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VAMOS DE ESTRENO (o no): viernes 24 de enero de 2020
EMA (Pablo Larraín, 2019)
Chile. Duración: 102 min. Guion: Guillermo Calderón, Alejandro Moreno, Pablo Larraín Música: Nicolas Jaar Fotografía: Sergio Armstrong Productora: Fabula Género: Drama
Reparto: Mariana Di Girolamo, Gael García Bernal, Santiago Cabrera, Giannina Fruttero, Catalina Saavedra, Eduardo Paxeco, Mariana Loyola, Paola Giannini, Antonia Giesen, Josefina Fiebelkorn, Susana Hidalgo
Sinopsis: Ema, una joven bailarina, decide separarse de Gastón luego de entregar a Polo en adopción, el hijo que ambos habían adoptado y que fueron incapaces de criar. Desesperada por las calles del puerto de Valparaíso, Ema busca nuevos amores para aplacar la culpa. Sin embargo, ese no es su único objetivo, también tiene un plan secreto para recuperarlo todo.
“No tengo ni idea de lo que el espectador se llevará de la película, porque la película no es una pieza cerrada, sino que permite un espacio, una grieta por la que el espectador puede entrar y salir para que cada uno pueda cerrarla desde su propia biografía. Para cada persona, Ema será una película diferente”(extraído de esta entrevista). Cuando el objeto se viste de subjetividad, cuando no se pretende ni único ni definitivo, la tarea del cronista queda en suspenso, porque ¿Si no existe una sola, si hay tantas como espectadores (miles, cientos de miles, millones, quién sabe) sobre cuál debo orientar mi crítica? No queda más que hablar de la mía, pero soy demasiado clásica como para no tratar de enunciar, no tratar de revestirme de una cierta universalidad, aunque sea construyendo un juego de espejos en los que busco que mi reflejo se superponga con el de la Ema original, la que era antes incluso de que Mariana Di Girolamo le prestara su cuerpo, su voz, su movimiento. La de Pablo Larraín. Escribir como si quisiera contársela, pero ¿Qué podría contarle yo al director sobre mi Ema?
El botepronto de la primeras impresiones mana como un magma indefinido de innúmeros destellos: extenuante, mayor peso del subtexto que del texto, predominio de la forma sobre el fondo, en un primer nivel, todavía organizado; mater(pater)nidad responsable, familia, sexo, danza, lugar del arte, papel del artista, activismo, cuerpo, y mujer, sobre todo mujer, en un segundo nivel, que se agota tratando de expresarse en valor de cambio, de resumirse en palabra para ser compartida; me pierdo, no entiendo de danza, me pierdo, no sé qué es ser madre, me pierdo, el fuego es metáfora pero no sé a qué señala, me pierdo, me agoto, sencillamente me pierdo, en un tercer nivel, que se rinde al fracaso de la incomprensión. Sin bandera blanca, sin embargo, porque aún quedan reaños para tratar de formular discurso cuando salga de la sala oscura. Cuando busque en mi navegador entrevistas en las que el aprieto de contar lo tenga él, el cineasta que no se ha ajustado a las/mis expectativas. Cuando lea críticas que me sirvan de filtros para ordenar mis propias ideas.
“Un trabajo de experimentalismo autoconsciente demasiado forzado y distanciado para involucrarnos con él. Logra algo de ritmo gracias a la fuerza del reggaetón, pero el resto es tan disperso que carece de pulso.” El comentario de David Rooney para The Hollywood Reporter es el único punto rojo en el expediente de Ema, para la crítica profesional, al que he tenido acceso. Y respiro aliviada, hay al menos otra Ema tan dispersa como la mía, otra derrota de la comprensión. Pero también respiro aliviada porque, como yo, reconoce su admiración: “A medida que avanza la historia, hay indudablemente una fascinación perversa en su desarrollo externo, y Larraín ciertamente merece crédito por negarse a ir a lo seguro en esta etapa de su distinguida carrera”. Guarecida por palabras de terceros, ya estoy en disposición de dejar fluir la lluvia de ideas tamizadas con las que convertir el caos de la experiencia en el orden del discurso.
Ema, un nombre breve para un personaje inmenso. Personaje de personajes, dice el autor (¿será por eso que en ocasiones parece como si se hubiera construido con tomas para casting?), y enumera sus facetas, hija, madre, hermana, esposa, amante… Pero, sobre todo, lo que es, es joven. Ema, el personaje, es juventud, o mejor, mujer joven vista por un hombre nacido en otro siglo. Ema, la película, es un intento de aprehender a toda una nueva generación que se ha desarrollado ya en el nuevo milenio, desde el ojo de quien ha quedado prendado por su fuerza y descolocado por sus códigos. Es la obra de quien cree que, al final, después de observarles, de ver como usan el gesto más que la palabra, la coreografía más que el texto, ha llegado a asimilarles. Y, sin embargo, el momento que traspira más sinceridad de toda la cinta es aquel en el que el coreógrafo, Gastón, un Gael García Bernal que se ilumina en esa escena, arroja sobre las danzantes todos los prejuicios que albergamos sobre el reggaetón aquellos que no nacimos bajo su influjo. Ema es el nuevo paradigma que Ema quiere apresar leyéndolo como nuevo icono de la transgresión.
Lo culto y lo popular se dan la mano en el cuerpo de Ema, capaz de brillar en la danza clásica contemporánea y en la danza callejera, ella las aúna y las vuelve hermanas. Y la cámara de Larraín hace lo propio mostrándose igualmente hábil a la hora de filmar la una y la otra. Ema es casi un musical encubierto que captura los movimientos carnales del coreógrafo José Vidal con una energía tremenda, en vastos espacios industriales, en el puerto, en canchas de baloncesto o en las colinas densamente pobladas entre un laberinto de bloques de apartamentos, con excelentes montajes que encabalgan diversos escenarios en un mismo número musical (una estética que nos hace pensar en el tratamiento del baile en las producciones llegadas de Bollywood). Del mismo modo, con la misma magistralidad, nos son presentados los cuadros de baile en interiores entre los que destaca la representación inicial, con ese decorado que hace pensar en el Solaris de Stanisław Lem por ese elaborado telón de fondo de iluminación que palpita como un planeta radiactivo. Danzas erotizadas que oscilan entre lo anárquico y lo ordenado para dar pie a entrever el enigma emocional que es la protagonista, una individualista incendiaria que no reparará en manipular a los demás, con el sensualismo que respira toda ella, en aras de alcanzar sus objetivos.
Danza, sexo y fuego para hablar del drama de necesitar ser amado. Porque ese es el auténtico objetivo de Ema, más egoísta que transgresora. Y entre tanta exposición se diluye la reflexión sobre el reto y dificultad de ser padres, que se evidenciaría más, si cabe, con la adopción cuando resulta fallida. Una reflexión que fue el germen del guion cuando era solo un proyecto. Ema es una película ocasional en el sentido de que no se siguió el protocolo habitual a la hora de emprender su rodaje. Efectivamente, desde la idea original, que no fue escrita, pudo llevarse a cabo con ocasión de un breve paréntesis en la carrera de Larraín y fue abordada dejando mucho a la espontaneidad. A juicio del autor, salió una propuesta que no tiene mucho tiempo para pensarse a sí misma. Y eso le da su pátina de obra arriesgada, en ello reside su fuerza, pero también su desaliño. La trama argumental se fragmenta entre aciertos visuales y avanza a trompicones, en una obra que tiene más de expresiva que de enunciativa, dando luz a una cinta en la que el riesgo y la imperfección van de la mano.
La Ema del director es chorro creativo, volcán de sensaciones y experiencias estéticas, hay en ella pasión y entusiasmo. Pero la que me llega a mí como espectadora, la que cierro desde mi biografía, es poderosa pero disgregada, produce fruición, pero también repudio. En mi lectura, tiene tanto de grandeza como de desatino.
SOBRE LO INFINITO (Om det oändliga, Roy Andersson, 2019)
Suecia. Duración: 76 min. Guion: Roy Andersson Fotografía: Gergely Pálos Productora: 4 1/2 Film / Roy Andersson Filmproduktion AB Género: Drama
Reparto: Martin Serner, Jessica Louthander, Tatiana Delaunay, Anders Hellström, Jan-Eje Ferling, Thore Flygel, Stefan Karlsson, Bengt Bergius, Marie Burman, Amanda Davies, Karin Engman, Lotta Forsberg, Göran Holm, Lars Lundgren, Stefan Palmqvist, Vanja Rosenberg, André Vaara, Magnus Wallgren
Sinopsis: Una reflexión en torno a la vida con toda su belleza y crueldad, su esplendor y banalidad. Momentos intrascendentes cobran el mismo significado que un momento histórico: una pareja flota por encima de Colonia, desgarrada por la guerra; camino de una fiesta de cumpleaños, un padre se agacha para atar el cordón del zapato de su hija bajo una lluvia torrencial; unas adolescentes bailan delante de un café; un ejército derrotado marcha hacia un campo de prisioneros. A la vez oda y lamento, SOBRE LO INFINITO ofrece un caleidoscopio de todo lo eternamente humano, una historia infinita de la vulnerabilidad de la existencia.
Cerrada su trilogía de la vida con Una paloma se posó en una rama para reflexionar sobre la 
existencia, el poco prolífico Roy Andersson regresa a nuestras pantallas con otra propuesta de título sugerente, Sobre lo infinito. Título que nos habla en dos sentidos, el de sobrevolar el infinito, y el de adentrarnos en un ensayo que busca analizar los significados de la infinitud. Y en Andersson ambas acepciones se dan la mano, como ya se hace explícito en el propio cartel promocional del filme: una pareja vuela abrazada sobre una bella ciudad en ruinas. Una imagen, esta, que resume los objetivos del director, ofrecernos un acercamiento onírico a las múltiples faces azarosas de lo humano. Nos desplazaremos en apenas hora y cuarto por una galería de cuadros que ilustran circunstancias mínimas, pero desde un punto de vista que las convierte en trascendentes, al dotarlas de grandes pinceladas de un existencialismo que mezcla lo fatal y lo dramático con el humor absurdo. La obra del sueco enmienda la plana al realismo, pues nos trae la misma Comedia humana de Balzac (con lo que ello supone), pero plasmada con la paleta del esperpento y la deformación surrealista.
El cine de Andersson no se deja circunscribir a ningún género (ni subgénero), pues se cocina con ingredientes de muchos de ellos, condimentados, además, con un enfoque personal y único. Lo que da unidad y define a su trabajo, es su propio estilo como autor. Su cine huye de la narración, pues para él trabajar desde lo narrativo implica someterse a una fórmula, y lo formulario se vuelve predecible limitando, así, la creatividad del artista. La forma es ya en sí misma fondo, puesto que ella es la que permite aprehender la intención y el contenido significativo de un relato que hace del fragmento sinécdoque del todo. El séptimo arte se aproxima, en manos de nuestro director, al noveno, pues siempre trabaja los contenidos de sus historias mediante la yuxtaposición de viñetas, con pleno sentido cada una de ellas, además.
Andersson construye sus películas con el concurso de largas tomas en plano fijo en las que la profundidad de campo aporta sentido a lo referido, la disposición de la escena dentro del encuadre es parte del relato. En sus composiciones, los figurantes, casi inmóviles, son contextuales, pero indisociables del texto. Su presencia condiciona la trama del sketch y le da las necesarias claves interpretativas al espectador, al cual se le exige participar activamente. En efecto, el uso exclusivo del plano general determina la construcción de la imagen, pues, en ausencia de montaje, será la meticulosa composición la que habrá de dirigir la mirada hacia lo relevante, pero también exige la connivencia del esfuerzo del que mira. El espectador ha de hacer las veces de editor. El cine de Andersson es un cine inteligente que no toma al público por necio, no subraya nunca, solo se cifra con los estrictos sintagmas del lenguaje visual. Esa es la condición de su excelencia y, también, de su dificultad. Nunca estará mejor usado el lugar común del “no es para todos los públicos” que ante el trabajo de este autor cuyas películas están en las antípodas de toda cinta mainstream. Si se acepta el juego, la fruición es mucha, si no, esta exposición del extrañamiento resultará impenetrable.
