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Comienza el rodaje del thriller psicológico ‘Una casa en la playa’
Hace unos días comenzó en la Comunidad Valenciana el rodaje de la película dirigida por Marisa Crespo y Moisés Romero Una Casa en la Playa (Una Casa a la Plajta).
Una Casa en la Playa (Una Casa a la Plajta) está protagonizada por Carmen Arrufat (nominada al Goya a Actriz Revelación por La Inocencia), Máximo Pastor (Zipi y Zape), Marina Gatell (La Cocinera de Castamar), Victoria Oliver (Millennial Mal) y Briek Lesage. Paula Sánchez Álvarez, Jorge Laguna y Sergio Cámara firman el guion.
Es un thriller psicológico, que empieza de forma luminosa y romántica, pero pronto empieza a oscurecerse hasta transformarse en una pesadilla, ese presentimiento de que algo horrible está a punto de suceder.
Una casa en una cala, alejada de todo y con un paisaje mágico a la vez que aislado, consigue esa soledad que acompañará a los personajes donde el mar es un monstruo que te puede engullir y, del que no se puede escapar.
Sinopsis: En una escapada prohibida Julia (19) y Mateo (19) buscan disfrutar de una noche romántica a solas en la casa de la playa del chico. Allí una presencia espectral comienza a acosar a Julia. Pero ese algo es mucho más peligroso de lo que ella cree.
La película se rueda entre Denia y Valencia, y es una producción de Mediacrest Carmen Cinema, AIE / Mediacrest Entertainment, SL / Lightbox Animation Studio, SL en coproducción con AT Production, SA (Bélgica), RTVE, APunt, 3Cat y HBO, con la financiación del ICAA y del IVC y distribuida por Filmax. Las ventas internacionales corren a cargo de Film Factory.
Velasco Broca rueda en la Rioja ‘El futuro testamento’ con Àlex Brendemühl, Mireia Oriol y Ariadna Gil
El cineasta logroñés despliega en su primer largometraje una aventura fantástica sobre la memoria, la identidad y todo aquello que desaparece sin pedir permiso.
El rodaje de ‘El Futuro Testamento’, primer largometraje del cineasta afincado en Logroño Velasco Broca tras más de dos décadas construyendo uno de los imaginarios más personales del fantástico español, se rueda en diversas localizaciones de La Rioja como la Concatedral de Santa María de la Redonda y la Mercería Ami de Logroño. La película, producida por la productora riojana Lanzadera Films (de la que es socia la productora riojana Producciones Anafilaxis) cuenta además con varias personas del equipo también de la comunidad, como los actores y productores Ángel Daniel Íñiguez Perez y Rubén Íñiguez Pérez, el mago Iceman y la sastre Carolina Blasco Rubio.
Desde el equipo de producción del film se quiere dar un especial agradecimiento al Cuerpo de Policía Local de Logroño así como a la Mercería Ami, por su colaboración y ayuda en los accesos al casco histórico de la ciudad y con la gestión de las reservas de espacio para los vehículos del rodaje; a la Diócesis de Calahorra y La Calzada – Logroño y en particular a Víctor Manuel Jiménez por facilitar el rodaje en la torre sur de la Concatedral de Santa María de la Redonda; a Fotocenter por su colaboración para la logística de los vehículos del rodaje; y al Círculo de la Amistad por ceder su espacio para rodaje y catering.
La prensa ha visitado esta mañana el rodaje en Logroño.
Protagonizada por Àlex Brendemühl (‘Creatura’, ‘Las horas del día’), Mireia Oriol (‘Soy Nevenka’, ‘El arte de volver’) y Ariadna Gil (‘Belle Époque’, ‘El laberinto del fauno’), la película parte de una premisa tan sencilla como inquietante: el estribillo de una canción de éxito desaparece misteriosamente del máster original y de todas las copias vendidas del disco. Su compositor, Joan Baptista Ulled, un antiguo cantautor de los años 80, recibe entonces una invitación para acudir a un castillo y recuperarlo.
Lo que podría parecer una broma absurda abre una grieta en la realidad: un viaje por el espacio y el tiempo, de la España de la Transición a una Italia esotérica y un Marte colonial, donde Ulled deberá enfrentarse a fuerzas que están reescribiendo su memoria, su identidad y el universo entero.
‘El Futuro Testamento’ se sitúa en el territorio del fantástico de autor y cruza fantasía, suspense, humor negro, melodrama, ocultismo y ciencia ficción artesanal. La película convierte su singularidad en lenguaje, humor y emoción, sin perder nunca el vínculo con una pregunta íntima: qué queda de nosotros cuando se borran nuestra voz, nuestro cuerpo o nuestros recuerdos.
Velasco Broca explica que la película “nace de una ausencia muy concreta. Un estribillo parece algo pequeño, pero puede contener una vida entera: una época, una identidad, un amor, una forma de ser recordado”. Para el cineasta, “lo fantástico no funciona aquí como adorno, sino como una forma de llegar a zonas emocionales que una narración convencional no alcanzaría del mismo modo”.
Velasco Broca y Àlex Brendemühl en la Mercería Ami.
La propuesta visual de ‘El Futuro Testamento’ tendrá un papel central en la identidad de la película: rodada en 35mm, con textura analógica, efectos físicos, diseño conceptual e iconografía gótica y retrofuturista, la película propone una construcción artesanal que busca fabricar un mundo físico, táctil, reconocible y misterioso.
La película es una coproducción internacional encabezada por Lanzadera Films en coproducción con Limbus Filmak, Visualsuspects, Espurna Films y EFD Studios (conformando la parte española) Homeless Bob Production (Estonia) y Hive Division (Italia). Además, cuenta con el apoyo de EITB, La Rioja 360, el Gobierno Vasco, el Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA), el Estonian Film Institute y Filmin será la encargada de su emisión en España. Su dimensión internacional atraviesa tanto la producción como el imaginario de la película: un proyecto concebido con vocación de circulación internacional y con un recorrido natural en festivales de cine de autor y fantástico. El estreno en cines en España está previsto en la 2ª mitad del 2027.
‘El Futuro Testamento’ cuenta con Piluca Baquero como productora ejecutiva, el productor Cormac Regan, y los productores Iban del Campo, Aram Garriga, Sergio Adria, Giacomo Talamini, Katrin Kissa y Georgina Terán. El guion está escrito por Propatus. El equipo técnico está compuesto por Mart Taniel (‘November’) como director de fotografía. El diseño de producción corre a cargo de Jaime Anduiza (‘Lo imposible’), Estupenda Jones (‘Upiro’) firma el vestuario y los efectos son de Barbatos FX. El sonido directo es de Luca Rullo, el montaje de María Sangalli y maquillaje y peluquería de Ana López-Puigcerver y Belén López-Puigcerver (‘La sociedad de la nieve’). La música original está compuesta por Aránzazu Calleja (‘Maspalomas’, ‘Irati’) y el casting corre a cargo de Ana Lambarri.
