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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 13 de abril de 2018

ALMA MATER (Insyriated, Philippe Van Leeuw, 2017)

Bélgica. Duración: 87 min. Guion: Philippe Van Leeuw Música: Jean-Luc Fafchamps Fotografía: Virginie Surdej Productora: Altitude 100 Production / Liaison Cinématographique Género: Drama
Reparto: Hiam Abbass, Diamand Bou Abboud, Juliette Navis, Mohsen Abbas
Premios:
2017: Festival de Berlín: Premio del Público (Sección Panorama)
2017: Festival de Copenhague: Premio del Público
2017: Festival de Sevilla: Premio del Público
Sinopsis: Oum Yazan (Hiam Abbass) es madre de tres hijos. La familia resiste escondida en su piso en una ciudad de Siria. Con coraje, se organizan cada día para continuar viviendo a pesar de las penurias y el peligro, y, por solidaridad, acogen a Halima y Karim, una pareja de vecinos y su recién nacido. Dudando entre huir o quedarse, afrontan el día a día con esperanza. Una mañana, Karim sale de casa y suena un disparo.

Surtsey Films sigue apostando por distribuir en nuestras salas un cine arriesgado y necesario, como es el caso de Alma Mater, una película que muestra otra cara de los conflictos bélicos. Aunque su acción está situada en Siria, su argumento y protagonistas servirían igual para cualquier guerra, pues Alma Mater nos habla de la cotidianidad, de lo importante que es mantenerla aunque haya sido destruída. De como la determinación femenina es capaz de hacer que, en medio de tiroteos con el sonido de sirenas y bombas como fondo, se mantenga el orden y la disciplina cotidiana para evitar perder la cordura en medio de la locura.

La acción se desarrolla en el claustrofóbico piso en el que mujeres y niños están confinados. Un microcosmos que obedece a una jerarquía en cuya cima se encuentra Oum (Hiam Abbass), la madre, que no quiere abandonar su hogar. Protectora y severa. Dulce y fuerte. Frágil en la intimidad. Mientras en el exterior acechan francotiradores y explosiones, algunas muy cercanas.

Una realidad de visillos corridos, de pasillos oscuros, de racionamiento, de lágrimas que el director nos muestra siguiendo, a veces, a los personajes, de una habitación a otra, de un universo a otro. De una generación a otra.  Y sin olvidar el terror, el auténtico terror. Desolador.

Lo mejor y lo peor del ser humano se muestra en un solo día, lo que dura la acción de Alma Mater. Un día en el que se busca la monotonía, pero durante el que todo puede cambiar. Todo se puede acabar.

PROYECTO RAMPAGE  (Rampage, Brad Peyton, 2018)

USA Duración: 107 min. Guion: Ryan Engle, Ryan Condal, Carlton Cuse Música: Andrew Lockington Fotografía: Jaron Presant Productora: New Line Cinema / Wrigley Pictures Género: Acción

Reparto: Dwayne “The Rock” Johnson, Jeffrey Dean Morgan, Malin Akerman,Joe Manganiello, Naomie Harris, Marley Shelton, Jake Lacy, Jack Quaid,Breanne Hill, Matt Gerald, P.J. Byrne, Destiny Lopez, Jason Liles, James Sterling,Michael David Yuhl, Allyssa Brooke, Daniel Craig Baker, Anthony Collins,Laura Distin, Giota Trakas, Mac Wells, Pete Burris, Brad Spiers

Sinopsis: El primatólogo Davis Okoye (Johnson), un hombre que mantiene las distancias con otras personas, tiene un sólido vínculo con George, el extraordinariamente inteligente gorila de espalda plateada al que ha estado cuidando desde que nació. Pero cuando un experimento genético sale mal, este apacible simio se convierte en una enorme y embravecida criatura. Para empeorar más las cosas, pronto se descubre que existen otros animales con la misma alteración. Cuando estos depredadores alfa recién creados arrasan Norteamérica destruyendo todo lo que interpone en su camino, Okoye se une a un ingeniero genético sin prestigio para conseguir un antídoto y se abre paso en un cambiante campo de batalla, no solo para frenar una catástrofe mundial sino para salvar a la aterradora criatura que una vez fue su amigo.

De nuevo un video juego adaptado a la pantalla cinematográfica y de manera que no engaña a nadie: un culturista y simpático héroe de acción se las tendrá que ver con tres animales mutantes gigantes que, enloquecidos, pisotearán Chicago ¿Conseguirá nuestro héroe detenerlos?: pues claro ¿Qué esperaban? pero no sin antes ofrecer un espectáculo en el que primará la acción, sazonada con unas gotas de ciencia-ficción y pequeñas dosis de horror y humor, dando como resultado una entretenida película que si peca de algo es de resultar un tanto desmesurada en su -agotadora- conclusión.

Dwayne “The Rock” Johnson es un tipo que no cae especialmente mal, sobre todo por dar la sensación de no tomarse demasiado en serio a sí mismo, algo sano y que, si bien funcionó mejor en la reciente adaptación de Jumanji, también lo hace aquí. La cinta cuenta, además, con el esperado despiporre de teconología digital. Pero es que ha pasado mucho tiempo desde que Bob Burns, entre otros, vivía de alquilarse, él y su traje de gorila, para el cine. Es necesario hacer creíble al gorila albino del filme, pieza fundamental en el mismo, y eso es algo que se consigue sobradamente en Proyecto Rampage

Así que lo que esta cinta nos propone es puro entretenimiento a base de tipos duros, personajes arquetipos, monstruos mutantes gigantes, oscuros intereses comerciales (los malos de la función) y mucha, mucha acción. Y bien enhebrada con dosis de Kaiju Eiga y notorios pantallazos al más inmortal mono gigante que ha dado el cine, pero con la diferencia de que en lugar de bella, lo que tenemos es una historia de colegueo entre orila gigante y cuidador, con chistes privados incluídos.

LA CASA TORCIDA (Crooked House, Gilles Paquet-Brenner, 2017)

Reparto: Glenn Close, Terence Stamp, Christina Hendricks, Gillian Anderson, Max Irons,Stefanie Martini, Amanda Abbington, Julian Sands, John Heffernan,Roger Ashton-Griffiths, Christian McKay, Honor Kneafsey, Preston Nyman,Jenny Galloway, David Cann

UK Duración: 115 min. Guion: Julian Fellowes (Novela: Agatha Christie) Música: Hugo de Chaire Fotografía: Sebastian Winterø Productora: Brilliant Films / Fred Films Género: Intriga

Sinopsis: Tras la muerte del adinerado patriarca griego Aristide Leónides en extrañas circunstancias, su nieta Sophia (Stefanie Martini) acude desesperada a Charles Hayward (Max Irons), un detective privado con el que mantuvo una relación, para que visite la residencia familiar e investigue el caso. Allí le esperan tres generaciones de la multimillonaria dinastía Leónides y un venenoso ambiente cargado de amargura, resentimiento y envidia. Las pistas y motivos hacen pensar que cualquiera podría ser sospechoso del crimen y Charles deberá trabajar a contrarreloj para descubrir al asesino antes de que vuelva a matar.

Agatha Christie, autora de algunas de las novelas de misterio más famosas de la Historia de la Literatura como Asesinato en el Orient Express, Diez Negritos Muerte en el Nilo, presenta en esta intrigante historia a una familia envenenada por sus propias mentiras y retorcidas conspiraciones. Agatha Christie afirmó que escribir La casa torcida fue un placer de principio a fin, y me atrevo a decir que es una de mis mejores obras”. Booket (Planeta) lanzará la versión de bolsillo de la novela el próximo 5 de abril​.

El director francés Gilles Paquet-Brenner, ganador del premio al mejor director por La llave de Sarah en el Festival Internacional de Cine de Tokyo, es el encargado de dirigir el guion adaptado por el escritor y guionista Julian Fellowes, ganador del Oscar por Gosford Park y creador de la serie Downton Abbey.

LA CASA TORCIDA está protagonizada por la nominada seis veces a los premios Oscar y ganadora de dos Globos de Oro Glenn Close, la ganadora de un Globo de Oro Gillian Anderson (“Expediente X”, “The Fall”), la nominada a seis premios Emmy Christina Hendricks (“Mad Men”), Max Irons (The Host) y Stefanie Martini (“Doctor Thorne”) entre otros.

 

 

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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 6 de abril de 2018 *

VERANO DE UNA FAMILIA DE  TOKIO (Kazoku wa tsuraiyo 2Yôji Yamada, 2017)

Japón. Duración: 113 min. Guion: Emiko Hiramatsu, Yôji Yamada Música: Joe Hisaishi Fotografía: Masashi Chikamori Productora: GyaO/Hakuhodo DY Media Partners / Hakuhodo / Kinoshita Komuten / Kôdansha / Yomiuri Shimbun / Shochiku Company / Sumitomo Corporation Género: Comedia

Reparto: Satoshi Tsumabuki, Yû Aoi, Kazuko Yoshiyuki, Yui Natsukawa, Isao Hashizume,Takashi Sasano, Masahiko Nishimura, Jun Fubuki, Nenji Kobayashi,Tomoko Nakajima, Yuriko Hirooka, Kôen Kondô, Tsurube Shôfukutei,Fujita Okamoto, Katsumi Kiba, Shôzô Hayashiya, Jiro Dan, Masayasu Kitayama,Yûki Tokunaga, Ayumu Maruyama, Takanosuke Nakamura

Sinopsis: Mientras su mujer viaja con unas amigas para ver la aurora boreal, el abuelo aprovecha para retomar antiguas amistades y rememorar viejos tiempos. Después de un pequeño accidente de circulación sin importancia se desatará el caos en la familia Hirata. Sus hijos se reunirán para intentar que deje de conducir pero el abuelo no se lo pondrá fácil. Así que con la ayuda de su mujer y de sus hermanos organizan un plan para quitarle el carnet de conducir. Pero alguien reaparece en la vida de Shuzo.

