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Archive for 29 diciembre 2017

En enero… ¡Dos nuevas entregas de ‘Trash-o-rama VHZ’!

29 diciembre 2017 Deja un comentario

Nueva entrega de la colección VHZ, pura nostalgia de los tiempos del VHS, con un diseño retro y muchas sorpresas.

CINDERELLA 2000 (Al Adamson, 1977) Con Catharine Burgess, Jay B. Larson. (Versión original en inglés con subtítulos en castellano, 4:3)

El primer musical erótico de ciencia-ficción de la historia del cine, un delirante subproducto salido de la mente del rey del trash Al Adamson en el que no faltan robots, extraterrestres y enanos. Versión íntegra con 15 minutos más que la copia americana.
El DVD incluye también ODISEA SEXUAL, una psicotrónica comedia de 1974 con extraterrestres ninfómanas y alemanes cazurros.

Contenidos adicionales: Odisea Sexual (película completa en castellano), trailers originales, carteles originales, fichas técnicas, galería de carteles, promos.

Precio: 12 euros (gastos de envío incluídos).

ROBOWAR (Bruno Mattei, 1988) Con Reb Brown, Claudio Fragasso. (Versión en castellano y original en inglés e italiano con subtítulos en castellano, 16:9)

El exploitation definitivo de Predator (Depredador) dirigido por Bruno Mattei y protagonizado por el inefable Reb Brown (Yor). Acción, ciencia-ficción y explosiones selváticas filmadas en Filipinas, remasterizada a partir del master original con insertos de las escenas desaparecidas.

Contenidos adicionales: Documental Bruno Mattei en Hollywood, escenas eliminadas, créditos originales, trailer original, cartel original, ficha técnica, promos.

Precio: 12 euros (gastos de envío incluídos).

Pedidos y más información: http://trashoramadvd.bigcartel.com/

Categorías:DVD / BLU-RAY

Editorial Hermenaute presenta…’The Room. Un desastre fílmico convertido en obra de culto’

29 diciembre 2017 Deja un comentario

Editorial Hermenaute publicará en el primer trimestre de 2018 el libro The Room. Un desastre fílmico convertido en obra de culto de Guillermo Triguero. Este ensayo cinematográfico analiza las circunstancias del rodaje y el fenómeno que supuso el filme The Room, del excéntrico y polémico director Tommy Wiseau, una suerte de Ed Wood de la década del 2000. En torno al universo delirante de dicha cinta, el 29 de diciembre de 2017 se estrena en cines la película de James Franco The Disaster Artist que recoge, en gran medida, el espíritu alucinado del rodaje de The Room. El libro que os presentamos trata el fenómeno fan que ha generado la cinta protagonizada y dirigida por el excéntrico Tommy Wiseau con una especial originalidad, fidelidad a los hechos y aportando una interesante reflexión sobre lo anómalo de este extraño filme viral convertido en comedia involuntaria.

The Room. Un desastre fílmico convertido en obra de culto es la publicación número 5 de la colección Janus dedicada al ensayo sobre cine fantástico, cultura extraña y antropología cultural.

Una película que hizo del desastre virtud y que convirtió en viral y exitosa una de las muestras más infames del cine contemporáneo. 

¿Cual es el equilibrio entre el melodrama y la comedia involuntaria? La respuesta la tenéis en The Room. Un desastre fílmico convertido en obra de culto de Guillermo Triguero.

«Las proyecciones de The Room se convirtieron en eventos sociales en que los fans recitaban en voz alta las frases de la película e interactuaban con ésta realizando una serie de rituales como tirar cucharas de plástico a la pantalla o pasarse pelotas de fútbol entre ellos. El público corría por la sala de cine, chillaba, se reía y se disfrazaba de los personajes de la película. Y en paralelo, en la red se analizaban hasta los más pequeños detalles que hacían de éste un filme tan terrible, redescubriéndose continuamente diálogos estúpidos que antes se habían pasado por alto o nuevos errores de guion y montaje. Internet la convirtió en un fenómeno de la cultura pop de nuestros días, inmortalizando sus mejores momentos en memes, gifs animados y homenajes de todo tipo. En foros o blogs no relacionados con The Room a veces podías encontrarte en el momento más inesperado una cita de una frase memorable de la película. Es casi como una secta en que los seguidores de la misma nos reconocemos mutuamente a través de estos pequeños guiños y acabamos replicándonos con otras frases del filme. Y como en toda secta, una vez estás dentro es muy difícil salir.»

«Todo lo que rodea a The Room y la figura de Tommy Wiseau ha inspirado ya la creación de libros y películas. Es una historia demasiado buena como para dejarla pasar, con un protagonista carismático, numerosas anécdotas divertidas relacionadas con su rodaje, un producto final tan terrible que es hilarante y un fenómeno social posterior que ha adquirido vida propia.»

Sobre el autor: Guillermo Triguero (Barcelona, 1986) estudió Comunicación Audiovisual en la Universidad Autónoma de Barcelona y el Máster en Estudios de Cine Contemporáneos en la Universidad Pompeu Fabra. Ha creado dos webs dedicadas al mundo del cine: El gabinete del Doctor Mabuse y El testamento del Doctor Caligari, esta última centrada exclusivamente en el cine mudo. Escribe mensualmente en la revista Versión Original y también ha colaborado en Caimán, Cuadernos de Cine así como en los medios online Transit, Cineol y Sans Soleil.

 

Fecha estimada de publicación: febrero.

Más información
http://www.hermenaute.com/

VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 29 de diciembre de 2017 *

29 diciembre 2017 Deja un comentario

THE DISASTER ARTIST (James Franco, 2017)

USA. Duración: 98 min. GuionScott Neustadter, Michael H. Weber (Libro: Greg Sestero, Tom Bissell) Música: Dave Porter Fotografía: Brandon Trost Productora: Good Universe / New Line Cinema / Point Grey Pictures / RabbitBandini Productions / RatPac-Dune Entertainment Género: Comedia
Reparto: James Franco, Dave Franco, Alison Brie, Josh Hutcherson, Seth Rogen, Zac Efron,Sharon Stone, Bryan Cranston, Kate Upton, Hannibal Buress, Jacki Weaver,Nathan Fielder, Jerrod Carmichael, Zoey Deutch, Kristen Bell, Lizzy Caplan,Megan Mullally, Jason Mantzoukas, Adam Scott, Eliza Coupe, J.J. Abrams,Tommy Wiseau, Melanie Griffith, Judd Apatow, Christopher Mintz-Plasse, Zach Braff,Randall Park, Greg Sestero.
Sinopsis: Con The Disaster Artist, el director James Franco (El último deseo, Child of God) transforma la tragicómica historia verídica del aspirante a cineasta, e infame intruso de Hollywood, Tommy Wiseau (un artista cuya pasión era tan sincera como cuestionables sus métodos) en una celebración de la amistad, la expresión artística y los sueños perseguidos a despecho de toda suerte de adversidades insuperables. Basado en el libro de intimidades de Greg Sestero, que fue todo un éxito de ventas, y en el que se desvelaban todos los detalles de la producción y el rodaje del desastremetraje, convertido en clásico de culto, de Tommy, The Room (“La mejor película mala jamás producida”), The Disaster Artist es un hilarante y bienvenido recordatorio de que hay más de una manera de convertirse en leyenda, y de que no hay límite a lo que se puede conseguir cuando no se tiene ni remota idea de lo que se está haciendo.
Premios
2017: Festival de San Sebastián: Concha de Oro – Mejor película
2017: Premios Independent Spirit: Nominada a mejor actor (James Franco)
2017: National Board of Review (NBR): Top Films & Best Adapted Screenplay
2017: Premios Gotham: Mejor actor (James Franco)
2017: Satellite Awards: Nominada a mejor guion adaptado y actor (James Franco)
Es difícil saber qué es lo que nos atrae de los perdedores. Quizás sea porque todos, de una forma u otra, también los somos. Pero es un hecho que muchos de ellos han sido, gracias a su propia ineptitud, estrellas. Somos fans de Ed Wood a pesar de que sus películas eran chapuzas realizadas por un inepto. O nos gusta cierto tipo de música o artistas precisamente por lo descabellado de la propuesta que nos ofrece. ¿Qué es lo que nos atrae de este vistazo al abismo? Supongo que en gran parte es el comprender que la obra que legan a la humanidad es producto del amor, de la pasión, de la fe en uno mismo y sus limitadas, cuando no nulas, posibilidades. Si no, no se entiende la gran cantidad de libros dedicados a Ed Wood; o el valor que adquiere cualquier objeto de memorabilia relacionada con su carrera. Lo mismo puede decirse de ciertos discos. Y posiblemente es lo que nos puede llegar a fascinar de Tommy Wiseau, un absoluto inepto que juega a las películas tan solo por amistad (o amor) hacia su único amigo, Greg Sestero.  Greg quiere ser actor así que, ya que nadie parece confiar en su talento, Tommy escribe, produce y protagoniza, con él como co-protagonista, The Room, un drama con el que confía superar las obras de Tenesse Williams. Y vaya si lo consigue. Más o menos.
The Disaster Artist adapta el libro que Greg Sestero escribió sobre su relación con Tommy Wiseau y el disparatado rodaje de The  Room, al parecer casi tan accidentado como el de Apocalypse Now. Hilaridad, verguenza ajena y unas gotas de misericordia, son los sentimientos que puede causar The Disaster Artist en el espectador. Además de, si no la han visto, enormes ganas de ver The  Room.
Por nuestra parte no podemos más que simpatizar con la trayectoria de James Franco, arriesgada y variada tanto en su faceta de actor como de director. Un prolífico talento que seguro tiene muchas sorpresas reservadas para el espectador que estaremos encantados de descubrir. Pero mientras tanto disfruten de The Disaster Artist, una de esas películas en las que, más que nunca, está justificado incluir el rótulo ‘Basado en hecho reales’. Verlo para creerlo. Por cierto, una sugerencia: quédense hasta el final de la cinta.

