Archivo
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 13 de julio de 2018 *
LA CÁMARA DE CLAIRE (Keul-le-eo-ui Ka-me-la, Hong Sang-soo, 2017)
Corea del Sur/Francia Duración: 69 min. Guion: Hong Sang-soo Música: Dalpalan Fotografía: Jinkeun Lee Productora: Les Films du Camelia / Jeonwonsa Film Género: Comedia
Reparto: Isabelle Huppert, Kim Min-hee, Shahira Fahmy, Jang Mi-Hee, Jeong Jin-Yeong
Sinopsis: Durante un viaje de negocios al Festival de Cannes la joven Manhee (Kim Min-hee), asistente de ventas de una distribuidora, es despedida por su jefa acusada de ser deshonesta, pero en el fondo por una cuestión de celos. Por suerte, conocerá allí a una profesora llamada Claire (Isabelle Huppert), que hace fotos con su cámara Polaroid. Cada una de ellas tiene una peculiar visión de la vida, y juntas lograrán entender sus mundos.
Hong Sang-soo aprovechó su estancia en el Festival de Cannes de 2016 para rodar La cámara de Claire, película que presentó, al siguiente año, en ese mismo festival en Sección Oficial fuera de competición.
Protagonizada por Isabelle Huppert y Kim Min-hee, llega ahora a las pantallas y en ella, como ya hiciera en En la playa sola de noche (Bamui haebyun-eoseo honja, 2017), su anterior cinta, lo hace repleta de retazos autobiográficos que no cuesta rastrear, pues uno de sus protagonistas es un sosias del propio director, que presenta película en Cannes, escenario que servirá para contar una anécdota, un jirón de vida en el que la Huppert (que goza de hiperactividad cinematográfica) ejercerá, con su cámara -‘ojo que todo lo ve’- de testigo y nexo entre los personajes. Hong Sang-soo nos hablará otra vez de infidelidad conyugal y de directores de cine (¡ejem!) aficionados a las bebidas alcohólicas. Y todo fluye. De bar en bar. De conversación en conversación. Hasta el final, que cierra con la misma melodía con la que se inicia. Otra nota de identidad del cine de este Woody Allen oriental que tiene varios lugares comunes más que hacen que sus películas sean claramente reconocibles.
Nos cae bien este socarrón coreano, aunque a veces, eso sí, las situaciones den la sensación de estar un poco pilladas por los pelos y los diálogos extraídos de un curso de inglés elemental. Para placer del espectador, Hong Sang-soo ha contado de nuevo con Kim Min-hee, actriz que ha participado en los dos últimos filmes del director (En la playa sola de noche y Ahora sí, antes no) además de en la maravillosa La doncella (Ah-ga-ssi, Park Chan-wook, 2016). Resumiendo: un film delicioso cargado de un humor sutil.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 6 de julio de 2018 *
NO TE PREOCUPES, NO LLEGARÁ LEJOS A PIE (Don’t Worry, He Won’t Get Far on Foot, Gus Van Sant, 2018)
USA. Duración: 114 min. Guion: John Callahan, Gus Van Sant (Memorias: John Callahan) Música: Danny Elfman Fotografía: Christopher Blauvelt Productora: Anonymous Content / Iconoclast / Big Indie Pictures. Distribuida por Amazon Studios Género: Drama
Reparto: Joaquin Phoenix, Rooney Mara, Jonah Hill, Jack Black, Mark Webber, Peter Banifaz,Udo Kier, Nolan Gross, Connor Skific, Karen Nitsche, Beth Ditto, Olivia Hamilton,Kim Gordon, Carrie Brownstein, Emilio Rivera, Ken Tatafu, Angelique Rivera,Rebecca Rittenhouse, Anne Lane, Rebecca Field, Alexandra W.B. Malick, Amir Talai
Sinopsis: John Callahan (Joaquin Phoenix), un chico de 21 años que tiene problemas con el alcohol sufre un grave accidente de tráfico en el que casi pierde la vida. Animado por su novia (Rooney Mara) y un carismático patrocinador (Jonah Hill) ingresa en un centro de rehabilitación. Allí, John descubrirá que tiene un don y se convertirá en uno de los dibujantes más reconocidos del mundo.
Personalmente esta cinta nos ha dejado con la sensación de haber visto un (sin duda, bien pagado) encargo. Nada que objetar, pues contiene toda la parte experimental que Gus Van Sant sabe otorgar a sus cintas, y la forma en la cual ha escogido narrar la historia resulta original y muy interesante así que, ¿Donde está el problema?: Pues para el que esto escribe en que el argumento, que no deja de ser un guión de esos que, de forma mucho más convencional, se ofrecen habitualmente en cualquier sobremesa de fin de semana. Una historia de alcoholismo, accidente con graves consecuencias y superación. Y para más cercanía con esos dramas pre-siesta: «basada en un hecho real». Pero en Proyecto Naschy somos esencialmente positivos y nos gusta buscar lo bueno de toda película, y No te preocupes, no llegará lejos a pié, tiene varios elementos que le dan valor. Además de la mencionada original forma de narrar la historia en tres tiempos y con enfoques interesantes, el director ha contado con la participación de Danny Elfman, que proporciona una atípica banda sonora con un toque de jazz. Y Gus Van Sant también se ha rodeado de buenos actores, entre ello un esforzado Joaquin Phoenix que se sabe protagonizando uno de esos roles que tanto gustan a los académicos; una siempre perfecta Rooney Mara; un esencialmente mudo Udo Kier; una fugaz Heather Matarazzo; y sobre todo dos sorprendentes actores, ambos de comedia, que han aprendido a contener su histrionismo: Jack Black y, especialmente, Jonah Hill, cuya imagen actual hace dudar de que se trate del mismo actor obeso de Supersalidos o de las comedias de Judd Apatow. Verlo nos da ejemplo y llena de esperanza ante la ‘operación bikini 2019’. Sonrisas, lágrimas y una historia de superación en la que también resulta interesante descubrir al John Callahan real, un humorista gráfico políticamente incorrecto, lo cual, naturalmente, le acarreó muchos problemas y que, en según que lugares, actualmente sería carne de censura y denuncia. Como vemos, un buen puñado de razones que convierten No te preocupes, no llegará lejos a pié en una nada despreciable propuesta para este fin de semana.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 29 de junio de 2018 *
EN LA PLAYA DE CHESIL (On Chesil Beach, Dominic Cooke, 2017)
UK Duración: 110 min. Guion: Ian McEwan (Novela: Ian McEwan) Música: Dan Jones Fotografía: Sean Bobbitt Productora: BBC Films / Number 9 Films Género: Drama
Reparto: Saoirse Ronan, Billy Howle, Emily Watson, Anne-Marie Duff, Samuel West,Adrian Scarborough, Bebe Cave, David Olawale Ayinde, Philip Labey,Christopher Bowen, Ty Hurley, Bernardo Santos, Christian Wolf-La’Moy,Oliver Johnstone, Mike Ray, Jonjo O’Neill, Simon North, Claire Ashton
Sinopsis: Inglaterra, 1962. Florence y Edward, tienen poco más de 20 años. Ella de clase media alta, él de clase baja. Inocentes, vírgenes y enamorados cuando aún no se había publicado el primer LP de los Beatles y “El amante de Lady Chatterley” estaba prohibido, se casan y van a pasar su primera noche de bodas a un hotel, junto a la famosa Chesil Beach. Lo que sucede esa noche, entre sus palabras y sus silencios, cambiará sus vidas para siempre.
Ambientada en una Inglaterra de principios de los sesenta, en la que todavía no había eclosionado la revolución juvenil y el mundo no se había abierto al amor libre, todo lo cual no tardaría en llegar, dos inexpertos jóvenes de diferente extracción social se enamoran. Sus diferentes gustos y caracteres lejos de separarlos, parecen unirlos aún más, tanto que no tardan en casarse y Florence (Saoirse Ronan) y Edward (Billy Howle) rememorarán, mientras se disponen, tensos, nerviosos, a hacer el amor por primera vez, como fue su vida antes de que irrumpiera uno en la vida de otro y como se conocieron y enamoraron. Algo de lo que el espectador, será partícipe mediante flashbacks. Naturalmente también saldrán a superficie traumas, complejos y un terrible secreto de consecuencias irreparables.
Repleta de sensibilidad, esta delicada narración podría representar el primer papel, ‘adulto’ de Saoirse Ronan y posiblemente el mejor tras su magnífico trabajo en The Lovely Bones (2009) de Peter Jackson, en la que muchos la descubrimos. También es destacable la labor realizada por Billy Howle, su partenaire.
