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Hombres lobo, Goonies, Chihiro, Sailor Moon y cómic: Novedades Diábolo Ediciones enero 2021

Diábolo edita algunas nutritivas novedades y pone al día su catálogo reeditando algunos libros agotados. Este es el caso de El viaje de Chihiro. Nada de lo que sucede se olvida jamás de Álvaro López Martín que desde Proyecto Naschy recomendamos encarecidamente y que alcanza su quinta edición, sin duda todo un logro en estos tiempos. Pero hay más, mucho más, así que pasen y vean…

MÁS  INFORMACIÓN Y PEDIDOS: DIÁBOLO EDICIONES

Klowns Horror Fanzine #9 – ¡Ya a la Venta!

Ya está a la venta el número 9 del KLOWNS HORROR FANZINE, revista temática publicada por KlownsAsesinos.com, que en esta ocasión cuenta con un formato especial y diferente al habitual. Un Programa Doble que abarca dos subgéneros cinematográficos, que aunque a veces muy unidos entre sí, cuentan con las suficientes características para ser tratados por separado. Por un lado, la Cara A, dedicada al cine de brujas, aquelarres, a la inquisición o a los cazadores de brujas, y por otro lado, la Cara B, en la que nos metemos de lleno en el mundo de las sectas, los cultos satánicos, el fanatismo religioso o las organizaciones secretas.

Cada tema tratado cuenta con su portada, contraportada, sumario, introducción y artículos por separado en un total de 152 páginas, y como un disco de vinilo, solo hay que darle la vuelta al fanzine.

En la CARA A, encontraréis un repaso al cine de brujas desde el temprano documental Häxan. La brujería a través de los tiempos (1922) o la obra de Carl Theodor DreyerDies Irae (1943). También cohabitan títulos que ofrecen diferentes enfoques sobre la temática debido a la localización o a la época en que fueron producidas, como la serie B de los años 60, el cine italiano, las películas mexicanas, el cine patrio, las sexploitation o witchpolitation, y sin olvidar referentes como Rosemary’s Baby (1968) o Suspiria (1977). Hay espacio para ese cine más familiar, y para las películas más actuales sobre brujería como The Lords of SalemThe WitchSuspiria de Guadagnino o The Wretched, y como siempre, cerramos esta parte del fanzine con una aproximación a la realidad sobre las brujas y la magia negra. También hacemos un pequeño homenaje a la actriz y guionista Daria Nicolodi (1950-2020) fallecida recientemente, con un repaso a su carrera que encontraréis después del artículo dedicado a la trilogía de Dario Argento, y una portada principal dedicada a la musa italiana.

En la CARA B, encontraréis las primeras aproximaciones al subgénero de las sectas como, La Séptima Víctima (1943) o las dedicadas al culto al diablo de directores influyentes como Jacques Tourner, J. Lee Thompson o Terence Fisher. Analizamos el siempre interesante cine de los años 70, con The Wicker Man o Race With the Devil a la cabeza, así como el cine Giallo sobre sectas, acompañado de la entrevista a Sergio Martino. La década de los 80 con la nostálgica Los Chicos del Maíz, o La Secta de Michele Soavi, o propuestas más fantásticas como El Señor de las Ilusiones de Clive Barker también están presentes. Dedicamos un amplio espacio al cine de género de Pedro Olea, culminado con una extensa entrevista, y un repaso al cine de Jaume Balagueró, a la ópera prima de Paco Plaza, o a la más actual, Regresión de Amenábar, así como los títulos más recientes entorno a la temática de directores como Pascal Laugier, Kevin Smith, Can Evrenol, Panos Cosmatos, Sean Durkin, Gareth Evans, o Ari Aster. Cerramos esta parte con los artículos dedicados a Jim Jones y su Templo del Pueblo, y a Charles Manson y La Familia.

FICHA TÉCNICA
Formato: Din A5 15,5×21,5cm
Encuadernado: Fresado rústico con lomo
Nº de páginas: 152
Color: Blanco y negro, páginas centrales en color (portadas a color)
Fecha de lanzamiento: Diciembre de 2020
PVP: 6€ + gastos de envío

Pedidos: klownshorrorfanzine@gmail.com

También disponible en:
FREAKS. C/ Ali bei, nº10 (Barcelona)
ARKHAM COMICS. C/ Xucla, nº16 (Barcelona)
SETANTA-NOU. Carrer dels Tallers, 79 (Barcelona)
LA MANSIÓN DEL TERROR. Calle Alondra, 44, Local 4 (Madrid)

*Marca páginas edición Especial Programa Doble de regalo.

Astiberri Editorial: Novedades de febrero de 2021


Temporada de Rosas Chloé Wary

Color. Cartoné
240 páginas. 17 x 24 cm
20 euros
ISBN: 978-84-17575-89-2
A la venta el 4 de febrero

Bárbara es la capitana de las Rosas, el equipo femenino del club de su ciudad y, esta temporada, ella y sus compañeras tienen hambre de victoria. Sin embargo, a pesar de los duros entrenamientos, el club local se queda sin subvenciones y decide favorecer al equipo masculino para llevarlo al campeonato.


Un fantasma Arnau Sanz Martínez

Color. Cartoné
120 páginas. 17 x 24 cm
16 euros
ISBN: 978-84-18215-37-7
A la venta el 11 de febrero

En un futuro próximo, un extraño virus se ha expandido de forma global, y los militares empiezan a “limpiar” las zonas afectadas en una implacable persecución de la población que ha conseguido huir del exterminio. Las doctoras que controlan el virus avisan: la amenaza se está recrudeciendo y apenas hay tiempo para escapar.


Invisible Kingdom 1: En el camino G. Willow Wilson, C. Ward

Color. Cartoné
136 páginas. 17 x 26 cm
17 euros
ISBN: 978-84-18215-44-5
A la venta el 11 de febrero

La guionista G. Willow Wilson y el dibujante Christian Ward han unido fuerzas en esta serie galardonada con los Premios Eisner 2020 a Mejor serie nueva y Mejor artista digital sobre dos mujeres obligadas a elegir entre adherirse a los caminos que tenían prescritos o forjarse uno propio.


Justin Nadar, Julien Frey

Blanco y negro. Cartoné

200 páginas. 22,1 x 30 cm
23 euros

ISBN: 978-84-18215-39-1

A la venta el 18 de febrero

Justin tiene veintidós años. Está enamorado de Renée y quiere casarse con ella. Pero el Gobierno colaboracionista de Vichy crea el el Servicio del Trabajo Obligatorio, para surtir de mano de obra al país invasor. Como centenares de miles de jóvenes franceses, Justin es obligado a irse a Alemania.


Tito Andrónico Marcos Prior, Gustavo Rico

Color. Cartoné
104 páginas. 19 x 26 cm
16 euros

ISBN: 978-84-18215-38-4

A la venta el 25 de febrero

Tito Andrónico es una adaptación –o “traición”, según apuntan sus autores, en su respetuosa y documentada traslación al cómic– de la tragedia homónima de Shakespeare, fechada entre 1592 y 1594, años en los cuales se prohibieron las representaciones teatrales en Londres cuando las muertes semanales a causa de la peste superaban la cifra de 30.


