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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 28 de diciembre *
LA DECISIÓN (Al Rahalaka, Mohamed Al Daradji, 2017)
Irak. Duración: 82 min. Guion: Mohamed Al Daradji, Isabelle Stead Fotografía: Duraid Munajim Productora: Human Film Género: Drama
Reparto: Zahraa Ghandour, Ameer Jabarah
Sinopsis: El 30 de diciembre de 2006, primer día del Eid al-Adha —la Celebración del Sacrificio, una de las más sagradas festividades musulmanas—, Bagdad festeja la reapertura de su estación de tren. Sara entra en la estación con la intención de perpetrar un atentado suicida. Parece vacilar ante la perspectiva de detonar la bomba, pero está determinada a llegar hasta el final. Un encuentro incómodo con Salam, un vendedor extremadamente locuaz que trata de seducirla, frustrará sus planes. Tras una serie de acontecimientos, Salam acaba como rehén de Sara, e intenta disuadirla de que siga adelante. Pero ¿está Sara dispuesta a escucharle?
La decisión utiliza de manera efectiva la regla de oro del suspense, que según Hitchcock, hace que una película funcione: casi desde el minuto uno el espectador sabe donde está la bomba, aunque no cuando explotará. Pero la última película del prestigioso y premiado director Mohamed Al Daradji (In the Sands of Babylon, Syn Babionu), va mucho más allá de ser un simple thriller, es un llamamiento a la reflexión.
Elegida para representar a Iraq en los próximos Oscar, La decisión consigue que el interés no decaiga en ningún momento, y gran parte de ello se debe a la convincente labor de la protagonista, la debutante Zahraa Ghandour, que con su interpretación ya ha conseguido premios distinguidos en los festivales de Muscat y el Festival des Cinémas Árabes. Ghandour es también directora y guionista, y su primer papel ya la ha situado como una joven estrella a seguir.
Los ojos de Ghandour serán los que presentarán al espectador a los personajes de las diferentes subtramas: una joven novia que no desea casarse; unos niños que mendigan; unos músicos; un joven estafador; una madre que huye con su bebé … un grupo humano reunido en una estación de tren que no saben lo cerca que tienen la muerte por el simple hecho de haber escogido ese día para dejar Bagdad. Víctimas potenciales que protagonizan pequeños dramas, que sufren e intentan sobrevivir en una país en ruinas. En una paisaje apocalíptico, con un halo de irrealidad cuyo sentido final el espectador deberá averiguar viendo esta notable película.
El cine en zapatillas: Arrebato (39 Escalones)
ARREBATO (Iván Zulueta, 1979)
España. Duración: 110 min. Guion: Iván Zulueta Música: Grupo Negativo Fotografía: Ángel Luis Fernández Productora: N.A.P.C Género: CINE
Reparto: Eusebio Poncela, Cecilia Roth, Will More, Marta Fernández-Muro, Carmen Giralt, Luis Ciges, Antonio Gasset, Helena Fernán-Gómez, Teresa Fernández Muro,Olvido Gara «Alaska»
Extras: Coloquio Versión Española (TVE) (40 minutos) / Corto: Leo Es Pardo de Iván Zulueta. (10 minutos) / Corto: Párpados de Ivan Zulueta. (30 minutos) / Documental: Ivanz deAndrés Duque. (53 minutos) / Documental: Arrebatos de Jesús Mora. (56 minutos) / Documental: La Decadence de Augusto M. Torres (55 minutos) / Libreto de 36 páginas con textos de Augusto M. Torres, Jesús Palacios e Iria Barro Vale.
Sinopsis: José Sirgado (Eusebio Poncela), un joven director de cine, ha terminado su segunda película y se siente profundamente insatisfecho. Tal vez sus relaciones con el cine no tengan nada que ver con lo que él había imaginado. Tal vez la heroína ha dejado una huella más profunda de lo previsto. Tal vez su ruptura con Ana (Cecilia Roth) -la protagonista de su primera película-, sea una especie de boomerang. Sin embargo, un misterioso paquete parece acudir en su ayuda. Lo envía Pedro (Will More), un adulto de comportamiento infantil al que José apenas prestó atención cuando lo conoció, pero que ahora resurge como la única respuesta posible al angustioso SOS de José.
Que Arrebato es la película más fascinante del cine español, a estas alturas pocos lo discutirán. Bien es cierto que su complejo universo posiblemente no entra a la primera en todos los que se acercan por primera vez a ella, pero una vez se asienta en el inconsciente del espectador, se convierte en una parte de su imaginario personal. Inútil resulta a estas alturas disertar sobre esta obra, pues varios y excelentes son los libros que se han editado sobre ella. Pero para comprender Arrebato hay que tener muy presente la trayectoria, vida y muerte de su creador, Iván Zulueta
Ahora 39 Escalones nos acerca al Arrebato en las mejores condiciones de imagen y sonido con una edición en Blu-ray restaurada a partir del negativo original, y con un buen número de seleccionados extras. Todo un trabajo de amor y artesanía en estos tiempos de ‘bajarse’ películas. De películas gratis con el periódico. De películas hasta en la sopa. Y lo hace mediante una edición especial limitada. Realmente especial y realmente limitada que consta de 1.050 unidades numeradas y a la venta exclusiva en Fnac. Exquisita edición que, una vez agotada, será pasto de especuladores y usureros. Una pieza definitiva que, además del Arrebato, la película, contiene más de cuatro horas de extras. Puro oro con el que 39 Escalones intentará ayudar al espectador a entrar en la mente del arrebatado director.
De entre los excelentes contenidos extra destacan sobremanera los documentales. Tres puntos de vista tan diferentes como complementarios de ahondar en la vida, obra y universo del creador vasco. Tres intentos de desvelar el enigma de Arrebato. El maravilloso Iván Z (2004), de Andrés Duque, nos muestra a un Zulueta sobreviviente al Arrebato, pero tocado de muerte. Rodado en su hogar familiar de Donosti, donde había retornado ante su imposibilidad de superar su obra, que lo devoró, Iván Z consigue sobrecoger al espectador en diversas ocasiones, especialmente cuando, tras pasear y desvelar todos los rincones de su casa, llena de originales de sus carteles y los restos de su alma, Iván coge la cámara digital y descubre, rodando con ella las hiedras de los muros de su hogar, las posibilidades de esa nueva tecnología. El segundo documental, el académico Arrebatados (1998), de Jesús Mora, está realizado a base de entrevistas con actores, directores y amigos del cineasta, que recuerdan, veinte años después de su estreno, el rodaje de Arrebato. Lo mejor de todo es que lo rememoran desde el piso en el que vivió desde los sesenta y enloqueció durante los ochenta el director vasco, situado en Gran Via 86.
