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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Jueves 18 de Abril de 2019 *

LA LLORONA (The Curse of La Llorona, Michael Chaves, 2019)

USA. Duración: 93 min. Guion: Mikki Daughtry, Tobias Iaconis Música: Joseph Bishara Fotografía: Michael Burgess Productora: Atomic Monster / New Line Cinema. Distribuida por: Warner Bros.. Productor: James Wan Género: Terror.

Reparto: Linda Cardellini, Patricia Velasquez, Madeleine McGraw, Sean Patrick Thomas,John Marshall Jones, Jaynee-Lynne Kinchen, Andrew T. Lee, Irene Keng,Marisol Ramirez, DeLaRosa Rivera, Sophia Santi, Aiden Lewandowski,Ricardo Mamood-Vega

Sinopsis: Ambientada en Los Ángeles de 1973, la película cuenta la historia de Anna Tate-García (Linda Cardellini), una trabajadora social y madre viuda que lucha por compaginar sus dos papeles a la vez que intenta recuperarse de la pérdida de su marido.  Anna es una mujer escéptica que trabaja al servicio de una ciudad de creyentes así que se ha visto obligada a lidiar con un montón de fantasmas y supersticiones. Pero también le acechan sus propios demonios. Cuando la llaman a casa de Patricia Alvarez (Patricia Velásquez) se encuentra a sus dos hijos pequeños encerrados en un armario. Anna cree que la madre, aterrorizada, los ha encerrado y lo interpreta como una señal peligrosa de maltrato.  Lo que no sabe es que un espíritu legendario conocido como La Llorona, está cazando niños en Los Angeles … y sus propios hijos pequeños se convertirán en su presa.

La Llorona es una aparición tenebrosa, atrapada entre el Cielo y el Infierno, con un destino terrible sellado por su propia mano. La mera mención de su nombre ha causado terror en todo el mundo durante generaciones. En vida, ahogó a sus hijos en una rabia de celos. Tras ver lo que había hecho, desesperada se arrojó ella misma al río. Ahora sus lágrimas son eternas, letales, y aquellos que escuchan su llamada de muerte en la noche están condenados. Se arrastra en las sombras y ataca a los niños, desesperada por reemplazar a los suyos. A medida que los siglos han pasado, su deseo se ha vuelto más voraz y sus métodos más terroríficos.

La Llorona ha vuelto. Aunque bien es cierto que nunca se fue, siempre estuvo ahí, tomando diferentes encarnaciones. Firmemente arraigada en el folklore mexicano, la Llorona tiene equivalentes en toda Sudamérica así como en otros puntos del mundo. Su punto de partida es similar: una mujer que por celos o despecho mata, en un arranque de locura, a sus hijos para, a continuación y tras darse cuenta de lo que ha  hecho, suicidarse y convertirse en espectro, ánima en pena que desde entonces clamará en búsqueda de los pequeños.

Transformada en un trasunto más de ‘el coco’, su historia ha sido adaptada en diversas ocasiones al cine, siendo La Llorona (1933) la primera película de terror mexicana. Cinta que fue seguida por otras producciones, también mexicanas, producidas en 1947 (La herencia de La Llorona; Mauricio Magdaleno), 1960 (La Llorona, René Cardona) y 1963 (La maldición de La Llorona, Rafael Baledón).  Sin olvidar la película que en 1974 enfrentaba al triste espectro contra el luchador enmascarado El Santo y el comicastro Mantequilla Nápoles. Quizás esta producción fue la razón de que no se volviera a adaptar el personaje hasta 2006, momento en el que los americanos retomaron el personaje realizando con él varias modestas películas de terror, y hasta la actualidad,  pues ahora  la franquicia Expediente Warren de James Wan lo ha incorporado a su museo de los horrores junto a la muñeca Annabelle y La monja.

La Llorona de Michael Chaves es, al igual que las otras producciones de la franquicia centradas  en personajes de James Wan,  otro producto dirigido a un público joven o poco exigente, quedando muy por detrás de las producciones dirigidas por el propio Wan, al que parece no importar que sus creaciones (Saw, Insidious) se prolonguen en producciones poco más que alimenticias. Y es una lástima.

Sin ser del todo desdeñable, La Llorona, mantiene el origen azteca del personaje y consigue cierta atmósfera, aunque los sustos no dejan de ser bastante predecibles y el argumento, de lo más plano, no mejora precisamente con la incorporación de un trasunto de exorcista encarnado por un ex-sacerdote metido a curandero.

Para disfrutar por mozalbetes en comandita armados con grandes dosis de palomitas. Que bien visto, tampoco es poco.

