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Archive for the ‘VAMOS DE ESTRENO’ Category

VAMOS DE ESTRENO * Viernes 14 de mayo de 2021 *

VALHALLA RISING (Nicolas Winding Refn, 2009)

Dinamarca/UK. Duración: 100 min. Guion: Roy Jacobsen, Nicolas Winding Refn Música: Peter Kyed, Peter Peter Fotografía: Morten Søborg Productora: La Belle Allee Productions, NWR Film Productions, Nimbus Film Productions, One Eye Production, Savalas Audio Post-Production, BBC Films Género: Drama

Reparto: Mads Mikkelsen, Gary Lewis, Maarten Stevenson, Jamie Sives, Ewan Stewart, Alexander Morton, Callum Mitchell, Douglas Russell

Sinopsis: One-Eye, un enigmático guerrero con una fuerza sobrenatural, que ha permanecido esclavizado durante años, mata a su amo y logra escapar con la ayuda de un niño al que lleva consigo. Tras enrolarse en un barco vikingo, emprenden un viaje que los lleva a una tierra desconocida, donde reinan el dolor y la sangre, y donde One-Eye descubrirá quién verdaderamente es.

A Contracorriente recupera para las pantallas españolas este film de Nicolas Winding Refn que ya se proyectó durante la pasada edición del BCN Film Fest. Una magnífica idea pues permanecía inédito más allá de festivales y sin duda se trata de una película cuyo formato ideal es ese, el de la pantalla de un cine. Refn, que se dio a conocer gracias al éxito de la posterior Drive (2011), tras las que dirigió Sólo Dios perdona (Only God Forgives, 2013) y The Neon Demon (2016), es un cineasta que divide al público entre los que lo ven como un genio y los que, simplemente, no pueden soportarlo. Personalmente nos situamos entre los primeros, y Valhalla Rising nos lo confirma: atmosférica, con gélidos paisajes, violenta, fantástica y brutal, la cinta de Refn es más que una película, es una experiencia, un itinerario épico hasta los confines del mundo.

Protagonizada por el multipremiado actor Mads Mikkelsen, conocido por su interpretación en la recientemente ganadora del Oscar a Mejor Película Internacional Otra ronda (Druk, Thomas Vinterberg, 2020), o en películas como La caza (2012), también de Thomas Vinterberg, o la serie de TV Hannibal, entre otras, Valhalla Rising se proyectará también durante la primera semana en algunos cines en formato evento con coloquio posterior con especialistas y críticos de cine, tal y como pueden consultar en este enlace. Además, a todos los asistentes se les regalará el cartel de la película.

ILARGI GUZTIAK. TODAS LAS LUNAS (Igor Legarreta, 2021)

España/Francia. Duración: 102 min. Guion: Igor Legarreta, Jon Sagalá Música: Pascal Gaigne Fotografía: Imanol Nabea Productoras: Arcadia Motion Pictures, Kowalski Films, Noodles Production, Pris & Batty Films, ETB, Pris and Batty Films, TVE, Vodafone Género: Fantástico.

Reparto: Itziar Ituño, Zorion Eguileor, Josean Bengoetxea, Haizea Carneros, Lier Quesada, Elena Uriz

Sinopsis: Durante los estertores de la última guerra carlista, una niña es rescatada de un orfanato por una misteriosa mujer que habita en lo profundo del bosque. Malherida, y sintiendo estar al borde de la muerte, la pequeña creerá ver en ella a un ángel que ha venido a buscarla para llevársela al Cielo… No tardará en descubrir que este extraño ser le ha dado la vida eterna, obligándola a vivir en la oscuridad de la noche, juntas, para ‘siempre’. Bajo su nueva condición, tendrá que enfrentarse al doloroso paso del tiempo encerrada en su cuerpo de niña, hasta conocer a Cándido (Josean Bengoetxea), un hombre humilde que le acogerá en su casa como si de su propia hija se tratase y que le acompañará en la lucha contra su propia naturaleza y en el sueño de recuperar su vida arrebatada.

Ilargi Guztiak se enmarca en lo que podría denominarse ‘Gotikoa Euskara‘, por improvisar un término, junto a otras recordadas perlas como Akelarre -tanto, la de Pedro Olea (1984) como la de Pablo Agüero (2020)-, Andia (Jon Garaño, Aitor Arregi, 2017) y, sobre todo, Errementari: El herrero y el diablo (Paul Urkijo, 2017), y la magistral Baby (2020) de Juanma Bajo Ulloa. Pero también se suma al fértil fantástico vasco que ha dejado algunas buenas y premiadas muestras recientes como El hoyo (Galder Gaztelu-Urrutia, 2019), todas ellas películas que han demostrado sobradamente la buena salud de la que goza allí el género, repleto de un atractivo imaginario que está dando muchas alegrías a los amantes del buen cine.

Ilargi Guztiak, a pesar de que es una historia de vampiros, no es un film de terror, muy al contrario es una película que nos habla de la soledad, de la pérdida, del miedo a la muerte y la inmortalidad, pero sobre todo del amor incondicional, todo lo cual estará reflejado por Amaia (Haizea Carneros), una de esas criaturas nocturnas que se mueven en las gélidas noches del norte en busca de su sustento en campos de batalla y graneros. Un vampirismo naturalista, alejado de todo glamour, llevado casi como si de una porfíria se tratase, aunque, afortunadamente, sin sortear la parte sobrenatural mostrándolos como criaturas de las tinieblas, que no del mal.

Con una primera parte rodada mediante un plano muy cerrado, que echa casi a perder la belleza natural del paisaje, este se irá abriendo conforme se vaya ampliando la experiencia de la joven protagonista, una inmensa Haizea Carneros que con tan solo 13 años es toda una revelación con este, su primer trabajo interpretativo y con el que abre un gran futuro ante sí. Haizea está acompañada por nombres consagrados como los de Josean Bengoetxea (Errementari: El herrero y el diablo, 2017), Itziar Ituño (Loreak, 2014), Zorion Eguileor (El hoyo, 2019) y Elena Uriz (Akelarre, 2020).

 

BORRAR EL HISTORIAL (Effacer l’historique, Benoît Delépine, Gustave Kervern, 2020) 

Francia. Duración: 110 min. Guion: Benoît Delépine, Gustave Kervern Fotografía: Hugues Poulain Productora: Canal+, Ciné +, Cofinova, France 3 Cinéma, Identical Pictures, Les Films du Worso, No Money Productions, Pictanovo, Scope Pictures, Cinécap Género: Comedia

Reparto: Blanche Gardin, Corinne Masiero, Denis Podalydès, Denis O’Hare, Benoît Poelvoorde, Bouli Lanners, Michel Houellebecq, Avant Strangel, Vincent Lacoste, Jean-Louis Barcelona, Jean Dujardin, Lucas Mondher, Miss Ming

Sinopsis: Tres vecinos de un suburbio se ven superados por sus problemas con la tecnología y las redes sociales. Con la ayuda de un pirata informático, deciden declarar la guerra a los poderosos gigantes tecnológicos. Tal vez su batalla esté perdida desde el principio, pero nunca se sabe.

Afortunadamente no nos encontramos ante la enésima “comedia que ha batido récords de taquilla en Francia”, y no porque no lo merezca, pues éxito ha gozado en el país vecino, sino porque no es, ni mucho menos, la habitual comedia amable que se desarrolla en ambientes burgueses protagonizada por parejas muy modernas con la crisis de los cuarenta o cincuenta. No, Borrar el historial narra las vicisitudes de tres perdedores en este mundo moderno de empleos basura en el que internet y ese pequeño ingenio que para muchos es casi como una prolongación de la mano, representan el enemigo a batir. Una ingeniosa comedia con ecos del mejor Todd Solondz en la que hay espacio para recorrer todos los círculos del infierno cibernético: contraseñas, tiendas online, portales de venta por internet, ciberacoso, estafas telefónicas… un mundo a todos familiar que lleva al espectador a una conclusión que íntimamente ya sabe, tal y como exclama uno de sus protagonistas:  “que con menos todo es más fácil y claro.”

Disparatada y fresca, pero con las ideas muy claras, Borrar el historial está dirigida por los actores y directores Benoît Delépine y Gustave Kervern, autores también del guion, y está protagonizada por Blanche Gardin, Denis Podalydès y Corinne Masiero. El filme cuenta así mismo con la participación, haciendo divertidos papeles y cameos, de Michel Houellebecq, Jean Dujardin (que les costará localizar), Benoît Poelvoorde, Vincent Lacoste y Denis O’Hare, entre otros.

Una propuesta diferente a las habituales que recibió el Oso de Plata en la Berlinale 2020 y que llega a los cines españoles de la mano de La Aventura.

