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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 22 de septiembre *

21 septiembre 2017 Deja un comentario

A WAR (UNA GUERRA) (Krigen, Tobias Lindholm, 2015)

Dinamarca. Duración: 115 min. Guion: Tobias Lindholm Música: Sune Wagner Fotografía: Magnus Nordenhof Jønck Productora: AZ Celtic Films / Nordisk Film Production Género: Drama

Reparto: Pilou Asbæk, Tuva Novotny, Dar Salim, Søren Malling, Charlotte Munck,Dulfi Al-Jabouri, Alex Høgh Andersen, Jakob Frølund, Phillip Sem Dambæk
Sinopsis: El comandante Pedersen se debate entre el cumplimiento de los reglamentos militares, su responsabilidad ante sus hombres y los civiles afganos y su deseo de volver a casa con su esposa y sus tres hijos.
2015: Premios Oscar: Nominada a Mejor película de habla no inglesa
2016: Premios del Cine Europeo: Nominada al Premio del Público
 A War (una guerra) es un duro alegato anti-belicista, y todo un ejemplo de como las normas, si bien están para cumplirlas, a veces hay que saltárselas para evitar males mayores. Un dialéctica entre lo legalmente exigible y lo moralmente bueno. Una reflexión que nos trae a la memoria el aroma de la wellesiana Sed de mal, pues aquí también nos habremos de cuestionar si la mentira puede llegar a ser necesaria para que prevalezca la justicia. A War (una guerra) es una propuesta incómoda que nos hace interrogar a nuestro sistema de valores.
Una escena de impacto inaugura la acción: un soldado muere ante nuestros ojos cercenado por la explosión de una mina, su realismo nos sacude hasta comprender lo absurdo de esa muerte. La sinrazón de la guerra golpea a estos soldados daneses destacados en Afganistán en misión humanitaria. También a los habitantes del cercano pueblo, que deben convivir con estos invasores y con los talibanes, que les amenazan si colaboran con los soldados. Y Lindholm consigue que nos sintamos allí, que interioricemos la tensión dramática y la vivamos como propia, pues lo que allí está en juego es la encrucijada moral de tener que decidir entre actuar según nos manda la compasión o acatar la norma sin cuya existencia sería imposible hacer prevalecer los principios que ordenan la sociedad.
La película se desarrolla en tres escenarios. Tenemos a los soldados y sus rutinas, en las cuales la muerte siempre estará presente. También acompañaremos a la esposa y los hijos del comandante Pedersen, que deben habituarse a la ausencia del marido/padre. Y finalmente se abrirá un nuevo frente en el juzgado, cuando Pedersen sea acusado de haber ordenado una acción que causó muertes civiles innecesarias. Allí es donde se nos hará reflexionar sobre la honestidad y la mentira necesaria. Un interesante debate, en el cual será el espectador el que tendrá  que sacar sus conclusiones. Como sea, nada permanecerá igual, no podremos regresar a la inocencia tomemos el partido que tomemos.
Tobias Lindhold posee una dilatada carrera como guionista, suyos son los de la brillante La caza (Jagten, Thomas Vinterberg, 2012) y el de la menos interesante La comuna (Kollektivet, Thomas Vinterberg, 2016), y como director cuenta con un documental y tres cintas de ficción, protagonizadas todas por su actor fetiche, Pilou Asbæk, intérprete que cada vez es más solicitado en el cine norteamericano. 
Lindholm escoge narrarnos esta historia a la manera de un documental, de forma áspera, realista , como exige el relato. Sin efectismos y con unas muertes que se presentan furtivas, en la distancia, ya sea mediante anónimas minas, como por impactos certeros de francotiradores. Muertes cobardes en esta historia sobre decisiones equivocadas, precipitadas. Sobre la mentira, la justicia y, sobre todo, el absurdo de la guerra, que condena  a los hombres a luchar contra su propia conciencia.

 

LA LEGO NINJAGO PELÍCULA (The LEGO Ninjago MovieCharlie Bean, Paul Fisher, Bob Logan, 2017)

USA. Guion: Hilary Winston, Bob Logan, Paul Fisher Música: Mark Mothersbaugh Productora: Warner Bros. Pictures Género: Comedia de animación.

Sinopsis: La batalla por la Ciudad Ninjago reclama la intervención de Lloyd, conocido como el Ninja Verde, junto con sus amigos, todos guerreros secretos y LEGO maestros constructores. Guiados por el maestro de Kung-Fu, Wu, divertido a la par que sabio, deben derrotar al malvado señor de la guerra Garmadon, el peor hombre del mundo, que además resulta ser el padre de Lloyd. En una batalla pieza contra pieza y padre contra hijo, el épico enfrentamiento pondrá a prueba a este feroz pero indisciplinado equipo de nuevos ninjas que debe aprender a controlar su ego y aunar sus esfuerzos para desatar su verdadero poder.

De nuevo una película protagonizada por el universo Lego y en este caso dirigida principalmente hacia el público infantil y juvenil, aunque eso no significa que no pueda ser vista (y disfrutada) por adultos, pues La Lego Ninjago película es una cinta de aventuras muy entretenida.

