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Archive for 28 noviembre 2017

Trash-o-Rama les ofrece zombis voladores, karatekas, ranas asesinas y todo lo necesario para escaparse durante estas fiestas

28 noviembre 2017 Deja un comentario

¡Siempre es Halloween en Trash-o-Rama! Y más con esta colección horripilante de películas inéditas en DVD, donde los muertos vuelven de la tumba, las mujeres se desnudan, los monjes taoístas invocan a los espíritus del averno y los monstruos hacen de las suyas sin descanso.
Cine de categoría III perdido, zombis voladores, exorcistas karatekas, ranas asesinas…todo esto y mucho más en este nuevo lanzamiento triple de Trash-O-Rama. Cada pack se compone de: una premiere mundial en DVD de una joya del cine de terror de la factoría de los hermanos Shaw, 100% grindhouse y exploitation + un clásico del trash hongkonés de los 90 nunca reeditado desde su aparición en VCD. 

Spirit of the Raped + Devil of Love

SPIRIT OF THE RAPED (Kuei Chih-Hung, 1976) Con Teresa Ha, Wong Chung. (Audio en mandarín con subtítulos en castellano, 16:9) Remasterizada.

DEVIL OF LOVE (Lau Siu-Kwan, 1994) Con Lau Siu-Kwan, Grace Chen, Mom Jokmok (Audio en cantonés con subtítulos en castellano, 16:9)

Premiere mundial en DVD de una de las joyas del cine de terror de la factoría de los hermanos Shaw, 100% grindhouse y exploitation. En Spirit of the Raped asesinan al prometido de una mujer, que más tarde es violada y obligada a prostituírse. Volverá de la tumba para vengarse. Gore, sexo, viscosidad y horror al estilo del cine de terror italiano. Impresionante.

La cara B de esta edición es Devil of Love, una Cat. III que es todo un clásico del trash hongkonés de los 90 nunca reeditado desde su aparición en VCD. Con Mom Jokmok (protagonista de The Bodyguard y Ong Bak junto a Tony Jaa) en el papel de un monje taoísta que intenta librar a una joven de una salvaje maldición. Exploitation made in HK filmada en Tailandia con todos los elementos del género.

Contenidos adicionales: Carteles originales, fichas técnicas, Biografía del director, Promos.

Precio: 12 euros (gastos de envío incluídos)

Revenge of the Corpse + Erotic Deadly Witchery

REVENGE OF THE CORPSE (Sun Shung, 1981) Con Jason Pai Piao, Lo Lieh, Yuen Wah. (Audio en mandarín con subtítulos en castellano, 16:9) Remasterizada.

EROTIC DEADLY WITCHERY (Law Kei, 1993) Con Charlie Cho, Ku Feng. (Audio en cantonés con subtítulos en castellano, 16:9)

En Revenge of the Corpse un hombre vuelve de la tumba para castigar a su adúltera mujer y los conspiradores que acabaron con su vida. ¡Zombis voladores, litros de sangre, kung fu y hechiceros!

La cara B de esta edición es Erotic Deadly Witchery, una Cat. III infame con sexo gratuíto, trazas de comedia lamentable y un gran final de acción taoísta. Todo ellos con efectos especiales de baratillo.

Contenidos adicionales: Carteles originales, fichas técnicas, Biografía del director, Promos.

Precio: 12 euros (gastos de envío incluídos).

Curse of Evil + Witchcraft vs Curse

 

CURSE OF EVIL (Kuei Chih-Hung, 1982) Con Jason Pai Piao, Lily Li, Lau Siu-Kwan. (Audio en mandarín con subtítulos en castellano, 16:9) Remasterizada.

WITCHCRAFT VS CURSE (Fong Yau, 1991) Con Michiko Nishiwaki, Tsang Siu-Yin (Audio en cantonés con subtítulos en castellano, 16:9)

En Curse of Evil una terrible maldición acosa a una familia con ranas asesinas y monstruos violadores en un desenfreno psicotrónico donde no faltan el sexo, violencia desatada y monjes taoístas.

La cara B de esta edición es Witchcraft Vs Curse, una Cat. III con Michiko Nishiwaki como una sacerdotisa taoísta enfrentada a un diabólico hechicero. Sexo, artes marciales, efectos especiales y magia negra.

Contenidos adicionales: Carteles originales, fichas técnicas, Biografía del director, Promos.

Precio: 12 euros (gastos de envío incluídos).

