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Archive for the ‘VAMOS DE ESTRENO’ Category

VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 19 de enero de 2018 *

ME ESTÁS MATANDO SUSANA (Roberto Sneider, 2017)

México/Canadá. Duración: 102 min. Guion: Roberto Sneider, Luis Cámara (Novela: José Agustín) Música: Víctor Hernández Stumphauser Fotografía: Antonio Calvache Productora: Cuevano Films / La Banda Films / Fidecine Género: Comedia dramática
Reparto: Gael García Bernal, Verónica Echegui, Ashley Hinshaw, Daniel Giménez Cacho,Björn Hlynur Haraldsson, Cassandra Ciangherotti, Barbara Garrick,Gabino Rodríguez, Andrés Almeida, Tristan Carlucci, Jadyn Wong,Maite Suarez Diez, Julian Sedgwick, Will Woytowich, Adam Hurtig, Gordon Tanner,Jeremy Walmsley, Ilse Salas, Juan Pablo Medina
Premios: 
2017: Festival de Málaga: Sección Oficial Largometrajes a Concurso
2016: Premios Ariel: 6 nomin. incl. mejor película, director y actor (García Bernal)

Sinopsis: Eligio (Gael García Bernal) es un actor mexicano que vive de fiesta en fiesta. Un día su esposa, Susana (Verónica Echegui), lo abandona sin dar explicaciones. Tras conseguir algunas pistas sobre su paradero, irá en su busca desde México hasta Iowa. Cuando encuentra a su esposa, nota que está muy cambiada y no quiere volver con él. Eligio tendrá que cambiar si quiere recuperar a Susana. 

Protagonizada por Verónica Echegui (No culpes al KarmaDéjate llevar) y por el actor mexicano Gael García Bernal (Amores perrosDiarios de motocicleta), la comedia Me estás matando Susanabasada en la novela de José Agustín Ciudades desiertastrata de manera inteligente las dificultades de la vida en pareja y el delicado tema del machismo en la sociedad mexicana. El resultado es una cinta que no termina de coger el tono entre comedia y drama, todo ello sin que el resultado sea necesariamente negativo pues tanto Gael García Bernal como la española Verónica Echegui, están magníficos. Echegui, por cierto, se encuentra en pleno arranque internacional de su carrera pues además de alguna serie rodada en Inglaterra, dos cintas suyas van a coincidir durante un tiempo en las carteleras, esta cinta mexicano-canadiense y la comedia italiana Déjate llevar (Lasciati andare) de Francesco Amato, que se estrenará el próximo viernes. 

120 PULSACIONES POR MINUTO (120 battements par minute, Robin Campillo, 2017)

Francia Duración: 143 min. Guion: Robin Campillo, Philippe Mangeot Fotografía: Jeanne Lapoirie Productora: Les Films de Pierre Género: Drama
Reparto: Nahuel Pérez Biscayart, Adèle Haenel, Yves Heck, Arnaud Valois,Emmanuel Ménard, Antoine Reinartz, François Rabette
Sinopsis: París, principios de los años 90. Un grupo de jóvenes activistas intenta generar conciencia sobre el SIDA. Un nuevo miembro del grupo, Nathan (Arnaud Valois), se quedará sorprendido ante la radicalidad y energía de Sean (Nahuel Pérez Biscayart), que gasta su último aliento en la lucha.Seleccionada por Francia para los Oscar 2018.
Premios
2017: Festival de Cannes: Gran Premio del Jurado
2017: Premios del Cine Europeo: Mejor montaje
2017: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor película extranjera
2017: Críticos de Los Angeles: Mejor película extranjera
2017: Premios Independent Spirit: Nominada a mejor película extranjera
2017: Critics Choice Awards: Nominada a mejor película de habla no inglesa
2017: Satellite Awards: Nominada a mejor película de habla no inglesa
Con una primera parte realizada con premeditado estilo documental, esta cinta refleja las actividades del grupo Act-Up, creado en 1989 en París a imagen y semejanza del modelo americano y surgido del resentimiento hacia el establishments médico, político y religioso, cuya pasividad y prejuicios fueron y continúan siendo responsables del desconocimiento hacia la enfermedad del SIDA que tantos estragos causó, inicialmente, entre sectores de homosexuales, drogadictos y prostitutas. Esa misma ira contra el sistema, conduce a los activistas de Act-Up a hacer visible su drama y luchar contra el silencio mediante una poderosa cultura visual en eventos con gran difusión.
Robin Campillo, como hemos indicado, durante la primera parte de la cinta recurre al lenguaje del documental para mostrar el compromiso de los componentes del grupo, su lucha y su rebeldía. Todo ello de forma dinámica, pero sin renunciar a presentarnos a los principales actores que protagonizarán la segunda parte de la película, centrada en el drama íntimo que vivirán el seropositivo Sean (Nahuel Pérez Biscayart) y Nathan (Arnaud Valois). Una historia de amor marcada por una  tragedia anunciada que el director sabrá introducir cambiando sutilmente de registro.
Modélicamente narrada e interpretada, la película de Campillo resulta efectiva a varios niveles: como recordatorio de otra época que, desde luego no está superada y en la que los enfermos y los sufrimientos que causó el SIDA y sus diferentes tratamientos eran algo que no parecía afectar al grueso de la población, ocultándose o definiéndose como el cáncer gay. Es también una película didáctica, ilustrativa sobre como puede organizarse un activismo rico y solidario. Desvinculado de banderas y partidos políticos.
Entre sus protagonistas destacan, además de Pérez Biscayart (al que vimos el pasado año en Stefan Zweig: adiós a Europa) y Arnaud ValoisAdèle Haenel, que tuvo un sonoro debut a los trece años en Los diablos (Les diablesChristophe Ruggia, 2002) y a la que pudimos recientemente en La chica desconocida (La fille inconnue, 2017) de los hermanos Dardenne. 
Robin Campillo no suaviza el drama ni lo decora más allá de la solidaridad entre iguales. El realismo más áspero toma la pantalla pudiendo llegar a resultar incómodo para el espectador. Una crudeza que es necesaria para entender qué es lo que hacía que estos jóvenes salieran a la calle y tuvieran una actitud casi de combate, de guerra contra un sistema que los ignoraba. Y que los ignora, por lo cual hay que mostrar ese drama silenciado en toda su dureza, para concienciar al espectador, que nunca está de más.

 

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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 12 de enero de 2018 *

EL EXTRANJERO (The Foreigner, Martin Campbell, 2017) 

USA/UK/China Duración: 114 min. Guion: David Marconi (Novela: Stephen Leather) Música: Cliff Martinez Fotografía: David Tattersall Productora: STX Entertainment / thefyzz / Arthur Sarkissian Productions Género: Acción

Reparto: Jackie Chan, Pierce Brosnan, Charlie Murphy, Katie Leung, Rory Fleck Byrne,Dermot Crowley, Shina Shihoko Nagai, Simon Kunz, Jorge Leon Martinez,Lasco Atkins, Dilyana Bouklieva, Roberta Taylor, Dino Fazzani, Lee Nicholas Harris,Branwell Donaghey, Stephen Hogan

Sinopsis: Quan (Jackie Chan), es un humilde dueño de un restaurante londinense cuyo pasado, ya enterrado, emerge cargado de venganza al perder a su hija, la única familia que le queda, en un acto terrorista con motivaciones políticas. Mientras busca a los responsables, recurre a la ayuda del viceministro irlandés, Liam Hennessy (Pierce Brosnan), un funcionario del gobierno a quien afecta su propio pasado turbio de vinculación con el grupo terrorista IRA. Así comienza un juego del gato y el ratón con tinte político entre Quan y Hennessy, quienes deben confrontar su pasado mientras intentan identificar a los escurridizos asesinos.

Una intriga política con mucho de thriller policíaco y  el tan socorrido elemento, en el cine oriental, de la venganza que viene dado por el protagonista y productor de la cinta, un Jackie Chan que no está ya para muchos trotes,  pero que todavía nos recuerda que ha sido uno de los mejores especialistas del cine de acción made in Hong-Kong. El villano está interpretado por el siempre correcto Pierce Brosnan, con el que el director ya había trabajado con anterioridad en GoldenEye (1995), que encarna un personaje claramente inspirado en Gerry Adams, líder del Sinn Féin.
    Con un más que discutible trasfondo político, que le ha merecido no haber sido estrenada en Irlanda, esta historia, protagonizada por un Chan encarnando a un justiciero a lo Charles Bronson, mantiene el aire de serie-B de aquellas, aunque dentro de un tono generalmente dramático en el cual no hay lugar para el humor, lo que aleja a este personaje de los habituales de Jackie Chan.
      Este filme gris no está (ni estará) entre lo mejor de Chan, demasiada seriedad para merecer el calificativo de cinta de evasión y demasiado poco calado para ser considerado cine político. Apta sólo para fans completistas.
       Como curiosidad, señalar que el score lo firma Cliff Martínez músico de cabecera de Steven Soderbergh.

THE JUNGLE BUNCH (LA PANDA DE LA SELVA) (Les As de la Jungle, David Alaux, 2017) 

Francia. Duración: 97 mn Guion: David Alaux, Eric Tosti, Jean-François Tosti Música: Olivier Cussac Productora: France 3 Cinéma / Master Films / S.N.D / TAT Productions Género: Comedia de animación.

Sinopsis: Maurice es un pingüino en toda regla… ¡Pero hay un tigre dentro de él! Criado por una tigresa, este pingüino, lejos de ser un ave marina se ha convertido en un profesional del kung-fu. Con sus amigos, de ahora en adelante, Maurice tratará de hacer reinar el orden y la justicia en la jungla, como hizo su madre antes que él. Pero Igor, un koala diabólico, rodeado de sus secuaces babuinos (no muy espabilados) tiene la intención de destruir la jungla… ¡The Jungle Bunch acudirá al rescate!

The Jungle Bunch es una fantasía multicolor repleta de acción y humor que cuenta con una animación con textura casi orgánica. Apta incluso para adultos, su acción se desarrolla en una jungla sin depredadores en la que todas las especies conviven en paz, lo que da pié a un extenso catálogo de simpáticos personajes que servirán para ilustrar a los más pequeños el valor de la diversidad.  Narrada en clave de equipo justiciero, formato este muy en boga y muy útil para enseñar a los más pequeños la importancia de trabajar en equipo. En ese idílico marco  Los campeones y sus herederos, La banda de la jungla, tendrán como único antagonista a Igor, el koala maligno, que busca terminar con la vida en la jungla contando con la colaboración de su secuaz, el cangrejo Surimi.

Presentada en el prestigioso festival de cine de animación de Annecy y en la sección Europa Junior del Festival de Sevilla (destinada a niños de 3 a 12 años), The Jungle Bunch adapta al formato cinematográfico la serie de animación 3D The Jungle Bunch to the rescue (Les As de la jungle) creada, escrita y dirigida por David Alaux, Jean-François Tosti y Éric Tosti, que se emite en más de 180 países incluidos España (donde puede verse actualmente en CLAN TV y Canal Panda) y Estados Unidos, donde la serie ganó diferentes premios entre los que destacan dos Emmy a la mejor serie de animación infantil en 2014 y 2016.

 

 

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Call TV, nocturnidad y alevosía

“Lo siento mongolita, pero no lo voy a cortar ¡Esto es oro puro!”

Todos hemos visto mucho cine. A título personal, pero también a título colectivo, y eso es tanto como decir que hace mucho que nosotros y la sociedad perdimos la ingenuidad, la han perdido los espectadores, pero también (y quizás sobre todo) la han perdido las gentes que se dedican profesionalmente a esto del séptimo arte. El cine de hoy es un arte de bisnietos de aquellos pioneros que establecieron las bases, por eso tiene mucho de autorreferencia, de revisita, de homenaje y, todo ello siempre en el mejor de los casos, de revisión y reinvención de códigos. Apenas existen películas, en Occidente al menos y dejando de lado los blockbusters, que no tengan también una pátina de ensayo, no se dejan leer linealmente pues estamos obligados a rebobinar para no perdernos la cita que resultará clave en el análisis que nos propone. Ni siquiera las más frescas gozan de una frescura total. Y, créannos, a veces da pereza, mucha pereza. Con la edad uno es cada vez más partidario de que los experimentos se hagan con gaseosa, uno se atrinchera en su personal repertorio de clásicos y allí, en ese refugio/altar nos solazamos de las excursiones a lo moderno.

Norberto y Javier Albalá

Por todo eso, tiene mucho mérito que Norberto Ramos del Val nos saque una y otra vez de nuestra batcueva y nos lleve de excursión por sus propuestas pintorescas. Será porque siempre sabe cómo ganarse nuestras simpatías, aunque pertenezcamos a generaciones distintas y su humor no siempre sea el nuestro. Será, también, porque su enfoque, su voz cinematográfica, es particular, personal e intransferible, y siempre nos gusta aquello que no es clon de nada. Esta vez nos ha sacado a bailar con Call Tv, su película casi normal que aspira a escalar mundos más amplios que ese universo de gafapastas que siempre parece ser el reducto al que quedan relegadas las películas que se escapan del tópico. Norberto nos trae una película nocturna, disparatada, que tiene a Jo que noche o Algo salvaje en su maletero, sin caer nunca en la cita, que no es un homenaje sino un nuevo jalón en ese río de thrillers en clave de comedia en el que la irrealidad y lo real se dan la mano en una vorágine de acontecimientos divertidos y tristes a la vez, patéticos y simpáticos a partes iguales.

Call TV, como su título indica, toma como falsilla el submundo de esos programas de preguntas trampa que llenan las emisiones de madrugada, tan casposos, pero que tan buenos momentos dan a los noctámbulos que no consiguen bajar su espitado ánimo, que no consiguen salir de esos estado alterados de la mente inducidos por la noche y sus trampas. Un subproducto grotesco que en manos de Norberto (y de Pablo Vázquez, su guionista casi de cabecera) se convierte en el envoltorio perfecto para la revisión crítica de las constantes de nuestro tiempo, como ambos comentaban en Las Horas Perdidas, “habla de metacine, de la lucha de sexos, de la serie B, de la soledad, de la madurez, de la sociedad en la que vivimos ahora mismo, la maldita crisis que nos hace sentir más indefensos y más hostiles los unos con los otros, la envidia, la voracidad del trepismo, el cinismo como filtro para ver el mundo globalizado, la normalización de la megalomanía, y de los mundos reales y virtuales que nos rodean“. No hay ni gota de ingenuidad en la historia de Lucía (soberbia María Hervás), una actriz venida a menos que se ve obligada a aceptar un trabajo de presentadora en un Call TV y cuya primera noche se convertirá en un horror pesadillesco; pero sí hay raudales de frescura, introducidos en gran manera porque Norberto siempre hace cine para sí mismo (trata de rodar la película que le gustaría ver a él como espectador) que es la mejor manera para dirigirse a los demás. Una frescura que tiene que ver también con el uso de los giros de guión, que se nos ocurre tildar de arbitrarios y que logran darle al filme su tono de crónica surrealista (y que hacen que la película no sea tan normal como su director cree, dicho sea de paso).

Mucho cine dentro del cine es el que respira esta cinta. Por sus planteamientos argumentales que permiten incluso  bromas con el supuesto cine snuff, con los vídeos virales de Internet, con el mundo de los cineastas con ínfulas y con su extremo opuesto que es el universo de la telebasura (los extremos se tocan, ya se sabe). Pero también por las influencias que no se ocultan, esos azules y rojos llegados de Mario Bava, esa sangre de tono irrealmente encendido que nos llevan de cabeza al giallo, género de las entretelas de Norberto, y esa revisión de los roles que nos propone al dar a las mujeres el papel protagonista, lejos de su papel de rubias florero y reinas del grito que han poblado el género.

Y mucho de crítica social, introducida en gran medida por esa inversión de los protagonismos habituales. Los personajes de Norberto están  siempre poseídos por la impotencia, el asombro y el desconcierto, pero dentro de ello son las mujeres las que tienen verdadera capacidad de reacción frente al plantel de varones  cretinos que las rodean. Norberto nos las sirve además vestidas (por desvestidas, en ocasiones) de una sensualidad enormemente bella, como solo puede retratarlas un hombre que se siente atraído por las mujeres y que es feliz de que así sea. Por todo ello su obra es un idóneo vehículo para plantear la guerra de los sexos, tan subrayada en nuestro presente, y lo es para hacerlo con la exquisita incorrección política que tanta falta nos hace.

Y lo mejor de todo es que la reflexión no oculta la acción, la voluntad de analizar no margina la de divertirse. La película es un divertido divertimento, lo han pasado bien sus artífices y lo harán sus espectadores. Créannos, de las contadas veces en las que vale la pena abandonar eso que Josep Plà llamaba “tebaida de la misantropía”, una de ellas es la posibilidad de ver el cine de Norberto, que es moderno (más de lo que a él quizás le gustaría), pero que se acerca a la añorada inocencia del cine de los clásicos por vía de la irreverencia.

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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 5 de enero de 2018 *

EL MUSEO DE LAS MARAVILLAS (Wonderstruck, Todd Haynes, 2017)

USA. Duración: 120 min. Guion: Brian Selznick (Novela: Brian Selznick) Música: Carter Burwell Fotografía: Edward Lachman Productora: Amazon Studios / Killer Films Género: Drama

Reparto: Oakes Fegley, Julianne Moore, Michelle Williams, Amy Hargreaves,Cory Michael Smith, Marko Caka, James Urbaniak, Hays Wellford, Morgan Turner,Jaden Michael, Ekaterina Samsonov, Raul Torres, Millicent Simmonds,John P. McGinty, Mark A. Keeton

Sinopsis: Ben y Rose son niños de dos épocas distintas, que desean en secreto que sus vidas sean diferentes. Ben sueña con el padre que nunca conoció, mientras Rose lo hace con una misteriosa actriz cuya vida narra en un libro de recuerdos. Cuando Ben descubre una pista en casa y Rose lee un tentador titular en el periódico, ambos comienzan una búsqueda que se desarrollará con una fascinante simetría.

La grandeza de El museo de las maravillas estriba en la forma en la que está narrada. En cinco minutos Haynes entrega al espectador toda la información necesaria  sobre los dos protagonistas, cuyas existencias en paralelo serán el eje de la historia, pues a pesar de estar ambas separadas por cincuenta años, convergerán en una misma gracias a un conjunto de serendipias, de maravillas que las unirán.

Cincuenta años. 1927  y 1977. El final del cine mudo y el final de la época Glam, por la que tanta querencia tiene el director de Velvet Goldmine (1998). Dos historias aparentemente autónomas pero con puntos en común: El silencio. La falta de sonido. La búsqueda de un sueño, de un milagro. De maravillas.  Y para el espectador el reencuentro con el arte silente. Aquel lenguaje cinematográfico puro que alcanzó su cenit, precisamente, en 1927 con Amanecer (Sunrise: A Song of Two Humans) de F. W. Murnau, película que también marca el inicio del fin del cine como arte.

Todo cobrará sentido al concluir la cinta. Será el momento más verborreico, engorroso pero necesario y lo único que enturbia la modélica narración, reforzada por la fantástica partitura del siempre eficaz Carter Burwell. En resumen: una delicia para los sentidos.

 



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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 29 de diciembre de 2017 *

29 diciembre 2017 Deja un comentario

THE DISASTER ARTIST (James Franco, 2017)

USA. Duración: 98 min. GuionScott Neustadter, Michael H. Weber (Libro: Greg Sestero, Tom Bissell) Música: Dave Porter Fotografía: Brandon Trost Productora: Good Universe / New Line Cinema / Point Grey Pictures / RabbitBandini Productions / RatPac-Dune Entertainment Género: Comedia
Reparto: James Franco, Dave Franco, Alison Brie, Josh Hutcherson, Seth Rogen, Zac Efron,Sharon Stone, Bryan Cranston, Kate Upton, Hannibal Buress, Jacki Weaver,Nathan Fielder, Jerrod Carmichael, Zoey Deutch, Kristen Bell, Lizzy Caplan,Megan Mullally, Jason Mantzoukas, Adam Scott, Eliza Coupe, J.J. Abrams,Tommy Wiseau, Melanie Griffith, Judd Apatow, Christopher Mintz-Plasse, Zach Braff,Randall Park, Greg Sestero.
Sinopsis: Con The Disaster Artist, el director James Franco (El último deseo, Child of God) transforma la tragicómica historia verídica del aspirante a cineasta, e infame intruso de Hollywood, Tommy Wiseau (un artista cuya pasión era tan sincera como cuestionables sus métodos) en una celebración de la amistad, la expresión artística y los sueños perseguidos a despecho de toda suerte de adversidades insuperables. Basado en el libro de intimidades de Greg Sestero, que fue todo un éxito de ventas, y en el que se desvelaban todos los detalles de la producción y el rodaje del desastremetraje, convertido en clásico de culto, de Tommy, The Room (“La mejor película mala jamás producida”), The Disaster Artist es un hilarante y bienvenido recordatorio de que hay más de una manera de convertirse en leyenda, y de que no hay límite a lo que se puede conseguir cuando no se tiene ni remota idea de lo que se está haciendo.
Premios
2017: Festival de San Sebastián: Concha de Oro – Mejor película
2017: Premios Independent Spirit: Nominada a mejor actor (James Franco)
2017: National Board of Review (NBR): Top Films & Best Adapted Screenplay
2017: Premios Gotham: Mejor actor (James Franco)
2017: Satellite Awards: Nominada a mejor guion adaptado y actor (James Franco)
Es difícil saber qué es lo que nos atrae de los perdedores. Quizás sea porque todos, de una forma u otra, también los somos. Pero es un hecho que muchos de ellos han sido, gracias a su propia ineptitud, estrellas. Somos fans de Ed Wood a pesar de que sus películas eran chapuzas realizadas por un inepto. O nos gusta cierto tipo de música o artistas precisamente por lo descabellado de la propuesta que nos ofrece. ¿Qué es lo que nos atrae de este vistazo al abismo? Supongo que en gran parte es el comprender que la obra que legan a la humanidad es producto del amor, de la pasión, de la fe en uno mismo y sus limitadas, cuando no nulas, posibilidades. Si no, no se entiende la gran cantidad de libros dedicados a Ed Wood; o el valor que adquiere cualquier objeto de memorabilia relacionada con su carrera. Lo mismo puede decirse de ciertos discos. Y posiblemente es lo que nos puede llegar a fascinar de Tommy Wiseau, un absoluto inepto que juega a las películas tan solo por amistad (o amor) hacia su único amigo, Greg Sestero.  Greg quiere ser actor así que, ya que nadie parece confiar en su talento, Tommy escribe, produce y protagoniza, con él como co-protagonista, The Room, un drama con el que confía superar las obras de Tenesse Williams. Y vaya si lo consigue. Más o menos.
The Disaster Artist adapta el libro que Greg Sestero escribió sobre su relación con Tommy Wiseau y el disparatado rodaje de The  Room, al parecer casi tan accidentado como el de Apocalypse Now. Hilaridad, verguenza ajena y unas gotas de misericordia, son los sentimientos que puede causar The Disaster Artist en el espectador. Además de, si no la han visto, enormes ganas de ver The  Room.
Por nuestra parte no podemos más que simpatizar con la trayectoria de James Franco, arriesgada y variada tanto en su faceta de actor como de director. Un prolífico talento que seguro tiene muchas sorpresas reservadas para el espectador que estaremos encantados de descubrir. Pero mientras tanto disfruten de The Disaster Artist, una de esas películas en las que, más que nunca, está justificado incluir el rótulo ‘Basado en hecho reales’. Verlo para creerlo. Por cierto, una sugerencia: quédense hasta el final de la cinta.

 

EL GRAN SHOWMAN (The Greatest Showman, Michael Gracey, 2017)

USA. Duración: 105 min. Guion: Jenny Bicks, Bill Condon (Historia: Jenny Bicks) Música: Benj Pasek, Justin Paul Fotografía: Seamus McGarvey Productora: Chernin Entertainment / 20th Century Fox Género: Musical
Reparto: Hugh Jackman, Michelle Williams, Zac Efron, Zendaya, Rebecca Ferguson,Diahann Carroll, Fredric Lehne, Yahya Abdul-Mateen II, Isaac Eshete,Katrina E. Perkins, John Druzba, Shawn Contois, Ethan Coskay, Jamie Jackson
Sinopsis: Biopic sobre Phineas Taylor Barnum (1810-1891), un empresario circense estadounidense, fundador del “Ringling Bros. and Barnum & Bailey Circus” conocido como “el mayor espectáculo en la tierra”.
Los productores (The Producers, Mel Brooks, 1968), narra la historia de dos empresarios teatrales que planean hacerse ricos produciendo el mayor fracaso de Broadway: un musical sobre Hitler. Pero todo se irá al traste cuando, en contra de todos los pronósticos, Primavera para Hitler se convierta en un grandioso éxito. Hay un episodio de los Simpson en el cual la demencial familia, real como la vida misma, acude a un musical basado en El planeta de los simios, con canciones dedicadas al Dr. Zaius y otras astracanadas cantadas por el humano Taylor. Todo muy bizarro, si, pero ¿exagerado?: Pues para nada.
Andrew Lloyd Webber inició su meteórica carrera  en el universo de los musicales con una ópera rock, Jesus Christ Superstar, que narra la pasión y muerte de Cristo. Y la idea le fue tan bien que no dudó en escribir  otros espectáculos con canciones y bailes dedicados a Eva Perón, una actriz y prostituta amante de un dictador argentino; o Cats y El fantasma de la ópera basadas, digamos que muy libremente, en obras de T.  S. Eliott y Gastón Leroux respectivamente. Grandes éxitos que todavía se están representando en los escenarios de todo el mundo.
Lo que quiero decir con todo esto es que de cualquier cosa puede hacerse un musical, así que no debería extrañarles que se haya escrito uno con las aventuras de P. T. Barnum y su circo de fenómenos, que en su versión cinematográfica cuenta con un Hugh Jackman muy en forma, que canta y baila junto a la mujer barbuda o el hombre más pequeño del mundo. Todo, lo han adivinado, y abusando de nuevo del adjetivo, muy bizarro, sí, pero también repleto de bellas canciones, colorido y optimismo. Un optimismo que consigue contagiar al espectador, que sale de la sala con una sonrisa mientras se pone su abrigo y su incredulidad, que hará falta dejar de lado para disfrutar de esta cinta. Como para disfrutar, de hecho, de todos los musicales.

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LAS FAVORITAS DE SERENDIPIA DE 2017

24 diciembre 2017 Deja un comentario
 

Como cada año y puntualmente, al igual que las neulas, los mazapanes y turrones, lleva la lista de Serendipia con sus películas favoritas de este 2017. La cosecha no ha estado mal, hemos visto en cine 290 películas (42 más que durante el pasado año), y aquí no entran, reitero, las que hemos visto en la intimidad de nuestra casa, donde han predominado los clásicos, el trash y las revisiones para desintoxicarse de tanta novedad.

En estos listados tan solo incluimos películas que se han estrenado en los cines españoles, dejando aparte otras que hemos podido disfrutar en los diferentes festivales a los que hemos tenido el placer de acudir y que sí hemos incluido en el recuento total. Hay en el listado una categoría más: Las 10 a recuperar. Un listado compuesto de cintas que han pasado de manera fugaz por las carteleras y seguramente no estarán incluidas en ninguno de los muchos listados que verán publicados. 10 pequeñas perlas que injustamente pasaron de puntillas por las salas. Vamos allá:

LAS DIEZ DEL FANTÁSTICO

1 – MADRE! (Mother!, Darren Aronofski, 2017)

2 –  CRUDO (Grave, Julia Ducournau, 2016)

3 – LA GUERRA DEL PLANETA DE LOS SIMIOS (War for the Planet of the Apes, Matt Reeves, 2017) 

4 – LA AUTOPSIA DE JANE DOE (The Autopsy of Jane Doe, André Øvredal, 2016)

5 – NAGASAKI, RECUERDOS DE MI HIJO (Haha to kurasebaYôji Yamada, 2015 )

6  – VERÓNICA (Paco Plaza, 2017)

7 – A GHOST STORY (David Lowery, 2017)

8 – LA CURA DEL BIENESTAR (A Cure for Wellness, Gore Verbinski, 2016)

9 – BLADE RUNNER 2049 (Denis Villeneuve, 2017)

10 –COLOSSAL (Nacho Vigalondo, 2016)

 

LAS CINCO DE ANIMACIÓN

1 – PADDINGTON 2 (Paul King, 2017)

2 – LA VIDA DE CALABACÍN (Ma vie de Courgette, Claude Barras, 2016)

3 – EN ESTE RINCÓN DEL MUNDO (Kono sekai no katasumi ni, Sunao Katabuchi, 2016)

4 – COCOLee Unkrich y Adrián Molina, 2017)

5 – BALLERINA (Eric Summer y Éric Warin, 2016) + FERDINAND (Carlos Saldanha, 2017)

 

LAS DIEZ  INTERNACIONALES

1 – MOONLIGHT (Barry Jenkins, 2016)

2 – SILENCIO (Silence, Martin Scorsese, 2016)

3 – EN REALIDAD NUNCA ESTUVISTE AQUÍ (You Were Never Really Here, Lynne Ramsay, 2017)

4 – JACKIE (Pablo Larraín, 2016)

5 – YO NO SOY MADAME BOBARY (Wo bu shi Pan Jin Lian, Xiaogang Feng, 2016)

6 – THE DISASTER ARTIST (James Franco, 2017)

7 – HACIA LA LUZ (Hikari, Naomi Kawase, 2017)

8 – EL SUEÑO DE GABRIELLE (Mal de pierres, Nicole Garcia, 2017)

9 – ALANIS (Anahí Berneri, 2017)

10- LOVING (Jeff Nichols, 2016)

 

LAS CINCO ESPAÑOLAS

1 – EL AUTOR (Manuel Martín Cuenca, 2017)

2 – LA HIGUERA DE LOS BASTARDOS (Ana Murugarren, 2017)

3 – INCERTA GLÒRIA (Agustí Villaronga, 2017)

4 – HANDIA (Aitor ArregiJon Garaño, 2017)

5 – LA CORDILLERA (Santiago Mitre, 2017)

 

LOS CINCO DOCUMENTALES (que en esta ocasión se quedan en cuatro)

1 – DAVID LYNCH: THE ART LIFE (Jon Nguyen, Rick Barnes y Olivia Neergaard-Holm, 2016)

2 – JERICÓ, EL INFINITO VUELO DE LOS DÍAS (Catalina Mesa, 2016)

3 – I AM NOT YOUR NEGRO (Raoul Peck, 2016)

4 – MUCHOS HIJOS, UN MONO Y UN CASTILLO (Gustavo Salmerón, 2017)

LAS DIEZ (MÁS UNO) A RECUPERAR

1 – EL VIAJANTE (ForushandeAsghar Farhadi, 2016)

2 – LA ESCALA (Voir du paysDelphine CoulinMuriel Coulin, 2016)

3 – EN CUERPO Y ALMA (Teströl és lélekrölIldikó Enyedi, 2017 )

4 – REHENES (Hostages, Rezo Gigineishvili, 2017)

5 – UN MINUTO DE GLORIA (SlavaKristina Grozeva, Petar Valchanov, 2016)

6 – BAJO EL SOL (Zvizdan, Dalibor Matanic, 2015 )

7 – LA HERIDA (Inxeba, John Trengove, 2017)

8 – EL DÍA MÁS FELIZ EN LA VIDA DE OLLI MÄKI (Hymyilevä mies, Juho Kuosmanen, 2016)

9 – LA COMUNIDAD DE LOS CORAZONES ROTOS (Asphalte, Samuel Benchetrit, 2016)

10 – RARA (Pepa San Martín, 2016)

11 – BILLY LYNN (Billy Lynn’s Long Halftime Walk, Ang Lee, 2016)

Y FINALMENTE: EL PODIUM 2017

1 –PADDINGTON 2

2 –MADRE!

3 –EL AUTOR

VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 22 de diciembre de 2017 *

22 diciembre 2017 Deja un comentario

LESA HUMANITAT (Héctor Faver, 2017)

España Duración: 98 min. Guion: Héctor Faver Música: Lito Vitale Fotografía: Gerardo Gormezano Productora: Vargtimmen Films / Aureal Theorem Género: Documental

Sinopsis: Dar voz y visibilidad a las víctimas del Franquismo, recoger sus testimonios, acabar con la indiferencia de buena parte de la sociedad y restituir su derecho a la memoria y a la justicia son los objetivos del proyecto de documental “Lesa humanidad”, un documental sin ánimo de lucro sobre memoria histórica y justicia universal. ¿Qué sucede cuando los derechos humanos se violan de una forma continuada y sistemáticamente y si estos delitos de genocidio acaecieron en un pasado reciente; y si además, existieran leyes enmarcadas dentro de un marco democrático que ampararan la impunidad y exoneraran a los genocidas? La jurisdicción universal puede conformar una gran motivación que pueda accionar e impulsar resoluciones judiciales que velen por la reparación de las víctimas que han sufrido la indefensión y se les ha coartado su libertad como ser humano.

El marxismo es una enfermedad y en nuestras manos está erradicarla” (Vallejo Nájera)

Camboya, Argentina, España… son lugares que tienen en común historias de desaparecidos y de huesos enterrados en fosas anónimas. Lugares que con este documental, narrado por Eduard Fernández, conoceremos mejor. Visitaremos lúgubres sótanos con paredes de pintura descascarillada, enormes barracones y mausoleos cuasi faraónicos repletos de huesos anónimos, pertenecientes a miles de víctimas de la violencia generada por regímenes totalitarios.

Y es que nunca está de más refrescar la memoria a los más olvidadizos y enseñar a las nuevas generaciones el país que han heredado. El de dónde venimos para saber el a dónde vamos. El qué pasó para no repetir errores. Pues mientras todavía hay calles dedicadas a verdugos, asociaciones que luchan por la memoria histórica sobreviven gracias a sindicatos de electricistas daneses o entidades argentinas.

Ex-presos, ex-jueces… todos represaliados. Baltasar Garzón, Gerardo Pisarello, Soledad Luque, Emilio Silva nos hablan de su experiencia. De su impotencia.

Se sale de la sala con el estómago revuelto ante la indefensión de sabernos gobernados por los herederos de aquellos verdugos que murieron en la cama con honores y restos de sangre reseca en sus manos. Se sale con el corazón en un puño ante la rabia por saber que poco o nada puede hacerse.

Niños robados; experimentos raciales; apoyo institucional a las dictaduras latinoamericanas; fosas, fosas y más fosas.

Pero siempre hay que decirlo. No dejar nunca de decirlo. Como se dice en Lesa Humanitat: solemne pero implacablemente. Ahora que a todos se les llena la boca de democracia. Ahora que todos parecen haberla inventado. Ahora y siempre hay que seguir denunciando.

DEMASIADO CERCA (Tesnota, Kantemir Balagov, 2017)

Rusia Duración: 118 min. Guion: Kantemir Balagov, Anton Yarush Fotografía: Artem Emelianov Productora: Lenfilm Studios / Alexander Sokurov’s Fund / Example of Intonation Género:Drama
Reparto: Darya Zhovner, Olga Dragunova, Veniamin Kac, Atrem Cipin, Nazir Zhukov
Sinopsis: 1998, Nalchik. Una familia judía está en peligro: el hijo más pequeño y su esposa no vuelven a casa y a la mañana siguiente la familia recibe una nota de secuestro. El rescate que piden es tan alto que la familia se ve obligada a vender su pequeño negocio y a buscar ayuda a su alrededor.
Premios
2017: Festival de Cannes: Un Certain Regard (Sección oficial)
Podremos sentir el olor a cerrado de los hogares adocenados, desordenados, que visitaremos; sentir la ranciedad y el sudor acumulado en la ropa de los trabajadores; el sexo; el alcohol… todo se nos mostrará desde muy cerca en ese laberinto, ese callejón del que no parece haber escapatoria.  Un crisol cultural enfrentado entre sí. Tribus en las cuales el odio y amor parecen darse la mano en cada esquina.
Y donde la muerte campa a sus anchas…
Aroma a galleta reblandecida, a gasolina en una película en la cual tan solo se abre el claustrofóbico plano cuando vemos un radiante amanecer. Que es casi como despertar de una pesadilla. Una esperanza de un nuevo comienzo.
Otro lugar… otro rastro de miseria itinerante. Otro bloque de extrarradio.
Y un frío intenso en esta cotidianidad nada cotidiana de tragedias íntimas, viscerales, en esta película que además de verse se siente cerca. Demasiado cerca.
Más que verse se experimenta.

UNA VIDA A LO GRANDE (Downsizing, Alexander Payne, 2017) 

USA/Noruega Duración: 135 min. Guion: Alexander Payne, Jim Taylor Música: Rolfe Kent Fotografía: Phedon Papamichael Productora: Annapurna Pictures / Paramount Pictures / Ad Hominem Enterprises Género: Comedia fantástica.
Reparto: Matt Damon, Christoph Waltz, Hong Chau, Jason Sudeikis, Kristen Wiig,Neil Patrick Harris, Laura Dern, Margo Martindale, Kerri Kenney, Maribeth Monroe,Niecy Nash, Udo Kier, Donna Lynne Champlin, Joaquim de Almeida, Rolf Lassgård,Ingjerd Egeberg, Søren Pilmark, Jayne Houdyshell,
Sinopsis: Narra las peripecias de Paul Safranek (Matt Damon), un tipo corriente de Omaha, que, junto a su mujer Audrey (Kristen Wiig), sueña con una vida mejor. En un momento en el que el mundo se enfrenta a una crisis de superpoblación, los científicos descubren una solución radical que permitirá reducir a las personas a una altura de cinco pulgadas. La población no tarda en descubrir que el dinero da mucho más de sí en un mundo a escala reducida, y ante la promesa de un estilo de vida más lujoso del que nunca habrían podido soñar, Paul y Audrey deciden correr el riesgo de someterse al controvertido tratamiento y embarcarse en una aventura que cambiará sus vidas para siempre.
Premios: 
2017: Festival de Venecia: Sección oficial largometrajes a concurso
2017: National Board of Review (NBR): Mejores 10 películas del año
2017: Satellite Awards: Nominada a mejor dirección artística
Almibarada distopía que desaprovecha el lado oscuro del futuro que retrata sustituyéndolo por una pesadilla pseudo ecologista , con esa manida moraleja que pone al amor por encima de nuestras ansías de supervivencia. Una vida a lo grande se sitúa más cerca del Walter Mitty de Ben Stiller que del Elysium que dirigida por Neill Blomkamp protagonizaba el propio Matt Damon. Dos cintas recientes que también jugaban con la importancia del recorrido por encima de la finalidad, pues no nos hace feliz la meta sino el camino en pos de ella. Es una película sin villanos que se enfrenten al héroe, y es siempre esta dialéctica la que permite mostrar las aristas de esos temas vitales que nos afectan a todos.
Una vida a lo grande desaprovecha una idea más que interesante, abierta a mostrar las desigualdades generadas en una nueva sociedad en la que todo parecen ventajas, pero en la cual los perdedores siguen siendo los mismos y los guetos se encuentran, como siempre, lejos del centro. Una sociedad a escala reducida de hombres menguantes en la que los peligros a los que tienen que enfrentarse no son arañas, ahora gigantescas,  ni lluvias que se transforman en desastres naturales, sino al propio hombre, especialista en convertir los sueños en pesadilla.

 

WONDER WHEEL (Woody Allen, 2017)

USA Duración: 101 min. Guion: Woody Allen Fotografía: Vittorio Storaro Productora: Gravier Productions / Amazon Studios Género: Drama

Reparto: Kate Winslet, Justin Timberlake, Juno Temple, James Belushi, Max Casella,Michael Zegarski, Tony Sirico, Marko Caka, Jack Gore, Dominic Albano, Evin Cross,Debi Mazar, Brittini Schreiber, Geneva Carr, Steve Schirripa, Matthew Maher

Sinopsis: En la Coney Island de la década de 1950 el joven Mickey Rubin (Timberlake), un apuesto salvavidas del parque de atracciones que quiere ser escritor, cuenta la historia de Humpty (Jim Belushi), operador del carrusel del parque, y de su esposa Ginny (Winslet), una actriz con un carácter sumamente volátil que trabaja como camarera. Ginny y Humpty pasan por una crisis porque además él tiene un problema con el alcohol, y por si fuera poco la vida de todos se complica cuando aparece Carolina (Juno Temple), la hija de Humpty, que está huyendo de un grupo de mafiosos.

Aunque la nostalgia suele ser reaccionaria, en ocasiones, cuando es reelaborada para crear algo radicalmente nuevo, no lo es. Y esto es justo lo que ofrece Wonder Wheel, un ejercicio nostálgico que tiene mucho de experimentación como lo fue en su día (y salvando las distancias) el Ulises de James Joyce. Uno de los valores (y no el menor) de la inconmensurable novela del irlandés es su repaso y asimilación de la historia de las letras británica, en cada capítulo Joyce ensaya un estilo distinto, desde la literatura popular hasta el teatro del absurdo (anticipando a Samuel Beckett) pasando por las crónicas medievales, y todo ello lo puso al servicio de una obra absolutamente vanguardista. Woody Allen, igualmente, ha repasado en su poblada filmografía la de otros autores que ha admirado, ya sea a Bergman en Interiores (1978), a Fellini en Stardust memories (1980) o al cine expresionista en la siempre reivindicable Sombras y niebla (1991), por citar sólo los tres ejemplos que vienen a bote pronto a mi memoria. Pero esos trabajos no son, por supuesto, plagios ni son tan solo meros homenajes, cuando Allen emula lo hace siempre imprimiendo su sello personal, claramente distinguible, consiguiendo así obras con perfecta identidad propia.

Esto ocurre de nuevo en Wonder Wheel, aquí lo que es revisitado es la corriente realista del teatro americano con sus máximos representantes, Arthur Miller, Tennessee Williams y, sobre todo, Eugene O’neill directamente referenciado en la película. Sus personajes podrían haber poblado las páginas de cualesquiera de ellos, el sino que pesa sobre ellos (ese error fatídico cuya culpa conducirá a su debacle) les habría satisfecho y lo hubieran diseñado así e incluso esas interpretaciones, que rozan la sobreactuación, hubiesen hecho sus delicias. Pero no hagan caso de quienes les digan que el último trabajo de Allen es un drama, porque aunque en su planteamiento lo parezca, no lo es en su materialización y no lo es porque está compuesto desde la distancia irónica. Distancia irónica que supone la inclusión de recursos del humor (ese pequeño pirómano y su forma de representarlo, podría servir de ejemplo), pero no sólo eso, el director tiene presente todo el tiempo que está experimentando con un modelo y toma distancia respecto a él como la tomamos cuando jugamos a ser otra cosa distinta a la que somos. Wonder Wheel tiene tanto de drama como de divertimento. Lo mismo de repaso nostálgico que de innovación. El guión podría adaptarse en los escenarios, pero lejos de ser teatro filmado, tal como lo entendemos, lo que nos ofrece es un ejercicio  que describe al teatro con los recursos del séptimo arte. Wonder Whell es puro cine.

Con su último trabajo, Allen consigue dar salida a varios de sus gustos y temas recurrentes, siempre ha amado el arte escénico (e incluso ha escrito varias piezas), no menos ha amado al cine, especialmente el clásico, todo lo referido al mundo de los gangsters y (casi sobre todo) a lo que dieron de sí esos años cincuenta en los que transcurrió su adolescencia. En este sentido se da un auténtico festín con esta recreación del mundo de Coney Island, reproducido minuciosamente en un trabajo que supone la suma de elaborados decorados y fondos digitales preciosistas, pero sobre todo capturado en lo que tiene de decadente todo parque de atracciones que se precie, su colorido artificial esconde grandes dosis de melancolía. Allen flirtea con lo grotesco (bizarro, si lo prefieren), coquetea con los arquetipos del teatro, sus personajes y sus formas, y rinde su amor al cine del technicolor que impactó su infancia. Con Wonder Wheel nos regala un guión redondo plagado de guiños al cinéfilo e incluso a la televisión (no es casual la utilización de actores de Los Soprano interpretando a los malos de la función). Disfruta rompiendo la cuarta pared, dirige certeramente a sus actores sacando lo mejor de ellos (y no solo de la Winslet, hay que decirlo) y usa virtuosamente la planificación y el encuadre. El resto lo ponen esos naranjas de Storaro que acaban de dar a la cinta ese aspecto de producto bellamente envejecido. Wonder Wheel es uno de esos vinos añejos que conservan en su fondo los regustos frescos de su juventud.

JUMANJI: BIENVENIDOS A LA  JUNGLA (Jumanji: Welcome to the Jungle, Jake Kasdan, 2017)

USA. Guion: Jeff Pinkner, Scott Rosenberg, Erik Sommers (Novela: Chris Van Allsburg. Historia: Chris McKenna) Música: Henry Jackman Fotografía: Gyula Pados Productora: Radar Pictures / Seven Bucks Productions / Matt Tolmach Productions / Sony Pictures Entertainment Género: Fantástico

Reparto: Dwayne “The Rock” Johnson, Karen Gillan, Jack Black, Kevin Hart,Madison Iseman, Nick Jonas, Rhys Darby, Alex Wolff, Marc Evan Jackson,Morgan Turner, Ser’Darius Blain, Bobby Cannavale, Missi Pyle, Maribeth Monroe,Tim Matheson

Sinopsis: Cuatro improbables amigos son absorbidos por el peligroso mundo de Jumanji, y transformados en avatares con habilidades únicas. Todos ellos deberán embarcarse en la aventura más arriesgada de sus vidas, o quedarán atrapados en el juego para siempre…

Ideal para toda la familia, en Jumanji: Bienvenidos a la jungla, los cuatro adolescentes protagonistas, perfectos arquetipos de enclenque cerebrito; musculitos deportista; odiosa muñeca pendiente de su imagen y su  teléfono; y solitaria tímida, deberán enfrentarse a los peligros de Jumanji, una especie de juego de rol en el cual los jóvenes deberán ponerse, textualmente, en la piel del otro, lo que dará pié a situaciones divertidas en las cuales hasta Jack Black resultará eficaz.

Jumanji: Bienvenidos a la jungla es una de esas escasas películas que ya desde su planteamiento se sabe que mucho deberían torcerse las cosas para que resultara fallida. Además de hacer pasar un rato emocionante y divertido al espectador, ofrece un mensaje de respeto al diferente y de saber colaborar y valorar las cosas realmente importantes de la vida. Trabajando en equipo los cuatro jóvenes descubrirán el potencial que tienen en su interior e irán superando las diferentes pruebas (pantallas) de las que constará la partida, cuya recompensa será regresar a su existencia y recuperar su lugar en el mundo.

No es necesario tener fresco el primer acercamiento al universo Jumanji, dirigido por Joe Johnston en 1995,  para poder disfrutar con esta nueva aventura, pues su guión es totalmente independiente y tan solo tiene en común con aquella el antiguo juego de mesa, que rápidamente pasa a ser un videojuego ‘vintage’, posiblemente una licencia para hacerla más cercana al espectador contemporáneo.

En resumen: mucho humor y aventura para toda la familia en esta muy recomendable película que, con permiso de la última entrega galáctica, merecería ser la película de estas fiestas.

FERDINAND (Carlos Saldanha, 2017)

USA. Duración: 106 min. Guion basado en un cuento de Munro Leaf Música: John Powell Fotografía: Renato Falcão Productora: Blue Sky Studios / 20th Century Fox Animation / Davis Entertainment. Distribuida por 20th Century Fox Género: Comedia de animación

Sinopsis: Ferdinand es un novillo muy tranquilo que prefiere sentarse bajo un árbol a oler las flores que saltar, resoplar y embestirse con otros. A medida que va creciendo y haciéndose fuerte su temperamento no cambia y sigue siendo un toro manso. Un día unos hombres vienen buscando el toro más grande, rápido y bravo… y Ferdinand es elegido equivocadamente para las corridas de toros de Madrid.

Basado en un cortometraje de animación de Walt Disney de 1938, Ferdinand es un magnífico largometraje que, a pesar de contener un inevitable trasfondo pacifista y por supuesto antitaurino, sus creadores se han cuidado mucho de ridiculizar o convertir su mensaje en un panfleto. Divertida, emocionante y llena de aventuras, Ferdinand tiene un cuidado diseño de personajes, variados y muy divertidos, incluyendo uno, la cabra Lupe, que guarda un agradecido toque Warner o Hans, un caballo abiertamente homosexual, algo impensable no hace mucho en una película de animación dirigida, especialmente, a los más pequeños.

Ferdinand, por supuesto, está cargada de mensajes positivos. El valor de la amistad y el respeto a la diferencia. El seguir nuestro camino guiados por el corazón revelándonos ante lo que el destino parece tenernos reservado, en el caso de Ferdinand  el sacrificio en la plaza de toros. Y es que Ferdinand ama las flores y no quiere luchar. No quiere embestir.

 

 

Categorías:VAMOS DE ESTRENO
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