Lo extraño es el pentagrama sobre el que se escribe todo su discurso. La meta de Andersson es escupir a la clase dominante, por eso su cine se requiere provocador. Lo logra con su puesta en escena, de la que no es parte menor su peculiar tratamiento de lo cromático. Seña de identidad es ese color degradado que convierte toda tonalidad en su versión pastel, un cromatismo que se refuerza además con un peculiar registro de la luminosidad. Nuestro creador trabaja con una iluminación, un punto sobreexpuesta, que no proyecta sombras, la luz ideal para el retrato aplicada aquí a la crónica. La ausencia de contraste aporta a la imagen un lirismo que matiza el discurso, que lo hace sobreponerse del pesimismo en el que incurriría si no fuese por esa pátina poética, sumada a un humor que resalta lo grotesco para abrirle un resquicio a la esperanza.
Después de hacerse valedor del León de Oro de la Mostra de Venecia con su anterior película, regresa cinco años más tarde con una cinta todavía más extrema en sus recursos. Sobre lo infinito no mantiene un hilo conductor entre sus piezas aunque a veces se encabalgue una con otra y a pesar de que algunos de sus fragmentos tengan continuidad. Influido por su relectura de Las mil y una noches, Andersson quiso escribir su propia recopilación de cuentos, por eso introduce un elemento que hasta ahora no había aparecido en su trabajo, la voz en off. Pero no piensen en un narrador machacón que sobrevuela todo el texto fílmico, aquí la voz de su particular Scheherazade salpica, aquí y allá, algunos apuntes sobre los motivos filmados. Casi al azar. Porque nuevamente la fatalidad de la existencia está en el punto de mira, con toda su carga, en este conjunto más onírico que nunca. En Sobre lo infinito hay espacio, pese a su corta duración, para reflexionar sobre la guerra desde una perspectiva antibelicista, sobre el arrepentimiento y la vergüenza que hemos de cargar como especie, de ironizar sobre el nazismo y sobre la pareja, sobre la amistad y la envidia, sobre ese tema tan bergmaniano que es la pérdida de la fe por parte de quien tiene que difundirla… Espacio para sacudir conciencias a golpe de fundido en negro. Con respeto y fidelidad, Andersson hace desfilar ante nuestros ojos una cohorte de humanos extraños y extrañados en los que podemos ver nuestro propio reflejo. Nos hace esbozar sonrisas que no son dulces (ni tampoco amargas) y nos hace volar, como esa pareja abrazada del cartel, sobre nuestra condición finita en el marco de lo infinito. La metafísica y el absurdo se dan de nuevo la mano en un filme que asesta certeros golpes a nuestras creencias.
Estamos ante una nueva descarga de escepticismo que, sin embargo, no nos electrocuta, al contrario, nos despierta del dogmatismo para abrirnos a la esperanza de regeneración. Al servicio del humanismo, el cine de Andersson es arte que redime.
DIOS ES MUJER Y SE LLAMA PETRUNYA (Gospod postoi, imeto i’ e Petrunija, Teona Strugar Mitevska, 2019)
Macedonia-Bélgica-Francia-Croacia-Eslovenia. Duración: 100 min. Guion: Teona Strugar Mitevska, Elma Tataragic Música: Olivier Samouillan Fotografía: Virginie Saint-Martin Productora: Deuxieme Ligne Films / Entre Chien et Loup / Sister and Brother Mitevski / Spiritus Movens / Vertigo/Emotionfilm Género: Drama
Reparto: Zorica Nusheva, Labina Mitevska, Stefan Vujisic, Suad Begovski, Simeon Moni Damevski, Violeta Sapkovska, Petar Mircevski, Andrijana Kolevska, Nikola Kumev, Bajrush Mjaku, Xhevdet Jashari, Vladimir Tuliev, Ilija Volcheski, Igor Todorov, Nenad Angelkovic, Mario Knezovic, Ljiljana Bogojevic, Straso Milosevski, Pece Ristevski, Stojan Arev
Sinopsis: Cada mes de enero tiene lugar el mismo festival en un pequeño pueblo de Macedonia: uno de los sacerdotes de mayor rango eclesiástico lanza una cruz al agua que un grupo de hombres ha de buscar. Se dice que aquel que la encuentre tendrá para siempre buena suerte en la vida y prosperidad. Sin embargo, este año es una mujer, Petrunija (Zorica Nusheva) quien tiene la suerte de encontrarla. Dado que vive en una sociedad basada en antiguos códigos morales y sociales, la comunidad de hombres se siente con el derecho de estar enfurecidos. ¿Cómo es posible que una mujer se haya atrevido a hacer lo mismo que ellos, teniendo éxito en el proceso? Sin embargo, Petrunija se siente la legítima ganadora del concurso y no está dispuesta a devolver la cruz bajo ningún concepto.
No puedo estar más en desacuerdo con estas palabras: “Resulta indignante comprobar cómo amparándose en causas nobles, el world cinema arma estos productos de una superficialidad y demagogia a tal punto obscenas”. Tanto, que tengo la certeza de que su autor, Fernando E. Juan Lima, y yo no hemos visto la misma película. Esta profunda discrepancia me vuelve a hacer reflexionar sobre dónde queda concluida la obra de arte y cuál es el valor del crítico, si es la mirada de quien la contempla la que cierra el círculo, mediada por el bagaje experiencial y teórico que este espectador posea. Cada opinión es una lectura personal susceptible de no ser fiel al texto que trata de descifrar, sin entrar en el jardín que supone la hermenéutica de Gadamer (según la cual no toda lectura es la lectura), sí quiero poner de relieve que la coincidencia, aunque no llegue a alcanzar la objetividad, pone la intersubjetividad suficiente para determinar el mayor o menor acierto de un análisis. Así que, como si de matrioskas se tratara, quien lee la crítica la lleva a su propio marco cognitivo, la interpreta, la “completa” y la posiciona respecto a sí mismo, aprehende de ella una lectura personal que incorporará a su bagaje, aquel que, a su vez, condicionará su visión de la cinta comentada. Desconfíen siempre de los críticos categóricos que pretenden tener la última palabra, la verdadera, sospechen siempre de las lecturas excluyentes que niegan el debate, porque, si algún valor puede tener una crítica, es el de entablar un diálogo abierto desde el que cada espectador podrá añadir la suya. Y vayan al cine, que de ello se trata, para cerrar por ustedes mismos, desde su experiencia y su juicio, el valor de un filme. Vean Dios es mujer y se llama Petrunya, porque merece su atención, merece la pena escuchar lo que tiene que decir sobre algo tan de actualidad como es el lugar de la mujer en el mundo.
La voz de Teona Strugar Mitevska es una voz con mucha personalidad, en este su quinto largometraje nos recita una historia pequeña, casi una anécdota, pero con la inteligencia de saber hacerla universal. Lo sufrido por Petrunya, en las carnes de Zorica Nusheva, bien podría ser tomado como epítome de lo que las macedonias viven en su país, y lo que a estas les acontece, a su vez, es susceptible de ser considerado epítome de lo que sufren las mujeres en cualquier región. Un cantico visual que entona sin aspavientos el discurso de la búsqueda de la igualdad, perlado de distorsión irónica con la que construye un personaje atípico, casi bizarro, pero con el que es fácil intercambiarse. Una romanza que en su sencillez conjuga una ternura entrañable con una acidez casi cáustica, mezcla que logra una composición lúcida que nos radiografía lo que tiene de grotesco y de brutal el machismo.
Que no llamen a engaño, sin embargo, mis metáforas, porque no solamente es sólido el guion, sino que lo poderoso es como se traduce en imagen. Dios es mujer y se llama Petrunya no es una película discursiva, los diálogos en ningún momento sustituyen lo visual. Es su esmerada fotografía, nada barroca pese a su virtuosismo, con el extremo cuidado de encuadres y composiciones, la que nos obliga a mantenernos atentos, ojo avizor como si estuviéramos hipnotizados. Son los planos los que narran y los que con su composición meditada dibujan los personajes, unos caracteres redondos por pequeña que sea su intervención en la trama. Nada de trazo grueso aunque su sucinto metraje obligue a lo esquemático. Buena mano en la puesta en escena en la que se adivina la buena sintonía entre la directora y Virginie Saint-Martin, responsable de la fotografía.
Película comprometida, pieza de autor, es también cinta de personaje, y ahí el trabajo de la cómica Zorica Nusheva se manifiesta soberbio. Sin ella nuestra Petrunya no tendría el perfil que nos seduce. Nadie como ella para dar cuerpo a esta mujer no tan joven, ni muy agraciada, que se ve menospreciada y coartada por un clima social en el que el talento femenino no es carta de presentación suficiente, porque tiene preestablecido el papel al que ha de quedar relegada la mujer. Una opresión que viene ya de su propia madre y que se extenderá a las fuerzas vivas cuando Petrunya, por impulso, incurra en la blasfemia de competir con los hombres en su terreno y, encima, alzarse con la victoria. Solo desnuda se siente libre, porque así es cuando se libera del corsé, del patrón impuesto por unos terceros que está condenada a no satisfacer, porque es entonces cuando contacta con su intimidad y su instinto, cuando se pone en valor. Petrunya no era una heroína ni una rebelde, solo una joven distinta que acepta su represión con resistencia. Cuando se lanza a participar en la Epiphany Cross Dive anual, una ceremonia religiosa en la que un párroco arroja una cruz a un río helado, tradicionalmente reservada a los hombres y según la cual quien recupere la cruz será afortunado durante un año, cuando se arroja al río vestida no lo hace de forma meditada, sino que es un acto totalmente impulsivo. Pero ese acto no meditado, y que la expone a la ira de sus paisanos, se convertirá en el trampolín que la propulsará a hacerse dueña de sí misma. Y a ser icono de una lucha en la que queda mucho por hacer.
Un filme inspirado en una aparente menudencia (que aconteció realmente en la Macedonia profunda) en el que concurre la grandeza de saber extraer la gran enseñanza que encierran esas rebeldías anónimas. Ellas son las que jalonan la batalla colectiva que habrá de traernos un mundo más libre y justo. Una cinta en absoluto superficial, ni demagógica ni obscena. Sincera e interesante.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 17 de enero de 2020 *
BAD BOYS FOR LIFE (Bilall Fallah, 2020)
USA. Duración: 123 min. Guion: Joe Carnahan, George Gallo, David Guggenheim, Anthony Tambakis, Chris Bremner Música: Lorne Balfe Fotografía: Benoît Debie Productora: Columbia Pictures / Jerry Bruckheimer Films / Platinum Dunes Género: Acción
Reparto: Will Smith, Martin Lawrence, Vanessa Hudgens, Kate del Castillo, Paola Nuñez, Joe Pantoliano, Charles Melton, Alexander Ludwig, Nicky Jam, DJ Khaled, Ivo Nandi, Happy Anderson
Sinopsis: En esta tercera entrega de la franquicia, los polícía Mike Lowrey (Will Smith) y Marcus Burnett (Martin Lawrence) vuelven a patrullar juntos en un último viaje.
Bad Boys for Life es, a pesar de no estar indicada para menores por sus altas dosis de violencia, un entretenimiento puro y sin complicaciones. Predecible, ofrece justo lo que el espectador de esta saga, de la que esta es su tercera entrega, puede pedir: mucha acción, comedia y un guión sencillo pero eficaz. Gran parte de su humor reside en la buena química existente entre sus protagonistas, Will Smith y Martin Lawrence, que en esta ocasión pasan la mayor parte del filme haciendo humoradas sobre su edad, pues no en vano la primera película de la serie se estrenó en 1995, por lo que ambos son 25 años mayores, y mientras uno de ellos piensa seriamente en su jubilación, el otro permanece atado a su imagen de enfant terrible.
En esta ocasión, los dos compañeros, acostumbrados a soluciones drásticas, tendrán que adaptarse a la forma de actuar de un equipo de policía cientifica, la AMMO, dirigido por la teniente Rita (Paola Nuñez), antigua novia de Mike, con la que seguirá vigente la tensión sexual. La mezcla de maneras de trabajar, la old school de Mike (Will Smith) y Marcus (Martin Lawrence) y la tecnológico-científica de la AMMO, demostrarán ser eficaces y complementarias, lo que no evita que antes se produzcan los esperados choques entre las dos prácticas policiales, que darán pie a nuevas situaciones cómicas y de tensión. Si esto se da en la trama, es también porque la película también reflexiona sobre los modos de plantear el género. Y es que la serie televisiva CSI, que emitió su primer capítulo en el año 2000, marcó un antes y un después.
