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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 24 de marzo de 2017 *

UN HOMBRE LLAMADO OVE (En man som heter Oveaka, Hannes Holm, 2015)

Suecia  Duración: 116 min. Guion: Hannes Holm (Novela: Fredrik Backman) Fotografía: Göran Hallberg Productora: Film i Väst / Nordisk Film / Nordsvensk Filmunderhallning / Sveriges Television (SVT) / Tre Vänner Produktion AB Género: Comedia dramática
Reparto: Rolf Lassgård, Bahar Pars, Filip Berg, Ida Engvoll
Sinopsis: Ove (Rolf Lassgard) es el gruñón de la urbanización. Un hombre solitario y obsesionado por las normas, que lleva de cabeza a todo el vecindario. Su mal humor empeora cuando es forzado a jubilarse de la empresa en la que ha trabajado toda su vida. Pero su vida da un giro cuando la iraní Parvaneh (Bahar Pars) y su familia se convierten en sus nuevos vecinos.

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Una  comedia naif y para toda la familia que se las ingenia, de camino, para denunciar la intolerancia hacia emigrantes, homosexuales e incluso gatos. Aunque ya desde el principio sabemos que el mezquino y cascarrabias Ove terminará siendo un ángel para sus vecinos en lugar del molesto vigilante obsesionado con las normas de convivencia de la urbanización. Ser anticipable no le resta interés a la cinta, que se ve con agrado y algo de placer culpable ante el exceso de buenismo que derrocha.

Humor blanco por mucho que la historia arranque con el intento de suicidio del protagonista. De hecho, resulta muy ingenioso como el director introduce los flashbacks durante los diferentes intentos de Ove de quitarse la vida. Mediante estas visitas al pasado sabremos los motivos que llevaron a Ove a alcanzar y perfeccionar ese grado de mezquindad que le ha convertido en persona non grata en todo el vecindario.

Basada en la novela ‘En man som heter Ove‘, ópera prima del escritor sueco Fredrik Backman que ha sido publicada en más de 30 países, tiene, como casi todas las primeras novelas, mucho de autobiográfico: si en la novela uno de los personajes clave es una emigrante iraní y parte de la acción se desarrolla en Palma de Mallorca, en la vida real la esposa del escritor es de origen iraní y una gran enamorada de Barcelona.

Ingeniosa, sencilla y deliciosa, a pesar de los inconvenientes señalados en relación con su exceso de melaza, nos parece una cinta recomendable ya que en estos tiempos que nos han tocado, no está de más llevarse en el corazón una buena ración de buenos sentimientos, que no por escasos dejan de ser necesarios.
2016: Premios Oscar: Nominada a mejor película de habla no inglesa y maquillaje
2016: Premios del Cine Europeo: Mejor comedia europea
2016: Satellite Awards: Nominada a Mejor película de habla no inglesa
2015: 3 Premios Guldbagge, incluyendo mejor actor (Lassgård). 6 nominaciones

LA CURA DEL BIENESTAR (A Cure for Wellness, Gore Verbinski, 2016)

USA/Alemania Duración: 156 min. Guion: Justin Haythe, Gore Verbinski Música: Benjamin Wallfisch Fotografía: Bojan Bazelli Productora: New Regency Productions / Blind Wink Productions / Studio Babelsberg Género: Thriller

Reparto: Dane DeHaan, Jason Isaacs, Mia Goth, Susanne Wuest, Celia Imrie, Lisa Banes,Adrian Schiller, Ivo Nandi, Natalia Bobrich, Johannes Krisch, Jason Babinsky,Judith Hoersch, Jeff Burrell, Eric Todd, Godehard Giese, Craig Wroe
Sinopsis: Un joven y ambicioso ejecutivo de empresa (Dane DeHaan) es enviado para traer de vuelta al CEO de su compañía, que se encuentra en un idílico pero misterioso “centro de bienestar”, situado en un lugar remoto de los Alpes suizos. El joven pronto sospecha que los tratamientos milagrosos del centro no son lo que parecen. Cuando empieza a desentrañar sus terribles secretos, su cordura será puesta a prueba, pues de repente se encontrará diagnosticado con la misma y curiosa enfermedad que mantiene allí a todos los huéspedes, deseosos de encontrar una cura.

La cura de bienestar es una magnífica propuesta de cine de terror, con aires muy clásicos pero desarrollada en pleno siglo XXI. Mad doctors que descubren su rostro desfigurado como Erik, el fantasma de la ópera; sectas siniestras; un balneario con aspecto de castillo tenebroso ubicado en la cima de una montaña (Hohenzollern, Alemania); lúgubres laboratorios con instrumental del siglo XIX …  Un entorno inmejorable y un argumento que construye una interesante intriga la cual se desarrolla con una cadencia casi onírica, mezcla de realidad y alucinación, creando un universo irreal, misterioso. Pero… lamentablemente tropezamos con un pero.

Para un sector de la crítica, la más especializada en cine fantástico y de terror, y un sector del público, el amante del género, esta cinta resultará una exquisitez. Digresiva y desmesurada, pero también estimulante y arriesgada. Una anomalía hollywoodiense destinada a convertirse en filme de culto. Y advertirán en las redes sociales, a otros que saben iguales a ellos, que se apresuren en verla sin dilaciones porque la cinta durará poco en cartel. Seguramente les asista la razón y es que, ahí va el pero prometido, La cura del bienestar es imperfecta por su exceso, por no saber renunciar a referencias (¡hasta hay un celador que lee La Montaña Mágica!), por no saber renunciar a ninguna imagen sugerente aunque eso suponga que su guión vaya teniendo más y más aristas. Es desmesurada pero no sublime. Será de culto, pero unos cuantos toques de tijera aquí y allá podrían haberla convertido en una buena película.

Rodada con gran preciosismo y un cuidado especial en el detalle, cuenta con Dane DeHaan, un prometedor actor desde que lo descubriéramos en  Chronicle (Josh Trank, 2012), y la dulce y enigmática Mia Goth, que le prestan su belleza y juventud como contrapunto a ese universo enfermo que desgrana. Con sus inconvenientes, que la harán de difícil aceptación por el público más generalista, no deja de ser una propuesta interesante, de las que apetece volver a revisar con más detenimiento. Si la película fuera un buen vino, la nota de cata rezaría: persistente en la memoria.

 

RARA (Pepa San Martín, 2016)

Chile/Argentina. Duración: 93 min. Guion: Pepa San Martín, Alicia Scherson Música: Ignacio Pérez Marín Fotografía: Enrique Stindt Productora: Manufactura de Películas / Le Tiro Cine Género: Drama
Reparto: Julia Lübbert, Emilia Ossandón, Mariana Loyola, Agustina Muñoz, Daniel Muñoz,Coca Guazzini, Sigrid Alegría, Micaela Cristi
Premios
2016: Festival de San Sebastián: Mejor película latinoamericana
Estamos ante un drama realista magníficamente relatado y retratado mediante planos secuencia y una puesta en escena detallada al milímetro con el fin de evitar artificios de cámara. Se mueve tan solo lo imprescindible para acompañar siempre el punto de vista de la protagonista, la adolescente Sara (Julia Lübbert). Llega incluso, en muchas ocasiones, evitar el contraplano, cosa que consigue gracias al cambio de punto de enfoque dentro de un mismo encuadre.
 
Sara vive con su hermana pequeña, Cata (Emilia Ossandon), Paula (Mariana Loyola), su madre y su pareja Lia (Agustina Muñoz).  La directora nos muestra la ordenada y feliz convivencia de esta familia. Completada con las visitas y fines de semana que ambas niñas pasan con su padre y su esposa. Reina la normalidad, pero la bisoñez adolescente de Sara y sus propios primeros escarceos amorosos le hacen pensar que su familia es rara.
Siente vergüenza de que la pareja de su madre sea de su mismo sexo, no quiere que sus amistades la vean en ese ambiente,  por ello llega a organizar la fiesta de su trigésimo cumpleaños en casa de su padre. Una situación producto de la confusión que le causa su edad pero que tendrá unas consecuencias inesperadas.
Lo mejor de esta película, además de la normalidad con la que trata la situación, está en como lo cuenta, de forma cotidiana, sin subrayados. No hay discursos ni proclamas, a diferencia de lo que sucede con otras películas provenientes de la otra América, la del norte.  No se nos muestra el juicio por la custodia de Paula (y la de su hermana pequeña a la que ni siquiera consultan), ni la campaña mediática que la madre y su pareja organizan para dar visibilidad a su realidad y a la condición homofóbica de la demanda del padre, ni se extiende en mostrar detalles del rechazo de otras personas de su entorno. En suma no cae en las argucias tramposas del cine más comercial que habrían convertido la trama en carne de lágrima fácil y alma moralizante. Rara no es una historia de buenos y malos, sino de personas que  tropiezan con los prejuicios de la sociedad. Son esos prejuicios los que confunden a Paula en el momento de su despertar adolescente. Cuando comprenda su error, ya será demasiado tarde.
Remarcable primera incursión  en el largometraje de su directora, Pepa San Martín, que ha sabido sacar lo mejor de sus magníficas actrices, en especial de las pequeñas, que realizan un trabajo de una naturalidad magistral.

 

REDENCIÓN (Southpaw, Antoine Fuqua, 2015)

USA/Hong-Kong Duración: 124 min. Guion: Kurt Sutter Música: James Horner Fotografía: Mauro Fiore Productora: Escape Artists / Fuqua Films / Riche Productions Género: Drama

Reparto: Jake Gyllenhaal, Forest Whitaker, Rachel McAdams, Oona Laurence, Victor Ortiz,Naomie Harris, Curtis ’50 Cent’ Jackson, David Whalen, Caitlin O’Connor,Dominic Colón, Rita Ora, Miguel Gómez, Malcolm M. Mays, Adam Ratcliffe,Jeremy Longa

Sinopsis: Billy “El Grande” Hope, campeón del mundo de los pesos semipesados de boxeo (Jake Gyllenhaal) lo tiene todo: una impresionante carrera, una hermosa y enamorada esposa Maureen Hope (Rachel McAdams), una hija adorable (Oona Lawrence) y un estilo de vida con todo tipo de lujos. Pero cuando su esposa muere tras un altercado con Miguel Escobar, un bravucón boxeador que lo está retando, perderá la custodia de su hija, su casa y le abandonarán todos, incluido su mánager y amigo de toda la vida Jordan (50 Cent) que pasará a entrenar Escobar. Hope tocará fondo, pero gracias a su perseverancia y su trabajo en el gimnasio de Willis (Forest Whitaker), Billy tendrá su oportunidad de redención y de recuperar la confianza de los que ama.

