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Archive for the ‘VAMOS DE ESTRENO’ Category

VAMOS DE ESTRENO * Miércoles 6 de enero de 2021 *

SALVAJE (Unhinged, Derrick Borte, 2020)

USA. Duración: 91 min. Guion: Carl Ellsworth Música: David Buckley Fotografía: Brendan Galvin Productora: Solstice Studios, Burek Films (Distribuidora: Solstice Studios, Eagle Films) Género: Thriller

Reparto: Russell Crowe, Caren Pistorius, Jimmi Simpson, Gabriel Bateman, Anne Leighton, Lucy Faust, Devyn A. Tyler, Michael Papajohn, Austin P. McKenzie, Stephen Louis Grush, Sylvia Grace Crim, Vivian Fleming-Alvarez, Jenanne Alexander, Gretchen Koerner, Samantha Beaulieu, Juliene Joyner, Donna Duplantier, Tim Bell

Sinopsis: Tom (Russell Crowe), es un hombre cuya vida ha dejado de tener sentido. En pleno colapso mental se cruza en la carretera con Rachel (Caren Pistorius), una joven que llega tarde a trabajar y que, nerviosa, recrimina a Tom con el claxon que no mueva su coche en un semáforo. A partir de entonces dará comienzo un peligroso juego del gato y el ratón en el que el torbellino de esta “ira en la carretera” traspasará cualquier límite que Rachel jamás haya imaginado.

Una situación cotidiana despertará a la bestia que todos tenemos dentro causada por diversos motivos que pueden ser el stress acumulado, unas vidas que no son lo que esperábamos de ellas, o divorcios y pérdidas. Motivos de tensión que explotarán despertando la furia del protagonista hasta límites insospechados. Y es que ¿puede ser algo más terrorífico que ser perseguido por Russell Crowe enloquecido? Pues si, serlo por un Russell Crowe que abulta por dos y que, al parecer, ya no tiene nada que perder y que por eso mismo va a hacer pasar a Rachel un día realmente malo.

Más terrorífico que cualquier psicho killer enmascarado, el personaje que encarna Crowe hace honor al título en este filme adrenalítico, cargado de violencia y que mantiene constantemente su tenso ritmo, consiguiendo provocar más de un sobresalto en el espectador.

Salvaje, que ha sido número 1 en cines en EE. UU, Reino Unido, Alemania y Australia, entre otros muchos territorios, ha sabido coger con seguridad el testigo cargado de adrenalina y pánico de otras películas con psicópatas al volante como El diablo sobre ruedasNunca juegues con extraños o Death Proof.

MANUAL DE LA BUENA ESPOSA (La bonne épouse, Martin Provost, 2020)

Francia/Bélgica. Duración:109 min. Guion: Martin Provost,Séverine Werba Música: Grégoire Hetzel Fotografía: Guillaume Schiffman Productora: Les Films du Kiosque, France 3 Cinéma, Orange Studio, Umedia Género: Drama

Reparto: Juliette Binoche, Yolande Moreau, Noémie Lvovsky, Édouard Baer, François Berléand, Marie Zabukovec, Anamaria Vartolomei, Lily Taieb, Pauline Briand, Armelle, Marine Berlanger, Clémence Blondeau, Marie Cornillon, Lauren Deguitre, Clémentine Delange, Juliet Doucet, Suzanne-Marie Gabriell, Marie-Anne Guilbert, Sasha Herschritt, Margaux Houssiaux, Blandine Laignel, Andréa Mands, Salomé Soares, Julien Sibre, Stéphane Bissot, Dominique Pozzetto, Stéphane Hausauer, François Hauteserre, Cécile Ribault-Caillol

Sinopsis: Cuidar del hogar y plegarse a los deberes conyugales sin rechistar: es lo que enseña con fervor Paulette Van Der Breck en su escuela para muchachas. Sus certezas se tambalearán en el momento en que se encuentre viuda y arruinada. ¿Es el regreso de su primer amor o el viento de libertad del Mayo del 68? ¿Y si la buena esposa se convirtiese en una mujer libre?

Personalmente me ha sorprendido averiguar que la formación de la mujer en las tareas del hogar no era patrimonio exclusivo de la Sección Femenina de la Falange española, muy al contrario Manual de la buena esposa narra como en Francia también había cursos, que se prolongaban durante dos años, en los cuales las jóvenes eran educadas para ofrecer un buen servicio a su marido y ser una impecable esposa. Estos cursos estaban reservados, como deja caer una de las protagonistas de la cinta, a las clases más humildes, cuyas hijas no tenían acceso a estudios superiores. En todo caso esta historia, que se desarrolla a finales de los años sesenta y culmina en aquel tan revolucionario como inútil mayo del 68, forma parte de la corriente feminista que desde las artes busca concienciar a la sociedad, algo, por supuesto, muy loable, pero que consigue hacer descuidar algunos detalles en la narración del filme. Por una parte el arco de transformación de los personajes sucede de una manera tan veloz como inverosímil y, bueno, ese final pues… termina de redondear el despropósito. En todo caso todo esto entra en la opinión personal, pues por lo demás se trata de una divertida película que sirve para denunciar una situación que se dio en un pasado no muy lejano y que cuenta con un grupo de valiosas actrices que contribuyen al agradable resultado de esta cinta.

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VAMOS DE ESTRENO * Miércoles 30 de diciembre de 2020 *

30 diciembre 2020 Deja un comentario

LA ÚLTIMA GRAN ESTAFA (The Comeback Trail, George Gallo, 2020)

USA. Duración: 104 min. Guion: George Gallo, Josh Posner Música: Aldo Shllaku Fotografía: Lucas Bielan Productora: Storyboard Media, March On Productions, Sprockefeller Pictures Distribuidora: Eagle Films Género: Comedia

Reparto: Robert De Niro, Morgan Freeman, Tommy Lee Jones, Vincent Spano, Natalie Burn, Emile Hirsch, Zach Braff, Patrick Muldoon, Eddie Griffin, Joel Michaely, Nick Vallelonga, Blerim Destani, Michelle Maylene, Julie Lott, Melissa Greenspan, Jermaine Washington, Ray Bouderau, Leonard Waldner, Bill Luckett

Sinopsis: Max Barber (Robert de Niro) es un productor de cine de Hollywood de serie B. Tras el fracaso de su última película, necesita encontrar un nuevo proyecto que le permita saldar su deuda con un jefe de la mafia local (Morgan Freeman). Decide emprender la producción de una película con escenas de acción de alto riesgo, con el fin de provocar la muerte de su actor protagonista y poder cobrar así el altísimo seguro, solucionando definitivamente sus problemas económicos. El actor elegido es Duke Montana (Tommy Lee Jones), una vieja estrella deprimida con problemas con la bebida: el blanco perfecto para los planes de Max. Sin embargo, los días de rodaje van transcurriendo y Max no consigue su propósito, sometiendo a Duke a retos cada vez más peligrosos. Paradójicamente, mientras Duke va sobreviviendo escena tras escena, Max, inconscientemente, está rodando la mejor película de su carrera.

La última gran estafa esta basada en un filme de 1982 de idéntico título dirigido por Harry Hurwitz que nunca llegó a estrenarse. La película recuperaba al antiguo actor de seriales Larry Buster Crabbe, primera encarnación de los héroes galácticos Flash Gordon y Buck Rogers, y George Gallo, director de esta nueva versión, fue una de las pocas personas que pudo verla. Con el paso del tiempo quiso hacer un remake, pero diferentes personas afirmaban poseer los derechos del filme, por lo que Gallo continuó haciendo otras películas. Después del éxito de Dos tipos geniales (1986) o Huida a medianoche (1988) y obsesionado con la vieja película de 1982, consiguió hacerse con los derechos y rodar su versión, que toma como protagonista de la función a una vieja gloria del western interpretada por el siempre eficaz Tommy Lee Jones, que estará acompañado por un divertido director de películas de serie Z encarnado por Robert de Niro que debe una fuerte suma de dinero a un mafioso de pacotilla que interpreta, maravillosamente, Morgan Freeman. El resultado es una agradable comedia de cine dentro del cine que transporta al espectador a otra época, ya totalmente cerrada, cuando el cine era un entretenimiento de masas.