INFORMACIÓN Y PEDIDOS: http://trashoramadvd.bigcartel.com/

Categorías:DVD / BLU-RAY

Ya llega la saga ‘Phantasma’ de Don Coscarelli en Blu-ray

28 noviembre 2017 Deja un comentario

Chicooooo… Yo me reservaría algo de la paga navideña (el que la tenga) ya que el 27 de febrero de 2018 sale a la venta uno de los más lujosos packs dedicados al cine de terror que se ha editado en nuestro país. Don Coscarelli pone de largo y a todo lujo su saga Phantasma de la mano de 39 Escalones. Vayan haciendo boca con sus contenidos…

PACK SAGA PHANTASMA – 6 BLURAY – 27 DE FEBRERO A LA VENTA

CONTENIDO:

BLU-RAY 1: PHANTASMA (1979) -REMASTERIZACIÓN 2016-

Duración: 89 minutos – Audios: Castellano DTS 2.0 / Inglés DTS 5.1 – Subtítulos: Castellano
Extras (todos en VOSE):
1- Audiocomentario con Don Coscarelli (guionista y director), Paul Pepperman (coproductor) y Roberto Quezada (consultor visual).
2- Audiocomentario con Don Coscarelli (guionista y director) y los actores Michael Baldwin, Angus Scrimm y Bill Thornbury.
3- Entrevista televisiva 1979 a Don Coscarelli y Angus Scrimm (29 minutos).
4- Detrás de las cámaras – películas caseras (21 minutos).
5- Escenas eliminadas (5 minutos).
6- Tráiler cinematográfico.

BLU-RAY 2: PHANTASMA II – EL REGRESO– (1988)

Duración: 97 minutos – Audios: Castellano DTS 2.0 / Inglés DTS 2.0 – Subtítulos: Castellano
Extras (todos en VOSE):
1- Audiocomentario con Don Coscarelli (guionista y director) y los actores Angus Scrimm y Reggie Banister.
2- Los días de las montañas: entrevista con el especialista en maquillaje especial Greg Nicotero (22 min.).
3- TV spots (2 minutos)
4- Tráiler cinematográfico.

BLU-RAY 3: PHANTASMA III – EL PASAJE DEL TERROR– (1994)

Duración: 92 minutos – Audios: Castellano DTS 2.0 / Inglés DTS 5.1 – Subtítulos: Castellano
Extras (todos en VOSE):
1- Audiocomentario con los actores Angus Scrimm y Reggie Banister.
2- Las esferas metálicas: entrevista a Bob Ivy -especialista- (10 min.).
3- Detrás de las cámaras (9 minutos).
4- Phantasma: Genésis (18 minutos).
5- Escenas eliminadas.
6- Tráiler cinematográfico.

BLU-RAY 4: PHANTASMA IV – APOCALIPSIS– (1998)

Duración: 90 minutos – Audios: Castellano DTS 2.0 / Inglés DTS 5.1 – Subtítulos: Castellano
Extras (todos en VOSE):
1- Audiocomentario con Don Coscarelli (guionista y director) y los actores Angus Scrimm y Reggie Banister.
2- Detrás de las cámaras (31 minutos).
3- Promo.
4- Tráiler cinematográfico.

BLU-RAY 5: PHANTASMA V – DESOLACIÓN– (2016)

Duración: 86 minutos – Audios: Inglés DTS 5.1 – Subtítulos: Castellano
Extras (todos en VOSE):
1- Audiocomentario con Don Coscarelli (guionista y productor) y David Hartman (director).
2- Detrás de las cámaras (6 minutos).
3- Así se hizo (11 minutos).
4- Secuencia de créditos en rojo.
5- Phuntasma: errores y descartes (9 minutos).
6- Un minuto con David Hartman (1 minuto).
7- Escenas eliminadas (9 minutos)
8- Tráiler cinematográfico.

BLU-RAY 6: EXTRAS (todos en VOSE)
1- PHANTASMAGORIA -Documental- (98 minutos).
2- Phantasma y tú (4 minutos).
3- Concierto de Kat Lester (6 minutos).
4- Mystery Tour (14 minutos).
5- Phandom (18 minutos).
6- Angus Scrimm en la convención Fangoria -1989- (10 minutos).

LIBRETO 36 páginas a cargo de SCIFIWORLD

 

Disfruten de las fiestas con 39 Escalones y sus nuevas propuestas para diciembre

27 noviembre 2017 1 comentario


De nuevo 39 Escalones ha preparado unos suculentos lanzamientos que tienen el cine y las series españolas como principales protagonistas: Don Quijote de la Mancha de Cruz Delgado; Anillos de oro, toda una revelación en una época en la que nuestro país se preparaba para le Ley del Divorcio. Con Imanol Arias, Ana Diosdado y muchos otros actores que comenzaban a despuntar; Pepa y Pepe, magnífica serie de los noventa interpretada por  Verónica Forqué y Tito Valverde en la que destacó la presencia de unas primerizas María Adánez y Silvia Abascal, además de muchos y divertidos invitados que convertían cada episodio de esta serie en una fiesta en la que los actores también participaban. De Historias para no dormir ya les hemos hablado largo y tendido y ahora se lanza con nueva presentación. Y mucho más: Parchís, Regaliz, animación y hasta Gaby, Fofó, Miliki y Fofito. Es Navidad y estas son propuestas familiares. Como La historia interminable. Pero no se confíen… pues el Hombre Alto se aproxima y en febrero nos alcanzará… Mientras tanto, disfruten de las fiestas con 39 Escalones.