Gorka Zufiaurre en la torre de la Concatedral de Santa María de la Redonda
SINOPSIS
Apenas dos semanas después del 23-F, el estribillo de una popular canción desaparece misteriosamente del máster original y de todas las copias vendidas del disco. Al poco tiempo, Joan Baptista Ulled—su compositor e intérprete— recibe una invitación en forma de postal instándole a acudir a un castillo, lejano en el tiempo y en el espacio, para recuperarlo.
Allí se encontrará con Propatus, un nigromante y alquimista del siglo XVIII enredado en asuntos turbios con las altas esferas de la jerarquía infernal. Lo que comienza como la búsqueda de una melodía perdida se transforma en un viaje desesperado a través del espacio-tiempo, de la España de los años 80 a un Marte colonial, pasando por una Italia decimonónica de tintes esotéricos.
La Bien Querida y Velasco Broca
EL DIRECTOR: VELASCO BROCA
Precursor de lo que la crítica denomina el otro cine español, debuta en el 16mm con ‘Kinky Hoodoo Voodoo’ (2000), cortometraje donde emergen algunas de las constantes temáticas de su trabajo en esa década: folclore español, alienígenas y fetichismo del pie. Al año siguiente recibe el encargo gubernamental de dirigir un vídeo de educación sexual para jóvenes, que da como resultado ‘La Costra Láctea’ (2001).
Tras ser rechazado para su uso pedagógico, RTVE lo rescata para su programa «Versión Española», donde Cayetana Guillén-Cuervo lo describe como “el cortometraje más raro emitido en la historia de ese programa”.
Su siguiente trabajo, ‘Avant Pétalos Grillados’ (2006) consigue ser el primer cortometraje español seleccionado en 35 años en la Quincena de Realizadores de Cannes. Con él cierra su trilogía de invasiones alienígenas conocida como ‘Echos der Büchrucken’.
En el cambio de década realiza por encargo de Cameo Media ‘Val del Omar fuera de sus casillas’ (2010), un complemento documental para la edición en DVD de la obra completa del místico y cineasta granadino José Val del Omar. Esta pieza experimental se estrena en la sección oficial del Festival de Sitges, tomando por sorpresa al público del Auditori.
Tras un retiro de cinco años en la India, regresa con ‘Nuestra amiga la Luna’ (2016), que estrena en Locarno y gana el Festival de Málaga y BAFICI. Ésta será la primera entrega de su saga sobre ‘La pirámide de plata de Pseudo-Juan’, a la que se sumarán ‘Alegrías riojanas’ (2022) —Mención Especial del Jurado en el Fantastic Fest y Premio del jurado a Mejor Cortometraje en la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián— y, presumiblemente, ‘El Futuro Testamento’, su primer largometraje cuyo estreno está previsto a finales del 2027.
Rebeca SalaEduardo Noriega da vida al asesino Jarabo en la nueva película de Emilio Martínez-Lázaro
Ha comenzado el rodaje de JARABO, la nueva película de Emilio Martínez-Lázaro, uno de los cineastas más importantes y populares del cine español, ganador del Oso de Oro en el Festival de Berlín por Las palabras de Max y director de grandes éxitos como 8 apellidos vascos, El otro lado de la cama, Las 13 rosas o La voz de su amo.
Inspirada en hechos reales, JARABO reconstruye la historia de José María Jarabo, el asesino que conmocionó a la España de finales de los años 50 y cuyo juicio se convirtió en un fenómeno social sin precedentes. Seductor, elegante, perteneciente a una familia acomodada y convertido en una figura obsesiva para la prensa y la opinión pública, Jarabo fue uno de los primeros criminales mediáticos de nuestro país.
Con una puesta en escena elegante y oscura, la película retrata el descenso de un hombre refinado y autodestructivo hacia la violencia más brutal, al tiempo que explora la fascinación colectiva por el crimen, el nacimiento del morbo mediático y las contradicciones de una sociedad marcada por las apariencias y la represión.
Eduardo Noriega interpreta a Jarabo, uno de los personajes más complejos y perturbadores de su carrera: un hombre magnético y decadente cuya historia provocó una mezcla de horror, fascinación y admiración pública en plena España franquista.
A su lado, Lucía Guerrero interpreta a Beryl, la mujer inglesa de la que Jarabo se enamora obsesivamente y cuya relación marcará el rumbo final de su vida.
El reparto principal se completa con Jose Coronado y Karra Elejalde, dos de los intérpretes más reconocidos del cine español contemporáneo acompañados de Luis Callejo, Andrés Gertrudix o Jorge Sanz.
SINOPSIS
Madrid, finales de los años 50. José María Jarabo vive rodeado de apariencias: trajes impecables, hoteles de lujo, amistades de alta sociedad y una seducción irresistible. Pero detrás de esa imagen sofisticada se esconde un hombre arruinado, adicto y emocionalmente devastado por su relación con Beryl, una mujer inglesa casada de la que se enamora obsesivamente. Mientras intenta sostener una vida que ya se derrumba, Jarabo entra en una espiral de humillaciones, deudas y violencia que culminará en un crimen brutal capaz de paralizar al país entero.
Convertido en un fenómeno mediático sin precedentes, admirado por algunas mujeres y perseguido por una opinión pública fascinada por su figura, Jarabo acabaría transformándose en el rostro más oscuro y seductor de la crónica negra española.
JARABO es una producción de Enrique Cerezo Producciones con la participación de RTVE, Prime Vídeo y el ICAA (Ministerio de Cultura)
‘Noir Hollow’ debuta como nuevo sello español de cine de terror en el Marché du Film de Cannes
Noir Hollow es un nuevo sello español independiente de cine de terror que apuesta por una experiencia sensorial intensa. Especializado en cine de género, Noir Hollow desarrollará proyectos de terror con impacto directo en el espectador.
Fundado por Fede Pajaro y Carlota Amor, el sello apuesta por propuestas que prioricen la atmósfera, la tensión y una puesta en escena artesanal, recurriendo para ello a efectos orgánicos—látex, prótesis, sangre…—. Noir Hollow propone así un cine físico, visceral y sensorial, que invite al espectador a viajar de lo narrativo a la experiencia, y que cuestione los límites de la corrección política predominante, dando cabida a lo incómodo, lo excesivo y lo perturbador.
En definitiva, Noir Hollow reivindica los orígenes del género y la experiencia sensorial a través de la pantalla, frente a la fórmula actual, dando prioridad a un cine donde el espectador es parte de la vivencia.
Noir Hollow participará en el Fantastic Pavilion del Marché du Film —uno de los principales mercados cinematográficos del mundo— que acogerá Cannes del 12 al 29 de mayo, donde ‘La casa de los monstruos‘ celebrará su Market Premiere el próximo 18 de mayo. Esta presentación marcará la primera puesta de largo del sello ante la industria internacional.
