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Archive for the ‘VAMOS DE ESTRENO’ Category

VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 21 de junio de 2019 *

EL SECERTO DE LAS ABEJAS (Tell it to the Bees, Anabel Jankel, 2018

UK. Duración: 105 min. Guion: Henrietta Ashworth, Jessica Ashworth (Novela: Fiona Shaw) Música: Claire M. Singer Fotografía: Bartosz Nalazek Productora: Reliance Entertainment Productions 8 / Archface Films / Cayenne Film Company / Motion Picture Capital / BFI Film Fund / Riverstone Pictures. Distribuida por: Good Deed Entertainment Género: Drama

Reparto: Anna Paquin, Holliday Grainger, Kate Dickie, Emun Elliott, Lauren Lyle,Rebecca Hanssen, Gregor Selkirk, Zara Howell, Steven Robertson, Alexa Snell

Sinopsis: La Dra. Jean Markham (Anna Paquin) regresa a la ciudad que abandonó cuando era adolescente para hacerse cargo de la consulta médica de su difunto padre. Cuando el pequeño Charlie (Gregor Selkirk) tiene una pelea en el patio del colegio y va a su consulta, ella le invita a visitar las colmenas de su jardín y le anima a contarle sus secretos a las abejas, como hacía ella de niña. La nueva amistad entre el niño y la doctora lleva a su madre Lydia (Holliday Grainger) al mundo de Jean. Inesperadamente las dos mujeres se sienten atraídas de una manera que nunca hubieran imaginado. Confundido al principio, Charlie comienza a ver la felicidad que le aporta a su madre la relación con Jean, pero, en una pequeña ciudad británica en los años 50, su nuevo secreto no puede permanecer oculto para siempre.

El secreto de las abejas aborda con inusitada delicadeza una historia de amor entre dos mujeres que se desarrolla en una pequeña ciudad escocesa a inicios de los cincuenta. Jankel retrata el asfixiante ambiente industrial, con su gris arquitectura, así como la sensación de culpabilidad que sufren ambas mujeres, que contrasta con la hipocresía imperante entre los habitantes de esa pequeña población, que con sus habladurías y rumores acusan a las mujeres de estar haciendo algo ‘antinatural’. Tan bien rodada como predecible, la película se beneficia de la participación de sus dos magníficas protagonistas, Anna Paquin y Hollyday Grainger.

El secreto de las abejas recibió el premio a la Mejor Banda Sonora (Claire Singer) en la pasada edición de BCN Film Fest. También inauguró recientemente la Muestra de Cine Lésbico de Madrid. Internacionalmente participó en el Festival Internacional de Cine de Toronto (TIFF) y también en Zurich Film Festival y Glasgow Film Festival.

MUÑECO DIABÓLICO (Child’s Play, Lars Kleverg, 2019)

USA Duración: 90 min. Guion: Tyler Burton Smith (Personajes: Don Mancini) Música: Bear McCreary Fotografía: Brendan Uegama Productora: KatzSmith Productions / Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) / Oddfellows Entertainment / Orion Pictures. Distribuida por: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) Género:  Terror

Reparto: Aubrey Plaza, Brian Tyree Henry, Tim Matheson, Gabriel Bateman, David Lewis, Ty Consiglio, Amber Taylor, Beatrice Kitsos, Carlease Burke, Hannah Drew, Kristin York, Nicole Anthony, Veenu Sandhu, Ben Andrusco-Daon, Johnson Phan, Zahra Anderson, Anantjot S Aneja, Marlon Kazadi, Trent Redekop, Eddie Flake, Michael Bardach, Kenneth Tynan, Ariana Nica, Amro Majzoub, Nicholas Dohy

Sinopsis: Una madre le regala a su hijo un muñeco por su cumpleaños, sin ser consciente de la naturaleza maligna que esconde en su interior.

Viejos terrores para nuevos espectadores. Al igual que otras historias remozadas y servidas para el consumo Millennial (Cementerio de Animales, It…), ahora le ha llegado el turno a Chucky y, realmente, el lavado de cara le ha sentado muy bien. Desde aquí parece que escuchamos los lamentos de la vieja guardia conformada por todos aquellos nostálgicos de, los hayan vivido o no,  los horribles años ochenta. Lamentos y sonoras acusación de blasfemia y sacrilegio pero, es que el punto de partida, el origen del mal que convierte a un inofensivo muñeco en todo un motherfucker es mucho más creíble e ingenioso en esta nueva versión. Aquí no hay vudú ni espíritus de asesinos que poseen un muñeco, no, aquí el origen está más cerca. Tanto como todos esos ingenios que nos encienden la luz, nos ponen música o se comunican con nosotros mediante voz, si es preciso. Ingenios creados, distribuidos y vendidos por una misma tienda universal. ¿Les cuadra?

El noruego Lars Kleverg, director en alza con dos magníficos cortometrajes en su haber, uno de los cuales y ya para el mercado norteamericano -o sea, el nuestro- se ha estirado hasta el largo, Polaroid (2019), ha entendido lo que supo ver Ronny Yu al retomar el personaje y dirigir La novia de Chucky (1998): que es más digerible si se le añaden buenas dosis de humor. Y eso ha hecho Kleverg, aunque sin llegar al desmadre de las últimas secuelas. Su Muñeco diabólico es una película de terror, protagonizada por unos personajes que son pura basura blanca y que habla mucho sobre la soledad y como la combatimos mediante ingenios electrónicos. Contiene sus buenas dosis de hemoglobina, malrollismo y humor negro, pero además respeta al personaje, un Buddy/Chucky que aprende el mecanismo de matar viendo una película y de la mano del mejor. Pero eso deberán averiguarlo viendo esta  entretenida y divertida cinta.

Buddy: pon ‘Mi gran noche’


								
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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 14 de junio de 2019 *

LARGO VIAJE HACIA LA NOCHE  (Di qiu zui hou de ye wan, Bi Gan, 2018)

China. Duración: 133 min. Guion: Bi Gan Música: Giong Lim, Point Hsu Fotografía: David Chizallet, Hung-i Yao Productora: Huace Pictures / Zhejiang Huace Film & TV / Dangmai Films Género: Drama

Reparto: Tang Wei, Sylvia Chang, Meng Li, Huang Jue, Chen Yongzhong, Lee Hong-Chi,Luo Feiyang
Sinopsis: Luo Hongwu regresa a Kaili, su ciudad natal, de la que huyó hace varios años. Comienza la búsqueda de la mujer que amaba, y a quien nunca ha podido olvidar. Ella dijo que su nombre era Wan Quiwen.
Premios: Festival de Cannes 2018: Un Certain Regard (Sección oficial)

SINOPSIS: Luo Hongwu regresa a Kaili, su ciudad natal, después de haber escapado de ésta hace muchos años. Allí comenzará a buscar a la mujer que amó y que nunca logró borrar de su mente. Su nombre era Wan Qiwen.

Con una cadencia reposada, a veces hasta niveles exásperantes, Bi Gan se toma todo el tiempo del mundo en contarnos un noir tipo, pero deconstruyendo el tiempo y destruyendo su estructura, logrando así un relato críptico y profundamente estético a partes iguales. Fatalismo, amores imposibles y humo, mucho humo, salido de esos cigarrillos que encienden constantemente sus atrapados protagonistas.

Luo Hongwu, atormentado por la pérdida y el arrepentimiento, emprende en su regreso un viaje de búsqueda de respuestas a ese pasado que le tortura. En sus saltos temporales, la cámara de Bi gan se entretiene en los detalles para comunicarnos estados anímicos, siguiendo en parte la estela de Wong Kar Wai, es la tristeza, que rezuma su fotografía de color degradado, el sentimiento dominante en este relato de retornos y recuerdos. El cineasta fascinado por las pinturas de Chagall y las novelas de Modiano, quería hacer una película acerca de sus obras y las emociones y sensaciones que ellas evocan.

Esa es la tonalidad que domina la primera parte del filme cuyo título es Memoria. el de la segunda es Poppy, en referencia al poema de Paul Celan Poppy and Memory (Amapola y memoria, 1952), una secuencia en 3D, donde cambia la dominante de color volviéndose más cálida. Entramos en el terreno de lo onírico en la que los personajes alzan su vuelo (literalmente además), rompiendo así totalmente la posibilidad de encontrar escenas explicativas que nos aclaren la trama. De hecho, de ello quería huir su director, para conseguir, precisamente, lo que nos asalta: la dificultad de entender lo que vemos. Y es que el cine que busca Bi gan es un cine sensación que no concepto. Sus películas no son para entenderlas sino para sentirlas.

Largo viaje hacia la noche, la segunda película del director tras Kaili Blues (2015), entusiasmó a la crítica en el Festival de Cannes y fue una de las más destacadas cintas participantes en la sección Un Certain Regard.

MIB INTERNATIONAL (F. Gary Gray, 2019)

USA. Duración: 115 min. Guion: Arthur Marcum, Matt Holloway (Cómic: Lowell Cunningham. Personajes: Lowell Cunningham) Música: Chris Bacon, Danny Elfman Fotografía: Stuart Dryburgh Productora: Columbia Pictures / Amblin Entertainment / Original Film / Sony Pictures Entertainment (SPE) / Parkes+MacDonald Image Nation / The Hideaway Entertainment / Tencent Pictures Género: Ciencia ficción

Reparto: Chris Hemsworth, Tessa Thompson, Liam Neeson, Rebecca Ferguson, Emma Thompson, Kumail Nanjiani, Rafe Spall, Tuncay Gunes, Davina Sitaram,Nasir Jama, Viktorija Faith, Penelope Kapudija, Stephen Wight, Anatole Taubman,Natasha Culzac, Ruth Horrocks, Bern Collaco, Marcy Harriell, Hiten Patel,Rene Costa, Adrian Alvarado, John Kamau, Stephen Samson, Jeff Kim

Sinopsis: Los Hombres de Negro siempre han protegido la Tierra de la escoria del universo. En esta nueva aventura, se enfrentarán a suy maor amenaza hasta la fecha: un topo en la organización

El día que Columbia decidió adaptar sus escasamente conocidos comics, a Lowell Cunningham le tocó la bonoloto. Ya son cuatro las adaptaciones que con sus altos y bajos se sirven de su imaginario para ofrecer al espectador esa mezcla de ciencia ficción y comedia que parecía haberse agotado con la tercer entrega. Pero no, de nuevo se apuesta por -casi- repetir la formula inicial y hacer una buddy movie de manual con sus dos agentes, el novato y el veterano. ¿Donde estriba la novedad? pues que se ha ambientado la acción fuera de Estados Unidos, ya saben, Francia (o mejor dicho, la Torre Eiffel), Londres, Nápoles y Marrakech, que siempre viste más. También se incluye como agente veterano -es un decir- a Chris Hemsworth, que ejercerá de canallita y ligón y tendrá que cuidar a la inteligente agente novata, Tessa ThompsonNaturalmente entre estos dos jóvenes y guapos especímenes humanos nacerá una esperada tensión sentimental, que no sexual, pues MIB International es un producto claramente destinado para todos los públicos pero con las miras dirigidas eminentemente al sector infantil. Y ese es uno de los problemas, que esta entrega, habitada con algunos alienígenas que parecen ositos de peluche y otros, como Peoncín, del que mejor no hablaremos. 

Así, el resultado es un entretenimiento que hará las delicias de los más pequeños. Repleto de acción, bichos raros, muchos gags -algunos no demasiado afortunados- y unos protagonistas de lo más atractivo y simpático, en especial Tessa Thompson, que ya había coincidido con Hemsworth -o mejor dicho, con Thor- en películas como Vengadores: Endgame (Anthony Russo, Joe Russo, 2019) y Thor: Ragnarok (Taika Waititi, 2017). Sin olvidar a los siempre bienvenidos Liam Neeson y Emma Thompson.

 

 

 

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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 7 de junio de 2019 *

EL CREYENTE (La prière, Cédric Kahn, 2018)

Francia. Duración: 107 min. Guion: Cédric Kahn, Fanny Burdino, Samuel Doux, Aude Walker Fotografía: Yves Cape Productora: Les Films du Worso Género: Drama

Reparto: Anthony Bajon, Damien Chapelle, Àlex Brendemühl, Louise Grinberg, Hanna Schygulla, Antoine Amblard, Colin Bates, Magne Håvard Brekke, Davide Campagna, Maïté Maillé

Sinopsis: Para superar su drogodependencia, Thomas, un joven de 22 años, se une a una comunidad religiosa aislada en el monte en la que los jóvenes se rehabilitan a través del recogimiento espiritual. Thomas habrá de pelear con sus demonios interiores, con su rechazo inicial y con la presencia de Sybille, de la que comienza a enamorarse. Solo venciendo esa lucha podrá descubrir los valores reales de la amistad, el trabajo, el amor y la fe.

Lejos de las restricciones del mundo, en una comunidad aislada, sus miembros llegan en soledad absoluta, en un estado emocional sumamente angustiado, del que saldrán gracias a su integración en un grupo que es mucho más que un simple conjunto de individuos. Cédric Kahn en El creyente nos propone un viaje al poder sanador de la oración, a su papel de vehículo que conduce a la comunión con nuestro entorno y con nuestros semejantes, que en este caso comparten una misma dolencia. Será en el retiro donde estos jóvenes alcanzarán su confianza en ellos mismos y en los demás, pues allí se encuentran desnudos de todo vínculo con lo externo, allí se encontrarán consigo mismos y descubrirán su propia fuerza para enfrentarse a los miedos y las situaciones adversas que les habían arrojado a la falsa huida de la adicción. Después de un tiempo, lo más preocupante para ellos se convierte en el mundo exterior, sinónimo de peligro y tentación. La paz les llega, pero la fragilidad siempre está ahí.

El creyente supone un acercamiento a la fe desde la perspectiva de un agnóstico. Filmar la fe no es fácil, Kahn lo resuelve a través de la duda, la del protagonista que es la suya misma, ahí es donde se aleja del relato panfletario pues no cae en la tentación de aleccionar al público. De hecho, el público vivirá la cinta desde la impresión de extrañeza, le desconcertará la evolución de la trama dejándole con la intriga de descubrir a dónde nos quiere llevar. Probablemente quienes más conecten con la narración no serán los espectadores religiosos, sino aquellos que desde su laicidad sienten la curiosidad de vislumbrar intelectualmente qué caracteriza a esta virtud teologal. La fe, como creencia suprasensible, no puede experimentarse desde el empeño de la voluntad, es una confianza en la certeza de Dios que no procede de discurso intelectual alguno, exige haber contemplado alguna especie de revelación, haber recorrido el Camino de Damasco, una actitud ante el mundo que tiene más de emocional que de racional. Kahn respeta a la gente que tiene fe y en cierto modo, incluso les envidia. Al respecto declara que “la fe es un tema intimo, que muchas veces, va más allá del marco de la religión. Si tú piensas en la vida: amor, pasión y compromiso – es todo cuestión de fe”.

Y ese es el camino que emprende el director. El creyente va más allá de retratar una comunidad aglutinada por el rezo y el trabajo (lo que viven esos chicos es muy parecido al retiro monacal), puesto qué acabará defendiendo que el amor humano es una fuerza superior a la propia creencia. El amor, vivido de forma sincera, es el verdadero poder que nos puede hacer superar nuestras limitaciones. La cinta bien podría cerrarse con la cita de la enigmática oración con la que Goethe termina su Fausto: “El eterno femenino nos eleva”.

 

X-MEN: FÉNIX OSCURA (X-Men: Dark Phoenix, Simon Kinberg, 2019)

USA. Duración: 116 min. Guion: Simon Kinberg (Historia: John Byrne, Chris Claremont, Dave Cockrum) Música: Hans Zimmer Fotografía: Mauro Fiore Productora:  20th Century Fox Film Corporation / Bad Hat Harry Productions / Donners’ Company Género: Ciencia ficción.

Reparto: Sophie Turner, James McAvoy, Michael Fassbender, Jennifer Lawrence, Jessica Chastain, Nicholas Hoult, Tye Sheridan, Alexandra Shipp,Kodi Smit-McPhee, Evan Peters, Scott Shepherd, Ato Essandoh,Brian d’Arcy James, Summer Fontana, Hannah Emily Anderson

Sinopsis: Los X-Men se enfrentan a su enemigo más poderoso: uno de sus miembros, Jean Grey. Durante una misión de rescate en el espacio, Jean casi muere al ser alcanzada por una misteriosa fuerza cósmica. Cuando regresa a casa, esa radiación la ha hecho más poderosa, pero mucho más inestable. Mientras lucha con la entidad que habita en su interior, Jean desata sus poderes de formas que no puede controlar ni comprender. Jean cae en una espiral fuera de control haciendo daño a aquellos que más ama y empieza a destruir los lazos que mantienen unidos a los X-Men.

La saga de Fénix Oscura, desarrollada en las páginas de X-Men durante el año 1980, fue una de las más importantes del Universo Marvel. Con guión de Chris Claremont y dibujos de John Byrne, marcó un antes y un después y representó la cima de  popularidad de la serie tras haber estado a punto de desaparecer. Tras esa saga las cosas ya no volverían a ser nunca iguales. O si, pues tanto el Universo Marvel como sus lectores están más que habituados a cambios profundos que terminan llevando la historia a ninguna parte o de nuevo, al punto de partida. Pero eso es otra historia y aquí se trata de hablar de la película que adapta esa saga y que se estrena este viernes, cinta que, además, será la última película Fox dedicada a los mutantes, ya que a partir de ahora Disney, propietaria de los derechos, se hará cargo de los personajes incorporándolos, en un futuro cercano, al resto del Universo Marvel.

X-Men: Fénix Oscura tiene un tono solemne. Sombrío. Algo necesario ante lo que se va a desatar. También posee una épica de la que carecen las películas de The Avengers, por ejemplo. No se recurre al humor y su trama puede enmarcarse dentro de la ciencia-ficción. Sus protagonistas son más humanos y consiguen ser empáticos, precisamente por sus dudas y debilidades y por no estar sus trajes tan repletos de musculatura. No son perfectos. Y por eso mismo las series de mutantes han sido siempre una debilidad para Serendipia al considerarlas mas coherentes y mejor acabadas que, por ejemplo, las de sus supervitaminados colegas. Pero hay más, pues a los problemas personales de sus personajes y particularmente de Jean Grey -interpretada por una magnífica Sophie Turner- , se le añade una invasión alienígena y mucha acción. Acción que va desarrollándose in crescendo, sumándose a la atmósfera épica que augurará todo un  fin de ciclo en el que la música de Hans Zimmer resultará fundamental.

No podrá sentirse defraudado el espectador, pues tendrá toda la acción que pudiera desear en la bien desarrollada lucha en el tren que precederá a la batalla final, con la que solo restará despedirnos de los mutantes, auténticos artífices, para bien o para mal, de la era Marvel en el cine. 