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VAMOS DE ESTRENO * Miércoles 23 de diciembre de 2020 *

23 diciembre 2020 Deja un comentario

EL PADRE (The Father, Florian Zeller, 2020)

UK/Francia. Duración: 97 min. Guion: Florian Zeller, Christopher Hampton Fotografía: Ben Smithard Productora: Trademark Films, Embankment Films, Film4 Productions, F Comme Film, AG Studios NYC (Distribuidora: Lionsgate ) Género: Drama 

Reparto: Anthony Hopkins, Olivia Colman, Imogen Poots, Rufus Sewell, Olivia Williams, Mark Gatiss, Evie Wray, Ayesha Dharker

Sinopsis: Anthony (Anthony Hopkins), un hombre de 80 años mordaz, algo travieso y que tercamente ha decidido vivir solo, rechaza todos y cada uno de los cuidadores que su hija Anne (Olivia Colman) intenta contratar para que le ayuden en casa. Anne está desesperada porque ya no puede visitarle a diario y siente que la mente de su padre empieza a fallar y se desconecta cada vez más de la realidad. Dado el ir y venir de sus recuerdos ¿cuánto de su propia identidad podrá recordar con el paso del tiempo? Anne sufre la paulatina pérdida de su padre a medida su mente se deteriora, pero ¿no tiene ella derecho a vivir también su propia vida?

El padre, película del director, escritor y dramaturgo Florian Zeller, llega a nuestras pantallas tras su paso por el Festival de San Sebastián, donde ganó el Premio del Público, sensible ante la autenticidad de la historia, el enfoque dado por el director, original y contundente y la interpretación prodigiosa de sus protagonistas, una conjunción que ha conseguido el más verista acercamiento al deterioro de la mente que puede verse en la pantalla. Algo que Anthony Hopkins ha sabido reflejar demostrando, una vez más, su categoría como actor. Cambios de humor, rarezas, olvidos y pérdidas de objetos, sospecha de conspiraciones a su alrededor… un deterioro progresivo de la mente del que el espectador formará parte activa sintiendo la confusión del protagonista, que se sabe sumido en la debacle de su mundo. Pero también se hace partícipe al espectador del dolor de la hija, interpretada por una también maravillosa Olivia Colman, que sabe reflejar en la mirada su profundo sufrimiento.

Florian Zeller, autor de la obra en la que se basa el filme, debuta poderosamente en la dirección cinematográfica con esta cinta, que ha proporcionado, en su versión teatral, grandes reconocimientos. El debut de la obra de teatro en 2012 en París, le supuso el Premio Molière a la Mejor Obra de Teatro. Christopher Hampton hizo la traducción al inglés y se estrenó en el West End de Londres en 2015, ganando el Premio Olivier al Mejor Actor  para Kenneth Cranham. Frank Langella hizo de protagonista cuando la obra se presentó en Broadway y ganó el Premio Tony. En nuestro país fueron Hector Alterio y Ana Labordeta los encargados de interpretar a los protagonistas de la obra de teatro en 2016.

El padre participó, además de en San Sebastián, en los festivales de Sundance y Toronto, donde tuvo un gran recibimiento y la crítica elogió las grandes interpretaciones de sus protagonistas, ensalzando asimismo la labor de su director. 

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VAMOS DE ESTRENO * Viernes 18 de diciembre de 2020 *

19 diciembre 2020 Deja un comentario

BABY (Juanma Bajo Ulloa, 2020)

Duración: 106 min. Guion: Juanma Bajo Ulloa Música: Bingen Mendizábal, Koldo Uriarte Fotografía: Josep M. Civit Productora: Frágil Zinema, La Charito Films (Distribuidora: Televisión Española (TVE)) Género: Thriller.
Reparto: Natalia Tena, Harriet Sansom Harris, Rosie Day, Charo López, Mafalda Carbonell, Susana Soleto, Amalia Ortells
Sinopsis: Una joven drogadicta embarazada da a luz en medio de una de sus crisis. Incapaz de ocuparse del bebé, lo vende a una matrona dedicada al tráfico de niños. Arrepentida, la joven tratará de recuperarlo.
Premios
Festival de Sitges: Mejor banda sonora original (Mendizábal & Uriarte)
Premios Feroz: Nominada a mejor música

Aunque el Juanma Bajo Ulloa más interesante ya volvió, tras el exitazo popular de Airbag (1997), con la casi invisible y reivindicable Frágil en 2004, es con Baby con la que vuelve a arriesgar en una obra que no está abierta a todos los gustos, pues pensamos que levantará tanto opiniones tibias, cuando no negativas, como, en menor medida, entusiastas. Serendipia es de los segundos. Ya desde que viéramos el inquietante trailer del filme, nos despertó la curiosidad lo que Bajo Ulloa estaba preparando y, afortunadamente, no solo no nos ha defraudado sino que, muy al contrario, ha estado muy por encima de las expectativas esperadas. Ya desde su inicio mezcla droga, religión y un parto en soledad. Un comienzo de impacto que deja en el espectador un poso de tristeza que no le abandonará durante todo el metraje, mezclando lo bello y lo horrible y pasando de la realidad más descarnada a la fantasía más desbordante transportándonos a la casa de la bruja, a la guarida del ogro, en el que la protagonista jugará al escondite buscando subsanar el que podría ser el error de su vida. Se denota en cada plano un cuidado trabajo de orfebrería desprovisto de pedantería y sí cargado de belleza. Como la de ese icónico chupete de plata y nácar que esconde en su interior un tesoro, una perla. Serendipia sabe que está disfrutando de la mejor película que le ha ofrecido este aciago año. Una cinta que formará parte de su filmoteca particular, cual tesoro, para ser disfrutada una y otra vez. Y es que Juanma Bajo Ulloa ha sido muy valiente escribiendo y dirigiendo una película que posiblemente no sea comprendida, pero Baby, que carece de diálogos y está totalmente protagonizada por mujeres, es el cuento perverso y repleto de magia que muchos estábamos esperando del realizado vasco.

Al igual que ocurre con la vida, la trama de BABY contiene simbolismos y metáforas, tal vez invisibles en ocasiones para el intelecto, pero perceptibles para el corazón o el espíritu. Alegorías que suscitan en el espectador sentimientos no racionales y estimulan una interpretación más profunda. No se emiten juicios ni valoraciones éticas, no hay moralina o paternalismo, los personajes actúan movidos por sus instintos, y es al ancestral instinto al que va dirigido este cuento de vida, lucha y muerte.

Juanma Bajo Ulloa

 

VAMOS DE ESTRENO * Viernes 4 de diciembre de 2020 *

4 diciembre 2020 Deja un comentario

MADAME CURIE (Radioactive, Marjane Satrapi, 2019)

UK-Hungría-China; Duración: 109 min. Guion: Jack Thorne (Biografía: Marie Curie) Música: Evgueni Galperine, Sacha Galperine Fotografía: Anthony Dod Mantle Productora: Working Title Films, Studio Canal, Shoebox Films, Pioneer Stilking Films. Distribuida por: Amazon Studios Género: Drama

Reparto: Rosamund Pike, Sam Riley, Anya Taylor-Joy, Aneurin Barnard, Simon Russell Beale, Jonathan Aris, Indica Watson, Mirjam Novak, Tim Woodward, Cara Bossom, Richard Pepple, Michael Gould, Mark Phelan, Corey Johnson

Sinopsis: Pionera. Rebelde. Genio. Radioactive es la historia real e increíble de Marie Sklodowska-Curie y su trabajo ganador del Premio Nobel que cambió el mundo para siempre. A medida que descubre elementos radiactivos previamente desconocidos, pronto se vuelve terriblemente evidente que su investigación podría conducir a aplicaciones en medicina que permitirían salvar miles de vidas, pero también a usos en la guerra que podrían destruir miles de millones de ellas.