La película contiene multitud de referencias a la cultura oriental, y no nos referimos tan solo a la presencia de Jackie Chan, sino a ingredientes y personajes extraídos de los Kaiju eiga, las series Tokusatsu protagonizadas por grupos tipo Power Rangers, y otras franquicias como Transformers.  Humor, aventura y los mensajes comunes a este tipo de cintas como que la fuerza sólo podremos descubrirla  en nuestro interior, las loas habituales al trabajo en equipo y la amistad, y la conclusión de que el amor será siempre más fuerte que la guerra.

Sin llegar al nivel de la estupenda LEGO película (The LEGO MoviePhil LordChristopher Miller, 2014 ) o al cachondeo freak de Batman la LEGO película (The LEGO Batman Movie, Chris McKay, 2016), esta nueva entrega es una aceptable propuesta cargada de humor y acción.

 

KINGSMAN: EL CÍRCULO DE ORO (Kingsman: The Golden Circle, Matthew Vaughn, 2017)

UK. Duración: 141 min. Guion: Matthew Vaughn, Jane Goldman (Personajes: Dave Gibbons, Mark Millar) Música: Henry Jackman, Matthew Margeson Fotografía: George Richmond  Productora: Twentieth Century Fox Film Corporation / Marv Films / TSG Entertainment Género: Thriller

Reparto: Taron Egerton, Julianne Moore, Halle Berry, Mark Strong, Jeff Bridges, Channing Tatum, Pedro Pascal, Sophie Cookson, Edward Holcroft, Elton John,Ayman Khechini, Alessandro De Marco, Colin Firth

Sinopsis:Kingsman: Servicio Secreto” nos introdujo en el mundo de los Kingsman, una agencia internacional de inteligencia que opera al máximo nivel de discreción y cuyo principal objetivo es mantener el mundo a salvo. En KINGSMAN: EL CÍRCULO DE ORO nuestros héroes se enfrentan a un nuevo desafío cuando su cuartel general es destruido y el mundo entero es usado como rehén. Su viaje les lleva a descubrir una organización de espías situada en Estados Unidos llamada Statesman, que data de los tiempos en que ambas fueron fundadas. En una nueva aventura que pondrá a prueba los límites de su fuerza y su ingenio, ambas organizaciones secretas se unirán para derrotar a un despiadado enemigo común para salvar el mundo, algo que ya se ha convertido en una rutina para Eggsy…Se produce un ataque contra el cuartel general de Kingsman y aparece un nuevo villano. Eggsy y Merlin tienen que colaborar con la agencia norteamericana para salvar al mundo.

 

Basado en los cómics de Mark Millar y Dave Gibbons, Kingsman, el círculo de oro no puede evitar tener un fuerte aroma british, con gotas de la elegancia cool del universo Bond o el de Los Vengadores (hablamos de la serie creada por Sidney Newman también en los 60) y de sus gimmicks. Pero impregnando todo el producto con un sanísimo toque paródico que acerca el tono de la película al Batman televisivo de los sesenta, cuando no al más puro cartoon.  Y todo esto funciona de mil maravillas si el espectador entra en el juego y se deja llevar por ese espíritu, pues una vez entre en la trama, no va a tener tiempo de bajarse del tren. No en vano los guionistas de Kingsman han aprendido muy bien de la saga del agente 007 que hay que empezar fuerte y de ahí hacia arriba sin frenos.

Vertiginosas persecuciones, personajes atractivos, villanos pasados de vueltas, resurrecciones como tan solo pueden producirse en los cómic books y comedia en algo más de dos horas que se pasan volando y que cuentan con, además de los competentes protagonistas, Taron Egerton, Colin Firth y Mark Strong, con unos secundarios de campanillas que parecen pasárselo en grande, sobre todo Julianne Moore, pero también Halle Berry, Jeff Bridges y…¡Elton John!, que añade unos divertidos toques Kitsch y auto-paródicos muy de agradecer en esta cinta de puro entretenimiento, en la cual otro de los villanos es el propio presidente de Estados Unidos, sosia nada disimulado de Trump.

 

 

 

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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 15 de septiembre de 2017 *

15 septiembre 2017 Deja un comentario

JUERGA DE MAMIS  (Fun Mom Dinner, Alethea Jones, 2017)

USA. Duración: 89 min. Guion: Julie Rudd Música: Julian Wass Fotografía: Sean McElwee Productora: Gettin’ Rad Productions / June Pictures / Voltage Pictures Género: Comedia

Reparto: Toni Collette, Adam Scott, Katie Aselton, Jaz Sinclair, Paul Rust, Molly Shannon,Kathryn Prescott, Rob Huebel, Adam Levine, Sam Lerner, April Martucci,Owen Vaccaro, Cooper J. Friedman, Bridget Everett, Hart Denton,Emmersyn Fiorentino

Sinopsis: Cuatro madres se juntan para cenar y pasarlo bien. Cuando la noche da un giro inesperado, estas cuatro mujeres descubrirán que tienen más cosas en común de lo que pensaban.