 

Diseccionando ‘Valhalla Rising’: proyecciones y coloquios

DISECCIONANDO “VALHALLA RISING”

PROYECCIONES Y COLOQUIOS SOBRE
LA PELÍCULA DE NICOLAS WINDING REFN
EN MADRID, BARCELONA, PALMA DE MALLORCA y Y SAN SEBASTIÁN
La película del director de “Drive”
se estrena en cines este viernes 14 de mayo

A CONTRACORRIENTE FILMS estrena en cines VALHALLA RISING este viernes 14 de mayo. La película, dirigida por el reconocido director danés Nicolas Winding Refn, responsable de films como Drive, The Neon Demon, Sólo Dios perdona, PusherBronson, se presentó en el Festival de Venecia, en el Festival de Toronto, en el Festival de Sitges, y recientemente en el BCN Film Fest.

VALHALLA RISING está protagonizada por el multipremiado actor Mads Mikkelsen, conocido por su interpretación en la recientemente ganadora del Oscar a Mejor Película Internacional Otra ronda, o en películas como Casino Royale, La caza o la serie de TV Hannibal, entre otras.

En su primer fin de semana de estreno se organizarán sesiones de DISECCIONANDO “VALHALLA RISING” que constarán de proyecciones de la película con coloquio posterior con especialistas y críticos de cine para hablar de una de las obras de culto de Nicolas Winding Refn. Además, a todos los asistentes se les regalará el cartel de la película.

Las entradas para estas sesiones se podrán comprar a partir del martes 11 de mayo en las páginas web de los cines. A continuación, las salas y ciudades donde se celebrarán las sesiones de DISECCIONANDO “VALHALLA RISING”:

14 mayo 2021 – SAN SEBASTIÁN – Cines Príncipe – 19:30h
Coloquio posterior a la proyección con la participación de Begoña del Teso, periodista y colaboradora de la Semana de Terror de Donostia.

14 mayo 2021 – BARCELONA – Cines Verdi – 20:45h
Coloquio posterior a la proyección con la participación del equipo de MAREA NOCTURNA (podcast dedicado al cine fantástico y de terror en español).

14 mayo 2021 – PALMA DE MALLORCA – CineCiutat – Horario a confirmar
Coloquio posterior a la proyección

16 mayo 2021 – MADRID – Cines Verdi – 20:45h
Coloquio posterior a la proyección con la participación de Jesús Palacios (crítico de Fotogramas) y Pablo Vázquez (escritor y crítico de Fotogramas).

Sinopsis:
Un enigmático guerrero que ha permanecido esclavizado durante años, logra escapar junto a un niño después de matar a su amo y todo su clan. Tras enrolarse en un barco cristiano, emprenden un viaje a Tierra Santa que los llevará a un lugar desconocido, donde reinan el dolor y la sangre.

VAMOS DE ESTRENO * Viernes 7 de mayo de 2021 *

EL OLVIDO QUE SEREMOS (Fernando Trueba, 2020)

Colombia. Duración: 136 min. Guion: David Trueba. Novela: Héctor Abad Faciolince Música: Zbigniew Preisner Fotografía: Sergio Iván Castaño Productora: Caracol Televisión, Dago García Producciones Género: Drama

Reparto: Javier Cámara, Aída Morales, Patricia Tamayo, Juan Pablo Urrego, Sebastián Giraldo, Whit Stillman

Sinopsis: Narra de manera íntima la vida de un hombre bueno, el médico Héctor Abad Gómez, carismático líder social y hombre de familia, un destacado médico y activista por los derechos humanos en el Medellín polarizado y violento de los años 70. La historia relata la vida del doctor, padre de familia preocupado tanto por sus hijos como por los niños de clases menos favorecidas. En su casa se respiraba la vitalidad y la creatividad características de una educación fundamentada en la tolerancia y el amor, pero la tragedia asomaba.

Premios 2020:

Premios Goya: Mejor película iberoamericana

Festival de San Sebastián: Sección oficial (Fuera de concurso – Clausura)

Premios Forqué: Nominada a mejor película latinoamericana

Un relato de iniciación que nos muestra, mediante la relación entre padre e hijo, la vida y muerte de Héctor Abad Gómez, interpretado magistralmente por Javier Cámara, un destacado médico y activista por los derechos humanos en el Medellín polarizado y violento de los años 70.

David Trueba firma el guion que adapta este relato íntimo, escrito por el hijo del protagonista, Héctor Abad Faciolince, uno de los escritores más destacados de la Colombia contemporánea y que escribió El olvido que seremos en homenaje a su padre,  asesinado en Medellín por los paramilitares en agosto de 1987. El libro se convirtió en un best seller con más de 300.000 copias vendidas en todo el mundo y traducido a más de doce lenguas.

Básicamente, El olvido que seremos es la historia de un hombre bueno, que refleja en su hogar y en su trabajo sus ideales, basados en la cultura, el amor y el respeto hacia los demás, sean de la clase, del sexo y de la raza que sean. Su postulación a la alcaldía de Medellín representará pasar a formar parte de una lista negra y finalmente ser ejecutado.

Si bien quizás en algunos momentos peca de sensiblera, la historia que narra El olvido que seremos merece ser contada y vista por todo aquel que guste de una historia en la que priman nobles ideales. Dirigida por Fernando Trueba y protagonizada por Javier Cámara, Juan Pablo Urrego, Nicolás Reyes Cano y Patricia Tamayo, la película fue seleccionada por el Festival de Cine de Cannes 2020 en su sección Oficial, como película de clausura, fuera de concurso en el Festival de Cine de San Sebastián 2020 y galardonada con el Premio Goya a la mejor película Iberoamericana, además de ser seleccionada como candidata a los Oscar por Colombia.

TIBURÓN BLANCO (Great White, Martin Wilson, 2021)

USA. Guion: Michael Boughen Música: Tim Count Fotografía: Tony O’Loughlan Productora: Prodigy Movies, Cornerstone Pictures, Thrills & Spills, Filmology, Truth or Dare Género: Terror

Reparto: Katrina Bowden, Aaron Jakubenko, Tim Kano, Kimie Tsukakoshi, Te Kohe Tuhaka, Tatjana Alexis, Jason Wilder, Patrick Atchison

Sinopsis: Una escapada en hidroavión a la Gran Barrera de Coral australiana se convierte en una pesadilla para un grupo de jóvenes cuando son atacados por un gigantesco tiburón blanco. Varado en alta mar sobre un frágil bote salvavidas, el grupo tendrá que usar todo su ingenio para resistir a la monstruosa amenaza que les acecha bajo el agua.

Desde que en 1975 Steven Spielberg introdujera el tiburón en el imaginario del cine de terror, muchos han sido los intentos de emular aquel insuperable hito, pero la gran mayoría se han conformado con crear nuevas historias alrededor de escualos asesinos, propuestas que han ido desde lo más interesante a lo más descacharrante (sí, nos referimos a la saga del tiburón de múltiples cabezas). Tiburón blanco por fortuna se perfila entre las primeras, con una historia, como es norma, de supervivencia entre cinco personajes en un entorno reducido, lo que dará pie a diferentes enfrentamientos entre ellos, aunque el protagonista principal será el tiburón y el orden en el que se servirá los diferentes platos del festín que son servidos, todo hay que decirlo, con escasos condimentos y sin salsa.

El director del filme ha sabido sacar partido del paradisíaco entorno de Brisbane, capital de Queensland, Australia, aunque gran parte de la historia se desarrollará en un bote a la deriva, lo que retrotraerá al espectador más talludito al clásico de Hitchcock Naúfragos (Lifeboat, 1944), aunque solo sea de manera episódica y salvando infinitas distancias.

Una propuesta entretenida para el espectador que sepa lo que va a ver y no busque una propuesta inolvidable.

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VAMOS DE ESTRENO * Viernes 30 de abril de 2021 *

YALDA, LA NOCHE DEL PERDÓN (Yalda, la nuit du pardon, Massoud Bakhshi, 2019)

Irán-Francia-Alemania-Suiza-Luxemburgo. Duración: 89 min. Guion: Massoud Bakhshi Música: Dana Farzanehpour, Denis Séchaud Fotografía: Julian Atanasov Productora: Amour Fou Filmproduktion, JBA Production Género: Drama

Reparto: Sadaf Asgari, Zakieh Behbahani, Arman Darvish, Forough Ghajabagli, Fereshteh Hosseini, Behnaz Jaffari, Babak Karimi, Fereshteh Sadr Orafai, Ramona Shah, Faghiheh Soltani

Sinopsis: En el Irán actual, Maryam (22) es sentenciada a muerte tras matar por accidente a su marido, Nasser (65). La única persona que puede salvarla es Mona (37), la hija de Nasser. Para ello, solo tiene que acudir a un conocido programa de televisión y perdonar en directo a Maryam.
El segundo largometraje del director iraní Massoud Bakhshi (A Respectable Family) es una valiente reflexión sobre la lucha de clases, el patriarcado, los límites éticos de los reality shows y la importancia del perdón para la religión. Todo ello una película cuya intriga está impecablemente bien construída, pues el espectador irá averiguando los detalles de la historia conforme avance la trama, que navegará continuamente entre el pasado y el presente del país; mostrando una modernísima urbe en contraste con la situación que vive la mujer en el mundo islámico, con un programa televisivo que convertirá en espectáculo la posible condena a muerte por asesinato de una joven cuyo marido ha tenido una muerte accidental. Una joven, por cierto, casada con un hombre mucho más mayor que ella mediante un “matrimonio temporal” (mutah), consistente en una especie de contrato de alquiler de duración limitada en el tiempo según el cual la mujer está ligada al hombre a cambio de una retribución.
Y todo en un juego de telerealidad total, puesto que como cuenta el propio director, “este tipo de reality shows existen en mi país. Montan y ponen en juego el perdón de los convictos de diversas formas. El programa que más me inspiró lleva en antena unos diez años y es un gran éxito en Irán durante el mes del ramadán (…) Me inspiró para el programa de la película, al que llamé de forma satírica ‘La alegría del perdón’.”
Realizada en régimen de coproducción, Yalda, la noche del perdón, recibió el Gran Premio del Jurado (World Cinema Dramatic Competition) en el Festival de Sundance y también participó en la Sección Generation 14Plus de la pasada Berlinale, y se estrena en España tras su reciente premiere en el BCN Film Fest, donde Massoud Bakhshi obtuvo el premio al mejor guion.

