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VAMOS DE ESTRENO * Viernes 8 de mayo de 2026 *
BAJO TUS PIES (Cristian Bernard, 2025)
- España. Duración: 110 min. Guion: Cristian Bernard, Ana Villar Música: Sergio Figueroa, Tomas Leonhardt Fotografía: Juan Sebastián Vasquez Compañías: Basque Films, Nudista AIE Género: Terror
- Reparto: Maribel Verdú. Sofía Otero. Ibai Atanes. Urko Olazabal. Zorion Eguileor. Sandra Ferrús · Erik Probanza
- Sinopsis: Isabel (Maribel Verdú) se muda con sus dos hijos (Sofía Otero e Ibai Atanes) a un edificio muy prestigioso con un alquiler asequible, pero un sistema de admisión peculiar. Una vez aceptados e instalados en su nuevo hogar, tres vecinas ancianas que viven en el piso de abajo le darán un vuelco a sus vidas.
En un panorama cinematográfico donde el terror a menudo se conforma con reciclar fórmulas, cualquier intento de originalidad es loable. El género, quizás el más repetitivo de todos, encuentra a veces su fuerza en el comentario social. Así, Bajo tus pies casi hace de su mensaje un chiste de humor negro extremadamente oportuno. Porque sí, en estos tiempos que estamos viviendo, parece que hay que hacer un pacto con el diablo para conseguir un piso digno; ya sea con un demonio en forma de entidad bancaria o mediante manifestaciones más esotéricas.VAMOS DE ESTRENO * Viernes 30 de abril de 2026 *

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- LA ISLA DE AMRUM (Amrum, Fatih Akin, 2025)
- Alemania. Duración: 93 min. Guion: Fatih Akin, Hark Bohm Fotografía: Karl Walter Lindenlaub Compañías: Bombero International, Rialto Film, Warner Bros. Germany. Distribuidora: Warner Bros.
- Género: Drama
Reparto: Jasper Billerbeck, Diane Kruger, Detlev Buck, Laura Tonke, Lisa Hagmeister, Matthias Schweighöfer, Kian Köppke, Hark Bohm.
Fatih Akin, conocido por su cine visceral y directo, sorprende en La isla de Amrum con una narrativa inusualmente contenida y lírica. La película funciona como un mecanismo de precisión emocional: utiliza la anécdota mínima —un niño buscando ingredientes para un pan de miel— para diseccionar el colapso moral de una nación.Akin logra capturar la tensión entre la belleza casi paradisíaca de los paisajes marinos de Frisia y el horror residual del Tercer Reich. El personaje de la madre, Hily (Diane Kruger), encarna el fanatismo que se niega a morir, mientras que el pequeño Nanning (Jasper Billerbeck) representa la resiliencia de quien debe construir un futuro sobre las cenizas de un pasado que apenas comprende. La interpretación del joven Jasper es el corazón del filme; su mirada traduce el paso forzado de la infancia a la madurez sin necesidad de grandes artificios. La cinematografía, sobria y grandiosa a la vez, refuerza esa sensación de aislamiento en una isla que es, en sí misma, una metáfora de la Alemania de 1945: un lugar cercado por el mar donde la derrota es inevitable pero la supervivencia es el único objetivo.
La isla de Amrum , basada en la infancia del director, guionista y actor Hark Bohm, es una obra intimista y conmovedora que demuestra la madurez de Akin. Aunque es menos explosiva que El monstruo de St. Pauli, es igualmente poderosa en su exploración de la condición humana en situaciones límite.
STRANGERS: CAPÍTULO FINAL (The Strangers: Chapter 3, Renny Harlin, 2026)
USA. Duración: 135 min. Guion: Alan R. Cohen, Alan Freedland Música: Justin Caine Burnett Fotografía: José David Montero Distribuidora: Lions Gate Films Género: Terror
Reparto: Hannah Galway · Ema Horvath · Krystal Ellsworth · Gabriel Basso · Madelaine Petsch ·
Sinopsis: Maya se enfrenta por última vez a los asesinos enmascarados. Un brutal y sangriento ajuste de cuentas, donde saldrán a la luz horribles secretos, y en el que ella deberá decidir si vengarse o convertirse en aquello que le arruinó la vida.
Más degollinas para una serie que ya desde su inicio prometía bien poco. Esta trilogía, surgida de una simpática película del año 2008, ya tenía una escasa mitología que ofrecer, al contrario de la también innecesaria trilogía dedicada a Halloween, en la que al menos se podía escarbar en su pasado. La última entrega de Strangers comienza donde terminó la segunda, así que conviene tener un poco fresco lo sucedido, al menos la anterior, para no perderse en este bucle de asedios domésticos.
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 24 de abril de 2026 *
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EL SONIDO DE LA CAÍDA (In die Sonne schauenaka, Mascha Schilinski, 2025)
- Alemania. Duración: 149 min. Guion: Louise Peter, Mascha Schilinski Música: Michael Fiedler, Eike Hosenfeld Fotografía: Fabian Gamper Compañías: Studio Zentral, ZDF Género: Drama
Reparto: Hanna Heckt · Lena Urzendowsky · Laeni Geiseler · Susanne Wuest. Lea Drinda. Luise Heyer. Filip Schnack.
Sinopsis: Cuatro niñas, Alma, Erika, Angelika y Lenka, pasan su juventud en la misma granja del norte de Alemania. A medida que la casa evoluciona a lo largo de un siglo, los ecos del pasado perduran en sus paredes. Aunque separadas por el tiempo, sus vidas empiezan a reflejarse.
El sonido de la caída es una pieza que se siente como un susurro cargado de peso histórico y emocional. Su director, Benjamín Brunet, demuestra una sensibilidad particular para capturar la esencia de lo cotidiano, alejándose de las estructuras lineales para abrazar una narrativa mucho más orgánica y sensorial, propia de quien entiende que la memoria no sigue un orden lógico.
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LA AHORCADA (Miguel Ángel Lamata, 2026)
España. Duración: 91 min. Guion: Mayte Navales Música: Fernando Velázquez Fotografía: Teo Delgado Compañías: Bemybaby Films, Imposible Films, El Árbol y el Ruiseñor, RTVE Género: Terror.
Reparto: Amaia Salamanca, Eduardo Noriega. Cosette Silguero. Norma Ruiz. Anastasia Fauteck · Veki Velilla · Cristina Gallego.
Sinopsis: Una cantautora se suicida en el jardín de su amante después de ser abandonada por éste. Pero su fantasma se queda en la mansión. Sus ansias de venganza desencadenarán una espiral de locura, horror y muerte que convertirá la vida de la familia en un infierno. Sólo la pequeña Patti, médium espiritista, entenderá la naturaleza del Mal al que se enfrentan…
El guion de La ahorcada es muy posible que en el libreto funcionara, pero a la hora de trasladarlo a imágenes todo se lo que puede funcionar mal, funciona muy mal. Es una historia de amour fou en la que faltan los prolegómenos para que el espectador pueda entrar en ella y creérsela. Pero es, sobre todo, una historia de fantasmas y venganza desde el más allá, pero en la que todos los elementos no consiguen que llegue a ser creíble.
Es increíble que un director con una carrera bastante abultada como es Miguel Ángel Lamata entregue una película tan torpe. Con un fantasma de lo más cárnico (interpretado por Amaia Salamanca) que se pasea con naturalidad por el jardín de la casa. Y lo hace casi de inmediato, al poco de iniciarse el film, echando a perder toda la intriga o el misterio.
