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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 5 de abril de 2019 *
ASHER (Michael Caton-Jones, 2018)
USA. Duración:105 min. Guion: Jay Zaretsky Música: Simon Boswell Fotografía: Denis Crossan Productora: Wing and a Prayer Pictures / Mensch Productions. Productor: Ron Perlman Género: Drama
Reparto: Ron Perlman, Famke Janssen, Richard Dreyfuss, Peter Facinelli, Jacqueline Bisset, Guy Burnet, Marta Milans, Jay Hieron, Blake Perlman, David Wohl, Micah Hauptman, Wyatt Lozano, Bobby Daniel Rodriguez, William Perry,Charles DelGatto, Heidi Philipsen, Timothy Patrick Klein, Mark Quiles
Sinopsis: Asher es un antiguo miembro del Mossad reconvertido en asesino a sueldo que vive una vida austera en Brooklyn. A punto de llegar al final de su carrera, y posiblemente al final de su vida, acepta un encargo que le ofrece la posibilidad de redimirse, una última oportunidad para dejar atrás al hombre que ha sido para convertirse en el hombre que alguna vez quiso ser.
A Contracorriente Films estrena en nuestras pantallas Asher, cinta que pudimos ver durante el pasado Festival de Sitges, donde tuvo su première mundial. Producida y protagonizada por el conocido actor Ron Perlman («Hellboy», «El nombre de la rosa») y dirigida por Michael Caton-Jones, este filme cuenta, además de con Perlman, con un brillante reparto formado por Framke Janssen (la Jean Grey de los X-Men de Bryan Singer), Richard Dreyfuss y Jacqueline Bisset, además de una eficaz banda sonora de Simon Boswell.
Con estos mimbres podía haberse esperado más de este modesto thriller, aunque también es posible que el Festival de Sitges no fuera el marco más indicado para esta película, pero en todo caso se trata de una agradable producción con un Perlman encarnando a un sicario crepuscular con pocos vicios más allá de una buena copa de vino y sacar lustre a sus zapatos, rol que le sienta al actor como anillo al dedo.
CEMENTERIO DE ANIMALES (Pet Sematary, Dennis Widmyer y Kevin Kolsch, 2019)
USA. Duración: 120 min. Guion: Dave Kajganich, Jeff Buhler (Novela: Stephen King) Fotografía: Laurie Rose Productora: Alphaville Films / Paramount Pictures Género: Terror
Reparto: Jason Clarke, John Lithgow, Amy Seimetz, Jeté Laurence, Hugo Lavoie,Lucas Lavoie
Sinopsis: Narra la historia del doctor Louis Creed (Jason Clarke), que al poco de mudarse con su esposa Rachel (Amy Seimetz) y sus dos hijos pequeños desde Boston a un recóndito paraje de Maine, descubre un misterioso cementerio escondido en lo más impenetrable del bosque, a escasa distancia del nuevo hogar familiar. Cuando la tragedia alcanza a la familia, Louis recurre a su peculiar vecino, Jud Crandall (John Lithgow) provocando una peligrosa reacción en cadena que desata una insondable fuerza maléfica con espantosas consecuencias.
Dennis Widmyer y Kevin Kolsch, dirigen y firman el guión junto a Jeff Buhler de esta modélica adaptación de una de las más importantes novelas del último maestro de la literatura de terror. Partiendo de premisas ya presentes en el cuento de W. W. Jacobs, The Monkey’s Paw (1902), la novela de Stephen King medita sobre el miedo a la muerte y el temor a perder a nuestros seres queridos. Cementerio de animales, publicada en 1983, conoció una pronta adaptación tan solo seis años después, Cementerio viviente (1989), que dirigió Mary Lambert responsable asimismo de una secuela estrenada en 1992. Si la versión de Lambert ya había conseguido transformar en imágenes lo que miles de lectores habíamos visualizado, no lo hacen peor Widmyer y Kolsch en su adaptación, pues han sabido captar la esencia de la obra construyendo una magnífica y atmosférica película en gran parte, por lo menos en su primera hora, muy respetuosa con la novela del escritor de Maine.
Cementerio de Animales nos propone una nueva incursión en el universo del escritor, revisando de nuevo los miedos de la infancia, especialmente a la muerte con un descenso a los infiernos de la fe en el cual todos sus protagonistas deberán enfrentarse a sus demonios privados.
Protagonizada por Jason Clarke, John Lithgow y Amy Seimetza, la película cuenta con bien medidos sobresaltos, poniendo además un especial cuidado en los efectos sonoros, inquietantes e imprescindibles para construir esta atmosférica historia, lo que se completa con una maravillosa banda sonora de Christopher Young que ya vale su peso en oro.
La historia, bien conocida por los aficionados, está fielmente narrada, aunque el total de la trama se desarrolla prácticamente durante la primera hora. De hecho, todo sucede tan rápido que durante el resto de metraje nos aguardará un largo clímax, con algunas imágenes realmente memorables, juegos ingeniosos con el espectador más connoisseur y unos giros inesperados que podrán sorprender. Algunos respetuosos y otros… menos, pues es en la conclusión donde pensamos que se han tomado los adaptadores más libertades rompiendo el impecable final de la novela original. A pesar de todo lo cual y en promedio, sigue resultando una propuesta interesante, con más virtudes que errores, pero que será mejor juzguen ustedes mismos.
7 RAZONES PARA HUIR (7 raons per fugir, Gerard Quinto, Esteve Soler y David Torras, 2019)
ESP. Duración: 75 min. Guion: Esteve Soler Fotografía: Gabriel Campoy Productora: No Hay Banda / Producciones del Interior AIE Género: Comedia
Reparto: Emma Suárez, Lola Dueñas, Sergi López, Francesc Orella, Àlex Brendemühl,David Verdaguer, Jordi Sánchez, Alain Hernández, Manolo Solo, Nuria Gago,Aina Clotet, Pepe Viyuela, Vicky Peña, Pol López, Borja Espinosa, Ramón Fontserè,Àgata Roca, Rosa Cadafalch, Albert Ribalta
7 razones para huir es una película que básicamente une siete cortometrajes, siete buenas y no tan buenas historias, algunas divertidas y otras menos, todas surrealistas y con altas dosis de absurdo, muchas cercanas al espíritu desconcertante de los relatos breves de Dino Buzzati. Siete porciones de humor negro escritas por Esteve Soler y dirigidas por el propio Soler, Gerard Quinto y David Torras.
Su comienzo es ejemplar y ¡noticia! hay títulos de crédito y muy cuidados, pero después, como toda película de episodios, tiene unos más inspirados que otros. Afortunadamente, las risas vuelven con la última historia. ¿Qué le falta para estar a la altura de, por ejemplo, Relatos salvajes? Pues bastante más mala leche y espíritu transgresor, dicho lo cual, no queremos decir que no sea una labor loable, y más habiendo contado con la participación de un elenco más que agradecido en el que figuran nombres como Emma Suárez, Lola Dueñas, Sergi López, David Verdaguer, Jordi Sánchez, Pepe Viyuela, Francesc Orella, Alex Brendemühl o Vicky Peña, entre muchos otros, y un diseño de producción delicioso, que satura de detalles bizarros los interiores que retrata.
La película tuvo su estreno mundial en South by Southwest (SXSW), de Austin (Texas) y su estreno español en el Festival de Málaga. Próximamente participará también en el BIFFF (Festival Internacional de Cine Fantástico de Bruselas)
¡SHAZAM! (Shazam!, David F. Sandberg, 2019)
USA. Duración: 132 min. Guion: Henry Gayden, C.C. Beck, Bill Parker (Historia: Henry Gayden, Darren Lemke) Música: Benjamin Wallfisch Fotografía: Maxime Alexandre Productora: Warner Bros. / DC Entertainment / DC Comics / New Line Cinema Género: Fantástico
Reparto: Zachary Levi, Jack Dylan Grazer, Mark Strong, Asher Angel, Grace Fulton,David J. MacNeil, Michelle Borth, Djimon Hounsou, Adam Brody, Ross Butler,Natalia Safran, Marta Milans, D.J. Cotrona, Ian Chen, Cassandra Ebner
Sinopsis: Cuando Billy Batson (Angel), un niño de acogida de 14 años que ha crecido en las calles grita la palabra ¡’SHAZAM!’, se convierte en el Superhéroe adulto Shazam (Levi), por cortesía de un antiguo mago. Dentro de un cuerpo digno de un dios, Shazam esconde un corazón de niño. Pero en esta versión adulta de sí mismo, se lo pasa en grande haciendo lo que cualquier adolescente querría hacer si tuviera superpoderes: ¡Divertirse con ellos! ¡Volar! ¡Tener visión de rayos X! ¡Disparar un rayo con las manos! Y por qué no, ¡saltarse el examen de sociales! Shazam quiere poner a prueba los límites de sus habilidades con la inconsciencia propia de un niño. Pero necesitará dominar rápidamente esos poderes para luchar contra las letales fuerzas del mal que controla el Dr. Thaddeus Sivana (Strong).