 

CHARULATA, LA ESPOSA SOLITARIA (Charulata, Satyajit Ray,1964)

India. Duración: 124 min. Guion: Satyajit Ray (Historia: Rabindranath Tagore) Música: Satyajit Ray Fotografía: Subrata Mitra (B&W) Productora: R.D.Banshal & Co Género: Drama

Reparto: Madhabi Mukherjee, Sailen Mukherjee, Soumitra Chatterjee, Shyamal Ghoshal, Geetali Roy, Bholanath Koyal, Nilotpal Dey

Sinopsis:
A finales del siglo XIX, cuando la India era todavía una colonia inglesa, Charu, una mujer de la alta sociedad bengalí que lleva una vida ociosa, está casada con Bhupati. Éste, que ha heredado una fortuna, utiliza su dinero para publicar un periódico político y se siente orgulloso de no haberse dejado arrastrar por la comodidad y la desidia.

Gracias a A Contracorriente, llega por primera vez a los cines españoles esta magnífica joya de Satyajit Ray que adapta una novela del premio nobel Rabindranath Tagore. Y lo hace  en inmejorables condiciones con una copia restaurada con ocasión del centenario del nacimiento del director. La película, que ganó el Oso de Plata al Mejor Director en la Berlinale de 1965, nunca llegó a nuestras pantallas a pesar de que su propio director la consideraba su obra más perfecta.

Charulata, la esposa solitaria habla al espectador de la soledad, el deseo femenino, la maternidad negada y la insatisfacción de una esposa joven totalmente desatendida por su marido, ocupado con el periódico que ha fundado. Ambos representan, a pesar de mantener la tradición india en su forma de vestir y vivir, el avance en una cultura bañada por el colonialismo occidental. Así, el marido editará un periódico con nombre en inglés y su vocabulario incluirá, de manera algo snob, palabras en esa lengua. Mientras tanto, su abnegada y culta esposa, escritora aficionada, verá como sentirá atracción por su cuñado, poeta y soñador, en firme contraste con su hermano, de mente racional y científica.

Princesa confinada entre lujos y oropeles en una cárcel de dorados barrotes, Charu oye como entran en su alcoba los animados sonidos de la calle,  reflejando con la mirada su tristeza con tal delicadeza que no es necesaria la palabra para recalcar lo evidente, en clara herencia del mejor arte mudo.

Charulata está encarnada por Madhabi Mukherjee, una de las más reconocidas actrices indias de todos los tiempos, que brilla en este trío interpretativo junto a Shailen Mukherjee, como Buphati, su marido, y Soumitra Chatterjee, hermano de Buphati, un actor que trabajó con Satyajit Ray en un total de catorce películas.

Todo amante del cine debe repasar regularmente los clásicos para reconciliarse ante tanta mediocridad y Charulata, la esposa solitaria, es una ocasión de oro para hacerlo.

 

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VAMOS DE ESTRENO * Viernes 16 de abril de 2021 *

CROCK OF GOLD: BEBIENDO CON SHANE MACGOWAN (Crock of Gold: A few rounds with Shane MacGowan, Julien Temple, 2021)

UK. Duración: 124 min. Música: Ian Neil Fotografía: Steve Organ Productora: InfinitumNihil, Nitrate Film Productor: Johnny Depp Distribuidora: Magnolia Pictures Género: Documental
Sinopsis: Combinando imágenes de archivo inéditas de la banda y de la propia familia de MacGowan, junto con animaciones de, entre otros, el ilustrador Ralph Steadman, “Crock of Gold” es una celebración del poeta punk irlandés Shane MacGowan, cantante y compositor principal de The Pogues. Producida por Johnny Depp.
Premios: Festival de San Sebastián: Premio Especial del Jurado
Un homenaje a uno de los primeros y últimos punks, Shane MacGowan, que narra retazos de su vida en primera persona y con una envidiable memoria, para la intoxicada y deteriorada salud que luce. Borracho, poeta, músico y también un tipo divertido, Shane MacGowan mezcló el folklore irlandés en el que estuvo sumergida su niñez con el punk, cuya efervescencia vivió de primera mano como influyente espectador.
Julian Temple, magnífico y reputado director que tiene en su haber infinidad de video clips musicales, además algunos filmes como Absolute Beginners (1986) y, por supuesto, The Great Rock ‘n’ Roll Swindle (1980), que narraba -más o menos- el ascenso y caída de los Sex Pistols, es el indicado para meterse en la vida de este punk, que con su grupo The Pogues y su inolvidable dentadura podrida y mellada, dieron nueva vida y música a aquella música de su infancia repleta de violines y brindis con cerveza y whisky.
Y todo lo realiza Temple, como hemos dicho, narrado por el propio protagonista, contando con imágenes de archivo, otras deliciosamente rodadas para recrear su infancia en su pequeño pueblo irlandés, y también recurriendo a la animación del legendario ilustrador Ralph Steadman, todo ello para mostrar al espectador un universo en el que religión y alcohol se mezclan ya desde su tierna infancia.
Repasar la vida de este músico hará que el espectador recorra la historia de la Irlanda del siglo XX, con atentados del IRA y violencia policial, contando con la presencia de ilustres protagonistas de la época como Gerry Adams, expresidiente del Sinn Féin, así como de la familia del protagonista y uno de los productores del filme y amigo personal del músico, Johnny Deep, entre otros. Con ellos, el espectador recorrerá la vida y la carrera de Shane MacGowan desde que decidió aprender a tocar la guitarra durante su internamiento en el manicomio Bedlan a los trece años tras sumergirse intensamente en el mundo de las drogas y el alcohol, hasta que junto a The Pogues llegó a realizar 363 conciertos en un año, cifra que lógicamente llevó al cantante a dejar el grupo por puro agotamiento. Éxito, alcohol y enfermedad. Pero también mucho humor en este estupendo documental que ganó el Premio Especial del Jurado en la pasada edición del Festival de San Sebastián, donde tuvo su première mundial.

 

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VAMOS DE ESTRENO * Viernes 26 de marzo de 2021 *

Monster Hunter (Paul W.S. Anderson, 2020)

USA/Japón/Alemania/China. Duración: 99 min. Guion: Paul W.S. Anderson (Videojuego: Kaname Fujioka, Capcom) Música: Paul Haslinger Fotografía: Glen MacPherson Producción: Capcom, Impact Pictures, Constantin Film, Tencent Pictures, Toho Género: Fantástico.

Reparto: Milla Jovovich, Tony Jaa, Tip Harris, Ron Perlman, Meagan Good, Josh Helman, Diego Boneta, Jannik Schümann, Schelaine Bennett, Nic Rasenti, Jin Auyeung, Nanda Costa, Aaron Beelner, Hirona Yamazaki, Adrian Munoz Nordqvist

Sinopsis: Detrás de nuestro mundo, hay otro: un mundo de peligrosos y poderosos monstruos que reinan en su dominio con una ferocidad mortal. Cuando una inesperada tormenta de arena transporta a la teniente Artemis (Milla Jovovich) y a su unidad (TI Harris, Meagan Good, Diego Boneta) a un nuevo mundo, los soldados se sorprenden al descubrir que ese desconocido y hostil entorno es el hogar de enormes y aterradores monstruos que son inmunes a su potencia de fuego. En su desesperada batalla por la supervivencia, la unidad se encuentra con un misterioso cazador (Tony Jaa), cuyas habilidades únicas le permiten plantar cara a las peligrosas criaturas. A medida que Artemis y el cazador ganan confianza, ella descubre que él es parte de un equipo liderado por el Almirante (Ron Perlman). Enfrentándose a un peligro tan grande que podría amenazar con destruir su mundo, los valientes guerreros combinan sus habilidades únicas para unirse en la última batalla.

