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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 28 de diciembre *

28 diciembre 2018 Deja un comentario

LA DECISIÓN (Al Rahalaka, Mohamed Al Daradji, 2017)

Irak. Duración: 82 min. Guion: Mohamed Al Daradji, Isabelle Stead Fotografía: Duraid Munajim Productora: Human Film Género: Drama

Reparto: Zahraa Ghandour, Ameer Jabarah

Sinopsis: El 30 de diciembre de 2006, primer día del Eid al-Adha —la Celebración del Sacrificio, una de las más sagradas festividades musulmanas—, Bagdad festeja la reapertura de su estación de tren. Sara entra en la estación con la intención de perpetrar un atentado suicida. Parece vacilar ante la perspectiva de detonar la bomba, pero está determinada a llegar hasta el final. Un encuentro incómodo con Salam, un vendedor extremadamente locuaz que trata de seducirla, frustrará sus planes. Tras una serie de acontecimientos, Salam acaba como rehén de Sara, e intenta disuadirla de que siga adelante. Pero ¿está Sara dispuesta a escucharle?

La decisión utiliza de manera efectiva la regla de oro del suspense, que según Hitchcock, hace que una película funcione: casi desde el minuto uno el espectador sabe donde está la bomba, aunque no cuando explotará. Pero la última película del prestigioso y premiado director Mohamed Al Daradji (In the Sands of Babylon, Syn Babionu), va mucho más allá de ser un simple thriller, es un llamamiento a la reflexión.

Elegida para representar a Iraq en los próximos Oscar, La decisión  consigue que el interés no decaiga en ningún momento, y gran parte de ello se debe a la convincente labor de la protagonista, la debutante Zahraa Ghandour, que con su interpretación ya ha conseguido premios distinguidos en los festivales de Muscat y el Festival des Cinémas Árabes.  Ghandour es también directora y guionista, y su primer papel ya la ha situado como una joven estrella a seguir.

Los ojos de Ghandour serán los que presentarán al espectador a los personajes de las diferentes subtramas: una joven novia que no desea casarse; unos niños que mendigan; unos músicos; un joven estafador; una madre que huye con su bebé … un grupo humano reunido en una estación de tren que no saben lo cerca que tienen la muerte por el simple hecho de haber escogido ese día para dejar Bagdad. Víctimas potenciales que protagonizan pequeños dramas, que sufren e intentan sobrevivir en una país en ruinas. En una paisaje apocalíptico, con un halo de irrealidad cuyo sentido final el espectador deberá averiguar viendo esta notable película.

 

Categorías:VAMOS DE ESTRENO

El cine en zapatillas: Arrebato (39 Escalones)

24 diciembre 2018 Deja un comentario

ARREBATO (Iván Zulueta, 1979)

España. Duración: 110 min. Guion: Iván Zulueta Música: Grupo Negativo Fotografía: Ángel Luis Fernández Productora: N.A.P.C Género: CINE

Reparto: Eusebio Poncela, Cecilia Roth, Will More, Marta Fernández-Muro, Carmen Giralt, Luis Ciges, Antonio Gasset, Helena Fernán-Gómez, Teresa Fernández Muro,Olvido Gara “Alaska”

Extras: Coloquio Versión Española (TVE) (40 minutos) / Corto: Leo Es Pardo de Iván Zulueta. (10 minutos) / Corto: Párpados de Ivan Zulueta. (30 minutos) / Documental: Ivanz deAndrés Duque. (53 minutos) / Documental: Arrebatos de Jesús Mora. (56 minutos) / Documental: La Decadence de Augusto M. Torres (55 minutos) / Libreto de 36 páginas con textos de Augusto M. Torres, Jesús Palacios e Iria Barro Vale.

Sinopsis: José Sirgado (Eusebio Poncela), un joven director de cine, ha terminado su segunda película y se siente profundamente insatisfecho. Tal vez sus relaciones con el cine no tengan nada que ver con lo que él había imaginado. Tal vez la heroína ha dejado una huella más profunda de lo previsto. Tal vez su ruptura con Ana (Cecilia Roth) -la protagonista de su primera película-, sea una especie de boomerang. Sin embargo, un misterioso paquete parece acudir en su ayuda. Lo envía Pedro (Will More), un adulto de comportamiento infantil al que José apenas prestó atención cuando lo conoció, pero que ahora resurge como la única respuesta posible al angustioso SOS de José.

Que Arrebato es la película más fascinante del cine español, a estas alturas pocos lo discutirán. Bien es cierto que su complejo universo posiblemente no entra a la primera en todos los que se acercan por primera vez a ella, pero una vez se asienta en el inconsciente del espectador, se convierte en una parte de su imaginario personal. Inútil resulta a estas alturas disertar sobre esta obra, pues varios y excelentes son los libros que se han editado sobre ella. Pero para comprender Arrebato hay que tener muy presente la trayectoria, vida y muerte de su creador, Iván Zulueta

Ahora 39 Escalones nos acerca al  Arrebato en las mejores condiciones de imagen y sonido con una edición en Blu-ray restaurada a partir del negativo original, y con un buen número de seleccionados extras. Todo un trabajo de amor y artesanía en estos tiempos de ‘bajarse’ películas. De películas gratis con el periódico. De películas hasta en la sopa.  Y lo hace mediante una edición especial limitada. Realmente especial y realmente limitada que consta de 1.050 unidades numeradas y a la venta exclusiva en Fnac. Exquisita edición que, una vez agotada, será pasto de especuladores y usureros. Una pieza definitiva que, además del Arrebato, la película, contiene más de cuatro horas de extras. Puro oro con el que 39 Escalones intentará ayudar al espectador a entrar en la mente del arrebatado director.