Lo peor es que el escasamente imaginativo guion de Mayte Navales, colaboradora habitual del director, se contagia a los actores, consiguiendo que su trabajo sea, cuanto menos, deplorable. Como toda ensalada de tópicos, hay sustos fáciles, pesadillas y un final que lejos de resultar satisfactorio termina con la paciencia del espectador. Y es lástima, pues como en todo hay alguna buena idea que se podría haber desarrollado de otra forma.
Cuenta con algunos actores noveles y otros en horas bajas, entre ellos la propia Amaia Salamanca, Eduardo Noriega, Cosette Silguero y Norma Ruiz, secundados por Anastasia Fauteck, Veki Velilla y Raúl Sanz. Además de la colaboración especial de Cristina Gallego y Emilio Buale, entre otros.
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 17 de abril de 2026 *

LA MUJER MÁS RICA DEL MUNDO (La femme la plus riche du monde, Thierry Klifa, 2025)
- Francia/Bélgica. Duración: 121 min. Guion: Cédric Anger, Jacques Fieschi, Thierry Klifa Música: Alex Beaupain Fotografía: Hichame Alaouié Compañías: Récifilms, Wy Productions, Versus Productions, Cinémage 19, Films Distribution. Distribuidora: Haut et Court Género: Drama
- Reparto: Isabelle Huppert · Laurent Lafitte · Marina Foïs · Raphaël Personnaz · André Marcon · Mathieu Demy
- Sinopsis: La donación millonaria de una nonagenaria a un joven artista desata un escándalo que lleva a su hija a destapar una presunta corrupción política en la que está implicado un ex presidente. Película inspirada en la figura de Liliane Bettencourt, la que fue la mujer más rica del mundo como heredera de L’Oréal y protagonista de uno de los escándalos más célebres de Francia.
La mujer más rica del mundo es una cinta basada en hechos reales que incluso integra declaraciones de los personajes incrustadas en la trama, como si fueran testigos entrevistados, algo que no es solo un adorno; actúa como un coro griego que rompe la cuarta pared y permite contrastar la visión subjetiva y rejuvenecida de Marianne (perfecta, como siempre, Huppert) con la realidad objetiva y cruda que perciben los de su entorno. Todo en un recurso de falso documental que no por ello aporta realismo a la trama. La actriz francesa dota de una fragilidad magnética a su personaje, una mujer que parece vivir una segunda juventud al sacudirse el tedio de su posición como indolente millonaria. Ese despertar vital ocurre gracias al encuentro con un fotógrafo cuya energía disruptiva la introduce en una alocada joie de vivre, un soplo de aire fresco que pronto revelará su naturaleza tóxica.
PRIME CRIME: A TRUE STORY (Dead Man’s Wire, Gus Van Sant, 2025)
- USA. Duración: 104 min. Guion: Austin Kolodney Música: Danny Elfman Fotografía: Arnaud Potier Compañías: Elevated Films, Pinstripes, Balcony 9 Productions, Co Created Media, Peak Distribution Partners, Edward R. Pressman Film, SIPUR, Va Bene Productions Género: Drama
- Reparto: Bill Skarsgård · Dacre Montgomery · Cary Elwes · Myha’la Herrold · Colman Domingo · Al Pacino · John Robinson · Jordan Claire
- Sinopsis: Tras ser estafado por un banco, Tony Kiritsis se presenta en sus oficinas y secuestra al hijo del presidente de la compañía atándole al cuello un dispositivo mortal con un alambre conectado al gatillo de una escopeta. Exige que le devuelvan su dinero y una cuantiosa indemnización, además de una disculpa pública que será retransmitida por televisión y vista por millones de estadounidenses en prime time.
Prime Crime: A True Story es un ejercicio de inmersión técnica y emocional que golpea con la fuerza de un hecho real. La cinta no se anda con rodeos: la intriga no tarda en desatarse, atrapando al espectador en una atmósfera de tensión asfixiante desde los primeros minutos.
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 10 de abril de 2026 *
- INCONTROLABLE (I Swear, Kirk Jones, 2025)
- UK. Duración: 120 min. Guion: Kirk Jones Música: Stephen Rennicks Fotografía: James Blann Compañías: One Story High, Tempo Productions Limited. Distribuidora: Bankside Films Género: Drama
- Reparto: Robert Aramayo, Peter Mullan, Maxine Peake y Shirley Henderson
- Sinopsis: La historia real de John Davidson. Diagnosticado con Tourette a los 15 años, señalado como loco por sus compañeros, luchó con una condición que pocos habían presenciado. Ya adulto, hizo campaña en favor del síndrome de Tourette.
La película arranca con fuerza mostrando la aparición de los primeros síntomas en la adolescencia, capturando con crudeza cómo el joven se convierte en el blanco perfecto de las burlas de sus compañeros. Sin embargo, el guion acierta al señalar que el dolor no solo viene de fuera: la incomprensión general cala hondo en su hogar, retratando a unos padres desbordados que, lejos de ser villanos, simplemente no saben cómo enfrentarse a una condición que les supera.
LA BUENA HIJA (Júlia de Paz, 2025)
España/USA/Bélgica. Duración: 101 min. Guion: Júlia de Paz, Nuria Dunjó Fotografía: Sandra Roca Compañías: Avalon, Astra Motion Pictures, Krater Films, RTVE, Movistar Plus+, 3Cat Género: Drama
Reparto: Kiara Arancibia. Janet Novás. Julián Villagrán. Petra Martínez. Anna Cerveró
Sinopsis: Tras la separación de sus padres, Carmela (Kiara Arancibia) y su madre (Janet Novás) se mudan a casa de su abuela (Petra Martínez). Mientras trata de adaptarse a su nueva situación, Carmela anhela pasar más tiempo en casa de su padre (Julián Villagrán), un artista plástico a quien admira e idolatra. La sombra de este llevará a las tres generaciones de mujeres de la familia a decidir el futuro que merecen. Adaptación al formato largometraje del corto homónimo de la propia Júlia de Paz.
La buena hija parece encajar perfectamente en ese modelo de realismo austero que, aunque académicamente respetado y favorecido por las comisiones de subvenciones por su «pureza» y relevancia social, a veces sacrifica la coherencia dramática en favor de la tesis.Al prescindir de banda sonora y artificios, la película se lo juega todo a la verosimilitud. Si el cambio de comportamiento de la protagonista no está cimentado en acciones previas, el naturalismo se rompe y se percibe la «mano del guionista» forzando el final para lanzar un mensaje, perdiendo precisamente esa honestidad que buscaba. Ese giro, por una parte esperado, es especialmente sangrante cuando la película ha dedicado tanto tiempo a construir la química con el padre. Y es doblemente doloroso por el cuidado y el detallismo que la directora ha puesto en todo momento.
En Custodia compartida (Xavier Legrand), la tensión es un crecimiento orgánico. El espectador (y el hijo) detectan la violencia latente en los silencios, las miradas y el control obsesivo del padre desde el minuto uno. En La buena hija, pasar de «padre modelo» a «agresor casi homicida» sin una gradación de microviolencias previas convierte el giro en un golpe de efecto artificial. Con la protagonista siendo una adolescente madura, el guion falla al no dotarla de memoria emocional. Es inverosímil que ella no reconozca los disparadores de ira de su padre si estos son tan extremos. Legrand utiliza el miedo del niño como termómetro; aquí, la confusión de Carmela parece forzada por la dirección para dilatar el clímax.