De nuevo nuestra estrella de acción favorita, Milla Jovovich, demuestra que es la mejor y la más dura en una nueva saga de películas basadas, al igual que la recién finalizada Resident Evil, en un video juego de acción espectacular, que mezcla monstruos y una misión a cumplir, retornar a la realidad desde un mundo paralelo repleto de misterios que, naturalmente, no se desvelarán en su totalidad pues, como ya hemos adelantado y cabe suponer, Monster Hunter nace con ánimo de ser una franquicia.

Dirigida, precisamente, por el responsable de la saga Resident Evil, Paul W. S. Anderson, nadie debería sentirse defraudado ante lo que se ofrece en esta nueva franquicia: acción sin freno desde su vertiginoso arranque, que no decae durante toda la cinta, durante la cual se nos presentan unos personajes atractivos, comenzando por su protagonista absoluta y prosiguiendo con Tony Jaa (Ong Bak) y Ron Perlman, entre otros.

Galeones surcando oceanos de arena; monstruos de pesadilla; universos paralelos y el triunfo de la amistad entre distintos en una magnífica propuesta con la que retornar al cine y dejarse llevar pues, no lo duden, se  trata de una película que se disfruta mucho desde la butaca de una sala cinematográfica.

 

Un efecto óptico (Juan Cavestany, 2020)

España. Duración: 80 min. Guion: Juan Cavestany Música: Nick Powell Fotografía: Javier López Bermejo Productora: Cuidado con el perro Género: Comedia

Reparto: Carmen Machi, Pepón Nieto, Luis Bermejo, Lucía Juárez

Sinopsis: Alfredo y Te resa son un matrimonio de Burgos que viaja a Nueva York con la intención de “desconectar” y hacer todos los planes que vienen en la guía. Pero nada más aterrizar empiezan a percibir señales, sutiles y no tanto, de que en realidad no están en la ciudad que les vendieron en la agencia. ¿Dónde están entonces?

Maestro del absurdo y el extrañamiento, Juan Cavestany lleva a sus protagonistas, Carmen Machi y Pepón Nieto, en el papel de Teresa y Alfredo, un matrimonio ya maduro, a un viaje a Nueva York, ciudad que, sospechosamente, es pastada a Burgos.  La ciudad como espacio de despersonalización es siempre el escenario de las fábulas del director. Pero no terminarán ahí los hechos extraños y el adentramiento de la pareja protagonista (y del público) en el reino de lo raro, pues Cavestany es especialista en convertir lo cotidiano en tragicómico. Una película desarrollada con repeticiones y elipsis, que nos lleva a la ironía brechtiana. Con astracanadas que recuerdan al maestro José Luis Cuerda, el director distorsiona la realidad ofertando más de una visión al espectador. Pero permítannos que no desvelemos mucho más de un film que, precisamente en el efecto sorpresa, esconde sus grandes bazas, con lo inesperado como aliado perfecto.

Cine extraño, ingenioso  de escasos personajes y escenarios, con un final abierto a la interpretación por parte del espectador. La cinta participó en la última edición del Festival de Sitges y podríamos preguntarnos qué hace una comedia postmoderna en un festival de género, pero tenemos la respuesta. Más allá de la presencia de lo sobrenatural, hay un humor muy autóctono que debe considerarse fantástico por el propio dibujo surreal y absurdo de las situaciones cómicas. Humorismo que hunde sus raíces el la otra generación del 27 (con Jardiel a la cabeza) de la que, sin duda, Cavestany es su heredero más directo ahora que José Luis Cuerda nos ha abandonado. El esperpento es una de las mayores aportaciones que el ingenio español ha dado al mundo de la narrativa, ya sea ésta literaria o cinematográfica.

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VAMOS DE ESTRENO * Viernes 5 de marzo de 2021 *

Y LLOVIERON PÁJAROS (Il pleuvait des oiseaux, Louise Archambault, 2019)

Canadá. Duración: 124 min. Guion: Louise Archambault (Novela: Jocelyne Saucier) Música: David Ratté, Andréa Bélanger Fotografía: Mathieu Laverdière Productora: Films Outsidersf Género: Drama

Reparto: Kenneth Welsh, Andrée Lachapelle, Gilbert Sicotte, Rémy Girard, Ève Landry, Éric Robidoux, Louise Portal

Sinopsis: Esta es la historia de tres ancianos que han elegido retirarse del mundo y vivir en los bosques de Canadá. Al tiempo que un gran incendio amenaza la región, alguien llega hasta su escondite: una joven fotógrafa que busca a un tal Boychuck. Y no es la única. Poco después, una mujer de más de 80 años aparece como una brisa ligera que alborotará sus vidas. Mientras intentan comprender la historia de Boychuck a través de sus pinturas, algo extraordinario surgirá entre todos ellos.

La vejez es eso que los jóvenes piensan que les tardará mucho en llegar. O que nunca les alcanzará. Y es que sin lugar a duda hacerse viejo es un fastidio. Pero es mucho más que eso, pues es la constancia de que nuestro tiempo se está acabando. Que la máquina está caducando. Que el final está cerca.

Esta película demuestra otra cosa, que también el final puede ser bello y digno. Y que, por paradójico que parezca, el final puede ser el principio. Y que… ¡qué diantres!, que puede haber cosas mucho más crueles y peores que la vejez.

Y llovieron pájaros nos narra la historia de unos hombres que han escogido desaparecer del mundo. Unos hermitaños, viejos y sabios, que han decidido pasar sus últimos días en comunión con la naturaleza y en compañía de sus fieles canes junto a un bello lago. Un paraíso en el que han querido dejar de existir para todos. Pero ese fin del mundo, ese final del recorrido, por razones que no les vamos a detallar, puede ser el comienzo de una nueva aventura. Una historia sobre la persistencia de la memoria en un mundo que se diluye. Que se deja ir dulcemente.

Maravillosamente interpretada y carente de curserías y manidos tópicos, la cinta de Louise Archambault tiene todo para, además de ser una bonita película, en fondo y forma, ser además una propuesta muy inteligente y que invita a la reflexión.

 

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VAMOS DE ESTRENO * Viernes 26 de febrero de 2021 *

DEL INCONVENIENTE DE HABER NACIDO (The Trouble with Being Born, Sandra Wollner, 2020)

Austria, Alemania Duración: 94 minutos. Guión: S. Wollner y Roderick Warich. Dirección de fotografía: Timm Kröger. Música: David Schweighart, Peter Kutin. Productora: Panama Film Género: Ciencia ficción.

Intérpretes: Jana McKinnon, Ingrid Burkhard, Dominik Warta, Lena Watson, Susanne Gschwendtner.

Sinopsis: Elli es una androide y vive con un hombre al que llama padre. Es capaz de rememorar vacaciones y cualquier otra cosa que él programe para que ella recuerde. Durante el día se dejan llevar por el verano y por la noche él la lleva a la cama. Diseñada para asemejarse a uno de sus recuerdos, realmente parece estar viva, a veces incluso parece soñar, y sin embargo no deja de ser un robot, un contenedor para unos recuerdos que lo son todo para él y nada para ella. Esta es la historia de una máquina y de los fantasmas que todos llevamos en nuestro interior.

Habíamos leído que esta película, definida como cruce entre A.I. Inteligencia Artificial, de Steven Spielberg, y un episodio de Black Mirror, había provocado cierta controversia a su paso por el circuito de festivales y que, de hecho, su proyección en el Festival de Melbourne fue cancelada a pocos días de celebrarse. Viéndola, muy pronto averiguamos el porqué pudiera resultar chocante para el espectador, pero ello no quita para que se trate de uno de los más inteligentes, realistas y bellos retratos sobre la inteligencia artificial y de los problemas éticos que puede ocasionar su existencia.

¿La polémica? Como siempre está en el ojo del espectador. No por no mirar las cosas dejan de suceder. Recuerden, no hace mucho había torsos fielmente reproducidos en látex que reproducían anatómicamente niñas de diferentes edades. Y estaban a un simple click de distancia del cliente, que podía completar el pedido con películas y libros. O con su juguete preferido de la infancia, por ejemplo.

Así que seamos adultos. Por favor.

Y es que lo que nos narra el filme de Sandra Wollner no es, ni mucho menos, un imposible. Recrear seres humanos artificiales con los que paliar el dolor de la pérdida o solventar la soledad es una más de las soluciones artificiales que la tecnología puede facilitarnos. Más allá de ese muñeco que tuvimos cuando éramos pequeños, que se recrea para que siempre esté con nosotros, casi impidiendo que maduremos, recordándonos otros tiempos supuestamente más felices, en un futuro muy cercano ese hijo perdido estará disponible para hacerte compañía eternamente, con los recuerdos que le hayamos introducido y con los nuevos que irá adquiriendo.