De entre los excelentes contenidos extra destacan sobremanera los documentales. Tres puntos de vista tan diferentes como complementarios de ahondar en la vida, obra y universo del creador vasco. Tres intentos de desvelar el enigma de Arrebato. El maravilloso Iván Z (2004), de Andrés Duque, nos muestra a un Zulueta sobreviviente al Arrebato, pero tocado de muerte. Rodado en su hogar familiar de Donosti, donde había retornado ante su imposibilidad de superar su obra, que lo devoró, Iván Z consigue sobrecoger al espectador en diversas ocasiones, especialmente cuando, tras pasear y desvelar todos los rincones de su casa, llena de originales de sus carteles y los restos de su alma, Iván coge la cámara digital y descubre, rodando con ella las hiedras de los muros de su hogar, las posibilidades de esa nueva tecnología. El segundo documental, el académico Arrebatados (1998), de Jesús Mora, está realizado a base de entrevistas con actores, directores y amigos del cineasta, que recuerdan, veinte años después de su estreno, el rodaje de Arrebato. Lo mejor de todo es que lo rememoran desde el piso en el que vivió desde los  sesenta y enloqueció durante los ochenta el director vasco, situado en Gran Via 86.

Finalmente La Décadence, inédito hasta ahora en formato doméstico, está rodado por Augusto M. Torres, productor de Arrebato y algunos cortos del director, que opta por recuperar declaraciones y entrevistas y situarlas en los lugares, ahora abandonados, fantasmales y sobrecogedores, que habitó Zulueta. Lugares ahora habitados por espectros del pasado, como ejemplifican esos restos de pinturas de Zulueta que decoraban las paredes de sus estancias, ahora descorchadas, como aquellas pintadas por Crowley que había en los muros de Cefalú, de donde fueron expulsados los Thelemitas.

Tres magníficos documentales que, cada uno a su manera, intentarán ayudar al espectador a comprender y desvelar la mente y el alma del desaparecido director. Como también ayudará mucho el poder ver un antecedente de Arrebato, el cortometraje Leo es pardo (1976) realizado en la casa de Gran Vía; y el posterior Párpados (1989), lo último firmado y filmado profesionalmente por el director.

¿Más? Pues los extras además contienen la presentación de la película y el coloquio posterior emitido en 2011 por el programa Versión Española. Y como guinda un libreto de 36 páginas firmado por Augusto M. TorresJesús Palacios e Iria Barro Vale, repleto de curiosas imágenes y una sinopsis de Arrebato escrita a por el propio Zulueta. De puño y letra.

Hay que felicitar a 39 Escalones por envolver todo ello con una elegante caja de color negro, con una carátula que respeta el cartel original del filme, realizado también por Zulueta, todo lo cual va recogido dentro de una funda de cartón bellamente ilustrada que muestra a un alucinado (¿arrebatado?) Will More con su cámara.

Por todo ello esta edición, la definitiva, de Arrebato que ha editado con gran cariño y buen gusto 39 Escalones, debería ser de presencia obligada en toda filmoteca particular.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Interrogamos a Ilsa: Entrevista a Dyanne Thorne y Howard Maurer.

24 diciembre 2018 Deja un comentario

A buen seguro que la 51 edición del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya será recordada por el número de celebridades que acogió. Nicolas Cage, Peter Weir, Ed Harris, M. Night Shyamalan o John Carpenter fueron algunas de estas figuras de primera talla mundial que se dejaron ver por el certamen a lo largo de sus once jornadas. . Pero si bien las más mediáticas, ni que decir tiene que estas no fueron, ni mucho menos, las únicas. Junto con ellas, Sitges 2018 contó con la presencia de otras personalidades cinematográficas quizás no tan conocidas para el gran público, pero igual de queridas por los aficionados. Dentro de este grupo destacó la presencia de cuatro intérpretes emblemáticas del cine de Serie B de la década de los setenta y ochenta. Nos referimos a la antigua pornostar Traci Lords, un rostro tan característico de la blaxploitation como el de Pam Grier, nuestra Helga Liné y la no menos mítica Dyanne Thorne.