El fallo técnico se extiende a la representación del sistema. En un drama naturalista, si introduces especialistas y tutores, su incapacidad para ver lo que el espectador ve debe estar justificada (por burocracia, frialdad o manipulación). Es imposible que no se dan cuenta de que la menor necesita ayuda sicológica urgente.
En última instancia, La buena hija fracasa donde Custodia compartida triunfa: en la cimentación del terror doméstico. Mientras Xavier Legrand construye una tensión ascendente y orgánica, donde cada gesto del padre es una nota en una sinfonía de violencia latente, la película de la directora española opta por un volantazo de guion que traiciona su propia estética naturalista. Al convertir a un «padre modelo» en un agresor homicida sin una progresión psicológica previa, la cinta sacrifica la verosimilitud en el altar del mensaje social.
ATRAPANDO A UN MONSTRUO (Dust Bunny, Bryan Fuller, 2025)
- USA. Duración: 106 min. Guion: Bryan Fuller Música: Isabella Summers Fotografía: Nicole Hirsch Whitaker Compañías: Entertainment One, Thunder Road Pictures, Hero Squared, Dust Bunny Productions, Living Dead Guy Productions Género: Terror
- Reparto: Mads Mikkelsen · Sophie Sloan · Sigourney Weaver · David Dastmalchian.
- Sinopsis: Aurora, una niña de 10 años, está convencida de que el monstruo que vive bajo su cama se ha comido a su familia. Cuando descubre que su vecino (Mads Mikkelsen) es un asesino a sueldo, decide contratarlo para cazar a la criatura. Para protegerla, el sicario tendrá que abrirse paso entre una oleada de matones liderados por Sigourney Weaver y asumir que, a veces, los monstruos existen de verdad.
Atrapando a un monstruo marca el debut cinematográfico de Bryan Fuller con una propuesta que es, simultáneamente, un abrazo cálido y un zarpazo en la oscuridad. La película se envuelve en una fantasía de colores pastel y una estética modernista tan meticulosa que evoca inevitablemente el universo cromático de Wes Anderson por su simetría y saturación, aunque aquí la paleta sirve para enmascarar una realidad mucho más oscura y retorcida.Mads Mikkelsen como el vecino sicario, despliega una mezcla de letalidad y vulnerabilidad emocional. Su química con la niña evita el sentimentalismo, aportando una sobriedad que ancla la fantasía en algo peligrosamente real. Por su parte, Sophie Sloan es el corazón de la cinta, construyendo una interpretación que logra que el espectador crea en el monstruo tanto como ella.
VAMOS DE ESTRENO * Miércoles 1 de abril de 2026 *

LAPÖNIA (David Serrano, 2026)
España. Duración: 89 min. Guion: Cristina Clemente, Marc Angelet. Obra: Cristina Clemente, Marc Angelet, Jordi Casanovas Música: Joan Martorell Fotografía: Joan Bordera Compañías: The MediaPro Studio, Movistar Plus+, RTVE, 3Cat Género: Comedia
Reparto: Natalia Verbeke · Julián López · Àngela Cervantes · Vebjørn Enger · Blanca Ramírez · Adrián Gamiz
Sinopsis: Después de varios años sin celebrar las fiestas juntas, Nuria (Ángela Cervantes), asentada en Laponia junto a su marido Olavi (Vebjørn Enger) y su hija, decide invitar a su hermana Mónica (Natalia Verbeke), a su marido (Julián López) y al hijo de ambos a celebrar una Navidad de ensueño en su casa de Romanievi. El plan se presenta perfecto hasta que la hija de Nuria le cuenta a su primo pequeño la verdad sobre la existencia de Papá Noel. La que estaba destinada a ser la más especial de las navidades, se convierte de golpe en una batalla campal entre hermanas, cuñados y primos. Una noche que sacará a relucir secretos inconfesables en medio de un debate sobre qué es más adecuado, si contar la verdad a toda costa o mantener la ilusión, aunque sea a base de mentiras.
Laponia, que adapta la obra de Cristina Clemente y Marc Angelet, basa su primera parte en diálogos presuntamente cómicos sustentados en el choque entre dos familias: la española, representada por Mónica (Natalia Verbeke) y Ramón (Julián López), y la que reside en Finlandia, formada por Nuria (Ángela Cervantes) y Olavi (Vebjørn Enger). Un choque que se apoya en tópicos sobre la rectitud nórdica frente a la espontaneidad latina para generar una tensión que pronto abandona la superficie del chiste cultural.El conflicto estalla cuando la hija de los anfitriones le revela a su primo la inexistencia de Papá Noel. Esto transforma la película en una profunda reflexión sobre la educación de los niños y el dilema ético de las pequeñas mentiras que los adultos mantienen para «preservar la ilusión». La cinta cuestiona si estas ficciones son necesarias o si, por el contrario, subestiman la capacidad crítica de los menores.
LA GRAZIA (Paolo Sorrentino, 2025)
- Italia. Duración: 133 min. Guion: Paolo Sorrentino Fotografía: Daria D’Antonio Compañías: Fremantle, The Apartment, Numero 10, PiperFilm Género: Drama.
- Reparto: Toni Servillo · Anna Ferzetti · Orlando Cinque · Massimo Venturiello · Milvia Marigliano · Giuseppe Gaiani.
- Sinopsis: Mariano De Santis, presidente (ficiticio) de la República italiana, es un veterano político demócrata, humanista y católico, que de repente comienza a dudar sobre varias importantes decisiones que debe tomar, en especial sobre si aprueba o no una ley de eutanasia, planteándose un gran dilema moral.
Más que un drama político-psicológico, La grazia opera en un plano simbólico: el protagonista no es solo un presidente, sino una figura arquetípica enfrentada a la trascendencia. La duda no es un rasgo de carácter, sino el motor humano que rompe con el yo monolítico-cartesiano. La toma de decisiones se estructura sobre la lógica del laberinto. Pero no es el laberinto asfixiante de Kafka, sino uno heredero de la tradición italiana de Dino Buzzati: un espacio de espera, de misterio y de una lógica propia que huye del realismo convencional para instalarse en una extravagancia creíble.
La puesta en escena no es solo decorativa, es el lenguaje mismo de la película. El paisaje visual parece emanar directamente del imaginario de Giorgio de Chirico. Los encuadres, la composición y la luz evocan esa quietud inquietante donde los objetos y espacios cobran una vida espiritual. La película encuentra su anclaje en el rito y la repetición (ese eterno cigarrillo a hurtadillas). Estos gestos mínimos son los que sostienen la estructura frente a la fluidez infinita del mundo moderno. Es la apuesta por un yo flexible, pero anclado.
Sorrentino entrega su obra más clásica, pero, paradójicamente, la más radical: totalmente en contra de la dictadura del «TikTok», al apostar por una puesta en escena señera y una narrativa que hace de la lentitud una virtud, la película se distancia del espectador contemporáneo acostumbrado a la inmediatez. No pretende ser una película «actual». Al alejarse de las modas, se postula como una vía hacia un cine futuro que recupere la capacidad de fijar la atención y reflexionar sobre la complejidad del ser.
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 27 de marzo de 2026 *
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PROYECTO SALVACION (Project Hail Mary, Phil Lord y Chistopher Miller, 2026)
USA. Duración: 156 min. Guion: Drew Goddard. Novela: Andy Weir Música: Daniel Pemberton Fotografía: Greig Fraser Compañías: Lord Miller, MGM, Amazon MGM Studios, Pascal Pictures, General Admission, Waypoint Entertainment. Distribuidora: MGM Género: Ciencia ficción.