Finalmente La Décadence, inédito hasta ahora en formato doméstico, está rodado por Augusto M. Torres, productor de Arrebato y algunos cortos del director, que opta por recuperar declaraciones y entrevistas y situarlas en los lugares, ahora abandonados, fantasmales y sobrecogedores, que habitó Zulueta. Lugares ahora habitados por espectros del pasado, como ejemplifican esos restos de pinturas de Zulueta que decoraban las paredes de sus estancias, ahora descorchadas, como aquellas pintadas por Crowley que había en los muros de Cefalú, de donde fueron expulsados los Thelemitas.
Tres magníficos documentales que, cada uno a su manera, intentarán ayudar al espectador a comprender y desvelar la mente y el alma del desaparecido director. Como también ayudará mucho el poder ver un antecedente de Arrebato, el cortometraje Leo es pardo (1976) realizado en la casa de Gran Vía; y el posterior Párpados (1989), lo último firmado y filmado profesionalmente por el director.
¿Más? Pues los extras además contienen la presentación de la película y el coloquio posterior emitido en 2011 por el programa Versión Española. Y como guinda un libreto de 36 páginas firmado por Augusto M. Torres, Jesús Palacios e Iria Barro Vale, repleto de curiosas imágenes y una sinopsis de Arrebato escrita a por el propio Zulueta. De puño y letra.
Hay que felicitar a 39 Escalones por envolver todo ello con una elegante caja de color negro, con una carátula que respeta el cartel original del filme, realizado también por Zulueta, todo lo cual va recogido dentro de una funda de cartón bellamente ilustrada que muestra a un alucinado (¿arrebatado?) Will More con su cámara.
Por todo ello esta edición, la definitiva, de Arrebato que ha editado con gran cariño y buen gusto 39 Escalones, debería ser de presencia obligada en toda filmoteca particular.
Interrogamos a Ilsa: Entrevista a Dyanne Thorne y Howard Maurer.
A buen seguro que la 51 edición del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya será recordada por el número de celebridades que acogió. Nicolas Cage, Peter Weir, Ed Harris, M. Night Shyamalan o John Carpenter fueron algunas de estas figuras de primera talla mundial que se dejaron ver por el certamen a lo largo de sus once jornadas. . Pero si bien las más mediáticas, ni que decir tiene que estas no fueron, ni mucho menos, las únicas. Junto con ellas, Sitges 2018 contó con la presencia de otras personalidades cinematográficas quizás no tan conocidas para el gran público, pero igual de queridas por los aficionados. Dentro de este grupo destacó la presencia de cuatro intérpretes emblemáticas del cine de Serie B de la década de los setenta y ochenta. Nos referimos a la antigua pornostar Traci Lords, un rostro tan característico de la blaxploitation como el de Pam Grier, nuestra Helga Liné y la no menos mítica Dyanne Thorne.
A punto de cumplir los setenta y cinco años de edad, la celebre intérprete de Ilsa visitó Sitges acompañada de su marido, el músico y ocasional actor Howard Maurer, quien también participó desempeñando roles secundarios en la franquicia de la despiadada dominatrix. A pesar de su avanzada edad, durante su estancia en tierras catalanes la antigua pin-up no pudo mostrarse más activa, presentando la proyección de dos de sus films, participando en un encuentro con el público y mostrándose en todo momento solícita con todos aquellos fans que se acercaban a ella para hacerse una foto o conseguir un autógrafo, demostrando en todo momento una simpatía, dulzura y proximidad bien alejada de la perversidad del personaje por el que es recordada. Así nos lo volvió a evidenciar en la entrevista que le realizamos en compañía de su esposo, en la que, mano a mano con José Luis Salvador Estébenez, de la imprescindible web La Abadía de Berzano, le preguntamos por sus recuerdos de las películas de Ilsa.
Fotos: Serendipia
Según algunas fuentes, el personaje de Ilsa estaba inicialmente previsto para la actriz Phyllis Davis[1], quien rechazó el ofrecimiento. ¿Cómo entraste en la película?
Dyanne: Me sentí agradecida. Tras hacer la entrevista para el papel me dieron el guion, me fui a casa…
Howard: Al llegar a casa me dio el guion y me dijo: “¿Qué opinas de esto? Cuando lo termines me lo dices”. Y cuando terminé de leerlo puse una goma elástica alrededor y lo tiré con tanta fuerza contra la pared que hice un agujero. Cuando Dyanne volvió me preguntó qué me había parecido y le respondí que era horrible, pero que como alguien iba a terminar haciendo ese papel y ni a mí ni a ella nos tocaba, como actores que éramos, juzgarlo, le dije que aceptara. Y ella respondió: “Pues vale” (risas).
Ya que lo mencionas, ¿qué pensaste cuando descubriste las elevadas dosis de sexo y violencia que iba a tener la película?
D: Lo mejor es que al final de la película todo el mundo odia a Ilsa (risas). Ella muere siempre al final de cada película.
H: ¡Para volver en la siguiente! ¡Nadie puede detenerla! (risas).
D: Te contaré una historia. En Ilsa, la hiena del harén había un personaje que era un general fuerte y grande. Pues bien, cuando el actor que lo interpretaba vio la escena en que a una chica la llenan de gusanos ¡te juro que se desmayó! (risas). ¡Los gusanos fueron demasiado para él!
H: Era un tipo genial. En pantalla parecía duro, pero en persona era como un gatito.
No hay duda de que gran parte del atractivo de Ilsa reside en tu interpretación, en la que dotas al personaje de una pátina de ironía que hace que no se quede en una villana de una pieza, sino que posea una entidad propia sobre la que se construyó el resto de la saga. ¿Cómo preparaste el papel?
D: Como dijo antes Howard sobre los actores…
H: Un actor actúa. La única respuesta a tu pregunta es que Dyanne interpreta en la pantalla a una persona muy mala, pero ella es todo lo contrario en la vida real. Por eso creo que a la gente le ha seguido gustando, porque entienden que todo es actuación. No es real. De alguna manera perciben que Dyanne no es realmente así. Ella es la absoluta antítesis de todo eso.