Yôji Yamada es su veterano director  japonés de prolongada carrera cinematográfica que, tan solo durante este siglo, ha dejado algunas muy interesantes piezas como son Nagasaki: Recuerdos de mi hijo (Haha to kuraseba, 2015) o La casa del tejado rojo (Chiisai Ouchi, 2014), dos magníficos ejemplos de la sensibilidad que este director es capaz de ofrecer en su obra. Amigo también de dirigir largas series (cuenta con una que consta de… ¡46 largometrajes!), realizó en 2016 Maravillosa familia de Tokio, (Kazoku wa tsuraiyo) cinta en la que reunía a los 8 actores de Una familia de Tokio (Tokyo kazoku), ganadora de la Espiga de Oro en Valladolid en 2013, esta vez encarnando a la caótica familia Hirata, que si bien resulta agradable, por su argumento, e incluso por la interpretación del abuelo, su gran protagonista, nos vuelve a retrotraer a los ejemplos más infames de las comedias protagonizadas por Paco Martínez Soria. En todo caso resulta más interesante que la anterior por contener pequeñas dosis de crítica social, por los pintorescos usos y costumbres funerarias japonesas, que dan pié a un agradecido humor negro, y por carecer de los desagradables tonos sexistas que tenía Maravillosa familia de Tokio.

 

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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Jueves 29 de marzo de 2018 *

UNA RAZÓN BRILLANTE (LE BRIO) (Yvan Attal, 2017)

Francia. Duración: 95 min. Música: Michael Brook Fotografía: Rémy Chevrin Productora: Chapter 2 / France 2 Cinema / Moonshaker / Nexus Factory / Pathé Productions Ltd / Umedia Género: Comedia dramática

Reparto: Daniel Auteuil, Yasin Houicha, Camélia Jordana, Nozha Khouadra, Jean-Baptiste Lafarge, Virgil Leclaire.

Sinopsis: Neïla Salah (Camélia Jordana) es una joven del extrarradio parisino que sueña con ser abogada. Se ha matriculado en la facultad de Derecho más importante de París, pero el primer día de clase Neïla tiene un enfrentamiento con Pierre Mazard (Daniel Auteuil), un profesor conocido por ser provocativo y por hablar fuera de tono. Para redimirse y por orden del director del centro, se le propone al profesor que ayude a Neïla a preparar una importante prueba a nivel nacional. Aunque cínico y exigente, Pierre sería la ayuda ideal que Neïla está necesitando… Pero para ello tendrán que empezar los dos por superar una serie de prejuicios.

El coronel Pickering da el mismo trato distinguido a una florista que a una dama, el amigo de Henry Higgins es también su antítesis, porque Higgins también trata igual a una dama que a una florista, pero en su caso la equivalencia viene porque se dirige a ambas con la misma desconsideración. Higgins es un cínico que parece rayar casi la misantropía, sin embargo Liza Doolitle no hubiera podido tener mejor profesor porque su hacer desconsiderado esconde, en verdad, un concepto democrático de la educación, todos pueden alcanzar gracias a ella el mismo status. Si traigo a colación los personajes de Bernard Shaw, es porque su espíritu sobrevuela el trabajo de Yvan Attal, Una razón brillante puede ser vista como una revisión del mito de Pigmalion, nos encontramos con una joven arrabalera con una intensa voluntad de superación que topará en su camino con un hosco profesor que, pese a su cinismo y sus maneras hirientes (o quizás gracias a ello), sacará de ella lo mejor de sí misma.

Estamos ante un filme donde lo que más brilla son los caracteres que definen a sus personajes y la química que destila su interacción, una cinta de réplicas ágiles e ingeniosas, con una cámara entregada al duelo de sus protagonistas en el que sus interpretes lucen radiantes dando su mejor registro. En una película de este cariz el papel de los actores es fundamental y no se podría haber contado con mejor pareja que la que forman el veterano Daniel Auteuil y la joven cantante Camelia Jordana, que recibiría por su trabajo en esta película el Cesar a la Mejor Actriz Revelación. ¿Qué decir de Auteuil? Nada parece fuera de su alcance, es uno de esos actores capaces de abordar todo tipo de rol, en sus manos el cínico Pierre Mazard se manifiesta como un hombre sagaz, de inteligencia sobresaliente, que, sin embargo, es incapaz de relacionarse con los demás sin esa máscara de sarcasmo, sin ese tono despectivo de quien parece creer estar por encima de los demás, pero lo mejor de su interpretación es que el actor sabe hacernos notar que bajo su mordacidad se esconde un alma sensible que, en verdad, adopta esa postura casi como protección. Pierre Mazard encuentra en Neïla Salah su horma, la joven no conoce el desaliento ni se deja anular, la brusquedad del profesor parece estimularla y tiene siempre preparada la contraofensiva.  Jordana ofrece una interpretación llena de matices, el suyo es uno de esos trabajos en el que la actriz desaparece detrás del personaje estando, como está, tan presente su arte.

Tampoco falta la tesis en Una razón brillante. El suyo es un mensaje optimista pues nos dice que, pese a todas las cortapisas que ponen los prejuicios, pese al peso del ambiente, nada está predeterminado, nada condiciona de tal modo que no podamos salir del puesto en el que parecía habernos colocado la parrilla de salida. La idea que se afirma con convicción es que la educación siempre será capaz de cambiar nuestro destino.

EL JUSTICIERO (Death Wish, Eli Roth, 2018)

USA. Duración: 107 min. Guion: Joe Carnahan, Wendell Mayes (Novela: Brian Garfield) Música: Ludwig Göransson Fotografía: Rogier Stoffers Productora: MGM / Cave 76. Distribuida por Annapurna Pictures Género: Acción

Reparto: Bruce Willis, Vincent D’Onofrio, Elisabeth Shue, Dean Norris, Kimberly Elise,Beau Knapp, Mike Epps, Jack Kesy, Ronnie Gene Blevins, Ian Matthews,Melantha Blackthorne, Nathaly Thibault, Alex Zelenka, Sway, Dawn Ford

Sinopsis: Paul Kersey (Bruce Willis) es un famoso cirujano que vive felizmente con su familia en Chicago. Un día, su esposa (Elisabeth Shue) y su hija (Camila Morrone) son brutalmente atacadas en su casa. Paul, que siempre había sido un tipo tranquilo, siente cómo la sed de venganza va apoderándose de él.  Con la policía sobrecargada de crímenes, decide tomar la justicia por su mano e ir en busca de los agresores de su familia y de paso enfrentarse a todo tipo de criminales que se cruzan en su camino.
A medida que sus víctimas captan la atención de los medios, la ciudad se pregunta si este vengador es un ángel guardián… o un ángel justiciero.

Charles Bronson hacía, allá por los setenta, lo que a muchos nos hubiera gustado hacerle al abusón del colegio en El justiciero de la ciudad (Death Wish, Michael Winner, 1974), una película áspera y dura que con posterioridad fue tachada de fascista. En la cinta, Paul Kersey, el personaje que interpretaba Bronson con una inexpresividad que le iba de perlas, encarnaba a un arquitecto muy cabal que deja de serlo cuando unos ladrones matan a su mujer. Como el sistema no hace justicia, decide hacerla él mismo, cargándose, de paso, a cuanto pendenciero se cruza en su camino.

Bastante más tarde llegaron varias secuelas de la original, así como copias, muchas copias, las cuales fueron a parar directamente a los estantes de los videoclubs… hasta ahora, que el bueno de Eli Roth se atreve a meterle mano a esta historia. Y bajo nuestro punto de vista lo ha hecho de forma bastante inteligente, pues ha actualizado la forma, que no el fondo, adaptándola a estos tiempos de telefonía móvil, cámaras omnipresentes y compra-venta libre de armas. Sin tomar partido, Roth nos narra la historia, le pone unas gotas de humor, sobre todo en ese gore descarnado, poco, pero bienvenido, ideal para desengrasar el drama, y nos cuenta, de la mano del simpático y siempre eficaz Bruce Willis, una historia de venganza que muchos tacharán de reaccionaria, más que nada porque ya se escribió en su momento en algún sitio y es tradición en estos tiempos copiar-pegar lo que otro dicen.

A Serendipia le ha parecido una propuesta hasta saludable, y más en estos tiempos injustos en los que ladrones con acta de diputado dilapidan las arcas del Estado, dando la sensación de que cuanto más roban menos tiempo se pasan en presidio (si lo llegan a pisar), mientras enarbolan la bandera de la cadena perpetua, perdón, prisión permanente revisable para los delitos de sangre.