 

EL GRAN SHOWMAN (The Greatest Showman, Michael Gracey, 2017)

USA. Duración: 105 min. Guion: Jenny Bicks, Bill Condon (Historia: Jenny Bicks) Música: Benj Pasek, Justin Paul Fotografía: Seamus McGarvey Productora: Chernin Entertainment / 20th Century Fox Género: Musical
Reparto: Hugh Jackman, Michelle Williams, Zac Efron, Zendaya, Rebecca Ferguson,Diahann Carroll, Fredric Lehne, Yahya Abdul-Mateen II, Isaac Eshete,Katrina E. Perkins, John Druzba, Shawn Contois, Ethan Coskay, Jamie Jackson
Sinopsis: Biopic sobre Phineas Taylor Barnum (1810-1891), un empresario circense estadounidense, fundador del “Ringling Bros. and Barnum & Bailey Circus” conocido como “el mayor espectáculo en la tierra”.
Los productores (The Producers, Mel Brooks, 1968), narra la historia de dos empresarios teatrales que planean hacerse ricos produciendo el mayor fracaso de Broadway: un musical sobre Hitler. Pero todo se irá al traste cuando, en contra de todos los pronósticos, Primavera para Hitler se convierta en un grandioso éxito. Hay un episodio de los Simpson en el cual la demencial familia, real como la vida misma, acude a un musical basado en El planeta de los simios, con canciones dedicadas al Dr. Zaius y otras astracanadas cantadas por el humano Taylor. Todo muy bizarro, si, pero ¿exagerado?: Pues para nada.
Andrew Lloyd Webber inició su meteórica carrera  en el universo de los musicales con una ópera rock, Jesus Christ Superstar, que narra la pasión y muerte de Cristo. Y la idea le fue tan bien que no dudó en escribir  otros espectáculos con canciones y bailes dedicados a Eva Perón, una actriz y prostituta amante de un dictador argentino; o Cats y El fantasma de la ópera basadas, digamos que muy libremente, en obras de T.  S. Eliott y Gastón Leroux respectivamente. Grandes éxitos que todavía se están representando en los escenarios de todo el mundo.
Lo que quiero decir con todo esto es que de cualquier cosa puede hacerse un musical, así que no debería extrañarles que se haya escrito uno con las aventuras de P. T. Barnum y su circo de fenómenos, que en su versión cinematográfica cuenta con un Hugh Jackman muy en forma, que canta y baila junto a la mujer barbuda o el hombre más pequeño del mundo. Todo, lo han adivinado, y abusando de nuevo del adjetivo, muy bizarro, sí, pero también repleto de bellas canciones, colorido y optimismo. Un optimismo que consigue contagiar al espectador, que sale de la sala con una sonrisa mientras se pone su abrigo y su incredulidad, que hará falta dejar de lado para disfrutar de esta cinta. Como para disfrutar, de hecho, de todos los musicales.

Categorías:VAMOS DE ESTRENO

Filmax estrenará ERREMENTARI (El herrero y el diablo) el 2 de marzo de 2018

24 diciembre 2017 Deja un comentario

El próximo 2 DE MARZO Filmax estrenará ERREMENTARI (El herrero y el diablo), el debut en el largometraje del director Paul Urkijo Alijo, inspirándose en un cuento tradicional vasco titulado ‘Patxi Errementaria’. Apadrinada por Alex de la iglesia y producida por Luis de Oza, Carolina Bang, Kiko Martínez con las productoras Kinoskopik Film Produktion, Pokeepsie Films, Gariza Films, Nadie es Perfecto, Ikusgarri Films y la productora francesa The project. Distribuida por Filmax. Participan EITB y Euskaltel y cuenta con los apoyos de Gobierno Vasco e ICAA.

Protagonizada por Kandido Uranga, Uma Bracaglia, Eneko Sagardoy y Ramón Agirre, Filmax estrenará ERREMENTARI (El herrero y el diablo) el 2 de marzo de 2018, con distribución internacional corre a cargo de FILMAX Internacional.

SINOPSIS

Han pasado 10 años desde de la primera Guerra Carlista de 1833. En un pequeño pueblo de Álava, un comisario del gobierno llamado Alfredo investiga un suceso que le lleva hasta una siniestra herrería en lo profundo del bosque, donde vive un peligroso y solitario herrero llamado Patxi. Los aldeanos de la zona cuentan oscuras historias sobre él relacionadas con robos, asesinatos y pactos demoníacos. Hasta que por casualidad una niña huérfana llamada Usue consigue colarse en la misteriosa herrería, destapando la terrible verdad que se esconde tras Patxi el Herrero.

En euskera antiguo

Otra de las singularidades de “Errementari” es su apuesta por realizar el film en euskera. Además de haber elegido la lengua original del relato, sus creadores han dado un paso más allá al elegir darle a la película el aire de un euskalki (variante dialectal del euskera) extinguido: el euskera alavés (arabarra), aspecto del film sobre el que se profundizará en los próximos días.

Para recuperar y hacer comprensible esta variedad lingüística, se ha contado con el apoyo del lingüista e investigador Koldo Zuazo, autor del libro “Arabako Euskara”, que analiza el recorrido histórico y sus diferencias respecto al euskera actual.

LAS FAVORITAS DE SERENDIPIA DE 2017

24 diciembre 2017 Deja un comentario
 

Como cada año y puntualmente, al igual que las neulas, los mazapanes y turrones, lleva la lista de Serendipia con sus películas favoritas de este 2017. La cosecha no ha estado mal, hemos visto en cine 290 películas (42 más que durante el pasado año), y aquí no entran, reitero, las que hemos visto en la intimidad de nuestra casa, donde han predominado los clásicos, el trash y las revisiones para desintoxicarse de tanta novedad.

En estos listados tan solo incluimos películas que se han estrenado en los cines españoles, dejando aparte otras que hemos podido disfrutar en los diferentes festivales a los que hemos tenido el placer de acudir y que sí hemos incluido en el recuento total. Hay en el listado una categoría más: Las 10 a recuperar. Un listado compuesto de cintas que han pasado de manera fugaz por las carteleras y seguramente no estarán incluidas en ninguno de los muchos listados que verán publicados. 10 pequeñas perlas que injustamente pasaron de puntillas por las salas. Vamos allá:

LAS DIEZ DEL FANTÁSTICO

1 – MADRE! (Mother!, Darren Aronofski, 2017)

2 –  CRUDO (Grave, Julia Ducournau, 2016)

3 – LA GUERRA DEL PLANETA DE LOS SIMIOS (War for the Planet of the Apes, Matt Reeves, 2017) 

4 – LA AUTOPSIA DE JANE DOE (The Autopsy of Jane Doe, André Øvredal, 2016)

5 – NAGASAKI, RECUERDOS DE MI HIJO (Haha to kurasebaYôji Yamada, 2015 )

6  – VERÓNICA (Paco Plaza, 2017)

7 – A GHOST STORY (David Lowery, 2017)

8 – LA CURA DEL BIENESTAR (A Cure for Wellness, Gore Verbinski, 2016)

9 – BLADE RUNNER 2049 (Denis Villeneuve, 2017)

10 –COLOSSAL (Nacho Vigalondo, 2016)

 

LAS CINCO DE ANIMACIÓN

1 – PADDINGTON 2 (Paul King, 2017)

2 – LA VIDA DE CALABACÍN (Ma vie de Courgette, Claude Barras, 2016)

3 – EN ESTE RINCÓN DEL MUNDO (Kono sekai no katasumi ni, Sunao Katabuchi, 2016)

4 – COCOLee Unkrich y Adrián Molina, 2017)

5 – BALLERINA (Eric Summer y Éric Warin, 2016) + FERDINAND (Carlos Saldanha, 2017)

 

LAS DIEZ  INTERNACIONALES

1 – MOONLIGHT (Barry Jenkins, 2016)

2 – SILENCIO (Silence, Martin Scorsese, 2016)

3 – EN REALIDAD NUNCA ESTUVISTE AQUÍ (You Were Never Really Here, Lynne Ramsay, 2017)

4 – JACKIE (Pablo Larraín, 2016)

5 – YO NO SOY MADAME BOBARY (Wo bu shi Pan Jin Lian, Xiaogang Feng, 2016)

6 – THE DISASTER ARTIST (James Franco, 2017)

7 – HACIA LA LUZ (Hikari, Naomi Kawase, 2017)

8 – EL SUEÑO DE GABRIELLE (Mal de pierres, Nicole Garcia, 2017)

9 – ALANIS (Anahí Berneri, 2017)

10- LOVING (Jeff Nichols, 2016)

 

LAS CINCO ESPAÑOLAS

1 – EL AUTOR (Manuel Martín Cuenca, 2017)

2 – LA HIGUERA DE LOS BASTARDOS (Ana Murugarren, 2017)

3 – INCERTA GLÒRIA (Agustí Villaronga, 2017)

4 – HANDIA (Aitor ArregiJon Garaño, 2017)

5 – LA CORDILLERA (Santiago Mitre, 2017)

 

LOS CINCO DOCUMENTALES (que en esta ocasión se quedan en cuatro)

1 – DAVID LYNCH: THE ART LIFE (Jon Nguyen, Rick Barnes y Olivia Neergaard-Holm, 2016)

2 – JERICÓ, EL INFINITO VUELO DE LOS DÍAS (Catalina Mesa, 2016)

3 – I AM NOT YOUR NEGRO (Raoul Peck, 2016)

4 – MUCHOS HIJOS, UN MONO Y UN CASTILLO (Gustavo Salmerón, 2017)

LAS DIEZ (MÁS UNO) A RECUPERAR

1 – EL VIAJANTE (ForushandeAsghar Farhadi, 2016)

2 – LA ESCALA (Voir du paysDelphine CoulinMuriel Coulin, 2016)

3 – EN CUERPO Y ALMA (Teströl és lélekrölIldikó Enyedi, 2017 )

4 – REHENES (Hostages, Rezo Gigineishvili, 2017)

5 – UN MINUTO DE GLORIA (SlavaKristina Grozeva, Petar Valchanov, 2016)

6 – BAJO EL SOL (Zvizdan, Dalibor Matanic, 2015 )

7 – LA HERIDA (Inxeba, John Trengove, 2017)

8 – EL DÍA MÁS FELIZ EN LA VIDA DE OLLI MÄKI (Hymyilevä mies, Juho Kuosmanen, 2016)

9 – LA COMUNIDAD DE LOS CORAZONES ROTOS (Asphalte, Samuel Benchetrit, 2016)

10 – RARA (Pepa San Martín, 2016)

11 – BILLY LYNN (Billy Lynn’s Long Halftime Walk, Ang Lee, 2016)

Y FINALMENTE: EL PODIUM 2017

1 –PADDINGTON 2

2 –MADRE!

3 –EL AUTOR

VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 22 de diciembre de 2017 *

22 diciembre 2017 Deja un comentario

LESA HUMANITAT (Héctor Faver, 2017)

España Duración: 98 min. Guion: Héctor Faver Música: Lito Vitale Fotografía: Gerardo Gormezano Productora: Vargtimmen Films / Aureal Theorem Género: Documental

Sinopsis: Dar voz y visibilidad a las víctimas del Franquismo, recoger sus testimonios, acabar con la indiferencia de buena parte de la sociedad y restituir su derecho a la memoria y a la justicia son los objetivos del proyecto de documental “Lesa humanidad”, un documental sin ánimo de lucro sobre memoria histórica y justicia universal. ¿Qué sucede cuando los derechos humanos se violan de una forma continuada y sistemáticamente y si estos delitos de genocidio acaecieron en un pasado reciente; y si además, existieran leyes enmarcadas dentro de un marco democrático que ampararan la impunidad y exoneraran a los genocidas? La jurisdicción universal puede conformar una gran motivación que pueda accionar e impulsar resoluciones judiciales que velen por la reparación de las víctimas que han sufrido la indefensión y se les ha coartado su libertad como ser humano.