El largometraje dirigido por David Hebrero (’Y todos arderán’, ‘Dulcinea’) y protagonizado por Antonio Resines (‘Padre no hay más que uno’, ‘Celda 211’, ‘La niña de tus ojos’, ‘La buena estrella’) y Jaime Lorente (‘Coartadas’, ‘Tin & Tina’, ‘Élite’, ‘La Casa de Papel’) presenta a Goio, que regresa a la casa familiar para cuidar de su padre enfermo durante una noche. Lo que comienza como un simple reencuentro pronto se transforma en una pesadilla: los secretos familiares, viejos rencores y traumas enterrados resurgen, y la presencia de su hermano, que jamás logró marcharse, convierte cada habitación en un laberinto de terror y secretos.
Ambientada en un entorno cerrado e inquietante, ‘La casa de los monstruos‘ combina suspense con elementos de horror explícito, con el objetivo de conectar con el público de género y compradores internacionales en busca de propuestas comerciales dentro del terror. La película cuenta con ventas internacionales de la agencia Raabta International.
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 8 de mayo de 2026 *
BAJO TUS PIES (Cristian Bernard, 2025)
- España. Duración: 110 min. Guion: Cristian Bernard, Ana Villar Música: Sergio Figueroa, Tomas Leonhardt Fotografía: Juan Sebastián Vasquez Compañías: Basque Films, Nudista AIE Género: Terror
- Reparto: Maribel Verdú. Sofía Otero. Ibai Atanes. Urko Olazabal. Zorion Eguileor. Sandra Ferrús · Erik Probanza
- Sinopsis: Isabel (Maribel Verdú) se muda con sus dos hijos (Sofía Otero e Ibai Atanes) a un edificio muy prestigioso con un alquiler asequible, pero un sistema de admisión peculiar. Una vez aceptados e instalados en su nuevo hogar, tres vecinas ancianas que viven en el piso de abajo le darán un vuelco a sus vidas.
En un panorama cinematográfico donde el terror a menudo se conforma con reciclar fórmulas, cualquier intento de originalidad es loable. El género, quizás el más repetitivo de todos, encuentra a veces su fuerza en el comentario social. Así, Bajo tus pies casi hace de su mensaje un chiste de humor negro extremadamente oportuno. Porque sí, en estos tiempos que estamos viviendo, parece que hay que hacer un pacto con el diablo para conseguir un piso digno; ya sea con un demonio en forma de entidad bancaria o mediante manifestaciones más esotéricas.‘El convento’ se estrena en cines el 10 de julio
EL CONVENTO, dirigida por Ángel M. Chivite y Luis Galindo, con guion de Jesús Córdoba, llegará a los cines el 10 de julio tras su estreno mundial en el Mórbido Film Fest (Ciudad de México) y su paso por festivales del circuito de cine fantástico como el Festival de Cine de Terror de Valdivia (Chile), que se celebra estos días, y el Festival Internacional de Cine Fantástico de Montevideo (Uruguay), donde se proyectará el 15 de mayo. La película tendrá su preestreno unos días antes en Corella (Navarra), localidad vinculada al origen de la historia, donde el público podrá acceder al convento que la inspiró.
La película ha desarrollado su recorrido en el circuito internacional de cine de género, donde ha obtenido una mención especial en FanPitch Sitges y el primer premio en el Cerdanya Film Festival.Tras su estreno en México, El convento ha sido seleccionada en festivales como Valdivia, Montevideo Fantástico, NOX Film Fest (Uruguay) o el Lakes Noir International Film Festival (Italia), donde ademásha recibido dos nominaciones: Ana Álvarez como Mejor Actriz Protagonista y María Mercado como Mejor Actriz de Reparto.
Rodada en enclaves de la Ribera navarra como Villafranca y Fitero y ambientada en el siglo XVIII, la película parte de una experiencia real de sus directores y de un episodio histórico ocurrido en la zona para construir un thriller con elementos de terror que se desarrolla casi íntegramente entre muros conventuales.
La película está producida por Elcon Films (productores Ángel M. Chivite y Luis Galindo), Eterno Pictures (productora Patricia González), Mother Superior Films (Uruguay, productor Ruben Montedónico) y Teleaut Produzione (Italia, productora Viviana Caló), y cuenta con la producción ejecutiva de Ignacio García Cucucovich. Las ventas internacionales están a cargo de FilmSharks.
DECLARACIONES | Ángel M. Chivite y Luis Galindo
EL ORIGEN
Los directores sitúan el origen de la película en hechos reales vinculados al juicio de la Inquisición de 1750 a las conocidas como “monjas satánicas de Corella”, un episodio que les permitió abordar un horror que “no nace de la fantasía, sino de archivos históricos”. Recuerdan además que muchas de las situaciones que aparecen en la película “ocurrieron de verdad en celdas, claustros y altares”.
EL TRABAJO CON EL REPARTO
Sobre el trabajo con las actrices,destacan especialmente la interpretación de Ana Álvarez, que “ha creado una Sor Águeda real, entregada a un papel visceral, complejo y por momentos muy perturbador”.
Junto a ella, María Mercado y Nahia Bergasa encarnan a “jóvenes con pensamientos puros enfrentadas al horror y la manipulación en un lugar donde deberían estar seguras”, en un proceso interpretativo que, según los directores, ha supuesto “un gran reto, con estados emocionales límite y una transformación psicológica e incluso física de los personajes”.
ENTRE LO SAGRADO Y LO PROFANO
La película se sitúa en esa frontera donde religión y mal conviven, planteando “cómo el exceso de celo religioso puede derivar en algo profundamente oscuro”. Un relato en el que, como subrayan, “el diablo no viene de fuera; a veces se esconde entre los muros”.
UNA HISTORIA ENTRE LA FE Y LA OSCURIDAD
Ambientada en el siglo XVIII e inspirada en hechos reales, El convento es un thriller de época con elementos de terror que explora la frontera entre la fe y la oscuridad. Dos jóvenes ingresan en un convento de clausura, un lugar concebido para la devoción y la penitencia, pero tras cuyos muros sagrados se oculta una verdad que pronto convertirá su fe en miedo.
“La idea nació hace años, al visitar un convento de clausura y contemplar el retrato de su fundadora. Fue el punto de partida para imaginar un lugar donde nada es lo que parece y donde un secreto oscuro aguarda entre los muros”, explica Luis Galindo.
“Descubrimos la historia real de Las monjas satánicas de Corella, ocurrida en Navarra hacia 1750, y vimos su paralelismo con nuestra historia. La película se construye sobre esa base, entre lo histórico y lo fantástico, mostrando cómo la fe puede convertirse en el escenario del horror”, añade Ángel M. Chivite.
El convento combina el rigor del thriller con la tensión del terror psicológico. Ambientada en pleno Barroco, evoca la luz y el contraste de los grandes pintores de la época para crear una atmósfera de claroscuros. La historia se narra desde la mirada de Lucía, una joven novicia fascinada por la madre superiora Sor Águeda, en contraste con Ana María, una muchacha rebelde cuya llegada pone en peligro el frágil equilibrio del convento.
