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Las lecturas de Serendipia: ‘Biblioteca de Cómics de Terror de los años 50. ’Haunted Horror’

BIBLIOTECA DE CÓMICS DE TERROR DE LOS AÑOS 50 VOL. 10:

HAUNTED HORROR

Prólogo de Jerry Only

Diábolo Ediciones. Encuadernación en tapa dura. Formato magazine, 154 páginas a todo color


Los cómics de terror incluídos en esta biblioteca eran, en muchos casos, imitaciones y exploitations realizados a rebufo del éxito obtenido por los publicados por EC. Pero con solo echarles un vistazo puede verse que son radicalmente diferentes a aquellos, y esa diferencia explica porqué los de EC son reivindicados y en ningún momento se ven desfasados con respecto a otros y porqué triunfaron y tuvieron mucho más éxito que los de otras editoriales. Y la respuesta es que, como ya nos encargamos de comentar en los diversos artículos que venimos haciendo sobre la  reedición que Diábolo está realizando, los guiones de los cómics de EC poseían trasfondo social y muchas veces denunciaban situaciones que, de otra forma, era difícil abordar. Tambien venían cargados con un humor soterrado que se ganó la complicidad de los lectores, un humor tan negro que creó escuela, y unos lectores con los que la editorial mantenía la comunicación constante mediante sus páginas de correo. Finalmente,  los ilustradores eran brillantes, muy personales y con un estilo reconocible que los diferenciaba.

Entonces, ¿cual es el atractivo de las historietas que se nos ofrecen en esta Biblioteca de cómics de terror de los años 50? pues una inocencia naif en sus guiones y sus imágenes, pobladas de monstruos que, vistos hoy, más que de pesadilla parecen surgidos directamente de los miedos infantiles. Todo lo cual no quita que haya entre las diferentes historietas varias que sobresalen por poseer guiones audaces o mostrar un desatado sadismo. Los jornaleros, que abre el tomo, mezcla ambas cosas, una perversa propuesta «terrenal» con unas criaturas tan horribles como adorables. Pero también hay venganzas de ultratumba en El ojo implacable y El horror del ahorcado; maldiciones en Humo de fatalidad; pesadillas casi surrealistas en Muerte por muerte; un hotel  encantado en el que se celebra una Convención de cadáveres; una tierna historia de amor que termina en cuernos post mortem En línea con el corazón; la sorprendente propuesta de Los ojos en su mano; o la que más se acerca al espíritu EC, El veneno de un hombre.

Respecto a los ilustradores, destaca el prolífico Ross Andru, que posteriormente ganaría popularidad dibujando cómics bélicos para DC, además de personajes como Wonder Woman y The Flash. Pero Andru es conocido especialmente por su trabajo en Amazing Spider-man para Marvel y por ser el ilustrador del primer y recordado crossover entre las editoriales Marvel y DC, en el que se encontraron Superman y Spider-man. El tomo también incluye una muestra del arte de Warren Kremer, que el lector podrá disfrutar en toda su plenitud gracias a que su historieta, ¡Amnesia! está reproducida a partir de un original en glorioso blanco y negro, o Jack Cole, el prematuramente desaparecido creador de Plastic Man y George Tuska, dibujante y entintador todoterreno que estuvo trabajando durante diez años en la serie Marvel  Iron Man, entre muchos otros trabajos. Destaca también el atípico guion y el atractivo dibujo de Lo que acecha en el mar, con grandes viñetas y arte atribuido a Samuel M. Iger, antiguo socio de Will Eisner que fundó su propio estudio en 1940.

Una estupenda selección de cómics de terror realizada por Clizia Gussoni, Steve Banes y Craig Yoe con el sabor añejo de los años cincuenta en un tomo que cuenta, además, con introducción de Jerry Onli, fundador del grupo The Misfits y gran aficionado a este tipo de literatura.

Trailer de ’65’: Adam Driver, viajes en el tiempo y dinosaurios

Tráiler de `65´, la película de ciencia ficción dirigida por Scott Beck y Bryan Woods (guionistas de `Un lugar tranquilo´, producida por Sam Raimi y protagonizada por Adam Driver. `65´ se estrenará exclusivamente en cines el próximo 24 de marzo.

Sinopsis: Después de un catastrófico accidente en un planeta desconocido, el piloto Mills (Adam Driver) descubre rápidamente que realmente está varado en la Tierra… hace 65 millones de años. Ahora, con solo una oportunidad de rescate, Mills y la otra única superviviente, Koa (Ariana Greenblatt), deberán abrirse camino a través del desconocido territorio plagado con peligrosas criaturas prehistóricas en una épica lucha por sobrevivir.

De los escritores de Un Lugar Tranquilo y producida por Sam Raimi llega `65´, un thriller de ciencia ficción protagonizado por Adam Driver, Ariana Greenblatt, y Chloe Coleman. Escrita y dirigida por Scott Beck y Bryan Woods, y producida por Sam Raimi, Deborah Liebling y Zainab Azizi. También producida por Scott Beck y Byan Woods.

‘Sick of Myself’ se estrenará el 10 de marzo

El próximo 10 de marzo se estrena en cines Sick of Myself de la mano de Adso Films. Se trata del primer largometraje de ficción de Kristoffer Borgli, una comedia producida por Oslo Pictures (La peor persona del mundo) que participó en la sección Un Certain Regard del Festival de Cannes.

Sinopsis: Signe y Thomas están en una relación competitiva poco saludable que da un giro vicioso cuando Thomas de repente se abre paso como artista contemporáneo. En respuesta, Signe hace un intento desesperado por recuperar su estatus mediante la creación de una nueva personalidad empeñada en atraer la atención y la simpatía.

Sick of Myself también participó en la sección Punto de Encuentro de la SEMINCI donde se alzó con el Premio a Mejor Película y el Premio Jurado JovenKristine Kujath Throp (Ninjababy) ganó el premio a Mejor Actriz en el Festival de Cine Fantástico de Málaga y en el Molins Film Festival. Además, la película ha sido nominada en múltiples festivales internacionales como el Festival de Gante, el Festival de Jerusalem, el Festival de Nashville o el Fantasy Film Festival.Junto a Kristine Kujath Thorp, protagoniza el film el actor Eirik Sæther. También cuenta con la participación de Anders Danielsen Lie, reconocido por sus roles en las películas de Joachim Trier, especialmente en La peor persona del mundo.El director comenta cómo: “Quería plasmar esta historia un tanto incómoda de la forma más bella posible. Quería rodarla durante los hermosos veranos que tenemos en Oslo. Quería que tuviera el aspecto y la sensación de ser lo más intemporal posible, tanto para equilibrar la historia tan contemporánea como para aludir a la relevancia inmortal de algunos de los temas, como el narcisismo y los celos. Así que la rodamos en 35 mm, hay mucha música clásica en la película y espero que todo ello se traduzca en una hermosa película que retrata cosas terribles.”

Categorías: TRAILERS RECOMENDADOS

VAMOS DE ESTRENO * Viernes 3 de febrero de 2023 *

LLAMAN A LA PUERTA (Knock at the Cabin, M. Night Shyamalan,2023)

USA. Duración: 100 min. Guion: M. Night Shyamalan, Steve Desmond, Michael Sherman. Novela: Paul Tremblay Música: Herdís Stefánsdóttir Fotografía: Jarin Blaschke, Lowell A. Meyer Compañías: Universal Pictures, Blinding Edge Pictures, Filmnation Entertainment, Perfect World Pictures, Wishbone Entertainment Inc. Distribuidora: Universal Pictures Género: Terror

Reparto: Dave Bautista, Jonathan Groff, Rupert Grint, Ben Aldridge, Nikki Amuka-Bird, Abby Quinn, William Ragsdale, Kristen Cui, Satomi Hofmann, Kat Murphy

Sinopsis: Durante unas vacaciones en una cabaña en un bosque alejada de todo, una niña y sus padres se convierten en rehenes de cuatro desconocidos armados que obligan a la familia a tomar una decisión imposible, pero necesaria para evitar un mal mayor.

El pensamiento es lenguaje. Cuando encuentro la palabra que resume mi idea, puedo explicarme; cuando identifico la palabra que resume la idea de quien me habla, puedo entenderlo. Vamos a aceptarlo así, aunque pueda problematizarse, y vayamos a la analogía: el cine también es lenguaje, sólo que en este caso los monemas son imágenes. Saltémonos las premisas y vayamos a la conclusión: cuando identificamos la sintaxis de imágenes que está en la base de su puesta en escena, entendemos la película. Y ello sería así aunque el argumento fuera incomprensible o incoherente. En un filme importa más el cómo nos lo cuenta mediante la gramática de la imagen, que el qué nos cuenta su trama literaria. El dominio de la puesta en escena es lo que distingue la calidad de un director. Y en esto M. Night Shyamalan es maestro. Después de argumentar la petición de principio, procedamos al comentario.

Es notorio que, desde su opera prima, el cine de Shyamalan tiene el giro de guion como bandera, aunque algunos ya vieron venir que Malcolm Crowe está muerto desde el principio. Y es que la cámara no ha mentido, a pesar de que el montaje (efecto kuleshov mediante) lo haya enmascarado. No hay trampa ni cartón, solo buen manejo de la gramática del plano. El director de El protegido parece saber (sabe) siempre qué recurso utilizar para que sea el espectador mismo el que se engañe, las imágenes le fuerzan siempre a formularse hipótesis plausibles que el propio avance en la cinta, antes o después, revelará erróneas. Si el suspense se establece gracias a que el espectador ve lo que no ven los personajes, Shyamalan le da al código una vuelta de tuerca, la intriga avanza conforme el respetable va modificando sus lecturas, sólo en la reflexión sobre lo visto somos capaces de comprender qué ha pasado ante nuestra mirada. Somos sujetos de la propia trama. Llaman a la puerta no es un caso aparte, desde su arranque empieza el juego de la reinterpretación y, antes de que la acción se encierre dentro de la cabaña, habremos tenido que cambiar de posicionamiento tres veces. Dónde creíamos ver una cinta de invasiones, el propio cartel ya nos había predispuesto a ello, pronto se instalará una situación en la que los personajes (todos) deben elegir una acción en medio de dos alternativas en conflicto, sin que ninguna de ellas resulte del todo aceptable o rechazable desde un punto de vista moral. Lo terrorífico viene de la mano de un dilema ético.

