisfacción personal y el amor hacia lo que hacen, escriben sobre sus pasiones. Pues los que hemos hecho fanzines y ahora escribimos en blogs o páginas web, siempre al margen del sistema, sabemos de lo que habla.

Hace muy poco leí una despectiva opinión, bueno, más bien afirmación, sobre la supuesta escasez de valor del trabajo de aquellos que escriben sobre cine a cambio de una acreditación en un festival o un pase de prensa, poniendo como ejemplo a seguir a su compañero, que tan solo se mueve o relaciona con los demás cuando hay ganancias de por medio, aunque sea pisando proyectos ajenos.

Pero tanto Héctor como nosotros sabemos que la pasión da sus frutos, sobre todo cuando no se esperan, pues el que hace algo por amor, sencillamente por amor, ya se siente premiado con el itinerario. Incluso aunque lo que escriba nunca se publique. O la película que ha rodado tan solo se vea en festivales minoritarios. O no se vea. O no se termine. O no se comience.

“¡Que la fuerza de las galaxias sea contigo!”

¡Ni te me acerques!, una farsa pandémica

John L. Sullivan quería rodar una película sobre la miseria y el sufrimiento de una sociedad devastada por la Gran Depresión, por eso inicia un viaje por la América menos glamurosa para conocer de primera mano los apuros y padecimientos de sus conciudadanos. Todo viaje tiene mucho de iniciático, el de Sullivan lo es, y el conocimiento que extrae le hace replantear todas sus convicciones: no es el drama el que libera al oprimido, sino el humor que le permite distanciarse de su realidad, evadirse por un momento de sus yugos, y así encarar su vida con mayor presencia de ánimo. Preston Sturges, el director de Los viajes de Sullivan (Sullivan’s Travels, 1941), realiza con esta película toda una toma de conciencia: la risa es la mejor arma que tienen los humanos para combatir sus males.

Y lo cierto es que son las épocas más marcadas por acontecimientos históricos adversos aquellas en las que florece con más vigor la comedia. En la España de la transición, que no fue tan modélica como quisieron vendernos sino que se cobró mucha sangre y sembró mucho dolor, nacía en la capital del reino una corriente generacional que acabó denominándose “Nueva comedia madrileña”. Un plantel de realizadores jóvenes debutaban con películas que plasmaban las cuitas cotidianas de aquella generación que había germinado en el tardofranquismo y se había enfrentado a la vorágine de cambios que había acelerado la muerte (en la cama) del dictador. Necesitaban aire fresco y es el que vinieron a traer.

También ahora estamos atravesando un momento crítico, el primer mundo se ha visto enfrentado a algo que parecía ocurrir solo en las lejanas tierras tercermundistas. Y no estábamos preparados. La pandemia reúne en sí misma una crisis sanitaria que lo es (y será más) también económica y social. Una situación que trae consigo secuelas psicológicas que nos acompañarán durante un buen periodo de tiempo. Y habrá que hacer cine de guerrilla para exorcizarlas. Alimentará nuestros miedos y, a la vez, nuestra indignación. Acelerará los cambios que venían de la mano de la progresiva globalización digital haciendo que algunos casi queden a contrapié y otros, más raudos a la hora de coger el tren, vivan la intensificación de las contradicciones de la era tecnológica en todas las esferas, también, por supuesto, en la personal. Todos vamos a necesitar coger aire. Va a hacer falta mucha comedia.

Si habrá una corriente de comedias pandémicas, se verá, lo que sí es presente es el último trabajo de Norberto Ramos del Val: ¡Ni te me acerques! El director cantábrico (que no cántabro) ha disparado la primera bala y ha tomado el pulso de estos tiempos de cuarentena que nos han tocado en suerte. ¡Ni te me acerques! nos trae a un Ramos del Val más tranquilo y accesible, quizás más maduro, que logra reírse de las dificultades que ha impuesto el virus en nuestras relaciones más inmediatas, ahora mediadas por la distancia de seguridad y la reducción del contacto social. Y lo hace con una farsa romántica en la que los personajes padecen las mismas angustias neuróticas que han recorrido lo que llevamos de siglo, pero a las que se ha sumado el descalabro de la situación que hace al otro todavía más temible. Paradójicamente, si se quiere, los protagonistas de este último trabajo son más capaces de retomar las riendas de sus vidas, como si la pandemia, como buena situación límite que es, hubiera permitido encarar las limitaciones, propias y ajenas, con una precisión mucho más quirúrgica que antes. Porque todo es más incierto, más provisional, ahora acopiamos fuerzas de flaqueza y nos desprendemos de las vendas de nuestros ojos, de las excusas que nos damos para no hacer o no ser lo que deseamos.

¿Qué hará Juan Manuel de Prada implicado en esta comedia?

El miedo nos hace más valientes, parece decirnos Ramos del Val. Su comedia es fresca, pero también reflexiva, viene aderezada con grandes dosis de desfase, otras tantas de ironía, y unas cuantas gotas de metatextualidad, como ya es marca de la casa. Parodia cañí de El resplandor (Stephen King está sobrevalorado, es la broma), las desventuras del escritor nobel en tiempos de confinamiento que la protagoniza sirven como vehículo para transitar los caminos que hemos de recorrer para encontrarnos y sincerarnos. Con todos los tics de una generación, ¡Ni te me acerques! logra traspasar las barreras de la edad y hacerse entender por todos. Quizás porque el confinamiento nos ha vuelto a todos frágiles como infantes indefensos. Quizás porque el encierro con nuestro propio yo a cuestas todo el tiempo ha hecho que todos maduremos.

