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Nace el festival de cortometrajes online #YOMERUEDOENCASA

  • El festival tendrá lugar desde hoy día 26 de marzo hasta el próximo 15 de abril
  • El corto ganador se subirá a la plataforma Flooxer y obtendrá un año de cine gratis en Cinesa y una TV Samsung de 55’’ de Pc Componentes

DeAPlaneta  y Atresmedia Cine organizan el Festival de microcortos online #YoMeRuedoEnCasa en colaboración con la  ESCAC, Cine BaseCinesaFlooxer y Pc Componentes.

El festival nace con el objetivo de animar a todos los cinéfilos y cinéfilas de todas las edades a que permanezcan en sus casas y aprovechen estos días de confinamiento para dar rienda suelta a su creatividad produciendo, escribiendo y rodando sus propios cortos en casa que serán valorados por expertas de la industria del cine.

Desde hoy día 26 de marzo hasta el próximo 15 de abril, los participantes deberán subir su corto original de no más de 1 minuto de duración a Instagram, Twitter y/o Facebook con el hashtag #YoMeRuedoEnCasa. La temática es completamente libre mientras sea una idea original y se haya rodado en casa.

El jurado del festival, compuesto por Yolanda del Val (DeAPlaneta), Mercedes Gamero (Atresmedia Cine) y Aintza Serra (ESCAC) elegirá los cinco mejores cortometrajes que se subirán a las redes oficiales de DeAPlaneta y Atresmedia Cine y el público votará a través de sus likes en cada plataforma el corto ganador.

Los tres cortos con más votos obtendrán los siguientes premios:

1º Premio: Un año de cine gratis en Cinesa + TV Samsung de 55 pulgadas Ultra HD 4K Qled de Pc Componentes + Corto difundido en la plataforma Flooxer

2º Premio: Suscripción anual a ATRESplayer Premium + Un año de entradas de cine de títulos de DeAPlaneta

3º Premio: Lote de DVDs de DeAPlaneta

Además, se otorgará un premio especial al mejor corto joven (cuyo director o directora tenga entre 14 y 17 años) que obtendrá un curso de verano Summer School en las instalaciones de la ESCAC.

La ESCAC a través de su proyecto Cine Base (programa para implantar la narrativa audiovisual en la educación secundaria) aportará una serie de indicaciones para que los jóvenes puedan realizar los cortometrajes que se presenten en el festival.

Más información sobre la mecánica del concurso en las redes oficiales de DeAPlanetaAtresmedia Cine y Cine Base.

#YoMeRuedoEnCasa

Se cancela el 38 COMIC BARCELONA

COMUNICADO COMIC BARCELONA

“Estimados amigos,

Después de la primera semana del estado de alarma y ante la situación actual, la organización y el comité ejecutivo de FICOMIC han decidido cancelar el 38 COMIC BARCELONA, que tenía prevista su celebración del 8 al 10 de mayo en Fira Barcelona.

Estamos trabajando con ilusión en las alternativas y tan pronto como nos sea posible os presentaremos nuestro plan Z para el COMIC BARCELONA.

Agradecemos vuestra comprensión y deseamos que estéis todos bien.

 ¡Cuidaos mucho y quedaos en casa!

 
Un cordial saludo,

Equipo FICOMIC
#YoMeQuedoEnCasaLeyendo” 

38 COMIC BARCELONA – Comunicado sobre la alerta del COVID-19

Nos hacemos eco del mensaje que acabamos de recibir desde la organización del Comic Barcelona:

“Ante la actual situación y tras las últimas medidas dictaminadas por las autoridades en relación a la emergencia sanitaria del COVID-19, nuestro principal objetivo es garantizar la seguridad y bienestar de nuestro público, expositores, colaboradores, equipo y de todas las personas involucradas en hacer posible el COMIC BARCELONA.

Estamos atentos, monitorizando la evolución de la situación y siguiendo de forma rigurosa todos los consejos y dictámenes de las autoridades sanitarias. Todo nuestro equipo está trabajando desde casa en la planificación y organización del próximo COMIC BARCELONA, sin descartar ninguna opción en un escenario de incertidumbre y cambiante.

Agradecemos vuestra comprensión en estos momentos, inéditos y complicados para todos. Cualquier novedad relativa a COMIC BARCELONA será comunicada.

Deseamos que estéis todos bien y que la situación vuelva a la normalidad lo antes posible. Agradecemos vuestra confianza.

Un cordial saludo,

Tomás Pardo”
Prensa FICOMIC

VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 13 de marzo de 2020 *

Y LLOVIERON PÁJAROS (Il pleuvait des oiseaux, Louise Archambault, 2019)

Canadá. Duración: 124 min. Guion: Louise Archambault (Novela: Jocelyne Saucier) Música: David Ratté, Andréa Bélanger Fotografía: Mathieu Laverdière Productora: Films Outsidersf Género: Drama

Reparto: Kenneth Welsh, Andrée Lachapelle, Gilbert Sicotte, Rémy Girard, Ève Landry, Éric Robidoux, Louise Portal

Sinopsis: Esta es la historia de tres ancianos que han elegido retirarse del mundo y vivir en los bosques de Canadá. Al tiempo que un gran incendio amenaza la región, alguien llega hasta su escondite: una joven fotógrafa que busca a un tal Boychuck. Y no es la única. Poco después, una mujer de más de 80 años aparece como una brisa ligera que alborotará sus vidas. Mientras intentan comprender la historia de Boychuck a través de sus pinturas, algo extraordinario surgirá entre todos ellos.

La vejez es eso que los jóvenes piensan que les tardará mucho en llegar. O que nunca les alcanzará. Y es que sin lugar a duda hacerse viejo es un fastidio. Pero es mucho más que eso, pues es la constancia de que nuestro tiempo se está acabando. Que la máquina está caducando. Que el final está cerca.

Esta película demuestra otra cosa, que también el final puede ser bello y digno. Y que, por paradójico que parezca, el final puede ser el principio. Y que… ¡qué diantres!, que puede haber cosas mucho más crueles y peores que la vejez.

Y llovieron pájaros nos narra la historia de unos hombres que han escogido desaparecer del mundo. Unos hermitaños, viejos y sabios, que han decidido pasar sus últimos días en comunión con la naturaleza y en compañía de sus fieles canes junto a un bello lago. Un paraíso en el que han querido dejar de existir para todos. Pero ese fin del mundo, ese final del recorrido, por razones que no les vamos a detallar, puede ser el comienzo de una nueva aventura. Una historia sobre la persistencia de la memoria en un mundo que se diluye. Que se deja ir dulcemente.