Nuevo biopic centrado, no tan solo en la figura de la más importante científica que ha dado la humanidad, sino también en los efectos de los descubrimientos que investigó junto a su marido y compañero Pierre Curie. La cinta recrea las dificultades por las que tuvo que pasar la temperamental científica para desarrollar su trabajo bajo su condición de extranjera y mujer, así como la relación con su marido Pierre y, tras el fallecimiento de este, el escándalo que protagonizó por su relación con un compañero casado. También profundiza en otras facetas menos conocidas de su biografía, como su participación en la I Guerra Mundial junto a su hija primogénita, también científica y heredera de su carácter. Magníficamente ambientada es, como indicamos, más que un simple biopic, pues muestra los beneficios del radio al servicio de la medicina, pero también su poder destructor. Quizás son muchos años y datos vertidos en una sola película, por lo que resulta ligeramente apabullante, intensa, sobre todo en la parte final, en la que apoyada por su hija mayor (una estupenda Anya Taylor-Joy) inicia la que considerará su última batalla llevando, precisamente, al campo de batalla, rayos X en el interior de ambulancias, con las que poder diagnosticar y evitar muchas amputaciones inútiles de miembros.

Rosamund Pike construye una Marie Curie poderoso, soberbia y egocéntrica, volcada en su trabajo y de carácter práctico, frente al romántico y plácido Pierre Curie encarnado por Sam Riley.

Encargada de clausurar el Festival de Toronto y participante en el pasado BCN Film Fest, donde se alzó con el Premio a la Mejor Actriz para Rosamund Pike, Madame Curie adapta la novela gráfica de Lauren Redniss Radioactive. Marie And Pierre Curie. A Tale Of Love And Fallout y está dirigida por Marjane Satrapi, creadora de la novela gráfica original y del filme Persépolis

 

BEGINNING (Dasatskisi, Dea Kulumbegashvili, 2020)

Georgia/Francia. Duración: 130 min. Guion: Dea Kulumbegashvili, Rati Oneli Música: Nicolas Jaar Fotografía: Arsheni Khachaturan Productora: First Picture, Office of Film Architecture / OFA Género: Drama

Reparto: Ia Sukhitashvili, Kakha Kintsurashvili, Rati Oneli
Premios: Festival de Toronto: Premio FIPRESCI
       Festival de San Sebastián: Mejor película, dirección, guion y actriz

Sinopsis: En un tranquilo pueblo de provincias, una comunidad de Testigos de Jehová es atacada por un grupo extremista. En pleno conflicto, el mundo de Yana, la esposa del líder de la comunidad, se desmorona lentamente. La insatisfacción interior de Yana crece mientras lucha por encontrar sentido a sus deseos.

En Beginning presenciamos la crisis y el desmoronamiento de una mujer narrado mediante prolongados planos fijos, algunos generales, que harán que el espectador sea un simple testigo, a veces, desde la lejanía, de los acontemientos que suceden en la pantalla. También Beginning, Concha de Oro a la mejor película, actriz, guion y dirección en la última edición del Festivial de San Sebastián supone todo un tour de force con la paciencia del espectador no avisado, pero también para el que lo esté, pues su directora, Dea Kulumbegashvili, arriesga con algunos planos que nos retrotraen a los tiempos experimentales del cinema underground, además de mostrar un final, cuanto menos, extraño. 

El crimen de Yana y su trágica desaparición están vagamente inspirados en una historia real. Una madre que hizo lo impensable. Ella nunca explicó sus razones; no justificó sus acciones, como si su crimen atroz estuviera destinado a suceder. En la opera prima de Sukhitashvili, con encuadres de una gran calidad plástica y compositiva, se da cuenta del extrañamiento de la protagonista dentro de su propio entorno, como si fuera una figura perdida en el interior de un cuadro de Edward Hopper. En sus incomodantes planos fijos se desarrolla la transformación interna del personaje, a veces desde la ausencia de figura como si se quisiera explicar el vacío interior que siente Yana desde el vacío del espacio. La directora no insiste en el crimen, al contrario, la acompaña en sus rutinas cotidianas previas al mismo, en un intento de lograr la racionalización y la compasión hacia esa mujer que se encuentra sometida a un papel subordinado dentro de su propio hogar y que pugna por entender sus propios deseos. ¿A qué renunció cuando decidió comprometerse en matrimonio con el líder de un grupo religioso? Encontramos a Yana enfrentando una crisis tanto matrimonial como existencial. Su historia es la de una mujer cuya identidad propia nunca se realizó. Ella cree que tiene todo lo necesario para ser una mujer realizada, una familia, un esposo amoroso y un hijo. Pero, ¿la capacidad natural
de Yana para ser madre es realmente suficiente para mantener su compromiso con el papel que se le asignó? Yana no sabe cómo emanciparse. Yana se siente culpable por sus deseos: se castiga a sí misma por querer algo que teme nombrar. Convierte su relación con el supuesto detective Alex en su castigo.

El sentimiento de absoluta desgracia le permite a Yana sentirse viva, cuando, paradójicamente, se está entregando a su propia autodestrucción. La suya es una historia de desgarro dentro de un mundo de relaciones claustrofóbicas, un encierro asfixiante que se nos quiere comunicar desde la elección del formato cuadrado, un formato que nos impide respirar y nos condena a observar sin desapego, como si estuviéramos instalados en la piel de Yana. Así, el estado de psicosis de Yana se convierte en una condición colectiva que experimentamos de forma aguda.

Beginning no es una película fácil, ni lo pretende. Su ingesta supone un  arduo ejercicio que pone a prueba nuestra cinefilia. Es cuando termina el suplicio de  mirarla que podemos digerirla y valorarla. Tan plástica como excesiva, transita y se instala en ese punto donde el realismo se emparenta con lo onírico. Extraña película para tiempos extraños.

 

VOLVER A EMPEZAR (Herself, Phyllida Lloyd, 2020)

Irlanda/Reino Unido. Duración: 97 min. Guion: Malcolm Campbell, Clare Dunne Música: Natalie Holt Fotografía: Tom Comerford Productora: Element Pictures Género: Drama

Reparto: Clare Dunne, Harriet Walter, Conleth Hill, Cathy Belton, Ericka Roe, Rebecca O’Mara, Sean Duggan, Charlene Gleeson, Chelsea Gill, Lucy Parker Byrne, Ally Ni Chiarain, Eimear Morrissey, Liz Fitzgibbon, Molly McCann, Ruby Rose O’Hara, Dmitry Vinokurov, Aaron Lockhart, Anita Petry

Sinopsis: Sandra (Clare Dunne) es una joven madre soltera que un día decide abandonar a su abusivo ex marido y luchar contra el corrupto sistema inmobiliario. Su idea consiste en construir su propia casa, un hogar cálido, seguro y feliz donde crezcan sus dos hijas pequeñas. Para ello contará con una serie de amigos dispuestos a apoyarla y ayudarla. En el proceso, además, no sólo reconstruye su vida, sino que también se descubre a ella misma.

Cine social irlandés que narra los avatares de una madre para salir a flote tras decidir dejar definitivamente a su tóxico marido. Y ya que los servicios sociales no tienen mucho más que ofrecerles a ella y sus hijas que buena voluntad, decide construirse con sus propias manos una casa.  Mientras, otros frentes y heridas permanecen abiertos. Trabajos eventuales mal pagados, dos hijas en pleno crecimiento y un ex-marido que no entiende nada y que quiere que todo vuelva a ser como antes, con la propia maltratada cargando un tan absurdo como doloroso sentimiento de culpa y de pérdida. Lo dicho, muchos frentes en una guerra que la decidida mujer defenderá con todas sus energías. Y todo lo consigue hacer creíble la actuación de su protagonista, una gran Clare Dunne, presente en prácticamente todos y cada uno de los planos de la cinta, secundada por un buen plantel de actores. Si hay que ponerle un pero, es que hay un momento-milagro que, desgraciadamente, demuestra la imposibilidad de que la vida imite al arte, pero es una pequeña trampa que podemos permitir en esta deliciosa y por lo demás realista película que cuenta cosas que conviene tener muy presentes y reiterar una y otra vez. Y es que el maltrato machista es una lacra que se produce en todos los estamentos y capas sociales, pero que es en las más humildes donde se ceba con mayor virulencia. Y que también, la única manera de permanecer a flote en los momentos de crisis, que han sido todos durante los últimos 20 años, es contando con la solidaridad de los nuestros. O al menos, no perdiendo la esperanza de que así sea.