¡Ni te me acerques! es una cinta de visionado obligatorio, porque es pionera, porque es liviana y alivia, porque es ponderada y necesaria para entender qué está pasando. Y porque nace sin ínfulas, es un acto sincero de catarsis personal al que estamos todos invitados, pero dejemos que el comentario lo acabe el propio autor: “Rodada en julio, justo después del primer confinamiento en Ariño (Aragón), ¡NI TE ME ACERQUES! tiene el propósito de hacer reír al espectador y hacerlo en los extraños y a veces sombríos días que seguimos viviendo.

Dicen que comedia es tragedia más tiempo y por eso buscamos hacer reír desde la distancia de los peores días y siempre desde el respeto. Pero sonriendo, porque ya nos hace falta.

Sin pretender quitarle importancia al maldito virus, mientras creábamos esta agridulce comedia romántica nos enfrentábamos a sobrellevar la cuarentena con una visión positiva. Una visión que hemos plasmado en una comedia con la que pasar un sano buen rato, ya sea en casa o en los diezmados cines. Porque ya es hora de reírse, de relajarse un rato, de evadirse.

Y esperamos que ahora, mientras seguimos intentando pasar este mal trago de la mejor manera posible y luchando para que acabe pronto, nos riamos de nosotros mismos viéndonos reflejados en los conflictos y absurdas decisiones de los personajes de ¡NI TE ME ACERQUES!, nuestra pequeña farsa pandémica.

Bienvenidos a la nueva anormalidad“.

Y bienvenida sea esta especie de nueva conciencia, que nos hace dar cuenta de nuestra fragilidad, si de ella han de nacer obras que nos renuevan mientras nos arrancan una sonrisa. ¡Ni te me acerques! es esa comedia fresca que necesitamos para comprender qué nos está pasando, para sobrellevar el temporal con nuestra mejor cara. Reír es y será siempre necesario. Y desde hoy podemos hacerlo desde nuestras casas con la fantasía de Norberto Ramos del Val gracias a la plataforma Filmin: https://www.filmin.es/pelicula/ni-te-me-acerques ¡ Ya están tardando en hacer clic en el enlace!

VAMOS DE ESTRENO * Viernes 18 de diciembre de 2020 *

19 diciembre 2020 Deja un comentario

BABY (Juanma Bajo Ulloa, 2020)

Duración: 106 min. Guion: Juanma Bajo Ulloa Música: Bingen Mendizábal, Koldo Uriarte Fotografía: Josep M. Civit Productora: Frágil Zinema, La Charito Films (Distribuidora: Televisión Española (TVE)) Género: Thriller.
Reparto: Natalia Tena, Harriet Sansom Harris, Rosie Day, Charo López, Mafalda Carbonell, Susana Soleto, Amalia Ortells
Sinopsis: Una joven drogadicta embarazada da a luz en medio de una de sus crisis. Incapaz de ocuparse del bebé, lo vende a una matrona dedicada al tráfico de niños. Arrepentida, la joven tratará de recuperarlo.
Premios
Festival de Sitges: Mejor banda sonora original (Mendizábal & Uriarte)
Premios Feroz: Nominada a mejor música

Aunque el Juanma Bajo Ulloa más interesante ya volvió, tras el exitazo popular de Airbag (1997), con la casi invisible y reivindicable Frágil en 2004, es con Baby con la que vuelve a arriesgar en una obra que no está abierta a todos los gustos, pues pensamos que levantará tanto opiniones tibias, cuando no negativas, como, en menor medida, entusiastas. Serendipia es de los segundos. Ya desde que viéramos el inquietante trailer del filme, nos despertó la curiosidad lo que Bajo Ulloa estaba preparando y, afortunadamente, no solo no nos ha defraudado sino que, muy al contrario, ha estado muy por encima de las expectativas esperadas. Ya desde su inicio mezcla droga, religión y un parto en soledad. Un comienzo de impacto que deja en el espectador un poso de tristeza que no le abandonará durante todo el metraje, mezclando lo bello y lo horrible y pasando de la realidad más descarnada a la fantasía más desbordante transportándonos a la casa de la bruja, a la guarida del ogro, en el que la protagonista jugará al escondite buscando subsanar el que podría ser el error de su vida. Se denota en cada plano un cuidado trabajo de orfebrería desprovisto de pedantería y sí cargado de belleza. Como la de ese icónico chupete de plata y nácar que esconde en su interior un tesoro, una perla. Serendipia sabe que está disfrutando de la mejor película que le ha ofrecido este aciago año. Una cinta que formará parte de su filmoteca particular, cual tesoro, para ser disfrutada una y otra vez. Y es que Juanma Bajo Ulloa ha sido muy valiente escribiendo y dirigiendo una película que posiblemente no sea comprendida, pero Baby, que carece de diálogos y está totalmente protagonizada por mujeres, es el cuento perverso y repleto de magia que muchos estábamos esperando del realizado vasco.

