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Archive for the ‘VAMOS DE ESTRENO’ Category

VAMOS DE ESTRENO * Viernes 26 de marzo de 2021 *

Monster Hunter (Paul W.S. Anderson, 2020)

USA/Japón/Alemania/China. Duración: 99 min. Guion: Paul W.S. Anderson (Videojuego: Kaname Fujioka, Capcom) Música: Paul Haslinger Fotografía: Glen MacPherson Producción: Capcom, Impact Pictures, Constantin Film, Tencent Pictures, Toho Género: Fantástico.

Reparto: Milla Jovovich, Tony Jaa, Tip Harris, Ron Perlman, Meagan Good, Josh Helman, Diego Boneta, Jannik Schümann, Schelaine Bennett, Nic Rasenti, Jin Auyeung, Nanda Costa, Aaron Beelner, Hirona Yamazaki, Adrian Munoz Nordqvist

Sinopsis: Detrás de nuestro mundo, hay otro: un mundo de peligrosos y poderosos monstruos que reinan en su dominio con una ferocidad mortal. Cuando una inesperada tormenta de arena transporta a la teniente Artemis (Milla Jovovich) y a su unidad (TI Harris, Meagan Good, Diego Boneta) a un nuevo mundo, los soldados se sorprenden al descubrir que ese desconocido y hostil entorno es el hogar de enormes y aterradores monstruos que son inmunes a su potencia de fuego. En su desesperada batalla por la supervivencia, la unidad se encuentra con un misterioso cazador (Tony Jaa), cuyas habilidades únicas le permiten plantar cara a las peligrosas criaturas. A medida que Artemis y el cazador ganan confianza, ella descubre que él es parte de un equipo liderado por el Almirante (Ron Perlman). Enfrentándose a un peligro tan grande que podría amenazar con destruir su mundo, los valientes guerreros combinan sus habilidades únicas para unirse en la última batalla.

De nuevo nuestra estrella de acción favorita, Milla Jovovich, demuestra que es la mejor y la más dura en una nueva saga de películas basadas, al igual que la recién finalizada Resident Evil, en un video juego de acción espectacular, que mezcla monstruos y una misión a cumplir, retornar a la realidad desde un mundo paralelo repleto de misterios que, naturalmente, no se desvelarán en su totalidad pues, como ya hemos adelantado y cabe suponer, Monster Hunter nace con ánimo de ser una franquicia.

Dirigida, precisamente, por el responsable de la saga Resident Evil, Paul W. S. Anderson, nadie debería sentirse defraudado ante lo que se ofrece en esta nueva franquicia: acción sin freno desde su vertiginoso arranque, que no decae durante toda la cinta, durante la cual se nos presentan unos personajes atractivos, comenzando por su protagonista absoluta y prosiguiendo con Tony Jaa (Ong Bak) y Ron Perlman, entre otros.

Galeones surcando oceanos de arena; monstruos de pesadilla; universos paralelos y el triunfo de la amistad entre distintos en una magnífica propuesta con la que retornar al cine y dejarse llevar pues, no lo duden, se  trata de una película que se disfruta mucho desde la butaca de una sala cinematográfica.

 

Un efecto óptico (Juan Cavestany, 2020)

España. Duración: 80 min. Guion: Juan Cavestany Música: Nick Powell Fotografía: Javier López Bermejo Productora: Cuidado con el perro Género: Comedia

Reparto: Carmen Machi, Pepón Nieto, Luis Bermejo, Lucía Juárez

Sinopsis: Alfredo y Te resa son un matrimonio de Burgos que viaja a Nueva York con la intención de “desconectar” y hacer todos los planes que vienen en la guía. Pero nada más aterrizar empiezan a percibir señales, sutiles y no tanto, de que en realidad no están en la ciudad que les vendieron en la agencia. ¿Dónde están entonces?

Maestro del absurdo y el extrañamiento, Juan Cavestany lleva a sus protagonistas, Carmen Machi y Pepón Nieto, en el papel de Teresa y Alfredo, un matrimonio ya maduro, a un viaje a Nueva York, ciudad que, sospechosamente, es pastada a Burgos.  La ciudad como espacio de despersonalización es siempre el escenario de las fábulas del director. Pero no terminarán ahí los hechos extraños y el adentramiento de la pareja protagonista (y del público) en el reino de lo raro, pues Cavestany es especialista en convertir lo cotidiano en tragicómico. Una película desarrollada con repeticiones y elipsis, que nos lleva a la ironía brechtiana. Con astracanadas que recuerdan al maestro José Luis Cuerda, el director distorsiona la realidad ofertando más de una visión al espectador. Pero permítannos que no desvelemos mucho más de un film que, precisamente en el efecto sorpresa, esconde sus grandes bazas, con lo inesperado como aliado perfecto.

Cine extraño, ingenioso  de escasos personajes y escenarios, con un final abierto a la interpretación por parte del espectador. La cinta participó en la última edición del Festival de Sitges y podríamos preguntarnos qué hace una comedia postmoderna en un festival de género, pero tenemos la respuesta. Más allá de la presencia de lo sobrenatural, hay un humor muy autóctono que debe considerarse fantástico por el propio dibujo surreal y absurdo de las situaciones cómicas. Humorismo que hunde sus raíces el la otra generación del 27 (con Jardiel a la cabeza) de la que, sin duda, Cavestany es su heredero más directo ahora que José Luis Cuerda nos ha abandonado. El esperpento es una de las mayores aportaciones que el ingenio español ha dado al mundo de la narrativa, ya sea ésta literaria o cinematográfica.

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VAMOS DE ESTRENO * Viernes 5 de marzo de 2021 *

Y LLOVIERON PÁJAROS (Il pleuvait des oiseaux, Louise Archambault, 2019)

Canadá. Duración: 124 min. Guion: Louise Archambault (Novela: Jocelyne Saucier) Música: David Ratté, Andréa Bélanger Fotografía: Mathieu Laverdière Productora: Films Outsidersf Género: Drama

Reparto: Kenneth Welsh, Andrée Lachapelle, Gilbert Sicotte, Rémy Girard, Ève Landry, Éric Robidoux, Louise Portal

Sinopsis: Esta es la historia de tres ancianos que han elegido retirarse del mundo y vivir en los bosques de Canadá. Al tiempo que un gran incendio amenaza la región, alguien llega hasta su escondite: una joven fotógrafa que busca a un tal Boychuck. Y no es la única. Poco después, una mujer de más de 80 años aparece como una brisa ligera que alborotará sus vidas. Mientras intentan comprender la historia de Boychuck a través de sus pinturas, algo extraordinario surgirá entre todos ellos.

La vejez es eso que los jóvenes piensan que les tardará mucho en llegar. O que nunca les alcanzará. Y es que sin lugar a duda hacerse viejo es un fastidio. Pero es mucho más que eso, pues es la constancia de que nuestro tiempo se está acabando. Que la máquina está caducando. Que el final está cerca.

Esta película demuestra otra cosa, que también el final puede ser bello y digno. Y que, por paradójico que parezca, el final puede ser el principio. Y que… ¡qué diantres!, que puede haber cosas mucho más crueles y peores que la vejez.

Y llovieron pájaros nos narra la historia de unos hombres que han escogido desaparecer del mundo. Unos hermitaños, viejos y sabios, que han decidido pasar sus últimos días en comunión con la naturaleza y en compañía de sus fieles canes junto a un bello lago. Un paraíso en el que han querido dejar de existir para todos. Pero ese fin del mundo, ese final del recorrido, por razones que no les vamos a detallar, puede ser el comienzo de una nueva aventura. Una historia sobre la persistencia de la memoria en un mundo que se diluye. Que se deja ir dulcemente.

Maravillosamente interpretada y carente de curserías y manidos tópicos, la cinta de Louise Archambault tiene todo para, además de ser una bonita película, en fondo y forma, ser además una propuesta muy inteligente y que invita a la reflexión.

 

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VAMOS DE ESTRENO * Viernes 26 de febrero de 2021 *

DEL INCONVENIENTE DE HABER NACIDO (The Trouble with Being Born, Sandra Wollner, 2020)

Austria, Alemania Duración: 94 minutos. Guión: S. Wollner y Roderick Warich. Dirección de fotografía: Timm Kröger. Música: David Schweighart, Peter Kutin. Productora: Panama Film Género: Ciencia ficción.

Intérpretes: Jana McKinnon, Ingrid Burkhard, Dominik Warta, Lena Watson, Susanne Gschwendtner.

Sinopsis: Elli es una androide y vive con un hombre al que llama padre. Es capaz de rememorar vacaciones y cualquier otra cosa que él programe para que ella recuerde. Durante el día se dejan llevar por el verano y por la noche él la lleva a la cama. Diseñada para asemejarse a uno de sus recuerdos, realmente parece estar viva, a veces incluso parece soñar, y sin embargo no deja de ser un robot, un contenedor para unos recuerdos que lo son todo para él y nada para ella. Esta es la historia de una máquina y de los fantasmas que todos llevamos en nuestro interior.