Algo parecido a lo que nos narraba Blade Runner pero cargado de realidad, con posibilidad de suceder mañana mismo. Nada resulta imposible de creer. Y más tal y como lo plantea Wollner, con dos ejemplos bien distintos: uno como la representación de unos deseos ocultos que se materializan en una niña que fue hija y ahora, además, amante; y otro como el hermano fallecido prematuramente y con el que quedó una cuenta pendiente. Y para hacerlo totalmente creible su directora ha contado con una pequeña actriz que consigue unos movimientos y una mirada que conseguirán que creamos que el hombre máquina ya está aquí, sí, pero que además es una víctima. Nuestra víctima.

La historia se recrea en los silencios y su oscura fotografía ofrece un alto grado de intimidad en esta historia en la que la mente artificial es la protagonista. Sus pensamientos, sus dudas, su dolor. Todo en una cinta cuya trama no se ofrece al espectador de una manera lineal, quizás con intención de reflejar la confusión que sufre esa mente artificial, que llegará a mezclar pensamientos y vidas, además de generar sus propios recuerdos. Y su propia melancolía.

Premiada en la sección Encounters del Festival de Berlín, galardonada en muchos otros festivales (Bergen, Trieste, Viena…), el segundo largometraje de la directora austriaca Sandra Wollner (“The Impossible Picture”) llegará al catálogo de Filmin tras su estreno en cines.

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VAMOS DE ESTRENO * Viernes 19 de febrero de 2021 *

19 febrero 2021 Deja un comentario

14 DÍAS, 12 NOCHES (14 jours, 12 nuits, Jean-Philippe Duval, 2019)

Canadá. Duración: 99 min. Guion: Música: Bertrand Chénier Fotografía: Yves Bélanger Productora: Attraction Images Género: Drama

Reparto: Anne Dorval, François Papineau, Leanna Chea, Laurence Barrette

Sinopsis: La hija adoptada de Isabelle muere en un trágico accidente siendo tan solo una adolescente. Un año después, y aún conmocionada por la experiencia, Isabelle regresa al orfanato vietnamita con la esperanza de volver a conectarse emocionalmente con su hija Clara a través de su tierra natal. Inmersa y abrumada, Isabelle inesperadamente se encuentra con la madre biológica de su hija.

Del adocenamiento vietnamita al gélido invierno canadiense. Y de nuevo al hogar. Este es el itinerario de la joven Clara, niña adoptada cuyas cenizas porta la madre canadiense de vuelta a casa en un viaje que pretende ser terapéutico, que quiere poner una pequeña venda al dolor de la pérdida. Y lo hace volviendo a donde todo comenzó. Retornando al punto de partida. Al origen.

Y lo hará entrando en el íntimo misterio femenino de la maternidad, pero también en el universal del dolor por la pérdida. Con una madre buscando respuestas que no existen y un consuelo que solo el tiempo puede otorgar.

El director narrará la historia yendo adelante y atrás, como si estuviera pescando con caña. Lanzando y recogiendo, para volver a soltar. Los silencios y las ausencias serán retratadas de manera acertada, aunque en algún momento el narrador caerá en el exceso puntuando la acción con alguna cámara lenta que subrayará lo que es bien evidente.

Un viaje íntimo al alma de dos mujeres rotas, pero también al de un país hérido por el drama de la guerra. Esa guerra en la que, tal y como dice uno de los personajes, los bárbaros “mataron a nuestros padres y después se llevaron a nuestros hijos“.

Dirigida por el cineasta canadiense Jean-Philippe Duval (Unité 9, Matroni et moi) y escrito por Marie Vien (La pasión de Augustine), 14 días, 12 noches está protagonizada por la musa de Xavier Dolan, Anne Dorval (Mommy, Yo maté a mi madre), además de por François Papineau (Une vie qui commence) y Leanna Chea, actriz nominada a los Canadian Screen Awards y a los premios Iris del cine de Quebec por su papel.

La película se presentó en el Abitibi-Témiscamingue Film Festival y tuvo su premiere internacional en el Palm Springs Film Festival. Obtuvo el premio a la mejor fotografía para Yves Bélanger (Laurence Anyways, Dallas Buyers Club) en los premios Iris del cine de Quebec. En el mismo certamen, Anne Dorval y Leanna Chea obtuvieron nominaciones a la mejor actriz protagonista y mejor actriz secundaria, respectivamente.

Actualmente, la película es candidata al Oscar a la mejor película extranjera por Canadá.

NUEVO ORDEN (Michel Franco, 2020)
México-Francia. Duración: 88 min. Guion: Michel Franco Música: Dmitri Shostakovich Fotografía: Yves Cape Productora: Teorema, Les Films d’Ici Género: Thriller
Reparto: Naian González Norvind, Diego Boneta, Mónica del Carmen, Darío Yazbek Bernal, Fernando Cuautle, Eligio Meléndez, Lisa Owen, Patricia Bernal, Enrique Singer, Gustavo Sánchez Parra, Javier Sepulveda, Sebastian Silveti, Roberto Medina, Analy Castro
Sinopsis: En México DF se celebra una fastuosa boda de alta alcurnia mientras en las calles se viven violentas protestas con germen en la lucha de clases, derivando la tensa situación en un cruento golpe de estado. Visto a través de los ojos de una joven prometida y de los sirvientes que trabajan para su pudiente familia, ‘Nuevo orden’ sigue las huellas del derrumbe de un sistema político y del nacimiento de un desgarrador nuevo reemplazo.
Premios: 
Festival de Venecia: Gran Premio del Jurado
Festival de La Habana: Selección oficial largometrajes a concurso
Premios Forqué: Mejor película latinoamericana

De entre las peripecias de Fabrizio del Dongo me impactó especialmente su experiencia en la guerra, porque Stendhal la desnuda de todo romanticismo y arte bélico, los contendientes deambulan por el lugar de la batalla sin saber muy bien que hacen ni poder componerse una imagen de conjunto que les permita actuar en consecuencia. Esta forma de enfocar la guerra, desde la ceguera de la inmediatez, las volvemos a encontrar en el Celine del Viaje al fin de la Noche, allí con un relato aún más descarnado. Y hablo de ello porque algo similar les ocurre a los personajes de Nuevo Orden, estalla una revuelta y los personajes se ven en medio de ella sin haberla visto venir, pese a la insistencia de los noticiarios que siempre están de fondo mientras transcurre la acción principal, la percepción de caos de los personajes se nos adhiere a la piel y padecemos la incertidumbre con ellos. Esta vivencialidad, esta materialidad de la narración es lo que más se nos quedará grabado en la memoria cuando evoquemos el filme. Y su suciedad, esa suciedad que sólo los mexicanos saben imprimir a sus películas y que remarca tan bien el peso de la fatalidad. Y su proximidad a la sentencia lampedusiana sobre cómo los que ostentan el poder alientan revueltas que parecen voltear el orden del mundo mientras, en realidad, nada va se va a transformar. Se trata de apoyar a los que quieren cambiarlo todo para que no cambie nada.

Cruda, poderosa, casi física, es la última película el director y guionista Michel Franco, considerado por muchos como el “enfant terrible” del cine contemporáneo y un habitual del Festival de Cannes donde en diferentes secciones participaron sus anteriores películas: Daniel y Ana, Después de Lucía (2012), Chronic (2015) y Las hijas de abril (2017). La película fue una de las grandes triunfadoras de la pasada edición del Festival de Venecia, donde ganó el León de Plata Gran Premio del Jurado y el Premio Leoncino d’Oro (Jurado Joven). Además se presentó en la sección Perlas del Festival de San Sebastián y recientemente ha sido la ganadora del premio Forqué a la Mejor Película Latinoamericana del año.

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VAMOS DE ESTRENO * Viernes 12 de febrero de 2021 *

12 febrero 2021 Deja un comentario

LA CHICA DEL BRAZALETE (La fille au bracelet, Stéphane Demoustier, 2019)

Francia. Duración: 95 min. Guion: Stéphane Demoustier Música: Carla Pallone Fotografía: Sylvain Verdet Productora: Petit Film, France 3 Cinéma, Frakas Productions Género: Drama

Reparto: Melissa Guers, Roschdy Zem, Anaïs Demoustier, Annie Mercier, Pascal Garbarini, Chiara Mastroianni

Sinopsis: Lise, de 16 años, está acusada de haber asesinado a su mejor amiga. Durante el juicio, sus padres la defienden de manera inquebrantable. Sin embargo, a medida que su vida secreta comienza a desvelarse, la verdad se convierte en algo discutible. ¿Quién es realmente Lise? ¿Conocemos bien a las personas que amamos?

El de Melissa Guers es un debut rutilante, pues un alto porcentaje del atractivo e interés de La chica del brazalete viene dado por su capacidad de mostrar ese rostro de esfinge, impenetrable pero no inexpresivo, que refuerza el carácter de misterio que posee la cinta. Ella da vida a Lise, una joven adolescente, más misteriosa que opaca, acusada del asesinato de su mejor amiga, la película no nos dará antecedentes, ni de su amistad ni de las circunstancias del crimen, nos pone en la misma tesitura en la que se ve el jurado, el acopio de pruebas y las intervenciones de las letradas serán los únicos hilos de los que podremos tirar para hacernos un juicio sobre lo que pudo haber ocurrido. Mientras, acompañamos a sus padres (Roschdy Zem y Chiara Mastroianni) en un proceso de descubrimiento que lo que va a revelarles es que su joven hija es, en verdad, una auténtica desconocida para ellos.