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VAMOS DE ESTRENO * Viernes 27 de diciembre de 2020 *

27 noviembre 2020 Deja un comentario

AMIGO (Óscar Martin, 2019)

España Duración: 85 min. Guion: Javier Botet, Óscar Martín, David Pareja Música: Manu Conde Fotografía: Alberto Morago Productora: El Ojo Mecanico Género: Comedia negra.

Reparto: Javier Botet, David Pareja, Esther Gimeno, Zoe Berriatua, Alfonso Mendiguchia, Luichi Macías, Ana del Arco, Patricia Estremera

Sinopsis: Después de un grave accidente, David decide llevarse a su mejor amigo Javi y cuidarlo. Sin embargo, no pasa mucho tiempo antes de que salgan a la superficie las peleas entre los dos, dejando al descubierto una relación envenenada y homicida, más cercana a la locura que a la amistad que parecen tener.

Cuando investigamos la carrera de Javier Botet para la entrevista que le realizamos, pudimos comprobar el buen número de pequeños sketches cómicos que  había realizado con su antiguo compañero de piso, el también actor David Pareja. En ellos podía verse la compenetración que había entre ambos, una sintonía que puede comprobarse en Amigo, ópera prima de Óscar Martín y el largometraje que los reúne. Con guion de los dos actores y el director, Amigo  supone un tour de force interpretativo para ambos actores y se muestra como un excelente debut para su director que demuestra la pericia y buen hacer de los mejores cineastas. Ambientada en algún momento de los años ochenta, la cinta retrata un horror que, no por cotidiano, lo es menos, y lo hace, como no podría ser de otra manera, cargado de un humor negrísimo que impregna la narración.

Rodada en una casa aislada en un paraje rural, ante la amenaza de un temporal que va arreciando conforme avanzan los días y va incomunicando a los personajes, Amigo desprende sordidez por todos sus poros. Es incómoda y opresiva, con un argumento que va desentrañándose conforme avanza la acción y descubriendo paulativamente los motivos que mueven a los dos ‘amigos’ (que se van convirtiendo en enemigos íntimos conforme avanza la trama) a obrar como lo hacen. Javier Botet consigue trasmitir angustia y patetismo en su actuación. Una interpretación merecedora de ‘ese’ reconocimiento que otorga el cine español a las mejores actuaciones del año. Pasará fugazmente por los cines y no deberían perdérsela.

VAMOS DE ESTRENO * Viernes 30 de octubre de 2020 *

3 noviembre 2020 Deja un comentario

SENTIMENTAL (Cesc Gay, 2020)

España. Duración: 82 min. Guion: Cesc Gay (Obra: Cesc Gay) Fotografía: Andreu Rebés Productora: Imposible Films, Movistar+, TV3, ICEC, Sentimentalfilm, Televisión Española (TVE) Género: Comedia

Reparto: Javier Cámara, Belén Cuesta, Alberto San Juan, Griselda Siciliani

Sinopsis: Julio (Javier Cámara) y Ana (Griselda Siciliani) hace más de quince años que están juntos. Forman una pareja que ya no se mira ni se toca, y que ha hecho del combate diario la esencia de su relación. Esa noche Ana ha invitado a casa a sus vecinos del piso de arriba, Salva (Alberto San Juan) y Laura (Belén Cuesta), una pareja más joven que ellos, amable y simpática, pero cuyos “ruidos” se han convertido en una molestia para Julio y Ana…¿o quizás en un estímulo? Los vecinos de arriba les harán una inusual y sorprendente propuesta que convertirá la velada en una experiencia excesiva y catártica para los cuatro.

De nuevo Cesc Gay nos ofrece una comedia agridulce, pues si bien Sentimental contiene muchos momentos y situaciones divertidas, tiene también un trasfondo amargo que hará pensar al espectador. Rodada casi exclusivamente en un único escenario y protagonizada por tan solo cuatro actores, la historia, que adapta la exitosa obra de teatro Los vecinos de arriba, con la que en 2015 debutaba Cesc Gay en esta disciplina, nos acerca a la vida de la pareja formada por Julio y Ana,  que durante una accidentada cena con los dinámicos vecinos de arriba, descubrirán cuan alejados se encuentran el uno del otro.

Tras el éxito de Truman, premiada con 5 Goyas, Cesc Gay vuelve a repetir con Javier Cámara, con el que trabaja por cuarta vez (Truman, Una pistola en cada mano, Ficción), y Alberto San Juan, al que ya había dirigido en Una pistola en cada mano (2012) en esta comedia. Los personajes femeninos están interpretados por Belén Cuesta, que trabaja por primera vez con el director catalán, y Griselda Siciliani, rostro habitual de la televisión argentina, que debuta en una producción española demostrando ser muy eficaz y con una gran vis cómica.

Una agradable cinta que, a pesar de que en algunos momentos delata su origen teatral, resulta divertida e ingeniosa.

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VAMOS DE ESTRENO * Viernes 16 de octubre de 2020 *

16 octubre 2020 Deja un comentario

CORPUS CHRISTI (Boże Ciało, Jan Komasa, 2019

Polonia/Francia. Duración: 116 min. Guion: Mateusz Pacewicz Música: Evgueni Galperine, Sacha Galperine Fotografía: Piotr Sobocinski Jr. Productora: Aurum Film, Canal+ Polska Género: Drama
Reparto: Bartosz Bielenia, Eliza Rycembel, Aleksandra Konieczna, Tomasz Zietek, Leszek Lichota, Lukasz Simlat, Barbara Kurzaj, Zdzislaw Wardejn
Sinopsis: Narra la historia de Daniel, de 20 años de edad, quien experimenta una transformación espiritual mientras vive en un Centro de Detención Juvenil. Quiere ser sacerdote, pero esto es imposible debido a sus antecedentes penales. Cuando es enviado a trabajar a un taller de carpintería en una pequeña localidad, a su llegada se hace pasar por sacerdote y se hace cargo accidentalmente de la parroquia local. La llegada del joven y carismático predicador es una oportunidad para que la comunidad local comience el proceso de sanación tras una tragedia ocurrida en esa pequeña población.
Premios: 
BCN Film Fest 2020: Premio de la crítica a la mejor película
Premios Oscar: Nominada a Mejor película internacional 2019
Chicago Film Festival 2019: Mejor actor (Bartosz Bielenia)
Corpus Christi es una película sobre la fe. Pero también un alegato sobre el lugar que la sociedad parece tener reservado para cada individuo. Del que le ha tocado por ambiente y posición social y del que es difícil escapar. No nos encontramos ante una apología al catolicismo, sino que más bien es un film social, en el que está presente el perdón y la redención, por supuesto, pero también en referencia a la justicia cuestionando la cárcel, y su antesala el reformatorio, como lugar de reinserción del individuo en la sociedad. Una interesante cinta polaca con momentos de humor y pasión y una actuación remarcable de su protagonista, que lo ha hecho merecedor del premio al mejor actor en el Chicago Film Festival.
La historia está basada en un hecho real, sucedido en Polonia, alque el guionista ha añadido un contexto social relacionado, como ya hemos comentado, con el justicia y la condena como estigma para el joven protagonista, que ya con esa pena a sus espaldas, pasa a formar parte de un grupo muy concreto de ciudadano de segunda clase, de detrito de la sociedad destinado a repetir su error una y otra vez. Lo explica su director, Jan Komasa, “Hubo un caso, que generó algunos titulares en Polonia, de un adolescente que se hizo pasar por un sacerdote durante unos tres meses. Se llamaba Patryk y tenía 19 años en ese momento. Mateusz Pacewicz, el autor del guión, escribió un artículo al respecto y así es como surgió toda esta película. Cambiamos su nombre a Daniel, pero los personajes son similares y también lo es la forma en que lo llevó a este pequeño pueblo. Este niño realizó bodas, bautizos y ceremonias funerarias. Estaba fascinado por todo esto y realmente quería ser sacerdote. Así que basamos la película en su historia, pero Mateusz agregó la parte sobre el centro de detención juvenil y el accidente que sacudió a toda la ciudad. Toda la controversia surgió del hecho de que en realidad resultó ser mucho más eficiente que su predecesor. Esa es la cuestión: era alguien fuera de la Iglesia, a quien no le importaba mucho el dogma oficial, ¡y la gente estaba feliz con su trabajo! Más tarde, algunos de ellos se sintieron traicionados, pero logró atraer a muchos nuevos creyentes. De todos modos, casos similares salen a la luz cada año, y no solo en Polonia: ¡en España, un hombre se hizo pasar por un sacerdote por más de una docena de años! Las razones por las que lo hacen pueden ser muy diferentes. Muy a menudo solo intentan esconderse del sistema de justicia y es mucho más fácil engañar a una comunidad pequeña que no hace demasiadas preguntas”.