 

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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 5 de abril de 2019 *

ASHER (Michael Caton-Jones, 2018)

USA. Duración:105 min. Guion: Jay Zaretsky Música: Simon Boswell Fotografía: Denis Crossan Productora: Wing and a Prayer Pictures / Mensch Productions. Productor: Ron Perlman Género: Drama

Reparto: Ron Perlman, Famke Janssen, Richard Dreyfuss, Peter Facinelli, Jacqueline Bisset, Guy Burnet, Marta Milans, Jay Hieron, Blake Perlman, David Wohl, Micah Hauptman, Wyatt Lozano, Bobby Daniel Rodriguez, William Perry,Charles DelGatto, Heidi Philipsen, Timothy Patrick Klein, Mark Quiles

Sinopsis: Asher es un antiguo miembro del Mossad reconvertido en asesino a sueldo que vive una vida austera en Brooklyn. A punto de llegar al final de su carrera, y posiblemente al final de su vida, acepta un encargo que le ofrece la posibilidad de redimirse, una última oportunidad para dejar atrás al hombre que ha sido para convertirse en el hombre que alguna vez quiso ser.

 

A Contracorriente Films estrena en nuestras pantallas Asher, cinta que pudimos ver durante el pasado Festival de Sitges, donde tuvo su première mundial. Producida y protagonizada por el conocido actor Ron Perlman (“Hellboy”, “El nombre de la rosa”) y dirigida por Michael Caton-Jones, este filme cuenta, además de con Perlman, con un brillante reparto formado por Framke Janssen (la Jean Grey de los X-Men de Bryan Singer), Richard Dreyfuss y Jacqueline Bisset, además de una eficaz banda sonora de Simon Boswell.

Con estos mimbres podía haberse esperado más de este modesto thriller, aunque también es posible que el Festival de Sitges no fuera el marco más indicado para esta película, pero en todo caso se trata de una agradable producción con un Perlman encarnando a un sicario crepuscular con pocos vicios más allá de una buena copa de vino y sacar lustre a sus zapatos, rol que le sienta al actor como anillo al dedo.

CEMENTERIO DE ANIMALES (Pet Sematary, Dennis Widmyer y Kevin Kolsch, 2019)

USA. Duración: 120 min. Guion: Dave Kajganich, Jeff Buhler (Novela: Stephen King) Fotografía: Laurie Rose Productora: Alphaville Films / Paramount Pictures Género: Terror

Reparto: Jason Clarke, John Lithgow, Amy Seimetz, Jeté Laurence, Hugo Lavoie,Lucas Lavoie

Sinopsis: Narra la historia del doctor Louis Creed (Jason Clarke), que al poco de mudarse con su esposa Rachel (Amy Seimetz) y sus dos hijos pequeños desde Boston a un recóndito paraje de Maine, descubre un misterioso cementerio escondido en lo más impenetrable del bosque, a escasa distancia del nuevo hogar familiar. Cuando la tragedia alcanza a la familia, Louis recurre a su peculiar vecino, Jud Crandall (John Lithgow) provocando una peligrosa reacción en cadena que desata una insondable fuerza maléfica con espantosas consecuencias.

Dennis Widmyer y Kevin Kolsch, dirigen y firman el guión junto a Jeff Buhler de esta modélica adaptación de una de las más importantes novelas del último maestro de la literatura de terror. Partiendo de premisas ya presentes en el cuento de W. W. Jacobs, The Monkey’s Paw (1902), la novela de Stephen King medita sobre el miedo a la muerte y el temor a perder a  nuestros seres queridos. Cementerio de animales, publicada en 1983, conoció una pronta adaptación tan solo seis años después, Cementerio viviente (1989), que dirigió Mary Lambert responsable asimismo de una secuela estrenada en 1992. Si la versión de Lambert ya había conseguido transformar en imágenes lo que miles de lectores habíamos visualizado, no lo hacen peor Widmyer y Kolsch en su adaptación, pues han sabido captar la esencia de la obra construyendo una magnífica y atmosférica película en gran parte, por lo menos en su primera hora, muy respetuosa con la novela del escritor de Maine.

Cementerio de Animales nos propone una nueva incursión en el universo del escritor, revisando de nuevo los miedos de la infancia, especialmente a la muerte con un descenso a los infiernos de la fe en el cual todos sus protagonistas deberán enfrentarse a sus demonios privados.

Protagonizada por Jason Clarke, John Lithgow y Amy Seimetza, la película cuenta con bien medidos sobresaltos, poniendo además un especial cuidado en los efectos sonoros, inquietantes e imprescindibles para construir esta atmosférica historia, lo que se completa con una maravillosa banda sonora de Christopher Young que ya vale su peso en oro.

La historia, bien conocida por los aficionados, está fielmente narrada, aunque el total de la trama se desarrolla prácticamente durante la primera hora. De hecho, todo sucede tan rápido que durante el resto de metraje nos aguardará un largo clímax, con algunas imágenes realmente memorables, juegos ingeniosos con el espectador más connoisseur  y unos giros inesperados que podrán sorprender. Algunos respetuosos y otros… menos, pues es en la conclusión donde pensamos que se han tomado los adaptadores más libertades rompiendo el impecable final de la novela original.  A pesar de todo lo cual y en promedio, sigue resultando una propuesta interesante, con más virtudes que errores, pero que será mejor juzguen ustedes mismos.