Con una acertadísima banda sonora, que mezcla los temas originales de Dan Jones con melodías clásicas de compositores inmortales como Beethoven o Chuck Berry esta historia, cuyo guión fue realizado por el propio escritor de la novela, Ian McEwan, tropieza al detenerse en algunas subtramas que no aportarán gran cosa a la historia y, lo que es peor, al cambiar, en parte, su final, más lógico y realista en la novela, todo lo cual, en todo caso, no empaña esta brillante cinta de Dominic Cooke.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 22 de junio de 2018 *
HEREDITARY (Ari Aster, 2018)
USA. Duración: 126 min. Guion: Ari Aster Música: Colin Stetson Fotografía: Pawel Pogorzelski Productora: PalmStar Entertainment / Windy Hill Pictures. Distribución: A24 Género: Terror
Reparto: Toni Collette, Gabriel Byrne, Alex Wolff, Milly Shapiro, Ann Dowd
Sinopsis: La familia Graham parece desmoronarse tras la muerte de la matriarca. Tras su pérdida, Annie, (Toni Collette) y su familia se ven hostigados por una presencia maligna que trae consigo una serie de sucesos inexplicables. Una de las más afectadas por la situación es su hija Charlie (Milly Shapiro), una niña solitaria que apenas se relaciona con la gente que le rodea y que es consciente de que algo extraño está ocurriendo.
Muchos son los elementos que hacen de Hereditary una cinta de terror memorable. Ninguno original en el fondo, pero sí en la forma. Y es que desengañémonos, excepto por lo que concierne a David Lynch, todo está hecho en todas las disciplinas artísticas y especialmente en el cine.
Ecos de historias de fantasmas, de posesiones, de semillas y de diablos. Varios son los elementos que retoma de diferentes fuentes, pero sin detenerse especialmente en ninguno de ellos. No es una película de fantasmas, pero los hay; ni de posesiones diabólicas tipo Friedkin, pero las hay; ni de niños raritos (algo con lo que juega la promoción del filme de forma un tanto arbitraria o, quizás, para jugar al despiste) pero los hay; ni de casas encantadas, pero lo parece.
El director juega con el espectador. Acompañándolo hacia el centro del laberinto por un camino muy familiar, pero lo abandona a su suerte a la media hora. Y no pensamos desvelar nada que pudiera chafar el factor sorpresa que la cinta contiene pues, sin ningún género de duda, consigue desconcertar al espectador. Una vez con el público situado en donde quiere, el director no se dedica a los sustos fáciles, no, introduce al espectador en una pesadilla continua, irreal e incluso de ecos surrealistas. Y todo ello con una partitura electrizante pero sin subidas de tono de aquellas de salto en la butaca. No lo necesita, pues Ari Aster juega más con la angustia que con los sobresaltos.
Hereditary es una perla para el aficionado al cine de terror a la que no ayuda el nivel de Hype que ha alcanzado por una torpe promoción en la que se la compara con otros hitos del cine fantástico. Es un error que puede poner las expectativas demasiado altas o puede hacer efecto llamada a un tipo de público que podría recurrir a su dispositivo móvil ante la falta de efectismos. Vamos, el mismo tipo de público que se aburrió soberanamente con La bruja (The Witch, Robert Eggers, 2015) alegando que durante su metraje no pasaba nada ni daba miedo. En Hereditary no dejan de suceder cosas, tantas, que uno se plantea casi inmediato un nuevo visionado del filme para recuperar detalles que pudieran haberse escapado y que ayudaran a entender mejor o incluso dar una nueva lectura del filme.
Lo que sí que podemos asegurarles que Hereditary es un sonado debut en el largometraje por parte de su director y guionista, Ari Aster. Que también ha sabido contar con unos muy buenos actores para narrar su atípica historia: una magnífica Toni Collette; un contenido Gabriel Byrne; un excelente Alex Wolff; y una indescriptible Milly Shapiro, que interpreta a Charlie, la niña que les habrá llamado la atención. Y con razón.
Save King Paimon!
EL MUNDO ES SUYO (Alfonso Sánchez, 2018)
España. Duración: 92 min. Música: Pepe Begines Fotografía: Fran Fernández Pardo Productora: Mundoficcion Producciones S.L / Sacromonte Films / Atresmedia Cine. Distribuida por Warner Bros. España Género: Comedia
Reparto: Alberto López, Alfonso Sánchez, Carlos Olalla, Carlos Urban
Durante las siguientes veinticuatro horas, y con la cuenta atrás del reloj acechándoles, los compadres conseguirán salir de varios embrollos para meterse en nuevos enredos.
Puede que fuera a causa del cansancio, pero vimos El mundo es suyo como una versión extreme-bizarre-cuñado-cañí de Pulp Fiction. Una escena en concreto, la de la sobredosis y posterior reanimación de la novia del jefe (Mar Saura) a manos de uno de los compadres parece demostrárnoslo. Pero también la encerrona de la que son objeto por parte de un locuaz homosexual y sus secuaces: un enano y un dependiente de una tintorería, con la diferencia de que en lugar de suceder en un sotano sadomasoquista lleno de cadenas, sudor y cuero, acontece en un palacete repleto de imaginería religiosa. Pero hay más: muchas persecuciones, peleas, diálogos intrascendentes, traficantes de cocaína, corrupción política y, sobre todo, cuñadismo de bandera española en el cinto. Todo esto y mucho más en este spin-off de Ocho apellidos vascos (Emilio Martínez-Lázaro, 2014) que tiene algún buen momento, como la incursión de los compadres en el barrio marginal. Repleta de Ranciofacts, El mundo es suyo podría tener una buena respuesta de público, pues no deja de ser un entretenimiento sin más pretensiones que el de divertir y en algún momento (menos de los que desearíamos) lo consigue.
Por nuestra parte al terminar la película tuvimos la percepción y el íntimo terror de que este tipo de elementos existen realmente. Y que podrían estar más cerca de lo que pensamos. Y eso sí que da miedo.
VAMOS DE ESTRENO (o no): Viernes 15 de junio de 2018
NO DORMIRÁS (Gustavo Hernández, 2018)
Uruguay/Argentina/España. Duración: 105 min. Guion: Juma Fodde Música: Alfonso González Aguilar Fotografía: Guillermo Nieto Productora: Pampa Films / FilmSharks International / Gloriamundi Producciones / Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA) / Bowfinger International Pictures / Tandem Films / Mother Superior / ICAA / ICAU / Tieless Media Género: Terror
Reparto: Belén Rueda, Eva De Dominici, Natalia de Molina, Germán Palacios, Eugenia Tobal, Susana Hornos, Juan Manuel Guilera, Joche Rubio, María Zabay, Miguel Angel Maciel
Sinopsis: En un hospital psiquiátrico abandonado, un grupo de teatro vanguardista experimenta con el insomnio para la preparación del montaje de una obra creada veinte años atrás por un grupo de pacientes. Con el paso de días sin dormir, alcanzan nuevos umbrales de percepción, que los enfrentan a energías e historias ocultas del lugar. Cuando Bianca (Eva De Dominici), una joven promesa del teatro, se incorpora al elenco, en competencia por el papel principal, debe sobrevivir no solo a la intensidad del trabajo y sus compañeros, sino a una fuerza desconocida que la empuja, como a los demás, al trágico desenlace de la puesta en escena original.
Belén Rueda parece haberse aficionado al cine de terror, tanto como los directores a contar con ella en sus pesadillas cinematográficas. Y es que la actriz brilla especialmente en estas producciones y particularmente aquí, en la tercera película del uruguayo Gustavo Hernández, quien ya despertó nuestro interés con su primera obra, La casa muda (2010). Tras Dios Local Hernández nos presenta una historia que bucea en las consecuencias que sufre la mente y el cuerpo por la falta de sueño durante una vigilia prolongada, en un episodio de insomnio extremo. Un guión de Juma Fodde sobre una idea del director. “El proyecto nació a raíz de una experiencia personal por algunas noches de insomnio, donde mis sentidos se pusieron más alerta y la percepción de mi entorno se volvió más aguda.”
Locura, suciedad, ambiente de pesadilla, la historia está situada en un manicomio abandonado, marco perfecto para las alucinaciones que sufrirán los personajes ante las largas horas de vigilia y algo que dará alas al director para experimentar con el terror en casas abandonadas. Algo que ya hizo, de alguna manera, en su ópera prima. Belén Rueda dirigirá en tan lúgubre lugar con mano férrea, un experimento teatral para el cual contará con un reducido número de actores, que no podrán dormir en ningún momento, dando pié a una intriga bien construida en la que se mezclarán las alucinaciones producidas por la falta de sueño, con los fantasmas del pasado; la realidad con la ficción; y en donde la locura se asomará desde los miedos atávicos de cada personaje.
Junto a Belén Rueda, destaca la presencia de las jóvenes Natalia de Molina y, sobre todo, Eva de Dominici, auténtica protagonista de la función en este reparto, mitad español, mitad argentino, que también incluye actores tan reconocidos como Germán Palacios y nos descubre un nuevo perfil de la polifacética modelo y periodista María Zabay, en su debut cinematográfico.
El éxito la precede. Estrenada el pasado mes de febrero en Argentina donde se ha convertido en todo un fenómeno de público, siendo la película “de género” de producción argentina más vista de la historia, el thriller de terror psicológico de Gustavo Hernández ha sido vendida ya en una multitud de países.
Un ejercicio de locura, actuación y destrucción repleto de claves, detalles y escondrijos. No se duerman. No pierdan detalle.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 25 de mayo *
LOS EXTRAÑOS: CACERÍA NOCTURNA (The Strangers: Prey at Night, Johannes Roberts, 2018)
USA. Duración: 85 min. Guion: Bryan Bertino, Ben Ketai Música: Adrian Johnston Fotografía: Ryan Samul Productora: Intrepid Pictures / Mandate Pictures / Relativity Studios / thefyzz Género: Terror.