Reparto: Ryan Gosling · Sandra Hüller · Milana Vayntrub · Lionel Boyce · Ken Leung · Isla McRae.
Sinopsis: El profesor de ciencias Ryland Grace (Ryan Gosling) se despierta en una nave espacial a años luz de casa sin recordar quién es ni cómo ha llegado hasta allí. A medida que recupera la memoria, empieza a descubrir su misión: resolver el enigma de la misteriosa sustancia que provoca la extinción del sol. Deberá recurrir a sus conocimientos científicos y a sus ideas poco ortodoxas para salvar todo lo que hay en la Tierra de la extinción… pero una amistad inesperada significa que quizá no tenga que hacerlo solo.
SHELTER: EL PROTECTOR (Shelter, Ric Roman Waugh, 2026)
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Sinopsis: En una remota isla, un hombre que vive en el exilio (Jason Statham) rescata a una niña de una peligrosa tempestad, lo que desencadena una serie de eventos que los ponen a ambos en grave peligro. A medida que sus destinos se entrelazan, su misión será protegerla a toda costa, mientras se enfrenta a los enemigos de su pasado, en una trepidante odisea por sobrevivir.
Shelter: El protector es, ante todo, el vehículo perfecto para Jason Statham. Es esa clase de película donde el espectador sabe exactamente a qué ha venido: una dosis pura de adrenalina, coreografías medidas y la carismática presencia de un héroe de acción que nunca defrauda en su terreno.
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 6 de marzo de 2026 *
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EL ÚLTIMO VIKINGO (Den Sidste Viking, Anders Thomas Jensen, 2025)
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Dinamarca/Suecia. Duración: 116 min. Guion: Anders Thomas Jensen Música: Jeppe Kaas Fotografía: Sebastian Blenkov Compañías: Zentropa Productions, Film i Väst, Film Fyn, TV2, The Danish Film Institute Archive, Zentropa Sweden Género: Comedia
Sinopsis: Anker sale de prisión tras cumplir una condena de quince años por robo. El dinero del atraco fue enterrado por su hermano Manfred. Solo él sabe dónde está. Por desgracia, desde entonces Manfred ha desarrollado un trastorno mental que le ha hecho olvidarlo todo. Juntos, los hermanos emprenden un viaje inesperado para encontrar el dinero y descubrir quiénes son en realidad.
«No juzguen, y no serán juzgados» esta enseñanza bíblica de Jesús (Mateo 7:1-5, Lucas 6:37) que exhorta a la misericordia y a evitar la condena hipócrita de los demás parece planear sobre el último
film Anders Thomas Jensen. Pero no esperen una obra pía, ni menos una cinta reverente, porque con el danés siempre vamos a movernos en las antípodas de la corrección y la moralina, lo suyo es más bien un iluminar la empatía desde el absurdo. Jensen es, posiblemente, el director que mejor entiende la «fraternidad de los dañados. Su cine casi siempre gira en torno a hombres rotos, violentos o inadaptados que se ven obligados a convivir, encontrando una extraña redención a través de la aceptación de sus taras. Es así desde su debut, Luces parpadeantes (2000), tiene una cima en Las manzanas de Adam (2005), su obra maestra sobre la fe y el trauma en la que la anagnórisis es constante y el humor es tan negro como el de una fábula de los hermanos Grimm, y sigue manteniendo brillo en sus cintas de 2015 y 2020, Men & Chicken y Jinetes de la justicia, respectivamente. Y en El último Vikingo se reafirma en su tesis y en su estilo, una especie de cruce entre los Coen y Roy Andersson.El último vikingo no es solo una comedia de humor negro; es un tratado visual sobre la autoaceptación y la redención de nuestras sombras. La película nos sumerge en una «banda de tarados» donde las excentricidades no son defectos de fábrica, sino cicatrices de una infancia negada.
El corazón del film late con fuerza en su momento de anagnórisis: cuando el hermano supuestamente «sano» reconoce su papel en la desaparición del padre. En ese instante, la jerarquía moral se desploma. Al descubrir que su sombra es tan oscura como la de aquellos a quienes cuida, la superioridad da paso a una empatía radical. Ya no se trata de tolerar al otro desde la condescendencia, sino de reconocerse en su fractura. Solo cuando aceptamos nuestra propia capacidad para el horror, estamos listos para comprender el dolor ajeno.
El golpe maestro de Jensen reside en el simbolismo del nuevo dueño de la casa familiar de los protagonistas, Werner (Søren Malling). Lo que parecía un personaje secundario se revela en los créditos finales como el arquitecto del relato. Al ser él quien dibuja esa fábula infantil, su rol transmuta de simple observador a narrador fundamental. Sus dibujos no solo dialogan con el inicio y el cuerpo del film, sino que otorgan una dignidad artística al trauma; Werner logra construir el relato que el mundo le negaba, transformando el horror en un mito compartido.
Este viaje emocional se sostiene gracias a un elenco prodigioso, donde destaca especialmente la interpretación de Mads Mikkelsen como Manfred, aquejado de trastorno de identidad disociativa. Su trabajo actoral dota de una humanidad desgarradora a la patología, recordándonos que detrás de cada tic o comportamiento errático hay un niño buscando refugio.
Al final, la película nos enseña que la verdadera comprensión que rige el mundo no nace de la normalidad, sino de la mirada del «otro» que, desde su aparente silencio, es capaz de dar sentido a nuestro caos.
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 27 de febrero de 2026 *

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La ResidencIA (Dalloway, Yann Gozlan, 2025)
- Francia/Bélgica. Duración: 110 min. Guion: Yann Gozlan, Nicolas Bouvet, Thomas Kruithof. Novela: Tatiana de Rosnay Música: Philippe Rombi Fotografía: Manuel Dacosse Compañías: Mandarin & Compagnie, Gaumont Télévision, Panache Productions, La Compagnie Cinématographique, Anya Productions Género: Thriller
- Reparto: Cécile De France, Lars Mikkelsen, Anna Mouglalis, Frédéric Pierrot, Freya Mavor .
- Sinopsis: Clarissa, una escritora falta de inspiración, ingresa en una prestigiosa residencia de artistas en la vanguardia de la tecnología. Allí encuentra apoyo -e incluso un confidente- en Dalloway, su asistente virtual, que la ayuda a escribir. Pero Clarissa empieza a sentirse incómoda con la presencia cada vez más intrusiva de la IA, un malestar amplificado por las advertencias conspirativas de otro residente. Al sentirse observada, Clarissa se embarca en secreto en una investigación para descubrir las verdaderas intenciones de sus anfitriones. ¿Una amenaza real o un delirio paranoico?
En un futuro cercano donde la tecnología no solo asiste, sino que moldea nuestra realidad, Yann Gozlan nos entrega en La residencIA un thriller paranoico que resuena con los ecos de una sociedad todavía marcada por el aislamiento y el control de la era pandémica. La película nos introduce en una prestigiosa fundación artística donde la búsqueda de la inspiración humana se ha delegado a algoritmos avanzados, planteando una inquietante pregunta: ¿qué queda del autor cuando la obra es dirigida por una inteligencia artificial?.
Idilia (Javier Canales Sepúlveda y José Taltavull Sepúlveda, 2025)
- España. Duración: 73 min. Guion: Javier Canales Sepúlveda Música: Elías Fabre. Canción: El Niño de Elche Fotografía: Beñat Belaza Compañías: Viejo Lobo Films Género: Thriller.