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VAMOS DE ESTRENO * Viernes 2 de octubre de 2020 *

AKELARRE (Pablo Agüero, 2020)

España/Argentina/Francia. Duración: 90 min. Guion: Pablo Agüero, Katell Guillou Música: Maite Arrotajauregi, Aránzazu Calleja Fotografía: Javier Agirre Erauso Productora: Sorgin Films, Tita Productions, Kowalski Films, Lamia Producciones, La Fidèle Production Género: Drama

Reparto: Amaia Aberasturi, Àlex Brendemühl, Daniel Fanego, Daniel Chamorro, Iñigo de la Iglesia, Yune Nogueiras, Asier Oruesagasti, Elena Uriz, Garazi Urkola, Jone Laspiur, Irati Saez de Urabain, Lorea Ibarra

Sinopsis: País Vasco, 1609. Los hombres de la región se han ido a la mar. Ana participa en una  fiesta en el bosque con otras chicas de la aldea. El juez Rostegui, encomendado por el Rey para purificar la región, las arresta y acusa de brujería. Decide hacer lo necesario para que confiesen lo que saben sobre el akelarre, ceremonia mágica durante la cual supuestamente el Diablo inicia a sus servidoras y se aparea con ellas.

Akelarre se inspira libremente en las memorias que el juez Pierre de Lancre escribió tras recorrer en 1609 el País Vasco interrogando a centenares de personas y condenando a decenas de mujeres a la hoguera por supuestos actos de brujería. Pablo Agüero parte de este libro para construir una historia contada en esta ocasión a través de la mirada de esas mujeres, y que supone una aproximación diferente al relato de la caza de brujas. Además, la historia contiene tintes políticos y racistas (ese desprecio al ‘dialecto vasco’) y el previsible, pero por otra parte necesario, empoderamiento femenino. Necesario porque es posible que muchas de las desdichadas mujeres condenadas a la hoguera lo fueran, precisamente, por su condición de mujer, todo ello motivado por ese temor a lo desconocido de los jueces inquisidores, brazos ejecutores de la iglesia católica, estamento que siempre se ha guardado del misterio de la feminidad, y su superioridad con respecto al hombre por su capacidad de procrear, facultad que comparte con el dios iracundo que mueve a esos mismos inquisidores y cuyo miedo íntimo es que las ‘brujas’ cambien el orden del universo. Orden que comprende el poder jerárquico del varón por encima de todo. No en vano, y como dice uno de los personajes, “el hombre teme a las mujeres que no les temen“.

Con Amaia Aberasturi como protagonista principal y Àlex Brendemühl en el papel del juez inquisidor, la película se desarrolla fundamentalmente en interiores, introduciendo al público en la celda junto a las seis jóvenes prisioneras. Agüero no cae en el error de distraer la atención del espectador recreándose en el martirio de las chicas, prefiriendo sugerir, todo lo cual le ofrece un mejor resultado, en especial en su desenlace, a pesar de un guiño un tanto fuera de lugar a El exorcista (William Friedkin, 1973) y a su joven protagonista. 

Akelarre celebró su premiere mundial en el Festival de San Sebastián, donde fue la única producción española de ficción que compitió en la sección oficial por la Concha de Oro.

RIFKIN’S FESTIVAL (Woody Allen, 2020)

España/Italia/USA. Duración: 92 min. Guion: Woody Allen Música: Stephane Wrembel Fotografía: Vittorio Storaro Productora: Gravier Productions, Mediapro, Wildside Género: Comedia

Reparto: Elena Anaya, Louis Garrel, Gina Gershon, Sergi López, Wallace Shawn, Christoph Waltz, Steve Guttenberg, Damian Chapa, Georgina Amorós, Douglas McGrath, Bobby Slayton, Yan Tual, Andrea Trepat, Ben Temple, Luz Cipriota, Karina Kolokolchykova, Elena Sanz, Manu Fullola, Ken Appledorn, Rick Zingale, Godeliv Van den Brandt, Natalia Dicenta, Stephanie Figueira, Nick Devlin, Yuri D. Brown, John Sehil

Sinopsis: El filme narra la historia de un matrimonio estadounidense que acude al Zinemaldia de San Sebastián. La pareja queda prendada del festival, así como de la belleza y encanto de España y la fantasía del mundo del cine. Ella tiene un affaire con un brillante director de cine francés y él se enamora de una residente en la ciudad.

De nuevo Woody Allen se vale de un sosia para, en boca de él, hablar de sus temas y obsesiones particulares. En esta ocasión su personaje y protagonista Mort Rifkin (interpretado por Wallace Shawn), será un profesor de cine que acompañará a su esposa, responsable del departamento de prensa de un joven e influyente director de cine, al festival de San Sebastián. Lo que sucede durante esa estancia será el Festival de Rifkin.

Una agradable película, ingeniosa y de fácil digestión realizada con la única pretensión de hacer pasar un buen rato al espectador y, también, hacerle reflexionar sobre la vida, la muerte, el sexo, el amor y la pareja, además de las dudas existenciales y la hipocondría habitual del director, temas todos ellos que tendrán cabida en esta cinta con sus dosis de humor. También, el que el personaje protagonista sea profesor de cine dará pie a que Allen reflexione sobre el cine clásico y visualice sus problemas de pareja mediante homenajes a Fellini, Orson  Welles, Truffaut, Goddard, Buñuel y, por supuesto, Bergman, entre otros.

La película cuenta con Gina Gershon (la mala de Showgirls) como esposa del protagonista y Elena Anaya como tercera en discordia. También participan Christopher Waltz (interpretando a la muerte vía Bergman) y Sergi López en un papel poco más que anecdótico. 

VAMOS DE ESTRENO * Viernes 25 de septiembre de 2020 *

25 septiembre 2020 Deja un comentario

GREENLAND: EL ÚLTIMO REFUGIO (Ric Roman Waugh, 2020)

USA. Duración: 119 min. Guion: Mitchell LaFortune, Chris Sparling, Ric Roman Waugh Música: David Buckley Fotografía: Dana Gonzales Productora: G-BASE, Thunder Road Pictures, Truenorth Productions Género: Drama

Reparto: Gerard Butler, Morena Baccarin, David Denman, Scott Glenn, Claire Bronson, Brandon Quinn, Andrew Bachelor, Hayes Mercure, Joshua Mikel, Roger Dale Floyd, Stacy Johnson, Gary Weeks, Jay Amor, Anissa Matlock, Otis Winston, Jaime Andrews, Rose Bianco, Mike Gassaway, Scott Poythress, Kendrick Cross, Chip Carriere, Cate Jones, Olaolu Winfunke, Al Mitchell, Sarah Fawaz, Keegan Boos, Quasheem D. Herring, Chris Ward, Randal Gonzalez, Marc Gowan, Kelly Finley, Kyndall Hamilton

Sinopsis: Cuando el mundo se entera de que el asteroide más grande de la historia va a impactar en la Tierra y aniquilar todo rastro de vida, los gobiernos de todo el mundo realizan un sorteo en el cual los afortunados podrán sobrevivir en refugios secretos. Esta decisión desata un caos a nivel mundial. Jeff (Gerard Butler) y su familia emprenderán un peligroso viaje donde se enfrentarán a los más imponentes peligros de la naturaleza, lo que les obligará a encontrar la manera de mantenerse unidos mientras encuentran la forma de sobrevivir.