Reparto: Christina Hendricks, Bailee Madison, Martin Henderson, Lewis Pullman, Leah Roberts, Emma Bellomy, Damian Maffei, Lea Enslin, Preston Sadleir
Sinopsis: Cindy (Christina Hendricks) y Mike (Martin Henderson) se embarcan en un viaje por carretera y planean pasar una temporada en un campamento de remolques antes de dejar a su problemática hija Kinsey (Bailee Madison) en un internado. Pero el viaje se ve interrumpido por la llegada de tres psicópatas enmascarados que atacan y matan sin piedad.
Sin ser excesivamente remarcable, Los extraños (The Strangers, Bryan Bertino, 2008) era una interesante propuesta de home invasion que tenía su gran baza en la perturbadora atmósfera que rodeaba todo el relato y en sus dos protagonistas, Lyb Tyler y Scott Speedman algo, sobre todo esto último, que no posee esta nueva incursión en el mundo de Dollface y Pin-Up Girl. Pero pesar de ser, en esencia, una repetición de lo que vimos en la primera cinta, Los extraños: cacería nocturna es una entretenida cinta de terror que valida el sin sentido de los asesinos y su perturbadora atmósfera, esta vez en un espacio, también solitario, pero más amplio y que ofrece más juego.
Los personajes, una familia que tiene problemas con la hija adolescente, son presentados impecablemente e incluso el director conseguirá que el espectador empatice con ellos, lo suficiente como para que se sienta interesado y afectado por sus traumáticas peripecias.
Afortunadamente el director y el guionista de esta nueva entrega de Los extraños no caerá en intentar explicar la motivación que mueve a los asesinos. O de otorgarles una personalidad. El mal sigue siendo anónimo y servirá para unir a la familia como en la primera unía a la no-pareja. El paisaje deshabitado, de casas vacías, de soledad nocturna unirá a los miembros de esa familia y les hará darse cuenta de cuánto se quieren y se necesitan y de que en el caos, tan solo se tendrán los unos a los otros.
Afortunadamente los atractivos personajes enmascarados aún no han caído en la parodia, aunque nos tememos que futuros y menos inteligentes guionistas nos bombardeen con Los extraños: el origen o cualquier estupidez similar que haga que estas tan sencillas como efectivas cintas se sumerjan en el pozo de las franquicias, de las que el cine de terror moderno tantos, como vergonzosos, ejemplos tiene.
El atractivo de Los extraños reside en la atmósfera turbadora, en los sonidos, la sensación de peligro, en el absurdo de los asesinos, su aspecto spooky y en sus asesinatos nada truculentos. En la incertidumbre y el miedo a lo desconocido, a lo raro. Y a la noche, como marco de todos los prodigios y los misterios. A lo que Los extraños: cacería nocturna añade una sobresaliente utilización de la música popular. Elemento que llegará a ser, por familiar, más turbador al introducirla en circunstancias traumáticas.
Pero también, finalmente, este juego del gato y el ratón contiene una historia de crecimiento. De emancipación y maduración. A la fuerza, eso si.
En resumen, Los extraños: cacería nocturna ofrece lo que promete: intriga, terror y sobresaltos en una digna cinta de terror que, eso sí, amenaza continuidad. Veremos.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Jueves 24 de mayo de 2018 *
HAN SOLO: UNA HISTORIA DE STAR WARS (Solo: A Star Wars Story, Ron Howard, 2018)
USA. Duración: 135 min. Guion: Lawrence Kasdan, Jon Kasdan (Personaje: George Lucas) Música: John Powell Fotografía: Bradford Young Productora: Lucasfilm / Walt Disney Pictures / Allison Shearmur Productions / Imagine Entertainment Género: Aventuras
Reparto: Alden Ehrenreich, Emilia Clarke, Donald Glover, Woody Harrelson, Thandie Newton,Phoebe Waller-Bridge, Warwick Davis, Clint Howard, Paul Bettany, Richard Dixon,Joonas Suotamo, Sarah-Stephanie, Deepak Anand, Slim Khezri, Ian Kenny,Douglas Robson, Omar Alboukharey, Sean Gislingham, Nathaniel Lonsdale
Sinopsis: Precuela de la saga Star Wars, en la que se conocerán los primeros pasos que dio el personaje de Han Solo, desde joven hasta convertirse en el antihéroe que vimos en «Una nueva esperanza». A través de una serie de aventuras en un submundo criminal oscuro y peligroso, Han Solo se hace amigo de su futuro copiloto Chewbacca y conoce al conocido jugador Lando Calrissian, en un viaje que marcará el camino de uno de los héroes más improbables de la saga de Star Wars tras encontrase con Luke y Obi-Wan en la cantina de Mos Eisley.
Aunque precedida por tibias, cuando no pésimas, críticas provenientes de Cannes, Han Solo es, en nuestra opinión, una buena cinta de aventuras que para resultar comercial en este mundo de franquicias ha tenido que adscribirse al universo Star Wars. Porque Han Solo: Una historia de Star Wars es una cinta de aventuras clásica, con humor, amor, compañerismo y un protagonista guapo y canalla que se esfuerza en no ser héroe que funcionaría igual de bien de no tener el sello Star Wars.
Repleta de seres increíbles y menos puntos de conexión con el universo galáctico que Rogue One (Gareth Edwards, 2016), la película se reviste, en su primera parte, de una estética muy años 70, es decir, viaja al pasado para representar el futuro, muy años 70, que mostraba la cinta inaugural de la saga, con la que conectará directamente. Veremos el encuentro con el entrañable Chewbacca y como le ganará a Lando Calrissian la nave más querida de la saga: el Halcón Milenario. Pero también se llenará la pantalla con mucha chatarra espacial, persecuciones, piratas, saqueadores, y emocionantes sorpresas así que ¿Quién pide más? Es, ni más (ni menos), que una película de aventuras.
Al igual que La Guerra de las Galaxias de 1977, Han Solo: Una historia de Star Wars recurre a claves de otros géneros como el Western y el cine bélico, en este caso sumergiéndonos en aquella Gran Guerra de trincheras, un batiburrillo que cuenta con un actor, Alden Ehrenreich, que da el pego como joven Solo y una Emilia Clarke que ya nos llamó la poderosamente la atención en Terminator: Génesis (Terminator: Genisys, Alan Taylor, 2015) y que los fans de Juego de Tronos reconocerán perfectamente. Para los más veteranos de la platea, la película cuenta también con Woody Harrelson y la participación, una vez más, de Warwick Davis, el pequeño gran actor que ha participado en varias entregas de la saga encarnando, de momento, siempre a diferentes personajes.
Conclusión: una ocasión de pasar un buen rato con una cinta de aventuras con regusto (y no lo digo peyorativamente) de Serie B que, pertenezca o no a la saga Star Wars, sabe como entretener y hacer que más de dos horas de duración se nos pasen en un soplo manteniendo al espectador pendiente de la pantalla y con una leve sonrisa en el semblante. Fantasía, evasión. Cine, ya saben.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 19 de mayo de 2018 *
DEADPOOL 2 (David Leitch, 2018)
USA. Duración: 111 min. Guion: Rhett Reese, Paul Wernick, Ryan Reynolds (Cómic: Rob Liefeld, Fabian Nicieza) Música: Tyler Bates Fotografía: Jonathan Sela Productora: Marvel Entertainment / 20th Century-Fox / Donners’ Company / Kinberg Genre Género: Comedia
Reparto: Ryan Reynolds, Zazie Beetz, Josh Brolin, Morena Baccarin, T.J. Miller, Karan Soni,Brianna Hildebrand, Leslie Uggams, Jack Kesy, Julian Dennison, Eddie Marsan,Lewis Tan, Bill Skarsgård, Rob Delaney, Terry Crews, Shiori Kutsuna, Hayley Sales,Luke Roessler, Scott Vickaryous, Tanis Dolman, Nikolai Witschl, Andréa Vawda
Sinopsis: Wade Wilson (Ryan Reynolds), el mutante conocido como Deadpool y el antihéroe más gamberro de Marvel tiene que vérselas esta vez con Cable (Josh Brolin), un cyborg venido del futuro que quiere eliminar a un mutante de 14 años llamado Russell (Julian Dennison). Para salvar al joven, el desvergonzado mutante decide montar un hiper-mega escuadrón al que, por toda la cara, va a llamar X-Force. En este escuadrón estarán Domino (Zazie Beetz), Estrella Rota (Lewis Tan), Negasonic (Brianna Hildebrand), Zeitgeist (Bill Skarsgård), Yukio (Shioli Kutsuna), Coloso (Stefan Kapicic) y Bedlam (Terry Crews).
Fox ha dejado, muy juiciosamente, un tiempo prudencial entre la primera entrega y esta segunda aventura de Deadpool. El suficiente como para que apetezca, y mucho, tomar una nueva ración de parodia desmadrada del mundo superheroico (cómic y cine) en particular y del mundo en general. Deadpool es un Spiderman desatado, exagerado hasta la extenuación que como aquel, en sus mejores tiempos, no se toma nada demasiado en serio. Empezando por si mismo.
