Archivo

Archive for the ‘CINE FANTÁSTICO Y DE TERROR ESPAÑOL’ Category

VAMOS DE ESTRENO: * Viernes 21 de enero de 2021 *

A mediados de los años noventa una nueva generación de cineastas españoles conseguía rodar sus primeros largometrajes. Marcados por el cine fantástico que vieron en su infancia y por la televisión, directores llegados desde el mundo del fanzine y del cortometraje como Álex de la Iglesia, Santiago Segura, Paco Plaza o Jaume Balagueró, conseguían entrar en la industria del cine de la mano de importantes productoras como El Deseo o Filmax. Pero no todos lo consiguieron. Mi adorado Monster es la historia de uno que desde la independencia más feroz, se detuvo en el camino y su proyecto quedó estancado durante más de 20 años hasta que,  inesperadamente, fue finalizado y estrenado en el festival de Sitges, de donde fue a la Semana de Cine Fantástico y de Terror de Donosti y a la Filmoteca Española, además de editarse en DVD.

Esta es la historia de Los Resucitados y de su director, Arturo de Bobadilla.

Producida por Enrique López Lavigne para El Estudio, en coproducción con Infilmity, ViMa, y con la participación de EMB Documental, Mi adorado Monster está dirigido por Víctor Matellano y basada en una idea propia, con guion de Matellano y uno de los protagonistas de Los Resucitados, Manuel Tallafé. Un documental que llega a los cines de la mano de 39 Escalones.

Mi adorado Monster narra una historia más grande que la vida, la obsesión de revitalizar en los noventa ese fantástico español que Arturo de Bobadilla y su generación vieron en los cines de barrio de sesión doble durante los años setenta. Películas protagonizadas por el hombre lobo de Paul Naschy o los templarios de Amando de Ossorio, unas cintas que el tiempo ha revalorizado en todo el mundo y que Bobadilla quiso recrear en su guion, haciendo referencia a personajes de esas películas y revistiendo todo con un halo literario autóctono al basarla, al igual que ya hiciera otra de las películas de aquella época, La cruz del diablo (John Gilling, 1975), en las leyendas de Gustavo Adolfo Bécquer.

Matellano, Tallafé y Babadilla

Bobadilla juntó a algunos de los nombres de aquel terror español como Paul Naschy y Antonio Mayans, y algunos actores pescados de las cintas que rodaba un primerizo Álex de la Iglesia como Tallafé y Santiago Segura, además de algunos amigos y actores entonces principiantes como Zoe Berriatúa y otros intérpretes aficionados e incluso accidentales. El resultado es difícil de definir. Rodada sin presupuesto, sin sonido y con el guion que improvisaba Bobadilla en el momento del rodaje, se dobló 22 años después como bien se pudo y rehaciendo los diálogos, de los cuales no se conservaba nada. Toda una epopeya que Víctor Matellano narra gracias a la colaboración del propio Arturo de Bobadilla y de los actores y técnicos de aquel caótico rodaje, que cuentan anécdotas que han pasado a formar parte recurrente en la biografía de los que las cuentan.

Los paralelismos con Ed Wood, que señala Santiago Segura, también están presentes en el propio documental, con Paul Naschy como su Lugosi particular, recuperado, al igual que aquel, durante la peor época laboral y personal de su carrera; y Álex de la Iglesia como su Orson Welles. El reflejo de lo que pudo ser y lo que finalmente fue.

De lejos, lo mejor del documental, que tiene mucho de mockumentary, es cuando Matellano permite que sean los propios actores y actrices protagonistas, técnicos y el propio Arturo de Bobadilla los que narren sus experiencias durante el rodaje de Los Resucitados, así como las diferentes visitas a las localizaciones y el testimonio de Ángel Sala, que sitúa al director en el contexto de la época. También da buen resultado la química entre Bobadilla y su monstruo, que le persigue a todos lados con la forma de un podrido caballero templario «a la Ossorio» y encarnado por el siempre estupendo Javier Botet. Asimismo resulta curioso ver las reacciones de los actores Macarena Gómez, Cristina Alcázar, Nacho Guerreros y Carlos Areces ante el visionado de Los Resucitados. Todo ello en un necesario documental sobre una de las figuras más carismáticas del fandom aunque, como es mi caso, deja al espectador con más ganas de conocer a la persona y al personaje. Su historia y su tragedia.

En cuanto a lo peor, su inicio, pretendidamente didáctico y los, en gran parte innecesarios, testimonios de Pedro Ruiz (¡Pedro Ruiz!), la cantante Alaska, los  cómicos Diego Arjona, Javivi (¡Javivi!) y Millán Salcedo o Antonio Miguel Carmona (ex-político del PSOE, tertuliano y ahora vicepresidente de Iberdrola) y su pareja Yolanda Font, que junto a Marian Clar y Valeria Vegas interpretan una parte del documental. Por su parte el encuentro entre Álex de la Iglesia y Arturo de Bobadilla pasa de ser un momento que podría haber sido mágico, a resultar algo impostado y exento de naturalidad al estar, en gran parte, guionizado.

Rodada en Digital 4 K durante 28 sesiones en localizaciones de Barcelona y Madrid, Mi adorado Monster, que cuenta con un estupendo póster, como todos los de los films de Matellano, participó en festivales como Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, el Festival de Cine Fantástico de Canarias, Isla Calavera o el Festival Internacional de Cine Fantástico y de Terror Mórbido (México/Chile), obteniendo el Premio Especial del Jurado durante la 11ª Setmana de Cinema Fantàstic i de Terror de Girona.

FlixOlé estrena una remasterización inédita en 4K de ‘Arrebato’, la cinta de culto de Iván Zulueta

          La plataforma estrenará el próximo 21 de enero la película que revolucionó el cine español y convirtió a su creador en uno de los directores malditos del panorama fílmico nacional

En colaboración con FlixOlé, Cineteca Madrid proyectará una copia restaurada en 4K de Arrebato, proporcionada por la propia plataforma, en la Sala Azcona los días 7, 8 y 9 de enero

Cine dentro del cine, vampirismo, drogas y el síndrome de Peter Pan componen la que sin duda es la película de culto por excelencia del cine español: Arrebato (1979). Filmada por Iván Zulueta, esta magnética cinta capaz de succionar la energía tanto de sus protagonistas como del espectador se ha convertido en todo un mito de muy difícil acceso.

Ahora FlixOlé estrena en exclusiva el próximo 21 de enero una versión inédita de Arrebato que permitirá disfrutar de este largometraje con una calidad de imagen y sonido como nunca antes se había visto, y desde el salón de casa.

Adelantada a su tiempo, la película muestra cómo el cine y los fotogramas atrapan a sus entusiastas: José Sirgado (Eusebio Poncela) es un director de serie B en plena crisis creativa y personal, incapaz de romper con su expareja (Cecilia Roth). Inmerso en una espiral de autodestrucción, y con las drogas como acicate, José recibe noticias de un antiguo conocido, Pedro (Will More). Se trata de un extravagante joven que graba en Super 8 y cuya obsesión por controlar el ritmo de sus películas lo lleva descubrir el fotograma rojo. El hallazgo despertará la curiosidad de José, quien emprenderá un viaje hacia el “arrebato”.

Con una escena final capaz de capturar la misma esencia del cine, Arrebato se situó a la vanguardia del séptimo arte patrio de los años 80. Esta extraña e inquietante historia vampírica sin colmillos revolucionó el panorama fílmico español y convirtió a su creador, Iván Zulueta, en un referente; el propio Pedro Almodóvar (quien llegó a doblar a Helena Fernán-Gómez en la cinta) lo catalogó como el David Lynch pop español.

No obstante, la cinta también lo etiquetó como un director maldito. Siendo Arrebato su segundo largometraje, el realizador vasco no volvió a rodar más películas; a pesar de los numerosos intentos de sus compañeros por traer de vuelta su original y necesario cine a la gran pantalla.

Pases en Cineteca y el especial sobre Iván Zulueta

Preámbulo de la Movida Madrileña, el estreno de Arrebato en salas fue poco menos que anecdótico. Sin embargo, el tiempo ha hecho justicia con la película y el público que ha tenido la ocasión de verla la ha acogido como la joya que es. La restauración del largometraje por parte de FlixOlé y la futura incorporación del mismo a su catálogo permiten ahora que la fama de la cinta no se transmita únicamente de oídas.

En colaboración con FlixOlé, Cineteca Madrid proyectará una copia restaurada en 4K de Arrebato. Proporcionada por la plataforma de cine español, la versión remasterizada del film se podrá ver en la Sala Azcona (ubicada en el espacio Matadero de Madrid) los días 7, 8 y 9 de enero.

Igualmente, con motivo del estreno de Arrebato en FlixOlé, desde la plataforma ha elaborado una publicación en torno al director vasco que firmó la obra maestra. Bajo el hashtag #ElMundoDeIvánZulueta, el especial recorre el místico anecdotario que rodea al cineasta, sus películas, y su faceta de cartelista; y es que la mano de Zulueta era muy codiciada a la hora de elaborar las portadas de grandes películas.