Bill Parker y C. C. Beck crearon en 1939 al Capitán Marvel, superhéroe que es el alter ego de Billy Batson, un niño que, al pronunciar la palabra mágica «Shazam» (Acrónimo de seis «ancianosinmortales»:Salomón, Hércules, Atlas, Zeus, Aquilesy Mercurio), puede transformarse en un adulto disfrazado con los poderes de fuerza sobrehumana, velocidad, vuelo y otras habilidades. El personaje conoció un éxito incluso mayor que el de Superman, posiblemente por los dibujos paródicos de Beck y los argumentos desenfadados de Parker. Big Red Cheese, como fue conocido también el Capitan Marvel, se expandió en la Familia Marvel, Mary Marvel y Capitán Marvel Jr., que también aprovechan los poderes de Billy.
Pero el olvidado Capitán Marvel fue también el primer cómic de superhéroes en ser adaptado en el cine, concretamente en un serial de episodios en 1941 producido por la Republic titulado Las aventuras del Capitán Marvel, que en la postguerra se llegó a estrenar en nuestros cines e incluso protagonizó una colección de cromos, haciendo las delicias de nuestros padres que lo conocieron como Capitán Maravillas. El cómic dejó de publicarse en 1953 y cuando DC compró los derechos del mismo en 1972, tuvo que cambiar su nombre a ¡Shazam!, pues Marvel, la competencia, había creado un nuevo personaje con ese nombre tomándose la molestia de hacer algo que no hicieron en su momentos Parker y Beck, registrarlo.
Ahora ¡Shazam! vuelve a las pantallas y lo hace de una forma harto ingeniosa, pues si bien al pronunciar la palabra mágica se transforma en adulto, este conserva la mente de chico de 14 años que aloja al superhéroe. Todo lo cual dará pié a situaciones de lo más divertidas, convirtiendo este producto en algo más que otra película más del universo DC y ofreciendo un magnífico entretenimiento para toda la familia, pues ha sabido conservar gran parte del humor del personaje original y otros elementos como la familia Marvel. Y precisamente la familia es el tema central de la película, pues nos muestra como la falta de cariño puede convertir a un niño en malvado, pero también en el merecedor de unos poderes destinados tan solo al más limpio de corazón.
David F. Sandberg, director también de Annabelle: Creation, se permite una broma privada al incluir la diabólica muñeca en la película (búsquenla). Para está producción New Line Cinema ha contado como protagonista con Zachary Levi, que consigue hacernos creer que dentro de él hay un niño de 14 años. Otros de sus protagonistas son Asher Angel como Billy Batson, y Mark Strong en el papel del Supervillano Dr. Thaddeus Sivana.
Pongan a Big Red Cheese en sus vidas: no se aburrirán. Y permanezcan atentos, pues hay DOS escenas post-créditos. Avisados están.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 29 de marzo *
DUMBO (Tim Burton, 2019)
Reparto: Colin Farrell, Michael Keaton, Danny DeVito, Eva Green, Alan Arkin, Nico Parker,Finley Hobbins, Deobia Oparei, Joseph Gatt, Sharon Rooney, Michael Buffer,Frank Bourke, Jo Osmond, Douglas Reith, Roshan Seth, Philip Rosch, Lucy DeVito, Sandy Martin, Lars Eidinger, Zoe Scott, Bern Collaco, Zak Holland, Bernardo Santos,Sarah Bennani, Jessie Vinning, Joakim Skarli, Richard Price, Erick Hayden,Amerjit Deu, Harry Taylor, Ian Porter, Phil Zimmerman, Eleanor Ham, Philips Nortey,Alfie Allen, Clive Brunt, Nick Bartlett, Jason Shillingford, Arthur Wilde,Ragevan Vasan, Joseph Macnab, Christian Wolf-La’Moy, Matthew David McCarthy,Chris Rogers, Craig Thomas Lambert, Ndongo Faye, Jackson Kai, Stephen Samson,Mickey Lewis, Tim Ingall, Georgie-May Tearle, Ken Byrd, Scott Haney, Mark Cross,Tomasz Dabrowski, Kamil Lemieszewski, Hugh O’Brien, Stuart Whelan
Sinopsis: Holt Farrier (Colin Farrel) cuenta con la ayuda de sus hijos Milly (Nico Parker) y Joe (Finley Hobbins) para cuidar a un elefante recién nacido cuyas orejas gigantes le hacer ser el hazmereír en un Circo que no pasa por su mejor momento. Max Medici (Danny DeVito) dueño del circo, se decepciona al saber sobre las enormes orejas del pequeño paquidermo hasta que descubre que es capaz de volar, llevando al circo de regreso a la prosperidad.
No resulta muy difícil imaginar al pequeño Tim impresionado y horrorizado a la vez ante la pesadilla onírica del Dumbo original, así que antes de entrar a ver la nueva encarnación cinematográfica del popular paquidermo, fantaseo sobre cómo introducirá y recreará esa escena en su versión. O incluso si basará toda su película en esa visión de pesadilla.
Lo que es seguro es que, de todas las recreaciones cárnico-digitales con las que Disney está dotando de nueva vida a sus antiguas cintas de animación, esta será, sin lugar a duda, la más personal, pues une el rico universo Disney y el imaginario propio del director.
Y es que Tim Burton se mueve de maravilla en el mundo kitsch y decadente del circo, habitado por payasos de pesadilla, hombres bala y fenómenos de feria políticamente correctos. La única adaptación que quizás hubiera también encajado como un guante al director hubiera sido Pinocho, pero le hubiera resultado difícil superar aquella terrorífica serie italiana de imagen real que dirigió Luigi Comencini en 1972 y que pobló de pesadillas los sueños de muchos de aquellos niños que la ‘disfrutaron’, entre los que me cuento.
Tim Burton retrata magníficamente la sordidez y decadencia del pequeño circo en el que se desarrolla la acción, situándola al final de la Gran Guerra. Un pequeño universo que también es una hermandad que ejercerá de gran familia. Allí la diferencia pasará más desapercibida y Dumbo, con sus enormes orejas, será uno más, lo que representará el primero, y no será el último, de los alegatos positivos, en este caso a favor de la inclusión del diferente. Otros valores que el film de Burton refiere incluirán el ecologismo, el animalismo, el empoderamiento femenino, simbolizado en la hija del protagonista, y de paso endiñará un importante puyazo al capitalismo representado, paradójicamente viniendo de Disney, en Dreamland, un enorme parque temático creado para enriquecerse mediante los niños, con todo tipo de atracciones y mercadotecnia.
Pero no todo son alegatos, Dumbo es una película muy entretenida y divertida, emocionante a veces y magníficamente narrada que encantará a los más pequeños, pues ha sido también liberada de los momentos más dramáticos de la versión del 41. Afortunadamente, como aquella, este nuevo Dumbo no tiene canciones, pero sí una estupenda banda sonora del habitual Danny Elfman que recuerda, eso sí, en algunos momentos a la de Eduardo Manostijeras (Edward Scissorhands, 1990), también para Burton.
Protagonizada por Colin Farrell y los dos pequeños actores que interpretan a sus hijos, Nico Parker, Finley Hobbins, Dumbo cuenta también con la presencia de la magnética Eva Green, cuyo vestuario y maquillaje la convierten en imágenes de Alfons Mucha en movimiento, y el reencuentro de dos viejos amigos y colaboradores de Burton, Michael Keaton y Danny DeVito, a los que será delicioso ver juntos de nuevo.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 22 de marzo de 2019 *
DOLOR Y GLORIA (Pedro Almodóvar, 2019)
Reparto: Antonio Banderas, Asier Etxeandia, Penélope Cruz, Leonardo Sbaraglia,Raúl Arévalo, Julieta Serrano, Nora Navas, Neus Alborch, Rosalía, Cecilia Roth,Susi Sánchez, Eva Martín, Julián López, Paqui Horcajo
Sinopsis: «Dolor y Gloria» narra una serie de reencuentros de Salvador Mallo (Antonio Banderas), un director de cine en su ocaso. Algunos de ellos físicos, otros recordados: su infancia en los años 60, cuando emigró con sus padres a Paterna, un pueblo de Valencia en busca de prosperidad, el primer deseo, su primer amor adulto ya en el Madrid de los 80, el dolor de la ruptura de este amor cuando todavía estaba vivo y palpitante, la escritura como única terapia para olvidar lo inolvidable, el temprano descubrimiento del cine y el vacío, el inconmensurable vacío ante la imposibilidad de seguir rodando. En la recuperación de su pasado, Salvador encuentra la necesidad urgente de narrarlo y en esa necesidad encuentra también su salvación.