LAS VOCES DEL CONVENTO
El equipo artístico está encabezado por Ana Álvarez (Suspicius Mind, Cha Cha Cha, La madre muerta, Brujas, Gal, Mía es la venganza), que interpreta a Sor Águeda, madre superiora del convento. La actriz reconoce que El convento “me ha dado la oportunidad de hacer un personaje muy diferente en mi carrera. Es un regalo que cualquier actor disfruta muchísimo. La película es una caja de sorpresas y su paso por festivales, especialmente en Latinoamérica, ha sido muy importante para el proyecto.”
La acompañan María Mercado (Awareness, La red púrpura, Tú no eres especial, La caza, La princesa Paca), en el papel de Lucía; y Nahia Bergasa (Valeria, La víctima, Valeria), como Ana María.
Completan el elenco Alessandra Borgia (La casa Gucci, Querido Fidel, Rosanero); Alfonsina Carrocio (La sociedad de la nieve, Sangre Vuldalak, Otra historia del mundo); Vanesa Baldonado (Censurada, Loca Olivia, Brigada Policial); y Mentxu Vicente, actriz teatral (La casa de Bernarda Alba, La Reina de Hielo), como Sor Claudia.
El equipo técnico cuenta con Iñigo Hualde Usoz en ladirección de fotografía y Gabriele Angeletti en la dirección de arte. La músicaes obra de Hernán González Villamil, con montajede Niccolò Andenna y sonido a cargo de Danel Ciuarriz y Federico Moreira. El vestuario corre a cargo de Gabriela Eraso, el maquillaje y la peluquería de Katia Chivite, y la dirección de producción de Rosa G. Loire.
LOS DIRECTORES
Luis Galindo Martínez (Tudela, 1976) es licenciado en Producción Cinematográfica y TV por la escuela TAI y Máster en Postproducción Digital por CEI. Ha trabajado en más de treinta largometrajes y series con directores como Álex de la Iglesia, Carlos Saura, Montxo Armendáriz o Gracia Querejeta. Dirigió los cortometrajes Mata a tu viejo y Un viaje sucio, el documental Que aproveche y el corto de terror Me debes uno, seleccionado en más de treinta festivales internacionales.
Ángel M. Chivite Gil (Cintruenigo, 1967) es licenciado en Realización Audiovisual y Fotografía Creativa por el CEV. Ha trabajado como jefe de producción en películas de José Luis Garci (El abuelo, You’re The One, Historia de un beso, Tiovivo), además de dirigir el largometraje Bloggers (2017). Es creador y director del Festival de Cine Fantástico y de Terror El Cuervo y del Festival Gradual de Murchante.
Goya a la Mejor Actriz de Reparto por El maestro que prometió el mar; ganadora del Goya a la Mejor Actriz de Reparto por La novia), Pablo Derqui (Los renglones torcidos de Dios; Dos) y el joven debutante, Dylan Radley.VAMOS DE ESTRENO * Viernes 24 de abril de 2026 *
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EL SONIDO DE LA CAÍDA (In die Sonne schauenaka, Mascha Schilinski, 2025)
- Alemania. Duración: 149 min. Guion: Louise Peter, Mascha Schilinski Música: Michael Fiedler, Eike Hosenfeld Fotografía: Fabian Gamper Compañías: Studio Zentral, ZDF Género: Drama
Reparto: Hanna Heckt · Lena Urzendowsky · Laeni Geiseler · Susanne Wuest. Lea Drinda. Luise Heyer. Filip Schnack.
Sinopsis: Cuatro niñas, Alma, Erika, Angelika y Lenka, pasan su juventud en la misma granja del norte de Alemania. A medida que la casa evoluciona a lo largo de un siglo, los ecos del pasado perduran en sus paredes. Aunque separadas por el tiempo, sus vidas empiezan a reflejarse.
El sonido de la caída es una pieza que se siente como un susurro cargado de peso histórico y emocional. Su director, Benjamín Brunet, demuestra una sensibilidad particular para capturar la esencia de lo cotidiano, alejándose de las estructuras lineales para abrazar una narrativa mucho más orgánica y sensorial, propia de quien entiende que la memoria no sigue un orden lógico.
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LA AHORCADA (Miguel Ángel Lamata, 2026)
España. Duración: 91 min. Guion: Mayte Navales Música: Fernando Velázquez Fotografía: Teo Delgado Compañías: Bemybaby Films, Imposible Films, El Árbol y el Ruiseñor, RTVE Género: Terror.
Reparto: Amaia Salamanca, Eduardo Noriega. Cosette Silguero. Norma Ruiz. Anastasia Fauteck · Veki Velilla · Cristina Gallego.
Sinopsis: Una cantautora se suicida en el jardín de su amante después de ser abandonada por éste. Pero su fantasma se queda en la mansión. Sus ansias de venganza desencadenarán una espiral de locura, horror y muerte que convertirá la vida de la familia en un infierno. Sólo la pequeña Patti, médium espiritista, entenderá la naturaleza del Mal al que se enfrentan…
El guion de La ahorcada es muy posible que en el libreto funcionara, pero a la hora de trasladarlo a imágenes todo se lo que puede funcionar mal, funciona muy mal. Es una historia de amour fou en la que faltan los prolegómenos para que el espectador pueda entrar en ella y creérsela. Pero es, sobre todo, una historia de fantasmas y venganza desde el más allá, pero en la que todos los elementos no consiguen que llegue a ser creíble.
Es increíble que un director con una carrera bastante abultada como es Miguel Ángel Lamata entregue una película tan torpe. Con un fantasma de lo más cárnico (interpretado por Amaia Salamanca) que se pasea con naturalidad por el jardín de la casa. Y lo hace casi de inmediato, al poco de iniciarse el film, echando a perder toda la intriga o el misterio.
Lo peor es que el escasamente imaginativo guion de Mayte Navales, colaboradora habitual del director, se contagia a los actores, consiguiendo que su trabajo sea, cuanto menos, deplorable. Como toda ensalada de tópicos, hay sustos fáciles, pesadillas y un final que lejos de resultar satisfactorio termina con la paciencia del espectador. Y es lástima, pues como en todo hay alguna buena idea que se podría haber desarrollado de otra forma.
Cuenta con algunos actores noveles y otros en horas bajas, entre ellos la propia Amaia Salamanca, Eduardo Noriega, Cosette Silguero y Norma Ruiz, secundados por Anastasia Fauteck, Veki Velilla y Raúl Sanz. Además de la colaboración especial de Cristina Gallego y Emilio Buale, entre otros.
“Mis 100 años de cine. Memorias» de Jack Taylor.
Fundamental para los amantes del cine, Jack Taylor, a sus 99 años, desgrana en estas suculentas memorias, sus vivencias en el mundo del cine.
Jack Taylor debutó en Hollywood, en el show de Jack Benny junto a Marilyn Monroe, pero antes tuvo la oportunidad de estar en rodajes míticos como el de Ha nacido una estrella o que la propia Marlene Dietrich le enseñase a hacer huevos revueltos.