Al igual que ocurre con la vida, la trama de BABY contiene simbolismos y metáforas, tal vez invisibles en ocasiones para el intelecto, pero perceptibles para el corazón o el espíritu. Alegorías que suscitan en el espectador sentimientos no racionales y estimulan una interpretación más profunda. No se emiten juicios ni valoraciones éticas, no hay moralina o paternalismo, los personajes actúan movidos por sus instintos, y es al ancestral instinto al que va dirigido este cuento de vida, lucha y muerte.

Juanma Bajo Ulloa

 

Marc Ferrer rueda ‘Corten’, un Giallo Queer

27 noviembre 2020 Deja un comentario

Marc Ferrer y los colores de la oscuridad

El director Marc Ferrer ha iniciado en Barcelona el rodaje de su nuevo largometraje, ¡Corten!, que protagonizan La Prohibida, además del propio Marc Ferrer, Samantha Hudson, Asul Marina, María Sola y Álvaro Lucas, entre otros artistas, asiduos o no, de la filmografía del cineasta. Se rueda durante dos semanas, en Barcelona. Es una producción de Películas Inmundas, con la colaboración de la productora Canada. Distribuye Filmin, tanto en salas como online.

La Prohibida

En ¡Corten!, Marcos (Marc Ferrer), un director de cine sin mucho éxito, está inmerso en el rodaje de su nueva película, un giallo queer, cuando una serie de terribles asesinatos comienzan a sucederse en Barcelona… y todos parecen tener relación con Marcos.

Según el realizador, ¡Corten! rinde homenaje al cine de terror italiano, el giallo, tan olvidado, y lo revierte con altas dosis de homoerotismo y de personajes que se engloban en el imaginario de lo queer. Además de ser una peli de terror, ¡Corten! es un film sobre la tenacidad de un director iluso que se empeña en hacer una película tras otra, aunque fracase. Porque las películas ya se sabe que hay que hacerlas, como sea. Finalmente, hay una historia de amor imposible entre un director y un actor que se enamora de él a través de su obra”.

La Prohibida, nombre artístico de Amapola López, ya estuvo a las órdenes de Ferrer en su videoclip La Pubblicità, y también en el videoclip de Telenovela, el dueto de La Prohibida con el grupo Papa Topo que formaba parte de la banda sonora de su anterior cinta, Puta y amada.

Habitual de la programación del festival de cine barcelonés D’A, Marc Ferrer (Barcelona, 1984) ha rodado varios cortos y videoclips, y tres largometrajes: Nos parecía importante (2016), La maldita primavera (2017) y Puta y amada (2018). En ¡Corten!, también firma el guion, además de las canciones de la banda sonora. Estas últimas, conjuntamente con Adrià Arbona.

VAMOS DE ESTRENO * Viernes 27 de diciembre de 2020 *

27 noviembre 2020 Deja un comentario

AMIGO (Óscar Martin, 2019)

España Duración: 85 min. Guion: Javier Botet, Óscar Martín, David Pareja Música: Manu Conde Fotografía: Alberto Morago Productora: El Ojo Mecanico Género: Comedia negra.

Reparto: Javier Botet, David Pareja, Esther Gimeno, Zoe Berriatua, Alfonso Mendiguchia, Luichi Macías, Ana del Arco, Patricia Estremera

Sinopsis: Después de un grave accidente, David decide llevarse a su mejor amigo Javi y cuidarlo. Sin embargo, no pasa mucho tiempo antes de que salgan a la superficie las peleas entre los dos, dejando al descubierto una relación envenenada y homicida, más cercana a la locura que a la amistad que parecen tener.

Cuando investigamos la carrera de Javier Botet para la entrevista que le realizamos, pudimos comprobar el buen número de pequeños sketches cómicos que  había realizado con su antiguo compañero de piso, el también actor David Pareja. En ellos podía verse la compenetración que había entre ambos, una sintonía que puede comprobarse en Amigo, ópera prima de Óscar Martín y el largometraje que los reúne. Con guion de los dos actores y el director, Amigo  supone un tour de force interpretativo para ambos actores y se muestra como un excelente debut para su director que demuestra la pericia y buen hacer de los mejores cineastas. Ambientada en algún momento de los años ochenta, la cinta retrata un horror que, no por cotidiano, lo es menos, y lo hace, como no podría ser de otra manera, cargado de un humor negrísimo que impregna la narración.

Rodada en una casa aislada en un paraje rural, ante la amenaza de un temporal que va arreciando conforme avanzan los días y va incomunicando a los personajes, Amigo desprende sordidez por todos sus poros. Es incómoda y opresiva, con un argumento que va desentrañándose conforme avanza la acción y descubriendo paulativamente los motivos que mueven a los dos ‘amigos’ (que se van convirtiendo en enemigos íntimos conforme avanza la trama) a obrar como lo hacen. Javier Botet consigue trasmitir angustia y patetismo en su actuación. Una interpretación merecedora de ‘ese’ reconocimiento que otorga el cine español a las mejores actuaciones del año. Pasará fugazmente por los cines y no deberían perdérsela.