Puesta al día inconfesa de Cuando dos mundos chocan (When Worlds Collide, Rudoph Maté, 1951), historia de ciencia ficción apocalíptica de los cincuenta que, visto lo visto, se antoja más creíble ahora mismo que en la época. En Greenland, el cometa Clarke, cuya porción más grande recibe el nombre de destructor de mundos (así, a los Galactus), se acerca a la Tierra. Tan solo unos cuantos escogidos (entre los que, descuiden, no nos encontraríamos ni usted ni yo), podrán salvarse en unos refugios que se contruyeron para tal fin en Groenlandia durante la Guerra Fría. Y eso lo deciden, jugando a ser Dios, las altas esferas del país, que inclementes, tampoco acogerán a quien padezca alguna enfermedad. Como vemos, un interesante punto de partida, ya que el conocimiento de todo esto motivará que se produzcan revueltas por todo el país ante lo injusto de la situación, además de los habituales saqueos a comercios debido al caos reinante.

Lo mejor y lo -mucho- peor de especie humana saldrá a relucir durante las 48 horas previas a la caída de Clarke, cuya parte más destructiva caerá ¿adivinan donde? pues sí, donde están pensando.

Entretenida y emocionante, su trama va decayendo conforme avanza hasta un final decepcionante. En todo caso, ver esta película apocalíptica en un cine con todos los espectadores con la mascarilla puesta es todo un  gimmick que no deja de tener su -irónica- gracia.

Protagonizada por Gerard Butler y dirigida por Ric Roman Waugh (‘Objetivo: Washington D.C.’, ‘El mensajero’), esta apocalíptica mezcla de thriller, acción y drama vuelve a reunirles tras el éxito de ‘Objetivo: Washington D.C’. Se suma, a esta historia de supervivencia, la siempre bienvenida Morena Baccarin (‘Deadpool’).

 

VAMOS DE ESTRENO * Viernes 18 de septiembre de 2020 *

18 septiembre 2020 Deja un comentario

L’OFRENA (Ventura Durall, 2020)

España/Suiza. Duración: 90 min. Guion: Ventura Durall, Guillem Sala, Clara Roquet, Sandra Beltran Música: Alberto Lucendo Fotografía: Alex García Productora: Nanouk Films, Fasten Films, Bord Cadre Films, Suica Films Género: Drama

Reparto: Verónica Echegui, Àlex Brendemühl, Anna Alarcón, Pablo Molinero, Claudia Riera, Mónica Van Campen, Antonio Buil, Laura Weissmahr, Rosana Espinós, Jaime Linares, Josh Climent, Valèria Endrino, Aran Salazar

Sinopsis: Violeta recibe la visita de Rita, la mujer de Jan, un amor de adolescencia que marcó su vida después de abandonarla. Violeta desconoce que la visita de Rita es el primer paso de Jan para intentar reescribir su historia.

Nuevamente Ventura Durall sumerge al espectador en una mente compleja, y nuevamente en la mente de un monstruo, si quieren, como también lo era Andrés Rabadán, protagonista de su multipremiado primer largometraje de ficción. Sin llegar a los extremos del asesino confeso de Las dos vidas de Andrés Rabadán, el protagonista de L’Ofrena también es capaz de sembrar un desesperante caos en las vidas ajenas de una manera sádica, egoista, egocéntrica. Todo en un frío personaje al que, sin lugar a duda, le sienta muy bien la severa mirada de Alex Brendemühl, que ya participó en la primera película de ficción del director. 

Sentimiento como la culpa, los remordimientos o la infelicidad son barajados por el director, que desde el propio inicio de la cinta sabe captar la atención del espectador mostrando equívocos retazos de la trama, presentando progresivamente a los cuatro protagonistas del drama e informando del pasado, que vuelve a la vida de Violeta (Verónica Echegui), mediante acertados flashbacks. Ventura Durall juega con los protagonistas y con el público, llevándoles por escenarios que aparentemente no tendrán gran trascendencia hasta la conclusión.

Ventura Durall cuenta con una amplia carrera como cinesta. Sus largometrajes documentales (Bugarach) de ficción, y sus numerosos cortometrajes (Primer estrato, La sonrisa escondida – seleccionado en Sundance), han sido seleccionados en festivales de todo el mundo. Cuenta 3 premios Gaudí por su anterior largometraje de ficción, Las dos vidas de Andrés Rabadán.

UNO PARA TODOS (David Ilundiain, 2020)

España. Duración: 94 min. Guion: Coral Cruz, Valentina Viso Música: Zeltia Montes Fotografía: Bet Rourich Productora: A Contracorriente Films, Amalur Films, Bolo Audiovisual, Fasten Films, Inicia Films, Movistar+, Televisión Española (TVE), TV3, Aragon TV Género: Drama

Reparto: David Verdaguer, Patricia López Arnaiz, Clara Segura, Ana Labordeta, Betsy Túrnez, Jorge Pobes, Valèria Endrino

Sinopsis: Un profesor interino (David Verdaguer) asume la tarea de ser tutor de sexto de primaria en un pueblo desconocido para él. Cuando des­cubre que tiene que reintegrar a un alumno enfermo en el aula, se encuentra con un problema aún mayor: ninguno de sus compañeros quiere que vuelva a clase.

Una película muy digna y tan bien realizada como interpretada que nos habla sobre el arte de educar y en la que, por una vez, el punto de partida y conflicto principal resulta  original y totalmente inesperado, así que lo mejor es no ofrecer al espectador demasiadas pistas sobre su trama, tan bien desarrollada por sus guionistas, Coral Cruz (“Incerta Glòria“) y Valentina Viso (“María y los demás“) que, a pesar de que el drama tenga que estar presente, evitan poner el acento en vacuos y fáciles sentimentalismos, componiendo una historia en la que el humor y la ternura estarán muy equilibrados. Para ello contarán con la participación de un elenco de lo más acertado, partiendo de su protagonista, David Verdaguer, como joven maestro interino en precario que deberá adaptarse a la vida en un pequeño pueblo de Aragón, un papel que ciertamente le viene como anillo al dedo al actor. El resto del reparto también está magnífico, incluídos unos muy acertados actores adolescentes y Miguel Ángel Tirado, alias ‘Marianico el corto’, que demuestra que hay mucho más en él que un humorista pasado de moda. El resto del remarcable elenco está compuesto por Patricia López Arnaiz (“La peste”), Ana Labordeta (“Planes para mañana”), Clara Segura (“Una pistola en cada mano”) y Betsy Túrnez (“El rey tuerto”).

¿Se nota que Uno para todos nos ha sorprendido positivamente? Pues ciertamente si, pues uno está muy acostumbrado a dramas que no saben captar el sentimiento adolescente o directamente a abominaciones sentimentaloides como Campeones, falsas feel good movies cargadas de moralina disfrazada de ternura y comprensión.

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VAMOS DE ESTRENO * Viernes 4 de septiembre de 2020 *

4 septiembre 2020 Deja un comentario

LAS NIÑAS (Pilar Palomero, 2020)

España. Duración: 100 min. Guion: Pilar Palomero Música: Juan Carlos Naya Fotografía: Daniela Cajías Productora: Inicia Films, BTeam Pictures, Televisión Española (TVE), Movistar+, Aragón TV Género: Drama Preestreno: Festival de Berlín 2020.
Reparto: Andrea Fandós, Natalia de Molina, Carlota Gurpegui, Zoe Arnao, Julia Sierra, Francesca Piñón, Álvaro de Paz, Mercè Mariné, Eva Magaña, Jesusa Andany
Sinopsis: Año 1992. Celia, una niña de 11 años, vive con su madre y estudia en un colegio de monjas en Zaragoza. Brisa, una nueva compañera recién llegada de Barcelona, la empuja hacia una nueva etapa en su vida: la adolescencia. En este viaje, en la España de la Expo y de las Olimpiadas del 92, Celia descubre que la vida está hecha de muchas verdades y algunas mentiras.
Premios: Festival de Málaga 2020: Biznaga de Oro (mejor película), fotografía y Premio Fero.