Maravillosamente interpretada y carente de curserías y manidos tópicos, la cinta de Louise Archambault tiene todo para, además de ser una bonita película, en fondo y forma, ser además una propuesta muy inteligente y que invita a la reflexión.

 

FAHIM (Pierre-François Martin-Laval, 2019)

Francia. Duración: 107 min. Guion: Pierre-François Martin-Laval Música: Pascal Lengagne Productora: Waiting For Cinema / Wild Bunch / Alicéléo / France 3 Cinéma / CN8 Productions Género: Drama.

Reparto: Gérard Depardieu, Isabelle Nanty, Pierre-François Martin-Laval, Didier Flamand, Pierre Gommé, Emmanuel Ménard, Ahmed Assad, Lola Zidi-Rénier, Mizanur Rahaman, Alfredo Lorenzo, Lila Guennas, Axel Keravec, Corinne Valancogne, Mylène Wagram, Fahim Mohammad

Sinopsis: Forzado a huir de su Bangladés natal, el joven Fahim y su padre tienen que abandonar al resto de su familia para trasladarse a París. Desde su llegada se enfrentan a una verdadera carrera de obstáculos para obtener el asilo político, ante la amenaza de ser expulsados en cualquier momento.Gracias a su talento para el ajedrez, Fahim conoce a Sylvain, uno de los mejores entrenadores de ajedrez de Francia. Entre el recelo y la atracción, aprenderán a conocerse y entablarán amistad. Al comenzar el campeonato de Francia de ajedrez, la amenaza de expulsión se cierne sobre ellos y a Fahim solo le queda una oportunidad para salir airoso: convertirse en campeón de Francia.

La búsqueda de un lugar mejor en el que vivir, un ‘paraíso’ en la Tierra donde hallar las oportunidades es el punto de partida de este relato humanista sobre la superación con fondo de emigración ilegal y basado en un hecho real. Entretenida, no demasiado paternalista y con un Depardieu muy correcto, veremos mediante los esperanzados e ilusionados ojos de Fahim el drama de la emigración en una propuesta que también ofrece, más allá de la denuncia social, una trama emocionante  y simpática, llena de vitalidad con el competitivo juego del ajedrez como protagonista, ya que Fahim es un aventajado jugador que competirá en el campeonato de Francia.

Pero más allá de destacar, como suele ocurrir en este tipo de cintas bienintencionadas, las facultades del niño superdotado, también se ofrece el punto de vista de su padre, esforzado luchador que hará todo lo posible por perseguir el sueño de su hijo y el que él y su esposa desean para su familia. Un drama real que pone cara a tantos y tantos emigrantes que encontramos en el camino, cada uno con su historia, su aventura personal y su sueño.

FIRST LOVE (Hatsukoi, Takashi Miike, 2019)

Japón/UK. Duración: 108 min. Guion: Masa Nakamura Música: Kôji Endô Fotografía: Nobuyasu Kita Productora: Recorded Picture Company (RPC) / Oriental Light and Magic (OLM) / Toei Género: Thriller

Reparto: Masataka Kubota, Shôta Sometani, Nao Omori, Jun Murakami

Sinopsis: Leo es un joven boxeador que atraviesa una mala racha. Durante el transcurso de una noche en la ciudad de Tokyo (Japón) se encuentra con el primer gran amor de su vida, Mónica, una prostituta adicta a la droga que pese a sus circunstancias personales sigue siendo una joven inocente. Aunque Leo no lo sabe, la chica se encuentra inmersa en una compleja trama relacionada con el tráfico de droga que la convierte en el objetivo de varias personas: un yakuza, un policía corrupto y una asesina enviada por la tríadas chinas.

Takashi Miike, el prolijo director japonés, vuelve y lo hace con una comedia de acción repleta de luchas, yakuzas, juego sucio, lucha de clanes y cabezas violentamente separadas del cuerpo, un paisaje en el que nace la historia de amor de dos jovencitos. El resultado es una deliciosa cinta y un optimista canto canto a la vida narrado mediante una cinta accesible, dejando de lado experimentos arriesgados y ofreciendo al público una historia entrañable, eso sí, surcada por amplios chorretones de sangre.

Tendremos todos los ingredientes de una narración clásica: un caballero andante sin esperanza que rescatará del fondo del pozo a una princesa, pero también a dos veteranos líderes yakuza enfrentados que conseguirán despertar la simpatía y el respeto del espectador por su dignidad old school y el sentido del honor que protagonizará su épica lucha final.

Sin lugar a duda una oportunidad de pasar una deliciosa tarde en el cine.

Categorías:VAMOS DE ESTRENO

Americana 2020: 6 días de buen cine indie en una cita consolidada

En la sala Phenomena, como es habitual, se inauguró la séptima edición del festival Americana que tuvo como epicentro los Cinemes Girona, además del apoyo de la Filmoteca de la Generalitat de Catalunya y el Zumzeig Cinema. Un certamen que de nuevo trajo el mejor cine indie proveniente de Estados Unidos y que este año, además, con la novedad de sumar Canadá y México a su campo de acción.

Americana inició su séptima singladura con Saint Frances (Alex Thompson, 2019), una comedia sencilla sobre gente corriente que entrelaza, principalmente, dos historias que confluyen en su protagonista, Bridget (Kelly O’Sullivan, también guionista del filme), una mujer que a sus 34 años aún no ha encontrado su lugar en el mundo y la complicada maternidad de una pareja formada por dos mujeres (Charin Alvarez y Lily Mojekwu) para las que Bridget entrará a trabajar como niñera. Entretanto la protagonista vivirá relaciones e interrumpirá un embarazo no deseado. El nexo de unión entre ambas historias lo conformará la pequeña Frances (Ramona Edith-Williams), todo un símbolo de la feminidad del futuro. Entrañable y necesario, el filme no se salta los problemas de convivencia que tiene que sufrir la pareja y no idealiza a las mujeres protagonistas, de entre las cuales, Bridget tendrá un punto de inmadurez y casi cierta mezquindad. Una buena película de inauguración que, además, será uno de los estrenos de Flamingo Films, sello creado por los responsables de Americana.