Hope es la palabra inglesa que se traduce por esperanza. Esperanza por una vida mejor, ganada a puñetazos, para su esposa y su hija. Esperanza de Maureen, su esposa, por controlar la ira de Billy, carne de orfanato y de presidio hasta que con ella encontró la redención. Esperanza, tras la tragedia y su consiguiente descenso al infierno, de tener de nuevo su segunda redención, que le permita recomponer la vida. Esto es lo que nos narra Antoine Fuqua, en este drama pugilístico que, lamentablemente cae una y otra vez en los tópicos más predecibles, no aporta nada nuevo a la temática ni a su tratamiento, a la vez que sus dosis de drama a veces están al borde de despertar la vergüenza ajena.

Con todo, esta película fórmula contiene algunos elementos valiosos que hacen aceptarla como entretenimiento digerible:  las actuaciones y la química de  Jake Gyllenhaal y Forest Whitaker, y los emocionantes combates, en los que puede apreciarse el trabajo de Gyllenhaal y la pericia de Fuqua al rodarlos, casi podemos sentir los puñetazos en carne propia.

 

 

 

 

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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 17 de marzo de 2017 *

LOCAS DE ALEGRÍA (La pazza gioia, Paolo Virzi, 2016) 

Italia/Francia Duración: 111 min. Guion: Francesca Archibugi, Paolo Virzì Música: Carlo Virzì Fotografía: Vladan Radovic Productora: Lotus Productions / Manny Films / Rai Cinema Género: Comedia dramática

Reparto: Valeria Bruni Tedeschi, Micaela Ramazzotti, Anna Galiena, Valentina Carnelutti,Elena Lietti, Tommaso Ragno, Bob Messini, Carlotta Brentan, Francesca Della Ragione, Roberto Rondelli

Sinopsis: Beatrice (Valeria Bruni Tedeschi) es una condesa charlatana y millonaria que está convencida de encontrarse entre los círculos íntimos de los líderes políticos mundiales. Por su parte Donatella (Micaella Ramazzotti) es una joven tatuada, vulnerable e introvertida, envuelta en su propio halo de misterio. Ambas son pacientes de Villabiondi, una delirante institución psiquiátrica.

Paolo Virzi nos introduce en el microcosmos que conforma la institución mental, de entre cuyos pacientes destaca la parlanchina Beatrice, interpretada por Valeria Bruni Tedeschi, una noble enloquecida a la que nadie cree ni hace el mínimo caso. Cuando ingresa en la institución la barriobajera Donatella, Beatrice la acogerá bajo su tutela, dos seres diferentes, diametralmente opuestos, cuya unión, contra todo pronóstico, será beneficiosa para ambas, a partir de ese momento quedarán unidas y resultarán tan inseparables como complementarias.

Y es que ambas han perdido la salud, pero no la cordura, como quedará demostrado en su evasión del centro, durante la cual se irá recomponiendo el puzzle de sus vidas y sabremos el porqué han terminado internadas. La suya es una fuga hacia adelante en la que irán recuperándose ambas en un mundo que es mucho más insensato que ellas mismas que son consideradas locas con certificado. Una historia de amistad y redención servida bajo el fondo musical de Senza Fine, la exquisita canción compuesta por Gino Paoli (uno de los grandes nombres de la canción italiana) y que se hizo más célebre por formar parte del score de la inolvidable Avanti de Billy Wilder.

Comedia agridulce, no exenta de cierta sordidez y con un trasfondo trágico, está escrita y dirigida por Paolo Virzi, que ya contó en su anterior trabajo, El capital humano, con Valeria Bruni Tedeschi, que realiza una magnífica creación como la vital Beatrice y a la que pudimos ver recientemente formando parte del reparto coral de la produccion francesa La comunidad de los corazones rotos (Asphalte, Samuel Benchetrit, 2015). Por su parte a Micaela Ramazzotti, esposa de Virzi, la vimos en la fantástica El nombre del bambino (Il nome del figlio, Francesca Archibugi ,2015).

Una lección de vida además de una oda a la amistad, a veces divertida, otras triste, pero siempre vital. 

 

EL BALCÓN DE LAS MUJERES (Ismach Hatani, Emil Ben-Shimon, 2016)

Israel Duración :96 min. Fotografía: Ziv Berkovich Productora: Pie Films Género: Comedia

Reparto: Avraham Aviv Alush, Yafit Asulin, Orna Banai, Itzik Cohen, Sharon Elimelech, Evelin Hagoel, Igal Naor, Einat Saruf, Herzl Tobey, Haim Zanati

Sinopsis: Un accidente durante una celebración religiosa provoca una disputa en una comunidad ortodoxa en Jerusalén. Cuando el balcón de las mujeres de la sinagoga se derrumba, dejando a la esposa del rabino en un estado de coma, al rabino en shock y perdiendo las mujeres de aquella pequeña y tranquila congregación su sitio dentro del edificio, la comunidad entra en crisis. Un joven y carismático rabino aparece para ser el salvador de la comunidad tras el accidente, pero pronto descubrirán su realidad conservadora y misógina. Lo peor llega cuando la reconstrucción comienza y no hay planes para volver a colocar el balcón en su sitio. Esto pone a prueba la amistad de las mujeres y provoca una ruptura entre las mujeres y los hombres de la comunidad.

Una curiosa comedia israelí que introduce al profano en los usos y costumbres del pueblo judío ultraortodoxo. Unos hábitos, cuanto menos, pintorescos y que difieren bastante poco de los usos religiosos de los musulmanes: comida khoser frente a halal; cabello femenino cubierto en ambos casos; predominio de la religión en la vida diaria y separación de las mujeres y los hombres en los lugares de oración. Precisamente esta es una de las trabas con las que se enfrenta la comunidad que protagoniza El balcón de las mujeres cuando, debido al accidente que tiene lugar en su sinagoga, llega un nuevo rabino que pretende imponer sus creencias jaredíes dividiendo a la hasta entonces feliz comunidad. Las mujeres se resistirán a perder su espacio en la sinagoga aunque ello signifique discutir con sus maridos.

De carácter muy localista, se nos antoja extraño que esta producción haya llegado a nuestras pantallas. No es que lo que nos cuente no sea interesante, que desde luego lo es, pero el tema y el tono quizás nos queda tan lejano como, por ejemplo, podría resultar para el público israelí Los Bingueros. No nos atreveríamos a recomendarla fuera de la programación de un festival especializado, por su valor antropológico, o ante otro tipo de público que el que puede acudir a una sala cinematográfica.

 

LA BELLA Y LA BESTIA (Beauty and the Beast, Bill Condon, 2017)

USA Duración: 130 min. Guion: Stephen Chbosky (Novela: Jeanne-Marie Leprince de Beaumont) Música: Alan Menken Fotografía: Tobias A. Schliessler Productora: Walt Disney Pictures / Mandeville Films Género: Musical Fantástico

Reparto: Emma Watson, Dan Stevens, Luke Evans, Emma Thompson, Ewan McGregor, Ian McKellen, Kevin Kline, Josh Gad, Audra McDonald, Gugu Mbatha-Raw, Stanley Tucci, Hattie Morahan, Adrian Schiller, Chris Andrew Mellon

Sinopsis: Un joven príncipe, víctima de un sortilegio que le ha dado forma de bestia, sólo puede ser liberado por el verdadero amor. Lo que puede ser su única oportunidad llega cuando se encuentra con Belle, la primera y única mujer que visita el castillo desde que quedó encantado.

El clásico de Disney nominado a mejor película en 1991 (cuando sólo eran cinco las nominadas y no había categoría independiente para la animación), adquiere forma humana, con una mitología ampliada y un reparto de estrellas a todo lujo que adapta hasta en el vestuario a los personajes de la cinta de animación obteniendo un resultado sencillamente espectacular: buen diseño de producción; magníficos números musicales, con homenaje al musical americano (Busby Berkeley, Gene Kelly, Esther Williams…) y deliciosas canciones y coreografías. En esta versión nos encontraremos con piezas que no sonaron en la original, pero sobre todo es ejemplar en su emulación de la cinta animada, algunos números casi se reproducen plano a plano, aunque no es nada despreciable cuando inventa. Bill Condon se confirma como magistral conductor de musicales (por si a alguien le quedaba duda después de Dreamgirls), su talento brilla especialmente en la composición coreográfica y puesta en escena de la pieza Be our guest (que ya mereció como canción su nominación al Óscar en 1991), una secuencia que está por encima de la original y compitiendo en su propio terreno, puesto que son los objetos animados quienes la protagonizan.

Una fantasía especialmente disfrutable cuando se adentra en el territorio de la bestia, tenebroso y frío al principio y cálido conforme Belle conquista el corazón de la bestia y el de los diferentes objetos animados, a los que prestan su voz los prestigiosos actores Ewan McGregor (Lumiere), Emma Thompson (Mrs. Potts) y el gran Ian McKellen, actor fetiche del director Bill Condon como Ding Dong. También intervienen Luke Evans (Gaston) y Kevin Kline como Maurice, padre de Belle, encarnada por la deliciosa Emma Watson

En la historia se han introducido personajes de raza negra, así como dos homosexuales,  pruebas inequívocas de la diversidad y modernidad que pretende ofrecer Disney en sus productos, aunque en el caso de uno de los gays (Josh Gad) se trate de un personaje obeso y cómico y de que, a pesar  de que se clame que la belleza está en el interior, la protagonista se llame Belle, sea una joven y hermosa Emma Watson, y la bestia se transforme en un apolíneo príncipe azul con castillo y corte incluida. En fin, dejemos que  hable la fantasía, suene la música y maravillémonos ante esta espectacular cinta ya que ¿Es necesario pedir explicaciones a un cuento de hadas?

 

LOS HOLLAR (The Hollars, John Krasinski, 2016)

USA Duración: 89 min. Guion: James C. Strouse Fotografía: Eric Alan Edwards Productora: Groundswell Productions / Sunday Night / Sycamore Pictures Género: Comedia

Reparto: Anna Kendrick, John Krasinski, Margo Martindale, Richard Jenkins, Mary Elizabeth Winstead, Josh Groban, Sharlto Copley, Mary Kay Place, Ashley Dyke, Yvonne Angulo, Jennifer Pierce Mathus, Nancy Nave

Sinopsis: John Hollar (John Krasinski), aspirante a dibujante de comics, debe salir de su cómoda vida en Nueva York y alejarse de Rebecca (Anna Kendrick), su hermosa, embarazadísima y rica novia para regresar a su ciudad natal del medio oeste cuando le informan que su madre (Margo Martindale) necesita una cirugía cerebral. Allí tendrá que lidiar con un hermano divorciado (Sharlto Copley) que vive en casa de sus padres; un padre con necesidades monetarias (Richard Jenkins); y Gwen,  su antiguo amor de la escuela (Mary Elizabeth Winstead).