Por último, a través del podcast ‘A Quemarropa’, los periodistas y críticos de cine Tonio L. Alarcón y Roberto Morato dedicarán dos programas a la figura de Iván Zulueta los días 7 y 21 de enero. En el primero, se adentrarán en su cinta de temática pop Un, dos tres…Al escondite inglés y contará con la participación del escritor y director Álex Mendíbil. Ya el 21 de enero, se sumergirán en las turbias imágenes de Arrebato junto con el productor Enrique López Lavigne.

“CERDITA”, el primer largometraje de Carlota Pereda, tendrá su estreno mundial en el Festival de Cine de Sundance

14 diciembre 2021 Deja un comentario

El Festival de Cine de Sundance acogerá en su próxima edición, que tendrá lugar entre el 20 y el 30 de enero de 2022, el primer largometraje de Carlota Pereda, “CERDITA”. La película se presentará en la sección Midnight.

La realizadora debuta en el largometraje con esta película que también escribe, y que se inspira en el corto homónimo que le valió numerosos galardones nacionales e internacionales, entre los que se encuentran los Premios Goya y José María Forqué al Mejor Cortometraje de Ficción, o el prestigioso Slamdance Russo Brothers Fellowship (beca para un cineasta seleccionado por los hermanos Russo, directores de Los Vengadores o Capitán América, entre otros títulos).

Carlota Pereda, que en su breve trayectoria ha contado con un destacado apoyo internacional, ha sido incluida por la prestigiosa publicación Variety en su TOP 10 de Cannes (ranking de 10 directoras y productoras a las que no perder de vista) y al rodaje de su primera película en el Spanish Spotlight de Cannes.  El proyecto fue seleccionado por el Festival de Cannes dentro de la iniciativa Focus CoPro y fue ganador del Pop Up Residency para el desarrollo de largometrajes.

Sobre la participación en Sundance nos dice la directora:

“Sundance es un festival que he admirado toda mi vida, de donde han surgido muchos de los artistas que más amo.  Todo el equipo sentimos que nuestra Sara, interpretada por Laura Galán, no podría tener mejor presentación al mundo que Sundance. Están hechas tal para cual. Es genial.” Carlota Pereda

“CERDITA” está protagonizada por Laura Galán (aclamada protagonista del corto Cerdita, ha participado también en películas como Orígenes Secretos y El hombre que mató a Don Quijote o en la serie de TV Cuerpo de Élite), Richard Holmes (Hasta el cielo), Carmen Machi (Nieva en Benidorm, La tribu, Mi gran noche, Ocho apellidos vascos Ocho apellidos catalanes, La piel que habitoIrene Ferreiro (Skam), Camille Aguilar (Maricón perdido), José Pastor (La templanza, Acacias 38, La otra mirada), Fernando Delgado-Hierro (Violeta no coge el ascensor, Dodos), Julián Valcárcel (30 Monedas, Caronte, Arde Madrid, Las brujas de Zugarramurdi), y el joven Amets Otxoa. Con la colaboración especial de Pilar Castro (Competencia Oficial, Ventajas de viajar en tren, Julieta, Gordos) y Claudia Salas (Élite o La Peste, la mano de la Garduña).

Este crudo thriller rural lleno de tensión, venganza, miedo, polvo y sudor, rodado íntegramente en Extremadura, está producido por Morena Films en coproducción con Backup Studio y Cerdita AIE en asociación con La Banque Postale 15, Indéfilms y Triodos Bank, y cuenta con la participación de RTVE Movistar+ y el apoyo del Gobierno de España, ICAA; la Junta de Extremadura, Eurimages, Creative Europe – MEDIA Programme of the European Union y la Comunidad de Madrid.

“CERDITA” será distribuida en España por Filmax y de las ventas internacionales se encargará Charades Films.

Sobre la participación en el festival en palabras de la productora:

“Estamos felices con la selección en Sundance. Que un festival tan codiciado y con tanto prestigio apueste por una ópera prima es un orgullo para todas las que formamos parte de Cerdita; detrás de la película hay muchísimo trabajo de Carlota y de un equipo maravilloso, y es estupendo que se reconozca. ¡Vamos dispuestas a conquistar Park City!”. Merry Colomer

Destacan en el equipo técnico los nombres de Rita Noriega en la dirección de fotografía; Sara San Martín al frente del equipo de dirección; Clara Salvador como jefa de producción y localizadora; Nicolás Mas en sonido, y Arantxa Ezquerro como figurinista y Paloma Lozano en maquillaje. María Soler es la supervisora de producción por parte de Morena Films. Óscar Sempere en la dirección de arte y Olivier Arson es el encargado de la música. El montaje está a cargo de David Peregrín y, al frente de la dirección de producción, está Sara García.  Al frente del casting han estado Arantza Vélez y Paula CámaraMerry Colomer, productora ejecutiva de Morena Films, lidera este proyecto en el que la mayoría del equipo son mujeres, tanto en el equipo base como en los puestos de responsabilidad.

SINOPSIS

Para Sara, el verano solo significa tener que soportar las continuas burlas de las otras chicas de su pequeño pueblo. Pero todo terminará cuando un desconocido llegue al pueblo y secuestre a sus acosadoras. Sara sabe más de lo que dice, y tendrá que decidir entre hablar y salvar a las chicas, o no decir nada para proteger al extraño hombre que la ha salvado.

Miguel Ángel Vivas finaliza el rodaje de «Asedio» protagonizada por Natalia de Molina

19 noviembre 2021 Deja un comentario

El pasado 11 de octubre comenzó en Madrid el rodaje de Asedio, la nueva película del director Miguel Ángel Vivas, producida por Enrique López Lavigne para Apache Films, en asociación con Sony Pictures International Productions.

Tras rodar Tu hijo, película producida también por Apache Films y protagonizada por José Coronado, quien recibió una Nominación al Goya al Mejor Actor por la misma, y la serie de televisión Vis a Vis, convertida en un fenómeno internacional, Miguel Ángel Vivas se sumerge con Asedio en la historia de Dani, una mujer que quiere sobrevivir en un entorno de hombres, para lo cual tiene que ser más hombre que los demás, sumergida en un submundo desconocido en el que el abandono del Estado ha creado una realidad paralela, al margen de la ley. A partir de una idea original de Miguel Ángel Vivas y José Rodrigo e inspirada en hechos reales, Marta Medina (guionista y crítica cinematográfica) se encarga del guión de Asedio.

La ganadora de dos Premios Goya, y otras tres veces nominada, Natalia de Molina se mete en la piel de Dani. La acompañan Bella Agossou (‘Adú’, ‘El Cuaderno de Sara’), el debutante Oscar Eribo, y los actores Francisco Reyes, Fran Cantos, Chani Martin, Jorge Kent, Efraín Rodríguez, Lucas Nabor, Federico Pérez Rey, Luis Hacha, Fernando Valdivielso, Karlos Aurrekoetxea Alejandro Casaseca.

 

Sinopsis

Cuando en un desahucio Dani se ve envuelta en una trama de corrupción policial, se da cuenta de que su única ayuda es Nasha, la inmigrante ilegal a la que acaba de echar de casa, y su hijo Little. Ambas mujeres deberán unir sus fuerzas a la vez para paliar sus diferencias haciendo frente a un sistema corrupto mientras son asediadas en el edificio que la policía ha venido a desalojar. Así, mientras tratan de sobrevivir, deberán replantearse quiénes son y quienes les gustaría ser en realidad.

“Asedio” es una producción de Apache Films con la participación de RTVE y Prime Video, en asociación con Sony Pictures International Productions y coproducida por México City Project (México), cuyo estreno en salas de cine de toda España está previsto para el próximo año 2022 de la mano de Sony Pictures Entertainment IberiaTras su paso por salas de cine, la película estará disponible en Prime Video.

Finaliza el rodaje de ‘La desconocida’, la nueva película de Pablo Maqueda

19 noviembre 2021 Deja un comentario

Ha finalizado el rodaje de La desconocidael segundo largometraje de Pablo Maqueda (Dear Werner. Walking on cinema, 2020). Basada en la exitosa obra de teatro Grooming, del Premio Nacional Paco Bezerra, cuenta con guion del propio Maqueda, Haizea G. Viana y Paco Bezerra.

Laia Manzanares en un momento de la trama ©Daniel Mayrit

La película está protagonizada por Laia Manzanares (El reino), Manolo Solo, ganador del Goya al mejor actor de reparto por Tarde para la ira y Eva Llorach, ganadora del Goya a la mejor actriz revelación por Quién te cantará, y cuenta con la colaboración especial de Blanca Parés (Julieta). El rodaje  se llevó a cabo en octubre y noviembre en diferentes localizaciones de Madrid y Albacete.Para el director, Pablo Maqueda, “el rodaje de esta película ha sido una de las experiencias más intensas y enriquecedoras de mi vida, no sólo a nivel profesional sino personal. He aprendido muchísimo de Laia y Manolo y de cada uno de los técnicos y técnicas de la película. Trabajar mano a mano con el director de fotografía Santiago Racaj ha sido un regalo, y tengo muchas ganas de sentarme con la montadora Marta Velasco y comenzar a dar forma a esta historia que espero que no deje indiferente a nadie”.El proyecto fue premiado en el Mercado Audiovisual de Cine Independiente Abycine Lanza del festival de cine Abycine 2019, uno de los referentes de la industria audiovisual española para la presentación de nuevos proyectos. La desconocida es una producción de Fórmula Cine A.I.E. y ELAMEDIA y cuenta con el apoyo del Instituto de la Cinematografía y las Artes Audiovisuales- ICAA, Comunidad y Ayuntamiento de Madrid, Fundación IMPULSA Castilla La Mancha y la ECAM y con la participación de Telemadrid y Castilla La Mancha Media TV. La películas será distribuida en cines por Filmax. SinopsisCarolina (Laia Manzanares) es una joven ingenua y encantadora que conoce a Leo (Manolo Solo) a través de un chat. Él es un hombre adulto que se ha hecho pasar por un chico de 16 años y engañándola, ha conseguido quedar con ella en un apartado parque de la ciudad. Pero a medida que Leo conoce a Carolina empieza a sospechar que quizá ella no es tan inocente e inofensiva como aparenta.