Ya durante el primer día de festival debutaron las nuevas lenguas que han ganado voz en Americana, en este caso el castellano con Chicuarotes (Gael García Bernal, 2019) y el francés con Répertoire des villes disparues (Denis Côté, 2019), cinta esta última que atrajo mucho la atención del público, llenando la sala durante las dos sesiones en las que se ofreció. Serendipia se inclinó por la segunda cinta dirigida por el actor Gael García Bernal, que doce años después de su debut con Déficit, se decanta por una historia que mezcla drama social y comedia. Plena de sordidez, la acción se desarrolla en el San Gregorio de Atlapulco en Xochimilco, Ciudad de México. Allí visitaremos una zona marginal y conocemos a los dos protagonistas de esta historia, Cagalera y Moloteco, dos adolescentes que buscan un lugar mejor en el que vivir, lejos de la miseria y la violencia de su ciudad, donde sus habitantes están acostumbrados a tomarse la justicia por su mano. Una historia llena del fatalismo y de ese gótico mexicano que tanto nos horroriza y nos fascina y que tan bien supo retratar Buñuel en Los olvidados (1950).

The Sound of Silence (2019) es una fascinante propuesta del director Michael Tyburski, que de hecho expande el universo de su corto Palimpsesto, ganador del festival de Sundance en 2013. Protagonizada por Peter (Peter Sarsgaard), un afinador de hogares que busca constantes universales en el sonido ambiental que expliquen la conducta humana, es un investigador solitario que con su trabajo no persigue lucrarse, algo que será motivo de la incomprensión de sus colegas y maestros. La cinta habla de la desafección entre las ciudades y sus habitantes y de los sonidos que esta emite  y que nos hemos acostumbrado a no escuchar. Zumbidos y resonancias que el director incluirá en la banda sonora de su película influyendo en el estado de ánimo de sus protagonistas y del propio espectador. The Sound of Silence también profundiza en la búsqueda de la felicidad y la superación del abandono, mostrando por medio terapias alternativas para parejas aburridas y el mercantilismo que todo compra y corrompe. Toda una experiencia sensorial que les aseguramos que tan solo podrán ver en festivales como Americana.

The Jay & Silent Bob Reboot (2019) es otra vuelta de Kevin Smith al popular universo que se iniciara en el ya lejano 1994 con Clerks, todo un clásico del  cine independiente norteamericano. En esta cinta, repleta de guiños, citas y chistes privados el director no desaprovecha la ocasión para criticar el cine de Hollywood actual, repleto de sagas interminables, y para recuperar a todos los actores de sus películas. Si bien el resultado no es del todo gratificante, los amantes del cine del director y del mundo del cómic y sus convenciones gustarán de pasar un buen rato con estos fumadores compulsivos de marihuana.

Después de un largo recorrido como actor infantil, Shia LaBeouf saltó a la fama con el blockbuster Transformers, pero rápidamente se desmarcó del camino de Hollywood para trazar otro lleno de polémicas, detenciones y rumores. Pese a sus magníficas interpretaciones en Nymphomaniac, American Borg McEnroe, el año 2017 le cerraron el grifo y sus excentricidades lo llevaron a una clínica de desintoxicación. Y fue allí, cerrado en ese centro donde, debido a una terapia psicológica, escribió el guión de Honey Boy. Un guión para exorcizar sus demonios interiores, para entenderse a sí mismo, para redimir a un padre abusivo y para aceptar una infancia demasiada dura.

Mezclando presente y pasado de manera muy ingeniosa, la directora Alma Har’el ha conseguido trasmitir la espectador la demoledora historia del propio LaBeouf, que en la cinta interpreta al padre del otro protagonista, la estrella infantil que en realidad es el alter ego de él mismo. Todo un doloroso ejercicio de catarsis con el que aquel niño expuesto a una presión que no debería haber sufrido, consigue vencer el rencor ante un progenitor alcohólico e irresponsable. Magnificamente interpretada por ambos, la cinta se beneficia también de la presencia, como psicóloga, de Laura San Giacomo, una de las actrices que representó el desembarco del cine indie norteamericano con aquel buque insignia que fue Sex, Lies, and Videotape (Steven Soderbergh, 1989). Honey Boy fue uno de los títulos más interesantes y que más interés despertaron en esta edición de Americana con sala cercana al completo total.

Uno de los filmes favoritos de esta edición de Americana para Serendipia es The Death of Dick Long (Daniel Scheinert, 2019), y lo es por diversas razones: porque funciona impecablemente como un relato de intriga; porque sus personajes, dentro de su mediocridad, resultan muy eficaces para entender el sentido de toda la historia; y porque su director y guionista, Daniel Scheinert, es uno de los “Daniels” que dirigió la extraordinaria Swiss Army Man (Dan Kwan y Daniel Scheinert, 2016) y demuestra, una vez más, que sigue saludablemente loco y que tiene un sentido del absurdo con el que conectamos absolutamente.

Su trama, dentro de los artificios de la intriga, no es del todo complicada. O no debería serlo, pues narra como dos amigos dejan a un tercero, gravemente herido y de manera anónima, en las urgencias de un hospital de un pueblo de Alabama. Al parecer se han extralimitado durante una fiesta de alcohol y drogas. Al fallecer, se volverán sospechosos de asesinato por lo que espantados, procurarán limpiar todas las pruebas demostrando por medio que son rematadamente torpes. Poco a poco se irá descubriendo cual ha sido el extraño motivo de la muerte de Dick Long (interpretado por el propio Scheinert) y cada cosa que se averigüe durante la autopsia resultará más rocambolesca que la anterior. Una tragicomedia repleta de un saludable humor negro que no deja de ser otro retrato más de la descarnada América profunda.

Midnight Family (Luke Lorentzen, 2019) es un documental centrado en una de las muchas ambulancias privadas que hay en Ciudad de México, que con una población que sobrepasa los nueve millones de habitantes tan solo cuenta con 45 ambulancias públicas. Concrétamente se centra en un vehículo regentado por la familia Ochoa, que con una emisora policial se dedica, compitiendo ferozmente con otras ambulancias privadas, a ofrecer sus servicios a los heridos de accidente, un servicio que deberán pagar y que los Ochoa no siempre cobrarán. De manera muy cercana y natural, sin entrevistas ni declaraciones, como si no hubiera cámara, viviremos con esta familia su día a día, los descansos y las arriesgadas carreras por llegar los primeros a los lugares donde se ha producido accidentes o ha habido un tiroteo; los pequeños incidentes y los grandes accidentes; las comisiones y mordidas policiales; las balaseras, la vida y la muerte. Todo cabrá en la ambulancia de los Ochoa. Con mucho de cinema vérité, pero también de esos programa de sucesos a los que los mexicanos, y también los españoles, son tan aficionados, este soberbio y atmosférico documental mexicano ha obtenido varios premios en diferentes festivales, destacando el premio especial del jurado al mejor documental en el festival de Sundance.