Y es que La chica del brazalete no es, ni mucho menos, una película de juicios aunque prácticamente toda su acción transcurra en uno. Se trata de otro asunto. Stéphane Demoustier usa esa estructura formal para enmarcar una narración que nos habla de la tensión entre parentesco e individualidad, entre herencia e independencia, comunión e incomunicación, que está en el centro mismo de la relación padre-hijo. La chica del brazalete exacerba esta tensión natural preguntando: ¿Hasta qué punto podemos conocer a nuestros propios hijos? ¿Cuánto los entendemos realmente? ¿Hay límites para el amor que podemos sentir? ¿Es incondicional el amor de los padres? Preguntas todas ellas que tienen mucho que ver con la posibilidad de acceder al fondo de ese humano que ha sido traído a la vida sin que lo haya requerido, la posibilidad y el derecho, porque el hijo no es nuestra propia carne por mucho que haya nacido de nosotros, es un otro, y como tal su derecho a intimidad debiera ser inalienable. Un juicio por asesinato es una situación límite que, por sus características, se convierte en un medio ideal para indagar cuánto podemos llegar a saber de otro.

Es ideal porque, aunque se le este juzgando para establecer la culpabilidad o no, el acceso a lo ocurrido es indirecto. Y aquí resulta especialmente acertada la decisión del director de no narrarlo desde el punto de vista del acusado, ya que este sí conoce la auténtica verdad. Desde los bancos del público, desde los del jurado, en cambio, la verdad debe ser encontrada, descubierta y revelada. Y sin embargo, en el transcurso de su revelación, la verdad a menudo cambia. Y cambia de forma significativa. En este juicio en particular, los bloques de construcción básicos de la verdad, los hechos (¿Lisa mató a Flora?) han desaparecido. Los padres no saben lo que pasó; y al apelar al tribunal para obtener respuestas, se les dejará creer en el único tipo de verdad que un tribunal puede proporcionar: un veredicto.

La ausencia de pruebas concluyentes deja margen a la apelación a la duda razonable y esta debe ser tenida en cuenta a la hora de pronunciarse sobre la presunta culpabilidad. Un veredicto, por tanto, no es una epifanía de los hechos. Es una suposición. Lo auténticamente ocurrido se da siempre fuera de los muros de cualquier tribunal. Traducido al lenguaje fílmico, los hechos se han dado en off, en un momento fuera de cámara, por tanto, son invisibles. Como espectadores solo asistimos a una recreación formal dada en el discurso regulado de la ley. Demoustier juega la baza del suspense que rodea lo judicial, para dejarnos con las expectativas suspendidas en el aire,  como se deja colgando a los protagonistas mientras esperan su destino. La chica del brazalete no nos da certezas, no nos responde los interrogantes, solo nos hace más conscientes de que cada individuo vive en su insularidad y su fondo es inalcanzable. Incluso para unos padres.

 

LA SRA. LOWRY E HIJO (Mrs. Lowry & Son, Adrian Noble, 2020)

UK. Duración: 91 min. Guion: Martyn Hesford Música: Craig Armstrong Fotografía: Josep M. Civit Productora: Genesius Pictures, IPG Media Pty, Library Films Género: Drama
Reparto: Timothy Spall, Vanessa Redgrave, Stephen Lord, David Schaal, Wendy Morgan, John Alan Roberts, Michael Keogh, Joanne Pearce, Jon Furlong, Paul Bergquist, Amanda Higson, Jennifer Banks, Giselle Cullinane, Laurence Mills, Rose Noble
Sinopsis: L.S. Lowry fue una de las figuras artísticas más importantes del Reino Unido de mediados del siglo XX. Lowry era un pintor famoso por su visión única del noroeste industrial de Inglaterra. La película nos muestra la complicada relación que mantiene con su madre, una mujer empeñada en criticar cualquiera de los gustos de su hijo, incluido su “hobby” de pintar.
De nuevo Timothy Spall se mete en la piel de un pintor tras incorporar a Turner en la premiada cinta de 2014 que le supuso el premio de interpretación en Cannes, y de nuevo lo hace de manera modélica, aunque en este caso encarnando a un artista con una personalidad opuesta a la del protagonista del filme de Mike Leigh. En La Sra Lowry e hijo, interpreta al enmadrado pintor inglés L.S. Lowry, un hombre gris que trabaja en un empleo gris que vive en un gris barrio proletario de Pendlebury, una pequeña ciudad al norte de Manchester junto a su madre, encarnada por la siempre brillante Vanessa Redgrave, con la que mantiene una relación muy especial y en la que la creatividad del artista, que tan solo tiene forma de manifestarse al pintar por la noche, se encuentra sometida a su total desprecio, todo en una historia de amor/odio llevada al cine con un tan delicioso como amargo humor.
Historia de vidas que se acaban, de mundos que terminan, pero también de cielos plomizos, sueños no cumplidos y anhelos frustrados que L.S. Lowry reflejará en unos lienzos que terminarán transcendiéndole, pues su obra será reconocida y expuesta en The Lowry, una galería de arte especialmente diseñada para albergar sus pinturas, la Tate Gallery de Londres y en el MOMA de Nueva York.

 

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VAMOS DE ESTRENO * Viernes 22 de enero de 2021 *

FELLINI DE LOS ESPÍRITUS (Fellini degli spiriti, Anselma Dell’Olio, 2020)

Italia. Música: Antonio Fresa Fotografía: Daniele Botteselle Productora: Mad Entertainment, RAI Cinema, Walking The Dog, Direzione Generale per il Cinema Género: Documental

Sinopsis: Profundamente enamorado de la vida, Fellini vivió la suya mientras buscaba constantemente su significado. Con motivo del centenario de su nacimiento (20 de enero de 1920), este documental investiga en profundidad su pasión por lo que él definió como “misterio” -lo esotérico y el mundo invisible- en su incansable búsqueda de otras posibilidades, otras dimensiones, otros viajes; y de todo lo que alimenta el vuelo del espíritu y la mente. Estos temas, que impregnan su filmografía, fueron objeto de su investigación personal.

Fellini de los espíritus es un revelador viaje, un itinerario realizado mediante entrevistas, tanto del protagonista como de estrechos colaboradores y colegas, todo ello aderezado por fragmentos de sus obras con el objetivo de analizar el aspecto más personal y espiritual del director italiano: sus depresiones; la importancia de los sueños en su vida y obra; el psicoanálisis; el catolicismo; el sexo; el espiritismo y el tarot; la muerte y, en definitiva, todos los ingredientes, o una importante parte de ellos, que contribuyeron a convertir a  Federico Fellini en un artista y genio irrepetible.

Ameno para profanos y revelador para aficionados al director, el documental de la veterana Anselma Dell’Olio podrá verse en cines y en Sala Virtual de Cine . El film, producido en 2020, año del Centenario del nacimiento de Federico Fellini, formó parte de la Selección Oficial de Cannes Classics del Festival de Cannes 2020 y de la pasada edición de la Seminci.

 

LA MALDICIÓN DE LAKE MANOR (Il Nido, Roberto de Feo, 2019)

Italia, Duración: 107 min. Guion: Lucio Besana, Margherita Ferri (Historia: Roberto De Feo) Música: Teho Teardo Fotografía: Emanuele Pasquet Productora: Colorado Film Production, Vision Distribution, Film Commission Torino-Piemonte, Regione Piemonte Género: Terror

Reparto: Maurizio Lombardi, Justin Korovkin, Francesca Cavallin, Gabriele Falsetta, Ginevra Francesconi, Massimo Rigo

Sinopsis: Samuel es un niño parapléjico que vive junto a su madre Elena en Lake Manor (Torino, Italia), dentro de una mansión alejada de la civilización. El chico ha recibido órdenes de no abandonar nunca su casa, por lo que se siente seguro pero algo frustrado y oprimido. Su situación cambia cuando llega Denise, una ayudante adolescente que le ayuda a cambiar su punto de vista sobre la relación que le une con su madre. Sin embargo, Elena hará todo lo posible por impedir que su hijo se vaya de su lado, algo que confunde tanto a Denise como al propio Samuel, que sospecha que su madre oculta algo.