Admirado por los amantes del cine, especialmente por los del género fantástico, el actor hace un recorrido por sus trabajos en prestigiosas películas como Necronomicon, The Birthday o La novena puerta, así como sus personajes del Profesor Brown en Mil gritos tiene la noche, el del sacerdote de Conan, el bárbaro, o el Dr. Knox de Wax. Películas con André Techiné, Roman Polanski, Jess Franco, Paul Naschy, Robert Siodmak o Ridley Scott, y anécdotas con Johnny Depp, Arnold Schwarznenegger, Mickey Rooney, Robert Shaw o Christopher Lee, son desgranadas por sus páginas.
Mis 100 años de cine. Memorias de Jack Taylor, editado con Sial-Pigmalión, cuenta con prólogo de Víctor Matellano, quien le dirigió como actor en títulos como Wax o El valle de Concavenator, y juntos codirigieron los espectáculos Auto de los Reyes Magos y 3 Peregrinas. Su colaboración más reciente fue en el documental Call Me Paul, escrito por Ángel Sala y Víctor Matellano, y dirigido por Matellano, donde Jack Taylor ha puesto voz, junto Caroline Munro, al repaso sobre la vida y trayectoria de Paul Naschy.
El libro acaba de salir a la venta en librerías y plataformas de venta.
‘El nido’, la nueva película dirigida por Hugo Stuven y protagonizada por Michelle Jenner, se estrenará en cines el próximo 24 de julio
El nido, la nueva película dirigida por Hugo Stuven, se estrenará en cines el próximo 24 de julio. Se trata de un thriller psicológico protagonizado por Michelle Jenner (El secreto del orfebre; nominada al Goya a la Mejor Actriz Revelación por No tengas miedo), Luisa Gavasa (nominada al Goya a la Mejor Actriz de Reparto por El maestro que prometió el mar; ganadora del Goya a la Mejor 
Actriz de Reparto por La novia), Pablo Derqui (Los renglones torcidos de Dios; Dos) y el joven debutante, Dylan Radley.
Sinopsis: Marta vive obsesionada con proteger a su familia del aterrador mundo exterior. Para ello, mantiene encerrados en su casa a su madre y a su hijo pequeño. Todo parece estar en orden hasta el día en que llega Velasco, un hombre capaz de despertar en Marta la oscuridad que esconde dentro.
Producida por Carlos Fernández y Laura Fernández Brites para Filmax, El nido narra la historia de una madre sobreprotectora que hará cualquier cosa por mantener a su familia a salvo. La norma a cumplir es muy sencilla: nadie puede salir del entorno de la casa, ese refugio que ella ha construido para protegerlos.
Escrita por Santiago Lallana, César de Nicolás y Hugo Stuven, la película se rodó durante seis semanas en diversas localizaciones de Barcelona.
En palabras de su director: “El nido es un thriller psicológico con una atmósfera densa, vigilante, casi opresiva, alimentada por los secretos que todos ocultan. Y en el centro de ese laberinto emocional está nuestra protagonista (Michelle Jenner), cuya interpretación, precisa y desgarradora, sostiene la tensión como si cargara con la casa entera sobre sus hombros. Al filo entre lo íntimo y lo inquietante”.
El nido es una producción de Filmax. Cuenta con el apoyo de RTVE, Movistar Plus+ e ICAA. Filmax se encarga de la distribución nacional y de las ventas internacionales.
SOBRE HUGO STUVEN
En 2014 Hugo Stuven debutó como director de largometrajes con Anomalous, un inquietante thriller psicológico rodado en inglés entre Nueva York y Barcelona. Protagonizado por Lluis Homar, Christy Escobar, Edgar Fox y Adria Arjona. La película fue galardonada en numerosos festivales internacionales en Nueva York, Houston, Chile, Brasil, México y España.Su segundo largometraje, Solo, protagonizado por Alain Hernández y Aura Garrido, relata una sobrecogedora historia real de supervivencia. La película tuvo su estreno mundial en el 21º Festival de Cine de Málaga y, tras su paso por salas de cine con distribución de FILMAX, alcanzó proyección internacional a través de Netflix. Actualmente se está preparando un remake americano.
En 2020, revolucionó el formato documental con El desafío: ETA, la primera serie documental original de Amazon Prime Video en España. Un viaje histórico de alto impacto visual y narrativo, que recibió elogios unánimes tanto de crítica como de público. Fue la primera vez que los Premios Feroz nominaron una serie en la categoría de “Mejor documental del año”. Además, Hugo fue nominado como “Mejor director” en los Premios Iris.
Para Prime Vídeo dirige varios documentales deportivos: SEVE, un retrato íntimo y emocional sobre la vida de Severiano Ballesteros. La serie Real Madrid: la leyenda blanca y el largometraje Ángel Nieto: el hombre que venció al tiempo, consolidando su prestigio en el género documental.
En 2025 estrena Dime tu nombre, su primera serie de terror como creador, director y guionista (junto a los guionistas Alejandro Hernández y César de Nicolás). Protagonizada por Michelle Jenner, Darío Grandinetti, Elena Rivera, Younes Bouab y Raúl Arévalo, la serie es una producción original de Amazon Prime Video, producida por Espotlight Media (Los Farad) y Skybound Entertainment (The Walking Dead).
Apenas días después de su estreno, Dime tu nombre se situó en el Nº1 del ranking de Prime Video España, reafirmando el salto de Stuven a la ficción seriada con un éxito rotundo y confirmando una identidad creativa propia y reconocible dentro del panorama audiovisual.
Además de su carrera audiovisual, Hugo Stuven ha publicado dos novelas: El faro de las lágrimas perdidas,finalista del prestigioso Premio Minotauro, y Anomalous, inspirada en su ópera prima cinematográfica.
Como pianista y compositor, ha lanzado su primer álbum titulado Loop, disponible en Spotify, Apple Music y YouTube Music, demostrando una vez más su versatilidad y sensibilidad artística.
El 8 de mayo llega ‘Bajo tus pies’, una historia de terror y suspense sobre los secretos que oculta un nuevo hogar
VERCINE estrenará Bajo tus pies el 8 de mayo. La nueva película de Cristian Bernard (Ecos de un crimen), es una coproducción de Basquefilms (productores de El hoyo) en España y Film Sharks en Argentina, que se mueve entre el thriller, el suspense y el terror, y que propone una historia inquietante en torno a una madre y sus hijos atrapados en un nuevo hogar.
Sinopsis: Priscilla es una madre que, junto a sus dos hijos pequeños, se muda a un nuevo hogar para huir de su pasado. En su nuevo barrio se topan con tres misteriosas hermanas que viven en el piso de abajo, y pronto descubren que están metidas en un oscuro misterio que los demás vecinos prefieren ignorar.