El llamado dilema del tranvía es el esqueleto que sostiene la historia. Un armazón en el que se imbrican las nociones de sacrificio, milagro y fe. Y tan bien construido que, incluso los que salgan diciendo que no han entrado en la historia y que no se creen el final, habrán comprado el relato y dado internamente el último giro que propone el filme. Como en la novela que adapta, La Cabaña del Fin del Mundo de Paul Tremblay, lo que está en juego sobre el tablero es la hipótesis sobrenatural, la factibilidad o no de creer lo imposible. Quienes hayan leído la novela descubrirán que la de Shyamalan es una adaptación con licencias, el director toma el conflicto de ella, pero lleva la premisa y su resolución a su propio universo. Como el Kierkegaard de Temor y Temblor, la cinta maneja sus elementos para plantear el salto mortal de la fe, un salto que daremos, o no, según cómo entendamos el peso del azar y la casualidad. No creernos el final es ya un modo de haber aceptado lo sobrenatural como presupuesto.

Serán muchos los que viéndola recordarán a Yorgos Lanthimos y su El sacrificio de un ciervo sagrado, serán menos los que sepan que el griego revisaba a otro griego más clásico y, por tanto, pocos alcanzarán a ver que es el espíritu de Eurípides el que planea sobre el relato. Ifigenia en Áulide es una de las más hermosas reflexiones sobre la aceptación del fatum, Ifigenia se somete de grado a lo que el destino le ha deparado, dejándose sacrificar es como ejerce su libertad y derrota a los Hados. Shyamalan comparte la idea de sacrificio como acto de abnegación inspirado por la vehemencia del amor. La ofrenda voluntaria es una celebración del hecho de amarnos. La vida es el auténtico milagro.

Quien haya leído hasta aquí ya habrá cometido el error de no enfrentarse a la película limpio como tabula rasa. Olviden los spoilers encubiertos, acudan dispuestos a dejarse enamorar por Kristen Cui en su estreno como actriz y disfruten de la acción, pero sobre todo entreténganse en contemplar el cómo está siendo narrada. Ni sus detractores podrán negar que Shyamalan es uno de los más diestros cuentacuentos que posee el cine actual.

Primer avance de programación BCN Film Fest 2023

El Festival Internacional de Cine de Barcelona-Sant Jordi (BCN FILM FEST), que este año se celebra del 20 al 28 de abril en los Cines Verdi de Barcelona, rendirá homenaje al cineasta Wim Wenders, que recibirá el premio honorífico y  protagonizará una extensa retrospectiva. Asímismo, la obra del director es homenajeada en el diseño del cartel oficial de esta séptima edición. 

En un acto celebrado en el cine Verdi, sede principal del certamen, la directora del festival Conxita Casanovas, ha presentado el cartel oficial y las primeras películas confirmadas.

«Seguimos avanzando a velocidad de crucero. La buena valoración y resultados de la pasada edición nos da impulso para seguir adelante con nuestro proyecto de crear nuevos públicos y seguir creciendo en número de espectadores, de cara a una séptima edición que ya va cogiendo forma. Tras varias ediciones titánicas, luchando contra los elementos, ahora que parece que el público despierta, hemos de aprovechar la hornada y plantear un festival motivador. Llegar a toda aquella gente que quiere ampliar cultura y estirar el hilo cinematográfico continúa siendo nuestro gran objetivo», comenta Conxita Casanovas.

PREMIO HONORÍFICO Y RETROSPECTIVA

Este año el festival rinde homenaje a Wim Wenders, cineasta esencial del cine contemporáneo, quien recibirá el Premio de Honor. Además, el BCN FILM FEST dedica su Sección de Imprescindibles al trabajo del artista alemán con una retrospectiva que, en colaboración con la Fundación Wim Wenders, recoge sus trabajos más representativos, entre los que se encuentran, “Paris, Texas”, “Buena Vista Social Club” o ”Pina”, entre otros. La entrega del Premio tendrá lugar el 20 de abril durante la gala de la inauguración del Festival.

«En esta edición volveremos a tener, combinado con nuestro talento, visitas de figuras internacionales de gran renombre y relieve que ponen foco en el festival. Nos hace muy felices anunciar que este año el festival tiene como imagen a uno de los directores europeos más emblemáticos y reconocidos, Wim Wenders, un cineasta admirado y premiado, que simboliza un espíritu de investigación constante. Su inspiradora filmografía, que ha conectado el cine con la música, la literatura y la fotografía o la danza, nos servirá este año de navegador. En este aspecto, el cine de Wim Wenders, tan poliédrico y en permanente renovación, nos viene como anillo al dedo y entronca con un BCN FILM FEST con intención de mejorar y de ser útil a la industria cinematográfica, reforzando la imagen de Barcelona», añade Casanovas.

El cartel de BCN FILM FEST 2023 rinde homenaje a Wim Wenders, un director que ha marcado a diferentes generaciones de aficionados al cine y que entra en este grupo de artistas únicos que han conseguido contagiar el amor por el cine con sus películas. Wenders es, en definitiva, uno de los directores con la capacidad y el poder de crear y formar a nuevos cinéfilos. Esto se podrá comprobar y disfrutar en el BCN FILM FEST, que ofrecerá una selección de su obra más representativa. Por este motivo, el cartel del festival está inspirado en su película más emblemática, Paris, Texas, uno de esos films que mucha gente recuerda el momento y el lugar donde la vio por primera vez. La imagen de Nastassja Kinski que se toma como referencia del cartel, diseñado por Joel B. García, es un momento mítico de la historia del cine y que simboliza la carrera de nuestro protagonista, Wilm Wenders.

AVANCE DE PRIMEROS TÍTULOS DEL BCN FILM FEST 2023

La 7ª edición del festival contará con una programación de alrededor de 70 títulos entre sus diferentes secciones. A continuación, un primer avance de la programación:

Sección Oficial: Alma & Oskar (Dieter Berner), El colibrí (Francesca Archibugi), El primer día de mi vida (Paolo Genovese), Father & Soldier (Mathieu Vadepied), La impaciencia del corazón (Bille August) y Le Voyage de Talia (Christophe Rolin), todos ellos ofrecidos en Première en España, mientras que La uruguaya (Ana García Blaya) es Première internacional. Fuera de competición se ofrecerá el documental El caso Padilla (Pavel Giroud) y No Bears (Jafar Panahi) ambos en Première catalana.

Sica dirigida por Carla Subirana será la encargada de clausurar el festival. La película,  seleccionada por el festival de Berlín, es un coming of age rodado en la Costa da Morte y protagonizada por Thais García, en el papel de una joven de 14 años que espera que el mar le devuelva el cuerpo de su padre pescador, y Núria Prims (“Incierta gloria”).

La sección Asia Noir ofrecerá varios títulos clásicos y más recientes, como los japoneses El infierno del odio (Akira Kurosawa, 1963), Perfect Blue (Satoshi Kon, 1997) y Missing (Shinzô Katayama, 2021 -Première catalana-); los surcoreanos Memories of Murder (Bong Joon-ho, 2002) y la reciente Hunt. Caza al espía (Lee Jung-jae, 2022). Finalmente, la sección también contará con una producción procedente de India, Psycho Raman (Anurag Kashyap, 2016)

Imprescindibles: Win Wenders ofrerá los siguientes títulos del director: El miedo del portero ante el penalti (1971), Alicia en las ciudades (1974), El amigo americano (1977), El estado de las cosas (1982), Paris-Texas (1984), Cielo sobre Berlín (1987), Hasta el fin del mundo (1991-Director’s cut), ¡Tan lejos, tan cerca!, Lisboa Story (1994), Buena Vista Social Club (1999), The Million Dollar Hotel (2000) y Pina (2011). 

La sección Nous Talents es la continuación y ampliación de la sección de cortometrajes de estudiantes de ESCAC que el BCN FILM FEST presentó en 2022. Esta iniciativa, además de promover el nuevo talento cinematográfico catalán, también busca potenciar los aspectos pedagógicos del festival, que desde sus inicios han representado uno de los elementos distintivos del festival. La sección Nous Talents programará una muestra de 18 cortometrajes seleccionados, entre su alumnado, por ESCAC (Escola Superior de Cinema i Audiovisuals de Catalunya), Blanquerna Universitat Ramon Llull, Universitat Pompeu Fabra, FX ANIMATION Barcelona 3D and Film School y Universitat de Vic-Universitat Central de Catalunya y La Casa del Cine. Cada centro escogerá tres cortos para competir en esta sección que optarán al Premio al Mejor Cortometraje-Nous Talents dotado con un premio en metálico de 2.000€.

LA SEMANA DE LA ESCUELA 

Se celebrará del 27 al 31 de marzo, fuera de las fechas oficiales del festival, con una programación de ocho títulos que incluyen algunas de las películas que más han destacado por sus valores educativos. Dirigida a profesores y alumnos, la programación de esta edición cuenta con títulos como Alcarrás, Cinco Lobitos, Lunana, un yak en la escuela, El gran Maurice, La brigada de la cocina, Oink oink y Hopper, el polloliebre.

SEDES Y PRECIO ENTRADAS

El festival contará con proyecciones y actividades en CINES VERDI, CAIXA FORUM, CASA SEAT, INSTITUT FRANÇAIS y LA PERLA 22.

Las entradas continuarán a un precio popular de 3,90€ y con sesiones gratuitas en centros cívicos de la ciudad de Barcelona como El Pati Limona, Fort Pienc, Can Clariana o Vil·la Florida.

En este LINK se puede recuperar el vídeo resumen de la edición de 2022 del BCN FILM FEST que contó con más de 17.000 espectadores y con las sesiones 100% presenciales. El proceso de acreditación para prensa e industria para la séptima edición del BCN FILM FEST empezará el 1 de febrero y terminará el 22 de marzo.

Categorías: BCN Film Fest

VAMOS DE ESTRENO * Viernes 27 de enero de 2023 *

LA BALLENA (The Whale, Darren Aronofsky, 2022)

USA. Duración: 117 min. Guion: Darren Aronofsky. Obra: Samuel D. Hunter Música: Rob Simonsen Fotografía: Matthew Libatique Compañías: A24, Protozoa Pictures. Distribuidora: A24 Género: Drama

Reparto: Brendan Fraser, Sadie Sink, Samantha Morton, Ty Simpkins, Hong Chau, Sathya Sridharan, Jacey Sink

Sinopsis: Un solitario profesor de inglés con obesidad severa (Brendan Fraser) intenta reconectar con su hija adolescente en una última oportunidad de redención.

Brendan Fraser tuvo ocasión de demostrar que, además de poseer un músculado físico, era un buen actor en Dioses y monstruos (1998), la estupenda cinta de Bill Condon sobre la decadencia del director de películas como El doctor Frankenstein (1931), La novia de Frankenstein (1935) o El hombre invisible (1933), James Whale. Y con The Whale (La ballena), Fraser vuelve a demostrar que, quien tuvo retuvo y que se trata de un actor a tener muy en cuenta, aunque aquel físico ya esté en el recuerdo, y que se trata de un actor que raro sería que no se llevara el Oscar por esta interpretación.

Basada en una obra teatral de Sam D. Hunter, The Whale es un sobrecogedor retrato sobre la soledad y el dolor que, a pesar de todo, consigue resultar optimista. El personaje de Fraser vive preso en su hogar (de donde no nos alejaremos durante todo el metraje), y también en su enorme cuerpo. Se asemeja a un animal herido, que se disculpa constantemente por existir y que ve la muerte como una liberación, pero que conseguirá la redención haciendo las paces con su hija, y así, consigo mismo.

Darren Aronofsky ha querido adaptar The Whale al cine desde que vio por primera vez la obra hace casi una década. La obra lo impresionó de inmediato por su inteligencia y por la forma intrépida en que cuestiona la condición humana sin ofrecer una respuesta fácil. Según Aronofsky: “Lo que más me gusta de The Whale es que te invita a ver la humanidad de personajes que no son ni buenos ni malos, sino que viven en esos tonos grises en los que vive la gente de a pie; personajes que tienen una vida interior profunda e intrincada. Todos han cometido errores, pero comparten un corazón inmenso y el deseo de amar a los demás, aunque los demás parezcan incapaces de amar. Es una historia que nos plantea una pregunta simple y a la vez esencial: ¿podemos salvarnos los unos a los otros? Es una pregunta muy importante en estos momentos, sobre todo ahora que nos damos la espalda más que nunca”.

Todos los protagonistas de The Whale realizan una labor excepcional, tanto Sadie Sink (Stranger Things), como Hong Chau (El verano de Cody) y Samantha Morton (Minority Report, En América), pero es Brendan Fraser el que sobresale sobre todos ellos, y a pesar de que el filme ha sido ignorado en los Globos de Oro, el Oscar a la mejor interpretación ya tiene su nombre grabado en la placa de su base.

Darren Aronofsky ha realizado un filme más asumible para el público general que su anterior propuesta, Mother (2017), pero sigue permaneciendo en él ese aura de director maldito, que levanta tantas pasiones como críticas y que con la incómoda The Whale, no dejará a nadie indiferente.

THE OFFERING (Oliver Park, 2022)

USA. Duración: 93 min. Guion: Hank Hoffman.Historia: Hank Hoffman, Jonathan Yunger Música: Christopher Young Fotografía: Lorenzo Senatore Compañías: Millennium Media Género: Terror

Reparto: Nick Blood, Emily Wiseman, Paul Kaye, Allan Corduner, Jonathan Yunger, Velizar Binev, Daniel Ben Zenou, Nathan Cooper, Sofia Weldon, Boyan Anev, Yonko Dimitrov, Jodie Jacobs 

Sinopsis: Desesperado por pagar sus deudas, un hombre intenta secretamente manipular a su padre para que venda su funeraria. Sin saberlo, desatará a un espíritu maligno que tiene la mirada puesta en su esposa embarazada.

The Offering tiene un prometedor punto de partida que mezcla tradiciones arcanas, conocimientos milenarios, sortilegios y brujería, todo ello envuelto en una tan atractiva como amenazadora oscuridad. Nos introduce, como ya hiciera la interesante The Vigil (Keith Thomas, 2019), en las poco conocidas tradiciones funerarias de la comunidad judía ortodoxa y en sus mitos. En esta ocasión se trata de una figura demoniaca femenina temida por sus prácticas relacionadas con abortos y muertes de niños, conocida como roba niños.

Acertadamente la acción del film se ubica en una antigua funeraria judia de Nueva York, a donde llega el  hijo pródigo, Art (Nick Blood), junto a su nueva esposa, Emily (Emily Wiseman), embarazada de varios meses. Viejos rencores y enfrentamientos con su padre (Allan Corduner) saldrán a flote y en esas llegará el cadáver de un anciano que se ha suicidado de una manera un tanto extraña: con una certera puñalada en el corazón. Ese será el detonante que facilitará la entrada del mal en el hogar de los protagonistas, un lugar especialmente siniestro, lo que permitirá al director la utilización de varios elementos y sustos comunes con las narraciones de fantasmas y casas encantadas, lease voces, sonidos, puertas que chirrían, sombras, pasadizos con ventadas en las que el viento azota sus cortinas… Nada nuevo, desde luego, pero con resultado siempre eficaz, lo cual unido al atractivo argumento y el marco donde se desarrolla,  conformará una atmósfera inquietante que preparará al espectador para el  climax.

The Offering, cinta encargada de clausurar la 33ª Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, no ofrecerá grandes alicientes al aficionado al cine de terror, más allá de su prometedor punto de partida y el novedoso entorno en el cual se desarrolla, pero en conjunto funciona en su misión de inquietar, a pesar de caer en uno de los handicaps de este género, ¿es necesario mostrar siempre la criatura?

TÁR (Todd Field, 2022)

USA. Duración: 158 min. Guion: Todd Field Música: Hildur Guðnadóttir Fotografía: Florian Hoffmeister Compañías: Focus Features, Emjag Productions, Standard Film Company Género: Drama

Reparto: Cate Blanchett, Nina Hoss, Mark Strong, Noémie Merlant, Sam Douglas, Sydney Lemmon, Murali Perumal, Diana Birenyte, Vivian Full, Amanda Blake

Sinopsis: La innovadora, y mundialmente famosa, directora de una de las orquestas más importantes de Alemania, Tár (Cate Blanchett), se encuentra en la cúspide de su carrera, a punto de publicar un libro y de dirigir la Quinta Sinfonía de Mahler. Sin embargo, su vida empezará a desmoronarse en las siguientes semanas. El resultado es un mordaz examen del poder, de su impacto y de su perdurabilidad en el mundo de hoy.

Esta reseña que escribo ahora mismo es la reseña que tú lees ahora mismo. Y esta frase que acabo de escribir, y que tú acabas de leer, es un anómalo bucle autorreferencial que podría tender al infinito. También la música de Bach es un eterno y grácil bucle que, en su pulcritud matemática, ha conseguido expresar como ninguna otra el humano diálogo con lo divino, con el absoluto. Decir Bach es pronunciar un sinónimo de genio. Ahora bien, en un mundo completamente laicizado como lo es el nuestro, no queda nada sagrado. El propio autor de la Misa en si menor, auténtico Everest entre las cimas que ha coronado la música de todos los tiempos, ha sido repudiado. Incluso entre estudiantes de conservatorio (a los que se presume la voluntad de comprender la esencia de la música). El Cantor de Leipzig engendró 20 hijos y eso a ojos de un alumno, pongamos por caso, racializado y pansexual, ya es motivo para denostarle por ser prototipo de la explotación del cisheteropatriarcado blanco. Todd Field dibuja este ejemplo en una de las escenas nucleares de Tár. Estamos ante la cultura de la cancelación que no distingue la obra de la persona que la crea.

Tár, Lydia Tár, pianista, etnomusicóloga, compositora, primera mujer en ser directora titular de la Filarmónica de Berlín y promotora de Accordion Foundation, fundación que beca a jóvenes aspirantes a directoras, también se verá triturada por esa tendencia en la que, además, ser acusado equivale a ser juzgado culpable. El tercer largometraje de Todd Field explora, con una ficción, este fenómeno que se ha convertido en actitud dominante del espíritu de nuestro tiempo y del que todos conocemos casos reales (no es gratuito que en uno de sus viajes la protagonista sea alojada en la suite de Plácido Domingo). Ahora bien, reducir Tár a la denuncia de la cancelación, sería quedarse en la epidermis del filme. Bajo ese epitelio, en la dermis de la cinta se siguen y persiguen, como en una fuga de múltiples voces, consideraciones que van más allá de la coyuntura. Temas universales entre los que emergen como notas dominantes el poder y el amor.