Sorry to Bother you (Boots Riley, 2018) es una comedia negra en el sentido de que basa en gran parte su humor en situaciones vividas por su protagonista, Cassius Green (LaKeith Stanfield), un afroamericano bastante torpe que busca trabajo y lo consigue en telemarketing, un trabajo basura pero con sus propias clases y jerarquías y con el que, a pesar de todo, conseguirá lucrarse.

Con su ópera prima Boots Riley realizará una dura parábola distópica sobre  el explotador sistema capitalista sin ahorrar puyas a la ambición personal que ha hecho imposible la unión de los trabajadores y la lucha por sus derechos. Con una forma de actuar que nos trae a la memoria a Richard Pryor, LaKeith Stanfield compone un personaje irresistible sobre el que se sostiene el peso de la cinta, aunque cuenta con el apoyo de un buen reparto que incluye al veterano Danny Glover. Sorry to Bother you ha ganado premios en Austin, Toronto y el galardón a mejor ópera prima en los Independent Spirit Awards del 2019.

El biopic Seberg (Benedict Andrews) estuvo a una altura superior a la media alcanzada por este tipo de filmes. No cae en intentar contar toda una vida en dos horas, ni en el melodrama puro y duro, centrándose en los acontecimientos que marcaron la vida, la carrera y posiblemente la muerte de la actriz.  Su lucha en defensa de las causas perdidas y su interés por los Panteras Negras, junto a quienes se alineó y apoyó, manteniendo un idilio con uno de sus líderes, todo lo cual le granjeó ser objeto de una investigación por parte del FBI que no dudó en falsear y manchar su imagen con el objetivo de hundirla, todo lo cual la afectó causándole una creciente paranoia. Con un magnífico diseño de producción, la historia se cuenta desde dos puntos de vista, desde el de la propia actriz, y desde el de un joven agente del FBI, recién casado con una mujer que lucha por ejercer su carrera de medicina en un mundo de hombres, una muestra de modernidad que contrasta con su trabajo de fisgón para la oficina de Hoover. Christen Stewart está todo lo bien a lo que nos tiene acostumbrados y el papel de la joven esposa del agente del FBI está encarnado por Margaret Qualley, que prosigue así su estancia virtual en los años sesenta tras representar a Pussycat, la autoestopista mansonita de Érase una vez en Hollywood (Once Upon a Time… in Hollywood, Quentin Tarantino, 2019).

Con Thunder Road (Jim Cummings, 2018) Americana vuelve a sumergirnos en el ridículo, el patetismo, como una de las bellas artes. El protagonista, un policía divorciado que patrulla en un pequeño pueblo, interpretado por el productor, director y guionista del film, Jim Cummings, se pasa la mayor parte de la cinta lloriqueando, gimiendo desvalido ante las circunstancias que lo superan, consiguiendo que, aunque riéndonos de él, le tengamos cierta lástima… y simpatía. Surgido de un cortometraje, Thunder Road es una competente comedia melodramática que puede llegar a descolocar al espectador a base de hacerle sufrir vergüenza ajena, pero es también sin duda una  muestra del auténtico cine independiente norteamericano.

Y más comedia marciana con The Art of Self-Defense (Riley Stearns, 2019) en la que Jesse Eisenberg vuelve a vestirse con su personaje de joven apocado que, en este caso, se apuntará a una escuela de karate tras ser atacado por unos desconocidos. Allí recibirá clases de un extraño sensei, encarnado por Alessandro Nivola y conocerá a otra luchadora interpretada por la siempre magnífica Imogen Potts. Una comedia que del equilibrio inicial termina cayendo en la más absoluta demencia, tal y como nos gusta, guiños a El club de la lucha, incluidos

Y hablando de demencia, de locura absoluta cabe clasificar Greener Grass, surrealista y absolutamente disparatada propuesta de las directoras, guionista y actrices, JocelyDeBoer y Dawn Luebbe. Una despiadada critica al American Way of Life obligándole a que muestre su absurda verdad a base de reflejarlo en un espejo deformante repleto de brillo, color y aparatos de ortodoncia. Por cierto, si les quedaron más ganas de ver lloriquear a Jim Cummings tras  Thunder Road -donde también participaba Jocelyn DeBoer-, volverán a encontrarse con él en Greener Grass film que, al igual que aquel, tiene su origen en un cortometraje.

Cambio de registro, aunque sin abandonar cierto aire marciano, sobrenatural con Swallow (Carlo Mirabella-Davis, 2019), brillante película que pudimos ver en Sitges y que también halla una  grieta de extrañeza en la modélica vida de una ama de casa. Una perfecta esposa para un perfecto esposo en un perfecto hogar. Realmente, un accesorio más. Hasta que, tras quedarse embarazada, comienza a ingerir pequeños objetos en lo que casi es un ritual masoquista. Perfecto acto privado de rebeldía-anomalía ante tanta perfección. Pronto descubriremos que debajo de las impolutas capas de su alma palpita un secreto que no le permite vivir y le empuja hacia su extraña adicción. Haley Bennett, la actriz protagonista, está impecable, demoledora en un papel que le valió ser premiada en el prestigioso festival de Tribeca. Una más que bienvenida dosis de Fantastique en Americana.

Matthias et Maxime, del quebequense Xavier Dolan, fue una de las propuestas que contó con más éxito de público durante el festival, y narra la historia de una homosexualidad negada entre dos amigos de la infancia que se despertará con un beso fortuito y casual. Gabriel d’Almeida Freitas es Matthias y el propio Xavier Dolan es Maxime, papel que le permite realizar guiños a su propia filmografía. Todo en una historia de amor y de negación intensa pero contenida que irá in crescendo hasta su conclusión. Matthias et Maxime será probablemente estrenada en nuestras pantallas el 3 de abril por Avalon.