El último Almodóvar convencerá incluso a los más aguerridos enemigos del cine del manchego. Dolor y gloria muestra al Almodóvar más contenido narrando, con ayuda de flashbacks introducidos de manera ejemplar, un relato con muchos puntos autobiográficos excelentemente interpretado por Antonio Banderas, que en su papel de director de cine en decadencia, no duda en adoptar algunos de los tics del director. La «colaboración especial» de Penélope Cruz se extenderá hasta componer uno de los más importantes personajes del filme, y lo hará de manera magistral. Pero es que todos los actores están magníficos, así como el ritmo, los diálogos y en general todos los aspectos formales de este filme, uno de los más maduros y redondos del director y en el que demostrará que todavía está incluso abierto a la experimentación, como demuestra la lección de anatomía, un segmento animado que en manos más torpes hubiera podido hacer decaer el interés, al igual que la interpolación de la sintaxis teatral en una de las escenas cumbres del relato.
En la cinta está todo lo que define al cine del manchego imperando esos colores primarios entre los que destaca el rojo, que siempre han dominado su paleta cromática, no falta su característica decoración que flota entre el pop estiloso y el kitsch, ni los perfectos retratos costumbristas que casan como un guante con el pasado evocado por el protagonista. El pulso de Almodóvar no se mostraba tan firme y acertado desde Volver.
Drama y comedia (al igual que en la vida misma) y realidad y ficción (como nuestra memoria gusta de combinar), se darán cita en este guión original del director, que invita al espectador a poner nombre real a los personajes, algunos claramente inspirados en actores que en el pasado trabajaron con el realizador. Evocadora, reflexiva y sincera.
BEL CANTO. LA ÚLTIMA FUNCIÓN (Paul Weitz, 2018)
USA. Duración: 102 min. Guion: Anthony Weintraub, Paul Weitz (Novela: Ann Patchett) Música: David Majzlin Fotografía: Tobias Datum Productora: A-Line Pictures / Depth of Field / Priority Pictures. Distribuida por: Screen Media Films Género: Drama
Reparto: Julianne Moore, Ken Watanabe, Christopher Lambert, Sebastian Koch,Thorbjørn Harr, Olek Krupa, Elsa Zylberstein, Johnny Ortiz, Tenoch Huerta,Ryo Kase, María Mercedes Coroy, Eddie Martinez, Eliud Kauffman, Melissa Navia,Bobby Daniel Rodriguez
Sinopsis: Roxanne Coss (Julianne Moore), una famosa soprano, viaja a un país de Sudamérica que permanece bajo una dictadura militar, para dar un concierto privado en una fiesta de un rico industrial japonés (Ken Watanabe). Cuando la reunión de diplomáticos y políticos se celebra, la mansión es tomada por un grupo rebelde guerrillero que exige la liberación de sus compañeros encarcelados. Mientras permanecen secuestrados en la casa, rehenes y captores se verán obligados a encontrar la forma de entenderse.
Posiblemente esta historia funcione mucho mejor en su formato escrito original que en su traslación a la pantalla, donde su resultado es poco o nada convincente.
Y es que aunque la tesis que pretende defender Bel Canto es más que loable, la manera de retratarla se acerca en algunos momentos al ridículo. Un ridículo que va en aumento y que alcanza su máxima expresión en el tercer acto cuando surja la complicidad entre captores y cautivos. Unas escenas descabelladas y desarrolladas con tal torpeza que, lejos de conseguir que empaticemos con ese grupo de secuestrados afectados por el síndrome de Estocolmo, conseguirá que nos invada una incómoda vergüenza ajena.
Y eso que el director Paul Weitz ha contado con la participación de actores de eficacia más que contrastada como Julianne Moore y Ken Watanabe, pero ni con esas. De hecho duele ver a la actriz tan desganada y poco convincente en su papel. Completan el reparto un acartonado Christopher Lambert, Sebastian Koch, Ryo Kase y Tenoch Huerta.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 15 de marzo de 2019 *
MIRAI, MI HERMANA PEQUEÑA (Mirai, Mamoru Hosoda, 2018)
Japón. Duración: 100 min. Guion: Mamoru Hosoda: Música: Takagi Masakatsu Productora: Studio Chizu Género: Drama
Sinopsis: Kun, un niño mimado y consentido de cuatro años al que sus padres dejan de prestar atención cuando nace su hermana Mirai, empieza a sufrir situaciones en casa que nunca había vivido. Pero entonces, la versión adolescente de su hermana viaja en el tiempo desde el futuro para vivir junto a Kun una aventura extraordinaria más allá de lo imaginable.
Si hay unos estudios de animación japonesa que pueden competir con los todopoderosos Ghibli de Hayao Miyazaki estos son los Chizu, fundados por Mamoru Hosoda, director y guionista de Mirai, mi hermana pequeña (Mirai, no Mirai), además de otras delicias como El niño y la bestia (Bakemono no ko, 2015) y La chica que saltaba a través del tiempo (Toki o kakeru shôjo, 2006). Y no solo por su magnífica animación, que dota de gran humanidad a los personajes que retrata, sino también por el humor y la sensibilidad que demuestra con un argumento tan eterno como es la llegada de un nuevo miembro a la familia.
El acontecimiento se mostrará principalmente desde la óptica del rey destronado, al que la llegada de una hermanita le hará pasar de la natural alegría inicial a los consabidos celos. Pero Hosoda también se detendrá en las repercusiones que tendrá en los padres, cuyos roles tendrán que diversificarse y los trabajos repartirse. Un periodo de adaptación que el director retratará de manera deliciosa, con mucho humor y fantasía mezclando pasado, presente y futuro.
Tras presentarse en la Quincena de Realizadores del pasado Festival de Cannes, ha recorrido prestigiosos festival como el de Annecy, San Sebastían y Sitges, en el que obtuvo el primer premio de la Sección Anima’t. La película ha sido nominada en la categoría de Mejor Película de Animación de los Oscar, los Globos de Oro y en los Critics’ Choice Awards, lo que confirma la buena acogida que ha tenido por parte de público, críticos y profesionales del sector.
ESCAPE ROOM (Adam Robitel, 2019)
USA. Duración: 99 min. Guion: Maria Melnik, Bragi F. Schut Música: John Carey, Brian Tyler Fotografía: Marc Spicer Productora: Original Film. Distribuida por: Columbia Pictures Género: Thriller
Reparto: Taylor Russell, Deborah Ann Woll, Logan Miller, Tyler Labine, Jay Ellis, Nik Dodani,Adam Robitel, Kenneth Fok, Jessica Sutton, Vere Tindale, Cornelius Geaney Jr.,Yorick Van Wageningen, Jamie-Lee Money, Paul Hampshire, Pete Sepenuk,Dan Gruenberg, Gino Lee, Russell Crous
Sinopsis: Seis desconocidos se encuentran en una habitación mortal en la que deberán usar su ingenio para sobrevivir.
Escape Room no es una propuesta demasiado original, pues bebe directamente de elementos pertenecientes a la saga Saw, a los que suma guiños a películas como Hellraiser y su cubo-puzzle. Pero no engaña a nadie. El espectador que vaya a ver Escape Room sabe perfectamente lo que se va a encontrar: acción sin respiro en un sala sin escape repleta de acertijos y trampas mortales. Un violento videojuego llevado a la vida real y un villano misterioso, cerebro en la sombra, el Dr. Wootan Yu. Una fórmula que, naturalmente, quedará abierta a posibles secuelas.
El único momento de respiro que se permite al espectador es cuando se introduce a los diferentes personajes: una tímida estudiante, un broker sin escrúpulos, una ex-militar… seis variopintos jugadores que tienen más en común de lo que aparentan y que deberán enfrentarse al pasado y luchar por su vida.
Tensión bien medida, con algunas escenas de quedarse sin uñas, en este divertimento especialmente indicado para los más jóvenes, que conocerán perfectamente la mecánica de esas Escape Rooms, que también comienzan a prosperar en nuestras ciudades.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 8 de marzo de 2019 *
70 BINLADENS (Koldo Serra, 2018)
ESP. Duración:100 min. Guion: Javier Félix Echániz, Asier Guerricaechevarría, Juan Antonio Gil Bengoa Productora: Sayaka Producciones Audiovisuales / Nahikari Ipiña / Pokeepsie Films / La Panda / Televisión Española (TVE) / ETB / Movistar+ Género: Thriller
Reparto: Emma Suárez, Nathalie Poza, Hugo Silva, Bárbara Goenaga, Daniel Pérez Prada
Sinopsis: Raquel (Emma Suárez) es una mujer con una complicada situación personal que le lleva a necesitar conseguir con urgencia, en 24 horas, 35.000 euros, conocidos coloquialmente como 70 binladens. Su última esperanza es un préstamo bancario. La irrupción de dos atracadores (Nathalie Poza y Hugo Silva) cuando está a punto de cerrar la transacción complica aún más su situación, pero Raquel sabe que no tiene otra opción que salir de allí con el dinero, al precio que sea.
Proyectada durante el Festival de Sitges dentro de la Sección Órbita, la nueva película de Koldo Serra (Guernika), 70 Binladens, es un tenso thriller que versa sobre un atraco en el que todo lo que podría salir mal, sale peor. Con toques de cine social, está protagonizado por Emma Suárez, tan profesional como siempre; Hugo Silva realizando una buena interpretación como atracador torpe y algo corto; y una magnífica Nathalie Poza que se los come a todos como enérgica líder del golpe. Serra añade también unas gotas de humor con el que aliviar la tensión, pero sin perder el ritmo en ningún momento.
LA NOCHE DEVORA EL MUNDO (La nuit a dévoré le monde, Dominique Rocher, 2018)
Francia. Duración: 93 min. Guion: Jérémie Guez, Guillaume Lemans, Dominique Rocher (Novela: Pit Agarmen) Fotografía: Jordane Chouzenoux Productora: Haut et Court Género: Terror
Reparto: Anders Danielsen Lie, Golshifteh Farahani, Denis Lavant, Sigrid Bouaziz
Sinopsis: Al despertarse una mañana, Sam se da cuenta de que está solo y de que las calles están plagadas de muertos vivientes. Aterrorizado, tendrá que protegerse y organizarse para seguir viviendo, sin saber siquiera si es el único superviviente de tan inesperada plaga.
¿Están hartos de las películas de zombies? Nosotros también. Sin embargo, nos gusta el enfoque que se les da en la francesa La nuit a dévoré le monde, de Dominique Rocher, un joven director que debuta en el largometraje con esta historia que, más que enlazada al tópico apocalipsis zombie, es cercana en espíritu a Soy leyenda de Richard Matheson. Protagonizada por el único sobreviviente que, enclaustrado en un edificio, deberá luchar por sobrevivir, protegerse de los muertos vivientes y combatir la terrible soledad. La cinta se recrea en la evolución que sufrirá el protagonista de esta historia de superación y supervivencia, pero para decirnos mucho sobre nosotros mismos, sobre el valor y el dolor de la soledad, sobre la necesidad de arriesgar y apostar por abandonar nuestra zona de confort si queremos tener la esperanza de completarnos en comunidad con el otro. La nuit a dévoré le monde parecerá repetitiva, casi aburrida, a quienes busquen pirotecnia fácil, pues es de esas cintas en las que parece no pasar apenas nada, pero eso es mera apariencia, en este viaje interior nada permanece quieto, no es un survival al uso, es una lectura humanista sobre los significados de sobrevivir.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 22 de febrero *
DESTROYER. UNA MUJER HERIDA (Destroyer, Karyn Kusama, 2018)
Sin lugar a duda Nicole Kidman realiza una brillante interpretación en Destroyer (obviemos, por favor, el título completo que se le ha dado en España por innecesario), encarnando a un personaje áspero, sin esperanza, condenado. Que buscará aliviar su sentimiento de culpa y hallar su redención cuando un peligroso criminal llamado Silas, regrese a las calles de la ciudad, y con él el momento de ajustar cuentas con su propio pasado.
Las historia, por la que circularán bandas de criminales, policías infiltrados, drogas y white trash, se iniciará en el presente y se irá reconstruyendo progresivamente mediante flashbacks, que informarán al espectador de los antecedentes que han llevado a los personajes a la situación en la que se encuentran 17 años después de los hechos.
Un thriller policíaco crepuscular que ha recibido grandes críticas tras su paso por los Festivales de Telluride y Toronto, en gran parte gracias a la interpretación de Nicole Kidman, que le valió ser nominada en la categoría de Mejor Actriz Protagonista en la 76ª edición de los Globos de Oro. Kidman está acompañada en el reparto por Sebastian Stan, conocido sobre todo por su papel de El Soldado de Invierno en las películas del Universo Marvel; y el británico Toby Kebbell («Kong: La isla calavera«, «El amanecer del Planeta de los Simios«), como el peligroso criminal Silas. Dirigida por Karyn Kusama, que dejó un gran sabor de boca con su anterior producción, The invitation (2015), pese que en Destroyer no consigue ofrecer un resultado tan redondo como en aquella, el espectador tendrá que estar bien atento hasta el final de la cinta, que le reservará alguna sorpresa.
¿PODRÁS PERDONARME ALGÚN DÍA? (Can You Ever Forgive Me?, Marielle Heller, 2018)
VAMOS DE ESTRENO (o no): * Viernes 15 de febrero de 2019 *
ALITA: ÁNGEL DE COMBATE (Alita, Battle Angel, Robert Rodríguez, 2019)
USA. Duración: 121 min. Guion: James Cameron, Laeta Kalogridis, Robert Rodriguez (Novela gráfica: Yukito Kishiro) Música: Junkie XL Fotografía: Bill Pope Productora: 20th Century Fox / Lightstorm Entertainment / Troublemaker Studios / TSG Entertainment. Productor: James Cameron Género: Ciencia ficción
Reparto: Rosa Salazar, Christoph Waltz, Jennifer Connelly, Jackie Earle Haley, Ed Skrein,Mahershala Ali, Lana Condor, Keean Johnson, Michelle Rodriguez,Jorge Lendeborg Jr., Eiza González, Leonard Wu, Elle LaMont, Marko Zaror,Jorge A. Jimenez, Derrick Gilbert, Billy Blair, Jeff Fahey, Casper Van Dien
Sinopsis: Cuando Alita (Rosa Salazar) se despierta sin recordar quién es en un mundo futuro que no reconoce, Ido (Christoph Waltz), un médico compasivo, se da cuenta de que en algún lugar de ese caparazón de cyborg abandonado, está el corazón y alma de una mujer joven con un pasado extraordinario. Mientras Alita toma las riendas de su nueva vida y aprende a adaptarse a las peligrosas calles de Iron City, Ido tratará de protegerla de su propio pasado, mientras que su nuevo amigo Hugo (Keean Johnson) se ofrecerá, en cambio, a ayudarla a desenterrar sus recuerdos. Cuando las fuerzas mortales y corruptas que manejan la ciudad comienzan a perseguir a Alita, ella descubre una pista crucial sobre su pasado: posee habilidades de combate únicas que los que ostentan el poder querrán controlar a toda costa. Sólo manteniéndose fuera de su alcance, podrá salvar a sus amigos, a su familia y el mundo que ha aprendido a amar. Remake del clásico anime de 1993 «Alita, Ángel del Combate».
Dejando aparte el que la cinta de Robert Rodríguez sea más o menos fiel al Manga de Yukito Kishiroen en el que se basa, Alita, Ángel de Combate es una película totalmente eficaz en su misión de entretener. Sus dos horas de duración pasan raudas, un visto y no visto, por lo absortos que nos deja, ya no solo por la medida acción que contienen, sino también por su capacidad de maravillar, ya sea por su magnífico diseño de producción, que deja ver el origen del director y de parte de los protagonistas del film, como de su falta de pretensiones más allá de evadir al espectador e introducirlo en ese desolado futuro en el que se desarrolla la acción.
Producida por James Cameron, que conoció el manga en el que se basa de la mano de su amigo Guillermo del Toro, que pensó que era el tipo de material que podría interesar al director de Avatar, Alita también es una historia de amor adolescente y de rebeldía, muy bien expresada por la protagonista, Rosa Salazar, que ha ejercido, cual Andy Serkis, de parte humana en la sombra del personaje que, en lo que parece ser fue una polémica decisión, se ha optado por presentar con unos enormes ojos para darle más similitud con el personaje original.
Rebelde, luchadora, pero también sensible, el personaje protagonista, que no recuerda su pasado, irá descubriendo todo conforme avance la acción, además de recordar, en forma de flashes, pequeños jirones de su existencia anterior. Tramas y subtramas que no se cerrarán en su totalidad, pues Alita, Ángel de combate es el primer capítulo de una saga.