Además de Bruce Willis, Vincent D’Onofrio (Los siete magníficos), Elisabeth Shue (Leaving Las Vegas), Camila Morrone, Dean Norris (Breaking Bad) y Kimberly Elise (El gran debate), completan el reparto. Una propuesta ideal para los que pasarán este Vía Crucis en su ciudad.

EL CLUB DE LOS BUENOS INFIELES (Luis Segura, 2018)

España. Duración: 85 min. Guion: Luis Segura Música: Maikmaier Fotografía: Miquel Prohens Productora: WKND / Casual Films / Escándalo Films

Reparto: Fele Martínez, Jordi Vilches, Hovik Keuchkerian, Raúl Fernández, Eszter Tompa,Juan Manuel Cifuentes, Albert Ribalta, Adrián Lastra

Sinopsis: Cuatro amigos de la infancia, todos ellos casados, se reencuentran en una cena de ex alumnos. Entre risas y borracheras, al final de la noche acaban reconociendo que quieren mucho a sus esposas, pero ya no las desean. Dispuestos a encontrar la solución, deciden crear un “club de infieles” para salir a espaldas de sus mujeres, ligar con otras y así recuperar el deseo perdido.Como la primera salida no sale como ellos esperan, contratan a un profesor de seducción que les ayudará a ponerse al día.

El Club de los buenos infieles representa un soplo de aire fresco en estos tiempo de corrección política. Se trata de una muy saludable comedia, una gran broma que provocará críticas encendidas entre ciertos sectores. Y, tan solo es, repetimos, una comedia. Una gamberrada muy bien dirigida con estructura de falso documental que consigue sobradamente su objetivo, entretener y, sobre todo, resultar divertida. Aunque sin ocultar cierto regusto amargo, pues toda broma, toda burla, oculta tras de sí una gran verdad.

Todos los actores del elenco se mueven como pez en el agua durante la narración, pero como es habitual, es Jordi Vilches, con su innegable vis cómica, el que despierta más risas. La comedia está interpretada, además, por Raúl Fernández de Pablo, Hovik Keuchkerian,  Juanma Cifuentes, Albert Ribalta y Fele Martínez, que realiza una eficaz nueva lectura de la escena más famosa de Cuando Harry encontró a Sally (When Harry Met Sally…, Rob Reyner, 1989).

Esta especie de retorno al cine desarrollista de los setenta, de ligones casados y maduritos atacando, cubata en ristre, a cuanta fémina solitaria se cruza en su camino, tendrá su final, más o menos moralizante, para que nadie se escandalice, aunque con dosis de disparate de por medio.

Ópera prima de Lluís Segura, con guión del propio director junto a Enric Pardo (Todas las chicas besan con los ojos cerradosLa vida es corta y luego te mueres) El Club de los buenos infieles es una agradable sorpresa, una gran broma, sí, pero toda una temeridad en estos tiempos que corren, en los cuales todo lo que se dice, se hace y se escribe, se coge con pinzas y se analiza bajo el prisma de la corrección política. Repitan conmigo: Es solo una comedia; Es solo una comedia; Es solo una comedia…

READY PLAYER ONE (Steven Spielberg, 2018)

USA Duración: 140 min. Guion: Ernest Cline, Zak Penn (Novela: Ernest Cline) Música: Alan Silvestri Fotografía: Janusz Kaminski Productora: Warner Bros. / Amblin Entertainment / De Line Pictures / Village Roadshow Pictures / Reliance Entertainment Género: Ciencia Ficción

RepartoTye Sheridan, Olivia Cooke, Ben Mendelsohn, Mark Rylance, Simon Pegg,T.J. Miller, Hannah John-Kamen, Win Morisaki, Philip Zhao, Julia Nickson,Kae Alexander, Lena Waithe, Ralph Ineson, David Barrera, Michael Wildman,Lynne Wilmot, Carter Hastings, Daniel Eghan

Sinopsis: Año 2045. Wade Watts es un adolescente al que le gusta evadirse del cada vez más sombrío mundo real a través de una popular utopía virtual a escala global llamada “Oasis”. Un día, su excéntrico y multimillonario creador muere, pero antes ofrece su fortuna y el destino de su empresa al ganador de una elaborada búsqueda del tesoro a través de los rincones más inhóspitos de su creación. Será el punto de partida para que Wade se enfrente a jugadores, poderosos enemigos corporativos y otros competidores despiadados, dispuestos a hacer lo que sea, tanto dentro de “Oasis” como del mundo real, para hacerse con el premio.
Ready Player One plantea a quien esto escribe unos sentimientos encontrados más allá de la película o de la historia en sí, por otra parte impecablemente narrada, como es (casi) habitual en Spielberg. Lo que vemos en pantalla sucede en 2045, algo por lo tanto muy cercano. No es un futuro de trajes plateados y pulcritud; como tampoco un erial apocalíptico. La vida sigue, si, pero es tan sumamente sórdida y gris que todo el mundo dispone de unas gafas de realidad virtual, con las que vive una existencia paralela en un universo imaginario, un juego llamado Oasis (¿lo cogen?), para el cual  todos hemos creado un avatar. Al ser un universo creado, en parte, por los usuarios, muchos de los avatares forman parte de la cultura pop más rabiosa, por lo tanto el espectador puede distraerse buscando seres y personajes conocidos algo, que sin lugar a duda, conforma uno de los atractivos de este Ready Player One. Pero no es el único, otro de ellos será el meterse en una de sus películas favoritas pero, no nos distraigamos de lo que queremos contar, ni contemos más de la cuenta. Hablábamos de vivir una existencia virtual con una personalidad virtual en un mundo también virtual: ¿El resultado? pues lo que, sabiamente, expresa uno de los personajes del filme: “solo ves lo que quiero que veas; solo sabes lo que quiero que sepas”. ¿Les suena esta actitud?  Pues eso es lo que hasta cierto punto apenó a Serendipia, el ver que lo que nos cuenta esta historia no es, ciertamente, el futuro. Hablamos del ahora. Tan solo hace falta que los medios terminen de perfeccionarse.
El universo que conforma Oasis, el videjuego en el cual todos están inversos, se crea en 2025, un futuro, por tanto, cercano. Su creador es todo un nerd, que crea ese universo porque no conecta con el mundo real. Y es posible que, mañana mismo, las premisas de Oasis se hagan realidad. Tan solo hace falta subir al metro para ver como todos ustedes están conectados-integrados en su propio mundo virtual. Caminando por las calles sin mirar más allá de las pantallas. Y quien tiene el contenido de esas pantallas, tiene el poder. Así que, no es descabellado pensar que los que tienen el poder de nuestro mundo ‘real’, querrán poseer también el del virtual, refugio para muchos. Pero lo que pasa, más allá de la conspiranoia de turno es que, en este caso, Spielberg, y antes que él el autor de la novela, Ernest Cline,  llegan tarde, pues el mundo virtual también está ya regido por  los mismos que han decidido no dar tregua al proletario hasta despojarle de todo lo que posee. Incluso de la imaginación.
A Serendipia le da cierto miedo ese mundo virtual pero se mueve en él, de forma mínima, cierto es, pero forma parte de él. ProyectoNaschy es una página web, Amazon y Ebay son el paraíso, e incluso los dos entes que conforma Serendipia se conocieron, primero, de forma virtual,  por tanto… Tampoco somos muy partidarios de esos juegos de rol, de crearse una mentira virtual pero, ¿qué es la lectura o el cine, sino formas de evadirse introduciéndose en las aventuras y en las vidas de los personajes que retrata. Siendo el héroe,  riéndonos, llorando o pasando miedo con él. Con una creación de otro.
Aunque en su conclusión deje un rayo de esperanza, Ready Player One aboga por la vida virtual, pero claro, también por la fantasía. ¿Va hacia allí la fantasía? El cine y la literatura, en conjunto, lo que requiera de cierto esfuerzo mental ¿puede estar llegando a su fin, a resultar absoleto? Definitivamente la cultura del ocio, y en general la cultura y la forma de compartirla y asimilarla está cambiando continuamente. De hecho mientras leen esto se ha hecho un descubrimiento en esa dirección. Los nacidos en los sesenta y setenta (y no digamos los anteriores), somos reliquias/despojos de otra época. Muchos nos quedamos con lo de utilidad que para nosotros nos ofrece este mundo virtual, pero pronto quedaremos fuera. En un mundo de papel y soportes físicos del pasado. Amigos, estamos caducando y sus intentos de actualizarse son patéticos, tanto como cuando López Vázquez y Fernán Gómez se disfrazaban de Ye-yés para intentar ligar jovencitas en las discotecas de Benidorn. Siempre vamos a llegar muy tarde, hagamos lo que hagamos.
Por cierto, y volviendo a Ready Player One: es muy entretenida y muy emocionante. Pero cuanto menos sepan sobre ella, más emocionante y divertida les resultará, así que dejen de ver el trailer, no lean las opiniones de otros y  métanse en el cine, déjense llevar. Entren en el Oasis

 

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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 23 de marzo de 2018 *