Otro nombre propio, en este caso veterano, Abel Ferrara, propondrá al espectador un viaje al cine como lugar de comunión común, de ritual con el que gozar con su documental The Projectionist, donde nos presentará a Nicolas Nicolaou “Nicky», un chipriota que creció en Nueva York y que, siguiendo el tradicional espíritu norteamericano, pasó de chico para todo en un cine, a dueño de varios en la popular calle 52. Eran los 70’s y aquello era un reflejo de las películas que se producían: Taxi Driver, Mean Streets, The French Connection… Las salas para adultos ofrecían estrenos que agotaban sus entradas, y el negocio no hacía más que crecer. Nicky vio una oportunidad y adquirió unos cuántos cines. Ni las grandes cadenas de cines ni los alquileres desorbitados pudieron desbancar a Nicky, que no hacía distinciones entre Garganta Profunda, Karate a muerte en Bangkok y El Padrino. Cine, todo cine. Su gran amor. Pero no se confundan, Nicky no es un cinéfilo, lo que le emociona y nos consigue trasmitir, es el amor al cine como ritual en una sala oscura y en comunión junto a otros creyentes. Para ello, Ferrara y Nicky van de Chipre a Nueva York recorriendo un itinerario repleto de anécdotas y diversión, pues el documental refleja lo bien que se lo pasaron ambos amigos intercambiando viejas batallas sobre el cine como económica fábrica de sueños, pero también como lugar de ligue homosexual y de lucha contra las grandes cadenas de multisalas. Dos viejos y encantadores canallas con los que el espectador pasará un muy buen rato.

Harmony Korine es uno de los más inclasificables guionistas y directores del cine norteamericano. Se dio a conocer desde muy joven por el crudo guión de Kids (Larry Clark, 1995), cinta que todavía hoy resulta impactante, y de ahí pasó a la dirección, donde ha dejado títulos  tan personales como Gummo (1997), Julien Donkey-Boy (1999) o Spring Breakers (2012). Ahora, con The Beach Bum (2019) nos presenta a un personaje, Moondog (Matthew McConaughey) que como el propio Korine es indomable y personal. Un poeta hedonista cuya filosofía de vida es el exceso y el vivir como si no hubiera un mañana. Eso sí, cargado hasta las orejas de alcohol y drogas. Un divertimento con cierta carga filosófica y un McConaughey que hace lo que mejor saber hacer: el ganso.

CONCLUSIONES

En pocos festivales pueden verse tantas comedias como en Americana, y es en estos tiempos algo que ciertamente se agradece. Tanto como el talento joven que se ha podido disfrutar durante las jornadas del certamen. Tampoco es tan fácil ver tanta marihuana por fotograma, ingrediente casi omnipresente en todo cine Indie que se precie y que culminó con esa oda alucinógena que es The Beach Bum. Pero dejando aparte anécdotas, el festival ha demostrado, una vez más, lo atinado de su selección, pues es realmente difícil ver una película que no resulte, cuanto menos, interesante. Muy al contrario, resulta descorazonador tener que escoger a sabiendas de que es posible que alguno de los títulos no seleccionados sean tan interesantes o más que los escogidos. En el caso de Serendipia, se ha dado la ya habitual coincidencia de haber seleccionado y visto la totalidad de los títulos de la Sección Oficial a Competición con la única excepción de uno, precisamente el que se elevó con el premio del jurado. Lo que se dice, atinar, no atinamos. Pero es que, ya les decimos, es francamente difícil escoger entre tantos títulos atractivos, algo que se ha notado también en el palmarés de la crítica, que incapaz de escoger unánimemente, se decantó por uno de ellos, pero nombrando dos menciones especiales.

En cuanto a la asistencia de público, ha aumentado una vez más y ha contado con la presencia de 6 invitados internacionales entre los que destacan el documentalista Steve James, nominado al Oscar en dos ocasiones y que ha sido objeto de una retrospectiva en la Filmoteca de Cataluña, y Denis Côté, el director del Québec, que vino a presentar su último trabajo.

PALMARÉS

El Jurado Joven de la sección NEXT de la Americana Film Festival, formado por los alumnos de La Casa del Cine, decidió apostar por la ópera prima Swallow de Carlo Mirabella-Davis, un drama feminista con toques de terror cotidiano.

                                         Premio del jurado joven: Swallow

El Jurado ACCEC de la crítica, compuesto por Xavier Arnaiz, Llorenç Esteve y Albert Galera, valoró las películas presentadas en la sección TOPS y ha otorgado dos menciones especiales por las películas Honey Boy de Alma Har’el y The Beach Bum de Hamony KorineEl premio de este año del Jurado de la Crítica ha sido para Répertoire des Villes Disparues del canadiense Denis Côté, que se estrenará el próximo viernes 13 de marzo bajo el título Antología de un pueblo fantasma de la mano de Flamingo Films.

Premio de la crítica: Antología de un pueblo fantasma

El palmarés se completa con los premios del público para corto y largometraje. El mejor cortometraje ha sido Milton, de Tim Wilkime. En cuanto a los largometrajes, el documental mejor valorado ha sido Martha: A Picture Story, un documental de Selina Miles, que ya se llevó el premio del público en el Festival de Sydney,  que nos acerca a la fotografía que inmortalizó el street arte del New York del 70 y que se ha convertido en la heroína del movimiento. Cierra el palmarés la mejor película de ficción según la audiencia, que ha recaído en Saint Frances, de Alex Thompson, que fue la encargada de abrir el festival el pasado 3 de marzo.

Premio del público SHORTS: Milton

Premio del público documental: Martha: A Picture Story
Premio del público ficción: Saint Frances

La valoración de la programación por parte del público ha sido excelente y hay que destacar que la gran variedad de películas de la programación ha encontrado su público ya que la mayoría de películas superan el notable, con más de un 3,5 sobre 5.

Como se puede ver el palmarés es un reflejo de la diversidad del festival con títulos realizados por jóvenes talentos junto a otros de directores consagrados, películas con mirada y autoría femenina, títulos que reflejan la realidad social y que combinan el drama, la comedia y el documental.

A continuación pueden encontrar la valoración sobre 5 de toda la programación por orden de puntuación:

Martha: A Picture Story – 4,92
17 Blocks – 4,45
5B – 4,44
Saint Frances – 4,4
Midnight Family – 4,24
Give me Liberty – 4,08
The Art of Self Defense – 4,08
Thunder Road – 4,04
Swallow – 4
America to me – 4
The Beach Bum – 3,95
I Want my MTV – 3,88
Chicuarotes – 3,84
Honey Boy – 3,83
Matthias et Maxime – 3,82
The Death of Dick Long – 3,8
The Projectionist – 3,66
Mano de obra – 3,63
Mickey and the Bear – 3,59
The Sound of Silence – 3,49
Greener Grass – 3,48
The Vast of Night – 3,46
Sorry to Bother You – 3,45
Seberg – 3,38
Jay and Silent Bob Reboot – 3,33
Antología de un pueblo fantasma – 3,31
Burning Cane – 2,44

Americana continúa estos días en varias localidades (si la pandemia lo permite) con la Route 66, con proyecciones a espacios tan destacados como el Cineclub Garbí en Malgrat de Mar, Tabakalera en San Sebastián o La Cineteca de Madrid. Mientras el equipo del festival comienza a trabajar para la edición que viene. Por nuestra parte tan solo queda felicitar a la organización por tan impecable selección de títulos, así como a todo el equipo de Americana y de los Cinemes Girona, marco ideal para este evento, por el exquisito trato con el público asistente.