Violencia gratuita, gore, explosiones, puñetazos dolorosos y destrucción. Pero no teman, todo en disparatada clave de cartoon y como tal repleto de humor, mucho humor. Así que no se hagan cruces las cabezas pensantes de la moral. Es todo bastante inofensivo. Si a esta fórmula añadimos mutantes (no vamos a decirles cuantos ni quienes para no chafarles sorpresas), y la comunicación con el espectador que caracteriza al personaje, tenemos un espectáculo de lo más entretenido y divertido. Con un tono paródico que se extiende incluso hacia Cable, otro de los personajes Marvel que ya en su versión de papel no era más que un remedo de Terminator. Interpretado por un Josh Brolin que parece haberle tomado gusto al tema de los superhéroes, como atestigua su papel como el mismísimo Thanos en Vengadores: Infinity War, no será la última vez que lo vean, tanto en Vengadores como en este resto de Universo Marvel, pues está anunciada una nueve entrega, esta vez, con toda la X-Force.
Por cierto, Stan Lee sale, sí, pero de una manera muy especial. Busquen, busquen… Y quizás no sea necesario, pero les recomendamos encarecidamente que vean las dos (2) importantes escenas post créditos.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 11 de mayo de 2018 *
LA MUJER QUE SABÍA LEER (Le semeur, Marine Francen, 2017)
Francia. Duración: 98 min. Guion: Marine Francen, Jacqueline Surchat, Jacques Fieschi Música: Frédéric Vercheval Fotografía: Alain Duplantier Productora: Les Films du Worso Género: Drama
Reparto: Géraldine Pailhas, Pauline Burlet, Iliana Zabeth, Alban Lenoir, Françoise Lebrun
Sinopsis: Violette (Pauline Burlet) está en edad de casarse cuando en 1852, en las montañas francesas, su pueblo es brutalmente privado de todos sus hombres tras la represión ordenada por Napoleón III. Las mujeres pasan meses en aislamiento total. Desesperadas por volver a ver a sus hombres de nuevo, hacen un juramento: si aparece un hombre, tendrán que compartirlo.
La mujer que sabía leer refleja perfectamente el papel de la mujer en el mundo rural, en el que a pesar de ser el miembro fuerte de la unión y llevar las riendas del hogar, concede y acepta el papel del varón como cabeza de familia. También muestra, de manera muy natural el deseo femenino. En contraste con el viejo dicho de que en tiempo de guerra todo vale que tantas veces hemos visto protagonizado por hombres, aquí será un núcleo femenino el que tome la iniciativa para solaz y perpetuación del grupo.
La joven protagonista, interpretada de manera muy delicada por Pauline Burlet, deberá aceptar una doble responsabilidad, primero ante la comunidad ya que pese a ser la escogida por el joven que llegará a ese pueblo sin hombres, deberá renunciar al amor y a la exclusividad por el bien del grupo; y también ocupando su lugar como la única mujer del lugar que sabe leer, difundiendo el conocimiento con los niños.
Con una banda sonora que prescinde de partitura compuesta por la melodía que producen los trabajos de la siega, los insectos, los pasos y la lengua francesa -sería un crimen no verla en versión original- el film cuenta, además, con un magnífico diseño de producción y una iluminación naturalista que en algunos momentos transforma la pantalla en un lienzo de Van Gogh o de Vermeer.
Esta delicia para los sentidos supone el debut de Marine Francen, que ha sido asistente de dirección de Michael Haneke y Olivier Assayas y ganó el Premio Kutxabank- Nuev@s director@s en la pasada edición del Festival de San Sebastián.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 27 de abril *
VENGADORES: INFINITY WAR (Anthony Russo, Joe Russo, 2017)
USA. Duración:156 min. Guion: Christopher Markus, Stephen McFeely (Cómic: Jack Kirby, Jim Starlin) Música: Alan Silvestri Fotografía: Trent Opaloch Productora: Marvel Studios Género: Acción
Reparto: Robert Downey Jr., Chris Hemsworth, Benedict Cumberbatch, Chris Evans, Mark Ruffalo, Scarlett Johansson, Chris Pratt, Tom Holland, Josh Brolin,Elizabeth Olsen, Chadwick Boseman, Pom Klementieff, Terry Notary, Dave Bautista,Karen Gillan, Tessa Thompson, Zoe Saldana, Gwyneth Paltrow, Tom Hiddleston,Cobie Smulders, Paul Bettany, Sebastian Stan, Peter Dinklage, Samuel L. Jackson,Benicio del Toro, Danai Gurira, Benedict Wong, Anthony Mackie, Don Cheadle,Idris Elba, Vin Diesel, Bradley Cooper, William Hurt
Sinopsis: El todopoderoso Thanos (Josh Brolin) ha despertado con la promesa de arrasar con todo a su paso, portando el Guantelete del Infinito, que le confiere un poder incalculable. Los únicos capaces de pararle los pies son los Vengadores y el resto de superhéroes de la galaxia, que deberán estar dispuestos a sacrificarlo todo por un bien mayor. Capitán América (Chris Evans) e Ironman (Robert Downey Jr.) deberán limar sus diferencias, Black Panther (Chadwick Boseman) apoyará con sus tropas desde Wakanda, Thor (Chris Hemsworth) y los Guardianes de la Galaxia e incluso Spider-Man (Tom Holland) se unirán antes de que los planes de devastación y ruina pongan fin al universo. ¿Serán capaces de frenar el avance del titán del caos?
Dice mi cuñado que sobramos la mitad, que somos muchos y por eso no hay ya para todos. Y eso, a grandes rasgos, es lo mismo que piensa el villano –notanvillano– Thanos, pues la experiencia sufrida en su propio planeta le lleva a, por medio del poder que le da el Guantelete del Infinito, querer reducir a la mitad la población de los mundos que invade. Esa es también su, vista a veces la actitud de ciertos individuos, loable intención cuando llega a la Tierra. Para evitarlo deberán olvidar viejas rencillas y diferencias surgidas de Civil War y reunirse todos los héroes del universo Marvel. O al menos todos cuyos derechos están en poder actualmente de Disney.
He de admitir que cuando leí la saga original creada por Jim Starlin, que publicó Marvel hace ya unos años, personalmente me pareció un tostón de proporciones cósmicas, algo que con la película que en ella se ha basado no sucede: Vengandores: Infinity War es una cinta muy entretenida, divertida y emocionante. Un espectáculo para todo Marvel fan, por supuesto, pero también para todo aquel que se meta en el cine para ver un espectáculo cinematográfico de pura evasión con muchas gotas de Ciencia-Ficción, acción equilibrada y subtramas interesantes que terminarán encontrándose en un único escenario.
Los lectores de cómics Marvel de toda la vida la adorarán por el respeto que guarda con los personajes originales, por los guiños a sus aventuras en papel y por hablar el mismo lenguaje que pueden encontrar en los cómic books. Además de por ser toda una juerga en la que no falta nadie.
No vamos a desvelarles nada y harán bien de no leer mucho sobre la película. Tan solo les avisamos de que, aunque se hace esperar, hay escena post créditos. Estrenada este fin de semana en España en 975 pantallas, Vengadores: Infinity War está llamada a batir records. Y si hay que ponerle un pero deberíamos ponerlo en su, en nuestra opinión, excesiva duración. Lo mucho, aunque nos guste, empalaga.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 20 de abril de 2018 *
UN LUGAR TRANQUILO (A Quiet Place, John Krasinski, 2018)
USA. Duración: 95 min. Guion: Scott Beck, John Krasinski, Bryan Woods (Historia: Bryan Woods, Scott Beck) Música: Marco Beltrami Fotografía: Charlotte Bruus Christensen Productora: Platinum Dunes / Sunday Night. Distribuida por Paramount Pictures Género: Terror
Reparto: John Krasinski, Emily Blunt, Noah Jupe, Millicent Simmonds, Cade Woodward,Evangelina Cavoli, Ezekiel Cavoli, Doris McCarthy
Sinopsis: Sigue la historia de una familia que vive en una casa en el bosque y que trata de sobrevivir en silencio amenazados por misteriosas criaturas que intentan eliminarles guiadas por el sonido. Si no te escuchan, no pueden cazarte.
Un lugar tranquilo es un impecable y atípico ejercicio de intriga. Muy diferente, si no en el fondo, sí en la forma, pues si bien lo que nos cuenta ya lo hemos visto infinidad de veces, lo novedoso se encuentra en cómo se nos narra. La historia es poco más que una excusa, un Mcguffin que servirá para que Krasinski nos lleve a este intrigante universo mudo del que cuanto menos sepan, tanto mejor, pues la intención del director y guionista es que el espectador viva la extrañeza y vaya descubriendo, progresivamente, el motivo de este silencioso paisaje posapocalíptico en el cual conviven sus escasos personajes.
El espectador que escoja sumergirse en Un lugar tranquilo se contagiará de la acción. Se moverá sigilosamente como los protagonistas, evitará hacer ruido al masticar las palomitas y, si no tiene cerca a ningún indeseable con móvil, vivirá la película con el corazón en un puño.