The Nest (Il nido) supuso toda una sorpresa para Serendipia cuando la vio en la edición de 2019 del Festival de Sitges. Con el amor que profesamos al fantástico italiano en esta casa, pues tanto el bueno como el malo nos gusta, fue un placer disfrutar de una de las escasas muestras de fantástico trasalpino que se rueda en la actualidad. The Nest (Il nido), todo en ella, es 100% italiano: los actores -fenomenales los dos niños-, el idioma, las localizaciones, la cultura, la fotografía, la suntuosa mansión… y todo está al servicio de una misteriosa historia que termina resultando ciertamente predecible, pero rodada con tal sensibilidad y elegancia que no defrauda, a pesar de ese final que no gustó a la parte más bella y culta de Serendipia, pero emocionó a la otra por el sincero homenaje que supone a aquella serie-B italiana de los ochenta y en especial a Lucio Fulci, algo que nos confirmó su director, Roberto De Feo, que debuta en el largo con este filme.

Y… ¿POR QUÉ NO VAMOS DE REESTRENO?:

ADÚ (Salvador Calvo, 2020)

Guión: Alejandro Hernández Fotografía: Sergi Vilanova Productora: Ikiru Films / La Terraza Films / Telecinco Cinema / ICAA / Mediaset España / Mogambo Género: Drama

Reparto: Luis Tosar, Anna Castillo, Álvaro Cervantes, Jesús Carroza, Miquel Fernández, Ana Wagener, Nora Navas, Marta Calvó, Josean Bengoetxea, Chumo Mata, Candela Cruz, Moustapha Oumarou, Rubén Miralles, Zayiddiya Dissou

Sinopsis: En un intento desesperado por alcanzar Europa y agazapados ante una pista de aterrizaje en Camerún, un niño de seis años y su hermana mayor esperan para colarse en las bodegas de un avión. No demasiado lejos, un activista medioambiental contempla la terrible imagen de un elefante, muerto y sin colmillos. No solo tiene que luchar contra la caza furtiva, sino que también tendrá que reencontrarse con los problemas de su hija recién llegada de España. Miles de kilómetros al norte, en Melilla, un grupo de guardias civiles se prepara para enfrentarse a la furibunda muchedumbre de subsaharianos que ha iniciado el asalto a la valla. Tres historias unidas por un tema central, en las que ninguno de sus protagonistas sabe que sus destinos están condenados a cruzarse y que sus vidas ya no volverán a ser las mismas.
Una bienintencionada mirada al drama de la inmigración procedente de África dividida en tres irregulares historias: La veremos desde el punto de vista del joven Adú, un niño de seis años cuyo único objetivo, tras perderlo todo, será llegar a España, donde está su padre; y desde el punto de vista de un guardia civil que sirve en la frontera de Melilla. Ambas historias se desarrollarán en paralelo y, como es previsible, convergerán. Pero hay una tercera historia sobre la relación de un padre con su hija, protagonizada por Luis Tosar y Anna Castillo, que no parece guardar demasiada relación con respecto a las dos anteriores.
Esta segunda película de Salvador Calvo tras la interesante 1898: los últimos de Filipinas (2016), es un intenso drama que busca exponer lo que los  noticiarios han convertido en monótono, dando cara y nombre a la tragedia, intentando que el espectador comprenda que detrás de cada cifra hay una historia de supervivencia. Y todo lo representa mediante los expresivos e inocentes ojos de Adú, que parecen traspasar la pantalla buscando respuestas en el espectador. Bellamente rodada, pues aprovecha el entorno natural que ofrece el continente africano, Adú cuenta con un buen grupo de actores, entre los que destacan los jóvenes Moustapha Oumarou y Zayiddiya Dissou. 

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VAMOS DE ESTRENO * Miércoles 6 de enero de 2021 *

SALVAJE (Unhinged, Derrick Borte, 2020)

USA. Duración: 91 min. Guion: Carl Ellsworth Música: David Buckley Fotografía: Brendan Galvin Productora: Solstice Studios, Burek Films (Distribuidora: Solstice Studios, Eagle Films) Género: Thriller

Reparto: Russell Crowe, Caren Pistorius, Jimmi Simpson, Gabriel Bateman, Anne Leighton, Lucy Faust, Devyn A. Tyler, Michael Papajohn, Austin P. McKenzie, Stephen Louis Grush, Sylvia Grace Crim, Vivian Fleming-Alvarez, Jenanne Alexander, Gretchen Koerner, Samantha Beaulieu, Juliene Joyner, Donna Duplantier, Tim Bell

Sinopsis: Tom (Russell Crowe), es un hombre cuya vida ha dejado de tener sentido. En pleno colapso mental se cruza en la carretera con Rachel (Caren Pistorius), una joven que llega tarde a trabajar y que, nerviosa, recrimina a Tom con el claxon que no mueva su coche en un semáforo. A partir de entonces dará comienzo un peligroso juego del gato y el ratón en el que el torbellino de esta “ira en la carretera” traspasará cualquier límite que Rachel jamás haya imaginado.

Una situación cotidiana despertará a la bestia que todos tenemos dentro causada por diversos motivos que pueden ser el stress acumulado, unas vidas que no son lo que esperábamos de ellas, o divorcios y pérdidas. Motivos de tensión que explotarán despertando la furia del protagonista hasta límites insospechados. Y es que ¿puede ser algo más terrorífico que ser perseguido por Russell Crowe enloquecido? Pues si, serlo por un Russell Crowe que abulta por dos y que, al parecer, ya no tiene nada que perder y que por eso mismo va a hacer pasar a Rachel un día realmente malo.

Más terrorífico que cualquier psicho killer enmascarado, el personaje que encarna Crowe hace honor al título en este filme adrenalítico, cargado de violencia y que mantiene constantemente su tenso ritmo, consiguiendo provocar más de un sobresalto en el espectador.

Salvaje, que ha sido número 1 en cines en EE. UU, Reino Unido, Alemania y Australia, entre otros muchos territorios, ha sabido coger con seguridad el testigo cargado de adrenalina y pánico de otras películas con psicópatas al volante como El diablo sobre ruedasNunca juegues con extraños o Death Proof.

MANUAL DE LA BUENA ESPOSA (La bonne épouse, Martin Provost, 2020)

Francia/Bélgica. Duración:109 min. Guion: Martin Provost,Séverine Werba Música: Grégoire Hetzel Fotografía: Guillaume Schiffman Productora: Les Films du Kiosque, France 3 Cinéma, Orange Studio, Umedia Género: Drama

Reparto: Juliette Binoche, Yolande Moreau, Noémie Lvovsky, Édouard Baer, François Berléand, Marie Zabukovec, Anamaria Vartolomei, Lily Taieb, Pauline Briand, Armelle, Marine Berlanger, Clémence Blondeau, Marie Cornillon, Lauren Deguitre, Clémentine Delange, Juliet Doucet, Suzanne-Marie Gabriell, Marie-Anne Guilbert, Sasha Herschritt, Margaux Houssiaux, Blandine Laignel, Andréa Mands, Salomé Soares, Julien Sibre, Stéphane Bissot, Dominique Pozzetto, Stéphane Hausauer, François Hauteserre, Cécile Ribault-Caillol

Sinopsis: Cuidar del hogar y plegarse a los deberes conyugales sin rechistar: es lo que enseña con fervor Paulette Van Der Breck en su escuela para muchachas. Sus certezas se tambalearán en el momento en que se encuentre viuda y arruinada. ¿Es el regreso de su primer amor o el viento de libertad del Mayo del 68? ¿Y si la buena esposa se convirtiese en una mujer libre?

Personalmente me ha sorprendido averiguar que la formación de la mujer en las tareas del hogar no era patrimonio exclusivo de la Sección Femenina de la Falange española, muy al contrario Manual de la buena esposa narra como en Francia también había cursos, que se prolongaban durante dos años, en los cuales las jóvenes eran educadas para ofrecer un buen servicio a su marido y ser una impecable esposa. Estos cursos estaban reservados, como deja caer una de las protagonistas de la cinta, a las clases más humildes, cuyas hijas no tenían acceso a estudios superiores. En todo caso esta historia, que se desarrolla a finales de los años sesenta y culmina en aquel tan revolucionario como inútil mayo del 68, forma parte de la corriente feminista que desde las artes busca concienciar a la sociedad, algo, por supuesto, muy loable, pero que consigue hacer descuidar algunos detalles en la narración del filme. Por una parte el arco de transformación de los personajes sucede de una manera tan veloz como inverosímil y, bueno, ese final pues… termina de redondear el despropósito. En todo caso todo esto entra en la opinión personal, pues por lo demás se trata de una divertida película que sirve para denunciar una situación que se dio en un pasado no muy lejano y que cuenta con un grupo de valiosas actrices que contribuyen al agradable resultado de esta cinta.