The road to Americana 2021 begins!

Categorías:Americana

La 38ª edición de Comic Barcelona presenta cartel y nuevos espacios

En la sala de actos del Palau Marc del Departament de Cultura de la Generalitat de Catalunya, en Barcelona, se ha celebrado la presentación de la 38 edición de Comic Barcelona. Una edición muy especial por la situación en la que estamos todos inmersos, pero que nos motiva para seguir trabajando con mayor intensidad. El principal evento de cómics en nuestro país se presenta más diverso en novedades de todo tipo. Comic Barcelona tiene previsto abrir sus puertas del 8 al 10 de mayo de 2020, para confirmar una vez más que es el  gran punto de encuentro del cómic nacional e internacional.

En la rueda de prensa se ha contado con la presencia de Antoni Guiral, asesor y comisario de exposiciones de Comic BarcelonaOriol Estrada, coordinador de actividades; el director, escritor e ilustrador Borja Crespo; el escritor e ilustrador Cels Piñol Meritxell Puig, directora general de FICOMIC.

Meritxell Puig ha abierto la presentación recordando que Comic Barcelona volverá a abrir sus puertas durante tres días y destacando que esta nueva edición presentará tres nuevas líneas que llegan para quedarse. Después del éxito de Comic Pro y Alter ComicBarcelona, que este año regresa con mayor presencia de expositores y autores, estrenamos tres nuevos espacios: Comic VisionComic Fantasy y Comic Cosplay Zone. También ha presentado el cartel de este año que ha realizado la autora granadina Belén Ortega. Como ha comentado Puig, “el cartel refleja la evolución de la nueva etapa de Comic Barcelona. Presenta un estilo colorista capaz de trasladar al público el espíritu de nuestro evento”. En un video grabado por la dibujante, Belén Ortega ha agradecido “la confianza de FICOMIC y la total libertad que me han ofrecido a la hora de realizarlo”.

El realizador Borja Crespo ha presentado el apartado Comic Vision, “un espacio que nace debido al aumento de películas y series que han surgido desde las páginas de los cómics”. Dentro de la programación de Comic Barcelona, esta nueva sección reunirá a profesionales del cómic y del medio audiovisual que colaboran en el día a día y que han firmado obras de interés y gran calado, de reciente o inminente lanzamiento. Por su parte el autor Cels Piñol ha comentado que Comic Fantasy, “será un lugar en donde las obras de referencia de la fantasía, la magia y la ciencia-ficción se unirán a los juegos de rol, tablero, miniaturas y cartas”.

Belén Ortega, autora del póster de esta 38 edición

Antoni Guiral ha avanzado algunas de las exposiciones que tendrán un lugar destacado en Comic Barcelona. Por un lado, la exposición antológica dedicada a la obra de Antonio Altarriba, ganador del Gran Premio del Comic Barcelona del pasado año. También El ¡Universo! de Albert Monteys, dedicada al ganador del Premio a la Mejor Obra en Comic Barcelona 2019. Para celebrar el medio siglo de Mafalda en España, se le dedicará la exposición 50 años de Mafalda en España, un repaso a la popular obra del argentino Quino. Y dentro del espacio Comic Kids, tendremos una exposición dedicada a algunos de los más destacados autores y autoras nacionales de cómic infantil y juvenil. Sin olvidarnos de la muestra dedicada al cómic El vecino, del guionista Santiago García y el dibujante Pepo Pérez, y que recientemente ha sido adaptada a la televisión en una serie de Netflix dirigida por Nacho Vigalondo.

En esta edición se consolida COMIC PRO como espacio de networking, pensamiento, acción y oportunidades para el sector. Este se desarrollará en tres ejes muy importantes: jornadas profesionales, revisión de portfolios y mercado de derechos. Este espacio estará abierto desde el jueves 7 de mayo exclusivamente para profesionales.

El espacio Comic Kids, para niños y niñas de 5 a 12 años, vuelve cargado con muchas novedades. Entre ellas, varias exposiciones pensadas para el público más joven, así como actividades realizadas por los dibujantes José Fonollosa (Vampi) y Verónica Álvarez (Súper Jaime). Como en las últimas ediciones, contará con diversos talleres y actividades repartidas en los espacios ComictecaTaller de CómicComicPlayComic Chapa y Pintacaras. Este año dispondremos también de un excelente y nutrido grupo de autores y autoras que harán las delicias de sus lectores.

VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 6 de marzo de 2020 *

SKIN (Guy Nattiv, 2019)

USA. Duración: 110 min. Guion: Guy Nattiv Música: Dan Romer Fotografía: Arnaud Potier Productora: Maven Pictures / Brookstreet Pictures / Item 7 / Vision Entertainment Group / PaperChase Films / Sight Unseen Pictures Género: Drama

Reparto: Jamie Bell, Vera Farmiga, Danielle Macdonald, Mike Colter, Bill Camp, Ari Barkan, Louisa Krause, Justin L. Wilson, Sean Cullen, Samantha Jones

Sinopsis: Bryon es un joven criado por supremacistas blancos. La dureza de su educación ha provocado un profundo odio en el corazón del joven y también en su piel, cubierta de tatuajes con lemas y símbolos de extrema derecha. Sin embargo, cuando Bryon se enamora de Julie, decide abandonar el círculo de odio y violencia en el que se encuentra inmerso y trata de buscar ayuda en Daryle, un activista que lucha por los derechos humanos.

Skin intenta dar explicación a cómo es posible que muchos jóvenes entren a formar parte en movimientos racistas de carácter fascista. Ambientada en el profundo sur de Estados Unidos, está protagonizada por jóvenes blancos, desempleados, sin cultura y en muchos casos huérfanos, los llamados White Trash, que son acogidos por líderes que les inculcan su ideología desde pequeños, introduciéndolos en un círculo que sustituye a sus ausentes familias y a la que obedecerán ciegamente. Byron (Jamie Bell), el protagonista, se mueve entre Rottweilers, botas, tirantes, cabezas rapadas, esvásticas y tatuajes, y otros jóvenes uniformados como él, llenos de ira y odio al diferentes. Pero todo cambiará cuando el amor entre en su vida.