D: Creo que un actor no puede dar vida a un personaje si no se lo cree. Ilsa no sabe que es una persona horrenda, simplemente es… Ilsa. Eso es lo divertido. Los personajes de Howard en la saga, por ejemplo, llevan un arma, ¡pero Howard jamás tocaría una! (risas). Pero eso es lo que el personaje demanda y él no está para juzgarlo y decir “es un hombre muy malo y tiene un arma” [dicho con voz siniestra]. No, es un personaje. Si yo hago daño a alguien en pantalla no es porque yo sea mala, simplemente es porque tengo que hacerlo. Cuando la interpreto, soy Ilsa. Cuando me pongo su ropa, soy ella, pero cuando me la quito vuelvo a ser Dyanne.
H: ¿Sabes qué? ¿Recuerdas esa pequeña fábula sobre el escorpión y la tortuga? El escorpión le pide a la tortuga que cruce el río con él sobre su caparazón. La tortuga le pide que no le pique y el escorpión le responde que no lo hará. Pero por supuesto, a mitad de camino el escorpión termina picando a la tortuga. Cuando lo hace, esta le pregunta: “¿Por qué?”. Y el escorpión responde: “Es mi naturaleza”. Esa es la historia.
Imagino que no esperabas el éxito que cosechó la película…
D: (Risas). Es un milagro.
H: Nadie, ni el director, ni el productor, ni Dyanne ni yo, pensamos que esto podría suceder. Dyanne contó una historia curiosa ayer, no recuerdo dónde, y es que todo el mundo, menos ella, el director y yo, cambiaron su nombre para los créditos de la película. Pero tras el éxito de Ilsa, la loba de las S.S. todo el mundo quiso subirse al carro.
D: El guionista, el productor… cambiaron de nombre tres veces y finalmente dijeron: “¡Yo soy el de la película!” Nosotros fuimos los únicos, junto con los directores de las diferentes películas, Jean LaFleur, Jess Franco y Don Edmonds, que en paz descanse, que no nos los cambiamos.
H: Es muy curioso. Incluso cuando estuvimos en Suiza para rodar Greta – Haus ohne Männer, donde cada uno hablaba en su propio idioma: inglés, alemán, francés, español…
D: ¡Incluso catalán!
H: … todos cambiaron su nombre y yo ni siquiera sabía cuáles eran sus nombres reales. Era una locura (risas).
Ilsa, la loba de las SS está repleta de largas y enfermizas escenas de sexo y tortura, entre las que se incluyen castraciones, descargas en los pezones y todo tipo de mutilaciones. ¿Cómo era el rodaje de estas secuencias? ¿Es cierto que te negaste a rodar algunas escenas debido a su escabrosidad?
D: Es totalmente cierto. Hubo bastantes escenas. Una de ellas es cuando un personaje es castrado. Yo no conocía esa escena en particular, no estaba en el guion que me dieron y la filmaron de manera que yo no pudiera darme cuenta hasta el último momento, porque cuando hice mis planos ya habían rodado el resto de la escena como ellos querían y solo me hicieron aparecer ahí y decir mis líneas de diálogo.
H: ¡Es como si la hubiesen photoshopeado! (risas).
D: Y luego había escenas de violencia contra la mujer que me parecían horrendas. No solo como mujer, sino como ser humano. No quería promover eso, aunque es verdad que promovía otras muchas cosas (risas).
Al menos el personaje conserva humanidad hacia sí misma: si te fijas en la escena del banquete, todos beben alcohol menos ella. Por eso yo tengo que beber para compensar (risas).
H: ¡No es verdad! (Risas).
D: Solo era un chiste.
Aunque la serie finalizó con Ilsa, la hiena del harén, los productores barajaron la posibilidad de realizar nuevas entregas con títulos como Ilsa Meets Idi Amin o Ilsa Meets Bruce Lee in the Devil’s Triangle [2] ¿Qué nos puedes contar de estos proyectos y por qué no se llevaron a cabo?
D: Bueno, hay fotografías que la gente piensa que son de alguna de estas películas, cuando en realidad no lo son. Por ejemplo, hay una serie de fotos en las que aparezco posando que fueron tomadas para la revista Playboy. Justo antes de Ilsa, la tigresa de Siberia, de camino a Canadá, donde rodábamos, paramos en Chicago y allí me hicieron una sesión de fotos para promocionar la película. Por eso mucha gente cree que estas fotos de estilo pin–up son parte de la película.
Para Ilsa Meets Bruce Lee In The Devil’s Triangle me preparé y aprendí karate. Incluso el Washington Post… Howard, diles lo que hizo…
H: El Washington Post publicó una crítica de Ilsa Meets Bruce Lee In The Devil’s Triangle. Pero no existe tal película. Nunca existió.
D: Terminé perdonando al Washington Post, ya que me enteré que la crítica la hizo alguien contratado ajeno al periódico. Pero pusieron el póster de la película a toda página en la sección de ocio afirmando que estábamos listos para rodarla. De lo que pasó a continuación no estamos totalmente seguros. Estaba todo listo. En Canadá hubo una gran reunión y un francés protestó diciendo que no invertiría su dinero en eso, ya que la única película mía que había visto era Ilsa, la loba de las SS. Lo entendí, pero en ese momento yo estaba actuando en una obra teatral de Broadway que se representaba en el Union Plaza de Las Vegas, con Virginia Mayo de protagonista, y aún así me dieron permiso para ausentarme e ir a Canadá a rodar. Se portaron muy bien conmigo, contrataron a una chica exclusivamente para que me sustituyera durante esa semana. Pero la película no se hizo y, como dice Howard, esa mala crítica llegó a todas partes.
H: Fue increíble. ¡Qué imaginación! Era como un cuento de hadas, pero sin que ninguna de esas hadas acudiera (risas).
D: Además, era la primera crítica negativa que recibía. De las otras siempre decían: “No es mi tipo de película, pero ella lo hace bien”, pero esta crítica decía que mi trabajo era de segunda categoría, cosa que podría haber esperado que se dijera de mis otras películas. Pero así es la vida.
H: Una vez, Dyanne recibió una llamada de un agente —esto es verídico—, que le dijo: “La película que ibas a hacer ha sido cancelada” y colgó. Y ella dijo: “¡Pero si nunca me han llegado a contratar para hacerla!” (Risas).
