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Archive for the ‘VAMOS DE ESTRENO’ Category

VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 13 de marzo de 2020 *

Y LLOVIERON PÁJAROS (Il pleuvait des oiseaux, Louise Archambault, 2019)

Canadá. Duración: 124 min. Guion: Louise Archambault (Novela: Jocelyne Saucier) Música: David Ratté, Andréa Bélanger Fotografía: Mathieu Laverdière Productora: Films Outsidersf Género: Drama

Reparto: Kenneth Welsh, Andrée Lachapelle, Gilbert Sicotte, Rémy Girard, Ève Landry, Éric Robidoux, Louise Portal

Sinopsis: Esta es la historia de tres ancianos que han elegido retirarse del mundo y vivir en los bosques de Canadá. Al tiempo que un gran incendio amenaza la región, alguien llega hasta su escondite: una joven fotógrafa que busca a un tal Boychuck. Y no es la única. Poco después, una mujer de más de 80 años aparece como una brisa ligera que alborotará sus vidas. Mientras intentan comprender la historia de Boychuck a través de sus pinturas, algo extraordinario surgirá entre todos ellos.

La vejez es eso que los jóvenes piensan que les tardará mucho en llegar. O que nunca les alcanzará. Y es que sin lugar a duda hacerse viejo es un fastidio. Pero es mucho más que eso, pues es la constancia de que nuestro tiempo se está acabando. Que la máquina está caducando. Que el final está cerca.

Esta película demuestra otra cosa, que también el final puede ser bello y digno. Y que, por paradójico que parezca, el final puede ser el principio. Y que… ¡qué diantres!, que puede haber cosas mucho más crueles y peores que la vejez.

Y llovieron pájaros nos narra la historia de unos hombres que han escogido desaparecer del mundo. Unos hermitaños, viejos y sabios, que han decidido pasar sus últimos días en comunión con la naturaleza y en compañía de sus fieles canes junto a un bello lago. Un paraíso en el que han querido dejar de existir para todos. Pero ese fin del mundo, ese final del recorrido, por razones que no les vamos a detallar, puede ser el comienzo de una nueva aventura. Una historia sobre la persistencia de la memoria en un mundo que se diluye. Que se deja ir dulcemente.

Maravillosamente interpretada y carente de curserías y manidos tópicos, la cinta de Louise Archambault tiene todo para, además de ser una bonita película, en fondo y forma, ser además una propuesta muy inteligente y que invita a la reflexión.

 

FAHIM (Pierre-François Martin-Laval, 2019)

Francia. Duración: 107 min. Guion: Pierre-François Martin-Laval Música: Pascal Lengagne Productora: Waiting For Cinema / Wild Bunch / Alicéléo / France 3 Cinéma / CN8 Productions Género: Drama.

Reparto: Gérard Depardieu, Isabelle Nanty, Pierre-François Martin-Laval, Didier Flamand, Pierre Gommé, Emmanuel Ménard, Ahmed Assad, Lola Zidi-Rénier, Mizanur Rahaman, Alfredo Lorenzo, Lila Guennas, Axel Keravec, Corinne Valancogne, Mylène Wagram, Fahim Mohammad

Sinopsis: Forzado a huir de su Bangladés natal, el joven Fahim y su padre tienen que abandonar al resto de su familia para trasladarse a París. Desde su llegada se enfrentan a una verdadera carrera de obstáculos para obtener el asilo político, ante la amenaza de ser expulsados en cualquier momento.Gracias a su talento para el ajedrez, Fahim conoce a Sylvain, uno de los mejores entrenadores de ajedrez de Francia. Entre el recelo y la atracción, aprenderán a conocerse y entablarán amistad. Al comenzar el campeonato de Francia de ajedrez, la amenaza de expulsión se cierne sobre ellos y a Fahim solo le queda una oportunidad para salir airoso: convertirse en campeón de Francia.

La búsqueda de un lugar mejor en el que vivir, un ‘paraíso’ en la Tierra donde hallar las oportunidades es el punto de partida de este relato humanista sobre la superación con fondo de emigración ilegal y basado en un hecho real. Entretenida, no demasiado paternalista y con un Depardieu muy correcto, veremos mediante los esperanzados e ilusionados ojos de Fahim el drama de la emigración en una propuesta que también ofrece, más allá de la denuncia social, una trama emocionante  y simpática, llena de vitalidad con el competitivo juego del ajedrez como protagonista, ya que Fahim es un aventajado jugador que competirá en el campeonato de Francia.

Pero más allá de destacar, como suele ocurrir en este tipo de cintas bienintencionadas, las facultades del niño superdotado, también se ofrece el punto de vista de su padre, esforzado luchador que hará todo lo posible por perseguir el sueño de su hijo y el que él y su esposa desean para su familia. Un drama real que pone cara a tantos y tantos emigrantes que encontramos en el camino, cada uno con su historia, su aventura personal y su sueño.

FIRST LOVE (Hatsukoi, Takashi Miike, 2019)

Japón/UK. Duración: 108 min. Guion: Masa Nakamura Música: Kôji Endô Fotografía: Nobuyasu Kita Productora: Recorded Picture Company (RPC) / Oriental Light and Magic (OLM) / Toei Género: Thriller

Reparto: Masataka Kubota, Shôta Sometani, Nao Omori, Jun Murakami

Sinopsis: Leo es un joven boxeador que atraviesa una mala racha. Durante el transcurso de una noche en la ciudad de Tokyo (Japón) se encuentra con el primer gran amor de su vida, Mónica, una prostituta adicta a la droga que pese a sus circunstancias personales sigue siendo una joven inocente. Aunque Leo no lo sabe, la chica se encuentra inmersa en una compleja trama relacionada con el tráfico de droga que la convierte en el objetivo de varias personas: un yakuza, un policía corrupto y una asesina enviada por la tríadas chinas.

Takashi Miike, el prolijo director japonés, vuelve y lo hace con una comedia de acción repleta de luchas, yakuzas, juego sucio, lucha de clanes y cabezas violentamente separadas del cuerpo, un paisaje en el que nace la historia de amor de dos jovencitos. El resultado es una deliciosa cinta y un optimista canto canto a la vida narrado mediante una cinta accesible, dejando de lado experimentos arriesgados y ofreciendo al público una historia entrañable, eso sí, surcada por amplios chorretones de sangre.

Tendremos todos los ingredientes de una narración clásica: un caballero andante sin esperanza que rescatará del fondo del pozo a una princesa, pero también a dos veteranos líderes yakuza enfrentados que conseguirán despertar la simpatía y el respeto del espectador por su dignidad old school y el sentido del honor que protagonizará su épica lucha final.

Sin lugar a duda una oportunidad de pasar una deliciosa tarde en el cine.

Categorías:VAMOS DE ESTRENO

VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 6 de marzo de 2020 *

SKIN (Guy Nattiv, 2019)

USA. Duración: 110 min. Guion: Guy Nattiv Música: Dan Romer Fotografía: Arnaud Potier Productora: Maven Pictures / Brookstreet Pictures / Item 7 / Vision Entertainment Group / PaperChase Films / Sight Unseen Pictures Género: Drama

Reparto: Jamie Bell, Vera Farmiga, Danielle Macdonald, Mike Colter, Bill Camp, Ari Barkan, Louisa Krause, Justin L. Wilson, Sean Cullen, Samantha Jones

Sinopsis: Bryon es un joven criado por supremacistas blancos. La dureza de su educación ha provocado un profundo odio en el corazón del joven y también en su piel, cubierta de tatuajes con lemas y símbolos de extrema derecha. Sin embargo, cuando Bryon se enamora de Julie, decide abandonar el círculo de odio y violencia en el que se encuentra inmerso y trata de buscar ayuda en Daryle, un activista que lucha por los derechos humanos.

Skin intenta dar explicación a cómo es posible que muchos jóvenes entren a formar parte en movimientos racistas de carácter fascista. Ambientada en el profundo sur de Estados Unidos, está protagonizada por jóvenes blancos, desempleados, sin cultura y en muchos casos huérfanos, los llamados White Trash, que son acogidos por líderes que les inculcan su ideología desde pequeños, introduciéndolos en un círculo que sustituye a sus ausentes familias y a la que obedecerán ciegamente. Byron (Jamie Bell), el protagonista, se mueve entre Rottweilers, botas, tirantes, cabezas rapadas, esvásticas y tatuajes, y otros jóvenes uniformados como él, llenos de ira y odio al diferentes. Pero todo cambiará cuando el amor entre en su vida.