Entre los demás protagonistas destaca la presencia de Mahershala Ali y Jennifer Connely como villanos y Christoph Waltz como médico/mecánico, además de la participación, bien camuflados bajo capas de maquillaje virtual, de Michelle Rodríguez, Casper van Dien y Eiza González.
El productor Jon Landau, que colaboró previamente con Cameron en Titanic y Avatar, declaró: “Esperamos haber creado una nueva experiencia para el público; una que les permita experimentar la emoción del cine de nuevo”. Y en nuestra opinión así ha sido pues Alita es invasiva, introduce al espectador en la acción dando como resultado todo un espectáculo cinematográfico que posiblemente marcará el futuro del cine, híbrido entre imagen y personajes reales y escenarios y caracteres generados por ordenador, única forma de abordar este tipo de fantasías y darles algo de credibilidad, siempre hablando de un tipo de espectador que sepa lo que va a ver y en donde, pues estamos hablando de una producción que DEBE disfrutarse en pantalla grande y bien adaptada al 3D que es excepcional en la cinta.
Elena.Vazquez@fox.com
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 8 de febrero de 2019 *
THE PRODIGY (Nicholas McCarthy, 2019)
USA/HK. Duración: 1h. 40m.Guion: Jeff Buhler Música: Joseph Bishara Fotografía: Bridger Nielson Productora: Orion Pictures / Vinson Films. Distribuida por Orion Pictures Género: Terror.
Reparto: Taylor Schilling, Brittany Allen, Jackson Robert Scott, Colm Feore, Peter Mooney,Olunike Adeliyi, David Kohlsmith, Mark Sparks, Michael Dyson, Ava Augustin,Ashley Black, Byron Abalos
Sinopsis:
El perturbador comportamiento del pequeño Miles (Jackson Robert Scott) hace sospechar a su madre, Sarah (Taylor Schilling), que una fuerza maligna y probablemente sobrenatural se ha apoderado de él.
Temiendo por la seguridad de su familia, Sarah debe elegir entre su instinto maternal de amar y proteger a Miles y la desesperada necesidad de investigar qué o quién le está provocando ese inquietante comportamiento. Pronto descubrirá que para poder salvar a Miles se verá obligada a buscar respuestas en un pasado muy peligroso y aterrador.
El niño, frágil y desprotegido, puede no ser siempre motivo de felicidad, muy al contrario, puede ser fuente de problemas. Egoísta y déspota, reclama la continua y total atención de sus padres, a los que cambia radicalmente su modelo de convivencia. Los días de vino y rosas se transformarán en algo irreconocible, en un infierno con el pequeño demonio como dueño y señor y los benefactores como peleles a su servicio. El cine ha presentado diversos casos de niños villano, tabú que ha dejado varias obras capitales e incluso alguna obra maestra por el camino. The Prodigy como pueden intuir por el cartel, se enmarca en esta categoría de filmes. En esta ocasión un psicópata asesino tomará posesión de un niño neonato prosiguiendo, libre de toda sospecha por su apariencia, su prolífica carrera donde la dejó.
Correcta y eficaz, The Prodigy ofrece la novedad de mostrar como el niño ve sometida su personalidad a otra invasora, y no se trata de otra manida posesión diabólica. Su prólogo, bellamente rodado, trabaja a la contra del filme, pues no deja nada a la imaginación del espectador, que en todo momento intuirá lo sucedido, perdiendo fuerza y credibilidad otros motivos que se apuntan para intentar explicar el extraño comportamiento del pequeño y su carácter violento.
Dirigida por Nicholas McCarthy (El Pacto, Home) y protagonizada por Taylor Schilling, (“Orange Is The New Black”, Argo) y Jackson Robert Scott (It: Capítulo 1), The Prodigy está escrita por Jeff Buhler (El vagón de la muerte, coguionista de Cementerio de animales y creador de la serie “Nightflyers”) y cuenta con una poderosa y atmosférica banda sonora compuesta por Joseph Bishara, colaborador habitual de James Wan.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 1 de febrero de 2019 *
VERANO DEL 84 (Summer of 84, Anouk Whissell, François Simard, Yoann-Karl Whissell, 2018)
Canadá. Guion: Matt Leslie, Stephen J. Smith Música: Le Matos Fotografía: Jean-Philippe Bernier Productora: Brightlight Pictures / Gunpowder, Sky Género: Aventuras.
Reparto: Graham Verchere, Judah Lewis, Caleb Emery, Cory Gruter-Andrew, Tiera Skovbye,Rich Sommer
Sinopsis: Verano, 1984, la época perfecta para tener 15 años y ser libre. Pero cuando un teórico de las conspiraciones empieza a sospechar que su vecino policía podría ser el asesino en serie que sale en las noticias, él y sus tres mejores amigos empezarán una investigación que rápidamente se volverá peligrosa.
Verano del 84 es la nueva película de los creadores de Turbo Kid (François Simard, Anouk Whissell y Yoann-Karl Whissell), cinta que se sumaba, ¡y de qué manera! al revival ochentero que nos asola. Y está nueva propuesta del trío, como bien delata el propio título, tiene también mucho de eso, pues los protagonistas son un arquetípico grupo de adolescentes de vacaciones que, como pueden suponer, incluso van en bicicleta. Uno de ellos sospecha que delante de su casa vive un asesino de niños, que lejos de ser un individuo siniestro es conocido y querido por todo el vecindario ya que, además, es policía. Entre amoríos adolescentes, humor y niños desaparecidos, nuestros protagonistas hablarán de lo que hablan todos los adolescentes: de sexo, de sexo y de sexo. Todo estará dispuesto para que nos entreguemos a un ejercicio de nostalgia, disfrutando de ese subgénero de púberes enfrentados a un misterio que les hará pasar la aventura de su vida (subgénero que ya viene de lejos y que tiene en Tom Sawyer de Mark Twain su primer gran título), pero… El final viene a sacarnos de nuestra inocente complacencia, Verano del 84 no es Los Goonies posee un trasfondo tenebroso y una conclusión inesperada que nos obliga a retroceder sobre lo visto porque a la luz de esa coda todo cobra una nueva dimensión. La premisa, cualquiera de nuestros vecinos puede ser un asesino, acaba teniendo una concreción amarga, el fin de la infancia no llega por superar la aventura de crecimiento, sino por darse de bruces con lo que comporta afrontar a un asesino. Y no revelamos más, mejor déjense sorprender y vayan a verla.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 25 de enero de 2019 *
THE OLD MAN AND DE GUN (David Lowery, 2018)
USA. Duración: 93 min. Guion: David Lowery, David Grann (Artículo: David Grann) Música: Daniel Hart Fotografía: Joe Anderson Productora: Identity Films / Wildwood Enterprises / Endgame Entertainment / Conde Nast Entertainment / Sailor Bear. Distribuida por Fox Searchlight Género: Drama
Reparto: Robert Redford, Sissy Spacek, Casey Affleck, Danny Glover, Tika Sumpter,Elisabeth Moss, Tom Waits, Isiah Whitlock Jr., Robert Longstreet, Keith Carradine,Jordan Trovillion, John David Washington, Augustine Frizzell, Barlow Jacobs,Gene Jones, Leah Roberts, Kevin McClatchy, Patrick Newall, Todd Terry,James Siderits, Christine Dye, Toby Halbrooks
Sinopsis: Narra una historia real, la de Forrest Tucker, un ladrón de bancos que pasó la mayor parte de su vida en la cárcel o intentando escapar de ella. De hecho, logró fugarse en 18 ocasiones y cometió su último atraco en el año 2000 cuando tenía 80 años.
Para los ignorantes que todavía denostan el buen cine norteamericano reduciéndolo a ese de acción y efectos especiales que, en secreto, van a ver al cine, en beneficio de la última comedia mala francesa o producción japonesa (de festival), les diríamos que fueran a ver The Old Man and the Gun, una buena película americana protagonizada por dos de las leyendas que hicieron grande el cine.
Buenas actuaciones y buena química entre actores, como la que se establece entre Robert Redford y Sissy Spacek (o entre Redford y sus compinches; o entre Casey Affleck y Redford). Pero también una historia muy bien contada, melancólica con algunos retazos de comedia y una deliciosa banda sonora de aires jazzisticos. En resumen, una buena película americana con la que Redford se despide del cine. Todo un lujo.
‘Lucero’, la última creación de Norberto Ramos del Val
Fiestas navideñas de por medio y posteriores días de asueto por Córdoba cogieron a Serendipia con la reseña de la última película de Norberto Ramos del Val por hacer. Pero al final y con las pilas recargadas nos despertamos no con una, sino dos reseñas. Ahí van:
Barajé la palabra ‘provocación’ para el subtítulo de este comentario porque el cine de Norberto Ramos del Val siempre busca agitarnos, removernos ya sea por agrado o por su contrario, incomodarnos o, mejor, deplazarnos al 
extrañamiento, pretende (y consigue) no dejarnos indiferentes. Si acabé sustituyéndola por ‘creación’ fue porque nuestro director no queda reducido a mero agente provocador, su cine desafía porque con él el autor desarrolla nuevos lenguajes y nuevos códigos que son, en verdad, una profundización en (o una decodificación de, si se prefiere) lo clásico para alumbrar nuevos caminos, creando, así, una pléyade de constantes personales e intransferibles que articulan su autoría. Y Lucero, su nueva película, no es una excepción a esta regla.
Lucero cuenta la breve historia de menos de un día en la vida de una mujer sola, una célula más de un tejido humano, una parte del barrio de Lucero. Eva espera una visita, la vemos prepararse, vestirse, maquillarse… La vemos fumar, beber, fumar, beber… Desesperarse porque su cita no llega. Eso y algún problema más, que no desvelaremos, es su excusa argumental. Con esta trama, para hablarnos de soledad, de (in)comunicación, Ramos del Val nuevamente se adentra en el terror, siguiendo las directrices del género pero siendo al mismo tiempo experimental, un fantástico weird que ya ha perlado antes su carrera, pero que, aquí, su extrema consigna, no incluir ni una sola línea de diálogo, hace más evidente. La exclusión de diálogos no es un mero capricho pensado para epatar al público, es todo un recurso dispuesto para lograr trascender fronteras: las del individuo, porque lo que le acontece se puede universalizar; las espaciales, porque no se instala en lo local aunque podamos reconocer su procedencia; e, incluso, las temporales, el director busca mirar al presente desde todos lo tiempos posibles, tanto desde la estética como desde el mismo trabajo de la fotografía. Lucero es, de algún modo, la película más rabiosamente moderna, vanguardista incluso, de Ramos del Val y, al mismo tiempo, la más vehementemente atemporal.
Rodada casi cronológicamente según el tiempo de ficción, apostando por las primeras tomas, y dejando la duración del plano sujeta prácticamente a la magia del momento creativo, nos encontramos con una película de abundantes planos fijos de larga duración que Claudia Molina, protagonista absoluta, sostiene con rotunda solvencia. El trabajo de la actriz es una de las mejores bazas de esta cinta de (casi)único personaje, tanto que el propio Ramos del Val la nombra como co-creadora. Y es que a la interpretación de la actriz se le fía mucho del peso de la verosimilitud de lo narrado, su concentración había de ser máxima y su entrega al personaje absoluta o de otro modo todo lo construido se vendría abajo como un castillo de naipes. Y Claudia Molina supera con nota la prueba.
Ahora bien, sería injusto no reconocer que la verdadera alma mater del filme es el propio Ramos del Val. Y no solo porque simultanea las tareas de dirección de fotografía, composición de la banda sonora y dirección propiamente dicha, sino porque sobre la cinta vacía sus impresiones vitales más personales. Nada existiría sin sus reflexiones sobre esta época ultraconectada y a la vez inmensamente solitaria que nos ha tocado vivir. Ni menos sin el punto de ironía con el que se relaciona con el mundo, con su reflexión sobre él y hasta consigo mismo. Con Ramos del Val nos instalamos muy adentro pero a la vez muy afuera, vemos lo interior en perspectiva, sin autocontemplaciones ni autocomplacencias. Por eso su cine resulta liviano en su profundidad. Confiesa que quería hablarnos de «la necesidad de reivindicar la individualidad consciente; el sentirse a la vez individuo y parte de algo más grande», y eso es lo que rezuma Lucero. Resume el fracaso de las relaciones humanas en esta época de redes sociales que nos dan la apariencia de estar en contacto con todo y con todos pero que en verdad supone un gran aislamiento. Declara que «esta sociedad que hemos creado nos da a la vez todas las opciones posibles de comunicarnos… y nos acalla brutalmente» y nos lo cuenta, como los mejores artistas gráficos, en una excelente viñeta sin diálogos.
… PERO NO SE VAYAN TODAVÍA, PUES AÚN HAY MÁS:
Para todos aquellos que sitúan a Norberto Ramos del Val como ese director que hace películas en las que sus protagonistas no paran de hablar y hablar; selecciona muy bien a sus actrices femeninas; e, indefectiblemente, las retrata ligeritas de ropa, hay que decirles que llega Lucero, última cinta del director, con la que contradice totalmente la primera aseveración; casi la tercera; y confirma la segunda, pues su película carece de diálogos, no se desnuda a su actriz hasta el final, y Claudia Molina realiza un auténtico tour de force interpretativo, saliendo más que airosa y confirmando, una vez más, el buen ojo de este viejo zorro.
Con Lucero Norberto deja de lado las comedias protagonizadas por jóvenes modernos atacados de verborrea y nos devuelve la extrañeza que mostró en El último fin de semana (2011), aunque si aquella era, más o menos, de ciencia ficción, Lucero nos adentra en un submundo de satanismo, soledad, comezón y frustración con una ansiosa protagonista que pasa una extraña noche en vela. Eterna, repleta de visiones y viajes oníricos a la manera de aquel Allan Grey, protagonista de Vampyr (1932) de Dreyer.
Con una acertada banda sonora, que añade tensión y sensación de irrealidad a la pesadilla, y que está compuesta por el propio Norberto, cuenta con un tema final en el que, como catarsis, canta la propia Claudia Molina, pues la barcelonesa también es cantante y posee una bonita voz.
Además de Claudia, actriz de dilatada carrera que debutó a los nueve años protagonizando La moños (Mireia Ros, 1996), Norberto Ramos del Val cuenta para pequeños papeles con la participación de dos actores que ya han trabajado con él, Jaime Adalid (Faraday, 2013) y Edgar Calot (Call TV, 2017). Sin olvidar al gato Obi Wan, que sin acreditar realiza un logrado papel de felino.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 4 de enero de 2019 *
LA GRACIA DE LUCÍA (Troppa grazia, Gianni Zanasi, 2018)
ITA. Duración: 109 min. Guion: Gianni Zanasi, Federica Pontremoli Música: Niccolò Contessa Fotografía: Vladan Radovic Productora: IBC Movie / Pupkin Production Género: Drama
Reparto: Alba Rohrwacher, Elio Germano, Giuseppe Battiston, Hadas Yaron, Carlotta Natoli,Thomas Trabacchi
Sinopsis: Lucía es una mujer joven que cuida a su hija adolescente ella sola a pesar de las dificultades económicas. Para seguir adelante trabaja en un estudio de arquitectura, donde le piden evaluar un importante terreno de gran interés para todo el mundo. Pronto descubre que algo va mal, un problema en los mapas que podrían acarrear grandes riesgos geológicos. Al principio decide callarse, pero cuando la cosa se complica, Lucía luchará por sus principios para salvar el valle en el que creció.
La gracia de Lucía es la gracia de Alba Rohrwacher, actriz que convierte esta película en un monólogo, en un tour de force interpretativo en el que ella, como Lucía, es la protagonista. Vital, fuerte, guerrera, madre, trabajadora, independiente y, sobre todo, íntegra, es un relato de madurez, con el que su guionista, en boca de Lucía pretende, por encima de todo, trasmitir a nuestros hijos, representados por la gélida hija de la protagonista, unos principios de integridad y de ecología.
Una aparición mariana (encarnada por Hayas Yaron) ejercerá funciones de Pepito Grillo en la conciencia de Lucía desvelándole el camino que deberá seguir para estar conforme consigo misma y con la herencia que pretende dejar.
Rohrwacher contagia al espectador su energía y carisma, así como su inseguridad y sencillez, con un personaje que lleva el peso de la acción, una acción que hacia el final amenaza cierta deriva en su esperanzadora conclusión.
JULIET DESNUDA (Juliet, Naked, Jesse Peretz, 2018)
USA Duración: 105 min. Guion: Tamara Jenkins, Evgenia Peretz, Jim Taylor (Novela: Nick Hornby) Música: Nathan Larson Fotografía: Remi Adefarasin Productora: Apatow Productions Género: Comedia.
Reparto: Rose Byrne, Ethan Hawke, Chris O’Dowd, Megan Dodds, Jimmy O. Yang,Lily Newmark, Lily Brazier, Johanna Thea, Azhy Robertson, Ayoola Smart,Georgina Bevan, Laura Camberley, Michael Chapman, Begoña Fernández Martín,Karol Steele, Janine Catterall, Lee Byford, Florence Keith-Roach,Andrew Dunkelberger, Thomas Gray, Sascha Panknin
Sinopsis: Annie (Rose Byrne) y Duncan (Chris O’Dowd) están cerca de la cuarentena y son pareja desde hace quince años. Ambos llevan una vida tranquila, pero a Annie le inquieta el paso del tiempo sin ninguna pasión. Duncan, en cambio, concentra toda su atención en Tucker Crowe (Ethan Hawke), un músico americano que desapareció tras publicar el exitoso álbum ‘Juliet’. Pero cuando los caminos de Annie, Tucker y Duncan comienzan a cruzarse, descubrirán que la vida nos da sorpresas y que todo puede cambiar.
Jesse Peretz sabe manejar los problemas generacionales, ya no solo de los jóvenes como demostró en la magnífica serie televisiva Girls, sino también los de los eternos adolescentes que se resisten a madurar, como demuestra, con nota, en esta Juliet, desnuda, agridulce comedia romántica en la que la música y la erudición de los fans tendrán mucho protagonismo. Y de eso tiene mucho la culpa el autor de la novela en la que se basa, Nick Hornby, autor también de la deliciosa Alta fidelidad, pues contiene los sellos auténticos e irresistibles del escritor: una intensa obsesión con la cultura popular; personajes modernos, idiosincrásicos y cariñosamente creados; una mezcla de humor y calidez oculta bellamente labrada; y sabiduría sobre la naturaleza de la vida.
El resultado no podría ser mejor, Juliet, desnuda es un reflejo de la inmadurez de un sector de jóvenes que ya han dejado de serlo y no lo saben (o no lo asumen) y siguen apegados a sus pasiones. Humor, traiciones, infidelidades y buena música se mezclan con una reflexión sobre la creación artística en forma, este caso, del único Lp de un músico desaparecido, y en lo que puede convertirse cuando pasa a formar parte de la vida de otros individuos. De trascender a su creador. También sobre el peligro de conocer a tus ídolos, sobre el paso del tiempo, y los últimos trenes que pasan y que no conviene dejar perder.
Una deliciosa e inteligente comedia que invita a la reflexión protagonizada por Rose Byrne, Ethan Hawke y Chris O’Dowd.
EL COLLAR ROJO (Le collier rouge, Jean Becker, 2018)
FRA. Duración: 83 min. Guion: Jean Becker, Jean-Christophe Rufin, Jean-Loup Dabadie (Novela: Jean-Christophe Rufin) Música: Johan Hoogewijs Fotografía: Yves Angelo Productora: ICE3 / K.J.B. Production / France 3 Cinéma Género: Drama
Reparto: François Cluzet, Nicolas Duvauchelle, Sophie Verbeeck, Jean-Quentin Châtelain,Patrick Descamps
Sinopsis: Ambientada en la Primera Guerra Mundial, y coincidiendo con el Centenario de su finalización, el filme cuenta la historia de un juez que tendrá que luchar contra sus principios al finalizar la Gran Guerra juzgando a un heroe acusado de un delito no tan terrible como uno se podría imaginar. Fuera del cuartel donde se encuentra, su perro no dejará de ladrar esperando a su amo.En el verano de 1919, Jacques Morlac, un héroe de la Primera Guerra Mundial encarcelado, le cuenta su historia al juez, un aristócrata que duda de sus principios a causa de la guerra. Delante de la puerta del cuartel, el perro del soldado le espera, ladrando día y noche.
Una nueva ocasión de disfrutar del talento de François Cluzet, actor al que el espectador está más habituado ver en papeles de comedia, (Intocable, Pequeñas mentiras sin importancia) y que ahora se pone en la piel del juez Lantie, que tendrá que hacer frente a sus ideas sobre la milicia y el patriotismo al tener que defender a un reo acusado de traición.
La película denunciará, nuevamente, la hipocresía que hay detrás de banderas y consignas enarboladas por unos políticos que lo único que buscan es defender sus intereses enviando a los jóvenes a luchar por ellos en la guerra.
Bellamente narrada, el espectador irá conociendo los hechos y los personajes conforme avance la acción de la cinta, básicamente una historia de amor, con altas dosis de conciencia social que está escrita por el propio director y por Jean-Christophe Rufin, el escritor del best seller homónimo en el cual se basa la película.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 28 de diciembre *
LA DECISIÓN (Al Rahalaka, Mohamed Al Daradji, 2017)
Irak. Duración: 82 min. Guion: Mohamed Al Daradji, Isabelle Stead Fotografía: Duraid Munajim Productora: Human Film Género: Drama
Reparto: Zahraa Ghandour, Ameer Jabarah
Sinopsis: El 30 de diciembre de 2006, primer día del Eid al-Adha —la Celebración del Sacrificio, una de las más sagradas festividades musulmanas—, Bagdad festeja la reapertura de su estación de tren. Sara entra en la estación con la intención de perpetrar un atentado suicida. Parece vacilar ante la perspectiva de detonar la bomba, pero está determinada a llegar hasta el final. Un encuentro incómodo con Salam, un vendedor extremadamente locuaz que trata de seducirla, frustrará sus planes. Tras una serie de acontecimientos, Salam acaba como rehén de Sara, e intenta disuadirla de que siga adelante. Pero ¿está Sara dispuesta a escucharle?
La decisión utiliza de manera efectiva la regla de oro del suspense, que según Hitchcock, hace que una película funcione: casi desde el minuto uno el espectador sabe donde está la bomba, aunque no cuando explotará. Pero la última película del prestigioso y premiado director Mohamed Al Daradji (In the Sands of Babylon, Syn Babionu), va mucho más allá de ser un simple thriller, es un llamamiento a la reflexión.
Elegida para representar a Iraq en los próximos Oscar, La decisión consigue que el interés no decaiga en ningún momento, y gran parte de ello se debe a la convincente labor de la protagonista, la debutante Zahraa Ghandour, que con su interpretación ya ha conseguido premios distinguidos en los festivales de Muscat y el Festival des Cinémas Árabes. Ghandour es también directora y guionista, y su primer papel ya la ha situado como una joven estrella a seguir.
Los ojos de Ghandour serán los que presentarán al espectador a los personajes de las diferentes subtramas: una joven novia que no desea casarse; unos niños que mendigan; unos músicos; un joven estafador; una madre que huye con su bebé … un grupo humano reunido en una estación de tren que no saben lo cerca que tienen la muerte por el simple hecho de haber escogido ese día para dejar Bagdad. Víctimas potenciales que protagonizan pequeños dramas, que sufren e intentan sobrevivir en una país en ruinas. En una paisaje apocalíptico, con un halo de irrealidad cuyo sentido final el espectador deberá averiguar viendo esta notable película.
LAS FAVORITAS DE SERENDIPIA DE 2018
Como cada año y puntualmente, al igual que las neulas, los mazapanes y turrones, llega la lista de Serendipia por Navidad, con sus películas favoritas de este 2018. La cosecha ha sido algo más escasa por problemas familiares, que han impedido que Serendipia estuviera tan activa como años anteriores, pero aún así ha procurado ver cuanto ha podido, o al menos, lo más interesante de este año.