THELMA (Joachim Trier, 2017)

Noruega-Francia-Dinamarca-Suecia. Duración: 116 min. Guion: Joachim Trier, Eskil Vogt Música: Ola Fløttum Fotografía: Jakob Ihre Productora: Motlys / Eurimages / Film I Väst / Le Pacte / Nordic Film och TV Fund / Norwegian Film Institute / Snowglobe Films Género: Fantástico

Reparto: Eili Harboe, Ellen Dorrit Petersen, Okay Kaya, Henrik Rafaelsen

Premios

2017: Festival de Sitges: Premio Especial del Jurado, Mejor guión
2017: Festival de Mar del Plata: Mejor actriz – Astor de Plata (Eili Harboe)
Sinopsis: Thelma, una joven y tímida estudiante, se despide de su religiosa familia de un pequeño pueblo de la costa oeste de Noruega para estudiar en la universidad en Oslo. Un día, en la biblioteca, es víctima de una convulsión violenta e inesperada. Poco después, descubre que se siente intensamente atraída por Anja, una joven estudiante que corresponde a Thelma en esta poderosa atracción. A medida que avanza el semestre, Thelma se siente cada vez más abrumada por sus intensos sentimientos por Anja (sentimientos que no se atreve a reconocer, ni siquiera a sí misma), y a la vez sufre convulsiones cada vez más graves. Cuando empieza a quedar claro que las crisis son un signo de sus facultades sobrenaturales, inexplicables y a menudo peligrosas, Thelma se enfrenta a trágicos secretos de su pasado, y a las aterradoras repercusiones de sus poderes.

Eili Harboe da cuerpo a Thelma, una joven de severa formación católica que por primera vez debe separarse de sus padres cuando empieza la universidad. Joachim Trier regresa a sus tierras nórdicas para traernos esta cinta que en parte podríamos definir como un singular cruce del Bergman de Fanny y Alexander (1982) y el Stephen King de Carrie. La película advierte en su cabecera de que contiene imágenes centelleantes que pueden provocar ataques epilépticos y no advierte en vano, así nos aproxima el director, casi experimentalmente, a las sensaciones vividas por la protagonista. Thelma llama cada día a sus padres, habla con su padre de hecho, la figura más severa, y les cuenta todo lo que experimenta, por su formación nunca ha probado el alcohol, ni el tabaco, ni casi ha frecuentado amigos, es por eso que todo lo que le ocurre en la universidad, todos los mundos que conoce, causan en ella una honda impresión, un sentimiento ambivalente que se refuerza con esa llamada diaria. Por una parte su nueva vida la llena de sensaciones atractivas, por otra, entran en conflicto con su educación, todo se complicará además cuando conozca a Anja (Kaya Wilkins) y sienta por ella una atracción más allá de la amistad. La respuesta de la joven es física, cada nuevo conflicto le provoca unos ataques nerviosos muy similares a la epilepsia y, mientras tanto, extraños fenómenos se suceden. La búsqueda de un diagnóstico la llevará a una investigación sobre sí misma que la hará descubrir cosas sobre su familia que le han sido ocultadas y, a la vez, aprenderá sobre su poder, su fuerza sobrenatural. Thriller psicológico de tempo pausado, uno teme que la vertiente fantástica resulte ambigua al final, pero no, Trier sostiene su apuesta sobrenatural y nos acaba ofreciendo uno de los títulos más sólidos de los que se ofrecieron durante la pasada edición del festival de Sitges, no en vamo se alzó con un premio especial del jurado (lo que es lo mismo que decir que gran parte del jurado se inclinó ante esta cinta en lugar de la ganadora), así como al mejor guión. Todo un nuevo enfoque del género en esta cinta plenamente de autor ¿estará tranformándose el fantástico? De momento dejo la pregunta meramente formulada.

GRINGO. SE BUSCA VIVO O MUERTO (Gringo, Nasch Edgerton, 2017)

USA. Duración: 110 min. Guion: Matthew Stone, Anthony Tambakis Música: Christophe Beck Fotografía: Eduard Grau Productora: Blue-Tongue Films / Denver and Delilah Productions / Amazon Studios / Double Barrel VFX / Pictures in a Row Género: Thriller

Reparto: David Oyelowo, Joel Edgerton, Charlize Theron, Amanda Seyfried, Thandie Newton,Sharlto Copley, Harry Treadaway, Michael Angarano, Alan Ruck, Paris Jackson,Kenneth Choi, Yul Vazquez, Melonie Diaz, Diego Cataño, Hector Kotsifakis,Charles E Tiedje, Carlos Corona, Rodrigo Corea

Sinopsis: Harold (David Oyelowo) es un ejecutivo de una importante compañía farmacéutica estadounidense que debe viajar a México por trabajo. Allí descubre que su laboratorio colabora con los narcos en la comercialización del Cannabax, una nueva droga sintetizada a partir de la marihuana. Entre sus feroces jefes, los narcos, mercenarios internacionales y la policía persiguiéndole, Harold pasará de ser un ciudadano ejemplar a un desafortunado delincuente.

Un reparto de lujo para esta cinta multigénero en la que predomina la comedia protagonizada por David Oyelowo, cuyas aventuras y desventuras traen a la memoria embrollos protagonizados por Eddie Murphy o Richard Pryor.

Mezcla explosiva de comedia y acción, Gringo. Se busca vivo o muerto, cuenta con la participación de Joel Edgerton, Sharlto Copley y una explosiva Charlice Theron, dirigidos por Nash Edgerton, quien debutó en la dirección con el aclamado thriller australiano The square (2008).

Entretenida, muy loca y repleta de balas, quizás le falta acelerar algo más su ritmo para resultar endiabladamente redonda, pero en cualquier caso es una propuesta recomendable.

 

EL AVISO (Javier Carpalsoro, 2018)

España. Guion: Jorge Guerricaechevarría, Chris Sparling (Novela: Paul Pen) Fotografía: Sergi Vilanova Productora: Morena Films / Tormenta Films Género: Thriller

Reparto: Raúl Arévalo, Aura Garrido, Sergio Mur, Belén Cuesta, Luis Callejo, Aitor Luna,Julieta Serrano, Antonio Dechent, Juan López-Tagle, Hugo Arbués

Sinopsis: Nico, un niño de diez años, recibe una carta con una amenaza de muerte, pero nadie en su entorno parece creerle. Jon (Raúl Arévalo), un joven obsesionado con los números, investiga una serie de muertes ocurridas a lo largo de los años en el mismo lugar y que parecen tener un patrón en común. Descifrar esta secuencia es lo único que podrá salvar a Nico.

Tras triunfar en su debut como director en Tarde para la ira, Raúl Arévalo  regresa como actor en El aviso, donde interpreta a un joven obsesionado con las matemáticas y con un enigma que puede salvar la vida de un niño. De rostro inexpresivo su interpretación queda, en parte, compensada por la presencia de Aura Garrido, que junto a, entre otros, Belén Cuesta y Antonio Dechent, completan el reparto.

En palabras del director: “El aviso avanza con ritmo y decisión desvelando a unos personajes únicos que se enfrentan en universos paralelos a la misma situación. Los giros de guion y las sorpresas están servidas en este thriller de intriga donde nada es lo que parece, y, donde los sentimientos de amor y desesperación se entrecruzan creando una tela de araña cargada de emociones”.

Con guión de Jorge Guerricaechevarría y Chris Sparling, a partir de la novela homónima de Paul Pen, se sentirán defraudados los que intuyan en esta cinta un thriller policíaco, pues su argumento, del que cuanto menos sepan mejor para su disfrute,  esconde una paradoja espacio-temporal con tintes fantásticos de lo más saludable como inédita en nuestro cine.

PETER RABBIT (Will Gluck, 2018)

USA/Australia. Duración: 95 min. Guion: Will Gluck, Rob Lieber (Libros: Beatrix Potter) Música: Dominic Lewis Fotografía: Peter Menzies Jr. Productora: Sony Pictures Animation / Animal Logic Entertainment / Olive Bridge Entertainment / Animal Logic / Columbia Pictures Género: Comedia de animación.

Reparto: Con las voces originales de Domhnall Gleeson, Rose Byrne, Sam Neill, Sia, Bernardo Santos,Deborah Rock, Jill Buchanan, Vauxhall Jermaine, Ty Hurley Margot Robbie,Daisy Ridley, Elizabeth Debicki, James Corden

Sinopsis: Adaptación del cuento clásico de Beatrix Potter de un conejo rebelde que intenta colarse en el codiciado huerto de Thomas McGregor (Domhnall Gleeson) y que contará con el afecto de la cariñosa amante de los animales que vive al lado (Rose Byrne).

Peter Rabbit, la primera adaptación para la gran pantalla del clásico inglés de Beatrix Potter, es una mezcla perfecta de animación y live-action que consigue sorprender al espectador por su buena factura. Pero además de su perfección técnica, la película de Will Gluck se beneficia de un divertido guión, muy gamberro y dinámico, a lo que se suma un conjunto de expresivos personajes, lo que en conjunto consigue que la cinta sea apta para toda la familia, así los padres tendrán un perfecta excusa para reírse a carcajadas junto a los más pequeños.