Manolo Solo interpreta a Leo ©Daniel Mayrit

Pablo Maqueda (Madrid, 1985) Cineasta y productor. Licenciado en Comunicación Audiovisual por la Universidad Complutense de Madrid. Ha producido más de 25 largometrajes estrenados online, incluyendo trabajos de Chema García Ibarra, Manuel Bartual o Marçal Fores. En 2020 estrena el documental Dear Werner (Walking on cinema), nominado al Premio Feroz, colaborando en la película con el cineasta Werner Herzog. En 2021 dirige La desconocida, su segundo largometraje, un thriller adaptación al cine de la obra teatral Grooming del Premio Nacional Paco Bezerra, protagonizado por Laia Manzanares y Manolo Solo.

Diario de Serendipia en Sitges 2021: Remontando la pandemia. Séptima cápsula

18 noviembre 2021 Deja un comentario

Una nueva jornada en la que el cansancio comienza a hacer mella en Serendipia. Las películas se van editando en duración y sus argumentos mezclándose debido al sueño y las breves cabezaditas que van produciéndose… Pero afortunadamente encontramos un momento para cargar las baterías dando un paseo por la costa y visitando la King Kong Area:

Fotos: Serendipia

INCISO

KING-KONG AREA / COLECCIÓN FANTATERROR  (Ediciones Setanta-Nou)

A la zona de tiendas que hay en la linea de costa, se les ha añadido otra de actividades y bares que consiguen empalmar con la zona de tracker food, consiguiendo un paseo temático y en cierto modo un oasis entre cines que tuvo gran afluencia de público. Nuestra intención primera, eso sí, era poder ir a nuestro establecimiento preferido del festival, El Setanta-Nou, lugar de parada obligatoria para todo asistente y fan del cine de terror, pues allí podrá comprar a un precio sin competencia, lo mejor del cine fantástico y de terror en formato DVD y Blu-ray. Y ya habían llegado nuestros niños, bueno, nuestros en parte, pues Serendipia ha puesto su granito de arena para que salgan lo mejor posible, pues se trata de las primeras cuatro entregas de la Colección Fantaterror, bajo cuyo genérico nombre se reúne lo mejor del cine fantástico y de terror español en una necesaria iniciativa editada por el propio sello de la tienda, Ediciones Setanta-Nou. Cuatro titulazos cuyas ediciones especiales (con póster, libreto y slipcover) fueron las estrellas del festival: Pánico en el Transiberiano (Eugenio Martín, 1972), No profanar el sueño de los muertos (Jordi Grau, 1974), Ceremonia Sangrienta (Jordi Grau, 1973) y Misterio en la isla de los monstruos (Juan Piquer Simón, 1981). Cuidadas ediciones, con numerosos extras y con ánimo de continuidad, pues pendiente quedó El bosque del lobo (Pedro Olea, 1970) por falta de dos tempranos cortometrajes del director, El parque de juegos (1962) y Anabel (1963), ambos de temática fantástica, con los que Olea se graduó como director en la Escuela Oficial de Cinematografía (EOC) y que quedaron pendientes de servir por la Filmoteca Española. Además, durante la presentación de El aullido del diablo, Sergio Molina anunció parte de los nuevos once títulos de su padre con los que la colección proseguirá su andadura durante el próximo año. Así que se abre un 2022 interesante, seguro, para los amantes del cine de terror español y en particular los de Paul Naschy. También se presentaron, fuera de colección, dos estupendas ediciones en Blu-ray: una en formato doble dedicada a Elio Quiroga con No-Do (2009) y La hora fría (2006), y Amigo, la fenomenal opera prima de Óscar Martín, directores ambos presentes durante el festival, Óscar brevemente, pues partía hacia otro situado en los Cárpatos (no es broma) y Elio como jurado de la sección Noves Visions.

EXPOSICIÓN: LOS MUNDOS DE WALDEMAR DANINSKY

En un año dedicado a la bestia interior, con el hombre lobo en cabeza, no podía faltar un homenaje a nuestro licántropo particular y el más prolífico en el cine, Paul Naschy. Así, además de poder disfrutar en pantalla grande de El retorno del hombre lobo (Jacinto Molina, 1981), dentro de la retrospectiva dedicada a las películas del mito y con la actriz Silvia Aguilar como presentadora de lujo, se le sumó la exposición Los mundos de Waldemar Daninsky, comisariada por Diego López y que contó con material de su propia colección, así como perlas pertenecientes al propio Naschy, dentaduras, la katana original del film coproducido con Japón, La bestia y la espada mágica (Jacinto Molina, 1983) y guiones, entre ellos el santo grial, el manuscrito de Satanás contra el hombre lobo, que dio pie a La noche de Walpurgis (León Klimovsky, 1971). También había unas estupendas fotografías originales que muestran el proceso de maquillaje utilizado en La maldición de la bestia (Miguel Iglesias Bonns, 1975), realizadas por el artista Pierrot, publicadas en su revista, Vudú y aportadas por su biógrafo y autor del documental, Lentejuelas de sangre (2012), Eduardo Gión. Todo en una pequeña gran exposición de la que compartimos un video realizado y publicado por el canal de YouTube Los mundos de ENORM. Hemos intentado comunicarnos con su responsable para pedir permiso para hacerlo, pero de momento la búsqueda ha sido infructuosa. En todo caso, clicando en el nombre del canal, pueden acceder a muchas más entradas con un nexo común, el cine, especialmente fantástico y de animación: coleccionismo, figuras, muñecos, libros, cómic, VHS… , y todos esos objetos de los que se nutren nuestros sueños.

Pero después de este necesario inciso, vayamos a por más películas:

Y el día comienza con el madrugón habitual en la sesión despertador de l’Auditori, donde nos espera Antlers (Scott Cooper, 2021), una cinta que debe mucho al Festival de Sitges, como confesaba su guionista principal, y autor del cuento en el que se inspira el guion (y que puede leerse íntegro aquí, Nick Antosca (presente en esta edición por ser uno de los galardonados con el Premi Màquina del Temps): «es curioso, porque el proyecto de ‘Antlers’ nació aquí mismo [en el festival de Sitges de 2017] en el año que vino Guillermo del Toro. Yo vine como invitado para una masterclass a raíz del estreno de ‘Channel Zero’ y él presentaba ‘La forma del agua’. Yo soy un admirador de su trabajo y la sorpresa llegó cuando me dijo que quería trabajar conmigo. De ahí viene el hecho de que haya sido el productor de la película» (en la entrevista concedida a  eCartelera). Antosca es uno de los jóvenes valores del cine norteamericano (hasta ahora vinculado al audiovisual televisivo), para algunos al mismo nivel que Ari Aster o Jordan Peele gracias a su manejo de temáticas sobrenaturales contrapuestas con situaciones cotidianas y dramáticas. En The Quiet Boy, el cuento de partida, el escritor sigue la historia de Julia, una joven maestra de buenas intenciones, atrapada en la monotonía de un poblado en West Virginia quien, en su afán por ayudar al niño introvertido y desnutrido de su clase de cuarto año, termina por desatar una serie de sucesos violentos y atroces a manos de una fuerza sobrenatural que se alimenta del dolor. En su traslado al guion literario a esta trama principal se le sumaba la intención de anclar la historia la mitología de la tradición nativa americana y el espíritu diabólico ancestral del Wendigo. Folk Horror de raigambre norteamericana, ideada por un joven talento y producida por Guillermo del Toro, nada podía pintar mejor, sin embargo, el resultado no está a la altura de las expectativas: nos pareció bastante rutinaria y carente de ritmo, algo quizás achacable al cansancio acumulado por Serendipia, pero en sintonía con los comentarios que clamaba el murmullo de los espectadores. Es posible que la cinta se resienta del cambio de director a principios del rodaje y por los numerosos reshoots (retoques de filmación posteriores para mejorar lo insuficiente), con el consiguiente retraso de producción, pero lo cierto es que la versión final va falta de timón, no logra integrar las distintas capas de lo relatado, no consigue ensamblar bien el thriller psicológico de la maestra y el alumno introvertido con el terror sobrenatural de la maldición indígena. Pudiendo haber sido sugerente malbarata su atmósfera para convertirse en una monstermovie común y corriente. En todo caso pronto podrán comprobar por ustedes mismos si la cinta tiene carencias o fue Serendipia la que no estuvo atinada, pues tendrá estreno en cines el 19 de noviembre de la mano de Disney como Antlers: Criatura oscura.