A pesar del poco prometedor título y póster, Juerga de mamis no resulta muy sonrojante en su conjunto. La muestra de miserias y frustraciones que arrastran estas perfectas y adineradas madres modernas sabemos que terminarán arreglándose con un final feliz, pero ¡Qué diablos! su título no engaña a nadie, y todo se solucionará mediante una noche de juerga. De desahogo. De chicas. Pero una juerga blanca: alcohol, un poco de hierba, tabaco, muchos tacos en los diálogos, conversaciones gañanes sobre sexo, un beso furtivo con un desconocido… todo para terminar con nuestras protagonistas dándose cuenta de que no hay nada como el hogar, los hijos y el marido que apenas da señales de vida y que también aprenderá una valiosa lección esa noche: que tiene que cuidar y ser más atento con su señora. Y todo ello regado con música de los años ochenta (The Pretenders, The Jam…) con la que conectar con el público potencial de esta cinta, el generacional de las protagonistas.

 

 

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‘IT’, materializando los terrores infantiles

8 septiembre 2017 Deja un comentario

IT (Andrés Muschietti, 2017)

USA. Duración: 135 min. Guion: Chase Palmer, Gary Dauberman (Libro: Stephen King) Música: Fotografía: Chung-hoon Chung Productora: New Line Cinema / KatzSmith Productions / Lin Pictures Género: Terror

Reparto:Bill Skarsgård, Jaeden Lieberher, Sophia Lillis, Wyatt Oleff, Jeremy Ray Taylor,Finn Wolfhard, Chosen Jacobs, Jack Dylan Grazer, Nicholas Hamilton, Jake Sim,Logan Thompson, Owen Teague, Jackson Robert Scott, Stephen Bogaert

Sinopsis: La película narra la historia de siete  jóvenes marginados pasando su infancia en el pueblo de Derry, Maine, quienes se autodenominan el Club de los perdedores. Cada uno de ellos ha sido marginado por un motivo u otro; cada uno está considerado un blanco por la pandilla local de matones…y todos han visto sus peores miedos hechos realidad en la forma de un antiguo depredador que cambia de apariencia, a quien solo pueden llamar ‘It’ (ello).

Desde sus inicios, el pueblo de Derry ha sido el coto de caza para la entidad que emerge desde las alcantarillas cada 27 años para alimentarse de los terrores de sus presas preferidas: los niños de Derry. Uniendo sus esfuerzos durante un verano a la vez horroroso y animado, los Perdedores se unen para superar sus propios miedos y detener el ciclo de matanzas que comenzó un día lluvioso, mientras un niño pequeño perseguía un barquito de papel que se arrastraba por un desagüe de lluvia…y acabó en las manos de Pennywise el Payaso.

Publicada en 1986 It es, posiblemente, la obra que mejor representa el universo literario de su autor, el prolífico Stephen King, por diversas razones. En primer lugar porque en esta novela tiene ocasión de contar con personajes pre-adolescentes, que tan solo se tendrán los unos a los otros para enfrentarse a la materialización de sus propios miedos. Y King, como ha demostrado en varias de sus mejores obras, domina a la perfección el lenguaje de los niños, sus terrores y sus alegrías, así como su despertar a la sexualidad. Tan solo hace falta leer el cuento The Body, adaptado con gran éxito al cine como Cuenta conmigo (Stand by Me, Rob Reyner, 1986), para comprobarlo.  Terrores y traumas infantiles motivados no por monstruos ni criaturas sobrenaturales, sino por chicos que abusan de los más pequeños, padres alcohólicos, violaciones en la infancia… todo lo cual el novelista sabe expresarlo y, lo que es mejor, transmitir al lector de forma inigualable, haciendo que sintamos y nos encariñemos de sus personajes, muchos ellos tartamudos, gordos, cuatro ojos, negros… los niños que ninguno quiere como amigos.

Pero es que también Stephen King es, huelga decirlo, un magnífico creador de terrores. De monstruos. De entidades que, en su mayoría, se han desarrollado dentro del entorno de los protagonistas: tiendas cuyo propietario tiene todo lo que sus clientes puedan desear y que podrán obtener a cambio de un pequeño, insignificante trabajo; o esa autopista que hay frente al hogar que sin piedad dejará a padres sin lo que más quieren. Tanto que no dudarán en subir al viejo cementerio indio que hay en el bosque…; o aquella niña con poderes telekinésicos de la que todos ríen en el colegio y que vive con una enloquecida madre obsesionada con el sexo como pilar de todos los males… o ese viejo y magnífico Plymouth Fury de color rojo; o ese perro San Bernardo; o… Elementos de nuestro entorno, de nuestra cotidianidad, como los terrores infantiles que cobrarán vida en It más allá del payaso Pennywise.