John Krasinski, protagonista y director de la cinta, vuelve a utilizar las relaciones de familia como eje temático de la acción, como ya hiciera en su anterior película, Los Hollar (2016), pero desde un género totalmente diferente a aquella volviendo a demostrar que no hacen falta grandes presupuestos ni inversiones millonarias en efectos especiales, excusas muy socorridas por directores torpes, para conseguir sumir al espectador, durante su ideal hora y media de duración, en una sencilla y humilde, pero muy efectiva intriga.
ISLA DE PERROS (Isle of Dogs, Wes Anderson, 2018)
- USA. Duración: 101 min. Guion:Wes Anderson (Historia: Wes Anderson, Roman Coppola, Kunichi Nomura, Jason Schwartzman) Música: Alexandre Desplat Fotografía: Tristan Oliver Productora: American Empirical Pictures / Indian Paintbrush / Scott Rudin Productions / Studio Babelsberg Género: Fantástico
Reparto (en su versión original): Scarlett Johansson, Bryan Cranston, Tilda Swinton, Edward Norton, Bill Murray, Yoko Ono, Harvey Keitel, Frances McDormand.
- Sinopsis: El archipiélago japonés dentro de veinte años. Un brote de fiebre canina se propaga por la ciudad de Megasaki. La gripe canina amenaza ahora con infectar a las personas. El alcalde Kobayashi de la Prefectura Uni dicta la expulsión y cuarentena de todos los canes, tanto callejeros como domésticos. Por decreto oficial, la Isla Basura se convierte en la isla del exilio. La Isla de perros.
- Seis meses después, una avioneta de un solo motor impacta en la isla. Una pandilla de cinco canes hambrientos pero resueltos descubren al piloto de doce años de edad deambulando desorientado entre los restos calcinados de la nave. Se trata del joven Atari, el pupilo del alcalde Kobayashi. Con la ayuda de sus nuevos amigos perrunos, Atari emprende la búsqueda de su perro, Spots – y entretanto expone una conspiración que amenaza con acabar con todos los perros de Megasaki de una vez y por todas.
- Premios: Festival de Berlín: Mejor director 2018
Tras inaugurar el Festival de Berlín, donde fue recibida de manera un tanto tibia, por fin tenemos ocasión de disfrutar en nuestras pantallas de este hermoso delirio visual. Todo un goce para los sentidos con el que Wes Anderson nos asoma, en la que es su novena cinta y segunda de animación, a un universo en el que texturas cyberpunk se funden con leyendas ancestrales, algo que Alexandre Desplat traslada a la partitura, combinando música industrial con folklore japonés en el que prima la percusión.
“Queríamos hacer algo medio futurista, y se nos ocurrió la idea de una película en torno a los perros. Siempre me han llamado la atención los perros que viven entre los vertederos, la construcción de un mundo a partir de perros abandonados como telón de fondo” , explica Anderson. «El contexto japonés se debe a que queríamos hacer algo realizado con su cine. Quiero decir, que todos amamos Japón, y queríamos hacer algo realmente inspirado por las películas japonesas, por lo que acabamos mezclando la peli de perros con el elemento japonés. A nuestro modo de ver las referencias abarcan todo un abanico de realizadores japoneses, a la vez que celebran la cultura japonesa, pero sin duda la mayor influencia cinematográfica se debe a Kurosawa”
Combinación de stop-motion y animación digital, Wes Anderson consigue dotar a sus personajes, caninos en su mayoría, de una gran personalidad y humanidad. De hecho, la evolución centenaria de la animación stop-motion ha sido mucho más creativa que técnica. Poco ha cambiado en su esencia. Mediante cámaras digitales y ordenadores el proceso es más fluido, pero sigue siendo cuestión de rodar movimientos minúsculos de objetos tridimensionales fotograma a fotograma, en un proceso meticuloso que sin embargo genera vida palpable. Por lo que los grandes cambios se deben más al contenido, a la clase de historias que se cuentan, llevando la imaginación humana al límite.
Al tono lúgubre y casi apocalíptico de la narración, el director y guionista sabe añadir humor, ternura y una evidente denuncia ecológica, criticando cómo somos capaces de dar la espalda a lo que ya nos ha dejado de ser útil, desterrándolo en una isla. En un vertedero. Ya sean objetos o seres vivos. Como comenta Jeremy Dawson, productor del filme, “Isla de perros tiene comedia, drama, pero también el gran alcance de una travesía épica. Queríamos esa amplitud de mira, el alcance y aventura de las películas de los samuráis. Es una gran película en todos los sentidos, pero sus temas son básicos y sencillos, con los que todo espectador podrá identificarse”.
Para Serendipia, Isla de perros es una de las más lúcidas e inteligentes propuestas cinematográficas de este año. No apta para menores, pues hablamos de animación para adultos, y especialmente indicada para los que preferimos el cariño de la compañía canina a la indiferencia felina.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 13 de abril de 2018
ALMA MATER (Insyriated, Philippe Van Leeuw, 2017)
- Bélgica. Duración: 87 min. Guion: Philippe Van Leeuw Música: Jean-Luc Fafchamps Fotografía: Virginie Surdej Productora: Altitude 100 Production / Liaison Cinématographique Género: Drama
- Reparto: Hiam Abbass, Diamand Bou Abboud, Juliette Navis, Mohsen Abbas
- Premios:
-
2017: Festival de Berlín: Premio del Público (Sección Panorama)2017: Festival de Copenhague: Premio del Público2017: Festival de Sevilla: Premio del Público
- Sinopsis: Oum Yazan (Hiam Abbass) es madre de tres hijos. La familia resiste escondida en su piso en una ciudad de Siria. Con coraje, se organizan cada día para continuar viviendo a pesar de las penurias y el peligro, y, por solidaridad, acogen a Halima y Karim, una pareja de vecinos y su recién nacido. Dudando entre huir o quedarse, afrontan el día a día con esperanza. Una mañana, Karim sale de casa y suena un disparo.
Surtsey Films sigue apostando por distribuir en nuestras salas un cine arriesgado y necesario, como es el caso de Alma Mater, una película que muestra otra cara de los conflictos bélicos. Aunque su acción está situada en Siria, su argumento y protagonistas servirían igual para cualquier guerra, pues Alma Mater nos habla de la cotidianidad, de lo importante que es mantenerla aunque haya sido destruída. De como la determinación femenina es capaz de hacer que, en medio de tiroteos con el sonido de sirenas y bombas como fondo, se mantenga el orden y la disciplina cotidiana para evitar perder la cordura en medio de la locura.
La acción se desarrolla en el claustrofóbico piso en el que mujeres y niños están confinados. Un microcosmos que obedece a una jerarquía en cuya cima se encuentra Oum (Hiam Abbass), la madre, que no quiere abandonar su hogar. Protectora y severa. Dulce y fuerte. Frágil en la intimidad. Mientras en el exterior acechan francotiradores y explosiones, algunas muy cercanas.
Una realidad de visillos corridos, de pasillos oscuros, de racionamiento, de lágrimas que el director nos muestra siguiendo, a veces, a los personajes, de una habitación a otra, de un universo a otro. De una generación a otra. Y sin olvidar el terror, el auténtico terror. Desolador.
Lo mejor y lo peor del ser humano se muestra en un solo día, lo que dura la acción de Alma Mater. Un día en el que se busca la monotonía, pero durante el que todo puede cambiar. Todo se puede acabar.
PROYECTO RAMPAGE (Rampage, Brad Peyton, 2018)
USA Duración: 107 min. Guion: Ryan Engle, Ryan Condal, Carlton Cuse Música: Andrew Lockington Fotografía: Jaron Presant Productora: New Line Cinema / Wrigley Pictures Género: Acción
Reparto: Dwayne «The Rock» Johnson, Jeffrey Dean Morgan, Malin Akerman,Joe Manganiello, Naomie Harris, Marley Shelton, Jake Lacy, Jack Quaid,Breanne Hill, Matt Gerald, P.J. Byrne, Destiny Lopez, Jason Liles, James Sterling,Michael David Yuhl, Allyssa Brooke, Daniel Craig Baker, Anthony Collins,Laura Distin, Giota Trakas, Mac Wells, Pete Burris, Brad Spiers
Sinopsis: El primatólogo Davis Okoye (Johnson), un hombre que mantiene las distancias con otras personas, tiene un sólido vínculo con George, el extraordinariamente inteligente gorila de espalda plateada al que ha estado cuidando desde que nació. Pero cuando un experimento genético sale mal, este apacible simio se convierte en una enorme y embravecida criatura. Para empeorar más las cosas, pronto se descubre que existen otros animales con la misma alteración. Cuando estos depredadores alfa recién creados arrasan Norteamérica destruyendo todo lo que interpone en su camino, Okoye se une a un ingeniero genético sin prestigio para conseguir un antídoto y se abre paso en un cambiante campo de batalla, no solo para frenar una catástrofe mundial sino para salvar a la aterradora criatura que una vez fue su amigo.