Pedidos y más información: Astiberri Editorial 

El Buque Maldito #34 ¡Ya disponible!

Ya a la venta el nuevo número del fanzine El Buque Maldito

Como es habitual, esta primera entrega del año centra su contenido en la crónica de la última edición del SITGES – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, acompañando las diferentes reseñas con las entrevistas a los realizadores Fabrizio Laurenti (Life as a B-Movie: Piero Vivarelli, Encuentro con la maldad/Witchcraft)Ovidio Assonitis (Chi sei?/Beyond the Door, Tentáculos, Madhouse), Luciano de Azevedo (Cabrito), Cristian Ponce (Historia de lo oculto, La frecuencia Kirlian), Ivan Cardoso (O Segredo da MúmiaAs Sete Vampiras, Um Lobisomem na Amazônia) y al cartelista italiano Renato Casaro.

Además, el fanzine también ofrece el artículo Pesadillas en la Europa del Este.

PVP: 4€ + gastos de envío. 35 páginas.

 

Pedidos, información y números atrasados:

elbuquemalditofanzine@gmail.com / http://elbuquemaldito.blogspot.com/

También disponible en: 

Freaks (Ali Bei, nº10, Barcelona

Arkham Comics (Xuclà, nº16, Barcelona)

El Setanta Nou (Tallers, 79, Barcelona)

¡Ni te me acerques!, una farsa pandémica

John L. Sullivan quería rodar una película sobre la miseria y el sufrimiento de una sociedad devastada por la Gran Depresión, por eso inicia un viaje por la América menos glamurosa para conocer de primera mano los apuros y padecimientos de sus conciudadanos. Todo viaje tiene mucho de iniciático, el de Sullivan lo es, y el conocimiento que extrae le hace replantear todas sus convicciones: no es el drama el que libera al oprimido, sino el humor que le permite distanciarse de su realidad, evadirse por un momento de sus yugos, y así encarar su vida con mayor presencia de ánimo. Preston Sturges, el director de Los viajes de Sullivan (Sullivan’s Travels, 1941), realiza con esta película toda una toma de conciencia: la risa es la mejor arma que tienen los humanos para combatir sus males.

Y lo cierto es que son las épocas más marcadas por acontecimientos históricos adversos aquellas en las que florece con más vigor la comedia. En la España de la transición, que no fue tan modélica como quisieron vendernos sino que se cobró mucha sangre y sembró mucho dolor, nacía en la capital del reino una corriente generacional que acabó denominándose “Nueva comedia madrileña”. Un plantel de realizadores jóvenes debutaban con películas que plasmaban las cuitas cotidianas de aquella generación que había germinado en el tardofranquismo y se había enfrentado a la vorágine de cambios que había acelerado la muerte (en la cama) del dictador. Necesitaban aire fresco y es el que vinieron a traer.

También ahora estamos atravesando un momento crítico, el primer mundo se ha visto enfrentado a algo que parecía ocurrir solo en las lejanas tierras tercermundistas. Y no estábamos preparados. La pandemia reúne en sí misma una crisis sanitaria que lo es (y será más) también económica y social. Una situación que trae consigo secuelas psicológicas que nos acompañarán durante un buen periodo de tiempo. Y habrá que hacer cine de guerrilla para exorcizarlas. Alimentará nuestros miedos y, a la vez, nuestra indignación. Acelerará los cambios que venían de la mano de la progresiva globalización digital haciendo que algunos casi queden a contrapié y otros, más raudos a la hora de coger el tren, vivan la intensificación de las contradicciones de la era tecnológica en todas las esferas, también, por supuesto, en la personal. Todos vamos a necesitar coger aire. Va a hacer falta mucha comedia.

Si habrá una corriente de comedias pandémicas, se verá, lo que sí es presente es el último trabajo de Norberto Ramos del Val: ¡Ni te me acerques! El director cantábrico (que no cántabro) ha disparado la primera bala y ha tomado el pulso de estos tiempos de cuarentena que nos han tocado en suerte. ¡Ni te me acerques! nos trae a un Ramos del Val más tranquilo y accesible, quizás más maduro, que logra reírse de las dificultades que ha impuesto el virus en nuestras relaciones más inmediatas, ahora mediadas por la distancia de seguridad y la reducción del contacto social. Y lo hace con una farsa romántica en la que los personajes padecen las mismas angustias neuróticas que han recorrido lo que llevamos de siglo, pero a las que se ha sumado el descalabro de la situación que hace al otro todavía más temible. Paradójicamente, si se quiere, los protagonistas de este último trabajo son más capaces de retomar las riendas de sus vidas, como si la pandemia, como buena situación límite que es, hubiera permitido encarar las limitaciones, propias y ajenas, con una precisión mucho más quirúrgica que antes. Porque todo es más incierto, más provisional, ahora acopiamos fuerzas de flaqueza y nos desprendemos de las vendas de nuestros ojos, de las excusas que nos damos para no hacer o no ser lo que deseamos.

¿Qué hará Juan Manuel de Prada implicado en esta comedia?

El miedo nos hace más valientes, parece decirnos Ramos del Val. Su comedia es fresca, pero también reflexiva, viene aderezada con grandes dosis de desfase, otras tantas de ironía, y unas cuantas gotas de metatextualidad, como ya es marca de la casa. Parodia cañí de El resplandor (Stephen King está sobrevalorado, es la broma), las desventuras del escritor nobel en tiempos de confinamiento que la protagoniza sirven como vehículo para transitar los caminos que hemos de recorrer para encontrarnos y sincerarnos. Con todos los tics de una generación, ¡Ni te me acerques! logra traspasar las barreras de la edad y hacerse entender por todos. Quizás porque el confinamiento nos ha vuelto a todos frágiles como infantes indefensos. Quizás porque el encierro con nuestro propio yo a cuestas todo el tiempo ha hecho que todos maduremos.

¡Ni te me acerques! es una cinta de visionado obligatorio, porque es pionera, porque es liviana y alivia, porque es ponderada y necesaria para entender qué está pasando. Y porque nace sin ínfulas, es un acto sincero de catarsis personal al que estamos todos invitados, pero dejemos que el comentario lo acabe el propio autor: “Rodada en julio, justo después del primer confinamiento en Ariño (Aragón), ¡NI TE ME ACERQUES! tiene el propósito de hacer reír al espectador y hacerlo en los extraños y a veces sombríos días que seguimos viviendo.

Dicen que comedia es tragedia más tiempo y por eso buscamos hacer reír desde la distancia de los peores días y siempre desde el respeto. Pero sonriendo, porque ya nos hace falta.

Sin pretender quitarle importancia al maldito virus, mientras creábamos esta agridulce comedia romántica nos enfrentábamos a sobrellevar la cuarentena con una visión positiva. Una visión que hemos plasmado en una comedia con la que pasar un sano buen rato, ya sea en casa o en los diezmados cines. Porque ya es hora de reírse, de relajarse un rato, de evadirse.