D: Si nos podemos reír del tema es porque nos parece asombroso que la gente se tome el tiempo en hablar con nosotros. Interpretar un personaje es lo que nos gusta. Nosotros no somos ni dioses ni ángeles para saber si…
H: Un momento. ¿No eres un ángel? (risas).
D: Anda, tápate los oídos (risas).
Ya por último nos gustaría que nos hablaras de esa especie de secuela apócrifa que rodaste con Jesús Franco, Greta-Haus ohne Männer. ¿Fue originalmente ideada así? ¿Cómo fue la experiencia de trabajar junto al prolífico director español?
D: Nunca fue pensada como una película de Ilsa. Originariamente su título era No Man’s Land[3]. Nos dieron el guion en Canadá para que lo fuésemos leyendo de camino a Suiza, donde se rodaría. Cuando llegamos, y ya a punto de empezar, Jess Franco y el productor reescribieron gran parte del guion original. No vimos la película hasta más tarde.
H: Cuando la vimos hice lo mismo con el DVD que cuando leí el guion de la primera Ilsa… ¡Lo lancé contra la pared!
D: La hicieron como una película erótica. Se suponía que yo no iba a hacer desnudo frontal, solo de pecho. Sin embargo para hacerlo me pusieron en una bañera llena de burbujas, y esperaron tanto para rodar que, cuando lo hicieron, apenas había burbujas. Así que ahí estoy dándome un baño de burbujas sin burbujas. Además, hubo dos o tres escenas donde mi personaje perdía la cabeza y podías ver que realmente estaba loca. Y tengo que decir que yo lo hice de forma brillante, pero las escenas no se incluyeron en la película. Rodaron una película erótica, no estamos orgullosos de ella, pero nos encanta Jess Franco. Y su mujer, Lina Romay, era fantástica. Para que estuviéramos cómodas rodando juntas, nos llevó a cenar.
H: Pasamos muy buenos ratos con Jess. Por cierto, él también era músico, como yo, tocaba la trompeta y el piano.
D: Y también cantaba.
H: A los dos nos gusta el jazz. Nos hicimos muy amigos en ese rodaje. Teníamos mucho en común.
D: Una noche nos llevó a un club y allí Jess y Howard actuaron sobre el escenario prácticamente hasta que amaneció.
H: Si, era un club de jazz. Fue genial.
José Luis Salvador & Carlos Benítez
Traducción: Tarik Amarouch García
NOTAS
[1] Phyllis Ann Davis (1940-2013) fue una actriz estadounidense que apareció principalmente en televisión, siendo su mayor éxito la serie Vega$, producida por Aaron Spelling. Intervino en películas como Beyond the Valley of the Dolls (Russ Meyer, 1970), Sweet Sugar (Michel Levesque, 1972) y Terminal Island (Stephanie Rothman, 1972).
[2] Naturalmente, de haberse rodado se hubiera hecho con uno de los numerosos clones de Bruce Lee, pues el auténtico había fallecido en 1973 y la película que inauguró la serie, Ilsa, la loba de las SS, se estrenó en 1975.
[3] Tierra de nadie, en inglés, aunque literalmente sería “Tierra sin hombres”. El título alemán significa Greta: casa sin hombres.
LAS FAVORITAS DE SERENDIPIA DE 2018
Como cada año y puntualmente, al igual que las neulas, los mazapanes y turrones, llega la lista de Serendipia por Navidad, con sus películas favoritas de este 2018. La cosecha ha sido algo más escasa por problemas familiares, que han impedido que Serendipia estuviera tan activa como años anteriores, pero aún así ha procurado ver cuanto ha podido, o al menos, lo más interesante de este año.
Y la cosecha ha sido bastante impresionante. Con buenos títulos, algunos de los cuales se irán estrenando durante 2019, eso cuando no lo han sido ya, casi de tapadillo, a finales del año que concluye. Muchos menos han sido los documentales que hemos podido ver en nuestras pantallas, pero afortunadamente los festivales los siguen programando, lo que ha dado ocasión a Serendipia de disfrutar de algunas perlas. Vamos allá:
LAS DIEZ DEL FANTÁSTICO
1 – LA FORMA DEL AGUA (The Shape of Water, Guillermo del Toro, 2017)
2 – THE HOUSE THAT JACK BUILT (Lars von Trier, 2018)
3 – THELMA (Joachim Trier, 2017)
4 – GHOSTLAND (Pascal Laugier, 2018)
5 – SUSPIRIA (Luca Guadagnino, 2018)
6 – EL MUSEO DE LAS MARAVILLAS (Wonderstruck, Todd Haynes, 2017)
7 – CLIMAX (Gaspar Noé, 2018)
8 – REVENGE (Coralie Fargeat, 2017)
9 – LA NUIT A DÉVORÉ LE MONDE (Dominique Rocher, 2018)
10–KÛKAI (Leyend of the Demon Cat, Kaige Chen, 2017)
LAS CINCO DE ANIMACIÓN
1 – ISLA DE PERROS (Isle of Dogs, Wes Anderson, 2018)
2 – MAQUIA. UNA HISTORIA DE AMOR INMORTAL (Sayonara no asa ni yakusoku no hana o kazarô, Mari Okada, 2018)
3 – PETER RABITT (Will Gluck, 2018)
4 – CAVERNÍCOLA (Early Man, Nick Park, 2018)
5 – SPIDER-MAN: UN NUEVO UNIVERSO (Spider-Man: Into the Spider-Verse, Bob Persichetti, Peter Ramsey, Rodney Rothman,2018)
LAS DIEZ INTERNACIONALES
1 – CALL ME BY YOUR NAME (Luca Guadagnino, 2017)
2 – UNDER THE SILVER LAKE (David Robert Mitchell, 2018)
3 – VIUDAS (Widows, Steve McQueen, 2018)
4 – EL REVERENDO (First Reformed, Paul Schrader, 2017)
5 – THE FLORIDA PROJECT (Sean Baker, 2017)
6 – SIN AMOR (Nelyubov, Andrey Zvyagintsev, 2017)
7 – FUGA (Fugue, Agnieszka Smoczynska, 2018)
8 – BRIGSBY BEAR (Dave McCary, 2017)
9 – LORDS OF KAOS (Jonas Åkerlund, 2018)
10- ALMA MATER (Insyriated, Philippe Van Leeuw, 2017)
LAS CINCO ESPAÑOLAS
1 – EL ÁNGEL (Luis Ortega, 2018, Arg/Esp)
2 – ÁNIMAS (Laura Alvea y José F. Ortuño, 2018)
3 – LA SOMBRA DE LA LEY (Dani de la Torre, 2018)
4 – 70 BINLADENS (Koldo Serra, 2018)
5 – ENTRE DOS AGUAS (Isaki Lacuesta, 2018)
LOS CINCO DOCUMENTALES
1 – OBSCURO BARROCO (Evangelia Kranioti, 2018)
