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Archive for the ‘Las lecturas de Serendipia’ Category

Las lecturas de Serendipia: ‘López Espí. El arte del terror’

19 mayo 2022 Serendipia Deja un comentario

LÓPEZ ESPÍ. EL ARTE DEL TERROR 

Diábolo Ediciones. 266 páginas a todo color encuadernadas en tapa dura con sobrecubierta. Dimensiones: 18.11 x 7 x 34 cm. 


El trabajo de López Espí era fundamental, pues como portadista tenía que atraer la atención del lector con tan solo echar un vistazo a la ilustración. Tenía que servir de anzuelo para que el cliente y que, de entre todas las publicaciones que había en el kiosco, se detuviera, se quedara prendado y adquiriera la que tenía la portada ilustrada por él. Y esta labor la realizó el artista durante muchísimos años, todos los que estuvieron las publicaciones Vértice, y su breve continuadora, Surco, en los kioscos.

Y es que, si Marvel en España no habría sido lo mismo sin Vértice. Vértice no habría sido lo mismo sin López Espí. El estilo pictórico que tanto Enrich como López Espí dieron a los personajes Marvel en las portadas de los tomitos de aquel volumen 1 otorgaron un sabor especial totalmente autóctono a unos cómics que, como aquella España de finales de los sesenta, habían perdido el color y se editaban en blanco y negro.

Cuando cambiaron de formato, de tomo a revista, Vértice incorporó nuevos títulos a los ya existentes, cuyas portadas, en su práctica totalidad, realizó López Espí. Un aumento de producción que inevitablemente hizo que se resintiera la calidad de su trabajo, algo que ya se había comenzado a detectar en los últimos tomos del volumen 1.

Cuando Vértice perdió los derechos de Marvel a mediados de los ochenta, también se perdió la pista de López Espí, pero no el recuerdo de su trabajo, que pasó a ser reivindicado por los aficionados. Pero mientras su labor con los superhéroes es bien conocida, la que realizó para publicaciones de terror ha permanecido bastante olvidada, a pesar de que en ellas recuperó su estilo pictórico realizando el que posiblemente sea su mejor trabajo.

Vértice, en vista del boom que experimentaron en España los cómics de terror, iniciado a finales de los sesenta por las adaptaciones españolas de Warren: Vampus (Creepy), Rufus (Eerie) y Vampirella (además de Dossier Negro, la más veterana), lanzó también su propia línea, en formato revista, que se inició en 1972 con Fantom (Vol.1-38 números) y Espectros (28 números), dos publicaciones (ojo, quincenales), en blanco y negro que estuvieron en el kiosco durante dos años. En el caso de Fantom un año más, pues tuvo continuidad en un Vol.2 que constó de 23 números más. Esos cómics recuperaban viejas historietas de los años cincuenta, de cuando Marvel todavía era Atlas y se había subido al carro del éxito de los cómics de terror de E.C. Estas historietas tenían en muchos casos un final shock, como aquellas, que terminarían cautivando al lector español, al que todo ello le parecía muy original al ignorar que existieron las publicaciones de Will Gaines, colecciones que afortunadamente los aficionados  pueden recuperarar ahora en cuidados tomos de la mano de editorial Diábolo. A este material antiguo, se fue sumando el de las nuevas series, proveniente de Tomb of Dracula y otras historietas protagonizadas por Morbius y Frankenstein, entre otros. Pero por si el ilustrador no tenía suficiente trabajo, no olvidemos que también realizaba las portadas de todas las series de superhéroes, pósters e incluso, más tarde, cromos de personajes Marvel, además de algún eventual trabajo para Vampus y Rufus, de Garbo editorial, en 1973 salió al mercado Escalofrío (1973-79), una publicación mensual que en sus 67 números reunió diferentes cabeceras de Marvel, como Vampire Tales, Tales of the Zombie, Dracula Lives! y Monsters Unleashed!, además de una nueva colección, Fasman, de la que no salió más que un primer número, eso sí, también con portada de López Espí.

Todo este trabajo, es el que Diábolo ha reunido en López Espí. El arte del terror, un monumental volumen editado en gran formato, con tapa dura y sobrecubiertas que reproduce con mimo esas portadas en papel satinado, la extensa mayoría de ellas a tamaño natural, recuperando algunos originales y añadiendo, además, otros trabajos, quizás las grandes perlas del tomo al reproducirse a partir de los propios originales, como son las ilustraciones destinadas a editoriales extranjeras, como los espectaculares trabajos para el sello alemán Bastei, que fueron las que mantuvieron al artista ocupado durante los años ochenta y noventa. Weird West y terror gótico con una calidad que, sin duda, superaba el contenido de las novelitas a las que iban destinadas. López Espí. El arte del terror, además, se cierra con una magistral galería de monstruos que demuestra, una vez más, la inventiva del ilustrador.

Un merecido homenaje a este veterano artista catalán, nacido en plena guerra civil, cuya pasión por el cómic se iniciaba ya de niño y que desde que comenzara, a corta edad, a trabajar para diferentes editoriales realizando todo tipo de, primero cómics, y después ilustraciones a color, no dejaría de aprender y experimentar.

Diábolo Ediciones 

 

 

 

 

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Las lecturas de Serendipia: ‘Biblioteca de Cómics de Terror de los años 50. El que roba a los muertos y otras historias de Lou Cameron’

10 enero 2022 Serendipia Deja un comentario

BIBLIOTECA DE CÓMICS DE TERROR DE LOS AÑOS 50 VOL. 8:

EL QUE ROBA A LOS MUERTOS Y OTRAS HISTORIAS DE LOU CAMERON

Seleccionados por Tillmann Courth. Prólogo de Craig Yoe

Diábolo Ediciones. Encuadernación en tapa dura. Formato magazine, 152 páginas a todo color

La Biblioteca de Cómics de Terror de los Años 50, que edita de manera lujosa Diábolo Ediciones, ha deparado al lector agradables sorpresas mediante tomos monográficos dedicados a historietas protagonizadas por nuestros monstruos favoritos (zombis, , momias o fantasmas); así como otros centrados en temáticas como los sueños y las más tenebrosas historias de amor. Un capítulo aparte merece el excepcional volumen que reunió la colección completa del Frankenstein de Dick Briefer, un monográfico dedicado a un único autor, fórmula que ahora se repite en la octava entrega de la serie, El que roba a los muertos y otras historias de Lou Cameron.

El libro se inicia con necesarios artículos de Steve Thompson y Tillmann Courth en los que se repasa la vida, la obra y el estilo de un ilustrador tan desconocido como interesante: hijo de artistas de vodevil, con una extensa carrera militar, dibujante de cómics en los años cincuenta, y finalmente escritor de populares novelas del oeste, Lou Cameron posee un atípico currículum que añade misterio y encanto al personaje, que sin duda merecía un libro como este, pues en la parte más madura de su obra demuestra un estilo y un diseño de planchas innovador, original, con viñetas que, como indica Tillmann Courth, se dirían inspiradas por Salvador Dalí.

Entre las historietas que contiene el tomo, escritas por el propio Cameron, nos encontraremos con historietas protagonizadas por monstruos marinos, arañas caníbales, vampiras paralíticas, hombres lobo mellados, estatuas andantes, espectros o viajes en el tiempo. Descubriremos la influencia de la Guerra Fría en la fábula surrealista El reino de los rostros perdidos y nos adentraremos en un universo de sicodelia y magia en El maestro del laberinto.

Todo en un volumen que reúne lo mejor cómic de terror de los años cincuenta, con todo su encanto naif, buenas dosis de humor negro y sus siempre ingeniosos finales sorpresa y con el que Diábolo Ediciones contribuye a dar a conocer unos cómics y artistas nunca antes publicados en nuestro país

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Las lecturas de Serendipia: ‘Weird Science’ Vol. 1

20 noviembre 2021 Serendipia Deja un comentario

En nuestra primera entrada sobre EC Comics hablamos del origen del sello y de sus primeras publicaciones dentro del New Trend, la nueva dirección que Bill Gaines, tras heredar el sello editorial a causa del fallecimiento de su padre, había emprendido con la publicación de nuevos títulos con los que pretendía sacar su editorial de la bancarrota. Vimos así el nacimiento de Tales from The Crypt en abril-mayo de 1950, que inicialmente como The Crypt of Terror sustituyó, prosiguiendo su numeración, a la colección Crime Patrol. También repasamos la llegada de los EC Comics a España y analizamos el primer tomo de Tales from the Crypt (que reunía los seis primeros números) editado por Diábolo Ediciones, que con el primer tomo de Weird Science prosigue la edición más fiel y cuidada de estos influyentes cómics.

No pasó mucho tiempo antes de que a las tres cabeceras dedicadas al terror se les sumaran, principalmente por capricho de Gaines,  dos centradas en la ciencia ficción, Weird Fantasy y Weird Science, que a partir del número 22 se unificarían en una sola, Weird Science Fantasy. Y decimos que por capricho del editor porque todavía, a finales de los años cuarenta/principios de los cincuenta, la ciencia ficción no había alcanzado la popularidad que viviría durante la década de los cincuenta, así que puede decirse que Feldstein y Gaines fueron todo unos visionarios y estos dos títulos, pioneros en el género.