Buenas escenas de acción y buenos gags, especialmente para los amantes de Will Smith, así como una trama entretenida en la que no deja de estar presente una cierta forma de reivindicar la negritud, de tal modo que incluso en un momento los dos protagonistas juegan a poli-bueno/poli-malo llamándose Martin Luther King y Malcolm X. Todo muy básico en una película que no deja de ser superficial, pero muy efectiva.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 10 de enero de 2020*
EL FARO (The Lighthouse, Robert Eggers, 2019)
USA/Canadá. Duración: 110 min. Guion: Robert Eggers, Max Eggers Música: Mark Korven Fotografía: Jarin Blaschke (B&W) Productora: New Regency Pictures / RT Features. Distribuida por: A24 Género: Drama
Reparto: Willem Dafoe, Robert Pattinson
Sinopsis: Una remota y misteriosa isla de Nueva Inglaterra en la década de 1890. El veterano farero Thomas Wake (Willem Dafoe) y su joven ayudante Ephraim Winslow (Robert Pattinson) deberán convivir durante cuatro semanas. Su objetivo será mantener el faro en buenas condiciones hasta que llegue el relevo que les permita volver a tierra. Pero las cosas se complican cuando surjan conflictos por jerarquías de poder entre ambos.
The Lighthouse recupera, en cierto modo, los mejores modos del arte mudo. Rodada en un soberbio blanco y negro y en 1.37:1, el formato de pantalla vigente desde los años treinta hasta los cincuenta, antes del nacimiento oficial del cine panorámico en 1952, todo está dispuesto para transportar al espectador a otra época, de la que se encarga de retornarla puntualmente uno de sus protagonistas, Willem DaFoe, a base de sonoros pedos. Pero también el director con sus perturbadoras escenas sexuales ¿La historia? El descenso a la locura de un farero y su aprendiz cuando tengan que pasar ambos unas semanas en el faro de una alejada isla de Nueva Inglaterra en las postrimerías del siglo XIX. ¿El resultado? Un film excepcional dotado de una gran fotografía, una gran historia, una dirección impresionante y dos grandes actores, DaFoe y Robert Pattinson, que lo dan todo. Un hito que confirma que nos encontramos ante el que podría ser uno de los más importantes directores de los últimos tiempos. Veremos.
EL MISTERIO DEL DRAGÓN (The Mystery of the Dragon Seal, Oleg Stepchenko, 2019)
China/Rusia/USA. Duración: 120 min. Guion: Alexey Petrukhin, Oleg Stepchenko, Dmitry Paltsev Música: Aleksandra Maghakyan, Zhang Yunshan Fotografía: Ivan Gudkov, Ng Man-Ching Productora: Buffalo 8 Productions / Kinokompaniya CTB / China Film Group / China International Picture / Fetisoff Illusion / GFA Entertainment / Gap Financing / Lime Studios / Russian Film Group Corporation / Sparkle Roll Media Género: Fantástico
Reparto: Jason Flemyng, Anna Yao, Anna Churina, Jackie Chan, Arnold Schwarzenegger, Rutger Hauer, Charles Dance, Paul Allica, Narupornkamol Chaisang, Barret Coates, Chayanit Chansangavej, Vladimir Dolinskiy, Christopher Fairbank, Aleksandr Gorbatov
Sinopsis: El cartógrafo inglés Jonathan Green recibe la orden de crear un mapa de la lejana Rusia. En su largo viaje, Jonathan vivirá todo tipo de aventuras, desde enfrentamientos con extrañas criaturas y batallas con maestros en artes marciales hasta brujas milenarias ocultas en los rincones más recónditos de la legendaria China. Pero todas las pruebas parecerán un juego de niños cuando tenga que enfrentarse al mayor de los enemigos jamás creado por la magia negra: el gran Rey de los Dragones.
Suntuosos y exóticos decorados en la mejor tradición del cine chino de aventuras para esta historia repleta de magia que se vende como secuela del filme ruso Viy (2014), también de Stepchenko, que rehacía el histórico film original de 1967 y que, al igual que aquel, adaptaba una obra de Gogol.
Ahora los mismos personajes de aquella, son puestos al servicio de una cinta muy diferente, fuertemente influenciada por el cine chino y que cuenta con la participación-reclamo de dos grandes actores del cine de aventuras: Jackie Chan y Arnold Swarzenegger, que secundan a los protagonitas junto a algunas otras viejas glorias del cine como Rutger Hauer o Charles Dance. El resultado es un tanto extraño, pero eficaz: tras un comienzo que abre y retrotrae al espectador a historias pretéritas y paralelas, se le ofrecerá una película clásica de aventuras para toda la familia, con magníficas coreografías de lucha y alguna pintoresca criatura. Humor, acción, magia y fantasía haciendo referencia, de paso, a tres hitos y leyendas de la cultura popular europea y asiática: el reinado de Pedro el Grande, de quien se dijo que no era zar legítimo; la maldición del camino del té, que tenía a un poderoso dragón protegiendo las hojas de té; y la leyenda de la máscara de hierro, basada en un misterioso prisionero de la Bastilla, y todo ello con unos Swarzenegger y Jackie Chan ejerciendo de agradecidos actores secundarios.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 3 de enero de 2020 *
FORTUNA (Germinal Roaux, 2018)
Suiza. Duración: 106 min. Guion: Germinal Roaux Fotografía: Colin Lévêque Productora: Vega Film Production / Need Productions / Proximus / Radio Télévision Suisse (RTS) Género: Drama
Reparto: Kidist Siyum, Bruno Ganz, Stéphane Bissot
Sinopsis: Fortuna, una niña etíope de 14 años, es recibida con otros refugiados por una comunidad de monjes católicos en un monasterio de los Alpes suizos. Allí conoce a Kabir, un joven africano de la que se enamora. Es invierno y a medida que la nieve cubre los picos, el monasterio se convierte en su refugio, pero también en escenario de acontecimientos que socavan la vida pacífica de los monjes.
Fortuna es una película sobre problemática de la emigración, si, pero también sobre el peso que la fe y la religión puede tener en todos nosotros y, sobre todo, en los más necesitados, los auténticos desheredados de la tierra que no poseen nada más allá de su fe como única tabla de salvamento. Se cuestiona Fortuna el papel de la iglesia para con todos estos necesitados cuando un grupo de emigrantes van a parar a un convento de los alpes suizos, en el cual el recogimiento y el silencio buscado de los monjes se verá enfrentado a su deber de consuelo con los más necesitados. Deberán abandonar su papel de ascetas y enfrentarse a los problemas terrenales, entre ellos los de Fortuna, nombre de la niña etíope protagonista, y su pérdida de la infancia.
Blanco y negro y formato de pantalla 1:37 para una historia gélida pero llena de calor. Cercana, aunque el espectador sea testigo de los hechos desde la distancia, pero sobre todo muy intimista y también contradictoria en su pesimismo, al tener a una protagonista que, llamándose Fortuna, represente la derrota de la sociedad occidental.
Las favoritas de Serendipia 2019
Aunque con cierto retraso, achacable al que en general sufre el propio Serendipia, llega la lista que nadie había pedido: nuestras películas favoritas de 2019. La cosecha ha sido aún más escasa que el año anterior por problemas familiares, que han impedido que Serendipia estuviera tan activa como en otros años, pero aún así ha procurado ver cuanto ha podido, o al menos, lo más interesante de este año. Algunas de las películas vistas en festivales y cuyo estreno está confirmado para 2020, las hemos dejado para el listado de ese año. Este es el caso de El faro (The Lighthouse, Robert Eggers) que pueden haber visto en otros listados. Otras, que vimos en festivales e incluimos en el listado anterior, las hemos dejado fuera a pesar de que se han terminado estrenando en nuestras pantallas. Eso explica, por ejemplo, la ausencia de The House That Jack Built o Ghostland. Finalmente, hemos listado cintas vistas en festivales y cuyo estreno en nuestras pantallas comenzamos a dudar. Este es el caso de El monstruo de St. Pauli (Der goldene Handschuh, Fatih Akin, 2019) o Samurai Marathon, de Bernard Rose. Vamos allá:
OCHO DEL FANTÁSTICO
1 – EL MONSTRUO DE ST. PAULI (Der goldene Handschuh, Fatih Akin, 2019)
2 – EL HOYO (Galder Gaztelu-Urrutia, 2019)
3 – ZOMBI CHILD (Bertrand Bonello, 2019)
4 – LOS MUERTOS NO MUEREN (The Dead Don’t Die, Jim Jarmusch, 2019)
5 – GLASS(M. Night Shyamalan, 2019)
6 – AMIGO (Óscar Martín, 2019)
7 – ALITA, ÁNGEL DE COMBATE (Robert Rodríguez, 2019)
8 – MIDSOMMAR (Aris Aster, 2019)
SIETE INTERNACIONALES
1 – PARÁSITOS (Gisaengchung, Bong Joon Ho, 2019)
2 – ÉRASE UNA VEZ EN HOLLYWOOD(Once Upon a Time in… Hollywood, Quentin Tarantino, 2019)
3 – SAMURAI MARATHON(Bernad Rose, 2019)
4 – DE PATRICK (Tim Mielants, 2019)
5 – LA FAVORITA (The Favourite, Yorgos Lanthimos, 2018)
6 – LARGO VIAJE HACIA LA NOCHE (Di qiu zui hou de ye wan, Bi Gan, 2018)
7 – EL JOVEN AHMED (Le Jeune Ahmed, Jean-Pierre Dardenne, Luc Dardenne, 2019)
SEIS ESPAÑOLAS
1 – MIENTRAS DURE LA GUERRA (Alejandro Amenábar, 2019)
2 – DOLOR Y GLORIA (Pedro Almodóvar, 2019)
3 – INTEMPERIE (Benito Zambrano, 2019)
4 – LA HIJA DE UN LADRÓN (Belén Funes, 2019)
5 – VENTAJAS DE VIAJAR EN TREN(Aritz Moreno, 2019)
6 – QUIEN A HIERRO MATA (Paco Plaza, 2019)
CINCO DE ANIMACIÓN Y DOCUMENTALES
1 – MONROVIA, INDIANA (Frederick Wiseman, 2018) Documental
2 – STEVE BANNON, EL GRAN MANIPULADOR (The Brink, Alison Klayman, 2019) Documental
3 – ¿DÓNDE ESTÁ MI CUERPO? (J’ai perdu mon corps, Jérémy Clapin, 2019) Animación
4 – EL TIEMPO CONTIGO (Tenki no ko, Makoto Shinkai, 2019) Animación
5 – MIRAI, MI HERMANA PEQUEÑA (Mirai, Mamoru Hosoda, 2018) Animación
Y FINALMENTE: EL PODIUM 2019
1 – PARÁSITOS / ÉRASE UNA VEZ EN HOLLYWOOD
2 – EL MONSTRUO DE ST. PAULI
3 – ¿DÓNDE ESTÁ MI CUERPO?
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Miércoles 1 de enero de 2020 *
EL OFICIAL Y EL ESPÍA (J’accuse, Roman Polanski, 2019)
Francia/Italia. Duración: 126 min. Guion: Roman Polanski (Novela: Robert Harris) Música: Alexandre Desplat Fotografía: Pawel Edelman Productora: Gaumont / Légende Films / Canal+ / Eliseo Cinema / France 2 (FR 2) / France 3 (FR 3) / RAI Cinema Género: Drama
Reparto: Jean Dujardin, Louis Garrel, Emmanuelle Seigner, Grégory Gadebois, Hervé Pierre, Wladimir Yordanoff, Didier Sandre, Melvil Poupaud, Eric Ruf, Mathieu Amalric, Laurent Stocker, Vincent Pérez,
Sinopsis: 5 de enero de 1895. El capitán Alfred Dreyfus, un joven oficial judío, es degradado por espiar para Alemania y condenado a cadena perpetua en la isla del Diablo, en la Guayana Francesa. Entre los testigos que hacen posible esta humillación se encuentra el coronel Georges Picquart, encargado de liderar la unidad de contrainteligencia que descubrió al espía. Pero cuando Picquart se entera de que se siguen pasando secretos militares a los alemanes, se adentrará en un peligroso laberinto de mentiras y corrupción, poniendo en peligro su honor y su vida.