Tal vez sea conveniente iniciar el comentario con una previa, la que atañe a Las niñas y su cartel. La imagen promocional nos muestra un ramillete de crías cuyos uniformes de colegio de monjas contrastan con el brillo de carmín en sus labios, un contraste que puede llevar a algunos a pensar que vamos a encontrarnos con las aventuras de una pandilla de lolitas seductoras y provocativas. Pero, que nadie se llame a engaño, en verdad las nínfulas no existen más allá de en la mente de Humbert Humbert creada por la imaginación de Nabocov. El albor de la pubertad no es el excitante descubrimiento de la sensualidad y su poder, es un despertar mucho más humilde, un simple cambio en el sesgo de la mirada con la que contemplamos a otros y con la que nos contemplamos. Las vidas ordinarias son mucho más anodinas que las vidas literarias.

Si la cinta de Pilar Palomero no lo es (anodina) es por el acertado tono con el que ha puesto los recursos del cine al servicio de su relato, el de una niña que empieza a dejar de serlo tanto y comienza a tomar conciencia del intrincado escenario que es la vida, con sus secretos, sus suspicacias y sus verdades a medias. La historia se desgrana entre silencios siguiendo la regla de mostrar más que decir, la línea argumental se desarrolla jugando la carta de la insinuación, de la sugerencia que nace al obligarnos a concentrar nuestra mirada en la mirada de Celia (una Andrea Fandós enorme), con esos planos tan cortos que la siguen a todas partes, hasta que nuestros descubrimientos son los del mismo personaje. No busquen subrayados porque no los hay, ni tintes concupiscentes porque ni están ni los necesita. No es película de extremos sino de detalles que nos permiten compartir el candor desde el que se accede (o accedía) al descubrimiento del yo, y del propio cuerpo, si eres una niña de clase humilde pero no baja en un entorno de sobreprotección y sujeción como lo es una escuela religiosa en una capital de provincias.

Las niñas es un relato de crecimiento en el que muchas podrán reconocerse aunque pertenezcan a generaciones distintas. Los colegios de monjas parecen ínsulas al margen del tiempo que se perpetúan fieles a unos parámetros que poco modifican los años. Son una constante. Y las vivencias en ellos difieren poco de una promoción a la siguiente y la siguiente y la siguiente… La cinta no busca un retrato cáustico sino un apunte del natural que, sin estar exento de crítica, nos permita colegir que ocurre al crecer entre esos muros. La rebeldía es apenas malicia, porque la picardía es suficiente para ser considerada díscola en ese universo paralelo. Un simple aleteo fuera de lo estipulado ya es motivo de castigo, por eso el crecimiento de Celia es prendido por Brisa (convincente Zoe Arnao) cuyo nombre, no contemplado por el santoral, ya la señala como elemento disruptivo y es toda una declaración de intenciones en manos de la directora. Palomero nos guía en un viaje hacia la afirmación del yo que pasa por superar las cortapisas impuestas por los respetos humanos en sociedades cerradas, sin estridencias, sin histrionismos. Casi sin embellecimientos literarios.

Un debut en el largo ligero y vigoroso a partes iguales, como lo es una canción entonada por una voz infantil que ya no van a acallar.

ANTEBELLUM (Gerard Bush y Christopher Renz, 2020)

USA. Duración: 105 min. Guion; Gerard Bush, Christopher Renz Música: Roman GianArthur Irvin, Nate ‘Rocket’ Wonder Fotografía: Pedro Luque Distribuida por:  LionsgateQC Entertainment, Lionsgate Género: Terror

Reparto: Kiersey Clemons, Jena Malone, Janelle Monáe, Jack Huston, Eric Lange, Gabourey Sidibe, Robert Aramayo, Lily Cowles, Marque Richardson, Devyn A. Tyler, Choppy Guillotte, Tongayi Chirisa, Caroline Cole, T.C. Matherne, Todd Voltz, Dayna Schaaf, Betsy Borrego, Grace Junot, Chelsea Cierria Davis, Kimani Bradley, Christine VonRobarie, Arabella Landrum, Achok Majak, Bill Martin Williams, Bernard Hocke, Geraldine Glenn, Lyle Brocato, London Boyce, Trula M. Marcus

Sinopsis: Verónica es una escritora de éxito que queda atrapada en una terrorífica realidad cuyo misterio debe resolver antes de que sea demasiado tarde.

Nos encontramos ante una de esas películas de las que es mejor saber poco para dejar actuar a su mejor baza, la sorpresa. La cinta, que se suma a la tendencia de denunciar el racismo históricamente imperante en Estados Unidos (y por ende en el resto del mundo), se inicia con un retrato crudo de la esclavitud. Vívido y bien narrado mediante un largo plano secuencia, el relato, ubicado aparentemente en la época de la Guerra de Secesión, sirve también como denuncia de la situación actual que esta viviendo la población estadounidense, con un ambiente en el cual los valores están en pugna, los conservadores, representados por el actual presidente y que dicen estan apoyados en la fé, la familia y el pueblo; y los progresistas, en manos de la izquierda, el feminismo y las diferentes razas que comparten país y cuyos derechos civiles estan cada vez más recortados.

Pero Gerard Bush y Christopher Renz, que debutan como guionistas y directores de largometraje con Antebellum, retorcerán las expectativas del espectador para demostrar la máxima del filme, y que no es otra que “El pasado no está muerto. Ni siquiera es pasado“.  Y hasta aquí podemos leer. Lástima que, en nuestra opinión, el climax no esté a la altura del resto, resultando confuso y por consiguiente consiguiendo que la cinta no resulte redonda.

Antebellum está protagonizada por la cantante y actriz Janelle Monáe (Figuras ocultas), Eric Lange (“Narcos”) y la nominada al globo de oro Jena Malone (saga ‘Los juegos del hambre’). Completan el reparto Jack Huston (Ben-Hur), Kiersey Clemons (Enganchados a la muerte), y la nominada al Oscar por Precious Gabourey Sidibe.

 

 

VAMOS DE ESTRENO * Viernes 21 de agosto de 2020 *

EL GLORIOSO CAOS DE LA VIDA (Babyteeth, Shannon Murphy, 2019

Australia. Duración: 120 min. Guion: Rita Kalnejais Música: Amanda Brown Fotografía: Andrew Commis Distribuida por: eOneCoproducción Australia-Estados Unidos; Whitefalk Films, Create NSW, Screen Australia Género: Drama.

Reparto: Eliza Scanlen, Toby Wallace, Ben Mendelsohn, Essie Davis, Andrea Demetriades, Emily Barclay, Justin Smith, Charles Grounds, Arka Das, Jack Yabsley, Priscilla Doueihy, Eugene Gilfedder, Georgina Symes, Michelle Lotters, Zack Grech, Quentin Yung, Tyrone Mafohla, Jaga Yap, Sora Wakaki, Edward Lau, Renee Billing

Sinopsis: Milla (Eliza Scanlen) es una adolescente que se enamora locamente de Moses (Toby Wallace), aunque eso se convierte en la peor pesadilla para sus padres. Sin embargo, poco a poco Milla descubre lo que significa realmente el amor, y lo que podría haber sido un desastre para la familia, pronto les permite disfrutar del glorioso caos que representa la vida.

El glorioso caos de la vida  (Babyteeth), la opera prima de la directora australiana Shannon Murphy, es una comedia agridulce y muy bien interpretada sobre el despertar del amor y la desesperación contenida ante la fatalidad del final cercano justo cuando la vida está comenzando.  Un romance entre una virtuosa y talentosa joven y un desarraigado chico de la calle, tan alejado de ella como unido por la desesperación compartida.