El marxismo es una enfermedad y en nuestras manos está erradicarla” (Vallejo Nájera)

Camboya, Argentina, España… son lugares que tienen en común historias de desaparecidos y de huesos enterrados en fosas anónimas. Lugares que con este documental, narrado por Eduard Fernández, conoceremos mejor. Visitaremos lúgubres sótanos con paredes de pintura descascarillada, enormes barracones y mausoleos cuasi faraónicos repletos de huesos anónimos, pertenecientes a miles de víctimas de la violencia generada por regímenes totalitarios.

Y es que nunca está de más refrescar la memoria a los más olvidadizos y enseñar a las nuevas generaciones el país que han heredado. El de dónde venimos para saber el a dónde vamos. El qué pasó para no repetir errores. Pues mientras todavía hay calles dedicadas a verdugos, asociaciones que luchan por la memoria histórica sobreviven gracias a sindicatos de electricistas daneses o entidades argentinas.

Ex-presos, ex-jueces… todos represaliados. Baltasar Garzón, Gerardo Pisarello, Soledad Luque, Emilio Silva nos hablan de su experiencia. De su impotencia.

Se sale de la sala con el estómago revuelto ante la indefensión de sabernos gobernados por los herederos de aquellos verdugos que murieron en la cama con honores y restos de sangre reseca en sus manos. Se sale con el corazón en un puño ante la rabia por saber que poco o nada puede hacerse.

Niños robados; experimentos raciales; apoyo institucional a las dictaduras latinoamericanas; fosas, fosas y más fosas.

Pero siempre hay que decirlo. No dejar nunca de decirlo. Como se dice en Lesa Humanitat: solemne pero implacablemente. Ahora que a todos se les llena la boca de democracia. Ahora que todos parecen haberla inventado. Ahora y siempre hay que seguir denunciando.

DEMASIADO CERCA (Tesnota, Kantemir Balagov, 2017)

Rusia Duración: 118 min. Guion: Kantemir Balagov, Anton Yarush Fotografía: Artem Emelianov Productora: Lenfilm Studios / Alexander Sokurov’s Fund / Example of Intonation Género:Drama
Reparto: Darya Zhovner, Olga Dragunova, Veniamin Kac, Atrem Cipin, Nazir Zhukov
Sinopsis: 1998, Nalchik. Una familia judía está en peligro: el hijo más pequeño y su esposa no vuelven a casa y a la mañana siguiente la familia recibe una nota de secuestro. El rescate que piden es tan alto que la familia se ve obligada a vender su pequeño negocio y a buscar ayuda a su alrededor.
Premios
2017: Festival de Cannes: Un Certain Regard (Sección oficial)
Podremos sentir el olor a cerrado de los hogares adocenados, desordenados, que visitaremos; sentir la ranciedad y el sudor acumulado en la ropa de los trabajadores; el sexo; el alcohol… todo se nos mostrará desde muy cerca en ese laberinto, ese callejón del que no parece haber escapatoria.  Un crisol cultural enfrentado entre sí. Tribus en las cuales el odio y amor parecen darse la mano en cada esquina.
Y donde la muerte campa a sus anchas…
Aroma a galleta reblandecida, a gasolina en una película en la cual tan solo se abre el claustrofóbico plano cuando vemos un radiante amanecer. Que es casi como despertar de una pesadilla. Una esperanza de un nuevo comienzo.
Otro lugar… otro rastro de miseria itinerante. Otro bloque de extrarradio.
Y un frío intenso en esta cotidianidad nada cotidiana de tragedias íntimas, viscerales, en esta película que además de verse se siente cerca. Demasiado cerca.
Más que verse se experimenta.

UNA VIDA A LO GRANDE (Downsizing, Alexander Payne, 2017) 

USA/Noruega Duración: 135 min. Guion: Alexander Payne, Jim Taylor Música: Rolfe Kent Fotografía: Phedon Papamichael Productora: Annapurna Pictures / Paramount Pictures / Ad Hominem Enterprises Género: Comedia fantástica.
Reparto: Matt Damon, Christoph Waltz, Hong Chau, Jason Sudeikis, Kristen Wiig,Neil Patrick Harris, Laura Dern, Margo Martindale, Kerri Kenney, Maribeth Monroe,Niecy Nash, Udo Kier, Donna Lynne Champlin, Joaquim de Almeida, Rolf Lassgård,Ingjerd Egeberg, Søren Pilmark, Jayne Houdyshell,
Sinopsis: Narra las peripecias de Paul Safranek (Matt Damon), un tipo corriente de Omaha, que, junto a su mujer Audrey (Kristen Wiig), sueña con una vida mejor. En un momento en el que el mundo se enfrenta a una crisis de superpoblación, los científicos descubren una solución radical que permitirá reducir a las personas a una altura de cinco pulgadas. La población no tarda en descubrir que el dinero da mucho más de sí en un mundo a escala reducida, y ante la promesa de un estilo de vida más lujoso del que nunca habrían podido soñar, Paul y Audrey deciden correr el riesgo de someterse al controvertido tratamiento y embarcarse en una aventura que cambiará sus vidas para siempre.
Premios: 
2017: Festival de Venecia: Sección oficial largometrajes a concurso
2017: National Board of Review (NBR): Mejores 10 películas del año
2017: Satellite Awards: Nominada a mejor dirección artística
Almibarada distopía que desaprovecha el lado oscuro del futuro que retrata sustituyéndolo por una pesadilla pseudo ecologista , con esa manida moraleja que pone al amor por encima de nuestras ansías de supervivencia. Una vida a lo grande se sitúa más cerca del Walter Mitty de Ben Stiller que del Elysium que dirigida por Neill Blomkamp protagonizaba el propio Matt Damon. Dos cintas recientes que también jugaban con la importancia del recorrido por encima de la finalidad, pues no nos hace feliz la meta sino el camino en pos de ella. Es una película sin villanos que se enfrenten al héroe, y es siempre esta dialéctica la que permite mostrar las aristas de esos temas vitales que nos afectan a todos.
Una vida a lo grande desaprovecha una idea más que interesante, abierta a mostrar las desigualdades generadas en una nueva sociedad en la que todo parecen ventajas, pero en la cual los perdedores siguen siendo los mismos y los guetos se encuentran, como siempre, lejos del centro. Una sociedad a escala reducida de hombres menguantes en la que los peligros a los que tienen que enfrentarse no son arañas, ahora gigantescas,  ni lluvias que se transforman en desastres naturales, sino al propio hombre, especialista en convertir los sueños en pesadilla.

 

WONDER WHEEL (Woody Allen, 2017)

USA Duración: 101 min. Guion: Woody Allen Fotografía: Vittorio Storaro Productora: Gravier Productions / Amazon Studios Género: Drama

Reparto: Kate Winslet, Justin Timberlake, Juno Temple, James Belushi, Max Casella,Michael Zegarski, Tony Sirico, Marko Caka, Jack Gore, Dominic Albano, Evin Cross,Debi Mazar, Brittini Schreiber, Geneva Carr, Steve Schirripa, Matthew Maher

Sinopsis: En la Coney Island de la década de 1950 el joven Mickey Rubin (Timberlake), un apuesto salvavidas del parque de atracciones que quiere ser escritor, cuenta la historia de Humpty (Jim Belushi), operador del carrusel del parque, y de su esposa Ginny (Winslet), una actriz con un carácter sumamente volátil que trabaja como camarera. Ginny y Humpty pasan por una crisis porque además él tiene un problema con el alcohol, y por si fuera poco la vida de todos se complica cuando aparece Carolina (Juno Temple), la hija de Humpty, que está huyendo de un grupo de mafiosos.

Aunque la nostalgia suele ser reaccionaria, en ocasiones, cuando es reelaborada para crear algo radicalmente nuevo, no lo es. Y esto es justo lo que ofrece Wonder Wheel, un ejercicio nostálgico que tiene mucho de experimentación como lo fue en su día (y salvando las distancias) el Ulises de James Joyce. Uno de los valores (y no el menor) de la inconmensurable novela del irlandés es su repaso y asimilación de la historia de las letras británica, en cada capítulo Joyce ensaya un estilo distinto, desde la literatura popular hasta el teatro del absurdo (anticipando a Samuel Beckett) pasando por las crónicas medievales, y todo ello lo puso al servicio de una obra absolutamente vanguardista. Woody Allen, igualmente, ha repasado en su poblada filmografía la de otros autores que ha admirado, ya sea a Bergman en Interiores (1978), a Fellini en Stardust memories (1980) o al cine expresionista en la siempre reivindicable Sombras y niebla (1991), por citar sólo los tres ejemplos que vienen a bote pronto a mi memoria. Pero esos trabajos no son, por supuesto, plagios ni son tan solo meros homenajes, cuando Allen emula lo hace siempre imprimiendo su sello personal, claramente distinguible, consiguiendo así obras con perfecta identidad propia.

Esto ocurre de nuevo en Wonder Wheel, aquí lo que es revisitado es la corriente realista del teatro americano con sus máximos representantes, Arthur Miller, Tennessee Williams y, sobre todo, Eugene O’neill directamente referenciado en la película. Sus personajes podrían haber poblado las páginas de cualesquiera de ellos, el sino que pesa sobre ellos (ese error fatídico cuya culpa conducirá a su debacle) les habría satisfecho y lo hubieran diseñado así e incluso esas interpretaciones, que rozan la sobreactuación, hubiesen hecho sus delicias. Pero no hagan caso de quienes les digan que el último trabajo de Allen es un drama, porque aunque en su planteamiento lo parezca, no lo es en su materialización y no lo es porque está compuesto desde la distancia irónica. Distancia irónica que supone la inclusión de recursos del humor (ese pequeño pirómano y su forma de representarlo, podría servir de ejemplo), pero no sólo eso, el director tiene presente todo el tiempo que está experimentando con un modelo y toma distancia respecto a él como la tomamos cuando jugamos a ser otra cosa distinta a la que somos. Wonder Wheel tiene tanto de drama como de divertimento. Lo mismo de repaso nostálgico que de innovación. El guión podría adaptarse en los escenarios, pero lejos de ser teatro filmado, tal como lo entendemos, lo que nos ofrece es un ejercicio  que describe al teatro con los recursos del séptimo arte. Wonder Whell es puro cine.

Con su último trabajo, Allen consigue dar salida a varios de sus gustos y temas recurrentes, siempre ha amado el arte escénico (e incluso ha escrito varias piezas), no menos ha amado al cine, especialmente el clásico, todo lo referido al mundo de los gangsters y (casi sobre todo) a lo que dieron de sí esos años cincuenta en los que transcurrió su adolescencia. En este sentido se da un auténtico festín con esta recreación del mundo de Coney Island, reproducido minuciosamente en un trabajo que supone la suma de elaborados decorados y fondos digitales preciosistas, pero sobre todo capturado en lo que tiene de decadente todo parque de atracciones que se precie, su colorido artificial esconde grandes dosis de melancolía. Allen flirtea con lo grotesco (bizarro, si lo prefieren), coquetea con los arquetipos del teatro, sus personajes y sus formas, y rinde su amor al cine del technicolor que impactó su infancia. Con Wonder Wheel nos regala un guión redondo plagado de guiños al cinéfilo e incluso a la televisión (no es casual la utilización de actores de Los Soprano interpretando a los malos de la función). Disfruta rompiendo la cuarta pared, dirige certeramente a sus actores sacando lo mejor de ellos (y no solo de la Winslet, hay que decirlo) y usa virtuosamente la planificación y el encuadre. El resto lo ponen esos naranjas de Storaro que acaban de dar a la cinta ese aspecto de producto bellamente envejecido. Wonder Wheel es uno de esos vinos añejos que conservan en su fondo los regustos frescos de su juventud.

JUMANJI: BIENVENIDOS A LA  JUNGLA (Jumanji: Welcome to the Jungle, Jake Kasdan, 2017)

USA. Guion: Jeff Pinkner, Scott Rosenberg, Erik Sommers (Novela: Chris Van Allsburg. Historia: Chris McKenna) Música: Henry Jackman Fotografía: Gyula Pados Productora: Radar Pictures / Seven Bucks Productions / Matt Tolmach Productions / Sony Pictures Entertainment Género: Fantástico

Reparto: Dwayne “The Rock” Johnson, Karen Gillan, Jack Black, Kevin Hart,Madison Iseman, Nick Jonas, Rhys Darby, Alex Wolff, Marc Evan Jackson,Morgan Turner, Ser’Darius Blain, Bobby Cannavale, Missi Pyle, Maribeth Monroe,Tim Matheson

Sinopsis: Cuatro improbables amigos son absorbidos por el peligroso mundo de Jumanji, y transformados en avatares con habilidades únicas. Todos ellos deberán embarcarse en la aventura más arriesgada de sus vidas, o quedarán atrapados en el juego para siempre…

Ideal para toda la familia, en Jumanji: Bienvenidos a la jungla, los cuatro adolescentes protagonistas, perfectos arquetipos de enclenque cerebrito; musculitos deportista; odiosa muñeca pendiente de su imagen y su  teléfono; y solitaria tímida, deberán enfrentarse a los peligros de Jumanji, una especie de juego de rol en el cual los jóvenes deberán ponerse, textualmente, en la piel del otro, lo que dará pié a situaciones divertidas en las cuales hasta Jack Black resultará eficaz.

Jumanji: Bienvenidos a la jungla es una de esas escasas películas que ya desde su planteamiento se sabe que mucho deberían torcerse las cosas para que resultara fallida. Además de hacer pasar un rato emocionante y divertido al espectador, ofrece un mensaje de respeto al diferente y de saber colaborar y valorar las cosas realmente importantes de la vida. Trabajando en equipo los cuatro jóvenes descubrirán el potencial que tienen en su interior e irán superando las diferentes pruebas (pantallas) de las que constará la partida, cuya recompensa será regresar a su existencia y recuperar su lugar en el mundo.

No es necesario tener fresco el primer acercamiento al universo Jumanji, dirigido por Joe Johnston en 1995,  para poder disfrutar con esta nueva aventura, pues su guión es totalmente independiente y tan solo tiene en común con aquella el antiguo juego de mesa, que rápidamente pasa a ser un videojuego ‘vintage’, posiblemente una licencia para hacerla más cercana al espectador contemporáneo.

En resumen: mucho humor y aventura para toda la familia en esta muy recomendable película que, con permiso de la última entrega galáctica, merecería ser la película de estas fiestas.

FERDINAND (Carlos Saldanha, 2017)

USA. Duración: 106 min. Guion basado en un cuento de Munro Leaf Música: John Powell Fotografía: Renato Falcão Productora: Blue Sky Studios / 20th Century Fox Animation / Davis Entertainment. Distribuida por 20th Century Fox Género: Comedia de animación

Sinopsis: Ferdinand es un novillo muy tranquilo que prefiere sentarse bajo un árbol a oler las flores que saltar, resoplar y embestirse con otros. A medida que va creciendo y haciéndose fuerte su temperamento no cambia y sigue siendo un toro manso. Un día unos hombres vienen buscando el toro más grande, rápido y bravo… y Ferdinand es elegido equivocadamente para las corridas de toros de Madrid.

Basado en un cortometraje de animación de Walt Disney de 1938, Ferdinand es un magnífico largometraje que, a pesar de contener un inevitable trasfondo pacifista y por supuesto antitaurino, sus creadores se han cuidado mucho de ridiculizar o convertir su mensaje en un panfleto. Divertida, emocionante y llena de aventuras, Ferdinand tiene un cuidado diseño de personajes, variados y muy divertidos, incluyendo uno, la cabra Lupe, que guarda un agradecido toque Warner o Hans, un caballo abiertamente homosexual, algo impensable no hace mucho en una película de animación dirigida, especialmente, a los más pequeños.

Ferdinand, por supuesto, está cargada de mensajes positivos. El valor de la amistad y el respeto a la diferencia. El seguir nuestro camino guiados por el corazón revelándonos ante lo que el destino parece tenernos reservado, en el caso de Ferdinand  el sacrificio en la plaza de toros. Y es que Ferdinand ama las flores y no quiere luchar. No quiere embestir.

 

 

Categorías:VAMOS DE ESTRENO

Primeras noticias sobre la segunda edición del BCN Film Fest

21 diciembre 2017 Deja un comentario

La segunda edición del BCN FILM FEST se celebrará entre el 20 y el 27 del próximo mes de abril en los Cines Verdi.

Como en la primera edición, el BCN FILM FEST se sumará al ambiente festivo y alegre que se vive en Barcelona en torno al día de Sant Jordi con la mejor selección posible de películas relacionadas con la literatura y la historia, en la Sección Oficial, con las comedias más populares, en la sección Cinema amb Gràcia, y con los clásicos más exquisitos, en la sección Imprescindibles.

Una vez más, el BCN FILM FEST aspirará a ser una fiesta del cine y se esforzará en acercar el cine a la gente, tanto al aficionado de siempre como al público nuevo que todavía tiene pendiente descubrir la magia de las películas.

En próximas fechas el festival anunciará las películas de su programación.

RETROSPECTIVA 

La segunda edición del Festival Internacional de Barcelona-Sant Jordi (BCN FILM FEST) dedicará íntegramente al director Ingmar Bergman su sección Imprescindibles, especializada en recuperar grandes clásicos del cine de autor de todos los tiempos.

Esta pequeña retrospectiva ofrecerá un significativo recorrido por la obra de uno de los directores más relevantes de la historia del cine mundial y permitirá comprobar la plena vigencia de su legado artístico. La inclusión en la programación de varias películas de Bergman es también un reflejo de la filosofía pedagógica que impulsa al festival, cuya máxima expresión es el Sello Educacine. Posiblemente, representará la primera oportunidad para que nuevas generaciones de cinéfilos descubran en la gran pantalla el trabajo de un cineasta único.

Nacido en 1918, Bergman revolucionó el lenguaje y el arte cinematográfico a lo largo de cuatro fructíferas décadas. Entre los años 50 y 80 volcó su talento y su visión del mundo en obras maestras del calado, por citar sólo algunas, de “El séptimo sello”“Fresas salvajes”“Persona”“Pasión”, “Gritos y susurros” o “Fanny y Alexander”, film con el que se retiró oficialmente del mundo del cine.

En las próximas semanas el festival anunciará las películas de Bergman elegidas para formar parte de su programación. Esta iniciativa del BCN FILM FEST cuenta con la colaboración de la Filmoteca de Catalunya.

Categorías:BCN Film Fest

Primeras actividades de la tercera edición del Salón del Cine y las Series

21 diciembre 2017 Deja un comentario

El Salón del Cine y las Series ya tiene a punto su tercera edición, que se celebrará del 2 al 4 de febrero de 2018, en La Farga de L’Hospitalet.

La organización del certamen ya trabaja para tenerlo todo a punto, para el primer fin de semana de febrero, con el objetivo de seguir consolidando este evento, que en dos ediciones ha contado con la asistencia de más de 45.000 personas. El evento, organizado por CinemaWorld y La Farga, volverá a reunir el mundo del cine y
las series en un mismo espacio, durante tres días con numerosas actividades, exposiciones, escape rooms, proyectos de crowdfunding, charlas y la tradicional jornada de Mesas Redondas con la presencia de directores, guionistas, actores, promotores, etc.

La tercera edición del Salón del Cine y las Series contará con 115 expositores de empresas relacionadas con el sector, 10 exposiciones, diferentes actividades y las más
de 35 charlas con especialistas y profesionales del mundo del cine. Para las charlas de esta edición año se cuenta con la presencia del director de cine Nacho Vigalondo (Los cronocrímenes, Open Windows, Colossal), Alberto Ammann, actor de Narcos y el editor e historietista Manuel Bartual (conocido por su viral relato de misterio a base de tuits).

Entre las 10 exposiciones que visitarán el Salón del Cine y las series destacan, con 400m2, una dedicada a la saga cinematográfica de Harry Potter, una muestra del universo Star Wars y Alien y una muestra de coches de cine con El Coche Fantástico y el coche del General Lee.

Este año también habrá presencia internacional con la colaboración de la productora y distribuidora francesa Gaumont, que nos llevará a La Farga una muestra de objetos de cine, como el vestuario películas de Luc Besson entre las que se encuentran Leon, El
profesional o El quinto elemento. También expondrá en el salón el Museo del Cine y Miniaturas de Lyon, que colaborará con diferentes muestras de trajes originales utilizados en filmes de producciones de Hollywood.

Durante el Salón del Cine y las Series, y por segundo año consecutivo, tendremos la presencia del Espacio de Imagen y Tecnología donde profesionales y aficionados podrán disfrutar de 500m2 de tecnología con las últimas novedades en vídeo, fotografía, realidad virtual, charlas y masterclass. Otra de las actividades será la posibilidad de poder realizar doblaje de voz a cargo de la empresa catalana Dubbing.

En el espacio de realidad virtual habrá la exhibición de obras cinematográficas de 360º, además del estreno de la película producida por los participantes del taller de realidad virtual, organizado por Garage Stories y el propio Salón del Cine y las Series.

La tradicional jornada de Mesas Redondas, que se hará el viernes por la mañana, tendrá tres espacios en diferentes salas, este año con Directores/as de casting, Directores/as artísticos y Guionistas. Esta actividad está abierta al público y se espera la asistencia, como cada año, de estudiantes relacionados con el mundo audiovisual y jóvenes profesionales.

III Salón del Cine y las Series
2, 3 y 4 de febrero de 2018
Horario Viernes y sábado de 10h a 21h; Domingo de 10h a 20h
Recinto La Farga Centro de Actividades
Dirección C/ Barcelona, 2. 08901 L’Hospitalet de Llobregat (BCN)

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David J. Skal: Algo en la sangre

18 diciembre 2017 Deja un comentario

Han trascurrido 120 años desde que se publicara Drácula, la inmortal novela de Bram Stoker, y David J. Skal, uno de nuestros autores favoritos, ha vuelto a escribir sobre el personaje y su creador.  Y es que como ya dijera Bela LugosiDracula never ends‘ y así parece estar sucediendo también en el caso de Skal, al que conocemos por magníficos libros como Tod Browning. El carnaval de las tinieblas, Monster Show y Hollywood Gótico, pero  también responsable de otros, inéditos en nuestro país, todos ellos centrados en nuestro chupasangre favorito: Dracula: The Ultimate, Illustrated Edition of the Worl-Famous Vampire Play by Hamilton Deane, que reproduce el guión teatral en el que también se basó la película de Tod Browning; V is for Vampire: The A to Z Guide to Everything Undead, en el que se repasa todo lo que han dado de sí los vampiros en el cine; o una completa edición de  Drácula anotada y que ahora, a los 20 años de su publicación, va a ser actualizada. A David J. Skal pertenece también el mérito de que, entre otras cosas, podamos disfrutar del Drácula hispano rodado por la noche por George Melford en los estudios y decorados de Universal mientras se filmaba, durante el día, la cinta de Tod Browning, ya que investigando para uno de sus libros se topó en la Filmoteca de Cuba con la única copia completa que quedaba en el mundo, pudiendo así recuperarse el trozo extraviado de los baúles de Universal Pictures.

Drácula-Bram Stoker-David J. Skal. Unidos entre sí por la sangre, pero a los que hay que sumar también a Oscar Palmer, responsable de Es Pop Ediciones, que no solo ha tenido el buen gusto de traducir y editar en nuestro país Hollywood Gótico y Algo en la sangre: la biografía secreta de Bram Stoker; asimismo tradujo Monster Show, que editó en su momento Editorial Valdemar y, por si todo esto fuera poco también tradujo para Valdemar su edición de Drácula, ofreciendo un soberbio volumen repleto de notas y, como se dice ahora, extras de incalculable labor. Lo dicho: Drácula-Stoker-Skal-Palmer… y Sitges. Pues el Festival en su 50 edición dedicada a Drácula tuvo a bien traer como invitado (y jurado) al autor de Algo en la sangre: la biografía secreta de Bram Stoker que junto a Oscar Palmer ofrecieron una charla sobre Stoker y el legendario vampiro que resumimos a continuación.

DAVID J. SKAL: ALGO EN LA SANGRE

Fotos: Serendipia

En la tradición folklórica los vampiros no son aristócratas. Muy al contrario solían provenir de baja extracción social y regresaban de la tumba para convertir en vampiros a sus propios familiares. El concepto de vampiro como aristócrata no nació hasta la literatura romántica. Tenemos ejemplos en El vampiro, escrito por John Polidori, amigo de Lord Byron. Así que Bram Stoker convirtió también a su vampiro en aristócrata continuando el patrón establecido por sus predecesores y no pretendía hacer ningún tipo de alegoría política, de lucha de clases. Esa ha sido una lectura que se ha hecho de la novela a posteriori.

Creo que Bram Stoker no reconocería a Drácula en la mayoría de las adaptaciones cinematográficas y en particular en el caso de Lugosi. A diferencia de lo que mucha gente cree, Drácula no era un seductor. De hecho siempre tengo que corregir a los que creen que Drácula es una historia de amor. Coppola convirtió Drácula en una especie de ‘La bella y la bestia’ que Stoker, sin lugar a dudas, no hubiera reconocido.  También es interesante indicar que Stoker no se inspiró en Vlad Tepes, el personaje histórico, aunque diera la casualidad de que ambos fueran bastante sanguinarios. De hecho Stoker descubrió a Tepes cuando ya llevaba tiempo trabajando en su novela. Stoker nunca describe detalladamente a Drácula. El personaje está siempre envuelto en sombras, dejando que el lector tenga su propia idea de Drácula.

Suele pensarse que la enfermedad que mantuvo a Stoker de niño durante siete años en cama tenía un origen psicosomático. Tengo la teoría de que en la época Victoriana los padres suministraban opio y otras drogas a su hijos para protegerles de las enfermedades convirtiéndolos en pequeños toxicómanos. La propia madre de Stoker sobrevivió al cólera y estaba convencida de que fue gracias a las dosis diarias de whisky que recibía. De hecho Stoker permaneció durante esos siete años en estado de ensoñación, sin posibilidad de interactuar con el mundo, y el único consuelo lo encontraba en su propia imaginación y los cuentos que le contaba su madre. A Bram Stoker le encantaban los cuentos de hadas que su madre le contaba de pequeño. Más adelante descubrió las tradicionales pantomimas navideñas de su Irlanda natal. En estas funciones había un  personaje, el rey, en el que yo estoy convencido que se inspiró Stoker para su Drácula.  Más tarde, cuando Bram Stoker ejerció de crítico teatral escribió una serie de artículos sobre la pantomima y la importancia de esta para los niños como primer punto de contacto con la fantasía, algo que sin duda definía su propia experiencia de niño. En Drácula encontramos claras referencias a cuentos clásicos como Caperucita Roja. De hecho creo que la mejor forma de definir Drácula es como cuento para adultos.

Bram Stoker no dejó ningún diario escrito sobre sus motivaciones para escribir su obra más famosa, por lo tanto escribir el libro ha sido más difícil de lo que pensaba. Me ha llevado seis años terminarlo, siendo el que más tiempo me ha costado. Durante su escritura he aprendido, entre otras cosas, que es dificilísimo escribir una biografía a menos que se tenga la capacidad de viajar en el tiempo. Así que aunque he intentado ceñirme en la medida de lo posible a los hechos probados, gran parte de la biografía se basa en especulaciones. 

Todo comenzó a encajar cuando tomé en cuenta la figura de Oscar Wilde, conocido de Stoker y rival amoroso (Nota: de hecho, Stoker se casó con la novia de Oscar Wilde). También, aunque desconocemos muchos detalles, se ha planteado la posibilidad de que Bram Stoker fuera homosexual, pues se conserva correspondencia que así parece darlo a entender. Nosotros siempre buscamos nuestro propio reflejo  y el hecho de que Drácula no pudiera ver su imagen reflejada en el espejo parece indicar nuestra propia dificultad para vernos a nosotros mismos. De hecho hasta 60 años después de su publicación no se vieran los trasfondos freudianos y sexuales de la novela. Desconozco cuales eran sus demonios personales, pero intento descifrar algunos en el libro. En cierto modo la biografía tiene algo de ficción, pues hay que encontrar un modo atractivo de contar una historia, que a fin de cuentas es lo que todos queremos leer: más que hechos en sí queremos historias. Pero mi libro es mucho más que una simple biografía de Stoker. Supone una completa inmersión en el mundo artístico, social y sexual victoriano y espero que sirva para descubrir como se concebían en aquella época conceptos como la sexualidad, la vida y la muerte.

Como se ha indicado Bram Stoker fue crítico teatral y también secretario del actor Henry Irving. De hecho quería llevar Dracula al teatro y tenía en mente como protagonista ideal a su jefe, pero este no estaba interesado en el papel. Stoker falleció antes de que su novela llegara al teatro, pero estoy seguro de que de haber existido el cine en aquella época, Bram Stoker hubiera estado de acuerdo en que su novela era un material que se prestaba para ser llevado a la pantalla.

No creo que a Bram Stoker le gustara especialmente escribir. Más bien se sentía obligado a hacerlo. Escribía de forma obsesiva y los pensamientos le asaltaban a tal velocidad y tan frenéticamente los trasladaba al papel que su letra costaba de descifrar.

El novelista comentó a sus amistades la intención de escribir una secuela de Drácula, así que posiblemente a ello se deba el final alternativo existente y que es el que se publicó finalmente. En el manuscrito original el vampiro moría cuando el castillo volaba por los aires por culpa de una erupción volcánica. Un final que hay quien opina que fue cambiado por el que conocemos a efectos de dicha segunda parte.

Lo cierto es que recientemente se ha encontrado el primer borrador de Drácula. Con una extensión del doble de la novela que conocemos, podría ser que todo el material suprimido lo reservara Stoker para la secuela, posibilidad que personalmente no descarto. Formo parte del equipo que está trabajando con ese borrador. Una labor que nos llevará años pero que confío va a responder muchas preguntas sobre Drácula y su autor, así que valdrá la pena esperar.

Creo que me precipite cuando pensé que este sería el último libro que escribiría relacionado con la inmortal novela de Stoker. Y es que nunca terminaría de hablar sobre ella, pues es como un gran agujero negro. Es como el político perfecto, que da a todo el mundo lo que desea.

Aprovechando la ocasión, dando mucho trabajao al sr. Skal

 

 

 

 

 

 

 

 

VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 15 de diciembre *

15 diciembre 2017 Deja un comentario

SE ARMÓ EL BELÉN (The Star, Timothy Reckart, 2017)

USA. Duración: 86 min. Guion: Carlos Kotkin, Simon Moore, Tom Sheridan Música: Mark Mancina, Thomas Newman Productora: Sony Pictures Animation / Franklin Entertainment / Affirm Films / Jim Henson Company Género: Comedia de animación.

Sinopsis: Bo es un burrito pequeño, pero valiente, que anhela una vida más allá de su rutina diaria en el molino del pueblo. Un día reúne el coraje necesario para cumplir la aventura de sus sueños. En su viaje conocerá a Ruth, una adorable oveja que ha perdido su rebaño, y a Dave, una paloma con grandes aspiraciones. Durante su camino, en el que siguen una Estrella muy especial, encontrarán además a tres camellos y a otros excéntricos animales. Todos ellos se convertirán en los héroes no reconocidos de la primera Navidad.

Una fábula navideña protagonizada principalmente por animales a la que hay que agradecer que, al menos, recuerde a todos lo que se supone se celebra durante estas fiestas que se nos vienen encima. Y no es poco teniendo en cuenta la pérdida de la identidad que la Navidad tiene que afrontar tras semejante avalancha de mercadotecnia, luces, comercio salvaje y menús pantagruélicos. Se armó el belén (que comparte título con una comedia de Sáenz de Heredia protagonizada por el inefable Paco Martínez Soria), narra de nuevo la historia más grande jamás contada edulcorando sus pasajes más duros, otorgando look princesa Disney a la Virgen María y añadiendo humor a la historia del cornudo más famoso de la historia, con buena animación y un tono cómico contando como protagonistas principales con Bo, un  burrito, y Dave, un palomo canalla que son amigos y que quieren ver mundo y que aspiran a formar parte de grandes acontecimientos. Las serendipias que se producirán en el camino les convertirán (junto a otros amigos que se cruzarán), en piezas fundamentales en el nacimiento de Jesús, dando de paso ocasión al filme de ofrecer a los pequeños espectadores las tan esperadas como siempre necesarias consignas de que la amistad, la diferencia, la familia y el bien deben prevalecer y cuidarse.

Una película correcta, divertida y entretenida también para los adultos de la que, es de esperar, no se rodará segunda parte…

 

LA HERIDA (Inxeba, John Trengove, 2017)

Sudáfrica/Alemania/Holanda/Francia Duración: 88 min. Guion: Malusi Bengu, Thando Mgqolozana, John Trengove Música: João Orecchia Fotografía: Paul Ozgur Productora: Riva Filmproduktion / Das Kleine Fernsehspiel / ZDF/Arte Género: Drama

Reparto: Nakhane Touré, Bongile Mantsai, Niza Jay Ncoyini

Sinopsis: Como cada año, Xolani, obrero solitario, participa junto a otros hombres de su comunidad en un rito iniciático tradicional para jóvenes que están en los últimos años de la adolescencia: serán circuncidados y luego “preparados” para la vida de un hombre de verdad. Kwanda, procedente de una familia acomodada de Johannesburgo y, tutelado por Xolani, recibe las burlas de sus compañeros por ser de ciudad y demasiado sensible. Cuando Kwanda descubre que Xolani está enamorado en secreto de otro de los cuidadores la vida de los tres cambiará radicalmente.

Premios
2017: Cinema Jove: Mejor Largometraje – Luna de Valencia
Temas tabú como una homosexualidad se llevan  todavía en clandestinidad en una sociedad que intenta mantener ritos iniciáticos ancestrales condenados a desaparecer ante el avance del ‘progreso’. A pesar de que los ancianos recomiendan a los iniciados que se alejen del demonio blanco y de las tentaciones de la ciudad, al protagonista le será imposible vivir su homosexualidad en el ámbito reducido que conforma su existencia. De hecho, accederá a participar en estos ritos de iniciación de los jóvenes, como tutor, tan solo para poder tener intimidad con un amigo de la infancia que ha decidido casarse y tener hijos.
La película, que inauguró la última edición de la Berlinale, es el primer largometraje de su director, John Trengove y también de su protagonista, Nakhane Touré, popular cantante y escritor sudafricano que realiza, en esta sentida historia de amor, un magnífico trabajo.

 

MUCHOS HIJOS, UN MONO Y UN CASTILLO (Gustavo Salmerón, 2017)

España Duración: 90 min. Guion: Gustavo Salmerón, Raúl de Torres, Beatriz Montañez Música: Nacho Mastretta Fotografía: Gustavo Salmerón Productora: Gustavo Salmerón P.C Género: Documental
Reparto: Gustavo Salmerón, Julia Salmerón
Sinopsis: Julita, la madre (Julia Salmerón), ha cumplido todos sus sueños de tener una familia numerosa, un mono y un castillo, y ahora sufre los efectos de la crisis económica, sin dinero para poder mantener el imponente inmueble, y a base de iniciativa y tacto logra mantener a la familia a flote.
Premios: Festival de Karlovy Vary: Mejor documental
                    Hamptons International Film Festival: Mejor documental

Gustavo Salmerón ha realizado un magnífico documental en gran parte gracias a la complicidad de los participantes en el mismo, su propia familia y en concreto la gran protagonista del mismo, Julita, su estrafalaria madre. Los tiempos están perfectamente medidos; el montaje es ejemplar; la selección musical es impecable y los personajes quedan perfectamente retratados.

Con la excusa de la búsqueda de unas vértebras pertenecientes a la abuela materna, ejecutada por los comunistas durante la Guerra Civil y guardadas en una caja de hojalata por el abuelo, comenzará este itinerario sobre la familia y su entorno, en el que se acumula tal cantidad de desechos que convierten la casi totalidad de las habitaciones del domicilio, en trasteros. Unos trasteros repletos de objetos inútiles, inservibles, acumulados durante toda una vida sin tirar nada. Incluso las cenizas de los difuntos tienen su espacio entre zapatos y vestidos de muñeca. Nada se desecha, todo se conserva.

Como bien dice uno de sus hijos: “Todo parte del caos“. Y el caos es la protagonista, pues todo gira alrededor de Julita Salmerón y sus objetivos en la vida, que marcarán la existencia de toda su familia hasta el punto de sumirla en la miseria con tal de hacerlos realidad. El título del film, Muchos hijos, un mono y un castillo conforman las ambiciones de esta buena señora, que como veremos en este festín de Diógenes y horror vacui, vio cumplidos todos sus anhelos cuando, tras tener seis hijos, perder un séptimo y comprarse un mono del que se tuvo que deshacer cuando se asilvestró, heredó una fortuna y se la dilapidó en un castillo y en una desaforada carrera de ostentación materialista: pavos reales, cochinillos, cuadros, esculturas, ponis… todo con “buena cara y con alegría“, si, pero con el horror y la demencia a la vuelta de la esquina.

Recomendaba encarecidamente el otro día desde su columna del Periódico de Catalunya Ángeles González-Sinde este documental, enfocándolo sobre la protagonista y opinando que “si en lugar de ser mujer y perteneciente a esa generación, Julita hubiera nacido hombre en otro tiempo, hubiera encontrado el modo de canalizar su desbordante imaginación y toda esa energía creadora en algún oficio artístico“, pero son las obsesiones de Julita, mujer y cabeza de familia, y sus infantiles caprichos, los que llevan a la familia a la ruina, agravada por su obsesión por acumular todo tipo de objetos, muchos de ellos inútiles, de forma enfermiza, aberrante.

Lo que para Sinde es un “enorme humor que nos hace reír a carcajadas, optimismo y vitalidad” puede verse también como una decadencia, una entrada en la senectud que tiene mucho de fin. Julita hace parecer a los Panero de El Desencanto (Jaime Chávarri, 1976) como todo un legado de coherencia y cordura que, si provoca risas es, en todo caso, producidas por la perplejidad y el disparate de las situaciones. Unas risas que dejan un innegable regusto amargo y, para nada, optimista.

ALANIS (Anahí Berneri, 2017)

Argentina. Duración: 82 min. Guion: Anahí Berneri, Javier Van De Couter Música: Nahuel Berneri Fotografía: Luis Sens Productora: Varsovia Films Género: Drama
Reparto: Sofía Gala, Dante Della Paolera, Santiago Pedrero, Dana Basso, Silvina Sabater
Sinopsis: Alanis es trabajadora sexual, tiene un hijo y comparte piso en el centro de Buenos Aires con Gisela. Ambas mujeres cuidan del bebé y reciben a sus clientes en el apartamento. Todo cambia cuando dos inspectores municipales irrumpen en su domicilio y detienen a Gisela acusada de trata. Expulsada de su piso, Alanis se traslada temporalmente a casa de su tía. Cuida a su hijo y ofrece en la calle lo que sabe hacer. Siempre en continuo movimiento, Alanis deberá pelear por encontrar su lugar.
Premios
2017: Festival de San Sebastián: Mejor dirección, Mejor actriz (Gala)
2017: Premios Sur: 4 nominaciones incluyendo mejor director y guion original

Tres días en la vida de una trabajadora sexual y su pequeño hijo. El cuerpo sexual y el cuerpo de madre como desafío actoral. La intimidad de Sofía Gala Castiglione con su hijo Dante: sus miradas, su trato animal, las tetas, las risas y llantos que me dejaron capturar. Una Buenos Aires multiracial, marginal e inmigrante. Las prostitutas dominicanas que llegaron engañadas con un futuro mejor, las peleas por ganar un lugar en la calle y los apartamentos “privados”. El vacío legal, la persecución y la vergüenza de quienes ejercen un trabajo, son víctimas de una forma de esclavitud o simplemente encontraron una forma de sobrevivir. Alanis es una película urgente, callejera, carnal, amorosa y política”

Con estas palabras describe la realizadora argentina Anahí Berneri su último trabajo, Alanis, película precisa y directa presentada en la sección competitiva del Festival de Cine de San Sebastián, donde fue reconocida con dos importantes galardones: la Concha de Plata a la Mejor Directora y la actriz protagonista, Sofía Gala Castiglione, la de Mejor Actriz por su extraordinaria y veraz interpretación de trabajadora sexual en su día a día, mientras se hace cargo de su hijo.

Poco hay que añadir pues al acertado comentario de la directora. Alanis, de textura casi documental, inunda la pantalla de ternura, sordidez, pobreza y realidado con una cámara-testigo inmóvil que ejerce de ventana desde la que vemos este drama incómodo, trágico y urbano. Una pieza maestra de esas que cuya textura áspera se conserva en la memoria mucho después de haber sido degustada.

 

Categorías:VAMOS DE ESTRENO

La Guerra de las Galaxias ‘Made in Spain’

13 diciembre 2017 Deja un comentario

LA GUERRA DE LAS GALAXIAS ‘MADE IN SPAIN’ LA HISTORIA DE STAR WARS EN ESPAÑA

ÉPOCA VINTAGE 1977-1986

JOSÉ GRACIA. Prólogo Steve Sansweet

Diábolo Ediciones. Encuadernación en tapa dura. 296 páginas a todo colorS

 

Que no todo está dicho ni escrito sobre el universo Star Wars lo demuestra este voluminoso libro, el cual explora el mundo del merchandising autóctono generado por esta popular franquicia. Pocas veces un libro de estas características resulta tan completo como La guerra de las galaxias ‘Made in Spain’, ya que funciona a varios niveles: a nivel nostálgico permite a los más talluditos rememorar aquellos tiempos recordando promociones de bebidas refrescantes o pastelitos; y como guía de  campo permite a los coleccionistas y completistas ver y conocer todo lo que se realizó y editó sobre estas tres películas. Pero el libro de José Gracia es ante todo el resultado de una investigación exhaustiva realizada desde el conocimiento y el cariño. Me explico: hay libros que no se puede evitar leer como una ocasión perdida de haber realizado ‘EL’ libro, la obra de referencia sobre el tema que trata, no sucede lo mismo con La guerra de las galaxias ‘Made in Spain’ ya que el estar escrita por José Gracia garantiza que vamos a leer un trabajo de alguien que, además de saber perfectamente de lo que habla, lo ha hecho con el corazón y con la intención de ofrecer al lector el libro que le hubiera gustado poder comprar si alguien lo hubiera hecho, pero que como no ha sido así, ha tenido que hacerlo él. Así que tras años de investigación y de reunir material, principalmente de su colección y de las de sus amigos y conocidos, ha inmortalizado todos los objetos mediante fotografías realizadas por él mismo (olvídense de fotos extraídas de internet) y los ha reunido en un tomo acompañadas de amenos textos en los cuales explica detalles referentes a los objetos, junto a deliciosas vivencias personales propias y de otros compañeros de fatigas. Por si todo esto fuera poco, también ha contado con intervenciones de técnicos y actores de la saga que ofrecen su visión de lo que para ellos ha significado pertenecer a este universo tan particular nacido hace ya 40 años.

Si bien habría merecido una revisión más a fondo, que habría servido para detectar algunos pequeños gazapos, estos resultan mínimos en una obra tan detallada y pormenorizada, repleta de curiosidades y que tiene su punto más interesante y divertido en las disparatadas copias y productos piratas inspirados en la saga y sus personajes. También se ha querido enriquecer la obra ofreciendo detalles sobre la historia de algunas jugueteras y editoriales importantes como Vértice, Bruguera y Forum, que ayudan también a ofrecer un retrato de la época, en la cual no  había tanto material a disposición del pequeño aprendiz de Jedi.

Destaca asímismo un extenso apartado que da a conocer y homenajea a todos aquellos actores que doblaron al castellano la trilogía original, un cariñoso recuerdo que comparte hojas junto a álbumes de cromos, discos, guías, fotocromos, libros, maquetas y figuras de acción dedicadas a esta saga ahora inabarcable.

Más que una guía, pues su delicioso texto permite que sea leído y disfrutado por sí mismo, es sin lugar a dudas un libro necesario para fanáticos del universo Star Wars, pero también para estudiosos que se acercan con intención de conocer como se promocionaron estas películas en los años setenta y ochenta y, por supuesto,  para curiosos y nostálgico pues en sus  hojas, imágenes y textos se conserva el sabor de otros tiempos en los cuales muchos fuimos un poco más felices gracias a esta pequeña gran aventura espacial.

 

Alienígenas, tebeos y fantasía: Novedades Diábolo para diciembre de 2017

12 diciembre 2017 Deja un comentario

Diábolo les ofrece nuevos lanzamientos para estas fiestas a base de buen cómic, cine e ilustración. De la mano del dibujante Bastian Vivès llega la sexta y última entrega de su serie, Los tebeos. Guillem March trae en Summer Muse sus más sugerentes planchas, con las que demuestra su dominio de la anatomía femenina. Y el cine fantástico arriba con Alienciclopedia, guía de campo de alienígenas escrita por dos viejos conocidos como son Juan Luis Sánchez y Luis Miguel Carmona. 

PARA AMPLIAR IMÁGENES Y TEXTO ‘CLICK’ ENCIMA

‘Vial of Delicatessens’: Novedades diciembre de 2017

12 diciembre 2017 Deja un comentario

El próximo Miércoles 20 de Diciembre Vial of Delicatessens lanza dos nuevas referencias:

 Todo es de color la última película del director Gonzalo García Pelayo, una road movie homenaje al grupo Triana, formación de rock que descubriera el director en su momento. Y la reedición de Mi mujer me pone los cuernos (y otras divertidas historias), recopilatorio de cortometrajes de Víctor Olid encabezado por el que le da título, protagonizado por Andrés Pajares.

TODO ES DE COLOR

Mar es una joven que se siente atraída por la historia y la música de Triana tras conocer a un grupo de personas que dedican su vida a honrar la memoria de la banda. Este recorrido comienza en el cementerio de Villaviciosa de Odón, lugar donde están enterrados De la Rosa y “Tele”, y tiene como destino Caños de Meca, donde la comunidad de “Trianeros” quiere organizar un concierto homenaje con las canciones de este grupo de rock andaluz.

El director Gonzalo García Pelayo (Alegrías de Cádiz) muestra con su película lo que supuso el grupo de rock Triana en la cultura musical andaluza gracias a sus canciones y sus actuaciones. Junto a Natalia Rodríguez (Los protegidos), completan el reparto Ken Appledorn (Anochece en la India), Alfonso Sánchez (Ocho apellidos catalanes), Jorge Cadaval de Los Morancos y el manager del grupo Javier García Pelayo.

Características: 1:78:1, 16:9.  Audio: DD 2.0, Castellano. Extras: Triana: Rock y vida

MI MUJER ME PONE LOS CUERNOS…O NO (Y OTRAS DIVERTIDAS HISTORIAS)

Reedición prensada y con extras diferentes a los que aparecieron en la primera edición
En el vasto mundo del cortometraje ultra-independiente, casero y/o “underground”, Víctor Olid destaca por su ya longeva especialidad en cierta comedia bizarra, extravagante y desvergonzada que jamás deja indiferente. Provocador, irreverente y deslenguado, su cine… o su vídeo, es pura dinamita, algo especialmente agradecido en estos mojigatos tiempos que corren.
Este dvd recopila un buen puñado de sus cortometrajes, destacando por encima de todos su colaboración con esa leyenda viva del cine Español que es Andrés Pajares. Aunque la cosa no termina ahí, hay más. Tenemos hipsters soltando ventosidades, gringos mal hablados, abortos bien sanguinolentos, borderlines atizándose encarnizadamente, golfos, maricones, calzonazos, paranoicos y, literalmente, un hijo de puta. Como una feria de monstruos, pero a través de la pantalla de tu cutre-televisor.
Además, presencias como las de Juan Carlos Gallardo, Naxo Fiol, Aratz Juanes, Paul Michael Cope o Andy Rodriguez, nombres que de primeras quizás no les digan nada, a no ser que sean público especializado, cuentan con papeles dentro de los repartos de los cortometrajes del creador de  los podcasts “La hora de Ving Rhames”,  y “El hijo del aprendiz de Satanás” y co-creador de “Los Aristócratas” y “AVT Podcast”.

Características: 1:33:1, 16:9 Pillarbox  . 1:78:1, 16:9. Audio: DD 2.0, Castellano.

EXTRAS

Prensentación con Andrés Pajares y Víctor Olid
Tráiler
Making Of y tomas falsas
Entrevista a Víctor Olid
Cortometrajes: “Glen or Glenda 2004”, “El señor Galíndez no folla ni con un pez”, “Caterva”, “Hijo de puta”, “El corto más patetik de fakir iunivers”, La repugnación”, “Metodismo”, “Metodismo 2. A.C”, “El vuelo de la tortuga, el soplo del dragón”, “El mamazo”, “Andy is fascinated by my DVD collection”, “Durante la pandemia”, “¡A tope con el aborto!”, “Ya no te ajunto”, “Extranjera”.

Ambos DVDs tienen un P.V.P  de 11`99 € y podrán encontrarse en grandes superficies, tiendas especializadas en la web del sello.

http://vialofdelicatessens.blogspot.com

Categorías:DVD / BLU-RAY, EN CORTO

VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 8 de diciembre *

8 diciembre 2017 Deja un comentario

 EL VACÍO (The VoidJeremy Gillespie, Steven Kostanski, 2016)

Canadá. Duración: 90 min. Guion: Jeremy Gillespie, Steven Kostanski Música: Joseph Murray, Menalon Music, Lodewijk Vos Fotografía: Sammy Inayeh Productora: Cave Painting Pictures / JoBro Productions, Film Finance Género: Terror

Reparto: Ellen Wong, Kathleen Munroe, Aaron Poole, Kenneth Welsh, Art Hindle,Daniel Fathers, Stephanie Belding, Amy Groening, Trish Rainone, Evan Stern,Mik Byskov, James Millington, Grace Munro, David Scott, Jason Detheridge

Sinopsis: Lo que tenía que ser una noche tranquila para el policía Danny Carter se ve interrumpida cuando se encuentra con un hombre cubierto de sangre en medio de la carretera. Lo traslada al hospital más cercano, que debido a un incendio reciente está medio cerrado y sólo tiene al personal mínimo en el turno de noche. Las cosas se complican cuando Danny sorprende a una de las enfermeras matando sádicamente a un paciente… Después de arrancarse la piel de su propia cara. Cuando Danny va a su coche para pedir refuerzos, una misteriosa figura encapuchada lo ataca y decenas más salen de entre los árboles, rodeando el hospital y obligando a Danny a encerrarse dentro con los otros. Antes de que el turno de noche se acabe, todos ellos se enfrentarán a la pesadilla que se esconde en el laberinto de pasillos del hospital.

Innegablemente El vacío tiene un inicio más que prometedor con esos personajes, tal finamente perfilados, encerrados en un entorno reducido, el hospital de ese pequeño pueblo en el que parecen conocerse todos. Allí serán asediados, tanto desde dentro como desde fuera, por unos extraños personajes con túnica y por monstruosos seres viscosos. Bien. Excelente. Al fin una película de terror puro con referencia muy ‘romeriana‘ (hasta se le hace un guiño directo a su película más redonda, La noche de los muertos vivientes). El hospital, con su carga de terror atávico, es un entorno ideal en el que enmarcar una bien manejada intriga y poner en marcha un efectivo gore que señala  al espectador más despierto referentes bastante evidentes. Pero pronto el número de estos referentes será tan alto y se querrán tocar tantas teclas que tendremos la sensación de que la cinta se les está escapando de las manos, irremediablemente, a sus directores. Y también al confuso público. Y ya es lástima pues con intervención de animatronics, látex y mucha sangre, se repasan gloriosos pasajes del Fulci de El más allá (E tu vivrai nel terrore – L’aldilà, 1981); o del Carpenter de La cosa (The Thing, 1982); junto a referencias que algunos han querido buscar de Lovecraft y que, a la hora de la verdad, brillan por su ausencia. Se quiere dar gore, terror tradicional  y también terror metafísico, no consiguiendo que todo case. Ideas hay, desde luego, pero la ejecución quizás no es la más acertada.

Ganadora de Mejor Película en el Nevermore Film Festival (North Carolina, EUA), El vacío tuvo su estreno mundial en el Fantastic Fest de Austin, ya un clásico de los festivales de género de Estados Unidos, y su estreno canadiense en el Toronto After Dark Film Festival. También fue presentado en la Sección Oficial de Sitges 2016 y llega ahora a nuestras pantallas de la mano de Segarra Films, nueva distribuidora a la que hay que felicitar por apostar por el cine oscuro y de género y que seguro tendrá interesantes estrenos con los que diversificar y enriquecer nuestras carteleras.

EN LA PLAYA SOLA DE NOCHE (Bamui Haebyunaeseo Honja, Sang-soo Hong, 2017)

Corea del Sur/Alemania Duración: 101 min. Guion: Hong Sang-soo Fotografía: Kim Hyeong-gyu, Park Hongyeol Productora: Jeonwonsa Film Género: Drama
Reparto: Kim Min-hee, Seo Young-Hwa, Jae-yeong Jeong, Seong-kun Mun, Kwon Hae-hyo,Song Seon-mi, Ahn Jae-Hong, Park Yea-Ju
Sinopsis: Tras mantener una aventura con un hombre casado, la actriz Younghee decide tomarse un tiempo. Para ello viaja a la ciudad extranjera de Hamburgo, pero eso no impedirá que siga pensando en lo que dejó atrás.
Premios
 Festival de Berlín 2017: Oso de Plata – Mejor actriz (Kim Min-hee)
Festival de Gijón 2017: Mejor actriz (Kim Min-hee)
Festival de Jerusalén:  Mejor película internacional
Festival de Los Ángeles: Premio especial del jurado
Festival de Gijón:  Sección oficial a competición
Hong Sang-soo es un director que hace películas sobre personas que hablan, beben y fuman mucho. En su película también muestra dos veces a su protagonista, Kim Min-hee, premiada como mejor actriz  en Gijón y Berlín por esta cinta, saliendo dos veces del lavabo y cogiendo dos buenas melopeas. Y la verdad es que se pone muy graciosa. Cuando bebe, no cuando sale del lavabo.
Hong Sang-soo es un alma libre y hace en sus películas lo que le sale de las narices (iba a poner de los huevos, pero no conviene utilizar palabras gruesas), y eso no puede defraudar a los fans declarados del director, pues de nuevo lo ha vuelto a hacer. ¿Y porqué no, si funciona?
Y es que, digámoslo: En la playa sola de noche es un parodia del cine europeo para gafapastas. Una guasa que ha querido gastar su director a costa de festivales como Berlín, quienes además de reírle las gracias se las premian. También es una broma a la crítica supuestamente sesuda, cahierista, que no ha dudado en definir su película como “Portentoso retrato femenino” en la que “cada escena es de una rara complejidad, no siempre perceptible a primera vista” con una “actuación compleja, volátil y espectacular, tan alineada con los extraños isobaras de la meteorología de Hong que crea su propio clima.”  Así, con un par.
Con diálogos tan postizos, forzados, resulta imposible que el director haya pretendido que nos los creamos. Y es que, a poco que lean algunas de sus entrevistas, verán que el director tiene un carácter dado a la broma, al chascarrillo, y le gusta mucho la cerveza. Así que uno sigue y sigue soportando la película hasta que llegamos, contagiados de la ebriedad de los protagonistas, al quid de la cuestión, al tema, totalmente autobiográfico de un director de cine casado que ha tenido un affaire con su actriz. Entre copa y copa se producirán los sonoros reproches de la despechada y las lastimeras disculpas del realizador. ¿Les habíamos dicho que la actriz protagonistas está interpretada por la magnífica Kim Min-hee (que tanto nos impresionó en su papel de lady Hideko en La doncella) y que ya había trabajado en diversas ocasiones con  Hong Sang-soo?
Rodada en parte en Hamburgo y en coproducción con Alemania, todo es como una gran nada hasta ese desenlace, en el que todos ebrios, personajes, actores, director y espectadores, cerraremos la película, que afortunadamente dura poco más de hora y media. Por eso no podemos enfadarnos con el director, ni mucho menos, pues como hemos entendido se trata de una broma simpática con la que estamos seguros que el director todavía se estará riendo y en el que sus víctimas son los que hayan tomado su película en serio, así que nosotros estamos exentos.
Por cierto, que no desesperen los fans del director, pues este ha realizado dos películas más durante este año: una con Isabelle Huppert y otra en blanco y negro (¡tachán!), y ambas con la participación de Kim Min-hee.

EL VIAJE (The Journey, Nick Hamm, 2016)

UK. Duración: 94 min. Guion: Colin Bateman Fotografía: Greg Gardiner Productora: Greenroom Entertainment / Tempo Productions Limited Género: Drama

Reparto: Colm Meaney, Timothy Spall, Freddie Highmore, Toby Stephens, John Hurt,Catherine McCormack, Ian McElhinney, Ian Beattie, Barry Ward, Kristy Robinson,Frank Cannon, Michael Hooley, Aaron Rolph

Sinopsis: El viaje al que hace referencia el título es el que se vieron obligados a realizar juntos Ian Paisley (Timothy Spall) y Martin McGuinness (Colm Meaney), líder del Partido Unionista y líder del IRA respectivamente. Un trayecto incómodo en el que ambos dieron un salto de fe que cambiaría el curso de la historia irlandesa y británica moderna. Fue el momento en el que dos polos opuestos dejaron su pasado atrás para llegar a un acuerdo político forjando una sólida amistad que, con los años y con su humor, hizo que se les conociese como ‘los Chuckle Brothers’ (hermanos risitas).

Al reverendo Ian Paisley, líder del Partido Unionista Democrático (DUP), se le conocía en Irlanda del Norte (y resto del mundo) como el Doctor No, precisamente por su negativa constante a negociar con los dirigentes y simpatizantes del Ejército Republicano Irlandés (IRA). Martin McGuinness fue comandante de ese ejército al que Paisley quería derrotar, después continuó con su lucha como militante del Sinn Fein, considerado el brazo político del IRA. Evidentemente McGuinness tampoco estaba por la labor de hablar con el enemigo, hasta que fue nombrado jefe negociador de su partido en el proceso de paz. En 2006 se dio la oportunidad, ocurrió lo que muchos consideraron un milagro: un unionista y un independentista firmaron un acuerdo. Paisley y McGuinness aceptaron compartir gobierno en Irlanda del Norte dando por concluido así ‘El Conflicto’

El director Nick Hamm se interesó por esta conversación después de que un periodista le contara que durante los conflictos era habitual que los políticos de partidos contrarios viajasen juntos para evitar atentados. “Empecé a investigar y averigüé que hubo un viaje que tuvo lugar en Escocia durante las Conversaciones de Paz que se retomaron en 2006. Las reuniones coincidieron con las bodas de oro de Ian Paisley, que le obligaron a volver a Belfast; Martin McGuinness, a la fuerza o voluntariamente, decidió viajar con él”. Y es partiendo de esta premisa con la que el director construye un delicioso relato que no resultaría tan efectivo si no contara, además de con deliciosos diálogos, con el concurso de  dos grandes actores, Spall y Meaney, que realizan un magnífico duelo interpretativo al que se suma el siempre eficaz John Hurt y el joven talento de Freddie Highmore, ofreciendo con todos ellos y una elegante puesta en escena una de las propuestas cinematográficas más elegantes y completas de este fin de semana y un ejemplo de que, con voluntad, todo está abierto a diálogo.  

 

 

Categorías:VAMOS DE ESTRENO

Luigi Cozzi recibirá un homenaje en la VII CutreCon

5 diciembre 2017 Deja un comentario

LUIGI COZZI PREMIO ESLANG JESS FRANCO 2018

La séptima edición de CutreCon, el Festival Internacional de Cine Cutre de Madrid, proyectará el 25 de enero en el Palacio de la Prensa -Plaza del Callao, 4- la película Star Crash, la versión italiana más famosa de ‘Star Wars’, con la presencia de su director, Luigi Cozzi, quien además, en el curso del festival, recibirá el Premio ESLANG Jess Franco 2018 por toda su carrera dedicada al cine fantástico más demencial.

Star Crash, choque de galaxias (1978), posiblemente la reinvención más divertida y delirante de cuantas existen de la saga ideada por George Lucas, podrá verse dentro de la sesión denominada “Italoexploitation Galáctica”, en la cual también se programará otro título de Cozzi, El desafío de Hércules, una revisión desfasada y muy loca del mito griego producida por la mítica Cannon Films.

La ceremonia de entrega del Premio ESLANG Jess Franco 2018 tendrá lugar el viernes 26 de enero a partir de las 17:30 horas en el emblemático Cine Doré de la Filmoteca Española -C/ Santa Isabel, 3-, donde se proyectará la última película de Cozzi, Blood on Méliès Moon (2016), que se verá por primera vez en España; así como el documental FantastiCozzi (2016), que rinde tributo a la figura de este mítico director.

EL LIBRO OFICIAL DE CUTRECON

Por primera vez en su historia, CutreCon lanza el libro oficial del festival en colaboración con la editorial Applehead Team, especializada en libros de cine. La obra, escrita por Dani Morell, Óscar Sueiro, Javier J. Valencia, Víctor Castillo y Xavi Torrents (responsables de la web http://www.elpajaroburlon.com), lleva por título La guerra de los clones (Más allá de ‘Star Wars’), y es un riguroso análisis de todas las películas que se dedicaron a plagiar La guerra de las galaxias, donde no podía faltar la ya mencionada ‘Star Crash, choque de galaxias’, de Luigi Cozzi, quien  además escribe el prólogo. En el libro también colabora Paco Fox, productor de CutreCon y director de CineBasura: La película.

‘La guerra de los clones (Más allá de ‘Star Wars’)’ será presentado durante la celebración de CutreCon VII, si bien Applehead Team inicia un periodo de preventa del mismo a partir del 15 de diciembre hasta el 25 de enero. Asimismo, el libro estará disponible en los puestos habilitados en las distintas sedes de CutreCon VII, y posteriormente podrá encontrarse en librerías y tiendas especializadas de toda España.

La CutreCon (www.cutrecon.com) está organizada por los responsables de la web de cine y humor Cinecutre.com con el patrocinio de WTF?! Smart Sticker, la red de apartamentos Home Rentals Madrid (alojamiento oficial del festival), la editorial Applehead Team, el portal ESLANG.es y el festival B-Retina, junto con el apoyo del Distrito de Arganzuela de Madrid, así como con la colaboración de Filmoteca Española, Palacio de la Prensa, Cines Conde Duque Verdi Alberto Aguilera, la asociación Pop Culture España, el canal cultural ARTE, el restaurante Jota Batela (restaurante oficial del festival), la distribuidora Trash-O-Rama, la productora de comedia Conejornio Producciones, las tiendas Freakland, Omega Center y Trampantojo, la red Cortoespaña, la web Nanarland.com y el Festival Nits de Cinema Oriental de Vic.

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