A continuación deseábamos haber visto Offseason (Mickey Keating, 2021), pero la ya habitual escasez de tickets para medios en los, insistimos, pases de prensa abiertos al público, causó que se agotaran en escasos minutos haciendo que volviéramos a Tramontana y a la sección Noves Visions y tuviéramos que escoger una película que en principio nos inspiraba cierto rechazo, Mayday (Karen Cinorre, 2021). Nuevamente el azar jugó bien sus cartas, pues, sin ser un descubrimiento de primera, resultó ser todo un soplo de aire fresco y una oda a la libertad e igualdad en forma de cuento de hadas. En clave femenina y con elementos de Peter Pan y Alicia en el país de las maravillas, en Mayday el enemigo a combatir, inicialmente, serán  los hombres, a los cuales cual sirenas, el grupo de mujeres protagonista dirigirán hacia la perdición. Pero ese enfrentamiento, retratado como una guerra basada en el exterminio mutuo, no satisfará a la protagonista, Ana (Grace Van Patten) que, a pesar de que en principio ha encontrado fuerza en ese nuevo mundo, escogerá buscar su lugar luchando y compitiendo como una mujer, y no a la manera del hombre. Contada en clave fantástica, entre bélica y de aventuras, la película está protagonizada por un estupendo elenco femenino (ademas de Van Patten, Mia Goth, Soko, Juliette Lewis) y con ella ha debutado en el largometraje su directora y guionista, Karen Cinorre.

Más Noves Visions con Vampir (Branko Tomovic, 2021), una producción británica con un inicio similar al de Drácula (y por extensión a casi todas las historias vampíricas), con la llegada de un forastero a una pequeña población, en este caso situada en Serbia y en la actualidad, en la que su protagonista, un escritor inglés (interpretado por el propio director, productor y guionista del film), se instalará en busca de tranquilidad, aceptando un empleo como sepulturero que le dará opción a una vieja casa adyacente al cementerio. Allí se dará cuenta de que los habitantes, además de tener un folklore y unas costumbres un tanto bizarras, tienen un tono de piel de lo más pálido. Pero no se adelanten, pues la historia no irá por donde pueden imaginar, y ahí, además de en la angustiante claustrofobia que el personaje nos contagia , radica la originalidad de esta interesante opera prima. El bajo presupuesto de Vampir es obvio, pero también lo es la capacidad de Tomović para crear una atmósfera con escasos medios.

Para terminar el día, una nueva cita en Sitges con un viejo conocido del Festival, Fabrice du Welz, que presentaba Inexorable (2021) dentro de la sección Oficial Fantàstic Competició. Una historia de obsesiones y mentiras protagonizada por un escritor, Marcel Bellmer (Benoît Poelvoorde), en busca de inspiración, padre de una niña angelical y felizmente casado con la hija del editor que convirtió su novela, Inexorable, en un bestseller. Todo es luz y espacio abierto cuando arranca la cinta, la familia acaba de mudarse a la, recientemente heredada, finca del editor, una mansión noble en la pacífica campiña belga, hasta «estrenan» perro para la pequeña ahora que han abandonado la ciudad. Completamente idílico e impoluto. Pero pronto ese espacio ideal será invadido por un elemento discordante que tendrá tanto de seductor como de turbador: la joven Gloria (Alba Gaïa Bellugi), un personaje que resulta ser un perfecto cruce entre la Annie Wilkes de Misery (novela llevada al cine en 1990) y la Alexandra «Alex» Forrest de Atracción Fatal (1987), con suaves toques de la Peyton Flanders de La mano que mece la cuna (1992). En la secuencia de presentación de la misteriosa Gloria, du Welz emplea espacios urbanos, cerrados y nocturnos, una elección de puesta en escena que ya muestra las dos fuerzas antagónicas que van a cortocircuitarse en el filme, sin necesidad de explicar más de lo necesario sobre el origen o la razón que mueve a la joven. La colisión entre los dos mundos, en un primer momento, no podría ser menos amenazante, Gloria aparece en el jardín familiar acompañando al perro de la niña, que se había extraviado en un descuido. Un gesto servicial que permite a la joven introducirse en el universo burgués  como un engranaje indispensable para el buen funcionamiento de ese hogar. Lo de Gloria es una auténtica home invasion seductora, sensual, de hecho. Nada saben de la extraña, más allá de esa afabilidad y diligencia que la hacen querida y necesaria, pero ella sabe todo sobre sus antagonistas e incluso se hará con la información más oculta, que, con sus manejos, acabará desmantelando el equilibrio del hogar hasta su aniquilación absoluta y trágica. Sabremos lo justo para definírnosla, es una admiradora del autor, la más acérrima, una verdadera fan fatal, que busca hacerse central para reactivar el genio  creativo del novelista, convirtiéndose para ello en su fantasía erótica primordial. Se quiere musa y quiere serlo a través de la pulsión sexual y la total posesión, aun en el caso de que ello conduzca a la muerte del artista y de ella misma. Nuevamente, pues, du Welz, se adentra en una radiografía de la pasión desmesurada, lo hace esta vez bajo el envoltorio del suspense, del thriller de personaje a la guisa en que tanto nos ofreció en los últimos ochentas, primeros noventas. Pero el belga usa los tópicos del género y los modos hollywoodienses con una impronta personal que, en el fondo, dinamita las estructuras morales del mismo en las producciones mainstream. Porque no hay una línea divisoria que separe a los personajes positivos de los negativos, puede que Gloria sea el lobo, pero en su intención podría estar el deseo de subvertir el darwinismo social que impide el flujo de una clase a otra. Lo que está claro es que los Bellmer del mundo no son ovejas, su ansia de control y poder es incisiva, por eso basta con rascar un poco la superficie de su aparente orden para descubrir su realidad disfuncional. En Inexorable nada nos mueve a la empatía, no es una pieza para el gran público, a pesar de ser una de las obras más convencionales del belga. No será la mejor de su filmografía, pero maneja bien la tensión y, sobre todo, tiene carácter.

¿Qué más podríamos decir? Quizás señalar que el elemento fantástico brilla por su ausencia y, en cuanto al terror, sólo se acerca a él en la medida en que lo fatídico y lo funesto son fuentes de trauma y angustia (tres términos que la teoría psicoanalítica ve concomitantes). Nos moveríamos, pues, en las arenas movedizas de lo limítrofe. Sólo lo apuntamos. ¡No hemos venido aquí para hablar de los límites del fantástico!

Y para finalizar inmejorablemente la jornada, nada mejor que una buena mesa compartida con amigos. En este caso Serendipia disfrutó de la compañía de su viejo amigo José Miguel Rodríguez, responsable del blog Dioses y Monstruos y uno de los fundadores de la recordada editorial Tyrannosaurus Books.

 

 

Diario de Serendipia en Sitges 2021: Remontando la pandemia. Sexta cápsula

15 noviembre 2021 Deja un comentario

Una jornada muy especial para Serendipia, pues además de tres interesantes películas, presentábamos, junto a Sergio Molina y Ángel Sala, nuestra propuesta para Seven Chances, El aullido del diablo (1988), la película maldita por antonomasia de Paul Naschy que, recuperada por el sello norteamericano Mondo Macabro, por fin se puede disfrutar en las mejores condiciones en formato blu-ray. Pero no era cuestión de desaprovechar la ocasión de que el público de Sitges y Serendipia disfrutáramos el film desde la pantalla del cine Prado, ideal para el goce cinéfilo de los sentidos, en la que fue toda una experiencia maravillosa.

Foto: Serendipia

Martes, sexto día de festival y de cabeza a l’Auditori para inaugurar una nueva jornada que se inicia bien pronto, a las 8.15 horas, en la que nos espera Tres, primer y esperado largo dirigido por el barcelonés Juanjo Giménez Peña, que con su cortometraje Timecode (2016) se llevó un buen puñado de premios, llegando a estar nominado al Oscar. Con Tres, el director vuelve a proponer un ingenioso argumento, protagonizado por una actriz de doblaje (estupendamente interpretada por Marta Nieto) que un día se dará cuenta que esta fuera de sincronía, primero y por diversos motivos, de manera personal y en su relación con los demás, y más tarde esta falta de sincronía afectará a su propia voz, que llegará con un retardo cada vez mayor, pues su cerebro ha comenzado a procesar el sonido más tarde que las imágenes. Tres, no deja de ser una metáfora en clave fantástica sobre la incomunicación. Y todo ello lo consigue el director mediante una original historia de cine dentro del cine perfectamente hilvanada que conseguirá angustiar al espectador y en la que el sonido es fundamental, sobre todo en su último tramo, en el que aprenderemos a apreciar esos sonidos ambientales tan bellos y que tan poco nos detenemos a escuchar. Sobre la génesis de la obra, el director explicó durante la rueda de prensa que para él “la vida tiene banda sonora y yo soy un apasionado del sonido”. También ha añadido respecto al género: “Me siento muy a gusto en el cine fantástico, mi próximo largo también lo será”. Una película como Tres requiere de actores que hagan creíble esta historia al espectador, y el director ha contado con los intérpretes ideales, pues además de con la mencionada Marta Nieto, que según declaró, “es el papel más difícil que he hecho nunca” y cuya desolada mirada refleja la desesperación vital por la que atraviesa su personaje, cuenta con un convincente Miki Esparbé. Tres elevó el nivel de calidad del cine español participante en esta edición del festival.