PARA AMPLIAR Y LEER, CLICK EN LAS IMÁGENES

Categorías:DVD / BLU-RAY

VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 24 de noviembre de 2017 *

24 noviembre 2017 Deja un comentario

LA HIGUERA DE LOS BASTARDOS (Ana Murugarren, 2017)

España Duración: 111 min. Guion: Ana Murugarren (Novela: Ramiro Pinilla) Fotografía: Josu Inchaustegui Productora: Blogmedia Género: Drama

Reparto: Carlos Areces, Karra Elejalde, Jordi Sánchez, Pepa Aniorte, Ylenia Baglietto, Andrés Herrera, Ramón Barea, Mikel Losada

SINOPSIS: En una época no muy lejana en la que el conflicto y la oscuridad se apoderaron de los territorios en España, la mirada de un niño se cruza con la de Rogelio (Karra Elejalde), el ejecutor. Convencido de que el niño lo matará cuando crezca, Rogelio abandona a sus camaradas y se dedica a cuidar de la higuera que el crío ha plantado sobre la tumba de su padre y hermano. Cipriana (Pepa Aniorte), la mujer del nuevo alcalde (Jordi Sánchez), acrecienta la fama de Rogelio como ermitaño y santón, y convierte el lugar en centro de peregrinaciones. Ermo (Carlos Areces) el codicioso chivato que denunció a la familia, no se separa de Rogelio, convencido, cual golum, de que bajo la higuera se esconde un tesoro. Los antiguos camaradas, que ven con estupor cómo la higuera crece entre los peregrinos señalando el lugar de la ejecución, intentarán qué Rogelio abandone su misión para deshacerse de la higuera y borrar el incómodo rastro.

Con mucho de realismo mágico, más en el fondo que en la forma, que también, Ana Murugarren nos propone una tan desconcertante como brillante historia que se inicia con la forma de un relato de terror, del más puro y real terror, del que todos los que somos descendientes de los perdedores del 36 todavía portamos, de alguna manera, en nuestros genes. Quienes no sabemos y nunca averiguaremos donde está enterrado nuestro abuelo, podemos comprender la rabia del niño que, tan solo con su mirada, es capaz de conseguir que el verdugo de su padre y hermano se convierta en el custodio de la higuera que ha plantado sobre la tumba de los represaliados. Una higuera que le recordará a él mismo y a sus compañeros falangistas las paseos nocturnos durante los cuales fueron en busca de sus contrincantes políticos o, sencillamente, se llevaron por delante a los elementos molestos. Y a este relato, que comienza con el más puro horror su directora consigue, paradójicamente,  otorgarle mucho humor: “Me sorprendió encontrar, en medio de la negrura, un sentido del humor a lo Azcona que no esperaba, y que fue ganando peso al escribir el guión. Y algo que sin duda me ha marcado al dirigir la película ha sido contar el relato desde el punto de vista de los vencedores, de sus “correrías”, y de la preocupación que crece en ellos por ocultar el pasado según van pasando los años”.

Ana Murugarren hace de Karra Elejalde un falangista asesino ataviado cual evangelista del antiguo testamento: “Cuando leí la novela de Pinilla me vinieron dos imágenes a la cabeza. El Simón del desierto de Buñuel subido en su columna y el tío loco subido al árbol en el Amarcord de Fellini”. Elejalde, un actor que estamos habituados a que nos haga sonreír, se convertirá en un asesino, un personajes reprobable, al igual que ese miserable chivato que encarna Carlos Areces, en un sorprendente registro que supera con  nota, o el  nuevo y cínico alcalde impuesto por los vencedores que interpreta Jordi Sánchez.

Los camisas viejas no pueden enterrar su pasado, sus negras noches de paseos, de purgas, pues la higuera les recuerda simbólicamente todas sus atrocidades pasadas. Los años van trascurriendo y ellos quieren olvidar. Como sus descendientes quieren cerrar en nuestra España el dolor, las heridas, riéndose, incluso, de la memoria de los asesinados abandonados o enterrados en arcenes y fosas comunes.