A punto de cumplir los setenta y cinco años de edad, la celebre intérprete de Ilsa visitó Sitges acompañada de su marido, el músico y ocasional actor Howard Maurer, quien también participó desempeñando roles secundarios en la franquicia de la despiadada dominatrix. A pesar de su avanzada edad, durante su estancia en tierras catalanes la antigua pin-up no pudo mostrarse más activa, presentando la proyección de dos de sus films, participando en un encuentro con el público y mostrándose en todo momento solícita con todos aquellos fans que se acercaban a ella para hacerse una foto o conseguir un autógrafo, demostrando en todo momento una simpatía, dulzura y proximidad bien alejada de la perversidad del personaje por el que es recordada.  Así nos lo volvió a evidenciar en la entrevista que le realizamos en compañía de su esposo, en la que, mano a mano con José Luis Salvador Estébenez, de la imprescindible web La Abadía de Berzano, le preguntamos por sus recuerdos de las películas de Ilsa.

Fotos: Serendipia

Según algunas fuentes, el personaje de Ilsa estaba inicialmente previsto para la actriz Phyllis Davis[1], quien rechazó el ofrecimiento. ¿Cómo entraste en la película?

Dyanne: Me sentí  agradecida. Tras hacer la entrevista para el papel me dieron el guion, me fui a casa…

Howard: Al llegar a casa me dio el guion y me dijo: “¿Qué opinas de esto? Cuando lo termines me lo dices”. Y cuando terminé de leerlo puse una goma  elástica alrededor y lo tiré con tanta fuerza contra la pared que hice un agujero. Cuando Dyanne volvió me preguntó qué me había parecido y le respondí que era horrible, pero que como alguien iba a terminar haciendo ese papel y ni a mí ni a ella nos tocaba, como actores que éramos, juzgarlo, le dije que aceptara. Y ella respondió: “Pues vale” (risas).

Ya que lo mencionas, ¿qué pensaste cuando descubriste las elevadas dosis de sexo y violencia que iba a tener la película?

D: Lo mejor es que al final de la película todo el mundo odia a Ilsa (risas). Ella muere siempre al final de cada película.

H: ¡Para volver en la siguiente! ¡Nadie puede detenerla! (risas).

D: Te contaré una historia. En Ilsa, la hiena del harén había un personaje que era un general fuerte y grande. Pues bien, cuando el actor que lo interpretaba vio la escena en que a una chica la llenan de gusanos ¡te juro que se desmayó! (risas). ¡Los gusanos fueron demasiado para él!

H: Era un tipo genial. En pantalla parecía duro, pero en persona era como un gatito.

No hay duda de que gran parte del atractivo de Ilsa reside en tu interpretación, en la que dotas al personaje de una pátina de ironía que hace que no se quede en una villana de una pieza, sino que posea una entidad propia sobre la que se construyó el resto de la saga. ¿Cómo preparaste el papel?

D: Como dijo antes Howard sobre los actores…

H: Un actor actúa. La única respuesta a tu pregunta es que Dyanne interpreta en la pantalla a una persona muy mala, pero ella es todo lo contrario en la vida real. Por eso creo que a la gente le ha seguido gustando, porque entienden que todo es actuación. No es real. De alguna manera perciben que Dyanne no es realmente así. Ella es la absoluta antítesis de todo eso.

D: Creo que un actor no puede dar vida a un personaje si no se lo cree. Ilsa no sabe que es una persona horrenda, simplemente  es… Ilsa. Eso es lo divertido. Los personajes de Howard en la saga, por ejemplo, llevan un arma, ¡pero Howard jamás tocaría una! (risas). Pero eso es lo que el personaje demanda y él no está para juzgarlo y decir “es un hombre muy malo y tiene un arma” [dicho con voz siniestra]. No, es un personaje. Si yo hago daño a alguien en pantalla no es porque yo sea mala, simplemente es porque tengo que hacerlo. Cuando la interpreto, soy Ilsa. Cuando me pongo su ropa, soy ella, pero cuando me la quito vuelvo a ser Dyanne.

H: ¿Sabes qué? ¿Recuerdas esa pequeña fábula sobre el escorpión y la tortuga? El escorpión le pide a la tortuga que cruce el río con él sobre su caparazón. La tortuga le pide que no le pique y el escorpión le responde que no lo hará. Pero por supuesto, a mitad de camino el escorpión termina picando a la tortuga. Cuando lo hace, esta le  pregunta: “¿Por qué?”. Y el escorpión responde: “Es mi naturaleza”. Esa es la historia.

Howard mira con dulzura a Dyanne durante la entrevista

Imagino que no esperabas el éxito que cosechó la película…

D: (Risas). Es un milagro.

H: Nadie, ni el director, ni el productor, ni Dyanne ni yo, pensamos que esto podría suceder. Dyanne contó una historia curiosa ayer, no recuerdo dónde, y es que todo el mundo, menos ella, el director y yo, cambiaron su nombre para los créditos de la película. Pero tras el éxito de Ilsa, la loba de las S.S. todo el mundo quiso subirse al carro.

D: El guionista, el productor… cambiaron de nombre tres veces y finalmente dijeron: “¡Yo soy el de la película!” Nosotros fuimos los únicos, junto con los directores de las diferentes películas, Jean LaFleur, Jess Franco y Don Edmonds, que en paz descanse, que no nos los cambiamos.

H: Es muy curioso. Incluso cuando estuvimos en Suiza para rodar Greta – Haus ohne Männer, donde cada uno hablaba en su propio idioma: inglés, alemán, francés, español…

D: ¡Incluso catalán!