A continuación deseábamos ir al pase de prensa de The Innocents (De uskyldige, Eskil Vogt, 2021) en l’Auditori, pero ante la imposibilidad de poderlo hacer, pues los pases reservados se terminaron misteriosamente en segundos, tuvimos que improvisar un cambio de planes que nos llevó a… lo han adivinado: Noves Visions en la Sala Tramuntana. Así, tuvimos ocasión de ver A Nuvem Rosa (Iuli Gerbase, 2021), una producción brasileña escrita en 2017 y realizada durante 2019 que vaticinaba el confinamiento que sufriríamos en 2020. En la película, una nube tóxica de color rosa es la causante de que la población mundial deba encerrarse en casa, centrándose la historia en situaciones que, por desgracia, resultarán familiares para el espectador y en la que, el contacto con el exterior y los pedidos de todo tipo de víveres y electrodomésticos, se realizará mediante «el tubo». Lo demás, ya se lo pueden imaginar: relaciones difíciles después de largo tiempo confinados, familias separadas, comunicación por redes sociales y mensajería por internet… todo está muy bien llevado por la directora en su debut que incluso ha sabido añadir unas gotas de humor a la trama haciéndola así más incisiva si cabe. No salimos ganado con el cambio fortuito, pero tampoco perdiendo, con la añadidura de que la obra de Gerbase no habríamos podida recuperarla como sí pudimos hacer con la cinta noruega.

El director austríaco Ulrich Seidl, que tantas alegrías ha ofrecido al público más comprometido con películas como Import Export (2007), la trilogía Paraiso (2012-2013) y el sorprendente documental En el sótano (Im Keller, 2014) también ha tenido buen ojo como productor, siendo responsable, entre otras, de la perturbadora Goodnight Mommy (Ich seh, Ich seh, Severin Fiala y Veronika Franz, 2014) y la que nos ocupa, Luzifer (Peter Brunner, 2021) una rara y exigente cinta que compitió dentro de la sección Oficial Fantàstic y que venía precedida por el escándalo en su pase en el Festival de Locarno. Este «perro verde» requiere de públicos más curtidos que el que puebla el certamen suizo. Brunner comparte con el productor ese sentido del humor ácido y desconcertante que tan bien armoniza con el retrato de lo extraordinario. Un extraordinario que en Luzifer se desgrana de la cotidianidad que llega a haber en la subsistencia en condiciones límites. Limítrofes son los personajes protagonistas, excelentemente interpretados por Franz Rogowski en el papel de Johannes y  Susanne Jensen en el de su madre, madre e hijo viven aislados en las cumbres alpinas regidos por la ascética moral del padre (recientemente fallecido) que permitió a la madre superar su dependencia del alcohol, un fervor religioso en el que se mezcla el cristianismo más místico con el animismo pagano y a la luz del cual ha crecido Johannes entre el amor a la naturaleza y el temor al mal supremo. Johannes es un bendito, una persona sencilla y de pocos alcances, que nos recuerda al Kaspar Hauser de Herzog, un hombretón con alma infantil que no conoce más mundo que el que le ha rodeado, un paraíso, paradójicamente arisco, en el que se ha forjado su inocencia sin apenas contacto con otros humanos que no fueren sus padres. Madre e hijo viven en paz con la naturaleza que les circunda, pero esa paz se va a ver turbada por la presión de los especuladores que están talando el bosque para construir una estación de esquí. La propiedad de los protagonistas es un escollo para sus intereses e iniciarán un acoso que irá subiendo de tono hasta la violencia física. Vemos la acción a través de la mirada de Johannes desde su simpleza inicial, su curiosidad por los nuevos sonidos, el de las sierras, el zumbido de los drones que empiezan a rivalizar con las rapaces, hasta su cruel despertar a la vida y a la pérdida. El luzifer del título vive encarnado en el llamado progreso que aniquila el equilibrio de la naturaleza, la cinta de Brunner es una desoladora proclama ecologista que nos deja sin catarsis. Quedamos abatidos cuando abandonamos la sala acompañados por la última imagen, un Johannes destrozado rodeado por cientos de drones amenazantes. Imágenes punzantes, servidas por el brillante director de fotografía Peter Flinckenberg,  que exigen al espectador una atención intelectual que quizás no esté al alcance de todos, pero quienes la logren sentirán en sus carnes el arrebatado ritmo de la narración.

Serendipia no sabe muy bien porque se mete en tantos saraos, la verdad. Pero aunque sufrimos al ponernos delante de cámaras o público, nos terminamos poniendo. Suponemos que por afición. Por pasión. Porque no tenemos remedio y por lo bien que nos sentimos haciéndolo. Así que, en vista de que iba a estar disponible por primera vez en copia digital y remasterizada la la película de Paul Naschy El aullido del diablo (1987), nunca estrenada en cines y que tan solo pudo verse en un par de festivales y en la Filmoteca de Madrid, además de en dos intempestivos pases televisivos, nos propusimos poder verla en un marco tan encantador como es el cine Prado de Sitges. Por egoísmo. Por verla en pantalla grande y porque pudiera ser disfrutada por quien lo deseara. Así que cuando recibimos la nota anual de la ACCEC (Asociació catalana de la crítica i escriptura cinematogràfica) invitando a sus socios a proponer películas para la sección Seven Chances del Festival de Sitges, no tuvimos ninguna duda de que nos tocaba dar un paso al frente. Y lo dimos.

Poco después supimos que nuestra propuesta había sido aceptada, así que tuvimos que escribir un texto, que fue incluido en el catálogo oficial del festival, y nos tocó presentar la cinta. Ya desde el principio pensamos que sería más que imprescindible la presencia en la misma del hijo del actor y director, Sergio Molina, profundamente involucrado en que el legado artístico de su padre siga vigente además de, no lo olvidemos, testigo en primera persona del rodaje del filme, pues es el protagonista del mismo. A la presentación quiso sumarse el director del certamen, Ángel Sala, así que ante una presencia bastante abultada de público y crítica, se pudo disfrutar de la película maldita de Paul Naschy y la única que firmó con su seudónimo oficial. Una magnífica experiencia que Serendipia culminó, antes de retirarse a descansar, con una sabrosa pizza en la zona fronteriza entre el centro de Sitges y l’Auditori.

¿Puede pedirse más?

El aullido de Paul Naschy (Texto incluido en el catálogo oficial del 54 Festival Intenacional de Cinema Fantàstic de Catalunya)

No resulta exagerado considerar a El aullido del diablo como el aullido de dolor del propio cineasta. Tras una larga carrera durante la cual pudo encarnar a un amplio abanico de monstruos clásicos en una España que no estaba para nada habituada a ello, llegó un cambio de paradigma con la llegada de la Democracia al que Naschy supo adaptarse, abordando nuevas temáticas acorde con los tiempos. También pudo alcanzar la categoría de autor total de sus obras y comenzó a dirigir con bastante buen tino y siempre sin dejar de lado el cine de terror, que era el que realmente sostenía su vida y obra. Los años ochenta trajeron consigo una de las etapas más satisfactorias para Jacinto Molina, como artista y profesional, con sus trabajos para Japón, todo lo cual le animó a retomar su personaje más emblemático, su hombre lobo, su alter ego: Waldemar Daninsky.

Pero a mediados de los ochenta se produjo una debacle en su vida y carrera y todo comenzó a desplomarse como un castillo de naipes: el desastre de algunos de sus últimos proyectos, la muerte de su padre y la de su socio y amigo Masurao Takeda y la falta de trabajo en una industria en la que el cine de género prácticamente ha desaparecido, ocasionan que el actor sufra una depresión y se aferre, como todos hemos hecho alguna vez, a sus queridos monstruos.

Así nace en 1988 El aullido del diablo, una película maldita por diversas razones, entre ellas por la precariedad financiera, los problemas con el decorador, Tony Pueo, que motivaron su despido, la intoxicación alimentaria del equipo y, sobre todo, por la duda sobre la autoría del guion, algo absurdo al tratarse de uno de los más personales de Jacinto Molina, casi autobiográfico y repleto de sus constantes como guionista, factores todos que terminaron influyendo en el confuso, y a veces caótico, resultado que puede verse en pantalla.

Rodada en inglés y en cuatro semanas, Paul Naschy interpreta en la cinta a los hermanos Doriani: el ausente Alex, popular actor de cine de terror que ha dejado un hijo huérfano (Sergio Molina, el propio hijo de Naschy) a la tutela de su hermano Héctor, la otra cara de la moneda, un frustrado actor teatral que desprecia las películas de su hermano y que en privado se deleita con el dolor que infringe a las prostitutas que contrata. Es posible que un estudio psicológico pudiera explicar la razón por la que Naschy interpreta a ambos hermanos, de personalidades tan alejadas y extremas entre sí: el Naschy y el anti-Naschy. También puede verse el personaje de Héctor como una posible representación del cine oficial, que desprecia la fantasía y el terror ficticio mientras en privado se deja llevar por vicios inconfesables. Una hipocresía que Molina extiende hacia otros estamentos como la iglesia católica, con ese rijoso cura interpretado por Fernando Hilbeck.