La maestro (feminizar el apelativo para ella resulta tan absurdo como llamar astronautrices a las astronautas) está en la cúspide de su carrera, a punto de publicar su esperada autobiografía y de ser la primera en registrar en directo la integral de las sinfonías de Mahler. Sólo le falta la más célebre, la 5ª, de la que casi todos conocemos, al menos, su adagietto. Visconti lo utiliza en Muerte en Venecia, y no ha sido el único cineasta que ha arropado sus imágenes con este movimiento cuya instrumentación consta únicamente de cuerdas y arpa. Una métrica y una melodía flotantes dan la impresión de una frágil intimidad. Precisamente por eso, el movimiento fue repetidamente interpretado como una declaración de amor de Mahler a su esposa Alma. En el guion, del propio Field, nada es azaroso, que sea la quinta y no otra la que le queda pendiente es una decisión intencionada, es la manera que elige para desarrollar la visión que tiene Tár del amor. Sharon, su esposa y concertino de la filarmónica, le espeta en un momento dado que todas sus relaciones han sido interesadas, excepto la que la une a Petra, la hija de ambas. Y el espectador puede coincidir en ese juicio viendo como trata a todos los que la rodean, especialmente a su alumna Krista Taylor, personaje que nunca aparece encarnado, pero de cuyo suicidio no le queda dudas al público de que Tár ha sido la inductora. Suicidio que prende la hoguera en la que se consumirá la protagonista. Las apariencias nos hacen sentir que ella es una fría cazadora a la que no le importa la situación en la que quedan sus presas cuando se le ha apagado la pasión que la movió a seducirlas. Pero, ¿es realmente una insensible? Para responder a esta pregunta hemos de partir de que, la música en especial, pero el arte en general, es la única vía mediante la que expresar sentimientos que no caben recogidos en la palabra. Tár llorará sólo una vez, cuando los sucesos ya la han superado, viendo en su habitación de adolescente una grabación del programa de Leonard Bernstein en la que el célebre músico y director establece la mencionada premisa. Tár no miente cuando afirma que ella elige el amor, pero lo expresa en la abstracción musical, en lo concreto apenas es capaz de dar abrazos.

Solo Cate Blanchett podía dar cuerpo a esa mujer poderosa (¿O hay que decir empoderada?) que es Tár, tan semejante a la Petra Von Kant de Fassbinder, triunfadoras en lo profesional, pero abocadas a perderse en lo sentimental. Apenas maquillada, la actriz compone una interpretación sobria que deja fluir los matices de un carácter que recorre un arco que va de la soberbia a la inseguridad, pasando por todos los estados intermedios. En sus manos Tár no es un personaje sino una persona. El trabajo de Blanchett permite incardinar el mordaz examen del poder, de su impacto y de su perdurabilidad en el mundo de hoy, que desea llevar a cabo Todd Field. La Tár de Blanchett es adicta a la seducción, pero, más que el hambre por la carne fresca, lo que la motiva es subyugar al talento.  Como la Jean Brodie de Maggie Smith, podría suscribir: “Dadme una niña [joven en el caso de Tár] en una edad influenciable y será mía para siempre”. Modelar aspirantes sobresalientes como si fueran barro en manos divinas. La naturaleza de su deseo no es definida por el sexo (aunque pueda haberlo) sino que viene conformada por el ansia de tener potestad sobre el destino.

Tár es un filme brillante. Y lo es no solo por su guion y por el trabajo interpretativo, sino también por su puesta en escena que ha sido elogiada por el mismísimo Martin Scorsese. Para el director de Taxi Driver, la mayoría de las producciones actuales no hacen presagiarle al cine un buen futuro, pero ver Tár le hizo atisbar luz más allá de las nubes. Y ello gracias a su “magistral mise-en-scène, con ángulos y bordes controlados, precisos, peligrosos y escarpados, geométricamente cincelados en una maravillosa relación de aspecto de 2:3. Los límites del propio encuadre y la provocación de tomas largas medidas reflejan la arquitectura brutal de su alma: el alma de Tár [personaje]”. Field logra el milagro por su dominio del lenguaje cinematográfico, pero también por su condición de músico que le permite usar estructuras musicales para explicitar su narración. Tár empieza con un silencio (no suena la cabecera de Universal), como lo hace la Quinta de Beethoven, y la coincidencia no es casual. La secuencia rítmica de tres notas cortas seguidas de una larga (ta, ta, ta, taaaa) con la que Beethoven comienza su 5.ª Sinfonía, es uno de los pasajes más icónicos de la historia de la música, con ella el portentoso creador alemán quiere expresar la llamada del destino. Y la 5.ª en su totalidad, que es un viaje hacia las estrellas a pesar de todas las dificultades, representa la imposibilidad de vencer al destino. Tampoco Tár, que ha querido ser demiurgo de vidas ajenas, es capaz de cambiar el rumbo, la derrota, de su periplo vital.

El descenso de Lydia Tár es un viaje al corazón de las tinieblas. Todo lo planificado se ha desbaratado y nada va a permanecer. Sólo queda el olvido. “This is the end, my only friend”.

 

Categorías: VAMOS DE ESTRENO

Novedades Astiberri · Febrero de 2023


Novedades de febrero de 2023


Doncella 1: Principiante, Florence Dupré La Tour

Color. Rústica con solapas184 páginas. 17 x 24 cm22 eurosISBN: 978-84-18909-67-2A la venta el 2 de febrero

Doncella es un díptico autobiográfico cuyo primer tomo aborda con un humor ácido el paso de la infancia a la pubertad y el descubrimiento del sexo, tabúes absolutos en una familia regida por el conservadurismo y el patriarcado. La publicación del segundo y último volumen, que se centra en la adolescencia de la autora, está prevista para el segundo semestre de 2023.


Black Hammer. Visiones 2. VV.AA.

Color. Cartoné120 páginas. 17 x 26 cm16 eurosISBN: 978-84-18909-70-2A la venta el 9 de febrero

En esta segunda y última entrega de Visiones, David Rubín, Scott Snyder, Kelly Thompson, Leonardo Romero, Cullen Bunn, Malachi Ward, Cecil Castellucci y Melissa Duffy dan una nueva dimensión a los más grandes héroes y villanos de culto de Spiral City.


La balada del norte 4, Alfonso Zapico

Blanco y negro. Cartoné240 páginas. 18,4 x 26 cm22 eurosISBN: 978-84-18909-50-4A la venta el 16 de febrero

El cuarto y último tomo de La balada del norte es el final de una revolución efímera. Con Largo Caballero en prisión, Indalecio Prieto en Francia y muchos otros rebeldes muertos o escondidos, los protagonistas de esta historia vagan por las montañas de Asturias en un invierno frío de derrota. Estas páginas amueblan el vestíbulo de una casa en ruinas, el hogar roto y vaciado de la guerra civil española de 1936.


María la Jabalina, Miguel Ángel Giner Bou y Cristina Durán

Color. Cartoné176 páginas. 19 x 26 cm25 eurosISBN: 978-84-18909-65-8A la venta el 23 de febrero

Cristina Durán y Miguel Ángel Giner Bou, ganadores del Premio Nacional del Cómic por El día 3, reavivan una de las muchas historias silenciadas de mujeres que lucharon por la paz y la libertad y, además, se hacen eco del deseo más profundo de la madre de la Jabalina: que una injusticia tan grande nunca caiga en el olvido. Disponible en castellano y en valencià.


Temporada de brujas, Sara Soler y Aaron Durán

Color. Rústica con solapas120 páginas. 17 x 26 cm18 eurosISBN: 978-84-19670-02-1A la venta el 23 de febrero

Althalia es una bruja de sangre, la más joven de una larga línea de brujas de una antigua cultura indígena mexicana, pero también es una ciudadana estadounidense que apenas conoce el idioma de sus antepasados. Althalia está desubicada, y siente que ninguno de los dos grupos la acepta plenamente. Temporada de brujas es la nueva obra como dibujante de Sara Soler, autora de Us, para el mercado estadounidense.


Más información en Astiberri Editorial


El Festival Nits celebra el Nuevo año chino y sigue con los preparativos de su 20ª edición

El Festival Nits de cinema oriental de Vic encara una 20ª edición que tendrá lugar del 18 al 23 de julio y de la cual presentará la imagen y las primeras novedades a prensa y público el próximo 11 de marzo en el Espai ETC de la misma ciudad.Antes, llega la celebración del Nuevo año chino. Para dar la bienvenida al Año del Conejo, este sábado, 21 de enero, en el Passeig Lluís Companys de Barcelona, se han programado varios espectáculos de cultura tradicional china y se podrá visitar la feria cultural y gastronómica. El Festival Nits se suma a las celebraciones con varias sesiones de cine muy especiales.

En primer lugar, sábado 28 de enero, dentro del programa del Cineclub Fundació Institut Confuci de Barcelona, se proyectará la obra ganadora de los premios del público y de la crítica del 19º Festival Nits: El chico león (I Am What I Am), que la distribuidora Paycom Multimedia, colaboradora habitual del FesNits, distribuirá en el país.Y una semana después, el 5 de febrero, el Espai ETC de Vic acogerá una sesión familiar con la proyección de La belleza de la vida, cinta de animación china que ha recorrido festivales de todo el mundo y que combina varias autorías y técnicas, como la acuarela, tinta o collage. Esta sesión, en colaboración con el Cineclub Vic, se completará con un pequeño concierto de canciones de cuna chinasa cargo de Charlene Cheng y Jin Jin Chen.

Por otro lado, domingo 22 en el mismo Espai ETC se podrá ver por última vez Secret Superstar. La película de Advait Chandan, canto a la tolerancia convertido en un fenómeno de público, ha tenido una gran acogida en el Festival Nits y el Cineclub Vic a lo largo de las 5 sesiones en las que se ha programado.