Pero también es la historia de unos padres que sufren un dolor insoportable, que palian como pueden con ayuda de fármacos, y que se sacrificarán en lo posible por el amor hacia su hija, condenada a una prematura e injusta muerte.

¿Puede decirse entonces que El glorioso caos de la vida es una historia triste? Pues si y no, pues a pesar del predecible final, la directora añade dosis de humor y ternura a la narración, a lo que hay que sumar la imparable vitalidad y la urgencia de vivir que muestra la joven Milla, interpretada muy convincentemente por Eliza Scanlen, que tras protagonizar el drama central en Mujercitas, vuelve a hacerlo en esta ocasión. También consigue resultar muy creíble Toby Wallace como Moses, lo suficiente como para ser merecedor del  Premio Marcello Mastroianni al Mejor Actor Joven en el Festival de Venecia, donde el filme tuvo su premiere.

El glorioso caos de la vida se estrena en España tras su paso por el Festival de Cine de Gijón y el BCN FILM FEST.

 

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VAMOS DE ESTRENO * Viernes 14 de agosto de 2020 *

ZOMBI CHILD (Bertrand Bonello, 2019)

Francia. Duración: 103 min. Guion: Bertrand Bonello Música: Bertrand Bonello Fotografía: Yves Cape Productora: arte France Cinéma, Les Films du Bal, My New Pictures Género: Fantástico

Reparto: Louise Labeque, Wislanda Louimat, Adile David, Ninon Francois, Mathilde Riu, Bijou Mackenson, Katiana Milfort, Sayyid El Alami

Sinopsis: Haití, 1962. Un hombre vuelve de entre los muertos para trabajar en las infernales plantaciones de azúcar. 55 años después, una joven haitiana le dice a sus amigas su secreto familiar, sin saber que esto llevará a una de ellas a cometer una atrocidad.

La producción francesa Zombi Child (Bertrand Bonello, 2019), devuelve a la pantalla parte de la magia de  la que Val Lewton y Jacques Tourneur dotaron a los zombies, dándoles cierto halo poético muy alejado del comecerebros que tantas veces ofrece el moderno cine de terror y humor. Bertrand Bonello, cineasta y compositor, narra dos historias en paralelo alejadas en 50 años. Una se desarrolla en Haití en 1962, donde Narcisse, un joven a punto de contraer matrimonio, es convertido en zombie y vendido como esclavo. Y la otra en un internado femenino en el que conviven varias alumnas bien diferentes, una de ellas de procedencia haitiana. Dos historias  aparentemente con escasa relación, pero que  terminarán convergiendo. El film contiene escenas de innegable belleza, como las que muestran al solitario zombie vagando por lugares en ruinas y cementerios desolados, pero es más que belleza plástica lo que nos trae Zombi Child, la contraposición de las historias sirve a efectos de reflexión sobre el colonialismo, vista desde los dos ángulos: el de la metrópoli que se loa a sí misma como exportadora de las luces de la razón alrededor del mundo, tal como se muestra en los planes de enseñanza que siguen las jóvenes, y el otro, el punto de vista del colonizado que demuestra que el sueño de la razón produce monstruos. Y no es el zombi el monstruo, precisamente, este no es más que la víctima de la explotación en manos de los favorecidos por la colonización. La tesis de fondo no es inédita, pero lo que le da relevancia es la forma escogida para servirla, una película inteligente que juega con diferentes registros visuales y que entrelaza e interpola recursos narrativos diversos. Buen ritmo, buenas interpretaciones y buen planteamiento formal. En suma, un buen filme, que se ofreció dentro de la sección Noves Visions durante el pasado Festival de Sitges, y un buen comienzo para la recién nacida distribuidora Flamingo Films, creada por nuestros amigos del Americana Film Fest.

LITTLE MONSTERS (Abe Forsythe, 2019)

Australia. Duración: 94 min. Guion: Abe Forsythe Música: Piers Burbrook de Vere Fotografía: Lachlan Milne Productora: Screen Australia, Snoot Entertainment Género: Comedia.

Reparto: Lupita Nyong’o, Josh Gad, Alexander England, Nadia Townsend, Stephen Peacocke, Rahel Romahn, Kat Stewart, Henry Nixon, Saskia Burmeister, Diesel La Torraca, Marshall Napier, Felix Williamson, Kristy S. Brooks

Sinopsis: Un músico fracasado, Dave (Alexander England), se une a la profesora infantil Miss Caroline (Lupita Nyong’o) y a una celebridad para los niños, Teddy McGiggle (Josh Gad), para intentar proteger a los pequeños estudiantes de un repentino brote de muertos vivientes.

La segunda propues zombi para este fin de semana es Little Monsters (Abe Forsythe, 2019) que en su título hace referencia a los niños que protagonizan esta nueva vuelta de tuerca al tema de los muertos andantes que resulta radicalmente opuesta de la propuesta que hemos comentado antes. En Little Monsters tendremos como protagonistas a un inmaduro treintañero (Alexander England), que aspira todavía a ser una estrella del rock y al que acaba de dejar la novia por no querer tener descendencia; y una pizpireta profesora, que junto a un nutrido grupo de niños verán como un día de excursión al parque, con sus canciones y diversiones, se convertirá en un festival de sangre y vísceras. Un divertimento poco inspirado que se diría indicado para toda la familia a pesar de que el presupuesto no ahorra ni un dolar en tripas. La protagonista, una empoderada Lupita Nyong’o, está todo lo encantadora que puede estar, pero el resultado no deja de ser bastante liviano en esta cinta de zombies que podrán ver con gusto todos aquellos a quienes nunca les han interesado. Pero no me hagan demasiado caso, posiblemente tenía un día intenso cuando la vi, también, durante la pasada edición del Festival de Sitges así que, ¿Qué tal un programa doble con ambos títulos?

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VAMOS DE ESTRENO * Viernes 24 de julio de 2020 *

THE BEAST (Biseuteo, Lee Jung-Ho, 2019)

Corea del Sur. Duración: 130 min. Guion: Lee Jung-Ho Música: Mowg Distribuida por: Next Entertainment WorldStudio & NEW Género: Drama

Reparto: Lee Sung-min, Yoo Jae-Myeong

Sinopsis: Una niña es encontrada con las extremidades amputadas. Dos detectives, Han-su y Min-tae, rivales desde siempre, se harán cargo del caso. En un principio, éste se resuelve fácilmente cuando Han-su arresta al presunto sospechoso pero, aun así, pronto se convierte en un misterio cuando Min-tae levanta sospechas sobre el reciente arrestado. Mientras tanto, Han-su se topa con alguien que le insiste en que conoce al verdadero culpable. Además, este curioso personaje mata a un traficante de drogas delante de él y le propone un pacto secreto. Pronto llegará la hora en que Han-su deba decidir.

The Beast es la ópera prima del director y guionista Lee Jung-Ho, y cuenta con los actores Sung-min Lee (Gongjak, El bueno, el malo y el raro), y Jae-myung Yoo (After Spring, Joi manheun sonyeo), en los papeles de dos policías que se ven inmersos en la investigación de un caso que conmocionó a Corea del Sur. La cinta, que tuvo su premiere española durante el BCN Film Fest, se centra en la corrupción y competitividad entre los dos agentes y su búsqueda de un ascenso a cualquier precio, pasando la historia de un sádico asesino en serie de chicas jóvenes a un segundo plano. El resultado nos pareció un tanto decepcionante por lo farragoso de su trama, que también desaprovecha buenos momentos para la acción, pues incluso un momento tan prometedor como el del operativo policial en el bloque de mafiosos y malhechores queda reducido a un breve y descafeinado escarceo.

Basada en parte en la película francesa Asuntos Pendientes (36 Quai des Orfèvres,  Marchal, 2004), The Beast juega con los elementos propios del género que ha encumbrado a otras cintas coreanas como Old Boy, Memories of Murder o The Yellow Sea. La música corre a cargo de Mowg, compositor con una larga experiencia en el mundo del cine. Destacan sus bandas sonoras para Burning de Lee Chang-dongEl imperio de las sombras y El último desafío, ambas de Jee-woon Kim.

 

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