Siendo It como es un libro generacional, importante para muchos de los que van a ir a ver esta nueva adaptación a la pantalla, puede comprenderse cierta precaución por parte de este sector de espectadores sobre el tratamiento que pueda haberse realizarse a ‘su’ libro, que como es natural ha sufrido ciertas variaciones durante la traslación a la pantalla. La más importante es dejar de lado la narración original, que situaba la acción en el ‘presente’ (los años ochenta) y se desplazaba al pasado (a los años cincuenta) mediante flashbacks. El It de Andrés Muschietti divide la historia en dos entregas. Una, la que se estrena este fin de semana, con los personajes en su etapa infantil, situando la acción en 1988 y otra segunda parte y conclusión con los antiguos ‘losers’ ya adultos 27 años después haciendo frente al juramento que hicieron en su infancia. ¿Cual es el problema principal? Pues que al haber dividido ambas acciones, la mayor parte de apariciones de Pennywise se concentran en esta primera entrega, convirtiéndola en una película muy intensa, en la que la acción y los momentos terroríficos se suceden sin dar tregua al espectador, ofreciendo un resultado emocionante, trepidante,  pero también apabullante. Dejando también algunos importantes detalles, como a Silver, la bicicleta del protagonista, en un muy segundo plano.  Y respecto al punto más conflictivo de la novela, que todo lector conoce, se ha optado por suprimirlo, al igual que hizo el guión de la serie, algo que era de esperar.
Muy bien interpretada, con una eficacia  y unos efectos especiales magníficos, pensamos que agradará especialmente al que se acerque a ella sin conocer el libro, y en menor medida al que conoce la obra (y la serie) al dedillo, pero no por parecernos inferior, sino porque se elimina el factor sorpresa que contiene la voluminosa obra de King.
Y, un consejo final para los que también adoren la serie televisiva: estén atentos a la escena en la que salen muchos payasos, entre ellos y en un lugar destacado verán a un viejo amigo.

VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 8 de septiembre de 2017 *

8 septiembre 2017 Deja un comentario

CHURCHILL (Jonathan Teplizky, 2017)

UK. Duración: 110 min. Guion: Alex von Tunzelmann Música: Lorne Balfe Fotografía: David Higgs ProductoraSalon Pictures / Tempo Productions Limited Género: Drama

Reparto: Brian Cox, Miranda Richardson, John Slattery, James Purefoy, Julian Wadham,Richard Durden, Ella Purnell, Danny Webb, Jonathan Aris, George Anton,Steven Cree, Angela Costello, Peter Ormond, Suki Waterhouse

Sinopsis: En 1944 las fuerzas aliadas -un millón de soldados reunidos en la costa sur inglesa- están preparadas para el desembarco. 48 horas antes de la operación, Winston Churchill se enfrenta con sus generales y aliados norteamericanos para decidir cómo afrontar lo que se convirtió en el punto de inflexión de la Segunda Guerra Mundial. Si la campaña del Día D fallara, teme ser recordado como el arquitecto de una carnicería.

Ofrecida en premiere mundial durante el pasado BCN Film Fest, esta elegante producción británica está centrada en los días previos al desembarco de Normandía, que cambió definitivamente el trascurso de la Segunda Guerra Mundial a favor de los Aliados. La cinta nos muestra la parte más humana del veterano Primer Ministro, que tendrá que aprender a hacerse a un lado ante la irrupción de las nuevas tácticas bélicas aportadas por los estrategas norteamericanos comandados por Ike Eisenhower.

Una figura notable, un episodio capital en su carrera que servirá para mostrar las luces y las sombras del personaje; estas parecen ser las constantes del biopic moderno y Teplitzky se inscribe en esta tendencia para desarrollar su película. Churchill es una cinta  de actor con la que tiene ocasión de lucirse Brian Cox, y también la brillante Miranda Richardson, que, como la esposa del mandatario, desempeñará un papel secundario pero decisivo en el desarrollo de los acontecimientos. Pero, tan importante como el trabajo de los actores, lo es igualmente la labor del director. Teplitzky utiliza a Churchill como falsilla con la que abordar temas más universales: la responsabilidad histórica, el peso del tiempo, la necesidad de asumir que ya no se está en primera línea y hay que adaptar nuestra identidad a ello… Y el director usa el lenguaje de la imagen para mostrarlo. Su puesta en escena por momentos toma cariz operístico, coloca a sus personajes en el marco de colosales escenarios en los que resalta la pequeñez de lo humano frente a los imponderables, casi como en los cuadros de Friedrich. Escenas que contrastan con las más íntimas en las que los espejos tienen mucho que decir, no en vano el protagonista atraviesa ese momento en el que debe asumir un rol distinto al que ha marcado su carrera, la imagen que le refleja ya no es reconocible, su personalidad ha de readaptarse a lo que el tiempo le exige. Teplitzky, por último, nos trae una reflexión sobre la necesidad de la leyenda y la fe para fundamentar nuestra existencia en el mundo, las figuras históricas deben cumplir la función de elevar los ánimos del pueblo fundando sus creencias y construyéndose a sí mismos como modelos.