Protagonizada en su, recomendable, versión original por Rose Byrne y Domhnall Gleeson y producida por Animal Logic, el estudio australiano de producción de animación y efectos especiales (La Lego Película), la cinta cuenta con las voces en castellano de  Dani Rovira en el papel de Peter, y las actrices Belén Cuesta y Silvia Abril como las mellizas Pelusa y Pitusa.

Una tan divertida como refrescante propuesta.

 

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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 16 de marzo de 2018 *

PERDIDO (Mon garçon, Christian Carion, 2017)0Francia Duración: 84 min. Guion: Christian Carion Música: Laurent Perez del Mar Fotografía: Eric Dumont Productora: Nord-Ouest Production Género: Drama

Reparto: Guillaume Canet, Mélanie Laurent, Olivier de Benoist, Marc Robert

Sinopsis: Cuenta la historia de Julien (Guillaume Canet), un hombre muy ocupado que hace numerosos viajes por África, Sudamérica y Oriente Medio. La pasión que siente por su trabajo le ha distanciado de sus seres queridos. Hace tres años que se divorció, y desde entonces ha visto a su hijo de 7 años en contadas ocasiones. Pero cuando este desaparece, se ve obligado a aparcar su vida profesional y comienza a descubrir muchas cosas sobre su exmujer (Mélanie Laurent) y su hijo. Un terrible sentimiento de culpa le invade, y decide encontrar a su hijo, cueste lo que cueste…

Rodada en dos semanas por Christian Carion y protagonizada por Guillaume Canet y por Mélanie Laurent , Perdido es una cinta que juega al engaño con el público. Pero considerando este engaño, este juego, como algo positivo. No en vano incluso el propio Canet, que interpreta al padre del niño desaparecido, tampoco conocía el guión y se encontraba inmerso en la historia sin saber como terminaría. 

La película parte como drama familiar compartiendo ciertas similitudes con la reciente y devastadora Sin amor (NelyubovAndrey Zvyagintsev, 2017), con una pareja divorciada en la que el hijo, desaparecido en extrañas circunstancias, suponía un equipaje, una carga que parecía  no tener espacio en la nueva vida de ambos. Pero aquí terminan los parecidos entre ambas cintas, pues el registro del filme de Carion cambia y, sin ofrecer explicaciones al público, pasa a ser un contundente y eficiente thriller en el que el propio espectador deberá tomar sus propias conclusiones. Todo un giro inesperado, sorprendente pero no exasperante en esta película de atmósfera seca, gélida y repleta de paisajes desolados en los que todo y nada es posible. 

EL INSULTO (L’insulte, Ziad Doueiri, 2017)

Líbano/Bélgica/Chipre/Francia/USADuración: 110 min. Guión: Ziad Doueiri y Joelle Touma Música: Éric Neveux Fotografía: Tommaso Fiorilli Productor: Ezekiel Films / Scope Pictures / Tessalit Productions / Rouge International / Cohen Media Group / Ciné+ / Douri Films / CNC / L’Aide aux Cinémas du Monde / Canal+ Género: Drama

Reparto: Kamel El Basha, Christine Choueiri, Adel Karam, Camille Salameh, Rita Hayek,Talal Jurdi, Diamand Bou Abboud, Rifaat Torbey, Carlos Chahine, Julia Kassar
Sinopsis: Toni, cristiano libanés, riega las plantas de su balcón. Un poco de agua se derrama accidentalmente en la cabeza de Yasser, palestino y capataz de una obra. Entonces estalla una pelea. Yasser, furioso, insulta a Toni. Él, herido en su orgullo, decide llevar el asunto ante la justicia. Comienza así un largo proceso en el que el conflicto tomará una dimensión nacional, enfrentando a palestinos y cristianos libaneses.
La intransigencia causada por la rabia acumulada en el interior por viejos conflictos y antiguas heridas no cicatrizadas motivará que un incidente, del todo banal, se convierta en un problema que se complicará aún más cuando los poderes judiciales, políticos y religiosos quieran sacar partido. El papel de la mujer en este drama será el de apagafuegos, el de mediadora en los conflictos con el simple ejercicio de ponerse en el lugar del otro, pero el futuro, representado por una niña que está a punto de nacer, correrá peligro. Afortunadamente, la cinta, sin revelar más de lo que debería, deja una rendija abierta a la esperanza.
 Ante todo cabe felicitar a una distribuidora como A Contracorriente por poner a disposición del espectador español títulos de cinematografías tan desconocidas como la libanesa, aunque en este caso la cinta venga avalada por su nominación al Oscar, con la que El insulto culmina una excelente trayectoria por varios de los más prestigiosos festivales internacionales. La película comenzó su andadura en los festivales de Telluride, Toronto y la Mostra de Venecia, donde su actor protagonista Kamel El Basha se convirtió en el primer actor árabe en alzarse con la Copa Volpi a la Mejor Interpretación Masculina. El mes pasado, la película ganó el Premio del Público en la 31ª edición del AFI FEST, el festival anual del American Film Institute, mientras que en nuestro país la película tuvo su premiere en la 62ª edición de la Semana Internacional de Cine de Valladolid (SEMINCI), donde fue una de las películas más premiadas de la competición, alzándose con tres premios: el Premio del Público, el Sociograph Award 2017 a la película más emocionante del festival y el Premio Blogos de Oro.
El insulto es el cuarto largometraje del director franco-libanés Ziad Doueiri, cuyos anteriores films ya recibieron el reconocimiento de importantes festivales. Su ópera prima West Beirut fue galardonada con el Premio FIPRESCI del Festival de Toronto mientras que su largometraje, El atentado, estrenada en 2012, consiguió la Mención Especial del Jurado en el Festival de San Sebastián.

LA TRIBU (Fernando Colomo, 2018)

España. Duración: 90 min. Guion: Fernando Colomo, Yolanda García Serrano, Joaquín Oristrell Música: Vicente Ortiz Gimeno Fotografía: Ángel Iguacel Productora: Atresmedia Cine / Mod Producciones / Movistar+ Género: Comedia 

Reparto: Carmen Machi, Paco León, Luis Bermejo, Julián López, Bárbara Santa-Cruz,Manuel Huedo, Rebeca Sala, Manel Fuentes, Horacio Colomé, Jorge Asín,Marisol Aznar, Alfonso Lara, Julián Teurlais, Arlette Torres, María José Sarrate,Maite Sandoval, Artur Busquets, Maribel del Pino, Javier Perdiguero

Sinopsis: Virginia (Carmen Machi), limpiadora de profesión y “streetdancer” vocacional, recupera al hijo que dio en adopción: Fidel (Paco León), un ejecutivo que lo ha perdido todo, incluida la memoria. Junto a “Las Mamis”, el extravagante grupo de baile que forman las compañeras de Virginia, madre e hijo descubrirán que a pesar de venir de mundos muy diferentes, ambos llevan el ritmo en la sangre.

La tribu es una comedia amable de Fernando Colomo dirigida especialmente al gran público. Bienintencionada y con diversos mensajes positivos, la cinta no resulta especialmente molesta ni indignante y en ella sus protagonistas, Paco León y Carmen Machi recuperan, en parte, los papeles que les hicieron populares en la serie Aida, retornando a ese habitat de extraradio (en este caso Badalona), lo que da ocasión a los encargados de diseño de producción de lucirse, realizando un trabajo remarcable con el interior de la casa de Virginia.
Las integrantes de La tribu, un grupo de mujeres trabajadoras de mediana edad, utilizan el baile como actividad terapéutica con la que aprender a valorarse y hallar el equilibrio en sus vidas. Si a todo esto sumamos unas gotas de denuncia social, aunque en dosis muy light, por supuesto, una pizca de vergüenza ajena y el esperado y previsible discurso final de Paco León, lagrimilla incluída, tenemos una película llamada a convertirse en un éxito y que cuenta con algunos puntos en común con Full Monty (Peter Cattaneo, 1997)

Para Fernando Colomo, “La Tribu es un estallido de vitalidad. Es una película que no tiene edad. La historia de ocho mujeres que se muestran llenas de entusiasmo al practicar baile urbano merecía ser contada”. El director, que cuenta con una filmografía que contiene emblemáticos títulos del cine español como Bajarse al moro, La Vida Alegre, Los Años Bárbaros, Al Sur de Granada o más recientemente Isla Bonita rodó La tribu entre Barcelona y Madrid el pasado verano contando con la colaboración en el guión de Joaquín Oristrell y Yolanda G. Serrano.

1945 (Ferenc Török, 2017)

Hungría. Duración: 91 min. Guion: Gábor T. Szántó, Ferenc Török Música: Tibor Szemzö Fotografía: Elemér Ragályi (B&W) Productora: Katapult Film Género: Drama

Reparto: Péter Rudolf, Tamás Szabó Kimmel, Dóra Sztarenki, Bence Tasnádi, Ági Szirtes,József Szarvas, Eszter Nagy-Kálózy, Iván Angelus

Sinopsis: Un sofocante día de agosto de 1945, los habitantes de un pueblo se preparan para la boda del hijo de un funcionario del ayuntamiento. Mientras, dos judíos ortodoxos llegan a la estación de tren portando dos misteriosas cajas. El funcionario teme que los hombres sean hijos de los judíos que fueron deportados, que vienen a reclamar las propiedades que ahora tienen ellos de manera ilegal, perdidas por sus dueños durante la 2ª Guerra Mundial. Otros lugareños tienen miedo de que vengan más supervivientes y de que éstos representen una amenaza para las tierras y las posesiones que ahora reclaman como suyas.