La ciencia ficción de bajo presupuesto suele ser el refugio del ingenio, pero en Idilia, la ópera prima de los hermanos Sepúlveda, el ingenio brilla por su ausencia. Los cineastas mallorquines se suben al carro de la distopía tecnológica con una propuesta que, bajo la apariencia de reflexión profunda sobre la Inteligencia Artificial, acaba resultando en un ejercicio de exposición narrativa agotador y plano.
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ORWELL 2+2=5 (Raoul Peck, 2025)
- Francia/USA. Duración:119 min. Música: Alexei Aigui Fotografía: Ben Bloodwell, Stuart Luck, Julian Schwanitz Compañías: Velvet Films, Anonymous Content, Closer Media, Neon, Jigsaw Productions. Distribuidora: Neon Género: Documental
Sinopsis: 1949. George Orwell termina la que será su última pero más importante novela, 1984. Los últimos meses de Orwell y sus obras visionarias muestran las raíces de los conceptos vitales e inquietantes que reveló al mundo en su obra maestra distópica: doblepensar, crimen de pensamiento, neolengua, el espectro omnipresente del Gran Hermano…, verdades sociopolíticas inquietantes que resuenan cada vez con más fuerza hoy en día.
Orwell 2+2=5 es un muy lúcido ensayo en forma de documental que nos explica el pensamiento del escritor inglés mediante extractos de su diario y correspondencia. Vemos como mucho de lo que explicaba en su obra premonitoria 1984 se ha ido cumpliendo como si se tratara de profecias.
Hijo del colonialismo y del clasismo, que vivió en primera persona desde su infancia al haber nacido en la India, George Orwell explica en primera persona su pensamiento, que le llevó a formar parte de las Brigadas Internacionales durante la Guerra Civil Española y más tarde, durante la II Guerra Mundial, a formar parte de la BBC, que abandonó al sentirse manipulado por el sistema que buscaba combatir. Todo ello Orwell 2+2=5 lo muestra de manera amena mediante imágenes del escritor, de conflictos pasados y contemporáneos y de películas, entre ellas, naturalmente las tres versiones de 1984 que han sido llevadas al cine y la televisión.
Tres puntos centran la narración y sostienen el documental: La ignorancia es la fuerza; La libertad es la esclavitud y La guerra es la paz. Tres contradictorias ideas que se consiguen demostrar sobradamente durante el metraje del film.
El resultado es un muy lúcido y rebelador documental que debería mostrarse en escuelas e institutos para despertar conciencias, y más en estos tiempos en los cuales los fascismos están volviendo, en parte, por el dictado de los oligarcas tecnológicos. Una guerra cultural que ya estamos sufriendo y en la que, tarde o temprano deberemos situarnos.
El director, Raoul Peck, es un documentalista haitiano reconocido por sus obras de corte sociopolítico que le han convertido en una voz de denuncia ante las injusticias sociales tanto de etnia como de clase. Raoul Peck fue Ministro de Cultura en Haití en 1997. Su película documental I’m Not Your Negro , sobre el racismo en EEUU, fue nominada en los Premios Óscar de 2017 . Esta impactante y provocadora película documental tuvo su estreno mundial en Cannes Première y compitió en Perlak del Festival Internacional de cine de San Sebastián.
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 20 de febrero de 2026 *
GREENLAND 2 (Greenland 2: Migration, Ric Roman, 2026)
- USA/UK. Duración: 98 min. Guion: Chris Sparling, Mitchell LaFortune, Música: David Buckley Fotografía: Martin Ahlgren Compañías: ACE, G-BASE, Thunder Road Pictures, CineMachine Media Works, STX Entertainment. Distribuidora: Lionsgate Género: Thriller
- Reparto: Gerard Butler, Morena Baccarin, Roman Griffin Davis, Amber Rose Revah
Sinopsis: Después de sobrevivir al fin del mundo por la caída de un cometa, Jeff Garrity (Gerard Butler), junto con su mujer Allison (Morena Baccarin) y su hijo Nathan (Roman Griffin Davis), son obligados a abandonar el búnker que les ha mantenido a salvo durante cinco años para buscar una zona en Europa que pueda ser habitable. Así, el último refugio es el principio de un nuevo comienzo. Juntos emprenderán un viaje donde los desastres naturales y los humanos que sobrevivieron han convertido el mundo en un auténtico infierno.
A veces, cuando una película de catástrofes como Greenland (2020) consigue una secuela, la expectativa es que corrijan los errores de la primera o eleven la apuesta, pero parece que Greenland 2 se queda en «más de lo mismo». Veamos.
Han pasado cinco años desde que el cometa Clarke asoló la Tierra y el mundo tal y como lo conocíamos cambió para siempre. Los supervivientes del búnker de Groenlandia se enfrentan a la dura realidad de una vida bajo tierra y entre ellos se encuentra la familia Garrity. Mientras los recursos y la moral se agotan, surgen los rumores sobre un nuevo refugio en Francia, una especie de oasis creado en el lugar donde impactó el meteorito Clarke. Aunque explorar la superficie podría poner en riesgo todo lo que han logrado conservar, de pronto este mundo que han conseguido construir se desmorona cuando el búnker en el que se escondían es destruido por varios terremotos. Ahora, deberán afrontar la dura verdad de que ningún lugar es seguro para siempre e intentar llegar hasta el único lugar que parece en calma en la faz de la Tierra, aunque el camino no será fácil. Ni para ellos ni para el espectador.
Si bien la premisa de Greenland siempre fue atractiva: un enfoque más íntimo y «realista» sobre el fin del mundo, alejándose de los espectáculos de Roland Emmerich, la ejecución ha terminado confirmando que estamos ante una saga irregular y, por momentos, frustrante. Si la primera entrega ya nos obligaba a suspender la incredulidad más de la cuenta, la secuela parece no aprender la lección y los agujeros de guion son el verdadero meteorito que golpea la trama.
LA MALDICIÓN DE SHELBY OAKS (Shelby Oaks, Chris Stuckmann, 2024)
- USA/Bélgica. Duración: 99 min. Guion: Chris Stuckmann. Historia: Sam Liz, Chris Stuckmann Música: Aaron J. Morton Fotografía: Andrew Scott Baird Compañías: Paper Street Pictures, Intrepid Pictures, Title Media. Productor: Mike Flanagan Género: Terror.
- Reparto: Camille Sullivan · Brenna Sherman · Brendan Sexton III · Michael Beach · Sarah Durn · Sloane Burkett.
Sinopsis: Cuando un documentalista descubre una nueva pista perturbadora, la búsqueda desesperada de una mujer por su hermana perdida hace mucho tiempo se convierte en obsesión al darse cuenta de que el demonio imaginario de su infancia puede haber sido real y no fruto de su imaginación.
Bajo el sello de Mike Flanagan (Misa de medianoche, La maldición de Hill House, La vida de Chuck) como productor ejecutivo, La maldición de Shelby Oaks, que se presentó en el Festival Fantasía y el Fantastic Fest e inauguró la sección Panorama de la última edición del Sitges – Festival Internacional de cinema fantàstic de Catalunya es el debut en el largometraje de Chris Stuckmann, se presenta como una propuesta híbrida que, si bien arranca bajo la sobriedad del documental, acierta al expandir su lenguaje visual conforme avanza el metraje. La película logra una atmósfera inquietante gracias al uso inteligente de diversas texturas —combinando vídeo analógico y digital—, una decisión estética que conecta con la sensibilidad visual de las generaciones más jóvenes habituadas al consumo fragmentado de imágenes. Lo más sugerente de la cinta reside en sus pinceladas de Folk Horror, aportando una capa de misterio ancestral que eleva la trama por encima del simple suspense. Sin embargo, este interés se ve empañado por ciertas incongruencias de guion que rompen la verosimilitud; resulta difícil ignorar decisiones inexplicables de la protagonista, (¿por qué no se limpia la sangre que le ha salpicado del sujeto que se acaba de suicidar en su presencia?) que sacan al espectador de la trama. En todo caso una opera prima de un director con buenas ideas y al que habrá que seguirle la pista.