La guinda a este buen trabajo viene de la mano de Lorne Balfe, autor de un score minimalista, apoyado en los sintetizadores, que pondrá el tomo perfecto para esta fábula de luces y sombras. El punto de melancolía justo y necesario.

 

 

EL AMANTE DOBLE (L’amant double, François Ozon, 2017)

Francia/Bélgica. Duración: 107 min. Guion: François Ozon, Philippe Piazzo (Novela: Joyce Carol Oates) Música: Philippe Rombi Fotografía: Manuel Dacosse Productora: Mandarin Films / FOZ / Mars Films / Films Distribution / France 2 Cinéma / Scope Pictures / Canal+ / Ciné+ / France Télévisions / A Plus Image 7. Distribuida por Cohen Media Group [USA] Género: Drama

Reparto: Marine Vacth, Jérémie Renier, Jacqueline Bisset, Myriam Boyer,Dominique Reymond, Fanny Sage, Jean-Édouard Bodziak, Antoine de La Morinerie,Jean-Paul Muel, Keisley Gauthier, Tchaz Gauthier, Clemence Trocque,Guillaume Le Pape, Benoît Giros

Sinopsis: Chloé (Marine Vacth) es una joven frágil que se enamora de su psicoterapeuta, Paul (Jérémie Renier). Unos meses más tarde, cuando se van a vivir juntos, ella descubre que su amante le ha ocultado una parte de su identidad, con la que Chloé se obsesionará.

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François Ozon continúa desarrollando sus obsesiones por el sexo más enrevesado. Si en Joven y bonita (Jeune & jolie, 2013) introdujo a su, todavía adolescente protagonista interpretada también por Marine Vacth, en un torbellino de experimentación, ya no con el sexo, sino directamente con la prostitución, en El amante doble nos la presenta con serios problemas psicológicos protagonizados por la figura del doble, el Doppelgänger, como protagonista absoluto de la trama.

Visualmente aséptica, fría como su protagonista, este thriller psicológico con grandes dosis de erotismo cuenta, para interpretar al doble personaje masculino, con un actor con el cual ya había trabajado el director con anterioridad, Jérémie Renier, al que pudimos ver  Amantes criminales (Les amants criminels, 1999) y Potiche, mujeres al poder (Potiche, 2010). El actor, quien se dió a conocer con tan sólo 15 años gracias a las películas de los hermanos Dardenne, interpreta de forma impecable el papel de psicoterapeuta y amante de Chloe, abordando con ello, una historia de dobles, de engaños y de deseos. El director que gusta, al parecer, de contar con veteranas damas de la interpretación ha contado en esta ocasión con Jacqueline Bisset, que interpreta un tan corto como agradecido papel. 

La película, inspirada libremente en la novela Vidas gemelas, escrita por Joyce Carol Oates bajo el seudónimo de Rosamond Smith, se presentó en la Sección Oficial del último Festival de Cannes, certamen que Ozon conoce bien tras haber presentado, años atrás Swimming Pool (2003) y Joven y bonita (Jeune & jolie, 2013).  La tensión psicológica y sexual que respira El amante doble y la maestría de Ozon a la hora de mostrar en pantalla realidad y fantasía, harán volar la imaginación de cualquier espectador en una película tan osada como impactante que quizás abusa de preciosismo en sus imágenes y de la representación simbólica del espejo.

THE LIMEHOUSE GOLEM (Juan Carlos Medina, 2017)

UK. Duración: 105 min. Guion: Jane Goldman (Novela: Peter Ackroyd) Música: Johan Söderqvist Fotografía: Simon Dennis Productora: Number 9 Films Género: Thriller

Reparto: Bill Nighy, Olivia Cooke, Douglas Booth, Daniel Mays, Eddie Marsan,María Valverde, Sam Reid, Morgan Watkins, Adam Brown, Peter Sullivan,Amelia Crouch, Damien Thomas, Mark Tandy, Michael Jenn, Simon Meacock

Sinopsis: Londres, 1880. En la barroca sala de música donde sube al escenario el intérprete más famoso de la capital, Dan Leno (Douglas Booth). En su monólogo cuenta el horrible destino de una joven que actuaba en ese escenario, su querida amiga Elizabeth Cree (Olivia Cooke), quien se enfrenta a ser ejecutada en la horca acusada de asesinar a su esposo, John Cree (Sam Reid). La muerte de Lizzie parece inevitable, hasta que el inspector John Kildare (Bill Nighy) se hace cargo del caso de The Limehouse Golem, un asesino en serie nefasto y calculador, que mata inocentes sin ninguna conexión, dejando tras de sí cadáveres apenas identificables y una marca: “M”. Nada es lo que parece, todo el mundo es sospechoso y tiene un secreto.

Limehouse Golem, película de clausura de la pasada edición del Festival de Sitges, es una cinta ambientada en la época victoriana con asesino suelto, en esta ocasión, en el barrio londinense de Limehouse. El caso será encargado a un fino sabueso, John Kildare de Scotland Yard (un magnífico Bill Nighy), Sherlock Holmes caído en desgracia entre sus compañeros y superiores por su homosexualidad. Kildare tendrá que abordar este complejo caso que tendrá como telón de fondo el mundo de las variedades. Una intriga bien trazada, interpretada y narrada, con un exquisito diseño de producción y una sugerente iluminación.