7 RAZONES PARA HUIR (7 raons per fugir, Gerard Quinto, Esteve Soler y David Torras, 2019)

ESP. Duración: 75 min. Guion: Esteve Soler Fotografía: Gabriel Campoy Productora: No Hay Banda / Producciones del Interior AIE Género: Comedia

Reparto: Emma Suárez, Lola Dueñas, Sergi López, Francesc Orella, Àlex Brendemühl,David Verdaguer, Jordi Sánchez, Alain Hernández, Manolo Solo, Nuria Gago,Aina Clotet, Pepe Viyuela, Vicky Peña, Pol López, Borja Espinosa, Ramón Fontserè,Àgata Roca, Rosa Cadafalch, Albert Ribalta

Sinopsis: una mirada crítica a la sociedad actual y a los valores que esta transmite. En total 7 episodios titulados como cada uno de los valores elegidos para representar la sociedad: familia, orden, solidaridad, propiedad, trabajo, progreso y matrimonio. El filme huye a través de la comedia de los estándares habituales del cine social o de denuncia; una comedia que destila humor negro y a veces, absurdo. Siete visiones surrealistas de una sociedad que no progresa.

7 razones para huir es una película que básicamente une siete cortometrajes, siete buenas y no tan buenas historias, algunas divertidas y otras menos, todas surrealistas y con altas dosis de absurdo, muchas cercanas al espíritu desconcertante de los relatos breves de Dino Buzzati. Siete porciones de humor negro escritas por Esteve Soler y dirigidas por el propio Soler, Gerard Quinto y David Torras.

Su comienzo es ejemplar y ¡noticia! hay títulos de crédito y muy cuidados, pero después, como toda película de episodios, tiene unos más inspirados que otros. Afortunadamente, las risas vuelven con la última historia. ¿Qué le falta para estar a la altura de, por ejemplo, Relatos salvajes? Pues bastante más mala leche y espíritu transgresor, dicho lo cual, no queremos decir que no sea una labor loable, y más habiendo contado con la participación de un elenco más que agradecido en el que figuran nombres como Emma Suárez, Lola Dueñas, Sergi López, David Verdaguer, Jordi Sánchez, Pepe Viyuela, Francesc Orella, Alex Brendemühl o Vicky Peña, entre muchos otros, y un diseño de producción delicioso, que satura de detalles bizarros los interiores que retrata.

La película tuvo su estreno mundial en South by Southwest (SXSW), de Austin (Texas) y su estreno español en el Festival de Málaga.  Próximamente participará también en el  BIFFF (Festival Internacional de Cine Fantástico de Bruselas)

¡SHAZAM! (Shazam!, David F. Sandberg, 2019)

USA. Duración: 132 min. Guion: Henry Gayden, C.C. Beck, Bill Parker (Historia: Henry Gayden, Darren Lemke) Música: Benjamin Wallfisch Fotografía: Maxime Alexandre Productora: Warner Bros. / DC Entertainment / DC Comics / New Line Cinema Género: Fantástico

Reparto: Zachary Levi, Jack Dylan Grazer, Mark Strong, Asher Angel, Grace Fulton,David J. MacNeil, Michelle Borth, Djimon Hounsou, Adam Brody, Ross Butler,Natalia Safran, Marta Milans, D.J. Cotrona, Ian Chen, Cassandra Ebner

 

Sinopsis: Cuando Billy Batson (Angel), un niño de acogida de 14 años que ha crecido en las calles grita la palabra ¡’SHAZAM!’, se convierte en el Superhéroe adulto Shazam (Levi), por cortesía de un antiguo mago. Dentro de un cuerpo digno de un dios, Shazam esconde un corazón de niño. Pero en esta versión adulta de sí mismo, se lo pasa en grande haciendo lo que cualquier adolescente querría hacer si tuviera superpoderes: ¡Divertirse con ellos!  ¡Volar! ¡Tener visión de rayos X! ¡Disparar un rayo con las manos! Y por qué no, ¡saltarse el examen de sociales! Shazam quiere poner a prueba los límites de sus habilidades con la inconsciencia propia de un niño. Pero necesitará dominar rápidamente esos poderes para luchar contra las letales fuerzas del mal que controla el Dr. Thaddeus Sivana (Strong).

Bill Parker y C. C. Beck crearon en 1939 al Capitán Marvel, superhéroe  que es el alter ego de Billy Batson, un niño que, al pronunciar la palabra mágica “Shazam” (Acrónimo de seis “ancianosinmortales”:Salomón, Hércules, Atlas, Zeus, Aquilesy Mercurio), puede transformarse en un adulto disfrazado con los poderes de fuerza sobrehumana, velocidad, vuelo y otras habilidades. El personaje conoció un éxito incluso mayor que el de Superman, posiblemente por los dibujos paródicos de Beck y los argumentos desenfadados de Parker. Big Red Cheese, como fue conocido también el Capitan Marvel, se expandió en la Familia Marvel, Mary Marvel y Capitán Marvel Jr., que también aprovechan los poderes de Billy.