Weird Fantasy y Weird Science eran herederos directos de las publicaciones pulp de los años treinta y cuarenta y del creciente fandom, del que saldrían varios de los más reconocidos escritores de ciencia ficción norteamericanos. Esta popularidad hacia el género se debe a varios factores, como la publicación de noticias sobre los primeros avistamientos de platillos volantes; el nacimiento de la era atómica, iniciada con las dos explosiones en Japón que cambiaron el rumbo de la II Guerra Mundial y los continuos experimentos norteamericanos con bombas de gran potencia en las Islas Marshall, un archipiélago de más de mil islas en el Pacífico, a medio camino entre Hawái y Australia. Un total de 67 explosiones entre 1946 y 1958 para medir el poder de las armas nucleares, que causaron la muerte de muchas personas, el desarrollo de distintos tipos de cáncer en la población y defectos y mutaciones en los neonatos.  Sin olvidar la Guerra Fría con su carrera armamentística y el siempre endeble equilibrio de fuerzas, que propiciaban una continua amenaza de inicio de hostilidades entre Estados Unidos y  el Telón de Acero. Todo este caldo de cultivo sirvió de alimento a novelistas, guionistas de comics y, sobre todo, a la industria del cine para advertir de los riesgos de la energía atómica mediante atractivos argumentos, ya sea mostrando los efectos de las mutaciones en humanos e insectos, que indefectiblemente se manifestaban en un descomunal aumento de tamaño, como mediante el temor a las invasiones extraterrestres, protagonizadas por unos seres fríos, calculadores y sin conciencia, que reflejaba la imagen que se tenía del comunista, ese archienemigo de los valores norteamericanos nacido tras la II Guerra Mundial con el ciego objetivo de terminar con el american way of life.

Dirigida por Al Feldstein, Weird Science llegó a los kioscos en mayo-junio de 1950 con el número 12 en portada, pues continuaba la numeración de otras colecciones anteriores, concretamente Happy Houlihan (1 y 2), Saddle Justice (3 al 8) y Saddle Romances (9 al 11), y así seguiría hasta el número 15, que daría paso al 5 y de ahí hasta el 22, que unificaría los dos títulos dedicados a la ciencia-ficción. Por lo tanto, la colección tiene dos números 12, dos 13, dos 14 y dos 15. Feldstein se encargaría asimismo de las primeras portadas, así como de los guiones, que ilustraron él mismo y otros como Jack Kamen o un primerizo Wally Wood, que maduraría su estilo hasta convertirse en uno de los mejores ilustradores de comics de ciencia ficción. Por su parte Harvey Kurtzman escribiría la mayoría de sus historietas.

Como veremos, Weird Science también será pionera en adaptar relatos de escritores como Ray Bradbury, que utilizaba la ciencia ficción como metáfora de problemas y situaciones contemporáneas, al igual que

Una de las mejore historias del libro, obra de Harvey Kurtzman

Weird Science que colará algunos guiones, en apariencia inofensivos, con los que criticará la sociedad norteamericana de la época. Cabe recordar que todas estas historietas tendrán un final shock, una resolución sorprendente e inesperada, una de las características de los cómics EC que la diferenciaban de la competencia. No siempre ganaban «los buenos». Es más, rara vez sucedía.

Weird Fantasy y Weird Science fueron las series que peores ventas tuvieron de todas las que conformaron el New Trend, pero su influencia fue innegable, pues el tratamiento que hacían de la ciencia ficción, más madura y alejada de la Space Opera representada hasta entonces por personajes como Flash Gordon o Buck Rogers, contribuyeron a enriquecer el género. También sembraron una profunda semilla en una generación de niños y adolescentes, entre los que estaban Joe Dante, Steven Spielberg o George Lucas.

Precisamente, el creador de Star Wars es uno de los encargados de abrir el primer volumen de Weir Science, recién editado por Diábolo ediciones, con un prólogo en el que narra la gran influencia que estos cómics tuvieron en su educación y en el trabajo que más tarde realizaría para el cine. El tomo contiene los números de Weird Science 12, 13, 14, 15, 5 y 6 y al igual que el anterior volumen, incluye todas las portadas al comienzo de cada comic book, así como propaganda de la época, correo del lector y relatos, todo en inmejorable calidad de papel.


Repasemos pormenorizadamente los contenidos del  Weird Science Vol. 1:

WEIRD SCIENCE 12 (1) Mayo-Junio 1950. Portada y guion: Al Feldstein: Un inmejorable comienzo con un cuaderno en el que predomina la fantasía, desmarcándose de platillos volantes, alienígenas o naves tripuladas al espacio y que incluye cuatro historietas escritas por Al Feldstein. La primera de ellas, Perdido en el microcosmos, (Lost in the Microcosm), dibujada por Kutzman, podría decirse que básicamente cuenta la misma historia que The Shrinking Man, Aka, The Incredible Shrinking Man de Richard Matheson, publicada en 1956 y que dio origen al año siguiente a la estupenda película El increíble hombre menguante (The Incredible Shrinking Man) de Jack Arnold, pero aún con un contenido ético y filosófico más marcado. Sueño mortal (Dream of Doom) cuenta con un Wally Wood todavía muy alejado de la perfección que alcanzaría en el dibujo y narra una pesadilla durante la cual los autores se permiten bromear y parodiar a sus compañeros dibujantes y al editor (¡Gill Baines!). Experimento… con la muerte (Experiment… in Death) cuenta con el arte de Jack Kamen que ilustra un relato sobre unos científicos que experimentan con la vida más allá de la muerte. Y finalmente, en «Cosas» del espacio exterior («Things» from Outher Space!), habrá seres de otro planeta infiltrados entre nosotros que tan solo se diferenciarán de los terrícolas por un pequeño detalle. Una ingeniosa historieta, ilustrada por el propio Feldstein, cuyo argumento recuerda vivamente uno de los episodios de la posterior serie televisiva The Twilight Zone, concretamente Will the Real Martian Please Stand Up? de la segunda temporada (1961),  escrito por Rod Serling. Además, el cuaderno cuenta con dos relatos escritos por Gardner Fox, escritor y guionista de cómics que creó personajes como Flash (con Harry Lampert) y el Hombre Halcón (con Dennis Neville), así como La Liga de la Justicia. En futuros números se mantendrán estas pequeñas narraciones, aunque sin acreditar autor.

WEIRD SCIENCE 13 (2) Julio-Agosto 1950. Portada y guion: Al Feldstein (excepto el indicado): En su primera historia, La invasión de los platillos volantes (Flying Saucer Invasion), Feldstein escribe y dibuja lo que casi es una crónica con todas las teorías sobre qué podrían ser los ovnis, de los que cada vez con mayor frecuencia se producían avistamientos, así de como el ejército decide ocultar, desmentir y dar explicaciones racionales a estos fenómenos. El monstruo del meteoro (The Meteor Monster) es una fantasía ilustrada por Wally Wood y Harry Harrison sobre un pequeño ser llegado de otro mundo que puede dominar la mente humana. Con La micro-raza (The Micro-Race!) Feldstein, con ilustraciones de Jack Kamen, narra una nueva historia protagonizada por un científico cuyas buenas intenciones no llegarán, precisamente, a buen puerto. Finalmente, El hombre que corrió contra el tiempo (…The Man Who Raced Time) de Harvey Kurtzman, es una estupenda paradoja espacio-temporal.

WEIRD SCIENCE 14 (3) Septiembre-Octubre 1950. Portada y guion: Al Feldstein: La destrucción de la Tierra (Destruction of the Earth!) es el primero de los muchos guiones de Feldstein, que también ilustra, que inciden en el riesgo de la mala praxis con la energía atómica. ¡Sonidos de otro mundo! (The Sounds from Another World) ¿sufren las plantas? El científico Henry Sonotown ha inventado un ingenio que parece demostrar que si o…  La historia, con dibujos de Harvey Kurtzman, posee un elemento humorístico que el ilustrador no dejaría de desarrollar y que culminaría más adelante como alma mater de Mad. La máquina que salió de la nada (Machine from Nowhere), que ilustra Harry Harrison, es quizás la más floja del cuaderno, con viajes en el tiempo y, nuevamente, holocaustos nucleares. Finalmente, El hombre eterno (The Eternal Man), con el siempre excelente Jack Kamen a los  lápices, es un relato sobre robots y vida eterna con un final sorprendentemente optimista. Con este número se inicia el Correo Cósmico, un punto de encuentro con los lectores realizado en tono humorístico y con el que la editorial tantea cual es el tipo de historieta que agrada más a su público. También, a partir de aquí el cómic comenzará a tener una estructura y un orden de artistas similar, abriendo Al Feldstein, seguido de Harvey Kurtzman, Wally Wood y finalmente, cerrando el cuadernillo, Jack Kamen.

WEIRD SCIENCE 15 (4) Noviembre-Diciembre 1950. Portada y guion: Al Feldstein (excepto el indicado): ¡Pánico! (Panic!) es una fantasía de Feldstein basada en la famosa emisión radiofónica de La guerra de los mundos que realizaron Orson Welles (aquí Carson Walls) y su equipo y que tanto pánico despertó en la población, aunque con un sorprendente giro final. El niño radioactivo (The Radioactive Child) de Kurtzman narra, con su habitual humor, un accidente nuclear que afectará a un matrimonio de pescadores y a su futuro hijo, que a resultas de ello desarrollará un intelecto que el dictador de un pequeño país pretenderá utilizar para llevar a cabo sus pérfidos planes. Casa…¡con tiempo! (House, in Time!) es uno de lo escasos comics que Graham Ingels ilustró para Weir Science. Experimentos espacio-temporales con final desolador. Y para terminar, He creado un…¡Gargantúa! (I Created a… Gargantua!), que ilustrado por Jack Kamen ilustra sobre lo peligroso que puede ser presentarse como conejillo de indias para un experimento de crecimiento. Bert I. Gordon rodaría siete años más tarde The Amazing Colossal Man, en la que su protagonista pasa por idénticas circunstancias.