Bajo tus pies tuvo su estreno mundial en el Tallinn Black Nights Film Festival y está protagonizada por Maribel Verdú (ganadora de dos premios Goya) junto a Sofía Otero (20.000 especies de abejas), Urko Olazabal (Soy Nevenka), Zorion Eguileor (Maspalomas) y Ibai Atanes (La coleccionista).
Con Bajo tus pies, Cristian Bernard propone una película de atmósfera opresiva y gran carga psicológica, en la que el espacio doméstico se transforma en territorio de amenaza. El filme se suma así a una línea de producciones recientes que exploran los códigos del suspense y el terror desde una sensibilidad autoral, apoyada en un reparto de primer nivel y en una puesta en escena concebida para atrapar al espectador desde el primer momento.
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 27 de febrero de 2026 *
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La ResidencIA (Dalloway, Yann Gozlan, 2025)
- Francia/Bélgica. Duración: 110 min. Guion: Yann Gozlan, Nicolas Bouvet, Thomas Kruithof. Novela: Tatiana de Rosnay Música: Philippe Rombi Fotografía: Manuel Dacosse Compañías: Mandarin & Compagnie, Gaumont Télévision, Panache Productions, La Compagnie Cinématographique, Anya Productions Género: Thriller
- Reparto: Cécile De France, Lars Mikkelsen, Anna Mouglalis, Frédéric Pierrot, Freya Mavor .
- Sinopsis: Clarissa, una escritora falta de inspiración, ingresa en una prestigiosa residencia de artistas en la vanguardia de la tecnología. Allí encuentra apoyo -e incluso un confidente- en Dalloway, su asistente virtual, que la ayuda a escribir. Pero Clarissa empieza a sentirse incómoda con la presencia cada vez más intrusiva de la IA, un malestar amplificado por las advertencias conspirativas de otro residente. Al sentirse observada, Clarissa se embarca en secreto en una investigación para descubrir las verdaderas intenciones de sus anfitriones. ¿Una amenaza real o un delirio paranoico?
En un futuro cercano donde la tecnología no solo asiste, sino que moldea nuestra realidad, Yann Gozlan nos entrega en La residencIA un thriller paranoico que resuena con los ecos de una sociedad todavía marcada por el aislamiento y el control de la era pandémica. La película nos introduce en una prestigiosa fundación artística donde la búsqueda de la inspiración humana se ha delegado a algoritmos avanzados, planteando una inquietante pregunta: ¿qué queda del autor cuando la obra es dirigida por una inteligencia artificial?.
Idilia (Javier Canales Sepúlveda y José Taltavull Sepúlveda, 2025)
- España. Duración: 73 min. Guion: Javier Canales Sepúlveda Música: Elías Fabre. Canción: El Niño de Elche Fotografía: Beñat Belaza Compañías: Viejo Lobo Films Género: Thriller.
La ciencia ficción de bajo presupuesto suele ser el refugio del ingenio, pero en Idilia, la ópera prima de los hermanos Sepúlveda, el ingenio brilla por su ausencia. Los cineastas mallorquines se suben al carro de la distopía tecnológica con una propuesta que, bajo la apariencia de reflexión profunda sobre la Inteligencia Artificial, acaba resultando en un ejercicio de exposición narrativa agotador y plano.
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ORWELL 2+2=5 (Raoul Peck, 2025)
- Francia/USA. Duración:119 min. Música: Alexei Aigui Fotografía: Ben Bloodwell, Stuart Luck, Julian Schwanitz Compañías: Velvet Films, Anonymous Content, Closer Media, Neon, Jigsaw Productions. Distribuidora: Neon Género: Documental
Sinopsis: 1949. George Orwell termina la que será su última pero más importante novela, 1984. Los últimos meses de Orwell y sus obras visionarias muestran las raíces de los conceptos vitales e inquietantes que reveló al mundo en su obra maestra distópica: doblepensar, crimen de pensamiento, neolengua, el espectro omnipresente del Gran Hermano…, verdades sociopolíticas inquietantes que resuenan cada vez con más fuerza hoy en día.
Orwell 2+2=5 es un muy lúcido ensayo en forma de documental que nos explica el pensamiento del escritor inglés mediante extractos de su diario y correspondencia. Vemos como mucho de lo que explicaba en su obra premonitoria 1984 se ha ido cumpliendo como si se tratara de profecias.
Hijo del colonialismo y del clasismo, que vivió en primera persona desde su infancia al haber nacido en la India, George Orwell explica en primera persona su pensamiento, que le llevó a formar parte de las Brigadas Internacionales durante la Guerra Civil Española y más tarde, durante la II Guerra Mundial, a formar parte de la BBC, que abandonó al sentirse manipulado por el sistema que buscaba combatir. Todo ello Orwell 2+2=5 lo muestra de manera amena mediante imágenes del escritor, de conflictos pasados y contemporáneos y de películas, entre ellas, naturalmente las tres versiones de 1984 que han sido llevadas al cine y la televisión.
Tres puntos centran la narración y sostienen el documental: La ignorancia es la fuerza; La libertad es la esclavitud y La guerra es la paz. Tres contradictorias ideas que se consiguen demostrar sobradamente durante el metraje del film.
El resultado es un muy lúcido y rebelador documental que debería mostrarse en escuelas e institutos para despertar conciencias, y más en estos tiempos en los cuales los fascismos están volviendo, en parte, por el dictado de los oligarcas tecnológicos. Una guerra cultural que ya estamos sufriendo y en la que, tarde o temprano deberemos situarnos.
El director, Raoul Peck, es un documentalista haitiano reconocido por sus obras de corte sociopolítico que le han convertido en una voz de denuncia ante las injusticias sociales tanto de etnia como de clase. Raoul Peck fue Ministro de Cultura en Haití en 1997. Su película documental I’m Not Your Negro , sobre el racismo en EEUU, fue nominada en los Premios Óscar de 2017 . Esta impactante y provocadora película documental tuvo su estreno mundial en Cannes Première y compitió en Perlak del Festival Internacional de cine de San Sebastián.
Tráiler del thriller de terror español ‘La ahorcada’
Presentamos el tráiler oficial de “LA AHORCADA”, un thriller de terror dirigido por Miguel Ángel Lamata, protagonizada por Amaia Salamanca, Eduardo Noriega y Cosette Silguero y que llegará a los cines el próximo 24 de abril.
Sinopsis: Una cantautora se suicida en el jardín de su amante después de ser abandonada por éste. Pero su fantasma se queda en la mansión. Sus ansias de venganza desencadenarán una espiral de locura, horror y muerte que convertirá la vida de la familia en un infierno. Sólo la pequeña Patti, médium espiritista, entenderá la naturaleza del Mal al que se enfrentan…
La ahorcada es una historia de amor fou, obsesivo, oscuro y hasta destructivo, narrada en clave de terror, que cuenta la historia de Rosa, una cantautora que se suicida en el jardín de su amante después de ser abandonada por éste. Su muerte no pone fin a su presencia y, pronto, la mansión se convierte en el escenario de extraños y perturbadores sucesos que sólo la pequeña Patty parece comprender.
