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Cartel y nuevos detalles sobre ‘Cortos con K’ 2017: Festival de cortometrajes de terror y fantástico

Nos complace presentaros el cartel de la quinta edición de CORTOS CON K FESTIVAL, inspirado en todo un clásico del cine de ciencia ficción  El Tiempo En Sus Manos (The Time Machine. George Pal, 1960), adaptación cinematográfica de la obra de culto escrita por H.G. Wells en 1895. Un año más la ilustración nace de la invención del artista barcelonés Juan Rubí a través de su firma DkillerPanda, y muestra de manera personal elementos sobre la mítica película con unos simpáticos Morlocks o la flamante máquina del tiempo en la que viajaba el actor Rod Taylor hasta el año 802.701.

El cartel también sirve para presentar el ‘leitmotiv’ del festival, que este año y a través de diferentes propuestas estará dedicado a los viajes en el tiempo. Largometrajes, cortos, literatura, sesiones temáticas, presentaciones y charlas, serán algunas de las ofertas que ofreceremos al espectador sobre este interesante subgénero. Durante el festival también tendrá lugar la presentación del Klowns Horror Fanzine #6, revista temática donde analizamos las películas más destacadas en torno a las paradojas y los viajes en el tiempo.

CORTOS CON K FESTIVAL 2017 contará como cada año con las ya habituales secciones. “Muestra de Cortometrajes Fuera de Concurso”, donde daremos protagonismo a las obras que se quedaron a las puertas de la final; la sección competitiva “Finalistas a Competición”, donde proyectaremos los trabajos seleccionados por la organización que optarán a los premios del festival; “Jóvenes Realizadores”, dedicada a óperas primas o trabajos de alumnos de escuelas de cine; y los homenajes a diferentes personalidades del mundo del cine. El festival también volverá a contar con la sección “Retrospectiva en Corto”, en la que recuperamos de manera nostálgica los primeros trabajos de directores ya consagrados en el mundo del cine. Una sección que el año pasado tuvo un gran recibimiento y donde proyectamos trabajos como “Mala Suerte” o “Tight” de Sergi Vizcaino, “Home Delivery” de Elio Quiroga, o “I’ll See You In My Dreams” de Miguel Ángel Vivas, entre otros.

Os recordamos que hasta el 31 de mayo está abierta la inscripción de cortometrajes a través de los canales habituales, como las plataformas de envío: Festhome, Movibeta, Click for Festivals o Film-Salad.com, o por medio del correo electrónico: inscripciones@cortosconkfestival.com

El Festival está subvencionado por el Ayuntamiento de Barcelona – Distrito de Les Corts y el apoyo de la S.C L’Espiga de les Corts, y se celebrará los días 30 de junio y 1 de julio en la S.C. L’Espiga de Les Corts. C/Joan Gamper, 30. Les Corts.

 

El cine en zapatillas: Los asesinos de la luna de miel (The Honeymoon Killers, Leonard Kastle, 1970)

LOS ASESINOS DE LA LUNA DE MIEL (The Honeymoon Killers, Leonard Kastle, 1970) BLU-RAY Regia Films

USA. Duración: 108 min. Guion: Leonard Kastle Música: Gustav Mahler Fotografía: Oliver Wood (B&W)  Productora: Cinerama Releasing Corporation Género: Drama Formato pantalla: 1,85:1 – 16:9 Audio: DTS-HD Castellano e inglés Subtítulos: castellano

Reparto: Shirley Stoler, Tony Lo Bianco, Mary Jane Higby, Doris Roberts, Kip McArdle,Barbara Cason

Sinopsis: Martha Beck (Shirley Stoler) es la jefa de enfermeras del Hospital de Mobile en Alabama, con sobrepeso, soltera y falta de cariño. Raymond Fernández (Tony Lo Bianco) es un latin lover que se cita con mujeres mediante los anuncios clasificados de la prensa, los “corazones solitarios”, para robarles cientos de dólares con la falsa promesa de casarse con ellas. Muy pronto se encontrarán trabajando juntos en la tarea de engañar y robar a mujeres solteras y viudas, presentando a la ex enfermera como a la hermana de Raymond. Pero los celos enfermizos de Martha y su volátil temperamento harán que las cosas se tornen cada vez más violentas…

Regia Films edita en lujoso formato Blu-ray una de las películas que más gana tenía Serendipia de llevarse a su cubil. Los asesinos de la luna de miel se nos estaba resistiendo. Tentados estuvimos de hacernos con ella y verla en edición foránea ya cuando se editó en VHS por Tartan Video en los noventa y la tienda Gorgon la tenía, tentadora y en inglés, en una de sus estanterías. Tal era el interés desbocado que Serendipia tenía por esta película. Años después e ignorando que hubiera salido editada por Filmax, seguíamos sin verla así que, en cuanto supimos que Regia la iba a editar, por un lado nos dio mucha alegría, pero por otro temimos que nos defraudara.

Pero la espera ha valido la pena y las condiciones han resultado insuperables: la edición de Regia Films luce magnífica en radiante blanco y negro y con la posibilidad (imperdonable hacerlo de otra forma) de disfrutarla en versión original subtitulada al castellano. 