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VAMOS DE ESTRENO * Miércoles 30 de diciembre de 2020 *

30 diciembre 2020 Deja un comentario

LA ÚLTIMA GRAN ESTAFA (The Comeback Trail, George Gallo, 2020)

USA. Duración: 104 min. Guion: George Gallo, Josh Posner Música: Aldo Shllaku Fotografía: Lucas Bielan Productora: Storyboard Media, March On Productions, Sprockefeller Pictures Distribuidora: Eagle Films Género: Comedia

Reparto: Robert De Niro, Morgan Freeman, Tommy Lee Jones, Vincent Spano, Natalie Burn, Emile Hirsch, Zach Braff, Patrick Muldoon, Eddie Griffin, Joel Michaely, Nick Vallelonga, Blerim Destani, Michelle Maylene, Julie Lott, Melissa Greenspan, Jermaine Washington, Ray Bouderau, Leonard Waldner, Bill Luckett

Sinopsis: Max Barber (Robert de Niro) es un productor de cine de Hollywood de serie B. Tras el fracaso de su última película, necesita encontrar un nuevo proyecto que le permita saldar su deuda con un jefe de la mafia local (Morgan Freeman). Decide emprender la producción de una película con escenas de acción de alto riesgo, con el fin de provocar la muerte de su actor protagonista y poder cobrar así el altísimo seguro, solucionando definitivamente sus problemas económicos. El actor elegido es Duke Montana (Tommy Lee Jones), una vieja estrella deprimida con problemas con la bebida: el blanco perfecto para los planes de Max. Sin embargo, los días de rodaje van transcurriendo y Max no consigue su propósito, sometiendo a Duke a retos cada vez más peligrosos. Paradójicamente, mientras Duke va sobreviviendo escena tras escena, Max, inconscientemente, está rodando la mejor película de su carrera.

La última gran estafa esta basada en un filme de 1982 de idéntico título dirigido por Harry Hurwitz que nunca llegó a estrenarse. La película recuperaba al antiguo actor de seriales Larry Buster Crabbe, primera encarnación de los héroes galácticos Flash Gordon y Buck Rogers, y George Gallo, director de esta nueva versión, fue una de las pocas personas que pudo verla. Con el paso del tiempo quiso hacer un remake, pero diferentes personas afirmaban poseer los derechos del filme, por lo que Gallo continuó haciendo otras películas. Después del éxito de Dos tipos geniales (1986) o Huida a medianoche (1988) y obsesionado con la vieja película de 1982, consiguió hacerse con los derechos y rodar su versión, que toma como protagonista de la función a una vieja gloria del western interpretada por el siempre eficaz Tommy Lee Jones, que estará acompañado por un divertido director de películas de serie Z encarnado por Robert de Niro que debe una fuerte suma de dinero a un mafioso de pacotilla que interpreta, maravillosamente, Morgan Freeman. El resultado es una agradable comedia de cine dentro del cine que transporta al espectador a otra época, ya totalmente cerrada, cuando el cine era un entretenimiento de masas.

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VAMOS DE ESTRENO * Miércoles 23 de diciembre de 2020 *

23 diciembre 2020 Deja un comentario

EL PADRE (The Father, Florian Zeller, 2020)

UK/Francia. Duración: 97 min. Guion: Florian Zeller, Christopher Hampton Fotografía: Ben Smithard Productora: Trademark Films, Embankment Films, Film4 Productions, F Comme Film, AG Studios NYC (Distribuidora: Lionsgate ) Género: Drama 

Reparto: Anthony Hopkins, Olivia Colman, Imogen Poots, Rufus Sewell, Olivia Williams, Mark Gatiss, Evie Wray, Ayesha Dharker

Sinopsis: Anthony (Anthony Hopkins), un hombre de 80 años mordaz, algo travieso y que tercamente ha decidido vivir solo, rechaza todos y cada uno de los cuidadores que su hija Anne (Olivia Colman) intenta contratar para que le ayuden en casa. Anne está desesperada porque ya no puede visitarle a diario y siente que la mente de su padre empieza a fallar y se desconecta cada vez más de la realidad. Dado el ir y venir de sus recuerdos ¿cuánto de su propia identidad podrá recordar con el paso del tiempo? Anne sufre la paulatina pérdida de su padre a medida su mente se deteriora, pero ¿no tiene ella derecho a vivir también su propia vida?

El padre, película del director, escritor y dramaturgo Florian Zeller, llega a nuestras pantallas tras su paso por el Festival de San Sebastián, donde ganó el Premio del Público, sensible ante la autenticidad de la historia, el enfoque dado por el director, original y contundente y la interpretación prodigiosa de sus protagonistas, una conjunción que ha conseguido el más verista acercamiento al deterioro de la mente que puede verse en la pantalla. Algo que Anthony Hopkins ha sabido reflejar demostrando, una vez más, su categoría como actor. Cambios de humor, rarezas, olvidos y pérdidas de objetos, sospecha de conspiraciones a su alrededor… un deterioro progresivo de la mente del que el espectador formará parte activa sintiendo la confusión del protagonista, que se sabe sumido en la debacle de su mundo. Pero también se hace partícipe al espectador del dolor de la hija, interpretada por una también maravillosa Olivia Colman, que sabe reflejar en la mirada su profundo sufrimiento.

Florian Zeller, autor de la obra en la que se basa el filme, debuta poderosamente en la dirección cinematográfica con esta cinta, que ha proporcionado, en su versión teatral, grandes reconocimientos. El debut de la obra de teatro en 2012 en París, le supuso el Premio Molière a la Mejor Obra de Teatro. Christopher Hampton hizo la traducción al inglés y se estrenó en el West End de Londres en 2015, ganando el Premio Olivier al Mejor Actor  para Kenneth Cranham. Frank Langella hizo de protagonista cuando la obra se presentó en Broadway y ganó el Premio Tony. En nuestro país fueron Hector Alterio y Ana Labordeta los encargados de interpretar a los protagonistas de la obra de teatro en 2016.

El padre participó, además de en San Sebastián, en los festivales de Sundance y Toronto, donde tuvo un gran recibimiento y la crítica elogió las grandes interpretaciones de sus protagonistas, ensalzando asimismo la labor de su director. 

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VAMOS DE ESTRENO * Viernes 18 de diciembre de 2020 *

19 diciembre 2020 Deja un comentario

BABY (Juanma Bajo Ulloa, 2020)

Duración: 106 min. Guion: Juanma Bajo Ulloa Música: Bingen Mendizábal, Koldo Uriarte Fotografía: Josep M. Civit Productora: Frágil Zinema, La Charito Films (Distribuidora: Televisión Española (TVE)) Género: Thriller.
Reparto: Natalia Tena, Harriet Sansom Harris, Rosie Day, Charo López, Mafalda Carbonell, Susana Soleto, Amalia Ortells
Sinopsis: Una joven drogadicta embarazada da a luz en medio de una de sus crisis. Incapaz de ocuparse del bebé, lo vende a una matrona dedicada al tráfico de niños. Arrepentida, la joven tratará de recuperarlo.
Premios
Festival de Sitges: Mejor banda sonora original (Mendizábal & Uriarte)
Premios Feroz: Nominada a mejor música

Aunque el Juanma Bajo Ulloa más interesante ya volvió, tras el exitazo popular de Airbag (1997), con la casi invisible y reivindicable Frágil en 2004, es con Baby con la que vuelve a arriesgar en una obra que no está abierta a todos los gustos, pues pensamos que levantará tanto opiniones tibias, cuando no negativas, como, en menor medida, entusiastas. Serendipia es de los segundos. Ya desde que viéramos el inquietante trailer del filme, nos despertó la curiosidad lo que Bajo Ulloa estaba preparando y, afortunadamente, no solo no nos ha defraudado sino que, muy al contrario, ha estado muy por encima de las expectativas esperadas. Ya desde su inicio mezcla droga, religión y un parto en soledad. Un comienzo de impacto que deja en el espectador un poso de tristeza que no le abandonará durante todo el metraje, mezclando lo bello y lo horrible y pasando de la realidad más descarnada a la fantasía más desbordante transportándonos a la casa de la bruja, a la guarida del ogro, en el que la protagonista jugará al escondite buscando subsanar el que podría ser el error de su vida. Se denota en cada plano un cuidado trabajo de orfebrería desprovisto de pedantería y sí cargado de belleza. Como la de ese icónico chupete de plata y nácar que esconde en su interior un tesoro, una perla. Serendipia sabe que está disfrutando de la mejor película que le ha ofrecido este aciago año. Una cinta que formará parte de su filmoteca particular, cual tesoro, para ser disfrutada una y otra vez. Y es que Juanma Bajo Ulloa ha sido muy valiente escribiendo y dirigiendo una película que posiblemente no sea comprendida, pero Baby, que carece de diálogos y está totalmente protagonizada por mujeres, es el cuento perverso y repleto de magia que muchos estábamos esperando del realizado vasco.

Al igual que ocurre con la vida, la trama de BABY contiene simbolismos y metáforas, tal vez invisibles en ocasiones para el intelecto, pero perceptibles para el corazón o el espíritu. Alegorías que suscitan en el espectador sentimientos no racionales y estimulan una interpretación más profunda. No se emiten juicios ni valoraciones éticas, no hay moralina o paternalismo, los personajes actúan movidos por sus instintos, y es al ancestral instinto al que va dirigido este cuento de vida, lucha y muerte.

Juanma Bajo Ulloa

 

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