 SAW VIII  (Jigsaw, Michael Spierig, Peter Spierig, 2017)

USA Duración: 91 min. Guion: Josh Stolberg, Pete Goldfinger (Personajes: James Wan, Leigh Whannell) Música: Charlie Clouser Fotografía: Ben Nott Productora:  Lionsgate / Serendipity Productions / Twisted Pictures / A Bigger Boat Género: Terror

Reparto: Matt Passmore, Callum Keith Rennie, Clé Bennett, Hannah Emily Anderson,Laura Vandervoort, Tobin Bell, Brittany Allen, Mandela Van Peebles,Michael Boisvert, Lauren Beatty, Shaquan Lewis, James Gomez, Attila Sebesy,Josiah Black, Sonia Dhillon Tully, Tina Jung, Bonnie Siu, Paul Braunstein,Keeya King, Misha Rasaiah, Ryan Manning, Brandon James Sim, Sam Koules

Sinopsis: Jigsaw está de vuelta. En esta ocasión atrapará a cinco personas y las enfrentará en una serie de juegos sangrientos como castigo por sus delitos. Al mismo tiempo tiene lugar una investigación en la que científicos forenses tratan de encontrar y capturar al asesino, con la sospecha de que alguien del equipo puede ser el responsable.

Un nuevo eslabón en la  ya corroída cadena de la saga Saw con esta octava (sí, octava ya) entrega que repite la conocida fórmula: 5 candidatos a pasarlo mal de la manera más ingeniosa y sangrienta posible en una especie de Gran Hermano pesadillesco durante el cual tendrán que superar pruebas para salvar el pescuezo. La bella y audaz de turno; el gordo mezquino y egoista; la nota racial; y los breves de turno que no tendremos tiempo de conocer, en esta especie de acto de justicia en el que todos resultan ser culpables de algo. Este manido puzzle con, posiblemente involuntario, homenaje a Vampyr de Dreyer, es una nueva prueba de que James Wan es un creador de poderosos universos que otros ya se encargan de devaluar mediante derivados claramente alimenticios. De esta entrega de Saw no puede siquiera decirse que sea sangrienta, algo que al menos la haría llevadera para el público de fin de semana y los curtidos gore hounds.

Sólo el cartel vale la pena. Y lo peor es que es una saga que no tiene visos de concluir.

TIERRA DE DIOS (God’s Own Country, Francis Lee, 2017)

UK Duración: 104 min. Guion: Francis Lee Música: Dustin O’Halloran, Adam Wiltzie Fotografía: Joshua James Richards Productora: Inflammable Films / Magic Bear Productions / Met Film Production / Shudder Films / British Film Institute / Creative England. Distribuida por Orion Pictures [USA] Género: Drama.

Reparto: Josh O’Connor, Alec Secareanu, Gemma Jones, Ian Hart, Harry Lister Smith,Melanie Kilburn, Liam Thomas, Patsy Ferran, Moey Hassan, Naveed Choudhry,Sarah White, John McCrea, Alexander Suvandjiev, Stefan Dermendjiev

Sinopsis: Johnny Saxby (Josh O’Connor) trabaja sin descanso en la remota granja de ovejas de su familia, en el Norte de Inglaterra.  Las borracheras y el sexo casual son lo único que le distraen de una vida de soledad y frustración. Cuando un atractivo inmigrante rumano (Alec Secareanu) llega a la granja buscando un trabajo temporal, Johnny empezará de repente a lidiar con sensaciones que nunca había experimentado. A medida que ambos pasan tiempo trabajando codo con codo, empieza a brotar una intensa relación entre ellos, algo que podría cambiar la vida de Johnny para siempre.

Cautivadora e irresistiblemente bella, Tierra de Dios (God’s Own Country) es el galardonado debut del director Francis Lee. Una sincera y visceral historia de amor ambientada en el corazón de la Yorkshire rural. Aguda, conmovedora y con unas interpretaciones memorables retrata a esas gentes recias del campo, parcas en la expresión de sus sentimientos algo que se acrecenta, aún más si cabe, para Johnny Saxby (muy convincentemente interpretado por Josh O’Connor),  un joven homosexual que no acepta su condición. Difícil es asumirla, además, en un entorno que no es precisamente ideal para los que son diferentes. Ahoga su frustración en alcohol y encuentros furtivos en los que priva puramente lo más físico, sin implicación emocional.  Cuando conozca a Gheorghe, un joven trabajador rumano, su percepción del mundo y de sí mismo cambiará radicalmente. De la mano de Gheorghe (así, casi literalmente, porque podríamos decir que es domado por él) aprenderá la ternura que nadie le ha enseñado y aceptará sus sentimientos, llegando a aprender a expresarlos (aunque siga siendo con una cierta rudeza).

“Quería contar una historia de amor austera, pero, a su vez, llena de sentimiento” cuenta su director Francis Lee, “Quería capturar esas sensaciones placenteras y trepidantes que uno siente cuando algo empieza. Ver a Johnny y Gheorghe empezar a enamorarse el uno del otro, investigando cómo lidiarán con sus diferencias. Quería explorar esos momentos que dos personas comparten cuando están empezando a comprometerse, matizando sutilmente las luchas internas de cada uno. Tanto si eres gay como si no, todos reconocemos esa sensación de cuando estás empezando a enamorarte y lo difícil que esto puede ser, sobre todo cuando las circunstancias no acompañan.”