Pero el olvidado Capitán Marvel fue también el primer cómic de superhéroes en ser adaptado en el cine, concretamente en un serial de episodios en 1941 producido por la Republic titulado Las aventuras del Capitán Marvel, que en la postguerra se llegó a estrenar en nuestros cines e incluso protagonizó una colección de cromos, haciendo las delicias de nuestros padres que lo conocieron como Capitán Maravillas. El cómic dejó de publicarse en 1953 y cuando DC compró los derechos del mismo en 1972, tuvo que cambiar su nombre a ¡Shazam!, pues Marvel, la competencia, había creado un nuevo personaje con ese nombre tomándose la molestia de hacer algo que no hicieron en su momentos Parker y Beck, registrarlo.

Ahora ¡Shazam! vuelve a las pantallas y lo hace de una forma harto ingeniosa, pues si bien al pronunciar la palabra mágica se transforma en adulto, este conserva la mente de chico de 14 años que aloja al superhéroe. Todo lo cual dará pié a situaciones de lo más divertidas, convirtiendo este producto en algo más que otra película más del universo DC y ofreciendo un magnífico entretenimiento para toda la familia, pues ha sabido conservar gran parte del humor del personaje original y otros elementos como la familia Marvel. Y precisamente la familia es el tema central de la película, pues nos muestra como la falta de cariño puede convertir a un niño en malvado, pero también en el merecedor de unos poderes destinados tan solo al más limpio de corazón.

David F. Sandberg, director también de Annabelle: Creation, se permite una broma privada al incluir la diabólica muñeca en la película (búsquenla). Para está producción New Line Cinema ha contado como protagonista con Zachary Levi, que consigue hacernos creer que dentro de él hay un niño de 14 años. Otros de sus protagonistas son Asher Angel como Billy Batson, y Mark Strong en el papel del Supervillano Dr. Thaddeus Sivana

Pongan a Big Red Cheese en sus vidas: no se aburrirán. Y permanezcan atentos, pues hay DOS escenas post-créditos. Avisados están.

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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 29 de marzo *

DUMBO (Tim Burton, 2019)

USA. Duración: 130 min. Guión: Ehren Kruger (Guion original: Joe Grant, Dick Huemer) Música: Danny Elfman Fotografía: Ben Davis Productora: Walt Disney Pictures / Tim Burton Productions / Infinite Detective / Secret Machine Entertainment / MPC. Productor: Tim Burton  Género: Fantástico

Reparto: Colin Farrell, Michael Keaton, Danny DeVito, Eva Green, Alan Arkin, Nico Parker,Finley Hobbins, Deobia Oparei, Joseph Gatt, Sharon Rooney, Michael Buffer,Frank Bourke, Jo Osmond, Douglas Reith, Roshan Seth, Philip Rosch, Lucy DeVito, Sandy Martin, Lars Eidinger, Zoe Scott, Bern Collaco, Zak Holland, Bernardo Santos,Sarah Bennani, Jessie Vinning, Joakim Skarli, Richard Price, Erick Hayden,Amerjit Deu, Harry Taylor, Ian Porter, Phil Zimmerman, Eleanor Ham, Philips Nortey,Alfie Allen, Clive Brunt, Nick Bartlett, Jason Shillingford, Arthur Wilde,Ragevan Vasan, Joseph Macnab, Christian Wolf-La’Moy, Matthew David McCarthy,Chris Rogers, Craig Thomas Lambert, Ndongo Faye, Jackson Kai, Stephen Samson,Mickey Lewis, Tim Ingall, Georgie-May Tearle, Ken Byrd, Scott Haney, Mark Cross,Tomasz Dabrowski, Kamil Lemieszewski, Hugh O’Brien, Stuart Whelan

Sinopsis: Holt Farrier (Colin Farrel) cuenta con la ayuda de sus hijos Milly (Nico Parker) y Joe (Finley Hobbins) para cuidar a un elefante recién nacido cuyas orejas gigantes le hacer ser el hazmereír en un Circo que no pasa por su mejor momento. Max Medici (Danny DeVito) dueño del circo, se decepciona al saber sobre las enormes orejas del pequeño paquidermo hasta que descubre que es capaz de volar, llevando al circo de regreso a la prosperidad.

No resulta muy difícil imaginar al pequeño Tim impresionado y horrorizado a la vez ante la pesadilla onírica del Dumbo original, así que antes de entrar a ver la nueva encarnación cinematográfica del popular paquidermo, fantaseo sobre cómo introducirá y recreará esa escena en su versión.  O incluso si basará toda su película en esa visión de pesadilla.

Lo que es seguro es que, de todas las recreaciones cárnico-digitales con las que Disney está dotando de nueva vida a sus antiguas cintas de animación, esta será, sin lugar a duda, la más personal, pues une el rico universo Disney y el imaginario propio del director.