La Comunidad de Madrid fomenta el turismo cinematográfico con una ruta sobre cine fantástico rodado en la región

2 noviembre 2020 Deja un comentario

 Grandes figuras del género, como Paul Naschy, Boris Karloff, Vincent Price, Christopher Lee, Terry Gilliam, Guillermo del Toro o Ray Harryhausen han rodado en la Comunidad de Madrid

 Son películas con localizaciones muy singulares, rodadas especialmente en municipios como Talamanca de Jarama, Pelayos de la Presa, Navacerrada o Torrelodones

La Comunidad de Madrid promueve el turismo cinematográfico a través de la ruta Madrid Fantastic, una iniciativa de Film Madrid, la Oficina de Promoción de Rodajes del Gobierno regional. Esta propuesta tiene un doble objetivo: favorecer el conocimiento de estos escenarios de rodaje, todavía disponibles, para profesionales del cine, y fomentar el turismo cinematográfico en la región, que cada vez cobra más adeptos.

La marca del hombre lobo. Estación de Colmenar Viejo (1968)

El género fantástico ha contado con rodajes de especial importancia en la Comunidad de Madrid, con estrellas y filmes tanto nacionales –La bestia y la espada mágica, de Paul Naschy, o Abre los ojos, de Alejandro Amenábar- como
internacionales. De hecho, grandes estrellas del cine fantástico como Boris Karloff, Vincent Price, Peter Cushing o Christopher Lee han rodado en la región, al igual que importantes directores como Mario Bava, Terry Gillian o Guillermo del Toro. También uno de los nombres de efectos especiales más célebre de la historia del cine, Ray Harryhausen, con su trilogía sobre Simbad y sus criaturas fantásticas, sin olvidar grandes películas como Conan, el bárbaro, que marcó toda una época.

La consejera de Cultura y Turismo de la Comunidad de Madrid, Marta Rivera de la Cruz, ha indicado que “Madrid ha sido y es un inmenso plató de cine, capaz de albergar rodajes de infinitos ambientes. Muestra de ello es esta nueva ruta que pone de manifiesto la versatilidad de nuestros paisajes y calles para recrear escenarios de cualquier tipo”. En este sentido, ha remarcado que “Film Madrid realiza una labor de asesoramiento permanente desde diferentes ángulos tanto geográficos como administrativos con el fin de colaborar con la industria audiovisual y fomentar la región como gran escenario de rodaje”.

Madrid Fantastic puede consultarse en el enlace de la web de la Comunidad e incluye un mapa con tres rutas por municipios madrileños, así como un listado de las principales localizaciones de cine fantástico en la capital. Además ofrece apartados especiales dedicados a: Paul Naschy; los rodajes de las estrellas internacionales del género en la región; el rodaje de Conan, el bárbaro, con Arnold Schwarzenegger; la trilogía de Simbad de Ray Harryhausen; películas de superhéroes y de extraterrestres;  y el Madrid de La torre de los siete jorobados y El día de la bestia. Esta última película, de la que precisamente se cumplen ahora 25 años, cuenta con algunas de las localizaciones más emblemáticas de la capital.

Arnold Schwarzenegger y John Milius. Rodaje de Conan, el bárbaro en Colmenar Viejo (1982)

EL CINE FANTÁSTICO Y LOS RODAJES EN LA COMUNIDAD DE MADRID

Durante décadas, el cine fantástico, que engloba la fantasía, lo imaginario, la ciencia ficción y el terror, fue obviado por el cine español. Lo extraordinario se dejaba a un lado y si se mostraba algo fantástico era en clave de parodia.

En 1944 se rueda una película insólita, que aúna casticismo y fantasía, La torre de los siete jorobados, de Edgar Neville, pero fue la excepción que confirmaba la regla de los géneros tradicionales del cine español. Hasta que, tímidamente, primero El cebo, de Ladislao Vadja en 1958, después Gritos en la noche, de Jesús Franco en 1962, o Ella y el miedo, de León Klimovsky en 1962, se sitúan abiertamente en el terreno fantástico. En 1968 se estrena La marca del hombre lobo, de Enrique López Eguiluz, con Paul Naschy, el cineasta que más películas de género fantástico rodó en la Comunidad de Madrid. Este es el título que inicia de forma continuada el fenómeno del fantástico español que hoy conocemos.

En ese momento España estaba especializada en el rodaje de westerns, ungénero ya con cierta saturación, con lo que se plantea la necesidad de ofrecer
nuevos géneros exportables con la fórmula de coproducción entre países, para conseguir productos baratos y de gran rentabilidad. Por esta búsqueda de la comercialidad y por la imposición de la censura al tratarse de historias cargadas
de violencia y sexo, se ruedan historias de cine fantástico cuyos argumentos se sitúan en otros países y zonas, como Francia, Inglaterra o Transilvania.

A partir de este momento, se desata una fiebre de rodajes que se realizan, en su inmensa mayoría, en la actual Comunidad de Madrid, como La noche de Walpurgis, de León Klimovsky, La residencia, de Narciso Ibáñez Serrador, Viaje al centro de la tierra, de Juan Piquer, Pánico en el Transiberiano, de Eugenio Martín, No profanar el sueño de los muertos, de Jordi Grau, o El retorno del hombre lobo, de Jacinto Molina. Todas ellas fueron rodadas entre 1969 y 1981.