La película retrata bellamente el entorno en el cual se desarrolla la acción, la vida dura y sencilla de los granjeros,que su director conoce bien, pues se crió en un granja de Yorkshire y cuenta, además de los dos protagonistas, con la colaboración de los reputados Ian Hart y Gemma Jones. Un hermoso e inteligente relato.

 

EN REALIDAD, NUNCA ESTUVISTE AQUÍ (You Were Never Really Here, Lynne Ramsay, 2017)

UK/Francia/USA Duración: 95 min. Guion: Lynne Ramsay (Novela: Jonathan Ames) Música: Jonny Greenwood Fotografía: Thomas Townend Productora: Why Not Productions / Film4. Distribuida por Amazon Studios Género: Thriller

RepartoJoaquin Phoenix, Alessandro Nivola, John Doman, Judith Anna Roberts, Alex Manette, Ekaterina Samsonov, Kate Easton, Jason Babinsky, Frank Pando,Ryan Martin Brown, Scott Price, Dante Pereira-Olson, Jonathan Wilde,Leigh Dunham, Vinicius Damasceno
Sinopsis: Joe (Joaquin Phoenix), ex marine y antiguo veterano de guerra, es un tipo solitario que dedica su tiempo a intentar salvar a mujeres que son explotadas sexualmente. No se permite ni amigos ni amantes y se gana la vida rescatando jóvenes de las garras de los tratantes de blancas. Un día recibe la llamada de un político porque que su hija ha sido secuestrada.
Premios : Festival de Cannes. Mejor actor (Phoenix) y Mejor guión

Aunque haya sido galardonado su guión (que sin duda lo puede merecer), su peculiaridad, lo que hace de En realidad, nunca estuviste aquí una de las más innovadoras y atractivas propuestas del cine moderno es el uso del lenguaje con el que está narrada. Sus cautivadoras imágenes van directas al cerebro. Su hipnótico sonido ataca nuestro estómago. Su inicio es puro ballet. Una pesadilla urbana que va poniendo al espectador en sintonía, inquietándolo, ya antes de poner las cartas sobre la mesa. Mostrando jirones del pasado del protagonista a cuchilladas, atravesando violentamente su presente. Los violines desafinados acentúan los grises de la noche en la ciudad, de sus grises trasfondos, una ciudad que tiene el alma tan vacía como Joaquin Phoenix, cuyos inexpresivos ojos reflejan ese reverso tenebroso, áspero, que contraste con la belleza (¿inocente?¿virginal?) sin duda luminosa de la nínfula Ekaterina Samsonov.

Joaquin Phoenix sonríe en una escena. Tan solo consigue hacerlo ante su propio reflejo en el espejo.

PADDINGTON 2 (Paul King, 2017)

UK. Duración: 95 min. Guion: Michael Bond, Simon Farnaby, Paul King Música: Dario Marianelli Fotografía: Erik Wilson Productora: Amazon Prime Instant Video / Anton Capital Entertainment (ACE) / Canal+ Género: Comedia de animación

Reparto: Hugh Grant, Hugh Bonneville, Sally Hawkins, Brendan Gleeson, Jim Broadbent,Peter Capaldi, Julie Walters, Samuel Joslin, Daniel Stisen, Ben Miller,Sanjeev Bhaskar

Sinopsis: El oso Paddington ya está felizmente integrado en casa de la familia Brown. Se ha convertido además en un miembro muy popular de la comunidad de Windsor Gardens. Su tía Lucy cumple 100 años y él tiene el regalo perfecto para ella: un maravilloso libro pop-up de la tienda de antigüedades de Mr. Gruber. Para poder comprar el libro, Paddington decidirá realizar una serie de extraños trabajos. Pero todo se complica cuando el libro es robado.

Pocas veces se aplaude en un pase de prensa, por eso no olvidaremos la ovación cerrada que recibió La invención de Hugo, Scorsese con un portentoso 3D rompía la cuarta pared y conseguía transmitir toda aquella magia que envolvió al cine en sus orígenes. Scorsese ponía en lo más alto al cine de feria, ese espectáculo popular que nació como auténtica fábrica de sueños y que se ha perpetuado hasta nuestros días. Con Paddintong 2 no hubo aplausos, pero sí se dibujaron amplias sonrisas como pocas veces se aprecian. Y es que la cinta de Paul King es cine magia como lo es La invención de Hugo, llena (como aquella) de cine dentro del cine que consigue despertar la maravilla como pocas películas lo consiguen hoy. Paddintong 2 es cine con mayúsculas.