Basada en hecho reales sorprende saber que, precisamente un miembro de la raza negra que tanto odian los que son como el protagonista de Skin, ayuda a desprogramar a los que, como él, decidirán abandonar ese grupo sectario que amenaza con matarlo tanto a él como a los miembros de la nueva familia que quiere formar al margen de la secta nazi.

Escrita y dirigida por el cineasta israelí Guy Nattiv (Strangers; Mabul) y protagonizada por Jamie Bell (Rocketman; Billy Elliot), Danielle Macdonald (Paradise Hills; serie CreedmeVera Farmiga (Expediente Warren: The Conjuring; Up in the air) y Bill Camp (Joker, serie The Night Of), entre otros. Skin,  primer largometraje estadounidense de su director, está basada en el cortometraje homónimo ganador del Oscar 2019 al Mejor Cortometraje de Ficción y tuvo su estreno mundial en el Festival Internacional de Cine de Toronto (TIFF), donde ganó un premio Fipresci. También se pudo ver en el Festival de Cine de Berlín y en el Festival de Cine de Tribeca.

EL RITMO DE LA VENGANZA (The Rhythm Section, Reed Morano, 2020)

UK. Duración: 109 min. Guion: Mark Burnell (Novelas: Mark Burnell) Música: Steve Mazzaro Fotografía: Sean Bobbitt Productora: EON Productions / IM Global / Babieka. Distribuida por: Paramount Pictures Género: Thriller

Reparto: Blake Lively, Jude Law, Sterling K. Brown, Daniel Mays, Raza Jaffrey, Nasser Memarzia, Ivana Basic, Degnan Geraghty, Nuala Kelly, Richard Brake, Max Casella, Geoff Bell, Tawfeek Barhom, Jade Anouka, Ibrahim Renno

Sinopsis: Stephanie Patrick se embarca en una senda de autodestrucción tras la trágica muerte de su familia en un accidente de avión. Cuando descubre que la catástrofe no ha sido un accidente, se adentra en un mundo oscuro y complejo en busca de venganza y tratando de encontrar su propia redención.

Aunque El ritmo de la venganza no nos propone algo que no hayamos visto antes, pues la temática en sí ya conforma todo un subgénero, si que es una de las más interesantes propuestas, dentro de esta temática, de las que hemos visto últimamente. Primeramente porque la redención de Stephanie, interpretada muy solventemente por Blake Lively, está muy bien retratada, protagonizando todo un arco de transformación durante la duración del film y dejando claro que ha perdido  toda esperanza y, por lo tanto, el miedo. Jude Law, por su parte, realiza una buena intervención como ex-agente del M-16 que entrenará a la protagonista.

Por otra parte, su argumento construye una trama de espionaje en el que la acción está muy bien manejada, rodada de manera muy física y con una magnífica y verista persecución por las calles de Tánger de las de quitan la respiración. Y es que, no en vano, sus productores son los responsables de la saga James Bond, Michael G. Wilson y Barbara Broccoli.

Basada en la novela de Mark Burnell y con guion del mismo autor, la película está rodada en escenarios de Madrid, Almería y Cádiz, además de Nueva York, Escocia y norte de África.

LA CANDIDATA PERFECTA (The Perfect Candidate, Haifaa Al-Mansour, 2019)

Arabia Saudí. Duración: 101 min. Guion: Haifaa Al-Mansour, Brad Niemann Fotografía: Patrick Orth Productora: Vendor House Productions Género: Drama

Reparto: Mila Al Zahrani, Nora Al Awadh, Dae Al Hilali

Sinopsis: Maryam es una joven y ambiciosa médica que trabaja en el centro de salud de una pequeña ciudad de Arabia Saudí. A pesar de su alta cualificación, debe ganarse a diario el respeto de sus compañeros hombres y la aceptación de los pacientes. Indignada por la dejadez del Ayuntamiento, que demora una y otra vez asfaltar el camino de acceso al hospital, decide presentar su candidatura a las elecciones municipales. Su padre es músico y está de gira tocando en los primeros conciertos públicos permitidos en el Reino de Arabia Saudí en décadas. Maryam recluta entonces a sus dos hermanas pequeñas para recaudar fondos y planificar la campaña. Su inesperada candidatura a la alcaldía sorprende a la familia y sacude a una comunidad nada acostumbrada a la idea de que una mujer dirija el Consistorio.

La modernidad de las mujeres saudís protagonistas de esta historia se mezcla con las tradiciones ancestrales de una sociedad profundamente patriarcal que debería estar condenada a avanzar. El retrato que muestra de la mujer árabe es valiente, evitando caer en el panfletismo y en la inevitable incomprensión hacia la cultura saudí que tendría esta historia de estar narrada desde un punto de vista occidental.

Su directora, Haifaa Al Manoura, autora de La bicicleta verde y Mary Shelley, así como del galardonado documental Women Without Shadows, cuenta la historia con total naturalidad, mostrando a la mujer en la intimidad, cómoda, moderna y en su faceta pública, respetando y cumpliendo las tradiciones de sus mayores. Una sociedad en la que cualquier avance, por pequeño que sea, es un gran paso.

La directora, no cuestiona las severas tradiciones de su pueblo, que reservan a la mujer un papel totalmente destinado al servicio del hombre, pero nos muestra unas situaciones que dejan patente, sin verbalizarlo, el absurdo que causan las separaciones de sexos en muchos estamentos de la sociedad. También veremos como la mujer va adquiriendo un papel más relevante y como una de ellas, Maryam (Mila Al Zahrani),  para conseguir que el hospital en el que trabaja como reputada doctora, tenga el acceso asfaltado, sea capaz de presentarse como candidata a la alcaldía para luchar por ese y otros logros con los que contribuir a la mejora de su ciudad.

Magníficamente interpretada, la cinta también reflejará la severidad e incluso el riesgo que tiene en ciertas zonas del país el dedicarse a una profesión tan ‘normal’ e ‘inofensiva’ como músico, ocupación del padre de Maryam que en gira con su banda por el país deberá tener cuidado ante advertencias de atentado por parte de elementos radicales contrarios a todo tipo de actividad que no sea el rezo al profeta.