Basada en hecho reales sorprende saber que, precisamente un miembro de la raza negra que tanto odian los que son como el protagonista de Skin, ayuda a desprogramar a los que, como él, decidirán abandonar ese grupo sectario que amenaza con matarlo tanto a él como a los miembros de la nueva familia que quiere formar al margen de la secta nazi.

Escrita y dirigida por el cineasta israelí Guy Nattiv (Strangers; Mabul) y protagonizada por Jamie Bell (Rocketman; Billy Elliot), Danielle Macdonald (Paradise Hills; serie CreedmeVera Farmiga (Expediente Warren: The Conjuring; Up in the air) y Bill Camp (Joker, serie The Night Of), entre otros. Skin,  primer largometraje estadounidense de su director, está basada en el cortometraje homónimo ganador del Oscar 2019 al Mejor Cortometraje de Ficción y tuvo su estreno mundial en el Festival Internacional de Cine de Toronto (TIFF), donde ganó un premio Fipresci. También se pudo ver en el Festival de Cine de Berlín y en el Festival de Cine de Tribeca.

EL RITMO DE LA VENGANZA (The Rhythm Section, Reed Morano, 2020)

UK. Duración: 109 min. Guion: Mark Burnell (Novelas: Mark Burnell) Música: Steve Mazzaro Fotografía: Sean Bobbitt Productora: EON Productions / IM Global / Babieka. Distribuida por: Paramount Pictures Género: Thriller

Reparto: Blake Lively, Jude Law, Sterling K. Brown, Daniel Mays, Raza Jaffrey, Nasser Memarzia, Ivana Basic, Degnan Geraghty, Nuala Kelly, Richard Brake, Max Casella, Geoff Bell, Tawfeek Barhom, Jade Anouka, Ibrahim Renno

Sinopsis: Stephanie Patrick se embarca en una senda de autodestrucción tras la trágica muerte de su familia en un accidente de avión. Cuando descubre que la catástrofe no ha sido un accidente, se adentra en un mundo oscuro y complejo en busca de venganza y tratando de encontrar su propia redención.

Aunque El ritmo de la venganza no nos propone algo que no hayamos visto antes, pues la temática en sí ya conforma todo un subgénero, si que es una de las más interesantes propuestas, dentro de esta temática, de las que hemos visto últimamente. Primeramente porque la redención de Stephanie, interpretada muy solventemente por Blake Lively, está muy bien retratada, protagonizando todo un arco de transformación durante la duración del film y dejando claro que ha perdido  toda esperanza y, por lo tanto, el miedo. Jude Law, por su parte, realiza una buena intervención como ex-agente del M-16 que entrenará a la protagonista.

Por otra parte, su argumento construye una trama de espionaje en el que la acción está muy bien manejada, rodada de manera muy física y con una magnífica y verista persecución por las calles de Tánger de las de quitan la respiración. Y es que, no en vano, sus productores son los responsables de la saga James Bond, Michael G. Wilson y Barbara Broccoli.

Basada en la novela de Mark Burnell y con guion del mismo autor, la película está rodada en escenarios de Madrid, Almería y Cádiz, además de Nueva York, Escocia y norte de África.

LA CANDIDATA PERFECTA (The Perfect Candidate, Haifaa Al-Mansour, 2019)

Arabia Saudí. Duración: 101 min. Guion: Haifaa Al-Mansour, Brad Niemann Fotografía: Patrick Orth Productora: Vendor House Productions Género: Drama

Reparto: Mila Al Zahrani, Nora Al Awadh, Dae Al Hilali

Sinopsis: Maryam es una joven y ambiciosa médica que trabaja en el centro de salud de una pequeña ciudad de Arabia Saudí. A pesar de su alta cualificación, debe ganarse a diario el respeto de sus compañeros hombres y la aceptación de los pacientes. Indignada por la dejadez del Ayuntamiento, que demora una y otra vez asfaltar el camino de acceso al hospital, decide presentar su candidatura a las elecciones municipales. Su padre es músico y está de gira tocando en los primeros conciertos públicos permitidos en el Reino de Arabia Saudí en décadas. Maryam recluta entonces a sus dos hermanas pequeñas para recaudar fondos y planificar la campaña. Su inesperada candidatura a la alcaldía sorprende a la familia y sacude a una comunidad nada acostumbrada a la idea de que una mujer dirija el Consistorio.

La modernidad de las mujeres saudís protagonistas de esta historia se mezcla con las tradiciones ancestrales de una sociedad profundamente patriarcal que debería estar condenada a avanzar. El retrato que muestra de la mujer árabe es valiente, evitando caer en el panfletismo y en la inevitable incomprensión hacia la cultura saudí que tendría esta historia de estar narrada desde un punto de vista occidental.

Su directora, Haifaa Al Manoura, autora de La bicicleta verde y Mary Shelley, así como del galardonado documental Women Without Shadows, cuenta la historia con total naturalidad, mostrando a la mujer en la intimidad, cómoda, moderna y en su faceta pública, respetando y cumpliendo las tradiciones de sus mayores. Una sociedad en la que cualquier avance, por pequeño que sea, es un gran paso.

La directora, no cuestiona las severas tradiciones de su pueblo, que reservan a la mujer un papel totalmente destinado al servicio del hombre, pero nos muestra unas situaciones que dejan patente, sin verbalizarlo, el absurdo que causan las separaciones de sexos en muchos estamentos de la sociedad. También veremos como la mujer va adquiriendo un papel más relevante y como una de ellas, Maryam (Mila Al Zahrani),  para conseguir que el hospital en el que trabaja como reputada doctora, tenga el acceso asfaltado, sea capaz de presentarse como candidata a la alcaldía para luchar por ese y otros logros con los que contribuir a la mejora de su ciudad.

Magníficamente interpretada, la cinta también reflejará la severidad e incluso el riesgo que tiene en ciertas zonas del país el dedicarse a una profesión tan ‘normal’ e ‘inofensiva’ como músico, ocupación del padre de Maryam que en gira con su banda por el país deberá tener cuidado ante advertencias de atentado por parte de elementos radicales contrarios a todo tipo de actividad que no sea el rezo al profeta.

En palabras de la propia directora, con La candidata perfecta: “Quiero mostrar a través de su recorrido que las mujeres pueden tener un papel positivo en la sociedad saudí y, así mismo, contribuir a forjar su propio destino. Quiero alentar a las mujeres saudíes a atreverse a salir del sistema que lleva tanto tiempo reteniéndonos. Los cambios solo tendrán lugar si las personas que más los necesitan luchan por ellos en su vida diaria. El subtexto de la película se centra en la necesidad de respetar y honrar nuestras poderosas tradiciones culturales y artísticas para que nos guíen en nuestro esfuerzo de modernización del país. Desde el comienzo del desarrollo del país, se ha prohibido cualquier manifestación artística. Poco a poco vuelven a abrirse salas de conciertos, cines y galerías de arte; por eso me parece que ha llegado el momento de estudiar el rico patrimonio artístico que casi perdimos. Debemos recuperar, restaurar y devolver a la vida nuestra música tradicional y nuestras imágenes. Ahora que se han abierto cines y se permite a las mujeres conducir en el Reino Saudí, quiero mostrar el esfuerzo que requerirá un auténtico cambio.”

La candidata perfecta  se presentó en la Sección Oficial del último Festival de Venecia,  donde solo participaron dos películas dirigidas por mujeres. Es una de las apuestas más relevantes de los estrenos cinematográficos del viernes 6 de marzo, coincidente con las celebraciones previstas para celebrar el Día  Internacional de la Mujer.

INVISIBLES (Gracia Querejeta, 2020)

España. Duración: 83 min. Guion: Antonio Mercero, Gracia Querejeta Género: Drama 

Reparto: Emma Suárez, Adriana Ozores, Nathalie Poza, Blanca Portillo, Fernando Cayo, Pedro Casablanc, Francisca Horcajo

Sinopsis: La historia refleja la vida de Julia, Elsa y Amelia, tres amigas que un día decidieron comenzar a caminar juntas una vez por semana. Lo que empezó por ser una mera distracción y una forma de hacer ejercicio se ha terminado por convertir en una necesidad. Porque esos paseos les sirven también para estar informadas de lo que a cada una de ellas les ocurre. Poco a poco irán descubriendo que la amistad no es siempre idílica, que en la amistad también se guardan secretos y se recurre a la mentira.