Hablar de Paddington 2 tan solo como película infantil de animación hace escasa justicia a esta comedia para toda la familia, pues si bien esta cinta tiene una animación magnífica, que consigue que el personaje interactúe perfectamente con los actores ‘de carne y hueso’ consiguiendo ser totalmente creíble, no menos cierto es que tan solo con efectos especiales no se consigue una buena película. Paddington 2 se beneficia de un magnífico guión y de un humor efectivo, repleto de gags y pantomima que suponen un respetuoso y cariñoso homenaje al slapstick, más aún, a sus orígenes en el vaudeville británico, de donde surgieron grandes talentos como Charles Chaplin y Stan Laurel. Y enfrenta este vaudeville, popular, de clases más humildes, con la escena teatral burguesa, poniendo frente a él como villano a un arquetípico actor shakesperiano, antiguo cabeza de cartel en el West End venido a menos. Presuntuoso y orgulloso, a lo Henry Irving o Lawrence Olivier.

Pero no terminan ahí las virtudes del film de Paul King, pues además de guiños nada disimulados al mentado Chaplin y Groucho, Paddington 2 tiene también una gran baza en sus actores: Brendan Gleeson, tan grande como siempre, demuestra que no hay personaje que se le resista; al igual que la dulce Sally Hawkins (que ha confirmado su grandeza con su maravillosa interpretación en La forma del agua, para Guillermo del Toro); y sin olvidar a Hugh Grant, que como Phoenix Buchanan, el villano de la función, se autoparodia a sí mismo como actor caído en desgracia (¿les suena?) realizando, de paso, una portentosa interpretación.

Ternura, buenos personajes, toques slapstick y calypso caribeño en esta cinta deliciosa y para toda la familia que, sin lugar a dudas, ocupará un lugar destacado en la selección/resumen anual de Serendipia pues, como ya concluímos en el comentario de la primera entrega, es una película “de esas que logran nuestra complicidad y nos pintan sonrisas sinceras en el rostro, de esas que nos llevamos puestas durante bastante tiempo después de la proyección“. Y eso, en estos tiempos que corren, es mucho.

 

 

Categorías:VAMOS DE ESTRENO

‘Paul Naschy: la dualidad de un mito’. Entrevista a José Luis Salvador Estébenez

23 noviembre 2017 Deja un comentario

El coordinador de este proyecto, finalmente convertido en realidad, nos habló hace unos años del titánico trabajo que estaba realizando analizando diferentes guiones de Jacinto Molina en la Biblioteca Nacional.  Los hallazgos que había hecho leyendo las diferentes versiones, además de descubriendo otros muchos no rodados, resultaban apasionante, así que desde que nos lo contara le animamos encarecidamente a hacer algo con todo ello más allá de un artículo en su, por otro lado, magnífico blog La Abadía de Berzano. Lo que gracias a José Luis, los diferentes autores que han colaborado, y los responsables de Vial of Delicatessens se ha publicado como Paul Naschy: la dualidad de un mito, va mucho más allá de lo esperado: es un detallado estudio de cada una de las películas del actor y director, sí, pero también contiene ilustrativos y completos trabajos sobre otras facetas poco o nada tratadas en profundidad  como su labor como autor de bolsilibros, el mencionado apartado de guiones no rodados o su relación con otras cinematografías, además de entrevistas con directores que trabajaron con él y muchas otras aportaciones que convierten este trabajo en un libro de referencia. Uno puedo estar o no de acuerdo con lo opinado por sus muchos colaboradores, pero sin lugar a dudas este es un libro que Serendipia hace mucho tiempo que deseaba leer. Si no lo tienen todavía no tienen porque hacerme caso a mí para convencerles, que sea el propio coordinador, José Luis Salvador Estébenez, el que les explique como nació, se desarrolló y finalmente se publicó este imprescindible trabajo. 

Para comenzar, ¿podrías contarnos cómo nació el proyecto y por qué te decidiste por Paul Naschy a la hora de elegir el tema de tu primer libro como coordinador?

Realmente el origen del proyecto se remonta a un dossier sobre la obra de Naschy que hicimos en mi blog, La Abadía de Berzano, poco tiempo después de que él muriera y a modo de homenaje. Siempre había pensado que en todos los libros que hasta entonces se habían ocupado de Naschy habían pesado más las filias y fobias de los diferentes autores que el análisis serio y riguroso. El tratar de corregir esta circunstancia dentro de mis modestas posibilidades fue lo que me impulsó a poner en marcha aquel dossier para el que conté con un buen número de firmas invitadas con el fin de intentar dar una visión que fuera lo más rica y ajena a subjetividades como fuera posible.