Y esperamos que ahora, mientras seguimos intentando pasar este mal trago de la mejor manera posible y luchando para que acabe pronto, nos riamos de nosotros mismos viéndonos reflejados en los conflictos y absurdas decisiones de los personajes de ¡NI TE ME ACERQUES!, nuestra pequeña farsa pandémica.

Bienvenidos a la nueva anormalidad“.

Y bienvenida sea esta especie de nueva conciencia, que nos hace dar cuenta de nuestra fragilidad, si de ella han de nacer obras que nos renuevan mientras nos arrancan una sonrisa. ¡Ni te me acerques! es esa comedia fresca que necesitamos para comprender qué nos está pasando, para sobrellevar el temporal con nuestra mejor cara. Reír es y será siempre necesario. Y desde hoy podemos hacerlo desde nuestras casas con la fantasía de Norberto Ramos del Val gracias a la plataforma Filmin: https://www.filmin.es/pelicula/ni-te-me-acerques ¡ Ya están tardando en hacer clic en el enlace!

VAMOS DE ESTRENO * Miércoles 6 de enero de 2021 *

SALVAJE (Unhinged, Derrick Borte, 2020)

USA. Duración: 91 min. Guion: Carl Ellsworth Música: David Buckley Fotografía: Brendan Galvin Productora: Solstice Studios, Burek Films (Distribuidora: Solstice Studios, Eagle Films) Género: Thriller

Reparto: Russell Crowe, Caren Pistorius, Jimmi Simpson, Gabriel Bateman, Anne Leighton, Lucy Faust, Devyn A. Tyler, Michael Papajohn, Austin P. McKenzie, Stephen Louis Grush, Sylvia Grace Crim, Vivian Fleming-Alvarez, Jenanne Alexander, Gretchen Koerner, Samantha Beaulieu, Juliene Joyner, Donna Duplantier, Tim Bell

Sinopsis: Tom (Russell Crowe), es un hombre cuya vida ha dejado de tener sentido. En pleno colapso mental se cruza en la carretera con Rachel (Caren Pistorius), una joven que llega tarde a trabajar y que, nerviosa, recrimina a Tom con el claxon que no mueva su coche en un semáforo. A partir de entonces dará comienzo un peligroso juego del gato y el ratón en el que el torbellino de esta “ira en la carretera” traspasará cualquier límite que Rachel jamás haya imaginado.

Una situación cotidiana despertará a la bestia que todos tenemos dentro causada por diversos motivos que pueden ser el stress acumulado, unas vidas que no son lo que esperábamos de ellas, o divorcios y pérdidas. Motivos de tensión que explotarán despertando la furia del protagonista hasta límites insospechados. Y es que ¿puede ser algo más terrorífico que ser perseguido por Russell Crowe enloquecido? Pues si, serlo por un Russell Crowe que abulta por dos y que, al parecer, ya no tiene nada que perder y que por eso mismo va a hacer pasar a Rachel un día realmente malo.

Más terrorífico que cualquier psicho killer enmascarado, el personaje que encarna Crowe hace honor al título en este filme adrenalítico, cargado de violencia y que mantiene constantemente su tenso ritmo, consiguiendo provocar más de un sobresalto en el espectador.

Salvaje, que ha sido número 1 en cines en EE. UU, Reino Unido, Alemania y Australia, entre otros muchos territorios, ha sabido coger con seguridad el testigo cargado de adrenalina y pánico de otras películas con psicópatas al volante como El diablo sobre ruedasNunca juegues con extraños o Death Proof.

MANUAL DE LA BUENA ESPOSA (La bonne épouse, Martin Provost, 2020)

Francia/Bélgica. Duración:109 min. Guion: Martin Provost,Séverine Werba Música: Grégoire Hetzel Fotografía: Guillaume Schiffman Productora: Les Films du Kiosque, France 3 Cinéma, Orange Studio, Umedia Género: Drama

Reparto: Juliette Binoche, Yolande Moreau, Noémie Lvovsky, Édouard Baer, François Berléand, Marie Zabukovec, Anamaria Vartolomei, Lily Taieb, Pauline Briand, Armelle, Marine Berlanger, Clémence Blondeau, Marie Cornillon, Lauren Deguitre, Clémentine Delange, Juliet Doucet, Suzanne-Marie Gabriell, Marie-Anne Guilbert, Sasha Herschritt, Margaux Houssiaux, Blandine Laignel, Andréa Mands, Salomé Soares, Julien Sibre, Stéphane Bissot, Dominique Pozzetto, Stéphane Hausauer, François Hauteserre, Cécile Ribault-Caillol

Sinopsis: Cuidar del hogar y plegarse a los deberes conyugales sin rechistar: es lo que enseña con fervor Paulette Van Der Breck en su escuela para muchachas. Sus certezas se tambalearán en el momento en que se encuentre viuda y arruinada. ¿Es el regreso de su primer amor o el viento de libertad del Mayo del 68? ¿Y si la buena esposa se convirtiese en una mujer libre?

Personalmente me ha sorprendido averiguar que la formación de la mujer en las tareas del hogar no era patrimonio exclusivo de la Sección Femenina de la Falange española, muy al contrario Manual de la buena esposa narra como en Francia también había cursos, que se prolongaban durante dos años, en los cuales las jóvenes eran educadas para ofrecer un buen servicio a su marido y ser una impecable esposa. Estos cursos estaban reservados, como deja caer una de las protagonistas de la cinta, a las clases más humildes, cuyas hijas no tenían acceso a estudios superiores. En todo caso esta historia, que se desarrolla a finales de los años sesenta y culmina en aquel tan revolucionario como inútil mayo del 68, forma parte de la corriente feminista que desde las artes busca concienciar a la sociedad, algo, por supuesto, muy loable, pero que consigue hacer descuidar algunos detalles en la narración del filme. Por una parte el arco de transformación de los personajes sucede de una manera tan veloz como inverosímil y, bueno, ese final pues… termina de redondear el despropósito. En todo caso todo esto entra en la opinión personal, pues por lo demás se trata de una divertida película que sirve para denunciar una situación que se dio en un pasado no muy lejano y que cuenta con un grupo de valiosas actrices que contribuyen al agradable resultado de esta cinta.