El caso Dreyfus tuvo como origen una sentencia judicial de neto corte antisemita, sobre un trasfondo de espionaje en el que la víctima fue el capitán Alfred Dreyfus (1859-1935), de origen judío-alsaciano, y que durante doce años, de 1894 a 1906, conmocionó a la sociedad francesa de la época, marcando un hito en la historia del antisemitismo.
La revelación del escándalo en Yo acuso (J’accuse), un artículo de Émile Zola de 1898, provocó una sucesión de crisis políticas y sociales inéditas en Francia que, en el momento de su apogeo en 1899, revelaron las fracturas pronunciadas que subyacían en la Tercera República Francesa.
La historia, que todavía hoy resulta escandalosa, tuvo diversas adaptaciones cinematográficas siendo quizás la más popular I accuse (1957) que dirigió y protagonizó José Ferrer. Pero nunca, hasta ahora, había sido adaptada para el cine francés.
Román Polanski, uno de los directores más relevantes de nuestros tiempos, dirige y escribe esta película basada en la novela de Robert Harris An officer and a spy, centrada en el Coronel Georges Picquart, un militar antisemita que formó parte del jurado que condenó a Dreyfus pero que, al ser nombrado jefe del departamento de Información detectará irregularidades que, en su búsqueda de la verdad, descubrirán una trama fraguada en altos estamentos militares para culpabilizar a un inocente.
Protagonista absoluto, Jean Dujardin en su papel de Picquart consigue crear un interpretación solida y sombría, demostrando que además de ser magnífico actor para la comedia, posee recursos para todo registro. Aparte de Dujardin el filme cuenta con la presencia de Louis Garrel y Emmanuelle Seigner, además de un modélico plantel de actores y el propio director, que participa delante de la cámara apareciendo como figurante.
Enrevesada en algunos momentos, la trama llevará al espectador a un momento histórico convulso y que todavía llegaría a serlo más protagonizado por potencias antagonistas y un creciente antisemitismo que llevaría a Europa, pocos años después, a la I Guerra Mundial, que no fue otra cosa que un preludio de la segunda.
Galardonada con el LEÓN DE PLATA (Gran Premio del Jurado) en la última edición del Festival de Venecia, la Federación internacional de críticos (FIPRESCI), le otorgó asimismo el premio a la mejor película de la sección oficial, además de conseguir 4 nominaciones en las principales categorías de los Premios de Cine Europeo, convirtiéndose en una de las favoritas de la presente edición.
LA MALDICIÓN (The Grudge, Nicolas Pesce, 2020)
USA. Guion: Nicolas Pesce (Remake: Takashi Shimizu. Historia: Jeff Buhler, Nicolas Pesce) Música: The Newton Brothers Fotografía: Zack Galler Productora: Ghost House Pictures / Good Universe / Columbia Pictures / Sony Pictures Entertainment (SPE) / Stage 6 Films. Distribuida por: Sony Pictures Entertainment (SPE). Productor: Sam Raimi Género: Terror
Reparto: Demian Bichir, John Cho, Andrea Riseborough, Lin Shaye, Betty Gilpin, William Sadler, Jacki Weaver, Frankie Faison, Stefanie Sherk, Tara Westwood, Joel Garland, Nancy Sorel, Stephanie Sy, David Brown, Zoe Fish, Bradley Sawatzky.
Sinopsis: Una casa encantada por un espíritu vengativo maldice a todos aquellos que entran en el lugar, llevándolos a tener una muerte violenta.
En 2002 y todavía con el eco del gran éxito mundial de El círculo (The Ring, Hideo Nakata, 1998), película que puso a Japón en el circuito mundial del cine de terror, Takashi Shimizu dirige La maldición (The Grudge), cuyo éxito prodiga una rápida secuela al año siguiente. El propio Shimizu se encargará de dirigir dos adaptaciones para el mercado norteamericano -y por ende, occidental- de la que, en parte, esta es una continuación.
Dirigida por el responsable de la magnífica The Eyes of my Mother (2016) y la interesante Piercing (2018), esta película promete más de lo que ofrece al presentarnos dos atípicos protagonistas: por un lado una policía viuda y madre de un niño de corta edad. Una mujer no especialmente atractiva fisicamente (Andrea Riseborough, a la que ustedes recordarán perfectamente por Mandy) y que, sorpresa, no será interés romántico de su compañero, un veterano policía soltero de fuertes convicciones católicas cuya madre, con la que vivía, ha fallecido recientemente (Demián Bichir). Lamentablemente todas estas características bien poco aportarán a la trama, que de ser una intriga sobre casas encantadas pasará, casi exclusivamente, a dedicarse a ofrecer sustos con los que crispar los nervios del espectador menos exigente al que, por otro lado, posiblemente va dirigido el filme.
VAMOS DE ESTRENO (o no): Miércoles 25 de diciembre
LA VERDAD (La vérité, Hirokazu Koreeda, 2019)
Francia/Japón. Duración: 106 min. Guion: Hirokazu Koreeda, Léa Le Dimna Música: Alexei Aigui Fotografía: Eric Gautier Productora: 3B Productions / Bun-Buku / MI Movies / France 3 Cinéma / Garidi Films Género: Drama
Reparto: Catherine Deneuve, Juliette Binoche, Ethan Hawke, Ludivine Sagnier, Clémentine Grenier, Manon Clavel, Alain Libolt, Christian Crahay, Roger Van Hool, Laurent Capelluto
Sinopsis: Fabienne es una estrella del cine francés. Vive rodeada de hombres que la aman y admiran. Va a presentar sus memorias, y por ello su hija Lumir regresa de Nueva York con su marido y su hija. La reunión entre madre e hija no tardará en convertirse en un enfrentamiento: se revelarán verdades, se ajustarán cuentas, se hablará de amor y de resentimiento.
Kore-eda Hirokazu es uno de los directores japoneses más aclamados internacionalmente por la crítica y adorado por el público. Y eso no es nada fácil siendo, como es, un director que no se caracteriza por encasillarse u ofrecer productos similares. Bien al contrario, entre sus últimas películas podemos encontrar dramas familiares como el mostrado en la deliciosa Nuestra hermana pequeña (Umimachi Diary, 2015) y la muy interesante Después de la tormenta(Umi yori mo mada fukakuaka, 2016) o el drama judicial El tercer asesinato (Sando-me no satsujin, 2017). Aquí de nuevo ofrece al espectador una visión de la familia. Pesimista, claro, pero en un marco bien diferenciado al que nos ha mostrado en otras de sus películas al haberla rodado en Francia protagonizada por actrices de la talla de Catherine Deneuve y Juliette Binoche. Madre e hija en la ficción que se restregarán mutuamente los celos y remordimientos del pasado. Cine dentro del cine, la Deneuve interpretará a una otoñal actriz que se negará a admitir su decadencia y cuya última propia película, que está rodando a desgana con unas actrices jóvenes y ascendentes, servirá para sacar todos los reproches del pasado, pero también la admiración y el cariño que ambas se profesaron sin llegar a confesárselo nunca. Será en la sutileza empleada para narrarlo todo, además de en su desenlace, donde más se notará la mano de Koreeda, su sensibilidad y agradable toque, que alejará su filme de la mentalidad europea. Una sutileza y elegancia que funciona maravillosamente con las protagonistas de esta película de actrices en las que los personajes masculinos serán poco más que accesorios. Incluido un contenido y correcto Ethan Hawke, que acepta con profesionalidad su carácter secudario. Catherine Deneuve muestra de nuevo con su interpretación la gran dama del cine que siempre será y demuestra una gran química con Juliette Binoche, actriz con la que, ahora sentimos como inexplicable, nunca antes había trabajado. Koreeda, feliz de trabajar con semejante leyenda del cine, no puede evitar ofrecer un guiño cinéfilo hacia Deneuve con cierto vestido emblemático que lució en Belle de Jour (1967), una de las muchas obras maestras de Luis Buñuel.
MUJERCITAS (Little Women, Greta Gerwig, 2019)
USA. Duración: 135 min. Guion: Greta Gerwig (Novela: Louisa May Alcott) Música: Alexandre Desplat Fotografía: Yorick Le Saux Productora: Columbia Pictures / Sony Pictures Entertainment (SPE) / New Regency Pictures / Pascal Pictures / Regency Enterprises. Distribuida por: Columbia Pictures Género: Drama
Reparto: Saoirse Ronan, Emma Watson, Timothée Chalamet, Laura Dern, Meryl Streep, Florence Pugh, James Norton, Eliza Scanlen, Louis Garrel, Bob Odenkirk, Chris Cooper, Tracy Letts, Abby Quinn, Sasha Frolova
Sinopsis: Amy, Jo, Beth y Meg son cuatro hermanas adolescentes que se embarcan en unas vacaciones con su madre, pero sin su padre, un evangelista itinerante. A medida que atraviesan el estado de Massachusetts, sumido en plena Guerra Civil, descubren el amor y la importancia de los lazos familiares.
Alguien dijo que cada generación tiene o debería tener una versión cinematográfica de esta novela de Louisa May Alcott. Aunque tan solo dos de ellas han resultado obras maestras, la de George Cukor de 1936 y la de Mervyn LeRoy en 1947, también destacaba la versión de Gilliam Armstrong de 1994. Ahora le ha tocado a Greta Gerwig el turno de adaptar esta novela en los tiempos del me too y de la justa y necesaria reivindicación feminista, algo que por otra parte hacía que nos temiéramos otro alegato ridículo a la altura del desgranado en, por ejemplo, Los Ángeles de Charlie. Afortunadamente no ha sido así, ni falta que le hacía, pues simplemente manteniendo la rebeldía y libertad femenina que encarna Jo, queda retratada la injusticia cometida con las mujeres de aquella época y el papel que se les tenía reservado. Tampoco teníamos la seguridad de que la, por otra parte excelente actriz, Saoirse Ronan fuera capaz de sacar adelante su papel y llegara a emocionarnos encarnando al dinámico personaje que tan bien retrataran Katherine Hepburn, June Allyson y Winona Ryder. Pero Saoirse Ronan escapa de su dulce papel habitual y realiza una simpática interpretación que nos ha convencido totalmente.
Junto a ella figuran otras de las mejores actrices de su generación como Emma Watson y Florence Pugh, en linea ascendente desde su revelación en Mindsommar (Ari Aster, 2019) y demostrando, con su soberbia interpretación, que es una actriz a tener mucho en cuenta. Por su parte el joven Timothée Chalamet prosigue sumando buenos papeles en su filmografía. Y junto a estas jóvenes actrices, la grandes veteranas Meryl Streep y Laura Dern., demostrando porqué están en el lugar que ocupan.
La directora ha abordado las obras de Louisa May Alcott que conforman la historia de Mujercitas de manera no lineal, al contrario de, al menos, las dos versiones más clásicas, mezclando así pasado y presente de manera ingeniosa, siempre con el protagonismo de la historia de Jo como hilo narrativo, aunque ello no significa que se corone como protagonista absoluta, pues el resto de personajes se tornarán definitivos para el desarrollo de la historia.
Un clásico que ha vuelto y que demuestra que su mensaje se mantiene vigente.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 20 de diciembre de 2019 *
SENSE SOSTRE (Sin techo) (Xesc Cabot y Pep Garrido, 2019)
España. Duración: 97 min. Guion: Xesc Cabot, Pep Garrido Música: Adrián De Alfonso, Lucrecia Dalt Fotografía: Aitor Echeverría Productora: Alhena Production / Atiende Films Género: Drama
Reparto: Enric Molina, Laia Manzanares, Teresa Vallicrosa
Sinopsis: Joan, un sintecho que malvive en las calles de Barcelona con la inseparable compañía de su perro Tuc, decide emprender un viaje sobrehumano hacia un destino que sólo él conoce.
A medio camino entre el documental y la ficción, Sense sostre nos muestra el áspero vivir cada día, o sería mejor decir, morir cada día de Joan, su protagonista, una persona sin hogar que se arrastra cada día por una ciudad que lo ignora, que prefiere no verlo, con la única compañía de un perro que tan solo está en su cabeza, embotada por el alcohol.