H: … todos cambiaron su nombre y yo ni siquiera sabía cuáles eran sus nombres reales. Era una locura (risas).

Ilsa, la loba de las SS está repleta de largas y enfermizas escenas de sexo y tortura, entre las que se incluyen castraciones, descargas en los pezones y todo tipo de mutilaciones. ¿Cómo era el rodaje de estas secuencias? ¿Es cierto que te negaste a rodar algunas escenas debido a su escabrosidad?

D: Es totalmente cierto. Hubo bastantes  escenas. Una de ellas es cuando un personaje es castrado. Yo no conocía esa escena en particular, no estaba en el guion que me dieron y la filmaron de manera que yo no pudiera darme cuenta hasta el último momento, porque cuando hice mis planos ya habían rodado el resto de la escena como ellos querían y solo me hicieron aparecer ahí y decir mis líneas de diálogo.

H: ¡Es como si la hubiesen photoshopeado! (risas).

D: Y luego había escenas de violencia contra la mujer que me parecían horrendas. No solo como mujer, sino como ser humano. No quería promover eso, aunque es verdad que promovía otras muchas cosas (risas).

Al menos el personaje conserva humanidad hacia sí misma: si te fijas en la escena del banquete, todos beben alcohol menos ella. Por eso yo tengo que beber para compensar (risas).

H: ¡No es verdad! (Risas).

D: Solo era un chiste.

Aunque la serie finalizó con Ilsa, la hiena del harén, los productores barajaron la posibilidad de realizar nuevas entregas con títulos como Ilsa Meets Idi Amin o Ilsa Meets Bruce Lee in the Devil’s Triangle [2] ¿Qué nos puedes contar de estos proyectos y por qué no se llevaron a cabo?

D: Bueno, hay fotografías que la gente piensa que son de alguna de estas películas, cuando en realidad no lo son. Por ejemplo, hay una serie de fotos en las que aparezco posando que fueron tomadas para la revista Playboy. Justo antes de Ilsa, la tigresa de Siberia, de camino a Canadá, donde rodábamos, paramos en Chicago y allí me hicieron una sesión de fotos para promocionar la película. Por eso mucha gente cree que estas fotos de estilo pinup son parte de la película.

Para Ilsa Meets Bruce Lee In The Devil’s Triangle me preparé y aprendí karate. Incluso el Washington Post… Howard, diles lo que hizo…

H: El Washington Post publicó una crítica de Ilsa Meets Bruce Lee In The Devil’s Triangle. Pero no existe tal película. Nunca existió.

D: Terminé perdonando al Washington Post, ya que me enteré que la crítica la hizo alguien contratado ajeno al periódico. Pero pusieron el póster de la película  a toda página en la sección de ocio afirmando que estábamos listos para rodarla. De lo que pasó a continuación no estamos totalmente seguros. Estaba todo listo. En Canadá hubo una gran reunión y un francés protestó diciendo que no invertiría su dinero en eso, ya que la única película mía que había visto era Ilsa, la loba de las SS. Lo entendí, pero en ese momento yo estaba actuando en una obra teatral de Broadway que se representaba en el Union Plaza de Las Vegas, con Virginia Mayo de  protagonista, y aún así me dieron permiso para ausentarme e ir a Canadá a rodar. Se portaron muy bien conmigo, contrataron a una chica exclusivamente para que me sustituyera durante esa semana. Pero la película no se hizo y, como dice Howard, esa mala crítica llegó a todas partes.

H: Fue increíble. ¡Qué imaginación! Era como un cuento de hadas, pero sin que ninguna de esas hadas acudiera (risas).

D: Además, era la primera crítica negativa que recibía. De las otras siempre decían: “No es mi tipo de película, pero ella lo hace bien”, pero esta crítica decía que mi trabajo era de segunda categoría, cosa que podría haber esperado que se dijera de mis otras películas. Pero así es la vida.

H: Una vez, Dyanne recibió una llamada de un agente —esto es verídico—, que le dijo: “La película que ibas a hacer ha sido cancelada” y colgó. Y ella dijo: “¡Pero si nunca me han llegado a contratar para hacerla!” (Risas).

D: Si nos podemos reír del tema es porque nos parece asombroso que la gente se tome el tiempo en hablar con nosotros. Interpretar un personaje es lo que nos gusta. Nosotros no somos ni dioses ni ángeles para saber si…

H: Un momento. ¿No eres un ángel? (risas).

D: Anda, tápate  los oídos (risas).

Ya por último nos gustaría que nos hablaras de esa especie de secuela apócrifa que rodaste con Jesús Franco, Greta-Haus ohne Männer. ¿Fue originalmente ideada así? ¿Cómo fue la experiencia de trabajar junto al prolífico director español?

D: Nunca fue pensada como una película de Ilsa. Originariamente su título era No Man’s Land[3]. Nos dieron el guion en Canadá para que lo fuésemos leyendo de camino a Suiza, donde se rodaría. Cuando llegamos, y ya a punto de empezar, Jess Franco y el productor reescribieron gran parte del guion original. No vimos la película hasta más tarde.