La invasión de los zombies atómicos. Parque de atracciones de Madrid (1980)

Este género necesita localizaciones y edificios singulares, ya sean bosques tenebrosos u oscuros castillos, que se encontraron por toda la actual Comunidad de Madrid y, muy especialmente, en Talamanca de Jarama, San Martín de Valdeiglesias, Pelayos de la Presa, Navacerrada, Lozoya, Torrelodones o la propia capital. Así, hasta llegar a los años más recientes, con un género vivo, con títulos más recientes como Verónica, de Paco Plaza, en el barrio de Vallecas; Malasaña 32, de Albert Pintó, en el edificio Montano; Voces de Ángel Gómez, rodada en Torrelodones, o el largometraje-antología, Vampus Horror Tales, rodado en Leganés, Navacerrada, Colmenar Viejo y Madrid.

Primer cartel y teaser-trailer de ‘Vampus Horror Tales’

28 octubre 2020 Deja un comentario

 

El pasado 11 de octubre se pasaron unos minutos de Vampus Horror Tales, una antología de historias de terror dirigidas por diferentes directores que tienen al guardián del cementerio, Vampus (Saturnino García), como maestro de ceremonía y presentador. En total, cuatro historias dirigidas por cuatro directores debutantes Manuel Martínez Velasco, Isaac Berrocal, Erika Elizalde y Piter Moreira. Más el director Víctor Matellano,  que además realiza la producción creativa de la película.

Con guión de Yolanda García Serrano, Victoria Vázquez, Ignacio López-Vacas, Isaac Berrocal, Piter Moreira, Diego Arjona y Víctor Matellano, Vampus Horror Tales es una producción de Argot Films en asociación con Wild Duck Productions, ViMa pc, Raccord FilmsInfilmity y RedRum basada en una idea original de Víctor Matellano.

Además del entrañable Saturnino García, la película cuenta con Nacho Guerreros, Félix Gómez, Montse Plá, Elena Furiase, Diego Arjona, Erika Sanz, Dunia Rodríguez, Luis Hacha, Daniela Dardanelli, Almudena León, Rafa Rodrigo, David M. Santana, Marian Clar, Gus Cantolla, Alberto Rivas, Marina Romero y Sergio Morcillo, además de la colaboración especial de José Lifante, África Gozalbes,  Miguel Molina, Lone Fleming y Antonio Mayans. 

Colin Arthur ha llevado a cabo la supervisión de efectos especiales de esta película, volviendo a elaborar la sangre artificial que se utilizó para la mítica secuencia del ascensor de El resplandor de Kubrick.

El estreno mundial de Vampus Horror Tales será en el Festival de Cine Fantástico de Canarias Isla Calavera, que se celebrará del 13 al 21 de noviembre en Tenerife.

Os presentamos el primer teaser-trailer presentación y el cartel, obra de David Benzal, prestigioso artista conceptual, que ha recibido importantes reconocimientos y galardones internacionales.

“Desde siempre los fans del fantástico y el terror han apreciado los largometrajes en forma de antología. Existe una gran tradición en el cine con este tipo de antologías, que se siguen realizando en la actualidad, pero no tanto en el cine español, cuestión por la que nos parecía interesante hacer nuestra propia aportación. En la tradición de las películas de la productora Amicus,  y de los títulos deudores de comics como “Tales from de Crypt” o “Creepy”, con su personaje “anfitrión” introductor de las historias, y en riguroso blanco y negro, nuestra propuesta aúna misterio, humor y terror. Un buen ejercicio para que un grupo de directores, artistas y técnicos, desarrollen un proyecto común y colectivo”.
Erika Elizalde. Productora Argot Films
Sinopsis: El Sr. Fettes (Saturnino García) es el particular guardián del cementerio, un siniestro ser que guarda muchos secretos. Entierra los difuntos de día y los desentierra de noche con fines inconfesables. Le gusta que le llamen Vampus y leer comics de terror, especialmente las historias de amor, entendidas a su necrófila manera.

Vampus nos introduce en cuatro de esas historias que transcurren en una perdida casa en la montaña, en un siniestro parque de atracciones, en un singular salón de bodas y en un mundo acosado por una extraña pandemia

Bteam Pictures distribuir ‘Robot Dreams’, película de animación de Pablo Berger

28 octubre 2020 Deja un comentario
Basada en la popular novela gráfica de norteamericana Sara Varon, Robot Dreams cuenta las aventuras y desventuras de “Dog” y “Robot” en el Nueva York de los años 80. Esta historia de amistad supone la primera incursión en la animación de su director, Pablo Berger.
Tras la multipremiada nacional e internacionalmente, Blancanieves (2012), Pablo Berger estrenó Abracadabra (2017) con la que obtuvo 8 nominaciones a los Premios Goya, fue vista por más de 300.000 espectadores y fue pre-seleccionada para representar a nuestro país en los Oscars. Hoy, con Robot DreamsPablo Berger, de nuevo de la mano de Arcadia Motion Pictures, irrumpe en el mundo de la animación con el director de arte José Luis Agreda (“Buñuel y el laberinto de las tortugas”) ,  el montador Fernando Franco (“Blancanieves”), la directora de animación Elena Pomares (“Morning Cowboy”), el compositor Alfonso de Vilallonga (“Blancanieves”), el director de producción Julián Larrauri (“Mortadelo y Filemón contra Jimmy el Cachondo”) y la diseñadora de sonido Fabiola Ordoyo (“Abracadabra”).