Invisibles tiene la virtud de la sencillez. Y muchas veces las cosas más sencillas son las más auténticas. Y muy auténtico resultan estos paseos de tres amigas maduras y diferentes por un parque. Una ocasión en la que nuestras protagonistas aprovechan para ponerse al día entre ellas y hablar de lo banal y lo importante; del amor y del deseo; de la amistad y de la familia; del éxito y el fracaso. Y el hacerlo fluir todo de manera creíble lo consiguen las tres actrices gracias a su naturalidad y a que, posiblemente, están cómodas en la piel de unos personajes que reconocen bien.

Si bien algunas frases y reflexiones son pura carne de meme por lo manido, por lo general retrata con verismo y a veces con crueldad, a estas mujeres conformistas, soñadoras y realistas. Rebeldes que se saben en el principio del fin y que, quizás por ello, sienten como su feminidad comienza a difuminarse. A volverse invisible.

Entretenida, con momentos dramáticos y otros de comedia, aunque está dirigida a un público similar al de sus protagonistas, podrá gustar a todo el que quiera ver a tres actrices en estado de gracia mostrando inseguridades, depresiones, alegrías y, en general, la rutina de tres mujeres anónimas y maduras en su paseo por la vida.

BLOODSHOT (Dave Wilson, 2020)

USA. Guion: Eric Heisserer, Jeff Wadlow (Cómic: Yvel Guichet, Bob Layton, Don Perlin, Kevin VanHook) Música: Steve Jablonsky Fotografía: Jacques Jouffret Productora. Original Film / Valiant Entertainment / Sony Pictures Entertainment (SPE) / Cross Creek Pictures / Mimran Schur Pictures / The Hideaway Entertainment Género: Fantástico

Reparto: Vin Diesel, Toby Kebbell, Eiza González, Sam Heughan, Guy Pearce, Talulah Riley, Alex Hernandez, Siddharth Dhananjay, Jóhannes Haukur Jóhannesson, Lamorne Morris, Maarten Römer, Tamer Burjaq, Patrick Kerton, Ryan Kruger, Alex Anlos, Clyde Berning, Tyrel Meyer

Sinopsis: Ray Garrison (Vin Diesel), es un soldado caído recientemente en combate y devuelto a la vida por la corporación RST como el superhéroe Bloodshot. Con un ejército de nanotecnología en sus venas y una fuerza imparable, más poderoso que nunca y capaz de auto sanarse instantáneamente. Pero con el objetivo de controlar su cuerpo, la compañía ha tomado también el control de su mente y sus recuerdos. Ray ya no sabe qué es real y qué no lo es – pero su misión será averiguarlo.

Bloodshot está basada en el cómic de la editorial Valiant creado por Kevin VanHook, Don Perlin y Bob Layton en la década de los 90 y que se convirtió rápidamente en uno de los personajes más populares de la editorial, vendiendo más de 7 millones de cómics en diferentes idiomas. Debido a la popularidad que ganó con las series Rai y Eternal Warrior, el primer volumen de su propia serie, publicado en febrero de 1993, se convirtió en un éxito de ventas y llegó a vender un millón de copias. Ahora, el cómic pasa a imagen real y no podría haber sido mejor encarnado que por el actor Vin Diesel, que presta su poderoso físico al personaje.

Aunque no engaña a nadie y da al espectador justo lo que pudiera esperar en este tipo de producciones, si que ofrece el atractivo añadido de un factor sorpresa, que no pensamos desvelar, pero las cosas no resultarán tan sencillas como pudieran parecer.

Entre las escenas de acción, rodada en planos para nuestro gusto tan breves y cercanos que no permiten apreciarla bien, destaca la que se desarrolla en unos ascensores de un rascacielos, una tan vertiginosa como emocionante batalla que no dejará indiferente al espectador que guste del cine de acción.

Además de Vin Diesel, el reparto de Bloodshot completa con la magnética Eiza González (‘Baby Driver‘, ‘Fast & Furious: Hobbs and Shaw‘), Guy Pearce (‘Memento‘, ‘Iron Man 3‘), Sam Heughan (‘Outlander‘) y Toby Kebbell (‘La guerra del planeta de los simios‘, ‘Un monstruo viene a verme’), todos bajo la dirección de Dave Wilson, quien deja el universo de los efectos visuales para estrenarse en la dirección de este largometraje con espíritu de videojuego.

 

Categorías:VAMOS DE ESTRENO

VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 28 de febrero de 2020 *

27 febrero 2020 Deja un comentario

REINA DE CORAZONES (Dronningen, May El-Toukly, 2019)

Dinamarca/Suecia. Duración: 127 min. Guion: Maren Louise Käehne, May el-Toukhy Música: Jon Ekstrand Fotografía: Jasper Spanning Productora: Nordisk Film / Det Danske Filminstitut / Radio (DR) / SVT / Svenska Filminstitutet Género: Drama

Reparto: Trine Dyrholm, Gustav Lindh, Magnus Krepper, Frederikke Dahl Hansen, Diem Camille Gbogou, Preben Kristensen, Mads Wille, Elias Budde Christensen, Peter Khouri, Marie Dalsgaard, Ella Solgaard

Sinopsis: Annie (Trine Dyrholm) es una exitosa abogada que vive en una casa de estilo modernista con sus dos hijas y su marido Peter, un reputado físico. La aparición de Gustav, un hijo que pertenece a una relación previa de Peter, pone patas arriba la armonía que reina en la vida de Annie. Lo que en un principio parece ser un movimiento liberador para ella, pronto se convierte en una historia de poder y traición que tendrá consecuencias devastadoras en su vida.

PREMIOS Y FESTIVALES

  • Festival Internacional de Cine de Sundance 2019: Premio del Público.
  • Festival Internacional de Cine de Goteborg 2019: Premio del Público, Mejor Película y Mejor Actriz.
  • Festival Internacional de Cine de Rotterdam 2019: Nominada al Premio Firebird.
  • Premio del Cine Europeo 2019: Nominación a Mejor Actriz para Trine Dyrholm
  • Festival Internacional de Cine de Hong Kong 2019: Mejor Actor (Gustav Lindh)
  • Festival Internacional de Cine de Philadelphia 2019: Premio del Público
  • Festival Internacional de Cine de Transilvania 2019: Mejor Directora
  • Festival Internacional de Cine de Zurich 2019: Mejor Actriz (Trine Dyrholm)

Realmente nos tranquiliza el que esta película esté dirigida por una mujer, concretamente la cineasta danesa May el-Toukhy, y esto viene a cuento porque el personaje que interpreta la protagonista, una abogada y madre de familia con un buen éxito social no resulta demasiado positivo. De hecho miento, pues al principio sí que es un personaje que despierta nuestra simpatía al tratarse de una mujer que se da cuenta de que se está adentrando en una edad en la que va a dejar de despertar el deseo de los hombres y por ello, decide quemar un último cartucho, solo que lo hará sin pensar en las consecuencias, y es ahí cuando se convertirá en un ser odioso, déspota y egoísta. No deseamos destriparles la película, pues en Proyecto Naschy no somos amigos de hacerlo, pero el caso es que el personaje interpretado magistralmente por Trine Dyrholm, tomará una serie de decisiones cuyos resultados, tanto para ella como para su perfecta familia, terminarán teniendo consecuencias imprevisibles.

No es una película fácil, pero sin lugar a duda está repleta de verdad. Un trágico drama que muestra, una vez más, el egoísmo y la hipocresía de los poderosos. De como son capaces de manipular al débil a su antojo con tal de que, desde fuera, continúen siendo vistos como un dechado de virtud. Una perfección que desde el principio de la cinta dejará presagiar la tormenta que dejará  asolado -o no- ese aparente, casi aséptico, entorno perfecto.

Buenas actuaciones y escenas de riesgo para esta laureada película danesa.

CUERDAS (José Luis Montesinos, 2019)

España. Duración: 87 min. Guion: Yako Blesa, José Luis Montesinos Música: Arnau Bataller Fotografía: Marc Zumbach Productora: Bastian Films / Gaia Audiovisuals / Institut Valencià de Cultura / Numintec / Súbete al Tren / TV3 Género: Thriller

Reparto: Paula del Río, Miguel Ángel Jenner

Sinopsis: Un desgraciado accidente deja incomunicada a Elena, una joven tetrapléjica (Paula del Río), en una masía en el campo. Allí solo tiene a Athos, un perro especialmente adiestrado para ayudarla. Pero el que debería ser su mejor amigo, ha contraído una extraña enfermedad y se ha convertido en su peor enemigo.

Cuerdas es un viaje al dolor, a la impotencia y a la culpa. Elena culpa a su padre y se culpa a sí misma del accidente que causó la muerte de su gemela. El dolor que carga en su interior contrasta con la falta de sensibilidad que la condena a pasar el resto de sus días atada en una silla de ruedas. Sin sentir, sin poder apenas moverse.

Progresivamente iremos conociendo, conforme avanza la película, lo que ha sucedido. Sin necesidad de incómodos flashbacks, recurriendo el director en su lugar a metáforas y sueños, pesadillas protagonizadas por Elena que informarán al espectador de todos los hechos. Pistas que ayudarán a conocer mejor la tragedia por la que atraviesan los personajes.

Buen pulso, economía de medios, buena planificación, ambiente claustrofóbico y un tour de force interpretativo absoluto de su protagonista, Paula del Río, presente en el 99% del metraje y que llega a Cuerdas tras haberse ganado la confianza de Dani de la Torre participado en sus dos largometrajes (El desconocido y La sombre de la ley).

Eso si, la sombra de Stephen King planea sobre el guión de Cuerdas, reflejando ecos de Cujo, El juego de Gerald y Misery ¿mala cosa? no, es perfectamente loable fijarse en los mejores. Por lo pronto José Luis Montesinos ha demostrado con su ópera prima que es capaz de construir una ficción ajustándose a las limitaciones y salir airoso. Y eso no es poco.

 

THE GENTLEMEN: LOS SEÑORES DE LA MAFIA (The Gentlemen, Guy Ritchie, 2020)

USA. Duración: 113 min. Guion: Ivan Atkinson, Marn Davies, Guy Ritchie Música: Christopher Benstead Fotografía: Alan Stewart Productora: Miramax / STX Entertainment Género: Thriller

Reparto: Matthew McConaughey, Charlie Hunnam, Henry Golding, Michelle Dockery, Jeremy Strong, Colin Farrell, Hugh Grant, Eddie Marsan, Brittany Ashworth, Jason Wong, Jordan Long, Russell Balogh, Chidi Ajufo, Lyne Renee, Max Bennett, Eugenia Kuzmina, Togo Igawa, Serhat Metin, Christopher Evangelou, Eliot Sumner, Chloe Arrowsmith, Simon. R. Barker, Alex Batareanu

Sinopsis: Un capo de la droga con un marcado estilo británico intenta vender su imperio a una dinastía de multimillonarios procedentes de Oklahoma.

 

Guy Ritchie retoma aquí la senda de sus célebres Snatch, cerdos y diamantes Lock & Stockprofundizando en la historia de un traficante de marihuana que busca retirarse y “traspasar” el negocio. Y el director demuestra estar en muy buena forma, pues con The Gentleman ofrece un thriller, sí, pero ante todo una comedia muy bien construída y que captura la atención del espectador, que no podrá  alejar la vista de la pantalla ante los magníficos diálogos y los juegos ofrecidos por la trama.

Sus personajes están magníficamente diseñados, tanto los principales como los secundarios, destacando de entre estos últimos el coach que interpreta Colin Farrell y el detective canalla, auténtico motor de la historia, encarnado por Hugh Grant.

Otro de los muchos aciertos del guión es la acertada elección del punto de vista, pues todo nos es narrado desde la voz del detective como si de un guión cinematográfico se tratara. Y de hecho, en eso se convierte, en una parodia del mundo del cine desde dentro, y ese punto de vista permite exponer los mecanismos internos del film.

El reparto, encabezado por Matthew McConaughey, a los que se suman Henry Golding (Un pequeño favor), Charlie Hunnam (Rey Arturo: La leyenda de Excalibur, Pacific Rim) y Michelle Dockery (Downton Abbey, Anna Karenina), además de los mencionados Grant y Farrell, dan las sensación de habérselo pasado de miedo haciendo esta película, algo que consiguen contagiar al espectador. Violenta y divertida. Deliciosa.

 

ESPECIALES (Hors normes, Olivier Nakache y Eric Toledano, 2019)

Francia. Duración: 114 min. Guion: Olivier Nakache, Eric Toledano Música: Grandbrothers Fotografía: Antoine Sanier Productora: Gaumont / Quad Productions / Ten Films / Canal+ Género: Drama
Reparto: Vincent Cassel,Reda Kateb, Aloïse Sauvage, Hélène Vincent, Bryan Mialoundama, Alban Ivanov, Benjamin Lesieur, Marco Locatelli, Catherine Mouchet, Frédéric Pierrot, Suliane Brahim, Lyna Khoudri, Djibril Yoni, Ahmed Abdel Laoui, Darren Muselet, Sophie Garric, Christian Benedetti, Pierre Diot, Fatou-Clo, Manda Touré, Pauline Clément, Anne Azoulay
Sinopsis: La historia de Bruno y Malik, dos amigos que durante veinte años han vivido en un mundo diferente: el de los niños y adolescentes autistas. A cargo de dos organizaciones sin ánimo de lucro, forman a jóvenes para que sean cuidadores de casos extremos. De esta forma crean una asociación excepcional, fuera de los entornos tradicionales, para unas personas extraordinarias.
Especiales ofrece un necesario acercamiento al mundo del autismo desde una óptica realista y sin, como es habitual, quedarse tan solo en casos puntuales de enfermos que destacan por algunas facultades especiales.  Nos muestra el día a día de un equipo de educadores y acompañantes que pasan las horas con los casos más severos, los que la administración pública da por imposibles no proporcionando más que medicación y contención.
Conoceremos la problemática que sufren, ya no solo los enfermos, sino también sus familiares y cuidadores. Y los directores lo  harán de una manera amena, divertida y tierna, pero sin caer en sentimentalismos y poniendo el punto en el ámbito social, pues la historia está protagonizada por una asociación no legal y que trabaja con personal no cualificado, compuesto por jóvenes problemáticos que la sociedad también mantiene al margen y que con este trabajo adquieren valores y formación.
La película, que está protagonizada por la popular estrella del cine francés Vincent Cassel (“Cisne negro”“El odio”), y por Reda Kateb (“La noche más oscura“, “Lejos de los hombres”), se presenta en España tras clausurar la pasada edición del Festival de Cannes y pasar por el Festival de San Sebastián, donde se alzó con el Premio del Público.

 

LA FAMOSA INVASIÓN DE LOS OSOS EN SICILIA (La fameuse invasion des ours en Sicile, Lorenzo Mattotti, 2019)

Francia-Italia Duración: 82′ Productor: Valérie Schermann, Christophe Jankovic Guion: Thomas Bidegain, Jean-Luc Fromental, Lorenzo Mattotti Música: René Aubry Montaje: Nassim Gordji Tehrani, Sophie Reine. Animación

Reparto: Leila Bekhti, Thomas Bidegain, Jean Claude Carrière, Beppe Chierichi, Arthur Dupont, Thierry Hancisse de la Comédie-Française, Pascal Demolon, Jacky Nercessian, Boris Rehlinger

Sinopsis: Tonio, el hijo del Rey Oso, es capturado por un grupo de cazadores en las montañas sicilianas. Cuando el duro invierno amenaza a su pueblo con la inanición, el Rey decide invadir el reino en el que viven los hombres con la ayuda de su ejército. Logran encontrar a Tonio y, sin embargo, pronto descubren que los osos no están destinados a vivir en la tierra de los hombres.

El primer largo de Lorenzo Mattotti hará las delicias de los más pequeños, después de todo es un cuento para niños, pero serán los adultos los que disfrutarán descubriendo las muchas capas que contiene. No en vano es la adaptación del único relato para niños que escribió Dino Buzzati, uno de los más extraordinarios narradores que dio Italia en el siglo XX. Buzzati cultivo una literatura tan radicalmente imaginativa como de fuerte componente existencial, quizás eso haga que no sea conocido por todos los lectores. La adaptación de Mattotti le es fiel, respeta su atmósfera característica, que el dibujante reconoce como influencia en todo su trabajo, atraído, sobre todo, por esa forma de contar historias como si fueran leyendas o cuentos antiguos, siempre llenas de magia y misterio, con cierta oscuridad.

Esta historia fue escrita en 1945 y se puede sentir perfectamente que es sobre la guerra y la dictadura. Habla sobre muchas cosas. Buzzati lo publicó primero por fascículos en el Corrieri dei Piccoli. En algún momento creó una ciudad que fue censurada por parecerse mucho a Berlín y le pidieron cambiarla. No se llamaba La famosa invasión de los osos en Sicilia, solo La famosa invasión, luego pasó a ser La famosa invasión de Maremma, una región de Camargue en Francia. Cuando dejó de trabajar en el Corriere dei Piccoli empezó a pintar para su nieta. Un par de años después decidió escribir el libro añadiendo una segunda parte a lo que ya tenía. En el momento de su publicación provocó muchísimas preguntas: ¿Simbolizan a los comunistas los osos? ¿A los rusos? Sin embargo, no importa tanto identificarlo a un episodio concreto de la historia, la narración va más allá, se instala en el lugar de la leyenda y eso la hace universal, consigue que cada época la interpele con sus propios debates, sus propias disyuntivas.

Así, ante esta su adaptación al cine animado, no faltan voces de críticos que sugieren que es una metáfora sobre la apropiación cultural y la colonización. Y no está mal visto, pero hay que añadirle toda una reflexión sobre el poder, la soledad del gobernante, su alejamiento del pueblo al que guía, la aparición de la corrupción en quienes quieren afanarlo… Todo esto, además, envuelto con el sentido de contar historias, la necesidad de finales felices y cerrados que a veces son imposibles más allá de la mente del que lo narra. Para esto último, Mattotti y sus guionistas, introducen tres personajes que no están en el relato original, Gedeone, el cuentacuentos ambulante, la chica que le acompaña y el oso viejo con el que se encuentran en la noche, ellos serán la voz narrativa que planea sobre el relato. El concepto de estar contando la historia le permite entrar y salir en todos los tiempos. Es el narrador quien va de sitio en sitio, como un cantante histórico siciliano, y el viejo oso provee la libertad de elipsis.

Poderosa en su fondo, La famosa invasión de los osos en Sicilia destaca todavía más por su animación. El exiguo presupuesto hizo imposible trabajar en 3D, pero ese azar fortuito resultó una bendición, porque el 2D de la película es glorioso, en el que la tercera dimensión sigue estando presente gracias al trabajo en los espacios y las atmósferas, lo hace de una manera gráfica, poética. El dibujo de Mattotti toma su punto de partida en las ilustraciones del propio Buzzati, con esa falsilla huye del realismo y se sumerge en el mundo de un simbolismo que tiende puentes con el expresionismo y con la pintura metafísica de de Chirico. Usa colores llamativos sin miedo, tocados por la luz. Para Mattotti los colores son luz y las imágenes siempre se han creado usando efectos de luz. Los colores le dan vigor, nos transmiten la energía positiva que rezuma el relato. El resultado es una maravilla animada, visualmente elegante y rabiosamente moderna.

Seleccionada para la sección Un certain regard del Festival de Cannes, La famosa invasión de los osos en Sicilia es una cita obligada para los amantes de la animación, los lectores de cómic y novela gráfica, y los apasionados de Dino Buzzati. Pero, más allá, es una cinta recomendable para todo aquel espectador que busque universos distintos a los estrenos mainstream. Asequible y profunda a partes iguales.

Con una mención especial del Jurado y el Premio Europa Júnior del Festival de Sevilla, La famosa invasión de los osos en Sicilia se estrenará en cines el 28 de febrero de la mano de La Aventura.


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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 21 de febrero de 2020 *

21 febrero 2020 Deja un comentario

DOMINO (Brian de Palma, 2019)

Dinamarca/Francia/España/Bélgica Duración: 89 min. Guion: Petter Skavlan Música: Pino Donaggio Fotografía: José Luis Alcaine Productora: Backup Films / Zilvermeer Productions / Mollywood / N279 Entertainment / Recalcati Multimedia / Schønne Film Género: Thriller

Reparto: Nikolaj Coster-Waldau,Carice van Houten, Guy Pearce, Younes Bachir, Mohammed Azaay, Eriq Ebouaney, Thomas W. Gabrielsson.

Sinopsis: Christian es un policía danés que se asocia con una oficial para localizar al asesino de su compañero. Lo que la pareja no sabe es que el individuo que persiguen trabaja en una operación especial de la CIA y sigue el rastro de una célula terrorista del ISIS en Europa.

Domino posee un prometedor comienzo repleto de acción calculada al milímetro, que se desarrolla a varios niveles y que deja lugar a varios reconocibles gadgest de su director. La intriga mezcla terrorismo islámico y CIA, pero la auténtica razón del ser de la historia es la venganza. Persecuciones por los tejados de Dinamarca y viajes por Bélgica, Holanda y España. Una pintoresca España, todo hay que decirlo. Y todo con el acompañamiento de un Pino Donaggio más Herrmann que nunca. Pero todo es un espejismo que acaba cayendo casi en la parodia,  que pierde la credibilidad. Sí tiene guiños a su propio estilo narrativo, pantalla partida incluida, pero la profundidad de los personajes es nula, y algunos elementos de suspense están excesivamente subrayados, como si De Palma no confiara en la inteligencia del espectador, que en algunos momentos de la narración tiene que suspender su incredulidad , todo lo cual no evita que llegue a provocar su hilaridad.

La película está protagonizada por Nikolaj Coster-Waldau (Mamá), junto a Carice van Houten (El libro negro) y Guy Pearce (Memento).

Francamente, esperamos y deseamos que Domino no sea el testamento cinematográfico de Brian De Palma.

EL PLAN (Polo Menárguez, 2019)

España. Duración: 79 min. Guion: Polo Menárguez (Obra: Ignasi Vidal) Música: Pablo Martín Caminero Fotografía: Alejandro Espadero Productora: Capitán Araña Género: Drama

Reparto: Raúl Arévalo, Antonio de la Torre, Chema del Barco

Sinopsis: Son las nueve de la mañana de un caluroso día de verano en el barrio madrileño de Usera. Paco, Ramón y Andrade, tres amigos que llevan en paro desde que cerró la empresa en la que trabajaban, han quedado para ejecutar un plan. Cuando por fin se reúnen, un contratiempo les impide salir de casa: el coche que necesitaban para trasladarse está averiado. Mientras buscan otra manera de llegar a su destino, se ven envueltos en una serie de incómodas discusiones que poco a poco derribarán sus muros y arrancarán sus máscaras.

Comedia de pequeño formato, muy deudora de su origen teatral, que se desarrolla en un único escenario contando con tan solo tres personajes, lo cual ofrece la oportunidad a los actores de lucirse, algo que bien aprovechan. Si de Antonio de la Torre y Raúl Arévalo ya podíamos esperarlo, destaca especialmente el personaje interpretado por Chema Del Barco, que es el responsable y motor del cambio de registro de esta comedia hacia el drama, que terminará  dejando en el espectador un regusto amargo.

Polo Menárguez en su segundo largo (el primero con recursos profesionales tras su debut en el Low Cost) nos narra la historia de tres perdedores, que con la excusa de poner en práctica un plan, se reúnen en casa de uno de ellos. A partir de ahí, y dada la torpeza de sus integrantes, todo llevará al espectador a tener la total seguridad de que el plan difícilmente arribará a buen puerto. Los imprevistos y giros que van surgiendo irán destapando las máscaras que cada uno lleva puesta, y el espectador asistirá a la crisis de un modelo de masculinidad que, lamentablemente, está resistiéndose a desaparecer.

Buen ritmo y una curva de interés que va in crescendo, hacen de El plan una película ágil, que nos atrapa en su red para llevarnos de la risa al escalofrío sin perder comba.

LAS GOLONDRINAS DE KABUL (Les hirondelles de Kaboul, Zabou Breitman y Eléa Gobbé-Mévellec, 2019)

Francia. Duración: 80 min. Guion: Zabou Breitman, Patricia Mortagne, Sébastien Tavel (Libro: Yasmina Khadra) Música: Alexis Rault Productora: arte France Cinéma / Les Armateurs Género: Drama

Sinopsis: Verano de 1998. Kabul es una ciudad en ruinas ocupada por los Talibanes. Mohsen y Zunaira son dos adolescentes que se han enamorado pese a vivir en un entorno repleto de violencia y miseria. Aunque van sobreviviendo día a día, un acto irresponsable de Mohsen cambiará sus vidas para siempre.

Las Golondrinas de Kabul es una cinta de animación para adultos en la linea de Persépolis o Vals con Bashir. Animada en rotoscopia pero dotando a su imagen de una rica apariencia de acuarela, su historia es un alegato contra el radicalismo islámico y todo un homenaje al papel desempeñado por la mujer, verdadera víctima potencial de un radicalismo religioso que la obliga a ocultarse, a desaparecer bajo un tupido burka. Cubierta con ellos, las mujeres de Kabul deambulan por las ruinas de la ciudad como fantasmas, añorando cines, librerías y escuelas y  secundados por los espectros de unos hombres que una vez fueron libres.

La acción se desarrolla en un Afganistán en ruinas por su situación de guerra perpetua. En Kabul la guardia talibán vigila que todos guarden el orden y las maneras y no se pierdan el rezo, pero en el interior de la casa de los protagonistas, una pareja de jóvenes profesores, se mantendrá un oasis de libertad en el que Zunaira brillará especialmente. Pronto se desatará una tragedia que demostrará hasta donde serán capaces de sacrificarse por amor.

Basada en el best seller de Yasmina Khadra (más de 600.000 ejemplares vendidos en Francia), Las golondrinas de Kabul tuvo su premiere mundial en la sección Un Certain Regard del Festival de Cannes 2019 y fue seleccionada en el festival de Sitges, siendo nominada recientemente a los Premios César de la academia de cine francés. También es la primera cinta que llega a las salas españolas de la nueva distribuidora Night Drive.

MONOS (Alejandro Landes, 2019)

Colombia-Argentina-Uruguay-Países Bajos (Holanda)-Alemania-Suecia. Duración: 102 min. Guion: Alexis Dos Santos, Alejandro Landes (Historia: Alejandro Landes) Música: Mica Levi Fotografía: Jasper Wolf Productora: Franja Nomo / Campo Cine / Film I Väst / Le Pacte / Lemming Film / Mutante Cine / Pandora Film / Snowglobe Films Género: Drama

Reparto: Julianne Nicholson, Moises Arias, Jorge Román, Sofia Buenaventura, Laura Castrillón, Sneider Castro

Sinopsis: En la cima de una imponente montaña, donde lo que a primera vista parece un campamento de verano, ocho niños guerrilleros apodados “Los Monos» conviven bajo la atenta mirada de un sargento paramilitar. Su única misión es clara: cuidar a la doctora (Julianne Nicholson), una mujer americana a la que han tomado como rehén. Cuando esta misión empieza a peligrar, la confianza entre ellos empezará a ponerse en duda.

Niños con pistolas.

Niños con pistolas comandados por un enano en una sima situada en el confín del mundo  ¡Cuánta energía desaprovechada! ¡Cuánto absurdo! Un microcosmos anómalo, casi sectario, habitado por monos con pistolas. Soldados sin ideal y con dos sencillas misiones: cuidar de una rehén y de la vaca Shakira, que les ha dejado el comandante antes de marchar para que tengan leche.

No harán nada bien, claro.

Sin nadie que les comande, que les controle, reinará el caos ante el más perfecto absurdo. Roces, suicidios y el despertar de los instintos más primitivos. Lucha por el caudillaje ante la pérdida de todo objetivo, de todo sentido. Monos con pistolas enfrentados entre sí.

Ecos de aquella historia que también hablaba de niños soldado manipulados, aquel El puente (Die Brücke, Bernhard Wicki, 1959) en donde también se manejaba a niños a los que antes se ha ‘educado’ en ideales, todo durante los últimos días del asedio a Berlín por los aliados. Monos manipulados. Niños con pistolas jugando a la guerra ¡Cuánta energía desaprovechada¡ ¡Cuánto absurdo!

 

 

 

 

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Mike Wallace is in Filmin

17 febrero 2020 Deja un comentario

El documental Mike Wallas is here, que recientemente se ha estrenado en la plataforma Filmin, ofrece al espectador pura historia de la televisión norteamericana y nos explica como un actor radiofónico acomplejado con sus marcas de viruela llegó, en el mismo momento en el que la televisión se convertía en un influyente medio de comunicación, a convertirse en “el reportero más temido de Norteamérica”.Mike Wallace, creador de la entrevista directa, sin pactos con el entrevistado, es todo un modelo de una profesión que debería ser libre y no dedicarse a apoyar al gobierno de turno.

El film, brillantemente documentado con numerosas tomas de archivo, es un portento de montaje, pues nos lleva desde los inicios de Wallace en la radio como actor de seriales (Green Hornet), hasta su entrada en televisión en 1956, desde donde partió su carrera, también como actor de series y comerciales para poco después protagonizar sus primeras polémicas al entrevistar en sus programas Night Beat y The Mike Wallace Interview a todo un abanico de personajes que oscila desde un líder del Ku-Klux-Klan a políticos, actores, gagsters y colegas de profesión. Diversas demandas terminaron con su programa, pero en 1962 volvió a la carga como corresponsal de CBS News, viviendo aquellos convulsos tiempos durante los cuales realizó sobrecogedoras entrevistas a líderes de la talla de Martin Luther King Malcolm X o marchando a Vietnam, desde donde retransmitió la verdad, por dura que fuera.

En 1968 volvió al formato de programa de entrevistas y con el estallido del escándalo Watergate, puro entrevistar a todos los relacionados con el caso. Experimentará nuevos formatos y formas de obtener testimonios, ya sea con cámara oculta como con cebos, investigando temas polémicos a pie de calle como la prostitución infantil.

Historia del periodismo, Mike Wallace es respetado por sus colegas y veremos ampliamente su actividad profesional, pero también su trayectoria personal, marcada por el suicidio de su hijo y una larga depresión motivada por una millonaria denuncia interpuesta por un general retirado en al que se le acusaba de difamación. Una denuncia que, a pesar de que fue finalmente retirada, causó un efecto paralizador en la profesión que se trasmitió a los responsables de las cadenas.

Mike Wallace is Here es todo un monumento al buen periodismo durante el cual podremos ver infinidad de rostros conocidos como el de Bette Davis, Dalí, Oriana Fallaci, Emile Zola, Jomeini, Kirk Douglas o Donald Trump, entre muchos otros, puestos contra las cuerdas unos y sorprendiendo con sus respuestas, otros, en un ejercicio de libertad y verdad muy necesario en estos tiempos.

VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 14 de febrero de 2020 *

14 febrero 2020 Deja un comentario

EL AMOR ESTÁ EN EL AGUA (Kimi to, Nami ni Noretara, Masaaki Yuasa, 2019)

Japón. Duración: 94 min. Guion: Reiko Yoshida Música: Michiru Ohshima Productora: Science SARU / Fuji TV / KDDI Corporation / Lawson Entertainment / Shogakukan-Shueisha Productions / Toho. Distribuida por: Toho Género:  Fantástico

Sinopsis: Tras entrar en la universidad, la joven Hinako se muda a una ciudad costera. Le encanta surfear y cuando cabalga las olas no tiene miedo de nada, aunque aún se siente insegura acerca de su futuro. Un día, un incendio siembra el caos en la ciudad y la joven surfista conoce a un bombero llamado Minato. Conforme surfean y pasan tiempo juntos, Hinako se siente atraída por el joven, que vive entregado a ayudar a los demás. Por desgracia, una inesperada tragedia arrebata la vida a Minato dejando a la muchacha completamente devastada. Incapaz incluso de mirar a su querido mar, un día, Hinako canta la canción de ambos y Minato se le aparece en forma de agua. Hinako está feliz de volver a tenerlo a su lado, pero, ¿podrán permanecer así juntos para siempre?
Premios:
2019: Festival Internacional de Shanghai: Mejor película de animación
2019: Sitges Film Festival: Mejor película de animación

No podría haberse escogido mejor fecha que San Valentín para estrenar esta película de Masaaki Yuasa, director de las premiadas Lu over the Wall (mejor película en el festival de Annecy) y Night is ShortWalk on Girl (Mejor película de animación en los Premios de la Academia Japonesa). El amor está en el agua, acertado nombre que ha otorgado la productora española al filme, es una historia de amor juvenil con toques de fantasía que obtuvo el premio al mejor largometraje de animación en la sección Anima’t del festival de Sitges.