De
nuevo un video juego adaptado a la pantalla cinematográfica y de manera que no engaña a nadie: un culturista y simpático héroe de acción se las tendrá que ver con tres animales mutantes gigantes que, enloquecidos, pisotearán Chicago ¿Conseguirá nuestro héroe detenerlos?: pues claro ¿Qué esperaban? pero no sin antes ofrecer un espectáculo en el que primará la acción, sazonada con unas gotas de ciencia-ficción y pequeñas dosis de horror y humor, dando como resultado una entretenida película que si peca de algo es de resultar un tanto desmesurada en su -agotadora- conclusión.
Dwayne «The Rock» Johnson es un tipo que no cae especialmente mal, sobre todo por dar la sensación de no tomarse demasiado en serio a sí mismo, algo sano y que, si bien funcionó mejor en la reciente adaptación de Jumanji, también lo hace aquí. La cinta cuenta, además, con el esperado despiporre de teconología digital. Pero es que ha pasado mucho tiempo desde que Bob Burns, entre otros, vivía de alquilarse, él y su traje de gorila, para el cine. Es necesario hacer creíble al gorila albino del filme, pieza fundamental en el mismo, y eso es algo que se consigue sobradamente en Proyecto Rampage.
Así que lo que esta cinta nos propone es puro entretenimiento a base de tipos duros, personajes arquetipos, monstruos mutantes gigantes, oscuros intereses comerciales (los malos de la función) y mucha, mucha acción. Y bien enhebrada con dosis de Kaiju Eiga y notorios pantallazos al más inmortal mono gigante que ha dado el cine, pero con la diferencia de que en lugar de bella, lo que tenemos es una historia de colegueo entre orila gigante y cuidador, con chistes privados incluídos.
LA CASA TORCIDA (Crooked House, Gilles Paquet-Brenner, 2017)
Reparto: Glenn Close, Terence Stamp, Christina Hendricks, Gillian Anderson, Max Irons,Stefanie Martini, Amanda Abbington, Julian Sands, John Heffernan,Roger Ashton-Griffiths, Christian McKay, Honor Kneafsey, Preston Nyman,Jenny Galloway, David Cann
UK Duración: 115 min. Guion: Julian Fellowes (Novela: Agatha Christie) Música: Hugo de Chaire Fotografía: Sebastian Winterø Productora: Brilliant Films / Fred Films Género: Intriga
Sinopsis: Tras la muerte del adinerado patriarca griego Aristide Leónides en extrañas circunstancias, su nieta Sophia (Stefanie Martini) acude desesperada a Charles Hayward (Max Irons), un detective privado con el que mantuvo una relación, para que visite la residencia familiar e investigue el caso. Allí le esperan tres generaciones de la multimillonaria dinastía Leónides y un venenoso ambiente cargado de amargura, resentimiento y envidia. Las pistas y motivos hacen pensar que cualquiera podría ser sospechoso del crimen y Charles deberá trabajar a contrarreloj para descubrir al asesino antes de que vuelva a matar.
Agatha Christie, autora de algunas de las novelas de misterio más famosas de la Historia de la Literatura como Asesinato en el Orient Express, Diez Negritos o Muerte en el Nilo, presenta en esta intrigante historia a una familia envenenada por sus propias mentiras y retorcidas conspiraciones. Agatha Christie afirmó que “escribir La casa torcida fue un placer de principio a fin, y me atrevo a decir que es una de mis mejores obras”. Booket (Planeta) lanzará la versión de bolsillo de la novela el próximo 5 de abril.
El director francés Gilles Paquet-Brenner, ganador del premio al mejor director por La llave de Sarah en el Festival Internacional de Cine de Tokyo, es el encargado de dirigir el guion adaptado por el escritor y guionista Julian Fellowes, ganador del Oscar por Gosford Park y creador de la serie Downton Abbey.
LA CASA TORCIDA está protagonizada por la nominada seis veces a los premios Oscar y ganadora de dos Globos de Oro Glenn Close, la ganadora de un Globo de Oro Gillian Anderson («Expediente X», «The Fall»), la nominada a seis premios Emmy Christina Hendricks (“Mad Men”), Max Irons (The Host) y Stefanie Martini (“Doctor Thorne”) entre otros.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 6 de abril de 2018 *
VERANO DE UNA FAMILIA DE TOKIO (Kazoku wa tsuraiyo 2, Yôji Yamada, 2017)
Japón. Duración: 113 min. Guion: Emiko Hiramatsu, Yôji Yamada Música: Joe Hisaishi Fotografía: Masashi Chikamori Productora: GyaO/Hakuhodo DY Media Partners / Hakuhodo / Kinoshita Komuten / Kôdansha / Yomiuri Shimbun / Shochiku Company / Sumitomo Corporation Género: Comedia
Reparto: Satoshi Tsumabuki, Yû Aoi, Kazuko Yoshiyuki, Yui Natsukawa, Isao Hashizume,Takashi Sasano, Masahiko Nishimura, Jun Fubuki, Nenji Kobayashi,Tomoko Nakajima, Yuriko Hirooka, Kôen Kondô, Tsurube Shôfukutei,Fujita Okamoto, Katsumi Kiba, Shôzô Hayashiya, Jiro Dan, Masayasu Kitayama,Yûki Tokunaga, Ayumu Maruyama, Takanosuke Nakamura
Sinopsis: Mientras su mujer viaja con unas amigas para ver la aurora boreal, el abuelo aprovecha para retomar antiguas amistades y rememorar viejos tiempos. Después de un pequeño accidente de circulación sin importancia se desatará el caos en la familia Hirata. Sus hijos se reunirán para intentar que deje de conducir pero el abuelo no se lo pondrá fácil. Así que con la ayuda de su mujer y de sus hermanos organizan un plan para quitarle el carnet de conducir. Pero alguien reaparece en la vida de Shuzo.
Yôji Yamada es su veterano director japonés de prolongada carrera cinematográfica que, tan solo durante este siglo, ha dejado algunas muy interesantes piezas como son Nagasaki: Recuerdos de mi hijo (Haha to kuraseba, 2015) o La casa del tejado rojo (Chiisai Ouchi, 2014), dos magníficos ejemplos de la sensibilidad que este director es capaz de ofrecer en su obra. Amigo también de dirigir largas series (cuenta con una que consta de… ¡46 largometrajes!), realizó en 2016 Maravillosa familia de Tokio, (Kazoku wa tsuraiyo) cinta en la que reunía a los 8 actores de Una familia de Tokio (Tokyo kazoku), ganadora de la Espiga de Oro en Valladolid en 2013, esta vez encarnando a la caótica familia Hirata, que si bien resulta agradable, por su argumento, e incluso por la interpretación del abuelo, su gran protagonista, nos vuelve a retrotraer a los ejemplos más infames de las comedias protagonizadas por Paco Martínez Soria. En todo caso resulta más interesante que la anterior por contener pequeñas dosis de crítica social, por los pintorescos usos y costumbres funerarias japonesas, que dan pié a un agradecido humor negro, y por carecer de los desagradables tonos sexistas que tenía Maravillosa familia de Tokio.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Jueves 29 de marzo de 2018 *
UNA RAZÓN BRILLANTE (LE BRIO) (Yvan Attal, 2017)
Francia. Duración: 95 min. Música: Michael Brook Fotografía: Rémy Chevrin Productora: Chapter 2 / France 2 Cinema / Moonshaker / Nexus Factory / Pathé Productions Ltd / Umedia Género: Comedia dramática
Reparto: Daniel Auteuil, Yasin Houicha, Camélia Jordana, Nozha Khouadra, Jean-Baptiste Lafarge, Virgil Leclaire.
Sinopsis: Neïla Salah (Camélia Jordana) es una joven del extrarradio parisino que sueña con ser abogada. Se ha matriculado en la facultad de Derecho más importante de París, pero el primer día de clase Neïla tiene un enfrentamiento con Pierre Mazard (Daniel Auteuil), un profesor conocido por ser provocativo y por hablar fuera de tono. Para redimirse y por orden del director del centro, se le propone al profesor que ayude a Neïla a preparar una importante prueba a nivel nacional. Aunque cínico y exigente, Pierre sería la ayuda ideal que Neïla está necesitando… Pero para ello tendrán que empezar los dos por superar una serie de prejuicios.
El coronel Pickering da el mismo trato distinguido a una florista que a una dama, el amigo de Henry Higgins es también su antítesis, porque Higgins también trata igual a una dama que a una florista, pero en su caso la equivalencia viene porque se dirige a ambas con la misma desconsideración. Higgins es un cínico que parece rayar casi la misantropía, sin embargo Liza Doolitle no hubiera podido tener mejor profesor porque su hacer desconsiderado esconde, en verdad, un concepto democrático de la educación, todos pueden alcanzar gracias a ella el mismo status. Si traigo a colación los personajes de Bernard Shaw, es porque su espíritu sobrevuela el trabajo de Yvan Attal, Una razón brillante puede ser vista como una revisión del mito de Pigmalion, nos encontramos con una joven arrabalera con una intensa voluntad de superación que topará en su camino con un hosco profesor que, pese a su cinismo y sus maneras hirientes (o quizás gracias a ello), sacará de ella lo mejor de sí misma.