Muchas de mis películas favoritas son de animación. Desde “Fantasía” de Disney, “Mi vecino Totoro” de Ghibli, “Wall-E” de Pixar o el cine reciente de animación europea como “Persépolis”, “La vida de calabacín” o “I lost my body”. Con esta película quiero explorar las infinitas posibilidades narrativas de este medio” explica Pablo Berger. 

Con un presupuesto de más de 5.000.000€, Robot Dreams será otra vuelta de tuerca en la filmografía de su director. Una experiencia sensorial y una carta de amor al Nueva York que adoptó a Pablo Berger en su juventud.
Una fábula escrita en imágenes que atrapará al niño que todos llevamos dentro.

Diario de Serendipia en Sitges: Año de la pandemia. Cuarta cápsula

26 octubre 2020 Deja un comentario

Una nueva jornada de festival que, coincidiendo con el fin de semana, ha animado la asistencia de público y con ello la taquilla, llenando de una animada anormalidad las calles y las salas de Sitges. Y para nosotros es una jornada muy especial, porque tendremos dos buenos títulos más y porque será el reencuentro con uno de los grandes clásicos de Paul Naschy y en las mejores condiciones. Todo en una día en el que nuestros amigos Octavi López Sanjuán y Sergio Colmenar presentarán también sus libros dedicados a dos importantes sagas del terror de los ochenta, lo cual nos lo contará el propio Octavi. Vamos a ello. 

Serendipia comienza el día más tarde de lo habitual, pues también prevé que se acostará más tarde, y lo hace con dos películas que suponen el debut en el largometraje de sus directores. La primera de ellas, Sea Fever (Neasa Hardiman, 2019), es una muy entretenida propuesta que mete al espectador en un espacio reducido, un barco, en el que junto a una pequeña y variopinta tripulación se las tendrá que ver, en la inmensa soledad del océano, con un pringoso y enorme ser primigenio y tentacular. Todo en una eficaz monster movie con ecos de El enigma de otro mundo (The Thing from Another World, Christian Nyby y Howard Hawks,1951), con una intriga muy bien estructurada y unos personajes muy bien construidos que tendrán que aceptar sus propias responsabilidades para con su propia especie, pues como posibles portadores de las larvas del ser, estará en sus manos evitar que la criatura llegue a tierra firme. Lo dicho, una buena cinta de terror, sencilla y eficaz, que podremos ver en nuestras pantallas próximamente como Contagio en alta mar gracias a A Contracorriente.

Posiblemente la soledad sea uno de los males endémicos de nuestra sociedad y sobre ella va Rent-a-Pal (Jon Stevenson, 2020), una película que nos cuenta la historia de David (Brian Landis Folkins), un cuarentón obeso que cuida de su madre senil y que busca compañía con la que consolar una vida monótona. La encontrará en una extraña cinta de video hallada en el cajón de saldos de una agencia matrimonial que David frecuenta y en la que los y las candidatas se conocen mediante mensajes grabados en cintas VHS. Desde esa cinta su protagonista (un inmenso Wil Wheaton) parecerá dirigirse directamente a él. Sordidez, tristeza, obsesión y alcohol en este viaje a la locura en una de las películas que más nos interesó de esta edición del festival y que formaba parte de la sección Noves Visions. La cinta de Stevenson no solo es aguda en su disección del desamparo, encierro y clausura que embotan el alma del protagonista hasta obnubilarle en la enajenación, sino que es igualmente atractiva en su propuesta formal: en su lenguaje expresivo interpola la imagen de vídeo doméstico con la cinematográfica, una interacción que ofrece grandes posibilidades visuales y escenográficas (magistral el clímax en el que en un primer plano fijo David dialoga con la pantalla de su televisor) y que le imprimen su carácter de cine de autor que sabe combinar el discurso experimental con la tradicional arquitectónica del cine. Buen ritmo, buenas interpretaciones y excelente puesta en escena convierten a esta pequeña película en una de las joyas que pudieron verse en esta edición.

Mientras Serendipia estaba inyectándose en vena estas sesiones de cine, en otra zona del Melià dos buenos amigos presentaban sus más recientes libros,  Octavio López Sanjuán y Sergio Colmenar, y dado que Serendipia aún no tiene el poder de bilocarse, dejemos que el propio Octavio, uno de sus protagonistas, nos cuente como fue el evento:

Presentación de “Hellraiser: Mitología del lamento” de Sergio Colmenar y “¡Está vivo! La saga mutante de Larry Cohen”, de Octavio López Sanjuán

Para el domingo 11 de octubre a las 13:15 horas estaba fijada la presentación de las novedades de la colección Noche de Lobos, de la editorial Applehead Team. Previamente, Octavio López y su bebé mutante estuvieron realizando un paseo matutino por todo Sitges donde los vecinos pudieron deleitarse con el llanto y las facciones de la criatura, a la vez que los más atrevidos se fotografiaron con la icónica creación de Larry Cohen.

