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VAMOS DE ESTRENO * Viernes 16 de octubre de 2020 *

16 octubre 2020 Deja un comentario

CORPUS CHRISTI (Boże Ciało, Jan Komasa, 2019

Polonia/Francia. Duración: 116 min. Guion: Mateusz Pacewicz Música: Evgueni Galperine, Sacha Galperine Fotografía: Piotr Sobocinski Jr. Productora: Aurum Film, Canal+ Polska Género: Drama
Reparto: Bartosz Bielenia, Eliza Rycembel, Aleksandra Konieczna, Tomasz Zietek, Leszek Lichota, Lukasz Simlat, Barbara Kurzaj, Zdzislaw Wardejn
Sinopsis: Narra la historia de Daniel, de 20 años de edad, quien experimenta una transformación espiritual mientras vive en un Centro de Detención Juvenil. Quiere ser sacerdote, pero esto es imposible debido a sus antecedentes penales. Cuando es enviado a trabajar a un taller de carpintería en una pequeña localidad, a su llegada se hace pasar por sacerdote y se hace cargo accidentalmente de la parroquia local. La llegada del joven y carismático predicador es una oportunidad para que la comunidad local comience el proceso de sanación tras una tragedia ocurrida en esa pequeña población.
Premios: 
BCN Film Fest 2020: Premio de la crítica a la mejor película
Premios Oscar: Nominada a Mejor película internacional 2019
Chicago Film Festival 2019: Mejor actor (Bartosz Bielenia)
Corpus Christi es una película sobre la fe. Pero también un alegato sobre el lugar que la sociedad parece tener reservado para cada individuo. Del que le ha tocado por ambiente y posición social y del que es difícil escapar. No nos encontramos ante una apología al catolicismo, sino que más bien es un film social, en el que está presente el perdón y la redención, por supuesto, pero también en referencia a la justicia cuestionando la cárcel, y su antesala el reformatorio, como lugar de reinserción del individuo en la sociedad. Una interesante cinta polaca con momentos de humor y pasión y una actuación remarcable de su protagonista, que lo ha hecho merecedor del premio al mejor actor en el Chicago Film Festival.
La historia está basada en un hecho real, sucedido en Polonia, alque el guionista ha añadido un contexto social relacionado, como ya hemos comentado, con el justicia y la condena como estigma para el joven protagonista, que ya con esa pena a sus espaldas, pasa a formar parte de un grupo muy concreto de ciudadano de segunda clase, de detrito de la sociedad destinado a repetir su error una y otra vez. Lo explica su director, Jan Komasa, “Hubo un caso, que generó algunos titulares en Polonia, de un adolescente que se hizo pasar por un sacerdote durante unos tres meses. Se llamaba Patryk y tenía 19 años en ese momento. Mateusz Pacewicz, el autor del guión, escribió un artículo al respecto y así es como surgió toda esta película. Cambiamos su nombre a Daniel, pero los personajes son similares y también lo es la forma en que lo llevó a este pequeño pueblo. Este niño realizó bodas, bautizos y ceremonias funerarias. Estaba fascinado por todo esto y realmente quería ser sacerdote. Así que basamos la película en su historia, pero Mateusz agregó la parte sobre el centro de detención juvenil y el accidente que sacudió a toda la ciudad. Toda la controversia surgió del hecho de que en realidad resultó ser mucho más eficiente que su predecesor. Esa es la cuestión: era alguien fuera de la Iglesia, a quien no le importaba mucho el dogma oficial, ¡y la gente estaba feliz con su trabajo! Más tarde, algunos de ellos se sintieron traicionados, pero logró atraer a muchos nuevos creyentes. De todos modos, casos similares salen a la luz cada año, y no solo en Polonia: ¡en España, un hombre se hizo pasar por un sacerdote por más de una docena de años! Las razones por las que lo hacen pueden ser muy diferentes. Muy a menudo solo intentan esconderse del sistema de justicia y es mucho más fácil engañar a una comunidad pequeña que no hace demasiadas preguntas”.

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VAMOS DE ESTRENO * Viernes 2 de octubre de 2020 *

AKELARRE (Pablo Agüero, 2020)

España/Argentina/Francia. Duración: 90 min. Guion: Pablo Agüero, Katell Guillou Música: Maite Arrotajauregi, Aránzazu Calleja Fotografía: Javier Agirre Erauso Productora: Sorgin Films, Tita Productions, Kowalski Films, Lamia Producciones, La Fidèle Production Género: Drama

Reparto: Amaia Aberasturi, Àlex Brendemühl, Daniel Fanego, Daniel Chamorro, Iñigo de la Iglesia, Yune Nogueiras, Asier Oruesagasti, Elena Uriz, Garazi Urkola, Jone Laspiur, Irati Saez de Urabain, Lorea Ibarra

Sinopsis: País Vasco, 1609. Los hombres de la región se han ido a la mar. Ana participa en una  fiesta en el bosque con otras chicas de la aldea. El juez Rostegui, encomendado por el Rey para purificar la región, las arresta y acusa de brujería. Decide hacer lo necesario para que confiesen lo que saben sobre el akelarre, ceremonia mágica durante la cual supuestamente el Diablo inicia a sus servidoras y se aparea con ellas.

Akelarre se inspira libremente en las memorias que el juez Pierre de Lancre escribió tras recorrer en 1609 el País Vasco interrogando a centenares de personas y condenando a decenas de mujeres a la hoguera por supuestos actos de brujería. Pablo Agüero parte de este libro para construir una historia contada en esta ocasión a través de la mirada de esas mujeres, y que supone una aproximación diferente al relato de la caza de brujas. Además, la historia contiene tintes políticos y racistas (ese desprecio al ‘dialecto vasco’) y el previsible, pero por otra parte necesario, empoderamiento femenino. Necesario porque es posible que muchas de las desdichadas mujeres condenadas a la hoguera lo fueran, precisamente, por su condición de mujer, todo ello motivado por ese temor a lo desconocido de los jueces inquisidores, brazos ejecutores de la iglesia católica, estamento que siempre se ha guardado del misterio de la feminidad, y su superioridad con respecto al hombre por su capacidad de procrear, facultad que comparte con el dios iracundo que mueve a esos mismos inquisidores y cuyo miedo íntimo es que las ‘brujas’ cambien el orden del universo. Orden que comprende el poder jerárquico del varón por encima de todo. No en vano, y como dice uno de los personajes, “el hombre teme a las mujeres que no les temen“.

Con Amaia Aberasturi como protagonista principal y Àlex Brendemühl en el papel del juez inquisidor, la película se desarrolla fundamentalmente en interiores, introduciendo al público en la celda junto a las seis jóvenes prisioneras. Agüero no cae en el error de distraer la atención del espectador recreándose en el martirio de las chicas, prefiriendo sugerir, todo lo cual le ofrece un mejor resultado, en especial en su desenlace, a pesar de un guiño un tanto fuera de lugar a El exorcista (William Friedkin, 1973) y a su joven protagonista. 

Akelarre celebró su premiere mundial en el Festival de San Sebastián, donde fue la única producción española de ficción que compitió en la sección oficial por la Concha de Oro.