WEIRD SCIENCE 5  Enero-Febrero 1951. Portada y guion: Al Feldstein (excepto el indicado): La novia del futuro (Made of the future!) de Feldstein es una historia protagonizada por un solitario que, de visita al Rockefeller Center efectuará un viaje al futuro del que retornará con un bello y práctico souvenir… Retorno (Return), ilustrado por Wally Wood con guion de Felstein y Bill Gaines es una fantasía futurista de retorno a la Tierra tras un holocausto nuclear. La última guerra del mundo (The Last War on Earth) de Harvey Kurtzman incide en los peligros de las armas nucleares, mientras que El hombre que murió…¡A tiempo! (The Man Who Was… Killed in Time!), ilustrado por Jack Kamen, es otra ingeniosa paradoja temporal. Con este número, Weird Science iniciará su nueva numeración.

WEIRD SCIENCE 6  Marzo-Abril 1951. Portada y guion: Al Feldstein (excepto el indicado): El último cuadernillo de este primer tomo de Weird Science de Diábolo Ediciones se abre con El engendro de Venus (Spawn of Venus) historieta ilustrada por Al Feldstein que tiene la particularidad de tener como villano a una masa devoradora similar, y volvemos al cine y la retroalimentación entre 7º y 9º arte, a la masa púrpura que protagonizó, ocho años más tarde, The Blob (Irvin S. Yeaworth Jr.). ¡Hombre y superhombre! de Kurtzman está protagonizada por dos cuñados, uno científico y enclenque y otro un culturista cerebro de chorlito que, mediante un experimento, aumentará la masa de su cuerpo y lo que sucede a continuación no se lo creerán. ¡El hundimiento del Titanic! (Sinking of the Titanic!) ilustrado por Wally Wood y que, por fortuna, no tiene nada que ver con el film de Cameron. Es una nueva paradoja temporal cuyo final, en este caso, se ve venir. Eso sí, se nota en algunas de sus viñetas la influencia de Will Eisner, para cuyo estudio también trabajó, concretamente se detecta fácilmente en las viñetas 1 y 2 de la segunda página. Y para cerrar el sexto cuaderno y el tomo, de nuevo  Kamen con ¡Divide y vencerás! (Divide and Conquer) historieta protagonizada por un científico que se venga de su joven e infiel esposa con un experimento de lo más curioso.


Una vez finalizado el tomo, uno se maravilla de la gran capacidad de trabajo de estos incansables artistas y de la imaginación e ingenio derrochado en estas historietas, pequeñas obras maestras entre las cuales no hay ninguna de relleno y que como hemos podido ver han influido en varias de las más famosas cintas de ciencia-ficción de los cincuenta. Finales sorprendentes, contenidos variados, contacto con los lectores, dibujos atractivos… EC era diferente, y su éxito influyó también en otras editoriales de cómics pero, como ellos bien advierten en el Correo Cósmico del sexto número, no todos habían sido bendecidos con tal confluencia de talento: «Recordad, buscad los AUTÉNTICOS cómics de ciencia ficción, WEIRD SCIENCE y WEIRD FANTASY. Las imitaciones que están apareciendo en el mercado no se pueden comparar. ¡Si habéis comprado alguno ya lo sabréis!«.

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Las lecturas de Serendipia: ‘El amante de lady Frankenstein’

26 octubre 2021 Serendipia Deja un comentario

EL AMANTE DE LADY FRANKENSTEIN

Patricia Breccia y Hernán Migoya

Sapristi, 2021. Tapa blanda con solapas, 120 pgs. Blanco y negro.

Sinopsis: En algún momento del siglo XVIII Elizabeth, la prima huérfana de Victor von Frankenstein, llega al castillo ginebrino de éste para casarse con él, tal como dispusieron sus padres. Para su sorpresa, Victor lleva vida de misántropo: entregado al estudio de las más revolucionarias Ciencias Naturales, su pasión como científico le hace pasarse día y noche encerrado en su laboratorio, inmerso en una extraña investigación que consiste en tratar de dar vida a los seres inanimados. Sintiéndose abandonada por su marido, Elizabeth se fija en Adam, el guardabosques, con quien comienza una romance que acabará de manera fatal.

Según los cánones actuales, mis padres no estaban capacitados para serlo, pues mi padre me transmitió unos valores nefandos contagiándome sus perniciosas lecturas y unas aficiones cinematográficas nada recomendables para un niño. Y mi madre no se mantuvo atenta y lo permitió.

Me explico.

Mi padre no era un hombre culto. Fue un niño de la guerra que levantó a su familia con un solo brazo. Pero era muy aficionado al cine y a la lectura en sus variantes más populares: películas de género y  bolsilibros del oeste. Y en cine, especialmente el de terror, del que desde bien joven (como vemos él también fue producto de otros padres descuidados con la educación de sus hijos), disfrutó en los cines de barrio. Allí conoció a Boris Karloff, Bela Lugosi y Lon Chaney (Sr. y Jr.). Y todo esto me lo trasmitió. Y con todo esto me enseñó a soñar.

Si, mi padre era un hombre sin escrúpulos.

Progresivamente fue combinando la lectura de novelitas (que le cabían perfectamente en el bolsillo trasero del pantalón) con cómics «de guerra» y «del oeste», que poco interesaron a aquel niño hasta que entró en casa el primer tomo de Dossier Negro (1968), un cómic (por entonces tebeo) que ya desde la portada me (nos) cautivó.

Y solo fue el principio.

Poco a poco, además de cambiar de formato a revista y abrirse al catálogo Warren (pero eso lo sabría luego), Dossier Negro fue la auténtica puerta de entrada del cómic de terror en España, que se afianzaría durante la primera mitad de los años setenta, con Vampus, Rufus y Vampirella, que adaptaban también el material de las norteamericana Creepy, Eerie y Vampirella, de  Warren (con mucho suministrado desde Catalunya por Selecciones Ilustradas, algo que también averiguaria más tarde) y sus hermanos bastardos, de menor calidad pero innegable encanto, realizados enteramente en España como Pánico, Escorpión, Macabro y otros títulos editados por sellos menores, como Ursus (Toray), Vilmar, Producciones Editoriales o Petronio, que se apuntaron visto el éxito de las pioneras. Y Ediciones Vértice con Espectros y Fantom, entre otras. Un buen número de publicaciones que coleccioné mes tras mes después de que mi padre me las pasara tras haberlas leído él, muchas veces dobladas para que le cabieran en el bolsillo trasero del pantalón, algo que comencé a recriminarle conforme me hacía mayor.

Aunque como era mi padre, hacía lo que le daba la gana.

Y así transcurrieron los años setenta y así fue expuesto aquel niño al nocivo virus del cómic de terror, hasta que el diablo decidió llevarse al infierno al dictador y España reaccionó con una fuerte concienciación política y una ola de erotismo que invadió todos los ámbitos. También los kioscos. Así, mientras mi padre se decantaba por el cómic erótico proveniente de Italia (Odeón, Horror, Hessa, Blancanieves y los siete enanos viciosos, Lucifera, Zara la vampira y Paco Pito, que sí me hacía gracia), el niño se decantaba, ya con 12 años, en 1978 por la nueva 1984 y poco más tarde Creepy, ilustradas por autores noveles y viejos conocidos de Warren. Lo cual no significaba que no ojeara muchos de los tebeos que su «viejo» compraba. Ya saben, los picores inconfesables ya estaban más que presentes…

¿Y todo este rollo, para qué?

LADY FRANKENSTEIN cartel norteamericano realizado por Joseph Smith (nótese el detalle que señalamos en el texto)

Pues porque todas estas cosas son las que me ha venido a la cabeza al leer El amante de Lady Frankenstein, cómic de reciente aparición editado por Sapristi en glorioso blanco y negro (como todos aquellos cómics de los que he hablado) y que mezcla dos narraciones clásicas como son Frankenstein o el moderno Prometeo de Mary Shelley, de profunda raigambre en el Romanticismo; y El amante de Lady Chatterley de D. H. Lawrence, editada ya en pleno siglo XX y perseguida y censurada por su esplícito contenido erótico. Y lo hace como solo Hernán Migoya es capaz de hacerlo, metiéndose en los entresijos de ambas obras, pero teniendo muy presente también en su imaginario el cómic y el cine de terror, este con altas dosis de erotismo, de la Hammer.

Personalmente, su lectura me trajo a la cabeza, además, una película italiana, La figlia di Frankenstein (Mel Welles y Aureliano Luppi, 1971), o mejor dicho, su sugerente póster norteamericano, con el que estrenada allí como Lady Frankenstein, sugería claramente el «poder» con el que el «solo el monstruo que ella hizo podría satifacer sus extraños deseos».

Ya en la novela original, Mary Shelley especifica que el doctor selecciona los miembros de mayor tamaño para su creación, porque «la pequeñez de las partes constituía un gran obstáculo para la rapidez de mi trabajo». Así que la mente de Hernán (calenturienta a veces, brillante siempre), ha mezclado todo ello dando como resultado una obra libre y desatada por la pasión, tanto de los personajes como del escritor. Pasión que ha contagiado a la ilustradora argentina Patricia Breccia y que esta ha trasladado al papel, con tanta belleza como horror. Un horror no emana de los «monstruos» enamorados, sino del hombre, del creador egoista y de la masa, siempre dispuesta a borrar lo que le desagrada. Lo que no comprende. Lo que es diferente.

Horror, sangre, semen, vísceras, ternura y pasión en un dibujo que unas veces se asemeja a detalladas ilustraciones decimonónicas y en otras se transforma en descarnadas viñetas con regusto a las que desde la revista italiana Orror ofrecían los dibujos de Birago Balzano y Giuseppe Pederiali (aquí como Horror, uno de los tebeos eroticoterroríficos que agradaban a mi padre, por cierto). Patricia Breccia, hija y hermana de artistas y en activo desde 1974, ha sabido interpretar lo que pedía Migoya, adaptándo sus versátiles lápices, que han dibujado desde humor a ilustración infantil y erotismo, y demostrando con su trabajo en El amante de Lady Frankenstein, si es que tenía algo que demostrar, que su pluma no se amilana ante nada.