La citada presentación, preparada en la sala Garbí del Hotel Meliá, tuvo un aforo de más de una treintena de asistentes, un tanto sorprendente a tenor de las complicadas circunstancias en las que se estaba celebrando el certamen de este año. Entre los asistentes, figuraban insignes figuras de la prensa fantástica nacional, como Pako Mulero, Santi Serrano, Laureano Clavero, Jordi Arasa, Adrián Roldán o José Mellinas.
Por supuesto, el bebé de Cohen daba un buen recibimiento a los asistentes, orgulloso en su carrito a la entrada de la sala, si bien la auténtica bienvenida la ofreció la escritora y periodista Desirée de Fez, que presentó de manera distendida y agradable a los intervinientes en la presentación. Por un lado, Sergio Colmenar, autor de Hellraiser: Mitología del lamento, se ocupó de describir el enfoque tan personal que había empleado para desglosar el aberrante mundo de Clive Barker y cómo había desarrollado en su libro todo el universo del autor. Por otro lado, Octavio López explicó cómo y porqué decidió escribir un libro sobre la saga de los bebés asesinos de Cohen. Entre ellos, el experto en cine mutante Enrique Muniesa se ocupó de dirigir el diálogo entre ambos autores, dotando de una dinámica fresca y divertida la charla. Conforme se desarrollaba la presentación, los autores intercambiaron preguntas sobre sus respectivos trabajos y sobre las temáticas que su compañero había tratado, ya fuese sobre la existencia de una adaptación definitiva de Hellraiser, o sobre el punto de inflexión que supuso en la carrera de Larry Cohen su encuentro con Michael Moriarty. Después, los asistentes más curiosos realizaron varias preguntas a los autores sobre futuros proyectos y los pormenores de cada uno de los libros.
Al final de la charla, se proyectó un breve pero intenso video promocional de las futuras publicaciones de la editorial Applehead Team para la nueva temporada. De este modo, a ritmo de Power of the Night, de la película Critters, fueron desfilando los icónicos rostros de Freddy Krueger, Jason Vorhees, los demonios italianos o los mismísimos Krites. 
(Fotos y texto presentación por gentileza de Octavio López Sanjuán)

Pero para Serendipia esta edición era también muy especial porque le daría ocasión de poder revisar, en inmejorables condiciones, el Santo Grial del cine de Paul Naschy: El Huerto del Francés.

ENRIC PÉREZ, UNA VIDA PARA EL CINE

Enric Pérez en marzo de 2017 durante la presentación del BCN Film Fest (Foto: Serendipia)

Por fin alguien ha puesto aceite a las ruedas y se ha podido restaurar El Huerto del Francés directamente desde el negativo original. Esa persona ha sido Enric Pérez Font. Nacido en Barcelona, Enric Pérez es una apasionado del cine: operador en la Filmoteca Nacional, en 1982 se hizo cargo del cine Verdi de Barcelona que corría peligro de convertirse, como tantos, en un bingo, y la operación se saldó con tal éxito que contribuyeron a dinamizar un barrio que por entonces estaba envejecido y muy lejos de ser lo que es en la actualidad.

En una primera etapa (1983-1986), en la que Pérez Font comparte la gestión del Verdi con Joan Pol, se ofrece cine popular en sesión doble, pero la colonización generalizada del video doméstico hace que la recaudación de los cines se derrumbe, por lo que tocó reconvertirse: a partir de 1987 y ya en solitario, Pérez Font decide dividir la sala en tres y comenzar a ofrecer cine en versión original subtitulada. Así, en los Verdi se pudieron ver por primera vez sin censura y en su idioma original películas como ‘Teléfono rojo, volamos hacía Moscú’, de Kubrick. La propuesta tuvo mucho éxito y provocó una transformación del barrio a principios de los años noventa, mientras, Enric Pérez se convertía en distribuidor importando, entre otras cinematografías, obras pertenecientes al cine asiático.

Películas como ‘Un lugar en el mundo’, ‘La doble vida de Verónica’ o ‘La linterna roja’ tendrán mucho éxito y permanecerán meses en cartelera. En 1992 compra la discoteca Beat Verdi que estaba sobre el cine y abre dos nuevas salas, que se incrementarán con otras nuevas que abrirá en la calle Torrijos, las conocidas como Verdi Park. Un enorme éxito que peligró cuando se incrementó el IVA de los cines del 8% al 21% en 2012. Afortunadamente, Pérez se asoció con Adolfo Blanco, fundador de A Contracorriente, que cogió el testigo y consiguió levantarlos, eso si, ofreciendo en su programación una equilibrada mezcla de cine de autor y comercial.

Persona, como hemos visto, inquieta, Enric Pérez se dedica actualmente a la restauración de películas y ha sido el responsable de hacerlo con ‘El Huerto del Francés‘, una cinta practicamente perdida, tal y como decíamos en nuestro extenso artículo sobre el film, así que cuando todos dábamos por imposible el poder llegar a ver esta joya en salas o tenerla en Blu-ray… sucedió el milagro. Y no solo hemos podido disfrutarla, en una copia maravillosa y prístina con el color y el sonido restaurados en el Festival de Sitges, sino que, tal y como anunció el propio Pérez, el día 3 de diciembre estará disponible en edición Blu-ray  de la mano de Divisa en una edición digipack con libreto de 16 páginas y muchos extras, que tendrá su prolongación en otra editada en Estados Unidos, aunque con una compañía que desconocemos, pues todavía se encuentran en negociaciones y Pérez no quiso especificarnos el sello que podría llevarse el gato al agua. Enric Pérez nos contó que hay más restauraciones en cartera, pero que de momento prefiere no dar más detalles hasta ver qué tal funciona y como es recibida El Huerto del Francés.