Una interesante comedia dramática independiente que se asienta, principalmente, en las magníficas interpretaciones de sus actores veteranos, Margo Martindale y Richard Jenkins, dos grandes actores de carácter, secundarios de lujo que brillan especialmente en esta cinta. Pero el resto del reparto también es remarcable, Sharlto Copley interpreta un papel bastante atípico en él, demostrando su versatilidad y Jennifer Pierce Mathus, presente en Swiss Army Man (Dan Kwan y Daniel Scheinert, 2016) y protagonista absoluta de Calle Cloverfield 10 (10 Cloverfield Lane, Dan Trachtenberg, 2016) se conforma con un pequeño pero agradecido papel. La película, que tendrá un tono mayoritariamente de comedia esperpéntica durante su primera parte, con diferentes situaciones embarazosas que se deben principalmente al personaje encarnado por Sharlto Copley, irá progresivamente subiendo en su aspecto dramático adoptando un tono más convencional durante su tercer acto, con un marcado exceso de melaza que en parte echará a perder el excelente punto de partida de esta reflexión, y a ratos celebración, de la vida, la muerte, el amor y la familia.

 

INCERTA GLÒRIA (Agustí Villaronga, 2017)

España Duración: 115 min. Guion: Agustí Villaronga, Coral Cruz (Novela: Joan Sales) Fotografía: Josep M. Civit  Productora: Massa d’Or Produccions Género: Drama

Reparto: Marcel Borràs, Núria Prims, Bruna Cusí, Oriol Pla, Juan Diego, Terele Pávez, Fernando Esteso, Luisa Gavasa

Sinopsis: Plena Guerra Civil Española, en el frente de Aragón, año 1937. Lluís, un joven oficial republicano, destinado a un puesto temporalmente inactivo en un páramo desierto, conoce a una enigmática viuda.

Basada en la novela del mismo título de Joan Sales, Incerta Glòria, que toma su título de un verso de William Shakespeare de la obra Los dos caballeros de Verona, donde se dice: «incierta gloria de una mañana de abril», fue publicada por primera vez en septiembre de 1956 y ampliada en las sucesivas ediciones posteriores hasta la edición definitiva en 1971. La obra, como la película, no contiene ningún mensaje político ni se abandona a una fácil exaltación partidista.

Triste relato con la guerra civil española de fondo, ubicado en el frente de Aragón que permanece inactivo pero con el gris pesimismo del que sabe que la guerra está perdida. Mientras unos, inútilmente, son entrenados para matar por un joven teniente barcelonés que nunca ha matado, Lluis (Marcel Borràs), otros van preparando el terreno para cuando entren las tropas fascistas.

Entre las ruinas, entre cadáveres y objetos abandonados de vidas que ya no están, hay también supervivientes, como La Carlana (Núria Prims),  joven y viuda, objeto de deseo de muchos, que atraerá hacia su red (como nos muestra el director con una torpe metáfora visual) a ese joven oficial, para que le ayude a conseguir sus objetivos. Como ya ha hecho antes con otros. Sobrevivir es el objetivo y, más allá, resarcirse de la vergüenza de un padre abusador (conocido como el cagorcio), vengarse del señorito que le ha engendrado dos bastardos y empoderarse frente a todos los que la han menospreciado. El personaje de La Carlana, potenciado por Villaronga en la película más que en la novela que adapta, merece codearse con las Fortunata y Jacinta de Galdós y la Ana Ozores de Clarín, mujeres de carácter todas ellas que marcan un hito en la construcción de psicologías femeninas en la literatura y el cine.

En cuanto a los masculinos, aunque el protagonista sea el teniente Lluís de Brocà, el que nos guardaremos en nuestra colección de personajes predilectos será el de su amigo, Juli Soleràs (Oriol Pla). Contradictorio, cínico, escéptico, impenetrable, pero lúcido agitador de espíritus, Soleràs es la encarnación del héroe romántico, aquel que va a la guerra a sabiendas de que puede perderse. Y más aún, el que sabe que, en verdad, la derrota es la que da la grandeza, porque es desde la comprensión en carne propia de la finitud y futilidad de lo humano que podemos remontarnos y afirmar la importancia del viaje (no del destino) que es la vida.

Destaca la labor de sus interpretes, especialmente las femeninas, con la ya nombrada Núria Prims y la dulce Bruna Cusí, así como la participación en pequeños pero significativos roles de Juan Diego, Terele Pávez, Luisa Gavasa y un Fernando Esteso que despierta siempre la sonrisa, necesaria, pues Incerta Glòria nos hará salir del cine con un sabor amargo en la boca.

Ruinas, bombardeos, una Barcelona en guerra magníficamente retratada, y tristeza, mucha tristeza, en esta historia de pasiones fatales y fatalistas. De héroes y supervivientes, de intrigas y pasiones, venganza y ambición, en una magnífica cinta en la que de nuevo Agustí Villaronga nos traslada a la guerra civil tras su gran éxito Pà negre (2010) y en la que refleja un dolor que sobrevive a la propaganda de cualquiera de las dos facciones.

            

 

Categorías:VAMOS DE ESTRENO

VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 10 de marzo de 2017 *

LAND OF MINE. BAJO LA ARENA (Under Sandet, Martin Zandvliet, 2015)

Dinamarca / Alemania. Duración: 100 min. Guión: Martin Zandvliet Fotografía: Camilla Hjelm Productora: Amusement Park Films / Nordisk Film Género: Drama

Reparto: Roland Møller, Louis Hofmann, Mikkel Boe Følsgaard, Laura Bro, Joel Basman,Oskar Bökelmann, Emil Buschow, Oskar Buschow, Leon Seidel, Karl Alexander Seidel, Maximilian Beck, August Carter
Sinopsis: La guerra no acaba cuando se firma la paz. Cuando Alemania se rindió en 1945, en la costa occidental danesa comenzó otra dura batalla: la de los jóvenes soldados alemanes que fueron obligados a retirar miles de minas plantadas en la arena por el ejército nazi. Zandvliet muestra el maltrato infligido a esos prisioneros, un oscuro episodio de posguerra poco conocido.
under_sandetInspirada en hechos reales, descubre una historia muy poco conocida de uno de los momentos más trágicos y crueles sucedidos tras la  Segunda Guerra Mundial en Dinamarca. Martin Zandvliet, es el guionista y director de una película narrada con muy buen pulso acentuado por sus momentos de tensión. Su tema, su punto de partida resulta lo suficientemente cruel como para saber que vamos a pasar un rato descorazonador y repleto de momentos tensos, duros y violentos. Más cuando vemos que el pelotón ‘enemigo’ está compuesto por adolescentes recién salidos de la niñez. Soldados a los cuales el uniforme les va muy grande y que son traídos desde Alemania para desempeñar esa peligrosa labor. Considerados poco menos que basura, cargarán con el odio y rechazo que se tiene por el país invasor. Su misión será desactivar 45.000 minas en una ruleta rusa mortal de la que sobrevivirán unos pocos.
En algunos momentos la cinta puede enmarcarse dentro del más puro cine de terror, pues tal es su desarrollo y punto de partida inicial. Pero afortunadamente el director y guionista prefiere no cargar del todo la acción en los cuerpos destrozados por las minas, pasando a presentarnos a los personajes, permitiendo que los conozcamos y nos encariñemos con ellos. Los papeles habituales se darán la vuelta y el enemigo, el soldado alemán, será el que se llevará nuestra simpatía ante el revanchismo de unos y la simple brutalidad de los otros.
Dura, emocionante, humana, Land of Mine. Bajo la arena es una cinta a disfrutar sin apartar la vista de la pantalla, pendiente de que, en cualquier momento, salte un nuevo drama humano por los aires. Resultará inevitable, por otro lado, que nos venga a la memoria aquel otro drama protagonizado por otra quinta del biberón alemana, El puente (Die Brücke, Bernhard Wicki, 1959).
Land of Mine. Bajo la arena tuvo su presentación mundial en el Festival de Toronto, continuó su periplo de festivales por Londres, Roma, Dubái y Sundance, y se ha alzado con los siguientes premios:
2016: National Board of Review (NBR): Mejores películas extranjeras del año
2016: Premios del Cine Europeo: Mejor fotografía, vestuario y maquillaje
2015: Festival de Gijón: Premio del público
2015: Academia de Cine Danés: Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guión Original, Mejor Fotografía, Mejor Montaje y el Premio del Público
2016: Festival de Rotterdam: Premio del público y del jurado joven
2016: Afi Fest de los Angeles: Premio del público
2016: Festival de Tokio: Premio al mejor actor
2016: Festival de Pequín: Premio al mejor actor
2015: Festiva lde Göteborg: Premio a la mejor película
2016: Película preseleccionada en la shortlist a los Oscar en la categoría de Mejor Película de Habla No Inglesa en representación de Dinamarca.

 

 EL FUNDADOR (The Founder, John Lee Hancock, 2016)

USA Duración: 115 min. Guion: Robert D. Siegel Música: Carter Burwell Fotografía: John Schwartzman Productora: FilmNation Entertainment / The Combine; Distribuída por The Weinstein Company Género: Drama

Reparto: Michael Keaton, Laura Dern, Nick Offerman, Linda Cardellini, Patrick Wilson, B.J. Novak, John Carroll Lynch, Lauren Denham, Catherine Dyer, Ric Reitz, Wilbur Fitzgerald, Valeri Rogers, David Silverman, Abbey Ferrell, Tracy Goode, Franco Castan

Sinopsis: En los años 50, un vendedor de Illinois llamado Ray Kroc conoció a los hermanos Richard y Maurice McDonald que llevaban una hamburguesería al sur de California. Impresionado por la velocidad del sistema de cocina de su hamburguesería de San Bernardino, Kroc visualizó el potencial de la franquicia y hábilmente se fue posicionando para arrebatárselo a los hermanos y crear el hoy imperio de un billón de dólares. Así nació McDonald’s.