Su director, Juan Carlos Medina, que ya nos ofreció en 2012 la muy interesante Insensibles, con la que debutó, adapta el bestseller de Peter Ackroyd Dan Leno and the The Limehouse Golem,  un relato gótico que mezcla la investigación por descubrir la identidad de un asesino en serie con el juicio a una joven actriz de musical acusada de envenenar a su marido. El libro cautivó al productor Stephen Woolley (Juego de lágrimas, Carol), quien trabajó durante 15 años en el proyecto para que saliera a la luz. La guionista es Jane Goldman (La mujer de negro, Kingsman: Servicio Secreto), auténtica fanática de la novela.

Para el director, “The Limehouse Golem es un ingenioso ‘whodunit’. El viaje para descubrir el asesino es tan fascinante e intrigante como el hecho de saber quién es en realidad. Ese era el reto: convertir esa investigación en algo hipnótico y fascinante. Quería que el espectador se comprometiera sensorial y emocionalmente con la historia”.

La película cuenta también con la participación de la española María Valverde, que según declaró disfrutó interpretando a la odiosa Aveline, “ha sido muy divertido, me he sentido muy libre fuera de mi zona de confort”.

LA ESCALA (Voir du pays, Delphine y Muriel Coulin, 2016)

Francia/Grecia. Duración: 102 min. Guion:Delphine Coulin, Muriel Coulin Fotografía: Jean-Louis Vialard Productora: Archipel 35 / Blonde Audiovisual Productions / Arte France Cinéma Género: Drama

Reparto:Soko, Ariane Labed, Ginger Romàn, Karim Leklou, Robin Barde, Damien Bonnard,Andreas Konstantinou, Jérémie Laheurte, Sylvain Loreau, Alexis Manenti,Kostis Maravegias, Makis Papadimitriou

Sinopsis: Dos jóvenes mujeres militares, Aurore y Marine, regresan de Afganistán. Junto con su sección, van a pasar tres días en un hotel de cinco estrellas en Chipre, entre turistas de vacaciones, para disfrutar de lo que el ejército llama una ‘cámara de descompresión’ para ayudarles a ‘olvidar’ la guerra. Sin embargo, no es tan sencillo deshacerse de la violencia…

Mejor guión en Cannes (A Certain Regard), La escala muestra un novedoso punto de vista sobre los conflictos bélicos y de como afectan estos a los soldados. Dirigida y escrita por las hermanas  Coulin, es una magnífica  y realista obra antibélica que no necesita recurrir a soflamas y en la que no veremos ni un solo tiro. La acción se desarrolla desde el punto de vista de dos mujeres soldado, que además de plantearse el por y para qué luchan, deberán enfrentarse, junto a todos sus compañeros, a esa ‘descompresión’ que mediante realidad virtual, les hará enfrentarse a los traumas adquiridos en combate.

Rabia y frustración rodeadas de lujo, alcohol y música sofocante y alienante en un resort de cinco estrellas que es casi como otro planeta con ellos ejerciendo de cosmonautas y en donde descubrirán que además de los enemigos que les marcan sus superiores, los tienen también entre sus compañeros varones, que nunca las considerarán unas iguales y que no dudarán en abusar de ellas demostrando que la milicia es ‘cosa de hombres’. Como, al parecer, todo lo demás.

 

 

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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 1 de septiembre de 2017 *

1 septiembre 2017 Deja un comentario

LA NIEBLA Y LA DONCELLA  (Andrés M. Koppel, 2017)

España. Duración: 104 min. Guion: Andrés M. Koppel (Novela: Lorenzo Silva) Fotografía: Álvaro Gutiérrez Productora: Atresmedia Cine / Hernández y Fernández PC / Tornasol Films Género: Thriller

Reparto: Quim Gutiérrez, Verónica Echegui, Roberto Álamo, Paola Bontempi, Aura Garrido,Sanny van Heteren, Isak Férriz, Cristóbal Pinto, Santi López, Quique Medina,Beneharo Hernandez, Jorge Kent, Elena Di Felice Benito, Fernando Navas,Adrian Galvan

Sinopsis: No siempre las cosas son como parecen y a menudo, lo obvio no resulta ser lo real. Al sargento Bevilaqua le encomiendan la tarea de investigar la muerte de un joven alocado en la Gomera. Todo apuntaba a Juan Luis Gómez Padilla, político de renombre en la isla, al que un tribunal popular absolvió a pesar de la aparente contundencia de las primeras pesquisas. El sargento y su inseparable cabo Chamorro intentarán esclarecer este embrollado caso, con presiones políticas y con la dificultad añadida de intentar no levantar suspicacias al reabrir un caso que sus compañeros daban por cerrado.

El cine español ha estado ofreciendo de un tiempo a esta parte memorables thrillers que han animado a nuestras productoras a invertir en este género, repitiendo incluso, en varios de ellos, actores que parecen desenvolverse mejor en intrigas policíacas, como es el caso de Roberto Álamo, que tan buen sabor dejó en Que Dios nos perdone (2016) de Rodrigo Sorogoyen, papel que le supuso al actor los más importantes galardones del cine español (Goya, Feroz y Forqué), con los cuales premiaron su interpretación. Pero, lamentablemente, no depende tan solo del actor el que una película despierte el suficiente interés, como es el caso de La niebla y la doncella, debut en la dirección de Andrés M. Koppel basado en una exitosa obra de  Lorenzo Silva que cuenta, además de con Álamo, con la participación de Quim Gutiérrez, Verónica Echegui, Aura Garrido o Paola Bontempi (que ofreció un do de pecho interpretativo en Ataúd de cristal), un elenco de lujo. Pues ni por esas. La niebla y la doncella, a pesar de algunos momentos en los cuales crea una atmósfera tensa, resulta algo confusa en su desarrollo, de tal forma que para cuando entendemos el quién y el porqué, ya había dejado de importarnos hacía rato. Lástima también haber echado a perder los bonitos escenarios canarios de la isla de la Gomera en los cuales se ha rodado.

 

REHENES  (Mzevlebi, Rezo Gigineishvili, 2017)

Georgia/Rusia/Polonia. Duración: 103 min. Guion: Lasha Bugadze, Rezo Gigineishvili Música: Giya Kancheli Fotografía: Vladislav Opelyants Productora: 20 Steps Productions / Inkfilm / Nebo Film Género: Drama

Reparto: Merab Ninidze, Darejan Kharshiladze, Avto Makharadze, Tina Dalakishvili, Mikheil Gomiashvili

Sinopsis: Año 1983. Un grupo de jóvenes de Georgia pertenecientes a familias de la élite intelectual, intentan huir de la Unión Soviética secuestrando un avión.

Con un cuidado diseño de producción, que añade aún más realismo a esta cinta, Rehenes consigue intrigar ya desde su inicio, casi parece que el grupo de jóvenes protagonista está planeando un atentado. No es así, tan solo quieren abandonar su claustrofóbico país secuestrando un avión.  No media ningún tipo de coartada política, no son revolucionarios, sólo quieren vivir en libertad. Necesitan huir del miedo a los comisarios políticos, de la corrupción que mina las instituciones (esos soldados que imponen maquinalmente las absurdas normas que les rigen, pero reclaman que compartan su tabaco americano), de tener que vivir a escondidas sus aficiones, huir incluso del temor contagioso de sus mayores. Todo lo que puede complicarse lo hará, bañando de sangre la operación fracasada.

Basado en un hecho real, la cinta de Rezo Gigineishvili va directa al estómago. La acción central tarda una hora en llegar mientras asistimos a los preparativos y, cuando llega, lo hace de la forma menos teatral posible, desnuda y liberada de todo artificio. Real. Una realidad triste, que no por conocida desde el prólogo de la cinta, deja de sumirnos a nosotros en su tristeza. La paleta que retrata la historia está dominada totalmente por las tonalidades frías, un color degradado que nos sumerge en la grisalla de aquella sociedad asfixiada por el poder soviético. Una grisalla que nos recuerda a la vez la que atravesamos nosotros mismos llena de fosas en las cunetas, nos recuerda la desazón de quienes ochenta años después todavía tienen que suplicar la justicia de la memoria histórica. Una justicia que nunca llega ni aquí ni allí.

Inteligente, creíble y bien interpretada, Rehenes es una de las raras películas de Europa del este que se estrenan en nuestras pantallas, y suponemos que lo hará en menos de las que se merece  esta nueva apuesta de Karma Films por la calidad.

 

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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 25 de agosto de 2017 *

EN EL LUGAR DEL SR. STEIN (Un profil pour deux, Stéphane Robelin, 2017)

Francia/Bélgica/Alemania Duración: 99 min. Guion: Stéphane Robelin Fotografía: Priscila Guedes Productora: Ici et Là Productions / La Compagnie Cinématographique / Detailfilm / Gasmia Film / MMC Movies / Panache Productions Género: Comedia

Reparto: Pierre Richard, Yaniss Lespert, Fanny Valette, Stéphanie Crayencour,Stéphane Bissot, Macha Méril, Gustave Kervern, Pierre Kiwitt, Anna Bederke

Sinopsis: Pierre, viudo y jubilado, no sale de su casa desde hace dos años. Descubre los placeres de Internet gracias a Alex, un joven contratado por su hija para enseñarle los rudimentos de la informática. En una web de citas, una joven encantadora, Flora63, seducida por el romanticismo de Pierre, le propone una primera cita. Enamorado, Pierre revive. Sin embargo, en su perfil ha puesto una foto de Alex en lugar de la suya. Pierre debe convencer al joven para reunirse con Flora en su lugar. 

Mis recuerdos sobre Pierre Richard se inician y terminan en los setenta, hace pues bastantes años.  Por entonces era un niño y tuve que sufrirlo, pues nunca me hizo gracia, en películas como El gran rubio con un zapato negro (Le grand blond avec une chaussure noire, Yves Robert, 1972) o La mostaza se sube a la nariz (La moutarde me monte au nez, Claude Zidi, 1974), comedias en las cuales este cómico bastante físico quedaba en mal lugar al compararlo con contemporáneos con Gene Wilder, Marty Feldman o el propio Woody Allen de entonces, con los que físicamente guardaba ciertas similitudes.  Los años han pasado y han hecho más justicia a Richard que a mí mismo. Ahora es un atractivo anciano, un actor que no ha parado de hacer películas en su país, aunque llevábamos muchos sin verlo en nuestras  pantallas: cinco ocasiones en más de 20 años.

Con un humor, como es natural, menos físico (la edad manda) Richard sale muy bien parado en su interpretación de este viudo algo cascarrabias que se siente inconsolablemente solo tras el fallecimiento de su esposa y que descubre la fantasía y la ilusión del amor vía Internet, aunque sea mediante una imagen falsa en una web de citas. Y es que aunque su corazón es joven, no lo es su aspecto, así que hace una pequeña trampa al subir la imagen al perfil del portal, utiliza la de Alex, su treintañero profesor de informática, al que responderá una atractiva joven belga. Cuando la muchacha toma la decisión de irle a visitar, Alex se verá obligado a suplantar al anciano. Y a partir de ahí, esta actualización 2.0 del Cyrano de Bergerac, se desarrolla como comedia de equívocos. Un vodevil ágil que juega con la habitual trama de engaños propia del género, mientras nos hace plantearnos temas tan importantes como si todo vale en la seducción, si lo que importa es el físico o si, al contrario, el amor nace cuando dos almas afines entran en contacto. El desarrollo de la idea argumental (y su consiguiente subtexto) conducirá al cambio del vodevil por la comedia romántica en su tercer acto. Esta evolución la singulariza y la llena de encanto.

En el lugar del señor Stein tiene momentos de gran comicidad, pero nos deja un regusto agridulce al salir del cine. Después de todo, hemos asistido a un relato sobre la soledad, el dolor de la pérdida y la reclusión en uno mismo que esta conlleva. La película nos invita, sin embargo, a no sucumbir ante ello, los personajes descubren (y nosotros con ellos) que la vida es demasiado volátil como para malgastar nuestro tiempo, que es necesario siempre aferrarse a la esperanza de salir adelante y de hacerlo, además, con el mejor humor posible.

 

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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 11 de agosto de 2017 *

EMOJI: LA PELÍCULA (The Emoji Movie, Tony Leondis, 2017)

USA. Duración: 86 min. Guion: Eric Siegel, Anthony Leondis Música: Patrick Doyle Fotografía: Animation Productora: Sony Pictures Género: Comedia de animación.

Sinopsis: Los protagonistas habitarán la misteriosa tierra de Textopolis, donde todos los emojis favoritos de la gente cobran vida, mientras esperan ser seleccionados por el usuario del teléfono. Todos los personajes tienen una sola expresión facial a excepción de Gen (TJ Miller), un emoji que nació sin filtro y se llena de múltiples expresiones. Para lograr ser normal, Gen se embarcará en una aventura o “app-ventura”, junto a sus amigos Hi-5 (James Corden) y Jailbreak (Ilana Glazer). Pero pronto, una gran amenaza hará que el destino de estos personajes dependa de los tres amigos, teniendo que salvar su mundo antes que sea borrado por completo.

Hoy llega a nuestros cines Emoji, la película, y lo hace precedida por los sangrantes comentarios de la crítica estadounidense que ha llegado a soltar perlas como las que recogemos aquí:”The Emoji Movie es un gran y humeante montón de mierda (…) Muestra lo bajo que puede caer Hollywood para conseguir dinero fácil” (New York Daily News); “Emoji apesta (¡cara triste!) (…) Por favor, restaura mis ojos a la configuración de fábrica (…) Un nuevo ejercicio de marketing sin alma, dirigido principalmente a niños pequeños” (New York Post); “Carece de humor, ingenio, ideas, estilo visual, actuaciones convincentes o cualquier otra característica distintiva que la convierta en algo que no sea una completa pérdida de tiempo“(The Wrap). Así las cosas, uno acude al cine con las más bajas expectativas posibles y, ya se sabe, se cumple la paradoja de que no te parece tan mal como para haberse merecido semejantes calificativos. Es cierto que la idea, animar los emojis, habría dado para más, que la animación no es muy brillante y la trama (subtexto incluido) no es demasiado original, pero sus 86 minutos pasan rápidos y su colorido la hará atractiva para los más pequeños. Uno tiene que recibirla con la mente de un niño de seis años para apreciarla, pero eso también es válido. Y es verano, y hace mucho calor, y los peques se ponen muy pesaditos, así que tenerlos concentrados durante hora y media es muy de agradecer, después de todo los valores que transmite no les van a resultar nocivos.

 

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