De estación en estación, en busca de un tren que ya marchó, el protagonista deambula entre contenedores, puentes y descampados con el frío, el alcohol, la noche y el miedo como compañeros de viaje en un vía crucis en el que, como en muchos dibujos animados, las personas ‘normales’ no tendrá cabida, no saldrán, no entrarán en su plano, en nuestro plano, no tendrán rostro y su presencia solo se detectará por la voz o como esas sombras que los esquivan y se apartan de su camino.
Los directores solo permitirán al espectador moverse en el círculo de Joan, al que en ningún momento juzgará. Nos agarrarán fuertemente por el cogote y, en plano cerrado, nos obligará a entrar en ese universo, que preferimos mantener invisible, convirtiéndonos en la sombra de su protagonista: nos levantaremos con él, recibiremos los golpes que recibe, nos embriagaremos y nos fatigaremos mientras caminamos con él a un destino incierto.
Una aproximación incómoda a un universo que nos aterra y queremos mantener invisible quizás porque sabemos que está más cerca de nosotros de lo que quisiéramos admitir. Nadie busca terminar durmiendo en la calle, como nadie quiere reconocer que todos estamos expuestos a ello. Y eso lo sabe bien Enric Molina, su protagonista absoluto pues, por avatares de la vida y sin haberlo esperado nunca, terminó viviendo durante una larga temporada en la calle. Incómoda, comprometida, valiente, necesaria. Y muy real.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 13 de diciembre de 2019 *
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SESIÓN SALVAJE (Paco Limón y Julio César Sánchez, 2019)
España. Duración: 84 min. Guion: Paco Limón, Daniel Luis López, Julio Cesar Sánchez Fotografía: Ernesto Herrera Productora: Apache Films / Morbido Films Género: Documental
El documental cuenta con la participación de Javier Aguirre, Simón Andreu, Paco Cabezas, Carmen Carrión, Álex de la Iglesia, Álvaro de Luna, Carlo De Marchis, Lone Fleming, Adrián García Bogliano, Jorge Grau, Fernando Guillén Cuervo, Jose Lifante, Emilio Linder, Enrique López Lavigne, Eugenio Martín, Antonio Mayans, Mariano Ozores, Esperanza Roy, Diego San José, Loreta Tovar, Nacho Vigalondo, Miguel Ángel Vivas
Sinopsis: Documental que recorre la época dorada del cine exploitation español, desde la década de los 60 a los 80, un cine de bajo presupuesto pero de gran aceptación popular que explotaba modas cinematográficas, desde el western al cine de terror, pasando por el cine quinqui o incluso las comedias eróticas.
Sesión Salvaje es EL DOCUMENTAL sobre cine de género español de los años setenta y ochenta que, partiendo del Spaghetti Western repasa la época dorada del Fantaterror, deteniéndose en la comedia de Ozores y el cine Quinqui. Llevando al espectador de Paul Naschy a Piquer Simón, deteniéndose significativamente en el reivindicativo y reivindicable, Eloy de la Iglesia y finalizando el trayecto con la llegada de la Ley Miró. Todo pespuntado con maestría, gracias, sobre todo, a su excepcional montaje que evita convertir la cinta en un simple ensartado de documentos. Aquí los entrevistados parecen hablar entre sí, no es una simple sucesión de entrevistas, el montador logra remitir al espectador la sensación de diálogo, un diálogo que se da entre los participantes, pero incluso entre las declaraciones y la imágenes que las ilustran. Así, los diálogos de las películas reseñadas logran abrir y cerrar los capítulos de este trabajo como si fueran secuencias lógicas que se desprendieran de ellas mismas. Todo ello hace que este documental sea una experiencia feliz y amena para el espectador, sin olvidar su labor didáctica que logrará despertar el interés incluso de aquella parte del público que, probablemente, desconozca el tema en la profundidad con la que aquí se aborda. No es un mero ejercicio de nostalgia. Sesión Salvaje es una obra de amor por el cine, todo el cine, pero especialmente ese cine de nuestra infancia que nos esforzamos en recuperar cada vez que cerramos las luces y vemos en nuestra pantalla una de aquellas películas realizadas por artesanos como León Klimovsky, Carlos Aured o Amando de Ossorio. Cine de género, de consumo, carne de sesión doble. Serie-B en muchos casos por formar parte de ese programa doble como la película que acompañaba a ‘la americana’, pero que en muchos casos permanecía en nuestra joven memoria mucho más que la cinta supuestamente principal. Y todo de la mano de varios de sus protagonistas, como los directores Eugenio Martin, Jordi Grau, Javier Aguirre y Mariano Ozores; y los actores Fernando Esteso, Lone Fleming, Loreta Tovar, Simón Andreu, Antonio Mayans, Esperanza Roy o Álvaro de Luna, entre muchos otros, que rememoran aquellos tiempos, junto a la opinión de jóvenes directores actuales, que crecieron con aquellas películas y que las sitúan en su justo lugar más allá de la nostalgia, como Paco Cabezas, Álex de la Iglesia, Miguel Ángel Vivas y, sobre todo, Nacho Vigalondo, que comparte con Serendipia su opinión sobre la desaparición de esas películas más allá de, simplemente, echar la culpar a Pilar Miró y su ley. También Vigalondo describe, mejor que nadie, la falsa nostalgia actual con respecto a aquellas películas, que cabe situar en su época como productos de consumo rápido, sin que ello resulte peyorativo. Categoría que alguna de estas películas trascendió situándose como obras maestras del cine español.El documental, modélico y emocionante, llamado a ser de referencia gracias también a haber podido contar con los medios suficientes para acceder a los archivos de imágenes necesarios, evita ser una sucesión de bustos parlantes, por lo que, repetimos, resultará ameno para el neófito o el interesado casual sobre el tema.
Sesión salvaje se cierra abriendo, a su vez, un interesante discurso sobre el consumo actual de audiovisual y la facilidad de poder disfrutar de tanto cine con un simple click. Pero ese es tema, quizás, para otro documental.
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PRÓXIMA (Proxima, Alice Winocour, 2019)
- Francia. Duración: 107 min. Guion: Jean-Stéphane Bron, Alice Winocour Fotografía: Georges Lechaptois Productora: Dharamsala / Pandora Films Género: Drama
- Reparto: Eva Green, Matt Dillon, Lars Eidinger, Sandra Hüller, Jan Oliver Schroeder, Nancy Tate, Marc Fischer, Zélie Boulant, Alexey Fateev, Vitaly Jay, Birger Frehse
- Premios:
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2019: Festival de San Sebastián: Premio especial del Jurado
- Sinopsis: Sarah (Evan Green) es una astronauta francesa que se entrena en la Agencia Espacial Europea en Colonia. Es la única mujer dentro del exigente programa. Vive sola con Stella (Zélie Boulant), su hija de siete años. Sarah se siente culpable por no poder pasar más tiempo con la niña. Su amor es abrumador, inquietante. Cuando Sarah es elegida para formar parte de la tripulación de una misión espacial de un año de duración llamada Próxima, se produce el caos en la relación entre madre e hija.
En estos tiempos de justa reivindicación del papel de la mujer en todos los ámbitos, hay formas de convertirlo en un ejercicio vacuo y chirriante o en una inteligente historia como la de Próxima, que demuestra que las mujeres pueden y deben perseguir su sueño. Sarah (una magnífica Eva Green), madre de una niña de siete años, tendrá que luchar con su conciencia y unos sentimientos contradictorios. Y todo lo introduce de manera sutil Alice Winocour. Tanto los miedos naturales ante la prolongada separación entre madre e hija; como las ausencias que deberá soportar; sin olvidar que deberá demostrar, más que nadie, su capacidad para afrontar las duras pruebas físicas que se le exigen para formar parte de la tripulación de la primera misión a Marte, ante la actitud reacia del capitán de la misión (Matt Dillon), que sin ser hostil, parece no confiar del todo en sus capacidades. Pero esas dudas precisamente son las que fortalecerán su espíritu y la llevarán a poner todo su empuje para cumplir el sueño de su vida y conseguir formar un equipo compacto junto a sus compañeros de aventura. La película conseguirá trasmitir al espectador el vértigo a lo desconocido, pero también la confianza y convicción de Sarah ante el reto que se le presenta. Un reto que conseguirá contagiar a su hija, el sueño de surcar el universo en un cohete espacial, un universo nuevo que veremos reflejado en los ojos de la pequeña, ese nuevo universo lleno de oportunidades que Sarah quiere abrir para ella y para todas las que como ella quieran ir más allá.
EL TIEMPO CONTIGO (Tenki no ko, Makoto Shinkai, 2019)
Escogida para representar a Japón en los Premios Oscar 2020, como ya lo fue Your Name en 2017 El tiempo contigo, fue presentada en la sección Perlas del Festival de San Sebastián y participó en la sección Anima’t del Festival de Sitges. Ahora, por fin se estrena en nuestras pantallas la película de Makoto Shinkai, un director que es uno de los máximos exponentes de la animación japonesa gracias a títulos como Kumo no muko, yakusoku no basho (El lugar en el que nos prometimos, 2004), Byosoku 5 senchimetoru (5 centímetros por segundo, 2007), Koto no ha no niwa (El jardín de las palabras, 2013) y sobre todo Kimi no na wa (Your Name, 2016), su mayor éxito hasta la fecha, proyectado fuera de concurso en la Sección Oficial del Festival de San Sebastián.
La cinta ha batido récords en Japón y, superando a superproducciones de Hollywood como Aladdín y El rey león, se ha convertido en la película más taquillera del año, recaudando más de 123 millones de dólares desde su estreno y manteniéndose en el TOP 1 del box-office varias semanas seguidas.
JUMANJI: SIGUIENTE NIVEL (Jumanji: The Next Level, Jake Kasdan, 2019))
USA. Duración: 123 min. Guion: Scott Rosenberg, Jake Kasdan, Jeff Pinkner (Libro: Chris Van Allsburg) Música: Henry Jackman Fotografía: Gyula Pados Productora: Matt Tolmach Productions / Seven Bucks Productions / Hartbeat Productions / Sony Pictures Entertainment (SPE). Distribuida por: Columbia Pictures Género: Fantástico
Reparto: Dwayne Johnson, Karen Gillan, Jack Black, Kevin Hart, Awkwafina, Danny DeVito, Colin Hanks, Alex Wolff, Nick Jonas, Danny Glover, Madison Iseman, Ashley Scott, Dania Ramirez, Rhys Darby, Rory McCann, Morgan Turner, Ser’Darius William Blain,Sinopsis: En Jumanji: Siguiente nivel, vuelve la pandilla, pero el juego ha cambiado. Cuando regresan a Jumanji para rescatar a uno de los suyos, descubren que nada es lo que esperaban. Los jugadores deberán enfrentarse a lugares desconocidos e inexplorados, desde áridos desiertos hasta montañas nevadas, para escapar del juego más peligroso del mundo.
Dos años después de que nos sorprendiera tan agradablemente el retorno al universo Jumanji que resultó ser Jumanji: Bienvenidos a la jungla (Jumanji: Welcome to the Jungle), el mismo equipo y reparto de aquella retorna a la aventura con este siguiente nivel, que contará con dos participantes nuevos e inesperados (Danny DeVito y Danny Glover), que se convertirán en parte fundamental, tanto de la trama como de la parte cómica del film.
Sí, por supuesto este Jumanji es más de lo mismo, pues no se han querido arriesgar los responsables ante el buen resultado obtenido por su predecesora -y eso que también entonces coincidió con un estreno ‘galáctico’-, así que se ha optado por repetir aquel cóctel de aventura, acción y humor en esta secuela directa para cuyo disfrute, sin ser imprescindible, conviene tener fresca su primera entrega. Sobre todo si tienen nuestra cada vez más escasa memoria.
En resumen: la perfecta película para disfrutar en familia durante estas fiestas. Emocionante, divertida y con escenas sorprendentes y de alto voltaje, como la del acantilado, los puentes y… los mandriles.
VAMOS DE ESTRENO (o no): Jueves 5 de diciembre de 2019
MIDWAY (Roland Emmerich, 2019)
USA/China. Año: 2019 Duración: 138 min. Guion: Wes Tooke Música: Harald Kloser, Thomas Wanker Fotografía: Robby Baumgartner Productora: Centropolis Entertainment / Starlight Culture Entertainment Group / The Mark Gordon Company. Distribuida por: Lionsgate Género: Bélico
Reparto: Ed Skrein, Woody Harrelson, Patrick Wilson, Luke Evans, Aaron Eckhart, Nick Jonas, Mandy Moore, Dennis Quaid, Darren Criss, Luke Kleintank, Alexander Ludwig, Mark Rolston, James Carpinello, Tadanobu
Sinopsis: Año 1942, Segunda Guerra Mundial. Después del devastador ataque sorpresa que destruyó Pearl Harbor, la Armada Imperial Japonesa se prepara para un nuevo ataque. Pero el Almirante Nimitz (Woody Harrelson) y Dick Best (Ed Skrein), el mejor piloto de la armada estadounidense, preparan un contraataque al imponente ejército japonés. Dick encabezará un ataque masivo que hará que Japón se dé cuenta de su error. Una decisión que cambió el curso de la historia para siempre. Mientras estos dos titánicos enemigos emprenden una letal batalla para cambiar el rumbo de la guerra, todas las miradas se vuelcan hacia la remota isla de Midway, donde una serie de impactantes ataques aéreos y marítimos pondrán a prueba la potencia y la fortaleza de ambas naciones.
Quien iba a decir al que esto escribe que, 43 años después, iba a volver a ver una nueva recreación del mismo hecho histórico en el mismo cine que vio la producción norteamericana original, La Batalla de Midway (Midway, Jack Smight, 1976) una superproducción de la que se promocionó especialmente su sonido Sensurround, sistema que se estrenó dos años antes con la espectacular Terremoto (Earthquake, Mark Robson), que si la memoria no me juega una mala pasada, también vi en esta misma sala. Este detalle, que suponemos ignoraba el distribuidor cuando programó el pase de prensa en el Phenomena (entonces conocido como Nápoles) me ha venido a la memoria, de manera espontánea, cuando he cruzado la puerta para ver esta nueva recreación de la batalla que decidió la guerra entre Estados Unidos y Japón. Y podríamos, de hecho, haber estado viendo la misma cinta, pues esta nueva versión de Midway tiene un sabor añejo, viejo, que no la beneficia en absoluto. Y es que, a pesar de que las batallas resultan espectaculares y su diseño de producción trasporta al espectador a los años cuarenta, todo ello no es suficiente para tapar un guión que de tan básico resulta plano. Con un inicio prometedor, que muestra los antecedentes que llevaron a que Estados Unidos se metiera en el conflicto bélico, poco a poco los personajes van mostrando el cartón y las frases carentes de sentido hacen su aparición (uno de los pilotos americanos, que acaba de bombardear Tokio indiscriminadamente, se escandaliza porque los japoneses disparan sobre la población china). Progresivamente el relato va tornándose más y más épico a pesar de que intenta disimular, en parte, su patrioterismo mostrando a algún japonés honorable. El piloto Dick Best (nótense las connotaciones del nombre), resulta ciertamente paródico y las mujeres de los militares y pilotos, al no poder ser mostradas pilotando aviones o luchando contra los japoneses, son retratadas como compañeras independientes y bravas. Tan aguerridas como sus maridos. Tan anticuada, que no clásica, ojo, nos ha parecido Midway en su forma que, hasta Dennis Quaid se nos ha asemejado sorprendentemente con Fred MacMurray. Por su parte Patrick Wilson y Woody Harrelson hacen cuanto pueden para dotar de dignidad a este, a nuestro parecer, fallido producto.
EL TRAIDOR (Il traditore, Marco Bellocchio, 2019)
Italia/Francia/Brasil/Alemania. Duración: 145min. Guion: Marco Bellocchio, Valia Santella, Ludovica Rampoldi, Francesco Piccolo Música: Nicola Piovani Fotografía: Vladan Radovic Productora: IBC Movie / Kavac Film / RAI Cinema / Ad Vitam Production / Gullane Pictures / Match Factory Productions / Arte Género: Drama
Reparto: Pierfrancesco Favino, Maria Fernanda Cândido, Fabrizio Ferracane, Luigi Lo Cascio, Fausto Russo Alesi, Nicola Calì, Giovanni Calcagno, Bruno Cariello, Vincenzo Pirrotta, Bebo Storti, Goffredo Maria
Sinopsis: A principios de los años 80 se produjo una guerra entre los jefes de la mafia siciliana. Tommaso Buscetta, un hombre hecho a sí mismo, decide huir para esconderse en Brazil. Sus hijos son asesinados mientras él se ve incapaz de hacer nada para impedirlo. Cuando es extraditado por la justicia brasileña, Buscetta toma una decisión totalmente inesperada tanto para él como para todos los que le conocían: decide reunirse con el juez Giovanni Falcone, traicionando así el juramento que realizó con la Cosa Nostra.
Crudo relato sobre la Cosa Nostra exento de épica que, basado en hechos reales, se inicia con una reunión entre las distintas familias para evitar roces y repartir el control sobre el tráfico de heroína. Un encuentro que, como veremos, no servirá para evitar una explosión de intrigas, traiciones y asesinatos, tantos que agotarán la paciencia de uno de los capos, Tommaso Buscetta, (interpretado muy convincentemente por el actor Pierfrancesco Favino) que denunciará los distintos entramados que hay detrás de una organización que, para él, ha perdido la honorabilidad que años ha le hizo ingresar en ella. Las declaraciones que hará al juez Falcone en 1984 harán historia y desencadenarán una reacción en forma de más muertes, detenciones y juicios, todo lo cual pasó a la historia como el golpe más fuerte dado por la justicia a la Cosa Nostra, y que se materializó en 366 detenciones. Cuando el mafioso tire del hilo envolviendo en la trama al mismísimo presidente de la República, Mario Andreotti, será cuando la credibilidad del testigo pasará a ser puesta en duda y comenzará su caída. Bien narrada y ambientada, esta historia ha coincidido en el tiempo con Our Godfather (Mark Franchetti, Andrew Meier, 2019) documental británico que narra los mismos hechos y con el que el film de Bellocchio se complementa.
EL JOVEN AHMED (Le Jeune Ahmed, Jean-Pierre Dardenne, Luc Dardenne, 2019)
Bélgica. Duración: 84 min. Guion: Jean-Pierre Dardenne, Luc Dardenne Fotografía: Benoît Dervaux Productora: Centre du Cinéma et de l’Audiovisuel de la Fédération Wallonie-Bruxelles / Les Films Du Fleuve Género: Drama
- Reparto: Idir Ben Addi, Olivier Bonnaud, Myriem Akheddiou, Victoria Bluck, Claire Bodson, Othmane Moumen
- Sinopsis: En la Bélgica actual, el destino del joven Ahmed, de apenas 13 años, se ha quedado atrapado entre los ideales de pureza del que le habla su imán y las pasiones de la vida.
- Premios:
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2019: Festival de Cannes: Mejor director2019: Festival de Valladolid – Seminci: Mejor guion y montaje
Una de las decisiones más cruciales a la hora de narrar un relato es la elección del punto de vista, según cual sea el escogido la obra tendrá un carácter u otro, a la vez que exigirá una distinta actitud ante lo relatado por parte del lector. Más allá, la elección del narrador es, en muchas ocasiones, toda una declaración de intenciones. Decidir si podemos colarnos en la mente de los personajes supone una toma de postura, tanto si nos decantamos por una tercera persona omnisciente, buscamos una apariencia de objetividad, como si lo hacemos por un relator en primera persona (testigo o protagonista), donde pretendemos primar la subjetividad. Entre ambos polos se alza el que se ha dado en llamar narrador semiomnisciente, participa de la objetividad porque mira desde fuera, pero también de la subjetividad, porque su mirar está adherido a los personajes. Este último es requerido, sobre todo, cuando se quiere imprimir un sello documental y a la vez dejar el juicio sobre lo acontecido en manos de quien lee. Ceder la responsabilidad moral al público, sin pautar moraleja alguna.
Y lo que es válido para la literatura lo es para el audiovisual. El joven Ahmed no es un alegato, quiere más bien ser una toma de contacto con una realidad punzante, el terrorismo low cost de la yihad. Y no lo es porque los Dardenne no eligen plasmar esa realidad desde su cátedra, ni tampoco pretenden una inmersión en la psique de quienes la protagonizan porque su subjetividad se nos escapa a nosotros como observadores. La cámara de los hermanos se mantiene externa, no quiere intervenir sobre la acción sino documentarla, pero a la vez, y precisamente para ello, se pega a su protagonista, nada no visto/vivido por él se nos va a mostrar nunca. La intención de nuestros belgas, de esa persona con cuatro ojos, como les gusta definirse, es asomarnos al campo de batalla donde se lidia con el problema, y que, una vez allí, sea cada espectador juez. Nos llaman a asumir nuestra responsabilidad moral con todas las herramientas que ha aportado su trabajo de campo. La última sentencia será la de cada uno, pero habrá de ser siendo conscientes de que no solo somos jueces, también somos parte.
Por El joven Ahmed circulan todos los elementos de la ecuación, la familia, la escuela, la mezquita, en un retrato del islam que lo que nos deja claro es que este no es monolítico. También expone los mimbres que entretejen la personalidad de Ahmed, la ausencia del padre que verá suplido por la figura del imán, una cierta introversión combinada con una necesidad de afirmación en los gestos externos, una tendencia a la admiración puesta del lado de la necesidad de ser reconocido, su adolescencia inflamada, en suma, que en ese entorno acaba explotando por la radicalización idealista que le aparta de los suyos para abrazar la tradición que él cree que los define. Es el retrato de un terrorista que expone todas sus faces incluidas las contradictorias. Pero lo que no está en el filme es la inculpación ni, menos aún, la solución a un problema que, al fin y al cabo, nos atañe a todos. Su final no nos deja cómodos, porque la catarsis la hemos de poner nosotros mismos. Un filme moral que no moralista es lo que, brillantemente, nos ofrece el tándem belga. Y así nos ha gustado verlo.
Jean-Pierre y Luc Dardenne, que ya fueron premiados en dos ocasiones con la Palma de Oro en Cannes con Rosetta (1999) y El niño (2005), obtuvieron con El joven Ahmed, el premio a la mejor dirección en la pasada edición del festival
LOS ÁNGELES DE CHARLIE (Charlie’s Angels, Elizabeth Bancks, 2019)
USA. Duración: 118 min. Guion: Elizabeth Banks, Jay Basu (Historia: David Auburn, Evan Spiliotopoulos) Música: Brian Tyler (Canciones: Ariana Grande, Miley Cyrus, Lana Del Rey) Fotografía: Bill Pope Productora: 2.0 Entertainment / Brownstone Productions / Columbia Pictures / Perfect World Pictures / Sony Pictures Entertainment (SPE). Distribuida por: Sony Pictures Entertainment (SPE) Género: Acción
Reparto: Kristen Stewart, Naomi Scott, Ella Balinska, Patrick Stewart, Elizabeth Banks, Sam Claflin, Luis Gerardo Méndez, Djimon Hounsou, Jonathan Tucker, Hailee Steinfeld, Lili Reinhart, Noah Centineo, Monique StaTeena.
Sinopsis: Los Ángeles de Charlie siempre han proporcionado servicios de seguridad e investigación a clientes privados, y ahora la Agencia Townsend se ha expandido internacionalmente con las mujeres más inteligentes, valientes y mejor entrenadas a lo largo y ancho del planeta – varios equipos de Ángeles guiados por otros tantos Bosleys llevando a cabo los trabajos más duros por todo el mundo. Cuando un joven ingeniero de sistemas llama la atención sobre una peligrosa tecnología, los Ángeles son llamados a la acción, arriesgando sus vidas por protegernos a todos.
Tras una declaración de principios inicial que no hace más que recalcar la intención de su directora y guionista, Elizabeth Banks, de mostrar en su película mujeres fuertes en igualdad de condiciones con los varones, se agradece que no se vuelva a hacer hincapié en ello de manera tan directa. Ya lo hemos entendido.
Repleta de acción, humor -sorprendentemente en su mayor parte de la mano de Kristen Stewart- y todo lo que puede esperarse de una cinta de estas características. Sin embargo, la película no acaba de convencernos, a pesar de que las tres protagonistas están muy convincentes y hay buenas persecuciones y peleas, con un ritmo que no decae en ningún momento, tanto que una de las protagonistas llega a preguntar «¿Podemos darle a la pausa de una vez?.«A pesar de contar con todos esos méritos, el conjunto la convierte en un filme demasiado básico incluso pidiéndole poco.