H: Cuando la vimos hice lo mismo con el DVD que cuando leí el guion de la primera Ilsa… ¡Lo lancé contra la pared!

D: La hicieron como una película erótica. Se suponía que yo no iba a hacer desnudo frontal, solo de pecho. Sin embargo para hacerlo me pusieron en una bañera llena de burbujas, y esperaron tanto para rodar que, cuando lo hicieron, apenas había burbujas. Así que ahí estoy dándome un baño de burbujas sin burbujas. Además, hubo dos o tres escenas donde mi personaje perdía la cabeza y podías ver que realmente estaba loca. Y tengo que decir que yo lo hice de forma brillante, pero las escenas no se incluyeron en la película. Rodaron una película erótica, no estamos orgullosos de ella, pero nos encanta Jess Franco. Y su mujer, Lina Romay, era fantástica. Para que estuviéramos cómodas rodando juntas, nos llevó a cenar.

H: Pasamos muy buenos ratos con Jess. Por cierto, él también era músico, como yo,  tocaba la trompeta y el piano.

D: Y también cantaba.

H: A los dos nos gusta el jazz. Nos hicimos muy amigos en ese rodaje. Teníamos mucho en común.

D: Una noche nos llevó a un club y allí Jess y Howard actuaron sobre el escenario prácticamente hasta que amaneció.

H: Si, era un club de jazz. Fue genial.

José Luis Salvador & Carlos Benítez

 Traducción: Tarik Amarouch García

NOTAS
[1] Phyllis Ann Davis (1940-2013) fue una actriz estadounidense que apareció principalmente en televisión, siendo su mayor éxito la serie Vega$, producida por Aaron Spelling. Intervino en películas como Beyond the Valley of the Dolls (Russ Meyer, 1970), Sweet Sugar (Michel Levesque, 1972) y Terminal Island (Stephanie Rothman, 1972).
[2] Naturalmente, de haberse rodado se hubiera hecho con uno de los numerosos clones de Bruce Lee, pues el auténtico había fallecido en 1973 y la película que inauguró la serie, Ilsa, la loba de las SS, se estrenó en 1975.
[3] Tierra de nadie, en inglés, aunque literalmente sería “Tierra sin hombres”. El título alemán significa Greta: casa sin hombres.
Categorías:Festival de Sitges, PIN UP

LAS FAVORITAS DE SERENDIPIA DE 2018

23 diciembre 2018 Deja un comentario
 

Como cada año y puntualmente, al igual que las neulas, los mazapanes y turrones, llega la lista de Serendipia por Navidad, con sus películas favoritas de este 2018. La cosecha ha sido algo más escasa por problemas familiares, que han impedido que Serendipia estuviera tan activa como años anteriores, pero aún así ha procurado ver cuanto ha podido, o al menos, lo más interesante de este año.

Y la cosecha ha sido bastante impresionante. Con buenos títulos, algunos de los cuales se irán estrenando durante 2019, eso cuando no lo han sido ya, casi de tapadillo, a finales del año que concluye. Muchos menos han sido los documentales que hemos podido ver en nuestras pantallas, pero afortunadamente los festivales los siguen programando, lo que ha dado ocasión a Serendipia de disfrutar de algunas perlas. Vamos allá:

LAS DIEZ DEL FANTÁSTICO

1 – LA FORMA DEL AGUA (The Shape of Water, Guillermo del Toro, 2017)

2 – THE HOUSE THAT JACK BUILT (Lars von Trier, 2018)

3 – THELMA (Joachim Trier, 2017

4 – GHOSTLAND (Pascal Laugier, 2018)

5 – SUSPIRIA (Luca Guadagnino, 2018)

6 – EL MUSEO DE LAS MARAVILLAS (Wonderstruck, Todd Haynes, 2017)

7 – CLIMAX (Gaspar Noé, 2018)

8 – REVENGE (Coralie Fargeat, 2017)

9 – LA NUIT A DÉVORÉ LE MONDE (Dominique Rocher, 2018)

10–KÛKAI (Leyend of the Demon Cat, Kaige Chen, 2017)

 

LAS CINCO DE ANIMACIÓN

1 – ISLA DE PERROS (Isle of Dogs, Wes Anderson, 2018)

2 – MAQUIA. UNA HISTORIA DE AMOR INMORTAL (Sayonara no asa ni yakusoku  no hana o kazarô, Mari Okada, 2018)

3 – PETER RABITT (Will Gluck, 2018)

4 – CAVERNÍCOLA (Early Man, Nick Park, 2018)

5 – SPIDER-MAN: UN NUEVO UNIVERSO (Spider-Man: Into the Spider-Verse, Bob Persichetti, Peter Ramsey, Rodney Rothman,2018)

 

LAS DIEZ  INTERNACIONALES

1 – CALL ME BY YOUR NAME (Luca Guadagnino, 2017)

2 – UNDER THE SILVER LAKE (David Robert Mitchell, 2018)

3 – VIUDAS (Widows, Steve McQueen, 2018)

4 – EL REVERENDO (First Reformed, Paul Schrader, 2017)

5 – THE FLORIDA PROJECT (Sean Baker, 2017)

6 – SIN AMOR (NelyubovAndrey Zvyagintsev, 2017)

7 – FUGA (Fugue, Agnieszka Smoczynska, 2018)

8 – BRIGSBY BEAR (Dave McCary, 2017)

9 – LORDS OF KAOS (Jonas Åkerlund, 2018)

10- ALMA MATER (Insyriated, Philippe Van Leeuw, 2017)

 

LAS CINCO ESPAÑOLAS

1 – EL ÁNGEL (Luis Ortega, 2018, Arg/Esp)

2 – ÁNIMAS (Laura Alvea y José F. Ortuño, 2018)

3 – LA SOMBRA DE LA LEY (Dani de la Torre, 2018)

4 – 70 BINLADENS (Koldo Serra, 2018)

5 – ENTRE DOS AGUAS (Isaki Lacuesta, 2018)

 

LOS CINCO DOCUMENTALES 

1 – OBSCURO BARROCO (Evangelia Kranioti, 2018)

2 – FAHRENHEIT 11/9 (Michael Moore, 2018)

3 – DINA (Antonio Santini, Dan Sickles, 2017)

4 – VIDA Y MUERTE DE UN ARQUITECTO (Miguel Eek, 2017)

5 – THE WORK (Jairus McLeary, Gethin Aldous, 2017)

Y FINALMENTE: EL PODIUM 2018

1 –LA FORMA DEL AGUA

2 –ISLA DE PERROS 

3 –UNDER THE SILVER LAKE

VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 21 de diciembre de 2018 *

21 diciembre 2018 Deja un comentario

AQUAMAN (James Wan, 2018)

USA. Duración: 139 min. Guion: David Leslie Johnson-McGoldrick, Will Beall (Historia: Geoff Johns, James Wan, Will Beall. Personaje: Paul Norris, Mort Weisinger) Música: Rupert Gregson-Williams Fotografía: Don Burgess Productora: DC Comics / DC Entertainment / Warner Bros. Género: Fantástico

Reparto: Jason Momoa, Amber Heard, Patrick Wilson, Willem Dafoe, Nicole Kidman,Yahya Abdul-Mateen II, Temuera Morrison, Dolph Lundgren, Michael Beach,Ludi Lin, Graham McTavish, Patrick Cox, Randall Park, Djimon Hounsou,Leigh Whannell, Sophia Forrest, Natalia Safran, Tahlia Jade Holt

Sinopsis: Cuando Arthur Curry (Jason Momoa) descubre que es mitad humano y mitad atlante, emprenderá el viaje de su vida en esta aventura no sólo le obligará a enfrentarse a quién es en realidad, sino también a descubrir si es digno de cumplir con su destino: ser rey, y convertirse en Aquaman.

(LEER RESEÑA AQUÍ)

EL REGRESO DE MARY POPPINS (Mary Poppins Returns, Rob Marshall, 2018)

USA. Duración: 130 min. Guion: David Magee (Libro: P.L. Travers) Música: Marc Shaiman, Scott Wittman Fotografía: Dion Beebe Productora: Walt Disney Pictures / Lucamar Productions / Marc Platt Productions Género: Comedia musical.

Reparto: Emily Blunt, Lin-Manuel Miranda, Ben Whishaw, Emily Mortimer, Julie Walters,Dick Van Dyke, Angela Lansbury, Colin Firth, Meryl Streep, Pixie Davies,Jeremy Swift, Kobna Holdbrook-Smith, Christian Dixon, Craig Stein, David Warner,Jim Norton, Bernardo Santos, Bern Collaco, Ian Conningham

Sinopsis: Mary Poppins (Emily Blunt) es la niñera casi perfecta, con unas extraordinarias habilidades mágicas para convertir una tarea rutinaria en una aventura inolvidable y fantástica. En esta nueva secuela, vuelve para ayudar a la siguiente generación de la familia Banks a encontrar la alegría y la magia que faltan en sus vidas después de una trágica pérdida personal. La niñera viene acompañada de su amigo Jack (Lin-Manuel Miranda), un optimista farolero que ayuda a llevar la luz -y la vida- a las calles de Londres.

¿Quien podría haber imaginado que más de cincuenta años después Walt Disney iba a recuperar a Mary Poppins? pues así ha sido y no con un remake, sino con una secuela que recupera a los personajes originales años después de la acción que se desarrolla en el filme del 64. El regreso de Mary Poppins trae de vuelta a unos hermanos Banks ya mayores, ejerciendo de treintañeros, viudo él y con dos hijos a su cargo y sindicalista ella, un poco cabeza loca y todos viviendo en el hogar paterno, amenazado por el villano, el maligno propietario del banco (Colin Firth). También, para que no se eche nada en falta, tendremos al hijo de aquel deshollinador que interpretara Dick Van Dyke en el film original, en este caso ejerciendo de simpático farolero.