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 13 de febrero de 2026 *

EL VESTIDO (Jacob Santana y Frank Ariza, 2026)
España. Guion: Frank Ariza, Diego Ayala, Marco Lagarde Música: Maria Vertiz Fotografía: Christos Voudouris Compañías: AF Films, Forgotten 2 Entertainment, E-Media Canary Project, Match Point. Productor: Frank Ariza Género: Terror
Reparto: Belén Rueda, Vera Centenera, Elena Irureta, Belén Écija
Sinopsis: Alicia (Belén Rueda) y su hija Carla (Vera Centenera) se mudan a una vieja casa en busca de un nuevo comienzo tras un divorcio difícil. Sin embargo, pronto descubren que la casa guarda una historia oscura, una cadena de tragedias que parecen repetirse generación tras generación. Carla, que lucha por encontrar su lugar en el mundo, comienza a notar que algo en la casa no está bien. Su madre, cada vez más paranoica, empieza a temer que su hija sea la causante de los eventos extraños que suceden a su alrededor. Pero la verdad es aún más aterradora: Alicia es la que está perdiendo el control… o peor aún, nunca lo tuvo.
El Vestido es un compendio del buen cine de fantasmas y casas encantadas, con todos los elementos, guiños y puntos en común, incluido el objeto maldito que es el que da título al film de estos dos directores, Jacob Santana y Frank Ariza, con el que debutan en el cine de terror. Jóvenes y sobradamente preparados, tal y como muestran sus filmografías, El vestido se detiene en infinidad de elementos demasiado familiares para el aficionado serio al género, pero ofrece un imaginativo twist final que consigue su cometido de sorprender al espectador.
Sin querer ser irrespetuoso, Belén Rueda, agradecido nombre adscrito al género terrorífico y comprometido con el mismo, quizás está un tanto mayor como para ejercer de madre de la niña, pero construye un personaje a su medida y consigue darle credibilidad. La joven Vera Centenera resulta terrorífica como pre-adolescente y siniestra en su papel de poseída.
A las dos protagonistas les acompañan en el reparto Elena Irureta (¿Quién es quién?, Ocho apellidos marroquís, Patria – serie tv-) y Belén Écija (La agencia -serie tv-, Caída libre) y es una producción de AF Films junto con Forgotten 2 Entertainment SL en asociación con E-Media Canary Project y Match Point, cuyas ventas internacionales están a cargo de Film Factory.
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 30 de enero de 2026 *
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LA CHICA ZURDA (Left-Handed Girl, Shih-Ching Tsou, 2025)
- Taiwan/Francia. Duración: 108 min. Guion: Sean Baker, Shih-Ching Tsou Fotografía: Ko-Chin Chen, Tzu-Hao Kao Compañías: Through the Lens Entertainment, Cinema Inutile, Good Chaos, Le Pacte, Left-Handed Girl Film Productions Género: Drama
Reparto: Janel Tsai. Nina Ye. Shi-Yuan Ma · Blaire Chang · Huang Teng-Hui. Akio Chen. Xin-Yan Chao
- Sinopsis: Una madre soltera y sus dos hijas regresan a Taipei tras varios años viviendo en el campo para abrir un puesto en un bullicioso mercado nocturno. Cada una a su manera, tendrán que adaptarse a este nuevo entorno para llegar a fin de mes y conseguir mantener la unidad familiar. Tres generaciones de secretos familiares empiezan a desvelarse después de que su abuelo tradicional le diga a la hija menor, que es zurda, que nunca use su «mano del diablo».
La chica zurda se inicia y se cierra con una caleidoscopio, sutil metáfora de lo que el espectador va a ver. Idas y venidas, historias cotidianas de una familia representada por una madre joven, su moribundo padre, su estúpida hija adolescente y su cándida, inocente hija menor. La niña zurda, lo cual para el abuelo es señal de estar marcada con la mano del diablo, la que está maldita y solo sabe hacer el mal.
La película, dirigida por la taiwanesa Shih-Ching Tsou que tuvo su estreno mundial en la Semana de la Crítica del Festival de Cannes y su estreno nacional en la Sección Oficial de la Seminci, consigue hacer cercano algo tan lejano como son las vicisitudes, las gracias y desgracias de una familia Taiwanesa, algo tremendamente difícil. Y todo en una de esas películas que les resumirán, aquellos que no saben ver cine, como un film en el que no pasa nada. Que va de nada.
Pero no es así, por supuesto. En La chica zurda se barajan infinidad de temas: relaciones, diferencias entre clases sociales, patriarcado, dificultades laborales, marginación, sexo, suricatos y, sobre todo, familia. Un caleidoscopio en el que sobresale la mirada inocente de la más pequeña, la zurda, que encontrará la manera de colaborar en el hogar poniendo en marcha su mano diabólica y que culminará en una gran fiesta, la del cumpleaños de la abuela, donde se enjuagarán los delitos y faltas y se exorcizarán los demonios expulsándose de vuelta a su lugar.
El oscarizado Sean Baker (Anora) ha coescrito, editado y coproducido la película, que tiene mucho en común con su Florida Project (2017) y que además es finalista a la Mejor película internacional (representando a Taiwán) en los próximos Premios Óscar de la Academia de Hollywood, mientras que su habitual colaboradora, Tsou, la ha dirigido. Juntos dirigieron Take Out (2004) y ella ha producido buena parte de su filmografía posterior, como Starlet, Tangerine, The Florida Project y Red Rocket. La chica zurda supone la primera vez que Baker edita una película dirigida por otra persona. Tsou explica: “Es una historia muy personal. Un día le conté a Sean que mi abuelo siempre decía que la mano izquierda era la mano del diablo”, a lo que Baker añade: “Como en todas las demás películas en las que he trabajado, partíamos del deseo de contar una historia que tuviera un dimensión muy humana. En mis películas, efectivamente, me gusta extraer la autenticidad de cada detalle; y aquí ocurrió lo mismo, solo que nos basamos en las vivencias de Shih-Ching para construir la historia y para dramatizarla”.
A nivel estético, la película también guarda continuidad con el cine de Baker: el uso de localizaciones reales y el trabajo con luz natural y colores del entorno definen la puesta en escena. Además, La chica zurda fue rodada íntegramente con iPhone, igual que Baker hizo con Tangerine en 2015. La elección del mercado nocturno de Taipéi refuerza esta cercanía visual y atmosférica. Como explica Baker: “Sabíamos que la energía y la vida que emana de este lugar lo haría particularmente cinematográfico: tiene una animación permanente, tiene luces propias, tiene la comida que se hace al momento y, más aún, tiene todos esos colores”.
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 23 de enero de 2026 *
ARCO (Ugo Bienvenu, 2025)
- Francia. Duración: 82 min. Guion: Ugo Bienvenu, Félix De Givry Música: Arnaud Toulon Compañías: Remembers, MountainA, France 3 Cinéma, CNC, Fit Via Vi Film Productions. Productor: Natalie Portman. Distribuidora: Diaphana Distribution Género: Fantástico
- Sinopsis: En el año 2075, Iris, una niña de 10 años, ve caer del cielo a un misterioso niño con un traje de arcoíris. Es Arco. Iris lo acogerá y lo ayudará por todos los medios posibles a volver a su hogar.