Definitivamente el cómic de Breccia y Migoya es otra cosa. En blanco y negro en un mundo a todo color. Áspero, provocador y sincero en un universo de laureados dramas familiares y recuerdos nostálgicos para toda la familia. Pasional y descarnado en un universo digital.

Definitivamente, El amante de Lady Frankenstein también le habría gustado a mi padre.

Más información: Sapristi

 

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Las lecturas de Serendipia: ‘Villanueva’ de Javi de Castro

25 octubre 2021 Serendipia Deja un comentario


VILLANUEVA

Javi de Castro

Astiberri Ediciones, 2021. Tapa dura, 17 x 24. 160 pgs. Bitono


Midsommar, el segundo largometraje del director Ari Aster, fue el responsable directo de la popularización de una vertiente practicamente no catalogada hasta entonces dentro del cine de terror, el denominado Folk Horror, término que acuñó Piers Haggard para definir su película The Blood on Satan’s Claw (1971), cuya accion se aleja de los habituales castillos góticos para desarrollarse en plena naturaleza, en pequeñas poblaciones en las que todavía se adoran a extraños dioses paganos mediante ritos ancestrales heredados generación tras generación. El subgénero, primordialmente británico y cohetaneo con las producciones de terror realizadas por Hammer Films y más tarde Amicus, emplea a parte de los actores más populares de aquellas, como es el caso de Christopher Lee, Linda Hayden, Ingrid Pitt o, en menor medida, Vincent Price. Así, al título mencionado, se suman otros de temática similar o cercana, como  Witchfinder General (Michael Reeves, 1968) y la mejor de todas, El hombre de mimbre (The Wicker Man, Robin Hardy, 1973). Aunque si bien los estudiosos han sabido encontrar, a partir de estos tres pilares, películas anteriores que englobar bajo esta etiqueta, quizá la culpa de este interés haya sido la coincidencia en el tiempo de dos estupendas cintas como son The Witch (Robert Eggers, 2015), que sitúa su acción en Nueva Inglaterra, y la propia Midsommar, que lo hace en un lugar de Suecia.

Naturalmente también puede hablarse de Folk Horror en España, donde extraños ritos se perpetúan ante la extrañeza de todo aquel que los ve por primera vez, como la bajada de la cuesta de Anguiano (La Rioja) por unos  mozos extrañamente ataviados y alzados con zancos; el salto de la cabra de Manganeses de la Polvorosa, (Zamora); el descabezamiento a caballo de 21 gansos colgados en las fiestas de Carpio de Tajo (Toledo); o las comparsas de Zanpantzar, compuestas por mozos que visten enaguas de puntillas, abarcas, chalecos de oveja por hombros y cintura, pañuelos de colores (generalmente de cuadros azules) al cuello, gorros cónicos con cintas, hisopos de cola de caballo y un par de cencerros de gran tamaño sujetos a los riñones que los mozos mueven al unisono. Ritos que se resisten a desaparecer. Religiosos unos, todos de iniciación a la edad adulta de los jóvenes del lugar.

En el cine español podrían encajar, dentro de la clasificación de Folk Horror, películas como Flor de Santidad (Adolfo Marsillach, 1973); la magistral El bosque del lobo (1973) y Akelarre (1984) de Pedro Olea; o la reivindicable Dagon, la secta del mar (Stuart Gordon, 2001), con su traslación a Galicia del imaginario de H. P. Lovecraft.

Pues bien, de todo esto ha tomado buena nota Javi de Castro para conformar su novela gráfica Villanueva, que recientemente ha aparecido de la mano de Astiberri. Un relato que se adentra en un horror con regusto a cecina  y matanza; tradición y folklore; pero con elementos muy actuales como la España vaciada y la identidad sexual. Para el autor, fan declarado de este subgénero cinematográfico, “España, y más concretamente la región leonesa, a la que pertenezco, está plagada de tradiciones ancestrales: el antruejo y sus personajes, el ramo leonés, los hombres musgo de Béjar, los Mayos… Muchas cosas que se ven en aquellas películas las he visto yo desde niño, y para este cómic he querido aprovecharlas y crear mi propia mitología basada en esa realidad”. Y lo hace mediante un trazo elegante, aparentemente esquemático pero rico en detalles y matices realizado en blanco, negro y azul. El azul de la noche, de la oscuridad, del momento en el que suceden los hechos más extraños (al contrario, por cierto, que en Midsommar, en la que una de sus características más celebradas es la presencia constante de la radiante luz solar). Javi de Castro a preferido retornar el terror a la oscuridad y las tinieblas sin abandonar, en ningún momento, la aparente normalidad reinante en Villanueva, lugar imaginario e idílico cuyo nombre es el topónimo más común en  España, con 132 localidades homónimas.

Un magnífico trabajo, bien narrado e ilustrado, que abre nuevos caminos en el cómic de terror realizado en España partiendo de un imaginario plenamente autóctono.

Javier de Castro (León, 1990) comienza en el mundo del fanzine y el webcómic colaborando en publicaciones y autoeditándose. Escribe y dibuja su primera obra larga, Sandía para cenar (Thermozero, 2014), y colabora junto al guionista Josep Busquet en La última aventura (Dibbuks, 2015) y junto a María Hernández Martí en Que no, que no me muero (Modernito Books, 2016). En 2016 es reconocido con el premio al autor revelación en el Salón del Cómic de Barcelona y poco más tarde vuelve como autor completo con Larson, el hombre con más suerte del mundo (Modernito Books, 2017). En 2019 lanza el webcómic The Eyes, que le vale una nominación a los premios Eisner y a los Harvey 2020. Aparte del cómic, se dedica a la ilustración, donde recientemente ha destacado su colaboración junto a Modesto García en un juego viral de redes sociales que ha acabado convertido en libro, Crímenes ilustrados (Plaza & Janés, 2021).En 2021 publica Villanueva en Astiberri.

Astiberri Ediciones

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Las lecturas de Serendipia: ‘La industria del anime en España. De Heidi a Dragon Ball’

20 agosto 2021 Serendipia Deja un comentario

LA INDUSTRIA DEL ANIME EN ESPAÑA. DE HEIDI A DRAGON BALL

Juan José Zanoletty

Diábolo Ediciones, 2021. Tapa dura, 17 x 24. 200 pgs. Color

Terminos como manga, anime u otaku eran palabras que, hasta hace bien poco, al público español le sonaban «a chino». En los setenta, los niños supimos que Heidi o Mazinger Z venían de Japón por las canciones y títulos de crédito. Esos dibujos nos resultaban diferentes, nuevos, frescos. Heidi, por ejemplo, entró por la puerta falsa en 1975, formando parta de un programa contenedor infantil de tarde, pero pronto encontró en la sobremesa del sábado, justo antes del largometraje de la tarde, su lugar ideal en la parrilla televisiva. Desde allí cautivaron a grandes y pequeños, consiguiendo que cada sábado la familiar al completo se reuniera alrededor del televisor para reír y llorar con las aventuras y desventuras de Heidi y más tarde las de Marco. 

Pero Europa también tuvo gran parte de protagonismo en la eclosión y asentamiento del anime japonés en las pantallas televisivas. Todo eso nos lo cuenta Juan José Zanoletty en La industria del anime en España, un trabajo repleto de información y curiosidades pues, cuanto menos resulta sorprendente enterarse que el anime desembarcó en España vía Alemania, pues fue ese país el que casualmente encargó un primer trabajo a un estudio de animación japonés al carecer ellos de infraestructura. El resultado fue Vickie el Vikingo. Y ese fue el pistoletazo de salida para que esa misma compañía japonesa, Zuiyo Eizo (más tarde Nippon Animation), adaptara clásicos occidentales con los que conquistaron nuestro corazón, como la mencionada Heidi, que constó de 52 episodios. Pero también desembarcaron series como Mazinger-Z, con la que los niños de la época, textualmente, nos volvimos locos. Pero ese tan solo fue el principio, pues más tarde países como Italia y España trabajaron con los estudios japoneses realizando sus propias series. El resultado del primero fue Calimero, pero más importante resultaron las producciones españolas de la compañía BRB International, fundada por el mallorquín Claudio Biern Boyd a principios de los setenta, que entre los trabajos de animación que encargaría a los estudios japoneses, figurarían series tan populares como Ruy, el pequeño Cid (Little El Cid no Bōken, 1980) que fue el primero, seguido de Fútbol en acción (1981), D’Artacán y los tres Mosqueperros (Wanwan Sanjushi, 1981), y La vuelta al mundo de Willy Fog (Anime 80 Sekai Isshu, 1983) última de estas colaboraciones entre BRB y los estudios japoneses, pues la muy popular David el Gnomo (1985), también producida por BRB Internacional, contó con la animación de Wang Film Productions Company de Taipéi. Veinte años después, Japón y España volverían a trabajar unidas en la serie Marcelino, pan y vino (Marcelino, 2001).

El autor almeriense, que ya había realizado un primer acercamiento al tema en su libro Gnomos naranjitos y mosqueperros. La vuelta en mundo en dibujos animados editado en 2017 y publicado también por Diábolo Ediciones, analiza en La industria del anime en España todos estos animes y el resto de los que llegaron a nuestras pequeñas pantallas, de Heidi a Dragon Ball (y un poco antes y después) detallando el desembarco del anime en la televisión española y su gran eclosión con la llegada de Bola de Dragón o Shin Chan a los canales autonómicos y la repercusión que tuvieron hasta su asentamiento, tras dos décadas de andandura, en la cultura popular española y europea.