Y es que Tim Burton se mueve de maravilla en el mundo kitsch y decadente del circo, habitado por payasos de pesadilla, hombres bala y fenómenos de feria políticamente correctos. La única adaptación que quizás hubiera también encajado como un guante al director hubiera sido Pinocho, pero le hubiera resultado difícil superar aquella terrorífica serie italiana de imagen real que dirigió Luigi Comencini en 1972 y que pobló de pesadillas los sueños de muchos de aquellos niños que la ‘disfrutaron’, entre los que me cuento.

Tim Burton retrata magníficamente la sordidez y decadencia del pequeño circo en el que se desarrolla la acción, situándola al final de la Gran Guerra. Un pequeño universo que también es una hermandad que ejercerá de gran familia. Allí la diferencia pasará más desapercibida y Dumbo, con sus enormes orejas, será uno más, lo que representará el primero, y no será el último, de los alegatos positivos, en este caso a favor de la inclusión del diferente. Otros valores que el film de Burton refiere incluirán el ecologismo, el animalismo, el empoderamiento femenino, simbolizado en la hija del protagonista, y de paso endiñará un importante puyazo al capitalismo representado, paradójicamente viniendo de Disney, en  Dreamland, un enorme parque temático creado para enriquecerse mediante los niños, con todo tipo de atracciones y mercadotecnia.

Pero no todo son alegatos, Dumbo es una película muy entretenida y divertida, emocionante a veces y magníficamente narrada que encantará a los más pequeños, pues ha sido también liberada de los momentos más dramáticos de la versión del 41. Afortunadamente, como aquella, este nuevo Dumbo no tiene canciones, pero sí una estupenda banda sonora del habitual Danny Elfman que recuerda, eso sí, en algunos momentos a la de Eduardo Manostijeras (Edward Scissorhands, 1990), también para Burton.

Protagonizada por Colin Farrell y los dos pequeños actores que interpretan a sus hijos, Nico Parker, Finley Hobbins, Dumbo cuenta también con la presencia de la magnética Eva Green, cuyo vestuario y maquillaje la convierten en imágenes de Alfons Mucha en movimiento, y el reencuentro de dos viejos amigos y colaboradores de Burton, Michael Keaton y Danny DeVito, a los que será delicioso ver juntos de nuevo. 

 

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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 22 de marzo de 2019 *

DOLOR Y GLORIA (Pedro Almodóvar, 2019)

España. Guión: Pedro Almodóvar Música: Alberto Iglesias Fotografía: José Luis Alcaine Productora: El Deseo. Distribuida por: Sony Pictures Entertainment (SPE) Género: Drama

Reparto: Antonio Banderas, Asier Etxeandia, Penélope Cruz, Leonardo Sbaraglia,Raúl Arévalo, Julieta Serrano, Nora Navas, Neus Alborch, Rosalía, Cecilia Roth,Susi Sánchez, Eva Martín, Julián López, Paqui Horcajo

Sinopsis: “Dolor y Gloria” narra una serie de reencuentros de Salvador Mallo (Antonio Banderas),  un director de cine en su ocaso. Algunos de ellos físicos, otros recordados: su infancia en los años 60, cuando emigró con sus padres a Paterna, un pueblo de Valencia en busca de prosperidad, el primer deseo, su primer amor adulto ya en el Madrid de los 80, el dolor de la ruptura de este amor cuando todavía estaba vivo y palpitante, la escritura como única terapia para olvidar lo inolvidable, el temprano descubrimiento del cine y el vacío, el inconmensurable vacío ante la imposibilidad de seguir rodando. En la recuperación de su pasado, Salvador encuentra la necesidad urgente de narrarlo y en esa necesidad encuentra también su salvación.

El último Almodóvar convencerá incluso a los más aguerridos enemigos del cine del manchego. Dolor y gloria muestra al Almodóvar más contenido narrando, con ayuda de flashbacks introducidos de manera ejemplar, un relato con muchos puntos autobiográficos excelentemente interpretado por Antonio Banderas, que en su papel de director de cine en decadencia, no duda en adoptar algunos de los tics del director. La “colaboración especial” de Penélope Cruz se extenderá hasta componer uno de los más importantes personajes del filme, y lo hará de manera magistral. Pero es que todos los actores están magníficos, así como el ritmo, los diálogos y en general todos los aspectos formales de este filme, uno de los más maduros y redondos del director y en el que demostrará que todavía está incluso abierto a la experimentación, como demuestra la lección de anatomía, un segmento animado que en manos más torpes hubiera podido hacer decaer el interés, al igual que la interpolación de la sintaxis teatral en una de las escenas cumbres del relato.

En la cinta está todo lo que define al cine del manchego imperando esos colores primarios entre los que destaca el rojo, que siempre han dominado su paleta cromática, no falta su característica decoración que flota entre el pop estiloso y el kitsch, ni los perfectos retratos costumbristas que casan como un guante con el pasado evocado por el protagonista. El pulso de Almodóvar no se mostraba tan firme y acertado desde Volver.

Drama y comedia (al igual que en la vida misma) y realidad y ficción (como nuestra memoria gusta de combinar), se darán cita en este guión original del director, que invita al espectador a poner nombre real a los personajes, algunos claramente inspirados en actores que en el pasado trabajaron con el realizador. Evocadora, reflexiva y sincera.