Estamos ante un filme donde lo que más brilla son los caracteres que definen a sus personajes y la química que destila su interacción, una cinta de réplicas ágiles e ingeniosas, con una cámara entregada al duelo de sus protagonistas en el que sus interpretes lucen radiantes dando su mejor registro. En una película de este cariz el papel de los actores es fundamental y no se podría haber contado con mejor pareja que la que forman el veterano Daniel Auteuil y la joven cantante Camelia Jordana, que recibiría por su trabajo en esta película el Cesar a la Mejor Actriz Revelación. ¿Qué decir de Auteuil? Nada parece fuera de su alcance, es uno de esos actores capaces de abordar todo tipo de rol, en sus manos el cínico Pierre Mazard se manifiesta como un hombre sagaz, de inteligencia sobresaliente, que, sin embargo, es incapaz de relacionarse con los demás sin esa máscara de sarcasmo, sin ese tono despectivo de quien parece creer estar por encima de los demás, pero lo mejor de su interpretación es que el actor sabe hacernos notar que bajo su mordacidad se esconde un alma sensible que, en verdad, adopta esa postura casi como protección. Pierre Mazard encuentra en Neïla Salah su horma, la joven no conoce el desaliento ni se deja anular, la brusquedad del profesor parece estimularla y tiene siempre preparada la contraofensiva. Jordana ofrece una interpretación llena de matices, el suyo es uno de esos trabajos en el que la actriz desaparece detrás del personaje estando, como está, tan presente su arte.
Tampoco falta la tesis en Una razón brillante. El suyo es un mensaje optimista pues nos dice que, pese a todas las cortapisas que ponen los prejuicios, pese al peso del ambiente, nada está predeterminado, nada condiciona de tal modo que no podamos salir del puesto en el que parecía habernos colocado la parrilla de salida. La idea que se afirma con convicción es que la educación siempre será capaz de cambiar nuestro destino.
EL JUSTICIERO (Death Wish, Eli Roth, 2018)
USA. Duración: 107 min. Guion: Joe Carnahan, Wendell Mayes (Novela: Brian Garfield) Música: Ludwig Göransson Fotografía: Rogier Stoffers Productora: MGM / Cave 76. Distribuida por Annapurna Pictures Género: Acción
Reparto: Bruce Willis, Vincent D’Onofrio, Elisabeth Shue, Dean Norris, Kimberly Elise,Beau Knapp, Mike Epps, Jack Kesy, Ronnie Gene Blevins, Ian Matthews,Melantha Blackthorne, Nathaly Thibault, Alex Zelenka, Sway, Dawn Ford
Sinopsis: Paul Kersey (Bruce Willis) es un famoso cirujano que vive felizmente con su familia en Chicago. Un día, su esposa (Elisabeth Shue) y su hija (Camila Morrone) son brutalmente atacadas en su casa. Paul, que siempre había sido un tipo tranquilo, siente cómo la sed de venganza va apoderándose de él. Con la policía sobrecargada de crímenes, decide tomar la justicia por su mano e ir en busca de los agresores de su familia y de paso enfrentarse a todo tipo de criminales que se cruzan en su camino.
A medida que sus víctimas captan la atención de los medios, la ciudad se pregunta si este vengador es un ángel guardián… o un ángel justiciero.
Charles Bronson hacía, allá por los setenta, lo que a muchos nos hubiera gustado hacerle al abusón del colegio en El justiciero de la ciudad (Death Wish, Michael Winner, 1974), una película áspera y dura que con posterioridad fue tachada de fascista. En la cinta, Paul Kersey, el personaje que interpretaba Bronson con una inexpresividad que le iba de perlas, encarnaba a un arquitecto muy cabal que deja de serlo cuando unos ladrones matan a su mujer. Como el sistema no hace justicia, decide hacerla él mismo, cargándose, de paso, a cuanto pendenciero se cruza en su camino.
Bastante más tarde llegaron varias secuelas de la original, así como copias, muchas copias, las cuales fueron a parar directamente a los estantes de los videoclubs… hasta ahora, que el bueno de Eli Roth se atreve a meterle mano a esta historia. Y bajo nuestro punto de vista lo ha hecho de forma bastante inteligente, pues ha actualizado la forma, que no el fondo, adaptándola a estos tiempos de telefonía móvil, cámaras omnipresentes y compra-venta libre de armas. Sin tomar partido, Roth nos narra la historia, le pone unas gotas de humor, sobre todo en ese gore descarnado, poco, pero bienvenido, ideal para desengrasar el drama, y nos cuenta, de la mano del simpático y siempre eficaz Bruce Willis, una historia de venganza que muchos tacharán de reaccionaria, más que nada porque ya se escribió en su momento en algún sitio y es tradición en estos tiempos copiar-pegar lo que otro dicen.
A Serendipia le ha parecido una propuesta hasta saludable, y más en estos tiempos injustos en los que ladrones con acta de diputado dilapidan las arcas del Estado, dando la sensación de que cuanto más roban menos tiempo se pasan en presidio (si lo llegan a pisar), mientras enarbolan la bandera de la cadena perpetua, perdón, prisión permanente revisable para los delitos de sangre.
Además de Bruce Willis, Vincent D’Onofrio (Los siete magníficos), Elisabeth Shue (Leaving Las Vegas), Camila Morrone, Dean Norris (Breaking Bad) y Kimberly Elise (El gran debate), completan el reparto. Una propuesta ideal para los que pasarán este Vía Crucis en su ciudad.
EL CLUB DE LOS BUENOS INFIELES (Luis Segura, 2018)
España. Duración: 85 min. Guion: Luis Segura Música: Maikmaier Fotografía: Miquel Prohens Productora: WKND / Casual Films / Escándalo Films
Reparto: Fele Martínez, Jordi Vilches, Hovik Keuchkerian, Raúl Fernández, Eszter Tompa,Juan Manuel Cifuentes, Albert Ribalta, Adrián Lastra
El Club de los buenos infieles representa un soplo de aire fresco en estos tiempo de corrección política. Se trata de una muy saludable comedia, una gran broma que provocará críticas encendidas entre ciertos sectores. Y, tan solo es, repetimos, una comedia. Una gamberrada muy bien dirigida con estructura de falso documental que consigue sobradamente su objetivo, entretener y, sobre todo, resultar divertida. Aunque sin ocultar cierto regusto amargo, pues toda broma, toda burla, oculta tras de sí una gran verdad.
Todos los actores del elenco se mueven como pez en el agua durante la narración, pero como es habitual, es Jordi Vilches, con su innegable vis cómica, el que despierta más risas. La comedia está interpretada, además, por Raúl Fernández de Pablo, Hovik Keuchkerian, Juanma Cifuentes, Albert Ribalta y Fele Martínez, que realiza una eficaz nueva lectura de la escena más famosa de Cuando Harry encontró a Sally (When Harry Met Sally…, Rob Reyner, 1989).
Esta especie de retorno al cine desarrollista de los setenta, de ligones casados y maduritos atacando, cubata en ristre, a cuanta fémina solitaria se cruza en su camino, tendrá su final, más o menos moralizante, para que nadie se escandalice, aunque con dosis de disparate de por medio.