2 – FAHRENHEIT 11/9 (Michael Moore, 2018)
3 – DINA (Antonio Santini, Dan Sickles, 2017)
4 – VIDA Y MUERTE DE UN ARQUITECTO (Miguel Eek, 2017)
5 – THE WORK (Jairus McLeary, Gethin Aldous, 2017)
Y FINALMENTE: EL PODIUM 2018
1 –LA FORMA DEL AGUA
2 –ISLA DE PERROS
3 –UNDER THE SILVER LAKE
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 21 de diciembre de 2018 *
AQUAMAN (James Wan, 2018)
USA. Duración: 139 min. Guion: David Leslie Johnson-McGoldrick, Will Beall (Historia: Geoff Johns, James Wan, Will Beall. Personaje: Paul Norris, Mort Weisinger) Música: Rupert Gregson-Williams Fotografía: Don Burgess Productora: DC Comics / DC Entertainment / Warner Bros. Género: Fantástico
Reparto: Jason Momoa, Amber Heard, Patrick Wilson, Willem Dafoe, Nicole Kidman,Yahya Abdul-Mateen II, Temuera Morrison, Dolph Lundgren, Michael Beach,Ludi Lin, Graham McTavish, Patrick Cox, Randall Park, Djimon Hounsou,Leigh Whannell, Sophia Forrest, Natalia Safran, Tahlia Jade Holt
Sinopsis: Cuando Arthur Curry (Jason Momoa) descubre que es mitad humano y mitad atlante, emprenderá el viaje de su vida en esta aventura no sólo le obligará a enfrentarse a quién es en realidad, sino también a descubrir si es digno de cumplir con su destino: ser rey, y convertirse en Aquaman.
(LEER RESEÑA AQUÍ)
EL REGRESO DE MARY POPPINS (Mary Poppins Returns, Rob Marshall, 2018)
USA. Duración: 130 min. Guion: David Magee (Libro: P.L. Travers) Música: Marc Shaiman, Scott Wittman Fotografía: Dion Beebe Productora: Walt Disney Pictures / Lucamar Productions / Marc Platt Productions Género: Comedia musical.
Reparto: Emily Blunt, Lin-Manuel Miranda, Ben Whishaw, Emily Mortimer, Julie Walters,Dick Van Dyke, Angela Lansbury, Colin Firth, Meryl Streep, Pixie Davies,Jeremy Swift, Kobna Holdbrook-Smith, Christian Dixon, Craig Stein, David Warner,Jim Norton, Bernardo Santos, Bern Collaco, Ian Conningham
Sinopsis: Mary Poppins (Emily Blunt) es la niñera casi perfecta, con unas extraordinarias habilidades mágicas para convertir una tarea rutinaria en una aventura inolvidable y fantástica. En esta nueva secuela, vuelve para ayudar a la siguiente generación de la familia Banks a encontrar la alegría y la magia que faltan en sus vidas después de una trágica pérdida personal. La niñera viene acompañada de su amigo Jack (Lin-Manuel Miranda), un optimista farolero que ayuda a llevar la luz -y la vida- a las calles de Londres.
¿Quien podría haber imaginado que más de cincuenta años después Walt Disney iba a recuperar a Mary Poppins? pues así ha sido y no con un remake, sino con una secuela que recupera a los personajes originales años después de la acción que se desarrolla en el filme del 64. El regreso de Mary Poppins trae de vuelta a unos hermanos Banks ya mayores, ejerciendo de treintañeros, viudo él y con dos hijos a su cargo y sindicalista ella, un poco cabeza loca y todos viviendo en el hogar paterno, amenazado por el villano, el maligno propietario del banco (Colin Firth). También, para que no se eche nada en falta, tendremos al hijo de aquel deshollinador que interpretara Dick Van Dyke en el film original, en este caso ejerciendo de simpático farolero.
¿El resultado? Pues ciento treinta minutos de puro espectáculo en el que predomina la música, la emoción, la diversión y, sobre todo, la magia. No desmerece en absoluto del filme original y como buena película destinada a toda la familia, se incluyen algunos guiños a los espectadores más veteranos en forma de actores invitados.
Un triunfal retorno a aquel mundo de música y fantasía que hizo las delicias de los niños de entonces y un canto para que no olviden nunca aquella ilusión infantil.
SOBRE RUEDAS (Tout le monde debout, Franck Dubosc, 2018

PERDIDOS EN PARÍS (Paris pieds nus, Dominique Abel, Fiona Gordon, 2017)
FRA/BEL. Duración: 83 min. Guión: Dominique Abel, Fiona Gordon. Fotografía: Claire Childéric y Jean-Christophe Leforestier Montaje: Sandrine Deegen. Producción: Christie Molia, Charles Gillibert, Dominique Abel, Fiona Gordon Género: Comedia.
Sinopsis: Fiona, una bibliotecaria de Canadá, llega a París para ayudar a su tía Martha, amenazada con ser internada en una residencia de ancianos. Fiona pierde su equipaje y además descubre que Martha ha desaparecido. Es el comienzo de una cadena de alocados enredos, que le harán cruzarse en el camino con Dom, un vagabundo egoísta y presumido, con quien surge un extraño encanto en la Ciudad de la Luz.
Pérdidos en París en una comedia de situaciones, pero sobre todo de personajes, protagonizada por tres locos que evolucionan descalzos con París como fondo (de ahí su título original, Paris pieds nus), paseándonos por los márgenes de la Ciudad Luz para mostrarnos lo esencial de la vida. Un escenario perfecto para esta fábula deliciosa, original, tierna, colorista y trepidante, protagonizada, escrita y dirigida por el dúo burlesco Abel & Gordon: Dominique Abel y Fiona Gordon. En su cuarto largometraje, tras El iceberg (L’iceberg), Rumba y El hada (La fée), en este himno a la libertad y al amor combinan humor poético y bufo, teatro gestual y comedia slapstick. Una verdadera oda al cine de Charles Chaplin y Jacques Tati, con geniales personajes, en situaciones delirantes y divertidas. A la pareja protagonista, se unen dos leyendas del cine francés: Emmanuelle Riva (nominada al Oscar© por Amor), en su última interpretación en el cine, y Pierre Richard (La cabra).