En la cinta, última rodada en la propia finca familiar del actor en Lozoya del Valle, en las inmediaciones de Madrid, escenario de otras de sus películas como El espanto surge de la tumba, Naschy se deleitará encarnando a la práctica totalidad de los monstruos clásicos, pues estos se le aparecerán a su hijo Sergio sirviéndole de refugio y consuelo tras la pérdida de su progenitor. Por su parte el sádico Héctor Doriani gustará de disfrazarse de personajes como Fu-Manchú, Barba Azul o Rasputín para sus retorcidos juegos sexuales, lo que ampliará, aún más, el catálogo de caracterizaciones de Naschy para El aullido del diablo, sin duda todo un tour de force para el actor y por supuesto para el veterano maquillador Fernando Florido, que ya había colaborado con Naschy en diversas producciones. El monstruo de Frankenstein, Quasimodo, Erik, el fantasma de la ópera, Waldemar Daninsky o el propio diablo son encarnados por Naschy en una película que representa todo un colofón a ese denostado Fantaterror español, nacido para la explotación internacional, que tuvo su época de esplendor durante los años setenta y que con este doloroso aullido puede darse por cerrado.

Con un reparto en el que se habían barajado inicialmente los nombres de Herbert Lom y la actriz y escritora Isabel Pisano (protagonista de ‘Bilbao’ de Bigas Luna), finalmente sus papeles fueron interpretados por Howard Vernon, un veterano actor suizo asociado al cine de Jesús Franco, que encarna a un mayordomo versado en ocultismo y con varios esqueletos más ocultos en su armario y Caroline Munro, chica Bond que participó en algunas cintas de la Hammer, quien  interpreta a Carmen, la empleada de hogar y objeto de deseo de varios de los protagonistas. Ambos, junto a Héctor Doriani y su sobrino Adrián viven en una alejada mansión donde se desarrollará la historia.

Puede hablarse de El aullido del diablo como de un testamento, un compendio a la carrera y trayectoria de Paul Naschy que, curiosamente, firma la película como tal, y no con su nombre real, como era habitual. Un cóctel de monstruos clásicos en el que también hay lugar para otros históricos y también modernos, con una clara referencia a La noche de Halloween y La matanza de Texas. Pero también es, tal y como escribió el propio Naschy, un desahogo vital que culmina con una venganza total y apocalíptica, muy similar, por cierto, a la que concluye la primera versión del guion de Rojo sangre (2004) de Christian Molina, una película que guarda no pocos puntos en común con El aullido del diablo, en la que Naschy interpretaba a un actor en horas bajas y que culminaba con la destrucción del auditorio en el que se celebraba la entrega de los premios Murillo del cine español, con toda la plana mayor del mismo en su interior.

Puede afirmarse que el accidentado rodaje de El aullido del diablo fue uno de los factores que contribuyeron al ataque cardíaco que sufriría el actor en agosto de 1991, pues terminó siendo poco más que una traumática e inútil experiencia: la película no llegó a estrenarse en cines y tan solo pudo verse en dos pases televisivos (TVE y A3), uno de ellos a horas intempestivas, y en cine tan solo, que nos conste, en su estreno en pantalla grande en septiembre del año 2000, durante la 1ª Semana de Cine Fantástico y de Terror de Estepona, en un  homenaje a Caroline Munro en el que también estuvo presente Naschy, y finalmente en 2018, en un homenaje al actor realizado en Filmoteca Española.

No editada previamente en ningún tipo de formato doméstico, Mondo Macabro, uno de los sellos de cabecera del buen cinéfilo, ha sacado El aullido del diablo del baúl, le ha lavado la cara remasterizando la copia y, en todo su esplendor, la ha puesto a disposición de seguidores y simpatizantes del cine fantástico español, todo lo cual ha permitido, de la mano del Festival de Sitges, que el aullido de Paul Naschy pueda oírse desde la pantalla del emblemático cine Prado.

 

Comienza el rodaje de “O Corpo aberto”, folk horror dirigido por Ángeles Huerta

11 noviembre 2021 Deja un comentario

La localidad orensana de Muíños acoge desde esta semana el rodaje de O Corpo aberto, una película dirigida por la cineasta Ángeles Huerta. Se trata de una coproducción de las compañías OlloVivo, Fasten Films y Cinemate que llegará a las salas de cine en otoño de 2022 de la mano de Filmax.

O Corpo aberto es un largometraje de terror folk basado en un relato del escritor gallego Xosé Luis Méndez Ferrín. Narra la historia de un maestro que, a principios del siglo XX, recibe como primer destino Lobosandaus, una pequeña localidad de la ‘raia seca’, en la frontera entre Galicia y Portugal. Nada más llegar, el maestro, interpretado por Tamar Novas (El desorden que dejas, Fariña), percibirá cómo el misterio y la muerte conviven con naturalidad en la vida cotidiana de la población de este extraño y abrupto lugar. Pero el profesor se enfrentará, desde el racionalismo y la ciencia, a una creencia común de la población local: el espíritu de los muertos puede manifestarse y permanecer entre ellos al habitar otros cuerpos.

Los límites, las ‘raias’ o líneas que separan el mundo de los muertos y de los vivos, el género, la identidad o el poder evocador de la tradición y el folclore serán algunos de los ejes que atraviesen la película, dirigida por la cineasta Ángeles Huerta (Esquece Monelos) y que contará con banda sonora original de la música gallega Mercedes Peón.

Sinopsis

1909. Miguel, un joven profesor, es destinado a un pequeño pueblo de montaña en la frontera entre España y Portugal. Un territorio inhóspito, un lugar habitado por gente ruda y tradiciones tan remotas como la propia aldea. A medida que avanza el invierno, Miguel siente cómo la oscuridad se apodera de todo a su alrededor al tiempo que crece su fascinación por una vecina del pueblo, la enigmática Dorinda.

El equipo de O Corpo aberto ha iniciado esta semana el rodaje, que se desarrollará íntegramente en la región del Xurés-Gêres, entre las aldeas portuguesas de Tourem y Pitoes, en la freguesía de Montalegre; y en los ayuntamientos gallegos de Muíños, Lobeira y Calvos de Randín, en la provincia de Ourense. En total, serán seis las semanas de grabación, en las que la producción transformará el territorio en la inquieta, abrupta y enigmática aldea de Lobosandaus.

Tamar Novas (El desorden que dejas) dará vida a Miguel, el maestro, en un reparto que cuenta con figuras destacadas del audiovisual gallego, como María Vázquez (Quien a hierro mata), Federico Pérez (Cuñados), Elena Seijo (Elisa y Marcela) o Miquel Ínsua (O sabor das margaridas); y con intérpretes del país vecino como la actriz portuguesa Victoria Guerra (Auga seca).

 

Por su parte, el equipo técnico está conformado por Gaspar Broullón (Eroski Paraíso), Adrià Monés (Mediterráneo) y Ana Costa (Terra Nova) en la producción ejecutiva; Tamara Soto (Mientras dure la guerra) en la dirección de producción, Gina Ferrer (L’homme au piano) en la dirección de fotografía y Antonio Pereira (Fariña) en la dirección de arte. Completan el equipo Sandra Sánchez en el montaje, Jordi Rossinyol en la jefatura de sonido, Diego S. Staub en la postproducción de sonido o Raquel Fidalgo en la jefatura de maquillaje, entre otros.

O Corpo aberto es una coproducción hispano-lusa entre las compañías OlloVivo (Galicia), Fasten Films (Cataluña) y Cinemate (Portugal), y cuenta con el apoyo de Xunta de Galicia a través de la Axencia Galega das Industrias Culturais (Agadic) y del Gobierno de España a través del Instituto de la Cinematografía y Artes Visuales (ICAA). El largometraje, participado por Televisión Española y Televisión de Galicia, llegará a las salas de cine en otoño de 2022 de la mano de Filmax.

Paul Urikijo rueda “IRATI”, basado en el cómic ‘El Ciclo de Irati’de J. Muñoz Otaegui y Juan Luis Landa

21 octubre 2021 Deja un comentario

El director de ErrementariPaul Urkijo, está en pleno rodaje de «IRATI», su segundo largometraje, en diferentes localizaciones de Araba, Gipuzkoa, Bizkaia, Navarra y Huesca. Inspirado en el cómic El ciclo de Iratique está ambientado en la oscura etapa histórica del siglo VIII, el rodaje del film comenzó a finales del mes de septiembre.

Con el euskera como lengua principal, el reparto está encabezado por el ganador del premio Goya Eneko Sagardoy (Handia, Patria), Edurne Azkarate (Gutuberrak), Iñigo Aranbarri (Patria, Nora), Nagore Aramburu (Loreak, Patria), Elena Uriz (Akelarre, Lo nunca visto), Iñaki Beraetxe (OstertzOcho apellidos vascos), Ramón Agirre (Errementari, Handia), Kepa Errasti (Loreak, Lasa y Zabala) e Itziar Ituño (La casa de papel, Goenkale), entre otros.

En palabras de su director Paul Urkijo”IRATI” es la película de aventuras histórico fantástico medieval que toda la vida he querido contar. Siempre me ha fascinado la Mitología Vasca e Irati es un homenaje épico a ese oscuro y fascinante mundo de leyenda. Inspirándome libremente en personajes de la novela gráfica «El ciclo de Irati»  de J. L. Landa y J. Muñoz, además de otras leyendas vascas y sucesos históricos como la batalla de Roncesvalles.