Miguel Ángel Lamata dirige su séptima película tras títulos como “Los Futbolísimos”, “Nuestros amantes” o “Tensión sexual no resuelta”, y su primera aproximación al cine de terror puro. Con guion de Mayte Navales basado en su novela homónima (editada por NdeNovela del Grupo Planeta), La ahorcada es una obra gótica contemporánea, perturbadora y emocional.
Amaia Salamanca (“Siempre es invierno”, “Pura Sangre”, “Muertos SL”, “Bienvenidos a Edén”) y Eduardo Noriega (nominado al Goya por sus papeles en “El Lobo” y “Abre los ojos”) protagonizan esta historia de terror entre una cantautora frustrada y un hombre al que pedirá cuentas desde el más allá. La joven Cosette Silguero (“Los protegidos: un nuevo poder”, “Los Futbolísimos y el misterio del tesoro pirata”, “La Moderna”) como la hija de Noriega, será la encargada de enfrentarse a ese fantasma. Norma Ruiz (“Los Futbolísimos 2”, la serie “Yo soy Bea” e “idilia”, película que protagoniza y por la que ha obtenido el premio a Mejor Actriz en el Festival de Cine de Nueva York (IFFNY) completa el elenco protagonista.
Anastasia Fauteck (“Los Futbolísimos y el misterio del tesoro pirata”, “Velvet Colección”), Veki Velilla (“¡García!”) Raúl Sanz (“Montecristo”), completan el reparto, que cuenta también con la colaboración especial de Cristina Gallego (colaboradora de “El intermedio”) y Emilio Buale (“El hoyo”, “Detective Touré”).
Rodada en diversas localizaciones de las provincias de Teruel y Zaragoza, La ahorcada cuenta con un destacado equipo técnico de profesionales como Teo Delgado (“Torrente 5”, “Flores de otro mundo”) como director de fotografía; dirección artística de César Macarrón (ganador de un Goya por “La gran aventura de Mortadelo y Filemón”); música original de Fernando Velázquez (ganador de un Goya y un Feroz por “Un monstruo viene a verme”); vestuario de Arantxa Ezquerro (ganadora de un Goya por “La virgen roja”); maquillaje y peluquería de Patricia Reyes (ganadora de un premio Gaudí por “Los últimos días”); sonido directo de Elena Coderch (nominada a los premios Gaudí por sus trabajos en “Casa en llamas”, “Seis días corrientes” y “No matarás”) y montaje de Nacho Blasco (nominado al Goya por el montaje de “La estrella azul”).
La ahorcada es una producción de El árbol y el ruiseñor AIE, Bemybaby Films (Miguel Ángel Lamata y Raúl García Medrano) e Imposible Films (Marta Esteban), que cuenta con la financiación del Ministerio de Cultura-ICAA, con la participación de RTVE, Aragón TV, Crea SGR, Avalia Aragón SGR y Caja rural de Teruel, y con el apoyo de Gobierno de Aragón, Fondos FITE, Ayuntamiento de Zaragoza, Diputación de Teruel y Ayuntamiento de Teruel.
De su distribución en cines en España y de las ventas internacionales se encargará Filmax.
“LA AHORCADA” se estrena exclusivamente en cines el 24 de abril de 2026.
#LaAhorcada
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 13 de febrero de 2026 *
EL VESTIDO (Jacob Santana y Frank Ariza, 2026)
España. Guion: Frank Ariza, Diego Ayala, Marco Lagarde Música: Maria Vertiz Fotografía: Christos Voudouris Compañías: AF Films, Forgotten 2 Entertainment, E-Media Canary Project, Match Point. Productor: Frank Ariza Género: Terror
Reparto: Belén Rueda, Vera Centenera, Elena Irureta, Belén Écija
Sinopsis: Alicia (Belén Rueda) y su hija Carla (Vera Centenera) se mudan a una vieja casa en busca de un nuevo comienzo tras un divorcio difícil. Sin embargo, pronto descubren que la casa guarda una historia oscura, una cadena de tragedias que parecen repetirse generación tras generación. Carla, que lucha por encontrar su lugar en el mundo, comienza a notar que algo en la casa no está bien. Su madre, cada vez más paranoica, empieza a temer que su hija sea la causante de los eventos extraños que suceden a su alrededor. Pero la verdad es aún más aterradora: Alicia es la que está perdiendo el control… o peor aún, nunca lo tuvo.
El Vestido es un compendio del buen cine de fantasmas y casas encantadas, con todos los elementos, guiños y puntos en común, incluido el objeto maldito que es el que da título al film de estos dos directores, Jacob Santana y Frank Ariza, con el que debutan en el cine de terror. Jóvenes y sobradamente preparados, tal y como muestran sus filmografías, El vestido se detiene en infinidad de elementos demasiado familiares para el aficionado serio al género, pero ofrece un imaginativo twist final que consigue su cometido de sorprender al espectador.
Sin querer ser irrespetuoso, Belén Rueda, agradecido nombre adscrito al género terrorífico y comprometido con el mismo, quizás está un tanto mayor como para ejercer de madre de la niña, pero construye un personaje a su medida y consigue darle credibilidad. La joven Vera Centenera resulta terrorífica como pre-adolescente y siniestra en su papel de poseída.
A las dos protagonistas les acompañan en el reparto Elena Irureta (¿Quién es quién?, Ocho apellidos marroquís, Patria – serie tv-) y Belén Écija (La agencia -serie tv-, Caída libre) y es una producción de AF Films junto con Forgotten 2 Entertainment SL en asociación con E-Media Canary Project y Match Point, cuyas ventas internacionales están a cargo de Film Factory.
Mondo d’Arbó 5: Cena de asesinos
CENA DE ASESINOS
Sinopsis: Héctor Ross (Jordi Torras) está involucrado en el tráfico de drogas, pero la muerte de su hijo por una sobredosis le hará reaccionar y jurará acabar con sus socios traficantes. Para ello contratará a tres asesinos profesionales como ejecutores de su venganza, sin explicarles sus motivos para matar. Tras llevar a cabo su misión, Héctor, en complicidad con Marta (Laura Conti), su joven amante decidirá citarlos en su mansión, situada en una solitaria isla, con la excusa de escribir un libro con las experiencias que los sicarios le relaten[1]. Pero todo resultará ser un juego mortal, una trampa durante la cual los asesinatos se irán sucediendo de manera inexplicable.
Tras Más allá de la muerte (1986), D’Arbó baraja varios proyectos, entre los que se encuentran adaptar al cine la novela La sombra de Hitchcock[2], escrita por su colaborador Salvador Sainz, y también una serie de suspense para televisión junto Narciso Ibáñez Menta con el inquietante título de “El asesino está entre nosotros”[3]. En este proyecto de serie cabe ver el germen de Cena de asesinos, pues Sebatià D’Arbó se proponía hacer una nueva adaptación de la exitosa serie que Ibáñez Menta realizó en Argentina en 1985, El pulpo negro. La serie no se realizó, pero en su lugar el director abordó su último largometraje de ficción que se estrenó y exhibió del 25 de mayo al 6 de junio de 1990 en las pantallas de los barceloneses cines Pelayo y Waldorf (en ambos en versión catalana), y a partir del 28 de mayo en el Lido y Magallanes de Madrid como Cena de asesinos, asuntos sucios.