En palabras de la propia directora, con La candidata perfecta: “Quiero mostrar a través de su recorrido que las mujeres pueden tener un papel positivo en la sociedad saudí y, así mismo, contribuir a forjar su propio destino. Quiero alentar a las mujeres saudíes a atreverse a salir del sistema que lleva tanto tiempo reteniéndonos. Los cambios solo tendrán lugar si las personas que más los necesitan luchan por ellos en su vida diaria. El subtexto de la película se centra en la necesidad de respetar y honrar nuestras poderosas tradiciones culturales y artísticas para que nos guíen en nuestro esfuerzo de modernización del país. Desde el comienzo del desarrollo del país, se ha prohibido cualquier manifestación artística. Poco a poco vuelven a abrirse salas de conciertos, cines y galerías de arte; por eso me parece que ha llegado el momento de estudiar el rico patrimonio artístico que casi perdimos. Debemos recuperar, restaurar y devolver a la vida nuestra música tradicional y nuestras imágenes. Ahora que se han abierto cines y se permite a las mujeres conducir en el Reino Saudí, quiero mostrar el esfuerzo que requerirá un auténtico cambio.”

La candidata perfecta  se presentó en la Sección Oficial del último Festival de Venecia,  donde solo participaron dos películas dirigidas por mujeres. Es una de las apuestas más relevantes de los estrenos cinematográficos del viernes 6 de marzo, coincidente con las celebraciones previstas para celebrar el Día  Internacional de la Mujer.

INVISIBLES (Gracia Querejeta, 2020)

España. Duración: 83 min. Guion: Antonio Mercero, Gracia Querejeta Género: Drama 

Reparto: Emma Suárez, Adriana Ozores, Nathalie Poza, Blanca Portillo, Fernando Cayo, Pedro Casablanc, Francisca Horcajo

Sinopsis: La historia refleja la vida de Julia, Elsa y Amelia, tres amigas que un día decidieron comenzar a caminar juntas una vez por semana. Lo que empezó por ser una mera distracción y una forma de hacer ejercicio se ha terminado por convertir en una necesidad. Porque esos paseos les sirven también para estar informadas de lo que a cada una de ellas les ocurre. Poco a poco irán descubriendo que la amistad no es siempre idílica, que en la amistad también se guardan secretos y se recurre a la mentira.

Invisibles tiene la virtud de la sencillez. Y muchas veces las cosas más sencillas son las más auténticas. Y muy auténtico resultan estos paseos de tres amigas maduras y diferentes por un parque. Una ocasión en la que nuestras protagonistas aprovechan para ponerse al día entre ellas y hablar de lo banal y lo importante; del amor y del deseo; de la amistad y de la familia; del éxito y el fracaso. Y el hacerlo fluir todo de manera creíble lo consiguen las tres actrices gracias a su naturalidad y a que, posiblemente, están cómodas en la piel de unos personajes que reconocen bien.

Si bien algunas frases y reflexiones son pura carne de meme por lo manido, por lo general retrata con verismo y a veces con crueldad, a estas mujeres conformistas, soñadoras y realistas. Rebeldes que se saben en el principio del fin y que, quizás por ello, sienten como su feminidad comienza a difuminarse. A volverse invisible.

Entretenida, con momentos dramáticos y otros de comedia, aunque está dirigida a un público similar al de sus protagonistas, podrá gustar a todo el que quiera ver a tres actrices en estado de gracia mostrando inseguridades, depresiones, alegrías y, en general, la rutina de tres mujeres anónimas y maduras en su paseo por la vida.

BLOODSHOT (Dave Wilson, 2020)

USA. Guion: Eric Heisserer, Jeff Wadlow (Cómic: Yvel Guichet, Bob Layton, Don Perlin, Kevin VanHook) Música: Steve Jablonsky Fotografía: Jacques Jouffret Productora. Original Film / Valiant Entertainment / Sony Pictures Entertainment (SPE) / Cross Creek Pictures / Mimran Schur Pictures / The Hideaway Entertainment Género: Fantástico

Reparto: Vin Diesel, Toby Kebbell, Eiza González, Sam Heughan, Guy Pearce, Talulah Riley, Alex Hernandez, Siddharth Dhananjay, Jóhannes Haukur Jóhannesson, Lamorne Morris, Maarten Römer, Tamer Burjaq, Patrick Kerton, Ryan Kruger, Alex Anlos, Clyde Berning, Tyrel Meyer

Sinopsis: Ray Garrison (Vin Diesel), es un soldado caído recientemente en combate y devuelto a la vida por la corporación RST como el superhéroe Bloodshot. Con un ejército de nanotecnología en sus venas y una fuerza imparable, más poderoso que nunca y capaz de auto sanarse instantáneamente. Pero con el objetivo de controlar su cuerpo, la compañía ha tomado también el control de su mente y sus recuerdos. Ray ya no sabe qué es real y qué no lo es – pero su misión será averiguarlo.

Bloodshot está basada en el cómic de la editorial Valiant creado por Kevin VanHook, Don Perlin y Bob Layton en la década de los 90 y que se convirtió rápidamente en uno de los personajes más populares de la editorial, vendiendo más de 7 millones de cómics en diferentes idiomas. Debido a la popularidad que ganó con las series Rai y Eternal Warrior, el primer volumen de su propia serie, publicado en febrero de 1993, se convirtió en un éxito de ventas y llegó a vender un millón de copias. Ahora, el cómic pasa a imagen real y no podría haber sido mejor encarnado que por el actor Vin Diesel, que presta su poderoso físico al personaje.

Aunque no engaña a nadie y da al espectador justo lo que pudiera esperar en este tipo de producciones, si que ofrece el atractivo añadido de un factor sorpresa, que no pensamos desvelar, pero las cosas no resultarán tan sencillas como pudieran parecer.

Entre las escenas de acción, rodada en planos para nuestro gusto tan breves y cercanos que no permiten apreciarla bien, destaca la que se desarrolla en unos ascensores de un rascacielos, una tan vertiginosa como emocionante batalla que no dejará indiferente al espectador que guste del cine de acción.

Además de Vin Diesel, el reparto de Bloodshot completa con la magnética Eiza González (‘Baby Driver‘, ‘Fast & Furious: Hobbs and Shaw‘), Guy Pearce (‘Memento‘, ‘Iron Man 3‘), Sam Heughan (‘Outlander‘) y Toby Kebbell (‘La guerra del planeta de los simios‘, ‘Un monstruo viene a verme’), todos bajo la dirección de Dave Wilson, quien deja el universo de los efectos visuales para estrenarse en la dirección de este largometraje con espíritu de videojuego.

 

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