¿El resultado? Pues ciento treinta minutos de puro espectáculo en el que predomina la música, la emoción, la diversión y, sobre todo, la magia. No desmerece en absoluto del filme original y como buena película destinada a toda la familia, se incluyen algunos guiños a los espectadores más veteranos en forma de actores invitados.

Un triunfal retorno a aquel mundo de música y fantasía que hizo las delicias de los niños de entonces y un canto para que no olviden nunca aquella ilusión infantil.

SOBRE RUEDAS (Tout le monde debout, Franck Dubosc, 2018

FRA. Duración: 107 min. Guion: Franck Dubosc Música: Sylvain Goldberg, Emilien Levistre, Xiaoxi Levistre Fotografía: Ludovic Colbeau-Justin Productora: Gaumont International Television / Umedia Género: Comedia
Reparto: Franck Dubosc, Alexandra Lamy, Elsa Zylberstein, Gérard Darmon,Caroline Anglade, Laurent Bateau, Claude Brasseur, François-Xavier Demaison
Sinopsis: Un exitoso empresario, ligón y mentiroso compulsivo, simula necesitar silla de ruedas para seducir a una joven. Todo su plan dará un vuelco cuando conoce a la hermana de ésta, que también va en silla de ruedas.
Esta comedia francesa, escrita, dirigida y protagonizada por Franck Dubosc (Barbacoa de amigos), junto a la actriz Alexandra Lamy (Vuelta a casa de mi madre, Historia de una indecisa) posee, sin ningún género de duda, un buen fondo y buenas intenciones, pero estas no acaba de cuadrar en el resultado, algo de lo que en parte pueden tener cierta culpa sus protagonistas, pues en ningún momento consiguen que el espectador empatice con ellos.
El mezquino y antipático personaje que encarna Dubosc no convence a pesar de su redención final y la súper-parapléjica de Lamy resulta tan irreal como falta de gracia. Y con todo es la mejor de ambos.
Esta comedia romántica cuenta también con las actuaciones de Elsa Zylberstein Gérard Darmon (“Astérix y Obélix: Misión Cleopatra”), que intentan añadir algo de humanidad a la historia.
Pero esto no deja de ser una  opinión personal, visto el éxito que ha obtenido la cinta, no solo en Francia, donde ha sido vista por más de 2,4 millones de espectadores, sino también en el resto del globo, donde ha sido una de las película francesas de mayor éxito durante este año.

PERDIDOS EN PARÍS (Paris pieds nus, Dominique Abel, Fiona Gordon, 2017)

FRA/BEL. Duración: 83 min. Guión: Dominique Abel, Fiona Gordon. Fotografía: Claire Childéric y Jean-Christophe Leforestier Montaje: Sandrine Deegen. Producción: Christie Molia, Charles Gillibert, Dominique Abel, Fiona Gordon Género: Comedia.

Sinopsis: Fiona, una bibliotecaria de Canadá, llega a París para ayudar a su tía Martha, amenazada con ser internada en una residencia de ancianos. Fiona pierde su equipaje y además descubre que Martha ha desaparecido. Es el comienzo de una cadena de alocados enredos, que le harán cruzarse en el camino con Dom, un vagabundo egoísta y presumido, con quien surge un extraño encanto en la Ciudad de la Luz.

Pérdidos en París en una comedia de situaciones, pero sobre todo de personajes, protagonizada por tres locos que evolucionan descalzos con París como fondo (de ahí su título original, Paris pieds nus), paseándonos por los márgenes de la Ciudad Luz para mostrarnos lo esencial de la vida. Un escenario perfecto para esta fábula deliciosa, original, tierna, colorista y trepidante, protagonizada, escrita y dirigida por el dúo burlesco Abel & GordonDominique Abel y Fiona Gordon. En su cuarto largometraje, tras El iceberg (L’iceberg)Rumba y El hada (La fée), en este himno a la libertad y al amor combinan humor poético y bufo, teatro gestual y comedia slapstick. Una verdadera oda al cine de Charles Chaplin y Jacques Tati, con geniales personajes, en situaciones delirantes y  divertidas. A la pareja protagonista, se unen dos leyendas del cine francés: Emmanuelle Riva (nominada al Oscar© por Amor), en su última interpretación en el cine, y Pierre Richard (La cabra).

Un remanso de cine que devuelve al espectador a la era del slapstick. Una delicia que merece un destacado espacio entre la abultada cartelera de estrenos.

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Aquaman: Space Opera submarina

20 diciembre 2018 Deja un comentario

AQUAMAN (James Wan, 2018)

USA. Duración: 139 min. Guion: David Leslie Johnson-McGoldrick, Will Beall (Historia: Geoff Johns, James Wan, Will Beall. Personaje: Paul Norris, Mort Weisinger) Música: Rupert Gregson-Williams Fotografía: Don Burgess Productora: DC Comics / DC Entertainment / Warner Bros. Género: Fantástico

Reparto: Jason Momoa, Amber Heard, Patrick Wilson, Willem Dafoe, Nicole Kidman,Yahya Abdul-Mateen II, Temuera Morrison, Dolph Lundgren, Michael Beach,Ludi Lin, Graham McTavish, Patrick Cox, Randall Park, Djimon Hounsou,Leigh Whannell, Sophia Forrest, Natalia Safran, Tahlia Jade Holt

Sinopsis: Cuando Arthur Curry (Jason Momoa) descubre que es mitad humano y mitad atlante, emprenderá el viaje de su vida en esta aventura no sólo le obligará a enfrentarse a quién es en realidad, sino también a descubrir si es digno de cumplir con su destino: ser rey, y convertirse en Aquaman.

El punto de partida de este nuevo eslabón del universo DC es una cita de Julio Verne, que viene muy a cuento de lo que la película de James Wan pretende: maravillar. Y si bien el arranque no resulta muy brillante, progresivamente va tomando carrerilla abriendo un tarro de esencias que contiene referencias a las leyendas Artúricas, la búsqueda del vellocino de oro e incluso a las criaturas del profundo abismo lovecraftiano.  El mismo lugar en el que se desarrollará la mayor parte de la acción es otro lugar de leyenda, Atlantis, que no es otra cosa que la mítica Atlántida, el continente perdido, en el que tendrán lugar las más fascinantes escenas del filme, con unas luchas submarinas que convertirán la acción de Aquaman en toda una Space Opera, que se desarrollará entre ciudades en ruinas y civilizaciones futuristas.

Durante las casi dos horas y media de metraje del filme, resultará imposible abandonar la butaca para aliviar la vejiga pues entre lucha y lucha, el espectador será informado del pasado del protagonista y de los planes de su pérfido hermanastro, que harán que Aquaman tenga que ocupar su lugar como rey de Atlantis, no sin antes tener que encontrar un tridente mágico destinado a ser manejado  tan solo por el heredero al trono. Esta búsqueda representará todo un viaje iniciático durante el cual luchará con seres de las profundidades, dioses a los cuales los Atlantes rinden sacrificio e incluso viajará al núcleo de la Tierra, donde tendremos todo un universo pulp al gusto de E. R. Burroughs ¿Qué más puede pedirse a una película de aventuras? Un consejo: no se pierdan la magnífica lucha en los tejados de Sicilia, repleta de dolorosos trompazos.

Pues bien, a esto cabe añadir atractivos personajes, entre los que destaca su protagonista, Aquaman, que lejos de ser aquel personaje en pijama de los cómics de antaño, es un simpático pendenciero con aspecto de biker al que uno se imagina cerrando tascas con Logan y Thor. Y lo de Thor no es gratuito, pues tanto la ciudad, Atlantis, como el antagonismo entre hermanastros tienen muchos puntos en común con Asgard y las luchas por el poder entre Thor y Loki. Jason Momoa es un perfecto Aquaman, como también están magníficos Amber Heard como Mera y Patrick Wilson (el Ed Warren de la saga The Conjuring) como Orm, hermanastro de Aquaman. También es bienvenida la participación de Willem Dafoe como Vulko, maestro del protagonista y Dolph Lundgren como el Rey Nereus. Y dejamos para el final a  Nicole Kidman, fabulosa como Atlana, reina de Atlantis y madre de Orm y Aquaman.

A todo esto hay que sumar el factor ecologista, que denuncia el trato que damos a los mares mostrando en diversas ocasiones unos fondos marinos repletos de residuos generados por los habitantes de la superficie. Todo esto en una película que es puro divertimento. Unas veces fascinante; otras rozando el ridículo, pero siempre entretenida y abierta a maravillar al espectador que sabe lo que va a ver: una película de aventuras.

 

Americana 2019 is coming: primeras confirmaciones

19 diciembre 2018 Deja un comentario

Del 5 al 10 de marzo vuelve Americana, el Festival de Cine Independiente Norteamericano de Barcelona, ​​el único festival de cine especializado en cine indie del país, una muestra de las producciones independientes más destacadas de la temporada.

Como viene siendo habitual en estas fechas, Americana os trae una oferta navideña por un tiempo limitado. Hasta el 7 de enero puedes conseguir un abono de 6 películas a un precio excepcional de 25 euros. Una vez pasada esta oferta, el precio del abono será de 30 euros. Este abono permite el acceso a seis sesiones del festival y es compartible, es decir, puede cambiar más de una entrada por sesión para disfrutar en la mejor compañía. Una de las novedades de este año es que todas las gestiones relativas a este abono serán online, así facilitamos la reserva de tus entradas y tenemos un poco más de cuidado con el medio ambiente.

Damsel de David Zellner y Nathan Zellner

El cine de los hermanos Zellner ya estuvo presente en Americana durante su segunda edición con la aclamada Kumiko, the Treasure Hunter. En esta próxima edición podremos descubrir Damsel, un western protagonizado por Mia Wasikowska y Robert Pattinson que nos transportará a la aventura surrealista de sus antiheroicos personajes.

We the Animals de Jeremiah Zagar

La ganadora del premio especial del jurado en Sundance Next por su innovación trata la diversidad a través de la visión de un niño y sus hermanos que viven en un entorno familiar muy inestable. Una película con una sensibilidad artística sorprendente que ha conseguido 5 nominaciones en los Independent Spirit.

Más información y compra de abonos AQUI

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