Las lecturas de Serendipia: ‘Weird Science’ Vol. 3

WEIRD SCIENCE VOL. 3

Diábolo Ediciones. Encuadernación en tapa dura. Formato magazine, 216 páginas a todo color


Llega una nueva entrega de la lujosa e imprescindible edición de los clásicos EC que realiza Diábolo Ediciones y lo hace retornando a la ciencia ficción con el tercer volumen de Weird Science

Prosigue esta colección su recorrido por los mundos desconocidos y, en su mayoría, ostiles, y los experimentos científicos que terminan malamente. Como ya vimos al analizar el segundo tomo, la colección tendrá dos elementos que ya la caracterizarán de forma inequívoca: los guiones de Al Feldstein y el arte de Wally Wood y de su «escuela». Así, en este tomo, que reúne los cómic books que van del 13 al 18, todos los guiones serán de Feldstein, dos de ellos adaptados de relatos de Ray Bradbury; y Wood realizará todas las portadas y aportará la historia que abrirá cada número, acompañado de Joe Orlando, artista y amigo, que los cerrará. Junto a ellos, completarán el elenco, con algunas ausencias, Jack Kamen y Al Willimson.

Una cuestión que llama la atención al revisar estas historietas es la del entintado, a causa del cual varía el detalle y el trazo de un mismo ilustrador de una historieta a otra. Y en ocasiones de forma muy acusada: el detallista Al Williamson, cuyo arte y minuciosidad es bien latente en Cautividad (Captivity) o Semilla del espacio (Space-Borne!), se echa totalmente a perder en El monstruo de la isla (The Island Monster). Una cuestión que también se deja notar en otros ilustrandores.

Pero no solo en las historietas radica el interés que tiene esta reedición para el lector actual, pues tanto las páginas de propaganda como el Correo Cósmico servirán para mostrar la evolución y el crecimiento de E.C. Comics, pues informan tanto de la buena aceptación de las tres cabeceras dedicadas al terror, como de la trayectoria de la revista hermana, Weird Fantasy así como de la recién nacida Shock Suspenstories. También, mediante la propaganda, seremos testigos de la llegada de la histórica Mad. Por su parte, el correo traerá interesantes temas, como el pequeño escándalo provocado por una historieta entre un sector de lectores; las quejas por la falta del arte de Feldstein, ocupado exclusivamente en los guiones; además de curiosas misivas de un teniente o de un joven léctor, que cuenta cómo su padre quedó fascinado por los cómics de su hijo. Pequeños y adultos compartiendo lectura, algo inédito hasta entonces, cuyo mérito compartían los guiones y la calidad de los dibujos.

Para terminar de redondear el tomo, el prólogo está escrito por Gene Simmons, que además de lucir la lengua con su grupo Kiss durante los último 50 años, es todo un fanático de los cómics de terror, en especial, los de EC.


JOE ORLANDO

Joe Orlando a las puertas de EC con su carpeta bajo el brazo.

Joe Orlando nació el en Italia. Sus padres emigraron a los Estados Unidos en 1929 y muy pronto se sintió atraído por el dibujo. Se formó en la Escuela de Arte Industrial y a finales de la década de los cuarenta, realizaría su primer trabajo profesional para el cómic católico Treasure Chest. Desde 1948 trabajó regularmente para Charlton Comics y luego los editores Fox, Avon, Youthful para los que realizó historias de ciencia ficción. En septiembre del 1951 se publica su primera historieta en  EC Comics, Forbidden Fruit en el número 9 de Haunt of Fear. a la que seguirán muchas  más, especialmente de ciencia ficción, en Weird ScienceWeird FantasyWeird Science-Fantasy, Shock Suspenstories, pero también de terror en Tales from the crypt o Vault of Horror.

Durante su etapa en EC y hasta el cierre del sello en 1956, Orlando no deja de colaborar para otras editoriales como Avon o Timely. Tras la caida de EC Comics en 1956, dibuja para Mad, pero también para Marvel, Prize y otras editoriales, realizando cómics de todo género: western, bélico, terrorífico o fantástico.

Dibujo de Wally Wood que muestra a él mismo dibujando junto a Joe Orlando.

En 1964 participa en el primer número de Creepy editado por Warren Publishing, donde madurará su estilo. Compaginando este trabajo con el de otras editoriales como  Gold Key y Marvel, donde realizará tres números de Daredevil y un Giant-Man. A partir de 1966 también dibuja para DC, que dos años después le nombrará editor de House of MysteryPlop!, Swamp Thing, La hora de las brujas Weird War Tales, pasando a ser, posteriormente, vicepresidente encargado de proyectos especiales para el sello.

Durante la década de 1980, Joe Orlando se convirtió en profesor en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York. Y en 1992, cuando Time Warner, propietario de DC comics, compró Mad, fue nombrado Director de Publicaciones Asociado. Cuando en 1996 se retiró de los cómics de DC, sin embargo mantuvo una oficina en Mad, donde trabajaría hasta su muerte en 1998.                                                                                                                                                                                                    (Fuente: frwiki.wiki)


Repasando pormenorizadamente los contenidos de

Weird Science Vol. 3


WEIRD SCIENCE 13. Mayo-Junio 1952. Portada: Wally Wood. Guion: Al Feldstein 

Wally Wood ilustra en Una decisión sopesada (A Weighty Decision), el primer viaje tripulado a la luna que tendrá lugar en 1954, a dos años de publicarse ese mismo número de Weird Science. Hoy sabemos que hubo que esperar algo más, por supuesto, pero la estética, entonces moderna, de esa historieta, hoy resulta irresistible y decididamente camp, con toda esa tecnología ficticia de inequívoco sabor 50’s. Y todo ello se tratará de una historia de amor y dependencia que tendrá una conclusión -casi-  humorística, sí, pero con el más negro de los humores. Marca de la casa. Así que, no es de extrañar, leyendo esta y otras historietas, que el equipo de EC tuviera en mente y llevara a cabo, muy, muy poco después, la publicación de la publicación humorística Mad, la única que sobrevivio de todas las cabeceras, ya como revista, tras la polémica debacle por todos conocida tras la investigación del Congreso. En Una inversión de futuro (Saving for the Future), Jack Kamen pone imágenes a otra propuesta no exenta de humor, en la que planes de futuro, perfectamente pergeñados, se vendrán abajo por la cosa más absurda. De nuevo Wally Wood con Él caminó entre nosotros (He Walked Among Us), el primer relato que creo cierta polémica entre los propios lectores, tal y como se refleja en el Correo Cósmico del número 15 ¿el motivo? el mismo por el cual John Lennon, tan solo 14 años después, tuvo problemas, al igual que Monty Phyton en 1979. Una cuestión compleja que, a pesar de todo, todavía colea. Con Reza tus oraciones (Say your Prayers), Joe Orlando cierra el número y demuestra que, a veces, el azar puede salvarnos a todos.

WEIRD SCIENCE 14. Julio-Agosto 1952. Portada: Wally Wood. Guion: Al Feldstein

Un atípico número, pues, a excepción de Wood y Orlando, abriendo y cerrando, como es habitual, los otros dos artistas debutan y se despiden, al menos de momento, de Weir Science. Wally Wood avisa que ¡Va a haber algunos cambios! (There’ll be Some Changes Made!) y… desde luego no se equivoca en la que quizás es la más chocante de las historietas del tomo. La verdad interior (Inside Story) aborda la temática de los universos paralelos y es la única ilustrada por Bill Elder, un viejo amigo de Kurtzman que resultará ideal para el proyecto que nacerá, tan solo, dos meses después, Mad. Otro «novato», Sid Check, se encarga de ¡Estrategia! (Strategy!), un delicioso relato protagonizado por alienígenas con mala suerte. Check, que, tal y como se indica en el propio Correo Cósmico del número, «viene de la ‘escuela de Wood y Orlando’ y trabajó con ambos antes de dar sus primeros pasos en solitario» es, ante todo, entintador como parte de un tandem formado junto a John Severin. Para terminar, prosigue la linea «humorística» con Heredarán la Tierra (They Shall Inherit), que ilustra el habitual Joe Orlando.

WEIRD SCIENCE 15. Septiembre-Octubre 1952. Portada: Wally Wood. Guion: Al Feldstein.

Wally Wood sigue puliendo su estilo, que ya casi está en la cima, alcanzada durante su etapa posterior en Warren. Muestra lo aprendido junto a Will Eisner, tal y como puede comprobarse en la distribución de viñetas de la segunda página de ¡Los marcianos! (The Martians!), en la que se demuestra que la belleza depende del ojo que la mire. Un excelente Al Willianson ilustra Cautividad (Captivity), con una magnífica utilización de tramas y una historieta con un final, aún más, inesperado. Jack Kamen con su habilidad para dibujar bellas mujeres, es el artista ideal para ilustrar ¡Un error de cálculo! (Miscalculation), en la que se hace realidad el sueño de muchos hombres pero que, como no podría ser de otra forma, termina mal. Finalmente, Joe Orlando se ocupará de ¡Como ganado! (Bum Steer!), una pesadilla que dejará, ahora sí, al lector con mal sabor de boca…

WEIRD SCIENCE 16. Noviembre-Diciembre 1952. Portada: Wally Wood. Guion: Al Feldstein.

Por lo pronto, la portada interior ya anuncia la llegada de Mad, un comic book que pasará a ser revista y que, como veremos, tendrá una larga trayectoria. El número se inicia con Más dura será la caída (Down to Earth), protagonizada por los alienígenas que también ilustran la portada del número, unos seres que, sin duda, inspiraron a Norman Saunders, ilustrador de las trading cards Mars Attacks para chiclets Topps. Y precisamente la imagen de esas criaturas son lo más memorable de una historieta que, en este caso, tiene una conclusión poco sorprendente, algo que sí que tiene ¡Semilla de Espacio! (Space-Borne!), fantásticamente ilustrado por Al Williamson que se inicia en boda, prosigue en luna de miel y… Resulta, cuanto menos, sorprendente la manera en la que se insinúa el acto sexual entre los dos amantes: «Me incliné…puse la hipervelocidad…y…«. ¡La herencia del pasado! (Given the Heir!), está ilustrado por Jack Kamen y es una de las clásicas historias en las que el plan perfecto terminará saliendo tremendamente mal. ¡El favorito del público! (The People’s Choice!) es una de las más divertidas del tomo. Un tanto ridícula en su conclusión, está ilustrada por Joe Orlando.

WEIRD SCIENCE 17. Enero-Febrero 1953. Portada: Wally Wood. Guion: Al Feldstein 

Como indica la portada este número contiene una adaptación al cómic de una narración de Ray Bradbury, en esta ocasión ¡Los largos años! (The Long Years!), un previsible pero humanista relato, que cierra el número y, por tanto, está ilustrado por Joe Orlando. Más imprevisible resulta ¡La edad del pavo! (Plucked!), que dibuja Wally Wood y que ofrece un final shock y, en cierto modo, divertido. Por su parte y tal y como hemos comentado más arriba, El monstruo de la isla (The Island Monster), ilustrado por Al Williamson, tiene un pobre entintado que empaña el brillante resultado habitual. Y todo en una historia remedo de King-Kong pasado por el tamiz de la ciencia ficción. Finalmente, Kamen pone imágenes a ¡Día libre! (Off day!), practicamente un chiste ilustrado protagonizado por un científico apocalíptico y… bastante despistado.

WEIRD SCIENCE 18. Marzo-Abril 1953. Portada: Wally Wood. Guion: Al Feldstein.

¡Marte es el cielo! (Mars is Heaven!) es otra nueva adaptación al cómic de un relato de Ray Bradbury, ahora con los pinceles de Wally Wood, que realiza una elaboradísima historieta con sórdido final ¿o se creían que Marte era el cielo? ¡Un final explosivo! (Snap Ending!) ilustrada por Al Williamson es una alucinante narración que recuerda el porqué los cómics EC han sobrevivido mejor que el resto de sus imitaciones el paso del tiempo. Por cierto, si se fijan en la penúltima viñeta de la página 5 verán una pequeña broma del dibujante, pues el niño gana un muñeco con gafas que luce una camiseta en la que pone BG, y que no es otro que Bill Gaynes, editor de EC Comics. ¡El paralelo! (The Parallel!) nos explicará, con la colaboración de Jack Kamen, qué son los denominados Déjà Vu. Un descubrimiento explosivo. Joe Orlando, puntual a su cinta, será el encargado de cerrar el número y con él este tercer tomo de Weir Science con ¡Desmontado! (Disassembled!), en la que el protagonista aprenderá, demasiado tarde, que no hay que llevarse sin permiso cosas de los platillos volantes pues, tarde o temprano, el propietario volverá a por ello. Un broche de oro para un tomo sin desperdicio y un final estupendo que dejará al lector con más ganas de EC., algo que, afortunadamente, no tardará en sucederer, pues Diábolo Ediciones ya tiene listo, recién sacado del horno, el cuarto tomo de Tales from the Crypt, cargado de nuevas y terroríficas historias cuya inminente publicación delata la alarmante proliferación de gusanos necrófagos que se han instalado en nuestros hogares.


Las contraportadas

Por cierto, hemos visto que Diábolo respeta la publicidad que las publicaciones incluían en sus hojas interiores sobre otros títulos del mismo sello, pero… ¿y las contraportadas? Pues como podemos ver en estos ejemplos tomados de dos de los números comentados, se incluía el ya clásico anuncio del método Charles Atlas para ponerse fuerte y ganarse el respeto de todo el mundo. En especial si  se completa el modelo con un slip de leopardo. De  hecho, Charles Atlas daba opción a escoger lo que se quería mejorar y siguiendo las instrucciones de un pequeño libro, se volvía uno más poderoso. O debería. Así que, como vemos, lo del culto al cuerpo que tan en boga está en la actualidad, ya comenzó mucho antes. Otros anuncios ofrecían un manual con el que pasar de ser un perfecto inútil a un increíble mecánico, apto para solucionar cualquier avería automovilística.


VAMOS DE ESTRENO * Viernes 20 de enero de 2023 *

BABYLON (Damien Chazelle, 2022)

USA. Duración: 188 min. Guion: Damien Chazelle Música: Justin Hurwitz Fotografía: Linus Sandgren Compañías: Paramount Pictures, Material Pictures, Marc Platt Productions. Distribuidora: Paramount Pictures Género: Drama.

Reparto: Margot Robbie, Brad Pitt, Diego Calva, Katherine Waterston, Tobey Maguire, Li Jun Li, Olivia Wilde, Max Minghella, Samara Weaving, Eric Roberts

Sinopsis: Ambientada en Los Angeles durante los años 20, cuenta una historia de ambición y excesos desmesurados que recorre la ascensión y caída de múltiples personajes durante una época de desenfrenada decadencia y depravación en los albores de Hollywood.

Babylon se inicia en la puerta de servicio de Hollywood, en donde trabaja, realizando todo tipo de labores y encargos, el protagonista, encarnado por Diego Calva. Y de ahí pasa a la locura de una fiesta en la que se rebasan todos los excesos imaginables. Estamos en 1926, el sistema de estrellas ha nacido y los actores y actrices son dioses. El cine mudo está alcanzando su cénit y el séptimo arte nunca volverá a ser tan mágico como lo fue entonces pues, con la llegada del sonido, dejará de ser arte. Una Babilonia que hace referencia a la que mostró el mago Kenneth Anger en su díptico Hollywood Babilonia, dos libros que resultan imprescindibles para el que desee desentrañar las verdades y mentiras que se explican en el film. Un Kennet Anger que, su vez, tituló sus libros así en referencia a Intolerancia (Intolerance, 1916), el majestuoso filme de D.W. Griffith cuyos majestát icos decorados, junto a metros y metros de celuloide mudo de los archivos de la MGM sirvieron para alimentar las llamas del incendio de Atlanta que se reprodujo en Lo que el viento se llevó. Pero para entonces, ese Hollywood de pecado, sexo, drogas y escándalo, que es el que muestra Babylon, ya había desaparecido, al menos, del ojo público.

Drama y comedia se dan la mano en este viaje a la fábrica de sueños con un periodo que cubre de 1926 a 1952, cuando el denominado sistema de Estudios comenzó a desmoronarse. Pero Damien Chazelle se mantiene durante la mayor parte del metraje en aquel primer Hollywood, que tan profundamente cambiaría con la llegada del sonido.

Babylon construye su historia con los ecos de los auténticos personajes de aquella época: Clara Bow, Anna May Wong/Marlene Dietrich, John Gilbert y otros, que encarnarán en el film, respectivamente, una desatada Margot Robbie; una elegante Li Jun Li (cuyo personaje se permitirá reproducir la más famosa escena del film Marruecos de Josef von Sternberg) y un Brad Pitt cínico y mítico. Otros nombres que circulan por la historia de Babylon son los de los actores Buster Keaton y Lya de Putti, y el de los productores Irving Thalberg y Paul Bern, ambos fallecidos tempranamente. Bern se saltó la tapa de los sesos por sus problemas de erección dos meses después de casarse con Jean Harlow, la rubia platino. Hay tanto detalle y tanta referencia que en un plano incluso se muestra a un oriental tras la cámara. Y no es un error, o uno de esos planos inclusivos que se hacen ahora para satisfacer a la audiencia: uno de los más importantes directores de fotografía de la época fue el chino James Wong Howe, cuya carrera cubrió 50 años (de 1923 a 1975) con un largo número de películas importantes a sus espaldas. 

Babylon, pues, es un torbellino de vida, tan efímera como intensa, muy intensa, en el que unos personajes pasan de la nada a formar parte de un nuevo Olimpo y de ahí, devueltos a los más infectos callejones del Poverty Row, pasando otros nuevos dioses a sustituirlos. Damien Chazelle, dándole la mano a Cantando bajo la lluvia, usa esos materiales como un cincel con el que labrar un magno epitafio a esa época dorada del cine. Pero todo lo que nos cuenta de ese momento es fácilmente trasladable al presente del séptimo arte, el director nos lo hace sentir sin necesidad de explicitar los paralelismos. Ahora, quizás más que entonces, también el cine se enfrenta a un radical cambio de paradigma y nos parece vislumbrar una transformación que le hará tan otro que no lo reconoceremos. Babylon entona una bella oración fúnebre que, como la que pronunciara Perícles sobre Atenas durante las Guerras del Peloponeso, loa las virtudes de un espectáculo cuando ya parece ser pasto para la memoria. Y todo esto en el tiempo en el que se consume una llama ¡Pero qué llama! 

DECISION TO LEAVE (Heojil kyolshim, Park Chan-wook, 2022)

Corea del Sur. Duración: 138 min. Guion: Jeong Seo-Gyeong, Park Chan-wook Música: Cho Young Wuk Fotografía: Kim Ji-yong Compañías: Moho Films, CJ Entertainment Género: Drama

Reparto: Tang Wei, Park Hae-Il, Park Yong-woo, Yoo Seung-mok, Kim Shin-young, Lee Jung-hyun, Seo Hyun-woo, Park Jung-min, Ha-dam Jeong, Go Min-si, Go Kyung-pyo, Jung Yi-seo, Lee Hak-Joo

Sinopsis: Hae-Joon, un veterano detective, investiga la sospechosa muerte de un hombre en la cima de una montaña. Pronto, comenzará a sospechar de Sore, la mujer del difunto, mientras la atracción que siente por ella le desestabilizará.

Quiero el amor o la muerte, quiero morir del todo, // quiero ser tú sangre, esa lava rugiente// que renegando encerrada en bellos miembros extremos// siente así los hermosos límites de la vida”. Estos versos componen la más hermosa y célebre estrofa de la poesía de Vicente Aleixandre, el poeta expresa mediante la disyuntiva no excluyente la identidad de Eros y Thanatos, pues hay que morir del todo para alcanzar la unidad plena con la amada, disolverse entero para fusionarse por completo uno en el otro. Es el ideal del romanticismo que aspira a la comunión con el absoluto cósmico a través del amor, esa destrucción de la que habrá de nacer una nueva creación que nos elevará. Como escribió Goethe en el último verso de su Fausto: “El eterno femenino nos eleva”. Una profundidad desmesurada de la acción de amar, que a día de hoy nos parecería insana, pero que todavía perdura en el imaginario colectivo como el límite sublime de la pasión. Los franceses le dieron nombre: amor fou, y ese es el que nacerá entre los protagonistas de Decision to leave.

El último trabajo de Park Chan-wook es un thriller que cumple con todos los códigos del género los cuales tienen como objetivo tejer una trama que tenga al espectador sumido en la intriga, ocupado en desvelar las incógnitas de la acción como si él mismo fuera el detective, valiéndose para ello de los giros de guion y de la creación de suspense en el sentido hitchcockiano del término, el público tiene o cree tener más información que el personaje y sufre por lo que el destino parece depararle. Y toda esa tensión dramática, además, se desarrolla mediante un inteligente uso del montaje y la planificación. El coreano domina la técnica milimétricamente, tanto que logra coser un relato de amor sobre las mismas costuras que definían el thriller. La acción policíaca y el interés romántico se vuelven aquí indisolubles y de su maridaje surge una historia trágica de un voltaje que, quizás, no habíamos visto desde Hana-Bi (1997, Takeshi Kitano). En verdad, se podría decir que la estructura de intriga policíaca es el Macguffin, una mera falsilla sobre la que se escribe lo que importa que no es otra cosa que sumergirnos en las profundidades de la pasión romántica. En su sentido estricto, no en el laxo que tiene por patrón un santo agrario y que muchos celebran cada 14 de febrero.

El romanticismo apostaba por exaltar los sentimientos y los estados de ánimo por encima del racionalismo, en Decision to leave nos encontramos con un sentimiento desaforado que nace por causa de la racionalidad obsesiva de su protagonista masculino. El que fuera el detective más joven de la unidad, Hae-Joon, es ahora un policía maduro perseguido por el insomnio y la fijación en los casos no resueltos. Su expediente es impecable y su matrimonio está bien asentado pese a que, por razones de trabajo, sea una relación a distancia, nada explica, pues, porque no puede conciliar el sueño. Perfeccionista y meticuloso, su rigor en la investigación se convertirá en obsesión cuando se cruce en su camino Sore, una joven china esposa de un agente de inmigración que acaba de morir al despeñarse de una cima. Todo parece apuntar que se trata de un accidente, pero el celo profesional del detective le lleva a seguir de cerca a la recién enviudada como si fuera sospechosa. Durante su turno de noche, al que es asiduo por causa de su trastorno del sueño, se convertirá en la sombra de Sore. La sigue a todas partes con un desvelo que nos recuerda al James Steward de Vértigo, quizás porque sus persecuciones en coche son tratadas por Park Chan-wook con una puesta en escena similar a la que usó Hitchcock en su cinta de culto. La coartada de Sore resulta sólida y las pruebas que van apareciendo acaban apuntando al suicidio como causa de la muerte. Sin embargo, aún cuando la investigación se cierra, Hae-Joon continúa su asedio a distancia y sigue manteniendo las fotografías del asunto en el tablón en el que colecciona las imágenes de los casos no resueltos. Sore no ignora en ningún momento el acoso y sabrá jugar sus cartas, el director le muestra al espectador detalles que inducen a pensar que todo lo que se va sucediendo entre ellos es fruto de su manipulación. Porque conocemos las claves del argumento de Vértigo, formamos la hipótesis de la insinceridad, pero, nuevamente como en la obra de Sir Alfred, la película entra en una segunda parte bien diferenciada de la primera (los giros de guion son vertiginosos y casi nos podemos perder si no ponemos la mirada en el tema de fondo) en la que el desafuero que los vincula alcanza su máxima expresión. Estamos ante la destrucción o el amor, e igual que Scottie desea a una Madeleine muerta, Sore (y nosotros con ella) sabe que Hae-Joon la desea culpable. Todo concluye con un desenlace que plásticamente recuerda la pintura de Caspar David Friedrich y que bien podría haber salido de la pluma de E.T.A. Hoffmann. Un final propio de novela gótica escrita desde el romanticismo más negro, acompañada como sintonía por el Adagietto de la 5ª de Mahler (el mismo al que acudió Visconti en su versión de Muerte en Venecia).

Una fina línea distingue la tragedia del folletín: el sentido e intención de la narración y la pericia del narrador a la hora de expresarlo. Park Chan-wook tiene maestría de sobra para penetrar en la fibra de lo trágico y con Decision to leave nos regala una obra que está destinada a engrosar la larga lista de tragedias imperecederas. Sus personajes trascienden su circunstancia y se elevan universales como puntos de referencia del amor convertido en fatalidad. El coreano nos deja abandonados en la bruma de la contrariedad, acompañados sólo por los versos de una canción desolada de Chung Hoon Hee. “¿Adónde fue esa persona?// Solo en la niebla, voy sin fin”.

Categorías: VAMOS DE ESTRENO

Proximamente…¡Winnie the Pooh: Blood and Honey!

Hoy, 18 de enero, fecha del aniversario del nacimiento de Alan Alexander Milne, creador de Winnie the Pooh, el amoroso y tierno oso de peluche del Bosque de los Cien Acres e ícono de la infancia de numerosas generaciones, se celebra en todo el mundo el Día de Winnie the Pooh. 

Sinopsis: Los días de aventuras y felicidad llegan a su fin cuando Christopher Robin abandona su hogar y a su querido osito Winnie the Pooh para marcharse a la universidad. A medida que el tiempo pasa y Winnie y Piglet, su fiel compañero de aventuras, ven que Christopher no regresa, comienzan a sentirse abandonados y furiosos, lo que les hace enloquecer. Su sed de sangre y venganza no tardará en causar estragos.

Vértice 360 aprovecha esta entrañable efeméride para anunciar que, próximamente podrá verse en nuestro país, Winnie the Pooh: Blood and Honey, una de las películas de terror más esperadas de 2023.

El público general recuerda a Winnie the Pooh por los dibujos de Disney, pero, en realidad,  se trata de una creación procedente de una novela de A.A. Milne de 1926. que en enero de 2022 se hizo de dominio público, perdiendo The Walt Disney Company los derechos de explotación cinematográfica de la historia. Ese fue el germen que transformó al amoroso y tierno Winnie y a su fiel Piglet en unos psicópatas sedientos de sangre. Pese a ello, para evitar cualquier problema de propiedad intelectual y derechos de autor, el director y guionista decidió prescindir de la icónica camisa roja de Pooh, entre otros elementos propios de los personajes de Disney.

Este terrorífico slasher producido por Jagged Edge Productions (Croc!, Kingdom of the Dinosaurs, The Curse of Humpty Dumptynos traslada a un mundo oscuro, hostil y muy poco amigable, repleto de imágenes sangrientas que poco tienen que ver con el idílico universo creado por A.A. Milne, en el que habitaban los adorables Winnie the Pooh y sus amigos Piglet, Igor o Tigger.

Los actores Craig David Dowsett (The Area 51 Incident, The House That Zombies Built) y Chris Cordell (The Curse of Humpty DumptyH.P. Lovecraft’s Monster Portal) son los encargados de ponerse la máscara y dar vida a los míticos Winnie y Piglet espectivamente. Ambos ya habían trabajado con el director Rhys Frake-Waterfield (FirenadoRise of the Loch Ness)

Finaliza el rodaje de ‘Alimañas’, una comedia negra escrita y dirigida por Jordi Sánchez y Pep Anton Gómez

Ha finalizado el rodaje principal de Alimañas, la primera película escrita y dirigida por Jordi Sánchez y Pep Anton Gómez, y ya podemos compartir con vosotros nuevas imágenes del rodaje que ha tenido lugar en Madrid.

Alimañas es una comedia negra para todos los públicos protagonizada por dos hermanos muy diferentes, Carlos y Paco, interpretados por Carlos Areces y el propio Jordi Sánchez, a los que les une la ambición por heredar un edificio propiedad de su anciana madre, edificio en el que ambos tienen puestas todas sus esperanzas para mejorar su precaria situación económica. Completan el reparto las magníficas Loles León, Silvia AbrilCarmina Barrios y Pilar Bergés, con la colaboración especial de Antonio Resines.

“Después de 25 años escribiendo teatro y guiones para la televisión, rodar Alimañas ha sido un regalo, un placer, una delicia. Hemos hecho la película que queríamos hacer y con la gente con la que queríamos hacerla. Estamos encantados, agradecidos, felices… Vamos a por la siguiente”, afirman ambos emocionados.

Producida por Feelgood (Juana Macías, Juan Moreno y Guillermo Sempere), Kowalski Films (Koldo Zuazua), Sábado Película (Toni Carrizosa) y Alimañas AIE,  en asociación con Sony Pictures International Productions, la película cuenta con la participación de RTVE Movistar Plus+,  la financiación de la Comunidad de Madrid y el Ministerio de Cultura – ICAA y llegará exclusivamente a cines el próximo año de la mano de Sony Pictures Entertainment.

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El 28 de abril se estrenará el thriller ‘Fatum’, protagonizado por Luis Tosar y Elena Anaya

Fatum, producida por Vaca Films, se estrenará en cines el próximo 28 de abril distribuida por Universal Pictures International Spain.

Sinopsis: Sergio (Luis Tosar) tiene graves problemas con el juego. Tras jurar a su esposa que no volvería a caer, recibe un soplo sobre un supuesto amaño de un partido de futbol e, incapaz de cumplir su promesa, regresa a la casa de apuestas con la intención de recuperar todo el dinero perdido. El soplo resulta ser cierto y por fin su suerte va a cambiar… pero Alejo (Aron Piper) con un pasado salpicado también por el juego irrumpe armado en el local. Pablo (Alex García) francotirador del GEO, es presionado por la comisaria Costa (Elena Anaya) para prestar servicio en el atraco. Pero la cabeza del GEO está en otro sitio, en el hospital, donde la vida de su hijo pende de un hilo. El destino hace que Sergio y Pablo se vean envueltos en un atraco a una casa de apuestas, donde un disparo cambiará sus vidas para siempre.

La película reúne en sus papeles protagonistas a tres grandes actores de nuestra cinematografía: Luis Tosar (En los márgenes, Código Emperador, Hasta el cielo), Álex García (El inmortal, AntidisturbiosSi yo fuera rico) y Elena Anaya (JaulaWonder Woman, La piel que habito). Completan el reparto Arón Piper (Código EmperadorEl desorden que dejas, Élite), Luisa Mayol (Quien a hierro mata) y Pepa Gracia (La Unidad), entre otros. 

El primer largometraje de ficción de Juan Galiñanes, con un guion escrito por él mismo y Alberto Marini (La UnidadEl desconocido), es un trepidante y emocionante thriller que transcurre en tan solo 12 horas en torno a un atraco a una casa de apuestas, ofreciendo una sorprendente visión sobre el peso del destino y el azar y sobre como este influye de una manera determinante en nuestras vidas y futuro más inmediato. 

Juan Galiñanes señala que “Fatum es emoción y tensión, con personajes llenos de vida y humanidadLa tensión va mutando, de lo físico a lo emocional. Por un lado, viene servida por la acción exterior y física de la propia historia, pero también por la que viven los personajes en su interior, cuyas emociones te golpean visceralmente en esas determinantes y definitivas doce horas”.

Por su parte, Emma Lustres. productora de la película, destaca que Fatum “es una película cargada de tensión y adrenalina, pero con un fuerte trasfondo social que sobrevuela toda la acción, y con una carga dramática que apela a los sentimientos más universales. Fatum aborda los temas clásicos del ‘noir’ con una mirada contemporánea”.

Fatum, que llegará a los cines el 28 de abril distribuida por Universal Pictures International, es una producción de Vaca Films en coproducción con Playtime y con la participación de RTVE, AmazonTVG y con el apoyo de ICAA y Agadic cuyo rodaje se desarrolló en Galicia. 

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Llega a FlixOlé ‘El camino’, obra maldita de la pionera cineasta Ana Mariscal

La plataforma estrenará el próximo 13 de enero El camino, una de las joyas desconocidas del cine español, la primera en adaptar una novela de Miguel Delibes. Estrella de la gran pantalla como actriz, Ana Mariscal también fue una de las primeras mujeres en hacer carrera con la dirección. Mariscal fue una de las pioneras en acercarse al neorrealismo en nuestro país, siendo El camino un ejemplo de ello

El recuerdo de Ana Mariscal como actriz de cabecera en las películas de los 40 y 50 permanece imborrable. Pero la interpretación no es el único legado que dejó esta estrella incontestable del cine español: fue una de las primeras mujeres en encarnar un personaje masculino en el teatro, en fundar su propia productora y en ponerse detrás de la cámara, haciendo carrera de ello. También fue la primera en adaptar una novela de Miguel Delibes: El camino (1963), una de las joyas del séptimo arte patrio, olvidada durante décadas, que se podrá ver en la plataforma FlixOlé a partir del próximo viernes, 13 de enero.

Pionera en multitud de aspectos culturales e intelectuales, Mariscal fue una de las precursoras del neorrealismo en la España del franquismo. Su obra cumbre, El camino, es un claro ejemplo del cine personal, apegado a la realidad y a las preocupaciones sociales, que desarrolló la diva de la gran pantalla en su faceta de directora. Algo que no era del agrado de la censura, que entorpeció la exhibición y distribución de la cinta, contribuyendo a que ésta quedase como película maldita.

El interés por el título ha experimentado un reciente despertar en certámenes y filmotecas. De hecho, el Festival Internacional de Cannes, en su 74ª edición, incluyó la proyección de El camino en la sección de clásicos. Ahora, FlixOlé facilita la visualización de esta obra imprescindible con el estreno de una versión restaurada y digitalizada.

Representación de la vida rural, sus alegrías y penurias

Cara visible de las comedias escapistas, melodramas históricos y productos patrióticos que tanta fama le granjearon como actriz, Ana Mariscal cultivó un cine totalmente distinto, independiente a los cánones que marcaba el régimen. Bajo el sello Bosco Films, productora que la propia Mariscal creó a principios de los años 50, la cineasta volcó sus inquietudes y rodó una decena de películas, siendo una de las más reconocidas El camino. El humanismo y existencialismo del texto de Delibes se convirtieron en imágenes en este largometraje con el que la directora representó la vida de un cotidiano pueblo de la sierra de Ávila, con sus penalidades y alegrías. 

Mariscal filmó un retablo costumbrista del mundo rural y sus gentes durante la dictadura. Para ello utilizó como hilo conductor a Daniel, un niño apodado ‘El mochuelo’ al que su padre quiere enviar a la ciudad para que termine sus estudios y sea un hombre de provecho. Durante las horas previas a su marcha, por la mente del adolescente desfilan los recuerdos del pueblo y de sus vecinos.

El bucólico retrato maquilla el ambiente opresivo, la falta de oportunidades y el paternalismo religioso que evidencia la película. Una crítica social que, paradójicamente, no descarga su culpa en los personajes. La ternura e inocencia de los protagonistas alcanzan de lleno al espectador, y dejan en éste numerosos episodios imborrables: como el del ejército de beatas persiguiendo las pecaminosas conductas de sus convecinos; las diabluras de los jóvenes del lugar, algunas de las cuales terminan en tragedia; el juego de la cucaña como excusa para ensalzar la masculinidad entre los lugareños; o las sonrisas y lágrimas de la pequeña Mariuca-Uca.

Directora y actriz, a la misma altura

El camino conduce con humor satírico a un fatalista reflejo de la realidad, lo que hizo que Ana Mariscal se las viera y se las desease con la censura. Un ninguneo que, sumado al sambenito de ser “la actriz del régimen”, ha impedido que el largometraje, y parte de la obra de la realizadora, hayan obtenido el reconocimiento que merece. Y es que en un tiempo en el que el rol de la mujer estaba tristemente encorsetado, Ana Mariscal mostró su empoderamiento en un sector poco dado a ello, sirviendo de inspiración a multitud de nombres que vinieron después.

La inclusión de El camino en el catálogo de la plataforma especializada en cine español, donde también están disponibles otros títulos protagonizados por la actriz, permite recuperar del olvido una joya fílmica de nuestro país al tiempo que pone en valor la carrera, menos conocida, de Ana Mariscal como directora.

Lanzamiento de Ediciones 79 para el 18 de febrero: Paul Naschy, Víctor Matellano y Arturo de Bobadilla

Edicions 79 lanza este mes dos giallos Una libélula para cada muertoLos ojos azules de la muñeca rota de Paul Naschy y el documental Mi adorado Monster de Víctor Matellano.
Los dos giallos de Paul Naschy son una rara avis dentro de su filmografía. Inspirado en el éxito de los maestros italianos (como Mario Bava o Dario Argento) Paul Naschy rodó dos películas que no desmerecen para nada a sus referentes. Misterio, asesinatos, finales sorprendentes y gore, todo bajo un filtro giallesco, para deleitar a todos los fanáticos del terror.
Estamos especialmente orgullosos del pequeño documental Regreso a La Cartuja de David Muñoz. En él se ha convertido un vídeo doméstico del propio Paul Naschy, durante una visita a la Cartuja de Talamanca del Jarama con unos amigos (entre los que se encuentran Antonio Mayans y Víctor Matellano), en una pieza documental sobre las localizaciones de algunas de sus películas más míticas como El Retorno del hombre lobo (también en la colección) o de la misma Los ojos azules de la muñeca rota. Demos las gracias una vez más a Sergio Molina por toda su ayuda. Regreso a La Cartuja está incluido tanto en la edición en DVD como en las ediciones en Blu-ray de Los ojos azules de la muñeca rota.
Entre los extras de Una libélula para cada muerto, Ángel Sala y Xavi Sánchez-Pons ofrecen una masterclass sobre el giallo español y Carlos Benítez charla con el gran Ricard Reguant, que recuerda su trabajo con Naschy y rememora su carrera en el cine ‘S’.
También sale a la venta la edición física de Mi adorado Monster, el magnífico (y divertidísimo) documental de Víctor MatellanoVampus Horror Tales», «Zarpazos») sobre la película Los resucitados de Arturo de Bobadilla. Ahora es la oportunidad de vivir de cerca este rodaje, que duró más de 20 años y pasó por mil y una vicisitudes, con algunos de sus protagonistas entre los que se encuentran el propio Arturo de Bobadilla, Álex de la Iglesia, Alaska, Santiago Segura y Millán Salcedo. Esta edición limitada en Blu-ray incluye libreto y, como extra, la propia película Los resucitados.
A partir del jueves día 12 de enero ya se pueden reservar estos títulos en preventa exclusiva en el 79 y en www.teejuanita.com . Y dentro de unos días en los puntos de venta habituales (FNAC, Amazon y tiendas especializadas).
Pero en Ediciones 79 no se deja de trabajar y estan preparanda, para febrero, las que serán de momento dos últimas entregas de Paul Naschy dentro de la Colección Fantaterror: La maldición de la bestiaExorcismo, además de una película sorpresa española que se ha convertido en un film de culto y que escandalizó el Festival de Sitges del año 1996, naturalmente en una edición de lujo que será anunciada en breve.
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