 

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Las lecturas de Serendipia: ‘Tales from the Crypt’ Vol. 1

14 junio 2021 Serendipia Deja un comentario

 

TALES FROM THE CRYPT VOL. 1

Diábolo Ediciones. Encuadernación en tapa dura. Formato magazine, 216 páginas a todo color


Poco o nada se podría haber imaginado Max C. Gaines, responsable de editar, junto a Harry J. Wildenberg en 1934 Famous Funnies, el primer comic book moderno, que su hijo William iba también a pasar a la historia del cómic, aunque por razones bien distintas. El bueno de Max, que recomendó a D.C. que publicara la creación de los jóvenes Siegel y Shuster sobre cierto héroe volador llegado de un lejano planeta, no podría haber llegado a pensar que su bástago sería uno de los responsables de que cientos de niños quemaran -alentados por sus padres y educadores- sus comic books en hogueras purificadoras.

¿Qué terrible delito cometió William M. Gaines? Pues tan solo uno: publicar cómics de terror, ciencia ficción y crímenes, sí, pero unos viscerales cómics que ponían en solfa el modo de vida americano, sus vicios y virtudes; su hipocresía y su racismo. Y además cometían el terrible error de ser muy divertidos y poseer una gran calidad al estar creados por los mejores artistas de la época.

¿Pero cómo comenzó todo?

Volvamos al bueno de Max C. Gaines. En 1938 se asoció a la editorial D.C. iniciando lo que sería la edad dorada de los súper héroes, pues bajo su supervisión iniciaron su andadura personajes como Wonder Woman, Green Lantern, Flash o Justice League of America, que todavía hoy siguen coleando y con más salud que nunca gracias al cine. Pero harto de héroes en mallas Max creó su propio sello, E.C. (Educational Comics) con los que publicó series tan piadosas y limpias como Picture Stories from the Bible, Picture Stories from World History y Picture Stories from Science, parte de cuyos beneficios, además, donaba a grupos religiosos. Pero la fatalidad quiso que en 1947 Gaines muriera ahogado en un accidente, lo que hizo que su hijo William se hiciera cargo de la editorial.

Y llegaron los cambios.

Bill Gaines y Al Feldstein con un expositor lleno de E.C. Comics

El nuevo editor, cuyo objetivo en la vida estaba muy alejado del mundo del cómic, cerró las series que su padre publicaba y que perdian dinero y comenzó a editar cómics de temáticas más acordes con lo que demandaba el público: romance, crimen y western, que eran los géneros de moda tras la debacle de los súper héroes. Pero el auténtico cambio llegó cuando Gaines,  junto al  ilustrador y guionista Al Feldstein, decidieron probar con el cómic de terror, y así llegaron en 1950 The Crypt of Terror (más tarde Tales from the Crypt), The Vault of Horror y The Haunt of Fear. Tres colecciones que se distinguían por contar con un jocoso introductor y narrador: Crypt-Keeper, Vaul-Keeper y Old Witch, respectivamente. Si bien no fueron los primeros en dedicarse al género de terror, pues ese privilegio corresponde a Eerie de Avon, Adventures Into the Unknown de American Comics Group, Marvel Tales y Captain America’s Weir Tales de Atlas, el éxito no se hizo esperar pues junto a los ingeniosos guiones, se contó con una grupo de dibujantes que hoy son leyenda viva del cómic: Johnny Craig, Harvey Kurtzman, Reed Crandall, Jack Kamen, Russ Heath, William Elder, Jack Davis, Frank Frazetta, Joe Orlando… una plantilla y una fórmula que en los años setenta tendría su continuidad en los comics Warren de terror con Creepy y Eerie en cabeza. A estas tres cabeceras terroríficas de E.C. pronto se les sumarían Weir Fantasy y Weir Science (Ciencia ficción); Crime Suspenstories y Shock Suspenstories (policíaco-criminal), entre otras de aventuras, bélicas… pero no nos adelantemos.

Reproducción de un original de Jack Davis con el anfitrión de Tales from the Crypt

A nuestro país estos cómics, como casi todo, esto cómics llegaron tarde. Nadie se aventuró a editarlos a pesar de que muchos sabíamos de su existencia y conocíamos bien a parte de sus autores gracias a los cómics Warren. Una selección de historietas de E.C. fueron recopiladas en el número 42 de Ilustración+Comix Internacional de Toutain en 1984 y en la Historia de los Cómics Nº 12 (1982), de la misma editorial. Migajas que dejaban al lector con ganas de más.

Mucho más.

Y la sequía se palió gracias a Planeta DeAgostini, que a partir de 2003 editó Clásicos del Terror, que reunió ordenadamente y de manera sucesiva en 15 tomos en blanco y negro de 21×15 todos los números de Tales from the Crypt, The Vault of Horror y The Haunt of Fear. Y no se detuvo aquí, pues prosiguió con las demás series de E.C., incluídas las que se editaron tras la investigación del Senado norteamericano, que propició la creación del Comic Code y que motivó que tuvieran que cerrarse las colecciones más polémicas de la editorial, algo de lo que se hablará en su momento. Planeta DeAgostini realizó un gran trabajo, por supuesto, pero con dos grandes inconvenientes: era en blanco y negro y su tamaño reducido. Inconvenientes que Diábolo Ediciones ha solventado con la puesta en marcha de la edición en lujosos tomos a todo color y tamaño magazine que se ha iniciado con Tales from the Crypt vol. 1, un monumental tomo que reúne de manera cronológica The Crypt of Terror 17, 18 y 19 y Tales from the Crypt 20, 21 y 22. La numeración no debe alarmar a nadie, pues la industria del cómic norteamericano tenía la costumbre de continuar series ya iniciadas sustituyendo tan solo el título. Así, lo que comenzó siendo International Comics, pasó a ser tras cinco números International Crime Patrol durante uno más, pasando a ser definitivamente Crime Patrol hasta su número16, números que, por supuesto, no tienen nada que ver con la serie que los sustituyó.

Arriba la portada original del comic book The Crypt of Terror 17. A la derecha una reedición con lo que no se debe hacer: retocar los colores a su libre albedrío (y ya puestos, el título)

La edición de Diábolo respeta las portadas originales sin traducirlas, y tanto su tipografía como el color reproducen los originales americanos, manteniendo fielmente los contenidos de la época, lo que incluye su propaganda, los relatos no ilustrados y el por entonces novedoso correo del lector. Puede decirse que el resultado es un tomo impecable y cuidado con esmero. Su precio, 34,95€ no nos parece excesivo teniendo en cuanta la calidad de su impresión, del gramaje del papel utilizado y del mimo puesto en el producto. Otra cosa es que esté o no al alcance de todos los bolsillos, pero eso ya es un factor ajeno al producto.

El contenido de cada uno de los comic books, que constan de 34 páginas y de cuatro historietas completas, se abre indefectiblemente con una escrita y dibujada por Al Feldstein, auténtica alma mater del proyecto, que además guioniza las de otros artistas como George Roussos, Wally Wood, Jack Kamen, Graham Ingels, Harvey Kurtzman y Johnny Craig, responsable de las cuatro primeras portadas, aunque la escogida por Diábolo para su primera tomo es una de las dos realizadas por Al Feldstein, concretamente la del número 22, que ha sido escogida, además, con muy buen criterio al ser la mejor, tal y como parece demostrar que fuera también la escogida por Planeta DeAgostini para su primer tomo. En todo caso, no teman , pues tanto esta como el resto de portadas se incluyen en el interior del tomo en su glorioso tamaño original encabezando cada comic book.

Destaca la rápida evolución que se produce entre los seis comic books. En sus páginas vemos como se va fraguando el estilo E.C. y como el éxito de la propuesta propicia nuevas publicaciones. Cuando llegamos al sexto número, la estructura que mantendrá Tales from the Crypt ya está consolidada: todas las historias tienen un presentador, un host, que de manera jocosa introducirá al lector en la historia y meterá algunas puntillas durante la misma. Y cada cuadernillo se abrirá con una presentada por el anfitrión de la colección, The Crypt-Keeper, pero el resto de historietas, en divertida rivalidad, podran ser presentadas por The Old Witch (anfitriona de The Haunt of Fear) o The Vault-Keeper (invitante de The Vault of Horror). También algunas historietas comenzará a utilizar el final shock que será marca de la casa, como es el caso de la estupenda A Fatal Caper que ilustra Jack Kamen con guion de Feldstein.

En el número 19 ya entrará en plantilla Graham Inglels que con sus cargadas y tenebrosas viñetas pasará a ser presencia fija en cada número. Y también colaborará un joven Wally Wood, que todavía perfeccionaba un estilo que funcionaría mejor en los títulos de ciencia ficción y que fructificará durante su etapa en Warren. Wood, por cierto, se permite una pequeña broma al incluir una caricatura del editor, Bill Gaines, en la primera viñeta de la segunda placha de Terror Ride! historieta incluída en el número 21 de Tales from The Crypt.

Y esto es solo el principio. En próximas entradas se analizarán los contenidos del tomo que corresponda, así como los principales artistas y  guionistas que trabajarán en él. Y todo sin olvidar la historia del propio sello editorial.

De momento es todo ¡Bienvenidos a The Crypt of Horror!

 

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Las lecturas de Serendipia: Biblioteca de Cómics de Terror de los años 50 ‘El extraño mundo de tus sueños’

7 junio 2021 Serendipia Deja un comentario

BIBLIOTECA DE CÓMICS DE TERROR DE LOS AÑOS 50:

EL EXTRAÑO MUNDO DE TUS SUEÑOS

Diábolo Ediciones. Encuadernación en tapa dura. Formato magazine, 144 páginas a todo color


En esta ocasión, como ya hicieran con el Frankenstein de Dick Briefer , la Biblioteca de cómics de terror de los años 50 de Diábolo ediciones ha optado por editar en su séptimo tomo una serie completa, en este caso The Stranger World of Your Dreams, una colección de comics editados por Jack Kirby y Joe Simon, dos de los más míticos creadores de la edad de oro del cómic norteamericano, entre agosto de 1952 y enero de 1953.