Categorías:VAMOS DE ESTRENO

VAMOS DE ESTRENO * Miércoles 30 de diciembre de 2020 *

30 diciembre 2020 Deja un comentario

LA ÚLTIMA GRAN ESTAFA (The Comeback Trail, George Gallo, 2020)

USA. Duración: 104 min. Guion: George Gallo, Josh Posner Música: Aldo Shllaku Fotografía: Lucas Bielan Productora: Storyboard Media, March On Productions, Sprockefeller Pictures Distribuidora: Eagle Films Género: Comedia

Reparto: Robert De Niro, Morgan Freeman, Tommy Lee Jones, Vincent Spano, Natalie Burn, Emile Hirsch, Zach Braff, Patrick Muldoon, Eddie Griffin, Joel Michaely, Nick Vallelonga, Blerim Destani, Michelle Maylene, Julie Lott, Melissa Greenspan, Jermaine Washington, Ray Bouderau, Leonard Waldner, Bill Luckett

Sinopsis: Max Barber (Robert de Niro) es un productor de cine de Hollywood de serie B. Tras el fracaso de su última película, necesita encontrar un nuevo proyecto que le permita saldar su deuda con un jefe de la mafia local (Morgan Freeman). Decide emprender la producción de una película con escenas de acción de alto riesgo, con el fin de provocar la muerte de su actor protagonista y poder cobrar así el altísimo seguro, solucionando definitivamente sus problemas económicos. El actor elegido es Duke Montana (Tommy Lee Jones), una vieja estrella deprimida con problemas con la bebida: el blanco perfecto para los planes de Max. Sin embargo, los días de rodaje van transcurriendo y Max no consigue su propósito, sometiendo a Duke a retos cada vez más peligrosos. Paradójicamente, mientras Duke va sobreviviendo escena tras escena, Max, inconscientemente, está rodando la mejor película de su carrera.

La última gran estafa esta basada en un filme de 1982 de idéntico título dirigido por Harry Hurwitz que nunca llegó a estrenarse. La película recuperaba al antiguo actor de seriales Larry Buster Crabbe, primera encarnación de los héroes galácticos Flash Gordon y Buck Rogers, y George Gallo, director de esta nueva versión, fue una de las pocas personas que pudo verla. Con el paso del tiempo quiso hacer un remake, pero diferentes personas afirmaban poseer los derechos del filme, por lo que Gallo continuó haciendo otras películas. Después del éxito de Dos tipos geniales (1986) o Huida a medianoche (1988) y obsesionado con la vieja película de 1982, consiguió hacerse con los derechos y rodar su versión, que toma como protagonista de la función a una vieja gloria del western interpretada por el siempre eficaz Tommy Lee Jones, que estará acompañado por un divertido director de películas de serie Z encarnado por Robert de Niro que debe una fuerte suma de dinero a un mafioso de pacotilla que interpreta, maravillosamente, Morgan Freeman. El resultado es una agradable comedia de cine dentro del cine que transporta al espectador a otra época, ya totalmente cerrada, cuando el cine era un entretenimiento de masas.

Categorías:VAMOS DE ESTRENO

El nuevo trabajo ilustrado de Zoe Berriatua “Animales que no llegaron a existir”

23 diciembre 2020 Deja un comentario

Este cuidadísimo trabajo es un catálogo paródico ilustrado –a modo de bestiario– de criaturas inclasificables. Criaturas que no llegaron a desarrollarse como especie por estar “mal concebidas”, cayendo en la extinción y en el olvido. Tal vez partieran de mutaciones desafortunadas, aquellas que no pudieron formar parte del podio ganador en la selección natural de Darwin o dicho de otra manera: los perdedores de la evolución.

Un libro bilingüe de 120 páginas a todo color, con textos e ilustraciones de Zoe Berriatúa, un prólogo de Álex de la Iglesia, traducciones al inglés por Toni Rodriguez, diseño de Cristo Aleister y editado con mucho esmero por La Bestia Edita.

Puedes comprarlo ya en exclusiva en Amazon

Sí, rechazamos al monstruo al vernos reflejados en él. En su grotesca alteridad se oculta una parte inconfesable de nuestro carácter. ¡Maldito monstruo, que exhibe alegremente lo que nosotros luchamos por ocultar!”                                                                             Álex de la Iglesia

Zoe Berriatúa  es director, actor, escritor e ilustrador. Nace en Madrid en 1978, es hijo del cineasta e historiador Luciano Berriatúa. Actor desde la infancia, Zoe protagoniza Africa de Alfonso Ungría en 1997, y continúa trabajando en diversas películas (Volaverunt, El ángel de la guarda, School killer) y series de tv. (Al salir de clase, Cuéntame cómo pasó). Comienza a dirigir cortometrajes a los 21. “Moebio”, “El despropósito”, “Monstruo”, “Epilogo”, “Quédate conmigo”, “La cosa en la esquina” y “El último plano“.

Ha dirigido dos largometrajes, “Los héroes del mal” 2015 y “En las Estrellas” 2018.

También es escritor e ilustrador de los libros “El perro existencialista” “Monstruos del subconsciente colectivo” y “El hombre que pudo hacer cine”.

VAMOS DE ESTRENO * Miércoles 23 de diciembre de 2020 *

23 diciembre 2020 Deja un comentario

EL PADRE (The Father, Florian Zeller, 2020)

UK/Francia. Duración: 97 min. Guion: Florian Zeller, Christopher Hampton Fotografía: Ben Smithard Productora: Trademark Films, Embankment Films, Film4 Productions, F Comme Film, AG Studios NYC (Distribuidora: Lionsgate ) Género: Drama 

Reparto: Anthony Hopkins, Olivia Colman, Imogen Poots, Rufus Sewell, Olivia Williams, Mark Gatiss, Evie Wray, Ayesha Dharker

Sinopsis: Anthony (Anthony Hopkins), un hombre de 80 años mordaz, algo travieso y que tercamente ha decidido vivir solo, rechaza todos y cada uno de los cuidadores que su hija Anne (Olivia Colman) intenta contratar para que le ayuden en casa. Anne está desesperada porque ya no puede visitarle a diario y siente que la mente de su padre empieza a fallar y se desconecta cada vez más de la realidad. Dado el ir y venir de sus recuerdos ¿cuánto de su propia identidad podrá recordar con el paso del tiempo? Anne sufre la paulatina pérdida de su padre a medida su mente se deteriora, pero ¿no tiene ella derecho a vivir también su propia vida?

El padre, película del director, escritor y dramaturgo Florian Zeller, llega a nuestras pantallas tras su paso por el Festival de San Sebastián, donde ganó el Premio del Público, sensible ante la autenticidad de la historia, el enfoque dado por el director, original y contundente y la interpretación prodigiosa de sus protagonistas, una conjunción que ha conseguido el más verista acercamiento al deterioro de la mente que puede verse en la pantalla. Algo que Anthony Hopkins ha sabido reflejar demostrando, una vez más, su categoría como actor. Cambios de humor, rarezas, olvidos y pérdidas de objetos, sospecha de conspiraciones a su alrededor… un deterioro progresivo de la mente del que el espectador formará parte activa sintiendo la confusión del protagonista, que se sabe sumido en la debacle de su mundo. Pero también se hace partícipe al espectador del dolor de la hija, interpretada por una también maravillosa Olivia Colman, que sabe reflejar en la mirada su profundo sufrimiento.