Aunque en algunos momentos peligra nuestra integridad ante el riesgo de una subida de azúcar, esta historia de amor y pérdida tiene al agua como motor protagonista entre los dos jóvenes enamorados, destacando su presencia mediante lluvia, charcos, embotellada o en el mar, donde su protagonista vuela con ayuda de su tabla de surf. Cuando la tragedia llegue a su vida, ella creará una fantasía para superar la pérdida… ¿o no será fantasía? : deberán verla para averiguarlo.

SCIENCE SARU es un estudio de animación fundado en 2013 por Masaaki Yuasa y Eunyoung Choi cuyo objetivo no es sólo crear obras de gran calidad, sino también mejorar la productividad, y uno de sus métodos es la animación Flash, que ha supuesto un incremento productivo. Este hecho ha permitido al estudio crear un gran número de obras animadas en tan sólo seis años entre las que figuran películas, series y cortos. El amor está en el agua contiene una mezcla de animación 2D y 3D repleta de textura y magia.

EL HUEVO DEL DINOSAURIO (Öndög, Wang Quan’an, 2019)

Mongolia. Duración: 100 min. Guion: Wang Quan’an Fotografía: Aymerick Pilarski Género: Drama
Reparto: Dulamjav Enkhtaivan, Aorigeletu, Norovsambuu
Sinopsis: Una mujer es hallada asesinada en la estepa de Mongolia. Durante una noche, un policía joven e inexperto tiene que custodiar la escena del crimen. Dado que desconoce los peligros del lugar, le envían a una pastora lugareña para protegerle a él y al cadáver. Se trata de una resuelta mujer, de unos treinta y tantos años, que sabe cómo manejar un rifle y ahuyentar a los lobos. Ella se encarga de encender una hoguera para combatir el frío. El alcohol también ayuda a este propósito, así como la cercanía de los cuerpos que la mujer propicia.
Premios:
2019: Festival de Berlín: Sección oficial
2019: Festival de Valladolid – Seminci: Espiga de Oro mejor película, mejor fotografía

El huevo del dinosaurio (Öndög, Quan’an Wang, 2019) no es una película fácil, pero el director consigue levar al espectador donde quiere y como quiere. Aparece un cadáver y la víctima ha sido asesinada, pero no es un thriller. Hay un desierto, pero no hace calor. Hay una heroína, pero es totalmente atípica. Es una película extraña, pero también hipnótica. Es El huevo del dinosaurio y es totalmente inclasificable.

Rodada en la desolada estepa de Mongolia, el espectador será testigo de los hechos que se narran desde la distancia o a través de ventanas. Desde el otro lado. Una distancia que le permitirá admirar la inmensidad del paisaje, bello, marciano, pero también le ayudará a sentir la soledad de los personajes.

El cuerpo desnudo de la mujer en medio del campo es, sin duda, una anomalía en el paísaje, pero no desentona con la belleza general que desprende el plano. Casi llega a convertirse en un elemento natural más. En ese entorno vive la protagonista, apodada dinosaurio, posiblemente porque como aquellos, es una especie en peligro de extinción que se desenvuelve en un mundo raro, extraño, que está a punto de desaparecer algo que, como veremos, no será así pues la mujer, en íntimo contacto con la naturaleza y sus ciclos, tiene muy claro que entre ellos figura como uno de los principales el de perpetuar la especie.

Con esta séptima película, de las que tan solo había una estrenada en nuestras pantallas, La boda de Tuya (Tuya de hun shi, 2007), el director chino Wang Quan’an se posiciona como uno de los más interesantes e innovadores realizadores actuales.

SINÓNIMOS (Synonymes, Nadav Lapid, 2019)

Francia/Israel. Duración: 123 min. Guion: Nadav Lapid, Haim Lapid Fotografía: Shai Goldman Productora: SBS Films / arte France Cinéma / Pie Films Género: Drama

Reparto: Tom Mercier, Quentin Dolmaire, Louise Chevillotte, Uria Hayik, Olivier Loustau, Yehuda Almagor, Gaya Von Schwarze, Gal Amitai, Idan Ashkenazi, Dolev Ohana, Liron Baranes, Erwan Ribard, Yawen Ribard, Iman Amara-Korba, Sébastien Robinet, Damien Carlet, Ron Bitterman, Naor Nachmani, Yahalom David, Herut Cohen, Valentine Carette, Catherine Dénécy, Léa Drucker, Christophe Paou
Sinopsis: En París, las cosas no comienzan bien para Yoav. Un joven israelí que llega a la capital francesa con grandes expectativas, decidido a deshacerse de su nacionalidad lo más rápido posible. Para él, ser israelí es como un tumor que debe ser extirpado. Convertirse en francés, por otra parte, simplemente significaría su salvación. Para borrar sus orígenes, Yoav primero decide no hablar una sola palabra de hebreo. El diccionario se convierte en su mejor compañero. Las visitas a la embajada israelí le molestan. Pero el proceso también tiene sus trampas. Y la joven pareja francesa de la que se hace amigo tiene algunas ideas bastante extrañas sobre cómo ayudarlo… Basándose en sus propias experiencias, el director Nadav Lapid explora los desafíos de tratar de empezar en un nuevo país.
Premios
2019: Festival de Berlín: Oso de Oro (mejor película) y Premio FIPRESCI
2019: Festival de Sevilla: Mejor dirección

El principal defecto de la última obra de Nadav Lapid es su duración. Cinta episódica, con el inconveniente de que no todos los fragmentos lucen al mismo nivel, rompe con la línea dramática tradicional sin dejar de ser un relato que va de un inicio a un desenlace cronológico, su presentación es impecable, pero su desarrollo es digresivo y se enreda en la manifestación de conceptos que se repiten y se repiten hasta caer en el exceso. Pese a su buen arranque, su intensidad va decayendo hasta llegar con muy poco gas a su desenlace.

Y es que Lapid vuelve a armarse con los mimbres de su experiencia personal y ello da fuerza a su relato, pero su dilación a la hora de cerrarlo hace que pierda fuelle y el entramado se tambalee hasta casi desmoronarse. Si no lo hace totalmente es por la conjunción de dos elementos, su planteamiento y, sobre todo, su actor protagonista, un debutante Tom Mercier. Porque parte de la propia experiencia de Lapid, el director declaró “Me tomé un avión y aparecí en París, sin ningún plan ni amigos ni parientes ni nada. Lo único que sabía era que quería morir como israelí y renacer como francés. Y me puse a aprender el idioma, obsesivamente. Leía diccionarios, iba por la calle diciendo palabras en francés, buscándole sinónimos a las palabras”, justo la idea central de Sinónimos, con dos imágenes muy poderosas. De una parte, la de querer morir a la identidad de origen para renacer a una nueva forma de expresión, un renacimiento de uno mismo. Y así, su protagonista, Yoav se queda desnudo como un recién nacido a su llegada a París, todo un símbolo de su nueva encarnación. De otra, está ese bucear en el idioma, recorriéndolo a la vez que se recorre la ciudad que lo habla. Uno de los mayores aciertos de puesta en escena es esa cámara dinámica que nos trae el apresurado andar del personaje, casi subjetiva, con la “mirada” puesta en el suelo que se pisa, plasmando el afán por deshacerse de lo viejo para adherirse lo nuevo. Esas son las dos ideas fuerza que sostienen la acción, su doble punto de partida que se resume en la necesidad de readueñarse del mundo y de uno mismo bajo una piel distinta.

Imágenes intensas que son reforzadas por la intensidad de Mercier. El debutante demuestra ser capaz de pasar de cero a cien en décimas de segundo sin arrugarse. Una actuación a la altura de lo que exige un personaje tan extremo como traumatizado, como lo es el de Yoav, la versión amargada del director, un joven que tras cumplir el servicio militar abandona su país, en viaje a una nada a la que deberá llenar de contenido. Él es, con mucho, lo mejor de la función. Porque es cierto que Lapid sabe lo que quiere, pero le pierde su ambición, querrá decir tantas cosas en su filme que las palabras quedarán difusas, lamentablemente difusas.