273623El Fundador es una historia de usurpación. De cómo la carencia de escrúpulos tiene premio y puede otorgar el billete de acceso a ese tan cacareado ‘sueño americano.’ Un magnífico ejemplo del tipo de valores que han tenido su cenit en el mismísimo presidente Trump. Se nos narra la historia de los triunfadores. Mostrando los cadáveres que reposan en los arcenes. Los McDonald’s  llegan a perder hasta el apellido ante el depredador Ray Kroc. Al igual que los creadores de Superman, que hasta hace bien poco no obtuvieron reconocimiento (ni réditos) por su personaje; como Steve Ditko por diseñar a Spider-man; o incluso el propio creador de Kukuxumusu, todos ellos víctimas de triquiñuelas  legales tras las que se encuentran sabandijas sin ningún tipo de moral. Es una historia sobre estos tiempos en los que los valores son los del dinero. Una historia de nuestros tiempos, que ha rodado John Lee Hancock con muy buen pulso y un impecable ritmo, al igual que lo hizo en su anterior trabajo, Al encuentro de Mr. Banks (Saving Mr. Banks, 2013) en el cual también se adentraba en los ‘hechos reales’ que rodearon, en esa ocasión, al rodaje de Mary Poppins y la intensa relación entre Walt Disney y la escritora P. L. Travers. Pero lo que allí era una anécdota, aquí es una reflexión nada estridente sobre lo que se entiende como triunfo y éxito en la vida. Una historia totalmente diferente, opuesta de la que nos contaba su guionista, Robert Siegel (por cierto, apellidado igual que uno de los creadores del hombre de acero) en El luchador (The Wrestler, Darren Aronofsky, 2008) de cuyo guión también es responsable. Allí su personaje era un hombre íntegro. Noble. Aquí un hipócrita sin escrúpulos. Allí muere antes que ceder.  En la miseria, pero no claudica. Aquí muere de viejo, rico y con una mujer usurpada también, cual derecho de pernada.

Michael Keaton  interpreta al inconformista Ray Kroc, mientras Nick Offerman y John Carroll Lynch (al que hemos visto recientemente en Jackie), encarnan a Dick y Mac, los innovadores hermanos McDonald. El reparto lo completan Laura Dern, en el papel de la primera mujer de Ray Kroc y Linda Cardellini, en el de la mujer de uno de los primeros franquiciados. Pero El Fundador es una película de un solo actor, ya que Keaton, al igual que hiciera en Birdman (A. G. Iñárritu, 2014) carga con todo el peso de la acción y, al igual que en la cinta de Iñárritu, lo hace de forma magistral.

 

LA COMUNIDAD DE LOS CORAZONES ROTOS (Asphalte, Samuel Benchetrit, 2015)

Francia Duración: 100 min. Guion: Samuel Benchetrit Música: Raphaël Fotografía: Pierre Aïm Productora: La Caméra Deluxe / Máje Productions / Single Man Productions / Emotions Films UK / Jack Stern Prouctions / Film Factory / Orange Cinéma Séries Género: Drama

Reparto: Isabelle Huppert, Gustave Kervern, Valeria Bruni Tedeschi, Jules Benchetrit,Tassadit Mandi, Michael Pitt

la_comunidad_de_los_corazones_rotos-cartel-7372Sinopsis: Un ascensor averiado. Tres encuentros improbables. Seis personajes insólitos. Un grandullón intratable y la frágil enfermera del turno de noche. Jeanne, una actriz en crisis y su joven vecino abandonado. Un astronauta americano perdido y la entrañable Sra. Hamida. Todos ellos seres solitarios unidos por un gran sentimiento de ternura, respeto y compasión.

Surtsey Films nos presenta esta fabulosa adaptación de la novela semi-biográfica Crónicas del asfalto, de Samuel Benchetrit, que también la ha dirigido. Un itinerario por la miseria y la estupidez humana, pero sobre todo por la soledad, que narrada en clave de saludable comedia, merecería no pasar desapercibida entre el maremágnum de los estrenos de esta semana. Ambientada en un gris bloque de pisos ubicado en el extrarradio de una ciudad anónima francesa, sus protagonistas, interconectados entre sí, serán objeto de venganzas del destino y momentos delirantes cargados de humor negro e ironía. Pero también de ternura y compasión por unos personajes que podrían habitar en la puerta de enfrente de nuestra casa. O ser nosotros mismos.

Entre sus protagonistas destaca la siempre eficaz Isabelle Huppert; el norteamericano Michael Pitt, cuyo físico permanece inalterable en la memoria del espectador por su papel en la versión americana de Funny Games (2007) de Haneke, y al que veremos pronto como protagonista de Ghost in the Shell; y Valeria Bruni-Tedeschi, de la que pudimos ver recientemente El capital humano.

 

YO NO SOY MADAME BOVARY (Wo bu shi Pan Jin Lian, Feng Xiaogang, 2016)

China Duración: 128 min. Guion: Liu Zhenyun (Novela: Liu Zhenyun) Música: Wei Du Fotografía: Luo Pan Productora: Sparkle Media / Huayi Brothers Género: Comedia

Reparto: Fan Bingbing, Dong Chengpeng, Fan Wei, Guo Tao, Li Zonghan, Zhang Yi, Liu Hua, Zhang Jiayi, Yu Hewei, Zhao Lixin
Sinopsis: Li Xuelian organiza un falso divorcio con el fin de conseguir un segundo apartamento, pero su marido se vuelve a casar de forma inesperada. Tras recurrir al juzgado sin éxito y ser acusada por su marido, Li se embarca en un absurdo viaje de diez años para restaurar su reputación.

El título  chino original del filme, que se traduciría como Yo no soy Pan Jinlian, hace referencia a un personaje mítico que conspiró con su amante para asesinar a su marido. Todavía hoy, en China la gente se refiere a las mujeres “promiscuas” como Pan Jianlian. Para su título internacional, Yo no soy Madame Bovary, se ha escogido un nombre que simbolizó en Occidente el arquetipo de la “mala mujer y esposa. “ Y la película, de lo que trata, es de una mujer que lo que busca es justicia y recuperar el honor mancillado por su ex-marido, que la acusa de ser una Pan Jinlian. Para narrarlo, el director compone una deliciosa fábula que funciona como un cuento animado, al que ha otorgado también una estética innovadora: la obra se presenta dentro de un marco circular, creando una sensación de distancia y alienación. Pero también, gracias a la fotografía de Luo Pan, es toda una delicia para los sentidos.

La idea original del marco circular fue de su director, Feng Xiaogang. “Las pinturas de Literati durante la dinastía Song eran a menudo paisajes representados en rollos. Con una historia tan potentemente china, necesitábamos contarla de una manera muy china.” Cuando Feng fue a buscar localizaciones, los lugares que encontró a menudo carecían de carácter: “La composición de muchos lugares era simplemente desordenada, mal organizada, sin divisiones, algo que, como director y antiguo pintor, me molestaba”. Al encuadrar cada escena en un círculo, podía eliminar muchos elementos no deseados de cada escena, y hacer que el público se centre en los personajes. Cuando explicó su idea por primera vez a Luo Pan, el director de fotografía, se mostró realmente emocionado. “¡Si haces una película así, los directores de fotografía te amarán para siempre!”  Y  sin lugar a dudas se nota el amor con el que Pan se ha tomado su trabajo, al que otorgado una belleza sublime.

Curiosamente, el escritor de la novela en la que se basa la película, Liu Zhenyun, estuvo inicialmente en contra de la idea de encuadrar la acción en un círculo, creyendo que la tensión dentro de la historia de su novela era bastante fuerte por sí misma sin recurrir a tal innovación visual. Después de una larga negociación, Feng acordó rodar la película de las dos maneras, circular y 1: 1,66. Pero fue difícil porque la mentalidad necesaria para un marco circular es completamente diferente. El marco circular no sólo refleja la composición de las pinturas tradicionales chinas, sino que también proporciona un agujero para el público. Puesto que algo está ocurriendo claramente dentro del círculo, algo también debe estar pasando fuera de la vista. Esto abre muchas posibilidades creativas. Tanto los personajes como el público se pierden, con información incompleta, al igual que la propia Li Xuelian.

Con tono de comedia satírica, la cinta de Xiaogang es una delicada pieza de orfebrería cinematográfica. De estética impecable, no desecha realizar una crítica social,  mostrando las corruptelas políticas y de partido que viven los personajes y reflejando el estilo de Feng de revelar la verdad subyacente bajo la superficie de todas las cosas.
2016: Festival de San Sebastián: Mejor película y actriz (Fan Bingbing)
2016: Festival de Toronto: Premio FIPRESCI (sección “Special Presentations”)

9 MESES (Keeper, Guillaume Senez, 2015) (BÉLGICA/SUIZA/FRANCIA, 2015)

Bélgica/Suiza/Francia. Duración: 95 min. Guion: David Lambert, Guillaume Senez Música: Marianne Roussy Fotografía: Denis Jutzeler Productora: Iota Production / Magellan Films / Mollywood Género: Drama

Reparto: Kacey Mottet-Klein, Galatéa Bellugi, Laetitia Dosch, Corentin Lobet, Sam Louwyck,Catherine Salée

Sinopsis: Maxime (Kacey Mottet-Klein) y Melanie (Galatéa Bellugi) tienen 15 años. Se quieren. Juntos exploran su sexualidad con entusiasmo y torpeza. Hasta el día en que Melanie descubre que está embarazada. Maxime no acepta bien la nueva noticia, pero después se mentaliza y convence a Melanie para tenerlo.

Realista, emotiva y temperamental, con los sentimientos a flor de piel, tal y como corresponde a un amor adolescente, con esta cinta Guillaume Senez nos introduce en un mundo de inconsciencia, redes sociales, teléfonos móviles y videojuegos, a lo que se les sumará, sin pretenderlo, el misterio de la gestación. Niños teniendo niños. Y todo será realizado de una forma realista, casi traumática,  pero también muy inteligente. Sin posicionarse ni posicionarnos, Senez nos muestra los hechos prescindiendo de mensajes, denuncia o lección moral.

Director de tres cortometrajes vistos en prestigiosos festivales (Squaring, In Our Blood, UHT), Guillaume Senez gestó su primer largo, 9 meses, a partir de la idea de querer reflejar la adolescencia tal y como es, en toda su belleza y complejidad. Senez quería transmitir la alegría del amor adolescente y a su vez, su fragilidad, haciendo honor a los sentimientos que imperan en esa etapa de la vida. Con un estilo realista, el director apostó por seguir muy de cerca a los personajes, (al chico, Maxime, en particular), y ver cómo se desenvolvían en cada situación, dejando cierto margen a los actores para improvisar y explorar. Senez nunca les dió un guión escrito pues antes que nada, buscaba la honestidad pura en las interpretaciones.

Kacey Mottet-Klein, un jovencísimo actor con una trayectoria cinematográfica destacable (Gainsbourg (vida de un héroe), Sister, Primavera en Normandía, Cuando tienes 17 años) y nominado al César y a los Premios Lumière en más de una ocasión, interpreta a Maxime, el adolescente obcecado en tener al pequeño. Galatéa Belugui (À 14 ans) es Mélanie, su novia. Completan el reparto Laetitia Dosch (Mi amor) y Catherine Salée (La vida de Adèle).
9 meses ha pasado por múltiples festivales como Locarno, Toronto, Sevilla y Rotterdam y ha recibido reconocimientos en el Festival de Torino (mejor película), el Festival de Varsòvia (Mención especial del jurado), el de Hamburgo (Premio al talento Joven) y el de Taipei (Mención especial del jurado), entre otros.

       

KONG: LA ISLA CALAVERA (Kong: Skull Island, Jordan Vogt-Roberts, 2017)

USA/Vietnam Año: 2017 Duración: 120 min. Guion: Dan Gilroy, Max Borenstein Música: Henry Jackman Fotografía: Larry Fong Productora: Warner Bros. Pictures / Legendary Pictures Género: Fantástico

Reparto: Tom Hiddleston, Brie Larson, Samuel L. Jackson, John Goodman, John C. Reilly,Toby Kebbell, Thomas Mann, Corey Hawkins, Jason Mitchell, Shea Whigham, John Ortiz, Eugene Cordero

Sinopsis: Un equipo de exploradores y militares es reunido para aventurarse en el interior de una isla del Pacífico que no aparece en los mapas, sin saber que están invadiendo los dominios del mítico King Kong.

De nuevo el viejo Kong despierta de su letargo y lo hace, afortunadamente, con una cinta que merece todos los elogios. Ingeniosa, bien estructurada, con un guión muy bien hilvanado, la acción muy medida y, lo que es mejor, ofrecida de tal forma que puede disfrutarse, lejos de esa moda que parece imperar en las cintas de acción norteamericanas en las cuales todo es tan fugaz, tan rápido, que no nos permite apreciar lo que está sucediendo en pantalla. Espectacular, colosal, esta brillante cinta de aventuras es de las que se disfrutan con asombro y maravilla. Con la boca abierta

Ambientada en los años setenta, coincidiendo con el final de la guerra de Vietnam, una expedición de científicos, acompañada de militares provenientes precisamente de Vietnam (al mando del coronel Packard, interpretado por un sobreactuado Samuel L. Jackson), se internarán en la Isla Calavera, un lugar invisible en los mapas pero ubicado en algún lugar del Pacífico. Allí tendrá lugar la acción, mucha acción, tensión sexual incluida, entre James Conrad,  el duro rastreador que interpreta Todd Hidleston y Mason Weaver, la fotógrafo de prensa que encarna la muy convincente Brie Larson. Weaver, como no podría ser de otra forma, también se ganará el afecto del enorme gorila, aunque este espinoso tema se ha enfocado de una manera más casta que en otras versiones: ella sabrá ver la soledad que encierra la triste mirada del fiero Kong.

El único personaje femenino del grupo, junto con una científica japonesa que está poco más que de adorno, no se limitará a chillar y correr delante de los monstruos para ser rescatada por el héroe, muy al contrario, luchará activamente e incluso será la que salve el pellejo del galán. Y es que, afortunadamente, los tiempos han cambiado y,  no en vano tras su aventura en Isla Calavera, Brie Larson se calzará las mallas de la Capitana Marvel para participar en la próxima aventura de Los Vengadores.

Y Kong. Sobre todo Kong  que, con una imagen más cercana a la del gorila original de 1933, resulta ser toda una fuerza de la naturaleza que nos llegaremos a creer junto a las arañas, saurios y búfalos gigantescos que inundan la pantalla, en la que habrá lugar también para un guiño a Ruggero Deodato y su Holocausto Caníbal, Infierno en el Pacífico y Apocalipsis Now, ya desde el cartel original. Todo lo que, junto a una magnífica selección de temas Rock de la época que parecen sonar mejor que nunca, y unos personajes  muy bien perfilados, completarán esta convincente propuesta cinematográfica.

Finalmente conviene aclarar para los que, como servidor, no estaban muy al tanto de esta película, que no guarda ningún tipo de continuidad con la que Peter Jackson dirigió en 2005. Su director Jordan Vogt-Roberts (de aspecto muy hipster, no se puede ser perfecto) con tan solo un largometraje más en su haber, ha realizado un muy competente trabajo que deja altas las expectativas respecto a las nuevas entregas que se sumarán a este Monsterverse, del que Kong: La Isla Calavera es un nuevo comienzo. Como podrán ver los espectadores que vean la totalidad de los créditos finales del filme, esta cinta tendrá una continuidad que enlazará con los populares Kaiju Eiga japoneses, concretamente con Godzilla, Mothra, Rodan y King Ghirodah, que protagonizarán, presumiblemente, Godzilla, King of Monsters, cinta que tiene anunciado su estreno para dentro de dos años y que precederá al esperado encuentro entre Kong y Godzilla. Una entente americano-japonesa que, en vista de los resultados obtenidos con este Kong: La Isla Calavera, nos atrevemos a decir que será realmente emocionante.

 

Categorías:VAMOS DE ESTRENO

El viajante, la venganza produce monstruos

De la tramoya a la escena y de la escena a la vida, la cámara de Asghar Farhadi circula con elegancia ese espacio real pero (sobre todo) metafórico. Mientras representan Muerte de un viajante y tras enfrentar una experiencia traumática el matrimonio de Emad (Shahab Hosseini) y Rana (Taraneh Alidoosti) hace aguas. La elección de la pieza de Arthur Miller no es azarosa, como el propio director confiesa: “Leí ‘Muerte de un viajante’ siendo estudiante. Me marcó profundamente, quizá por sus reflexiones sobre las relaciones humanas. Es una obra teatral muy rica, que ofrece lecturas múltiples. La dimensión más importante me parece la crítica social de un periodo histórico en el que la rápida transformación de la América urbana destruyó a una clase social. Toda una categoría de personas que no supieron adaptarse a la inesperada modernización fueron literalmente aplastadas. En ese sentido, la obra guarda muchos paralelismos con la situación actual en mi país. Las cosas cambian a la velocidad del rayo y no queda más remedio que adaptarse o morir. La crítica social que forma el núcleo de la obra sigue siendo válida en Irán. Otra dimensión de la obra es la complejidad de las relaciones sociales en el seno de la familia, sobre todo en la pareja formada por el viajante y Linda, su mujer. En la obra hay una fuerte atracción emocional, y eso hace que además de conmovedora, también obligue al público a reflexionar sobre temas muy sutiles. En cuanto decidí que los personajes de la película estarían en una compañía teatral y que prepararían una obra, pensé que el drama de Miller era muy interesante porque me permitía establecer un paralelismo con la vida personal de la pareja en el centro de la historia. En el escenario, Emad y Rana hacen los papeles del viajante y de su mujer. En la vida real, sin saberlo, se encontrarán con el viajante y su familia, y deberán decidir su destino“. En esta respuesta Farhadi condensa todo el sentido de su último y multipremiado filme. Y es que una vez más el cineasta iraní atropella la comodidad de una joven pareja de clase media para enfrentarse a una situación dramática, hundiéndonos de lleno en la complejidad humana.

El viejo Irán se hunde, como la vivienda que se ve obligada a abandonar la joven pareja en el inicio del filme, y hay que encarar esta situación y sus consecuencias. En su nueva residencia Rana es asaltada en su intimidad por un cliente de la antigua inquilina (de cuya “profesión” no fueron advertidos), episodio que hará tambalear su cómoda existencia de clase media. Un choque de trenes que da cuenta de la complejidad de un mundo en el que la realidad de sus mujeres define los recovecos más disfuncionales de la sociedad iraní. Así, El viajante puede ser leída en forma de retrato social (un retrato crítico además), pero a la vez funciona como fábula moral. La agresión a Rana será vista como una afrenta al honor familiar, mancha que sólo podrá expurgarse tomando cumplida venganza.

El cine siempre ha sido una ventana privilegiada desde la que asomarse a otros mundos y culturas. A través del séptimo arte recibimos noticia de los rasgos particulares que las definen, pero, más allá de ello, lo que alcanzamos a descubrir es la universalidad de los sentimientos y aflicciones. El viajante cumple totalmente con esta premisa. La situación de la mujer es más opresiva en Irán (en ningún momento vemos el cabello de las actrices, por citar un ejemplo llamativo), pero no dejamos de comprender sus reticencias a denunciar lo sucedido ante el temor de ser criminalizada en vez de apoyada. También podemos sentirnos en la piel de Emad, lesionado en su amor propio y sediento de reparación de su honor mancillado, mucho más obsesionado que la propia Rana, que en verdad se irá sintiendo acosada por la incapacidad de su esposo para recuperar la normalidad. Pero, sobre todo, es universal la enseñanza de la película: la persecución y consumación de la venganza nos convierte en monstruos. La venganza no repara nada, lejos de ello nos sume en la inmundicia y nos degrada ante nosotros y ante los demás. Impagable el plano final en el que comprendemos que todos los puentes entre marido y mujer se han hundido irreversiblemente.

Como de costumbre, Asghar Farhadi propone una película humanista, sencilla y poderosa, en la que el drama familiar se sirve bajo fórmula de thriller, con un guion implacable en el que cada pieza encaja sin que el espectador se dé cuenta, sin que los personajes midan las consecuencias en su existencia.

La carrera del doblemente oscarizado, cuya formación fue en dirección escénica y teatro, se ha desarrollado de forma inmejorable. Con siete largometrajes en su filmografía, Farhadi se ha convertido en un importante referente del cine iraní contemporáneo. Tras realizar exitosos y reconocidos títulos como A propósito de Elly y Nader y Simin, una separación (con la que obtuvo el Oscar en 2012), también ha cultivado su proyección internacional, lo que le llevó a rodar en Francia El pasado, y actualmente a desarrollar posiblemente su próximo proyecto en España.

Asghar Farhadi fue representado en la última gala de los Oscars por Anousheh Ansari,  una ingeniera conocida por ser la primera mujer turista espacial, y Firouz Naderi, un reputado científico que trabajó para la NASA, ambos iraníes-estadounidenses. A pesar de no haber asistido a la ceremonia -en respuesta a las  restrictivas políticas migratorias que Estados Unidos ha aplicado recientemente, Asghar Farhadi ha manifestado sus sentimientos de agradecimiento a través del discurso que Anousheh Ansari leyó en su nombre: “Es un gran honor recibir este valioso premio por segunda vez. Me gustaría agradecer a los miembros de la academia” (…) “Siento no estar con vosotros esta noche. Mi ausencia se debe al respeto hacia la gente de mi país y de otros 6 países que han sido humillados por la inhumana ley que prohíbe la entrada de inmigrantes a Estados Unidos”(…) “Dividir el mundo entre las categorías de ‘nosotros’ y ‘nuestros enemigos’ crea miedo y una lamentable justificación para la agresión y la guerra” (…) “Los cineastas pueden emplear sus cámaras para captar cualidades humanas comunes y romper estereotipos sobre sus nacionalidades y religiones, crear empatía entre ´nosotros’ y ´otros’, una empatía que necesitamos hoy más que nunca”.

 

2016: Premios Oscar: mejor película de habla no inglesa
2016: Globos de Oro: Nominada a mejor película de habla no inglesa
2016: Festival de Cannes: Mejor actor (Shahab Hosseini) y mejor guión
2016: National Board of Review (NBR): Mejor película de habla no inglesa
2016: Critics Choice Awards: Nominada a mejor película de habla no inglesa
2016: Festival Internacional de Valladolid – Seminci: Sección oficial
2016: Satellite Awards: Mejor película de habla no inglesa

 

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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 3 de marzo de 2017 *

LOGAN (James Mangold, 2017)

USA Duración: 135 min. Guion: David James Kelly (Cómic: Mark Millar, Steve McNiven) Música: Cliff Martinez Fotografía: John Mathieson Productora: 20th Century Fox / Donners’ Company / Marvel Entertainment / TSG Entertainment Género: Fantástico

Reparto: Hugh Jackman, Patrick Stewart, Boyd Holbrook, Dafne Keen, Stephen Merchant,Doris Morgado, Richard E. Grant, Han Soto, Elizabeth Rodriguez, Julia Holt, Elise Neal, Al Coronel

Sinopsis: Ha pasado un año tras los eventos de “X-Men: Days of Future Past“. Logan ha decidido no volver a usar sus poderes ni sus garras, pero cuando una malvada organización liderada por Nathaniel Essex intenta utilizar al resto de mutantes que quedan en el mundo, convirtiéndolos en armas para usar en su beneficio, Logan se verá obligado a volver a ser ‘Wolverine’ una vez más…

cxqaayzwiaab2l4Tercera película protagonizada por Lobezno, basada en la miniserie  Wolverine: Old Man Logan, escrita por Mark Millar e ilustrada por Steve McNiven en 2008 y 2009 y que nos muestra a un Logan desencantado, avejentado, sin uniforme y ubicado en el futuro inquietante y apocalíptico en el que los mutantes han sido exterminados y no nacen más niños con ese gen especial. Pero en la vida de Logan se introducirá un niña que despertará, a patadas, el instinto paternal del mutante de las garras. Más salvaje que el mismo Logan, Laura (Dafne Keen) , el experimento X-23 tendrá mucho en común con él, que se verá obligado a ejercer de protector de la pequeña salvaje.

Una crítica realizada en caliente por un profesional desde Berlín, y publicada en un periódico de gran tirada decía de esta nueva entrega del universo X que “Sus escenas de acción son poquísimas y tediosas, sus efectos visuales son una chapuza” y nada puede estar más alejado de la realidad. Las escenas de acción de Logan son las más salvajes y sangrientas de toda la franquicia mutante en particular y de Marvel en general (con excepción de  las cintas dedicadas a Blade) y no solo eso,  los efectos especiales también son más que correctos. Totalmente eficaces. Sí que hay un momento, hacia el final del tercer acto, en el que la cinta decae, pero pronto se recupera la acción con esa lucha final, al parecer, definitiva. Por tanto, es posible que dicho crítico no hubiera tenido un buen día. O hubiera visto una copia de trabajo. O definitivamente no simpatice con los personajes.

Destaca la participación de la pequeña Dafne Keen Fernández, actriz británico-española conocida por interpretar el papel de Ana “Ani” Cruz Oliver en la serie de televisión Refugiados y que aquí nos ofrece una muy salvaje y también carismática  X-23 / Laura. Uno, que ya está muy escarmentado de ver como, a veces, los niños echan a perder películas de acción o terror, infantilizando la trama, no ha podido menos que sacarse el sombrero ante este personaje, la niña más salvaje de la pantalla desde Hit Girl.

No sabemos si estos pequeños mutantes darán para una nueva saga. Pistas, al menos, no se nos han ofrecido en forma de escena postcréditos, pero lo que es seguro es que, para nosotros, Logan es, pese a no ser una cinta redonda, de largo la mejor de las dedicadas a Lobezno, que a pesar de su carisma, no ha tenido mucha suerte en sus aventuras en solitario, funcionando en la pantalla mucho mejor en equipo junto al resto de los X-Men.

EL SR. HENRI COMPARTE PISO (L’étudiante et Monsieur Henri, Ivan Calbérac, 2016)

Francia Duración: 95 min. Guion: Ivan Calbérac (Obra: Ivan Calbérac) Música: Laurent Aknin Fotografía: Vincent Mathias Productora: Mandarin Films / StudioCanal / France 2 Cinéma / Les Belles Histoires Productions / Canal+ / Orange Cinéma Séries / France Télévisions / Angoa-Agicoa Género: Comedia

Reparto: Claude Brasseur, Guillaume de Tonquédec, Noémie Schmidt, Frédérique Bel,Thomas Solivéres, Valérie Kéruzoré, Stéphan Wojtowicz, Antoine Glemain

Sinopsis: El señor Henri acepta a regañadientes la idea de su hijo de alquilar una habitación para así no estar solo a su edad. La elegida es una joven estudiante, pero lejos de caer bajo el encanto de la chica, Henri la utilizará para crear un verdadero caos familiar.

el-sr-henri-comparte-pisoSuelo disentir de quienes ven a los ancianos, tan solo por la condición de serlo, como niños a los que ver con ternura, necesitados de ayuda y cariño. Pienso que, en muchos casos, son unos mezquinos egoístas e insufribles vanidosos que, tan solo por su ventaja numérica en el contador de edad, piensan que son más sabios. Sí, cumplir cumplen más años, pero no por ello han vivido más ni saben más de todo. Y El Sr. Henri (Claude Brasseur) que nos presenta Ivan Calbérac (cuya obra de teatro él mismo ha adaptado al cine y se ha encargado de dirigir) cumple a la perfección con eso: una existencia frustrada que parece haberle otorgado años y años de mala leche enquistada con el deseo de arruinar la felicidad de su inofensivo hijo al que, por cierto, también ha arruinado sus aspiraciones en la vida haciéndole heredar su oficio de contable.

De luciferinas cejas e inquietante parecido con Paco Martínez Soria, el Sr. Henri se servirá de la necesidad de apartamento en París que tiene la joven estudiante Constance (Noémie Schmidt) para que, a cambio de alquilarle el piso más barato, colabore para que su hijo y su esposa se separen. Algo que está al alcance de esta joven de aspecto postadolescente y encantador semblante. Tan encantador que, claro, extraerá de lo más profundo de la mezquina alma del Sr. Henri, lo poco de ser humano que le queda. Como vemos, un argumento manido, que trae a la memoria a los viejos gruñones que caen rendidos a los pies de la pizpireta Marisol en sus primeras cintas (irremediablemente interpretados por Julio Sanjuán); al abuelo de Heidi o, rizando el rizo, al insoportable viejo de la maravillosa gema semioculta, Un buen día lo tiene cualquiera, en la que Santiago Lorenzo narra, casi en clave de horror, la imposible convivencia entre ese anciano y su joven protagonista. Pero la química funciona perfectamente. El Sr, Henri comparte piso  es una tan divertida y agradable como también previsible comedia. Ingeniosa, magníficamente adaptada para la pantalla, y muy bien interpretada por el histórico actor Claude Brasseur, que borda su cascarrabias personaje, y Noémie Schmidt, que da el salto al largometraje con paso firme. Ambos protagonistas están secundados  por Frédérique Bel y  Guillaume de Tonquédec como la pareja que Constance deberá desestabilizar.

 

LA CHICA DESCONOCIDA (La Fille Inconnue, Jean Pierre y Luc Dardenne, 2016)

Bélgica / Francia Duración:113 min. Guion: Jean-Pierre Dardenne, Luc Dardenne Fotografía: Alain Marcoen  Productora: Les Films du Fleuve Género: Drama

Reparto: Adèle Haenel, Jérémie Renier, Olivier Gourmet, Thomas Doret, Fabrizio Rongione,Christelle Cornil

la_fille_inconnue-916873136-largeSinopsis: Jenny (Adèle Haenel), una joven médico de familia, se siente culpable por no haber abierto la puerta de su consulta a una chica a la que encuentran muerta poco después. Al saber que la policía no tiene forma de identificarla, Jenny tiene un solo empeño: descubrir el nombre de la joven para que no sea enterrada anónimamente y desaparecer como si no hubiera existido nunca.

Un gesto, una acción automática, sin pensar. Una frase. Todo puede causar, sin que seamos conscientes de ello, un hecho importante y definitivo. Incluso una tragedia. Esto es lo que nos quiere trasmitir este argumento de los hermanos Dardenne, que, muy juiciosamente, han traducido su guión en imágenes rodadas de forma muy realista, con economía de planos y sin aspavientos. Apoyándose en el verismo para contar esta historia de culpa. Una culpa compartida, pero que en la Dra. Jenny, que interpreta contenida y convincentemente Adèle Haenel, se convertirá en una obsesión tan apremiante que se traducirá en una renuncia al éxito y a la vida. Haenel, que tuvo un debut tan brillante como sonado con Los diablos (Les diables, Christophe Ruggia, 2002), prosigue su ascendente carrera como protagonista absoluta en esta brillante cinta de los hermanos Dardenne.

 

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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 24 de febrero de 2017 *

23 febrero 2017 Deja un comentario

ES POR TU BIEN (Carlos Therón, 2016)

España. Duración: 99 min. Guion: Manuel Burque, Josep Gatell Productora: Telecinco Cinema / Quexito Films Género: Comedia

Reparto: José Coronado, Javier Cámara, Roberto Álamo, Pilar Castro, Carmen Ruiz, Silvia Alonso, Georgina Amorós, Andrea Ros, Miki Esparbé, María Pujalte

es_por_tu_bien-373033275-largeSinopsis: La peor pesadilla que un padre puede tener con una hija es que ésta crezca y llegue el día en que le presente a su novio, y que éste sea un tipo despreciable que busca una sola cosa de su preciada y amada niñita. Y ese día es precisamente el que les llega a tres padres, a Arturo, Poli y Chus: sus dulces hijas han decidido tirar su futuro a la basura echándose tres novios abominables. Así que la única solución es aunar fuerzas para librarse de ellos como sea. ¡Es la guerra!

El viejo tema de la reacción del padre ante la mayoría de edad de su niña y la llegada de ese yerno que nunca es lo suficientemente bueno para ella, situación tan bien retratadal por Vincente Minelli en el clásico El padre de la novia (Father of the Bride, 1950), vuelve a ser revisada en esta comedia española con el añadido del cuñadismo, tan en boga en la actualidad, como mal entendido. Para ello se ha recurrido a un equipo irresistible como es el formado por José Coronado, Javier Cámara y Roberto Álamo, que prácticamente realiza una parodia del papel  que le ha supuesto el Goya en Que Dios nos perdone (Rodrigo Sorogoyen, 2016). Un trío de protagonistas que interpretan tres tipologias totalmente diferentes de padre, todos cuñados entre sí, que tendrán en común un odio profundo hacia el chico que sus hijas han escogido para casarse. Bien respaldados por actores y actrices eficaces como Miki Esparbé, Luis Callejo, María Pujalte o Carmen Ruíz, esta película ofrece al espectador el resultado que cabe predecir: resulta un producto digno, entretenido y con algún buen gag. Coronado está bastante bien y Cámara hace de Javier Cámara en posición on cómico. Así que, en nuestra opinión, quien acuda al cine a ver Es por tu bien con la intención de pasar un buen rato, puede darse por satisfecho con lo que ofrece este guión de Josep Gatell (guionista de José Mota y Andreu Buenafuente, entre otros) y  del cómico Javier Burque (que también realiza un pequeño papel).

Buena factura y algún gag bien traído, nos ponen ante una cinta para todos los públicos. Entretenida sin ser memorable.

 

LA VIDA DE CALABACÍN (Ma Vie De Courgetteaka, Claude Barras, 2016)

Suiza / Francia Duración: 66 min. Guion: Morgan Navarro, Céline Sciamma, Germano Zullo (Novela: Gilles Paris) Música: Sophie Hunger Productora: Rita Productions / Blue Spirit Animation / Gébéka Films Género: Drama de animación Stop Motion

346364-jpg-r_1280_720-f_jpg-q_x-xxyxxSinopsis: Calabacín es un niño valiente que después de perder a su madre tiene que ingresar en un hogar de acogida, con otros niños huérfanos de su edad. En un primer momento se esfuerza por encontrar su lugar en este nuevo medio hostil. Sin embargo, con la ayuda de sus nuevos amigos, Calabacín aprende a confiar, encuentra el verdadero amor y una nueva familia.

Sabida es la importancia de la primera frase en una novela o un relato, menos atención ha merecido la decisiva función de la primera secuencia en un filme, y, sin embargo, ha de ser cuidada con el mismo esmero que los encabezamientos literarios. La primera secuencia debe dar la mayor información posible sobre lo que vamos a ver pero sutilmente, de un modo que sólo descubrimos cuando la revisamos una vez vista. Se me ocurre como ejemplo esa almohada marrón hollada que encabeza Mulholland Drive y que a su término reconocemos como pista de que lo que vamos a ver después es en verdad un sueño. La vida de calabacín se inicia con un plano de un cielo levemente nuboso, poco más de una hora sabremos que ese es el espacio en el que vuelan las cometas. Y que las cometas elevan con ellas los momentos de felicidad soñados que queremos alcanzar y retener.

La vida de Calabacín no es, ni mucho menos un producto alegre, amable y repleto de canciones a pesar de tratarse de una cinta de animación. La historia del niño Ícaro (que prefiere que le llamen Calabacín) y sus compañeros en el hospicio no es paradisíaca. Padres alcohólicos, drogadictos, abusadores… hacen que la infancia  de estos niños quede hibernada. Congelada. Demostrando que, desde luego, la idealizada niñez no es ni mucho menos esa época tan idílica de lo que la memoria selectiva de los adultos se esfuerza en volver, una y otra vez, a compartir. Sin caer en dramas tan profundos como los de los protagonistas, todos, junto a maravillosos descubrimientos positivos, también nos enfrentamos a cambios, muerte, complejos, violencia y, sobre todo, a los otros, que no siempre figuras bondadosas, para encontrar nuestro lugar. Algunas cosas son demasiado duras para expresarlas con actores reales y se hace necesario recurrir a otros medios. Y esto es lo que nos ofrecen estos personajes de grandes y tristes ojos, con los que expresan mucho más de lo que es posible decir con palabras. Y todo ello con muy pocas lágrimas. Las justas. Tras seis cortos de animación más, Claude Barras realiza su primer largometraje, que con su poca duración (66 minutos) consigue hacerse corto, algo atípico en estos tiempos de desmedida en la duración de los largometrajes. La vida de Calabacín vuela alto, tanto como la cometa que representa la esperanza de esos niños a los que nadie quiere, tanto como la belleza de esa paciente animación. Y llega directa al corazón.

2016: Premios Oscar: Nominada a Mejor película de animación
2016: Globos de Oro: Nominada a Mejor película de animación
2016: Premios César: 3 nominaciones, incluyendo Mejor film de animación
2016: Premios Annie: Nominada a mejor director, film independiente y guión
2016: Festival de Annecy: Mejor película y Premio del público
2016: Festival de San Sebastián: Premio del público – mejor film europeo
2016: Premios del Cine Europeo: Mejor film de animación europeo
2016: Satellite Awards: Mejor largometraje de animación

 

 FENCES (Densel Washington, 2016)

USA Duración: 139 min. Guion: August Wilson (Obra: August Wilson) Música: Marcelo Zarvos Fotografía: Charlotte Bruus Christensen Productora: Paramount Pictures / Scott Rudin Productions Género: Drama

Reparto: Denzel Washington, Viola Davis, Mykelti Williamson, Russell Hornsby, Saniyya Sidney, Stephen Henderson, Jovan Adepo, Toussaint Raphael Abessolo, Mark Falvo, Christopher Mele, Phil Nardozzi, Dontez James, Terri Middleton, Malik Abdul Khaaliq, Chris McCail
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Sinopsis: La historia de Fences tiene lugar en la década de 1950 y gira en torno a una antigua estrella del béisbol americano que por circunstancias  se ve obligado a trabajar recogiendo basura.
Fences, tercer largometraje dirigido por Denzel Washington, que también lo protagoniza,  es la adaptación cinematográfica de la obra de teatro escrita por August Wilson en 1983, ganadora del Premio Tony a la Mejor Obra de Teatro y galardonada también con el Premio Pulitzer al Mejor Drama. Denzel Washington y Viola Davis vuelven a retomar los papeles que ya interpretaron en 2010 cuando llevaron la obra, una vez más, a Broadway, y por la que recibieron ambos el Premio Tony. Si bien el reto actoral se cumple a la perfección en su versión cinematográfica, con largos monólogos (algunos cargantes) a cargo de Denzel Washington, no se cumple la premisa de convertir esta obra teatral en cine. Fences no puede ocultar su origen teatral por culpa de una puesta en escena y una dirección que mantienen el lenguaje teatral, escapando de su único escenario en contadas ocasiones y contando las acciones sin mostrarlas, aferrándose a las limitaciones del teatro por lo que, más que convertir la acción en cinematográfica, lo que hace es transformar esta obra de teatro en un híbrido que no termina de funcionar. Quizás si se hubiera limitado a ofrecernos, sin complejos, teatro filmado, la química hubiera funcionado mejor, pero Fences queda en tierra de nadie. Carece de momentos cinematográficos pero en ella abunda el lucimiento de sus estrellas, en especial de su director y protagonista, cuyo Troy Maxson, lejos de despertar simpatía resulta ser, además, un perfecto cretino.
2016: Premios Oscar: 4 nominaciones incluyendo mejor película y actor (Washington)
2016: Globos de Oro: Mejor actriz de reparto (Viola Davis)
2016: Premios BAFTA: Nominada a mejor actriz secundaria (Viola Davis)
2016: American Film Institute (AFI): Top 10 – Mejores películas del año
2016: Critics Choice Awards: Mejor actriz secundaria (Viola Davis). 6 nominaciones
2016: Satellite Awards: 4 nominaciones incluyendo mejor película y director
2016: Sindicato de Productores (PGA): Nominada a Mejor película
2016: Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a Mejor guión adaptado
2016: Sindicato de Actores (SAG): Mejor actor (Washington) y actriz sec. (Davis)
PSICONAUTAS, LOS NIÑOS OLVIDADOS (Pedro Rivero y Alberto Vázquez, 2015)
España Duración: 76 min. Guion: Alberto Vázquez, Pedro Rivero (Cómic: Alberto Vázquez) Productora: Zircozine / Basque Films / Abrakam Estudio / La Competencia Género: Drama postapocalíptico de animación
Sinopsis: Tras una terrible catástrofe ecológica en la isla en que habitan, Birdboy y Dinki perdieron a sus padres. Hubo un tiempo en que afrontaron juntos su dolor, pero Birdboy vive ahora aislado en el bosque, consumiéndose, y ajeno a que Dinki ha decidido emprender un arriesgado viaje en busca de un lugar mejor. Birdboy tendrá que luchar contra sus demonios interiores si quiere unirse a Dinki a tiempo de ayudarla en su aventura y salvarse a sí mismo.

cache_59431789Psiconautas, los niños olvidados es una parábola postapocalíptica de animación para adultos. Tiene momentos de comedia pero, sobre todo, los tiene de terror y desolación ante una hecatombe medioambiental. Catástrofe que convertirá esa isla, en la que habitan todos sus personajes, en un lugar irrespirable e inhabitable invadido por la basura. Poblada por un completo catálogo de personajes atractivos que conformarán un universo particular en el que tendrán cabida las drogas (legales e ilegales), la violencia institucional y la persecución del diferente, todo ello con grandes dosis de crítica social perfectamente combinadas con otras tantas de delicadeza y ternura. Sin embargo, peca de ofrecer un resultado muy denso, y ello a pesar de su ajustada duración (o quizás precisamente por ello). Tanto que cuesta asimilarla en conjunto, siendo necesario un segundo visionado para poder apreciarla en todos sus detalles. Y eso no es del todo positivo, porque a veces menos es más. 

Y no es que resulte ininteligible, pues una vez se desbroza de sus múltiples ramificaciones, su trama es bien sencilla, positiva y clara, pero la acumulación de subtramas paralelas, como las protagonizadas por el despertador, el cerdo pescador y su madre drogadicta, abre la posibilidad de que el espectador se pierda en algún vericueto. Juzgándola tras un único visionado, nos hace plantearnos si no es posible que en su formato original, como cómic, funcionara mejor. La lectura ofrece más tiempo para asimilar lo leído y observado, incluso tenemos la oportunidad de volver atrás y repasar, algo que el cine, un arte mucho más instantáneo y fugaz, no lo permite en la misma medida. Con todo, Psiconautas no es en absoluto una mala película. Muy al contrario, es digna de todos los reconocimientos, premios y nominaciones que ha recibido. Y lo que es más, habría merecido que los medios se hicieran mayor eco de sus éxitos. Pesa sobre ella el ancestral problema de la animación: luchar contra el prejuicio de ser considerada como un género menor por una buena parte de la crítica.

Psiconautas, los niños olvidados supone la culminación de un camino iniciado con el cortometraje Birdboy, que basado igualmente en la novela gráfica del mismo título de Alberto Vázquez, obtuvo en 2012 el Goya al Mejor cortometraje de animación, siendo preseleccionado para los Premios Oscar en su categoría. Ahora han repetido parte de la hazaña con el largometraje, que ha sido igualmente premiado con un merecido Goya a la mejor película de animación.

2016: Premios Goya: Mejor película de animación
2016: Premios del Cine Europeo: Nominada a mejor film de animación europeo
2016: Festival de Annecy: Sección oficial a competición
2015: Festival de Gijón: Sección oficial largometrajes de animación

 

T2: TRAINSPOTTING (Danny Boyle, 2017)

UK Duración: 117 min. Guion: John Hodge (Novela: Irvine Welsh) MúsicaRick Smith Fotografía: Anthony Dod Mantle Productora: Film4 / TriStar Pictures / Sony Pictures Entertainment Género: Drama

Reparto: Ewan McGregor, Robert Carlyle, Jonny Lee Miller, Ewen Bremner, Kelly Macdonald, Shirley Henderson, Steven Robertson, Anjela Nedyalkova, Irvine Welsh

Sinopsis: Primero hubo una oportunidad… después una traición. Han pasado 20 años.
Muchas cosas han cambiado, pero otras muchas siguen igual. Mark Renton (Ewan McGregor) vuelve al único sitio que considera su “casa”. Allí le esperan: Spud (Ewen Bremner), Sick Boy (Jonny Lee Miller), y Begbie (Robert Carlyle). Otros viejos amigos también le esperan: pena, fracaso, alegría, venganza, odio, amistad, amor, deseo, miedo, remordimiento, diamorfina, autodestrucción y peligro mortal, todos ellos alineados para darle la bienvenida, preparados para unirse al baile.

t2_trainspotting-cartel-7365Todos tenemos amigos que podríamos haber sido nosotros. Que nos recuerdan lo fácil que hubiese sido acabar como ellos de haber seguido caminando por el filo. Unos han sabido zafarse a tiempo; otros, siguen en su linea; y algunos han fallecido. Buenos amigos. Queridos. En esta secuela de Traisnpotting los cuatro ya no jóvenes protagonistas de aquella vuelven a unirse veinte años después. Mark Renton vuelve, como le dice un amigo, de turismo a su  juventud. Todo ha cambiado durante los veinte años que ha estado en Ámsterdam gastando el dinero que estafó a sus mejores amigos, y durante ese tiempo todo ha evolucionado: la ciudad, la familia, los amigos… ¿los amigos? veremos en T2 si así ha sido. Seremos invitados de excepción al  reencuentro de esos cuatro diablos en una narración repleta de humor, violencia, drogas y un poco de terror, pues todo tiene cabida en esta cinta que sabe dosificar las cuotas de nostalgia ofreciendo un final maravilloso que, por si solo, parece justificar el que se haya rodado este filme.

Danny Boyle ha basado su película en Porno, la siguiente novela de Irvine Welsh, aunque no ha querido que el guión de John Hodge siga fielmente el libro. La jugada ha quedado fina, pues no cae en vendernos la misma historia pero actualizada. Tampoco propina una reprimenda a los personajes ni una lección moral al público advirtiéndole de los peligros de la vida al límite. Tan solo nos hace partícipes de ese reencuentro, unas veces entrañable, otras doloroso. Siempre entretenido y  con un resultado relevante. Notable. Es como si Ewan McGregor volviera a su  hogar, al barrio. Ese barrio de bloques gigantes y grises, para ver a los viejos compañeros que dejó en Edimburgo cuando marchó a poner en marcha su exitosa carrera al otro lado del charco. Y vuelva para saldar una deuda con esos compañeros, ese director y con ese público que a partir de Trainspotting aupó al actor hacia el éxito internacional ¿Secuelas?: así si.

 

 

 

 

 

 

 

 

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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 17 de febrero *

17 febrero 2017 Deja un comentario

LO QUE DE VERDAD IMPORTA (The Healer, Paco Arango, 2016)

USA/Canadá / España Duración: 107 min. Guión: Paco Arango Música: Nathan Wang Fotografía: Javier Aguirresarobe Género: Comedia 

Reparto: Oliver Jackson-Cohen, Camilla Luddington, Jonathan Pryce, Jorge García, Kaitlyn Bernard

lo_que_de_verdad_importa_the_healer-218465434-largeSinopsis: Alec (Oliver Jackson-Cohen) es un ingeniero mecánico inglés incapaz de poner en orden su vida. Cuando su tienda de reparación de aparatos electrónicos “El curandero” está a punto de quebrar por su afición al juego, un familiar que nunca supo que tenía se ofrece a solucionar sus problemas a cambio de que se traslade un año a Canadá, el lugar de origen de sus antepasados. Allí descubrirá que a su alrededor comienzan a suceder las cosas más incomprensibles. Enfrentarse a sí mismo, a su pasado, a su vida y, sobre todo, al don que nunca supo que tenía, inspirará a las personas que le rodean a creer en algo más allá de lo que se puede explicar.

Con este argumento poco más cabe añadir. Lo que comienza como una agradable comedia no demasiado inspirada va adentrándose en el fantástico más increíble y de ahí al piadoso mundo de los milagros. Todo de forma más bien increíble y con un epílogo que termina de poner la puntilla a esta cinta. Generoso presupuesto para un director con tan solo una en su haber (Maktub, 2011) y el dudoso honor de haber creado dos de las series más psicotrónicas de la televisión (¡Ala…Dina! y El inquilino), cuenta con actores como Jonathan Price y Jorge García que interpretan pequeños papeles junto a algunos actores bregados en series televisivas, como García y el propio director. De hecho, la película tiene un importante tufillo televisivo. Y no del mejor, precisamente. Pero al menos el objetivo de  Lo Que De Verdad Importa es más que loable,  ya que toda la recaudación se destinará íntegramente a la red de campamentos para niños enfermos SeriousFun Children’s Network, que fundó Paul Newman, con la que la Fundación Aladina (presidida por Arango) colabora estrechamente.

MANUAL DE UN TACAÑO  (Radin!, Fred Cavayé, 2016)

Francia Duración: 89 min. Guión: Fred Cavayé, Nicolas Cuche, Laurent Turner (Idea original: Olivier Dazat) Fotografía: Laurent Dailland Productora: Jerico / TF1 Films Production / Mars Films Género: Comedia

Reparto: Dany Boon, Laurence Arné, Noémie Schmidt, Patrick Ridremont, Christophe Favre

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Sinopsis: François Gautier (Dany Boon) es un tacaño. Ahorrar le produce alegría. Su vida gira con el único fin de no gastar nada, pero un día todo cambiará cuando se enamora de una compañera de trabajo, Valérie (Laurence Arné) y descubre que tiene una hija de 16 años, Laura (Noémie Schmidt) producto de una preservativo caducado y de la que no conocía su existencia. Obligado a mentir para ocultar su terrible defecto, esto será el comienzo de todos sus problemas.

Un conjunto de gags magníficamente hilvanados en esta ingeniosa comedia interpretada por el competente cómico Dany Boon y dirigida por Fred Cavayé, un director cuya carrera se había desarrollado hasta ahora en el campo del thriller y que demuestra que se desenvuelve muy bien también con la comedia.

Acertado ritmo, buen diseño de situaciones y buena construcción del personaje central, ese tacaño extremo llevado voluntariamente a la caricatura. Manual de un tacaño no ocupará un lugar de honor dentro de la comedia francesa, pero tiene una puesta en escena más que digna y es muy eficaz en su propósito de hacernos pasar un buen rato.

JACKIE (Pablo Larraín, 2016)

Chile/Francia/USA Duración: 95 min. Guión: Noah Oppenheim Música: Mica Levi Fotografía: Stéphane Fontaine Productora: LD Entertainment / Fabula / Protozoa Pictures Género: Drama

Reparto: Natalie Portman, Peter Sarsgaard, Greta Gerwig, Billy Crudup, John Hurt, Richard E. Grant, Max Casella, Beth Grant, Caspar Phillipson, John Carroll Lynch, Julie Judd, Sara Verhagen, Sunnie Pelant, Hélène Kuhn, Deborah Findlay, Corey Johnson
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La (breve) estancia de Jackie Kennedy (Natalie Portman) y su marido John, el presidente de los Estados Unidos, en la Casa Blanca son rememoradas por su compungida, pero muy digna, viuda durante una entrevista que le realiza un periodista (Billy Crudup) una semana después del atentado que conmocionó al mundo en noviembre de 1963. La narración nos lleva por el pasado más inmediato de la pareja, su llegada a Dallas; su reacción al atentado; el traslado del cadáver; y el entierro. Además de, por supuesto, el magnicidio. Y todo nos lo muestra Larraín de una forma muy elegante. Firme. Contando con una actriz que realiza eso tan difícil de ver últimamente: actuar. Y es que Natalie Portman deja de ser esa magnífica actriz y se convierte en una convincente e intensa Jackie. Altiva, digna, carne de leyenda. Cubriendo toda la narración con total protagonismo y mínimamente respaldada por eficaces actores como John Carroll Lynch, Peter Saarsgard y, sobre todo, John Hurt, cuyo reciente fallecimiento aporta un nuevo sentido a su papel de sacerdote, que dará comprensión y apoyo espiritual a Jackie tras la pérdida de su esposo.

La música de Mica Levi, muy juiciosamente nominada a un premio Oscar ilustra, con una partitura protagonizada por la sección de cuerda, el desgarro de la protagonista y conecta con el concierto de Pau Casals ante la pareja protagonista y su séquito, evento que se recuerda en un momento de la cinta.

Pero repito, si algo destaca por encima de todo es la madura actuación de Natalie Portman, en opinión de este comentarista, posible próxima poseedora de una estatuilla por su brillante interpretación como ese icono de siglo XX. Contenida, digna, en una película que deja reconocer también la labor del Pablo Larraín que nos conquistó con su otro acercamiento a un personaje histórico en  Neruda (2016). Aquí como allí sitúa la acción en un momento muy concreto de la biografía del protagonista. Y también como en la maravillosa Ed Wood (Tim Burton, 1994), se huye del biopic al uso y se recoge un momento concreto. Ni nos interesa el antes, ni el después de Jackie, tan solo ese momento en el que nace la leyenda, el icono de la dama presidencial que se ha mantenido hasta hoy y que no se repetirá. Ese momento en el que existió Camelot.

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Premios

2016: Premios Oscar: Nominada a mejor actriz (Portman), banda sonora y vestuario2016: Globos de Oro: Nominada a mejor actriz-drama (Natalie Portman)
2016: Premios BAFTA: 3 nominaciones, incluyendo Mejor actriz (Natalie Portman)
2016: Festival de Venecia: Mejor guión (Noah Oppenheim)
2016: Premios Independent Spirit: Nom. película, director, actriz (Portman) y montaje
2016: Críticos de Los Angeles: Nominada a mejor banda sonora
2016: Critics Choice Awards: Mejor actriz (Portman), vestuario y maquillaje. 6 nomin.
2016: Premios Gotham: Nominada a mejor actriz (Natalie Portman)
2016: Satellite Awards: Mejor vestuario. 5 nominaciones
2016: Sindicato de Actores (SAG): Nominada a mejor actriz (Natalie Portman)

 

 

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