La idea era que aquel dossier con el tiempo se convirtiera en un libro, añadiendo nuevos contenidos exclusivos que evitaran que se tratara una simple repetición de lo ya publicado en el blog. Sin embargo, diversos condicionantes impidieron que en ese momento este proyecto fuera llevado a cabo, por lo que lo dejé en modo standby, aunque sin abandonarlo del todo. No fue hasta que Víctor Olid y Ferrán Herranz, los responsables de Vial of Delicatessens, me ofrecieron la posibilidad de publicar un libro con ellos sobre el tema que yo eligiera. Como la ocasión la pintan calva, que decimos los castizos, decidí recuperar aquel proyecto, tomando como base el dossier publicado en el blog más los contenidos que había ido confeccionando en todo el tiempo transcurrido, ya que, como digo, en ningún momento lo dejé abandonado por completo e iba trabajando en él en tiempos muertos. Con todo, de aquel dossier del blog al libro resultante ha habido muchos cambios, se han corregido todos los textos, muchos se han sustituido… Pero digamos que el espíritu sigue siendo el mismo.

¿En qué crees que se diferencia este volumen de otros que han abordado con anterioridad la figura de Naschy?

Pues como decía en mi anterior respuesta, en el rigor con el que hemos abordado su confección. Esa es la máxima que seguimos tanto yo como el resto de colaboradores que me han acompañado, porque, insisto, esa era la misma esencia del proyecto. Eso en primera instancia. Pero además, hemos cubierto muchas lagunas de la obra de Naschy que rara vez se habían tratado. Por ejemplo, hablamos de su faceta de escritor de bolsilibros o de sus guiones no rodados. También hay análisis de su obra en términos sociológicos y filosóficos, se comenta su relación y la de su cine con terceros países, entrevistamos a diversas personalidades que trabajaron con él… Está feo que yo lo diga, porque al fin y al cabo eso es algo que deben valorar y apreciar los lectores, pero digamos que es muchísimo más completo en todos los sentidos de todo lo que se haya podido publicar sobre Naschy hasta la fecha.

A la hora de establecer el tono del libro, ¿podrías explicarnos qué directrices recibieron los colaboradores a la hora de escribir sus textos?

Pocas. Mi intención era que, aunque yo fuera el coordinador, la visión que se extrajera del libro no estuviera contaminada por la opinión y valoración subjetiva que yo pudiera tener sobre Naschy, para no caer precisamente en aquello mismo que yo critico en los anteriores libros aparecidos sobre su cine. Es por ese motivo por el que traté de contar con un nutrido plantel de colaboradores de lo más heterogéneo en el que hubiera también cabida para autores extranjeros, que pudieran aportar una aproximación a la obra de Naschy que no estuviera tan mediatizada como la que el resto pudiéramos tener al vivir en España. Así que, a la hora de establecer un tono para el libro, preferí que cada uno escribiera acorde a su estilo, con la única directriz del rigor y el respeto sobre nuestro sujeto de estudio.

Paul Naschy/Jacinto Molina: la dualidad de un mito ha contado con la participación de más de una treintena de especialistas, y no solo de nuestro país, sino también de Inglaterra, Italia o Francia. ¿Cuán difícil ha resultado coordinar a tanta gente?

La verdad es que ha sido muy sencillo. Bastante más de lo que puede parecer a primera vista. No sé si será que he tenido la suerte del principiante, pero la verdad es que todos han huido del lugar común, lo que de entrada habla del esfuerzo y profesionalidad con la que abordaron su tarea, evitando de este modo que hubiera duplicidad de datos o reiteración de informaciones. Así que apenas he tenido que intervenir en los textos de los colaboradores, más allá de algunas pequeñas puntualizaciones y/o correcciones.

Sin duda alguna uno de los capítulos más atractivos es el consagrado a la enumeración de los guiones escritos por Paul que jamás llegaron a rodarse. ¿Cómo trabajaste a la hora de indagar en estos proyectos no realizados y cuál destacarías por encima del resto, ya sea por haberte parecido el más relevante y/o el más original?

En principio, mi campo de acción principal fue el archivo de la Biblioteca Nacional. Allí tienen guardados un buen número de guiones que en su momento fueron registrados y no llegaron a rodar, tanto de Naschy como de otros guionistas españoles. Así que, en principio, solo fue ponerme a leer los diferentes guiones que estaban registrados a nombre de Naschy y no coincidían con los títulos de sus películas. Claro que tampoco fue tan fácil. Había casos en los que, a pesar de que el título no coincidía, algunos guiones sí que habían acabado dando forma a películas, como puede ser el caso de uno titulado El cerdo, que tras varias versiones acabaría por convertirse en El carnaval de las bestias. Y otros en los que diferentes guiones no rodados que tenían nombres diferentes acababan formando parte de un proyecto común.

