Archivo

Archive for the ‘VAMOS DE ESTRENO’ Category

VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 5 de octubre de 2018 *

ÁNIMAS (Laura Alvea y José F. Ortuño, 2018)

España. Duración: 85 min. Guion: Laura Alvea, José F. Ortuño Fotografía: Fran Fernández Pardo Productora: La Claqueta PC / Tito Clint Movies / Animas AIE / Raised by Wolves / Acheron Films Género: Drama fantástico

Reparto: Ángela Molina, Luis Bermejo, Chacha Huang, Clare Durant, Liz Lobato, Iván Pellicer

Sinopsis: Álex es una chica segura de sí misma, con una fuerte personalidad y gran tenacidad. Está muy unida a su mejor amigo Abraham, a quien brinda constante ayuda y apoyo, ya que Abraham es un chico tímido, retraído e inseguro, principalmente debido a la compleja relación con sus padres. Pero todo cambia cuando Daniel, el padre de Abraham, muere en un extraño accidente, cuya causa no está clara. A partir de este momento, Álex caerá en un viaje alucinatorio que la llevará a un descenso al infierno, donde la línea entre la realidad y la pesadilla se volverá borrosa hasta el punto en el que Álex comenzará a cuestionar los fundamentos de su propia existencia.

Ánimas adapta la novela homónima de José Ortuño, que en su traslado a la pantalla ofrece al espectador un paseo por la psique adolescente, sus temores y sus inquietudes. Y lo hace mediante un espectáculo visual, en el que el color, pero también los sonidos, son fundamentales para comunicar los estados de ánimo de los protagonistas. Y es que Ánimas es un cuidado trabajo de orfebrería repleto de detalles. Muchos detalles. Pero todos ellos con utilidad y al servicio de la narración.

Ortuño y Alvea demuestran su experiencia en el campo de la publicidad al aprovechar cada pulgada de celuloide (o lo que diablos sea) para dar luminosidad y belleza, pero sobre todo información. Pues son los gestos y expresiones de los protagonistas, así como la escenografía de las escenas los que, en gran parte, cuentan lo que está sucediendo y llevan a espectador a donde los directores quieren.

Y es que los autores juegan al despiste.

Una historia de adolescentes. Amores y desamores. Violencia doméstica,  autolesiones. Pero también espíritus, fantasmas, oscuridad… ánimas.  Sobresaltos, sustos y todos los elementos del fantástico al servicio de una original historia muy alejada de esos estereotipos. Pero ya les hemos dicho que los directores juegan al despiste. Y demasiado les estamos contando, pues conviene no ofrecer mucho ya que el factor sorpresa es importante.

El reparto resulta perfecto: los dos jóvenes protagonistas, que debutan en el cine con esta cinta, demuestran oficio, en especial Clare Durant. Y siempre resulta agradable reencontrarse con una veterana como Ángela Molina, que interpreta un papel secundario pero fundamental en la historia. La más fina fornitura para una maquinaria que funciona a la perfección.

Elementos oníricos, reflejos múltiples, tono inquietante. Ánimas demuestra que aún se puede innovar en el fantástico sin inventar nada nuevo, tan solo jugando con los recursos clásicos de una forma original. Sin agujeros de guión, con todos los detalles explicados de manera natural, con los engranajes encajando mágicamente hasta retornar, al finalizar, al protagonista y al espectador, a la realidad que les envuelve día tras día. Vida tras vida.

katiacasariego@gmail.com

Categorías:VAMOS DE ESTRENO

VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 28 de septiembre de 2018 *

28 septiembre 2018 Deja un comentario

SEARCHING (Shane Black, Aneesh Chaganty, 2018)

USA. Duración: 101 min. Guion: Aneesh Chaganty, Sev Ohanian Música: Torin Borrowdale Fotografía: Juan Sebastian Baron Productora: Stage 6 Films / Bazelevs Entertainment / Bazelevs Production. Distribuida por: Sony Pictures Releasing / Screen Gems Género: Thriller. 

Reparto: John Cho, Debra Messing, Joseph Lee, Michelle La, Sara Sohn

Sinopsis: Después de que la hija de 16 años de David Kim (John Cho) desaparece, se abre una investigación local y se asigna una detective al caso. Pero 37 horas más tarde y sin una sola pista, David decide buscar en el único lugar donde nadie ha buscado todavía y donde se guardan todos los secretos hoy en día: el ordenador portátil de su hija.