Un remanso de cine que devuelve al espectador a la era del slapstick. Una delicia que merece un destacado espacio entre la abultada cartelera de estrenos.
Aquaman: Space Opera submarina
AQUAMAN (James Wan, 2018)
USA. Duración: 139 min. Guion: David Leslie Johnson-McGoldrick, Will Beall (Historia: Geoff Johns, James Wan, Will Beall. Personaje: Paul Norris, Mort Weisinger) Música: Rupert Gregson-Williams Fotografía: Don Burgess Productora: DC Comics / DC Entertainment / Warner Bros. Género: Fantástico
Reparto: Jason Momoa, Amber Heard, Patrick Wilson, Willem Dafoe, Nicole Kidman,Yahya Abdul-Mateen II, Temuera Morrison, Dolph Lundgren, Michael Beach,Ludi Lin, Graham McTavish, Patrick Cox, Randall Park, Djimon Hounsou,Leigh Whannell, Sophia Forrest, Natalia Safran, Tahlia Jade Holt
Sinopsis: Cuando Arthur Curry (Jason Momoa) descubre que es mitad humano y mitad atlante, emprenderá el viaje de su vida en esta aventura no sólo le obligará a enfrentarse a quién es en realidad, sino también a descubrir si es digno de cumplir con su destino: ser rey, y convertirse en Aquaman.
El punto de partida de este nuevo eslabón del universo DC es una cita de Julio Verne, que viene muy a cuento de lo que la película de James Wan pretende: maravillar. Y si bien el arranque no resulta muy brillante, progresivamente va tomando carrerilla abriendo un tarro de esencias que contiene referencias a las leyendas Artúricas, la búsqueda del vellocino de oro e incluso a las criaturas del profundo abismo lovecraftiano. El mismo lugar en el que se desarrollará la mayor parte de la acción es otro lugar de leyenda, Atlantis, que no es otra cosa que la mítica Atlántida, el continente perdido, en el que tendrán lugar las más fascinantes escenas del filme, con unas luchas submarinas que convertirán la acción de Aquaman en toda una Space Opera, que se desarrollará entre ciudades en ruinas y civilizaciones futuristas.
Durante las casi dos horas y media de metraje del filme, resultará imposible abandonar la butaca para aliviar la vejiga pues entre lucha y lucha, el espectador será informado del pasado del protagonista y de los planes de su pérfido hermanastro, que harán que Aquaman tenga que ocupar su lugar como rey de Atlantis, no sin antes tener que encontrar un tridente mágico destinado a ser manejado tan solo por el heredero al trono. Esta búsqueda representará todo un viaje iniciático durante el cual luchará con seres de las profundidades, dioses a los cuales los Atlantes rinden sacrificio e incluso viajará al núcleo de la Tierra, donde tendremos todo un universo pulp al gusto de E. R. Burroughs ¿Qué más puede pedirse a una película de aventuras? Un consejo: no se pierdan la magnífica lucha en los tejados de Sicilia, repleta de dolorosos trompazos.
Pues bien, a esto cabe añadir atractivos personajes, entre los que destaca su protagonista, Aquaman, que lejos de ser aquel personaje en pijama de los cómics de antaño, es un simpático pendenciero con aspecto de biker al que uno se imagina cerrando tascas con Logan y Thor. Y lo de Thor no es gratuito, pues tanto la ciudad, Atlantis, como el antagonismo entre hermanastros tienen muchos puntos en común con Asgard y las luchas por el poder entre Thor y Loki. Jason Momoa es un perfecto Aquaman, como también están magníficos Amber Heard como Mera y Patrick Wilson (el Ed Warren de la saga The Conjuring) como Orm, hermanastro de Aquaman. También es bienvenida la participación de Willem Dafoe como Vulko, maestro del protagonista y Dolph Lundgren como el Rey Nereus. Y dejamos para el final a Nicole Kidman, fabulosa como Atlana, reina de Atlantis y madre de Orm y Aquaman.
A todo esto hay que sumar el factor ecologista, que denuncia el trato que damos a los mares mostrando en diversas ocasiones unos fondos marinos repletos de residuos generados por los habitantes de la superficie. Todo esto en una película que es puro divertimento. Unas veces fascinante; otras rozando el ridículo, pero siempre entretenida y abierta a maravillar al espectador que sabe lo que va a ver: una película de aventuras.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 14 de diciembre de 2018 *
ANA Y EL APOCALIPSIS (Anna and the Apocalypse, John McPhail, 2018)
USA/UK. Duración: 92 min. Guion: Alan McDonald, Ryan McHenry Música: Roddy Hart, Tommy Reilly Fotografía: Sara Deane Productora: Blazing Griffin / Parkhouse Pictures. Distribuida por Orion Pictures Género: Musical
Reparto: Ella Hunt, Malcolm Cumming, Sarah Swire, Christopher Leveaux, Ben Wiggins,Marli Siu, Mark Benton, Paul Kaye, Ella Jarvis, Calum Cormack
Sinopsis: La tranquila localidad de Little Haven se ve invadida por una horda de muertos vivientes que amenazan con chafarles las fiestas navideñas. Anna y sus amigos harán frente a la amenaza con toda su energía, sobreviviendo a muñecos de nieve zombificados, salvajes despedidas de soltero y adolescentes desenfrenados. ¡Y aún les sobrarán fuerzas para marcarse unos números musicales!
John McPhail es una joven director escocés fogueado en la comedia que en su segundo largometraje aborda, sin abandonar la comedia, un musical… con zombies. Y la verdad es que el experimento lo supera con nota pues el filme tiene gore, con sus correspondientes explosiones de cabezas y evisceraciones; un muy competente lote de canciones; y gags de lo más simpático, responsabilidad, en su mayoría, de la simpática protagonista, Ella Hunt.
Un relato ideal para estas fiestas, con la suficiente angustia juvenil como para interesar desde su inicio, consiguiendo que la historia y sus protagonistas capten la atención del espectador hasta que el director, que se toma su tiempo, levante a los muertos, que no cejarán en su empeño de alimentarse con las vísceras de los habitantes de Little Haven.