Y la cosecha ha sido bastante impresionante. Con buenos títulos, algunos de los cuales se irán estrenando durante 2019, eso cuando no lo han sido ya, casi de tapadillo, a finales del año que concluye. Muchos menos han sido los documentales que hemos podido ver en nuestras pantallas, pero afortunadamente los festivales los siguen programando, lo que ha dado ocasión a Serendipia de disfrutar de algunas perlas. Vamos allá:
LAS DIEZ DEL FANTÁSTICO
1 – LA FORMA DEL AGUA (The Shape of Water, Guillermo del Toro, 2017)
2 – THE HOUSE THAT JACK BUILT (Lars von Trier, 2018)
3 – THELMA (Joachim Trier, 2017)
4 – GHOSTLAND (Pascal Laugier, 2018)
5 – SUSPIRIA (Luca Guadagnino, 2018)
6 – EL MUSEO DE LAS MARAVILLAS (Wonderstruck, Todd Haynes, 2017)
7 – CLIMAX (Gaspar Noé, 2018)
8 – REVENGE (Coralie Fargeat, 2017)
9 – LA NUIT A DÉVORÉ LE MONDE (Dominique Rocher, 2018)
10–KÛKAI (Leyend of the Demon Cat, Kaige Chen, 2017)
LAS CINCO DE ANIMACIÓN
1 – ISLA DE PERROS (Isle of Dogs, Wes Anderson, 2018)
2 – MAQUIA. UNA HISTORIA DE AMOR INMORTAL (Sayonara no asa ni yakusoku no hana o kazarô, Mari Okada, 2018)
3 – PETER RABITT (Will Gluck, 2018)
4 – CAVERNÍCOLA (Early Man, Nick Park, 2018)
5 – SPIDER-MAN: UN NUEVO UNIVERSO (Spider-Man: Into the Spider-Verse, Bob Persichetti, Peter Ramsey, Rodney Rothman,2018)
LAS DIEZ INTERNACIONALES
1 – CALL ME BY YOUR NAME (Luca Guadagnino, 2017)
2 – UNDER THE SILVER LAKE (David Robert Mitchell, 2018)
3 – VIUDAS (Widows, Steve McQueen, 2018)
4 – EL REVERENDO (First Reformed, Paul Schrader, 2017)
5 – THE FLORIDA PROJECT (Sean Baker, 2017)
6 – SIN AMOR (Nelyubov, Andrey Zvyagintsev, 2017)
7 – FUGA (Fugue, Agnieszka Smoczynska, 2018)
8 – BRIGSBY BEAR (Dave McCary, 2017)
9 – LORDS OF KAOS (Jonas Åkerlund, 2018)
10- ALMA MATER (Insyriated, Philippe Van Leeuw, 2017)
LAS CINCO ESPAÑOLAS
1 – EL ÁNGEL (Luis Ortega, 2018, Arg/Esp)
2 – ÁNIMAS (Laura Alvea y José F. Ortuño, 2018)
3 – LA SOMBRA DE LA LEY (Dani de la Torre, 2018)
4 – 70 BINLADENS (Koldo Serra, 2018)
5 – ENTRE DOS AGUAS (Isaki Lacuesta, 2018)
LOS CINCO DOCUMENTALES
1 – OBSCURO BARROCO (Evangelia Kranioti, 2018)
2 – FAHRENHEIT 11/9 (Michael Moore, 2018)
3 – DINA (Antonio Santini, Dan Sickles, 2017)
4 – VIDA Y MUERTE DE UN ARQUITECTO (Miguel Eek, 2017)
5 – THE WORK (Jairus McLeary, Gethin Aldous, 2017)
Y FINALMENTE: EL PODIUM 2018
1 –LA FORMA DEL AGUA
2 –ISLA DE PERROS
3 –UNDER THE SILVER LAKE
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 21 de diciembre de 2018 *
AQUAMAN (James Wan, 2018)
USA. Duración: 139 min. Guion: David Leslie Johnson-McGoldrick, Will Beall (Historia: Geoff Johns, James Wan, Will Beall. Personaje: Paul Norris, Mort Weisinger) Música: Rupert Gregson-Williams Fotografía: Don Burgess Productora: DC Comics / DC Entertainment / Warner Bros. Género: Fantástico
Reparto: Jason Momoa, Amber Heard, Patrick Wilson, Willem Dafoe, Nicole Kidman,Yahya Abdul-Mateen II, Temuera Morrison, Dolph Lundgren, Michael Beach,Ludi Lin, Graham McTavish, Patrick Cox, Randall Park, Djimon Hounsou,Leigh Whannell, Sophia Forrest, Natalia Safran, Tahlia Jade Holt
Sinopsis: Cuando Arthur Curry (Jason Momoa) descubre que es mitad humano y mitad atlante, emprenderá el viaje de su vida en esta aventura no sólo le obligará a enfrentarse a quién es en realidad, sino también a descubrir si es digno de cumplir con su destino: ser rey, y convertirse en Aquaman.
(LEER RESEÑA AQUÍ)
EL REGRESO DE MARY POPPINS (Mary Poppins Returns, Rob Marshall, 2018)
USA. Duración: 130 min. Guion: David Magee (Libro: P.L. Travers) Música: Marc Shaiman, Scott Wittman Fotografía: Dion Beebe Productora: Walt Disney Pictures / Lucamar Productions / Marc Platt Productions Género: Comedia musical.
Reparto: Emily Blunt, Lin-Manuel Miranda, Ben Whishaw, Emily Mortimer, Julie Walters,Dick Van Dyke, Angela Lansbury, Colin Firth, Meryl Streep, Pixie Davies,Jeremy Swift, Kobna Holdbrook-Smith, Christian Dixon, Craig Stein, David Warner,Jim Norton, Bernardo Santos, Bern Collaco, Ian Conningham
Sinopsis: Mary Poppins (Emily Blunt) es la niñera casi perfecta, con unas extraordinarias habilidades mágicas para convertir una tarea rutinaria en una aventura inolvidable y fantástica. En esta nueva secuela, vuelve para ayudar a la siguiente generación de la familia Banks a encontrar la alegría y la magia que faltan en sus vidas después de una trágica pérdida personal. La niñera viene acompañada de su amigo Jack (Lin-Manuel Miranda), un optimista farolero que ayuda a llevar la luz -y la vida- a las calles de Londres.
¿Quien podría haber imaginado que más de cincuenta años después Walt Disney iba a recuperar a Mary Poppins? pues así ha sido y no con un remake, sino con una secuela que recupera a los personajes originales años después de la acción que se desarrolla en el filme del 64. El regreso de Mary Poppins trae de vuelta a unos hermanos Banks ya mayores, ejerciendo de treintañeros, viudo él y con dos hijos a su cargo y sindicalista ella, un poco cabeza loca y todos viviendo en el hogar paterno, amenazado por el villano, el maligno propietario del banco (Colin Firth). También, para que no se eche nada en falta, tendremos al hijo de aquel deshollinador que interpretara Dick Van Dyke en el film original, en este caso ejerciendo de simpático farolero.
¿El resultado? Pues ciento treinta minutos de puro espectáculo en el que predomina la música, la emoción, la diversión y, sobre todo, la magia. No desmerece en absoluto del filme original y como buena película destinada a toda la familia, se incluyen algunos guiños a los espectadores más veteranos en forma de actores invitados.
Un triunfal retorno a aquel mundo de música y fantasía que hizo las delicias de los niños de entonces y un canto para que no olviden nunca aquella ilusión infantil.
SOBRE RUEDAS (Tout le monde debout, Franck Dubosc, 2018
Esta comedia francesa, escrita, dirigida y protagonizada por Franck Dubosc (Barbacoa de amigos), junto a la actriz Alexandra Lamy (Vuelta a casa de mi madre, Historia de una indecisa) posee, sin ningún género de duda, un buen fondo y buenas intenciones, pero estas no acaba de cuadrar en el resultado, algo de lo que en parte pueden tener cierta culpa sus protagonistas, pues en ningún momento consiguen que el espectador empatice con ellos.
PERDIDOS EN PARÍS (Paris pieds nus, Dominique Abel, Fiona Gordon, 2017)
FRA/BEL. Duración: 83 min. Guión: Dominique Abel, Fiona Gordon. Fotografía: Claire Childéric y Jean-Christophe Leforestier Montaje: Sandrine Deegen. Producción: Christie Molia, Charles Gillibert, Dominique Abel, Fiona Gordon Género: Comedia.
Sinopsis: Fiona, una bibliotecaria de Canadá, llega a París para ayudar a su tía Martha, amenazada con ser internada en una residencia de ancianos. Fiona pierde su equipaje y además descubre que Martha ha desaparecido. Es el comienzo de una cadena de alocados enredos, que le harán cruzarse en el camino con Dom, un vagabundo egoísta y presumido, con quien surge un extraño encanto en la Ciudad de la Luz.
Pérdidos en París en una comedia de situaciones, pero sobre todo de personajes, protagonizada por tres locos que evolucionan descalzos con París como fondo (de ahí su título original, Paris pieds nus), paseándonos por los márgenes de la Ciudad Luz para mostrarnos lo esencial de la vida. Un escenario perfecto para esta fábula deliciosa, original, tierna, colorista y trepidante, protagonizada, escrita y dirigida por el dúo burlesco Abel & Gordon: Dominique Abel y Fiona Gordon. En su cuarto largometraje, tras El iceberg (L’iceberg), Rumba y El hada (La fée), en este himno a la libertad y al amor combinan humor poético y bufo, teatro gestual y comedia slapstick. Una verdadera oda al cine de Charles Chaplin y Jacques Tati, con geniales personajes, en situaciones delirantes y divertidas. A la pareja protagonista, se unen dos leyendas del cine francés: Emmanuelle Riva (nominada al Oscar© por Amor), en su última interpretación en el cine, y Pierre Richard (La cabra).
Un remanso de cine que devuelve al espectador a la era del slapstick. Una delicia que merece un destacado espacio entre la abultada cartelera de estrenos.
Serendipia
Proyecto Naschy 
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