BEL CANTO. LA ÚLTIMA FUNCIÓN (Paul Weitz, 2018)

USA. Duración: 102 min. Guion: Anthony Weintraub, Paul Weitz (Novela: Ann Patchett) Música: David Majzlin Fotografía: Tobias Datum Productora: A-Line Pictures / Depth of Field / Priority Pictures. Distribuida por: Screen Media Films Género: Drama

Reparto: Julianne Moore, Ken Watanabe, Christopher Lambert, Sebastian Koch,Thorbjørn Harr, Olek Krupa, Elsa Zylberstein, Johnny Ortiz, Tenoch Huerta,Ryo Kase, María Mercedes Coroy, Eddie Martinez, Eliud Kauffman, Melissa Navia,Bobby Daniel Rodriguez

Sinopsis: Roxanne Coss (Julianne Moore), una famosa soprano, viaja a un país de Sudamérica que permanece bajo una dictadura militar, para dar un concierto privado en una fiesta de un rico industrial japonés (Ken Watanabe). Cuando la reunión de diplomáticos y políticos se celebra, la mansión es tomada por un grupo rebelde guerrillero que exige la liberación de sus compañeros encarcelados. Mientras permanecen secuestrados en la casa, rehenes y captores se verán obligados a encontrar la forma de entenderse.

Posiblemente esta historia funcione mucho mejor en su formato escrito original que en su traslación a la pantalla, donde su resultado es poco o nada convincente.

Y es que aunque la tesis que pretende defender Bel Canto es más que loable, la manera de retratarla se acerca en algunos momentos al ridículo. Un ridículo que va en aumento y que alcanza su máxima expresión en el tercer acto cuando surja la complicidad entre captores y cautivos. Unas escenas descabelladas y desarrolladas con tal torpeza que, lejos de conseguir que empaticemos  con ese grupo de secuestrados afectados por el síndrome de Estocolmo, conseguirá que nos invada una incómoda vergüenza ajena.

Y eso que el director Paul Weitz ha contado con la participación de actores de eficacia más que contrastada como  Julianne Moore Ken Watanabe, pero ni con esas. De hecho duele ver a la actriz tan desganada y poco convincente en su papel. Completan el reparto un acartonado Christopher LambertSebastian KochRyo Kase Tenoch Huerta.

 

 

 

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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 15 de marzo de 2019 *

MIRAI, MI HERMANA PEQUEÑA (Mirai, Mamoru Hosoda, 2018)

Japón. Duración: 100 min. Guion: Mamoru Hosoda: Música: Takagi Masakatsu Productora: Studio Chizu  Género: Drama

Sinopsis: Kun, un niño mimado y consentido de cuatro años al que sus padres dejan de prestar atención cuando nace su hermana Mirai, empieza a sufrir situaciones en casa que nunca había vivido. Pero entonces, la versión adolescente de su hermana viaja en el tiempo desde el futuro para vivir junto a Kun una aventura extraordinaria más allá de lo imaginable.

Si hay unos estudios de animación japonesa que pueden competir con los todopoderosos Ghibli de Hayao Miyazaki estos son los Chizu, fundados por Mamoru Hosoda, director y guionista de Mirai, mi hermana pequeña (Mirai, no Mirai), además de otras delicias como El niño y la bestia (Bakemono no ko, 2015) y La chica que saltaba a través del tiempo (Toki o kakeru shôjo, 2006). Y no solo por su magnífica animación, que dota de gran humanidad a los personajes que retrata, sino también por el humor y la sensibilidad que demuestra con un argumento tan eterno como es la llegada de un nuevo miembro a la familia.

El acontecimiento se mostrará principalmente desde la óptica del rey destronado, al que la llegada de una hermanita le hará pasar de la natural alegría inicial a los consabidos celos. Pero Hosoda también se detendrá en las repercusiones que tendrá en los padres, cuyos roles tendrán que diversificarse y los trabajos repartirse. Un periodo de adaptación que el director retratará de manera deliciosa, con mucho humor y fantasía mezclando pasado, presente y futuro.

Tras presentarse en la Quincena de Realizadores del pasado Festival de Cannes, ha recorrido prestigiosos festival como el de Annecy, San Sebastían y Sitges, en el que obtuvo el primer premio de la Sección Anima’t. La película ha sido nominada en la categoría de Mejor Película de Animación de los Oscar, los Globos de Oro y en los Critics’ Choice Awards, lo que confirma la buena acogida que ha tenido por parte de público, críticos y profesionales del sector.