Florian Zeller, autor de la obra en la que se basa el filme, debuta poderosamente en la dirección cinematográfica con esta cinta, que ha proporcionado, en su versión teatral, grandes reconocimientos. El debut de la obra de teatro en 2012 en París, le supuso el Premio Molière a la Mejor Obra de Teatro. Christopher Hampton hizo la traducción al inglés y se estrenó en el West End de Londres en 2015, ganando el Premio Olivier al Mejor Actor  para Kenneth Cranham. Frank Langella hizo de protagonista cuando la obra se presentó en Broadway y ganó el Premio Tony. En nuestro país fueron Hector Alterio y Ana Labordeta los encargados de interpretar a los protagonistas de la obra de teatro en 2016.

El padre participó, además de en San Sebastián, en los festivales de Sundance y Toronto, donde tuvo un gran recibimiento y la crítica elogió las grandes interpretaciones de sus protagonistas, ensalzando asimismo la labor de su director. 

Categorías:VAMOS DE ESTRENO

Yes, Americana Filmfest 2021 is coming!

22 diciembre 2020 Deja un comentario

Ya queda menos para volver a disfrutar de una selección de la mejor cosecha de cine indie del año con el único festival del sur de Europa especializado en Cine Independiente Norteamericano. Americana Film Fest es consciente de la situación actual debida a la pandemia mundial y por eso se realizará en un formato híbrido con la presencia física que las autoridades establezcan en su momento y con una presencia online. Las sedes físicas del festival serán como siempre los Cines GironaZumzeigPhenomena Filmoteca de Catalunya. La sede online será la plataforma Filmin. Otra novedad que queremos anunciar es la expansión del festival gracias a la nueva sede del festival en Madrid: Círculo de Bellas Artes.

Teniendo en cuenta esta nueva estructura el calendario del festival será:

Del 3 al 14 de marzo en Filmin
Del 2 al 7 de marzo en Barcelona
Del 12 al 14 de marzo en Madrid

Las fechas de las sedes físicas podrán quedar afectadas por las posibles restricciones covid. Si se da el caso anunciaremos los posibles cambios en nuestras redes sociales. Stay tunned!

Ya es una tradición de estas fechas, Americana lanza su oferta única navideña por un tiempo limitado. Podrás comprar tu abono de 6 película a un precio excepcional de 30 euros hasta agotar las existencias. Atención: estos abonos solo serán válidos para las sesiones en Barcelona (Cinemes Girona, Zumzeig) del festival. Este abono te permitirá el acceso a seis sesiones del festival y es compartible, es decir, puedes cambiar más de una entrada por sesión para disfrutar del buen cine en compañía.

COMPRAR ABONO AQUÍ

Próximamente tendréis noticias sobre los abonos para Filmin y sobre las entradas para el Círculo de Bellas Artes (Madrid).

Y como no podía ser de otra forma, aquí tenéis dos confirmaciones de la octava edición:

Palm Springs (Max Barbakow)

Sin duda una de las sensaciones de la pasada edición de Sundance. Palm Springs contiene todos los ingredientes indes que más nos gustan: comedia romántica y ciencia ficción. Andy SambergCristin Milioti J.K. Simmons protagonizan esta especie de Atrapado en el tiempo del siglo XXI.

The Killing of Two Lovers (Robert Machoian)

Americana acogerá el estreno español de una de las películas del año: The Killing of Two Lovers. Tras su paso por Sundance consiguió ser la mejor película en el Atlanta Film Festival y este mes ha entrado en el listado de recomendaciones de Nuevos Directores de IndieWire.

A estos dos títulos se le añade la película que os anunciamos el mes pasado: Bloody Nose Empty Pockets de Bill Ross IV y Turner Ross. Documental multipremiado presente en festivales como SundanceBerlín Champs-Élysées, donde ganó el premio a la mejor dirección. Una experiencia única que podremos disfrutar gracias a la colaboración de este año con el Festival Rizoma.

Categorías:Americana

Las lecturas de Serendipia: Biblioteca de Cómics de Terror de los años 50: Fantasmas

21 diciembre 2020 Deja un comentario

BIBLIOTECA DE CÓMICS DE TERROR DE LOS AÑOS 50: FANTASMAS

Seleccionados por Steve Banes

Diábolo Ediciones. Encuadernación en tapa dura. Formato magazine, 144 páginas a todo color

La colección antológica de comics de terror de los años cincuenta que publica Diábolo en nuestro país llega a su sexta entrega con un tomo dedicado a fantasmas y espectros. Y lo hace tras haber dedicado otros volúmenes a momias, criaturas del pantano, zombies, y al Frankenstein de Dick Briefer, entre otros, llegando en esta ocasión cuando más falta hace refugiarse en la fantasía para intentar olvidar, siquiera durante un rato, unos acontecimientos cotidianos que no invitan precisamente al optimismo.

El magnífico libro cuenta con un buen número de historietas inéditas en nuestro país ilustradas por Jack Katz, Mike Esposito, Iger Shop o Kenneth Landau, entre otros, seleccionadas de oscuros comic books de títulos tan sugerentes como Adventures into Darkness, Mysterious Adventures, The Hand of Fate, Weird Horrors y Horrific. El tomo se cierra con las portadas de los comic books de los que han sido extraídas las historias, reproducidas a tamaño original.

En sus espectrales páginas encontrará el lector fantasmas vengativos, legendarios y justicieros en unas historias que destilan amor, horror, humor… y fantasía, mucha fantasía. Y todo con el regusto y el aroma del mejor pulp y del mejor cómic clásico, editado primorosamente con una presentación de lujo, con sus hojas impresas en papel envejecido. Incluye además un prólogo del guionista de comics John Rozum y un sentido épilogo del editor de la edición americana Steve Banes.

Pasen, pues, y deleítense con el olor a podredumbre y ectoplasma que desprenden las páginas de esta nueva entrega de la biblioteca de cómics de terror de los años cincuenta antes de que sea tarde y se conviertan, ustedes mismos, en un fantasma más.

Astiberri Editorial: Novedades enero de 2021

19 diciembre 2020 Deja un comentario

Novedades de enero de 2021


No lo abras jamás Ken Niimura

Bitono. Rústica con solapas
408 páginas. 14,8 x 21 cm.
20 euros
ISBN: 978-84-18215-31-5
A la venta el 14 de enero

Una caja que jamás debe abrirse; una misteriosa mujer que no puede ser vista mientras teje; un tarro que contiene un veneno o quizá la más dulce de las mieles… Hay algo que sucede en el mismo momento en el que algo se prohíbe, y los protagonistas de las historias que componen No lo abras jamás, de Ken Niimura, se enfrentarán con todas sus fuerzas al irresistible deseo de caer en la tentación.

Japón tiene un extenso repertorio de leyendas tradicionales agrupadas bajo el nombre de Mukashi Banashi, algunas de más de mil años de antigüedad. Estas historias van de lo épico a lo cómico, y han sido apreciadas por muchas generaciones. “Son también algunas de las historias que mis padres me leían cuando era pequeño”, recuerda Ken Niimura, historietista español de ascendencia hispano-japonesa.

En No lo abras jamás, Ken Niimura toma como premisa las leyendas de “Urashima Taro”, “Ikkyu-san” y “La gratitud de la grulla”, y las reinterpreta dándoles una conclusión diferente al original. Una obra sobre la atracción de lo prohibido y las contradicciones de la naturaleza humana.