Pero dejemos que el mismo Enric Pérez les cuente más detalles, pues la velada se inició con una introducción del responsable de la restauración del film y de Sergio Molina, hijo menor del actor, guionista y director del filme, introducción que grabamos para poder ofrecerla íntegra en Proyecto Naschy (rogamos sean indulgentes con el accidentado inicio del video):

Y felices, terminamos la cuarta jornada de este festival en el que, como vemos, hubo espacio también para los milagros cinematográficos.

‘Menéndez: El día del Señor’, la apuesta española para Halloween 2020

22 octubre 2020 Deja un comentario

Netflix estrena en exclusiva el día 30 esta cinta sobre exorcismos poco ortodoxos dirigida por el barcelonés Santiago Alvarado Ilarri

Juli Fàbregas, Dolores Heredia, Ximena Romo y Héctor Illanes protagonizan esta coproducción hispano-mexicana

El día 30 de octubre de 2020 Netflix estrena en exclusiva en más de 190 países la película Menéndez: El día del Señor dirigida por el barcelonés Santiago Alvarado Ilarri. El largometraje sigue la suerte de Menéndez (Juli Fàfregas) un sacerdote retirado que convive con los fantasmas de su pasado. El cura regresará a las tinieblas cuando un amigo le suplica que ayude a su hija, ya que piensa que está poseída (Ximena Romo).

La película estará disponible para una audiencia potencial de 193 millones de personas la mañana del viernes 30 de octubre a las 09:00 hora española. Rodada íntegramente en Ciudad de México entre abril y mayo de 2019, es una producción de la mexicana Sula Films en coproducción con la productora española Magno Entertainment. El estreno coincide, no por casualidad, con el fin de semana de la festividad mexicana de El día de Muertos y la fiesta de Halloween celebrada en casi todo el mundo cada vez con más fervor.

Los caminos del diablo también son inescrutables

El director Santiago Alvarado Ilarri, ganador del Premio Noves Visions del Festival de Sitges con su debut Capa caída (2013), plantea una cinta que es un auténtico viaje a los infiernos para los protagonistas. “La idea era llevar una película sobre un exorcismo a un nuevo terreno, dándole una vuelta de tuerca al género. Menéndez es violenta, grotesca, terrorífica y con pinceladas de humor muy negro. Pero también es una película sobre personajes complejos que andan perdidos y llegarán a situaciones límite para encontrarse.” De la misma manera que en su ópera prima, en Menéndez: El día del Señor también ha realizado la labor de guionista a cuatro manos junto a Ramón Salas.

Para el protagonista del film, Juli Fábregas, el papel de sacerdote exorcista en horas bajas ha significado una experiencia de la cual ha disfrutado y sufrido a partes iguales. “Ha sido un reto personal impresionante. Construir, vivir y querer a Menéndez ha sido un regalo que se me ha brindado después de veinticinco años de carrera”. El actor catalán, además, asegura haber disfrutado y aprendido con esta nuevo proyecto internacional. “Con Santiago llevábamos mucho tiempo ensayando y creando al personaje. La relación con los compañeros de reparto ha sido un aprendizaje y una retroalimentación que ha conseguido crear una magia única que creo que se transmite perfectamente en la película.”

La actriz Ximena Romo asume el desafío de interpretar a una joven con problemas que van más allá de los propios de la adolescencia. “El proyecto me retó muchísimo como actriz, sobre todo físicamente y emocionalmente. Es un personaje que me permitió tocar extremos”. Romo destaca también la importancia de los personajes y sus mochilas emocionales en la trama. “Esta película me permitió jugar, salirme de lo que he hecho siempre. Es un thriller muy intenso, que se centra sobre todo en las actuaciones.”

El largometraje también cuenta con la participación de los actores mexicanos Héctor Illanes y Dolores Heredia en la piel del padre de la niña y una amiga del sacerdote respectivamente.

Para el productor de Magno Entertainment, Joaquim Vivas, la oportunidad de trabajar codo a codo con México significa, sin duda, un paso de gigante para el proyecto. “Esta producción sin la parte mexicana hubiese sido casi imposible de realizar. Sula Films y su productor Alejandro Sugich apostaron todo por el proyecto. Era terreno inexplorado para las dos empresas, ya que nunca habíamos hecho una coproducción internacional, pero el viaje ha valido muchísimo la pena.

Para el productor de Sula Films, Alejandro Sugich, esta película ha sido un gran reto en su carrera como productor, “puse en juego todo lo que venía construyendo los últimos 11 años.” En palabras de Sugich, “esta es mi sexta película como productor y en lo personal la que más me ha enseñado. No conviertes goles si no tienes un equipo detrás y la primera parte de la Trilogía Menéndez es un golazo. Por último un fuerte agradecimiento a Netflix por apostarle al cine independiente de género iberoamericano hecho entre dos países unidos por el idioma y por el cine.”

A %d blogueros les gusta esto: