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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 14 de diciembre de 2018 *

14 diciembre 2018 Deja un comentario

ANA Y EL APOCALIPSIS (Anna and the ApocalypseJohn McPhail, 2018)

USA/UK. Duración: 92 min. Guion: Alan McDonald, Ryan McHenry Música: Roddy Hart, Tommy Reilly Fotografía: Sara Deane Productora: Blazing Griffin / Parkhouse Pictures. Distribuida por Orion Pictures Género: Musical

Reparto: Ella Hunt, Malcolm Cumming, Sarah Swire, Christopher Leveaux, Ben Wiggins,Marli Siu, Mark Benton, Paul Kaye, Ella Jarvis, Calum Cormack

Sinopsis: La tranquila localidad de Little Haven se ve invadida por una horda de muertos vivientes que amenazan con chafarles las fiestas navideñas. Anna y sus amigos harán frente a la amenaza con toda su energía, sobreviviendo a muñecos de nieve zombificados, salvajes despedidas de soltero y adolescentes desenfrenados. ¡Y aún les sobrarán fuerzas para marcarse unos números musicales!

John McPhail es una joven director escocés fogueado en la comedia que en su segundo largometraje aborda, sin abandonar la comedia, un musical… con zombies. Y la verdad es que el experimento lo supera con nota pues el filme tiene gore, con sus correspondientes explosiones de cabezas y evisceraciones; un muy competente lote de canciones; y gags de lo más simpático, responsabilidad, en su mayoría, de la simpática protagonista, Ella Hunt.

Un relato ideal para estas fiestas, con la suficiente angustia juvenil como para interesar desde su inicio, consiguiendo que la historia y sus protagonistas capten la atención del espectador hasta que el director, que se toma su tiempo, levante a los muertos, que no cejarán en su empeño de alimentarse con las vísceras de los habitantes de Little Haven.

Una pequeña pieza, humilde pero muy amena, que pasó casi desapercibida en su pase durante una maratón nocturna en el Festival de Sitges y que Segarra Films recupera para disfrute navideño.

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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Miércoles 5 de diciembre de 2018 *

5 diciembre 2018 Deja un comentario

SUSPIRIA (Luca Guadagnino, 2018)

Italia/USA. Duración: 152 min. Guion: Dave Kajganich (Personaje: Dario Argento, Daria Nicolodi) Música: Thom Yorke Fotografía: Sayombhu Mukdeeprom Productora: First Sun / Frenesy Film Company / MeMo Films / Amazon Studios / Mythology Entertainment / K Period Media / Muskat Filmed Properties / Vega Baby Releasing. Distribuida por Amazon Studios Género: Terror

Reparto: Dakota Johnson, Tilda Swinton, Chloë Grace Moretz, Mia Goth, Jessica Harper, Sylvie Testud, Angela Winkler, Malgorzata Bela, Renée Soutendijk, Ingrid Caven,Lutz Ebersdorf, Vanda Capriolo, Toby Ashraf, Fabrizia Sacchi, Elena Fokina,Christine Leboutte, Olivia Ancona

Sinopsis: Susie Bannion (Dakota Johnson) es una joven estadounidense que viaja a Berlín para cursar sus estudios de danza en una de las escuelas más prestigiosas del mundo, dirigida por Madame Blanc (Tilda Swinton). El mismo día en el que ingresa en la escuela, una de las alumnas recientemente expulsada es asesinada. No se trata de un hecho aislado, lo que hace sospechar a la brillante estudiante sobre la implicación de la escuela en los homicidios. Su desconfianza aumenta cuando una compañera le cuenta que antes de que Pat muriera, ésta le confesó que conocía un terrorífico secreto. Remake del clásico giallo dirigido por Dario Argento en 1977, ‘Suspiria’.

Después de su sonoro debut en el largometraje de ficción con Melissa P. (2005), con María Valverde encarnando a una adolescente que narra sus experiencias sexuales y tras su primera colaboración con Tilda Swinton en Yo soy el amor (Io sono l’amore, 2009), Luca Guadagnino rodó Cegados por el sol (A Bigger Splash, 2015) en la que repetía con Swinton e incorporaba en el reparto a Dakota Johnson y con la que el director abordaba su primer remake, en este caso de La piscina (Le piscine, Jacques Deray, 1969). Pero la consagración  llegó con la excelente Call Me by Your Name (2017). A pesar de todo ello, el anuncio de que se disponía a abordar una obra tan personal como Suspiria, de Dario Argento, se antojaba un tanto absurda y despertaba cierto temor.

La acción de Suspiria se desarrolla en el convulso Berlín de 1977, el mismo año en el que se estrenó la original de Argento. Tenemos también una escuela de danza dirigida por inquietantes damas que trasmiten su condición de hermandad de brujas, con el baile y las coreografías como aquelarres, invocaciones. La Suspiria de Guadagnino se enmarca en ese grupo de películas de terror de última hornada en las cuales parece no pasar nada, pero lo extraño se oculta en cada fotograma y lo maligno acecha en lo más cotidiano, teniendo en el clímax su eclosión.  Respiren tranquilos los fans de Argento, pues la película que ha dirigido el palermitano poco o nada tiene que ver con la original más allá de la presencia de las tres madres y el marco de acción desarrollado en una escuela de danza. Guadagnino ha sido lo suficientemente inteligente como para no intentar hacer algo parecido al original y su película tiene gran belleza, pero… Sí, ya llegaron los peros: abre tantas subtramas y caminos sin salida que consigue que el espectador se pierda intentando comprenderla y… a todo esto llega su conclusión, su bella, delirante y excesiva conclusión.

En todo caso la otra parte de Proyecto Naschy, infinitamente más juiciosa que esta que les está hablando, ha escrito sus impresiones sobre esta película y es posible que estén más  de acuerdo con lo que ella explica. Pero sea como sea,  Suspiria es una de esas películas que  HAY QUE VER.

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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 30 de Noviembre de 2018 *

30 noviembre 2018 Deja un comentario

ENTRE DOS AGUAS (Isaki Lacuesta, 2018)

España. Duración: 136 min. Guion: Isa Campo, Isaki Lacuesta, Fran Araújo Música: Raül Refree, Kiko Veneno Fotografía: Diego Dussuel Productora: La Termita Films / B-Team Pictures / All Go Movies / Mallerich Films Paco Poch / Bord Cadre Films / Studio Indie Productions Género: Documental
Reparto: Israel Gómez Romero, Francisco José Gómez Romero,Rocío Rendón, Yolanda Carmona, Lorrein Galea, Manuel González del Tanago
Sinopsis: Isra y Cheíto son dos hermanos gitanos. Isra está encarcelado por narcotráfico y Cheíto enrolado en la Marina. Cuando Isra sale de la cárcel y Cheíto termina una larga misión que le ha llevado a Somalia y las Seychelles, ambos regresan a la Isla de San Fernando. El reencuentro de los hermanos renovará el recuerdo de la muerte violenta de su padre cuando eran niños. Han pasado doce años desde ‘La Leyenda del Tiempo’, la primera película de Isaki con los hermanos Isra y Cheíto. Ahora Isra tiene 26 años y regresa a la Isla de San Fernando para intentar recuperar a su mujer y a sus tres hijas.

En 1994 Ricardo Franco llevaba de nuevo al cine a la familia Panero, Después de tantos años, todo un retrato amargo de la deriva de los hijos del llamado “Poeta de Franco” casi cuatro lustros después de que Jaime Chavarri los llevara por primera vez a la pantalla en El desencanto, un díptico que funde lo sórdido y lo poético y que se inscribe con letras de oro en la lista de obras indispensables del cine español. En esta línea se instala Isaki Lacuesta al dar a luz a otro díptico esencial para la historia del documental ficcionado, doce años después de La leyenda del tiempo retoma las vidas de sus protagonistas para dar cuenta de sus azares, sus elecciones y sus distintas maneras de enfrentar la muerte violenta del padre, en una segunda parte que parece tomar su nombre del título que hizo mundialmente famoso a Paco de Lucía, Entre dos aguas.
La cámara sigue de cerca a los personajes, como si quisiera ver por sus ojos, nos muestra en planos cortos su piel tatuada, todo un mapa en el que se registran sus vidas, se entretiene en detalles, a veces casi minucias, en un afán por ser fiel a la realidad desde la dramatización, unos cuantos flashbacks certeros bastan para situar el recorrido de sus actos, y todo ello completa un ejercicio en el que lo real da pauta a lo ficticio y la ficción explica la realidad. Ese afán por trenzar los dos pies en los que se asienta la cinta es el que explica (y excusa) su dilatado metraje, 135 minutos de representación en la que los recursos expresivos se pretenden invisibles para mostrar intacta la experiencia de sus personajes.
Dos hermanos, dos formas de enfrentar la muerte del padre, dos caminos para superar el trauma. Contra todo pronóstico es Cheíto el que, a pesar de ser intelectualmente algo disminuido, ha sabido madurar y sacar adelante a su familia, el que se ha marcado objetivos y sueños que se esfuerza por cumplir, enrolado como cabo de cocina en el buque Castilla de la Armada, aspira a tener un día su propia panadería. Isra, en cambio, ha terminado desplazado, en una espiral de cárcel, paro, drogas y, sobre todo, falta de autoestima causada por su propia inmadurez. Dos vidas que sentimos desarrollarse a lo largo de la duración del filme, como si la propia película fuera el vehículo de su catarsis, especialmente emotiva es la escena en la que los dos hermanos lloran evocando al padre, a su muerte violenta tal como cada uno la vivió, un llanto purificador a través del que Cheíto ejerce de hermano mayor que quiere ayudar al menor a salir del pozo en el que él mismo se ha enterrado.
Siendo un retrato individual, Entre dos aguas tiene mucho de crónica social. La película nos muestra una realidad que se vive en la España actual, ahí, en las orillas de la sociedad, más allá de los guetos y los extrarradios. Pobreza extrema y chabolismo, no es necesario ir al tercer mundo para ver escenas de este tipo, con lugares miserables habitados por individuos que viven al margen, con el delito siempre sobrevolando en sus existencias. Entre dos aguas, con sus modos líricos, con sus perfiles intimistas, es también cine denuncia sin necesidad de ser ácida. Lacuesta cierra su obra con puntos suspensivos, con un instante feliz que tal vez… Y ahí, en la suspensión de la esperanza, cerramos también este comentario.
Premios
2018: Festival de San Sebastián: Concha de Oro – mejor película
2018: Festival de Mar del Plata: Mejor película y actor (Gómez Romero)

VIUDAS (Widows, Steve McQueen, 2018)

UK. Duración: 128 min. Guion: Gillian Flynn, Steve McQueen (Personajes: Lynda La Plante) Música: Hans Zimmer Fotografía: Sean Bobbitt Productora: 20th Century Fox / New Regency Pictures / See-Saw Films / Film 4. Distribuida por 20th Century Fox Género: Thriller

Reparto: Viola Davis, Michelle Rodriguez, Elizabeth Debicki, Cynthia Erivo, Colin Farrell,Brian Tyree Henry, Daniel Kaluuya, Jacki Weaver, Carrie Coon, Robert Duvall,Liam Neeson, Jon Bernthal, André Holland, Garret Dillahunt, Kevin J. O’Connor,Lukas Haas, Manuel García-Rulfo

Sinopsis: Adaptación cinematográfica de ‘Las viudas’ (‘Widows’), miniserie británica de 1983, aquí ambientada en Chicago en la actualidad, sobre cuatro mujeres con nada en común excepto una deuda heredada por las actividades criminales de sus difuntos maridos. Verónica (Viola Davis), Alice (Elizabeth Debicki), Linda (Michelle Rodriguez) y Belle (Cynthia Erivo), deciden tomar las riendas de su destino y conspiran para forjarse un futuro con sus propias reglas. Con guion de Gillian Flynn (‘Perdida’).

La cuarta cinta de Steve McQueen es puro cine ya desde su inicio, esa magistral introducción pre-títulos. Y es que si bien nos convenció más en Shame (2011) que con 12 años de esclavitud (12 Years a Slave, 2013), con Viudas el director se confirma como uno de los más prometedores e interesantes de los últimos años. Sabe captar el interés del espectador sin explicarle todo como si fuera poco menos que tonto, jugando de igual a igual con el público, algo que se agradece, en esta historia de corrupción e intrigas entre criminales y políticos, sanguijuelas que, sin importar color o religión, no se detendrán ante nada ni nadie y se aliarán, si es necesario, con el diablo para asegurarse su ascenso a Concejal del Distrito. Ambos contendientes demostrarán ser igual de repugnantes y ruines. Ambos tendrán sus negros motivos para aspirar al poder.

Pero, sobre todo, lo que tiene Viudas es un total protagonismo femenino y un claro mensaje feminista, eso sí, sin proclamas ni pancartas. Todos los personajes masculinos son egoístas y negativos. Así, al morir las parejas de las tres mujeres protagonistas,  descubrirán que no tenían nada, no poseían nada y todo era un espejismo. Una negra, una hispana, una mujer maltratada y una madre soltera luchadora se aliarán para hacer cambiar su destino, el que los hombres les han marcado. Saliendo más fuertes. Reforzadas. Poderosas. Dueñas de sí mismas.

Una buena historia, magníficamente narrada y a la que se suma un reparto en estado de gracia y una impecable y creativa fotografía, con encuadres y composiciones perfectas. Todo ello en una película que, seguro, sonará en la noche de los Oscar. Al tiempo.

QUINQUI STARS (Juan Vicente Córdoba, 2018)

España. Duración: 126 min. Guion: Juan Vicente Córdoba, María Reyes Arias Música: Ramsés Gallego, Bea Pelea, Blondie, Ira Rap Fotografía: David Andrés Productora: Dexiderius Producciones / Promarfi Futuro 2010 / Galoproduction Género: Drama

Reparto: Ramsés Gallego, Mery Cuesta, Blondie, Ira Rap, Daniel Guzmán,Enrique San Francisco, José Sacristán, Rosario Flores, Paco Catalá, Agnès Varda, Bea Pelea

Sinopsis: Película en la frontera entre el documental creativo y la ficción, que comienza en los años de las transformaciones ocurridas entre los años 70 y 80 en las barriadas periféricas de Madrid y Barcelona, que afectaron a muchos jóvenes y les abocaron hacia la delincuencia. Todo ese proceso de cambios sociales, políticos, económicos y urbanísticos en los barrios obreros y el modo de vida de los jóvenes de la periferia son un documento histórico que nos ayuda a trazar un imaginario de lo que ocurrió entonces y lo que somos ahora. Un fenómeno cinematográfico, el de la delincuencia juvenil, que vivió su momento de apogeo con películas como ‘Navajeros’ y ‘Colegas’, de Eloy de la Iglesia; ‘Perros callejeros’, de José Antonio de la Loma; y ‘Deprisa, deprisa’, de Carlos Saura.

Juan Vicente Córdoba es un director que ha demostrado estar interesado en el fenómeno de la juventud de extrarradio de los ochenta y en aquellos quinquis que, casi niños, saltaron a la fama convirtiéndose, a su vez, en héroes de otros quinquis que nunca salieron del barrio, sino es para ingresar en prisión o camino del cementerio, lugar donde también terminaron la mayor parte de aquellas estrellas del cine dirigido por José Antonio de la Loma, Carlos Saura y Eloy de la Iglesia.

Decíamos que el director había tocado esta temática ya en alguna de sus películas anteriores, como es el caso de Aunque tú no te lo creas (2000), y en algún que otro cortometraje, así que se nos antoja un tanto extraño que se muestre tan superficial en la manera de tratarlo en Quinqui Stars, centrándose en cuatro películas cuando el, llamémosle subgénero, ha dado mucho más de sí. Pero tampoco se trata de una película o un documental o lo que diablos sea que se centre en analizar aquel cine, Quinqui Stars abre muchos melones: el del feminismo; el de las estrellas femeninas del trap; el de la transición; el del paro y la emigración de los jóvenes… un melonar de temáticas y tonos que al final parecen escaparse de las manos del realizador, que en principio, si hacemos caso a la claqueta, quería hacer un proyecto más centrado en el apartado musical, Música para pegar tirones, y que ante la falta de colaboración de un reputado director de cine, decide encarrilar el proyecto hacia derroteros más amplios, por lo que termina tocando muchas teclas, y todo de manera superficial desaprovechando, por ejemplo, el dar más voz a las Trap Queens, mujeres que cantan en grupo o como solistas letras muy reivindicativas y feministas, algo que, de haberlo desarrollado, hubiera resultado muy interesante. Una lástima.

Y es una lástima porque el punto de partida resulta interesante. Con esos bloques de extrarradio. Tan parecidos los bloques. Tan semejantes los barrios. Y esa concomitancia entre los años setenta y primeros ochenta con la eclosión del quinqui, con su propia banda sonora a golpe de rumba,  y los sonidos de los barrios actuales, con jóvenes desencantados, sin objetivos, fruto de una sociedad que se los niega, a ritmo de rap y trap. Se van intercalando entrevistas a actores de aquel cine de los ochenta (Bernard Seray, Quique San Francisco, José Sacristán…), el enfoque resulta atractivo y original, más allá de simples bustos parlantes, incluyendo un poco de ficción, protagonizada en su mayor parte por un cantante, El Coleta, que hace las veces de director de la película. Pero al final todo se va diluyendo y se aboga por elevar a los altares a aquellos quinquis de las películas, extraídos de los barrios y, una vez usados, devueltos a ellos. Criminales que terminaron sus días devorados por las drogas. Y se mezcla todo. Y no es lo mismo el cine de Eloy de la Iglesia que el de José Antonio de la Loma o el de Carlos Saura. No puede meterse todo en el mismo saco y ponerle una etiqueta, muy a la moda, como es la de cine quinqui. Lo de Saura fue una incursión en la temática, la más brillante de todo el subgénero, realizada por un director que ya en su ópera prima, Los golfos (1960), había bajado a los extrarradios. Las de Eloy de la Iglesia mezclan lo comercial con mensaje político y social, sin moralina, golpeando en la cara del sistema. En cuanto a de la Loma ya estamos hablando de pura y dura explotación. Cine de acción. De género.

Pero dejemos de divagar, que para divagaciones, Quinqui Stars se basta sola, valiéndose de tal cantidad de metraje que llega al punto de cansar. Y es lástima, insistimos, porque abrir un puente entre aquella situación y la actual y la juventud de ambas épocas hubiera podido dar un resultado más que interesante, de haber profundizado en ello. O en algo, que todavía estamos intentando averiguar sobre qué, concretamente, quería hablarnos el director.

 

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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Miércoles 31 de 2018 *

31 octubre 2018 Deja un comentario

BOHEMIAN RHAPSODY (Dexter Fletcher y Bryan Singer, 2018

USA/UK. Duración: 134 min. Guion: Anthony McCarten, Peter Morgan, Stephen J. Rivele, Christopher Wilkinson Música: Brian May, Roger Taylor Fotografía: Newton Thomas Sigel Productora: GK Films / New Regency Pictures / Queen Films Ltd. / Tribeca Productions Género: Drama biográfico.

Reparto: Rami Malek, Joseph Mazzello, Ben Hardy, Gwilym Lee, Lucy Boynton, Aidan Gillen,Tom Hollander

Sinopsis: Biopic del cantante Freddie Mercury, que narra su etapa en Queen, la mítica banda británica que el cantante lideró junto a Brian May, Roger Taylor y John Deacon.

Tras ver algunas imágenes de Rami Malek, el actor que interpreta a Freddie Mercury en Bohemian Rhapsody, había ganas de ver si tras tan buena caracterización había algo más ¡Y vaya si lo hay! El biopic que ha pergeñado Brian Singer es también un buen filme que refleja de manera impecable todas las épocas que retrata: desde 1969 cuando Freddie se une al grupo hasta el punto álgido del retrato, cuando el 13 de julio de 1985 Queen ofrece sus epicos 20 minutos de concierto en el Live Aid. Del Londres pre-Glam inundado de Suedeheads y Skinheads junto a muchachos con zapatos de plataforma y ojos pintados, hasta el Wenbley que recibió a un Mercury ya enfermo que había aceptado plenamente su homosexualidad y había hecho las paces consigo mismo y con sus más cercanos allegados.

Narrada de manera ordenada, la película cuenta el nacimiento del grupo, su consolidación, el abandono de EMI y su imparable ascenso. Centrándose especialmente en la figura del cantante, el guión nos habla sobre todo de la soledad, de su homosexualidad, aspecto que se muestra de manera muy sutil, así como el abandono a los más cercanos que causó la traición de uno de sus colaboradores más íntimos. Pasearemos de refilón por el sexo fácil en los clubs leather, por la fama y el despilfarro, por las drogas, pero  sobre todo, necesario es repetirlo, por la conmovedora soledad que rodeó a Mercury. Y de ahí al gran triunfo, rodeado de épica, en el concierto del 85. Todo lo cual se dramatiza para la ocasión de forma bastante comedido, lo cual no impide que algunos pasajes causen cierta vergüenza ajena. Pero eso pasa hasta en los mejores biopics y Bohemian Rhapsody se encuentra entre ellos. Y además, no lo olviden, cuenta con la mejor música de Queen.

UNA RECETA FAMILIAR (Ramen Tehaka, Eric Khoo, 2018) 

Singapur/Japón/Francia. Duración: 90 min. Guion: Tan Fong Cheng, Wong Kim Hoh Música: Kevin Mathews Fotografía: Brian Gothong Tan Productora: Zhao Wei Films Pte Ltd Género: Drama

Reparto: Tsuyoshi Ihara, Seiko Matsuda, Takumi Saito, Jeanette Aw, Tetsuya Bessho,Mark Lee, Beatrice Chien

Sinopsis: Masato, un joven chef de ramen que quiere saber más sobre el pasado de sus padres fallecidos, deja su ciudad natal en Japón embarcándose en un viaje culinario hacia Singapur para encontrar la verdad sobre su pasado y su familia. Durante esa odisea, Masato descubrirá los secretos de sus ancestros, suculentas recetas y mucho más.

Gastronomía, tradición, familia, son los elementos principales de esta deliciosa película de Eric Khoo, director que siempre ha estado interesado en la comida y el papel que esta juega en nuestras vidas.
Masato, el joven protagonista de Una receta familiar, realiza un viaje espiritual y gastronómico para conocer su pasado y con él emprender una nueva vida, por lo que viaja a donde sus padres se conocieron. Hijo de japonés y china, la relación de sus progenitores nació en Singapur, lugar que durante la II Guerra Mundial fue ocupado por los japoneses, motivo de un profundo y duradero  resentimiento de su población hacia los invasores que sobrevivirá al conflicto bélico.
No conviene contar mucho más, pues Khoo desvela de manera magistral, entre plato y plato, el pasado de esta familia, y gran parte del encanto de la película radica en ir descubriéndolo conforme avanza el metraje.
Masato deberá combinar los ingredientes para reconciliar la cultura china y japonesa de las que él es heredero. Redescubrirá sabores y aroma de su infancia, curará las heridas de su pasado y construirá un nuevo y sólido futuro. Todo ello en una película que nace como homenaje al cincuenta aniversario de las relaciones diplomáticas entre Japón y Singapur.

FAHRENHEIT 11/9 (Michael Moore, 2018)

USA. Duración: 130 min. Guion: Michael Moore Fotografía: Luke Geissbuhler, Jayme Roy Productora: Midwestern Films. Distribuida por Briarcliff Entertainment Género: Documental

Documental sobre la campaña electoral y la presidencia de Donald Trump. Se titula “Fahrenheit 11/9” (haciendo referencia a su aclamado documental Fahrenheit 9/11 por el que recibió la Palma de Oro en el Festival de Cannes 2004) por la fecha en la que el mandatario republicano fue declarado presidente electo, el 9 de noviembre del año 2016. El propio Moore ha declarado que espera que los datos de su documental sean tan demoledores que el film contribuya a derribar la credibilidad que Trump tiene entre sus seguidores.

Ha habido etapas de la historia que han hecho que nos preguntemos ¿cómo fue posible que llegaran a ese punto? o ¿No se daban cuenta de lo que sucedía?, cuestiones que también salen a colación respecto a la llegada a la presidencia de Estados Unidos de un ridículo,  mentiroso, machista, racista y peligroso millonario. Y Michael Moore nos responde a estas cuestiones y muchas otras, o al menos lo intenta, abriendo además nuevos interrogantes sobre lo que nos podría deparar este futuro próximo, con cada vez más países gobernados por regímenes de derechas y extrema derecha. Insinúa cosas realmente feas sobre Trump, su gabinete y su familia. Sobre campañas apoyadas por Fake News y sobre políticas que, no solo en América, están haciendo en plena crisis más ricos a los ricos y más pobres a los pobres. Michael Moore nos muestra cómo estos radicales se meten en política para enriquecerse, hablando siempre de democracia, resaltando los valores patrióticos y, escudándose detrás de la Constitución, recortando derechos y haciendo brutales demostraciones de fuerza en su propio país además de, por supuesto, en suelo extranjero.

Un mensaje, el de Moore, rápido, conciso, directo, como es habitual en él, y muy documentado con imágenes de impacto, extraídas todas de la hemeroteca, pues a veces una imagen vale más que mil palabras. Y en medio de todo ese caos, pesimista por realista, Moore deja una pequeña rendija abierta a la esperanza, depositada en los jóvenes, que poco a poco parecen darse cuenta del engaño que hay detrás de todo, comenzando a reclamar su lugar en un mundo que les pertenece en pleno derecho.

Y Ojalá. Ojalá así sea. Mientras tanto bueno es aprender y mentalizarse de todo lo que está sucediendo con este magnífico documental, que no deja títere con cabeza y baja del pedestal a los santones Barack Obama y Hillary Clinton, culpables también de la ascensión al poder de un tipo como Trump.  Duro, directo, brutal. Un documental de los que hacen pensar e invitan a reflexionar y que todo el mundo debería ver.

EL ÁNGEL (Luis Ortega, 2018)

Argentina/España. Duración: 117 min. Guion: Luis Ortega, Rodolfo Palacios, Sergio Olguín Fotografía: Julián Apezteguia Productora: K&S Films / Underground Contenidos / El Deseo / Telefé Género: Thriller

Reparto: Lorenzo Ferro, Chino Darín, Mercedes Morán, Daniel Fanego, Luis Gnecco,Peter Lanzani, Cecilia Roth, William Prociuk, Malena Villa

Sinopsis: Carlitos (Lorenzo Ferro) es un joven de diecisiete años con fama de estrella de cine, rizos rubios y cara de bebé. Ya en su adolescencia manifestó su verdadera vocación: ser un ladrón. Cuando conoce a Ramón (Chino Darín) en su nueva escuela, Carlitos se siente inmediatamente atraído por él y quiere llamar su atención. Juntos se embarcarán en un viaje de descubrimientos, amor y crimen. Debido a su apariencia angelical, la prensa llama a Carlitos ‘El ángel de la muerte’. Llama la atención por su belleza, se convierte en una celebridad de la noche a la mañana. En total, se cree que cometió más de cuarenta robos y once homicidios. Hoy, después de más de cuarenta y cinco años en la cárcel, Carlos Robledo Puch es el preso que más tiempo lleva en prisión en la historia de Argentina.

Carlitos, el protagonistas de El Ángel, es un ser tan atractivo como amoral y Luis Ortega lo retrata de tal forma que sus acciones parecen casi casuales. En él el robo es algo natural. No hay maldad en ello. El mundo es suyo y todo lo que contiene es para él. Incluso su amante, su amigo, si no puede ser suyo, no será de nadie y en su mano estará el quitarlo de ese mundo particular en el que vive y en el que la muerte es una broma y el deseo no tiene un sexo concreto.

Lorenzo Ferro realiza una magnífica interpretación. Su Carlitos despierta ternura. Incluso cuando asesina es como la gamberrada de un niño, especialmente adorable que está, tan solo, jugando. El resto del reparto, un conjunto de perdedores y detritos sociales encarnados por Chino DarínMercedes Morán y Daniel Fanego, componen un grupo de personajes que, al igual que Carlitos, no desentonarían en una película de Eloy de la Iglesia. Ambientada en la Argentina de 1971, sometida a una dictadura militar, El Ángel destaca también por su muy verista ambientación y vestuario, así como por una excelente banda sonora compuesta por éxitos de grupos argentinos de la época, entre los que destaca el tema que abre y cierra el filme, El extraño del pelo largo, del grupo La joven guardia

Una refrescante sorpresa entre tanta mediocridad.

 

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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 26 de octubre de 2018 *

26 octubre 2018 Deja un comentario

PESADILLA 2: NOCHE DE HALLOWEEN (Goosebumps 2: Haunted Halloween, Ari Sandel, 2018)

USA. Duración: 90 min. Guion: Darren Lemke, Rob Lieber (Libros: R.L. Stine) Música: Dominic Lewis Fotografía: Barry Peterson Productora: Columbia Pictures / Sony Pictures Animation / Original Film / Scholastic Entertainment / Silvertongue Films. Distribuida por Columbia Pictures Género: Fantástico

Reparto: Madison Iseman, Wendi McLendon-Covey, Jeremy Ray Taylor, Chris Parnell,Ken Jeong, Shari Headley, Peyton Wich, Tyler Silva, Courtney Lauren Cummings,Caleel Harris, Kendrick Cross, Sydney Bullock, Drew Scheid, Deja Dee, Jessi Goei,Ben O’Brien, Jason Looney, Brick Jackson, Serene Lee-Sng, Shaun McMillan,John Thelan Reece, Jack Black

Sinopsis:

Cuenta la historia de la familia Quinn, compuesta por Sarah, Madison Iseman (“Jumanji: bienvenidos a la jungla“), su hermano pequeño SonnyJeremy Ray Taylor (“It”), y su madre KathyWendi McLendon-Covey (“La boda de mi mejor amiga”). Sonny y su mejor amigo SamCaleel Harris (“Castle Rock”), se dedican a coleccionar objetos que la gente no quiere, razón por la cual acaban cruzándose en el camino de Slappy, un perturbador muñeco que cobrará vida y querrá ser parte de la familia. Tras sentirse rechazado,  Slappy decide crear su propia familia trayendo a la vida a los personajes de Halloween.

Pesadillas 2: noche de Halloween es una cinta ideal para los más jóvenes de la casa: aventuras con una pizca de terror sobrenatural basado en el imaginario de R. L. Stine, autor que los ahora treintañeros que fueron aficionados a la lectura conocieron íntimamente.

También resulta ideal por las fechas, y más ahora que la batalla parece perdida e inevitablemente Halloween va instaurándose firmemente en nuestro calendario, en detrimento del día de difuntos con su visita al cementerio y la ingestión de castañas y boniatos. Así que prepárense para un festival spooky en el que todos los personajes ideados por el escritor, y de paso muchas más criaturas propias de ese tétrico día, cobrarán vida de la mano de Slappy, el malvado muñeco de ventrílocuo viviente.

Dirigida por el ganador del Oscar® al Mejor Cortometraje, Ari Sandel, Pesadillas 2: noche de Halloween, a pesar de no ser la agradable sorpresa que resultó ser la primera, no engaña a nadie, pues cuenta con todos los elementos que pueden esperarse de ella: adolescentes arquetípicos (niño obeso nerd y niño negro a los que incordian los compañeros de colegio); mucha aventura; una pizca de terror (más bien sustos) inofensivo; y unas pequeñas enseñanzas de vida, como el no tener miedo ante los cambios.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 19 de octubre de 2018 *

19 octubre 2018 Deja un comentario

MATAR O MORIR (PEPPERMINT) (Peppermint, Pierre Morel, 2018)

USA. Duración: 102 min. Guion: Chad St. John Música: Simon Franglen Fotografía: David Lanzenberg Productora: Laskeshore Entertainment Género: Thriller

Reparto: Jennifer Garner,Richard Cabral, John Ortiz, John Gallagher Jr., Juan Pablo Raba,Method Man, Tyson Ritter, Annie Ilonzeh, Jeff Hephner, Pell James, Eddie Shin,Chris Johnson, Kyla Drew Simmons, Erin Carufel, Johnny Ortiz, Sam Upton,Hans Marrero, Cailey Fleming, Edilsy Vargas, Sammy Voit, Ian Casselberry,Marco Morales, Mel Fair, Gustavo Quiroz Jr., Michael Reventar, Denney Pierce

Sinopsis: Riley North (Jennifer Garner) despierta de un coma después de que su marido y su hija hayan sido brutalmente asesinados. Cuando el sistema que debe juzgar a los asesinos fracasa, Riley decide tomarse la justicia por su mano.

Con un título como Matar o morir y una protagonista como Jennifer Garner, no puede decirse que se engañe a nadie. Muy al contrario, Pierre Morel, realizador suficientemente versando en este tipo de cine (Venganza, Caza al asesino), dirige este thriller de acción de manera firme sin renunciar a ofrecer altas dosis de violencia que, posiblemente, no agradarán a los/las más tiquismiquis, pero sabrán satisfacer a los que saben lo que buscan en una cinta protagonizada por la actriz que tantas patadas voladoras y tiros ofreció desde la pequeña (Alias) y  gran pantalla (Elektra, Daredevil) y que Morel recupera para la acción con este filme, donde demuestra su buena forma.

Con una trama que no depara demasiadas sorpresas, pues resulta bastante predecible (cuando no increíble), lo mejor de Matar o morir, además de la Garner, está en su sencillez. Lástima que en su referencia a las leyendas urbanas se quede un poco en la superficie, pero no desespere el espectador, pues ese final abierto podría traer una nueva entrega, con la cual la serie sin duda podría acercarse más al Kersey de El justiciero de la ciudad (Death Wish, Michael Winner, 1974) o, ya que hemos hablado de personajes de cómic, a El Castigador (conocido por los más jóvenes por su nombre original, Punisher).

Pero no fabulemos, de momento tenemos una muy entretenida cinta en la que veremos a Jennifer Garner eliminando sin piedad (ni falta  que le hace) a unos narcotraficantes hispanos lo suficientemente malos y poderosos como para tener vínculos con la policía y los poderes fácticos y que, además de haber matado a su adorable hija y a su marido, maltratan a las mujeres que trabajan para ellos, motivos más suficientes para que, pistolón, cuchillo, o lo que pille en mano, no se detenga a leerles sus derechos. ¿Resultado?: Jennifer Garner termina con cuarenta y tres villanos durante la película, cinco de ellos fuera de plano.

SLENDER MAN (Sylvain White, 2018)

USA. Duración: 92 min. Guion: David Birke,Victor SurgeMúsica: Ramin Djawadi Fotografía: Luca Del Puppo Productora: Mythology Entertainment / Madhouse Entertainment. Distribuida por Screen Gems Género: Terror

Reparto: Joey King, Annalise Basso, Javier Botet, Julia Goldani Telles, Jaz Sinclair,Kevin Chapman, Michael Reilly Burke, Alex Fitzalan, Kayla Caulfield, Jessica Blank

Sinopsis: En un pequeño pueblo de Massachusetts, cuatro estudiantes de instituto llevan a cabo un ritual en un intento de desmentir la leyenda de Slender Man. Cuando una de las chicas desaparece misteriosamente, empiezan a sospechar que ella puede ser su última víctima.

El hombre más pálido. El traje más oscuro. Más grande que el gigante más alto. Ten miedo de este hombre: Slender Man ya que puede hacer lo que nadie puede”. Estas son algunas de las características que usuarios del internet dieron al personaje ficticio de terror Slender Man (el hombre delgado). Ahora la criatura llega a la gran pantalla con este film de terror, que nace de una de las leyendas urbanas de la web más populares, en base de una recopilación de imágenes en el foro Something Awful que, hoy en día, pertenece a la cultura “creepypasta”, compuesta por historias cortas de terror recogidas y compartidas a través del Internet. Lástima que en su traslado a la pantalla, esta leyenda urbana ha perdido gran parte de su potencial, pues Slender Man no profundiza en el personaje, entra a saco en la acción para evitar que el adolescente, público al que va dirigido principalmente el filme, no tenga tiempo ni de consultar su teléfono, esa acción tan molesta como habitual en todos los ámbitos. Y es una lástima, pues este personaje, nueva encarnación del hombre del saco de nuestra infancia, tiene la novedad de invocarse mediante una tutorial de internet. Vive gracias y mediante la web y representa el miedo del adolescente a crecer, a tener que cargar con responsabilidades mediante una huida de la realidad. Además de una prueba de crecimiento que mezcla el miedo a lo desconocido y una innegable atracción por el abismo.

Veremos si esta película dará pié a una franquicia. De momento se queda como terror de consumo para jóvenes, con un personaje poderoso pero desaprovechado que es más susurrado que mostrado (aunque el actor que encarna a Slender Man, nuestro Javier Botet, realiza un cameo como médico, cruzándose en un hospital con las protagonistas).

 

Categorías:VAMOS DE ESTRENO

VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 5 de octubre de 2018 *

ÁNIMAS (Laura Alvea y José F. Ortuño, 2018)

España. Duración: 85 min. Guion: Laura Alvea, José F. Ortuño Fotografía: Fran Fernández Pardo Productora: La Claqueta PC / Tito Clint Movies / Animas AIE / Raised by Wolves / Acheron Films Género: Drama fantástico

Reparto: Ángela Molina, Luis Bermejo, Chacha Huang, Clare Durant, Liz Lobato, Iván Pellicer

Sinopsis: Álex es una chica segura de sí misma, con una fuerte personalidad y gran tenacidad. Está muy unida a su mejor amigo Abraham, a quien brinda constante ayuda y apoyo, ya que Abraham es un chico tímido, retraído e inseguro, principalmente debido a la compleja relación con sus padres. Pero todo cambia cuando Daniel, el padre de Abraham, muere en un extraño accidente, cuya causa no está clara. A partir de este momento, Álex caerá en un viaje alucinatorio que la llevará a un descenso al infierno, donde la línea entre la realidad y la pesadilla se volverá borrosa hasta el punto en el que Álex comenzará a cuestionar los fundamentos de su propia existencia.

Ánimas adapta la novela homónima de José Ortuño, que en su traslado a la pantalla ofrece al espectador un paseo por la psique adolescente, sus temores y sus inquietudes. Y lo hace mediante un espectáculo visual, en el que el color, pero también los sonidos, son fundamentales para comunicar los estados de ánimo de los protagonistas. Y es que Ánimas es un cuidado trabajo de orfebrería repleto de detalles. Muchos detalles. Pero todos ellos con utilidad y al servicio de la narración.

Ortuño y Alvea demuestran su experiencia en el campo de la publicidad al aprovechar cada pulgada de celuloide (o lo que diablos sea) para dar luminosidad y belleza, pero sobre todo información. Pues son los gestos y expresiones de los protagonistas, así como la escenografía de las escenas los que, en gran parte, cuentan lo que está sucediendo y llevan a espectador a donde los directores quieren.

Y es que los autores juegan al despiste.

Una historia de adolescentes. Amores y desamores. Violencia doméstica,  autolesiones. Pero también espíritus, fantasmas, oscuridad… ánimas.  Sobresaltos, sustos y todos los elementos del fantástico al servicio de una original historia muy alejada de esos estereotipos. Pero ya les hemos dicho que los directores juegan al despiste. Y demasiado les estamos contando, pues conviene no ofrecer mucho ya que el factor sorpresa es importante.

El reparto resulta perfecto: los dos jóvenes protagonistas, que debutan en el cine con esta cinta, demuestran oficio, en especial Clare Durant. Y siempre resulta agradable reencontrarse con una veterana como Ángela Molina, que interpreta un papel secundario pero fundamental en la historia. La más fina fornitura para una maquinaria que funciona a la perfección.

Elementos oníricos, reflejos múltiples, tono inquietante. Ánimas demuestra que aún se puede innovar en el fantástico sin inventar nada nuevo, tan solo jugando con los recursos clásicos de una forma original. Sin agujeros de guión, con todos los detalles explicados de manera natural, con los engranajes encajando mágicamente hasta retornar, al finalizar, al protagonista y al espectador, a la realidad que les envuelve día tras día. Vida tras vida.

katiacasariego@gmail.com

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