RIFKIN’S FESTIVAL (Woody Allen, 2020)

España/Italia/USA. Duración: 92 min. Guion: Woody Allen Música: Stephane Wrembel Fotografía: Vittorio Storaro Productora: Gravier Productions, Mediapro, Wildside Género: Comedia

Reparto: Elena Anaya, Louis Garrel, Gina Gershon, Sergi López, Wallace Shawn, Christoph Waltz, Steve Guttenberg, Damian Chapa, Georgina Amorós, Douglas McGrath, Bobby Slayton, Yan Tual, Andrea Trepat, Ben Temple, Luz Cipriota, Karina Kolokolchykova, Elena Sanz, Manu Fullola, Ken Appledorn, Rick Zingale, Godeliv Van den Brandt, Natalia Dicenta, Stephanie Figueira, Nick Devlin, Yuri D. Brown, John Sehil

Sinopsis: El filme narra la historia de un matrimonio estadounidense que acude al Zinemaldia de San Sebastián. La pareja queda prendada del festival, así como de la belleza y encanto de España y la fantasía del mundo del cine. Ella tiene un affaire con un brillante director de cine francés y él se enamora de una residente en la ciudad.

De nuevo Woody Allen se vale de un sosia para, en boca de él, hablar de sus temas y obsesiones particulares. En esta ocasión su personaje y protagonista Mort Rifkin (interpretado por Wallace Shawn), será un profesor de cine que acompañará a su esposa, responsable del departamento de prensa de un joven e influyente director de cine, al festival de San Sebastián. Lo que sucede durante esa estancia será el Festival de Rifkin.

Una agradable película, ingeniosa y de fácil digestión realizada con la única pretensión de hacer pasar un buen rato al espectador y, también, hacerle reflexionar sobre la vida, la muerte, el sexo, el amor y la pareja, además de las dudas existenciales y la hipocondría habitual del director, temas todos ellos que tendrán cabida en esta cinta con sus dosis de humor. También, el que el personaje protagonista sea profesor de cine dará pie a que Allen reflexione sobre el cine clásico y visualice sus problemas de pareja mediante homenajes a Fellini, Orson  Welles, Truffaut, Goddard, Buñuel y, por supuesto, Bergman, entre otros.

La película cuenta con Gina Gershon (la mala de Showgirls) como esposa del protagonista y Elena Anaya como tercera en discordia. También participan Christopher Waltz (interpretando a la muerte vía Bergman) y Sergi López en un papel poco más que anecdótico. 

VAMOS DE ESTRENO * Viernes 25 de septiembre de 2020 *

25 septiembre 2020 Deja un comentario

GREENLAND: EL ÚLTIMO REFUGIO (Ric Roman Waugh, 2020)

USA. Duración: 119 min. Guion: Mitchell LaFortune, Chris Sparling, Ric Roman Waugh Música: David Buckley Fotografía: Dana Gonzales Productora: G-BASE, Thunder Road Pictures, Truenorth Productions Género: Drama

Reparto: Gerard Butler, Morena Baccarin, David Denman, Scott Glenn, Claire Bronson, Brandon Quinn, Andrew Bachelor, Hayes Mercure, Joshua Mikel, Roger Dale Floyd, Stacy Johnson, Gary Weeks, Jay Amor, Anissa Matlock, Otis Winston, Jaime Andrews, Rose Bianco, Mike Gassaway, Scott Poythress, Kendrick Cross, Chip Carriere, Cate Jones, Olaolu Winfunke, Al Mitchell, Sarah Fawaz, Keegan Boos, Quasheem D. Herring, Chris Ward, Randal Gonzalez, Marc Gowan, Kelly Finley, Kyndall Hamilton

Sinopsis: Cuando el mundo se entera de que el asteroide más grande de la historia va a impactar en la Tierra y aniquilar todo rastro de vida, los gobiernos de todo el mundo realizan un sorteo en el cual los afortunados podrán sobrevivir en refugios secretos. Esta decisión desata un caos a nivel mundial. Jeff (Gerard Butler) y su familia emprenderán un peligroso viaje donde se enfrentarán a los más imponentes peligros de la naturaleza, lo que les obligará a encontrar la manera de mantenerse unidos mientras encuentran la forma de sobrevivir.

Puesta al día inconfesa de Cuando dos mundos chocan (When Worlds Collide, Rudoph Maté, 1951), historia de ciencia ficción apocalíptica de los cincuenta que, visto lo visto, se antoja más creíble ahora mismo que en la época. En Greenland, el cometa Clarke, cuya porción más grande recibe el nombre de destructor de mundos (así, a los Galactus), se acerca a la Tierra. Tan solo unos cuantos escogidos (entre los que, descuiden, no nos encontraríamos ni usted ni yo), podrán salvarse en unos refugios que se contruyeron para tal fin en Groenlandia durante la Guerra Fría. Y eso lo deciden, jugando a ser Dios, las altas esferas del país, que inclementes, tampoco acogerán a quien padezca alguna enfermedad. Como vemos, un interesante punto de partida, ya que el conocimiento de todo esto motivará que se produzcan revueltas por todo el país ante lo injusto de la situación, además de los habituales saqueos a comercios debido al caos reinante.

Lo mejor y lo -mucho- peor de especie humana saldrá a relucir durante las 48 horas previas a la caída de Clarke, cuya parte más destructiva caerá ¿adivinan donde? pues sí, donde están pensando.

Entretenida y emocionante, su trama va decayendo conforme avanza hasta un final decepcionante. En todo caso, ver esta película apocalíptica en un cine con todos los espectadores con la mascarilla puesta es todo un  gimmick que no deja de tener su -irónica- gracia.

Protagonizada por Gerard Butler y dirigida por Ric Roman Waugh (‘Objetivo: Washington D.C.’, ‘El mensajero’), esta apocalíptica mezcla de thriller, acción y drama vuelve a reunirles tras el éxito de ‘Objetivo: Washington D.C’. Se suma, a esta historia de supervivencia, la siempre bienvenida Morena Baccarin (‘Deadpool’).

 

VAMOS DE ESTRENO * Viernes 18 de septiembre de 2020 *

18 septiembre 2020 Deja un comentario

L’OFRENA (Ventura Durall, 2020)

España/Suiza. Duración: 90 min. Guion: Ventura Durall, Guillem Sala, Clara Roquet, Sandra Beltran Música: Alberto Lucendo Fotografía: Alex García Productora: Nanouk Films, Fasten Films, Bord Cadre Films, Suica Films Género: Drama

Reparto: Verónica Echegui, Àlex Brendemühl, Anna Alarcón, Pablo Molinero, Claudia Riera, Mónica Van Campen, Antonio Buil, Laura Weissmahr, Rosana Espinós, Jaime Linares, Josh Climent, Valèria Endrino, Aran Salazar

Sinopsis: Violeta recibe la visita de Rita, la mujer de Jan, un amor de adolescencia que marcó su vida después de abandonarla. Violeta desconoce que la visita de Rita es el primer paso de Jan para intentar reescribir su historia.

Nuevamente Ventura Durall sumerge al espectador en una mente compleja, y nuevamente en la mente de un monstruo, si quieren, como también lo era Andrés Rabadán, protagonista de su multipremiado primer largometraje de ficción. Sin llegar a los extremos del asesino confeso de Las dos vidas de Andrés Rabadán, el protagonista de L’Ofrena también es capaz de sembrar un desesperante caos en las vidas ajenas de una manera sádica, egoista, egocéntrica. Todo en un frío personaje al que, sin lugar a duda, le sienta muy bien la severa mirada de Alex Brendemühl, que ya participó en la primera película de ficción del director. 