No sabemos si se producirán, mucho nos tememos que no, pero su final queda abierto a nuevas aventuras de las chicas en un filme que incluye algunos pequeños guiños tanto a la versión televisiva (ojo al final), como a los largometrajes de los noventa.
LOS DOS PAPAS (The Two Popes, Fernando Meirelles, 2019)
UK. Duración: 126 min. Guion: Anthony McCarten Música: Bryce Dessner Fotografía: César Charlone Productora: Netflix. Distribuida por : Netflix Género: Drama
Reparto: Anthony Hopkins, Jonathan Pryce, Juan Minujín, Cristina Banegas, Sidney Cole, Luis Gnecco, Federico Torre, María Ucedo, Thomas D Williams, Pablo Trimarchi
Sinopsis: Frustrado con la dirección de la Iglesia, el Cardenal Bergoglio (Jonathan Pryce) solicita permiso para retirarse al Papa Benedicto (Anthony Hopkins) en 2012. En lugar de eso, enfrentando el escándalo y la inseguridad, el introspectivo Papa Benedicto convoca a su más duro crítico y futuro sucesor a Roma para revelar un secreto que sacudiría los cimientos de la Iglesia Católica.
Detrás de los muros del Vaticano comienza una lucha entre la tradición y el progreso, la culpa y el perdón, mientras estos dos hombres tan diferentes enfrentan su pasado para encontrar un terreno común y forjar un futuro para mil millones de seguidores en todo el mundo.
Los dos Papas ofrece, cuanto menos, un soberbio duelo interpretativo entre sus dos protagonistas, Hopkins y sobre todo Pryce, que consiguen hacer olvidar al espectador sus familiares rostros pasando a convertirse en los dos príncipes de la iglesia. Pero, además, la película cuenta con una preciosista puesta en escena, con planos que juegan con la geometría del encuadre, además de permitir al espectador penetrar en las bellas salas y estancias del Vaticano. Buen trabajo actoral, buen uso de la sintaxis de los planos y un guión correcto, son elementos suficientes como para disfrutar de esta digna película en la justa medida de lo que ofrece.
Todo ello en lo que es una lúcida reflexión sobre la religión católica, su necesidad de adaptarse a los nuevos tiempos y su papel en la sociedad moderna mediante el diálogo de sus dos polos opuestos: el progresista, representado en Cardenal Bergoglio, futuro Papa Francisco y conservador, encarnado por Benedicto XVI, mostrando más luces que sombras de ambos personajes y humanizándolos, posiblemente en exceso durante el tramo final del film. Los dos Papas peca, como tantas y tantas películas actuales, de un exceso de metraje que quizás alarga innecesariamente una historia que debería haberse cerrado tras la última confesión, consiguiendo que un duelo a dos se termine convirtiendo en toda una oda al actual pontífice. En todo caso pesan mucho más los elementos positivos que hacen atractiva esta nueva producción Netflix dirigida por Fernando Meirelles, director de la memorable Ciudad de Dios (Cidade de Deus, 2002) que cuenta con el guión del tres veces nominado al Óscar, Anthony McCarten.
VAMOS DE ESTRENO (o no): Viernes 29 de noviembre de 2019
LA HIJA DE UN LADRÓN (Belén Funes, 2019)
España. Duración: 102 min. Guion: Belén Funes, Marçal Cebrian Fotografía: Neus Ollé Productora: B-Team Pictures / Oberón Cinematográfica. Distribuida por: B-Team Pictures Género: Drama
Reparto: Greta Fernández, Eduard Fernández, Àlex Monner, Frank Feys
Sinopsis: Sara (Greta Fernández) ha estado sola toda su vida. Tiene 22 años y un bebé, su deseo es formar una familia junto a su hermano pequeño y el padre de su hijo. Su padre, Manuel (Eduard Fernández), tras años de ausencia y al salir de la cárcel, decide reaparecer en sus vidas. Sara sabe que él es el principal obstáculo en sus planes y toma una decisión difícil: alejarlo de ella y de su hermano.
La hija de un ladrón, ópera prima en el largometraje de su directora, Belén Fuentes, es una de esas películas que dejan poso. De las que sus imágenes vuelven a nuestra mente mucho después de haber salido del cine. Y en gran parte es gracias al personaje que encarna, de manera brillante, su protagonista Greta Fernández, niña-mujer-madre de pocas palabras que expresa lo que siente mediante miradas, gestos y silencios. Recursos necesarios para desenvolverse, sin quejas ni lágrimas, por esa ratonera sin aparente salida y plena de veneno que conforma su día a día y el que precariedad, bloques de extrarradio, maternidad irresponsable, oficinas de empleo, pisos tutelados y servicios sociales conforman en gran parte el paisaje en el que se desenvuelve. Un sobrevivir más que un vivir que ha obligado a Sara a luchar y ser fuerte. Y a no quejarse.
Para conocerlo, Fuentes ha querido que no nos apartemos del personaje, de tal modo que la cámara no deja de seguirla, mirando lo que ella hace de manera continua por encima de su hombro. Así, estamos con ella cuando trabaja en empleos eventuales y miserables; cuando juega con lo que más ama, su hijo, su tabla de salvación; cuando su mirada se llena de tristeza al comprender que vive un espejismo de amor con el padre de su hijo; cuando intenta huir, sin éxito, de su padre, personaje interpretado por el propio padre de la actriz, Eduard Fernández y con el que, como no podría ser de otra manera, se entabla un formidable química.
Todo en un vivir cada día en el límite de la pobreza, partiendo de un día al azar, sin explicar al espectador los antecedentes que han llevado a su padre a la cárcel o a ella a esa situación. Será el espectador el que deberá intuirlo, así como aventurar lo que sucederá en su conclusión, lo que habrá detrás de esas lágrimas.
Natural y brillante, Greta Fernández está perfecta. Impecable. Y su directora correcta, a pesar de que el recurso de seguir de cerca a la protagonista acabe agotando un tanto al espectador.
VAMOS DE ESTRENO (o no): Viernes 22 de noviembre de 2019
INTEMPERIE (Benito Zambrano, 2019)
España. Duración: 103 min. Guion: Pablo Remón, Daniel Remón, Benito Zambrano (Novela: Jesús Carrasco) Música: Mikel Salas Fotografía: Pau Esteve Birba Productora: Morena Films / Movistar+ / TVE / Áralan Films / Ukbar Filmes Género: Western
Reparto: Luis Tosar, Luis Callejo, Jaime López, Vicente Romero, Manolo Caro, Kandido Uranga, Mona Martínez, Miguel Flor De Lima, Yoima Valdés, María Alfonsa Rosso, Adriano Carvalho, Juanan Lumbreras, Carlos Cabra
Sinopsis: Un niño (Jaime López) que ha escapado de su pueblo escucha los gritos de los hombres que le buscan. Lo que queda ante él es una llanura infinita y árida que deberá atravesar si quiere alejarse definitivamente del infierno del que huye. Ante el acecho de sus perseguidores al servicio del capataz del pueblo (Luis Callejo), sus pasos se cruzarán con los de ‘el moro’, un pastor (Luis Tosar), que le ofrece protección y, a partir de ese momento, ya nada será igual para ninguno de los dos.
Benito Zambrano realiza una espléndida película de género, un western, para ser precisos, ubicándolo en un cortijo andaluz en plena postguerra española. Con un campo andaluz gobernado por déspotas terratenientes, para los que trabajan, en régimen de esclavitud, jornaleros analfabetos, de uno de estos cortijos, y de la casa de su cruel capataz huirá un niño con destino a la ciudad. Dejando todo atrás y en frenética marcha, se adentrará en un árido desierto, se encontrará con un pastor, el moro, (imponente Tosar) que le ayudará y llenará sus días de valores que nunca más olvidará.
Zambrano utiliza todos los recursos del western y lo hace de manera muy inteligente, acudiendo a personajes y entornos bien reconocibles de ese universo, como el paisaje del desierto, sus protagonistas con pasado, y la épica del (anti)héroe en contraste con la maldad del villano, con una escena final que bien podría haber sido la de un (buen) western crepuscular. Este ropaje no es el habitual en nuestra narrativa guerracivilista, con lo que el sevillano riza el rizo, en su filme más claramente de género es donde más autoral se muestra, una paradoja, pero, como es sabido, estas solo son contradicciones en apariencia. Intemperie es, probablemente, su película más redonda, una cinta adusta y conmovedora a partes iguales, que se evidencia como obra de madurez.
Una cinta soberbia que lo es también por el trabajo de sus magníficos actores, tanto los protagonistas, Luis Tosar, el joven Jaime López y el villano Luis Callejo, como los secundarios, algunos de ellos interpretes habituales en las películas del lebrijano como Vicente Romero y Manolo Caro, dos grandes característicos. Una muy agradable sorpresa.
¿DÓNDE ESTÁ MI CUERPO? (J’ai perdu mon corps, Jérémy Clapin, 2019)
Francia. Duración: 81 min Guion: Jérémy Clapin, Guillaume Laurant Música: Dan Levy Productora: Xilam Género: Fantástico
Sinopsis: Una mano cortada se escapa de un laboratorio con un objetivo crucial: volver a encontrar su cuerpo. A medida que avanza por los escollos de París, recuerda su vida con el joven al que una vez estuvo apegado… hasta que conocieron a Gabrielle.
J’ai perdu mon corps, debut en el largo de Jérémy Clapin, es una poética reflexión sobre el dolor por la pérdida, de unos seres queridos, del propio bienestar de la infancia, del futuro que parecía tenderse, a la que se une una mirada sobre el problema de la inmigración contada en primera persona, certera y sin acritud, y todo ello en lo que no deja de ser una preciosa historia de amor y superación. Lo que hace especial a esta opera prima, sin embargo, más allá del alcance de su subtexto, es el modo de abordarlo, desde la clave argumental, una mano se escapa en busca del cuerpo al que estaba unida, hasta las decisiones visuales con las que irá trazando este viaje en pos de la propia memoria, de la reconstrucción del yo. El miembro errático vivirá numerosas aventuras por los azares de París (especial mención merece el episodio de las ratas) y en cada una de ellas habrá la excusa para desbrozar un recuerdo, sin que los flashbacks sean sucesivos (distingue en blanco y negro los más remotos), relevante en la vida en común con el cuerpo que busca. Es digno de destacar cómo (de bien) consigue Clapin mantener la intriga a través de estas dos acciones paralelas al no revelar anticipadamente ningún detalle sobre el momento en que la mano se vio separada de su dueño, no hasta que llega el instante preciso. Una cinta preciosa y preciosista con un guion impecable, firmado por el propio director y el autor de la novela que adapta, Guillaume Laurant (que será recordado sobre todo por el guion de Amelie), y un score delicioso compuesto por Dan Levy que hizo las delicias del público (y, sobre todo, del jurado). Una delicia producida por Netflix (y van…) que hubiera encantado a los surrealistas que adoraron a aquella Bestia de cinco dedos (The Beast with five fingers) que dirigiera Robert Florey en 1946.
Lo dicho: un auténtico debut de lujo que se ha visto reconocido con el Gran Premio de la Semana de la crítica en el Festival de Cannes, además de los Premios Cristal a mejor película y el Premio del público en el Festival de Annecy.
VAMOS DE ESTRENO (o no): Viernes 15 de noviembre de 2019
MADRE (Rodrigo Sorogoyen, 2019)
España/Francia. Duración: 129 min. Guion: Rodrigo Sorogoyen, Isabel Peña Música: Olivier Arson Fotografía: Álex de Pablo Productora: Amalur Pictures / Arcadia Motion Pictures / Caballo Films / Malvalanda / Noodles Production / Le Pacte / TVE / Movistar+ / Canal+ Género: Drama
Reparto: Marta Nieto, Àlex Brendemühl, Anne Consigny, Frédéric Pierrot, Jules Porier, Raúl Prieto, Álvaro Balas, Blanca Apilánez
NOTA: Hemos decidido no poner el argumento, pues hacerlo reduciría el impacto de la primera parte del largometraje y el factor sorpresa.