Aunque narrar una historia mediante pantallas no es, ni mucho menos, una novedad (tan solo hace falta recordar Redacted de Brian de Palma y Open Windows de Nacho Vigalondo), Searching puede presumir de contar una historia de intriga mediante las pantallas de los dispositivos tecnológicos que tan familiares nos resultan a todos, investigando y rastreando en los perfiles de las redes sociales de una adolescente desaparecida. Buceando en ellos el padre de la muchacha, interpretado convincentemente por John Cho, averiguará algo que todo padre teme averiguar: que su hijo es un desconocido. Pero Searching también demostrará lo engañoso que puede resultar el anonimato proporcionado por internet, bajo cuya máscara tan fácil es el embeleco en las redes sociales

La película de Aneesh Chaganty lejos de resultar aburrida o monótona conseguirá, ya desde su modélico inicio, intrigar y mantener al espectador pendiente de la historia y de sus sorprendentes giros. 

Ganadora del Premio del Público “Best of Next” en el último Festival de Sundance y con un excelente consenso por parte de la crítica, Searching es un experimento que supera con éxito su intención de intrigar y sorprender.

EL REVERENDO (First Reformed, Paul Schrader, 2017)

USA. Duración: 108 min. Guion: Paul Schrader Música: Nicci Kasper, Brian Williams Fotografía: Alexander Dynan (B&W) Productora: Killer Films / Arclight Films / Omeira Studio Partners. Distribuida por A24 Género: Drama

Reparto: Ethan Hawke, Amanda Seyfried, Michael Gaston, Cedric the Entertainer,Victoria Hill, Philip Ettinger, Bill Hoag, Michael Metta, Frank Rodriguez,Mahaleia Gray, Elanna White, Satchel Eden Bell, Joseph Anthony Jerez,Jake Alden-Falconer, Otis Edward Cotton, Delano Montgomery

Premios y festivales:

  • Festival de Venecia 2017: Premio Green Drop, nominada al León de Oro.
  • Festival de Toronto 2017: Sección Oficial.
  • Premios INOCA 2018: Nominada a Mejor Película, Mejor Actor, Mejor Director, Mejor Guión Original.
  • Festival Internacional de Cine FEST 2018: Mejor Director.
  • Festival de Telluride 2018: Sección Oficial.
  • Festival de Montclair 2018: Mejor Película.
  • Festival de Seattle 2018: Nominada a Mejor Actor.
  • Festival de Múnich 2018: Nominada a Mejor Película Internacional.

Sinopsis: El reverendo Ernst Toller (Ethan Hawke) es un párroco solitario de una pequeña iglesia en el estado de Nueva York. La iglesia, que está a punto de celebrar su 250 aniversario, es ahora una atracción turística que atiende a una congregación menguante. Es además eclipsada por su iglesia matriz cercana, Abundant Life, y sus instalaciones de vanguardia y cerca de 5,000 miembros. Cuando una feligresa embarazada (Amanda Seyfried) le pide al reverendo que aconseje a su marido, un ecologista radical, Toller se sumerge en su atormentado pasado y se encuentra a sí mismo cuestionando su futuro y el paradero de la redención. Con la presión sobre él en continuo crecimiento, deberá hacer lo posible para evitar que todo termine fuera de control.

Versus Entertainment y Festival Films presentan El reverendo (First Reformed), un emocionante thriller del guionista y director Paul Schrader (Taxi Driver, American Gigoló, Toro salvaje).

Con un elenco sobresaliente que incluye al nominado al Oscar Ethan Hawke (BoyhoodMaggie’s PlanAntes del atardecer)Amanda Seyfried (Los MiserablesTwin PeaksMamma Mia) y Cedric Kyles (Larry CrowneBarbershop), Schrader ha lanzado una emocionante y feroz película que presenta una actuación absolutamente hipnotizante de Hawke en el papel principal. Compulsiva, enervante y estimulante en la misma medida, El reverendo (First Reformed) obtuvo excelentes críticas en los festivales de TorontoTellurideVenecia Nueva York.