Whitman Tyto Alba

Color. Cartoné
112 páginas. 21 x 27 cm
18 euros
ISBN: 978-84-17575-88-5
A la venta el 21 de enero

Walt Whitman, el poeta neoyorquino autor de Hojas de hierba, perdura en la memoria por su alabanza y exaltación de la vida y los sentidos. Sus poemas, orgánicos, sensuales y sensoriales, son una auténtica oda a la naturaleza y al cuerpo propio.

Pero Whitman no solo se cantó y se celebró a sí mismo. En plena guerra de Secesión estadounidense (1861-1865), viajó en busca de su hermano e, impactado por la tremenda visión de los soldados heridos, decidió quedarse para cuidar de ellos. Se pasó meses en hospitales de campaña brindándoles compañía, escribiendo cartas para sus familiares y consiguiendo donaciones para los soldados heridos.

Tyto Alba, responsable de biografías en cómic de artistas como Picasso, Fellini o Balthus, se adentra esta vez en la vida del poeta Walt Whitman y en una de sus facetas quizás menos conocidas, para mostrar cómo el autor del famoso poema dedicado a Abraham Lincoln, “¡Oh, Capitán, mi Capitán!”, vio nacer Estados Unidos.


Azul y pálido Pablo Ríos

Color. Rústica con solapas
88 páginas. 17 x 24 cm
12 euros
ISBN: 978-84-18215-34-6
A la venta el 21 de enero

Sixto Paz, George Adamski, Carlos Jesús… Todos ellos han hablado con los alienígenas. Han recibido su mensaje. Y nos lo han transmitido. En Azul y pálido (nueva edición revisada por el autor tras la inicial publicada por Entrecomics en 2012 y agotada desde hace años), Pablo Ríos deja que los contactados, abducidos, iluminados por seres de otros mundos sean los que cuenten sus experiencias. La decisión de creerlos o no es nuestra. Para ellos no hay elección posible. Aunque no es algo sobre lo que le guste ser muy explícito, Ríos confiesa: “Quiero creer que es un libro sobre la fe y cómo podemos construir nuestra propia realidad a partir de la pura creencia”.


Man-eaters 1 Chelsea Cain, Lia Miternique y

Kate Niemczyk

Color. Cartoné

128 páginas. 17 x 26 cm
18 euros

ISBN: 978-84-17575-99-1

A la venta el 28 de enero

¿Qué sucedería si una extraña mutación en la toxoplasmosis provocase que las mujeres con menstruación se convirtieran en salvajes y feroces gatas asesinas? Probablemente, cundiría el pánico. Al fin y al cabo, las chicas menstruantes son fáciles de provocar y extremadamente peligrosas, ¿no? Por ello, cuando los ataques comienzan a sucederse de nuevo en Portland, el pánico se extiende y la paranoia se instala. Ahora, el destino del mundo recae sobre los hombros de una niña de doce años.

Chelsea Cain y Lia Miternique, acompañadas por la dibujante Kate Niemczyk, han creado una serie de marcado carácter feminista, comparable con obras de éxito como Bitch Planet (Astiberri, 2018), de Kelly Sue DeConnick y Valentine De Landro, o El cuento de la criada, de Margaret Atwood, llena de humor e ironía.

Man-eaters no solo destaca por el humor ácido de su guionista, sino que cuenta con diversos recursos formales que van desde la fotonovela a las revistas de adolescentes, pasando por anuncios comerciales y, por supuesto, las viñetas. Man-eaters estuvo nominada en los premios Eisner 2019 a mejor nueva serie y este es el primero de los tres tomos publicados hasta la fecha.


 

Categorías:Cómic y Manga

VAMOS DE ESTRENO * Viernes 18 de diciembre de 2020 *

19 diciembre 2020 Deja un comentario

BABY (Juanma Bajo Ulloa, 2020)

Duración: 106 min. Guion: Juanma Bajo Ulloa Música: Bingen Mendizábal, Koldo Uriarte Fotografía: Josep M. Civit Productora: Frágil Zinema, La Charito Films (Distribuidora: Televisión Española (TVE)) Género: Thriller.
Reparto: Natalia Tena, Harriet Sansom Harris, Rosie Day, Charo López, Mafalda Carbonell, Susana Soleto, Amalia Ortells
Sinopsis: Una joven drogadicta embarazada da a luz en medio de una de sus crisis. Incapaz de ocuparse del bebé, lo vende a una matrona dedicada al tráfico de niños. Arrepentida, la joven tratará de recuperarlo.
Premios
Festival de Sitges: Mejor banda sonora original (Mendizábal & Uriarte)
Premios Feroz: Nominada a mejor música

Aunque el Juanma Bajo Ulloa más interesante ya volvió, tras el exitazo popular de Airbag (1997), con la casi invisible y reivindicable Frágil en 2004, es con Baby con la que vuelve a arriesgar en una obra que no está abierta a todos los gustos, pues pensamos que levantará tanto opiniones tibias, cuando no negativas, como, en menor medida, entusiastas. Serendipia es de los segundos. Ya desde que viéramos el inquietante trailer del filme, nos despertó la curiosidad lo que Bajo Ulloa estaba preparando y, afortunadamente, no solo no nos ha defraudado sino que, muy al contrario, ha estado muy por encima de las expectativas esperadas. Ya desde su inicio mezcla droga, religión y un parto en soledad. Un comienzo de impacto que deja en el espectador un poso de tristeza que no le abandonará durante todo el metraje, mezclando lo bello y lo horrible y pasando de la realidad más descarnada a la fantasía más desbordante transportándonos a la casa de la bruja, a la guarida del ogro, en el que la protagonista jugará al escondite buscando subsanar el que podría ser el error de su vida. Se denota en cada plano un cuidado trabajo de orfebrería desprovisto de pedantería y sí cargado de belleza. Como la de ese icónico chupete de plata y nácar que esconde en su interior un tesoro, una perla. Serendipia sabe que está disfrutando de la mejor película que le ha ofrecido este aciago año. Una cinta que formará parte de su filmoteca particular, cual tesoro, para ser disfrutada una y otra vez. Y es que Juanma Bajo Ulloa ha sido muy valiente escribiendo y dirigiendo una película que posiblemente no sea comprendida, pero Baby, que carece de diálogos y está totalmente protagonizada por mujeres, es el cuento perverso y repleto de magia que muchos estábamos esperando del realizado vasco.

Al igual que ocurre con la vida, la trama de BABY contiene simbolismos y metáforas, tal vez invisibles en ocasiones para el intelecto, pero perceptibles para el corazón o el espíritu. Alegorías que suscitan en el espectador sentimientos no racionales y estimulan una interpretación más profunda. No se emiten juicios ni valoraciones éticas, no hay moralina o paternalismo, los personajes actúan movidos por sus instintos, y es al ancestral instinto al que va dirigido este cuento de vida, lucha y muerte.