Simon y Kirby pasaron a la historia como dúo creativo gracias al Captain America, personaje que tuvo su primera época de esplendor durante la II Guerra Mundial, así como The Sandman ya para DC. Pero cuando los súper héroes pasaron de moda y hubo que buscar nuevas temáticas que pudieran interesar a los lectores, Simon y Kirby se dedicaron a probar hasta dar en la diana con las historietas de romance y de horror, de las que fueron pioneros. En cierto modo, El extraño mundo de tus sueños es un híbrido que toma elementos de estas dos temáticas, pero con un nexo común, una especie de detective de los sueños, Richard Temple, que analizará los sueños «reales» que les remitirán los propios lectores en busca de su significado oculto.

Sueños y, por supuesto, pesadillas.

Pero ¿de dónde puede salir la idea de realizar un cómic sobre el significado de los sueños? Veamos algunas pistas:

De 1940 a 1948 Salvador Dalí y Gala se instalaron en Estados Unidos, etapa durante la cual el pintor se dejó querer por el público norteamericano llamando la atención de los medios de comunicación con su papel de excéntrico surrealista. Allí escribió su autobiografía, dieñó ropa para Coco Channel y pintó 19 lienzos en un periodo bautizado por el propio artista como misticismo nuclear. Dalí coincidió con otros grandes genios como Walt Disney, con el que proyectó  realizar una película en 1945, y Alfred Hitchcock, para quien diseñó los mundos oníricos de Recuerda (Spellbound, 1945), mundos que cobraron vida en las viñetas de Kirby, Simon y otros como Mort Meskin y Bill Draut, que también colaboraron en El extraño mundo de tus sueños.

A pesar de que el cómic contenía muy buenas historietas, como ¡Viví hace 200 años! (I lived 200 years ago!) o No despiertes al durmiente o te desvanecerás para siempre (Don’t wake the sleeper! Or you’ll vanish forever!), conforme avanza la publicación, esta se va componiendo más de historietas breves en las que figura el componente romántico e incluso la compatibilidad entre signos zodiacales, que es lo predomina en su cuarto y último número. Sin duda un experimento de lo más atractivo e insólito que, en parte, recuperó EC Comics en su serie Psychoanalynnsis en 1955.

El tomo que edita Diábolo reune los cuatro comic books restaurados, además una historieta de corte similar realizada por Jack Kirby y publicada en Black Magic 2 (1950). También contiene una muy interesante y esclarecedora introducción escrita por Craig Yoe, que además analiza las portadas que Jack Kirby realizó para los cuatro números, así como las del quinto y séptimo, que aunque no se llegaron a publicar, Kirby las realizó.

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Las lecturas de Serendipia: ‘¡Y tiro porque me toca! Los juegos y juguetes de nuestra niñez’

1 junio 2021 Serendipia Deja un comentario

¡Y TIRO PORQUE ME TOCA!

Vicente Pizarro

Diábolo Ediciones, 2021. Tapa dura, 17 x 24. 288 pgs. Color.


Si quieren que les diga la verdad, yo de pequeño lo tenía claro: Madelman. Siempre pedía Madelman. Una vez mi madre, intentando que pidiera otra cosa y para compensar que a mi hermano le iban a regalar un Xylomatic, me preguntó si quería algo más para Reyes, además del habitual Madelman, intentando tentarme con otro juguete de la misma temporada y fabricante, Spiral, pero yo no lo dudé: pedí otro Madelman.

Aún así, siendo tres hermanos, en casa entraron varios de los juegos que Vicente Pizarro muestra en ¡Y tiro porque me toca!, la última punzada a nuestra nostalgia por parte del autor que casi nos hirió de muerte con ¿Quieres un chicle? , ¡Andá! la merienda… y su secuela. Si en aquellos entraba en los vericuetos de nuestro maltrecho cerebro para recordarnos tantos cromos y juguetes de nuestra infancia incluidos como obsequio promocional en gomas de mascar y pastelitos industriales varios, ahora se centra en los juguetes, de juguetería, que hicieron soñar a los niños españoles de los años cincuenta, sesenta, setenta y ochenta, aunque deteniéndose especialmente en los de los de las décadas de setenta y ochenta.

Tras una pequeña introducción en la que se nos narra los orígenes de los juegos de mesa más clásicos (parchís, oca, dominó, naipes, damas y ajedrez), el autor entra de lleno en las principales marcas de juguetes españolas, señalando sus orígenes e historia y mostrando sus creaciones más populares: Geyper (con sus juegos reunidos, juegos de agua o su adaptación del norteamericano G.I. Joe, Geyper Man, entre muchos otros); Exin (Exin Castillos, CinExin, Tente, Scalextric, Madelman, ExinWest…); Congost (Big Jim y las otras figuras de acción de la licencia Mattel, Auto Cross, S.O.S.! Helicopter y el mencionado Xylomatic, entre otros); Cefa (Robot Mágico, Quimicefa o El palé, además de muchos juegos de mesa).

Además conoceremos a Pepe Pineda y los juegos que diseñó a para Diset primero y Cefa después, así como también al ilustrador de sus cajas, Isidre Monés, del que muchos conocíamos su faceta como dibujante de cómics, pero desconocíamos estos trabajos para Cefa de cuyos diseños hay una amplia muestra.

Todo en 288 páginas a todo color en una obra que, como adelanta el propio autor, tendrá continuidad en otro (u otros volúmenes, me aventuro a decir) pues «las estanterías de las tiendas están repletas de juegos Borrás, MB, Nac, Dalmau, Falomir, Parker o Mattel, entre otros, que tendrán sus horas de juego en un segundo volumen que ya está en marcha«.

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Las lecturas de Serendipia: ‘Las puertitas del señor López’

25 mayo 2021 Serendipia Deja un comentario

LAS PUERTITAS DEL SEÑOR LÓPEZ 

Carlos Trillo y Horacio Altuna

Astiberri Editorial. Encuadernación en tapa dura,22.5 x 29.5 cm, 200 páginas en blanco y negro

Considerado, y con razón, uno de los grandes hitos del cómic argentino, Las Puertitas de Señor López relata la rutinaria vida del señor López, un gris y gordito empleado de oficina agobiado por sus jefes, los compañeros de oficina y su esposa, de cuyos furores uterinos huye, al igual que de todos los problemas que se le presentan, hacia un mundo alternativo al que entra por la puerta de cualquier lavabo. Una vez dentro no sabe lo que puede encontrar: podrá ser un héroe, luchar en combate o, la mayoría de veces, a la mujer de sus sueños. Es un universo interno, íntimo, en el que se refugia ante ese mundo real que tan solo sucede. Ese mundo gris en el cohabita con el señor de negro de Mingote, el  Mariano de Forges o el Walter Mitty del escritor y humorista gráfico James Thurber. Un mundo que amenaza por devorarlos en cualquier momento si no se bajan regularmente de él.

En Las puertitas del señor López que Astiberri edita, por expreso deseo de Horacio Altuna, con el texto adaptado al español peninsular y rotulado de nuevo, se han reproducido las planchas con gran fidelidad, de manera que pueden verse los trazos, correcciones, salidas de línea de viñeta y en algunos casos hasta el lápiz mal borrado… sin duda son lo más parecido al dibujo original que podemos encontrar y están impresos en un papel de textura rugosa y tono ligeramente amarillento que resulta ideal para este tipo de ilustración. Estas históricas páginas de Altuna y Trillo tienen un carácter totalmente atemporal y pueden leerse hoy como cuando se publicaron por primera vez, a finales de los setenta, de forma serializada en dos revistas de la editorial argentina Ediciones de la Urraca, El Péndulo (1979) y Hum® (1980), conviviendo con la dictadura argentina y la falta de libertad de expresión.

Las puertitas del señor López  se recopiló por primera vez en Argentina en 1988 en un tomo de Ediciones de la Urraca que reunía en sus 144 páginas 25 historietas. Un recopilatorio que contó con una segunda parte con 12+1 historias más. Los argentinos tuvieron que esperar hasta 2006 para ver la serie editada íntegra, en esta ocasión por Clarín. Tanta fue la importancia de esta obra de Trillo y Altuna que fue adaptada al cine en 1988 en un film dirigido por Alberto Fischerman con Lorenzo Quinteros como el Sr. López. También la prolífica revista argentina de cómics Puertitas, editada por Trillo y en la que se publican obras de Bernet, Joe Kubert, Manara y el mismo Altuna, entre otros, debe su nombre a esta obra, así como también un programa de la televisión argentina.

En España la obra ha sido editada en diversas ocasiones, todas en forma tomo, a pesar de que la memoria nos ha jugado una mala pasada, pues pensábamos erróneamente que se había publicado previamente por entregas en Comix Internacional, algo que no nos hubiera extrañado nada del responsable de la primera edición íntegra, Josep Toutain, que lo recopiló en dos tomos  de 96 y 104 páginas en los años 1983 y 1984 respectivamente. Previamente, en 1981, Ediciones Vilán había publicado un tomo de 48 páginas y con posterioridad a la edición de Toutain, Planeta DeAgostini publicó la serie completa en un único tomo de 200 páginas que salió a la venta en 2009.

Después de años de permanecer agotado, y tras haber hecho lo propio con otras dos obras del tándem creativo formado por Carlos Trillo y Horacio Altuna –El último recreo (2017) y Charlie Moon (2019)–, Astiberri recupera este cómic, que permanece tan vigente y fresco como cuando se publicó por primera vez en 1979.