Más información y pedidos: http://www.regiafilms.com/

CUANDO LA FICCIÓN SUPERA LA REALIDAD: MARTHA Y RAY

Raymond Fernández, norteamericano de padres españoles, era un cabeza de familia responsable y trabajador que vivía con su esposa y sus cuatro hijos en La Linea de la Concepción. En 1945 durante un viaje en barco a Estados Unidos tuvo un accidente recibiendo un golpe en la cabeza que, además de una fea cicatriz, le traería un cambio total de personalidad. Cometió un delito que le supuso un año de condena en Tallahassee (Florida), donde conoció el vudú y la magia negra de la mano de los indios que estaban en prisión. Se convenció de que tenía poderes hipnóticos especiales y que con ellos podría tener a todas las mujeres que quisiera. Y es que el accidente también había despertado unos desbocados deseos sexuales en Fernández. Ya en Nueva York se convirtió en un don Juan de guardarropía que mediante anuncios en clubs de corazones solitarios conocería a solteras y viudas a las que además de utilizar para saciar sus apetitos sexuales, despojaba de sus bienes. No tenía manías, todas despertaban su deseo. Según declaró, en dos años sedujo a más de cien mujeres, atribuyendo su éxito a su mirada hipnotizadora.

En 1947 se casó con Lucilla Thompson, una mujer mucho más mayor que él a la que llevó de luna de miel a España, concretamente a la casa donde vivía su esposa Encarnación con sus cuatro hijos. Lucilla pronto se dio cuenta de la situación. Pero no le dio tiempo a mucho más pues apareció muerta en un hotel de Sevilla. Lo que se diagnosticó como paro cardíaco, había sido realmente obra de Raymond con la ayuda de una droga, la digitalina, que ocasiona síntomas similares al ataque al corazón. Fernández volvió a casa de su suegra y esgrimiendo un documento que había falsificado, se declaró único heredero de los bienes de su esposa, a la que había hecho firmar dos papeles en blanco que él posteriormente había rellenado.

No tardó en volver a la carga escribiendo y contactando con una joven de 26 años, enfermera y con casa propia, que despertó su interés. Se trataba de Martha Seabrook Beck. Hija de madre dominante, Martha sufrió un desorden glandular a los nueve años que la hizo engordar desaforadamente, además de provocarle un continuo apetito sexual. Se hizo enfermera, pero por su aspecto solo consiguió trabajo en pompas fúnebres lavando y amortajando cadáveres. En los ratos libres se dedicaba a acosar a hombres en las paradas de autobús. Hasta que uno la dejó en estado, suicidándose poco después. Encontró un nuevo trabajo en el hospital donde dio a luz, hasta 1944, año en que la despidieron por conducta escandalosa. Era una mujer dominante, a la que no interesaba el galanteo y agradaba el sexo duro. Poco después se casó y tuvo otro hijo, pero no tardó en divorciarse. Un día le hicieron una broma, un conocido escribió a un club de corazones solitarios de Nueva York en su nombre.

Cuando conoció a Raymond Fernández pensó que había conocido al hombre de su vida y decidió que nunca se separaría de él. Así que tras intentar suicidarse metiendo la cabeza en el horno, Martha convenció a Raymond de irse a vivir con él, abandonando a sus hijos que quedaron al cuidado de su madre. Informada por Ray de sus tejemenejes con viudas y solteronas, lejos de sorprenderse Martha se convirtió en su cómplice, presentándose ante las pretendientes como hermana de Raymond.

Si bien al principio alguna de sus presas escapó con vida tras ser saqueada a conciencia, Martha tenía unos feroces celos, así que no tardó en utilizó sus conocimientos químicos para suministrar fármacos con los que librarse de las desafortunadas novias de Raymond. En 1949 la cosa pasó a mayores cuando Martha asesinó de un martillazo en la cabeza a la nueva señora Fernández, Janet Fay, de la que se deshicieron metiéndola en un baúl y enterrándola en el sótano de la casa que tenían alquilada en el neoyorquino barrio de Queens. El mismo día que la enterraban llegaba una carta de una nueva pretendienta, Delphine Downing, viuda de cuarenta años que tenía una hija de dos años, Rainelle. En pocos días allí aparecieron Martha y Raymond. Y en muy poco tiempo estaban durmiendo juntos Raymond y Delphine. Una situación que duró poco, pues los celos de Martha no se lo permitieron. Y más cuando se enteró que Delphine se había quedado en estado. Le dio unas pastillas con el pretexto de que eran abortivas y profundamente sedada fue finiquitada, de un tiro en la cabeza, por Raymond, que aturdido y desmoralizado por lo que  había hecho, dejó que Martha se encargase de enterrar el cadáver en el sótano y ahogar en una tina llena de agua a la pequeña Rainelle. Pero unos vecinos sospechando que algo raro estaba sucediendo llamaron a la policía, ante la que rápidamente confesaron tanto Raymond como Martha ofreciendo, eso sí,  versiones diferentes de los  hechos.

La opinión pública se horrorizó ante los crímenes de estos asesinos de corazones solitarios, tal y como la prensa los había bautizado. En especial fue el asesinato de la niña lo que más conmocionó al público. Como en Michigan, donde fueron detenidos, no había pena de muerte, Martha y Ray fueron trasladados a Nueva York, donde sí podían ser ejecutados y donde fueron juzgados por el asesinato de Janet Fay, resultando condenados el 17 de junio de 1949 a morir en la silla eléctrica, siendo ejecutados en marzo de 1951 tras agotar todos los recursos. Dos horas antes de la ejecución Fernández le envío un mensaje a Martha en el que decía “Me gustaría gritarle al mundo el amor que siento por ti”. Cuando ella lo recibió se le iluminó la cara y, abrazando a la enfermera dijo “Ahora sé que Raymond me quiere y puedo afrontar la muerte con alegría”.

El club donde Raymond Fernández obtenía las direcciones de sus víctimas se llamaba “Mother Dinene”. Después del arresto de la pareja se descubrió que “Mother Dinene” era una mujer que vivía confortablemente en el barrio del Bronx (Nueva York). Los detectives de la policía cerraron el Club por fraude, pero la mujer no tardó en abrir otro en el que prometía la felicidad marital por tan solo cinco dólares.

THE HONEYMOON KILLERS

Leonard Kastle

¿Qué tuvo que suceder para que el compositor de ópera Leonard Kastle terminara escribiendo y dirigiendo The Honeymoon Killers? Pues que Martin Scorsese, el director seleccionado para rodar esta cinta fuera despedido tras tan solo una semana de rodaje, así como su sustituto, el desconocido Donald Volkman. Prácticamente fue una cuestión de azar. Pero no piensen por el escaso bagaje de Kastle en el cine que el resultado obtenido fue pésimo, muy al contrario, The Honeymoon Killers es una cinta visualmente contagiada de los aires renovadores que llegaban desde Europa. Rodada en un blanco y negro repleto de grises, su marcado aire naturalista, al que contribuyen las actuaciones de los actores, en especial la pareja protagonista, hace que casi resulte cinéma vérité. Con  unos movimientos de cámara llenos de modernidad, pero también con cierto aire exploitation, al que contribuye su descuidado uso de la música, mediante  jirones de Gustav Mahler. No puede sorprendernos menos leer que este era el filme americano favorito de François Truffaut.

El guión, que también escribió Kastle, sigue de manera aproximada los hechos tal y como sucedieron, aunque se omite el accidente que Raymond sufrió y que redirigió su vida hacia el crimen, a pesar de que luce una cicatriz en la cabeza que se esfuerza en tapar con un bisoñé de la que no se nos explica cual su origen. Tampoco se habla de su vida en España, ni de la maternidad de Martha. El director -y guionista- prefiere poner el acento en los protagonistas como pareja, ya que para él, “Martha y Raymond no habrían llegado, por sí solos, a hacer lo que hicieron. Fue su encuentro lo que les convirtió en los asesinos más grotescos que se pueda imaginar. En ese sentido, creo que mi film es un estudio de la personalidad”.[1]

Leonard Klastle también se permitió añadir algunas dosis de humor negrísimo, sobre todo en la primera parte de la película. Nos retrata a las pretendientes de Raymond de forma paródica, casi cómica, con actuaciones teatrales, exageradas, que contrastarán con las que tendrán las víctimas de la segunda parte de la cinta. Más realistas. Será a partir del sórdido y aterrador asesinato de la anciana cuando cambie el tono de la película. Subirá el  horror, ya no se tratará de asesinatos casi accidentales, en la distancia, con fármacos. Desde ese momento la poca simpatía que pudieran despertar esa pareja de perdedores, desaparecerá. Esfumándose definitivamente cuando eliminen a sus dos últimas víctimas. Ese cambio de tono, brutal, se reflejará en los ojos de la última mujer que asesinan. Un crimen que el director capta de forma magistral. Y es que viendo The Honeymoon Killers nos damos cuenta del gran director que hemos perdido y de la injusticia que se ha cometido con esta película catalogándola como serie B. “Este es un film que hemos hecho sin presiones de ninguna clase. Nadie lo ha visto antes de ser montado y tuvimos muchas dificultades para encontrar un distribuidor. Todos pensaban que el film sería muy torpe, muy real y, sobre todo, no lograban entender la presencia de una protagonista de 110 kilos. Creían que todo resultaba demasiado deprimente. Por fin, cuando un distribuidor se arriesgó, el film se presentó en Nueva York y Los Angeles, el favor de la crítica superó nuestras más optimistas previsiones“.[2]

Tampoco sería esta película lo que es sin esa magnífica pareja de actores protagonistas.

Shirley Stoler, hija de inmigrantes judíos polacos, se inició en el teatro underground. El primer papel cinematográfico que interpretó fue el de la asesina Martha Beck a los 41 años, un papel nada amable que se prolongó en otros de similar talante como horrible funcionaria de prisión, prostituta y comandante de campo de prisioneros.  Roles grotescos y crueles en los que mandaba su físico que tuvieron su excepción en un breve papel como sufrida madre en El cazador (The Deer Hunter, Michael Cimino, 1978). También intervino en diversas series televisivas e incluso debutó en Broadway en 1981 con Lolita, junto a Donald Sutherland y Blanche Baker, que se suspendió tras solo nueve días en cartel. Fallecío en 1999 a los 69 años por insuficiencia cardíaca.

Por su parte la carrera de Tony Lo Bianco se distingue tanto por su versatilidad, como por la calidad de su trabajo. Ha aparecido en numerosas películas, programas de televisión y obras teatrales, tanto actuando como ejerciendo de escritor, director y productor. Neoyorquino nacido en Brooklyn, entre sus más de cien actuaciones cinematográficas destaca su Sal Boca en Contra el imperio de la droga (The French Connection, William Friedkin, 1971)

A pesar de las críticas favorables que recibió su película y de las dos nuevas cintas, A Wedding at Cana y Aloha, que tenía proyectado rodar para el productor de The Honeymoon Killers, Warren Steibel, Leonard Kastle retornó al mundo de la música y no volvió a dirigir cine.

A finales de los setenta se anuncio en la revista Variety una secuela de The Honeymoon Killers. Aunque nunca se produjo, la historia partiría de una cita íntima entre Ray y Martha mientras esperaban su ejecución en el corredor de la muerte que habría tenido como resultado el nacimiento en prisión de gemelos, niño y niña, que serían separados al nacer. Años más tarde ambos formarían equipo como pareja de amantes asesinos sin sospechar que eran realmente hermanos.

Destacar también que el caso resultó lo suficientemente atractivo como para ser tratado, con desigual suerte, por otros cineastas. Hasta ahora se han realizado tres versiones más de la historia: las norteamericanas Contacto letal (Lonely Hearths, Andrew Lane, 1991) y Corazones solitarios (Lonely Hearths, Todd Robinson,  2006) y la mexicana Profundo Carmesí (Arturo Ripstein, 1996).

LOS ASESINOS DE LA LUNA DE MIEL

Programa de mano desplegable original

Estrenada en 1970, arribó de manera muy puntual a nuestras sacrosantas pantallas, concretamente en noviembre de ese mismo año se estrenó en el Publi  de Barcelona y al mes siguiente en el Galileo de Madrid, relegada al circuito de salas de Arte y Ensayo lo cual, por otra parte,  fue una ventaja ya que se ofreció en versión original subtitulada.

Mientras que no hemos podido acceder a la crítica madrileña en Barcelona, donde se estrenó junto al cortometraje Gente de mesón de Francisco Betriu, se recibió como agua de mayo si hacemos caso al tiempo que se mantuvo en cartelera y a alguna de las críticas que desató. Para la Vanguardia es una cinta “de un interés verídico y realizada con una eficacia que roza la brillantez.”[3] Concluyendo que “Acaso a Kastle pueda criticársele aquello mismo que se puede considerar como su mayor mérito: la crudeza sin freno, la crueldad (…), el realismo feroz que sirve de vehículo al verismo que quiere servirnos. Pero su verdad si hiere es siempre humana y nunca truculenta. Y la historia es aleccionadora y de un alcance estremecedor por esta honrada intransigencia con que su narrador cinematográfico destierra mitos y tópicos hasta sus últimas consecuencias.”[4]

NOTAS
[1] Declaraciones de Leonard Kastle incluidas en el programa de mano español.
[2] Ídem
[3] J.P.M. en La Vanguardia del jueves 12 de noviembre de 1970. Pág. 56
[4] Ídem

CARTELERÍA Y MATERÍAL GRÁFICO

Concurso de Relatos Klowns Horror Fanzine #6: Viajes en el tiempo

Banner Concurso de Relatos KHF#6_01

Con motivo del próximo lanzamiento del Klowns Horror Fanzine #6, revista temática que dedica este número a las películas más destacadas sobre paradojas y viajes en el tiempo, lanzamos el ya habitual concurso de relatos temáticos, en el que se pone a prueba la imaginación y originalidad de los participantes. El ganador del concurso verá su obra publicada en el fanzine y recibirá un ejemplar del mismo más la novela escrita por Lluís Rueda -PARADOJA EN RENFIELD STREET, una de las últimas novedades de la Editorial Hermenaute que este año vuelve a colaborar en el concurso. Además, se incluye el dvd de la película “LOS PASAJEROS DEL TIEMPO”.

Si te animas a participar y desarrollar una interesante historia que contenga los elementos más característicos de la temática y nos haga viajar en el tiempo, aquí puedes leer las bases del concurso.

Bases del concurso

  • Relatos originales del autor en torno a la temática. Paradojas temporales – viajes en el tiempo – bucles temporales.

  • Textos en castellano de entre 800 y 1000 palabras acompañados por su título.

  • Archivos preferiblemente en Microsoft Word o Open Office.

  • Recepción de las obras del 22 de marzo al 20 de mayo.

  • Cada autor podrá enviar un máximo de 3 relatos.

  • Concurso de ámbito nacional (SOLO PARA ESPAÑA)

  • Enviar las obras junto con el nombre completo del autor al email: klownshorrorfanzine@gmail.com (Asunto: relatos fanzine#6)

  • La obra ganadora se dará a conocer a finales del mes de mayo en la web.

Premios

  • Publicación del relato en el fanzine

  • Un ejemplar del Klowns Horror Fanzine#6

  • Novela -Paradoja en- Renfield Street de la Editorial Hermenaute

  • DVD de “Los Pasajeros del Tiempo” (Time After Time. Nicholas Meyer, 1979)

La presentación del fanzine tendrá lugar durante la celebración del Cortos con K Festival 2017 dentro de la sesión temática Klowns Horror Cinema vol.6.

¡¡¡Animaros a participar y mucha suerte!!!

El 35 Salón del Cómic, listo para despegar

El próximo jueves 30 de marzo, dentro de una semana, termina la cuenta atrás y el 35 Salón Internacional del Cómic de Barcelona empieza a volar. El recinto de Fira Barcelona-Montjuïc albergará un año más el Salón, que se desarrollará en los Palacios 1, 2.1, 3.1 4 y en la Plaza Univers. El certamen organizado por FICOMIC tendrá la aviación como uno de sus ejes temáticos, sobrevolando cuatro días en los que nos visitarán casi una treintena de autores internacionales y tendremos un atractivo programa de exposiciones, actividades, firmas de autores y eventos como la presentación oficial en España de Nintendo Switch.

(Fotos: Serendipia)

El Instituto Ramón Llull ha acogido este jueves, 23 de marzo, la rueda de prensa en la que se han presentado de forma definitiva los contenidos del Salón. En ella han participado Manuel Forcano, director del Instituto Ramón Llull; Patrici Tixis, presidente de FICOMIC y del Gremio de Editores de Catalunya; Manuel Curdi, Brand Manager de Nintendo Ibérica, y Carles Santamaría, director del Salón Internacional del Cómic y secretario general de FICOMIC.

El director del Instituto Ramón Llull, Manuel Forcano, ha abierto la rueda de prensa expresando su satisfacción por poder acoger esta puesta de largo del Salón del Cómic, que sintoniza plenamente con su intención de “promover el cómic hecho en Catalunya en el extranjero, dado que aquí se editan más del 90% de los cómics que se venden en el Estado español”. Forcano ha explicado que el gobierno de las Islas Baleares también forma parte del Instituto y ha subrayado la importancia de esta comunidad autónoma en lo que respecta al apoyo institucional que se da allí al cómic, con ayudas a los creadores o el premio que, desde hace cinco años, concede el ayuntamiento de Palma de Mallorca.Patrici Tixis, presidente de FICOMIC y del Gremio de Editores de Catalunya, ha recogido el guante de Forcano celebrando el inicio de una colaboración que esperan larga y fructífera, “ya que nuestro objetivo, al hacer el Salón del Cómic, es sobre todo hacer difusión del cómic, y es una buena señal que el Instituto Ramón Llull se apunte a esta tarea”. Tixis ha destacado el aumento en espacio físico y en número de expositores, que roza los doscientos, y ha agradecido también su presencia y la confianza en el Salón a Manuel Curdi, Brand Manager de Nintendo Ibérica, el siguiente en tomar la palabra.

Curdi ha explicado que la principal intención de Nintendo apoyando eventos como el Salón del Cómic es conseguir que más gente juegue, con independencia de su sexo, edad o habilidades para jugar. “El mundo del cómic ya hace años que ha conseguido que no haya que pedir perdón por publicar en los medios noticias sobre ello; para nosotros sigue siendo difícil explicar que los videojuegos también son cultura”, ha dicho, valorando el impacto positivo y el valor informativo que a este respecto tiene el estar presente en el Salón del Cómic, el evento que han escogido para iniciar la gira nacional de su nueva consola Nintendo Switch.

Por último, Carles Santamaría ha hablado de los contenidos del Salón, de exposiciones, invitados y actividades. Este año serán trece las muestras que podrán verse en el certamen, y a las ya avanzadas, como la consagrada a la aviación o las dedicadas a Will Eisner o al fanzine Fanhunter de Cels Piñol, hay que sumar una exposición de originales del legendario Milton Caniff, otro maestro del cómic norteamericano, o una muestra del humor gráfico que ha generado alrededor del mundo la irrupción en la política, con mudanza a la Casa Blanca incluida, del polémico Donald Trump. Lucky Luke, el mundo espejo de Ekhö o Antoni Gaudí, en cuya obra nos adentraremos a través de las páginas del cómic El fantasma de Gaudí, protagonizan el resto de exposiciones del Salón. Ha destacado el apoyo que tiene el Salón del Ayuntamiento de Barcelona, la Generalitat de Catalunya y el Ministerio de Cultura, además del patrocinio de Nintendo, y de diversas instituciones, entidades, empresas y asociaciones. “El Salón del Cómic es una gran fiesta del cómic abierta a todo el mundo, donde los autores, editores, distribuidores, libreros y fanzines son los grandes protagonistas”, ha señalado.

Y en cuanto a los autores extranjeros que estarán presentes en el 35 Salón Internacional del Cómic de Barcelona, contaremos con la presencia de Liza Donnelly, que lleva treinta años haciendo humor gráfico en el The New Yorker Magazine y en otras cabeceras estadounidenses; tendremos al maestro de la historieta belga Hermann o al francés Romain Hugault, toda una referencia en lo que al cómic sobre aviación se refiere; a Gene Ha, que ha trabajado con Alan Moore en Top 10; a Jill Thompson, que presentará en el Salón su original punto de vista sobre Wonder Woman; desde Bélgica vendrá Bruno Gazzotti; Kim Jung Gi nos mostrará en directo su habilidad única para el dibujo; el matrimonio Bryan y Mary M. Talbot que nos presentarán sus novedades; o Dave Gibbons, uno de los artífices de Watchmen, entre otros.

El 35 Salón del Cómic de Barcelona también contará con un taller de impresoras 3D, una de las novedades de este año; un taller de youtubers, en la línea iniciada en la pasada edición para dar visibilidad a este medio de expresión; un taller de juegos de mesa vinculado a Fanhunter, y Santamaría también ha destacado que este año se amplían las actividades pedagógicas dirigidas a profesores y alumnos de escuelas. Ahora solo queda contar los días hasta el próximo jueves para que empiece el Salón del Cómic, que cerrará sus puertas el domingo 2 de abril.

El 35 Salón Internacional del Cómic de Barcelona tendrá lugar del jueves 30 de marzo al domingo 2 de abril de 2017 en los Palacios 1, 2.1, 4 y Plaza Univers de Fira Barcelona Montjuïc.

La venta anticipada de entradas se realiza exclusivamente desde www.ficomic.com.

Novedades Diábolo para marzo de 2017: cómic, canción infantil y literatura juvenil

En un mes tan especial como es este para una editorial de comics, Diábolo edita una novela gráfica sobre un suceso siempre de actualidad, y lo hace con una mezcla de fotografía y cómic que sin duda hacen e este McCurry, NY 11 septiembre 2001 una obra a destacar de entre las de este año. La revista Cthulhu cumple diez años. 17 números ofreciendo cómics de terror. Y en su exitosa linea de libros dedicados a la cultura popular, Diábolo nos ofrece una monografía sobre la canción infantil  a cargo de Jorge Lérida, y  Siempre quise ser uno de los cinco, obra en la que Guillem Medina se adentra en la literatura juvenil. 

 

VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 24 de marzo de 2017 *

UN HOMBRE LLAMADO OVE (En man som heter Oveaka, Hannes Holm, 2015)

Suecia  Duración: 116 min. Guion: Hannes Holm (Novela: Fredrik Backman) Fotografía: Göran Hallberg Productora: Film i Väst / Nordisk Film / Nordsvensk Filmunderhallning / Sveriges Television (SVT) / Tre Vänner Produktion AB Género: Comedia dramática
Reparto: Rolf Lassgård, Bahar Pars, Filip Berg, Ida Engvoll
Sinopsis: Ove (Rolf Lassgard) es el gruñón de la urbanización. Un hombre solitario y obsesionado por las normas, que lleva de cabeza a todo el vecindario. Su mal humor empeora cuando es forzado a jubilarse de la empresa en la que ha trabajado toda su vida. Pero su vida da un giro cuando la iraní Parvaneh (Bahar Pars) y su familia se convierten en sus nuevos vecinos.

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Una  comedia naif y para toda la familia que se las ingenia, de camino, para denunciar la intolerancia hacia emigrantes, homosexuales e incluso gatos. Aunque ya desde el principio sabemos que el mezquino y cascarrabias Ove terminará siendo un ángel para sus vecinos en lugar del molesto vigilante obsesionado con las normas de convivencia de la urbanización. Ser anticipable no le resta interés a la cinta, que se ve con agrado y algo de placer culpable ante el exceso de buenismo que derrocha.

Humor blanco por mucho que la historia arranque con el intento de suicidio del protagonista. De hecho, resulta muy ingenioso como el director introduce los flashbacks durante los diferentes intentos de Ove de quitarse la vida. Mediante estas visitas al pasado sabremos los motivos que llevaron a Ove a alcanzar y perfeccionar ese grado de mezquindad que le ha convertido en persona non grata en todo el vecindario.

Basada en la novela ‘En man som heter Ove‘, ópera prima del escritor sueco Fredrik Backman que ha sido publicada en más de 30 países, tiene, como casi todas las primeras novelas, mucho de autobiográfico: si en la novela uno de los personajes clave es una emigrante iraní y parte de la acción se desarrolla en Palma de Mallorca, en la vida real la esposa del escritor es de origen iraní y una gran enamorada de Barcelona.

Ingeniosa, sencilla y deliciosa, a pesar de los inconvenientes señalados en relación con su exceso de melaza, nos parece una cinta recomendable ya que en estos tiempos que nos han tocado, no está de más llevarse en el corazón una buena ración de buenos sentimientos, que no por escasos dejan de ser necesarios.
2016: Premios Oscar: Nominada a mejor película de habla no inglesa y maquillaje
2016: Premios del Cine Europeo: Mejor comedia europea
2016: Satellite Awards: Nominada a Mejor película de habla no inglesa
2015: 3 Premios Guldbagge, incluyendo mejor actor (Lassgård). 6 nominaciones

LA CURA DEL BIENESTAR (A Cure for Wellness, Gore Verbinski, 2016)

USA/Alemania Duración: 156 min. Guion: Justin Haythe, Gore Verbinski Música: Benjamin Wallfisch Fotografía: Bojan Bazelli Productora: New Regency Productions / Blind Wink Productions / Studio Babelsberg Género: Thriller

Reparto: Dane DeHaan, Jason Isaacs, Mia Goth, Susanne Wuest, Celia Imrie, Lisa Banes,Adrian Schiller, Ivo Nandi, Natalia Bobrich, Johannes Krisch, Jason Babinsky,Judith Hoersch, Jeff Burrell, Eric Todd, Godehard Giese, Craig Wroe
Sinopsis: Un joven y ambicioso ejecutivo de empresa (Dane DeHaan) es enviado para traer de vuelta al CEO de su compañía, que se encuentra en un idílico pero misterioso “centro de bienestar”, situado en un lugar remoto de los Alpes suizos. El joven pronto sospecha que los tratamientos milagrosos del centro no son lo que parecen. Cuando empieza a desentrañar sus terribles secretos, su cordura será puesta a prueba, pues de repente se encontrará diagnosticado con la misma y curiosa enfermedad que mantiene allí a todos los huéspedes, deseosos de encontrar una cura.

La cura de bienestar es una magnífica propuesta de cine de terror, con aires muy clásicos pero desarrollada en pleno siglo XXI. Mad doctors que descubren su rostro desfigurado como Erik, el fantasma de la ópera; sectas siniestras; un balneario con aspecto de castillo tenebroso ubicado en la cima de una montaña (Hohenzollern, Alemania); lúgubres laboratorios con instrumental del siglo XIX …  Un entorno inmejorable y un argumento que construye una interesante intriga la cual se desarrolla con una cadencia casi onírica, mezcla de realidad y alucinación, creando un universo irreal, misterioso. Pero… lamentablemente tropezamos con un pero.

Para un sector de la crítica, la más especializada en cine fantástico y de terror, y un sector del público, el amante del género, esta cinta resultará una exquisitez. Digresiva y desmesurada, pero también estimulante y arriesgada. Una anomalía hollywoodiense destinada a convertirse en filme de culto. Y advertirán en las redes sociales, a otros que saben iguales a ellos, que se apresuren en verla sin dilaciones porque la cinta durará poco en cartel. Seguramente les asista la razón y es que, ahí va el pero prometido, La cura del bienestar es imperfecta por su exceso, por no saber renunciar a referencias (¡hasta hay un celador que lee La Montaña Mágica!), por no saber renunciar a ninguna imagen sugerente aunque eso suponga que su guión vaya teniendo más y más aristas. Es desmesurada pero no sublime. Será de culto, pero unos cuantos toques de tijera aquí y allá podrían haberla convertido en una buena película.

Rodada con gran preciosismo y un cuidado especial en el detalle, cuenta con Dane DeHaan, un prometedor actor desde que lo descubriéramos en  Chronicle (Josh Trank, 2012), y la dulce y enigmática Mia Goth, que le prestan su belleza y juventud como contrapunto a ese universo enfermo que desgrana. Con sus inconvenientes, que la harán de difícil aceptación por el público más generalista, no deja de ser una propuesta interesante, de las que apetece volver a revisar con más detenimiento. Si la película fuera un buen vino, la nota de cata rezaría: persistente en la memoria.

 

RARA (Pepa San Martín, 2016)

Chile/Argentina. Duración: 93 min. Guion: Pepa San Martín, Alicia Scherson Música: Ignacio Pérez Marín Fotografía: Enrique Stindt Productora: Manufactura de Películas / Le Tiro Cine Género: Drama
Reparto: Julia Lübbert, Emilia Ossandón, Mariana Loyola, Agustina Muñoz, Daniel Muñoz,Coca Guazzini, Sigrid Alegría, Micaela Cristi
Premios
2016: Festival de San Sebastián: Mejor película latinoamericana
Estamos ante un drama realista magníficamente relatado y retratado mediante planos secuencia y una puesta en escena detallada al milímetro con el fin de evitar artificios de cámara. Se mueve tan solo lo imprescindible para acompañar siempre el punto de vista de la protagonista, la adolescente Sara (Julia Lübbert). Llega incluso, en muchas ocasiones, evitar el contraplano, cosa que consigue gracias al cambio de punto de enfoque dentro de un mismo encuadre.
 
Sara vive con su hermana pequeña, Cata (Emilia Ossandon), Paula (Mariana Loyola), su madre y su pareja Lia (Agustina Muñoz).  La directora nos muestra la ordenada y feliz convivencia de esta familia. Completada con las visitas y fines de semana que ambas niñas pasan con su padre y su esposa. Reina la normalidad, pero la bisoñez adolescente de Sara y sus propios primeros escarceos amorosos le hacen pensar que su familia es rara.
Siente vergüenza de que la pareja de su madre sea de su mismo sexo, no quiere que sus amistades la vean en ese ambiente,  por ello llega a organizar la fiesta de su trigésimo cumpleaños en casa de su padre. Una situación producto de la confusión que le causa su edad pero que tendrá unas consecuencias inesperadas.
Lo mejor de esta película, además de la normalidad con la que trata la situación, está en como lo cuenta, de forma cotidiana, sin subrayados. No hay discursos ni proclamas, a diferencia de lo que sucede con otras películas provenientes de la otra América, la del norte.  No se nos muestra el juicio por la custodia de Paula (y la de su hermana pequeña a la que ni siquiera consultan), ni la campaña mediática que la madre y su pareja organizan para dar visibilidad a su realidad y a la condición homofóbica de la demanda del padre, ni se extiende en mostrar detalles del rechazo de otras personas de su entorno. En suma no cae en las argucias tramposas del cine más comercial que habrían convertido la trama en carne de lágrima fácil y alma moralizante. Rara no es una historia de buenos y malos, sino de personas que  tropiezan con los prejuicios de la sociedad. Son esos prejuicios los que confunden a Paula en el momento de su despertar adolescente. Cuando comprenda su error, ya será demasiado tarde.
Remarcable primera incursión  en el largometraje de su directora, Pepa San Martín, que ha sabido sacar lo mejor de sus magníficas actrices, en especial de las pequeñas, que realizan un trabajo de una naturalidad magistral.

 

REDENCIÓN (Southpaw, Antoine Fuqua, 2015)

USA/Hong-Kong Duración: 124 min. Guion: Kurt Sutter Música: James Horner Fotografía: Mauro Fiore Productora: Escape Artists / Fuqua Films / Riche Productions Género: Drama

Reparto: Jake Gyllenhaal, Forest Whitaker, Rachel McAdams, Oona Laurence, Victor Ortiz,Naomie Harris, Curtis ’50 Cent’ Jackson, David Whalen, Caitlin O’Connor,Dominic Colón, Rita Ora, Miguel Gómez, Malcolm M. Mays, Adam Ratcliffe,Jeremy Longa

Sinopsis: Billy “El Grande” Hope, campeón del mundo de los pesos semipesados de boxeo (Jake Gyllenhaal) lo tiene todo: una impresionante carrera, una hermosa y enamorada esposa Maureen Hope (Rachel McAdams), una hija adorable (Oona Lawrence) y un estilo de vida con todo tipo de lujos. Pero cuando su esposa muere tras un altercado con Miguel Escobar, un bravucón boxeador que lo está retando, perderá la custodia de su hija, su casa y le abandonarán todos, incluido su mánager y amigo de toda la vida Jordan (50 Cent) que pasará a entrenar Escobar. Hope tocará fondo, pero gracias a su perseverancia y su trabajo en el gimnasio de Willis (Forest Whitaker), Billy tendrá su oportunidad de redención y de recuperar la confianza de los que ama.

Hope es la palabra inglesa que se traduce por esperanza. Esperanza por una vida mejor, ganada a puñetazos, para su esposa y su hija. Esperanza de Maureen, su esposa, por controlar la ira de Billy, carne de orfanato y de presidio hasta que con ella encontró la redención. Esperanza, tras la tragedia y su consiguiente descenso al infierno, de tener de nuevo su segunda redención, que le permita recomponer la vida. Esto es lo que nos narra Antoine Fuqua, en este drama pugilístico que, lamentablemente cae una y otra vez en los tópicos más predecibles, no aporta nada nuevo a la temática ni a su tratamiento, a la vez que sus dosis de drama a veces están al borde de despertar la vergüenza ajena.

Con todo, esta película fórmula contiene algunos elementos valiosos que hacen aceptarla como entretenimiento digerible:  las actuaciones y la química de  Jake Gyllenhaal y Forest Whitaker, y los emocionantes combates, en los que puede apreciarse el trabajo de Gyllenhaal y la pericia de Fuqua al rodarlos, casi podemos sentir los puñetazos en carne propia.

 

 

 

 

Categorías:VAMOS DE ESTRENO

Vial of Delicatessens: Paul Naschy, Blaxploitation, Palito y cine underground estatal

Vial of Delicatessens lanza el miércoles 22 de marzo de 2017 cuatro títulos en DVD: un título de culto del cine español de género, con Paul Naschy; la primera edición en España de un clásico del blaxploitation; y dos propuestas que nos acercan, cada una a su manera, al underground estatal.

En su línea de DVD prensados, y a la venta en grandes superficies, además de en la web del sello, “Vial of Delicatessens” lanza:

EL PADRINO NEGRO

Una película de John Evans

¡Hay un nuevo padrino en la ciudad! J.J. (Rod Perry) es un joven delincuente de Harlem que inicia un ascenso criminal apadrinado por Nate Williams, a quien llaman El padrino negro, líder del clan que domina los negocios de la prostitución y el juego en el barrio. Pero un clan de italianos que controla el lucrativo negocio de las drogas y la heroína está convirtiendo el barrio en un ghetto, lo que inicia una escalada de tensión y violencia entre bandas que acarreará múltiples muertes.

Cuando el éxito de “El padrino” aún estaba reciente y “El padrino II” estaba a punto de estrenarse, el universo “blaxploitation” se sacó de la manga esta violenta relectura en clave afroamericana que gozó de un considerable éxito en los años 70. La presente edición la trae por primera vez a nuestro país.

Un nuevo título de la colección “Clásicos Bis”, aderezado con  extras presentados por el staff de “Tiempo de Culto Podcast” (http://tdcpodcast.blogspot.com). Audiocomentario con Angel Codón Ramos, cortometrajes (“Teddy” y “Black Dog”) y Reel de trailers “Blaxploitation”.

MORDIENDO LA VIDA

Una película de Martín Garrido Ramis

Tras su salida de la cárcel, Rodolfo, un delincuente de poca monta, es requerido por el jefe del lumpen local para que lleve a cabo un ajuste de cuentas en su nombre. El ambiente de violencia y prostitución de la ciudad no tardará en arrastrarlo a una espiral de crimen.

30 años después de su estreno, Mordiendo la vida es un título de culto que permanecía inédito en formato doméstico, algo que remedia “Vial of Delicatessens” con la presente edición plagada de extras. Tercera película del mallorquín Martín Garrido (El hijo bastardo de Dios), supone una incursión en los códigos del género criminal realizada de forma ultra realista, sórdida y violenta, con actores provenientes de los verdaderos bajos fondos y el concurso de Paul Naschy en la piel del sanguinario villano, “El Murciano”.

“Uno de los títulos más potentes y descarnados del cine Español” – AVT

La presente edición se hace acompañar de abundante material extra, como entrevistas al equipo 30 años después, o videoclip de la banda “Amaro”.

“El Padrino negro” y “Mordiendo la vida” tienen un PVP unitario de 11,99 € (gastos de envío incluidos para pedidos en la web del sello).

En la línea de ediciones limitadas a 100 ejemplares, de venta exclusiva en la web del sello, “Vial of Delicatessens” lanza:

V.H.ECES

Una película de Naxo Fiol

Al señor Domingo no le gusta ver películas. Dicha fobia tiene una explicación: siendo adolescente, quedó traumatizado ante la escalofriante carátula de una peli de terror alquilada por su padre. Su mujer le amenaza con que o se cura de una vez, o lo abandonará. Así que Domingo decidirá visitar a una psicóloga (¡argentina!), quien le somete a una terapia de shock con resultados poco halagüeños. El muchacho adquiere un diabólico poder, el de otorgar vida a aquellas imágenes que le horrorizan. Ante semejante percal, don Domingo se oculta allí donde no puedan dar con él. Su esposa, locamente enamorada a pesar de ponerle los cuernos, decide encontrarle, para lo que pide ayuda a su padre, un científico que ha inventado unas píldoras capaces de alterar el aspecto de las personas, lo que atrae a una pareja de mafiosos de segunda que quiere hacerse con ellas. Mientras, otro par de elementos, en este caso Satanistas de tercera regional, se hacen eco de la existencia de don Domingo y sus poderes y pretenden secuestrarlo para utilizarlo como arma destructora.

La última gamberrada de  Naxo Fiol, plagada de personajes locos, extremos y demenciales, solo puede dar como resultado un recital de risas incómodas y un climax absolutamente delirante. La presente edición incluye casi dos horas de material adicional realizadas con tanto mimo como mala hostia, como son un audiocomentario a cargo del director Naxo Fiol acompañado por Víctor Olid, o numerosas escenas eliminadas que encierran sorpresas. ¡¡Pasen por caja, malditos!!

OTOÑO EN LA VALCUELVA

Una película de Víctor Olid

¿Qué entendemos como vídeo-diario? El hecho de grabar escenas de la vida cotidiana y montarlas a modo de ficción.

Influenciado en este sentido por gente como George Kuchar, Jonas Mekas, Naxo Fiol o incluso Jose Luis Guerín, Víctor Olid deja a un lado el humor característico de sus trabajos, para mostrarnos imágenes de inusitada belleza, pertenecientes a su día a día durante su estancia, en 2013,  en el bello pueblo de Palazuelo de la Valcueva, en León. Eso si, servido todo sin ínfulas artísticas ni la pedantería inherente a este tipo de películas.

La presente edición contiene abundante material extra: Cortometrajes rodados asimismo en La Valcueva, Cortometrajes invitados y unas extrañas y bonitas piezas rodadas con las ignotas cámaras de 35 mm. “Lomokino”.

“V.H.Eces” y “Otoño en la Valcueva” tienen un PVP unitario de  5, 99 € más gastos de envío.

http://vialofdelicatessens.blogspot.com

 

 

Categorías:DVD / BLU-RAY, FANTATERROR
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