Bajo la apariencia de una Bildung Roman, Arco de Ugo Bienvenu nos habla de la finitud humana y la importancia del legado. La narrativa rompe con el tropo tradicional del héroe que debe sobrevivir o ganar para centrarse en la transmisión de valores y esperanza a través del tiempo. Desde la contraposición de dos tiempos futuros (2075 versus 2984) nos propone un viaje desde lo distópico a la utopía, la obra de Bienvenu utiliza el marco de la ciencia ficción para advertir sobre un futuro deshumanizado (distopía), pero se desvía de la norma al construir un camino hacia la esperanza y el reencuentro con lo esencialmente humano (utopía). Al cinismo oscuro de nuestro tiempo, contesta con un optimismo estético no exento de una cierta pátina de agridulce melancolía.
Iris tiene diez años en 2075, la tierra es un mundo dominado por la tecnología, los trabajos más pesados los realizan ciborgs de aspecto humanoide, algunos de ellos, los más evolucionados, se ocupan también de los servicios y cuidados, los humanos pueden concentrarse en las labores cualificadas y prosperar sin las distracciones que suponen las preocupaciones cotidianas. Podría decirse que el progreso ha avanzado. Pero el planeta se está agotando, asolado por terribles incendios que amenazan con devastar nuestra civilización. Para escudarse de las inclemencias de unos fenómenos meteorológicos cada vez más extremos, frutos del calentamiento, y protegerse de los fuegos cada vez más virulentos, los hogares disponen de unas cúpulas transparentes que aíslan las casas del entorno. Si es que se progresa, se hace a costa de perder el contacto con el medio, se hace a cambio de deshabitar el espacio de comunión con la biósfera. El mundo se ha deshumanizado.
Arco tiene 10 años en 2984, la tierra ya no es habitable, pero la humanidad ha subsistido gracias al ingenio de crear un sistema de plataformas que se ramifican fuera de la atmósfera, mundos diversos en los que se va desplegando el tiempo y la historia. El de Arco es un auténtico Edén, un locus amoenus, en el que se ha retornado a la convivencia con la naturaleza, con su familia se dedica a cultivar, y repoblar de especies que el caos climático prácticamente extinguió, su pequeño entorno. Un invernadero que hace eterna la primavera. No todo se encuentra en su territorio, por eso sus padres y su hermana mayor viajan a otros espacios y otros tiempos para recuperar las semillas y brotes del pasado y darles nueva vida en su ingrávido hábitat. Es un mundo de reconciliación entre lo humano y lo biológico.

Arco e Iris existen en paralelo, hasta que la desobediencia les hace confluir. El niño quebranta la norma de no salir a navegar hasta cumplir los 12, movido por su afán de ver dinosaurios con sus propios ojos. La impericia le hace perder el control de su rumbo y caer estrellado contra el suelo de una tierra no prevista. La niña se aburre en la escuela cuyas lecciones no sacian su curiosidad, con una falsa excusa abandona el aula y se adentra en el bosque infringiendo la prohibición expresa tanto de sus padres, como de las reglas del colegio. En un claro, Iris descubrirá a Arco tendido en el suelo inconsciente, ahí empieza su aventura en común. Iris había pedido un deseo el día de su cumpleaños, que las cosas cambien, la irrupción de Arco en su mundo viene a ser el prodigio que espera. Iris se erige en protectora de Arco y está dispuesta a hacer lo posible por lograr que regrese a su casa, en la peripecia de ambos no estará en juego sólo su destino individual sino que de su resolución se desprenderá el futuro colectivo. Relato de crecimiento, el fin de la niñez de Arco e Iris será el detonante que permitirá la supervivencia de la especie. “Nadie puede conocer su futuro”, se dice en la cinta, pero del encuentro de dos tiempos surgirá la posibilidad de la continuidad.
Con una cuidada animación 2D, que toma elementos de la línea clara para fundirlos con otros procedentes del manga japonés, y una paleta que sabe elegir el cromatismo idóneo para cada secuencia, Arco nos regala una brillante reflexión visual sobre la identidad y la tecnología. Bienvenu domina las técnicas de la narración visual, tanto del cine como, especialmente, del cómic, y nos ofrece una obra a contracorriente que apuesta por centrarse en la importancia de la transmisión de valores y esperanza a través del tiempo. La cinta nos dice que la importancia no está en la permanencia, sino en el legado que iluminará a otros para que florezcan. Nada está a salvo de la obsolescencia, pero el impacto humano llega a parecer permanente, puesto que, siendo finitos, la herencia que dejemos influirá en el bienestar de quienes vendrán después. Arco es un canto a la memoria y al sacrificio.
Un magistral secundario es el encargado de entonar esa melodía, Mikki, el androide nana de Iris. Mikki protagonizará la escena más nuclear de la historia, una secuencia que se ha convertido instantáneamente en el
“momento Bambi”, pero con una vuelta de tuerca existencial y tecnológica. El androide sirve a la acción para introducir el tema del libre albedrío, puesto que su afecto por la protagonista no depende del programa que le rige, al menos no deterministamente, su capacidad de toma de decisión se manifiesta cuando las circunstancias le ponen en la tesitura de renunciar a ser guardián de la niña para convertirse en su aliado. Y toma esa determinación aún a costa de ponerse en riesgo, su ética de utilidad le conduce al sacrificio por un bien más alto que su propia permanencia. A través de este episodio, Bienvenu concluye que no importa que cada uno de nosotros no sea el fin de la existencia, porque nuestra auténtica relevancia estriba en ser el combustible para que el futuro exista.
Arco es una odisea en la que no hay villano a combatir, hasta los antagonistas acaban colaborando para lograr el éxito de Arco, lo que se enfrenta es nuestra continuidad como civilización, más aún, como especie, y pudiendo quedarse en la desolación entona un himno a la esperanza. De nuestro presente distópico aún puede germinar un futuro propicio, dependerá de la luz de arcoíris que dejemos tras de nosotros como estela para guiar a las generaciones que habrán de venir. De que nos coloquemos cdel lado del conocimiento y la empatía y no nos aliemos con el cinismo oscuro que impera en las ideologías pujantes. La película de Bienvenu es una fábula utopista que viene a morder las raíces de la política de muros y segregación. Porque la realidad ha tropezado con Trump, máscara del líder anexionista y déspota en nuestros días (como antes lo fueron otros engendros autoritarios), pero la imaginación todavía es libre. Y si la propuesta de Arco es inalcanzable, si no queda esperanza, habrá que inventarla de nuevo.
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 16 de enero de 2026 *
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TURNO DE GUARDIA (Heldinaka, Petra Biondina Volpe, 2025)
- Suiza/Alemania. Duración: 92 min. Guion: Petra Biondina Volpe Música: Emilie Levienaise-Farrouch Fotografía: Judith Kaufmann Compañías: Zodiac Pictures, MMC Zodiac, Schweizer Radio und Fernsehen, SRG SSR Idée Suisse Género: Drama.
- Reparto: Leonie Benesch · Sonja Riesen · Urs Bihlerr · Margherita Schoch · Jürg Plüss · Alireza Bayram · Jasmin Mattei · Ridvan Murati.