Una pequeña pieza, humilde pero muy amena, que pasó casi desapercibida en su pase durante una maratón nocturna en el Festival de Sitges y que Segarra Films recupera para disfrute navideño.
El cine en zapatillas: Las lágrimas de Jennifer (Regia Films)
LAS LÁGRIMAS DE JENNIFER (Perché quelle strane gocce di sangue sul corpo di Jennifer?, Giuliano Carnimeo, 1972)
ITA. Duración: 90 min. Guion: Ernesto Gastaldi Música: Bruno Nicolai Fotografía: Stelvio Massi
Formato Pantalla: 2,35:1 (16/9) Anamorphic Widescreen Audio: Castellano, Italiano Subtítulos: Castellano
Reparto: Edwige Fenech, George Hilton, Paola Quattrini, Franco Agostini, Annabella Incontrera, Giampiero Albertini, George Rigaud, Ben Carrà, Carla Brait, Oreste Lionello
Sinopsis: Las modelos de fotografía Jennifer (Edwige Fenech) y Marilyn (Paola Quattrini) conocen al arquitecto Andrea Antinori (George Hilton), quien busca rostros para vestir el catálogo de una nueva promoción de viviendas. Andrea ofrecerá a las modelos ocupar un apartamento libre en un lujoso edificio donde recientemente se han cometido los asesinatos de dos mujeres jóvenes. Al poco tiempo de vivir allí, Jennifer comenzará a sentirse acosada por una amenazadora presencia. El comisario Enci (Giampiero Albertini), encargado de la investigación de los crímenes, tratará de resolver el caso antes de que el misterioso asesino logre acumular más víctimas…
Es toda una lástima que Giuliano Carnimeo no rodara ningún giallo más. Y es una lástima porque Las lágrimas de Jennifer, sin ser especialmente innovador, es un muy eficaz film que utiliza todos los recursos del subgénero de manera eficaz, dando al aficionado más de lo esperado. Glamour, muerte, asesino enmascarado con guantes (en este caso quirúrgicos), sectas post-hippie, esoterismo y noche, pues los protagonistas de la película de Carnimeo viven y respiran de noche, son seres nocturnos.
Los crímenes están bien resueltos y el asesino terminarán siendo, como es habitual, el menos sospechoso. Pero la gracia del giallo estriba, más que en descubrir quien es el asesino, anodino en la mayoría de casos, en sus colores, en su estética y en el vestuario de las protagonistas, y en este caso concreto, Edwige Fenech parece cambiar de modelo en cada plano, consiguiendo estar siempre perfecta y llena de glamour. Si a esto añadimos la presencia del socorrido George Hilton y del argentino George Rigaud (el San Valentín del díptico de Fernando Palacios) y la música de Bruno Nicolai tenemos un giallo de lo más completo. Elegante y modélico.
Una nueva entrega de la Colección Giallo de Regia Films de obligada presencia en sus videotecas.
Las lecturas de Serendipia: ‘Frankenstein’ de Dick Briefer
BIBLIOTECA DE CÓMICS DE TERROR DE LOS AÑOS 50 VOL. II:
FRANKENSTEIN DE DICK BRIEFER
Seleccionados por Craig Yoe
Diábolo Ediciones. Encuadernación en tapa dura. Formato magazine, 184 páginas a todo color
200 años después de la publicación de Frankenstein o el moderno Prometeo el enigma de la creación sigue siendo eso, un misterio, una llama que poseemos todos pero cuya complejidad va más allá del simple hecho biológico. 200 años después de que la joven Mary Shelley descargara sus demonios internos en la catarsis que fue su obra, estos siguen vivos en cada uno de nosotros y nadie como ella supo mostrar la angustia de la vida y la muerte. La contradicción entre dar la vida al ser que más queremos y al que a la vez, con su creación, darle la muerte.
Diábolo ediciones se ha tomado estos 200 años de no-vida del moderno Prometeo muy en serio. Y si hace bien poco trataba a la autora y a su creación de forma más profunda reeditando la magnífica pieza Mary Shelley: la muerte del monstruo de Raquel Lagartos y Julio César Iglesias ahora nos acerca, de nuevo mediante el lenguaje del noveno arte, a la versión pulp del personaje, la más popular y conocida, la que nos ofreció el binomio Boris Karloff/Jack Pierce, actor y maquillador del monstruo en la seminal El Doctor Frankenstein de 1931. Jack Pierce fue el creador de ese otro monstruo, que pasó a llamarse popularmente como su creador. Fue él el que colocó los electrodos a ambos lados de la cabeza que luego se convirtieron, en la memoria de todos, en dos tornillos. Fue Pierce el que colocó a Karloff dos altas botas. Fue también el maquillador el que, finalmente, decidió hacerle un cráneo plano. Fue, en definitiva, Pierce el que creo a Frankenstein tal y como todos los recordamos. Sí, Jack Pierce contribuyó a dar vida a ese monstruo que es la industria cinematográfica, insuflando vida a unos estudios Universal que no pasaban por su mejor momento. Y como su criatura, Pierce también fue rechazado y expulsado de la industria ante el avance de otras técnicas de caracterización más rápidas.
La versión cinematográfica del personaje es la que adopta el dibujante Dick Briefer para su Frankenstein, que atravesó tres fases: si durante los primeros capítulos, que comenzaron a publicarse en Prize Comics en diciembre de 1940, fue un villano que buscaba la venganza contra su creador; en 1945, creador y editorial dan un giro a su Frankenstein y lo convierten en un delicioso cómic de humor, con un monstruo que, ya con serie propia, representa un claro antecedente del adorable Herman Munster. Pero no se vayan todavía, pues tras 17 números y con el auge del cómic de terror de los cincuenta, Briefer recibió el encargo de que su Frankenstein volviera al terror, produciéndose una tercera, y última etapa del personaje que abarcó quince números más (de 1952 a 1954), que se truncó cuando llegó la censura al cómic americano tras el proceso contra EC Comics desatado por el psiquiatra Fredric Wertham y su planfletario La seducción del los inocentes.