Sinónimos, que mereció ser reconocida con el Oso de oro en la pasada Berlinale, no puede ser despachada con juicios precipitados, despectivos y categóricos. No se nos antoja una película redonda, como venimos argumentando, pero nos deja imágenes poderosas y algunas ideas dignas de ser enmarcadas. Siendo la historia de un joven israelita traumatizado por su paso por el ejército, es importante destacar cómo la cinta es crítica con el país de origen, pero también son denunciadas las carencias del país de acogida. La Francia real topa con la que había imaginado Yoav, pues no cumple los ideales que predica. Yoav es como un azote para ambas patrias, él plasma la denuncia del autor. Si este es su lado combatiente, a Sinónimos no le faltan reflexiones más poéticas sobre el cuerpo y la palabra. Un concepto guía es que todos tenemos un cuerpo que es a la vez erótico y tanático, responde al intento de Lapid de crear películas en las cuales la muerte esté tan presente como el sexo, a cada instante. Pero si algo singulariza a Sinónimos dentro de la producción del israelita es la defensa del carácter fílmico de la palabra. Las palabras tienen sentido y también tienen música, por eso considera el autor que ha de ser un elemento fundamental dentro del hecho cinematográfico, un recurso que nunca debe faltar.

Excesiva. Es la palabra que mejor define a Sinónimos, quiere decirnos tantas cosas que al final su discurso se vuelve confuso casi hasta el rechazo. Sin embargo, una cosa hay que reconocerle a Lapid, es un autor con voz propia y con una poderosa impronta que convierte a su cine en personal e intransferible.

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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 31 de enero de 2020*

 

DIAMANTES EN BRUTO (Uncut Gems, Ben Safdie y Joshua Safdie, 2019)

USA. Duración: 135 min. Guion: Ronald Bronstein, Ben Safdie, Joshua Safdie Música: Daniel Lopatin Fotografía: Darius Khondji Productora: Eara Pictures / Scott Rudin Productions / Sikelia Productions. Productor: Martin Scorsese Género: Thriller.

Reparto: Adam Sandler, Kevin Garnett, Idina Menzel, Keith Stanfield, Julia Fox, Eric Bogosian, Judd Hirsch, The Weeknd, Sean Ringgold, Sahar Bibiyan

Sinopsis: Ubicada en el trepidante mundo del Distrito de Diamantes de la ciudad de Nueva York. Howard (Adam Sandler) es un encantador distribuidor de joyas que no puede evitar vivir su vida al límite a través de una insensata adicción al juego, a las drogas y a las mujeres. Pero cuando se encuentra en posesión de un diamante ópalo negro de 600 quilates, Howard  tiene finalmente la oportunidad de cambiar su vida de una vez por todas, solo si logra mantenerse con vida y mantener el diamante más raro del mundo en su poder.

Diamantes en bruto trasmite una sensación al espectador de vértigo continuo. Desde su inicio no dejan de pasar cosas y el fatalismo recorre la pantalla desde el primer momento. No estamos ante una estructura héroe-villano, su protagonistas esta a medio camino de todo, pero continuamente en contacto con la muerte.

Hay quien ha escrito que Diamantes en bruto es una película sobre la adicción, y sin duda lo es, pero lo que hace que el personaje que Adam Sandler interpreta -y magníficamente, por cierto- se sienta vivo es el riesgo. El peligro es lo que le alimenta.

Ni en los escasos momentos en los que se para la maquinaria y bajan las revoluciones, llegaremos a entender, más allá de la emoción del juego, lo que hace que el protagonista desee jugarse todo continuamente, exponerse a perderlo todo. Incluida la vida.

Pero no habrá apenas pausa, el carrusel se pondrá en marcha y no dejará de girar, trasmitiendo inquietud y angustia al espectador, que como el protagonista, no podrá más que seguirlo en su ascensos hasta su abrupto desenlace.

Producción Netflix  estrenada en Estados Unidos en pantalla grande, aquí no tendremos esa suerte, pero estará disponible a partir de hoy, para todo los subscriptores del canal. Dirigida por los jóvenes hermanos Benny y Josh Safdie, que ya dieron la campanada en 2017 con Good Time habrá, vistos los óptimos resultados,  que seguir sus pasos.

MI GRAN PEQUEÑA GRANJA (The Biggest Little Farm, John Chester, 2018)

USA. Duración: 91 min. Guion: Mark Monroe, John Chester Música: Jeff Beal Fotografía: Kyle Romanek Distribuida por: Neon Género: Documental

Sinopsis: En el 2011, el director de documentales John Chester y su mujer, la chef profesional Molly Chester, tomaron una importante decisión: dejar sus trabajos y mudarse al campo al norte de Los Angeles a cultivar una granja.

Sin lugar a duda los propósitos que mueven a John Chester a montar una granja junto a su esposa y rodar un documental sobre ello son del todo loables y tienen toda nuestra simpatía, pero opinamos que llamar a Mi gran pequeña granja documental es algo que no se ajusta demasiado a la realidad, pues aunque su director tiene amplia experiencia en ese campo y lo que narra, sin duda, sucedió, todo lo que muestra en su película está rodado con buscada intención dramática y artística y en algunos casos con sospechosa linealidad narrativa. Todo lo cual no juega en contra del filme, una encomiable  labor sobre como se materializa el sueño de la pareja protagonista de montar una granja en la que plantar sus propias verduras y frutas y criar sus animales. Un proceso que además conseguirá regenerar toda una zona echada a perder, que se repoblará de especies convirtiéndose en un paradisíaco entorno, algo que John y Molly conseguirán con mucho trabajo y obstinación, una labor que les proporcionará muchas alegrías y satisfacciones, pero que dejará también alguna tragedia por el camino. Y todo ello bellamente rodado en un proceso que puede resultar inspirador para los más jóvenes, público más que indicado para esta película, con la que puede aprender a conocer y respetar el equilibro ecológico, así como a aceptar que incluso la muerte tiene un proceso y una utilidad dentro de la naturaleza.

 

ADÚ (Salvador Calvo, 2020)

Guión: Alejandro Hernández Fotografía: Sergi Vilanova Productora: Ikiru Films / La Terraza Films / Telecinco Cinema / ICAA / Mediaset España / Mogambo Género: Drama

Reparto: Luis Tosar, Anna Castillo, Álvaro Cervantes, Jesús Carroza, Miquel Fernández, Ana Wagener, Nora Navas, Marta Calvó, Josean Bengoetxea, Chumo Mata, Candela Cruz, Moustapha Oumarou, Rubén Miralles, Zayiddiya Dissou

Sinopsis: En un intento desesperado por alcanzar Europa y agazapados ante una pista de aterrizaje en Camerún, un niño de seis años y su hermana mayor esperan para colarse en las bodegas de un avión. No demasiado lejos, un activista medioambiental contempla la terrible imagen de un elefante, muerto y sin colmillos. No solo tiene que luchar contra la caza furtiva, sino que también tendrá que reencontrarse con los problemas de su hija recién llegada de España. Miles de kilómetros al norte, en Melilla, un grupo de guardias civiles se prepara para enfrentarse a la furibunda muchedumbre de subsaharianos que ha iniciado el asalto a la valla. Tres historias unidas por un tema central, en las que ninguno de sus protagonistas sabe que sus destinos están condenados a cruzarse y que sus vidas ya no volverán a ser las mismas.
Una bienintencionada mirada al drama de la inmigración procedente de África dividida en tres irregulares historias: La veremos desde el punto de vista del joven Adú, un niño de seis años cuyo único objetivo, tras perderlo todo, será llegar a España, donde está su padre; y desde el punto de vista de un guardia civil que sirve en la frontera de Melilla. Ambas historias se desarrollarán en paralelo y, como es previsible, convergerán. Pero hay una tercera historia sobre la relación de un padre con su hija, protagonizada por Luis TosarAnna Castillo, que no parece guardar demasiada relación con respecto a las dos anteriores.
Esta segunda película de Salvador Calvo tras la interesante 1898: los últimos de Filipinas (2016), es un intenso drama que busca exponer lo que los  noticiarios han convertido en monótono, dando cara y nombre a la tragedia, intentando que el espectador comprenda que detrás de cada cifra hay una historia de supervivencia. Y todo lo representa mediante los expresivos e inocentes ojos de Adú, que parecen traspasar la pantalla buscando respuestas en el espectador. Bellamente rodada, pues aprovecha el entorno natural que ofrece el continente africano, Adú cuenta con un buen grupo de actores, entre los que destacan los dos jóvenes Moustapha OumarouZayiddiya Dissou. 

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