Sentimiento como la culpa, los remordimientos o la infelicidad son barajados por el director, que desde el propio inicio de la cinta sabe captar la atención del espectador mostrando equívocos retazos de la trama, presentando progresivamente a los cuatro protagonistas del drama e informando del pasado, que vuelve a la vida de Violeta (Verónica Echegui), mediante acertados flashbacks. Ventura Durall juega con los protagonistas y con el público, llevándoles por escenarios que aparentemente no tendrán gran trascendencia hasta la conclusión.

Ventura Durall cuenta con una amplia carrera como cinesta. Sus largometrajes documentales (Bugarach) de ficción, y sus numerosos cortometrajes (Primer estrato, La sonrisa escondida – seleccionado en Sundance), han sido seleccionados en festivales de todo el mundo. Cuenta 3 premios Gaudí por su anterior largometraje de ficción, Las dos vidas de Andrés Rabadán.

UNO PARA TODOS (David Ilundiain, 2020)

España. Duración: 94 min. Guion: Coral Cruz, Valentina Viso Música: Zeltia Montes Fotografía: Bet Rourich Productora: A Contracorriente Films, Amalur Films, Bolo Audiovisual, Fasten Films, Inicia Films, Movistar+, Televisión Española (TVE), TV3, Aragon TV Género: Drama

Reparto: David Verdaguer, Patricia López Arnaiz, Clara Segura, Ana Labordeta, Betsy Túrnez, Jorge Pobes, Valèria Endrino

Sinopsis: Un profesor interino (David Verdaguer) asume la tarea de ser tutor de sexto de primaria en un pueblo desconocido para él. Cuando des­cubre que tiene que reintegrar a un alumno enfermo en el aula, se encuentra con un problema aún mayor: ninguno de sus compañeros quiere que vuelva a clase.

Una película muy digna y tan bien realizada como interpretada que nos habla sobre el arte de educar y en la que, por una vez, el punto de partida y conflicto principal resulta  original y totalmente inesperado, así que lo mejor es no ofrecer al espectador demasiadas pistas sobre su trama, tan bien desarrollada por sus guionistas, Coral Cruz (“Incerta Glòria“) y Valentina Viso (“María y los demás“) que, a pesar de que el drama tenga que estar presente, evitan poner el acento en vacuos y fáciles sentimentalismos, componiendo una historia en la que el humor y la ternura estarán muy equilibrados. Para ello contarán con la participación de un elenco de lo más acertado, partiendo de su protagonista, David Verdaguer, como joven maestro interino en precario que deberá adaptarse a la vida en un pequeño pueblo de Aragón, un papel que ciertamente le viene como anillo al dedo al actor. El resto del reparto también está magnífico, incluídos unos muy acertados actores adolescentes y Miguel Ángel Tirado, alias ‘Marianico el corto’, que demuestra que hay mucho más en él que un humorista pasado de moda. El resto del remarcable elenco está compuesto por Patricia López Arnaiz (“La peste”), Ana Labordeta (“Planes para mañana”), Clara Segura (“Una pistola en cada mano”) y Betsy Túrnez (“El rey tuerto”).

¿Se nota que Uno para todos nos ha sorprendido positivamente? Pues ciertamente si, pues uno está muy acostumbrado a dramas que no saben captar el sentimiento adolescente o directamente a abominaciones sentimentaloides como Campeones, falsas feel good movies cargadas de moralina disfrazada de ternura y comprensión.

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VAMOS DE ESTRENO * Viernes 4 de septiembre de 2020 *

4 septiembre 2020 Deja un comentario

LAS NIÑAS (Pilar Palomero, 2020)

España. Duración: 100 min. Guion: Pilar Palomero Música: Juan Carlos Naya Fotografía: Daniela Cajías Productora: Inicia Films, BTeam Pictures, Televisión Española (TVE), Movistar+, Aragón TV Género: Drama Preestreno: Festival de Berlín 2020.
Reparto: Andrea Fandós, Natalia de Molina, Carlota Gurpegui, Zoe Arnao, Julia Sierra, Francesca Piñón, Álvaro de Paz, Mercè Mariné, Eva Magaña, Jesusa Andany
Sinopsis: Año 1992. Celia, una niña de 11 años, vive con su madre y estudia en un colegio de monjas en Zaragoza. Brisa, una nueva compañera recién llegada de Barcelona, la empuja hacia una nueva etapa en su vida: la adolescencia. En este viaje, en la España de la Expo y de las Olimpiadas del 92, Celia descubre que la vida está hecha de muchas verdades y algunas mentiras.
Premios: Festival de Málaga 2020: Biznaga de Oro (mejor película), fotografía y Premio Fero.

Tal vez sea conveniente iniciar el comentario con una previa, la que atañe a Las niñas y su cartel. La imagen promocional nos muestra un ramillete de crías cuyos uniformes de colegio de monjas contrastan con el brillo de carmín en sus labios, un contraste que puede llevar a algunos a pensar que vamos a encontrarnos con las aventuras de una pandilla de lolitas seductoras y provocativas. Pero, que nadie se llame a engaño, en verdad las nínfulas no existen más allá de en la mente de Humbert Humbert creada por la imaginación de Nabocov. El albor de la pubertad no es el excitante descubrimiento de la sensualidad y su poder, es un despertar mucho más humilde, un simple cambio en el sesgo de la mirada con la que contemplamos a otros y con la que nos contemplamos. Las vidas ordinarias son mucho más anodinas que las vidas literarias.

Si la cinta de Pilar Palomero no lo es (anodina) es por el acertado tono con el que ha puesto los recursos del cine al servicio de su relato, el de una niña que empieza a dejar de serlo tanto y comienza a tomar conciencia del intrincado escenario que es la vida, con sus secretos, sus suspicacias y sus verdades a medias. La historia se desgrana entre silencios siguiendo la regla de mostrar más que decir, la línea argumental se desarrolla jugando la carta de la insinuación, de la sugerencia que nace al obligarnos a concentrar nuestra mirada en la mirada de Celia (una Andrea Fandós enorme), con esos planos tan cortos que la siguen a todas partes, hasta que nuestros descubrimientos son los del mismo personaje. No busquen subrayados porque no los hay, ni tintes concupiscentes porque ni están ni los necesita. No es película de extremos sino de detalles que nos permiten compartir el candor desde el que se accede (o accedía) al descubrimiento del yo, y del propio cuerpo, si eres una niña de clase humilde pero no baja en un entorno de sobreprotección y sujeción como lo es una escuela religiosa en una capital de provincias.

Las niñas es un relato de crecimiento en el que muchas podrán reconocerse aunque pertenezcan a generaciones distintas. Los colegios de monjas parecen ínsulas al margen del tiempo que se perpetúan fieles a unos parámetros que poco modifican los años. Son una constante. Y las vivencias en ellos difieren poco de una promoción a la siguiente y la siguiente y la siguiente… La cinta no busca un retrato cáustico sino un apunte del natural que, sin estar exento de crítica, nos permita colegir que ocurre al crecer entre esos muros. La rebeldía es apenas malicia, porque la picardía es suficiente para ser considerada díscola en ese universo paralelo. Un simple aleteo fuera de lo estipulado ya es motivo de castigo, por eso el crecimiento de Celia es prendido por Brisa (convincente Zoe Arnao) cuyo nombre, no contemplado por el santoral, ya la señala como elemento disruptivo y es toda una declaración de intenciones en manos de la directora. Palomero nos guía en un viaje hacia la afirmación del yo que pasa por superar las cortapisas impuestas por los respetos humanos en sociedades cerradas, sin estridencias, sin histrionismos. Casi sin embellecimientos literarios.

Un debut en el largo ligero y vigoroso a partes iguales, como lo es una canción entonada por una voz infantil que ya no van a acallar.

ANTEBELLUM (Gerard Bush y Christopher Renz, 2020)

USA. Duración: 105 min. Guion; Gerard Bush, Christopher Renz Música: Roman GianArthur Irvin, Nate ‘Rocket’ Wonder Fotografía: Pedro Luque Distribuida por:  LionsgateQC Entertainment, Lionsgate Género: Terror

Reparto: Kiersey Clemons, Jena Malone, Janelle Monáe, Jack Huston, Eric Lange, Gabourey Sidibe, Robert Aramayo, Lily Cowles, Marque Richardson, Devyn A. Tyler, Choppy Guillotte, Tongayi Chirisa, Caroline Cole, T.C. Matherne, Todd Voltz, Dayna Schaaf, Betsy Borrego, Grace Junot, Chelsea Cierria Davis, Kimani Bradley, Christine VonRobarie, Arabella Landrum, Achok Majak, Bill Martin Williams, Bernard Hocke, Geraldine Glenn, Lyle Brocato, London Boyce, Trula M. Marcus

Sinopsis: Verónica es una escritora de éxito que queda atrapada en una terrorífica realidad cuyo misterio debe resolver antes de que sea demasiado tarde.

Nos encontramos ante una de esas películas de las que es mejor saber poco para dejar actuar a su mejor baza, la sorpresa. La cinta, que se suma a la tendencia de denunciar el racismo históricamente imperante en Estados Unidos (y por ende en el resto del mundo), se inicia con un retrato crudo de la esclavitud. Vívido y bien narrado mediante un largo plano secuencia, el relato, ubicado aparentemente en la época de la Guerra de Secesión, sirve también como denuncia de la situación actual que esta viviendo la población estadounidense, con un ambiente en el cual los valores están en pugna, los conservadores, representados por el actual presidente y que dicen estan apoyados en la fé, la familia y el pueblo; y los progresistas, en manos de la izquierda, el feminismo y las diferentes razas que comparten país y cuyos derechos civiles estan cada vez más recortados.

Pero Gerard Bush y Christopher Renz, que debutan como guionistas y directores de largometraje con Antebellum, retorcerán las expectativas del espectador para demostrar la máxima del filme, y que no es otra que “El pasado no está muerto. Ni siquiera es pasado“.  Y hasta aquí podemos leer. Lástima que, en nuestra opinión, el climax no esté a la altura del resto, resultando confuso y por consiguiente consiguiendo que la cinta no resulte redonda.

Antebellum está protagonizada por la cantante y actriz Janelle Monáe (Figuras ocultas), Eric Lange (“Narcos”) y la nominada al globo de oro Jena Malone (saga ‘Los juegos del hambre’). Completan el reparto Jack Huston (Ben-Hur), Kiersey Clemons (Enganchados a la muerte), y la nominada al Oscar por Precious Gabourey Sidibe.

 

 

VAMOS DE ESTRENO * Viernes 21 de agosto de 2020 *

EL GLORIOSO CAOS DE LA VIDA (Babyteeth, Shannon Murphy, 2019

Australia. Duración: 120 min. Guion: Rita Kalnejais Música: Amanda Brown Fotografía: Andrew Commis Distribuida por: eOneCoproducción Australia-Estados Unidos; Whitefalk Films, Create NSW, Screen Australia Género: Drama.

Reparto: Eliza Scanlen, Toby Wallace, Ben Mendelsohn, Essie Davis, Andrea Demetriades, Emily Barclay, Justin Smith, Charles Grounds, Arka Das, Jack Yabsley, Priscilla Doueihy, Eugene Gilfedder, Georgina Symes, Michelle Lotters, Zack Grech, Quentin Yung, Tyrone Mafohla, Jaga Yap, Sora Wakaki, Edward Lau, Renee Billing

Sinopsis: Milla (Eliza Scanlen) es una adolescente que se enamora locamente de Moses (Toby Wallace), aunque eso se convierte en la peor pesadilla para sus padres. Sin embargo, poco a poco Milla descubre lo que significa realmente el amor, y lo que podría haber sido un desastre para la familia, pronto les permite disfrutar del glorioso caos que representa la vida.

El glorioso caos de la vida  (Babyteeth), la opera prima de la directora australiana Shannon Murphy, es una comedia agridulce y muy bien interpretada sobre el despertar del amor y la desesperación contenida ante la fatalidad del final cercano justo cuando la vida está comenzando.  Un romance entre una virtuosa y talentosa joven y un desarraigado chico de la calle, tan alejado de ella como unido por la desesperación compartida.

Pero también es la historia de unos padres que sufren un dolor insoportable, que palian como pueden con ayuda de fármacos, y que se sacrificarán en lo posible por el amor hacia su hija, condenada a una prematura e injusta muerte.

¿Puede decirse entonces que El glorioso caos de la vida es una historia triste? Pues si y no, pues a pesar del predecible final, la directora añade dosis de humor y ternura a la narración, a lo que hay que sumar la imparable vitalidad y la urgencia de vivir que muestra la joven Milla, interpretada muy convincentemente por Eliza Scanlen, que tras protagonizar el drama central en Mujercitas, vuelve a hacerlo en esta ocasión. También consigue resultar muy creíble Toby Wallace como Moses, lo suficiente como para ser merecedor del  Premio Marcello Mastroianni al Mejor Actor Joven en el Festival de Venecia, donde el filme tuvo su premiere.

El glorioso caos de la vida se estrena en España tras su paso por el Festival de Cine de Gijón y el BCN FILM FEST.

 

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VAMOS DE ESTRENO * Viernes 14 de agosto de 2020 *

ZOMBI CHILD (Bertrand Bonello, 2019)

Francia. Duración: 103 min. Guion: Bertrand Bonello Música: Bertrand Bonello Fotografía: Yves Cape Productora: arte France Cinéma, Les Films du Bal, My New Pictures Género: Fantástico

Reparto: Louise Labeque, Wislanda Louimat, Adile David, Ninon Francois, Mathilde Riu, Bijou Mackenson, Katiana Milfort, Sayyid El Alami

Sinopsis: Haití, 1962. Un hombre vuelve de entre los muertos para trabajar en las infernales plantaciones de azúcar. 55 años después, una joven haitiana le dice a sus amigas su secreto familiar, sin saber que esto llevará a una de ellas a cometer una atrocidad.

La producción francesa Zombi Child (Bertrand Bonello, 2019), devuelve a la pantalla parte de la magia de  la que Val Lewton y Jacques Tourneur dotaron a los zombies, dándoles cierto halo poético muy alejado del comecerebros que tantas veces ofrece el moderno cine de terror y humor. Bertrand Bonello, cineasta y compositor, narra dos historias en paralelo alejadas en 50 años. Una se desarrolla en Haití en 1962, donde Narcisse, un joven a punto de contraer matrimonio, es convertido en zombie y vendido como esclavo. Y la otra en un internado femenino en el que conviven varias alumnas bien diferentes, una de ellas de procedencia haitiana. Dos historias  aparentemente con escasa relación, pero que  terminarán convergiendo. El film contiene escenas de innegable belleza, como las que muestran al solitario zombie vagando por lugares en ruinas y cementerios desolados, pero es más que belleza plástica lo que nos trae Zombi Child, la contraposición de las historias sirve a efectos de reflexión sobre el colonialismo, vista desde los dos ángulos: el de la metrópoli que se loa a sí misma como exportadora de las luces de la razón alrededor del mundo, tal como se muestra en los planes de enseñanza que siguen las jóvenes, y el otro, el punto de vista del colonizado que demuestra que el sueño de la razón produce monstruos. Y no es el zombi el monstruo, precisamente, este no es más que la víctima de la explotación en manos de los favorecidos por la colonización. La tesis de fondo no es inédita, pero lo que le da relevancia es la forma escogida para servirla, una película inteligente que juega con diferentes registros visuales y que entrelaza e interpola recursos narrativos diversos. Buen ritmo, buenas interpretaciones y buen planteamiento formal. En suma, un buen filme, que se ofreció dentro de la sección Noves Visions durante el pasado Festival de Sitges, y un buen comienzo para la recién nacida distribuidora Flamingo Films, creada por nuestros amigos del Americana Film Fest.

LITTLE MONSTERS (Abe Forsythe, 2019)

Australia. Duración: 94 min. Guion: Abe Forsythe Música: Piers Burbrook de Vere Fotografía: Lachlan Milne Productora: Screen Australia, Snoot Entertainment Género: Comedia.

Reparto: Lupita Nyong’o, Josh Gad, Alexander England, Nadia Townsend, Stephen Peacocke, Rahel Romahn, Kat Stewart, Henry Nixon, Saskia Burmeister, Diesel La Torraca, Marshall Napier, Felix Williamson, Kristy S. Brooks

Sinopsis: Un músico fracasado, Dave (Alexander England), se une a la profesora infantil Miss Caroline (Lupita Nyong’o) y a una celebridad para los niños, Teddy McGiggle (Josh Gad), para intentar proteger a los pequeños estudiantes de un repentino brote de muertos vivientes.

La segunda propues zombi para este fin de semana es Little Monsters (Abe Forsythe, 2019) que en su título hace referencia a los niños que protagonizan esta nueva vuelta de tuerca al tema de los muertos andantes que resulta radicalmente opuesta de la propuesta que hemos comentado antes. En Little Monsters tendremos como protagonistas a un inmaduro treintañero (Alexander England), que aspira todavía a ser una estrella del rock y al que acaba de dejar la novia por no querer tener descendencia; y una pizpireta profesora, que junto a un nutrido grupo de niños verán como un día de excursión al parque, con sus canciones y diversiones, se convertirá en un festival de sangre y vísceras. Un divertimento poco inspirado que se diría indicado para toda la familia a pesar de que el presupuesto no ahorra ni un dolar en tripas. La protagonista, una empoderada Lupita Nyong’o, está todo lo encantadora que puede estar, pero el resultado no deja de ser bastante liviano en esta cinta de zombies que podrán ver con gusto todos aquellos a quienes nunca les han interesado. Pero no me hagan demasiado caso, posiblemente tenía un día intenso cuando la vi, también, durante la pasada edición del Festival de Sitges así que, ¿Qué tal un programa doble con ambos títulos?

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VAMOS DE ESTRENO * Viernes 24 de julio de 2020 *

THE BEAST (Biseuteo, Lee Jung-Ho, 2019)

Corea del Sur. Duración: 130 min. Guion: Lee Jung-Ho Música: Mowg Distribuida por: Next Entertainment WorldStudio & NEW Género: Drama

Reparto: Lee Sung-min, Yoo Jae-Myeong

Sinopsis: Una niña es encontrada con las extremidades amputadas. Dos detectives, Han-su y Min-tae, rivales desde siempre, se harán cargo del caso. En un principio, éste se resuelve fácilmente cuando Han-su arresta al presunto sospechoso pero, aun así, pronto se convierte en un misterio cuando Min-tae levanta sospechas sobre el reciente arrestado. Mientras tanto, Han-su se topa con alguien que le insiste en que conoce al verdadero culpable. Además, este curioso personaje mata a un traficante de drogas delante de él y le propone un pacto secreto. Pronto llegará la hora en que Han-su deba decidir.

The Beast es la ópera prima del director y guionista Lee Jung-Ho, y cuenta con los actores Sung-min Lee (Gongjak, El bueno, el malo y el raro), y Jae-myung Yoo (After Spring, Joi manheun sonyeo), en los papeles de dos policías que se ven inmersos en la investigación de un caso que conmocionó a Corea del Sur. La cinta, que tuvo su premiere española durante el BCN Film Fest, se centra en la corrupción y competitividad entre los dos agentes y su búsqueda de un ascenso a cualquier precio, pasando la historia de un sádico asesino en serie de chicas jóvenes a un segundo plano. El resultado nos pareció un tanto decepcionante por lo farragoso de su trama, que también desaprovecha buenos momentos para la acción, pues incluso un momento tan prometedor como el del operativo policial en el bloque de mafiosos y malhechores queda reducido a un breve y descafeinado escarceo.

Basada en parte en la película francesa Asuntos Pendientes (36 Quai des Orfèvres,  Marchal, 2004), The Beast juega con los elementos propios del género que ha encumbrado a otras cintas coreanas como Old Boy, Memories of Murder o The Yellow Sea. La música corre a cargo de Mowg, compositor con una larga experiencia en el mundo del cine. Destacan sus bandas sonoras para Burning de Lee Chang-dongEl imperio de las sombras y El último desafío, ambas de Jee-woon Kim.

 

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“Under the Skin” de Jonathan Glazer: Estreno en cines mañana 10 de julio

Mañana viernes 10 de julio se estrena Under the Skin, de Jonathan Glazer, que llega a la cartelera española de la mano de Avalon Filmin, casi siete años después de su premiere mundial en el Festival de Venecia. En el listado se pueden consultar los 35 cines que proyectarán la película a partir de mañana.

En esta adaptación de la novela homónima de Michel Faber, Scarlett Johansson interpreta a una extraterrestre con apariencia de mujer que deambula por las calles de Escocia, arrastrando a hombres solitarios y confiados a un destino fatal.

Glazer despuntó ya con sus primeras películas (Reencarnación, Sexy Beast) y adicionalmente como realizador de videoclips (de Jamiroquai a Radiohead) y publicidad (Levi’s o Sony). Actualmente, se encuentra en fase de preproducción de su nuevo largometraje.

Además, paralelamente trabaja con Mica Levi, compositora de la banda sonora de Under the Skin, en el cortometraje Strasbourg 1518 que se estrenará en BBC Two en los próximos días. Supone una nueva colaboración entre ambos tras el cortometraje The Fall, que presentaron el pasado otoño.

Barton Films estrenará ‘First love’ de Takashi Miike en cines mañana: listado de salas

Tras participar en la Quincena de Realizadores de la 72 edición del Festival de Cannes, en la sección Midnight Madness de la 44 edición del Festival de Toronto y en la Sección Zabaltegi-Tabakalera de la 67 edición del Festival de San Sebastián, First love del icónico cineasta japonés Takashi Miike, llegará a las salas de cine de la mano de Barton Films mañana, viernes 10 de julio. Protagonizan este trepidante thriller de acción con tintes románticos dos jóvenes intérpretes: Masataka Kubota Sakurako Konishi.

 

SINOPSIS:

Leo, un joven boxeador que atraviesa una mala racha, conoce a su ‘primer amor’, Monica, una chica que conserva su inocencia a pesar de ser prostituta y drogadicta. Lo que no sabe es que Monica se ha visto envuelta sin querer en una trama de tráfico de drogas, y los dos son perseguidos a lo largo de la noche por un policía corrupto, un yakuza, su némesis y una asesina enviada por las tríadas chinas. Todos sus destinos se entrecruzan.

 

TAKASHI MIIKE. DIRECTOR

Takashi Miike (Yao, Japón. 1960) comenzó a dirigir películas de bajo presupuesto editadas directamente en vídeo en los años 90. Desde entonces ha desarrollado una prolífica y ecléctica carrera compuesta por más de un centenar de trabajos que abarcan todos los géneros. Títulos como Audition (1999), Visitor Q (2001), Ichi the Killer (2001), One Missed Call (2003) o la trilogía Dead or Alive (1999 – 2002), que con frecuencia abordaban la violencia de forma tan personal como extrema, le convirtieron en un director de culto. En los últimos años ha dirigido, entre muchas otras, 13 assassins (13 asesinos, 2010), As the Gods Will (2014) o Blade of the Immortal (La espada del inmortal, 2017).

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VAMOS DE ESTRENO * Viernes 10 de julio de 2020 *

AYKA (Sergei Dvortsevoy, 2019)  ESTRENO 10 DE JULIO EN FILMIN

Kazajstan/Rusia/Alemania. Duración: 100 min. Guion: Sergei Dvortsevoy, Gennadi Ostrovsky Fotografía: Jolanta Dylewska Productora: Pallas Film, Otter Films, Kinodvor Género: Drama
Reparto: Samal Yeslyamova
Sinopsis: Ayka acaba de dar a luz, pero no puede permitirse tener un hijo. Es ilegal en Moscú, no tiene trabajo y tiene que pagar demasiadas deudas. No tiene ni siquiera un lugar donde dormir. Después de dar a luz a su hijo, lo deja en el hospital para seguir trabajando.
Premios: Festival de Cannes 2018: Mejor actriz (Samal Yeslyamova)

Ayka es un película incómoda. Y se entiende que su director no sea uno de los favoritos del régimen ruso pues supone, entre otras cosas, una dura crítica a ese hermético país. Pero Ayka es mucho más, es un puntapié a nuestra conciencia y a este mundo miserable en el que el más débil lo es mucho más. En el que el hombre es el peor enemigo del hombre. Y Sergei Dvortsevoy sabe como meternos, aunque no queramos, en la historia, pegando la cámara a su protagonista, haciendo que vivamos junto a ella, que caminemos tras ella y suframos con ella ese otro Moscú sin glamour en el que el metro, tan majestuoso, no puede verse porque está lleno de almas que como Ayka, sobreviven día a día.

Cada fotograma refleja la falta de esperanza que habita el mundo de Ayka. Viviremos junto a ella jornadas agotadoras y nos arrastraremos a lugares de trabajo miserables, en el que seremos tratados como escoria. Ayka, además, acaba de tener un hijo que ha abandonado en la maternidad para irse a trabajar buscando un porvenir que, posiblemente no existe. Sangre espesa entre las piernas y senos rebosantes de leche que se agría, pues no hay bebé que se alimente de ella, serán todo el recuerdo de su hijo.

Y tras la búsqueda diaria de sustento no consuela, ya entrada la noche, el retorno a ‘casa’, un piso patera en el que la intimidad, el silencio y la higiene no existen. Todo eso no forma parte del mundo de Ayka. Un mundo que está padeciendo, por estragos del cambio climático, una nevada de carácter casi sobrenatural que añade al universo particular de Ayka frío, nieve, calor y sudor frío motivado por la fiebre. Dolor y agobio, causado por la vida.

Ayka se desangra por las calles sin dejar de buscar la manera de realizar sus sueños, unos sueños y objetivos que ya están difuminados por la cruda realidad. Fuera de la pantalla, dos espectadores abandonan la sala, incómodos ante el incomplaciente cine de Dvortsevoy.

Ayka termina y solo nos queda el silencio. Un silencio acusador que nos acompañará a casa con el estómago encogido.

 

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Listado de cines donde ver ‘Apocalypse Now: Final Cut’

Como es bien sabido APOCALYPSE NOW ha vuelto a los cines, ahora en forma de ‘Final Cut’ desde el 3 de julio. Se trata del nuevo montaje realizado con motivo del 40º aniversario de la película que se presentará con una nueva copia en 4K y sonido Dolby Atmos.

Para Coppola, esta es “su versión favorita” de Apocalypse Now: “Creo que la primera era demasiado corta, y Redux era demasiado larga. Ésta es la mejor.” y está seguro de que este Final Cut es el montaje verdaderamente correcto.

El director alaba esta versión, que se escucha y se ve mejor gracias a la restauración en 4K llevada a cabo por el propio director a partir de los negativos originales.

VAMOS DE ESTRENO * Viernes 26 de junio de 2020 *

HUMAN LOST (Fuminori Kizaki, 2019)

Japón. Duración: 110 min. Guion: Tow Ubukata (Creador: Osamu Dazai (Creator)) Fotografía: Animation Productora: Polygon Pictures. Distribuida por: Funimation / Toho / Netflix Género: Ciencia ficción.

Sinopsis: Tokyo, 2036. Gracias a la revolución médica de las nano-máquinas y la red S.H.E.L.L. que las controla, los seres humanos ya no sufren enfermedades y poseen una vida útil de 120 años. Sin embargo, el sistema se tambalea a causa de las desigualdades económicas, la polución y el fenómeno “Human Lost”, que produce seres deformes conocidos como “Lost” cuando las personas son desconectadas de la red S.H.E.L.L. Yozo Oba, un joven que vive una vida decadente en la Ruta 16, se une al motorista Masao Horiki en una incursión en la Ruta 7, donde habitan las clases privilegiadas. Allí, Yoshiko Hiiragi, una chica con misteriosas habilidades que pertenece a la agencia anti-Lost H.I.L.A.M., le salva la vida y él mismo descubre que posee poderes extraordinarios.

Durante el pasado Festival de Sitges tuvimos ocasión ver la oscura y sesuda propuesta de Fuminori Kizaki, Human Lost, un anime que adapta la novela de ciencia-ficción Ningen Shikkaku (Indigno de ser humano) escrita por Osamu Dazai en 1948. En Human Lost el espectador se encontrará con un complejo relato distópico que juega con la crítica social en clave de parábola cyberpunk.

Con una más que correcta animación 3D que reproduce el Tokio de 2036 en el que la medicina ha conquistado la muerte, se nos muestra un mundo que, lejos de ser idílico, se debate entre la restauración de la civilización o su destrucción. Casi dos horas de complicadas tramas y subtramas que exige toda la atención del espectador, que de todos modos terminará sintiendo que se le está escapando algo. Un plato especialmente dirigido a paladares habituados a este tipo de cinta, interesante pero algo críptica.

El tema principal de HUMAN LOST corre a cargo del dueto japonés M-Flo (el DJ Taku Takahashi y el rapero Verbal) y cuenta con la participación del cantante colombiano J. Balvin, mundialmente famoso por sus himnos Mi gente, I Like It y Con altura.

Selecta Visión apoya con este anime la vuelta a los cines. Por su parte, My Hero Academia: El despertar de los héroes de Kenji Nagasaki, que tenía previsto su estreno en verano, aplaza su llegada a las salas hasta el próximo otoño.

 

DIVINO AMOR  (Gabriel Mascaro, 2019)

Brasil-Uruguay-Dinamarca-Noruega Duración: 101 min. Guion: Esdras Bezerra, Rachel Ellis, Gabriel Mascaro, Lucas Paraizo Música: Juan Campodónico, Kenny Santiago Marrero, Otávio Santos Fotografía: Diego García Productora: Desvia / Malbicho Cine / Snowglobe Films / Bord Cadre Films Género: Drama

Reparto: Dira Paes, Júlio Machado, Emílio de Melo, Teca Pereira, Mariana Nunes, Thalita Carauta

Sinopsis: En un Brasil donde la iglesia evangélica se ha integrado en todos los aspectos de la vida cotidiana, Divino Amor cuenta la historia de Joana, una mujer de 42 años que usa su puesto de trabajo para avanzar en su misión de salvar a las parejas que luchan por el divorcio. Mientras espera una señal en reconocimiento por sus esfuerzos, se enfrenta a la crisis en su propio matrimonio que termina por dejarla aún más cerca de Dios.

  • Festival Internacional de Guadalajara 2019: Mejor Película
  • Festival Internacional de Cine de Durban 2019: Mejor Director y Mejor Fotografía
  • Montréal Festival of New Cinema 2019: Premio Innovación para Gabriel Mascaro
  • World Cinema Amsterdam 2019: Mención Especial del Jurado

Reconocemos la imposibilidad de entender muy bien lo que su director pretende con Divino Amor. Por supuesto que se trata de la materialización de aquel viejo dicho de que la fe mueve montañas, pero ciertamente durante gran parte de su metraje estuvimos esperando que se desvelara como comedia pura y dura o que su historia diera un giro. Pero no. En su lugar se nos ofrecieron algunas escenas sexuales bastante inesperadas y una conclusión que más que esperanza ofrece perplejidad.

Según su director, Gabriel Mascaro (Buey NeónVientos de agosto), “Divino Amor habla sobre el movimiento conservador, fanático y nacionalista que se está extendiendo por todo el mundo y sobre cómo se relacionan con eso los que no lo comparten.“, intención que no hemos terminado de detectar tras ver el filme. Naturalmente no deben hacernos mucho caso y juzgarla ustedes mismos, pues la cinta llega a las salas españolas tras ser aclamada por la crítica internacional tras pasar por festivales tan importantes como Sundance (donde fue nominada al Premio del Jurado) y la Berlinale (Sección Panorama).

 

PLAN DE SALIDA (Selvmordsturisten, Jonas Alexander Arnby, 2019) Estreno en plataformas: Movistar, Filmin, Apple TV, Rakuten y Vodafone

Dinamarca/Noruega/Alemania/Suecia/Francia. Duración: 90 min. Guion: Rasmus Birch Música: Mikkel Hess Fotografía: Niels Thastum Productora: Snowglobe Films / MER Film / Garage Film AB / Film I Väst / Charades / DCM Productions / ZDF/Arte
Género: Drama

Reparto: Nikolaj Coster-Waldau,Tuva Novotny, Robert Aramayo, Kate Ashfield, Jan Bijvoet, Sonja Richter, Kaya Wilkins, Peder Pedersen, Johanna Wokalek, Vibeke Hastrup, Solbjorg Hojfeldt, Slimane Dazi, Mette Lysdahl, Anders Mossling, Lorraine Hilton, Christine Albeck Børge, Per Egil Aske
Sinopsis: Max (Nikolaj Coster-Waldau) vive una crisis existencial y mientras busca como resolver un caso, se registra en el clandestino Hotel Aurora. Una instalación secreta y única que se especializa en elaboradas fantasías de suicidio asistido. La investigación que está llevando a cabo revela una verdad inquietante que obliga a Max a cuestionar la naturaleza misma de la vida y la muerte y lo que es más importante: su propia percepción de la realidad.

Plan de salida es una película inequívocamente nórdica. Su cadencia, sus personajes y el tono de la historia la delatan. Con una intriga impecablemente construida su director, Jonas Alexander Arnby, director también de Cuando despierta la bestia (Når dyrene drømmery, 2014) y componente del equipo de rodaje de cintas como Bailar en la oscuridad Rompiendo las olas, de Lars Von Trier, conseguirá captar la atención del espectador hasta su último fotograma. 

La acción se desvelará paso a paso y nos adentrará en la perfecta existencia de Max (Nikolaj Coster-Waldau,  popular por su papel de Jaime Lannister en Juego de Tronos) junto a su compañera, interpretada por Kate Ashfield. Una existencia que se verá trastocada cuando se le detecte un tumor cerebral inoperable. Descubrirá, tras infructuosos intentos de suicidio no exentos de un humor muy negro, Hotel Aurora, un lugar ubicado en el confín del mundo, en las nevadas montañas, donde ayudan y asisten el suicidio voluntario…con la particularidad de que una vez decidido, el cliente no tendrá permitido echarse atrás. Durante la estancia se nos mostrarán retazos de la vida en común de la pareja, de sus últimos días juntos. Pero ese Shangri-la gélido y aséptico, de belleza y perfección, tendrá algunas grietas por las que se colará algo muy turbio.

Plan de salida fue uno de los títulos que le quedaron pendientes a Serendipia durante la pasada edición del festival de Sitges, donde compitió dentro de la Sección Oficial, así que celebramos poder recuperarla aunque sea mediante su estreno en plataformas.

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VAMOS DE ESTRENO * Viernes 19 de junio de 2020 *

MATTHIAS ET MAXIME (Xavier Dolan, 2019)

Canadá. Duración: 120 min. Guion: Xavier Dolan Música: Jean-Michel Blais Fotografía: André Turpin Productora: Sons of Manual Género: Drama 

Reparto: Xavier Dolan, Anne Dorval, Pier-Luc Funk, Catherine Brunet, Gabriel D’Almeida Freitas, Antoine Pilon, Marilyn Castonguay, Adib Alkhalidey, Micheline Bernard, Samuel Gauthier

Sinopsis: Dos amigos de la infancia se besan como parte de la filmación de un cortometraje para la universidad. Tras el beso, ambos comienzan a preguntarse cuáles son sus auténticas preferencias sexuales, lo que pone en peligro la estabilidad de sus vínculos sociales.

Matthias et Maxime, del quebequense Xavier Dolan, fue una de las propuestas que contó con más éxito de público durante el pasado festival Americana, y narra la historia de una homosexualidad negada entre dos amigos de la infancia que se despertará con un beso fortuito y casual. Gabriel d’Almeida Freitas es Matthias y el propio Xavier Dolan es Maxime, papel que le permite realizar guiños a su propia filmografía. Todo en una historia de amor y de negación intensa pero contenida que irá in crescendo hasta su conclusión. Matthias et Maxime previsto su estreno en nuestras pantallas el 3 de abril, pero por los hechos que todos conocemos tuvo que aplazar su estreno hasta ahora.

Consulta el listado PROVISIONAL de cines en las que se podrá ver la película. Se irán sumando más salas en los próximos días. 

Listado de cines

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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Miércoles 8 de abril de 2020 *

VIVARIUM (Lorcan Finnegan, 2019)

USA. Duración: 97 min. Guion: Garret Shanley (Historia: Lorcan Finnegan, Garret Shanley) Música: Kristian Eidnes Andersen Fotografía: Miguel De Olaso Productora: Fantastic Films / Frakas Productions / PingPong Film. Distribuida por: XYZ Films Género: Ciencia ficción
Premios: 2019: Sitges Film Festival: Mejor actriz (Imogen Poots)
Reparto: Imogen Poots, Jesse Eisenberg, Jonathan Aris, Olga Wehrly, Danielle Ryan, Senan Jennings, Molly McCann, Eanna Hardwicke, Shana Hart
Sinopsis: Gemma (Imogen Poots) y Tom (Jesse Eisenberg) son una joven pareja que se ha planteado la compra de su primera casa. Para ello visitan una inmobiliaria donde los recibe un extraño agente de ventas, que les acompaña a Yonder, una nueva, misteriosa y peculiar urbanización donde todas las casas son idénticas, para mostrarles una vivienda unifamiliar para ellos. Volviendo de la visita, quedan atrapados en una laberíntica e interminable pesadilla surrealista.
Vivarium quedará en nuestra memoria como uno de los primeros filmes que tuvo estreno comercial en tiempos del coronavirus, una ficción laberíntica, que roza a veces lo distópico, para una distopía presente y real, que tiene bastante de laberíntica. Terrores modernos para momentos terribles. Nunca un estreno tuvo un momento tan adecuado a su propia medida.

Un terror sin monstruos clásicos, porque los miedos contemporáneos son más abstractos y existenciales, en palabras de su director: “Ya no tenemos miedo a los monstruos, sino un miedo más existencial a que nos quiten nuestra libertad, las esperanzas y a que los sueños de un futuro emocionante se conviertan en aburrimiento, los padres se alejan de sus hijos, que pasan todo su tiempo en línea, viendo televisión y hablando con extraños en Internet. Vivarium solo amplifica estas ansiedades sociales, por lo que se puede ver cuán extraño y aterrador podría ser ese tipo de vida”. El segundo largo de Lorcan Finnegan explora la atomización de nuestra sociedad postmoderna y el yugo del compromiso social que impone un modelo de vida aséptica y estandarizada como ideal. Algo de lo que los barrios residenciales (suburbios en USA) son metonimia. Eso es lo que expone Vivarium en clave de fábula de invasión alienígena cruzada con buenas dosis de cuento de terror.

Vivarium arranca con una situación fácilmente reconocible: una pareja joven (Jesse Eisenberg y Imogen Poots) busca casa. Por casualidad se tropiezan con una agencia que las vende en las afueras y van a visitar una de las residencias, la número 9, en compañía de un extraño e inquietante agente. Pero una vez dentro del complejo de viviendas quedan atrapados, sin poder volver a la ciudad. Y eso no es todo: pronto tendrán ocasión de poner en marcha una familia disfuncional perfectamente normal, con el “regalo” de un bebé que alguna fuerza desconocida deja frente a su casa con una nota: “Abrazadlo y os liberaréis”. Su vida es un mal sueño dentro de un escenario de pesadilla en el que se cruza el arte de Magritte con el de Escher para sumirnos en un mundo de postal, con su sol artificial y sus nubecillas perfectas, que hace de la simetría y los colores fríos una geografía infernal construida, milimétricamente, con casas unifamiliares. En el diseño de arte se reconoce igualmente la influencia de las fotografías de Gregory Crewdson, inspirador del estilo del nuevo terror independiente urbano de películas como It Follows (David Robert Mitchell, 2014) o Hereditary (Ari Aster, 2018).

Rabiosamente actual por su concepción y representación del terror, el filme no deja de reconocerse deudor de la cultura del Siglo XX. En palabras del director:  “Mi película es retorcida, extraña, surrealista y oscura. Su tono es cercano al de The Twilight Zone y las películas de ciencia ficción de los 70“. Junto a esas influencias reconocidas estaría también la estela de El pueblo de los malditos (Village of the Damned, Wolf Rilla,1960), con la que comparte la carga metafórica del ciclo vital de los cucos, esos pájaros que parasitan los nidos de otros pájaros para hacer crecer a sus crías, una acción que acompaña a los títulos de crédito de Vivarium. Pero, si algo agradece quien esto escribe, son las alusiones al mítico episodio Juego de niños (1984) de la serie Hammer’s House of Mystery and Suspense, cuya memoria ha acompañado mi formación como espectadora. En él una familia iba dándose cuenta progresivamente de que no tenía recuerdos mientras su casa se iba calentando y no podían salir, para acabar descubriendo que son los juguetes de una casa de muñecas de una niña extraterrestre, escondida por el hermano de ella en el circuito de la calefacción. Un episodio progresivamente decadente y con un punto existencialista que parece calcado en Vivarium.

No tendríamos completo el cuadro de influencias de nuestro director si no mencionáramos a Kafka. La filiación Kafkiana de Finnegan y su guionista, Garret Shanley, estaba ya presente en su corto de terror sobrenatural de 2011, Foxes. Y se había incrementado en, la no suficientemente valorada, Without Name (2016) con la que el irlandés debutó en el largo y en la que la narración sigue a un agrimensor en su tarea de medir un bosque antiguo para un constructor, pero que pronto perderá la razón en un entorno sobrenatural que tiene sus propios planes. La espiral que devora impávida, la imposibilidad de encontrar el centro que ilustre el sentido en un mundo consumido por lo burocrático, son los rasgos que definen lo kafkiano y Vivarium participa de ellos. La pareja protagonista, atrapada en un laberinto del que no se atisba el fin, que por mucho que se recorra siempre devuelve en círculo al punto de partida, se ve obligada a sobrevivir a expensas de unos captores que nunca se hacen visibles, por mucho que traten de sorprenderles. Están a merced de un amo sin presencia que les exige que vivan lo programado, sin mostrarse ni menos mostrarles las razones de su encierro. Vigilados por un retoño de crecimiento acelerado que hace las veces de carcelero. Están atrapados por la vida sin posibilidad de alterar un plan que desconocen. Una vida vacua y esclavizada por su propia abundancia. Metáfora extrema de nuestro existir contemporáneo marcado por la avaricia capitalista, que nos obliga a medrar en la escalera de la propiedad, a hipotecarnos como medida de la prosperidad, dejándonos atrapados en el circuito alimentando una vida que no acaba de ser la que planeamos.

La interesante propuesta de Finnegan es efectiva, además, gracias a la excelente labor interpretativa de sus protagonistas. Un Jesse Eisenberg que nada como pez en el agua en la piel de su personaje, un joven al que le asusta el compromiso y que se verá obligado a rendirse a él, pero no sin tratar de encontrar un camino de salida. Y una inmensa Imogen Poots, que obtuvo el galardón a mejor actriz en la edición de 2019 del Festival de Sitges por esta interpretación. Ella es el alma de la cinta, entregada a una maratón emocional desgarradora en la que pugnan el amor y el miedo, el anhelo de felicidad y la desesperación, en un intento de enderezar la situación desde su comprensión. Un esfuerzo que no llegará a buen puerto.

Vivarium, pesadillesca y surrealista, incisiva y retorcida, eminentemente inquietante, puede ser una buena compañía en estos días de encierro.

Estreno en: salavirtualdecine.com

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