Amplias muestras de estos tres Frankenstein de Briefer son los que nos ofrece Diábolo Ediciones en el segundo tomo de La Biblioteca de Cómics de Terror de los años 50. Con los trabajos iniciales del dibujante, guionista y entintador, más crudos e influenciados por las viñetas del Superman de Siegel y Shuster; que darán paso a un divertido monstruo que nos traerán a la mente al Will Eisner más paródico, pues no en vano Briefer trabajo para el viejo maestro. Es aquí donde, en nuestra opinión, se muestra la labor más interesante de Dick Briefer como creador total, y en donde su dibujo alcanzará las cotas más personales, señas de identidad que se difuminarán en su tercera etapa, muy en la linea de los artistas EC menos destacados. De estas tres etapas se han seleccionado las mejores historias, reproduciendo varias portadas y contando con un muy interesante prólogo de Craig Yoe, encargado también de seleccionar las historietas del tomo.
Queda en el aire qué hubiera pasado de haber conseguido Briefer que le contrataran las tiras de prensa humorística sobre el personaje que también había preparado y ofertó a algunos medios. En ellas muestra su mejor trabajo, su maestría con los personajes paródicos que, repetimos, trasladan al lector al mejor Spirit. Mientras tanto, no lo duden, háganse con este tomo, que al igual que su predecesor, del que ya hablamos aquí, demuestra el cariño puesto por Diábolo en estos viejos cómics: reproducción extraída de los propios cuadernos originales respetando su colores; impresión en hojas de buen gramaje; tapa dura y formato grande. ¿Qué más puede pedirse? … Mejor dejémonos sorprender por Diábolo ediciones y las próximas entregas de la Biblioteca de Cómics de Terror de los años 50.
http://www.diaboloediciones.com/
PORTADAS
CRISWELL PREDICTS! 6: ¡Nazis, suicidios, comunistas y… la bolsa!
SUICIDIO DE HOLLYWOOD
PREDIGO que un joven actor de Hollywood culminará su carrera como rebelde suicidándose durante los primeros meses de 1968.
TEXAS NAZIS
PREDIGO que un millonario de Dallas, Texas, conmocionará a Estados Unidos y al mundo financiando con millones y millones de dólares la organización de un auténtico partido NAZI en los EE. UU.
RUSIA: 1973
PREDIGO que el gobierno actual de Rusia continuará hasta 1973, cuando aparecerá un nuevo líder en la escena soviética y causará grandes cambios en ese país. En los cinco años de su gobierno, conducirá a Rusia a un sistema de libre empresa, quedando tan solo pequeños rastros del comunismo.
BOLSA DE VALORES
PREDIGO que de junio de 1968 a junio de 1970 el mercado de valores experimentará más fluctuaciones a la alta y a la baja que en cualquier periodo de su errática historia.
CRISWELL PREDICTS. Droke House, Estados Unidos, 1968.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Miércoles 5 de diciembre de 2018 *
SUSPIRIA (Luca Guadagnino, 2018)
Italia/USA. Duración: 152 min. Guion: Dave Kajganich (Personaje: Dario Argento, Daria Nicolodi) Música: Thom Yorke Fotografía: Sayombhu Mukdeeprom Productora: First Sun / Frenesy Film Company / MeMo Films / Amazon Studios / Mythology Entertainment / K Period Media / Muskat Filmed Properties / Vega Baby Releasing. Distribuida por Amazon Studios Género: Terror
Reparto: Dakota Johnson, Tilda Swinton, Chloë Grace Moretz, Mia Goth, Jessica Harper, Sylvie Testud, Angela Winkler, Malgorzata Bela, Renée Soutendijk, Ingrid Caven,Lutz Ebersdorf, Vanda Capriolo, Toby Ashraf, Fabrizia Sacchi, Elena Fokina,Christine Leboutte, Olivia Ancona
Sinopsis: Susie Bannion (Dakota Johnson) es una joven estadounidense que viaja a Berlín para cursar sus estudios de danza en una de las escuelas más prestigiosas del mundo, dirigida por Madame Blanc (Tilda Swinton). El mismo día en el que ingresa en la escuela, una de las alumnas recientemente expulsada es asesinada. No se trata de un hecho aislado, lo que hace sospechar a la brillante estudiante sobre la implicación de la escuela en los homicidios. Su desconfianza aumenta cuando una compañera le cuenta que antes de que Pat muriera, ésta le confesó que conocía un terrorífico secreto. Remake del clásico giallo dirigido por Dario Argento en 1977, ‘Suspiria’.
Después de su sonoro debut en el largometraje de ficción con Melissa P. (2005), con María Valverde encarnando a una adolescente que narra sus experiencias sexuales y tras su primera colaboración con Tilda Swinton en Yo soy el amor (Io sono l’amore, 2009), Luca Guadagnino rodó Cegados por el sol (A Bigger Splash, 2015) en la que repetía con Swinton e incorporaba en el reparto a Dakota Johnson y con la que el director abordaba su primer remake, en este caso de La piscina (Le piscine, Jacques Deray, 1969). Pero la consagración llegó con la excelente Call Me by Your Name (2017). A pesar de todo ello, el anuncio de que se disponía a abordar una obra tan personal como Suspiria, de Dario Argento, se antojaba un tanto absurda y despertaba cierto temor.
La acción de Suspiria se desarrolla en el convulso Berlín de 1977, el mismo año en el que se estrenó la original de Argento. Tenemos también una escuela de danza dirigida por inquietantes damas que trasmiten su condición de hermandad de brujas, con el baile y las coreografías como aquelarres, invocaciones. La Suspiria de Guadagnino se enmarca en ese grupo de películas de terror de última hornada en las cuales parece no pasar nada, pero lo extraño se oculta en cada fotograma y lo maligno acecha en lo más cotidiano, teniendo en el clímax su eclosión. Respiren tranquilos los fans de Argento, pues la película que ha dirigido el palermitano poco o nada tiene que ver con la original más allá de la presencia de las tres madres y el marco de acción desarrollado en una escuela de danza. Guadagnino ha sido lo suficientemente inteligente como para no intentar hacer algo parecido al original y su película tiene gran belleza, pero… Sí, ya llegaron los peros: abre tantas subtramas y caminos sin salida que consigue que el espectador se pierda intentando comprenderla y… a todo esto llega su conclusión, su bella, delirante y excesiva conclusión.
En todo caso la otra parte de Proyecto Naschy, infinitamente más juiciosa que esta que les está hablando, ha escrito sus impresiones sobre esta película y es posible que estén más de acuerdo con lo que ella explica. Pero sea como sea, Suspiria es una de esas películas que HAY QUE VER.
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