Horacio Altuna dejó la carrera de Derecho para hacer lo que más le gustaba, que era dibujar cómics, comenzando a dibujar en 1965 la versión argentina de Superman, Super Volador. Trabajando más tarde para el mercado internacional, concretamente para Charlton en Estados Unidos y los sellos británicos Fleetway y Thompson, para los que dibuja muchos guiones de aventura juvenil o bélicos sin firma. En 1974 comienza a trabajar con Carlos Trillo, con el que realizan para Clarín El loco Chávez, además de este Las puertitas del señor López y otras, mientras sigue trabajando para el extranjero y mantiene su colaboración con Clarín. Su estilo se va asentando y comienza a destacar su interpretación de la belleza femenina. En 1982 se afinca en Sitges y trabaja para Toutain, así como para Playboy, donde sus mujeres protagonizarán historietas eróticas. La relación con Trillo se truncará y ya, como autor completo, Horacio Altuna ha continuado su carrera durante el siglo XXI. Hay que destacar su ímpetu en defensa de los derechos de autor, hasta el punto de convertirse en el presidente de la Asociación Profesional de Ilustradores de Cataluña en 2007. Ha sido merecedor del premio Yellow Kid (1986) y del Gran Premio del Salón de Barcelona (2006).

Por su parte Carlos Trillo inició una larga relación profesional con Jordi Bernet, así como con Eduardo Risso y Carlos Meglia, entre muchos otros, dedicando su vida al cómic  hasta su fallecimiento en Londres en 2011.

 

https://www.astiberri.com/

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Las lecturas de Serendipia: ‘Lo que nunca te contaron sobre…El dinero’

25 mayo 2021 Serendipia Deja un comentario

LO QUE NUNCA TE CONTARON SOBRE… EL DINERO

Igor

Diábolo Ediciones. Encuadernación en tapa dura,18×13,134 páginas a todo color

A ver, con lo que les cuenta Igor en Lo que nunca le contaron sobre… el dinero no van a solucionar sus eternos problemas de liquidez. Ni siquiera les podrá servir de consuelo ni les dará consejos sobre cosas como ahorrar, pero podrán reírse de ello como antes pudieron hacerlo con el trabajo (adocenante o sobre la falta del mismo) y de la búsqueda de piso, temas a los que el autor dedicó los dos primeros y divertidos libritos de esta serie que comprende material publicado previamente en TMEO y El Jueves y que Igor recupera unificándolos temáticamente con viñetas realizadas específicamente para estos tomos, con un  resultado que se aleja del simple refrito. Entre sus divertidas (y trágicas) hojas podremos ver la historia del dinero; nuestra relación de amor-odio con los bancos; las criptomonedas; consejos para tirar el dinero; la declaración de la renta; la corrupción o el FMI… todo tiene cabida en Lo que nunca te contaron sobre…el dinero un esclarecedor tomito realizado por Igor, uno de los más interesantes colaboradores de la revista El Jueves y que nos lo ofrece el autor de la única manera soportable: con muchísimo humor.

Igor, joven humorista e historietista surgido de la revista TMEO, pudo dejar su trabajo de diseñador gráfico y dedicarse enteramente al cómic cuando El Jueves lo incorporó como colaborador habitual en la revista, labor que inició con la tira Zombie Life y que, una vez finalizada, prosiguió semanalmente con sus propias historietas y con los guiones de Robocracia serie que, al igual que Zombie Life, ha sido recopilada en tomos por Diábolo Ediciones.

https://www.diaboloediciones.com/

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Las lecturas de Serendipia: ‘Beautiful Women. Pin-Ups & Bombshells inolvidables’

17 mayo 2021 Serendipia Deja un comentario


BEAUTIFUL WOMEN. PIN-UPS & BOMBSHELLS INOLVIDABLEES

Guillem Medina Gallardo

Diábolo Ediciones, 2021. Tapa dura, 17 x 24. 308 pgs. Color/Blanco y negro. 


No vamos a descubrirles nada si, como decían nuestros antepasados, les decimos con cara de pasmo que «los tiempos cambian que es una barbaridad«. Pero es que resulta que eso, que tan alegremente pensaban nuestros ancestros, en la actualidad no les hubiera dado tiempo ni de pensarlo, pues ahora sí que, por fortuna, nuestra sociedad está atravesando cambios fundamentales, profundos, cuestionando usos y costumbres que, no por estar largamente establecidas, eran justas. La mujer y todo tipo de formas de sentir la sexualidad y la vida se están abriendo camino y rompiendo fronteras. Y todo esto está sucediendo a una velocidad que los que ya comenzamos a peinar canas (si tienen la suerte de utilizar peine), nos está convirtiendo en poco menos que reliquias de otro tiempo. O trastos inservibles, según se mire. Y como en mi caso, a veces parece que me contradigo entre lo que pienso y lo que debo pensar. Entre lo que no me parece bien y lo que me gusta.

No sé si me explico.

Pero todo esto viene a cuento de que es cierto que el cuerpo de la mujer se ha explotado desde tiempos inmemorables para vender todo tipo de producto y se ha exhibido impunemente para disfrute del barón, reduciendo a la mujer a simple objeto sexual. Y eso está mal, no hay duda. Y hay que corregirlo, por supuesto. Pero esa conclusión se enfrenta, en mi caso, a una educación recibida durante años y a lo que queda de mi virilidad. O dicho de otra forma: me gustan mucho las mujeres bonitas que lucen provocativamente sus encantos. Me fascina la belleza femenina de todos los tiempos, de tal modo que la belleza de una actriz concreta puede hacer que vea una película, o que me compre un libro o revista en la que se hable de ella. Y eso no significa que tan solo viendo una imagen de, por ejemplo, Ava Gardner, sufra una erección ¡no, hombre! Pero en estos tiempos, si que me suponen un placer culpable, pues reconozco que no está bien que estén ahí para que yo vea sus cuerpos.

¿Me explico?

Pero me gusta. No puedo evitarlo. Ver imágenes de actrices ligeras de ropa, con bonitas sonrisas y desprendiendo vitalidad y glamour, me da felicidad. Y por eso, Beatiful Women. Pin-ups & Bombshells inolvidables me hace feliz, porque está lleno de imágenes sugerentes, de gran belleza, de las grandes diosas del celuloide, de las más bellas stripers y de las girl next door más bonitas. Me hace feliz porque me traslada a una época en la que la belleza y el amor podía ser alcanzada y estar esperando a la vuelta de la esquina. Una época en la que la mujer (y también el hombre), vestían con clase y había una industria textil no solo haciendo la ropa más bonita de todas las épocas (años cuarenta y cincuenta), sino también la lencería más sexy. Mucho antes de los desnudos integrales. Mucho antes de la pornografía. Antes de los pubis poblados y antes de que estuvieran rasurados. Mucho antes de que las publicaciones se convirtieran en catálogos anatómico-forenses estaban las pin-ups para hacernos soñar.

Porque mucho más que sexo, todas estas pin-ups, bombshells, cheesecakes y ya si nos ponemos, beefcakes lo que trasmiten es juventud y ganas de vivir. Alegría. Son pura fantasía e inocencia. Y así es el libro de Guillem Medina, un compendio de glamour y sonrisas que van desde el cine mudo a los años sesenta, con cientos de fotografías bien seleccionadas, en blanco y negro y color agrupadas temáticamente por capítulos, precedidos por un pequeño texto. Unas veces biográfico, otras temático.

Pero entren, entren y hagan un viaje por la fantasía, por el misterio y la idealización de la mujer. Por el mundo de los sueños y el misterio femenino. Por el universo de las Beautiful Women. Pin-ups y Bombshells inolvidables y enamorense de cada sonrisa, de cada gesto y de cada mirada.

Y no se sientan culpables.

https://www.diaboloediciones.com/

 

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Las lecturas de Serendipia: Las 100 primeras películas de Nicolas Cage

24 abril 2021 Serendipia Deja un comentario

LAS 100 PRIMERAS PELÍCULAS DE NICOLAS CAGE

Paco Alcázar y Torïo García

¡Caramba! Rústica con solapas. 20.0 x 20.0 cm, 232 páginas a todo color

Gracias a Paco Alcázar y Torïo García y al libro que han parido en común, Las 100 primeras películas de Nicolas Cage entiendo por fín que lo que yo siento por  Nicolas Cage no es desprecio. Que los papeles que obtiene en el cine, muchos de los cuales yo veía como un claro error de casting, no los son. He entendido que las leyes que priman para otros no pueden emplearse con Nicolas Cage.

Por fin entiendo que cuando un director escoge a Nicolas Cage sabe porqué lo hace. Que Panos Cosmatos no lo escogió en Mandy (2018) por error. Que sabía muy bien que solo, y tan solo Nicolas Cage podía darle esa explosión de rabia en calzoncillos en el lavabo. Y no solo eso, que lo haría levantando aplausos en el respetable ante la  incredulidad del resto. Y, por supuesto, Panos Cosmatos también sabía que tan solo Nicolas Cage sería capaz de cerrar su película con ese plano.

Ese plano.

Las 100 primeras películas de Nicolas Cage me ha hecho comprender que Mom and Dad (Brian Taylor, 2017) era un juego de autoparodia. De autobombo, si quieren. Pero que no funciona igual por tratarse de algo premeditado. Preparado. Un homenaje, eso sí, a lo que tantos, entre ellos Paco Alcázar y Torïo García han sabido ver en las actuaciones de Nicolas Cage y que yo he tardado en comprender.

Hasta ahora.

Ahora, cuando uno ve como el bueno de Nic especifica que esos animales que tiene en su granja el personaje que interpreta en Colour Out of Space (Richard Stanley, 2018) son alpacas y no llamas, comienza a entender que solo él podría tener alpacas en una granja. Entiende el porqué están allí.  Y que él y solo él podría protagonizar el universo Lovecraft y entenderlo tan bien, pues Nicolas Cage es una pesadilla más de las ideadas por el solitario de Providence.

O casi.

No puedo decir que odie o que no me guste Nicolas Cage porque no es así. Y más ahora, que por fin gracias a este libro sé lo que me pasa cuando veo una película en la que Nicolas Cage, de pronto, hace algo que conecta el piloto rojo de la sobreactuación y de la verguenza ajena: Es Nicolas Cage haciendo oro.

Se le ama o se le odia…

Se le ama y se le odia…

…O simplemente se le tolera.

En mi caso es como ver uno de esos musicales de Bollywood de los uno al año, sobre todo si tiene mucha acción, es maravilloso. Pero uno, máximo dos. Pues lo mucho cansa y corre el riesgo de convertirse en algo abominable. Mejor mantenerlo como una cita puntual y especial.

El estupendo libro que han realizado Paco Alcázar y Torïo García es de esos que uno no quiere que se acaben. En él los autores repasan la vida obra del actor título a título,  con una ilustración del actor por película acompañada de una sabrosa colección de anécdotas y curiosidades. Y este libro ha realizado en mí un milagro: no solo ha conseguido que me planteé mi relación con el actor, sino que ha despertado mi interés en revisar alguna de sus películas. Es más, ha conseguido que busque varios de los títulos enumerados en el libro, algunos de los cuales desconocía su existencia, pero de los cuales, en vista de los comentarios de los autores y de su grado de «Intensidad Nic», han conseguido despertar a la curiosa bestia cinéfaga que en mi interior habita. Tres ejemplos: Si durante toda mi vida me he resistido a ver Besos de vampiro (Vampire’s Kiss, Robert Bierman, 1988) y he evitado (por respeto a las originales) tanto Teniente corrupto (The Bad Lieutenant: Port of Call-New Orleans, 2009), a pesar de estar dirigida por Herzog, como Wicker Man (Neil LaBute, 2006), ahora no veo el momento de recuperarlas y verlas, no solo libre de prejuicios ante la presencia de Nicolas Cage, sino precisamente por el acicate de que están protagonizadas por él.

Este libro también ha conseguido sorprenderme ante la gran cantidad de películas protagonizadas por Nicolas Cage. Un actor más o menos joven que todavía puede reservar muchas alegrías a los autores del libro y a esa legión de seguidores a los que gracias a esta obra ahora entiendo y a la que, en cierto modo, me uno tras la lectura atenta del mismo.

Paco Alcázar, ese camaleónico ilustrador al que, personalmente, descubrí cuando hacía unos feístas dibujos y unas historias breves y terriblemente incorrectas en fanzines, hace magia con su dibujo realizando magníficos retratos del actor, película tras película, look tras look, mostrando todo su catálogo de expresiones. El lector puede probar a pasar sus hojas como si fuera uno de aquellos libritos en los que, pasando sus hojas rápidamente con el pulgar, las imágenes cobran vida.

Porque sucede:

Una pesadilla de modelos capilares y expresiones que Nicolas Cage ha utilizado a lo largo de su dilatada carrera se sucederán de manera vertiginosa haciendo retroceder al lector a aquellos tiempos en los cuales el cine era una atracción de feria más, compartiendo barraca con la mujer barbuda, los enanos, el tragasables y las hermanas siamesas.

Y ya para terminar. Lo que me ha quedado más claro gracias a Las 100 primeras películas de Nicolas Cage es lo que esperan y adoran de él sus seguidores. Ahora comprendo lo que me repelía de él. Ahora lo entiendo todo. Así que, siéntense, pónganse cómodos, la película va a comenzar. Y no se alarmen, seguro que durante la misma algo les hará reír, llorar, pasar un instante de vergüenza ajena o dar un brinco de sorpresa y/o espanto: no se alarmen.

Es normal.

Es Nicolas Cage y es el mejor en lo que hace.

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Las lecturas de Serendipia: Biblioteca de Cómics de Terror de los años 50: Fantasmas

21 diciembre 2020 Serendipia Deja un comentario

BIBLIOTECA DE CÓMICS DE TERROR DE LOS AÑOS 50: FANTASMAS

Seleccionados por Steve Banes

Diábolo Ediciones. Encuadernación en tapa dura. Formato magazine, 144 páginas a todo color

La colección antológica de comics de terror de los años cincuenta que publica Diábolo en nuestro país llega a su sexta entrega con un tomo dedicado a fantasmas y espectros. Y lo hace tras haber dedicado otros volúmenes a momias, criaturas del pantano, zombies, y al Frankenstein de Dick Briefer, entre otros, llegando en esta ocasión cuando más falta hace refugiarse en la fantasía para intentar olvidar, siquiera durante un rato, unos acontecimientos cotidianos que no invitan precisamente al optimismo.

El magnífico libro cuenta con un buen número de historietas inéditas en nuestro país ilustradas por Jack Katz, Mike Esposito, Iger Shop o Kenneth Landau, entre otros, seleccionadas de oscuros comic books de títulos tan sugerentes como Adventures into Darkness, Mysterious Adventures, The Hand of Fate, Weird Horrors y Horrific. El tomo se cierra con las portadas de los comic books de los que han sido extraídas las historias, reproducidas a tamaño original.

En sus espectrales páginas encontrará el lector fantasmas vengativos, legendarios y justicieros en unas historias que destilan amor, horror, humor… y fantasía, mucha fantasía. Y todo con el regusto y el aroma del mejor pulp y del mejor cómic clásico, editado primorosamente con una presentación de lujo, con sus hojas impresas en papel envejecido. Incluye además un prólogo del guionista de comics John Rozum y un sentido épilogo del editor de la edición americana Steve Banes.

Pasen, pues, y deleítense con el olor a podredumbre y ectoplasma que desprenden las páginas de esta nueva entrega de la biblioteca de cómics de terror de los años cincuenta antes de que sea tarde y se conviertan, ustedes mismos, en un fantasma más.

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Las lecturas de Serendipia: ‘Regreso al Edén’ de Paco Roca

14 diciembre 2020 Serendipia Deja un comentario

REGRESO AL EDÉN 

Paco Roca

Astiberri, 2020. 176 páginas. Color. Cartoné, 24 x 17 cm

No debería sorprender a nadie decir que cuando se habla de cómic y se nombra a Paco Roca estamos nombrando a uno de los mejores, sino el mejor, autor de cómic español de todos los tiempos. Paco cuenta con una ya abultada obra a sus espaldas, bien laureada en todos los certámenes nacionales e internaciones que así lo demuestra. Pero sobre todo lo demuestra el lugar que las sentidas narraciones de este pequeño gran valenciano ocupan en el corazón de los amantes del noveno arte.

Algunas de las últimas y más importantes obras de Paco como Arrugas, Los surcos del azar o El invierno del dibujante lo han aupado al lugar que ocupa en el mundo del cómic.

Ahora, con Regreso al Edén, retoma la senda biográfica que ya iniciara con La Casa, y lo hace, como aquel, en forma de álbum apaisado, el formato más clásico y entrañable del tebeo español.

Regreso al Edén retrocede en el tiempos mucho más que su anterior obra. Nos traslada a la postguerra española de hambre y pan de higo. De pocas alegrías y mucho trabajo para llevar la comida a casa. Y toda esa época se rememora analizando una foto realizada en 1946. Un retrato familiar tomado en la playa de Nazaret de la capital valenciana. Una de esas fotos que todos tenemos en casa. De las pocas que se hicieron nuestras madres y abuelas y que eran atesoradas en cajas y cajones. Sobadas por haber sido miradas una y otra vez.

Una y otra vez.

Una foto como esas que aparecen algunas a veces al pie de un container o en un mercadillo esparcidas por el suelo. Imágenes que no dicen nada para el que las ve, pero que tienen una rica historia detrás, como demuestra Paco Roca en Regreso al Edén. Una historia que para Antonia, la protagonista del libro de Paco, representa una ilusión, una esperanza de un futuro mejor.

Estraperlo, religión, cine, familia, hambre, mucha hambre y un juego de tazas … pequeños detalles cotidianos que consiguen que el lector se detenga para respirar y observar esas delicadas viñetas que ilustran una riquísima historia cargada de dolor. Pero de un dolor bañado con la dulzura del recuerdo.

Paco Roca, como puede verse en todos sus libros que representan un viaje a un pasado no vivido, se ha documentado mucho, enriqueciendo las imágenes con pequeños y grandes detalles cotidianos, como es el vestuario de la época, deteniéndose en esos castos bañadores que lucen las protagonistas en la playa. Detalles de otra época, de otro tiempo que Paco ha vuelto a reunir con la lírica del artista que sabe trasmitir sentimientos con su arte. Porque si, hablar de Paco Roca es hablar del mejor autor de cómic español de todos los tiempos.

Paco Roca (Valencia, 1969) estudió en la Escuela de Arte y Superior de Diseño de Valencia. Aunque su trabajo se centra en los cómics, compagina su tiempo con la ilustración y las charlas y talleres. En el terreno de los cómics, su obra se ha traducido a una docena de países. Entre su bibliografía destacaEl juego lúgubre(2001), El Faro(2004), Arrugas (2007), Las calles de arena (2008), o El invierno del dibujante, (2010). Después de ilustrar La metamorfosis, de Franz Kafka, (2011) se embarcó en Los surcos del azar (2013), y ya en 2015 con La casa. Su obra más reciente antes de Regreso al Edén ha sido El tesoro del cisne negro, (2018) con guion de Guillermo Corral.

Algunos de sus cómics han sido llevados al cine como es el caso de Arrugas (Ignacio Ferreras 2011) que obtuvo el Goya a la mejor película de animación y al mejor guion adaptado; o Memorias de un hombre en pijama. Y otros están en proyecto, como es el caso de El tesoro del Cisne Negro, dirigida por Alejandro Amenabar.

En 2016 fue nombrado hijo predilecto de su ciudad, Valencia.

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