Ópera prima de Lluís Segura, con guión del propio director junto a Enric Pardo (Todas las chicas besan con los ojos cerrados, La vida es corta y luego te mueres) El Club de los buenos infieles es una agradable sorpresa, una gran broma, sí, pero toda una temeridad en estos tiempos que corren, en los cuales todo lo que se dice, se hace y se escribe, se coge con pinzas y se analiza bajo el prisma de la corrección política. Repitan conmigo: Es solo una comedia; Es solo una comedia; Es solo una comedia…
READY PLAYER ONE (Steven Spielberg, 2018)
USA Duración: 140 min. Guion: Ernest Cline, Zak Penn (Novela: Ernest Cline) Música: Alan Silvestri Fotografía: Janusz Kaminski Productora: Warner Bros. / Amblin Entertainment / De Line Pictures / Village Roadshow Pictures / Reliance Entertainment Género: Ciencia Ficción
Reparto: Tye Sheridan, Olivia Cooke, Ben Mendelsohn, Mark Rylance, Simon Pegg,T.J. Miller, Hannah John-Kamen, Win Morisaki, Philip Zhao, Julia Nickson,Kae Alexander, Lena Waithe, Ralph Ineson, David Barrera, Michael Wildman,Lynne Wilmot, Carter Hastings, Daniel Eghan
Ready Player One plantea a quien esto escribe unos sentimientos encontrados más allá de la película o de la historia en sí, por otra parte impecablemente narrada, como es (casi) habitual en Spielberg. Lo que vemos en pantalla sucede en 2045, algo por lo tanto muy cercano. No es un futuro de trajes plateados y pulcritud; como tampoco un erial apocalíptico. La vida sigue, si, pero es tan sumamente sórdida y gris que todo el mundo dispone de unas gafas de realidad virtual, con las que vive una existencia paralela en un universo imaginario, un juego llamado Oasis (¿lo cogen?), para el cual todos hemos creado un avatar. Al ser un universo creado, en parte, por los usuarios, muchos de los avatares forman parte de la cultura pop más rabiosa, por lo tanto el espectador puede distraerse buscando seres y personajes conocidos algo, que sin lugar a duda, conforma uno de los atractivos de este Ready Player One. Pero no es el único, otro de ellos será el meterse en una de sus películas favoritas pero, no nos distraigamos de lo que queremos contar, ni contemos más de la cuenta. Hablábamos de vivir una existencia virtual con una personalidad virtual en un mundo también virtual: ¿El resultado? pues lo que, sabiamente, expresa uno de los personajes del filme: «solo ves lo que quiero que veas; solo sabes lo que quiero que sepas». ¿Les suena esta actitud? Pues eso es lo que hasta cierto punto apenó a Serendipia, el ver que lo que nos cuenta esta historia no es, ciertamente, el futuro. Hablamos del ahora. Tan solo hace falta que los medios terminen de perfeccionarse.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 23 de marzo de 2018 *
THELMA (Joachim Trier, 2017)
Noruega-Francia-Dinamarca-Suecia. Duración: 116 min. Guion: Joachim Trier, Eskil Vogt Música: Ola Fløttum Fotografía: Jakob Ihre Productora: Motlys / Eurimages / Film I Väst / Le Pacte / Nordic Film och TV Fund / Norwegian Film Institute / Snowglobe Films Género: Fantástico
Reparto: Eili Harboe, Ellen Dorrit Petersen, Okay Kaya, Henrik Rafaelsen
Premios
Eili Harboe da cuerpo a Thelma, una joven de severa formación católica que por primera vez debe separarse de sus padres cuando empieza la universidad. Joachim Trier regresa a sus tierras nórdicas para traernos esta cinta que en parte podríamos definir como un singular cruce del Bergman de Fanny y Alexander (1982) y el Stephen King de Carrie. La película advierte en su cabecera de que contiene imágenes centelleantes que pueden provocar ataques epilépticos y no advierte en vano, así nos aproxima el director, casi experimentalmente, a las sensaciones vividas por la protagonista. Thelma llama cada día a sus padres, habla con su padre de hecho, la figura más severa, y les cuenta todo lo que experimenta, por su formación nunca ha probado el alcohol, ni el tabaco, ni casi ha frecuentado amigos, es por eso que todo lo que le ocurre en la universidad, todos los mundos que conoce, causan en ella una honda impresión, un sentimiento ambivalente que se refuerza con esa llamada diaria. Por una parte su nueva vida la llena de sensaciones atractivas, por otra, entran en conflicto con su educación, todo se complicará además cuando conozca a Anja (Kaya Wilkins) y sienta por ella una atracción más allá de la amistad. La respuesta de la joven es física, cada nuevo conflicto le provoca unos ataques nerviosos muy similares a la epilepsia y, mientras tanto, extraños fenómenos se suceden. La búsqueda de un diagnóstico la llevará a una investigación sobre sí misma que la hará descubrir cosas sobre su familia que le han sido ocultadas y, a la vez, aprenderá sobre su poder, su fuerza sobrenatural. Thriller psicológico de tempo pausado, uno teme que la vertiente fantástica resulte ambigua al final, pero no, Trier sostiene su apuesta sobrenatural y nos acaba ofreciendo uno de los títulos más sólidos de los que se ofrecieron durante la pasada edición del festival de Sitges, no en vamo se alzó con un premio especial del jurado (lo que es lo mismo que decir que gran parte del jurado se inclinó ante esta cinta en lugar de la ganadora), así como al mejor guión. Todo un nuevo enfoque del género en esta cinta plenamente de autor ¿estará tranformándose el fantástico? De momento dejo la pregunta meramente formulada.
GRINGO. SE BUSCA VIVO O MUERTO (Gringo, Nasch Edgerton, 2017)
USA. Duración: 110 min. Guion: Matthew Stone, Anthony Tambakis Música: Christophe Beck Fotografía: Eduard Grau Productora: Blue-Tongue Films / Denver and Delilah Productions / Amazon Studios / Double Barrel VFX / Pictures in a Row Género: Thriller
Reparto: David Oyelowo, Joel Edgerton, Charlize Theron, Amanda Seyfried, Thandie Newton,Sharlto Copley, Harry Treadaway, Michael Angarano, Alan Ruck, Paris Jackson,Kenneth Choi, Yul Vazquez, Melonie Diaz, Diego Cataño, Hector Kotsifakis,Charles E Tiedje, Carlos Corona, Rodrigo Corea
Sinopsis: Harold (David Oyelowo) es un ejecutivo de una importante compañía farmacéutica estadounidense que debe viajar a México por trabajo. Allí descubre que su laboratorio colabora con los narcos en la comercialización del Cannabax, una nueva droga sintetizada a partir de la marihuana. Entre sus feroces jefes, los narcos, mercenarios internacionales y la policía persiguiéndole, Harold pasará de ser un ciudadano ejemplar a un desafortunado delincuente.
Un reparto de lujo para esta cinta multigénero en la que predomina la comedia protagonizada por David Oyelowo, cuyas aventuras y desventuras traen a la memoria embrollos protagonizados por Eddie Murphy o Richard Pryor.
Mezcla explosiva de comedia y acción, Gringo. Se busca vivo o muerto, cuenta con la participación de Joel Edgerton, Sharlto Copley y una explosiva Charlice Theron, dirigidos por Nash Edgerton, quien debutó en la dirección con el aclamado thriller australiano The square (2008).
Entretenida, muy loca y repleta de balas, quizás le falta acelerar algo más su ritmo para resultar endiabladamente redonda, pero en cualquier caso es una propuesta recomendable.
EL AVISO (Javier Carpalsoro, 2018)
España. Guion: Jorge Guerricaechevarría, Chris Sparling (Novela: Paul Pen) Fotografía: Sergi Vilanova Productora: Morena Films / Tormenta Films Género: Thriller
Reparto: Raúl Arévalo, Aura Garrido, Sergio Mur, Belén Cuesta, Luis Callejo, Aitor Luna,Julieta Serrano, Antonio Dechent, Juan López-Tagle, Hugo Arbués
Sinopsis: Nico, un niño de diez años, recibe una carta con una amenaza de muerte, pero nadie en su entorno parece creerle. Jon (Raúl Arévalo), un joven obsesionado con los números, investiga una serie de muertes ocurridas a lo largo de los años en el mismo lugar y que parecen tener un patrón en común. Descifrar esta secuencia es lo único que podrá salvar a Nico.
Tras triunfar en su debut como director en Tarde para la ira, Raúl Arévalo regresa como actor en El aviso, donde interpreta a un joven obsesionado con las matemáticas y con un enigma que puede salvar la vida de un niño. De rostro inexpresivo su interpretación queda, en parte, compensada por la presencia de Aura Garrido, que junto a, entre otros, Belén Cuesta y Antonio Dechent, completan el reparto.
En palabras del director: “El aviso avanza con ritmo y decisión desvelando a unos personajes únicos que se enfrentan en universos paralelos a la misma situación. Los giros de guion y las sorpresas están servidas en este thriller de intriga donde nada es lo que parece, y, donde los sentimientos de amor y desesperación se entrecruzan creando una tela de araña cargada de emociones”.
Con guión de Jorge Guerricaechevarría y Chris Sparling, a partir de la novela homónima de Paul Pen, se sentirán defraudados los que intuyan en esta cinta un thriller policíaco, pues su argumento, del que cuanto menos sepan mejor para su disfrute, esconde una paradoja espacio-temporal con tintes fantásticos de lo más saludable como inédita en nuestro cine.
PETER RABBIT (Will Gluck, 2018)
USA/Australia. Duración: 95 min. Guion: Will Gluck, Rob Lieber (Libros: Beatrix Potter) Música: Dominic Lewis Fotografía: Peter Menzies Jr. Productora: Sony Pictures Animation / Animal Logic Entertainment / Olive Bridge Entertainment / Animal Logic / Columbia Pictures Género: Comedia de animación.
Reparto: Con las voces originales de Domhnall Gleeson, Rose Byrne, Sam Neill, Sia, Bernardo Santos,Deborah Rock, Jill Buchanan, Vauxhall Jermaine, Ty Hurley Margot Robbie,Daisy Ridley, Elizabeth Debicki, James Corden
Sinopsis: Adaptación del cuento clásico de Beatrix Potter de un conejo rebelde que intenta colarse en el codiciado huerto de Thomas McGregor (Domhnall Gleeson) y que contará con el afecto de la cariñosa amante de los animales que vive al lado (Rose Byrne).
Peter Rabbit, la primera adaptación para la gran pantalla del clásico inglés de Beatrix Potter, es una mezcla perfecta de animación y live-action que consigue sorprender al espectador por su buena factura. Pero además de su perfección técnica, la película de Will Gluck se beneficia de un divertido guión, muy gamberro y dinámico, a lo que se suma un conjunto de expresivos personajes, lo que en conjunto consigue que la cinta sea apta para toda la familia, así los padres tendrán un perfecta excusa para reírse a carcajadas junto a los más pequeños.
Protagonizada en su, recomendable, versión original por Rose Byrne y Domhnall Gleeson y producida por Animal Logic, el estudio australiano de producción de animación y efectos especiales (La Lego Película), la cinta cuenta con las voces en castellano de Dani Rovira en el papel de Peter, y las actrices Belén Cuesta y Silvia Abril como las mellizas Pelusa y Pitusa.
Una tan divertida como refrescante propuesta.
Serendipia
Proyecto Naschy 
Últimos comentarios