ESCAPE ROOM (Adam Robitel, 2019)

USA. Duración: 99 min. Guion: Maria Melnik, Bragi F. Schut Música: John Carey, Brian Tyler Fotografía: Marc Spicer Productora: Original Film. Distribuida por: Columbia Pictures Género: Thriller

Reparto: Taylor Russell, Deborah Ann Woll, Logan Miller, Tyler Labine, Jay Ellis, Nik Dodani,Adam Robitel, Kenneth Fok, Jessica Sutton, Vere Tindale, Cornelius Geaney Jr.,Yorick Van Wageningen, Jamie-Lee Money, Paul Hampshire, Pete Sepenuk,Dan Gruenberg, Gino Lee, Russell Crous

Sinopsis: Seis desconocidos se encuentran en una habitación mortal en la que deberán usar su ingenio para sobrevivir.

Escape Room no es una propuesta demasiado original, pues bebe directamente de elementos pertenecientes a la saga Saw, a los que suma guiños a películas como Hellraiser y su cubo-puzzle. Pero no engaña a nadie. El espectador que vaya a ver Escape Room sabe perfectamente lo que se va a encontrar: acción sin respiro en un sala sin escape repleta de acertijos y trampas mortales. Un violento videojuego llevado a la vida real y un villano misterioso, cerebro en la sombra, el Dr. Wootan Yu. Una fórmula que, naturalmente, quedará abierta a posibles secuelas.

El único momento de respiro que se permite al espectador es cuando se introduce a los diferentes personajes: una tímida estudiante, un broker sin escrúpulos, una ex-militar… seis variopintos jugadores que tienen más en común de lo que aparentan y que  deberán enfrentarse al pasado y luchar por su vida.

Tensión bien medida, con algunas escenas de quedarse sin uñas, en este divertimento especialmente indicado para los más jóvenes, que conocerán perfectamente la mecánica de esas Escape Rooms, que también comienzan a prosperar en nuestras ciudades.

 

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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 8 de marzo de 2019 *

70 BINLADENS (Koldo Serra, 2018)

ESP. Duración:100 min. Guion: Javier Félix Echániz, Asier Guerricaechevarría, Juan Antonio Gil Bengoa Productora: Sayaka Producciones Audiovisuales / Nahikari Ipiña / Pokeepsie Films / La Panda / Televisión Española (TVE) / ETB / Movistar+ Género: Thriller

Reparto: Emma Suárez, Nathalie Poza, Hugo Silva, Bárbara Goenaga, Daniel Pérez Prada

Sinopsis: Raquel (Emma Suárez) es una mujer con una complicada situación personal que le lleva a necesitar conseguir con urgencia, en 24 horas, 35.000 euros, conocidos coloquialmente como 70 binladens. Su última esperanza es un préstamo bancario. La irrupción de dos atracadores (Nathalie Poza y Hugo Silva) cuando está a punto de cerrar la transacción complica aún más su situación, pero Raquel sabe que no tiene otra opción que salir de allí con el dinero, al precio que sea.

Proyectada durante el Festival de Sitges dentro de la Sección Órbita, la nueva película de Koldo Serra (Guernika), 70 Binladens, es un tenso thriller que versa sobre un atraco en el que todo lo que podría salir mal, sale peor. Con toques de cine social, está protagonizado por Emma Suárez, tan profesional como siempre; Hugo Silva realizando una buena interpretación como atracador torpe y algo corto; y una magnífica Nathalie Poza que se los come a todos como enérgica líder del golpe. Serra añade también unas gotas de humor con el que aliviar la tensión, pero sin perder el ritmo en ningún momento.

LA NOCHE DEVORA EL MUNDO (La nuit a dévoré le monde, Dominique Rocher, 2018)

Francia. Duración: 93 min. Guion: Jérémie Guez, Guillaume Lemans, Dominique Rocher (Novela: Pit Agarmen) Fotografía: Jordane Chouzenoux Productora: Haut et Court Género: Terror

Reparto: Anders Danielsen Lie, Golshifteh Farahani, Denis Lavant, Sigrid Bouaziz

Sinopsis: Al despertarse una mañana, Sam se da cuenta de que está solo y de que las calles están plagadas de muertos vivientes. Aterrorizado, tendrá que protegerse y organizarse para seguir viviendo, sin saber siquiera si es el único superviviente de tan inesperada plaga.

¿Están hartos de las películas de zombies? Nosotros también. Sin embargo, nos gusta el enfoque que se les da en la francesa La nuit a dévoré le monde, de Dominique Rocher, un joven director que debuta en el largometraje con esta historia que, más que enlazada al tópico apocalipsis zombie, es cercana en espíritu a Soy leyenda de Richard Matheson. Protagonizada por el único sobreviviente que, enclaustrado en un edificio, deberá luchar por sobrevivir, protegerse de los muertos vivientes y combatir la terrible soledad. La cinta se recrea en la evolución que sufrirá el protagonista de esta historia de superación y supervivencia, pero para decirnos mucho sobre nosotros mismos, sobre el valor y el dolor de la soledad, sobre la necesidad de arriesgar y apostar por abandonar nuestra zona de confort si queremos tener la esperanza de completarnos en comunidad con el otro. La nuit a dévoré le monde parecerá repetitiva, casi aburrida, a quienes busquen pirotecnia fácil, pues es de esas cintas en las que parece no pasar apenas nada, pero eso es mera apariencia, en este viaje interior nada permanece quieto, no es un survival al uso, es una lectura humanista sobre los significados de sobrevivir.