Trata sobre un joven noble llamado Eneko que tiene de demostrar su valía para ser el lider del valle como lo fue su abuelo. Para lo cual terminará adentrándose en un mundo extraño y misterioso lleno de antiguas de deidades mitológicas ayudado por una joven pagana del lugar llamada Irati.

Está ambientada en pirineo vascón del siglo VIII, una época del medievo oscura pero fascinante. Donde las religiones hegemónicas (en cristianismo y el islam) luchan entre sí, haciendo que creencias paganas vayan desapareciendo junto a arcanas deidades vinculadas a la naturaleza.”

SINOPSIS

Siglo VIII., un grupo de guerreros cristianos y musulmanes se adentran en los recónditos bosques del pagano Pirineo vascón, para intentar recuperar el magnífico tesoro de Carlomagno, que se encuentra en una profunda cueva donde, según dicen los lugareños, habita la antigua diosa de esas tierras: Una poderosa y terrible deidad de fuego llamada Mari. El grupo de guerreros encabezado por Eneko, un joven noble, y guiados por una enigmática joven de la zona llamada Irati, se adentrarán en un oscuro extraño y ancestral mundo mitológico donde “Todo lo que tiene nombre existe”*.

*Antiguo dicho Vasco.

IRATI” está producida por IRATI ZINEMA AIE (BAINET, IKUSGARRI FILMS, KILIMA MEDIA) y cuenta con el apoyo de EITB, RTVE, ICAA, GOBIERNO VASCO, AYUNTAMIENTO DE VITORIA DIPUTACIÓN FORAL DE ÁLAVA y será distribuida en cines de España por Filmax.

Diario de Serendipia en Sitges 2021: Remontando la pandemia. Primera cápsula

20 octubre 2021 Deja un comentario

Si la edición de 2020 del Sitges Film Festival se realizó en plena pandemia con poca afluencia de público y prensa y las medidas de seguridad agravadas durante la segunda semana, lo que dio lugar a escenas desoladoras, este año ya podemos hablar de una clara recuperación, materializada en el total levantamiento de las medidas preventivas, con excepción de la mascarilla en interiores, y la recuperación de la afluencia de público. Y todo en una variopinta  edición que ha sido recibida con tanto entusiasmo como frialdad. Lo habitual, vamos. La normalidad.

«The Birthday»: Filmin rescata del olvido la ópera prima maldita de Eugenio Mira

16 octubre 2021 Deja un comentario

Desde el viernes 15 de octubre está disponible en la plataforma Filmin el largometraje «The Birthday», primera película dirigida por el alicantino Eugenio Mira (Grand Piano) y una de las grandes películas de culto del cine español. Perdida desde su infructuoso paso por los cines en 2004, jamás editada en DVD o Blu-Ray, «The Birthday» ha adquirido con el paso del tiempo la etiqueta de «película maldita», incomprendida en su día pero reivindicada con el paso de los años por los aficionados al cine fantástico y algunos creadores contemporáneos de Mira como Paco Plaza o Nacho Vigalondo.

Corey Feldman, estrella infantil gracias a títulos como «Los Goonies» o «Cuenta conmigo», protagonizó, con 32 años y en un momento en el que nadie le ofrecía un papel, una película en la que encarna a Norman, un joven que debe acudir a la fiesta de cumpleaños del padre de su novia, que se celebra en un hotel en el que no cesarán de ocurrir cosas sorprendentes e incomprensibles entre la hostilidad que le profesa la familia de su chica. El film cuenta también con la participación del veterano Jack Taylor, actor fetiche de Mira y rostro más que habitual en el cine fantástico español.

Filmin estrena además el montaje original del director, de 112 minutos de duración, que no es el mismo que se estrenó en cines y que sólo había sido proyectado en festivales. Su principal característica es que la película transcurre en tiempo real, por lo que la duración de la historia es la misma que la de su metraje.

‘The Fear Collection’ anuncia en Sitges ‘Venus’ de Jaume Balagueró

13 octubre 2021 Deja un comentario

©Juan Naharro Gimenez

En el Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, tuvo lugar el panel de presentación de THE FEAR COLLECTION, el recientemente creado sello cinematográfico español, especializado en el género de terror y suspense, creado por Sony Pictures International Productions y Pokeepsie Films, en asociación con Amazon Prime Video

Esta presentación, que contó con Álex de la Iglesia y Carolina Bang en nombre de Pokeepsie Films, Iván Losada, Director General de Sony Pictures Entertainment Iberia, y Ricardo Cabornero, Head of Prime Video Content, Spain, en Amazon Prime Video, sirvió además como marco ideal para anunciar el nuevo proyecto del sello, Venus, que bajo la dirección de Jaume Balagueró y con Ester Expósito como protagonista, ambos también presentes en el acto, y con guion del propio Jaume y Fernando Navarro, comenzará su rodaje el próximo mes de noviembre y llegará a las salas de cine de toda España el próximo año 2022.

Al describir la implicación de Sony Pictures, Iván Losada afirmaba que “Aunque la afinidad personal es imprescindible para lanzarse a una aventura de esta envergadura, también es necesario tener una conexión creativa y una visión conjunta a medio y largo plazo, además por supuesto de una estructura financiera sostenida en el tiempo que permita centrarse más en la creatividad. Y aquí quiero agradecer a Amazon y a Ricardo Cabornero, y a Manuel Reverte como figura estratégica indispensable en el germen de este proyecto. Vamos a dotar a esta marca de un gran músculo de marketing y distribución para conseguir una gran notoriedad y despertar el interés de los espectadores. Para Sony es muy emocionante iniciar hoy e iluminar este ecosistema de producción audiovisual en el terror.”

Por su parte, Ricardo Cabornero explicaba que “Nuestra aspiración en Amazon Prime Video es ofrecer a nuestra audiencia contenidos que sean exclusivos y relevantes y con un alto nivel de originalidad. The Fear Collection es una apuesta segura, porque para cumplir estos objetivos es básico contar con el mejor talento, y para eso tenemos a Álex de la Iglesia, además de toda la experiencia en producción de Carolina, pero también lo es contar con un socio estratégico que nos ayuda a dar soporte a grandes talentos como es Sony.”

En palabras de Carolina Bang “desde Pokeepsie Films no hemos podido encontrar mejores compañeros de viaje que Sony y Amazon. A nivel creativo nos sentimos muy apoyados y sobre todo son interlocutores que entienden lo que están haciendo y entienden lo que queremos hacer. Nos sentimos muy bien acompañados.”

©Juan Naharro Gimenez

Para Álex de la Iglesia “The Fear Collection es un sueño hecho realidad, es algo que siempre ha estado en nuestras cabezas, el tener una estructura de producción que nos permitiera hacer cine sin las dificultades de levantar cada proyecto de cero, y gracias a Sony y a Amazon existe ya esa estructura. Nuestra intención es hacer muchas, muchísimas películas. Podríamos decir que ‘Venus’la película que rodará Jaume junto a Ester, cumple con todos los requisitos del sello The Fear Collection”.

Jaume Balagueró afirmaba que “Cuando Álex me llamó para dirigir ’Venus’ enseguida dije que sí, y pensé en qué pasaría si cogiéramos ese universo del terror cósmico, de Lovecraft, y lo trasladáramos a hoy, además en un ambiente sucio, de extrarradio, de ciudad muy moderna donde hay miseria, un mundo cercano a lo sórdido… y eso es lo que hemos hecho con ‘Venus’”.

Para Ester Expósito“estar aquí, en este festival, y de la mano de Jaume y de Álex, para hacer un proyecto como ‘Venus’ es un privilegio, más aún como fan del universo cinematográfico del terror que he sido desde niña.”

Ángel Sala, director del Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, comentaba al finalizar el acto que “esta asociación entre diversos sectores de la industria, productora independiente, un gran estudio y una gran plataforma de streaming, es una de las imágenes más importantes ocurridas en esta edición y representa el futuro de la producción audiovisual en España y en el mundo.”

©Juan Naharro Gimenez

‘Mi adorado Monster’, película documental sobre Arturo de Bobadilla y ‘Los resucitados’, una de las películas malditas del cine español, comienza su recorrido por festivales.

13 octubre 2021 Deja un comentario

En el marco del Sitges Film Festival se ha anunciado la programación de Isla Calavera – Festival de Cine Fantástico de Canarias, que incluye la presentación en Sección Documental de «Mi adorado Monster».

Este es uno de los festivales, nacionales e internacionales, en los que se podrá ver la película en el mes de noviembre.


El Festival de Cine Fantástico de Canarias, Isla Calavera, también ha anunciado:

  • Premio de Honor para Enrique López Lavigne productor de Mi adorado Monster a través de El Estudio.
  • Premio a la Difusión del Fantástico para Víctor Matellano productor y realizador de esta película. 

Además del Festival de Cine Fantástico de Canarias, Isla Calavera, la película Mi adorado Monster, ha sido seleccionada en festivales que serán anunciados en las próximas semanas. 

Mi adorado Monster
Dirigida por Víctor Matellano
Producida por Enrique López Lavigne para El Estudio, en coproducción con Infilmity, ViMa, y con la participación de EMB Documental.