No siempre parece estar justificado el uso de fotografía en blanco y negro. Unas veces se hace como capricho ‘artístico’ del director que, en  la mayoría de veces,  no consigue disimular la mediocridad de la cinta, pero este no es el caso de 1945, película en la que el blanco y negro está, por muchas y variadas razones, más que justificado. Estamos realizando un viaje al pasado, un pasado próximo pero que muchos todavía identificamos con el blanco y negro de los álbumes fotográficos de nuestros padres o el de las películas de nuestra infancia, muchas de ellas vistas desde un televisor sin color. Ferenc Török nos narra, con una riquísima gama de grises,  un episodio de esos que podría permanecer en el olvido. Uno de esos flecos de la historia, de esas cicatrices que permanecen abiertas todavía. Una acción que situada en una pequeña población húngara, podría tranquilamente trasladarse a cualquier pequeño pueblo de la España del 39. O a Bosnia. O… a cualquier lugar en el cual la envidia y  la bajeza humana campa a sus anchas cuando la guerra toca a la puerta. Ese “la vida sigue” que se suspende cuando el pasado vuelve y se pasea en comitiva fúnebre, despertando remordimientos en su camino. Caciques que buscan perpetuarse en el poder; la llegada de un nuevo orden comunista; todo tiene lugar en un pequeño lugar de Hungría en el que debería ser un día feliz, pues una joven pareja va a contraer matrimonio. Pero no será así.

La película de Ferenc Török  no puede más que considerarse redonda. El director ha construido una intriga amarga y repleta de alegorías visuales en la que nada resulta superfluo. Y ha decidido narrarla con ritmo de western de Sergio Leone, con una tensión in crescendo conforme se va desentrañando el secreto que esconde ese pequeño lugar de Hungría que un día decidió perder la humanidad.

1945 es soberbia. Cine con todas sus letras.

TOMB RAIDER (Roar Uthaug, 2018) 

USA. Duración: 122 min. Guion: Geneva Robertson-Dworet, Alastair Siddons (Personaje: Toby Gard) Música: Junkie XL Fotografía: George Richmond Productora: GK Films / MGM / Square Enix / Warner Bros. Género: Aventuras

Reparto: Alicia Vikander, Daniel Wu, Dominic West, Walton Goggins, Kristin Scott Thomas,Alexandre Willaume, Adrian Collins, Hannah John-Kamen, Nick Frost

Sinopsis: Lara Croft es la hija, ferozmente independiente, de un excéntrico aventurero que desapareció cuando ella era apenas una adolescente. Ahora, Lara se ha convertido en una joven de 21 años sin ningún propósito en la vida. Se abre paso por las caóticas calles del East London, el barrio de moda, como mensajera en bicicleta, un trabajo que apenas le da para pagar el alquiler. Decidida a forjar su propio camino, se niega a tomar las riendas del imperio empresarial de su padre y con la misma firmeza se niega a reconocer que él se ha ido para siempre. Pero después de siete años sin él, deberá enfrentarse a los hechos y seguir adelante aunque Lara no logra entender lo que la impulsa a resolver el enigma de su misteriosa muerte. Lara deja atrás todo lo que conoce y va en busca del último paradero conocido de su padre: una legendaria tumba en una isla mítica que podría estar en algún lugar de la costa de Japón. Pero su misión no será fácil; de hecho, llegar a la isla entrañará de por sí enormes peligros. De repente, Lara tendrá que enfrentarse a retos aún mayores y, contra viento y marea, y gracias a su inteligencia, su fe ciega y su espíritu inquebrantable, debe aprender a superar sus límites mientras se adentra en lo desconocido. Si sobrevive a esta peligrosa aventura, podría ser su bautismo de fuego para ganarse el nombre de Tomb Raider.
Al no haber visto las dos entregas de la anterior saga ni jugado nunca al videojuego en el que se basa, tenemos la oportunidad de hablar, sin prejuicio, de esta nueva película -reboot- sobre Lara Croft, la protagonista de la saga  Tomb Raider. Y así desde la distancia salta a la vista que hay, al menos, una cosa que distancia a esta Lara Croft de la encarnada por Angelina Jolie, y es que se ha despojado al personaje de su carácter sexy y de su glamour. Y con ello no queremos decir que no posea un gran atractivo Alicia Vikander -que lo tiene-, pero esta nueva Tomb Raider se ha adaptado a lo que demandan los tiempos. Encarnando a una heroína de carne y hueso que grita, llora, pasa miedo y sangra cuando toca. Y sin necesidad de que la historia contenga interés romántico.
La Lara Croft que encarna Alicia Vikander se mueve como pez en el agua tanto en las escenas urbanas de acción con las que se inicia el filme,  como en las que tienen lugar en el impresionante entorno salvaje de la isla a la que irá en busca de su padre, desaparecido y dado por muerto mientras buscaba la tumba de Himiko. Será en la isla donde tendrá lugar la parte más pulp de la cinta, que hará que a más de uno le venga a la cabeza cierto aventurero creado por Spielberg, pero Lara -Vikander- Croft tiene su propia idiosincracia, es inteligente y temeraria y representa una muy buena forma de entender la igualdad de género sin caer en soflamas.  También será en la isla donde la cinta adquiera más estructura de videojuego, con pruebas y acertijos para acceder a diferentes lugares o escapar de trampas mortales.
En su contra cabe decir que, especialmente en la parte final, los efectos infográficos resultan evidentes pero, no sean muy duros, caramba, que también se notaban las maquetas, la animación Stop-Motion y los maquillajes de látex.
Lo que si puede adelantarse con seguridad es que comienza con Tomb Raider una nueva saga en la que, esperemos que Alicia Vikander como Lara Croft, volverá a enfrentarse con La Trinidad, maligna y secreta organización cuya presentación tiene lugar en este filme.

 

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VAMOS DE ESTRENO * Viernes 9 de marzo de 2018 *

LOVING PABLO  (Fernando León de Aranoa, 2017)

España/Bulgaria Duración: 123 min. Guion: Fernando Léon de Aranoa (Libro: Virginia Vallejo) Fotografía: Alex Catalán Productora: Escobar Films / B2Y EOOD Género: Drama

Reparto: Javier Bardem, Penélope Cruz, Peter Sarsgaard, Julieth Restrepo, David Ojalvo,David Valencia

Sinopsis: Drama sobre el narcotraficante colombiano Pablo Escobar, basado en el libro ‘Amando a Pablo, odiando a Escobar’ escrito por la periodista colombiana Virginia Vallejo donde cuenta la relación amorosa que mantuvo con el narcotraficante en la década de los 80. Un relato desesperado de una superviviente, sobre la fascinación y el deslumbramiento, pero también sobre la desmesura y el horror.

Fernando León de Aranoa siempre ha sido un director comprometido con lo que ha hecho. Cintas como Familia (1996), Barrio (1998), Princesas (2005) o Amador (2010) dieron a conocer a este realizador que siempre nos ha relatado sus historias, universales, desde la intimidad de las barriadas o desde el corazón del núcleo familiar. En Los lunes al sol (2002), primera ocasión en la que coincidió con Javier Bardem, puso cara a un drama cotidiano como es el de desempleo y la pérdida de la esperanza. A partir de ahí el director ha ido trampeando e internacionalizando su carrera, que parece que podría obtener su merecido espaldarazo definitivo con este crudo vistazo al poder y sus corruptelas. Este lúcido retrato del delincuente como figura de culto, que Aranoa desenmascara como simple hombre de negocios. Sucios, corruptos, ilegales, pero negocios.

Para ello se sirve del relato que escribió la amante del narco, la periodista Virginia Vallejo, encarnada  modélicamente en la película por Penélope Cruz y único contrapunto posible para el huracán Bardem, que como Pablo Escobar realiza una proeza, una metamorfosis que lo convierte en el narco de los narcos, y con el que seremos testigos presenciales de la fundación del Cartel de Medellín allá por los ochenta, que junto con el de Cali inundó de cocaína los Estados Unidos. Todo un problema de Estado para la Administración Reagan.

Viviremos la vida al máximo y desde la cima, con Escobar corrompiendo todos los estamentos del poder en Colombia e intentando dar el salto al norte, desde donde le pararán lo pies, pero vendiendo caro su pellejo y convirtiéndose en toda una leyenda.

Una objeción y también recomendación: la versión original es en inglés. Pero la versión en castellano está doblada en idioma español de península y no se han doblado los actores así que… aunque ninguna de las dos opciones son ideales, ya que lo correcto hubiera sido rodarla con los diálogos en español de Colombia, la mejor opción es verla en versión original en inglés ya que la caracterización y la magnífica interpretación de sus protagonistas no se entendería sin escuchar sus voces reales.