Para un extenso comentario: CLICK AQUÍ

 

Categorías:VAMOS DE ESTRENO

El reverendo (First Reformed), tenue atisbo de esperanza

27 septiembre 2018 Deja un comentario

¿Se han preguntado alguna vez qué ocurriría si cruzáramos al pastor Tomas Ericsson con Travis Bickle? La respuesta nos la trae Paul Schrader: del maridaje de ambos, sólo puede nacer el Reverendo Toller, un personaje complejo en el que Ethan Hawke se muestra a la altura de Gunnar Björnstrand y Robert de Niro. Con El reverendo (First Reformed), Schrader revisita al Bergman de Los comulgantes y reinterpreta su propia criatura de Taxi Driver, logrando una obra que parece entablar diálogo  con el Silencio de Martin Scorsese. Sobre estos sacerdotes de celuloide pende una Espada de Damocles que se presenta como crisis interior, como viaje hasta el final de la creencia, que les lleva a cuestionar el sentido de las virtudes teologales (fe, esperanza y caridad) para concluir que hay que aceptar que estas no son sino unidas a sus opuestos. Así el reverendo Toller afirmará que de la existencia de la desesperación se deriva el surgimiento de la esperanza. Una verdad trágica  (por ser dialéctica) que sólo pueden soportar los fuertes de espíritu.

You talkin’ to me? La interrogación de Travis es la pregunta que los protagonistas de Bergman y Schrader parecen formularse, el diálogo con Dios es lo que está en juego. Pero la actitud de Toller no es la misma que la de Ericsson, mientras al pastor sueco le pesa la ausencia suprema, el silencio de Dios, el reverendo de Schrader se duele de su incapacidad para orar. El estadounidense, pues, invierte el foco y con ello el drama se sitúa del lado humano y no del divino, un giro que parece permitir entrar un tenue soplo de libre albedrío en el seno de la asfixiante lectura protestante de la fe. En El reverendo parece que todavía está un poco en manos de los hombres la posibilidad de emprender la acción que permita alterar el destino de la humanidad. Schrader concede cuanto menos el beneplácito de la duda a la afirmación de que los hombres pueden alcanzar la salvación por sus méritos, sin quedar supeditados a una predestinación ineludible nacida de un Dios implacable y arbitrario. Es por eso que en el tercer acto abandona la falsilla de Los comulgantes y Toller se convierte, en su desesperación, en un semidios dispuesto a sacrificar su vida (como hace el Hijo de Dios) en aras de un bien más grande. Un héroe, por tanto, cien por cien schradiano que nos trae una brizna de esperanza.

Los chinos han sido educados en el odio y tienen la bomba atómica” dice el personaje de Max von Sydow en Los comulgantes, poco antes de suicidarse. Su sosias en el filme de Schrader es un activista que ha desesperado de su lucha, el mundo que dejaremos a nuestros hijos habrá agotado sus recursos naturales por culpa del afán de desarrollo del capitalismo salvaje al que parece condenada irremediablemente la humanidad. Cada época tiene sus propios miedos, relajada la tensión entre los bloques, aparcada la Guerra Fría, la hecatombe nuclear ha dejado de ser un temor atenazante, pero han aparecido nuevos fantasmas, el cambio climático, la crisis energética, el colapso del planeta por la extinción de los recursos, son ahora los centros de nuestra atención y la fuente de nuevas lecturas apocalípticas (de hecho, el Apocalipsis de Juan de Patmos puede ser leído en clave de catástrofe ecológica). El objeto del pánico cambia, pero, en definitiva, lo que nos aterra es lo mismo: el fin de la especie humana causado por la propia acción del hombre. Para Toller arruinar la creación es el pecado que no recibirá perdón, incapaz de orar, habrá de tomar la determinación de pasar a la obra y aportar su pequeño grano de arena para combatir a los agentes del mal.

Sepulcros blanqueados, Schrader pone en la mirilla a todos aquellos que lucen su piedad ante la comunidad mientras de su ambición se deriva la aniquilación del mundo. Negacionistas del cambio climático, capitalistas desaforados que no detienen ante nada su afán de ganancia, hombres de fe que acogen en el seno de su iglesia a estos lobos con piel de cordero con tal de conseguir llenar sus templos. Dos formas de religiosidad están en juego, frente a la sobriedad austera de la iglesia de Toller, First Reformed, y su menguada congregación, nos encontramos con Abundant Life, con sus instalaciones de vanguardia y sus cinco mil feligreses. La mesura de la confesión original, frente a la religión como espectáculo que busca adeptos tal como los medios sensacionalistas buscan audiencia.

Dos mujeres en torno a Toller, dos formas de vivir la fe. La beatería de Esther (Victoria Hill) que mira hacia el pasado, frente a la sinceridad de Mary (Amanda Seyfried) que apunta hacia el futuro. La fe que constriñe opuesta a la fe que alienta. Mary, esa María encinta que trae esperanza y ganas de vivir. Si alguna redención es posible, vendrá de la mano de aquello que representa la honestidad. Una honestidad que aparta la cólera. Mary es la fuente de amor que aplaca el ansia de aniquilación, la mujer justa que habría impedido la asolación de Sodoma y Gomorra. Mary trae la paz de espíritu necesaria para soportar la carga de la incertidumbre. Más  allá aún, es la que aporta la posibilidad de deponer la duda. Es la que refresca y reconcilia.

Schrader nos obsequia un filme de preciosa puesta en escena. Largos planos que componen cuadros geométricos como forma de expresar la severidad, la frialdad, de la desesperación. Sin música, para comunicar el tormento de un pastor que ha perdido el consuelo de la oración. Y juega con el tempo para sumergirnos en la tortura de la duda. Un ritmo pausado en el inicio que irá acelerándose conforme avanza la trama, conforme Toller va modificando su conducta, desde el dolor de su crisis de fe, hasta la ferocidad de su toma de decisión por el combate contra los nuevos fariseos que están llevando al planeta al límite, a la destrucción. Schrader demuestra una vez más su maestría para enfrentar temas complejos y lo hace ayudado por unos actores absolutamente sumidos en su papel que nos regalan interpretaciones convincentes y contenidas, no hay espacio para el histrionismo en esta cinta que nos lleva de viaje por las simas de la fe y los recovecos del activismo.

El reverendo sacude nuestra conciencia. Nos advierte sobre el peligro de la pasividad. Y nos deja suspendidos ante la pregunta por si es posible detener el tren que puede conducirnos a la autodestrucción. Funde a negro y nos siembra la inquietud. Schrader nos desasosiega, a la vez que nos hace ver un hilo de esperanza al final del túnel. Tal vez todavía estamos a tiempo de salvarnos.

‘Diana’ de Alejo Moreno: desvelando la doble moral

20 septiembre 2018 Deja un comentario

El dormitorio de un piso de la castellana, Madrid, es el dormitorio de Sofía (Ana Rujas), una escort de lujo. Un nuevo cliente, Hugo (Jorge Roldán), descubre el misterioso nombre que ella tiene tatuado en su pierna: “Diana”. ¿Podría ser ese su nombre real? Pero Hugo es realmente un pseudónimo de Jano, un educado hombre de negocios que no desea revelar su verdadera identidad ante su “acompañante”. El piso de Sofía se convierte entonces en el escenario de un perturbador juego donde poco a poco se van revelando las personalidades que ambos ocultan.

Calificada en algún medio como thriller erótico (que en buena medida lo es), el debut en el largo de ficción de Alejo Moreno es una cinta que no se deja encerrar en una sola categoría, porque el filme se deja desvestir en varias capas componiendo una obra poliédrica en la que la forma es tan relevante como el fondo. Lejos de los trabajos mainstream, Diana es un claro ejemplo de otro cine más humilde, independiente y de bajo presupuesto, pero que nos ofrece resultados que a veces sobrepasan en interés a aquellos que alumbra la industria. El de Alejo Moreno es un nombre que se deja escribir junto a otros que ya nos resultan más conocidos, como Norberto Ramos del Val (Summertime, título que comparte actriz con el que estamos analizando), Carlos Marques-Marcet (10.000 Kilómetros), Joaquín Oristrell (Hablar), Juan Cavestany (Gente en sitios), o el mismísimo Carlos Vermut, que hizo más visible este nuevo cine español con su segunda película, Magical girl,que le valió la Concha de oro a mejor director, pero que debutó con Diamond flash una cinta que llevó adelante con sólo 11.000 euros y que le mereció, ya, ser considerado como un cineasta de culto. Diana demuestra que no son los medios de los que se dispone sino el talento creativo (que suple con imaginación lo que el presupuesto no aporta) el que permite alumbrar pequeñas-grandes piezas, después de todo una orquesta de cámara no tiene nada que la haga menor que una orquesta sinfónica.

Y eso es lo que nos trae Moreno: una opera de cámara que, con sólo dos protagonistas, es capaz de radiografiar la sociedad en la que nos movemos, con sus brechas sociales, su mercantilismo salvaje y sus enormes dosis de hipocresía. Diana no es un relato fácil. No lo es desde la forma que elige para expresarse, una puesta en escena alambicada que tiende al barroquismo visual, con su proliferación de picados, planos cortos y diálogos no sincronizados con la imagen que aparece en pantalla. Ni lo es por su discurso, Moreno busca incomodarnos, rompernos los esquemas y provocarnos. Su retrato de la prostitución de lujo no va a ganarse el favor de muchos progresistas que piden la abolición del llamado oficio más viejo del mundo. Sofía es una escort satisfecha de serlo, que prefiere ese trabajo de acompañante a cualquier empleo de becaria al que le habilitaría su licenciatura, gana mucho dinero y su esfuerzo es casi menor que el que requieren esos trabajos precarios y mal pagados. Sofía no quiere ocultarse ni quiere ser salvada, es dueña de sí misma y muy capaz de manejar los hilos de aquellos con los que tropieza. En este sentido, Diana resulta como un puñetazo en el estómago que no está lejos de otra pequeña-gran obra, Alanis de Anahí Berneri.

Pero, el filme no se agota aquí, su expresión del poder de lo erótico trae de la mano un mucho de denuncia social. Jano es un emprendedor, esa palabra tan de moda que quiere suavizar la carga negativa que acompañaba al término empresario, patrono, amo. No tiene entrañas, es capaz de engañar, de estafar a quienes confían en él mientras exhibe una faz de soñador que sólo aspira a darle a los humanos herramientas para progresar. Su nombre es una metáfora, no por obvia mal traída, y el personaje un arquetipo, es un ser de doble rasante que, bajo su agradable apariencia, esconde a un depredador que cree que todo puede comprarse, por eso no es vano que esté leyendo El extraño caso del doctor Jekyll y el señor Hyde, otra referencia obvia pero efectiva.

Sin embargo, Jano no es el único hipócrita empeñado en esconder sus instintos detrás de un rostro amable. Ni los empresarios los únicos que están bajo el punto de mira del director. Ahí está la prensa, aparentemente empeñada en sacar a la luz los fraudes, pero que en verdad busca escalar puestos en el share dándole a la audiencia lo que quiere escuchar. Porque, en verdad, somos todos los que queremos mantenernos en nuestras creencias, esos supuestos principios que nos dan identidad, no queremos ser movidos de nuestro discurso y con esa actitud alentamos los engaños y nos autoengañamos mientras mantenemos la conciencia tranquila. Diana viene a sacarnos de nuestra zona de confort, a hacer que nos preguntemos si no somos nosotros mismos ejemplos de la doble moral que parece cernirse sobre nuestra sociedad. Quizás ninguno de nosotros es inocente ante esa construcción, tan políticamente correcta, de un nuevo modelo de puritanismo, de la nueva censura que no es ejercida (o al menos no solo) desde instancias externas sino desde el actuar cotidiano con el que presionamos y somos presionados. Todos somos artífices de ella, todos nos merecemos que, en riguroso directo y en horario prime time, alguien nos espete un “soy puta y vengo a desarmarte”.

Diana, pues, nos obliga a mirar lo que no queremos ver. Y lo logra también gracias al buen trabajo actoral de sus interpretes. Jorge Roldán es convincente en su representación de cazador-cazado, de hombre sin escrúpulos que se esconde detrás de un rostro sonriente en el que queremos ver a un creativo, a un hombre de éxito, a un líder que viene a traernos un mundo mejor, mientras en verdad lo que pretende es explotarnos y arruinarnos. Pero, si Diana resulta fascinadora, es por la enorme presencia de una felina Ana Rujas capaz de llenar la pantalla y de mantener la espina dorsal del filme ella sola.

Diana es una cinta que no va a contentar a todos, pero ya está bien que esa sea la reacción de parte del público. Al fin y al cabo, ello vendrá a certificar que el trabajo de Alejo Moreno da de pleno donde quiere golpear. En la boca de nuestro estómago.

Categorías:VAMOS DE ESTRENO

VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 14 de septiembre de 2018 *

14 septiembre 2018 Deja un comentario

PREDATOR (The Predator, Shane Black, 2018)

USA. Duración: 101 min. Guion: Shane Black, Fred Dekker (Personaje: Jim Thomas, John Thomas) Fotografía: Larry Fong Productora: 20th Century Fox / Davis Entertainment / TSG Entertainment / Canada Film Capital / Dark Castle Entertainment Género: Ciencia ficción

Reparto: Olivia Munn, Boyd Holbrook, Trevante Rhodes, Sterling K. Brown, Jacob Tremblay,Jake Busey, Edward James Olmos, Yvonne Strahovski, Thomas Jane,Keegan-Michael Key, Kyle Strauts, Alfie Allen, Niall Matter, Paul Lazenby,Crystal Mudry, Devielle Johnson, Augusto Aguilera, Andrew Jenkins, Dean Redman,Rhys Williams, Steve Wilder

Sinopsis: Cuando un niño accidentalmente desencadena el regreso a la Tierra de los depredadores, solo un grupo de ex soldados y una profesora de ciencias podrán evitar, quizá, el fin de la raza humana a manos de estos seres, los cazadores más letales del universo. Ahora más fuertes, más inteligentes y más mortales que nunca. Mejorados genéticamente con ADN de otras especies.

Predator retoma la saga donde se quedó y añade pocas novedades a la fórmula original, si acaso unas saludables dosis de humor. Un humor sutil, de sorpresa, de más difícil todavía que sabrán apreciar los que no buscan la película de su vida, sino tan solo una muy buena tarde de evasión en el cine. Que no es poco.

La película de Shane Black, que como actor formó parte del reparto del film original, es una buena combinación de géneros, mostrando respeto por todos ellos. La sangre, tanto humana como la verde fosforito ‘Acid House‘ se recupera, y los comandos y la selva serán protagonistas y escenario de parte de la acción. Pero Black jugará al despiste con el espectador, abriendo nuevos campos de acción e introduciendo (¡horror!) un niño Asperger a la trama, sin que por ello el espectador tenga que salir corriendo de la sala. Todo funciona. E incluso se hace referencia a las visitas anteriores que los cazadores hicieron a nuestro planeta.

Como ya hemos indicado esta nueva Predator también tiene como protagonista a un grupo de comandos, sí, pero al contrario de lo que suele ser habitual, el grupo no incluye un soldado zumbado, aquí lo estarán todos, lo cual dará pié a algunas situaciones de lo más interesantes y ofrecerá pistas al espectador de por donde irán los tiros, sin que ello signifique que no se trate de una muy entretenida película de acción y terror, respetuosa con la película de 1987. Además del niño, también se unirá a la acción una científica que le cogerá rápidamente el tranquillo a las armas de fuego. Todo ello regado con cierto aroma 80’s pero sin nostalgias.

Una combinación de géneros químicamente perfecta con la que cerrar este verano a lo grande y cuyo final, dé paso a secuela o no, es uno de los más prometedores que hemos podido ver ultimamente.

 

Categorías:VAMOS DE ESTRENO

VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 7 de septiembre de 2018 *

7 septiembre 2018 Deja un comentario

I LOVE DOGS (Dog Days, Ken Marino, 2018)

USA. Duración: 112 min. Guion: Elissa Matsueda, Erica Oyama MúsicaMatt Novack, Craig Wedren Fotografía: Frank Barrera Productora: LD Entertainment Género: Comedia

Reparto: Nina Dobrev, Vanessa Hudgens, Adam Pally, Eva Longoria, Rob Corddry, Tone Bell,Jon Bass, Michael Cassidy, Thomas Lennon, Tig Notaro, Finn Wolfhard,Ron Cephas Jones

Sinopsis: “I Love Dogs” sigue la vida de varios dueños de perros y a las propias mascotas en la soleado Los Ángeles. Cuando los caminos de estos humanos y sus perros comienzan a entrelazarse, sus vidas comienzan a cambiar en formas que nunca esperaron.

Vidas de perros y de humanos se entremezclan en esta cinta de encuentros, de adopciones, de amores a primera vista y de encantamientos a distancia. Humor y amor para toda la familia dirigida por el actor Ken Marino, que pasa al otro lado de las cámaras para hacerse cargo de esta comedia apta para todos los públicos que muestra los fuertes vínculos afectivos que se generan entre los perros, entre los dueños, y entre perros y dueños.

Una comedia coral cargada de humor blanco apta para todos los públicos que cuenta con un reparto, en su parte humana, encabezado por Eva Longoria (“Mujeres desesperadas”) y Vanessa Hudgens (Saga High School Musical, Spring Breakers) secundadas por Finn Wolfhard (It, Stranger Things), Nina Dobrev (Las ventajas de ser un marginado, Crónicas vampíricas), Adam Pally (Iron Man 3) y Tig Notaro (Transparent). 

Una ocasión de pasar un buen rato a base de cine “sin malas pulgas” con el que despedir este caluroso verano.

Categorías:VAMOS DE ESTRENO

VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 31 de agosto de 2018 *

YUCATÁN (Daniel Monzón, 2018)

España. Guion: Daniel Monzón, Jorge Guerricaechevarría Música: Roque Baños Productora: Ikiru Films / Telecinco Cinema Género: Comedia

Reparto: Luis Tosar, Rodrigo de la Serna, Joan Pera, Stephanie Cayo, Toni Acosta,Adrián Núñez, Txell Aixendri, Angelo Olivier, Alicia Fernández, Leticia Etala,Xavi Lite, Cristóbal Pinto, Óscar Corrales, Joche Rubio, Alex Amaral,Aranzazu Coello

Sinopsis: Lucas (Luis Tosar) y Clayderman (Rodrigo de la Serna) son dos estafadores, profesionales del engaño a turistas ingenuos en cruceros de lujo. Hace años trabajaban juntos, pero la rivalidad por Verónica(Stephanie Cayo), la bellísima bailarina del barco, les hizo perder la cabeza y dio al traste con su sociedad. Ahora trabajan por separado, Lucas en el Mediterráneo y Clayderman en el Atlántico. Ese fue el acuerdo. Pero un inesperado botín impulsa a Lucas a irrumpir en el barco de su exsocio, lo que convierte la exótica travesía de Barcelona a Cancún, pasando por Casablanca, Tenerife, Brasil y la selva de Yucatán, en un encarnizado duelo de tramposos sin ninguna regla, pero muchos golpes bajos…

La acción de la última película de Javier Monzón se sitúa en un crucero, una Rue del Percebe donde conoceremos a varios personajes que progresivamente se irán interrelacionando. Canallas, buscavidas y timadores competirán a bordo por encontrar un primo a quien engañar. Nacerán amores mecidos por la música y el glamour. Y la intriga se desarrollará con una cadencia que tiene mucho de cine clásico, pues la acción podría trasladarse sin problema a los años 30 y estar protagonizada por Gary Cooper, William Powell y Marlene Dietrich, por decir tres nombres. Al menos hasta que comienza a salir algún gag escatológico y los cuñados hacen su entrada, sin que por ello se empañe el desarrollo de esta magnífica comedia. 

El que su acción se desarrolle en un crucero ofrece la oportunidad a Monzón de rodar en escenarios exóticos durante las escalas: de las favelas de Brasil, al Teide en Tenerife, y de ahí a el zoco de Casablanca. Más clásico y cinematográfico, imposible.

El apartado actoral está magníficamente bien resuelto con Luis Tosar, Rodrigo de la Serna y Stefanie Cayo, el trío protagonista, que quedan, eso sí, ensombrecidos por Joan Pera, actor que consigue que nos preguntemos porqué no se prodiga más en cine. Un Joan Pera con todos los números para recoger un Goya como secundario por su trabajo en Yucatán.

¿Le ponemos algún pero? Vamos allá: algunas situaciones resultan previsibles y el ritmo va decayendo hacia la última media hora de su, quizás, excesivo metraje, pues los guionistas, el propio Monzón junto a Jorge Guerricaechevarría,  parecen tener una necesidad, posiblemente excesiva, de dejar atadas y bien atadas todas las subtramas.

 

Categorías:VAMOS DE ESTRENO
A %d blogueros les gusta esto: