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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 10 de marzo de 2017 *

LAND OF MINE. BAJO LA ARENA (Under Sandet, Martin Zandvliet, 2015)

Dinamarca / Alemania. Duración: 100 min. Guión: Martin Zandvliet Fotografía: Camilla Hjelm Productora: Amusement Park Films / Nordisk Film Género: Drama

Reparto: Roland Møller, Louis Hofmann, Mikkel Boe Følsgaard, Laura Bro, Joel Basman,Oskar Bökelmann, Emil Buschow, Oskar Buschow, Leon Seidel, Karl Alexander Seidel, Maximilian Beck, August Carter
Sinopsis: La guerra no acaba cuando se firma la paz. Cuando Alemania se rindió en 1945, en la costa occidental danesa comenzó otra dura batalla: la de los jóvenes soldados alemanes que fueron obligados a retirar miles de minas plantadas en la arena por el ejército nazi. Zandvliet muestra el maltrato infligido a esos prisioneros, un oscuro episodio de posguerra poco conocido.
under_sandetInspirada en hechos reales, descubre una historia muy poco conocida de uno de los momentos más trágicos y crueles sucedidos tras la  Segunda Guerra Mundial en Dinamarca. Martin Zandvliet, es el guionista y director de una película narrada con muy buen pulso acentuado por sus momentos de tensión. Su tema, su punto de partida resulta lo suficientemente cruel como para saber que vamos a pasar un rato descorazonador y repleto de momentos tensos, duros y violentos. Más cuando vemos que el pelotón ‘enemigo’ está compuesto por adolescentes recién salidos de la niñez. Soldados a los cuales el uniforme les va muy grande y que son traídos desde Alemania para desempeñar esa peligrosa labor. Considerados poco menos que basura, cargarán con el odio y rechazo que se tiene por el país invasor. Su misión será desactivar 45.000 minas en una ruleta rusa mortal de la que sobrevivirán unos pocos.
En algunos momentos la cinta puede enmarcarse dentro del más puro cine de terror, pues tal es su desarrollo y punto de partida inicial. Pero afortunadamente el director y guionista prefiere no cargar del todo la acción en los cuerpos destrozados por las minas, pasando a presentarnos a los personajes, permitiendo que los conozcamos y nos encariñemos con ellos. Los papeles habituales se darán la vuelta y el enemigo, el soldado alemán, será el que se llevará nuestra simpatía ante el revanchismo de unos y la simple brutalidad de los otros.
Dura, emocionante, humana, Land of Mine. Bajo la arena es una cinta a disfrutar sin apartar la vista de la pantalla, pendiente de que, en cualquier momento, salte un nuevo drama humano por los aires. Resultará inevitable, por otro lado, que nos venga a la memoria aquel otro drama protagonizado por otra quinta del biberón alemana, El puente (Die Brücke, Bernhard Wicki, 1959).
Land of Mine. Bajo la arena tuvo su presentación mundial en el Festival de Toronto, continuó su periplo de festivales por Londres, Roma, Dubái y Sundance, y se ha alzado con los siguientes premios:
2016: National Board of Review (NBR): Mejores películas extranjeras del año
2016: Premios del Cine Europeo: Mejor fotografía, vestuario y maquillaje
2015: Festival de Gijón: Premio del público
2015: Academia de Cine Danés: Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guión Original, Mejor Fotografía, Mejor Montaje y el Premio del Público
2016: Festival de Rotterdam: Premio del público y del jurado joven
2016: Afi Fest de los Angeles: Premio del público
2016: Festival de Tokio: Premio al mejor actor
2016: Festival de Pequín: Premio al mejor actor
2015: Festiva lde Göteborg: Premio a la mejor película
2016: Película preseleccionada en la shortlist a los Oscar en la categoría de Mejor Película de Habla No Inglesa en representación de Dinamarca.

 

 EL FUNDADOR (The Founder, John Lee Hancock, 2016)

USA Duración: 115 min. Guion: Robert D. Siegel Música: Carter Burwell Fotografía: John Schwartzman Productora: FilmNation Entertainment / The Combine; Distribuída por The Weinstein Company Género: Drama

Reparto: Michael Keaton, Laura Dern, Nick Offerman, Linda Cardellini, Patrick Wilson, B.J. Novak, John Carroll Lynch, Lauren Denham, Catherine Dyer, Ric Reitz, Wilbur Fitzgerald, Valeri Rogers, David Silverman, Abbey Ferrell, Tracy Goode, Franco Castan

Sinopsis: En los años 50, un vendedor de Illinois llamado Ray Kroc conoció a los hermanos Richard y Maurice McDonald que llevaban una hamburguesería al sur de California. Impresionado por la velocidad del sistema de cocina de su hamburguesería de San Bernardino, Kroc visualizó el potencial de la franquicia y hábilmente se fue posicionando para arrebatárselo a los hermanos y crear el hoy imperio de un billón de dólares. Así nació McDonald’s.

273623El Fundador es una historia de usurpación. De cómo la carencia de escrúpulos tiene premio y puede otorgar el billete de acceso a ese tan cacareado ‘sueño americano.’ Un magnífico ejemplo del tipo de valores que han tenido su cenit en el mismísimo presidente Trump. Se nos narra la historia de los triunfadores. Mostrando los cadáveres que reposan en los arcenes. Los McDonald’s  llegan a perder hasta el apellido ante el depredador Ray Kroc. Al igual que los creadores de Superman, que hasta hace bien poco no obtuvieron reconocimiento (ni réditos) por su personaje; como Steve Ditko por diseñar a Spider-man; o incluso el propio creador de Kukuxumusu, todos ellos víctimas de triquiñuelas  legales tras las que se encuentran sabandijas sin ningún tipo de moral. Es una historia sobre estos tiempos en los que los valores son los del dinero. Una historia de nuestros tiempos, que ha rodado John Lee Hancock con muy buen pulso y un impecable ritmo, al igual que lo hizo en su anterior trabajo, Al encuentro de Mr. Banks (Saving Mr. Banks, 2013) en el cual también se adentraba en los ‘hechos reales’ que rodearon, en esa ocasión, al rodaje de Mary Poppins y la intensa relación entre Walt Disney y la escritora P. L. Travers. Pero lo que allí era una anécdota, aquí es una reflexión nada estridente sobre lo que se entiende como triunfo y éxito en la vida. Una historia totalmente diferente, opuesta de la que nos contaba su guionista, Robert Siegel (por cierto, apellidado igual que uno de los creadores del hombre de acero) en El luchador (The Wrestler, Darren Aronofsky, 2008) de cuyo guión también es responsable. Allí su personaje era un hombre íntegro. Noble. Aquí un hipócrita sin escrúpulos. Allí muere antes que ceder.  En la miseria, pero no claudica. Aquí muere de viejo, rico y con una mujer usurpada también, cual derecho de pernada.

Michael Keaton  interpreta al inconformista Ray Kroc, mientras Nick Offerman y John Carroll Lynch (al que hemos visto recientemente en Jackie), encarnan a Dick y Mac, los innovadores hermanos McDonald. El reparto lo completan Laura Dern, en el papel de la primera mujer de Ray Kroc y Linda Cardellini, en el de la mujer de uno de los primeros franquiciados. Pero El Fundador es una película de un solo actor, ya que Keaton, al igual que hiciera en Birdman (A. G. Iñárritu, 2014) carga con todo el peso de la acción y, al igual que en la cinta de Iñárritu, lo hace de forma magistral.

 

LA COMUNIDAD DE LOS CORAZONES ROTOS (Asphalte, Samuel Benchetrit, 2015)

Francia Duración: 100 min. Guion: Samuel Benchetrit Música: Raphaël Fotografía: Pierre Aïm Productora: La Caméra Deluxe / Máje Productions / Single Man Productions / Emotions Films UK / Jack Stern Prouctions / Film Factory / Orange Cinéma Séries Género: Drama

Reparto: Isabelle Huppert, Gustave Kervern, Valeria Bruni Tedeschi, Jules Benchetrit,Tassadit Mandi, Michael Pitt

la_comunidad_de_los_corazones_rotos-cartel-7372Sinopsis: Un ascensor averiado. Tres encuentros improbables. Seis personajes insólitos. Un grandullón intratable y la frágil enfermera del turno de noche. Jeanne, una actriz en crisis y su joven vecino abandonado. Un astronauta americano perdido y la entrañable Sra. Hamida. Todos ellos seres solitarios unidos por un gran sentimiento de ternura, respeto y compasión.

Surtsey Films nos presenta esta fabulosa adaptación de la novela semi-biográfica Crónicas del asfalto, de Samuel Benchetrit, que también la ha dirigido. Un itinerario por la miseria y la estupidez humana, pero sobre todo por la soledad, que narrada en clave de saludable comedia, merecería no pasar desapercibida entre el maremágnum de los estrenos de esta semana. Ambientada en un gris bloque de pisos ubicado en el extrarradio de una ciudad anónima francesa, sus protagonistas, interconectados entre sí, serán objeto de venganzas del destino y momentos delirantes cargados de humor negro e ironía. Pero también de ternura y compasión por unos personajes que podrían habitar en la puerta de enfrente de nuestra casa. O ser nosotros mismos.

Entre sus protagonistas destaca la siempre eficaz Isabelle Huppert; el norteamericano Michael Pitt, cuyo físico permanece inalterable en la memoria del espectador por su papel en la versión americana de Funny Games (2007) de Haneke, y al que veremos pronto como protagonista de Ghost in the Shell; y Valeria Bruni-Tedeschi, de la que pudimos ver recientemente El capital humano.

 

YO NO SOY MADAME BOVARY (Wo bu shi Pan Jin Lian, Feng Xiaogang, 2016)

China Duración: 128 min. Guion: Liu Zhenyun (Novela: Liu Zhenyun) Música: Wei Du Fotografía: Luo Pan Productora: Sparkle Media / Huayi Brothers Género: Comedia

Reparto: Fan Bingbing, Dong Chengpeng, Fan Wei, Guo Tao, Li Zonghan, Zhang Yi, Liu Hua, Zhang Jiayi, Yu Hewei, Zhao Lixin
Sinopsis: Li Xuelian organiza un falso divorcio con el fin de conseguir un segundo apartamento, pero su marido se vuelve a casar de forma inesperada. Tras recurrir al juzgado sin éxito y ser acusada por su marido, Li se embarca en un absurdo viaje de diez años para restaurar su reputación.

El título  chino original del filme, que se traduciría como Yo no soy Pan Jinlian, hace referencia a un personaje mítico que conspiró con su amante para asesinar a su marido. Todavía hoy, en China la gente se refiere a las mujeres “promiscuas” como Pan Jianlian. Para su título internacional, Yo no soy Madame Bovary, se ha escogido un nombre que simbolizó en Occidente el arquetipo de la “mala mujer y esposa. “ Y la película, de lo que trata, es de una mujer que lo que busca es justicia y recuperar el honor mancillado por su ex-marido, que la acusa de ser una Pan Jinlian. Para narrarlo, el director compone una deliciosa fábula que funciona como un cuento animado, al que ha otorgado también una estética innovadora: la obra se presenta dentro de un marco circular, creando una sensación de distancia y alienación. Pero también, gracias a la fotografía de Luo Pan, es toda una delicia para los sentidos.

La idea original del marco circular fue de su director, Feng Xiaogang. “Las pinturas de Literati durante la dinastía Song eran a menudo paisajes representados en rollos. Con una historia tan potentemente china, necesitábamos contarla de una manera muy china.” Cuando Feng fue a buscar localizaciones, los lugares que encontró a menudo carecían de carácter: “La composición de muchos lugares era simplemente desordenada, mal organizada, sin divisiones, algo que, como director y antiguo pintor, me molestaba”. Al encuadrar cada escena en un círculo, podía eliminar muchos elementos no deseados de cada escena, y hacer que el público se centre en los personajes. Cuando explicó su idea por primera vez a Luo Pan, el director de fotografía, se mostró realmente emocionado. “¡Si haces una película así, los directores de fotografía te amarán para siempre!”  Y  sin lugar a dudas se nota el amor con el que Pan se ha tomado su trabajo, al que otorgado una belleza sublime.

Curiosamente, el escritor de la novela en la que se basa la película, Liu Zhenyun, estuvo inicialmente en contra de la idea de encuadrar la acción en un círculo, creyendo que la tensión dentro de la historia de su novela era bastante fuerte por sí misma sin recurrir a tal innovación visual. Después de una larga negociación, Feng acordó rodar la película de las dos maneras, circular y 1: 1,66. Pero fue difícil porque la mentalidad necesaria para un marco circular es completamente diferente. El marco circular no sólo refleja la composición de las pinturas tradicionales chinas, sino que también proporciona un agujero para el público. Puesto que algo está ocurriendo claramente dentro del círculo, algo también debe estar pasando fuera de la vista. Esto abre muchas posibilidades creativas. Tanto los personajes como el público se pierden, con información incompleta, al igual que la propia Li Xuelian.

Con tono de comedia satírica, la cinta de Xiaogang es una delicada pieza de orfebrería cinematográfica. De estética impecable, no desecha realizar una crítica social,  mostrando las corruptelas políticas y de partido que viven los personajes y reflejando el estilo de Feng de revelar la verdad subyacente bajo la superficie de todas las cosas.
2016: Festival de San Sebastián: Mejor película y actriz (Fan Bingbing)
2016: Festival de Toronto: Premio FIPRESCI (sección “Special Presentations”)

9 MESES (Keeper, Guillaume Senez, 2015) (BÉLGICA/SUIZA/FRANCIA, 2015)

Bélgica/Suiza/Francia. Duración: 95 min. Guion: David Lambert, Guillaume Senez Música: Marianne Roussy Fotografía: Denis Jutzeler Productora: Iota Production / Magellan Films / Mollywood Género: Drama

Reparto: Kacey Mottet-Klein, Galatéa Bellugi, Laetitia Dosch, Corentin Lobet, Sam Louwyck,Catherine Salée

Sinopsis: Maxime (Kacey Mottet-Klein) y Melanie (Galatéa Bellugi) tienen 15 años. Se quieren. Juntos exploran su sexualidad con entusiasmo y torpeza. Hasta el día en que Melanie descubre que está embarazada. Maxime no acepta bien la nueva noticia, pero después se mentaliza y convence a Melanie para tenerlo.

Realista, emotiva y temperamental, con los sentimientos a flor de piel, tal y como corresponde a un amor adolescente, con esta cinta Guillaume Senez nos introduce en un mundo de inconsciencia, redes sociales, teléfonos móviles y videojuegos, a lo que se les sumará, sin pretenderlo, el misterio de la gestación. Niños teniendo niños. Y todo será realizado de una forma realista, casi traumática,  pero también muy inteligente. Sin posicionarse ni posicionarnos, Senez nos muestra los hechos prescindiendo de mensajes, denuncia o lección moral.

Director de tres cortometrajes vistos en prestigiosos festivales (Squaring, In Our Blood, UHT), Guillaume Senez gestó su primer largo, 9 meses, a partir de la idea de querer reflejar la adolescencia tal y como es, en toda su belleza y complejidad. Senez quería transmitir la alegría del amor adolescente y a su vez, su fragilidad, haciendo honor a los sentimientos que imperan en esa etapa de la vida. Con un estilo realista, el director apostó por seguir muy de cerca a los personajes, (al chico, Maxime, en particular), y ver cómo se desenvolvían en cada situación, dejando cierto margen a los actores para improvisar y explorar. Senez nunca les dió un guión escrito pues antes que nada, buscaba la honestidad pura en las interpretaciones.

Kacey Mottet-Klein, un jovencísimo actor con una trayectoria cinematográfica destacable (Gainsbourg (vida de un héroe), Sister, Primavera en Normandía, Cuando tienes 17 años) y nominado al César y a los Premios Lumière en más de una ocasión, interpreta a Maxime, el adolescente obcecado en tener al pequeño. Galatéa Belugui (À 14 ans) es Mélanie, su novia. Completan el reparto Laetitia Dosch (Mi amor) y Catherine Salée (La vida de Adèle).
9 meses ha pasado por múltiples festivales como Locarno, Toronto, Sevilla y Rotterdam y ha recibido reconocimientos en el Festival de Torino (mejor película), el Festival de Varsòvia (Mención especial del jurado), el de Hamburgo (Premio al talento Joven) y el de Taipei (Mención especial del jurado), entre otros.

       

KONG: LA ISLA CALAVERA (Kong: Skull Island, Jordan Vogt-Roberts, 2017)

USA/Vietnam Año: 2017 Duración: 120 min. Guion: Dan Gilroy, Max Borenstein Música: Henry Jackman Fotografía: Larry Fong Productora: Warner Bros. Pictures / Legendary Pictures Género: Fantástico

Reparto: Tom Hiddleston, Brie Larson, Samuel L. Jackson, John Goodman, John C. Reilly,Toby Kebbell, Thomas Mann, Corey Hawkins, Jason Mitchell, Shea Whigham, John Ortiz, Eugene Cordero

Sinopsis: Un equipo de exploradores y militares es reunido para aventurarse en el interior de una isla del Pacífico que no aparece en los mapas, sin saber que están invadiendo los dominios del mítico King Kong.

De nuevo el viejo Kong despierta de su letargo y lo hace, afortunadamente, con una cinta que merece todos los elogios. Ingeniosa, bien estructurada, con un guión muy bien hilvanado, la acción muy medida y, lo que es mejor, ofrecida de tal forma que puede disfrutarse, lejos de esa moda que parece imperar en las cintas de acción norteamericanas en las cuales todo es tan fugaz, tan rápido, que no nos permite apreciar lo que está sucediendo en pantalla. Espectacular, colosal, esta brillante cinta de aventuras es de las que se disfrutan con asombro y maravilla. Con la boca abierta

Ambientada en los años setenta, coincidiendo con el final de la guerra de Vietnam, una expedición de científicos, acompañada de militares provenientes precisamente de Vietnam (al mando del coronel Packard, interpretado por un sobreactuado Samuel L. Jackson), se internarán en la Isla Calavera, un lugar invisible en los mapas pero ubicado en algún lugar del Pacífico. Allí tendrá lugar la acción, mucha acción, tensión sexual incluida, entre James Conrad,  el duro rastreador que interpreta Todd Hidleston y Mason Weaver, la fotógrafo de prensa que encarna la muy convincente Brie Larson. Weaver, como no podría ser de otra forma, también se ganará el afecto del enorme gorila, aunque este espinoso tema se ha enfocado de una manera más casta que en otras versiones: ella sabrá ver la soledad que encierra la triste mirada del fiero Kong.

El único personaje femenino del grupo, junto con una científica japonesa que está poco más que de adorno, no se limitará a chillar y correr delante de los monstruos para ser rescatada por el héroe, muy al contrario, luchará activamente e incluso será la que salve el pellejo del galán. Y es que, afortunadamente, los tiempos han cambiado y,  no en vano tras su aventura en Isla Calavera, Brie Larson se calzará las mallas de la Capitana Marvel para participar en la próxima aventura de Los Vengadores.

Y Kong. Sobre todo Kong  que, con una imagen más cercana a la del gorila original de 1933, resulta ser toda una fuerza de la naturaleza que nos llegaremos a creer junto a las arañas, saurios y búfalos gigantescos que inundan la pantalla, en la que habrá lugar también para un guiño a Ruggero Deodato y su Holocausto Caníbal, Infierno en el Pacífico y Apocalipsis Now, ya desde el cartel original. Todo lo que, junto a una magnífica selección de temas Rock de la época que parecen sonar mejor que nunca, y unos personajes  muy bien perfilados, completarán esta convincente propuesta cinematográfica.

Finalmente conviene aclarar para los que, como servidor, no estaban muy al tanto de esta película, que no guarda ningún tipo de continuidad con la que Peter Jackson dirigió en 2005. Su director Jordan Vogt-Roberts (de aspecto muy hipster, no se puede ser perfecto) con tan solo un largometraje más en su haber, ha realizado un muy competente trabajo que deja altas las expectativas respecto a las nuevas entregas que se sumarán a este Monsterverse, del que Kong: La Isla Calavera es un nuevo comienzo. Como podrán ver los espectadores que vean la totalidad de los créditos finales del filme, esta cinta tendrá una continuidad que enlazará con los populares Kaiju Eiga japoneses, concretamente con Godzilla, Mothra, Rodan y King Ghirodah, que protagonizarán, presumiblemente, Godzilla, King of Monsters, cinta que tiene anunciado su estreno para dentro de dos años y que precederá al esperado encuentro entre Kong y Godzilla. Una entente americano-japonesa que, en vista de los resultados obtenidos con este Kong: La Isla Calavera, nos atrevemos a decir que será realmente emocionante.

 

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