Habíamos leído que esta película, definida como cruce entre A.I. Inteligencia Artificial, de Steven Spielberg, y un episodio de Black Mirror, había provocado cierta controversia a su paso por el circuito de festivales y que, de hecho, su proyección en el Festival de Melbourne fue cancelada a pocos días de celebrarse. Viéndola, muy pronto averiguamos el porqué pudiera resultar chocante para el espectador, pero ello no quita para que se trate de uno de los más inteligentes, realistas y bellos retratos sobre la inteligencia artificial y de los problemas éticos que puede ocasionar su existencia.

¿La polémica? Como siempre está en el ojo del espectador. No por no mirar las cosas dejan de suceder. Recuerden, no hace mucho había torsos fielmente reproducidos en látex que reproducían anatómicamente niñas de diferentes edades. Y estaban a un simple click de distancia del cliente, que podía completar el pedido con películas y libros. O con su juguete preferido de la infancia, por ejemplo.

Así que seamos adultos. Por favor.

Y es que lo que nos narra el filme de Sandra Wollner no es, ni mucho menos, un imposible. Recrear seres humanos artificiales con los que paliar el dolor de la pérdida o solventar la soledad es una más de las soluciones artificiales que la tecnología puede facilitarnos. Más allá de ese muñeco que tuvimos cuando éramos pequeños, que se recrea para que siempre esté con nosotros, casi impidiendo que maduremos, recordándonos otros tiempos supuestamente más felices, en un futuro muy cercano ese hijo perdido estará disponible para hacerte compañía eternamente, con los recuerdos que le hayamos introducido y con los nuevos que irá adquiriendo.

Algo parecido a lo que nos narraba Blade Runner pero cargado de realidad, con posibilidad de suceder mañana mismo. Nada resulta imposible de creer. Y más tal y como lo plantea Wollner, con dos ejemplos bien distintos: uno como la representación de unos deseos ocultos que se materializan en una niña que fue hija y ahora, además, amante; y otro como el hermano fallecido prematuramente y con el que quedó una cuenta pendiente. Y para hacerlo totalmente creible su directora ha contado con una pequeña actriz que consigue unos movimientos y una mirada que conseguirán que creamos que el hombre máquina ya está aquí, sí, pero que además es una víctima. Nuestra víctima.

La historia se recrea en los silencios y su oscura fotografía ofrece un alto grado de intimidad en esta historia en la que la mente artificial es la protagonista. Sus pensamientos, sus dudas, su dolor. Todo en una cinta cuya trama no se ofrece al espectador de una manera lineal, quizás con intención de reflejar la confusión que sufre esa mente artificial, que llegará a mezclar pensamientos y vidas, además de generar sus propios recuerdos. Y su propia melancolía.

Premiada en la sección Encounters del Festival de Berlín, galardonada en muchos otros festivales (Bergen, Trieste, Viena…), el segundo largometraje de la directora austriaca Sandra Wollner (“The Impossible Picture”) llegará al catálogo de Filmin tras su estreno en cines.

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VAMOS DE ESTRENO * Viernes 19 de febrero de 2021 *

19 febrero 2021 Deja un comentario

14 DÍAS, 12 NOCHES (14 jours, 12 nuits, Jean-Philippe Duval, 2019)

Canadá. Duración: 99 min. Guion: Música: Bertrand Chénier Fotografía: Yves Bélanger Productora: Attraction Images Género: Drama

Reparto: Anne Dorval, François Papineau, Leanna Chea, Laurence Barrette

Sinopsis: La hija adoptada de Isabelle muere en un trágico accidente siendo tan solo una adolescente. Un año después, y aún conmocionada por la experiencia, Isabelle regresa al orfanato vietnamita con la esperanza de volver a conectarse emocionalmente con su hija Clara a través de su tierra natal. Inmersa y abrumada, Isabelle inesperadamente se encuentra con la madre biológica de su hija.

Del adocenamiento vietnamita al gélido invierno canadiense. Y de nuevo al hogar. Este es el itinerario de la joven Clara, niña adoptada cuyas cenizas porta la madre canadiense de vuelta a casa en un viaje que pretende ser terapéutico, que quiere poner una pequeña venda al dolor de la pérdida. Y lo hace volviendo a donde todo comenzó. Retornando al punto de partida. Al origen.

Y lo hará entrando en el íntimo misterio femenino de la maternidad, pero también en el universal del dolor por la pérdida. Con una madre buscando respuestas que no existen y un consuelo que solo el tiempo puede otorgar.

El director narrará la historia yendo adelante y atrás, como si estuviera pescando con caña. Lanzando y recogiendo, para volver a soltar. Los silencios y las ausencias serán retratadas de manera acertada, aunque en algún momento el narrador caerá en el exceso puntuando la acción con alguna cámara lenta que subrayará lo que es bien evidente.

Un viaje íntimo al alma de dos mujeres rotas, pero también al de un país hérido por el drama de la guerra. Esa guerra en la que, tal y como dice uno de los personajes, los bárbaros “mataron a nuestros padres y después se llevaron a nuestros hijos“.

Dirigida por el cineasta canadiense Jean-Philippe Duval (Unité 9, Matroni et moi) y escrito por Marie Vien (La pasión de Augustine), 14 días, 12 noches está protagonizada por la musa de Xavier Dolan, Anne Dorval (Mommy, Yo maté a mi madre), además de por François Papineau (Une vie qui commence) y Leanna Chea, actriz nominada a los Canadian Screen Awards y a los premios Iris del cine de Quebec por su papel.

La película se presentó en el Abitibi-Témiscamingue Film Festival y tuvo su premiere internacional en el Palm Springs Film Festival. Obtuvo el premio a la mejor fotografía para Yves Bélanger (Laurence Anyways, Dallas Buyers Club) en los premios Iris del cine de Quebec. En el mismo certamen, Anne Dorval y Leanna Chea obtuvieron nominaciones a la mejor actriz protagonista y mejor actriz secundaria, respectivamente.

Actualmente, la película es candidata al Oscar a la mejor película extranjera por Canadá.

NUEVO ORDEN (Michel Franco, 2020)
México-Francia. Duración: 88 min. Guion: Michel Franco Música: Dmitri Shostakovich Fotografía: Yves Cape Productora: Teorema, Les Films d’Ici Género: Thriller
Reparto: Naian González Norvind, Diego Boneta, Mónica del Carmen, Darío Yazbek Bernal, Fernando Cuautle, Eligio Meléndez, Lisa Owen, Patricia Bernal, Enrique Singer, Gustavo Sánchez Parra, Javier Sepulveda, Sebastian Silveti, Roberto Medina, Analy Castro
Sinopsis: En México DF se celebra una fastuosa boda de alta alcurnia mientras en las calles se viven violentas protestas con germen en la lucha de clases, derivando la tensa situación en un cruento golpe de estado. Visto a través de los ojos de una joven prometida y de los sirvientes que trabajan para su pudiente familia, ‘Nuevo orden’ sigue las huellas del derrumbe de un sistema político y del nacimiento de un desgarrador nuevo reemplazo.
Premios: 
Festival de Venecia: Gran Premio del Jurado
Festival de La Habana: Selección oficial largometrajes a concurso
Premios Forqué: Mejor película latinoamericana

De entre las peripecias de Fabrizio del Dongo me impactó especialmente su experiencia en la guerra, porque Stendhal la desnuda de todo romanticismo y arte bélico, los contendientes deambulan por el lugar de la batalla sin saber muy bien que hacen ni poder componerse una imagen de conjunto que les permita actuar en consecuencia. Esta forma de enfocar la guerra, desde la ceguera de la inmediatez, las volvemos a encontrar en el Celine del Viaje al fin de la Noche, allí con un relato aún más descarnado. Y hablo de ello porque algo similar les ocurre a los personajes de Nuevo Orden, estalla una revuelta y los personajes se ven en medio de ella sin haberla visto venir, pese a la insistencia de los noticiarios que siempre están de fondo mientras transcurre la acción principal, la percepción de caos de los personajes se nos adhiere a la piel y padecemos la incertidumbre con ellos. Esta vivencialidad, esta materialidad de la narración es lo que más se nos quedará grabado en la memoria cuando evoquemos el filme. Y su suciedad, esa suciedad que sólo los mexicanos saben imprimir a sus películas y que remarca tan bien el peso de la fatalidad. Y su proximidad a la sentencia lampedusiana sobre cómo los que ostentan el poder alientan revueltas que parecen voltear el orden del mundo mientras, en realidad, nada va se va a transformar. Se trata de apoyar a los que quieren cambiarlo todo para que no cambie nada.

Cruda, poderosa, casi física, es la última película el director y guionista Michel Franco, considerado por muchos como el “enfant terrible” del cine contemporáneo y un habitual del Festival de Cannes donde en diferentes secciones participaron sus anteriores películas: Daniel y Ana, Después de Lucía (2012), Chronic (2015) y Las hijas de abril (2017). La película fue una de las grandes triunfadoras de la pasada edición del Festival de Venecia, donde ganó el León de Plata Gran Premio del Jurado y el Premio Leoncino d’Oro (Jurado Joven). Además se presentó en la sección Perlas del Festival de San Sebastián y recientemente ha sido la ganadora del premio Forqué a la Mejor Película Latinoamericana del año.

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VAMOS DE ESTRENO * Viernes 12 de febrero de 2021 *

12 febrero 2021 Deja un comentario

LA CHICA DEL BRAZALETE (La fille au bracelet, Stéphane Demoustier, 2019)

Francia. Duración: 95 min. Guion: Stéphane Demoustier Música: Carla Pallone Fotografía: Sylvain Verdet Productora: Petit Film, France 3 Cinéma, Frakas Productions Género: Drama

Reparto: Melissa Guers, Roschdy Zem, Anaïs Demoustier, Annie Mercier, Pascal Garbarini, Chiara Mastroianni

Sinopsis: Lise, de 16 años, está acusada de haber asesinado a su mejor amiga. Durante el juicio, sus padres la defienden de manera inquebrantable. Sin embargo, a medida que su vida secreta comienza a desvelarse, la verdad se convierte en algo discutible. ¿Quién es realmente Lise? ¿Conocemos bien a las personas que amamos?

El de Melissa Guers es un debut rutilante, pues un alto porcentaje del atractivo e interés de La chica del brazalete viene dado por su capacidad de mostrar ese rostro de esfinge, impenetrable pero no inexpresivo, que refuerza el carácter de misterio que posee la cinta. Ella da vida a Lise, una joven adolescente, más misteriosa que opaca, acusada del asesinato de su mejor amiga, la película no nos dará antecedentes, ni de su amistad ni de las circunstancias del crimen, nos pone en la misma tesitura en la que se ve el jurado, el acopio de pruebas y las intervenciones de las letradas serán los únicos hilos de los que podremos tirar para hacernos un juicio sobre lo que pudo haber ocurrido. Mientras, acompañamos a sus padres (Roschdy Zem y Chiara Mastroianni) en un proceso de descubrimiento que lo que va a revelarles es que su joven hija es, en verdad, una auténtica desconocida para ellos.

Y es que La chica del brazalete no es, ni mucho menos, una película de juicios aunque prácticamente toda su acción transcurra en uno. Se trata de otro asunto. Stéphane Demoustier usa esa estructura formal para enmarcar una narración que nos habla de la tensión entre parentesco e individualidad, entre herencia e independencia, comunión e incomunicación, que está en el centro mismo de la relación padre-hijo. La chica del brazalete exacerba esta tensión natural preguntando: ¿Hasta qué punto podemos conocer a nuestros propios hijos? ¿Cuánto los entendemos realmente? ¿Hay límites para el amor que podemos sentir? ¿Es incondicional el amor de los padres? Preguntas todas ellas que tienen mucho que ver con la posibilidad de acceder al fondo de ese humano que ha sido traído a la vida sin que lo haya requerido, la posibilidad y el derecho, porque el hijo no es nuestra propia carne por mucho que haya nacido de nosotros, es un otro, y como tal su derecho a intimidad debiera ser inalienable. Un juicio por asesinato es una situación límite que, por sus características, se convierte en un medio ideal para indagar cuánto podemos llegar a saber de otro.

Es ideal porque, aunque se le este juzgando para establecer la culpabilidad o no, el acceso a lo ocurrido es indirecto. Y aquí resulta especialmente acertada la decisión del director de no narrarlo desde el punto de vista del acusado, ya que este sí conoce la auténtica verdad. Desde los bancos del público, desde los del jurado, en cambio, la verdad debe ser encontrada, descubierta y revelada. Y sin embargo, en el transcurso de su revelación, la verdad a menudo cambia. Y cambia de forma significativa. En este juicio en particular, los bloques de construcción básicos de la verdad, los hechos (¿Lisa mató a Flora?) han desaparecido. Los padres no saben lo que pasó; y al apelar al tribunal para obtener respuestas, se les dejará creer en el único tipo de verdad que un tribunal puede proporcionar: un veredicto.

La ausencia de pruebas concluyentes deja margen a la apelación a la duda razonable y esta debe ser tenida en cuenta a la hora de pronunciarse sobre la presunta culpabilidad. Un veredicto, por tanto, no es una epifanía de los hechos. Es una suposición. Lo auténticamente ocurrido se da siempre fuera de los muros de cualquier tribunal. Traducido al lenguaje fílmico, los hechos se han dado en off, en un momento fuera de cámara, por tanto, son invisibles. Como espectadores solo asistimos a una recreación formal dada en el discurso regulado de la ley. Demoustier juega la baza del suspense que rodea lo judicial, para dejarnos con las expectativas suspendidas en el aire,  como se deja colgando a los protagonistas mientras esperan su destino. La chica del brazalete no nos da certezas, no nos responde los interrogantes, solo nos hace más conscientes de que cada individuo vive en su insularidad y su fondo es inalcanzable. Incluso para unos padres.

 

LA SRA. LOWRY E HIJO (Mrs. Lowry & Son, Adrian Noble, 2020)

UK. Duración: 91 min. Guion: Martyn Hesford Música: Craig Armstrong Fotografía: Josep M. Civit Productora: Genesius Pictures, IPG Media Pty, Library Films Género: Drama
Reparto: Timothy Spall, Vanessa Redgrave, Stephen Lord, David Schaal, Wendy Morgan, John Alan Roberts, Michael Keogh, Joanne Pearce, Jon Furlong, Paul Bergquist, Amanda Higson, Jennifer Banks, Giselle Cullinane, Laurence Mills, Rose Noble
Sinopsis: L.S. Lowry fue una de las figuras artísticas más importantes del Reino Unido de mediados del siglo XX. Lowry era un pintor famoso por su visión única del noroeste industrial de Inglaterra. La película nos muestra la complicada relación que mantiene con su madre, una mujer empeñada en criticar cualquiera de los gustos de su hijo, incluido su “hobby” de pintar.
De nuevo Timothy Spall se mete en la piel de un pintor tras incorporar a Turner en la premiada cinta de 2014 que le supuso el premio de interpretación en Cannes, y de nuevo lo hace de manera modélica, aunque en este caso encarnando a un artista con una personalidad opuesta a la del protagonista del filme de Mike Leigh. En La Sra Lowry e hijo, interpreta al enmadrado pintor inglés L.S. Lowry, un hombre gris que trabaja en un empleo gris que vive en un gris barrio proletario de Pendlebury, una pequeña ciudad al norte de Manchester junto a su madre, encarnada por la siempre brillante Vanessa Redgrave, con la que mantiene una relación muy especial y en la que la creatividad del artista, que tan solo tiene forma de manifestarse al pintar por la noche, se encuentra sometida a su total desprecio, todo en una historia de amor/odio llevada al cine con un tan delicioso como amargo humor.
Historia de vidas que se acaban, de mundos que terminan, pero también de cielos plomizos, sueños no cumplidos y anhelos frustrados que L.S. Lowry reflejará en unos lienzos que terminarán transcendiéndole, pues su obra será reconocida y expuesta en The Lowry, una galería de arte especialmente diseñada para albergar sus pinturas, la Tate Gallery de Londres y en el MOMA de Nueva York.

 

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VAMOS DE ESTRENO * Viernes 22 de enero de 2021 *

FELLINI DE LOS ESPÍRITUS (Fellini degli spiriti, Anselma Dell’Olio, 2020)

Italia. Música: Antonio Fresa Fotografía: Daniele Botteselle Productora: Mad Entertainment, RAI Cinema, Walking The Dog, Direzione Generale per il Cinema Género: Documental

Sinopsis: Profundamente enamorado de la vida, Fellini vivió la suya mientras buscaba constantemente su significado. Con motivo del centenario de su nacimiento (20 de enero de 1920), este documental investiga en profundidad su pasión por lo que él definió como “misterio” -lo esotérico y el mundo invisible- en su incansable búsqueda de otras posibilidades, otras dimensiones, otros viajes; y de todo lo que alimenta el vuelo del espíritu y la mente. Estos temas, que impregnan su filmografía, fueron objeto de su investigación personal.

Fellini de los espíritus es un revelador viaje, un itinerario realizado mediante entrevistas, tanto del protagonista como de estrechos colaboradores y colegas, todo ello aderezado por fragmentos de sus obras con el objetivo de analizar el aspecto más personal y espiritual del director italiano: sus depresiones; la importancia de los sueños en su vida y obra; el psicoanálisis; el catolicismo; el sexo; el espiritismo y el tarot; la muerte y, en definitiva, todos los ingredientes, o una importante parte de ellos, que contribuyeron a convertir a  Federico Fellini en un artista y genio irrepetible.

Ameno para profanos y revelador para aficionados al director, el documental de la veterana Anselma Dell’Olio podrá verse en cines y en Sala Virtual de Cine . El film, producido en 2020, año del Centenario del nacimiento de Federico Fellini, formó parte de la Selección Oficial de Cannes Classics del Festival de Cannes 2020 y de la pasada edición de la Seminci.

 

LA MALDICIÓN DE LAKE MANOR (Il Nido, Roberto de Feo, 2019)

Italia, Duración: 107 min. Guion: Lucio Besana, Margherita Ferri (Historia: Roberto De Feo) Música: Teho Teardo Fotografía: Emanuele Pasquet Productora: Colorado Film Production, Vision Distribution, Film Commission Torino-Piemonte, Regione Piemonte Género: Terror

Reparto: Maurizio Lombardi, Justin Korovkin, Francesca Cavallin, Gabriele Falsetta, Ginevra Francesconi, Massimo Rigo

Sinopsis: Samuel es un niño parapléjico que vive junto a su madre Elena en Lake Manor (Torino, Italia), dentro de una mansión alejada de la civilización. El chico ha recibido órdenes de no abandonar nunca su casa, por lo que se siente seguro pero algo frustrado y oprimido. Su situación cambia cuando llega Denise, una ayudante adolescente que le ayuda a cambiar su punto de vista sobre la relación que le une con su madre. Sin embargo, Elena hará todo lo posible por impedir que su hijo se vaya de su lado, algo que confunde tanto a Denise como al propio Samuel, que sospecha que su madre oculta algo.

The Nest (Il nido) supuso toda una sorpresa para Serendipia cuando la vio en la edición de 2019 del Festival de Sitges. Con el amor que profesamos al fantástico italiano en esta casa, pues tanto el bueno como el malo nos gusta, fue un placer disfrutar de una de las escasas muestras de fantástico trasalpino que se rueda en la actualidad. The Nest (Il nido), todo en ella, es 100% italiano: los actores -fenomenales los dos niños-, el idioma, las localizaciones, la cultura, la fotografía, la suntuosa mansión… y todo está al servicio de una misteriosa historia que termina resultando ciertamente predecible, pero rodada con tal sensibilidad y elegancia que no defrauda, a pesar de ese final que no gustó a la parte más bella y culta de Serendipia, pero emocionó a la otra por el sincero homenaje que supone a aquella serie-B italiana de los ochenta y en especial a Lucio Fulci, algo que nos confirmó su director, Roberto De Feo, que debuta en el largo con este filme.

Y… ¿POR QUÉ NO VAMOS DE REESTRENO?:

ADÚ (Salvador Calvo, 2020)

Guión: Alejandro Hernández Fotografía: Sergi Vilanova Productora: Ikiru Films / La Terraza Films / Telecinco Cinema / ICAA / Mediaset España / Mogambo Género: Drama

Reparto: Luis Tosar, Anna Castillo, Álvaro Cervantes, Jesús Carroza, Miquel Fernández, Ana Wagener, Nora Navas, Marta Calvó, Josean Bengoetxea, Chumo Mata, Candela Cruz, Moustapha Oumarou, Rubén Miralles, Zayiddiya Dissou

Sinopsis: En un intento desesperado por alcanzar Europa y agazapados ante una pista de aterrizaje en Camerún, un niño de seis años y su hermana mayor esperan para colarse en las bodegas de un avión. No demasiado lejos, un activista medioambiental contempla la terrible imagen de un elefante, muerto y sin colmillos. No solo tiene que luchar contra la caza furtiva, sino que también tendrá que reencontrarse con los problemas de su hija recién llegada de España. Miles de kilómetros al norte, en Melilla, un grupo de guardias civiles se prepara para enfrentarse a la furibunda muchedumbre de subsaharianos que ha iniciado el asalto a la valla. Tres historias unidas por un tema central, en las que ninguno de sus protagonistas sabe que sus destinos están condenados a cruzarse y que sus vidas ya no volverán a ser las mismas.
Una bienintencionada mirada al drama de la inmigración procedente de África dividida en tres irregulares historias: La veremos desde el punto de vista del joven Adú, un niño de seis años cuyo único objetivo, tras perderlo todo, será llegar a España, donde está su padre; y desde el punto de vista de un guardia civil que sirve en la frontera de Melilla. Ambas historias se desarrollarán en paralelo y, como es previsible, convergerán. Pero hay una tercera historia sobre la relación de un padre con su hija, protagonizada por Luis Tosar y Anna Castillo, que no parece guardar demasiada relación con respecto a las dos anteriores.
Esta segunda película de Salvador Calvo tras la interesante 1898: los últimos de Filipinas (2016), es un intenso drama que busca exponer lo que los  noticiarios han convertido en monótono, dando cara y nombre a la tragedia, intentando que el espectador comprenda que detrás de cada cifra hay una historia de supervivencia. Y todo lo representa mediante los expresivos e inocentes ojos de Adú, que parecen traspasar la pantalla buscando respuestas en el espectador. Bellamente rodada, pues aprovecha el entorno natural que ofrece el continente africano, Adú cuenta con un buen grupo de actores, entre los que destacan los jóvenes Moustapha Oumarou y Zayiddiya Dissou. 

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VAMOS DE ESTRENO * Miércoles 6 de enero de 2021 *

SALVAJE (Unhinged, Derrick Borte, 2020)

USA. Duración: 91 min. Guion: Carl Ellsworth Música: David Buckley Fotografía: Brendan Galvin Productora: Solstice Studios, Burek Films (Distribuidora: Solstice Studios, Eagle Films) Género: Thriller

Reparto: Russell Crowe, Caren Pistorius, Jimmi Simpson, Gabriel Bateman, Anne Leighton, Lucy Faust, Devyn A. Tyler, Michael Papajohn, Austin P. McKenzie, Stephen Louis Grush, Sylvia Grace Crim, Vivian Fleming-Alvarez, Jenanne Alexander, Gretchen Koerner, Samantha Beaulieu, Juliene Joyner, Donna Duplantier, Tim Bell

Sinopsis: Tom (Russell Crowe), es un hombre cuya vida ha dejado de tener sentido. En pleno colapso mental se cruza en la carretera con Rachel (Caren Pistorius), una joven que llega tarde a trabajar y que, nerviosa, recrimina a Tom con el claxon que no mueva su coche en un semáforo. A partir de entonces dará comienzo un peligroso juego del gato y el ratón en el que el torbellino de esta “ira en la carretera” traspasará cualquier límite que Rachel jamás haya imaginado.

Una situación cotidiana despertará a la bestia que todos tenemos dentro causada por diversos motivos que pueden ser el stress acumulado, unas vidas que no son lo que esperábamos de ellas, o divorcios y pérdidas. Motivos de tensión que explotarán despertando la furia del protagonista hasta límites insospechados. Y es que ¿puede ser algo más terrorífico que ser perseguido por Russell Crowe enloquecido? Pues si, serlo por un Russell Crowe que abulta por dos y que, al parecer, ya no tiene nada que perder y que por eso mismo va a hacer pasar a Rachel un día realmente malo.

Más terrorífico que cualquier psicho killer enmascarado, el personaje que encarna Crowe hace honor al título en este filme adrenalítico, cargado de violencia y que mantiene constantemente su tenso ritmo, consiguiendo provocar más de un sobresalto en el espectador.

Salvaje, que ha sido número 1 en cines en EE. UU, Reino Unido, Alemania y Australia, entre otros muchos territorios, ha sabido coger con seguridad el testigo cargado de adrenalina y pánico de otras películas con psicópatas al volante como El diablo sobre ruedasNunca juegues con extraños o Death Proof.

MANUAL DE LA BUENA ESPOSA (La bonne épouse, Martin Provost, 2020)

Francia/Bélgica. Duración:109 min. Guion: Martin Provost,Séverine Werba Música: Grégoire Hetzel Fotografía: Guillaume Schiffman Productora: Les Films du Kiosque, France 3 Cinéma, Orange Studio, Umedia Género: Drama

Reparto: Juliette Binoche, Yolande Moreau, Noémie Lvovsky, Édouard Baer, François Berléand, Marie Zabukovec, Anamaria Vartolomei, Lily Taieb, Pauline Briand, Armelle, Marine Berlanger, Clémence Blondeau, Marie Cornillon, Lauren Deguitre, Clémentine Delange, Juliet Doucet, Suzanne-Marie Gabriell, Marie-Anne Guilbert, Sasha Herschritt, Margaux Houssiaux, Blandine Laignel, Andréa Mands, Salomé Soares, Julien Sibre, Stéphane Bissot, Dominique Pozzetto, Stéphane Hausauer, François Hauteserre, Cécile Ribault-Caillol

Sinopsis: Cuidar del hogar y plegarse a los deberes conyugales sin rechistar: es lo que enseña con fervor Paulette Van Der Breck en su escuela para muchachas. Sus certezas se tambalearán en el momento en que se encuentre viuda y arruinada. ¿Es el regreso de su primer amor o el viento de libertad del Mayo del 68? ¿Y si la buena esposa se convirtiese en una mujer libre?

Personalmente me ha sorprendido averiguar que la formación de la mujer en las tareas del hogar no era patrimonio exclusivo de la Sección Femenina de la Falange española, muy al contrario Manual de la buena esposa narra como en Francia también había cursos, que se prolongaban durante dos años, en los cuales las jóvenes eran educadas para ofrecer un buen servicio a su marido y ser una impecable esposa. Estos cursos estaban reservados, como deja caer una de las protagonistas de la cinta, a las clases más humildes, cuyas hijas no tenían acceso a estudios superiores. En todo caso esta historia, que se desarrolla a finales de los años sesenta y culmina en aquel tan revolucionario como inútil mayo del 68, forma parte de la corriente feminista que desde las artes busca concienciar a la sociedad, algo, por supuesto, muy loable, pero que consigue hacer descuidar algunos detalles en la narración del filme. Por una parte el arco de transformación de los personajes sucede de una manera tan veloz como inverosímil y, bueno, ese final pues… termina de redondear el despropósito. En todo caso todo esto entra en la opinión personal, pues por lo demás se trata de una divertida película que sirve para denunciar una situación que se dio en un pasado no muy lejano y que cuenta con un grupo de valiosas actrices que contribuyen al agradable resultado de esta cinta.

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VAMOS DE ESTRENO * Miércoles 30 de diciembre de 2020 *

30 diciembre 2020 Deja un comentario

LA ÚLTIMA GRAN ESTAFA (The Comeback Trail, George Gallo, 2020)

USA. Duración: 104 min. Guion: George Gallo, Josh Posner Música: Aldo Shllaku Fotografía: Lucas Bielan Productora: Storyboard Media, March On Productions, Sprockefeller Pictures Distribuidora: Eagle Films Género: Comedia

Reparto: Robert De Niro, Morgan Freeman, Tommy Lee Jones, Vincent Spano, Natalie Burn, Emile Hirsch, Zach Braff, Patrick Muldoon, Eddie Griffin, Joel Michaely, Nick Vallelonga, Blerim Destani, Michelle Maylene, Julie Lott, Melissa Greenspan, Jermaine Washington, Ray Bouderau, Leonard Waldner, Bill Luckett

Sinopsis: Max Barber (Robert de Niro) es un productor de cine de Hollywood de serie B. Tras el fracaso de su última película, necesita encontrar un nuevo proyecto que le permita saldar su deuda con un jefe de la mafia local (Morgan Freeman). Decide emprender la producción de una película con escenas de acción de alto riesgo, con el fin de provocar la muerte de su actor protagonista y poder cobrar así el altísimo seguro, solucionando definitivamente sus problemas económicos. El actor elegido es Duke Montana (Tommy Lee Jones), una vieja estrella deprimida con problemas con la bebida: el blanco perfecto para los planes de Max. Sin embargo, los días de rodaje van transcurriendo y Max no consigue su propósito, sometiendo a Duke a retos cada vez más peligrosos. Paradójicamente, mientras Duke va sobreviviendo escena tras escena, Max, inconscientemente, está rodando la mejor película de su carrera.

La última gran estafa esta basada en un filme de 1982 de idéntico título dirigido por Harry Hurwitz que nunca llegó a estrenarse. La película recuperaba al antiguo actor de seriales Larry Buster Crabbe, primera encarnación de los héroes galácticos Flash Gordon y Buck Rogers, y George Gallo, director de esta nueva versión, fue una de las pocas personas que pudo verla. Con el paso del tiempo quiso hacer un remake, pero diferentes personas afirmaban poseer los derechos del filme, por lo que Gallo continuó haciendo otras películas. Después del éxito de Dos tipos geniales (1986) o Huida a medianoche (1988) y obsesionado con la vieja película de 1982, consiguió hacerse con los derechos y rodar su versión, que toma como protagonista de la función a una vieja gloria del western interpretada por el siempre eficaz Tommy Lee Jones, que estará acompañado por un divertido director de películas de serie Z encarnado por Robert de Niro que debe una fuerte suma de dinero a un mafioso de pacotilla que interpreta, maravillosamente, Morgan Freeman. El resultado es una agradable comedia de cine dentro del cine que transporta al espectador a otra época, ya totalmente cerrada, cuando el cine era un entretenimiento de masas.

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VAMOS DE ESTRENO * Miércoles 23 de diciembre de 2020 *

23 diciembre 2020 Deja un comentario

EL PADRE (The Father, Florian Zeller, 2020)

UK/Francia. Duración: 97 min. Guion: Florian Zeller, Christopher Hampton Fotografía: Ben Smithard Productora: Trademark Films, Embankment Films, Film4 Productions, F Comme Film, AG Studios NYC (Distribuidora: Lionsgate ) Género: Drama 

Reparto: Anthony Hopkins, Olivia Colman, Imogen Poots, Rufus Sewell, Olivia Williams, Mark Gatiss, Evie Wray, Ayesha Dharker

Sinopsis: Anthony (Anthony Hopkins), un hombre de 80 años mordaz, algo travieso y que tercamente ha decidido vivir solo, rechaza todos y cada uno de los cuidadores que su hija Anne (Olivia Colman) intenta contratar para que le ayuden en casa. Anne está desesperada porque ya no puede visitarle a diario y siente que la mente de su padre empieza a fallar y se desconecta cada vez más de la realidad. Dado el ir y venir de sus recuerdos ¿cuánto de su propia identidad podrá recordar con el paso del tiempo? Anne sufre la paulatina pérdida de su padre a medida su mente se deteriora, pero ¿no tiene ella derecho a vivir también su propia vida?

El padre, película del director, escritor y dramaturgo Florian Zeller, llega a nuestras pantallas tras su paso por el Festival de San Sebastián, donde ganó el Premio del Público, sensible ante la autenticidad de la historia, el enfoque dado por el director, original y contundente y la interpretación prodigiosa de sus protagonistas, una conjunción que ha conseguido el más verista acercamiento al deterioro de la mente que puede verse en la pantalla. Algo que Anthony Hopkins ha sabido reflejar demostrando, una vez más, su categoría como actor. Cambios de humor, rarezas, olvidos y pérdidas de objetos, sospecha de conspiraciones a su alrededor… un deterioro progresivo de la mente del que el espectador formará parte activa sintiendo la confusión del protagonista, que se sabe sumido en la debacle de su mundo. Pero también se hace partícipe al espectador del dolor de la hija, interpretada por una también maravillosa Olivia Colman, que sabe reflejar en la mirada su profundo sufrimiento.

Florian Zeller, autor de la obra en la que se basa el filme, debuta poderosamente en la dirección cinematográfica con esta cinta, que ha proporcionado, en su versión teatral, grandes reconocimientos. El debut de la obra de teatro en 2012 en París, le supuso el Premio Molière a la Mejor Obra de Teatro. Christopher Hampton hizo la traducción al inglés y se estrenó en el West End de Londres en 2015, ganando el Premio Olivier al Mejor Actor  para Kenneth Cranham. Frank Langella hizo de protagonista cuando la obra se presentó en Broadway y ganó el Premio Tony. En nuestro país fueron Hector Alterio y Ana Labordeta los encargados de interpretar a los protagonistas de la obra de teatro en 2016.

El padre participó, además de en San Sebastián, en los festivales de Sundance y Toronto, donde tuvo un gran recibimiento y la crítica elogió las grandes interpretaciones de sus protagonistas, ensalzando asimismo la labor de su director. 

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VAMOS DE ESTRENO * Viernes 18 de diciembre de 2020 *

19 diciembre 2020 Deja un comentario

BABY (Juanma Bajo Ulloa, 2020)

Duración: 106 min. Guion: Juanma Bajo Ulloa Música: Bingen Mendizábal, Koldo Uriarte Fotografía: Josep M. Civit Productora: Frágil Zinema, La Charito Films (Distribuidora: Televisión Española (TVE)) Género: Thriller.
Reparto: Natalia Tena, Harriet Sansom Harris, Rosie Day, Charo López, Mafalda Carbonell, Susana Soleto, Amalia Ortells
Sinopsis: Una joven drogadicta embarazada da a luz en medio de una de sus crisis. Incapaz de ocuparse del bebé, lo vende a una matrona dedicada al tráfico de niños. Arrepentida, la joven tratará de recuperarlo.
Premios
Festival de Sitges: Mejor banda sonora original (Mendizábal & Uriarte)
Premios Feroz: Nominada a mejor música

Aunque el Juanma Bajo Ulloa más interesante ya volvió, tras el exitazo popular de Airbag (1997), con la casi invisible y reivindicable Frágil en 2004, es con Baby con la que vuelve a arriesgar en una obra que no está abierta a todos los gustos, pues pensamos que levantará tanto opiniones tibias, cuando no negativas, como, en menor medida, entusiastas. Serendipia es de los segundos. Ya desde que viéramos el inquietante trailer del filme, nos despertó la curiosidad lo que Bajo Ulloa estaba preparando y, afortunadamente, no solo no nos ha defraudado sino que, muy al contrario, ha estado muy por encima de las expectativas esperadas. Ya desde su inicio mezcla droga, religión y un parto en soledad. Un comienzo de impacto que deja en el espectador un poso de tristeza que no le abandonará durante todo el metraje, mezclando lo bello y lo horrible y pasando de la realidad más descarnada a la fantasía más desbordante transportándonos a la casa de la bruja, a la guarida del ogro, en el que la protagonista jugará al escondite buscando subsanar el que podría ser el error de su vida. Se denota en cada plano un cuidado trabajo de orfebrería desprovisto de pedantería y sí cargado de belleza. Como la de ese icónico chupete de plata y nácar que esconde en su interior un tesoro, una perla. Serendipia sabe que está disfrutando de la mejor película que le ha ofrecido este aciago año. Una cinta que formará parte de su filmoteca particular, cual tesoro, para ser disfrutada una y otra vez. Y es que Juanma Bajo Ulloa ha sido muy valiente escribiendo y dirigiendo una película que posiblemente no sea comprendida, pero Baby, que carece de diálogos y está totalmente protagonizada por mujeres, es el cuento perverso y repleto de magia que muchos estábamos esperando del realizado vasco.

Al igual que ocurre con la vida, la trama de BABY contiene simbolismos y metáforas, tal vez invisibles en ocasiones para el intelecto, pero perceptibles para el corazón o el espíritu. Alegorías que suscitan en el espectador sentimientos no racionales y estimulan una interpretación más profunda. No se emiten juicios ni valoraciones éticas, no hay moralina o paternalismo, los personajes actúan movidos por sus instintos, y es al ancestral instinto al que va dirigido este cuento de vida, lucha y muerte.

Juanma Bajo Ulloa

 

VAMOS DE ESTRENO * Viernes 4 de diciembre de 2020 *

4 diciembre 2020 Deja un comentario

MADAME CURIE (Radioactive, Marjane Satrapi, 2019)

UK-Hungría-China; Duración: 109 min. Guion: Jack Thorne (Biografía: Marie Curie) Música: Evgueni Galperine, Sacha Galperine Fotografía: Anthony Dod Mantle Productora: Working Title Films, Studio Canal, Shoebox Films, Pioneer Stilking Films. Distribuida por: Amazon Studios Género: Drama

Reparto: Rosamund Pike, Sam Riley, Anya Taylor-Joy, Aneurin Barnard, Simon Russell Beale, Jonathan Aris, Indica Watson, Mirjam Novak, Tim Woodward, Cara Bossom, Richard Pepple, Michael Gould, Mark Phelan, Corey Johnson

Sinopsis: Pionera. Rebelde. Genio. Radioactive es la historia real e increíble de Marie Sklodowska-Curie y su trabajo ganador del Premio Nobel que cambió el mundo para siempre. A medida que descubre elementos radiactivos previamente desconocidos, pronto se vuelve terriblemente evidente que su investigación podría conducir a aplicaciones en medicina que permitirían salvar miles de vidas, pero también a usos en la guerra que podrían destruir miles de millones de ellas.

Nuevo biopic centrado, no tan solo en la figura de la más importante científica que ha dado la humanidad, sino también en los efectos de los descubrimientos que investigó junto a su marido y compañero Pierre Curie. La cinta recrea las dificultades por las que tuvo que pasar la temperamental científica para desarrollar su trabajo bajo su condición de extranjera y mujer, así como la relación con su marido Pierre y, tras el fallecimiento de este, el escándalo que protagonizó por su relación con un compañero casado. También profundiza en otras facetas menos conocidas de su biografía, como su participación en la I Guerra Mundial junto a su hija primogénita, también científica y heredera de su carácter. Magníficamente ambientada es, como indicamos, más que un simple biopic, pues muestra los beneficios del radio al servicio de la medicina, pero también su poder destructor. Quizás son muchos años y datos vertidos en una sola película, por lo que resulta ligeramente apabullante, intensa, sobre todo en la parte final, en la que apoyada por su hija mayor (una estupenda Anya Taylor-Joy) inicia la que considerará su última batalla llevando, precisamente, al campo de batalla, rayos X en el interior de ambulancias, con las que poder diagnosticar y evitar muchas amputaciones inútiles de miembros.

Rosamund Pike construye una Marie Curie poderoso, soberbia y egocéntrica, volcada en su trabajo y de carácter práctico, frente al romántico y plácido Pierre Curie encarnado por Sam Riley.

Encargada de clausurar el Festival de Toronto y participante en el pasado BCN Film Fest, donde se alzó con el Premio a la Mejor Actriz para Rosamund Pike, Madame Curie adapta la novela gráfica de Lauren Redniss Radioactive. Marie And Pierre Curie. A Tale Of Love And Fallout y está dirigida por Marjane Satrapi, creadora de la novela gráfica original y del filme Persépolis

 

BEGINNING (Dasatskisi, Dea Kulumbegashvili, 2020)

Georgia/Francia. Duración: 130 min. Guion: Dea Kulumbegashvili, Rati Oneli Música: Nicolas Jaar Fotografía: Arsheni Khachaturan Productora: First Picture, Office of Film Architecture / OFA Género: Drama

Reparto: Ia Sukhitashvili, Kakha Kintsurashvili, Rati Oneli
Premios: Festival de Toronto: Premio FIPRESCI
       Festival de San Sebastián: Mejor película, dirección, guion y actriz

Sinopsis: En un tranquilo pueblo de provincias, una comunidad de Testigos de Jehová es atacada por un grupo extremista. En pleno conflicto, el mundo de Yana, la esposa del líder de la comunidad, se desmorona lentamente. La insatisfacción interior de Yana crece mientras lucha por encontrar sentido a sus deseos.

En Beginning presenciamos la crisis y el desmoronamiento de una mujer narrado mediante prolongados planos fijos, algunos generales, que harán que el espectador sea un simple testigo, a veces, desde la lejanía, de los acontemientos que suceden en la pantalla. También Beginning, Concha de Oro a la mejor película, actriz, guion y dirección en la última edición del Festivial de San Sebastián supone todo un tour de force con la paciencia del espectador no avisado, pero también para el que lo esté, pues su directora, Dea Kulumbegashvili, arriesga con algunos planos que nos retrotraen a los tiempos experimentales del cinema underground, además de mostrar un final, cuanto menos, extraño. 

El crimen de Yana y su trágica desaparición están vagamente inspirados en una historia real. Una madre que hizo lo impensable. Ella nunca explicó sus razones; no justificó sus acciones, como si su crimen atroz estuviera destinado a suceder. En la opera prima de Sukhitashvili, con encuadres de una gran calidad plástica y compositiva, se da cuenta del extrañamiento de la protagonista dentro de su propio entorno, como si fuera una figura perdida en el interior de un cuadro de Edward Hopper. En sus incomodantes planos fijos se desarrolla la transformación interna del personaje, a veces desde la ausencia de figura como si se quisiera explicar el vacío interior que siente Yana desde el vacío del espacio. La directora no insiste en el crimen, al contrario, la acompaña en sus rutinas cotidianas previas al mismo, en un intento de lograr la racionalización y la compasión hacia esa mujer que se encuentra sometida a un papel subordinado dentro de su propio hogar y que pugna por entender sus propios deseos. ¿A qué renunció cuando decidió comprometerse en matrimonio con el líder de un grupo religioso? Encontramos a Yana enfrentando una crisis tanto matrimonial como existencial. Su historia es la de una mujer cuya identidad propia nunca se realizó. Ella cree que tiene todo lo necesario para ser una mujer realizada, una familia, un esposo amoroso y un hijo. Pero, ¿la capacidad natural
de Yana para ser madre es realmente suficiente para mantener su compromiso con el papel que se le asignó? Yana no sabe cómo emanciparse. Yana se siente culpable por sus deseos: se castiga a sí misma por querer algo que teme nombrar. Convierte su relación con el supuesto detective Alex en su castigo.

El sentimiento de absoluta desgracia le permite a Yana sentirse viva, cuando, paradójicamente, se está entregando a su propia autodestrucción. La suya es una historia de desgarro dentro de un mundo de relaciones claustrofóbicas, un encierro asfixiante que se nos quiere comunicar desde la elección del formato cuadrado, un formato que nos impide respirar y nos condena a observar sin desapego, como si estuviéramos instalados en la piel de Yana. Así, el estado de psicosis de Yana se convierte en una condición colectiva que experimentamos de forma aguda.

Beginning no es una película fácil, ni lo pretende. Su ingesta supone un  arduo ejercicio que pone a prueba nuestra cinefilia. Es cuando termina el suplicio de  mirarla que podemos digerirla y valorarla. Tan plástica como excesiva, transita y se instala en ese punto donde el realismo se emparenta con lo onírico. Extraña película para tiempos extraños.

 

VOLVER A EMPEZAR (Herself, Phyllida Lloyd, 2020)

Irlanda/Reino Unido. Duración: 97 min. Guion: Malcolm Campbell, Clare Dunne Música: Natalie Holt Fotografía: Tom Comerford Productora: Element Pictures Género: Drama

Reparto: Clare Dunne, Harriet Walter, Conleth Hill, Cathy Belton, Ericka Roe, Rebecca O’Mara, Sean Duggan, Charlene Gleeson, Chelsea Gill, Lucy Parker Byrne, Ally Ni Chiarain, Eimear Morrissey, Liz Fitzgibbon, Molly McCann, Ruby Rose O’Hara, Dmitry Vinokurov, Aaron Lockhart, Anita Petry

Sinopsis: Sandra (Clare Dunne) es una joven madre soltera que un día decide abandonar a su abusivo ex marido y luchar contra el corrupto sistema inmobiliario. Su idea consiste en construir su propia casa, un hogar cálido, seguro y feliz donde crezcan sus dos hijas pequeñas. Para ello contará con una serie de amigos dispuestos a apoyarla y ayudarla. En el proceso, además, no sólo reconstruye su vida, sino que también se descubre a ella misma.

Cine social irlandés que narra los avatares de una madre para salir a flote tras decidir dejar definitivamente a su tóxico marido. Y ya que los servicios sociales no tienen mucho más que ofrecerles a ella y sus hijas que buena voluntad, decide construirse con sus propias manos una casa.  Mientras, otros frentes y heridas permanecen abiertos. Trabajos eventuales mal pagados, dos hijas en pleno crecimiento y un ex-marido que no entiende nada y que quiere que todo vuelva a ser como antes, con la propia maltratada cargando un tan absurdo como doloroso sentimiento de culpa y de pérdida. Lo dicho, muchos frentes en una guerra que la decidida mujer defenderá con todas sus energías. Y todo lo consigue hacer creíble la actuación de su protagonista, una gran Clare Dunne, presente en prácticamente todos y cada uno de los planos de la cinta, secundada por un buen plantel de actores. Si hay que ponerle un pero, es que hay un momento-milagro que, desgraciadamente, demuestra la imposibilidad de que la vida imite al arte, pero es una pequeña trampa que podemos permitir en esta deliciosa y por lo demás realista película que cuenta cosas que conviene tener muy presentes y reiterar una y otra vez. Y es que el maltrato machista es una lacra que se produce en todos los estamentos y capas sociales, pero que es en las más humildes donde se ceba con mayor virulencia. Y que también, la única manera de permanecer a flote en los momentos de crisis, que han sido todos durante los últimos 20 años, es contando con la solidaridad de los nuestros. O al menos, no perdiendo la esperanza de que así sea.

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VAMOS DE ESTRENO * Viernes 27 de diciembre de 2020 *

27 noviembre 2020 Deja un comentario

AMIGO (Óscar Martin, 2019)

España Duración: 85 min. Guion: Javier Botet, Óscar Martín, David Pareja Música: Manu Conde Fotografía: Alberto Morago Productora: El Ojo Mecanico Género: Comedia negra.

Reparto: Javier Botet, David Pareja, Esther Gimeno, Zoe Berriatua, Alfonso Mendiguchia, Luichi Macías, Ana del Arco, Patricia Estremera

Sinopsis: Después de un grave accidente, David decide llevarse a su mejor amigo Javi y cuidarlo. Sin embargo, no pasa mucho tiempo antes de que salgan a la superficie las peleas entre los dos, dejando al descubierto una relación envenenada y homicida, más cercana a la locura que a la amistad que parecen tener.

Cuando investigamos la carrera de Javier Botet para la entrevista que le realizamos, pudimos comprobar el buen número de pequeños sketches cómicos que  había realizado con su antiguo compañero de piso, el también actor David Pareja. En ellos podía verse la compenetración que había entre ambos, una sintonía que puede comprobarse en Amigo, ópera prima de Óscar Martín y el largometraje que los reúne. Con guion de los dos actores y el director, Amigo  supone un tour de force interpretativo para ambos actores y se muestra como un excelente debut para su director que demuestra la pericia y buen hacer de los mejores cineastas. Ambientada en algún momento de los años ochenta, la cinta retrata un horror que, no por cotidiano, lo es menos, y lo hace, como no podría ser de otra manera, cargado de un humor negrísimo que impregna la narración.

Rodada en una casa aislada en un paraje rural, ante la amenaza de un temporal que va arreciando conforme avanzan los días y va incomunicando a los personajes, Amigo desprende sordidez por todos sus poros. Es incómoda y opresiva, con un argumento que va desentrañándose conforme avanza la acción y descubriendo paulativamente los motivos que mueven a los dos ‘amigos’ (que se van convirtiendo en enemigos íntimos conforme avanza la trama) a obrar como lo hacen. Javier Botet consigue trasmitir angustia y patetismo en su actuación. Una interpretación merecedora de ‘ese’ reconocimiento que otorga el cine español a las mejores actuaciones del año. Pasará fugazmente por los cines y no deberían perdérsela.

VAMOS DE ESTRENO * Viernes 30 de octubre de 2020 *

3 noviembre 2020 Deja un comentario

SENTIMENTAL (Cesc Gay, 2020)

España. Duración: 82 min. Guion: Cesc Gay (Obra: Cesc Gay) Fotografía: Andreu Rebés Productora: Imposible Films, Movistar+, TV3, ICEC, Sentimentalfilm, Televisión Española (TVE) Género: Comedia

Reparto: Javier Cámara, Belén Cuesta, Alberto San Juan, Griselda Siciliani

Sinopsis: Julio (Javier Cámara) y Ana (Griselda Siciliani) hace más de quince años que están juntos. Forman una pareja que ya no se mira ni se toca, y que ha hecho del combate diario la esencia de su relación. Esa noche Ana ha invitado a casa a sus vecinos del piso de arriba, Salva (Alberto San Juan) y Laura (Belén Cuesta), una pareja más joven que ellos, amable y simpática, pero cuyos “ruidos” se han convertido en una molestia para Julio y Ana…¿o quizás en un estímulo? Los vecinos de arriba les harán una inusual y sorprendente propuesta que convertirá la velada en una experiencia excesiva y catártica para los cuatro.

De nuevo Cesc Gay nos ofrece una comedia agridulce, pues si bien Sentimental contiene muchos momentos y situaciones divertidas, tiene también un trasfondo amargo que hará pensar al espectador. Rodada casi exclusivamente en un único escenario y protagonizada por tan solo cuatro actores, la historia, que adapta la exitosa obra de teatro Los vecinos de arriba, con la que en 2015 debutaba Cesc Gay en esta disciplina, nos acerca a la vida de la pareja formada por Julio y Ana,  que durante una accidentada cena con los dinámicos vecinos de arriba, descubrirán cuan alejados se encuentran el uno del otro.

Tras el éxito de Truman, premiada con 5 Goyas, Cesc Gay vuelve a repetir con Javier Cámara, con el que trabaja por cuarta vez (Truman, Una pistola en cada mano, Ficción), y Alberto San Juan, al que ya había dirigido en Una pistola en cada mano (2012) en esta comedia. Los personajes femeninos están interpretados por Belén Cuesta, que trabaja por primera vez con el director catalán, y Griselda Siciliani, rostro habitual de la televisión argentina, que debuta en una producción española demostrando ser muy eficaz y con una gran vis cómica.

Una agradable cinta que, a pesar de que en algunos momentos delata su origen teatral, resulta divertida e ingeniosa.

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VAMOS DE ESTRENO * Viernes 16 de octubre de 2020 *

16 octubre 2020 Deja un comentario

CORPUS CHRISTI (Boże Ciało, Jan Komasa, 2019

Polonia/Francia. Duración: 116 min. Guion: Mateusz Pacewicz Música: Evgueni Galperine, Sacha Galperine Fotografía: Piotr Sobocinski Jr. Productora: Aurum Film, Canal+ Polska Género: Drama
Reparto: Bartosz Bielenia, Eliza Rycembel, Aleksandra Konieczna, Tomasz Zietek, Leszek Lichota, Lukasz Simlat, Barbara Kurzaj, Zdzislaw Wardejn
Sinopsis: Narra la historia de Daniel, de 20 años de edad, quien experimenta una transformación espiritual mientras vive en un Centro de Detención Juvenil. Quiere ser sacerdote, pero esto es imposible debido a sus antecedentes penales. Cuando es enviado a trabajar a un taller de carpintería en una pequeña localidad, a su llegada se hace pasar por sacerdote y se hace cargo accidentalmente de la parroquia local. La llegada del joven y carismático predicador es una oportunidad para que la comunidad local comience el proceso de sanación tras una tragedia ocurrida en esa pequeña población.
Premios: 
BCN Film Fest 2020: Premio de la crítica a la mejor película
Premios Oscar: Nominada a Mejor película internacional 2019
Chicago Film Festival 2019: Mejor actor (Bartosz Bielenia)
Corpus Christi es una película sobre la fe. Pero también un alegato sobre el lugar que la sociedad parece tener reservado para cada individuo. Del que le ha tocado por ambiente y posición social y del que es difícil escapar. No nos encontramos ante una apología al catolicismo, sino que más bien es un film social, en el que está presente el perdón y la redención, por supuesto, pero también en referencia a la justicia cuestionando la cárcel, y su antesala el reformatorio, como lugar de reinserción del individuo en la sociedad. Una interesante cinta polaca con momentos de humor y pasión y una actuación remarcable de su protagonista, que lo ha hecho merecedor del premio al mejor actor en el Chicago Film Festival.
La historia está basada en un hecho real, sucedido en Polonia, alque el guionista ha añadido un contexto social relacionado, como ya hemos comentado, con el justicia y la condena como estigma para el joven protagonista, que ya con esa pena a sus espaldas, pasa a formar parte de un grupo muy concreto de ciudadano de segunda clase, de detrito de la sociedad destinado a repetir su error una y otra vez. Lo explica su director, Jan Komasa, “Hubo un caso, que generó algunos titulares en Polonia, de un adolescente que se hizo pasar por un sacerdote durante unos tres meses. Se llamaba Patryk y tenía 19 años en ese momento. Mateusz Pacewicz, el autor del guión, escribió un artículo al respecto y así es como surgió toda esta película. Cambiamos su nombre a Daniel, pero los personajes son similares y también lo es la forma en que lo llevó a este pequeño pueblo. Este niño realizó bodas, bautizos y ceremonias funerarias. Estaba fascinado por todo esto y realmente quería ser sacerdote. Así que basamos la película en su historia, pero Mateusz agregó la parte sobre el centro de detención juvenil y el accidente que sacudió a toda la ciudad. Toda la controversia surgió del hecho de que en realidad resultó ser mucho más eficiente que su predecesor. Esa es la cuestión: era alguien fuera de la Iglesia, a quien no le importaba mucho el dogma oficial, ¡y la gente estaba feliz con su trabajo! Más tarde, algunos de ellos se sintieron traicionados, pero logró atraer a muchos nuevos creyentes. De todos modos, casos similares salen a la luz cada año, y no solo en Polonia: ¡en España, un hombre se hizo pasar por un sacerdote por más de una docena de años! Las razones por las que lo hacen pueden ser muy diferentes. Muy a menudo solo intentan esconderse del sistema de justicia y es mucho más fácil engañar a una comunidad pequeña que no hace demasiadas preguntas”.

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VAMOS DE ESTRENO * Viernes 2 de octubre de 2020 *

AKELARRE (Pablo Agüero, 2020)

España/Argentina/Francia. Duración: 90 min. Guion: Pablo Agüero, Katell Guillou Música: Maite Arrotajauregi, Aránzazu Calleja Fotografía: Javier Agirre Erauso Productora: Sorgin Films, Tita Productions, Kowalski Films, Lamia Producciones, La Fidèle Production Género: Drama

Reparto: Amaia Aberasturi, Àlex Brendemühl, Daniel Fanego, Daniel Chamorro, Iñigo de la Iglesia, Yune Nogueiras, Asier Oruesagasti, Elena Uriz, Garazi Urkola, Jone Laspiur, Irati Saez de Urabain, Lorea Ibarra

Sinopsis: País Vasco, 1609. Los hombres de la región se han ido a la mar. Ana participa en una  fiesta en el bosque con otras chicas de la aldea. El juez Rostegui, encomendado por el Rey para purificar la región, las arresta y acusa de brujería. Decide hacer lo necesario para que confiesen lo que saben sobre el akelarre, ceremonia mágica durante la cual supuestamente el Diablo inicia a sus servidoras y se aparea con ellas.

Akelarre se inspira libremente en las memorias que el juez Pierre de Lancre escribió tras recorrer en 1609 el País Vasco interrogando a centenares de personas y condenando a decenas de mujeres a la hoguera por supuestos actos de brujería. Pablo Agüero parte de este libro para construir una historia contada en esta ocasión a través de la mirada de esas mujeres, y que supone una aproximación diferente al relato de la caza de brujas. Además, la historia contiene tintes políticos y racistas (ese desprecio al ‘dialecto vasco’) y el previsible, pero por otra parte necesario, empoderamiento femenino. Necesario porque es posible que muchas de las desdichadas mujeres condenadas a la hoguera lo fueran, precisamente, por su condición de mujer, todo ello motivado por ese temor a lo desconocido de los jueces inquisidores, brazos ejecutores de la iglesia católica, estamento que siempre se ha guardado del misterio de la feminidad, y su superioridad con respecto al hombre por su capacidad de procrear, facultad que comparte con el dios iracundo que mueve a esos mismos inquisidores y cuyo miedo íntimo es que las ‘brujas’ cambien el orden del universo. Orden que comprende el poder jerárquico del varón por encima de todo. No en vano, y como dice uno de los personajes, “el hombre teme a las mujeres que no les temen“.

Con Amaia Aberasturi como protagonista principal y Àlex Brendemühl en el papel del juez inquisidor, la película se desarrolla fundamentalmente en interiores, introduciendo al público en la celda junto a las seis jóvenes prisioneras. Agüero no cae en el error de distraer la atención del espectador recreándose en el martirio de las chicas, prefiriendo sugerir, todo lo cual le ofrece un mejor resultado, en especial en su desenlace, a pesar de un guiño un tanto fuera de lugar a El exorcista (William Friedkin, 1973) y a su joven protagonista. 

Akelarre celebró su premiere mundial en el Festival de San Sebastián, donde fue la única producción española de ficción que compitió en la sección oficial por la Concha de Oro.

RIFKIN’S FESTIVAL (Woody Allen, 2020)

España/Italia/USA. Duración: 92 min. Guion: Woody Allen Música: Stephane Wrembel Fotografía: Vittorio Storaro Productora: Gravier Productions, Mediapro, Wildside Género: Comedia

Reparto: Elena Anaya, Louis Garrel, Gina Gershon, Sergi López, Wallace Shawn, Christoph Waltz, Steve Guttenberg, Damian Chapa, Georgina Amorós, Douglas McGrath, Bobby Slayton, Yan Tual, Andrea Trepat, Ben Temple, Luz Cipriota, Karina Kolokolchykova, Elena Sanz, Manu Fullola, Ken Appledorn, Rick Zingale, Godeliv Van den Brandt, Natalia Dicenta, Stephanie Figueira, Nick Devlin, Yuri D. Brown, John Sehil

Sinopsis: El filme narra la historia de un matrimonio estadounidense que acude al Zinemaldia de San Sebastián. La pareja queda prendada del festival, así como de la belleza y encanto de España y la fantasía del mundo del cine. Ella tiene un affaire con un brillante director de cine francés y él se enamora de una residente en la ciudad.

De nuevo Woody Allen se vale de un sosia para, en boca de él, hablar de sus temas y obsesiones particulares. En esta ocasión su personaje y protagonista Mort Rifkin (interpretado por Wallace Shawn), será un profesor de cine que acompañará a su esposa, responsable del departamento de prensa de un joven e influyente director de cine, al festival de San Sebastián. Lo que sucede durante esa estancia será el Festival de Rifkin.

Una agradable película, ingeniosa y de fácil digestión realizada con la única pretensión de hacer pasar un buen rato al espectador y, también, hacerle reflexionar sobre la vida, la muerte, el sexo, el amor y la pareja, además de las dudas existenciales y la hipocondría habitual del director, temas todos ellos que tendrán cabida en esta cinta con sus dosis de humor. También, el que el personaje protagonista sea profesor de cine dará pie a que Allen reflexione sobre el cine clásico y visualice sus problemas de pareja mediante homenajes a Fellini, Orson  Welles, Truffaut, Goddard, Buñuel y, por supuesto, Bergman, entre otros.

La película cuenta con Gina Gershon (la mala de Showgirls) como esposa del protagonista y Elena Anaya como tercera en discordia. También participan Christopher Waltz (interpretando a la muerte vía Bergman) y Sergi López en un papel poco más que anecdótico. 

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