El propio D’Arbó reniega de esta cinta: “dejé el cine por la desgracia de esta película. Bueno, más que por esta película por la administración y lo mal que estaba el sistema de cine aquí en España”[4]. Y es que, pesar de estar subvencionada por la Generalitat de Catalunya, para llevar adelante este trabajo se hubo de recurrir al sistema de coproducción y, siempre según el director, fue la participación italiana la que arrojó la maldición a la cinta: “Vincenzo Salviani quería hacer una especie de spaguetti-western. Él venía al rodaje y rodaba unas escenas de violencia adicionales fuera de guion. Además, se llevó todos los negativos a Roma y montó la película sin mi autorización. Por lo tanto, comuniqué a la prensa que abdicaba de esta película y que además el verdadero asesino de la película no era otro que el productor, al menos metafóricamente”[5]. A Vincenzo Salviani achacó también el director la profusión de escenas de cama no previstas en el guion y que convierten a Cena de acusados en una película erótica con gotas de intriga y no un thriller con gotas de erotismo, como era intención del director[6]. Sin duda le asiste la razón, pues, si bien todas las cintas de Sebastíà D’Arbó incluyen (a veces de forma un tanto torpe) ligeras dosis de erotismo, algo por otra parte achacable a la época en la cual fueron rodadas, Cena de asesinos carga las tintas hasta convertirse en un filme softcore que, sin lugar a duda, hubiera llevado, de estar todavía vigente, una ‘S’ en su cartel. Si damos un somero repaso a su filmografía queda refrendado que ese tratamiento fue debido a Salviani , pues es manifiesta su afición a, más que incluir, saturar sus películas de erotismo. Algunos ejemplos los encontramos en Oleadas de placer (Una ondata de piacere, 1975) de Ruggero Deodato, a 
quien produjo alguna película más; Deseo de mujer (Boglia di donna, Franco Bottari, 1978); El periscopio (1979) de José Ramón Larraz que incluye el a(na)tómico encuentro entre las dos euro divas Laura Gemser y Barbara Rey; y, sobre todo, La miel del diablo (Il miele del diavolo, 1986), co-escrita entre su director, Lucio Fulci, el propio Salviani y Jaime Jesús Balcázar productor, como hemos visto, de la práctica totalidad de la filmografía de Sebastià D’Arbó. Por otro lado, parece que el italiano formó la productora, Anna International Films, con la intención de rodar coproducciones eróticas en Cataluña si hacemos caso a las otras obras del sello, El vuelo de venus (Sogno proibito,1988) dirigida por el propio Salviani y La señora del Oriente Express (1989) de Franco Lo Cascio.
Dicho esto, tampoco es que la profusión de estas escenas dañe por si sola el resultado final de Cena de asesinos. Este también queda empañado por una primera parte totalmente independiente de lo que será el grueso del argumento, con esa opaca trama de lucha entre traficantes que resultará fuera de sitio, a razón de la acción que se desarrollará durante la segunda parte del filme y que parece ser es la que realmente quería rodar el director, que volvía a firmar el guion junto a Luis Murillo. Otras decisiones deplorables la empañan, como la selección de una música ratonera de sintetizador (una de las muchas secuelas deplorables de los años ochenta) que servirá como banda sonora para este despropósito con desmadejado resultado, lleno de escandalosos tropezones técnicos, como esas escenas de archivo que se delatarán, más allá de su textura, por ser de diferente formato. Tampoco los actores están todo lo bien que podrían, quizás por tener que recitar diálogos redundantes, cuando no ridículos, como el que recita Laura Conti y que cierra el filme: “La ficción supera a la realidad y a veces lo contrario.”
Laura Conti, la protagonista femenina, se hizo popular gracias a su anterior filme, L’Escot (1987) una cinta de Antoni Verdaguer basada en la novela Amorrada al piló de María Jaén, de alto contenido erótico. Tras la cinta, la bella actriz parecía estar llamada al éxito, o al menos así parecía a tenor de la apuesta que hacía por ella Playboy (España), en cuyo número de julio de 1989, además de protagonizar la portada, figuraba un artículo titulado ‘Hollywood la espera’. Lamentablemente no fue del todo cierto ya que, si bien su siguiente trabajo fue una serie norteamericana de extenso reparto rodada entre España y Estados Unidos, también este sería su canto de cisne. El resto del reparto está compuesto por eficaces y longevos actores, veteranos catalanes de la actuación junto a meritorios que tan solo actuaron en esta cinta y alguna contribución italiana como la de Gabio Gabrani. La participación más sangrante corresponde al prestigioso Jordi Dauder, que iniciaba su carrera cinematográfica justo por entonces y que tuvo que vestir a su personaje, Simón, el marinero, con toda la convicción que le fue posible otorgarle. En la parte técnica repite Ignasi P. Ferré como asistente de Sebastià D’Arbó, quién como viene siendo habitual, se reservó un pequeño papel en su película.
Cena de asesinos, pues, supone para D’Arbó la gran decepción que le llevó a abandonar el cine y centrarse en otros medios hasta que en 2011 volvió a ponerse tras las cámaras para rodar su documental El misterio Fassman. El director afirma que él nunca hizo cine por hacer cine, por eso rechazó ofertas que le hubiesen apartado de la temática de su interés (llama la atención la propuesta que recibió de rodar la primera película de Jesulín de Ubrique). No sabremos nunca qué hubiera ocurrido de no darse la injerencia del productor italiano, pero tal como ha llegado hasta nosotros es un triste punto final para D’Arbó en el cine de ficción.
Tras su breve vida en salas, Cena de asesinos llegó al mercado doméstico. Además de una edición española de video realizada por el sello Cine Base, cuya carátula destaca la parte erótica del filme, se tiene conocimiento de que la película de D’Arbó se editó también en Grecia con el título de Deipno gia dolofonous.
NOTAS
[1] Una excusa idéntica a la que en Viaje al más allá (1980) utiliza el personaje interpretado por Narciso Ibáñez Menta para reunir al resto de personajes en su mansión
[2] S. F. “D’Arbó trata en su última película sobre la vida más allá de la muerte.” La Vanguardia. Martes 25 de marzo de 1986, pág. 43.
[3] Ibidem.
[4] RODRÍGUEZ LAZO, J. P. & SALVADOR ESTÉBENEZ, J.L. “Entrevista a Sebastián D’Arbó” en La abadía de Berzano, 7 de marzo de 2011. https://cerebrin.wordpress.com/2011/03/07/entrevista-a-sebastian-darbo/
[5] Ibidem.
[6] S. F. Opus Cit.
Serendipia
Proyecto Naschy 
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