 

WINCHESTER (Michael Spierig, Peter Spierig, 2018)

Australia Duración:99 min. Guion: Michael Spierig, Peter Spierig, The Spierig Brothers, Tom Vaughan Música: Peter Spierig Fotografía: Ben Nott Productora: Blacklab Entertainment / Imagination Design Works Género: Terror

Reparto: Helen Mirren, Jason Clarke, Sarah Snook, Angus Sampson, Emily Wiseman,Laura Brent, Tyler Coppin, Dawayne Jordan, Jeffrey W. Jenkins, Thor Carlsson,John Lobato, Xavier Gouault, Jeff Lipary, Finn Scicluna-O’Prey, Homero Lopez

Sinopsis: A finales del siglo XIX, después de la trágica muerte de su marido y su hijo, Sarah (Helen Mirren) construye una casa-fortaleza (la Mansión Winchester, conocida como la mansión más misteriosa del mundo) con un objetivo: mantener a raya a los espíritus de las personas fallecidas por un rifle Winchester, que, según dice, la visitan con demasiada frecuencia. Eric Price (Jason Clarke) llega allí con el objetivo de psicoanalizar a la señora Winchester, descubriendo que los fantasmas que la atormentan pueden no ser producto de su locura.

Los experimentados hermanos Spierig (Predestination, Saw: Legacy), escriben y dirigen este relato tan fascinante como poco conocido. Para ello recrearán esta historia de fantasmas situada en la Norteamérica de principios del siglo XX. Helen Mirren se meterá en la piel Sarah Winchester, viuda y heredera de la fortuna del inventor del famoso rifle Winchester. Sarah, artífice de la famosa mansión victoriana situada en California y que llevaba su nombre. La casa es todo un laberinto que contaba con con más de 160 habitaciones, escaleras que no llevaban a ninguna parte y puertas que al abrirse descubrían un muro. Y todo estaba diseñado con la intención de esquivar a los fantasmas de las víctimas causadas por la invención de su marido, que acosaban a la viuda.

La película, elegantemente rodada, no puede evitar los tradicionales sobresaltos presentes en toda película moderna de fantasmas que se precie, pero tiene su mejor baza, además de en el diseño de producción y en los magníficos actores, encabezados por Helen Mirren y Jason Clarke, que además de medir el estado mental de la Sra. Winchester deberá exorcizar sus propios fantasmas.

Una producción eficaz que podría haber aprovechado más extraña mansión en sí misma como entidad laberíntica y refugio de espectros.

HISTORIAS DE UNA INDECISA (L’Embarras du choix, Eric Lavaine, 2017)

Francia. Duración: 95 min. Guion: Laure Hennequart, Eric Lavaine, Laurent Turner Fotografía: François Hernandez Productora: Sombrero Films Género: Comedia

Reparto: Alexandra Lamy, Jamie Bamber, Arnaud Ducret, Anne Marivin, Sabrina Ouazani

Sinopsis: La vida está hecha de pequeñas y grandes decisiones. El gran problema de Juliette es que es totalmente incapaz de tomar la más mínima decisión. Incluso con 40 años, aún depende de su padre y de sus dos mejores amigas para que lo decidan todo en su nombre. Pero el día en que conoce a Paul y a Étienne, tan encantadores y diferentes uno del otro, Juliette empieza a temblar. Esta vez, nadie podrá elegir por ella.

Y es que estamos hablando de unos protagonistas que se encuentran en la cuarentena bien entrada y todavía se encuentran dando vueltas sobre lo que buscan en la vida (aunque con el plato diario en la mesa bien asegurado). Aferrándose a un hombre (o una mujer) como si de un clavo ardiendo se tratara, como si ello fuera sinónimo de felicidad, cuando a esas alturas de la vida la experiencia debería haber demostrado que no siempre es así. Que no depende, desde luego, de eso.

Personajes atractivos, mujeres super-liberadas (cuando no directamente ninfómanas), hombres florero con empleos de élite que terminarán trabajando en un tercer mundo de postal. O de chef, el trabajo de moda. Y es que nunca es tarde para hacer lo que realmente se desea. ¿Seguro? Ya, ya sabemos que tan solo se trata de una comedia, pero cuando su sentido resulta irritante de tan anodino es cuando afloran estos sentimientos hacia el filme. Y es que si nos convencieron bien poco los anteriores trabajos del director, la inenarrable Barbacoa de amigos (Barbecue, 2014) y Vuelta a casa de mi madre (Retour chez ma mère, 2016), que guarda bastantes puntos en común con esta, además de la protagonista,  Historias de una indecisa tampoco nos reconcilia con Eric Lavaine, cuyas relatos parecen desarrollarse siempre en tan irreales como acomodados ambientes en los que no se hace raro que, en un momento de la acción, se  haga referencia directa a  La Cenicienta.

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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 2 de marzo de 2018 *

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56441LA ÚLTIMA BANDERA (Last Flag Flying, Richard Linklater, 2017)

USA Duración: 124 min. Guion: Richard Linklater (Novela: Darryl Ponicsan)Fotografía: Shane F. Kelly Productora: Amazon Studios / Big Indie Pictures / Detour Filmproduction Género: Comedia dramática.

Reparto: Steve Carell, Bryan Cranston, Laurence Fishburne, J. Quinton Johnson,Richard Robichaux, Dontez James, Jerry Lee Tucker, Kate Easton

Sinopsis: Año 2003. El ex médico de la Marina Larry “Doc” Shepherd (Steve Carell) reúne a sus dos mejores amigos para llevar a cabo una última misión: enterrar al hijo de Doc, fallecido en la Guerra de Irak, cerca de su hogar. Doc se niega a que el cuerpo de su hijo sea llevado al cementerio de Arlington, que es donde se entierra a los héroes de guerra, y con la ayuda de Sal (Bryan Cranston) y Mueller (Laurence Fishburne) trasladará el féretro en un viaje donde los tres recordarán, 30 años después de haber servido juntos en Vietnam, cómo la participación en la guerra ha afectado a sus vidas.

 

Temas capitales como el ejército, la guerra, el patriotismo, la muerte, la vida y sus desencantos, los remordimientos y el pasado son algunos de los asuntos que estos tres veteranos removerán en su encuentro 30 años después de haber sido compañeros de armas en Vietnam. Su encuentro vendrá motivado por la triste misión de enterrar al hijo de uno de ellos, ‘Doc’, abatido en Bagdad, y que ha sido el que ha querido que sus antiguos camaradas, con los que comparte algo más que recuerdos, le acompañen en su misión. Será un viaje repleto de recuerdos y momentos dramáticos, pero sobre todo de comedia ya que el guión de La última bandera contiene infinidad de diálogos hilarantes entre puya y puya a un país y un sistema que siempre parece tener una guerra preparada para romper cada generación.

Si esta comedia funciona tan bien y resulta tan divertida es, sin lugar a dudas, gracias a sus ingeniosos diálogos, por supuesto, pero también a la magnífica química que crean sus protagonistas: Bryan Cranston, como el personaje aparentemente más inmaduro de todos; Laurence Fishburne como el que más parece haber cambiado su vida y Steve Carell para quien, a pesar de los pesares, aquellos años y amigos siguieron estando en su corazón como los mejores.

A pesar de las similitudes argumentales que puede guardar La última bandera con Deber cumplido (Thank You for Your Service, Jason Hall, 2017), otra cinta recientemente estrenada que también remueve esta temática, aunque de forma mucho más dramática,  la forma en la que el filme de Linklater lo ha tratado nos parece, sin dejar de criticar los mismos poderes, más ingeniosa y positiva, al menos para el espectador, que se convertirá en otro compinche más de estos antiguos marines en su viaje de vuelta de aquel descenso a los infiernos que la guerra representó para aquella generación de jóvenes. Recordarán quienes fueron, pero también quienes son y qué dirección tomar. 

Sin duda nos encontramos ante una película deliciosa e ingeniosa. Y es que como sabemos todos los que hemos estado en velatorios, resulta sano reír aún en los momentos más trágicos,  y esta película contiene tantos diálogos divertidos que llegamos a olvidarnos de su profundo trasfondo dramático, pero sin perdernos un ápice de su denuncia. El humor es, sin duda, la mejor herramienta para hacer efectiva una crítica, la más inteligente e incisiva.

FOXTROT (Samuel Maoz, 2017)

Israel/Alemania/Francia. Duración: 113 min. Guion: Samuel Maoz Música: Ophir Leibovitch, Amit Poznansky Fotografía: Giora Bejach Género: Drama
Reparto: Lior Ashkenazi, Sarah Adler
Sinopsis: Michael ve cómo crece su rabia ante las excesivas muestras de luto de sus familiares y las palabras bienintencionadas de los burócratas del ejército. Su mujer, sedada, descansa. Mientras tanto, Michael se sumerge en una espiral de ira para experimentar uno de esos giros insondables de la vida, a la altura de las surrealistas experiencias de su hijo mientras realizaba su servicio militar
Premios
2017: Festival de Venecia: Gran Premio del Jurado
2017: National Board of Review (NBR): Mejor film extranjero
2017: Satellite Awards: Nominada a mejor película de habla no inglesa

Samuel Maoz, que ya ganó el León de Oro en 2009 con su primer filme, Líbano, nos propone con Foxtrot una cinta sorprendente, diferente, repleta de sensibilidad y también humor. Llena de sorpresas y paisajes desolados. Con puestos de guardia situados en el desierto protegiendo fronteras que no llevan a ningún lado y que tan solo parecen ser transitadas por fantasmales camellos en  un reflejo del absurdo, no ya de los conflictos bélicos y étnicos, sino de la propia existencia. Con la vida como una ilusión, un absurdo que se hunde, día a día y que cuando mejor parece marchar, se arruina con la lluvia.