 

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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 22 de febrero *

22 febrero 2019 Deja un comentario

DESTROYER. UNA MUJER HERIDA (Destroyer, Karyn Kusama, 2018)

USA Duración: 123 min. Guion: Phil Hay, Matt Manfredi Música: Theodore Shapiro Fotografía: Julie Kirkwood Productora: 30West / Automatik Entertainment. Distribuida por Annapurna Pictures Género: Thriller.
Reparto: Nicole Kidman, Sebastian Stan, Tatiana Maslany, Toby Kebbell, Scoot McNairy,Bradley Whitford, James Jordan, Toby Huss, Jade Pettyjohn, Shamier Anderson,Jan Hoag
Sinopsis: Erin Bell (Nicole Kidman) es una detective de Los Angeles incapaz de perdonarse sus errores del pasado. Con los años, su prioridad es reconducir la difícil relación con su hija adolescente. Cuando el líder de una banda criminal en la que ella se infiltró de joven regresa a la ciudad, Erin encontrará su última oportunidad para redimirse y garantizar un futuro mejor para su familia.

Sin lugar a duda Nicole Kidman realiza una brillante interpretación en Destroyer (obviemos, por favor, el título completo que se le ha dado en España por innecesario), encarnando a un personaje áspero, sin esperanza, condenado. Que buscará aliviar su sentimiento de culpa y hallar su redención cuando un peligroso criminal llamado Silas, regrese a las calles de la ciudad, y con él el momento de ajustar cuentas con su propio pasado.

Las historia, por la que circularán bandas de criminales, policías infiltrados, drogas y white trash, se iniciará en el presente y se irá reconstruyendo progresivamente mediante flashbacks, que informarán al espectador de los antecedentes que han llevado a los personajes a la situación en la que se encuentran 17 años después de los hechos.

Un thriller policíaco crepuscular que ha recibido grandes críticas tras su paso por los Festivales de Telluride y Toronto, en gran parte gracias a la interpretación de Nicole Kidman, que le valió ser nominada en la categoría de Mejor Actriz Protagonista en la 76ª edición de los Globos de Oro. Kidman está acompañada en el reparto por Sebastian Stan, conocido sobre todo por su papel de El Soldado de Invierno en las películas del Universo Marvel; y el británico Toby Kebbell (“Kong: La isla calavera“, “El amanecer del Planeta de los Simios“), como el peligroso criminal Silas. Dirigida por Karyn Kusama, que dejó un gran sabor de boca con su anterior producción, The invitation (2015), pese que en Destroyer no consigue ofrecer un resultado tan redondo como en aquella, el espectador tendrá que estar bien atento hasta el final de la cinta, que le reservará alguna sorpresa.

¿PODRÁS PERDONARME ALGÚN DÍA? (Can You Ever Forgive Me?, Marielle Heller, 2018)

USA. Duración: 107 min. Guion: Nicole Holofcener, Jeff Whitty (Memorias: Lee Israel) Música: Nate Heller Fotografía: Brandon Trost Productora: Fox Searchlight Género: Drama
Reparto: Melissa McCarthy, Richard E. Grant, Julie Ann Emery, Jane Curtin,Anna Deavere Smith, Marc Evan Jackson, Dolly Wells, Christian Navarro,Alice Kremelberg, Shae D’Lyn, Michael Cyril Creighton, Brandon Scott Jones,Tim Cummings, Pun Bandhu, Joanna Adler, Marcus Choi
Sinopsis: Sigue la historia de Lee Israel (Melissa McCarthy), una respetada biógrafa en decadencia que comienza a falsificar cartas de escritores y celebridades fallecidas con el fin de pagar el alquiler. Cuando las falsificaciones empiezan a levantar sospechas, Israel roba y vende las verdaderas cartas de los archivos sin saber que el FBI está investigando el asunto.
La película de Marielle Heller, basada en hechos reales,pues se basa en la novela que escribió la propia protagonista relatando una época muy concreta de su vida, nos habla de amor, amistad, soledad y especialmente sobre envejecer. Hechos fundamentales en los cuales su directora no evita añadir ciertas dosis de humor un tanto canalla, que se suma al cinismo que sirve de coraza a la protagonista para enfrentarse con sus carencias afectivas.
Los mejores momentos de la cinta los protagonizan los dos pícaros protagonistas, unidos por la soledad, la ruina, el alcohol y también el talento mutuo natural para divertirse. Para dar, mediante el humor, un sentido a ese naufragio que tienen como vida.  Encarnando a esos dos perdedores, Melissa McCarthy y Richard E. Grant demuestran poseer una gran química, protagonizando los momentos más deliciosos de ¿Podrás perdonarme algún día? 
Si en la mencionada Destroyer la caracterización de Nicole Kidman  consigue hacerla casi irreconocible, la que sufre Melissa McCarthy para meterse en la piel de Lee Israel no le va muy a la zaga.

 

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