Juanma Bajo Ulloa

 

Las lecturas de Serendipia: ‘Regreso al Edén’ de Paco Roca

14 diciembre 2020 Deja un comentario

REGRESO AL EDÉN 

Paco Roca

Astiberri, 2020. 176 páginas. Color. Cartoné, 24 x 17 cm

No debería sorprender a nadie decir que cuando se habla de cómic y se nombra a Paco Roca estamos nombrando a uno de los mejores, sino el mejor, autor de cómic español de todos los tiempos. Paco cuenta con una ya abultada obra a sus espaldas, bien laureada en todos los certámenes nacionales e internaciones que así lo demuestra. Pero sobre todo lo demuestra el lugar que las sentidas narraciones de este pequeño gran valenciano ocupan en el corazón de los amantes del noveno arte.

Algunas de las últimas y más importantes obras de Paco como Arrugas, Los surcos del azar o El invierno del dibujante lo han aupado al lugar que ocupa en el mundo del cómic.

Ahora, con Regreso al Edén, retoma la senda biográfica que ya iniciara con La Casa, y lo hace, como aquel, en forma de álbum apaisado, el formato más clásico y entrañable del tebeo español.

Regreso al Edén retrocede en el tiempos mucho más que su anterior obra. Nos traslada a la postguerra española de hambre y pan de higo. De pocas alegrías y mucho trabajo para llevar la comida a casa. Y toda esa época se rememora analizando una foto realizada en 1946. Un retrato familiar tomado en la playa de Nazaret de la capital valenciana. Una de esas fotos que todos tenemos en casa. De las pocas que se hicieron nuestras madres y abuelas y que eran atesoradas en cajas y cajones. Sobadas por haber sido miradas una y otra vez.

Una y otra vez.

Una foto como esas que aparecen algunas a veces al pie de un container o en un mercadillo esparcidas por el suelo. Imágenes que no dicen nada para el que las ve, pero que tienen una rica historia detrás, como demuestra Paco Roca en Regreso al Edén. Una historia que para Antonia, la protagonista del libro de Paco, representa una ilusión, una esperanza de un futuro mejor.

Estraperlo, religión, cine, familia, hambre, mucha hambre y un juego de tazas … pequeños detalles cotidianos que consiguen que el lector se detenga para respirar y observar esas delicadas viñetas que ilustran una riquísima historia cargada de dolor. Pero de un dolor bañado con la dulzura del recuerdo.

Paco Roca, como puede verse en todos sus libros que representan un viaje a un pasado no vivido, se ha documentado mucho, enriqueciendo las imágenes con pequeños y grandes detalles cotidianos, como es el vestuario de la época, deteniéndose en esos castos bañadores que lucen las protagonistas en la playa. Detalles de otra época, de otro tiempo que Paco ha vuelto a reunir con la lírica del artista que sabe trasmitir sentimientos con su arte. Porque si, hablar de Paco Roca es hablar del mejor autor de cómic español de todos los tiempos.

Paco Roca (Valencia, 1969) estudió en la Escuela de Arte y Superior de Diseño de Valencia. Aunque su trabajo se centra en los cómics, compagina su tiempo con la ilustración y las charlas y talleres. En el terreno de los cómics, su obra se ha traducido a una docena de países. Entre su bibliografía destacaEl juego lúgubre(2001), El Faro(2004), Arrugas (2007), Las calles de arena (2008), o El invierno del dibujante, (2010). Después de ilustrar La metamorfosis, de Franz Kafka, (2011) se embarcó en Los surcos del azar (2013), y ya en 2015 con La casa. Su obra más reciente antes de Regreso al Edén ha sido El tesoro del cisne negro, (2018) con guion de Guillermo Corral.

Algunos de sus cómics han sido llevados al cine como es el caso de Arrugas (Ignacio Ferreras 2011) que obtuvo el Goya a la mejor película de animación y al mejor guion adaptado; o Memorias de un hombre en pijama. Y otros están en proyecto, como es el caso de El tesoro del Cisne Negro, dirigida por Alejandro Amenabar.

En 2016 fue nombrado hijo predilecto de su ciudad, Valencia.

VAMOS DE ESTRENO * Viernes 4 de diciembre de 2020 *

4 diciembre 2020 Deja un comentario

MADAME CURIE (Radioactive, Marjane Satrapi, 2019)

UK-Hungría-China; Duración: 109 min. Guion: Jack Thorne (Biografía: Marie Curie) Música: Evgueni Galperine, Sacha Galperine Fotografía: Anthony Dod Mantle Productora: Working Title Films, Studio Canal, Shoebox Films, Pioneer Stilking Films. Distribuida por: Amazon Studios Género: Drama

Reparto: Rosamund Pike, Sam Riley, Anya Taylor-Joy, Aneurin Barnard, Simon Russell Beale, Jonathan Aris, Indica Watson, Mirjam Novak, Tim Woodward, Cara Bossom, Richard Pepple, Michael Gould, Mark Phelan, Corey Johnson

Sinopsis: Pionera. Rebelde. Genio. Radioactive es la historia real e increíble de Marie Sklodowska-Curie y su trabajo ganador del Premio Nobel que cambió el mundo para siempre. A medida que descubre elementos radiactivos previamente desconocidos, pronto se vuelve terriblemente evidente que su investigación podría conducir a aplicaciones en medicina que permitirían salvar miles de vidas, pero también a usos en la guerra que podrían destruir miles de millones de ellas.

Nuevo biopic centrado, no tan solo en la figura de la más importante científica que ha dado la humanidad, sino también en los efectos de los descubrimientos que investigó junto a su marido y compañero Pierre Curie. La cinta recrea las dificultades por las que tuvo que pasar la temperamental científica para desarrollar su trabajo bajo su condición de extranjera y mujer, así como la relación con su marido Pierre y, tras el fallecimiento de este, el escándalo que protagonizó por su relación con un compañero casado. También profundiza en otras facetas menos conocidas de su biografía, como su participación en la I Guerra Mundial junto a su hija primogénita, también científica y heredera de su carácter. Magníficamente ambientada es, como indicamos, más que un simple biopic, pues muestra los beneficios del radio al servicio de la medicina, pero también su poder destructor. Quizás son muchos años y datos vertidos en una sola película, por lo que resulta ligeramente apabullante, intensa, sobre todo en la parte final, en la que apoyada por su hija mayor (una estupenda Anya Taylor-Joy) inicia la que considerará su última batalla llevando, precisamente, al campo de batalla, rayos X en el interior de ambulancias, con las que poder diagnosticar y evitar muchas amputaciones inútiles de miembros.

Rosamund Pike construye una Marie Curie poderoso, soberbia y egocéntrica, volcada en su trabajo y de carácter práctico, frente al romántico y plácido Pierre Curie encarnado por Sam Riley.