Foxtrot descoloca al espectador, que no sabe si debe reír en según que situaciones, pues su trama oscila de la comedia más ácida al drama más sensible con un simple cambio de plano. Mostrando el todo como trágica broma en la que la muerte es el chiste supremo. Pero a pesar de algunos pocos momentos cuya perfección hace que la vida merezca la pena ser recorrida, Foxtrot es, en palabras de su director “un baile de un hombre con su destino“, pero un baile que no va a ninguna parte, que siempre vuelve a la misma posición de partida.

Prenominada a los Oscar, son muchos los críticos que la han colocado entre las diez mejores películas del año.

GORRIÓN ROJO (Red Sparrow, Francis Lawrence, 2018)

USA. Duración: 139 min. Guion: Justin Haythe (Novela: Jason Matthews) Música: James Newton Howard Fotografía: Jo Willems Productora: Chernin Entertainment / Film Rites / Soundtrack New York. Distribuida por Twentieth Century Fox Film Corporation Género: Thriller

Reparto: Jennifer Lawrence, Joel Edgerton, Jeremy Irons, Charlotte Rampling,Mary-Louise Parker, Matthias Schoenaerts, Joely Richardson, Nicole O’Neill,Sergej Onopko, Sergei Polunin, Kristof Konrad, Simon Szabó, Ciarán Hinds,Thekla Reuten, Joel de la Fuente, Sakina Jaffrey, Douglas Hodge 

Sinopsis: Dominika Egorova (Jennifer Lawrence) es reclutada contra su voluntad para ser un “gorrión”, una seductora adiestrada para el servicio de seguridad ruso. Dominika aprende a utilizar su cuerpo como arma, pero lucha por conservar su sentido de la identidad durante el deshumanizador proceso de entrenamiento. Hallando su fuerza en un sistema injusto, se revela como uno de los activos más sólidos del programa. Su primer objetivo es Nate Nash (Joel Edgerton), un funcionario de la CIA que dirige la infiltración más confidencial de la agencia en la inteligencia rusa. Los dos jóvenes agentes caen en una espiral de atracción y engaño que amenaza sus carreras, sus lealtades y la seguridad de sus respectivos países.

Una película de espionaje requiere contar con un guión muy bien construido, que consiga mantener el interés constante del espectador consiguiendo, además, que no se pierda ni se confunda. Y lamentablemente con Gorrión rojo sucede esto último, la trama se torna enrevesada y no contiene la suficiente acción ni tensión como para que el espectador llegue a meterse plenamente en este juego de verdades y mentiras. Y es toda una lástima, pues la película parte de una atractiva premisa, casi de serie B, con esos agentes entrenados para seducir y resultar irresistibles para el enemigo, al que combatirán con sus encantos. Y más si además cuenta con la esforzada interpretación de Jennifer Lawrence, aquí magníficamente respaldada por Joel Edgerton y los veteranos Jeremy Irons y Charlotte Rampling. Pero ni por esas. La historia no termina de cuajar. Y quizás también contribuya a ello la extrañeza de estar viviendo una historia más propia de desarrollarse en plena guerra fría y no en época contemporánea.

ERREMENTARI. EL GUERRERO Y EL DIABLO (Paul Urkijo, 2017)

España/Francia Duración: 96 min. Guion: Asier Guerricaechevarría, Paul Urkijo Alijo Música: Xabat Lertxundi Fotografía: Gorka Gómez Andreu Productora: Gariza Produkzioak / Ikusgarri Films / Kinoskopik s.l Género: Fantástico

Reparto: Eneko Sagardoy, Itziar Ituño, Josean Bengoetxea, Gorka Aguinagalde,Urko Olazabal, Kandido Uranga, Almudena Cid, Ramón Agirre, Gotzon Sánchez,Zigor Bilbao, Uma Bracaglia, Maite Bastos, Ander Pardo, José Ramón Argoitia,Iñigo de la Iglesia, Naia Garcia 

Sinopsis: Han pasado 10 años desde de la primera Guerra Carlista de 1833. En un pequeño pueblo de Álava, un comisario del gobierno llamado Alfredo investiga un suceso que le lleva hasta una siniestra herrería en lo profundo del bosque, donde vive un peligroso y solitario herrero llamado Patxi. Los aldeanos de la zona cuentan oscuras historias sobre él relacionadas con robos, asesinatos y pactos demoníacos. Hasta que por casualidad una niña huérfana llamada Usue consigue colarse en la misteriosa herrería, destapando la terrible verdad que se esconde tras Patxi el Herrero.

Paul Urkijo nos llamó la atención desde que viéramos uno de sus cortos, concretamente Jugando con la muerte (2011), que además de estar realizado con impecables maneras, tenía un magnífico humor negro que nos hizo suyos. El buen hacer de Urkijo quedó confirmado con posteriores cortometrajes, así que, en cuanto nos enteramos que Pokeepsie Films estaba tras el debut del director en el largometraje, Errementari, no pudimos más que estar pendientes de ella.

Inspirada en una cuento popular vasco sobre un herrero tan malvado y astuto que es capaz de engañar al mismísimo diablo, la cinta de Urkijo es un cuento de horror gótico y fantástico lleno de emoción, misterio y extrañas criaturas. Con todos sus diálogos en un casi extinto euskera alavés del siglo XIX, la acción se inicia en un pequeño pueblo de Álava, después de la Primera Guerra Carlista de 1833, donde un comisario del gobierno investiga un suceso que le llevará hasta una siniestra herrería en lo profundo del bosque, donde vive un solitario herrero del que los aldeanos cuentan oscuras historias. Fantasmagórica, la bruma inunda esta fábula con diablos tramposos y sacamantecas que con un maravilloso diseño de producción convierte esta cinta en una de las mejores sorpresas del cine fantástico estatal, con una muy natural y destacable interpretación de la niña Uma Bacaglia en una cinta que denota cinefilia por los cuatro costados, con guiños a los monstruos de la Universal, los diablillos gamberros de Méliès e incluso al entrañable Leatherface, pero yendo mucho más allá con esta fábula que ha sabido beber  en el corazón del folklore vasco.

HÉROES EN EL INFIERNO (Only the Brave, Joseph Kosinski, 2017)

USA Duración: 134 min. Guion: Ken Nolan, Eric Warren Singer Música: Joseph Trapanese Fotografía: Claudio Miranda Productora: Columbia Pictures / Black Label Media / Conde Nast Entertainment / Di Bonaventura Pictures Género: Drama

Reparto: Josh Brolin, Miles Teller, Jeff Bridges, James Badge Dale, Taylor Kitsch,Jennifer Connelly, Andie MacDowell, Scott Haze, Ben Hardy, Alex Russel,Michael Love Toliver, Sam Quinn, Ryan Jason Cook, Isaac London, Brandon Bunch

Sinopsis: Basada en hechos reales, Héroes en el infierno es la heroica historia de los conocidos como Granite Mountain Hotshots, un grupo de bomberos locales de Arizona que se convirtieron en una de las brigadas de élite de la nación. Mientras la mayoría se alejaron del peligro, ellos corrieron hacia él, arriesgando todo para salvar a un pueblo de un fuego incontrolado que pasaría a la historia en Prescott, Arizona, en junio de 2013.

Héroes en el infierno no ofrece nada que no hayamos visto antes, pero es el tipo de película que de vez en cuando apetece ver. Una aleccionadora historia de superación repleta de emoción, humor y amistad con altos niveles de testosterona protagonizada por un heterogéneo grupo de bomberos locales, auténticos héroes en el infierno, de los que sabremos el mínimo como para simpatizar con ellos y  distinguirlos: el golfo de buen corazón; el adicto desarraigado que cambiará de actitud cuando tenga un hijo y adquiera responsabilidades; el veterano que ha dado tanto de sí al trabajo que ha descuidado su vida privada…  Casi nos encontramos ante un argumento y un catálogo de tópicos que valdría igual para un drama bélico: primeras acciones, ascensos, demostraciones de valor, compañerismo, permisos en familia… En general un guión de lo más predecible, pero con un buen as en la manga para todos aquellos que no conozcan los hechos reales en los que se basa.

Por lo demás ofrece escenas espectaculares, un tono clásico en su estructura y desarrollo, y unas gotas de conciencia ecológica sin caer en el panfletismo, así como un buen ramillete de buenos actores: Josh Brolin Jeff Bridges, Jennifer Connelly, Andie MacDowell y un ascendente Miles Teller, todo lo cual vaticina un rato agradable con un filme que si de algo adolece es del mal, casi epidémico, que sufre el cine actual: el exceso de metraje, algo que en películas como Héroes en el infierno juega muy en su contra.

 

 

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