 

EL SÓTANO DE MA (Ma, Tate Taylor, 2019)

USA. Duración: 99 min. Guion: Scotty Landes, Tate Taylor Música: Gregory Tripi Fotografía: Christina Voros Productora: Blumhouse Productions Género: Thriller

Reparto: Octavia Spencer, Diana Silvers, Juliette Lewis, Luke Evans, McKaley Miller,Corey Fogelmanis, Dante Brown, Gianni Paolo, Tanyell Waivers, Dominic Burgess,Heather Marie Pate, Allison Janney, Tate Taylor, Margaret Fegan, Missi Pyle,Victor Turpin, Kyanna Simone Simpson, Calvin Williams, Andrew Matthew Welch,Skyler Joy

Sinopsis: La oscarizada Octavia Spencer es Sue Ann, una mujer solitaria que vive en una pequeña localidad de Ohio. Un buen día, Maggie (Diana Silvers, Glass/Cristal), una adolescente recién llegada a la ciudad, le pide a Sue que compre alcohol para su grupo de amigos. La protagonista no desperdicia la oportunidad e intenta hacerse amiga de los adolescentes, sin que parezca preocuparle que sean notablemente más jóvenes que ella. Para ganarse esa amistad, Sue Ann les ofrece la posibilidad de beber sin tener que conducir, quedándose en el sótano de su casa. Solo hay unas pocas reglas básicas: un miembro del grupo debe permanecer sobrio, nada de palabrotas, nadie puede subir a la parte de arriba de la casa, y deben llamarla “Ma”.

Poco a poco, la hospitalidad de Ma empieza a convertirse en una obsesión y lo que empezó como un sueño hecho realidad para los adolescentes se convierte en una escalofriante pesadilla. El sótano de la casa pasa de ser el mejor escondite al lugar más aterrador.

La extrañeza será la gran protagonista en El sótano de ma. Extrañeza ante un nuevo hogar. Ante los nuevos compañeros de clase y nuevos vecinos. Extrañeza ante el amor. El primer amor. Y extrañeza por las situaciones anómalas. Una vecina acogedora que parece hablar el mismo idioma que los adolescentes, lo suficiente como para formar parte de su grupo. Niños que crecen y adultos a los que el pasado les impide madurar. 

La nueva película producida por Blumhouse, responsable de éxitos como MúltipleDéjame salir o la saga La noche de las bestias, acomete este terror en el que la tensión va subiendo, de manera calculada, progresivamente conforme avanza la cinta. Nada de sobresaltos ni efectos manidos. La acción se toma su tiempo y se cocina a fuego lento. 

Se nos muestran jirones del pasado de Ma, de lo que la ha llevado a su extraño comportamiento. Subiendo el tono progresivamente hasta llegar a una explosión final que, lamentablemente, sabe a poco tras haberse preparado pacientemente al espectador para ello. Consigue intrigar. Incomodar incluso, pero la conclusión ofrece menos de lo que podría esperarse.

En todo caso no es, ni mucho menos, un ejercicio desechable, pues cuenta con la participación de la oscarizada Octavia Spencer, además de Juliette Lewis como la madre de Maggie, interpretada por Diana Silvers, jovencísima actriz que consigue, junto a su grupo de amigos, resultar creíbles como adolescentes más allá de su papel de potencial carnaza para el asesino de turno. 

Finalmente, y no creo hacerles ningún spoiler, les recomiendo que no se encariñen mucho con la mascota de la protagonista.

 

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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 31 de mayo de 2019 *

LA CORRESPONSAL (A Private War, Matthew Heineman, 2018)

USA. Duración: 110 min. Guion: Arash Amel, Marie Brenner Música: H. Scott Salinas Fotografía: Robert Richardson Productora: Aviron Pictures / Acacia Filmed Entertainment / Denver and Delilah Productions / Savvy Media Holdings / Thunder Road Pictures Género: Drama biográfico

Reparto: Rosamund Pike, Jamie Dornan, Tom Hollander, Jesuthasan Antonythasan, Pano Masti, Stanley Tucci, Alexandra Moen, Corey Johnson, Hilton McRae, Raad Rawi

Sinopsis: Marie Colvin (Rosamund Pike) fue una periodista reconocida mundialmente por su trabajo en distintos conflictos bélicos. Testigo de algunas cruentas batallas recientes, especialmente de lo sucedido en Oriente Medio, Colvin contaba con el respeto tanto de los lectores como de sus compañeros de profesión por su enorme valentía y humildad. Sin embargo, su personalidad era caótica y autodestructiva: abusaba del alcohol y su vida personal era, según sus propias palabras, un “auténtico desastre”. Tras recibir el impacto de una granada en Sri Lanka, comienza a llevar un distintivo parche en el ojo mientras se sienta a tomar martinis rodeada de la alta sociedad londinense a la que tanto aborrece, hasta que un día recibe el más peligroso de todos los encargos, que acepta junto a su también prestigioso fotógrafo de guerra, Paul Conroy (Jamie Dornan). Juntos viajan a Siria para cubrir lo que sucede en la ciudad de Homs, donde aprenderá el verdadero coste de la guerra, tanto física como psicológicamente.

La corresponsal, más allá de ser un biopic al uso, es un homenaje a los periodistas comprometidos. Héroes -casi- anónimos que deciden informar sobre lo que nadie informa y desde el mismo centro del huracán. Un huracán que, en muchos casos, acaba engulléndolos.

Cuenta la apasionante vida de la periodista Marie Colvin, que cubrió algunos de los conflictos bélicos más importantes de las últimas tres décadas para el diario Sunday Times. El guión adapta un artículo de la revista Vanity Fair titulado “Marie Colvin’s Private War”, escrito por Marie Brenner, que recoge los hitos por los que Marie Colvin pasó a la Historia del periodismo y el sacrificio personal que supuso para ella dedicarse a la información en zonas de conflicto.  Un sacrificio que la periodista tomaba como una obligación moral.

Además de perpetuar la memoria de la reportera, La corresponsal es todo un alegato antibélico, pues lo que nos muestra no son las gestas de los ejércitos ni las noticias oficiales que los gobiernos desean que se compartan, pulidas, en los informativos: muestra y denuncia pequeñas historias protagonizadas por civiles. Mujeres, niños y ancianos, los más desvalidos, que ven como la guerra se precipita sobre sus cabezas sin poderlo evitar.

Rosamund Pike, en el papel protagonista, consigue trasmitir la  desesperación de la periodista, su lucha por combatir los terribles recuerdos de los vivido en todas esas zonas en conflicto, así como las pesadillas que no dejan de perseguirla. Pero también su compromiso con la información. Un sobresaliente trabajo que la ha hecho merecedora de una nominación a los Globos de Oro.  Matthew Heineman , por su parte, realiza una remarcable labor, haciendo de la cámara un testigo más de la acción, rodando de manera realista, contagiando al espectador la tensión de los momentos de peligro por los que atraviesan los jornalistas: controles en territorio enemigo, bombardeos, tiroteos… Un periplo que llevará a la protagonista de Sri Lanka -donde pierde el ojo izquierdo-, a Iraq, Afganistán, Libia y finalmente Siria.

La conclusión es desoladora, no tan solo por el destino de Marie Colvin, sino también por los diferentes conflictos bélicos que se retratan, que se desarrollan en diferentes puntos del planeta pero en los que vemos que siempre, indefectiblemente, los que terminan pagando las peores consecuencias son siempre los inocentes.

En palabras de su director Matthew HeinemanLa corresponsal celebra el periodismo y la figura de Marie, que arriesgó su vida una y otra vez para contar una verdad que muchos no queremos oír. Para mí ha sido muy importante detenerme en la vida personal de Marie y por ello he intentado analizar también sus conflictos internos. No quería plantear la película como un biopic, sino estudiar cómo esas adicciones tan paradójicas hacían de Marie una periodista brillante y un alma torturada que a menudo se preguntaba si al mundo le interesarían las cosas que ella contaba.”

ROCKETMAN (Dexter Fletcher, 2019)

UK. Duración: 121 min. Guion: Lee Hall Música: Elton John, Matthew Margeson Fotografía: George Richmond Productora: Marv Films / Rocket Pictures / Marv Studios / New Republic Pictures / Pixoloid Studios. Distribuida por Paramount Pictures Género: Biopic musical

Reparto: Taron Egerton, Jamie Bell, Richard Madden, Bryce Dallas Howard,Steven Mackintosh, Gemma Jones, Tom Bennett, Kit Connor, Viktorija Faith,Charlotte Sharland, Layton Williams, Bern Collaco, Ziad Abaza, Jamie Bacon,Kamil Lemieszewski, Israel Ruiz, Graham Fletcher-Cook

Sinopsis: La película, en clave musical, se centrará en la vida y obra de Elton John. El compositor y cantante británico.

El film se inicia con la llegada de Elton John a una reunión de alcohólicos anónimos, lo que servirá para poner al espectador en situación con el personaje y a este para narrar su existencia a modo de flashback. Desde su infeliz infancia como Reginald Dwight, niño superdotado para la música pero traumatizado por un padre que no lo quiere ni valora, a sus primeros pinitos en el mundo del rock y su encuentro con Bernie Taupin, compañero con ella  que compondrá tantas y tantas bellas canciones, pasando por la obligada entrada de ambos en el mercado americano, el nacimiento de la bestia escénica y la irrupción en su vida del tríptico sexo, drogas y Rock&Roll. Y de ahí al desencanto, al vacío, a aceptar, por fin, su condición sexual con estrepitosa caída, por el camino, en todo lujo de excesos. Y todo regado, por supuesto, con muchas de las mejores canciones de Elton John.
¿El resultado? Tiene a su favor un buen punto de partida, dinámico y con números musicales; una magnífica ambientación de cada época que se retrata y una buena interpretación de su protagonista, Taron Egerton. Y en su contra los excesivos tintes dramáticos que convetirán la película en toda una tragedia, con el músico atravesando un prolongado vía crucis con una redención que se arreglará con las manidas letras explicativas al final del film. Escasa recompensa tras tan largo y penoso  itinerario por el lado salvaje.
Protagonizada además de por Taron Egerton, por Jamie Bell como el antiguo letrista y socio de Elton, Bernie Taupin; Richard Madden como el primer manager de Elton, John Reid y Bryce Dallas Howard como madre de Elton, Sheila Farebrother., la película ha contado con el propio Elton John como productor ejecutivo.

 

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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 24 de mayo de 2019 *

LA VIUDA (Greta, Neil Jordan, 2018)

USA/Irlanda. Duración: 98 min. Guion: Ray Wright, Neil Jordan Música: Dominik Scherrer Fotografía: Seamus McGarvey Productora: Anonymous Content / Sidney Kimmel Entertainment / Lawrence Bender Productions / Little Wave Productions. Distribuida por: Focus Features Género: Thriller

Reparto: Isabelle Huppert, Chloë Grace Moretz, Maika Monroe, Stephen Rea, Colm Feore,Zawe Ashton

Sinopsis: Frances (Chloë Grace Moretz) es una dulce e ingenua joven que, tras la muerte de su madre, se muda a Manhattan. Cuando encuentra en el metro un bolso extraviado, decide entregárselo a su legítima dueña, Greta (Isabelle Huppert), una pianista viuda con una desesperada necesidad de compañía. Rápidamente se convierten en amigas, pero su amistad cambia cuando se descubren las siniestras intenciones de Greta.

Isabelle Huppert prosigue su itinerario más internacional regresando a uno de sus géneros favoritos tras entusiasmar con Elle de Paul Verhoeven, y lo hace de la mano de Neil Jordan dando vida a un personaje que nadie hubiera podido encarnar mejor. Y con el que también, en parte, se parodia a sí misma. Pues detrás de la culta y muy europea Greta se esconde una mala víbora que hará la vida imposible al sensible personaje que encarna Chloë Grace Moretz, actriz que se contagiará de la clase de la actriz francesa realizado una labor a la altura de su compañera, en  la que es una de sus mejores interpretaciones, de una profundidad que podría considerarse como uno de sus papeles más adultos y elaborados. Nos congratula ver que Chloë, por la que apostamos ya desde que nos dejó paralizados en Kick Ass, ha dejado de ser una promesa para convertirse en toda una actriz

En cuanto a la historia, la verdad es que cuanto menos sepan sobre ella más la disfrutarán. Estamos antes un thriller psicológico realizado de manera modélica, como no podría ser menos en Jordan, narrado muy a la antigua usanza, pero que da sopas con honda a películas y directores de moda como Jordan Peele y sus trabajos, ofreciendo una lección magistral de como debe realizarse un buen thriller y construir una buena historia. Tensa, ingeniosa y con agradables gotas de humor, a veces muy negro, la película trasmite al espectador toda la angustia que sufre la joven protagonista.

Una película de mujeres, y de soledad. Que analiza la pérdida, el dolor y el vacío que provoca. En una el marido y en la otra su madre, lo que creará un vínculo entre ambas antes de que lo extraño entre en juego, dando la vuelta a la trama y cambiando radicalmente la película de género, pasando a ser un tenso thriller realizado con muy buen pulso y un final ejemplar, al que llegaremos tras habernos devorado las uñas.

Ambas protagonistas comparten reparto con Maika Monroe (‘It Follows, ‘The guest’), que también realiza un remarcable trabajo como amiga pija de la Moretz, Colm Feore (‘House of cards’, ‘Thor’) y Stephen Rea, un rostro habitual en las películas de Jordan y que rinde con su personaje todo un homenaje al mago del suspense.

En palabras del director: Lo que me atrajo de ‘La viuda’ fue la simplicidad de la historia. Una joven, una viuda y un bolso de cuero verde extraviado. La idea de que cualquier encuentro casual pudiera ser el germen de una gran amistad, o bien, de los terrores de una necesidad obsesiva, era muy interesante. Aquí no hay fantasmas, ni elementos sobrenaturales, ni monstruos, solo la soledad humana como la fuente de todo terror. Y en realidad, si lo piensas, es suficientemente terrorífico”.

TOMMY (Ken Russell, 1975)

UK. Duración: 111 min. Guion: Pete Townshend, Ken Russell Música: Pete Townshend, The Who Fotografía: Dick Bush, Ronnie Taylor, Robin Lehman Productora: Robert Stigwood Organization (RSO) / Hemdale Film Género: Musical

Reparto: Roger Daltrey, Ann-Margret, Oliver Reed, Paul Nicholas, Tina Turner, Elton John,Eric Clapton, Keith Moon, Barry Winch, John Entwistle, Robert Powell,Jack Nicholson, Victoria Russell, Pete Townshend

Sinopsis: La película cuenta la historia de Tommy (Roger Daltrey), un niño de 5 años que vive con su madre, Nora (Ann-Margret), y su padrastro, Frank (Oliver Reed). Su padre, dado por muerto en la guerra, regresa al hogar inesperadamente. Se pelea con Frank al ver que se ha casado con su mujer, y con el niño como testigo involuntario, Frank mata al padre de Tommy. La experiencia sufrida provoca en él un trauma psicológico que le deja sordo, mudo y ciego, pero con el tiempo, Tommy desarrolla una habilidad asombrosa.

En el 50 aniversario de la edición del influyente doble álbum Tommy de The Who, primera ópera rock, A Contracorriente Films trae de nuevo a la pantalla la exitosa película que adaptó y dirigió Ken Russell  en 1975.

Tommy, que se beneficia del delirante universo particular del director británico, no ha perdido frescura, precisamente, por contener imágenes inolvidables y una magnífica banda sonora que además de dinamizar los temas originales, añade otros interpretes como Eric Clapton, Elton John o Tina Turner, junto a los propios The Who y especialmente su cantante, Roger Daltrey, que protagoniza la película interpretando al chico sordo, ciego y mudo. Daltrey inició con este filme una pequeña carrera cinematográfica que se prolongó con una nueva e inmediata colaboración con Ken Russell (Liztomania, 1975) y el drama carcelario McVicar (Tom Clegg, 1980) entre otros trabajos menores.

Tommy también cuenta con la presencia de una feroz Ann-Margret, no en vano nominada al Oscar por su trabajo en este filme, un divertido Oliver Reed y un sorprendente Jack Nicholson.

Esta nueva copia, restaurada con el sonido original 5.0 (Quintaphonic), se podrá ver en cines a partir del jueves 23 de mayo y por esas mismas fechas se pondrá a la venta una nueva edición en blu-ray, con más de dos horas de contenidos extra.

EL HIJO (Brightburn, David Yarovesky, 2019)D

USA. Duración: 90 min. Guion: Brian Gunn, Mark Gunn Música: Tim Williams Fotografía: Michael Dallatorre Productora: H Collective . Distribuida por: Sony Pictures Entertainment (SPE). Productor: James Gunn Género: Terror

Reparto: Elizabeth Banks, David Denman, Meredith Hagner, Matt Jones, Jennifer Holland,Steve Agee, Becky Wahlstrom, Stephen Blackehart, Jackson A. Dunn,Terence Rosemore, Annie Humphrey, Christian Finlayson, Emmie Hunter,Mike Dunston, Gregory Alan Williams, Elizabeth Becka, Gwen Parrish,Leah Goodkind, Shaun McMillan

Sinopsis: ¿Qué pasaría si un niño con poderes de otro mundo aterrizara de emergencia en la Tierra, pero en lugar de convertirse en un héroe para la humanidad fuera algo mucho más siniestro? Después de una dura lucha con su fertilidad, los sueños de ser madre de Tori se hacen realidad con la llegada de un misterioso bebé. Brandon parece ser todo lo que Tori y su marido Kyle siempre quisieron: brillante, con talento, curioso por el mundo que le rodea. Pero cuando Brandon se acerca a la pubertad, una poderosa oscuridad se manifiesta en su interior, y a Tori empiezan a consumirle las dudas acerca de su hijo. Una vez que Brandon empieza a dar salida a sus retorcidas necesidades, pone en peligro a aquellos más cercanos a él. El niño prodigio se transforma en un despiadado predador desatado en una ignorante ciudad de Kansas.

El hijo es el reverso tenebroso del extraterrestre de Kripton que al crecer decidió hacer el bien con la ropa interior por encima de las mallas. Siguiendo el esquema del Superman (1978) de Stanley Donner, el pequeño llega caído del cielo y es encontrado por una pareja deseosa de tener descendencia, que lo adoptará como si fuera suyo. Todo irá más o menos normal para el niño, que comenzará a ganarse fama de rarillo en el colegio por ser un superdotado en los estudios. Será al llegar a la adolescencia cuando, además de los cambios habituales de la edad, notará que posee unos extraños poderes… que no utilizará para el bien común, pues todavía no es responsable de la gravedad de sus actos, actúa de forma caprichosa y egoísta y descubrirá sus poderes mediante la ira.

Esa es la premisa desde la que parte la simpática película que ha producida James Gunn,  director del díptico protagonizado por los Guardianes de la Galaxia, que afortunadamente ha sido consciente de estar haciendo una película de terror con todas sus consecuencias y toda la hemoglobina en su lugar, dando pié a dos memorables escenas que satisfarán a los más encallecidos amantes del género.

Una ingeniosa vuelta de tuerca al manido tema de los superhéroes que cumple con creces su función de entretener gracias a sus dosis de mala uva que servirán, de paso, para ratificar la sabia decisión de muchos de los espectadores de no abrazar la paternidad.

 

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VAMOS DE ESTRENO (o no) *Viernes 17 de mayo de 2019 *

SOMBRA (Shadow, Zhang Yimou, 2018)

China/HK. Duración: 116 min. Guion: Zhang Yimou, Wei Li Música: Lao Zai Fotografía: Xiaoding Zhao Productora: Village Roadshow Pictures Asia / LeVision Pictures Género: Drama

Reparto: Deng Chao, Li Sun, Ryan Zheng, Guan Xiaotong

Sinopsis: El condado de Pei (Peixian) está bajo la administración de un rey salvaje y peligroso (Zheng Kai). El comandante militar de su ejército (Deng Chao), aunque ha demostrado su valía en el campo de batalla, se ve forzado a emplear toda clase de sucias estratagemas para poder sobrevivir a las traiciones que se suceden en la corte del rey. Para ello ha creado una “sombra” (interpretada por el propio Chao), un doble que es capaz de engañar al mismísimo rey y a sus enemigos cuando la situación lo requiere. Cuando el rey y el comandante deciden asediar la ciudad amurallada de Jing, comenzará un combate sin igual que sacudirá los cimientos de la corte de Peixian.

El yin y el yang son dos conceptos del taoísmo que son usados para representar o referirse a la dualidad que esta filosofía atribuye a todo lo existente en el universo. Describe las dos fuerzas fundamentales opuestas y complementarias, que se encuentran en todas las cosas. Y esta fuerza, eternamente enfrentada, pero complementaria, es la que ha utilizado Yimou para mostrar el combate por la recuperación de la ciudad de Jing, pero también la lucha de ese doble, de esa ‘sombra’ por recuperar la personalidad arrebatada por el general que lo ha entrenado para suplirle en situaciones de riesgo. También se reflejará esta dualidad en la espectacular toma de la ciudad de Jing, utilizando ‘lo femenino’ contra lo masculino. La estrategia contra el músculo.

En su reinterpretación del clásico Tres reinos, Zhang Yimou ofrece al espectador altas dosis de filosofía, a la que ha añadido magníficas coreografías de lucha y espectaculares escenas de acción que dejan en pantalla, y en nuestro subconsciente, un buen número de imágenes antológicas, evocadoras, reforzadas por ese tono gris que predomina en la fotografía, un gris tan solo roto con la carne y la sangre, únicas notas de color en un universo triste, en el que la continua y plomiza lluvia conseguirá repercutir en el ánimo del espectador. De manera inexorable e inevitable, como el enfrentamiento final. Gris como el acero.

A resaltar, finalmente, el magnífico trabajo de su protagonista, Chao Deng, que aborda un doble papel de manera magistral. Arte con mayúsculas.

 

HELLBOY (Neil Marshall, 2019)

USA. Duración: 120 min. Guion: Andrew Cosby, Christopher Golden (Cómic: Mike Mignola) Música: Benjamin Wallfisch Fotografía: Lorenzo Senatore Productora: Millennium Films / Campbell Grobman Films / Dark Horse Entertainment / Lawrence Gordon Productions Género: Fantástico

Reparto: David Harbour, Ian McShane, Milla Jovovich, Sasha Lane, Daniel Dae Kim,Thomas Haden Church, Penelope Mitchell, Sophie Okonedo, Brian Gleeson,Kristina Klebe, Alistair Petrie, Ashley Edner, Douglas Tait, Bern Collaco,Mario de la Rosa, Atanas Srebrev, Michael Heath, Ava Brennan, Mark Basnight,Eddy Shore, Tihomir Vinchev, Anthony Delaney, Vanessa Eichholz

Sinopsis: La Agencia para la Investigación y Defensa Paranormal (AIDP) encomienda a Hellboy la tarea de derrotar a un espíritu ancestral: Nimue, conocida como “La Reina de la Sangre”. Nimue fue la amante del mismísimo Merlín durante el reinado del Rey Arturo, de él aprendió los hechizos que la llevaron a ser una de las brujas más poderosas… Pero la locura se apoderó de ella y aprisionó al mago para toda la eternidad. Hace siglos consiguieron acabar con esta villana, enterrándola profundamente, pero ha vuelto de entre los muertos con la intención de destruir a la humanidad con su magia negra.

Con un inicio con sabor a cine de terror clásico, situado en la Edad Media, pasamos a México, donde comenzará la acción y los mamporros con luchadores enmascarados, vampiros y Hellboy, que, socarrón y pendenciero, se hará con la película desde su primera aparición. Para esta primera aventura post-Del Toro, sus guionistas han dotado a la misma de todo el sabor pulp, con órdenes herméticas, referencias al ciclo Artúrico, fantasía épica, brujería, humor y Rock&Roll. Pero pronto la alegría comienza a decaer cuando vemos que, si bien la violencia está presente, no salpica la pantalla, pues la versión que nos ha llegado ha sido rebajada de hemoglobina, seguramente para que pueda exhibirse ante un público infantil. Y es un error, pues estamos hablando de una creación que en ningún momento ha estado destinada a ese público. Es un cómic para adultos y se espera que las películas también lo sean pero…

También el ritmo va acelerándose conforme avanza la acción hasta llegar a estar quizás un poco sobrada de pirotecnia y artificio, sobre todo en su tramo final y su prolongado clímax. Y a pesar de que retoma aspectos esenciales del personaje, como su dualidad, volviendo a plantear el enfrentamiento del personaje y sus dudas entre ceder al fatalismo o tomar las riendas de su destino, el resultado no deja de ser más superficial que en sus predecesoras.

Sin embargo, en la producción vemos buena voluntad, además de la participación de un competente David Harbour como Hellboy, igual que Sasha Lane como Alice. Lane es una actriz a la que habrá que seguirle la pista, pues tanto en papeles dramáticos en el cine indie (The Miseducation of Cameron Post o Hearts Beat Loud) como ahora en su salto al blockbuster, con mucho humor y acción, demuestra una gran personalidad y mucho oficio. Por su parte Milla Jovovich siempre es bienvenida a la fiesta, y aquí está más que bien como la maligna Reina Sangrienta.

En todo caso es un nuevo comienzo. Una nueva oportunidad para un personaje que tiene mucho que ofrecer y al que otorgamos un margen de confianza, pues su secuela parece estar más que cantada. O al menos anunciada. Ya saben, no marchen cuando se inicien los títulos de crédito finales.

 

 

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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 10 de mayo de 2019 *

VIVIR DEPRISA, AMAR DESPACIO (Plaire, aimer et courir vite, Christophe Honoré, 2018)

Francia. Duración: 132 min. Guion: Christophe Honoré Fotografía: Rémy Chevrin Productora: Les Films Pelléas / arte France Cinéma / Canal+ / Ciné+ Género: Drama

Reparto: Vincent Lacoste, Pierre Deladonchamps, Denis Podalydès, Rio Vega,Willemijn Kressenhof, Adèle Wismes, Clément Métayer, Sophie Letourneur,Marlene Saldana, Teddy Bogaert, Adèle Csech

Sinopsis: Jacques es un escritor que vive en París. Todavía no ha cumplido 40 años pero cree que lo mejor de la vida ya no está por llegar. Arthur es un estudiante que vive en la Bretaña francesa. Lee, sonríe mucho y se niega a aceptar que hay algo imposible en la vida. Jacques y Arthur se gustan y viven como si estuvieran en un sueño romántico o en una historia triste.

A veces una sola obra graba el nombre de su autor en la historia. Andrea Chénier, de toda su producción, es la pieza que ha hecho célebre al verista Umberto Giordano, y el aria para soprano, La mamma morta, la que ha hecho que esa ópera figure en todos los repertorios. Los cinéfilos siempre asociarán la versión de Maria Callas a la escena cumbre de Philadelphia (1993, Jonathan Demme), una escena que, aunque reconozca la pericia de su director al construirla, no puedo contemplar sin sonrojarme. Y es que se me antoja una muestra de sentimentalismo impúdico, pensada para que el público medio alivie su conciencia, pues le permite sentirse liberal al empatizar con un problema como el SIDA en los años noventa. Hasta no faltan los críticos que consideran el filme de Jonathan Demme como la película definitiva sobre el tema, cuando no es más que la muestra del oportunismo mainstream sobre un problema que no tuvo (ni tiene) nada de lírico. Por lo contrario, sensible que no sensiblera, la última cinta de Christophe Honoré, nos aporta una visión del amor en tiempos del SIDA que no cae ni en tópicos ni en adornos.

Año 1993. Arthur (Vincent Lacoste) es un joven estudiante de veinte años que vive en Rennes. Su vida cambia el día que conoce a Jacques (Pierre Deladonchamps), un escritor que vive en París con su joven hijo. Durante el verano, Arthur y Jacques viven una historia amor. Pero Jacques sabe que este amor lo tiene que vivir rápidamente. El ímpetu y la renuncia se dan la mano en esta historia de amor, el primero para Arthur, el último para Jacques, un amor que ha de ser apresurado porque la vida apremia, herida de muerte como está. Honoré ha querido retratar la ambivalencia del sentimiento, es un revulsivo, pero también un desgarro cuando el vivirlo se hace imposible por esa Espada de Damocles que es la enfermedad. Aquí el retrato del SIDA es un drama íntimo con el que se homenajea a toda aquella generación que vivió en carnes su sentencia.

No es la película definitiva sobre la enfermedad ni lo pretende, solo busca asomarnos al vacío de vidas rotas a las que se les arrebató la posibilidad de envejecer junto a la persona amada, de ver concluidas las expectativas de realización en lo profesional y en lo personal. Es un hola y un adiós que se condensan y se funden en una despedida precipitada por el propio anhelo de dar lo mejor de uno mismo al otro, al que se le querrá ahorrar la contemplación de la decadencia. Un irse en el punto del encuentro para no dejar la memoria del dolor. Que todo concluya en el momento de la esperanza. Sin drama ni aspaviento. Más que una historia de amor imposible, esta es una película sobre una vida imposible, que nos instala en el espacio de la melancolía.

Para Honoré los 90s son la década que no termina, por eso la idea general del diseño de producción fue recrear un tiempo sin reconstituirlo. Apela a la memoria desde un ramillete de citas que perlan aquí y allí los fondos. Libros, películas, músicas, tejen un marco referencial que apunta a las vivencias de cada uno, de modo que nos sintamos transportados al corazón de esta historia sintiéndola nuestra. Nos implicamos en los despertares y en los adioses porque los hemos vivido, y los rememoramos con nuestros cinco sentidos que se ven estimulados por lo que acontece en la pantalla. Cada escena es nuestra particular Magdalena de Proust, por eso entendemos tan bien lo que nos cuentan. Humana, profundamente humana y humanista, se nos muestra esta obra como un testimonio y un canto que no es solo remembranza sino también es ahora, pues lo que describe se mantiene vigente. El amor y la muerte en su abrazo siguen y seguirán siendo esencia del existir humano, Honoré lo sabe bien y lo narra con una historia que bien podría ser el universal en el que todos nos reflejamos.

Sensual, carnal, pero no sexualizada, se nos muestra íntima y sugerente sin ninguna ostentación. No es fácil lograr que las secuencias de cama desborden realismo y a la vez una delicadeza casi mágica, para ello hace falta un director y unos actores entregados a la tarea de reproducir la intimidad de la alcoba bajo la presencia de la cámara. Honoré las rueda con muy pocas tomas, reduciendo el equipo al mínimo y ensayándolas con anticipación para explicársela a los actores. Por su parte los intérpretes, en auténtico estado de gracia, las enfrentan con un enfoque abierto en el que el veterano Deladonchamps resultó fundamental para acompañar al joven Lacoste en su interiorización de un personaje que ha de aparecer como objeto de deseo. Hay momentos verdaderamente brillantes en los que nos hacen sentir como nace entre ellos la complicidad. Los personajes toman presencia en la carne de los actores y nos resultan tan creíbles como las gentes que nos cruzamos en nuestro periplo vital. Dos amantes que podrían ser cualquiera de nosotros, así de próximos nos los trae Honoré, así nos los despliega el buen hacer de sus protagonistas.

Honesta, sugerente, emotiva y sutil, así es Vivir deprisa, amar despacio, un derroche de buen cine que nos comunica la agridulce vivencia del amor en tiempos de la enfermedad. Una película llamada a quedarse grabada en nuestro imaginario.

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