Encargada de clausurar el Festival de Toronto y participante en el pasado BCN Film Fest, donde se alzó con el Premio a la Mejor Actriz para Rosamund Pike, Madame Curie adapta la novela gráfica de Lauren Redniss Radioactive. Marie And Pierre Curie. A Tale Of Love And Fallout y está dirigida por Marjane Satrapi, creadora de la novela gráfica original y del filme Persépolis

 

BEGINNING (Dasatskisi, Dea Kulumbegashvili, 2020)

Georgia/Francia. Duración: 130 min. Guion: Dea Kulumbegashvili, Rati Oneli Música: Nicolas Jaar Fotografía: Arsheni Khachaturan Productora: First Picture, Office of Film Architecture / OFA Género: Drama

Reparto: Ia Sukhitashvili, Kakha Kintsurashvili, Rati Oneli
Premios: Festival de Toronto: Premio FIPRESCI
       Festival de San Sebastián: Mejor película, dirección, guion y actriz

Sinopsis: En un tranquilo pueblo de provincias, una comunidad de Testigos de Jehová es atacada por un grupo extremista. En pleno conflicto, el mundo de Yana, la esposa del líder de la comunidad, se desmorona lentamente. La insatisfacción interior de Yana crece mientras lucha por encontrar sentido a sus deseos.

En Beginning presenciamos la crisis y el desmoronamiento de una mujer narrado mediante prolongados planos fijos, algunos generales, que harán que el espectador sea un simple testigo, a veces, desde la lejanía, de los acontemientos que suceden en la pantalla. También Beginning, Concha de Oro a la mejor película, actriz, guion y dirección en la última edición del Festivial de San Sebastián supone todo un tour de force con la paciencia del espectador no avisado, pero también para el que lo esté, pues su directora, Dea Kulumbegashvili, arriesga con algunos planos que nos retrotraen a los tiempos experimentales del cinema underground, además de mostrar un final, cuanto menos, extraño. 

El crimen de Yana y su trágica desaparición están vagamente inspirados en una historia real. Una madre que hizo lo impensable. Ella nunca explicó sus razones; no justificó sus acciones, como si su crimen atroz estuviera destinado a suceder. En la opera prima de Sukhitashvili, con encuadres de una gran calidad plástica y compositiva, se da cuenta del extrañamiento de la protagonista dentro de su propio entorno, como si fuera una figura perdida en el interior de un cuadro de Edward Hopper. En sus incomodantes planos fijos se desarrolla la transformación interna del personaje, a veces desde la ausencia de figura como si se quisiera explicar el vacío interior que siente Yana desde el vacío del espacio. La directora no insiste en el crimen, al contrario, la acompaña en sus rutinas cotidianas previas al mismo, en un intento de lograr la racionalización y la compasión hacia esa mujer que se encuentra sometida a un papel subordinado dentro de su propio hogar y que pugna por entender sus propios deseos. ¿A qué renunció cuando decidió comprometerse en matrimonio con el líder de un grupo religioso? Encontramos a Yana enfrentando una crisis tanto matrimonial como existencial. Su historia es la de una mujer cuya identidad propia nunca se realizó. Ella cree que tiene todo lo necesario para ser una mujer realizada, una familia, un esposo amoroso y un hijo. Pero, ¿la capacidad natural
de Yana para ser madre es realmente suficiente para mantener su compromiso con el papel que se le asignó? Yana no sabe cómo emanciparse. Yana se siente culpable por sus deseos: se castiga a sí misma por querer algo que teme nombrar. Convierte su relación con el supuesto detective Alex en su castigo.

El sentimiento de absoluta desgracia le permite a Yana sentirse viva, cuando, paradójicamente, se está entregando a su propia autodestrucción. La suya es una historia de desgarro dentro de un mundo de relaciones claustrofóbicas, un encierro asfixiante que se nos quiere comunicar desde la elección del formato cuadrado, un formato que nos impide respirar y nos condena a observar sin desapego, como si estuviéramos instalados en la piel de Yana. Así, el estado de psicosis de Yana se convierte en una condición colectiva que experimentamos de forma aguda.

Beginning no es una película fácil, ni lo pretende. Su ingesta supone un  arduo ejercicio que pone a prueba nuestra cinefilia. Es cuando termina el suplicio de  mirarla que podemos digerirla y valorarla. Tan plástica como excesiva, transita y se instala en ese punto donde el realismo se emparenta con lo onírico. Extraña película para tiempos extraños.

 

VOLVER A EMPEZAR (Herself, Phyllida Lloyd, 2020)

Irlanda/Reino Unido. Duración: 97 min. Guion: Malcolm Campbell, Clare Dunne Música: Natalie Holt Fotografía: Tom Comerford Productora: Element Pictures Género: Drama

Reparto: Clare Dunne, Harriet Walter, Conleth Hill, Cathy Belton, Ericka Roe, Rebecca O’Mara, Sean Duggan, Charlene Gleeson, Chelsea Gill, Lucy Parker Byrne, Ally Ni Chiarain, Eimear Morrissey, Liz Fitzgibbon, Molly McCann, Ruby Rose O’Hara, Dmitry Vinokurov, Aaron Lockhart, Anita Petry

Sinopsis: Sandra (Clare Dunne) es una joven madre soltera que un día decide abandonar a su abusivo ex marido y luchar contra el corrupto sistema inmobiliario. Su idea consiste en construir su propia casa, un hogar cálido, seguro y feliz donde crezcan sus dos hijas pequeñas. Para ello contará con una serie de amigos dispuestos a apoyarla y ayudarla. En el proceso, además, no sólo reconstruye su vida, sino que también se descubre a ella misma.

Cine social irlandés que narra los avatares de una madre para salir a flote tras decidir dejar definitivamente a su tóxico marido. Y ya que los servicios sociales no tienen mucho más que ofrecerles a ella y sus hijas que buena voluntad, decide construirse con sus propias manos una casa.  Mientras, otros frentes y heridas permanecen abiertos. Trabajos eventuales mal pagados, dos hijas en pleno crecimiento y un ex-marido que no entiende nada y que quiere que todo vuelva a ser como antes, con la propia maltratada cargando un tan absurdo como doloroso sentimiento de culpa y de pérdida. Lo dicho, muchos frentes en una guerra que la decidida mujer defenderá con todas sus energías. Y todo lo consigue hacer creíble la actuación de su protagonista, una gran Clare Dunne, presente en prácticamente todos y cada uno de los planos de la cinta, secundada por un buen plantel de actores. Si hay que ponerle un pero, es que hay un momento-milagro que, desgraciadamente, demuestra la imposibilidad de que la vida imite al arte, pero es una pequeña trampa que podemos permitir en esta deliciosa y por lo demás realista película que cuenta cosas que conviene tener muy presentes y reiterar una y otra vez. Y es que el maltrato machista es una lacra que se produce en todos los estamentos y capas sociales, pero que es en las más humildes donde se ceba con mayor virulencia. Y que también, la única manera de permanecer a flote en los momentos de crisis, que han sido todos durante los últimos 20 años, es contando con la solidaridad de los nuestros. O al menos, no perdiendo la esperanza de que así sea.

Categorías:VAMOS DE ESTRENO
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