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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 17 de noviembre de 2017 *

17 noviembre 2017 Deja un comentario

EL AUTOR (Manuel Martín Cuenca, 2017)

España/México. Duración: 112 min. Guion: Manuel Martín Cuenca, Alejandro Hernández (Novela: Javier Cercas) Fotografía: Pau Esteve Productora: Icónica Producciones / Lazona / La Loma Blanca PC. Distribuida por Filmax Género: Comedia dramática.

Reparto: Javier Gutiérrez, María León, Antonio de la Torre, Adriana Paz, Tenoch Huerta, Adelfa Calvo, Rafael Téllez

Sinopsis: Álvaro (Javier Gutiérrez) quiere ser escritor, pero todo lo que escribe es falso, pretencioso, insípido. Trabaja como escribiente en una notaría de Sevilla y su vida es gris, coloreada sólo por sus sueños. Su mujer, Amanda (María León), es todo lo contrario. Siempre ha tenido los pies en la tierra y nunca ha soñado con ser escritora. Sin embargo, es ella la que se pone a escribir y le sale un best-seller. Ironías de la vida.

La separación es inevitable. Y en ese momento, Álvaro decide afrontar su sueño: escribir una gran novela. Pero es incapaz; no tiene talento ni imaginación. Guiado por Juan, su profesor de escritura (Antonio de la Torre), indaga en los fundamentos de la novela, hasta que un día descubre que la ficción se escribe con la realidad. Álvaro comienza a manipular a sus vecinos y amistades para crear una historia, una historia real que supera a la ficción.

El autor es un buen thriller. También es un drama. Pero ante todo es una muy buena comedia negra sobre la obsesión y la imposibilidad de ser lo que no se es. Del talento y de la falta del mismo. Y sobre la inspiración que no llega -ni se la espera-. Javier Gutiérrez ya puede ir haciendo sitio para un merecido Goya, pues borda su ruin personaje, un perdedor que quiere ser un gran escritor, pero que debe conformarse con su papel  de gris oficinista celoso del éxito de su esposa, que a pesar de no tener formación ha escrito un best seller popular que este se permite despreciar. Al no recibir la llamada de las musas decidirá escribir una novela sobre su vecindario contando con sus propios vecinos como protagonistas. Jugará a ser Dios. Pero un Dios vengativo y cruel que primero espiará y grabará sus conversaciones por el ojo del patio y más tarde, sin detenerse ante nada y con la colaboración de la chismosa portera, manipulará a ‘sus personajes’  a su antojo construyendo con ellos su novela. Sin embargo, si no se tiene talento, la ficción puede verse superada por la irónica realidad.

Amarga, con un humor ácido, la película cuenta con un sólido guión (adaptado de “El móvil“, primera novela de Javier Cercas publicada en 1987) que no permite al espectador apartar la vista de una pantalla por la que deambulan personajes muy sólidos y creíbles, magníficamente interpretados, además de por Gutiérrez, por Adelfa Calvo, que interpreta a la portera (carne de Goya también); o un iracundo y cínico Antonio de la Torre como el profesor  de escritura. Ricos personajes todos pero secundarios ante un Javier Gutiérrez que ofrece con esta película una lección de interpretación. Tampoco hay que perder de vista el diseño de producción, de Sonia Nolla, que ha cogido el tono de la cinta deambulando entre el vacío del piso del escritor (en clara referencia a su carencia de ideas) y el horror vacui y barroquismo de la casa de la portera, todo un portento del  spanish kitsch, o del piso del militar.

Ganadora del Premio FIPRESCI de la crítica internacional en el Festival de Cine de Toronto (TIFF) donde El autor se presentó dentro de la sección Special Presentations reservada a los directores más relevantes del cine mundial, la película ha formado parte de la Sección Oficial del Festival de San Sebastián y próximamente llegará al destacado Festival Internacional de Busan (Corea del Sur), considerado puerta para el mercado asiático. Otra magnífica obra del director de La flaqueza del bolchevique (2003) y la tan incomprendida como magistral Caníbal (2013).

 

HACIA LA LUZ (Hikari, Naomi Kawase, 2017)

Japón. Duración: 101 min. Guion: Naomi Kawase Música: Ibrahim Maalouf Fotografía: Arata Dodo Productora: Kumie Género: Drama romántico

Reparto: Masatoshi Nagase, Ayame Misaki, Tatsuya Fuji, Kazuko Shirakawa, Misuzu Kanno,Mantarô Koichi

Sinopsis: Misako es una apasionada guionista de películas para invidentes. En una proyección cinematográfica conoce a Masaya, un fotógrafo mayor que ella que está perdiendo su vista lentamente. Misako pronto descubrirá las fotografías de Masaya, que la transportarán a algunos recuerdos de su pasado. Juntos aprenderán a ver de manera resplandeciente el mundo que antes era invisible a sus ojos.

Misako (Ayame Misaki) quiere transmitir la maravilla del cine incluso a aquellos que no pueden ver, de modo que encuentra su razón de ser en su trabajo como guionista de descripciones de audio en películas para personas ciegas o deficientes visuales. Nakamori (Masatoshi Nagase) comenzó a sufrir una enfermedad ocular degenerativa que puso fin a su brillante carrera como fotógrafo. Misako no acepta la muerte de su padre ni la enfermedad que padece su madre y que le hará olvidarlo todo. Y Nakamori no acepta su progresiva ceguera. El cine y la luz, pues sin luz no hay cine, será el nexo de unión entre ambos seres.

Nadie como Naomi Kawase sabe filmar la naturaleza, es una constante en su obra retratarla de modo que parezcamos sumidos en ella, así de física nos la transmite, pero también sabe reflejar su dimensión espiritual, y de ese modo entramos en comunión panteísta con ella. No podía ser de otra forma en Hacia la luz, pues en esta compleja película el objeto de análisis es la luz como fuente esencial de todo lo que se da en y ante nosotros. De cómo vemos y de qué vemos.

Misako es mirada que captura el mundo, el filme arranca cuando la vemos a ella poner nombre a todo acontecimiento que sorprende a su mirar, ensimismada en la acción que quiere describir a otros. Ella quiere que su mirada esté al “servicio de”, de hecho, que sea la de, esos invidentes que integran el grupo de control de su descripción de audio y, más allá, de todos los que después la disfrutarán en cines. Ser su canal para ver. Pero, como todos los que poseemos el don de la vista, ella no ha reflexionado sobre el hecho de interpretar imágenes ni de cómo proyectamos sobre lo que vemos nuestra manera de hacerlo. En su afán por transcribir, ignora la capacidad de imaginar. Es la imaginación la que representa en la mente las imágenes, tal como su propio nombre indica. Por eso no debe actuar como si fuera un narrador omnisciente, su ojo ha de ser cámara y su descripción ha de dar al espectador la libertad de interpretar por sí mismo. La visión no es sino la suma de mirada e imaginación.

Capturar la luz, aunque sea a través de la palabra, es ver, pero también trascender el momento y rescatarlo del olvido. Tal es el valor de la fotografía, el arte de perpetuar esos instantes que queremos fijar en la memoria, como ese retrato a contraluz que guardaba el padre de Misako en su cartera y que ella atesora junto con el resto de objetos personales que llevaba él el día de su muerte. Y, sin embargo, nada es tan bello como lo que desaparece ante nuestros ojos. Junto a la voluntad de recordar está nuestra capacidad de gozar lo efímero, como lo es una bella escultura cincelada en la arena o la magia de una fotografía de la fugacidad de una puesta de sol. Los mimbres que entretejen la memoria son la suma del preservar y el dejar fluir, aprenderlo nos permitirá zafarnos de la pesadumbre de la melancolía del perder mientras, y a la vez, la ponemos en valor como la herramienta que es para apreciar con júbilo nuestra transitoriedad.

Hacia la luz es también un ejercicio de metacine. Kawase reflexiona sobre el séptimo arte y su capacidad (o no) de conectar entre sí mundos personales (el del autor con los particulares de cada espectador). Se pregunta si los cineastas pueden llamar a la puerta de las emociones de todo público presente (y futuro) para que este proyecte su propio relato en lo narrado y de ello surja un aprendizaje útil para el vivir de cada uno. Kawase, en verdad, se pregunta por su propio cine, por su propia aptitud para transmitir mensaje y comprender al ser comprendida. Interrogantes todos ellos que, más que respuesta, buscan que el espectador los haga suyos y lleve a cabo un ejercicio de análisis crítico sobre su mirar y su ver.

Y como toda historia que se precie, Hacia la luz es, en última instancia, una historia de amor. La que surge entre Misako y Nakamori, el hombre que está perdiendo la luz y la joven que quiere ser sus ojos. Nakamori, fotógrafo profesional, padece el peor de los males para quien su cámara ha sido su corazón, por ello se empeña tercamente en negar lo evidente, sigue aferrándose a la fotografía y rehúsa las ayudas que palíen su nueva situación (ese andar sin el bastón, aunque ello le suponga ver reducida su movilidad). Para amar habrá que soltar lastre. Misako habrá de desprenderse del recuerdo del padre y aceptar la enfermedad de su madre que la hace olvidar todo lo que ha vivido. Nakamori tendrá que adaptarse a su realidad y desprenderse, también, de lo que fue centro de su mundo. Hay que aceptar los propios límites para disfrutar de lo que sí puede ser.

Kawase nos habla, como siempre, sobre qué es la vida qué supone la muerte, en esta fábula que se pregunta a dónde va el sol cuando se pone.

LIGA DE LA JUSTICIA (Justice League, Zack Snyder, 2017)

USA Duración: 121 min. Guion: Chris Terrio, Joss Whedon (Historia: Zack Snyder, Chris Terrio) Música: Danny Elfman Fotografía: Fabian Wagner Productora: DC Comics / DC Entertainment / Dune Entertainment / Lensbern Productions / Warner Bros. Género: Acción

Reparto: Ben Affleck, Gal Gadot, Ezra Miller, Jason Momoa, Ray Fisher, Henry Cavill,Amber Heard, Amy Adams, Jesse Eisenberg, J.K. Simmons, Jeremy Irons,Willem Dafoe, Shalini Peiris, Connie Nielsen, Robin Wright, Diane Lane,Kiersey Clemons, Billy Crudup, Ciarán Hinds, Daniel Stisen, Samantha Jo

Sinopsis: Impulsado por su nueva fe en la humanidad e inspirado por el acto altruista de Superman, Bruce Wayne consigue la ayuda de su nueva aliada, Diana Prince, para enfrentarse a un enemigo aún mayor. Juntos, Batman y Wonder Woman actúan rápidamente para encontrar y reclutar a un equipo de metahumanos con el fin de hacer frente a esta nueva amenaza. Pero, a pesar de la creación de esta liga de héroes sin precedentes (Batman, Wonder Woman, Aquaman, Cyborg y Flash), puede que ya sea tarde para salvar el planeta de una agresión de proporciones catastróficas.

Dirigida por Zack Snyder y protagonizada por Ben Affleck, en el papel de Batman, Gal Gadot, interpretando a Wonder Woman, Henry Cavill, en la piel de Superman, Ezra Miller, como Flash, Jason Momoa, en el papel de Aquaman, y Jay Fisher, interpretando a Cyborg, esta Liga de la Justicia supera en cuanto a falta de interés al primer encuentro entre Batman y Superman. Lo único que anima un tanto el cotarro es el atractivo de Gal Gadot y de Jason Momoa, este como un pendenciero Aquaman. Pero aún así, esta engorrosa trama, demasiado para el simple argumento que nos quiere contar, no logra resultar emocionante. No trata con cariño a los personajes, no despierta el interés del espectador por ellos, lo sirve, además, todo de una forma solemne absolutamente carente de humor, se ha intentado aliviar esa carencia con el personaje de Flash, un adolescente a lo Peter Parker, y ni por esas. DC ha llegado tarde y mal al cine en su afán de alcanzar a Marvel, pero, más allá todavía, ambos universos comienzan  a saturar las pantallas de tal forma que ya no maravillan al espectador. Y , mucho nos tememos, ni siquiera al fan más fiel de los universos superheroícos.  

 

JUPITER’S MOON (Jupiter holdja, Kornél Mundruczó, 2017)

Hungría/Alemania Duración: 123 min. Guion: Kornél Mundruczó, Kata Wéber Música: Jed Kurzel Fotografía: Marcell Rév Productora: KNM / Match Factory Productions / Proton Cinema Género: Fantástico.
Reparto: Zsombor Jéger, Mónika Balsai, Merab Ninidze, György Cserhalmi
Sinopsis: Al intentar cruzar ilegalmente la frontera, el joven emigrante Aryan recibe un disparo, y la herida le otorga el poder de levitar. Con la ayuda del doctor Stern, logra escapar de un campo de refugiados. Fascinado por los superpoderes de Aryan, Stern ve la oportunidad de explotar el milagro. (FILMAFFINITY)
Premios:  
2017: Festival de Cannes: Sección oficial
2017: Festival de Sitges: Mejor película, Mejores efectos especiales

Jupiter’s Moon del húngaro Kornél Mundruczó se inicia situando al espectador como protagonista de un momento tan fundamental como incómodo. En este caso, seremos uno más de los aterrorizados refugiados sirios que intentan cruzar la frontera húngara hacia una Europa que, lejos de lo soñado, es hostil, todo en imposible plano secuencia con el que trasmitir la tensión del momento, su enorme confusión y zozobra (literalmente esto último, los botes que les transportan se hunden y, en un alarde de cámara, nosotros los acompañamos bajo el agua). La cámara corta el plano cuando la policía  abate a tiros al protagonista. Somos testigos de la muerte injusta de un inocente. O al menos eso creemos, pues ha recibido tres disparos mortales de necesidad. Un médico corrupto será el responsable de revisar el caso y testigo de un hecho excepcional: el individuo además de sobrevivir a los impactos, levita. Así que el médico descubrirá dos cosas: que los milagros existen y que pueden dar mucho dinero. Al tiempo que se pregunta si realmente existen los ángeles.

Como vemos la irrupción del fantástico tiene lugar en medio de un tema candente, al igual que ya hiciera el director con aquella revolución de los (perros) descastados en White Dog (2014). Pero en Jupiter’s Moon añade, además, referencias inequívocamente religiosas a la historia, dejando abierta la puerta a la esperanza con la redención del desencantado médico y del incansable policía.

 

 

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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 10 de noviembre *

10 noviembre 2017 Deja un comentario


LA LIBRERÍA  (The Bookshop, Isabel Coixet, 2017)

España/UK/Alemania. Duración: 110 min. Guion: Isabel Coixet (Novela: Penelope Fitzgerald) Música: Alfonso de Vilallonga Fotografía: Jean-Claude Larrieu Productora: Green Films / A Contracorriente Films / Diagonal TV / Zephyr Films / ONE TWO Films Género: Drama

Reparto: Emily Mortimer, Patricia Clarkson, Bill Nighy, Honor Kneafsey, James Lance, Harvey Bennett, Michael Fitzgerald, Jorge Suquet, Hunter Tremayne,Frances Barber, Gary Piquer, Lucy Tillett, Nigel O’Neill, Toby Gibson, Charlotte Vega

Sinopsis: En 1959 en un pequeño pueblo de la Inglaterra una mujer decide, en contra de la educada pero implacable oposición vecinal, abrir la primera librería que haya habido nunca en esa zona.

Isabel Coixet ha declarado que se quedó prendada de la obra de Penelope Fitzgerald desde que la leyó por primera vez hace casi diez años, “me sentí completamente transportada a 1959 y realmente creía que era, en cierto modo, la ingenua, dulce e idealista Florence Green. De hecho, lo soy. Me siento profundamente conectada con este personaje, de una manera que nunca he sentido con los protagonistas de mis otras películas.” Tan bien ha sabido comprender la obra que le ha merecido el premio a la mejor adaptación literaria en la Feria del Libro de Frankfurt,  la más importante del sector, que ha premiado en anteriores ediciones películas de directores tan reputados como Stephen Daldry, Anton Corbijn, Todd Haynes o Tom Ford.

Pero a este comentarista La librería no le ha llegado, a pesar de poseer los ingredientes necesarios y de primera calidad con los que construir una obra emotiva. Relatada en forma de fábula, con sus villanos, héroes e incluso caballero andante, la historia no deja de ser una oda sobre el amor a la literatura y a la vida sencilla y sincera, para la que la directora ha contado con un destacado reparto encabezado por la inglesa Emily Mortimer (La invención de Hugo, Shutter Island, Match Point, The Newsroom), que en esta cinta apenas logra descomponer la expresión de perpetua sorpresa de su rostro. Patricia Clarkson , que ya colaborara con la directora  en la deliciosa Aprendiendo a conducir (Learning to Drive, 2014) y en Elegy (2008), que interpreta a la villana de la función como representación de los poderes fácticos. Y  finalmente Bill Nighy (Love Actually, Su mejor historia) , ganador de un Globo de Oro y dos premios BAFTA, que realiza otra de sus completas actuaciones.

Su magnífica ambientación y las fantásticas localizaciones, con sus vetustas mansiones envueltas en el melancólico gris del otoño, no consiguen evitar que el guión resulte postizo en su  ansia por agradar, careciendo del alma necesaria para que todos los elementos consigan emocionar al espectador, o al menos a este cronista de, les aseguro, lágrima fácil.

SPOOR (EL RASTRO) (Agnieszka Holand, 2017)

Polonia/Alemania/República Checoslovaca/Suecia/Eslovenia. Duración: 128 min. Guion: Agnieszka Holland, Stepán Hulík (Novela: Olga Tokarczuk) Fotografía: Jolanta Dylewska Productora: Ceská Televize / Heimatfilm / Nutprodukce Género: Drama

Reparto: Agnieszka Mandat-Grabka, Jakub Gierszal, Katarzyna Herman, Andrzej Grabowski,Tomasz Kot, Borys Szyc, Miroslav Krobot, Marcin Bosak, Wiktor Zborowski
Sinopsis: Janina Duszejko, ex ingeniera, astróloga y vegetariana, vive en un pequeño pueblo en las montañas de Los Sudetes. Una noche encuentra un cadáver cerca de su casa. La víctima es un cazador furtivo que murió en extrañas circunstancias. Con el paso del tiempo, se encontrarán en la zona más cuerpos: todos ellos de cazadores que, según Janina, han sido asesinados por animales salvajes.
Premios
2017: Festival de Berlín: Premio Alfred Bauer
2017: Festival de Valladolid – Seminci: Mejor actriz (ex aequo) (Mandat-Grabka)
La última película de la directora nominada al Oscar Agnieszka Holland (Europa EuropaIn Darkness)  es una extraña mixtura de géneros que no termina de cuajar.  Ganadora del Premio Alfred Bauer en la pasada edición de la Berlinale 2017, preseleccionada al Oscar 2018 a Mejor película de habla no inglesa por Polonia, Spoor (El rastro) es, entre otras cosas, una critica la sociedad polaca de la mano de una vieja excéntrica animalista, que también ejerce de profesara de inglés y que junto a otros curiosos personajes se rebelará contra unas convenciones caducas. Trata de blancas, emigración y sobre todo, amor a la naturaleza, toda una oda al ecologismo que parece cantada por la estrafalaria protagonista, todo ello tiene cabida  en esta extraña propuesta que dejará a más de un espectador un tanto contrariado por su avalancha de ideas, propuestas, que parecen quedar abiertas y el tono, realista pero a la vez fantástico. Y es que uno sigue su bizarro argumento, pero con la constante sensación de que la trama ha de ser una metáfora sin que uno llegue a saber qué quiere expresar. Ahora bien la cinta no carece de interés y es una de las pocas propuestas de cine polaco que llega a nuestras pantallas, así que no podemos dejar de recomendarla. Vayan a verla y juzguen ustedes.

ORO (Agustín Díaz Yanes, 2017)

España. Duración:103 min. Guion: Agustín Díaz Yanes (Libro: Arturo Pérez-Reverte) Música: Javier Limón Fotografía: Paco Femenía Productora: Apache Films / Sony Pictures España / Atresmedia Cine Género: Drama

Reparto: Raúl Arévalo, José Coronado, Bárbara Lennie, Óscar Jaenada, Luis Callejo,Juan José Ballesta, Juan Diego, Juan Carlos Aduviri, Anna Castillo,Antonio Dechent, Juan Echanove, Andrés Gertrúdix, José Manuel Cervino, Diego París

Sinopsis: En el siglo XVI, los conquistadores españoles Lope de Aguirre y Núñez de Balboa emprenden una épica expedición compuesta por 30 hombres y 2 mujeres, por la selva amazónica, en busca de una mítica ciudad que, según se dice, está hecha completamente de oro.

Una aventura protagonizada por unos variopintos soldados que tienen mucho que ganar y nada que perder en medio de la jungla amazónica (perfectamente recreada en Las Palmas). Un entorno salvaje en el cual deberán enfrentarse a un clima hostil, tribus de indios salvajes (incluida una tribu de sodomitas caníbales, cita directa del guión), serpientes y caimanes, entre otras alimañas, además de a las propias intrigas y traiciones que surgirán, al reclamo del oro, entre la soldadesca. Todo ello en una magnífica y atmosférica película de género que a pesar de alguna pequeña incongruencia, resulta muy entretenida y no exenta de humor, abrazando cierto delirio, de lo más sano, por otra parte, conforme se acerca a su final. Muy lejos de la película de referencia en este género, Aguirre la cólera de Dios, pero disfrutable si no le exigimos demasiada profundidad.

Protagonizada por un excelente plantel de actores, entre los cuales destacan José Manuel Cervino, José Coronado, Raúl Arévalo, Óscar Jaenada, Antonio Dechent, Luis Callejo y Juan José Ballesta, además, de una divertida intervención de Juan Diego, con Oro, su director reincide en adaptar una obra de Arturo Pérez-Reverte, pues ya se encargó de Alatriste en 2006.

ALGO MUY GORDO (Carlo Padial, 2017)

España. Duración: 87 min. Guion: Carlo Padial, Berto Romero Música: Javier Rodero Fotografía: Diego Dussuel Productora: Zeta Cinema Género: Comedia

Reparto: Berto Romero, Carlos Areces, Carlo Padial, Carolina Bang, Miguel Noguera,Didac Alcaraz, Javier Botet

Sinopsis: ¿Y si en el proceso de hacer una ambiciosa película, los cineastas no fueran capaces de contar lo que quieren contar y descubrieran que el documento de lo que están llevando a cabo es casi más importante que la ficción que pretenden lograr? Con el ritmo de comedia de enredo que narra los avatares del rodaje de una película llena de delirantes contratiempos, Algo muy gordo es una reflexión en tono documental sobre los resortes de la comedia, la industria que fagocita el arte y la vida que, en el espacio que queda entremedias, se abre camino.

Englobada en eso que se ha dado en llamar posthumor, mucho nos tememos que parte del público que vaya a ver esta película protagonizada por Berto Romero podría llevarse un chasco con lo que propone su director Carlo Padial, pues esta moderna vertiente del humor no es apto para todo tipo de público. Difícil es el definirlo, aunque a nosotros se nos ocurre un simil que puede ayudar. O no: es como una eyaculación en seco. Sin fluido. Sin sustancia, como una tortilla deconstruida. Tampoco nos pregunten el porqué lo vemos así, pero es lo que nos sugiere. No puede negarse que durante sus casi 90 minutos esta mezcla de realidad y ficción tiene algunos puntos que llaman a la risa, faltaría más, pero  son más los momentos en los que uno busca la complicidad sin encontrarla por ningún lado. Como cuando varios amigos se enfrascan en una conversación repleta de bromas privadas que uno no puede entender.

Berto es un humorista que tiene la facultad de provocarnos la risa. Al igual que Carlos Areces. Pero Padial consigue que esto no suceda durante la mayor parte de Algo muy gordo, llegando incluso a un punto en el cual nos sentimos culpables de no colaborar, de no intentar buscar la risa, reír, maldita sea.  Llegando a pensar que es culpa nuestra: “Lo siento, Carlo, no eres tú, soy yo“, pero no es así,  el silencio reinaba en la sala durante la proyección y solo fue roto en breves momentos. Y, maldición, queremos reírnos con Algo muy gordo, queremos ser modernos y entender donde está la gracia pero, supongo que somos unos antiguos. O algo.

Lo que no impide, eso sí, que le reconozcamos a la cinta la originalidad de su propuesta que pone en primera línea el otro lado de una producción, el antes de la concreción material del producto. E incluso aceptamos que el presente necesite de nuevas formas de concebir el género de la comedia para ser expresado. Y, por supuesto, el derecho de Berto a romper con los clichés a los que parecen haberle abocado las exigencias del público. Su derecho a reinventarse. El derecho, en suma, a reformular el humor, más allá de que podamos o no conectar con sus nuevos registros. De nuevo, vayan a verla y juzguen ustedes.

YO-KAI WATCH (Yôkai Wotchi: Tanjô no Himitsu da Nyan, Shinji Ushiro y Shigeharu Takahashi, 2014)

Japón. Duración: 97 min. Guion: Takuzô Nagano, Miho Tanaka, Yôichi Katô Música: Kenichirô Saigô Productora: Level-5 / Oriental Light and Magic (OLM) / Avex Pictures / Bandai / Shogakukan / Dentsu / HTB / Big Face / TV Tokyo / Kadokawa / TSC / Toho Company Género: Comedia de animación.

Sinopsis: La historia comienza en el momento en que el joven Keita Amano se encuentra con una pequeña cápsula en el bosque para después recibir un misterioso reloj. Así es como conoce a un fantasma que se hace llamar Whisper. Este le comenta al chico que el reloj que lleva en su muñeca le ayudará a ver todo tipo de criaturas sobrenaturales, tanto buenas como malas. A partir de ese instante, Keita vivirá una gran aventura. Tendrá que viajar 60 años atrás en el tiempo para conocer a su propio abuelo de joven, y entre los dos tratar de salvar a la humanidad…

Yo-Kai Watch es toda una fábrica de personajes (AKA merchandising) dirigida a los más pequeños. Con factura televisiva, pues es un producto proveniente de ese medio, la película hace referencia a la serie, así que parte de los personajes e incluso las canciones es fácil que los más pequeños (y lo otakus) se las sepan ya, así que serán los que más disfruten de este producto.

La mecánica de estos seres, los Yo-Kai, es bastante similar a la de los pokemons: hay de muchos tipos y pelajes y para verlos será necesario un reloj especial, concretamente el del título, que utilizará el protagonista para ayudar a sus amigos a luchar contra los Yo-Kai maléficos que quieren acabar con el mundo y “espiritarte”, convertirte en uno de ellos.

En nuestra opinión no deja de ser la aventura de un niño y sus amigos -y villanos- imaginarios e invisibles, que tan solo él puede ver (además del público cómplice). Unos amigos que representan la puesta al día de los ancestrales Yo-Kai, criaturas y demonios del folclore japonés en una aventura que incluye viajes en el tiempo y que puede dar pié (y seguro que ya han dado) a video-juegos y una extensa linea de merchandising para estas fiestas, entre cuyos licenciatarios se incluyen marcas como Hasbro, Nintendo o Panini.

MUSA (Jaume Balagueró, 2017)

España/Irlanda/Francia/Bélgica. Duración: 107 min. Guion: Jaume Balagueró, Fernando Navarro (Novela: José Carlos Somoza) Música: Stephen Rennicks Fotografía: Pablo Rosso Productora: Filmax / Fantastic Films / The Jokers Films / Frakas Prods Género: Terror

Reparto: Elliot Cowan, Franka Potente, Ana Ularu, Leonor Watling, Christopher Lloyd,Manuela Vellés, Joanne Whalley.

Sinopsis: Samuel Salomon, profesor de literatura, no pisa la universidad desde la trágica e inesperada muerte de su novia. Samuel sufre una recurrente pesadilla donde una mujer es brutalmente asesinada a través de un extraño ritual. De repente, la misma mujer que aparece todas las noches en su mente es hallada muerta en idénticas circunstancias a las de su sueño. Samuel se cuela decidido en la escena del crimen para averiguar la verdad, y conoce a Rachel, una joven que asegura haber soñado con el asesinato. Juntos, harán todo lo posible para descubrir la identidad de la misteriosa mujer, sumergiéndose en un oscuro mundo gobernado por las musas que han inspirado a los poetas de todos los tiempos.

Jaume Balagueró, una vez liberado de la saga [Rec] tras la floja cuarta y última parte, ofrece con Muse un claro descenso a los infiernos, tal y como se ocupa de indicarnos el director de diversos modos, bautizando incluso a uno de sus personajes, el encarnado por Manuela Vellés, como Beatriz, ya saben la amada de Dante que le guía en La divina comedia. Tras unos magníficos títulos de crédito inspirados en los grabados de Doré y en la afición del director por los atlas de medicina (cualquier película que los incluya, en este panorama actual que los ha hecho casi desaparecer, ya gana puntos ante Serendipia) Balagueró nos introducirá en un escenario de pérdida y de culpa, como ya hiciera en su primera película, Los sin nombre (1999), cinta con la que Musa guarda varias similitudes. La húmeda neblina irlandesa envuelve este relato en el que también figurará un culto malsano con asesinatos rituales y un clímax que se desarrollará en un hospital mental abandonado, motivos fetiches en la producción del director catalán. La propuesta del director, la más compleja desde Darkness (2002), nos devuelve a un imaginativo Balagueró en un registro que no agradó a muchos de los que vieron la premiere del film en Sitges,  por considerar que repetía fórmulas sin motivo pero que, sin embargo, nos pareció ya entonces muy rico y digno de segundos visionados para apreciar en lo que vale ese universo de musas dañinas como furias en el que se nos invita a reflexionar sobre el arte de crear y su dialéctica con la vida. Lo que está en juego es la romántica posibilidad de componer el poema que ponga en pie a la materia, la posibilidad del hombre para crear en mayúsculas. Además, la cinta cuenta con la agradecida participación de Christopher Lloyd y nuestra admirada Franka Potente.

 

 

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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 3 de Noviembre de 2017 *

3 noviembre 2017 Deja un comentario

THE CRUCIFIXION (Xavier Gens, 2017)

Reino Unido-Rumanía. Duración: 90 min. Guion: Carey Hayes, Chad Hayes Música: David Julyan Fotografía: Daniel Aranyó Productora: Motion Picture Capital / Premiere Picture / The Safran Company Género: Terror

Reparto: Sophie Cookson, Corneliu Ulici, Brittany Ashworth, Matthew Zajac, Diana Vladu,Florian Voicu, Radu Bânzaru, Javier Botet, Olivia Nita, Alexis Rodney,Iván González, Radu Andrei Micu, Emil Mandanac

Sinopsis: Cuando un sacerdote es encarcelado en Rumanía, acusado del asesinato de una monja a la que realizaba un exorcismo, la periodista Nicole Rawlins investiga si el asesinato fue a una persona mentalmente enferma o, por el contrario, las acusaciones son falsas y simplemente perdió la batalla contra una presencia demoníaca. Una presencia que ahora podría estar experimentando ella misma…

Dentro de este subgénero, digamos de exorcismos, al que pertenece The Crucifixion, son ciertamente escasas las obras que han ofrecido alguna alegría al aficionado al cine de terror más allá de la fundacional El exorcista (The Exorcist, William Friedkin, 1973) y algún título como El último exorcismo (The Last Exorcism, Daniel Stamm, 2010) y exóticas curiosidades como The Priest (Geomeun SajedeulJae-hyun Jang, 2015), por poner dos ejemplos a bote pronto. El resto de propuestas han ido cayendo en repetir lugares comunes ya trillados por la cinta de William Friedkin. Y, lamentáblemente, The Crucifixion no es una excepción.

Basada, y nos atrevemos a decir que  muy libremente, en un hecho real acaecido en Rumanía en 2004, la película de Xavier Gens nos narra la investigación que iniciará una periodista (Sophie Cookson) para averiguar cuales fueron los motivos acaecidos en el fallecimiento de una monja mientras se le practicaba un exorcismo.

Pero pronto comenzarán los pasos en falso. De momento el director cae en mostrarnos un pueblo rumano en el cual sucedieron los hechos como un lugar en el que el tiempo parece haberse detenido (no olvidemos que hablamos de 2004). Con lugareños ataviados con trajes regionales y pintorescas fiestas. Tan solo falta que la protagonista entre en la posada del pueblo y todos los feligreses callen ante la llegada del forastero para convencernos de que estamos ante el modelo de Europa que tenía el cine americano de terror de la Universal. Lo cual no es óbice para que campesinos hablen perfectamente inglés aunque la tecnología digital, o simplemente la tecnología, parezca una quimera futurista. A todo esto cabe añadir que el director ha localizado la acción en arquitecturas que nos llevan de cabeza al gótico. Con siniestras iglesias, siniestros pasadizos, siniestros hospitales y, por supuesto, siniestras pesadillas con las cuales la protagonistas despertará sobresaltada buscando así el director el susto fácil.

Y es que The Crucifixion está repleta de lugares comunes, trillados en el cine de género, no siendo más que otra rutinaria película de exorcismos y, desde luego, no la más brillante.

 

 

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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 27 de octubre de 2017 *

27 octubre 2017 Deja un comentario

EL TERCER ASESINATO (Sando-me no satsujin, Hirozaku Koreeda, 2017)

Japón. Duración: 124 min. Guion: Hirokazu Koreeda Fotografía: Mikiya Takimoto Productora: Distribuida por Toho/Gaga Corporation Género: Thriller

Reparto: Masaharu Fukuyama, Koji Yakusho, Suzu Hirose, Yuki Saito, Kotaro Yoshida,Shinnosuke Mitsushima, Izumi Matsuoka, Mikako Ichikawa, Isao Hashizume

Sinopsis: El conocido abogado Shigemori defiende a Misumi, acusado de robo con homicidio, que ya cumplió pena de cárcel por otro asesinato hace treinta años. Las posibilidades de que Shigemori gane el caso son escasas, ya que su cliente reconoce ser culpable, aunque esto probablemente signifique la pena de muerte. Pero a medida que desentraña el caso y escucha los testimonios del propio Misumi y de su familia, Shigemori empieza a dudar de la culpabilidad de su cliente.

Tras la brillante Nuestra hermana pequeña (Umimachi Diary, 2015) y la muy interesante Después de la tormenta (Umi yori mo mada fukakuaka, 2016), Hirokazu Koreeda vuelve a nuestras pantallas con este atípico drama judicial cuya resolución dejará en manos del espectador. Protagonizado por Masaharu Fukuyama, que en su papel de abogado defensor del presunto asesino, encarnado por el prestigioso Kôji Yakushonos representará también a nosotros, junto a él intentaremos responder a todas las preguntas sobre este caso: si realmente su cliente ha cometido este tercer crimen tras cumplir 30 años de prisión por asesinar a dos hombres o, en caso de haberlo hecho, los motivos que podrían haberle llevado a ello, pues su defendido cambia constantemente la versión de los hechos. 

Koreeda, que cuenta también con la colaboración de Suzu Hirose, joven actriz a la que el director dio la alternativa con Nuestra hermana pequeña, convertirá la investigación del abogado en una labor detectivesca, manteniendo la intriga y los interrogantes abiertos hasta el último plano y más allá, pues como hemos comentado tras exponer y darnos a conocer todos los hechos, el espectador deberá decidir qué versión del misterio se ajusta a la realidad, dejando un poso en el espectador que permanece activo tras el visionado de la película.

Pero Koreeda también hace que nos cuestionemos la validez que puede tener para la sociedad moderna la existencia de la pena capital y más allá de ello nos trae una reflexión sobre la difícil persecución por establecer la verdad de un hecho y los entresijos de la justicia legal en la que priman los intereses personales de letrados y jueces. Todo ello expuesto brillantemente con la cadencia reposada que caracteriza al cine oriental y una puesta en escena cuya sintaxis se revela con valor tanto narrativo como expresivo.

Tras su paso por la sección competitiva del Festival de Venecia, El tercer asesinato se presentó en la sección Perlas de San Sebastián, festival al que director nipón acude cada año a presentar sus trabajos de la mano de Golem;  Still Walking/Caminando, Kiseki/MilagroDe tal padre tal hijo, Después de la tormenta  o Nuestra hermana pequeña son algunos ejemplos de su filmografía vista en el festival donostiarra y estrenadas con éxito en nuestro país.

EN CUERPO Y ALMA (A teströl és a lélekröl, Ildikó Enyedi, 2017)

Hungría. Duración: 116 min. Guion: Ildikó Enyedi MúsicaAdam Balazs Fotografía: Máté Herbai Productora: Inforg-M&M Film Kft Género: Comedia dramática

Reparto: Morcsányi Géza, Alexandra Borbély, Ervin Nagy, Pál Mácsai, Júlia Nyakó,Tamás Jordán, Gusztáv Molnár, István Kolos, Annamária Fodor, Itala Békés,Vince Zrínyi Gál, Attila Fritz, Zoltán Schneider, Réka Tenki, Rozi Székely,István Dankó

Sinopsis: María comienza a trabajar como supervisora en un matadero de Budapest, pero pronto comienzan a surgir cotilleos y rumores sobre ella. Durante el almuerzo opta siempre por sentarse sola, y es consciente de sus deberes y obligaciones, con un estricto apego a las normas. Su mundo se compone de cifras y datos impresos en su memoria desde la primera infancia. Endre, su jefe, es un tipo tranquilo. Ambos empezarán a conocerse lentamente. Almas gemelas, se sorprenderán de compartir los mismos sueños. Con cautela, tratarán de convertir esos sueños en realidad.

Premios: Oso de Oro (Mejor película) Festival de Berlín . Mejor película Festival de cine de Sydney.

Una atípica y deliciosa historia de amor entre dos restos de serie, dos seres bien diferentes y, aparentemente, perdidos para el amor. Restos de naufragio. Uno de ellos, Endre (Géza Morcsányi)  hastiado de la búsqueda, con varias cicatrices en su corazón y el otro, Márià (Alexandra  Borbély), una introvertida y tímida superdotada con obsesión por el orden. Cauta, como un animal asustado. Ambos trabajan en la misma empresa, un matadero, y verán unidos sus destinos cuando averigüen que comparten (textualmente) los mismos sueños. Un hecho sobrenatural que adentra la narración dentro de los límites del fantástico, pero que servirá de excusa para que estos seres entablen una relación en una película que nos habla de soledad y de aceptar al diferente, y todo ello en un marco onírico pero a la vez  tremendamente realista, sin rechazar mostrar al espectador algunas crudas escenas realizadas en el matadero, plenas de hemoglobina, que podrían molestar a los más mojigatos. También contiene unas agradecidas dosis de humor negro y humor a secas, sano, con el que reírse de los personajes y de sus manías y, porqué no, de nosotros mismos.

En cuerpo y alma supone el triunfal retorno a la dirección de Ildikó Enyedi, Cámara de Oro en Cannes en 1989 por su opera prima My 20th Century,  tras 18 años de silencio cinematográfico, en los cuales ha seguido trabajando realizando diversas funciones relacionadas con el cine.

JERICÓ, EL INFINITO VUELO DE LOS DÍAS (Catalina Mesa, 2016)

Francia/Colombia. Duración: 78 min. Fotografía: Catalina Mesa Productora: Miravus / Saviadulce Género: Documental

Reparto: Cecilia Bohórquez, Manuela Montoya, Elvira Suárez,María Fabiola García, Luz Gonzáles, Licina Henao, Ana Luisa Molina

Sinopsis: Umbral entre documental y ficción, ‘Jericó, el infinito vuelo de los días‘ es un caleidoscopio de retratos íntimos de mujeres del pueblo de Jericó, en Antiquia, Colombia. A través de un itinerario sensible y musical se tejen los encuentros y las conversaciones entre ellas, de edades y condiciones sociales diferentes. Una a una se van revelando sus historias de vida, sus espacios interiores, su sentido del humor y su sabiduría. Facetas profundas y auténticas del espíritu femenino de nuestra cultura que celebran y preservan el patrimonio inmaterial colombiano.

¿Estamos ante un documental? No del todo pues los ‘actores’ están dirigidos, aunque no sus diálogos y conversaciones, totalmente improvisadas. En todo caso no nos encontramos ante un documental tipo bustos parlantes, muy al contrario, la directora, Catalina Mesa, no deja notar su presencia y nos muestra a estas mujeres en su entorno, haciendo lo que hacen habitualmente, cocinar, coser, ir a misa, pasear, hablar… actividades que dicen mucho también sobre ellas.

Jericó ‘El infinito vuelo de los días’ es una película de mujeres. De mujeres auto-suficientes. Ancianas, alguna de ellas centenaria, que nos hablarán de su vida. Y de la vida, en abstracto. De la fe católica que profesan profundamente. De hombres, claro, hombres que pasaron por su vida dejando surcos. De felicidad y de tristezas. Pero con el nexo de ser mujeres sabias, de diferentes extractos sociales, viajeras, cultivadas, beatas, analfabetas, y todas residentes en la pintoresca población colombiana de Jericó, lugar de ensueño en el que la vida parece recuperar su ritmo contemplativo.

La música también es importante en esta película, que además de como cortinilla para cambiar de protagonista,  muestra el lugar y las costumbres y modos de vivir de estas señoras, que conservan mucha frescura y naturalidad ante la cámara, consiguiendo ignorarla en muchas ocasiones, como si no estuviera, ofreciendo momentos divertidos junto a otros tristes y de gran intimidad, en unos hogares impecables, que huelen a limpio, llenos de flores y de imágenes de santos, pero también de fotografías de los que ya no están.

Magníficamente montada, la deliciosa hora y cuarto de metraje de esta bonito crisol de vida que es Jericó se pasa en un suspiro: ¡Quién tuviera 40 años menos y un corazón vagabundo!

 

 

 

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BLADE RUNNER 2049

20 octubre 2017 Deja un comentario

Blade Runner 2049 (Denis Villeneuve, 2017)

USA Duración: 152 min. Guion: Hampton Fancher, Michael Green Música: Jóhann Jóhannsson, Hans Zimmer, Benjamin Wallfisch Fotografía: Roger Deakins Productora: Warner Bros. Pictures / Scott Free Productions / Thunderbird Films / Alcon Entertainment Género: Ciencia ficción

Reparto: Ryan Gosling, Harrison Ford, Ana de Armas, Jared Leto, Sylvia Hoeks,Robin Wright, Mackenzie Davis, Carla Juri, Lennie James, Dave Bautista, Barkhad Abdi, David Dastmalchian, Hiam Abbass, Edward James Olmos

Sinopsis: Treinta años después de los eventos del primer film, un nuevo blade runner, K (Ryan Gosling) descubre un secreto largamente oculto que podría acabar con el caos que impera en la sociedad. El descubrimiento de K le lleva a iniciar una búsqueda de Rick Deckard (Harrison Ford), un blade runner al que se le perdió la pista hace 30 años.

Blade Runner 2049 tiene ante sí un reto nada envidiable. Naturalmente no el de hacer olvidar o superar a Blade Runner (Ridley Scott, 1982), pero sí el de ofrecer una historia y una película digna, que añada mitología a la cinta de Scott sin empañar el recuerdo de su tan innovadora película.

Y es que Blade Runner fue (y continúa siendo) una de las películas más influyentes de la historia del cine. Su filosofía y su estética cyberpunk ha transcendido formando parte del legado cultural del pasado siglo. Es una obra perfecta, a pesar de que su creador quisiera posteriormente retocar la del estreno. Perfecta y abierta a interrogantes, cuestiones e interpretaciones, como es natural y debe de ser en toda obra de arte. Así que  estarán con nosotros en que  realizar una secuela es un reto. Recientemente hemos podido ver la gran estafa que se ha realizado con Star Wars, que ha iniciado una nueva y ¿última? trilogía contentando a los fans más acérrimos a base de ignorar el sentido común ¿cómo? repitiendo la fórmula inicial aunque cambiando, más o menos, algunos elementos pero narrando, hasta en los últimos detalles, la misma historia que se contó en 1977. Un revolucionario fraude que ha parecido satisfacer a la mayor parte de los seguidores de la serie.  Así que, en estos tiempos en los cuales se apuesta por el rédito inmediato, estaba cantado que en algún momento le tocaría a Blade Runner. Y ese momento ha llegado.

“Para mí, Blade Runner 2049 es una carta de amor a Blade Runner” confiesa Denis Villeneuve. El canadiense reconoce así su respeto por la obra de 1982 y su voluntad de poner su filme bajo la estela de aquel. Y es que el clásico de Scott repasaba una serie de preocupaciones sociales que han ido en aumento: el deterioro urbano, el cambio climático, la ingeniería genética, la sobrepoblación, la división social, los estratos económicos… Cuando estamos alcanzando ya el futuro que enunciaba la original (la acción se situaba en 2019) su discurso está más vigente que nunca, pero, si ello es así, no es sólo por su virtud anticipadora sino también por su enraizamiento en uno de los grandes motivos culturales de Occidente, la transgresión prometeica, la voluntad de traspasar las limitaciones humanas hasta elevarse a una condición casi divina. Expresa el anhelo de crear vida desde la nada. Así, la figura del replicante es una nueva máscara del nuevo Prometeo encadenado shelleyniano, un ser creado por el hombre a su semejanza y del que los humanos adjuran cuando su potencial les convierte en amenaza, una criatura que enfrentará a su creador por haberle dado forma y, a la vez, haberle condenado a ser visto como un monstruo. El replicante, como Frankenstein, nos enfrenta a la pregunta sobre qué es lo que nos hace humanos. Blade Runner no era simplemente una distopía a través de la que advertir de los males sociales presentes, era (y es) un cautivador drama sobre la humanidad.

“¿Qué define a un ser humano?” Esa es la pregunta que se plantea el director Denis Villeneuve. El mundo de Blade Runner 2049 es una extensión de Blade Runner, en las dos películas hay humanos y replicantes, y, aunque estos se parecen mucho entre sí, son considerados distintos, ya que unos han nacido y otros han sido creados artificialmente. La diferencia innata entre ellos es que alguien que nace se considera que tiene alma. Pero, ¿cuál es la naturaleza del alma? Y, ¿es eso algo exclusivamente humano? En la cinta de Villeneuve encontramos las preguntas fundamentales del universo que inauguró Scott y las respuestas vuelven a apuntar que la raíz de lo humano se localiza en la capacidad de sentir y expresar emociones. Y, más allá aún, la posibilidad de ponerse en la piel de otros hasta el punto de aceptar sacrificarnos por el bien de los demás. Esa es la conclusión de la búsqueda de K, el nuevo Blade runner protagonista, su investigación sobre sus propios orígenes, sobre la posibilidad de que él haya sido un ser nacido y no un ente artificial, acaba conduciendo a la única respuesta posible, lo humano se juega en el campo de la posibilidad de ser héroe más allá de cuál haya sido nuestro origen. Toda vivencia está condenada a perderse como lágrimas en la lluvia, pero la aventura humana se trasciende a sí misma en el ADN de la memoria de las generaciones venideras por las que nos hemos esforzado, por las que hemos llegado a sacrificarnos.

La peripecia argumental no es lo más destacable de la cinta de Villeneuve, una trama en la que se combina el thriller de acción con la ciencia ficción y que se desarrolla con buen ritmo, sin bajadas de interés, pero con una cierta precipitación en el tercer acto donde las revelaciones se suceden mediante el desarrollo de subtramas que no habían sido significativamente expuestas en el curso de la acción. Donde sí brilla la dirección del canadiense es en el meticuloso cuidado con el que mima todos los aspectos técnicos de la puesta en escena. Es ahí donde logra emparentarse con la cinta de Scott expandiendo su universo, todo el esfuerzo del director y su equipo está puesto al servicio de dar encarnación a ese futuro que supone esta cinta con referencia a su antecesora.

Se trataba de impulsar la película original a su futuro más probable, en Blade Runner la naturaleza estaba colapsando, así que 30 años después la tierra había de tener unas condiciones climáticas mucho más severas, y eso se refleja en todo, desde la arquitectura a los vehículos o la ropa. Para lograr esto, Villeneuve formó equipo con el director de fotografía Roger Deakins, el diseñador de producción Dennis Gassner y la diseñadora de vestuario Renée April. Podría decirse que la mayor impronta visual de la primera Blade Runner fue su atmósfera oscura, húmeda y opresiva, la premisa de Villeneuve es que esas condiciones no habrían cambiado a mejor en treinta años, así su propuesta visual pasa por diseños lumínicos y patrones complejos que introducen los efectos de la nieve y el barro en la fotografía. Por su parte, el diseñador de producción Dennis Gassner recuerda como “la primera cosa que le pregunté a Denis fue que, si tuviera que definir el diseño con una palabra, ¿cuál sería? Y Denis dijo, ‘Brutal. Quiero que la arquitectura sea brutal’.” En Blade Runner 2049 todo está diseñado alrededor de la supervivencia, desde la tecnología a la arquitectura, así los edificios fueron diseñados para resistir el clima, hasta el punto de que muchos de ellos parecen refugios subterráneos; el resultado es un escenario más pulcro en sus líneas, más geométrico, pero, a la vez y paradójicamente, más sucio. El entorno en el que se desenvuelven los personajes es aún más hostil que en la original, un entorno en el que la naturaleza como la conocemos ya no está presente, en su lugar nos encontramos con el imperio de lo sintético y artificial, estas condiciones marcaron el trabajo de Renée April. “Es un entorno duro. Llueve y a veces nieva. Ese fue nuestro punto de partida. Para los materiales, trabajé mucho con piel sintética y plástico, con el que nunca había trabajado. No podía usar cuero ni lana ni ningún material orgánico, ya que no existirían más, así que todo era sintético y creado por el hombre. También usamos tallas grandes por el frío” explica April. La suma de estos factores técnicos, junto con la utilización de decorados físicos (apenas se usa el croma durante su largo metraje) y la inspirada banda sonora de Hans Zimmer, dan pie al alumbramiento de un filme con entidad propia llamado a convertirse en uno de los blockbusters más poderosos del año.

Denis Villeneuve ha sabido darle la vuelta a lo que era, básicamente, un encargo de una major para convertirlo en una película personal que elude todos los defectos de otras secuelas para convertirse en una cinta que puede respirar con autonomía respecto a su antecesora. Su filme demuestra que no está reñido construir un producto comercial con la capacidad de elaborar una cinta de autor. Blade Runner 2049 es una de esas películas donde la suma de las mejores partes sí da una enorme obra cinematográfica. Un buen bocado de distopía con un universo propio enormemente disfrutable a pesar de su largo metraje y su tempo pausado. No será de culto, pero sí merecerá ocupar un buen lugar en la historia de cine de ciencia ficción.

 

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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 20 de octubre de 2017 *

20 octubre 2017 Deja un comentario

HANDIA (Aundiya, Aitor Arregi y Jon Garaño, 2017)

España. Duración: 114 min. Guion: Jon Garaño, Aitor Arregi, Jose Mari Goenaga, Andoni de Carlos Música: Pascal Gaigne Fotografía: Javier Agirre Productora: Irusoin / Kowalski Films / Moriarti Produkzioak Género: Drama

Reparto: Ramón Agirre, Eneko Sagardoy, Joseba Usabiaga, Aia Kruse, Iñigo Aranburu, Iñigo Azpitarte

Sinopsis: Tras haber luchado en la Primera Guerra Carlista Martín (Joseba Usabiaga), vuelve a su caserío familiar en Gipuzkoa y allí descubre con sorpresa que su hermano menor, Joaquín (Eneko Sagardoy), es mucho más alto de lo normal. Convencido de que todo el mundo querrá pagar por ver al hombre más grande sobre la Tierra, ambos hermanos se embarcan en un largo viaje por Europa en el que la ambición, el dinero y la fama cambiarán para siempre el destino de la familia. Una historia inspirada en hechos reales.

Tras rodar la magnífica Loreak (2014), Arregi y Garaño recurren de nuevo a un registro repleto de sensibilidad para contarnos la historia de Mikel Jokin Eleizegi Arteaga, el mítico Gigante de Altzo (Guipúzcoa), que nació durante la segunda mitad del siglo XVIII. De estatura normal hasta que cumplió los 20 años, a esa edad Mikel desarrolló la acromegalia,  una enfermedad que le condenó a crecer sin pausa hasta su fallecimiento, a los 43 años, con casi dos metros y medio. A pesar de su popularidad, que le llevó a ser recibido por la reina Isabel II o a actuar por Europa, el guipuzcoano fue infeliz toda su vida considerándose a sí mismo un aborto de la naturaleza.

La del gigante de Altzo es una historia triste y Arregi y Garaño saben cogerle bien el pulso,  recreándose en los maravillosos paisajes naturales de Euskadi y diseñando unos personajes que reflejan la pesadumbre de aquel mundo rural que estaba ya condenado a perder su fuerza y su valor en plena Revolución Industrial. Handia es la historia de la derrota de un pueblo, el vasco, que había apoyado a Carlos Hugo de Borbón Parma no por razones dinásticas sino para conservar sus fueros, contada desde la perspectiva de esos dos hermanos que la enfrentaron de tan diferente forma, uno siendo arrebatado por la leva para regresar como vencido, el otro permaneciendo en el caserío y contrayendo la enfermedad. Es también la historia de un sueño, el hacer las Américas, que se quiebra dejando un mensaje desolador: solo los adaptados sobreviven.

Un drama de altura cuyos  sorprendentes efectos especiales  nos harán creer en todo momento que estamos en presencia de un auténtico gigante, algo a lo que también contribuye su magnífico maquillaje, que recrea la enfermedad que también padecieron actores como Rondo Hatton o Richard Kiel.

LA PIEL FRÍA (Cold Skin, Xavier Gens, 2017)

España/Francia. Duración: 101 min. Guion: Eron Sheean, Jesús Olmo (Novela: Albert Sánchez Piñol) Fotografía: Daniel Aranyo Productora: Babieka / Kanzaman / Gran Babieka / Ink Connection / Pontas Film, Literary Agency Género: Fantástico

Reparto: David Oakes, Ray Stevenson, Aura Garrido, John Benfield, Iván González,Ben Temple

Sinopsis: En una isla perdida en medio del océano, dos hombres se defienden, noche tras noche, resguardados en un faro, del asedio de unas extrañas criaturas marinas. Sometidos a la extrema tensión, sin entender las razones del ataque, tendrán que replantearse cómo enfrentarse a lo desconocido.

Esta adaptación de la exitosa obra de Albert Sánchez Piñol cumple sobradamente su misión, respetando la novela y trasladando eficazmente la narración al lenguaje cinematográfico. Gens escoge dos ritmos narrativos distintos según avanza la acción, cercano al relato de aventuras tipo Robert Louis Stevenson o Julio Verne en su inicio, para pasar después a sumergirse en lo abisal con toques del Lovecraft más imbuido en sus mitos. Todo ello finaliza con un mensaje anti colonizador y pacifista que aboga por el respeto a la diferencia.

Alimañas nocturnas de piel húmeda, mitad pez/mitad hombre serán la única compañía de dos hombres que lucharán noche tras noche contra estos seres, movidos por el instinto de supervivencia, pero también luchando por recobrar el sentido de sus vidas. La cautividad y la continua lucha les llevan a un viaje al centro de sus entrañas, donde se entremezcla lucidez y enajenación, rechazo y deseo, crueldad y amor, hacia lo desconocido.

La piel fría de Gens es una película de atmósfera, su factura visual es impecable y nos hace sentir el aislamiento en el que viven sus personajes, sentimos frialdad, la frialdad abismal que pende sobre las existencias de sus protagonistas. Sin embargo, esa atmósfera es tan acaparadora que los hilos de la historia se pierden, parece que no todo quede contado y así se hace difícil la lectura del mensaje último que quiere transmitirnos. En su haber positivo, merece, y mucho, destacarse el maquillaje y la actuación de Aura Garrido pues el de Aneris (sirena a la inversa), el ser anfibio retenido en el faro, es un difícil y arriesgado papel que sin lugar a dudas habrá supuesto un tan gran trabajo a la actriz como escaso reconocimiento, pues su rostro está totalmente oculto y la actriz resulta irreconocible. Sin lugar a dudas un reto actoral que supera con nota.

Presente en el Festival de Sitges, aunque fuera de competición, esta cinta de Xavier Gens tuvo una buena acogida sumándose a otras grandes favoritas del director como Frontier(s) (2007) o The Divide (2011).

 

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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 12 de octubre de 2017 *

12 octubre 2017 Deja un comentario

LA SUERTE DE LOS LOGAN  (Logan Lucky, Steven Soderbergh, 2017)

USA. Duración: 119 min. Guion: Rebecca Blunt Música: David Holmes Fotografía: Steven Soderbergh Productora: Trans-Radial Pictures / Free Association Género: Comedia

Reparto: Channing Tatum, Adam Driver, Farrah Mackenzie, Riley Keough, Daniel Craig,Katie Holmes, Charles Halford, Seth MacFarlane, Jack Quaid, Brian Gleeson,Katherine Waterston, Dwight Yoakum, Sebastian Stan, PJ McDonnell,Robert Fortner, Hilary Swank, David Denman

Sinopsis: Intentando revertir una maldición familiar, tres hermanos, Jimmy (Channing Tatum), Mellie (Riley Keough) y Clyde Logan (Adam Driver), intentan llevar a cabo un gran atraco durante una importante carrera de coches en Concord, Carolina del Norte.

Como ya pasaba en ese, no nos cansaremos de señalarlo, remake americano de Los dinamiteros (Juan García Atienza, 1964) llamado Un golpe con estilo (Going in Style, Zach Braff, 2017), son los más desprotegidos los que planean robar al ladrón para poner un poco de justicia y orden en sus economías y de paso, cual Robin Hood en la de los más desfavorecidos de su entorno. Y el ladrón está encarnado en ambas por el sistema capitalista y la banca, su representante en la Tierra. Si en Un golpe con estilo (y sí, también en Los dinamiteros) eran los jubilados los que se rebelaban, en La suerte de los Logan son los perdedores, la basura blanca del sur de Estados Unidos, que ha sido mutilada en guerras absurdas a las que han embarcado para defender los intereses de un sistema que después los rechaza por las mellas que les ha infligido. Pequeños delincuentes hartos de haber pasado una vida en la cárcel, excombatientes haciendo horas en trabajos agotadores… la suerte de Jimmy Logan es la suerte del que lo único bueno que ha tenido en su vida es su hija, a la que poco más que su cariño puede ofrecerle, pues para más desgracia, acaban de despedirlo de su trabajo por un ligera cojera. Ese será el punto de ebullición que le hará idear un plan para hacerse con la recaudación de una importante carrera de coches que va a celebrarse en su localidad. Y esta historia, un tanto deprimente, Soderbergh la retrata con un saludable tono de comedia capitaneada por un magnífico reparto y aderezada con una fantástica banda sonora compuesta a base de bien seleccionado Rock y música de Garage. Todo ello al servicio de una historia de superación, de dignidad en una película muy agradable, inteligente y divertida.

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