Rodrigo Sorogoyen opta por desarrollar el cortometraje por el que obtuvo el Goya en 2018, de hecho toda la primera parte del filme está compuesta por el propio corto, rodado en impecable plano-secuencia. Una historia en sí misma de tal dramatismo e intensidad que, al igual que sucediera en Scream (Wes Craven), termina jugando en contra del resto del filme al no poder mantenerse al mismo nivel.
La búsqueda del hijo perdido llevará a la protagonista a vivir una situación extraña, postiza. Desesperada. Y algo retorcida también, que se beneficiará de la contenida y sensible actuación de su protagonista, una soberbia Marta Nieto, que convertirá al resto de actores en simples comparsas.
Rodrigo Sorogoyen, que tanto nos maravillara con Que Dios nos perdone (2016) y El reino (2018), realiza un sano ejercicio cambiando de registro, pero por el momento no demuestra tener un pulso tan eficaz para el drama como el que ha demostrado con el thriller.
EL IRLANDÉS (The Irishman, Martin Scorsese, 2019)
USA. Duración: 210 min. Guion: Steven Zaillian (Libro: Charles Brandt) Música: Seann Sara Sella Fotografía: Rodrigo Prieto Productora: Netflix / Sikelia Productions / Tribeca Productions. Distribuida por: Netflix. Productor: Martin Scorsese Género: Thriller.
Reparto: Robert De Niro, Al Pacino, Joe Pesci, Harvey Keitel, Bobby Cannavale, Anna Paquin, Jack Huston, Ray Romano, Kathrine Narducci, Jesse Plemons, Domenick Lombardozzi, Stephen Graham, Jeremy Luke, Gary Basaraba, Welker White, Action Bronson, Chelsea Sheets, Kate Arrington
Sinopsis: Saga épica sobre el crimen organizado en Estados Unidos durante la época de la post-guerra vista a través de los ojos del veterano de la Segunda Guerra Mundial, Frank Sheeran (Robert de Niro), un buscavidas y asesino a sueldo que trabajó junto a algunas de las figuras más notables del siglo XX. A través de varias décadas, la película relata uno de los grandes misterios sin resolver de la historia americana, la desaparición del legendario líder del sindicato, Jimmy Hoffa (Al Pacino), y ofrece un viaje a través de los entresijos del crimen organizado: su funcionamiento interno, rivalidades y conexiones con las principales corrientes políticas.
El irlandés es una de esas películas que se ven con atención. Con el respetuoso silencio del que escucha hablar a un sabio. Saboreando cada escena, cada actuación, cada giro. Disfrutando con la seguridad de ser un privilegiado y de estar viendo un milagro. Pero el espectador, además de disfrutar de toda una lección de cine y de interpretación, será testigo de algunos de los acontecimientos clave de la vida y la política norteamericana del siglo XX. La llegada de los Kennedy al poder, la invasión de Bahía Cochinos, la crisis de los misiles de Cuba y, sobre todo, el ascenso y caída del poderoso sindicalista Jimmy Hoffa. Corrupción, mafia, violencia y negocios. Sobre todo negocios. Y todo lo viviremos desde el punto de vista de Frank Sheeran, el personaje que interpreta Robert de Niro. Una pieza menor. Un peón -y matón- de los villanos, pues en este caso Scorsese no permitirá que se vea a los mafiosos como héroes románticos y es por ello que tanto el personaje como el espectador serán observados, muy de cerca, por los oscuros ojos de Peggy, una de las hijas de Sheeran y auténtica conciencia del matón. Y es que en El irlandés las miradas son tan importantes como las palabras.
Steven Zaillian adapta I Heard You Paint Houses, de Charles Brandt, y si hubiera que poner un pero a la película, sería el de su duración, excesiva para el cine, pero claro, El irlandés no es un producto pensado para salas, así que no cuenta, pues en lo referente al tiempo, está bien estructurado, y aunque se remonta a los inicios de la carrera del protagonista, todo estará articulado en torno al episodio central de la historia, la desaparición de Jymmy Hoffa.
La esperada nueva película de Martin Scorsese, que además de en Nueva York y Londres se ha presentado también con gran éxito en los festivales de Roma y Lyon, reúne en su reparto junto a Robert de Niro, a Al Pacino, Joe Pesci, Harvey Keitel y Anna Paquin, todo un festival de nombres al que además se suma un estupendo plantel de secundarios. Así que, ya sea en su plataforma o en su limitado pase por salas, háganse un regalo: véanla.
VAMOS DE ESTRENO (o no): Jueves 31 de octubre
TERMINATOR: DESTINO OSCURO (Terminator: Dark Fate, Tim Miller, 2019)
USA/China. Duración: 128 min. Guion: David S. Goyer, Josh Friedman, Billy Ray, Justin Rhodes (Historia: David Ellison, Tim Miller) Música: Junkie XL Fotografía: Ken Seng Distribuidora: 20th Century Fox / Paramount Pictures / Skydance Productions / Lightstorm Entertainment / Tencent. Productor: James Cameron Género: Acción
Reparto: Mackenzie Davis, Linda Hamilton, Arnold Schwarzenegger, Natalia Reyes, Gabriel Luna, Edward Furlong, Diego Boneta, Enrique Arce, Tristán Ulloa, Alicia Borrachero, Tom Hopper, Cassandra Starr, Brett Azar
Sinopsis: Sarah Connor y un híbrido de cyborg y humano deberán proteger a una joven de un nuevo Terminator líquido que viene del futuro.
Actualmente se ruedan gran cantidad de películas innecesarias, que buscan hacen caja con el recuerdo de un gran éxito del pasado. Secuelas, remakes, reboots son términos tras los cuales se zafan historias que explotan el buen recuerdo que el espectador pueda tener de un viejo (o no tan viejo) éxito. La franquicia Terminator, iniciada en forma de film de serie-B por James Cameron en 1984, ha dado para varias secuelas, alguna de ellas realmente espectacular, otras lamentables. Su mitología se prolongó incluso con una serie. Se ha intentado prescindir del protagonista, Schwarzenegger, en alguno de estos filmes, pero en esas ocasiones el proyecto no gozó del éxito esperado. Pues bien, todo esto no ha sido suficiente y casi treinta años después de Terminator 2: El juicio final (Terminator 2: Judgment Day, James Cameron, 1991) se vuelve a reunir a los, ya talluditos, protagonistas, Arnold Schwarzenegger y Linda Hamilton en Terminator: Destino oscuro, una nueva aventura que repite, en su mayor parte, las premisas de la cinta de 1991. Entre las novedades cuenta con la incorporación de un personaje humano aumentado, lo que viene siendo un cyborg, y una nueva exaltación del poder femenino, un rol que de forma natural ya había adaptado la mujer en muchas historias de ciencia ficción y terror y que en estos tiempos se potencia, algunas veces de manera algo forzada, para qué negarlo. Con una segunda parte (desde la aparición de Schwarzenegger) que casi sitúa el filme dentro de los parámetros de la comedia, la película cuenta sorprendentemente con la participación de varios actores españoles, pues se desarrolla gran parte de la acción en México y en la frontera y ya saben que para el cine norteamericano ese es el destino de nuestros actores: encarnar mexicanos.
Aunque consigue, mediante persecuciones y trompazos a diestro y siniestro su objetivo de entretener, quizás eso ya no sea suficiente, pues en ningún momento logra ocultar su objetivo de haber nacido como medio de explotar un filón ya agotado sin aportar nada a la mitología del personaje.
SORRY WE MISSED YOU (Ken Loach, 2019)
UK/Francia/Bélgica. Duración: 100 min. Guion: Paul Laverty Productora: Sixteen Films / BBC Films / BFI Film Fund / Les Films Du Fleuve / Why Not Productions / Wild Bunch. Distribuida por: Front Row Filmed Entertainment Género: Drama
Reparto: Kris Hitchen, Debbie Honeywood, Rhys Stone, Katie Proctor
Sinopsis: Ricky y su familia luchan contra las deudas desde la crisis de 2008. A Ricky le surge la oportunidad de participar en una franquicia como repartidor autónomo al volante de una nueva camioneta. Son muchas horas de trabajo, y su mujer, una asistente social, también hace jornadas muy largas. Hasta ahora su relación siempre había sido fuerte, pero todo cambia cuando se ven arrastrados en diferentes direcciones
De nuevo Ken Loach aborda una historia que reivindica el papel y el sufrimiento de la clase trabajadora, algo que parece molestar a parte de la crítica cinematográfica. Pero resulta más que llamativo que pocos cineastas centren su carrera o dediquen parte de su obra para hablar del más débil, del que menos películas protagoniza, como lo hace Loach desde hace ya muchos años. El director está comprometido con denunciar las desigualdades y poner una dosis de realidad en las pantallas. Algo que ya hizo con anterioridad en algunas de sus películas, como Yo, Daniel Blake, Buscando a Eric o El viento que agita la cebada, entre otras. Con Sorry We Missed You pone el foco en la crisis financiera de 2008, la pérdida de derechos de la clase obrera y los nuevos y engañosos sistemas de contratación, como autónomo, de los trabajadores. No es una película agradable, como parece indicar su engañoso póster. Es cruda y pesimista, también muy realista, pues ni el guionista ni el director tienen la solución al problema. Y no nos encontramos ante una de aquellas fantasías sociales de Frank Capra de la época del New Deal. Loach no deja espacio para la esperanza. No puede haberla con empleos de 14 horas diarias que se desarrollan durante semanas de seis días. Y aún así la cinta tiene momentos deliciosos, que ofrecen un retrato social de la Inglaterra proletaria, con trabajadores dignos, eficientes. Que tienen un entrañable cariño por sus hijos y sus parejas. Y todo lo cuenta Loach mediante el día a día de la pareja protagonista y de sus hijos. Pero todos por separado, pues los horarios en los cuales pueden coincidir son cada vez más escasos. Dándose la paradoja de que trabajadores a los que nos les falta trabajo, son pobres, no prosperan ni tienen visos de hacerlo. Se encuentran en una ratonera repleta de presión que les obliga a vivir para trabajar.
El reparto de la nueva película de Loach, cuyo excelente y exigente guion recala de nuevo en el guionista Paul Laverty, está encabezado por Kris Hitchen -quien ya tuvo un pequeño papel en la película “La cuadrilla” de Loach- junto a Debbie Honeywood, Katie Proctor y Rhys Stone.
Sorry We Missed You fue presentada en la pasada edición del Festival de Cannes en la que fue la decimocuarta participación de Ken Loach en el certamen francés, donde ha obtenido dos Palmas de Oro. Posteriormente, la película se presentó en el Festival de San Sebastián obteniendo el Premio del público a la mejor película europea.
VAMOS DE ESTRENO (o no): Viernes 25 de octubre de 2019
EL SILENCIO DE LA CIUDAD BLANCA (Daniel Calparsoro, 2019)
España. Guion: Roger Danès, Alfred Pérez Fargas (Novela: Eva García Sáenz de Urturi) Música: Fernando Velázquez Fotografía: Josu Inchaustegui Productora: Atresmedia Cine / Rodar y Rodar Género: Thriller
Reparto: Belén Rueda, Javier Rey, Aura Garrido, Manolo Solo, Àlex Brendemühl, Kandido Uranga, Sergio Donado, Àlex Monner, Itziar Ituño, Pedro Casablanc, Richard Sahagún, Ramón Barea
El silencio de la ciudad blanca es un thriller de misterio basado en el best seller de Eva García Sáenz de Urturi que ha sido rodada en escenarios naturales de la ciudad de Vitoria y diversas localizaciones de la provincia de Álava. Bellos lugares de los cuales el director ha sabido sacar partido. Lástima que más allá del acierto en la ubicación, este thriller vaya desinchándose conforme avanza su metraje, pues acciones y situaciones que posiblemente funcionan óptimamente en la novela, pinchan en la adaptación llegando a ser, en algún momento, ridículas. Todo lo cual se lamenta, pues el material, bien tratado, podría haber dado para un buen filme, con ese argumento que mezcla crímenes rituales y elementos histórico de la ciudad ese asesino en serie de praxis metódica, venganza y conflictos familiares. Ítems que se mezclan en la trama con unos policías de pasado trágico y alguna escaramuza amorosa. Como vemos, elementos más que suficientes como para abrir el interés del espectador, pero que, en manos de los guionistas, se van embrollando hasta convertir la historia en una maraña casi ininteligible.
Serendipia
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