Idea original de Víctor Matellano, y guion de Manuel Tallafé junto al propio director.

Distribuida en cines y eventos cinematográficos por parte de 39 Escalones Cine. 

En 1995, al tiempo que ruedan El día de la bestia de Álex de La Iglesia, Manuel Tallafé y Santiago Segura, participan también en un proyecto llamado inicialmente El hombre lobo contra los templarios, y más tarde titulado Los Resucitados. Una película maldita que tardará veintidós años en completarse y estrenarse, una especie de Santo Grial del fantaterror, al frente de la cual está un director que asegura que le persigue un monstruo…

 

El séptimo largometraje de Víctor Matellano, la no ficción Mi adorado Monster, un documental de creación, comienza su participación en festivales y su carrera comercial

Producida por Enrique López Lavigne para El Estudio, en coproducción con Infilmity, ViMa, y con la participación de EMB Documental, con idea original de Víctor Matellano, y guion de Manuel Tallafé junto al propio director, Mi adorado Monster narra de forma muy creativa y en tono de comedia, con pequeños tientes de drama, la gestación de una de las películas malditas del cine español: Los resucitados, un film de Arturo de Bobadilla, de tortuosa y caótica producción, que tardó veintitrés años en estrenarse…

Nos narra la historia Manuel Tallafé, acompañado de un importante elenco, encabezado por Javier Botet, Millán Salcedo y el propio Arturo de Bobadilla, a los que se le unen Santiago Segura, Alex de la Iglesia, Alaska, Cristina Alcázar, Carlos Areces, Diego Arjona, Héctor Cantolla, Antonio Miguel Carmona, Manuel Colomina, Natalia Fisac, Toni Fuentes, Javier Gil “Javivi”, Macarena Gómez, Nacho Guerreros, Enrique López Lavigne, Manuel Martínez Velasco, Antonio Mayans, Angélica Revert, Pedro Ruiz, Ángel Sala, Elena S. Sánchez, Valeria Vegas, Zoe Berriatúa, Yolanda Font, Lone Fleming y Marian Clar.

Mi adorado Monster cuenta con dirección de fotografía de David Cortázar, música de Javier de la Morena, montaje de Iván Karras, efectos digitales de Daniel Fumero, y mezcla de sonido de Jose I. Arrufat. Produce Enrique López Lavigne, Diego Suárez Chialvo, Pablo Cruz, David Cortázar y Víctor Matellano, en asociación con Manuel Tallafé, Miguel A. Guerra, Iván Karras y Arturo de Bobadilla.

La película ha sido rodada en Digital 4 K, durante 28 sesiones, en localizaciones de Barcelona y la Comunidad de Madrid.

«Me fascina cómo determinados hechos o proyectos alcanzan la categoría de “culto”, de “maldito” o de “mito”. Y más cuando el hecho en sí consigue esa categoría más por no terminar de existir que por ser una realidad en si. En este caso, un proyecto que se alarga más de dos décadas en el tiempo.

Lo que más me interesaba al acercarme a la historia de cómo un fan aborda, sin medios, sin experiencia y sin recursos técnicos, una película para emular a sus ídolos, y además implica a un montón de profesionales, es el mundo del juego por el juego. Es decir, de rodar por rodar, de jugar a emular. Y de alargarlo en el tiempo como un eterno working progress, para utilizarlo como evasión, como proyección personal, y en definitiva, cómo razón de ser. Cada uno maneja sus monstruos, y esta forma es válida y original». Víctor Matellano

Finalizamos, (de momento), la semana del Fantaterror de Ediciones 79

Bienvenido al quinto y último día de la Semana del Fantaterror de Ediciones 79.
Cada día te hemos desvelado una película y hoy van a ser 5: Amigo de Óscar Martín, La Hora Fría+NO-DO ambas de Elio Quiroga y los documentales de Jack Taylor y Helga Liné realizados por Diego López-Fernández. Estos títulos, como podéis ver, están fuera de la Colección Fantaterror. Queda un quinto título pendiente de la primera entrega de la colección que se presentará durante el festival y cuya fecha de salida será en noviembre. 
Amigo: es la opera prima de Óscar Martín y es una de las más gratas sorpresas del cine español de los últimos años. Un intenso thriller con un duelo interpretativo trepidante (entre Javier Botet y David Pareja) y que no deja de ganar festivales por todo el mundo. Si te gustan Misery (Rob Reiner) y Mientras Duermes (Jaume Balagueró) no te pierdas esta maravilla de película ¡Y con casi tres horas de extras! Estará disponible tanto en Blu-Ray como en DVD.
La Hora Fría+NO-DO: con este doblete del gran Elio Quiroga (Fotos) hacemos justicia a dos películas inéditas en Blu-Ray en nuestras latitudes. Disfruta del imaginario del genial director canario en dos de sus mejores películas. Una historia opresiva de un grupo humano asediado por el apocalipsis nuclear (y sus amenazantes criaturas resultantes) y una terrorífica película de casas encantadas donde vas a pasar mucho, pero que mucho, miedo. Contiene «making of», entrevista exclusiva a su director y dos de sus laureados cortos de animación: Me Llamo María y Whence Comes the Rain.
Jack Taylor Testigo del Fantástico y La Dama del Fantaterror: programa doble en DVD con dos documentales de dos figuras clave del Fantaterror: Helga Liné y Jack Taylor. Diego López-Fernández entrevista a ambas figuras de forma distendida pero concienzuda para profundizar en sus películas y en su carrera actoral. Contiene como extra merecidísima entrevista al propio realizador y CD con la BSO a cargo de Buio Mondo.
Tanto La Hora Fría+NO-DO como Amigo en Blu-Ray contarán con slipcover limitado para las 200 primeras copias y libreto exclusivo.
Os confirmamos que todas estas películas junto a las 4 que os hemos anunciado de la Colección Fantaterror durante esta semana estarán a la venta en nuestro stand de Sitges durante el festival. Y muy muy atentos que a las 12:00 h del mediodía de hoy mismo empezamos la preventa de todas ellas a través de www.teejuanita.com
Y como ya estamos en octubre (Sitges y Halloween) tenéis desde ya un ofertón en nuestra tienda física en todo nuestro catálogo de Ediciones 79.
Por último, os debemos una más de la Colección Fantaterror (prevista para noviembre) que os anunciará durante el festival el propio director de la misma. Y alguna que otra sorpresa de más que os contaremos a su debido tiempo…
Stay Tuned!
Joan Castelló Sánchez

 

 

Blu-ray Slipcover (limitado)

Blu-Ray Slipcover (limitado)

 

Proseguimos: Cuarto título ‘Colección Fantaterror’ de ‘Ediciones 79’

30 septiembre 2021 Deja un comentario
Bienvenido al cuarto día de la Semana del Fantaterror de Ediciones 79.
Cada día te desvelaremos un titulazo. Hoy te presentamos una película que es inexplicable que no tuviera aún edición en Blu-Ray en España: Pánico en el Transiberiano.
En 1972 para aprovechar la maqueta de un tren utilizada en El Desafío de Pancho Villa (dirigida por el propio Eugenio Martín) y con la incorporación de un par de actores ingleses de renombre (ni más ni menos que Christopher Lee y Peter Cushing) se rodó una de las mejores películas de terror de los setenta. Terror cósmico, aventuras sobre raíles, ciencia ficción e incluso zombis tienen cabida en esta obra maestra atemporal que ya es historia de nuestro cine.
Es un gran honor para nosotros poder editar esta gran película y para hacer un homenaje a la misma, hemos intentado realizar la mejor edición posible. Los materiales con los que hemos trabajado son los mejores masters disponibles restaurados en 2k (facilitados por Video Mercury). A continuación te detallamos los extras, muchos exclusivos*:
Introducción (12 min)*: a cargo de Xavi Sánchez Pons, Ángel Sala y Carlos Benítez donde se nos darán las claves para contextualizar y valorar esta maravilla.
Entrevista a Lone Fleming (25 min)*: a cargo de David García Sariñena donde se repasa su legendaria trayectoria como actriz y su trabajo con su marido.
Entrevista a Jordi Serrallonga (56 min)*: a cargo de Xavi Sánchez Pons donde el entrevistado, naturalista y arqueólogo, nos da las claves para entender lo bien que conjuga la película ciencia y cine.
Coloquio de Diego López-Fernández con Eugenio Martín y Víctor Israel (30 min): grabado en una mítica sesión en el Centro Garcilaso y con multitud de anécdotas sobre la película.
-Documental Gritos de Terror en el Tren (13 min): de David García Sariñena donde se entrevista a Eugenio Martín.
Cortometraje: La Virgen Descalza (17 min) de Lone Fleming.
Galería fotográfica (6 min).
Trailers (3 min).
Como en toda la Colección Fantaterror, Pánico en el Transiberiano contará con ediciones tanto en Blu-Ray como en DVD y con una edición limitada en Blu-Ray a 666 unidades con slipcover exclusivo, libreto, réplica del póster original y certificado de edición limitada numerada.
Todo esto muy pronto y con un precio ajustado como en todas nuestras ediciones.
Ya estamos llegando al final de esta semana tan movida ¿Qué nos deparará el mañana?
Stay tuned!
Joan Castelló Sánchez
A %d blogueros les gusta esto: