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Posts Tagged ‘48ª edición del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya’

Abierto el período de inscripciones de films a Sitges 2016

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El período de inscripciones de largometrajes y cortometrajes para la 49ª edición del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya ya se ha abierto. Las productoras, distribuidoras y directores/as pueden presentar sus películas, que serán valoradas por el Comité de Selección del Festival.

La plataforma Festhome es el único sistema aceptado para subir la pieza inscrita. La organización ya no aceptará DVD ni otros formatos, así como ningún otro sistema que no sea el de Festhome. El Festival contactará únicamente con los titulares de los films seleccionados.

El plazo de presentación de largometrajes y cortos finaliza el 31 de julio.

El Festival se estructura en las siguientes secciones: Oficial Fantàstic (Competición, Fuera de Competición, Sesiones Especiales), Noves visions (Plus, One), Panorama, Anima’t, Seven Chances, Midnight X-Treme,  Focus Àsia, Brigadoon, Sitges Family, Blood Window y Serial Sitges. El Festival celebrará su 49ª edición entre el 7 y el 16 de octubre próximo.

Hoja informativa para formalizar las inscripciones disponible en este enlace.

Categorías:Festival de Sitges

Serendipia’s Sitges Film Festival. Décima cápsula: Conclusión y fin de fiesta

11 noviembre 2015 Deja un comentario

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En el capítulo anterior: Nuestros amigos sonrieron agotados pero satisfechos. Habían superado un nuevo combate. Al fondo amanece un radiante nuevo día mientras se sobreimprime en la pantalla la palabra ‘fin’. 

CONCLUSIONES

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El domingo es día más bien tristón en Sitges. Los cines parecen desiertos, los bares van cerrando y el único espacio que parece mostrar señales de vida es el Brigadoon, que tenemos costumbre de ver cerrar también, ya que es el punto de reunión que utilizamos con unos amigos y colegas con los que tomamos, ya con calma, unas relajadas cervezas comentando lo divino y lo humano que ha dado de sí el festival que finaliza.

Pero… ¿Esta película es de género fantástico?

Un festival que continúa con su tónica habitual de seleccionar, repartiéndolas en las diferentes secciones, películas que de fantástico no tienen nada. Y aunque el concepto que Serendipia tiene de lo que es fantástico es amplio, hay títulos que claman al cielo. Pero eso no significa, ni mucho menos, que esta actitud desagrade a Serendipia, ya que así tiene oportunidad de ver un buen puñado de títulos interesantes que de otra forma sería difícil de poder disfrutar en nuestras pantallas. No es el caso del magnífico western Slow West (John MacLean); pero de momento sí de las comedias negras The Legend  of Barney Thomson (Robert Carlyle) y Schneider Vs. Bax (Alex van Warmerdam); o del drama Love (Gaspar Noé) que parece que no tendrá la suerte de  The Face of an Angel (Michael Winterbottom) y Macbeth (Justin Kurzel) cintas estrenadas o de próximo estreno en España pero que tuvieron su premiere durante el festival. Sin olvidar los thriller orientales o las películas de animación, que solo por serlo, ya tienen su espacio dentro del festival. Y nos gusta que así sea porque en algunas ocasiones los títulos que no son canónicamente fantásticos, han sido lo mejor en alguna edición. Así que nos hacemos el tonto y no nos perdemos ocasión de gozar del buen cine, que a fin de cuentas es de lo que se trata.

Tenemos sala nueva: Tramuntana

Este año la gran novedad ha sido la sala Tramuntana. Un cuarto espacio en el que proyectar las cintas a competición, aliviando colas y permitiendo ver más películas, al poder compaginar la programación de l’Auditori con la del Tramuntana. Al ser una sala eventual, montada exprofeso para el festival, poseía algunos elementos que no han sido del todo satisfactorios. Si bien hay que destacar la comodidad de sus butacas, el carecer de pasillo central resultaba incómodo para el público. La sala tampoco hacía bajada, así que se solventó la situación elevando la pantalla y poniendo los subtítulos castellanos o catalanes en la parte superior en lugar de en su habitual ubicación en la parte de abajo de la pantalla, con lo que costaba habituarse y no era extraño sorprenderse leyéndolos en inglés cuando estaban incrustados en la copia. También ocurría que si estos estaban escritos en blanco, en algunas ocasiones no se leían bien . La sala carecía asimismo de servicios, pero era un mal menor siempre que no hubiera alguna situación inesperada. En todo caso se podía ir a los que hay a la salida de l’Auditori. Pese a estas pequeñas incomodidades, de entre las que personalmente destacaríamos la falta de pasillo central, algo que podría solucionarse sin problema en futuras ediciones, damos la bienvenida a esta nueva sala admitiendo, eso sí, que si bien desahoga al resto de salas, no sustituye el placer de ver cine en la pantalla de l’Auditori.

En todo caso, bienvenida sea la sala Tramuntana.

Presentaciones y la exposición que no pudimos visitar

Nos complació la cantidad de libros y publicaciones que fueron presentados en la carpa del Fnac. Y no tan solo libros, también se celebraron eventos abiertos para todo el público que fueron más allá de la experiencia de ir al cine. Nos encantó también que se realizan exposiciones. Si el pasado año aprovechamos precisamente el último día para visitar la dedicada a la saga [Rec], este quisimos hacer lo mismo con la muy interesante muestra del ilustrador Vicente B. Ballestar que tuvo lugar en Palau Maricel. Pero nos fue imposible, ya que ‘alguien’ decidió que el domingo no hacía falta abrir, a pesar de que se incluía ese día como última jornada de la muestra. Nuestro gozo en un pozo (no fuimos los únicos) y una nota negativa para esa mano negra que decidió cerrar antes de tiempo.

En cuanto al palmarés, algo con lo que casi nunca estamos de acuerdo, ha sido bastante afín con nuestro parecer: de la Sección Oficial Fantàstic,  The Invitation de Karyn Kusama nos pareció una propuesta muy interesante merecedora del premio a la mejor película. Sorprendente y turbadora. Menos acertada nos parecieron los premios a The Final Girls, de Todd Strauss-Schulson, una cinta entretenida pero a todas luces menor. También el premio a la mejor interpretación femenina concedido a Pili Grogne por Le tout nouveau testament trasciende la anécdota de que la actriz sea una niña de once años. Es que la pequeña realiza una interpretación sobresaliente.

También nos parecen estupendos los premios concedidos a  Slow West (John MacLean) en la sección Órbita; – Lost Soul – The Doomed Journey of Richard Stanley’ s Island of Dr. Moreu de David Gregory, en Panorama; Anabel de Antonio Trashorras en Noves Visions Plus; Veteran de Ryoo Seung-wan en Focus Àsia; Miss Hokusai de Keiichi Hara en Anima’t. Por estar conformes, incluso lo estamos con el Méliès d’Argent concedido a Le Tout Nouveau Testament de Jaco Van Dormael.

¿Qué más podemos añadir? Pues que como cada año han sido unas jornadas mágicas pero también agotadoras que conforme llegan a su fin, dejan la agridulce sensación de final del verano. De que se termina lo bueno. Pero eso es falso. Totalmente falso. Pues justo en el momento en el que cogemos el tren para volver a casa, sabemos que pronto, muy pronto, volveremos a tener una cita con el mejor cine en la mejor compañía durante el 49 Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya – Sitges 2016 –

¡Allí nos veremos!

ALBUM FOTOGRÁFICO

(Todas las fotos Serendipia excepto la que se indica)

Una parte de Serendipia Fresco como una rosa y dispuesto a comenzar. El primero de la cola del Prado para ver la primera película del festival: Martyrs (Michael y Kevin Goetz, 2015)

Una parte de Serendipia fresco como una rosa y dispuesto a comenzar. El primero de la cola del Prado y estrenando su ‘red carpet’ para ver la primera película del festival: Martyrs (Michael y Kevin Goetz, 2015)

Unas maravillosas Pin-Up. No solo eran maquillaje, es que eran magníficas actrices.

Unas maravillosas Pin-Up. No solo eran maquillaje, es que eran magníficas actrices.

El simpático Paco Cabezas presentando su película, Mr. Right

El simpático Paco Cabezas presentando su película, Mr. Right

¡Sí, es Rick Baker! Uno de los tipos más amables que debe de haber en el cine mundial

¡Sí, es Rick Baker! Uno de los tipos más amables que debe de haber en el cine mundial

También hubo tiempo para hacer una pequeña entrevista a la maravillosa Rosanna Yanni, que era un encanto.

También hubo tiempo para hacer una pequeña entrevista a la maravillosa Rosanna Yanni. Un encanto de señora.

No dejen de ver El cadáver de Anna Fritz. Aquí haciendo migas con la propia Anna Fritz (Alba Ribas)

No dejen de ver El cadáver de Anna Fritz. Aquí haciendo migas con la propia Anna Fritz (Alba Ribas)

En un rincón de Sitges...

En un rincón de Sitges…

Dos monstruos que tenemos la suerte de tener entre nuestros amiguetes: Daniel Ausente y John Tones.

Dos monstruos que tenemos la suerte de tener entre nuestros amiguetes: Daniel Ausente y John Tones.

Dos monstruos que junto a otros amigos como José Luis Salvador Estébenez y Rubén Pajarón, nos ayudaron a hacer la presentación de Cine Fantástico y de Terror Español (1912-83)Todos ellos son unos tipos estupendos

Dos monstruos que junto a otros amigos como José Luis Salvador Estébenez y Rubén Pajarón, nos ayudaron a hacer la presentación de Cine Fantástico y de Terror Español (1912-83) Que nos había encargado Rubén Higueras. Todos ellos son unos tipos estupendos y para nosotros fue una suerte contar con ellos.

En el cine con Me Me Lai, musa de Ruggero Deodato y Umberto Lenzi que me confesó que prefería enfrentarse a los caníbales de la selva que el atracón de películas que como jurado se tuvo que meter entre pecho y espalda. Una señora estupenda.

En el cine con Me Me Lai, musa de Ruggero Deodato y Umberto Lenzi que me confesó que prefería enfrentarse a los caníbales de la selva que al atracón de películas que como jurado se tuvo que meter entre pecho y espalda. Otra señora estupenda.

Serendipia entrevistado por nuestro amigo Gustavo Leonel Mendoza, director del magnífico documental, Nadie inquietó más, dedicado a la figura de Narciso Ibáñez Menta. Junto a él la dulce Maro Villamarín (foto: José Miguel Rodríguez)

Serendipia entrevistado por nuestro amigo Gustavo Leonel Mendoza, director del magnífico documental, Nadie inquietó más, dedicado a la figura de Narciso Ibáñez Menta. Junto a él la dulce Maro Villamarín (Foto: José Miguel Rodríguez)

... y otro encontronazo con nuestros amigos argentinos en el stand de Chaparra Entertainment y su jefe, el gran Dani Moreno

… y otro encontronazo con nuestros amigos argentinos en el stand de Chaparra Entertainment y su jefe, el gran Dani Moreno. 

... y se acabó por este año. Diego López ayuda a cerrar el Brigadoom ¡Nos vemos en 2016!

… y se acabó por este año. Diego López ayuda a cerrar el Brigadoon ¡Nos vemos en Sitges 2016!

 

 

 

 

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Serendipia’s Sitges Film Festival. Sexta cápsula

3 noviembre 2015 Deja un comentario

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En el capítulo anterior: Sin ningún tipo de piedad, el pérfido Duendecillo Verde lanzaba calabazas explosivas a nuestro amigos, pero lo que ignoraba era que…

MIÉRCOLES 14 DE OCTUBRE

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Jornada centrada en l’Auditori con una mañana más que ocupada que se inicia con una de las cintas que más curiosidad despertaba a Serendipia, The Green Room (Jeremy Saulnier, 2015), un violento thriller protagonizada por una banda punk que en una mala noche actúa en un local que resultará ser el epicentro de una violenta y racista banda skinhead liderada por un Patrick Stewart en un registro totalmente opuesto a los que nos tiene Green_Room-270349365-largeacostumbrados, ya sea encarnando al Profesor X como al Capitán Jean Luc Picard. Convincente y terrorífico, como líder de un tropel de descerebrados neonazis, los planes se le torcerán cuando los cuatro punks les salgan respondones. Muy interesante y señalada como una de las favoritas, The Green Room, que  como ven nada tiene que ve con La Chambre Verte de Truffaut, funciona como un western intenso y mantiene firmemente la tensión hasta el final. En su reparto destaca la inglesa Imogen Poots, actriz a la que pudimos ver recientemente en  Lío en Broadway (She’s Funny that Way, 2014) de Peter Bogdanovich.

Cubiertas pues las expectativas, no tardaron en bajar fulminantemente con el tratamiento de Macbeth que realiza el hasta ahora siempre interesante Justin Kurzel. Macbeth, una de las más célebres tragedias de Shakaspeare, toda una reflexión sobre la ambición desmedida que llega incluso a la traición, ha conocido varias adaptaciones al séptimo arte desde la primera muda de Frank Benson en 1911, pasando por la más libre Trono de Sangre de Akira Kurosawa en 1957, siendo dos las más aclamadas: la de Orson Welles en 1948 y la de Roman Polanski en 1971. Esta última es la que más recuerdos dejó en la memoria de Serendipia, inolvidable la escena de las brujas con ese toque feísta y mágico, o aquella otra escena de Francesca Annis (como Lady Macbeth) lavándose obsesivamente sus manos manchadas de sangre. Polanski  descargaba en ella sus obsesiones tras la muerte de su esposa, otorgando a la versión una fuerte carga de violencia y oscuridad que la convierten en una de las más viscerales adaptaciones, que nos golpea secamente y nos seduce. Nada de ello logra la de Kurzel, la suya es una adaptación que parece querer dar un tratamiento realista incluso a lo más sobrenatural de la obra (sus brujas, aun teniendo un leve toque inquietante, no nos conmocionan), razón por la que nos hizo recordar Exodus de Ridley Scott (que también quedaba a años luz de la obra clásica de Cecil B. DeMille). Kurzel juega a crear atmósferas que después parecen írsele de las manos cuando pretende alcanzar puntos veristas, su adaptación no se sostiene ni convence. Y ello a pesar de contar con  Michael Fassbender (es un gran actor, sin duda, pero no está a la altura de lo que exige un texto shakespiriano), Marion Cotillard  y Sean Harris como protagonistas, además de unos fantásticos exteriores rodados en la escocesa Isla de Skye.  Podrán juzgarla ustedes mismos, pues A Contracorriente estrenará esta película en una fecha tan señalada como la próxima Navidad.

El hijo de Anthony Perkins, Osgood,  debuta en la dirección con February, una película sobre thumbposesiones satánicas narrada con una estructura atípica dentro de este subgénero. Perkins decide contarnos la historia desde tres puntos de vista diferentes, que corresponden a los de las  tres jóvenes protagonistas, Joan (Emma Roberts), Kate (Kiernan Shipka) y Rose (Lucy Boynton). Cuando las tres historias confluyan, descubriremos que Joan en verdad es Kate, nueve años después de haberse desarrollado los macabros sucesos que tuvieron lugar en la escuela femenina.

Lo más elogiable de este filme es precisamente la estructura narrativa elegida, por su carácter innovador, sin embargo, lo que sobre el papel funciona muy bien, no lo hace tanto en la puesta en escena. February resulta una película de desarrollo lento, bastante tedioso (hasta el minuto 75 no hay ninguna escena violenta), que malogra la originalidad que se pretendía imprimir.

Y de momento ya está bien de películas. Pues nos tocó estar en la presentación de un libro, pero desde el otro lado. Sí, amigos, Serendipia se encargó de presentar Cine de Fantástico y de Terror Español. De los orígenes a la edad de oro (1912-83), una antología coordinada por Rubén Higueras en la que ha colaborado un buen número de especialistas y que ha dado como resultado un recomendable tomo de casi 500 páginas que tendrá una segunda entrega que alcanzará películas estrenadas durante este mismo 2015. Cuando supimos que habíamos sido escogidos para llevar adelante la puesta de largo de la antología, a toda marcha nos pusimos en contacto con cuanto colaborador del libro pudiera estar presente durante el festival, consiguiendo reunir, bajo coacción, a unos amigos junto a los cuales dimos la cara ante el público que se concentró en la carpa del Fnac. John Tones, Dani Ausente, José Luis Salvador Estévenez, Rubén Pajarón y los dos seres que componen el ente conocido como Serendipia, esto es Carlos Benítez y Montse Rovira, todos colaboradores en el libro. Nos pusimos manos a la obra y conseguimos no dormir al respetable. El entusiasmo de los ponentes fue tal, que casi tuvo que desalojarnos el propio Elio Quiroga, radiante ganador del premio Minotauro que presentaba a continuación su novela.

Rubén Pajarón, J. L. Salavador Estébenez, Carlos Benítez, Montse Rovira, Daniel Ausente y John Tones en un distendido momento de la presentación (Foto: Lluís Rueda)

Rubén Pajarón, J. L. Salavador Estébenez, Carlos Benítez, Montse Rovira, Daniel Ausente y John Tones en un distendido momento de la presentación (Foto: Lluís Rueda)

Tras esos efímeros momentos de gloria y fama, sigue el cine de la mano de otra de las favoritas, The Final Girls (Todd Strauss-Schulson, 2015), original película que nos cuenta como Max (Taissa Farmiga), hija de la protagonista de un slasher de culto, Camp Bloodbath, fallecida un año antes en un accidente terminará,  junto a otros tres adolescentes, dentro de la misma película pasando a formar parte de la lista de posibles víctimas del asesino. Un juego entre ficción y realidad a la manera de la saga Scream, que de lo que realmente nos habla es sobre superar la pérdida de nuestros seres queridos. Con unas magníficas Taissa Farmiga y Malin Akerman.

También vimos Slow West y Hellions. Y dejamos nuestro artículo aquí.

 

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Serendipia’s Sitges Film Festival. Quinta cápsula

2 noviembre 2015 Deja un comentario

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En el capítulo anterior: El hombre de metal fundido se hacía fuerte sin saber que pronto sería golpeado en su punto débil. En ese momento nuestros amigos…

MARTES 13 DE OCTUBRE

DSC_0006bHoy toca visitar el centro de Sitges. Toca intensivo en los venerables Prado y Retiro. Toca tirar de fiambrera. Toca disfrutar de cuatro películas seguidas. Mañana tocará molestia en la rabadilla. Veamos como se dio ese martes y trece.

Tras morir en un accidente de coche, Nina (Fiona O’Shaughnessy) hará la vida imposible a su amado, Rob (Cian Barry), cuando intente rehacer su vida junto a Holly (Abigail Hardingham), una chica del trabajo. Concretamente se les aparecerá, con bastante mal aspecto (nos recuerda a la Madonna de Munch) y poniendo la cama perdida de sangre, cada vez que la pareja intenta hacer el amor. Así que Holly y Rob probarán de todo, desde ignorarla a incluirla en sus juegos amorosos mediante un necrófilo ménage à trois,  pero todo resultara infructuoso.

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Nina Forever no toca un tema novedoso, ya que su trama invoca un abanico de títulos que abarca desde Un espíritu burlón (Blithe Spirit, 1945) de David Lean o Rebeca (Rebecca, 1940) del maestro Hitchcock; a experimentos más recientes y amables como la española ¿Estás ahí? (Roberto Santiago, 2011) o  Burying the Ex, de Joe Dante, que se proyectó durante el festival del pasado año. Pero es en su resolución (que no desvelaremos) donde se aparta del final que cabría esperar sorprendiendo al espectador. Una agradable cinta británica pues, ópera prima de su director, con la que iniciar el periplo cinéfago del día, que continuó con la más convencional The Dead Room. Dirigida por Jason Stutter, narra uno de los casos de actividad paranormal más famosos ocurridos en Nueva Zelanda de una forma entretenida pero tirando a anodina. Al igual que Gangnam Blues, película coreana dirigida por Yoo Ha que, mediante la historia de dos amigos criados juntos en el orfanato y que terminarán militando en diferentes bandas, narra la corrupción política reinante a principios de los setenta en el naciente distrito de Seúl que da nombre a la cinta. Un argumento algo confuso repleto de intrigas y corrupción que, como suele pasar, peca de excesivo metraje. Un filme para ver con los cinco sentidos en un momento en el que Serendipia comenzaba a acusar los primeros síntomas de cansancio.

Crimson-Whale-PosterLa jornada se animó con The Crimson Whale (Park Hye-mi, 2014). De nuevo animación en la agenda de Serendipia con este largometraje coreano, cuya acción se desarrolla en un futuro post-apocalíptico presumiblemente cercano en el que los pocos supervivientes de los continuos terremotos  malviven rodeados de escombros. La joven protagonista, Ha-jin, sobrevive vendiendo (y consumiendo) droga. Hasta que es reclutada para formar parte de la tripulación que partirá en busca de una isla en la que todos los miembros de la tripulación parecen tener un objetivo particular: hallar un paraíso, un lugar mejor en el que vivir; un metal precioso, el Uncentium; o, en el caso de la capitana, la venganza.

Animación minimalista con fondos esbozados y predominio de grises en su mayor parte, con un acabado que la acerca a cierto cómic europeo y a la estética oscura del cine negro, heredada del expresionismo, en una película de ciencia ficción apocalíptica con trasfondo ecologista con la que su directora, Park Hye-mi, reivindica también el papel de la mujer como heroína.

Regreso, relativamente pausado, al entorno del Meliá, concretamente a la Sala Tramuntana, y turno de nuevo para la comedia británica, en este caso negra, negrísima con The Leyend of 91lC55iqpILBarney Thompson (2015), cinta con la que debuta en la dirección su también protagonista Robert Carlyle, que interpreta solventemente a un barbero que, por un conjunto de desafortunados accidentes, termina siendo sospechoso de ser un asesino en serie. Su admirable diseño de producción destaca en los detalles de la barbería y, sobre todo, en la casa de la madre del protagonista, auténtico templo kitch, museo del horror y del souvenir absurdo (¿hay de otro tipo?). Cemolina, la madre de Barney, está magníficamente Interpretada por Enma Thompson,  que a pesar de llevarse tan solo dos años con Carlyle, queda totalmente convincente como repulsiva anciana gracias a su solvente actuación y al magnífico maquillaje. En el reparto también destaca el inspector de policía Holdall, interpretado por  Ray Winstone, que tendrá su infierno particular en la Inspector Detective June Robertson (Ashley Jensen). Maravillosos y sucios diálogos con acento cockney y ese humor británico que tanto nos gusta.

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Un momento de la presentación de Momias y embalsamados (Foto: Serendipia)

Con una delatora sonrisa encaminamos del Tramuntana a la carpa del Fnac para la puesta de largo del proyecto editorial Hermenaute. Tras muchos años al frente de la revista online Judex, sus dos alma máter, Lluís Rueda y Marta Torres dan un paso hacia adelante con una editorial y otro concepto de página web. Por un lado Lluís, escritor y crítico apuesta con Editorial Hermenaute por la búsqueda de obras singulares y atractivas con los ojos puestos en la ficción  -el horror, el thriller, la ciencia ficción, la narrativa actual- y el ensayo -cine, música rock y pensamiento-. En resumen, un interesante proyecto que ya ha dado sus primeros frutos: Momias y embalsamados, una antología de relatos de Víctor Blanco, Daniel P. Espinosa, Jesús Gordillo, Luis Guallar, Jorge P. López, Guillermo Tato y el mismo Lluís Rueda. Y el ensayo Carnaval de sangre, todavía en fase de crowdfunding, que explora una parcela inédita dentro del campo de los ensayos cinematográficos: el cine de terror y suspense ambientado en el universo del circo y las ferias ambulantes. Libro coordinado por el propio Rueda en el que colaboran otros críticos cinematográficos como Alexander Zárate, Carlos Díaz Maroto, Jose Miguel Rodríguez, Xavi Sanchez Pons, Toni Bascoy y Javier Trigales.

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Presentando Carnaval de sangre y Proyecto Hermético: José Miguel Rodríguez, Marta Torres, Xavi S. Pons y Lluís Rueda (Foto: Serendipia)

Por su parte, y dentro de la misma página de Editorial Hermenaute, pueden ustedes acceder, mediante un enlace, al Proyecto Hermético, que es el nombre que recibe la web cultural  en la que usted hallará artículos de diferentes temáticas: cine, literatura, historia, viajes, música, antropología, etc…  Un espacio para analizar a través de diversos colaboradores de prestigio temáticas relacionadas con la cultura, el ocio y el pensamiento.

Dos interesantes propuestas que desde Proyecto Naschy apoyamos encarecidamente con la seguridad de que, estando detrás quienes están, la calidad está más que garantizada.

Y sí, hubo más cine, como ya les comentamos aquí

Ver aquí artículo anterior

Ver aquí siguiente artículo

 

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Serendipia’s Sitges Film Festival. Cuarta cápsula

30 octubre 2015 Deja un comentario

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En el capítulo anterior: El buitre sobrevolaba burlón sobre los cuerpos de nuestros protagonistas celebrando su victoria. Pero…

LUNES 12 DE OCTUBRE

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Se trataba de comenzar la semana con energía, así que qué mejor que empezar con la polémica (es absurdo, pero el sexo siempre lo es) Love de Gaspar Noé, cinta que nos cuenta gráficamente la historia de amor entre Murphy (Karl Glusman), un estudiante de cine, y  Electra (Aomi Muyock), una pintora, relación que termina en traición y tragedia, cuando Omi (Klara Kristin) tercera ficha del tablero, queda embarazada de Murphy.  En un momento como el actual en el que casi todas las películas comerciales prescinden de enseñar los cuerpos desnudos de sus actores, incluso en las escenas sexuales, Love demuestra ser más sincera con el espectador, mostrando la pasión que produce el enamoramiento, su culmen y, finalmente, su fin. Amor, traición, desamor y bajada a los infiernos sin recurrir al fundido en negro en las escenas más tórridas, dando la oportunidad al espectador de penetrar en la alcoba con los protagonistas y ser partícipe de los actos sexuales, recibiendo incluso una prolongada eyaculación en 3D. Con todo el cariño de Noé.

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La cinta, como no podía ser de otra manera, vuelve a poner al día el eterno conflicto de qué es pornografía y qué no lo es. Donde están los límites y hasta donde se puede llegar. Otros directores antes de Noé ya habían flirteado con el cine pornográfico, caso de los hermanos Baños en la época muda  o Jaime Chavarri en los noventa; o habían incluido imágenes explícitas dentro de cine -más o menos- comercial, como en el caso de Los idiotas (Idioterne, Lars von Trier, 1998) o Fóllame (Baise-moi, Virginie Despertes y Coralie, 2000). Pero aún así siempre sorprende, y llama al escándalo, cualquier iniciativa en este sentido.

En la película del argentino también hay humor, poco, ya que estamos ante un drama, pero sardónico. Con gags a costa del propio director y del público, al que, señalando con el índice en impecable 3D, se permite insultar llamándolo hijo de puta. Y claro, no olvidemos la abundante descarga seminal que regala al espectador. Una escena no por esperada menos impactante. Y ya se sabe, estas cosas como que nos hacen mucha gracia, con toda la sala celebrando el chaparrón. Hay que decir, eso sí, que el 3D de Noé no es demasiado admirable ya que, quitando los dos momentos mencionados (más el viaje de ayahuasca que los protagonistas se regalan), poco partido se le saca.

Y no crean, contra todo pronóstico la película de Noé no resulta pedante (la escasa tesis intelectual que esconde es bastante simple e incluso es puesta en boca de los personajes por si nos hubiéramos perdido), y los espectadores, superada la sorpresa inicial (el director empieza fuerte) nos acostumbramos pronto a las escenas sexuales (casi todas rodadas en larguísimo plano fijo), incluidos los momentos estelares en 3D. Y es que el escándalo está en el que mira, pues las imágenes, tal y como las muestra Noé, no ofenden. Y más si están arropadas con una banda sonora heterogénea que incluye fragmentos pertenecientes a Pink Floyd, Erik Satie o Bach, entre otros. Tan heterogénea como los carteles cinematográficos que decoran la habitación de Murphy (Saló, Freaks, Daughter of Horror, Holocausto Caníbal, Taxi Driver, una imagen de la actriz Laura Gemser…).

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¿El resultado?: bastante más que un porno sin opción a pasar las escenas aburridas con fast forward. Ganas de epatar al espectador todavía le quedan a Gaspar Noé, pero el respetable ya está bastante curtido, y lejos de ello se convierte en cómplice, ya que en los foros donde el filme es proyectado, el espectador sabe bien lo que va a ver (motivo que daría pie a un extenso debate sobre qué es la provocación en el arte, cuál es su sentido en pleno S XXI donde todo puede ser rápidamente fagocitado y domesticado por un sistema globalizado e hípercomunicado, debate que excedería el espacio de este artículo, pero que no queríamos dejar de enunciar)

Eso no quita que l’Auditori tuviera una erección generalizada delatada por el silencio con el que el público seguía la cinta, un silencio tan solo roto por un cretino que se reía con todos los diálogos. Aunque, ¿quién sabe? quizás el risueño fuera el propio Noé, que quiso estar presente en la sala durante la proyección de su cinta.

Una de las muchas cosas buenas que tiene el cine, y por extensión el  festival de Sitges, es la variedad. Así que al espectador cinéfago, como es el caso de Serendipia, no  le resulta difícil disfrutar a continuación con una cinta totalmente diferente a la que acaba de meterse entre cornea y cogote. Sí, amigos, la magia del cine. Y así disfrutamos casi sin pausa con  Miss Hokusai, deliciosa película de animación del japonés Keiichi Hara que adapta el manga de culto de Hinako Sugiura sobre el artista Hokusai, pero poniendo la atención en la hija del pintor, O-Ei, que parece demostrarnos en toda época los creadores, los artistas y los músicos,  han representado al sector más bohemio y trasgresor de la sociedad. El más rebelde. Por ello la banda sonora está compuesta de música rock, que contrasta pero a la vez marida también a la perfección con la historia que se está contando, perteneciente al Japón decimonónico en plena Revolución Meiji. Con fondos muy elaborados y un dibujo que consigue recrear las obras de Hokusai en particular y de las pinturas japonesas clásicas en general (incluidos los grabados ukiyo-e de Utamaro). En cuanto a la animación, destaca la simulación de elegantes ‘movimientos de cámara’ que contrastan con la rigidez facial característica del anime japonés.

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Una magnífica película de animación para adultos que Selecta Visión pondrá a nuestra disposición en el mercado español.

Y de nuevo al Tramuntana para ver la última vuelta de tuerca (disculpen el chascarrillo) al mito de Frankenstein, con dirección de Bernard Rose, realizador inglés que ya nos ofreció prestigiosas cintas como La casa de papel (Paperhouse, 1988) o Candyman (1992). Nos ocasionaba cierto temor, para que engañarnos, pues la simpática creación de Mary Shelley es una de las debilidades de Serendipia. Pero aún así apostamos por esta puesta a punto del personaje para la que Rose ha recurrido al original literario, demostrando que el mito del moderno Prometeo está más en boga que nunca. El director, que acudió al festival por primera vez, no basa su criatura en frankenstein-postercadáveres remendados y opta por la creación mediante tecnología 3D (la criatura se imprime literalmente). Y Rose partirá de la tecnología actual no tan solo para la creación de Adam (nombre que recibe la criatura en el filme), sino también para el pasaje en el cual la criatura localiza a su creador, ya que lo hará mediante un GPS. Más aún que la creación de un ser, a Bernard Rose lo que le atrae de la novela  es  la creación de una conciencia, enfatizando la tragedia del diferente, que rechazado por la sociedad pero poseyendo ya su propia conciencia, determina terminar con su existencia y organizar su propio funeral, respetando así el original literario.  Un final que satisface al director, pues siente aversión por los finales felices. Y es que, tal y como aseguró “Me gustan las películas de terror porque puedo matar a todos los personajes al final”.

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Bernard Rose presentando su criatura (Foto: Serendipia)

Al actor escogido por el director para encarnar la creación del gélido Dr. Frankenstein (Danny Huston ), el australiano Xavier Samuel, poseedor de un físico agraciado y escultural, tal y como quería Rose, no se le pidió que recitara para acceder a su papel, no hacía falta, la prueba consistió en que representara, de la forma más fiel posible, la escena en la que, abandonado en el bosque, sobrevive alimentándose de insectos. El actor lo interpretó tan fielmente que devoró realmente cuanto insecto encontró. Y todo porque  su actuación debía simular a la de un actor de cine mudo. De hecho Bernard Rose comentó que hasta en la planificación se inspiró en el arte silente, concretamente en la del filme La pasión de Juana de Arco (La passion de Jeanne d’Arc, 1928) de Dreyer. Secundando al protagonista tenemos varios rostros ilustres, como el de  Carrie-Anne Moss (protagonista de la saga Matrix), el del ya nombrado Danny Huston y el de Tony Todd, actor que encarnó a Candyman también para Rose.

Narrada desde el punto de vista de Adam, y no exenta de algunas pinceladas de humor socarrón y mucho gore, esta ingeniosa y sangrienta adaptación recorre los momentos cumbre de la novela (y de sus adaptaciones cinematográficas anteriores), pero ofreciendo ingeniosos giros, como el de caracterizar al ciego que enseñará a hablar y ofrecerá sentimientos positivos  a la criatura como un bluesman homeless de color. O el giro que se ofrece en el encuentro del monstruo con la niña. Su descubrimiento de la inocencia y la belleza. Todo marcará la personalidad de Adam, que  al igual que en la novela, rechazado por la sociedad y consciente de que no puede inspirar amor, decidirá inspirar miedo.

No es, pues, una readaptación despreciable del mitema ya que consigue aproximarlo a los grandes interrogantes y temores de nuestro propio presente sin dejar de lado sus rasgos más icónicos. Si hubiera que encontrarle algún pero, este sería el carácter que se le imprime a la esposa del creador, si bien es encomiable que le dé un mayor protagonismo y la ponga en pie de igualdad con los personajes masculinos, su actitud maternal con Adam chirría con el espíritu del tratamiento de Mary W. Shelley. La romántica proyectó todo su drama personal en su obra, así la criatura es máscara de ella misma y Víctor lo es de su propio padre, un padre que nunca le dio el menor afecto ni el menor reconocimiento. La soledad del monstruo shelleyniano es aún mayor que la de esta criatura puesta al día. Pero en cualquier caso es un pecado menor que no empaña sus aciertos. Eso sí, si no lo digo reviento, para la dimensión femenina de Serendipia, ninguna adaptación ha logrado penetrar el sentido último de la obra y su filiación romántica como la española Remando al Viento, una pieza a reivindicar siempre.

cine para Otoño - Remando al viento - Frankenstein - El troblogdita - El fancine

Como ven una velada de lo más variada y ajustada que completamos con Maggie, Bound to Vengeance y German Angst, que ya comentamos en la entrada de rigor.

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Serendipia’s Sitges Film Festival. Tercera cápsula

29 octubre 2015 Deja un comentario

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En el capítulo anterior: Los brazos mecánicos del Dr. Octopus presionaban a nuestros héroes amenazando con no dejarlos respirar. Mientras tanto…

DOMINGO 11 DE OCTUBRE

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Un nuevo amanecer sobre Sitges y una nueva ocasión de ver un buen puñado de películas en una jornada que pretende ser más tranquila que las dos anteriores, de ahí el seleccionar menos títulos a visionar. La curiosidad nos mueve a ver Baskin, cinta turca basada en un corto de su director, Can Evrenol, proyectando en su momento en el festival, con la que este debuta en el largometraje ofreciendo una propuesta visceral, sucia y, como no podía ser de otra manera, exótica, en el panorama fantástico. Cercana en los momentos más terroríficos a las razas de noche y la iconografía Cenobita de Clive Barker, tras un inicio que muestra la influencia de Tarantino y su gusto por los extensos diálogos de una cotidianidad casi exagerada de puro hiperrealismo. En el prólogo se nos presenta a los personajes principales, unos policías que, precisamente, no serían los mejores representantes de la ley y, sin solución de continuidad, a partir de ese arranque casi costumbrista, el director nos adentrará en un sucio submundo de pesadilla repleto de sangre y horror, en el que la banda sonora tendrá capital importancia a la  hora de transmitir la desazón en el espectador. No en vano un fragmento de la música que compuso Riz Ortolani para Holocausto Caníbal es utilizada por Evrenol para resaltar uno de los momentos más viscerales y sangrientos del film. Una interesante película que nos agradaría volver a revisar, ya que la decadente riqueza de sus imágenes hizo que nos perdiéramos entre los pliegos de su guión y su trama espiral como un enlace de Moebius.

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Tras una pausa para saludar y entrevistar a la fantástica actriz Rosanna Yanni, figura destacada del cine de terror español y radiante premio Nosferatu 2015, prosigue nuestra cita cinéfaga con otra cinta de Sion Sono. Love & Peace demuestra fehacientemente la versatilidad del director japonés, que puede pasar de un oscuro y nihilista registro como el que nos mostró en Guilty of Romance (2011), al surrealismo espiritual de Tag (2015), y de ahí a la fábula moral que es, en toda regla, Love & Peace. Y todo ello sin despeinarse. Escrita hace veinte años, la película nos cuenta la historia de amistad entre un solitario nerd y la tortuga Pikadon en el marco de un Japón que pone en la Olimpiada de 2020 la esperanza de solucionar todos sus problemas (¿les suena?). Canciones, Kaiju Eiga (que también homenajeará el otro japonés presente en Sitges) y exceso de metraje, todo forma parte del encanto del universo particular de Sion Sono, un creador único.

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Y llega el momento de uno de los filmes más esperado para una de las partes de Serendipia.

“La célebre actriz Anna Fritz ha fallecido, dejando un cadáver tan joven y bello que cuando tres amigos se cuelan en la morgue para contemplar el cuerpo inerte, no podrán resistir la tentación de traspasar los límites de la moral”.

Con un punto de partida tan sórdido, lo que se traduce por valiente si hablamos de una producción española, no podíamos más que mantener cierta escéptica cautela  ante esta RESEM901poster-anna-fritzcinta. Pero El cadáver de Anna Fritz no nos defraudó: resulta sorprendente, oscura e innovadora dentro del yermo panorama nacional. Si bien al principio la historia parece que no vaya a dar mucho de sí, gracias a un ingenioso giro de guión logra cautivar el interés del espectador, al que no soltará hasta su desenlace. Trasgresora, dentro de un orden, para los estándares del cine de terror (e incluso del cine a secas) español, El cadáver de Anna Fritz resulta sorprendente y fresca. Y más si hablamos de una ópera prima con la que su director, el mallorquín Héctor Hernández Vicens, parece haberse tomado la revancha tras haber sido jefe de guionistas de Los Lunnis.

Un impecable trabajo, basado en un hecho real, que demuestra que no hacen falta grandes presupuestos, ni escenarios suntuosos para filmar una buena historia. Rodada entre el Hospital Oncológico de Bellvitge y  una morgue recreada en plató, la película tiene un buen ritmo y no da tregua al espectador, al que no se le ahorran escenas escabrosas, aunque mostrándolas de forma decorosa (mucho juego da el fuera de campo). Si bien la historia podría haber dado pié a un final más oscuro, la valentía demostrada por el director al llevar adelante esta historia nos parece la suficiente como para permitirle la catarsis aristotélica de su happy end.

Los actores y el director contentos por el recibimiento del público de El cadáver de Anna Fritz (Foto: Serendipia)

Los actores y el director contentos por el recibimiento del público de El cadáver de Anna Fritz (Foto: Serendipia)

Feliz, satisfecho, Serendipia puede tomarse un rato de asueto. Si así puede llamarse a ir a la presentación de las últimas novedades que Tyrannosaurus Books, una de nuestras editoriales de cabecera, había preparado con los ojos puestos en el Festival de Sitges. Y es que Tyrannosaurus presentó DIEZ referencias. Vamos pues a repasarlas:

9788494444210-Los dos libros editados por el Festival de Sitges, Seven, los pecados de David Fincher, escrito por varias ilustres plumas coordinadas por Desirée de Fez y Taboada, edición española muy limitada del tomo editado por el festival Mórbido de México centrado en la obra del director y especialmente a su tetralogía terrorífica, se presentaron por separado del resto de las novedades de Tyrannosaurus.

-Más tarde y en la misma sesión se presentaron las siguientes referencias: cuatro libros de cine, cuatro: Peter Jackson, celestiales y monstruosas, un estudio a la vida y obra del casi denostado director australiano realizado a seis manos por Sergi Grau, Joan Renter Ranz y Álvaro San Martín; Lucio Fulci, autopsia de un cineasta, de Javier Pueyo , del que ya les hablamos en detalle aquí; ¿A quién vas a llamar? De Tracy el gorila a Peter Venkman. La historia de los Cazafantasmas, monumental obra dedicada a la saga escrita por  Octavio López Sanjuán; y Todo lo que siempre quise saber sobre cine lo aprendí de El Vengador Tóxico adaptación española del libro de Lloyd Kaufman, pope de la desquiciada Troma. Un viaje por el más descacharrante cine independiente.

Javi Pueyo, autor de Lucio Fulci, autopsia de un cineasta y los tres responsables de Tyrannosaurus Books (Foto: Serendipia)

Javi Pueyo, autor de Lucio Fulci, autopsia de un cineasta y los tres responsables de Tyrannosaurus Books (Foto: Serendipia)

Y además: Un libro infantil/juvenil, un cómic y un DVD: El misterio del profesor Elphistone, un delicioso cuento de Luis Guallar ilustrado por Aina Albi; el cómic de ciencia ficción apocalíptica  Broadway. Mundo de mierda de Mike Ratera; y su cuarta referencia en DVD, Sonno Profondo del argentino Luciano Onetti que recupera la estética del giallo italiano.

– Finalmente en otra jornada, también se efectuó la presentación del primer libro que han editado conjuntamente con el festival Nits de Cinema Oriental de Vic, Wild, Wild, East. Del curry western al soja western, escrito por el especialista Domingo López con la colaboración de otros desalmados y del que tanto les hemos hablado ya en esta, su página amiga.

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José Miguel Rodríguez de Tyrannosaurus Books junto a los hermanos Onetti presentando Sonno Profondo (Foto: Serendipia)

Como vemos aprovecharon muy bien el tiempo del que disponían, ya que con pocas excepciones, para todas las presentaciones contaron con la presencia de los autores.

Port_of_Call-753130808-largeY tras este intervalo literario tocaba una nueva cola en la sala Tramuntana para Port of Call, cinta del hongkonés Philip Yung que, de lo que aparentemente es una sórdida historia extraída de la crónica negra, consigue ofrecernos una película melancólica,  incluso bella. Les aseguramos que la historia de una solitario transportista que estrangula y descuartiza a una prostituta menor de edad puede ser narrada con extrema sensibilidad. Y es que un acto violento puede ser, realmente, un acto de amor, y eso lo sabía perfectamente Horace McCoy cuando publicó en 1935  ¿Acaso no se les dispara también a los caballos? (They Shoot Horses, Don´t They), que fue llevada al cine por Sidney Pollack en 1969 y estrenada en España como Danzad, danzad, malditos, película con la que Port Of Call guarda semejanzas: en ambos casos nos encontramos con una historia de perdedores destrozados por el sistema que encuentran su única salida a través del asesinato. Un asesinato cometido por conmiseración, imprecado por la propia víctima, y con tintes sacrificiales. Yung en su película, como Pollack en la suya, sabe transmitirnos la desolación de esos personajes y su historia dejándonos con un sentimiento de extrañeza y piedad.

De The Boy  y Vulcania ya les hablamos puntualmente aquí.

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Serendipia’s Sitges Film Festival. Segunda cápsula

27 octubre 2015 Deja un comentario
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En el capítulo anterior: El brazo del hombre de arena había tomado forma de martillo pilón y amenazaba con aplastar a nuestros héroes.

SÁBADO 10 DE OCTUBRE

De buena mañana nos esperaba en el Prado el bueno de Takeshi Kitano con su última barrabasada: Ryuzo and His Seven Henchmen, cinta con tintes crepusculares en la que una familia de yakuzas ya ancianos se une de nuevo para bajar los humos de los jóvenes gangters del barrio. Humor, ironía e incluso cierta nostalgia hacia la ética y la tradición old school de los viejos mafiosos. Tatuajes rituales y el chándal como seña de identidad universal del inframundo en lo que no deja de ser una pataleta generacional de un Kitano que, como puede verse en el papel que realiza en su película, ya está bastante mayor. Aunque eso no signifique que haya perdido su mala leche. Ni muchísimo menos. Con una modélica interpretación de Tatsuya Fuji, protagonista de la cinta de culto El imperio de los sentidos (Ai no Korrida, Nagisa Ôshima, 1976), que a sus 74 años se mantiene en envidiable forma física.

Me Me Lai en el esplendor de su carrera.

Me Me Lai en el esplendor de su carrera.

Así, de inmejorable manera, iniciamos nuestra segunda jornada en el festival. Y a partir de ahí todo fue a más. Tras una breve visita (programación obliga) al Brigadoom para saludar a Me Me Lai, protagonista de algunas de las mejores cintas de ese subgénero tan en boga en los ochenta como fue el cine de caníbales, en el que dejo honda huella protagonizando dos cintas de Umberto Lenzi: El país del sexo salvaje (Il paese del sesso selvaggio, 1972) y Comidos vivos (Mangiati vivi!, 1980) y una para Ruggero Deodato, Mundo caníbal, mundo salvaje (Ultimo mondo cannibale, 1977). Tras ese inciso, cambio de cine para ver la nueva propuesta de Ely Roth, director que parece haber tomado querencia al festival (o el festival por él) y que en esta ocasión estuvo más accesible y amable

Keanu, si te sirve de consuelo, yo también las hubiera dejado entrar...

Keanu, si te sirve de consuelo, yo también las hubiera dejado entrar…

con el público. Knock Knock, de nuevo con su inseparable Nicolás López en producción y guión, es un remake de Death Game (Peter Traynor, 1977), película protagonizada por Colleen Camp y Sondra Locke, productoras asimismo de la cinta de Roth, que nos cuenta el suplicio por el que atravesará su protagonista (Keanu Reeves), un modélico padre de familia, cuando abra la puerta a dos sexis jovencitas en un tormentoso día en el que, además, su familia está ausente. Pasará lo que se pueden suponer y mucho más, ya que estas dos apetecibles teenagers están interpretadas por la exuberante Ana de Armas y por Lorenza Izzo, esposa del director. Entretenida, cargada de mala baba (mainstream, no se asusten, que el director de Hostel no se ha vuelto profundo) y con un Keanu Reeves desatado, el filme, que distribuirá en España Inopia Films, resultó algo más convincente que otras propuestas anteriores del director. Por cierto, conviene indicar que Death Game también tuvo una inconfesa ‘spanish version’ en 1980, Viciosas al desnudo, que dirigió Manuel Esteva y en el que trío protagonista estaba, muy bien interpretado, por Jack Taylor, Adriana Vega y Eva Lyberten.

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Tras una nueva carrerilla, nueva película, The Face of an Angel, en la que su director, Michael Winterbottom, recurre a la ficción para contar una realidad. O, de otro modo, cuenta, mediante una realidad ficcionada, un crimen, el de la joven Meredith Kercher , que conmocionó a Europa. Y lo hace precisamente denunciando la explotación que la peor prensa, la más sarnosa, interesada tan solo en el poder mediático de sus objetivos, hizo del caso. Para ello utiliza nombres ficticios pero no la localización, Siena, lugar real donde se produjo el crimen y que nos muestra repleto de belleza, pero también de sombras, contando con Daniel BrühlKate Beckinsale y una sorprendentemente convincente Cara Delevingne como protagonistas. Winterbottom, riza el rizo al utilizar el recurso al cine dentro del cine para relatar su ficción, Daniel Brühl es una especie de sosias del director y la trama que protagoniza no habla sólo del suceso real sino además (y casi sobre todo) de la película deseada: aquella que no sucumbe a las exigencias de las productoras (tan pirañas como la prensa denunciada) y que trata de hablar del crimen sólo en segundo plano haciendo hincapié en la belleza de la inocencia de la joven víctima; una inocencia que la haría equiparable a la Beatriz de Dante (el filme dentro del filme habría de asemejarse a la Divina Comedia del Florentino). Y es que   The face of an Angel también es un filme sobre el fin de la juventud, de la felicidad, del amor, que elige para ello hablar de la muerte temprana como perpetuación de una juventud idealizada que nos servirá de guía hacia la madurez. Porque, como dice uno de los personajes del filme, para conocer la vida y desarrollarnos en ella hay que mirar a la muerte a la cara. Un buen título que distribuirá próximamente en nuestras pantallas La Aventura Audiovisual.

Tras desalojar la sala para volver a hacer cola y entrar en la misma sala, llegó The Invitation, una de las sorpresas del festival. Una reunión de viejos amigos en una casa como único escenario son los ingredientes con los que su directora narra una intriga tan bien construida que se permite jugar con el espectador. Sabemos que algo sxsw2015theinvitationextraño flota en el ambiente, pero al igual que los comensales, no sabemos explicar el qué ni el porqué. Desde su inicio seremos cómplices de uno de los invitados, Will (Logan Marshall-Green), ex pareja de la organizadora del evento, Eden (Tammy Blanchard), así que compartiremos su punto de vista cuando, ya desde su llegada, perciba el extraño ambiente que se respira en esa reunión en la que la normalidad está teñida de irrealidad. Y al igual que él, dudaremos de nuestra percepción ¿serán todo imaginaciones nuestras?

El que su directora Karin Kusama tuviera en su currículum cintas como Aeon Flux (2005) y Jennifer’s Body (2009), echó para atrás a más de uno que se perdió así la demostración de que no hacen falta grandes medios ni recurrir al elemento sobrenatural cuando se tiene una buena historia, se dosifica meticulosamente la información y se sabe manejar los mecanismos del suspense. Una auténtica cinta de terror moderno plausible y cotidiano con religiones New Age a modo de sectas destructoras y unos actores naturales de entre los que destaca el siempre enigmático John Carroll Lynch.

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Sion Sono recién llegado a Sitges presentando el primer pase de Tag (Foto: Serendipia)

Buen postre a tan impecable plato fue disfrutar (fiambrera en mano porque no había tiempo para volver a cenar en casa) de Tag,  una de la tres películas de Sion Sono que se proyectaron durante el festival de las cinco que ha dirigido durante este año. Tag es una hipnótica cinta cuya trama se hace difícil de explicar sin destripar, así que al tanto que viene SPOILER: Como repite varias veces uno de los personajes de la cinta: “La vida es surrealista“, está en nuestra mano cambiar lo “escrito”, basta con sorprender a la norma con nuestros actos. El poético Sono lo sabe y nos lo cuenta mediante bellas pero también impactantes escenas cuya ilación se nos escapa en un principio, pronto, sin embargo, descubrimos que la historia sigue un patrón: mientras la protagonista cambia su apariencia, el resto de personajes vuelven en roles idénticos para llevarla cada vez a una misma conclusión. Descubrimos poco a poco que estamos dentro de un vídeojuego (se nos hizo inevitable pensar en ExistenZ del canadiense Cronemberg), y que liberarse de su predeterminación (de un universo construido, además, a partir de las fantasías masculinas que toman a la mujer como un objeto) va a ser el objetivo de la protagonista a la que acompañaremos hasta su encuentro con el creador (sí, también de Matrix nos llegan ecos) FIN DEL SPOILER. Sono pasa del delirio a la delicadeza y del exceso a la belleza. No hay término medio, o te gusta o lo desprecias. Etiqueta compartida con el otro genio japonés protagonista de esta edición del festival y del que hablaremos en su momento. El pintoresco Sion Sono acudió en persona al festival para recoger uno de los cinco trofeos Máquina del Tiempo que se repartieron durante esta edición.

Pasada la medianoche llegó Tales of Halloween que es, como la inmensa mayoría de los filmes de episodios, una cinta irregular. Con la tétrica, y cada vez más extendida festividad estadounidense como motivo temático, once directores jóvenes han pergeñado diez historias que abarcan momentos humorísticos y (más o menos) terroríficos, condimentando el metraje con la aparición de varios ilustres personajes de la vieja guardia como Adrienne Barbeau, Joe Dante, John Landis, Stuart Gordon, Barbara Crampton, Lisa Marie, Caroline Williams y Mick Garris, además de la participación de nuestra admirada Pollyanna McIntosh en Ding, Dong episodio dirigido por Lucky McKee y uno de los más interesantes junto a The Ranson of Rusty Rex, de Ryan Schifrin, que es el último trabajo interpretado por  Ben Wolf. Efectos especiales old school, stop motion y toda la iconografía spooky  característica de la noche de Halloween, motivo también de la más memorable Helions (de la que hablaremos en su momento). No está mal para un segundo día. Y más si a todo esto debemos sumar Contracted Phase 2, Cooties que  (ya fueron comentadas aquí), y Le Tout Noveau Testament, otra de las grandes cintas presentadas durante el Festival, de la que procuraremos hablar.

Toda una jornada deliciosamente agotadora.

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Categorías:Festival de Sitges

Sitges 2015: ‘Parasyte’

16 octubre 2015 Deja un comentario

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PARASYTE (Kiseijuu, Takashi Yamazaki)

Parasyte-Part-1-2014Esta cinta, dividida en dos partes, está basada en un popular manga de horror y ciencia ficción ilustrado por Hitoshi Iwaaki, que ya fue adaptado anteriormente en forma de anime. Narra una invasión ¿alienígena? de la Humanidad por medio de una especie de orugas que se adueñan de los cuerpos que parasitan introduciéndose en su cerebro por los diferentes orificios de la cabeza: nariz, orejas… pero a nuestro apocado protagonista Shin’Ichi (Shôta Sometani) el parásito, de nombre Migi, se le adueñará de la mano derecha, produciéndose la particularidad de que ambos convivirán compartiendo cuerpo.

Relatada en clave de comedia, aunque mezclando drama y terror, Parasyte es un buen divertimento que combina momentos divertidos junto al más desorbitado gore, ya que una vez toman el mando de un humano, los parásitos deben alimentarse de carne humana. Shôta Sometani, encarnando una especie de Peter Parker, muestra otra vez su capacidad para la comedia, cualidad que ya pudimos comprobar recientemente con su trabajo en Wood Job! (Shinobu Yaguchi, 2014), cinta que obtuvo el premio del público en la última  edición de las Nits de Cinema Oriental de Vic.

 

Sitges 2015: ‘Cop car’, ‘Strangerland’ y ‘Stung’

14 octubre 2015 Deja un comentario

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STRANGERLAND (Kim Farrant)

Stra cartelEl cine australiano, tan caro de ver en nuestras pantallas, tiene siempre un punto de enigmático. Quizás porque la fiereza de algunos de sus paisajes hace nacer la convicción de que lo telúrico influye determinantemente en nuestra existencia. Picnic at The Hanging Rock sería uno de sus máximos ejemplos. Tampoco son pocas las cintas que manifiestan una especie de nihilismo fatigado, como si estuviera quemado por el sol, y que da pie a atmósferas pesadillescas cercanas al esperpento. Pensamos por ejemplo en Wake in fright, la pieza de culto dirigida por Ted Kotcheff . Y, además, siempre hay latente en el fondo una pugna entre el puritanismo y la voluptuosidad.

No he citado esos dos clásicos por casualidad, en Strangerland (el relato sobre unos padres, Catherine y Matthew, que ven con terror como sus dos hijos adolescentes han desaparecido en el desierto en plena tormenta de arena), está presente tanto el enigma, el peso de lo telúrico, como la atmósfera de pesadilla.

Estamos en el outback, el interior remoto y árido de Australia. Una tierra abonada para la proliferación de leyendas sobre deidades oscuras que pueden castigar a los hombres si no se las conjura. La debutante Kim Farrant sabe dónde poner la cámara para transmitirnos la credibilidad que el paisaje concede a esas supersticiones. Tanto es así que en sus manos la árida naturaleza que envuelve al relato juega como un personaje más. Un personaje que interactúa con los demás llevándoles a mantener conductas extremas, que los  situa en el borde de la enajenación. Especialmente a Catherin, la madre doliente impecablemente interpretada por Nicole Kidman (su trabajo es de lo mejor del filme) que llegará a internarse ella misma en el desierto para volver al pueblo con el atavío de Lady Godiva, una escena de gran fuerza visual. Del retrato de la naturaleza cabe destacar también un plano aéreo que muestra cenitalmente la sinuosidad del cañón, una sinuosidad que nos desasosiega y a la vez nos seduce como el abismo puede llegar a atraernos.

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Los montes parecen replegarse sobre sí mismos convirtiéndose en una espiral petrificada. Y la espiral es el símbolo por naturaleza para expresar la evolución del universo, para designar las formas cósmicas en lo que tienen de creadoras, pero también de destructoras. Se trata además de un símbolo que nos remite a la simbología de la serpiente (los montes del plano citado, de hecho, emulan a una serpiente enroscada). La serpiente designa a la energía a la fuerza pura y sola, al poder ciego de la naturaleza que pervive a costa de los individuos. Es vista, también, como el principio de la tentación y así se vincula a la sexualidad. No es casualidad, pues, que uno de los personajes (el patinador que mantiene relaciones con Lily, la adolescente desaparecida) lleve tatuada una serpiente. En esa tierra-serpiente la sexualidad exuberante de Lily se desboca todavía más, mientras que su padre (principio represor) parece extremar más aún su puritanismo. El choque de trenes es inevitable. Un choque que desestabilizará todo el entorno familiar y que será el detonante del drama.

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Strangerland es una ópera prima ambiciosa que mezcla el drama familiar con el thriller psicológico y el relato de misterio. Ya hemos celebrado el trabajo de su protagonista, también Joseph Fiennes, en le papel de marido, le da perfectamente la réplica. Pero esta cinta australiana no es sólo una obra de actores, brilla con luz propia la fotografía de P.J. Dillon que es la que permite a Farrant crear esa atmósfera fatalista que respira toda la cinta. Una película abrasada por el sol, incómoda, que nos contagia su aridez, su asfixia. Pero también enigmática y fascinante. En suma, un filme que augura a su directora una prometedora carrera.

STUNG (Benni Diez)

stung-2015-posterLa picadura (Stung) a la que hace referencia el título del filme es la que propinan las  descomunales avispas mutantes que persiguen a los protagonistas del filme, Paul (Matt O’Leary) y Julie (Jessica Cook), empleado y jefa de un servició de catering durante la velada que organizan en una elegante mansión campestre. Un soplo, sino de originalidad, al menos de aire fresco ante  los habituales y algo cansinos zombis e infectados. Aunque solo un poco, ya que a pesar de introducir bastante humor, la fórmula del filme se consume pronto y comienza a desinflarse tras la primera hora. Y eso que la historia recurre a la tensión sexual entre sus protagonistas y a cierta crítica social. Pero ni por esas.

Efectos especiales apañados con algunas secuencias pringosas y la siempre agradecida presencia de Lance Henriksen en esta coproducción entre Estados Unidos y Alemania, desigual ópera prima del alemán Benni Diez, un técnico especialista de efectos visuales y de animación con compañía propia aquí metido a director. Eso sí, cabe destacar la química y simpatía de su pareja protagonista y un tono general agradable.

COP CAR (Jon Watts)

cop-car-600x889Dos niños que han escapado de su hogar, encuentran un coche de policía abandonado que convertirán en su juguete. Pero el vehículo tiene dueño y su propietario, el sheriff Kretzer, que había salido a deshacerse de un cadáver, quiere que se lo devuelvan.

Este es el imponente punto de partida de este thriller perfectamente calibrado con unos ligeros toques de humor que no subvierten su pureza. Destaca en su narración la importancia del sonido, protagonista en un entorno desierto como es el que forma el escenario del filme, así como la actuación de los cinco personajes que conforman el reparto del filme, en especial los dos niños  (James Freedson-Jackson y Hays Wellford), que lejos de resultar repelentes realizan un buen trabajo, recayendo sobre ellos el grueso del buen resultado artístico de la cinta; y el policía corrupto interpretado por un frío Kevin Bacon. Los tres protagonistas del juego que el azar convertirá en mortal.

Su director Jon Watts, que debutó el pasado año con Clown, filme en el que Eli Roth interpretaba a Frowny, el payaso asesino, será el responsable del nuevo reebot de Spider-man, que se estrenará en 2017.

Sitges 2015: ‘Maggie’, ‘Bound to Vengeance’ y ‘German Angst’

13 octubre 2015 Deja un comentario

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MAGGIE (Henry Hobson, 2015)

maggieEsta nueva incursión en el popular, y quizás un tanto manido, universo zombie, tiene la novedad de que el peso de la historia recae en Maggie, una adolescente infectada, y su lento proceso de transformación a devorador de vivos, momento en el que los familiares deben llevar al infectado a cuarentena, que no es otra cosa que a practicarles la eutanasia. Y ahí está la baza de Maggie: ya que el filme profundiza en la angustia que sufre tanto la protagonista como su familia ante un hecho irremediable, mostrando la vida pretendidamente normal que quieren llevar, pero que continuamente les recuerda el avance del mal, así como el rechazo ante los infectados y la tortura del padre que debe escoger qué será lo mejor para su hija, que también vive una historia de amor sin esperanza.

La pérdida de personalidad, la muerte anunciada, la eutanasia, nos lleva a una lectura de la historia en la que los zombies tan solo son una excusa para preguntas más profundas sobre la propia existencia y la pérdida de la identidad. Una desoladora historia en un paisaje apocalíptico, gris en el que no hay lugar para la esperanza.

El filme se desarrolla con un ritmo pausado. A veces demasiado, brillando la actuación de un contenido y creíble Arnold Schwarzenegger y la de la protagonista Abigail Breslin, que a pesar de su juventud tiene una abultada carrera a sus espaldas, con un anterior encontronazo con los muertos vivientes en Zombieland (Ruben Fleischer, 2009).

Es de agradecer que ante tanto fantástico mainstream, orbital o con lectura a lo Noves Visions, la doble sesión Midnight Extreme que se nos ofreció ayer, nos proporcionara dos productos de lo más apetecibles pero que, lamentablemente pasarán desapercibidos al ser ofrecidos en un horario prohibitivo:

BOUND TO VENGEANCE  (José Manuel Cravioto)

BTV_posterart-691x1024-691x1024-600x889Un rape&revenge en toda regla coproducido entre Estados Unidos y México que va directo al hueso desde el minuto cero, ofreciendo otra vuelta de tuerca a este cruel subgénero pero sin deleitarse, como tiende a suceder en otros títulos,  en los imaginativos modos de venganza, narrando de una forma elegante los antecedentes de la historia y dejando que descubramos, junto a la protagonista, a los culpables de su prolongado cautiverio. Manteniendo la intriga en todo momento y ofreciendo al espectador giros, volteretas e incluso algún salto mortal con un punto de perversión disfrutable si se disculpan las situaciones ilógicas y previsibles. Un buena actuación de su protagonista, la rusa Tina Ivlev, que como pueden imaginarse se pasa gran parte del metraje sufriendo, tanto en el papel de víctima como en el de verdugo. Por su parte, José Manuel Cravioto, su director, debuta en la pantalla grande con esta cinta.

GERMAN ANGST (Jörg Buttgereit, Michal Kosakowski y Andreas Marschall)

poster-1Cinta de episodios que reúne a tres talentos extremos del cine alemán, Jörg Buttgereit, Michal Kosakowski y Andreas Marschall, que nos ofrecen tres historias repletas de sangre, sexo y transgresión. De Büttgereit hay poco que podamos añadir más. De hecho ya le entrevistamos y pueden leer todas sus impresiones sobre su obra, incluido lo que pudo declarar en aquel momento sobre su German Angst, en este enlace. Los otros dos directores tienen cintas realmente interesantes en su filmografía, como Tears of Kali y Zero Killed, aunque ciertamente son más desconocidos para el aficionado español.

En todo caso el resultado obtenido con la mezcla de estos tres talentos es de lo más interesante. Paradójicamente Final Girl, el episodio de Büttgereit, es el más flojo de los tres, a pesar de su bienvenido feísmo formal, la buena utilización del sonido ambiental y las sugerencias de su argumento, que demuestran que el berlinés no ha perdido ni un ápice de su capacidad de perturbar.

Make a Wish, el segmento de Kosakowsky utiliza, en principio, una premisa sobrenatural para su historia sobre xenofobia, ofreciendo un resultado cercano a lo que sería un episodio ultra violento de Twiligh Zone.

Finalmente el tercer y último corto, que dirige Andreas Marshall, es el más introducido en la cultura germánica, pues nos lleva al mito de la Mandrágora, ampliamente reflejado en la literatura y cinematografía alemana como Alraune, una raíz vegetal a la que se le atribuyen propiedades mágicas, amén de afrodisíacas. Y no solo incide en el pasado fantástico alemán por ello, también con alguna referencia a Mabuse, uno de sus personajes clave. Guiño este que no deja de ser anecdótico para un desasogante relato de sexo extremo y clubs privados con momentos delirantes apoyados con un gore artesanal pero muy efectivo. En total, tres relatos en una cinta muy, muy interesante que conviene ver en buenas condiciones y, a ser posible, a mejor hora.

Esperemos que otros festivales la sepan valorar como es debido.

http://www.youtube.com/watch?v=aAYsMulhkcw

Sitges 2015: ‘The Boy’ y ‘Vulcania’

12 octubre 2015 Deja un comentario

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THE BOY  (Craig William Macneill)

Boy cartelDejenme que les hable del Bolero de Ravel. Sin duda conocerán la pieza, es una de las obras más reproducidas en todos los medios, considerada además como uno de los ejercicios más punteros de la música clásica del Siglo XX. Descrita más técnicamente, se trata de un movimiento orquestal inspirado en una danza española, se caracteriza por un ritmo y un tempo invariables, con una melodía obsesiva —un ostinato— en do mayor, repetida una y otra vez sin ninguna modificación salvo los efectos orquestales, en un crescendo que, in extremis, se acaba con una modulación a mi mayor y una coda estruendosa. Es todo un ejemplo de cómo componer para la orquesta al completo tratada como si fuera un instrumento en ella misma. La melodía es apenas una frase musical que se repite invariable mientras van incorporándose más y más instrumentos concluyendo en un tutti orquestal apoteósico.

¿Por qué he querido hablar de ello? Fácil, porque la estructuración narrativa de The Boy me hace pensar en la pieza de Ravel. El segundo largo de Craig William Macneill es también un crescendo construido con motivos que se repiten casi invariables, pero que cuyas ligeras modificaciones suponen toda una escalada de violencia, desde la casi inocua práctica de quemar insectos hasta el asesinato múltiple. Sin embargo, la película no obtiene el mismo resultado magistral de la composición con la que la comparo, porque su joven director parece desconfiar de sí mismo (o de la pericia del espectador) y dilata excesivamente la entrada del “pleno orquestal”. Y es que si algo tiene bueno la cinta es la creación de la atmósfera y la intriga, ambas bien destiladas en esta película de largos silencios, hasta el punto de que nos hace comprender perfectamente la evolución que está siguiendo su protagonista infantil, el excesivo aplazamiento de la coda estruendosa provoca una bajada en el interés del espectador medio y el filme pierde fuelle. Podría decirse que, paradójicamente, la película naufraga en su propio acierto por un mal cálculo de su tempo.

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No piense el lector que aún no haya visto la película que se trata de una obra totalmente fallida. Pese al defecto que enuncio (desde mi punto de vista) en el párrafo anterior, The Boy es uno de esos filmes inquietantes que nos incomodan por su violencia contenida, más cuando el sujeto que la ejecuta es un niño. A los nueve años de edad, Ted Henley (Jared Breeze) vive con su padre John (David Morse) en un apartado motel en medio de las montañas occidentales de Estados Unidos. Desde que la madre de Ted les abandonó, John es una sombra de sí mismo y es incapaz de cuidar de su hijo. Ted, que pasa el caluroso verano de 1989 machacando alimañas, entabla amistad con un misterioso forastero (Rainn Wilson) que se ha visto obligado a pernoctar en el motel por culpa del propio niño (prepara una trampa en la carretera en la que caerá un ciervo contra el que se estrella el forastero). El forastero vive envuelto en sus propios fantasmas, su mujer acaba de morir en un incendio, y sospechamos que la misma pareja lo provocó para cobrar el seguro (como parece que habían ido haciendo en diferentes puntos de la geografía estadounidense). Este huésped  forzado va a sustituir a la figura paterna e involuntariamente dará alas al lado oscuro del infante.

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The Boy bucea en los orígenes de la sociopatía, hace la autopsia al proceso que se habría de desarrollar en la mente de un niño para que acabara convirtiéndose en un asesino. Como ya se ha dicho, su recreación de la atmósfera que envuelve al proceso es impecable (y hay que elogiar también la actuación del pequeño), así nos ofrece un retrato convincente que habría resultado aterrador si hubiese calibrado algo mejor su ritmo. Un buen filme que lamentablemente no ha sabido cocinar bien su gran potencial dejándonos con un cierto regusto de decepción al finalizar la ingesta.

VULCANIA (José Skaf)

vulcania-2015-cartelVulcania es un noble intento de hacer cine de género tomándolo en serio, sin ninguna voluntad de parodia ni ironía brechtiana (aunque pueda contener humor), en la línea de Autómata (Gabe Ibáñez) o la televisiva El ministerio del tiempo, con la que comparte protagonista femenina (Aura Garrido en el papel de Marta). El ganador de un Goya por su cortometraje Regreso a Viridiana (2012), José Skaf, debuta en el largo de ficción con una distopía de manual (y no lo decimos en sentido peyorativo), un subgénero que parece estar disfrutando de un momento de esplendor.

¿Qué caracteriza a las distopias? Desde su trilogía fundacional (Un mundo feliz, 1984 y Fahrenheit 451) las distopías son representaciones imaginarias de una sociedad futura (o cuanto menos ubicada en un tiempo incierto) con características negativas que son causantes de alienación moral. A través de esa ficción lo que se busca es criticar lacras sociales del presente contemporáneo al autor, aunque también, y más allá, se trata de retratar los males inherentes al género humano. Así, 1984 (por tomar uno de los ejemplos citados) persigue cantar los males del totalitarismo (con especial hincapié en el stalinista), pero su denuncia sigue vigente en nuestro mundo híperconectado en el que las fronteras de lo público y lo privado parecen diluirse concediendo a los estados herramientas cada vez más eficaces para el control de los individuos.

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De la imaginación de Skaf, que además de dirigir la cinta es coautor del guión, nace Vulcania una comunidad aislada entre altos montes en la que conviven dos clanes familiares opuestos que, sin embargo, permanecen unidos por un objetivo común: mantener vivo el fuego de la fragua (en su nombre hay una nada velada alusión al célebre cuadro de Velázquez). Un libro arcano recoge las sentencias que dan sentido a la vida en Vulcania, estableciendo los deberes y las tradiciones que deben respetarse para el bienestar común y el propio, así como la advertencia del insondable peligro que supondría atravesar la frontera. Una voz omnipresente preside las jornadas de los habitantes de Vulcania, aparentemente motivadora, alentadora, en verdad lo que busca es adoctrinar paternalmente a los habitantes del poblado. Ese gran padre es el Sr. Valoquia (interpretado por un siempre convincente José Sacristán), figura a la par afable e imponente, cuya presencia, aunque autoritaria, es balsámica hasta el punto de que nadie parece cuestionarse la realidad circundante. Entre los habitantes se encuentra Jonás (Miquel Fernández), quien tras la muerte de su familia acepta un peligroso trabajo que le hace desarrollar un sorprendente poder. Sin embargo, el conocer a Marta, perteneciente al bando contrario, y quien también parece guardar un secreto, hará que Jonás inicie una investigación para descubrir qué esconden los cimientos de esta comunidad cuyos oscuros líderes intentan que la verdad no salga a la luz.

Vulcania rodaje

Skaf no ha omitido ni un sólo detalle canónico: el aislamiento en un paraje agreste; los símbolos herméticos que proliferan por todo el poblado desde los dinteles de las casas a los brazaletes con los que cada miembro señala su pertenencia a uno u  otro bando (con reminiscencia, además, de los signos masónicos); la figura del líder carismático; el misterio que se cierne sobre la comunidad advirtiendo del  peligro indefinido que caerá sobre quienes no acaten las ordenanzas del libro sagrado y/o traten de ir más allá de los lindes del pueblo y su fundición; y, por supuesto, los rebeldes que acabarán subvirtiendo ese orden (auto)impuesto. De ahí que hayamos hablado de distopía de manual, el suyo es un tratamiento con sabor naif, pero esa ingenuidad se nos antoja un valor admirable porque es la que permite que su película sea fresca y desacomplejada. En un mundo en el que todos parecemos venir de vuelta es estimulante que aparezcan obras como esta, con sus aciertos (excelente el momento en que descubrimos que el Sr. Valoquia no es más que el mayordomo de los cabecillas de cada clan, alusión a que el estado es la primera víctima de los poderes fácticos) y sus defectos (algunos giros de guión añaden una truculencia innecesaria).

Sitges 2015: ‘Contracted Phase 2’, ‘Cooties’ y ‘Le Tout Noveau Testament’

11 octubre 2015 2 comentarios

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CONTRACTED: PHASE 2 (Josh Forbes)

db_posters_33243En Contracted, película que fue programada durante la edición del festival de 2013, la joven Samantha (Najarra Townshen), adquiría una enfermedad de transmisión sexual que le causaba unos molestos síntomas cercanos a la descomposición post-mortem: dolores abdominales, preocupantes salpullidos cutáneos, pérdida de uñas y cabello y copioso sangrado vaginal con aparición de gusanos. Algo que poco antes nos había contado el canadiense Éric Falardeau de forma más gráfica y beligerante y revestido con un trasfondo más profundo en su cinta Thanatomorphose (2012). En todo caso la cinta de Eric England resultaba simpática y tenía ciertos toques de humor macabro de lo más saludable a pesar de su anticlimático final que presagiaba una secuela ya encuadrada presumiblemente dentro del más manido cine zombie. Y más o menos así ha sido, aunque tomando todos los caminos posibles y no decantándose por ninguno en concreto. England sabiamente se ha apartado de la secuela de su película, recayendo la dirección en el debutante Josh Forbes y el trastabillante guión en el casi también novato Craig Walendziak, quienes lejos de ofrecernos un producto interesante y rompedor han evitado, a pesar de iniciarse la acción de esta segunda parte justo donde terminaba la anterior, repetir la historia de la primera entrega, mostrando subtramas con las que da erráticos pasos por el cine zombi, satánico y apocalíptico, dejando de lado la parábola sobre el sexo no seguro que mostraba el film original. Afortunadamente tiene un buen surtido de efectos especiales repugnantes y su duración es lo suficientemente ajustada como para no salir corriendo de la sala o dormirse durante la proyección pero… ¡Su final abierto amenaza al espectador con una nueva entrega…!

COOTIES (Cary Murnion y Jonathan Milott)

cooties-posterCooties es la perfecta gamberrada para sesión de madrugada. Más comedia que cinta de terror, se vale de una mera excusa argumental para llenar la pantalla de vísceras y niños zombis devorando a sus profesores. Elijah Wood de nuevo apuesta en su faceta como productor por el cine fantástico. Así, tras presentar en ediciones anteriores el modélico remake Maniac (Franck Khalfound, 2012); la intrigante Grand Piano (Eugenio Mira, 2013); Una chica vuelve sola a casa de noche (I Girl Walks Home Alone at Midnight, Ana Lily Amirpour, 2014) y este año, The Boy (Craig William McNeill, 2015), ya merece ser reconocida su labor por el cine de género, con varios proyectos en cartera y este Cooties, cinta en la que además ejerce de protagonista interpretando a un escritor fracasado que vive con su madre y que tendrá que enfrentarse a esa horda de niños zombis infectados por nuggets de pollo en mal estado.

Sus directores debutan en el largo con esta cinta en la que intervienen, además de Elijah Wood, que se permite bromear sobre su pasado hobbit; la simpática Alison Pill, actriz canadiense a la que hemos podido ver en dos cintas de Woody Allen (A Roma con amor y Midnight in Paris), además de en la magnífica Rompenieves (Snowpiercer, Bong Joon Ho, 2013); Rainn Wilson, al que podemos ver también en The Boy, aquí como desquiciado profesor de gimnasia; o el ‘Lost’ Jorge García en un papel del todo descacharrante.

Con unos personajes que pecan de excesivos y un guión que, tal y como hemos indicado, no pasa de ser una excusa, no puede pedirse una obra maestra, pero es que el film no tiene más pretensión que hacernos pasar un buen rato. Y vaya si lo consigue.

Quizás lo más terrorífico de la cinta sea su inicio, en el que vemos el proceso de elaboración de los nuggets. Mejor no pensar mucho en lo que comemos.

LE TOUT NOVEAU TESTAMENT (Jaco Van Dormael)

 

Sitges 2015: ‘Turbo Kid’, ‘We Are Still Here’ y ‘Bloodsuking Bastards’

10 octubre 2015 Deja un comentario

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TURBO KID (François Simard, Anouk Whissell y Yoann-Karl Whissel)

1439136184378En 1997 la humanidad ha sufrido un apocalipsis y los supervivientes luchan por conseguir agua, un bien escaso. Un adolescente, solitario y amante de los cómics books de Turbo Ryder, revuelve entre los escombros y la basura para encontrar algún objeto que canjear en el mercado negro a cambio del precioso líquido. Este es el punto de partida de esta coproducción entre Canadá y Nueva Zelanda que pretende (y consigue) tener la apariencia de haber sido rodada en los años ochenta, premisa totalmente conseguida ofreciendo una estética retro en la que tienen cabida cintas de cassette, cubos de rubick, VHS y vestuario delirante, además de unos efectos gore premeditadamente burdos y un argumento naif regado con una banda sonora a base de sintetizadores. Villanos de cuchufleta entre los que destacan Zeus, un enorme Michael Ironside, y Edwin Wright como su secuaz Skeletron.

Esta disparatada cinta está basada en el corto ‘T’ is for Turbo de los canadienses François Simard, Anouk Whissell y Yoann-Karl Whissel, pensado para formar parte de la antología A,B,C of Death que sus responsables han decidido alargar hasta los 93 minutos sin que por ello resulte pesada. Muy al contrario, se trata de un filme delicioso, entretenido y totalmente disfrutable que consigue su premisa de transportarnos a la edad de oro de los video-clubs.

WE ARE STILL HERE (Ted Geoghegan) 

we-are-still-here-posterEsta opera prima dirigida por el productor metido a director Ted Geoghegan, cuenta con algunas bazas que a priori juegan a su favor: se trata de una historia de fantasmas con casa encantada. Algo que siempre resulta atractivo. Y además cuenta con la participación de dos actrices que a los amantes del fantástico nos gusta ver de nuevo en el candelero: Lisa Marie, que tras su idilio personal y laboral con Tim Burton andaba un tanto de capa caída hasta que Rob Zombie la sacó de su enclaustramiento incorporándola al elenco de The Lords of Salem (2012); y sobre todo Barbara Crampton, heroína de Re-Animator (1985) y Re-Sonator (1986), cintas de Stuart Gordon que convirtieron a la actriz en todo un icono del cine de terror. Espacio que parece estar recuperando de un tiempo a esta parte, concretamente desde que intervino en You’re The Next (Adam Wingard, 2011).

Así que, contando con estos elementos y sin dejar de ser un filme entretenido, uno esperaba algo mejor de esta cinta. A su favor hay que decir que sabe utilizar a la perfección la carta del suspense, creando una inquietante atmósfera. Pero por desgracia conforme avanza la acción, la película se va desinflando convirtiéndose en un trillado relato clasicote de aparecidos y posesiones ciertamente poco innovador con ciertas referencias a Lovecraft y, sobre todo, a Lucio Fulci y su Aquella casa al lado del cementerio (Quella villa accanto al cimitero, 1981) y El más allá (…E tu vivrai nel terrore! L’aldilà, 1981) ¿o me lo ha parecido a mí?

BLOODSUCKING BASTARDS (Brian James O’Connell)

BLOODSUCKING-BASTARDS_Keyart_One_Sheet_watermarked-695x1024Una empresa de tele-marketing contrata a un vampiro para que vampirice a sus trabajadores y así tener una plantilla perfecta: sin quejas, sin horarios, sin bajas, sin cobrar… vamos, el sueño de la patronal española. Si bien la premisa que se nos propone en Bloodsuking Bastards resulta atractiva, la verdad es que el resultado dista de ser interesante: como comedia no tiene maldita gracia y como película de terror menos, por lo que es, al menos, un magnífico somnífero  para los maratones Midnight X-treme en los que ha sido programada. Lástima.

El Festival acogerá la presentación y entrega del Premio Minotauro 2015

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El cineasta Elio Quiroga, autor de ‘Los que sueñan’, recibirá el premio y firmará ejemplares en Sitges 2015

Sitges 2015 será la sede escogida para la presentación de la novela de ciencia ficción Los que sueñan, del cineasta y escritor Elio Quiroga, reciente Premio Minotauro 2015. El evento se enmarca dentro de las numerosas actividades paralelas previstas para esta 48ª edición del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya.  Por segundo año, el Premio Minotauro se ha vinculado al Festival, que en su 48ª edición acogerá la rueda de prensa y entrega del Premio. Esta iniciativa vincula el primer festival de cine fantástico del mundo con el Premio Internacional de Literatura Fantástica y Ciencia Ficción de Ediciones Minotauro, con el objetivo de  ofrecer a todos los aficionados al género la ocasión de disfrutar y participar del evento que significa la entrega de la distinción.

En la rueda de prensa, (13 de octubre, a las 12 h) intervendrán además del autor, Elio Quiroga, el director del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, Ángel Sala, el editor ejecutivo de Minotauro José López Jara y los miembros del Jurado: Adrián Guerra, productor de cine; Carlos Molinero, ganador de la XI edición del Premio Minotauro; Marcela Serras, directora editorial de Minotauro; y Javier Sierra, escritor.  Posteriormente, a las 20.45 h, antes de la proyección de la película I am a Hero, en el Auditori del Hotel Melià de Sitges, tendrá lugar la entrega oficial del Premio. Además, el día siguiente, en el Espai FNAC (14 de octubre, a las 18h), Quiroga presentará Los que sueñan y firmará ejemplares.

La obra -a la venta a partir del próximo 6 de octubre- refleja el auge internacional que vive ahora el género. Los que sueñan narra la historia de Dante, quien vive en una casa en el campo, rodeado de bosques y tranquilidad. Pero cuando se encuentra consigo mismo en mitad de un descampado, la imagen idílica de su vida desaparece súbitamente. Dante cree que se ha vuelto loco. Pero la realidad es mucho más terrible… Los que sueñan es, según palabras del jurado del Premio Minotauro, “una novela que camina por varios géneros, desde el terror a la ciencia ficción pura, sin perder en ningún momento el rumbo. Una historia muy original y un verdadero desafío para el lector”.

Elio Quiroga es escritor, guionista y director de cine. Ha publicado tres novelas: El despertar (Timun Mas), Los códices del Apocalipsis (Tyranosaurus Books) e Ydill (Dolmen). Ha dirigido cuatro largometrajes: Fotos (Premio al mejor guión y Premio especial del jurado en el Festival de Sitges, 1997), La hora fría (2007), No-Do (2009) y The Mystery of the King of Kinema (2015), además de numerosos cortometrajes.

El Premio Internacional de Ciencia Ficción y Literatura Fantástica de Ediciones Minotauro alcanza ya su duodécima edición. Autores como Javier Negrete, León Arsenal, Carlos Sisí o Clara Tahoces figuran entre sus ganadores y se ha consolidado como un referente de la literatura de género, dotado con 6.000 euros.

Sitges 2015: Las mujeres realizadoras se abren paso en el fantástico

28 septiembre 2015 Deja un comentario

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Sitges 2015 proyectará fascinantes propuestas de cine fantástico y de terror dirigidas por mujeres cineastas y será testigo de una cinematografía donde el papel de la mujer gana especial relevancia. Si en la edición anterior películas como Good Night Mommy, The Babadook o A girl walks home alone at night rompieron una lanza a favor de un cine fantástico dirigido por mujeres, la 48ª edición del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya da protagonismo, no sólo a la autoría femenina, sino también a ejemplos de cine de género con claro subrayado feminista.

La sección Noves Visions One se abre con La novia (Tramuntana, viernes 9, 15 h y Prado, 22.45 h), la excelente adaptación de Bodas de sangre, de Federico García Lorca, que ha realizado Paula Ortiz, una película imaginaria y bellísima que busca a través de la imagen las raíces del mito. La misma sección se cerrará con Evolution (Tramuntana, sábado 17, 17.15 h y Prado 23.30 h), otra obra dirigida por una mujer, Harukos_Paranormal_Laboratory-review-mainLucile Hadzihalilovic, que relata una odisea de tintes lovecraftianos, suavizados por una sutil poesía de lo oscuro. En la misma sección, dos jóvenes realizadoras más presentarán sus últimos trabajos, como es el caso de Lisa Takeba con Haruko’s Paranormal Laboratory (Prado, viernes 9, 11 h y 01 h), peculiar trabajo de esta joven realizadora japon esa -que ya visitó el Festival la pasada edición con la sorprendente The Pinkie– o Blind Sun (Prado, viernes 9, 18.30 h i sábado 10, 10.45 h), ópera prima de Joyce A. Nashawati, una directora habitual hasta ahora en el circuito de cortometrajes, que firma esta aterradora historia de comportamientos extremos bajo un sol amenazador y omnipresente. Además, la sección Oficial Fantàstic Competició proyectará The Invitation (Tramuntana, sábado 10, 21.15 h, Auditori, lunes 12, 13.30 h y Retiro, viernes 16, 10.30 h), un thriller adulto y impactante firmado por la directora y guionista norteamericana Karyn Kusama, autora de films como Girlfight, Aeon Flux y Jennifer’s Body.

Además, el Festival homenajeará también a la actriz argentina Rossana Yanni, que eatenrecibirá el Premio Nosferatu en esta 48ª edición. La sección Brigadoon proyectará algunas de las películas de su carrera, como El gran amor del conde Drácula (Brigadoon, sábado 10, 17 h), de Javier Aguirre o Bésame monstruo (Brigadoon, martes 13, 21 h), de Jesús Franco. La programación de Brigadoon también resalta la importancia de la mujer en el cine de terror, con la presencia de la mítica actriz Me Me Lai -que presentará Eaten Alive! The Rise and Fall of the Italian Cannibal Film– o el estreno del documental sobre Soledad Miranda realizado por Pepe Flores y Paco Millán.

Este panorama se cerrará brillantemente con la película que clausurará Sitges 2015: Into the Forest (Auditori, sábado 17, 20.15 h y Tramuntana, 23 h), de Patricia Rozema, una de las grandes triunfadoras del reciente Festival de Toronto y una lúcida visión del apocalipsis desde ojos femeninos.

La exótica Me Me Lai

La exótica Me Me Lai

Categorías:Festival de Sitges
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