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Sinopsis: Floria (Leonie Benesch) es una enfermera que trabaja con gran dedicación y profesionalidad en el ala quirúrgica de un hospital suizo. Nunca comete un error, siempre escucha a sus pacientes incluso en las situaciones más estresantes y siempre está disponible de inmediato en caso de emergencia. Pero en la dura, y muchas veces impredecible, realidad diaria del hospital las cosas pueden ser diferentes. Un día, Floria llega para trabajar en el turno de noche, la sala de urgencias está completamente llena y hay falta de personal. A pesar del ritmo frenético, Floria trabaja incansable para atender a todos los pacientes pero comete un desastroso error y el turno amenaza con desbaratarse por completo. Comienza una angustiosa carrera contrarreloj.
Turno de guardia es el último trabajo de la aclamada directora y guionista Petra Volpe (Dreamland, El orden divino) que tuvo su premiere mundial en la 75ª edición del Festival de cine de Berlín. Un film protagonizado por Leonie Benesch, actriz que ha demostrado que es capaz de hacer frente a toda profesión de riesgo que se le ofrezca, pues no en vano hace un par de años muchos la descubrimos en Sala de profesores encarnando a una maestra que se enfrenta a una delicada situación.
Ahora, en Turno de guardia, deberá hacer frente a la falta de personal generalizada en la sanidad pública que obliga, por supuesto, a que la película esté realizada con tono de thriller, en algunos momentos cercano al terror, que es el próximo escalafón al que llegará de proseguir así la situación.
Leonie Benesch consigue con su personaje de enfermera de la planta de oncología que el espectador se contagie de una actividad incesante que se inicia ya desde el vestuario y que irá in crescendo hasta culminar en el autobús que la llevará a casa tras una jornada de infarto, pues no es más que otro día de trabajo en la planta del hospital. Entenderemos que la labor que ejerce el personaje que encarna Benesch debe de ser un trabajo vocacional, cargado de dificultades e incomprensión por parte de algunos pacientes, incapaces de ponerse en la piel de la trabajadora.
Viviremos con Floria momentos de tremendo estrés, pero también de paz, microsegundos que confirman la sensibilidad especial que es necesaria para realizar esa delicada labor. Y todo ello sin caer en el escasamente creíble tono de series norteamericanas muy recordadas y habitadas por súper médicos que parecen estar en medio de una película de acción.
Leonie Benesch realiza con su personaje una extraordinaria interpretación con la que ha conseguido su segunda nominación a los premios EFA de la Academia de Cine Europeo como Mejor Actriz del año. Asimismo, Turno de guardia ha sido seleccionada en la shortlist de los Oscar como Mejor Película Internacional y es candidata a los Goya como Mejor Película Europea.
VAMOS DE ESTRENO * 5 de diciembre de 2025 *

ETERNITY (David Freyne, 2025)
USA. Duración: 112 min. Guion: Patrick Cunnane, David Freyne Música: Dave Fleming Fotografía: Ruairi O’Brien Compañías: A24, Star Thrower Entertainment Género: Fantástico
Sinopsis: En un más allá donde las almas tienen una semana para decidir dónde pasarán la eternidad, Joan (Elizabeth Olsen) se enfrenta a la diabólica disyuntiva de elegir entre el hombre con el que ha compartido su vida (Miles Teller) y su primer amor (Callum Turner), que murió joven y ha estado décadas esperando a que ella llegara.
Eternity es una divertida comedia fantástica distribuida por A24 protagonizada por Miles Teller (‘Whiplash’, ‘Top Gun’), Elisabeth Olsen (»Bruja Escarlata y visión’) y Callum Turner (Animales fantásticos), dirigida por David Freyne y coescrita por Freyne junto a Pat Cunnane que está realizada a imagen y semejanza de viejas fantasías de los años cuarenta como El difunto protesta (Here Comes Mr. Jordan, Alexander Hall, 1941), Un espíritu burlón (Blithe Spirit, David Lean, 1945), ¡Qué bello es vivir! (It’s a Wonderful Life, Frank Capra, 1946), ya que estamos en estas fechas, o incluso la española La vida en un hilo, escrita, producida y dirigida por Edgar Neville en 1945. Fantasías sobrenaturales con enfrentamientos entre sus protagonistas, de entre los cuales alguno -o todos ellos- tienen un pié en el otro barrio. Ingeniosas tramas que antaño uno se imaginaba protagonizadas por actores como Cary Grant, James Stewart y Katherine Hepburn, tipos que hubieran encajado perfectamente en el lugar de los tres protagonistas de esta amable comedia que responde a unas preguntas más grandes, o tanto, como la vida misma: ¿Qué nos espera después de la muerte? Y como la única forma válida de responder a esa cuestión se nos antoja que debe de ser en tono de comedia, por aquello de quitar seriedad y trascendencia al asunto, Eternity cumple a la perfección con la tarea gracias a su ingenioso argumento y a las interpretaciones de sus protagonistas, correctos y nada histriónicos, en la que es, sin duda, una fantasía recomendada para estas fiestas que se nos vienen encima.
GOLPES (Rafael Cobos, 2025)
España/Francia. Duración: 102 min. Guion: Rafael Cobos, Fernando Navarro Compañías: Vaca Films, Grupo Tranquilo PC, RTVE, Movistar Plus+, Canal Sur Género: Thriller
Reparto: Cristina Alcázar, Carlos Bernardino, Luis Tosar, Jesús Carroza.
Sinopsis: Migueli (Jesús Carroza), es un delincuente que sale de prisión en la cambiante España de inicios de los 80. Quiere mirar al futuro, pero, antes, tendrá que sellar heridas del pasado. Para ello necesita mucho dinero y lo necesita rápido. En cuanto llega a Sevilla reúne a su antigua banda, y dan varios palos seguidos: sucursales bancarias, joyerías… e incluso el primer casino de la zona. No van a tenerlo fácil: la policía ha encargado el caso a su propio hermano, Sabino (Luis Tosar), que conoce muy bien cómo piensan. Pero Migueli no se detendrá. Está dispuesto a llegar hasta el final.
Golpes, dirigida por Rafael Cobos, es un thriller español ambientado en los primeros años ochenta que mezcla cine de denuncia social con memoria histórica, todo lo cual a pesar de estar un poco cogido con pinzas funciona gracias a las actuaciones de sus protagonistas y hermanos en la ficción, un siempre eficaz Luis Tosar y, sobre todo, Jesús Carroza, que ejerce de antihéroe en esta cinta en la que cada uno de ellos está a un lado de la ley y que recuerda un tanto aquellos heroic bloodshed hongkoneses a los que tan aficionado era y tanta fama le dieron a John Woo a finales de ochenta.
Golpes es el primer largometraje dirigido por Rafael Cobos, que debutó en la dirección con la serie El hijo zurdo (premiada en Canneseries), y que tiene una larga y sólida trayectoria como guionista estrechamente vinculada al director Alberto Rodríguez. Juntos han creado historias que combinan profundidad narrativa con un agudo sentido de la realidad social y cultural de nuestro país, como Grupo 7, La isla mínima, El hombre de las mil caras, Modelo 77 y Los Tigres, recién estrenada en el Festival de San Sebastián.
En Golpes se ha querido ver un acercamiento al cine quinqui de los setenta, aunque como explica el director: «Si el cine quinqui es frontal, explícito y habla de las cosas de un modo evidente y descarnado, Golpes es una fábula sutil que pretende hablar de un país en plena transición, contradictorio, desorientado e incapaz de ajustar cuentas con su pasado; un thriller de robos sobre los lazos de sangre y la memoria».
Directa, emotiva y muy bien ambientada, para reflejar aquella sucia realidad de los ochenta, Golpes es otra muestra de la buena salud que goza el policiaco español más comprometido.

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