Para complicar un poco más las cosas, cuando ya tenía casi todo el trabajo hecho me enteré gracias al libro de Javier Pulido La década de oro del cine de terror español que en la Filmoteca Española también tenían algunos libretos inéditos. Así pues, una vez pude ponerme a ello, ya que todo este trabajo de investigación lo iba haciendo en mis periodos de vacaciones, visité la Filmoteca y me puse a la tarea. Iluso de mí, pensaba que no sería muy complicado, ya que varios guiones los había leído ya en los archivos de la Filmoteca… Lo que no sabía entonces y pronto descubrí era que, en la mayoría de los casos, se trataba de diferentes versiones, que ampliaban o modificaban sustancialmente los textos que yo había leído con anterioridad, por lo que tuve que empezar de nuevo prácticamente desde cero.

Junto con los archivos de la Biblioteca Nacional y de la Filmoteca Española hubo también algunos guiones no rodados para los que tuve que tirar de otras fuentes, aunque fueron los menos. Así, a voz de pronto, creo que solo fueron el de la acariciada asociación entre Naschy y Amando de Ossorio, y el de la película supuestamente rodada y no finalizada Horror en el museo de cera.

En cuanto a destacar alguno de estos trabajos por encima del resto, creo que sería muy injusto. Por un motivo o por otro todos son muy interesantes. Aunque bueno, sí que puedo decir que dos de los que más me gustaron fueron el de la secuela nonata de El gran amor del conde Drácula, titulada El retorno de la condesa Drácula, y En el nombre del infierno, que debía de haber supuesto la asociación de Naschy con nada menos que Jordi Grau. En otro sentido, también me sorprendió la existencia de El licántropo, un guion sobre hombres lobo anterior a La marca del hombre lobo que, como digo en el libro, de haberse rodado en su momento habría variado sustancialmente la historia de nuestro cine fantástico, y que cuenta con la particularidad además de estar escrito por Paul en compañía de un segundo guionista; y El buque fantasma, una entrega de la saga sobre Waldemar Daninsky donde los motivos propios del hombre lobo polaco se fusionaban con la leyenda del Holandés Errante.

Después de haber pasado tanto tiempo sumergido en la obra y en la vida de Naschy, ¿ha evolucionado a lo largo de estos años tu opinión acerca de su cine y/o su persona?

Lógicamente, aunque no tanto la opinión que pudiera tener de él y de su obra como el conocimiento a un nivel más profundo. A raíz de analizar tantas películas suyas en cortos espacios de tiempo y de forma reiterada, sobre todo, de leer sus guiones, me he ido percatando de su forma de ser, sus obsesiones, sus sueños y sus temores. Y es que, le pese a quien le pese, pocas películas hablan tanto de su autor como lo hacen las de Paul Naschy.

El culto hacia Paul Naschy sigue intacto aun habiendo transcurrido ocho años desde su desaparición, pero, ¿qué lugar crees que ocupa en realidad dentro de la historia del cine (español o mundial) el creador de Waldemar Daninsky?

Puede que quizás no tan importante como la que sus seguidores más incondicionales puedan creer, pero tampoco tan residual como pregonan sus detractores. Hombre, ponerle a la altura de la Hammer, la Universal o, lo que es lo mismo, el cine de James Whale y Terence Fisher, por citar dos ejemplos con los que el propio Paul intentaba equipararse a menudo, me parece bastante apurado. Pero lo mismo me parece compararle con Ed Wood o Al Adamson. Aparte, para valorar el cine de Paul hay que tener muy en cuenta los condicionantes sociales, políticos, económicos y productivos que rodearon al grueso de su filmografía. Películas que en su momento estaban planteadas como poco menos que productos de usar y tirar, ideados para ser rodados con la mínima inversión para que su rentabilidad fuera la máxima posible, y rodados, además, en muy corto espacio de tiempo y casi en serie. Obviamente, estos condicionantes acaban por reflejarse en el acabado de muchos de sus títulos, lo que no ha evitado que algunos de ellos, pese a sus innegables deficiencias, tengan un nivel bastante alto, e incluso se les pueda considerar a día de hoy pequeños clásicos del género. La mejor prueba es que, aún con todo, más de ocho años después de su muerte, lejos de caer en el olvido, su obra sigue siendo estudiada y comentada por aquellos que ya la conocíamos, al tiempo que es descubierta y en algunos casos venerada por nuevas generaciones de espectadores en todo el mundo. Por algo será…

Las lecturas de Serendipia: caminando por la ‘Plaza de Bacalá’ con ‘Cine-Bis’ y ‘Ceremonia sangrienta’

21 noviembre 2017 Deja un comentario

Serendipia no da abasto con sus lecturas, pero no puede evitar detenerse un momento y recomendarles tres de los últimos trabajos que más le han gustado. Un cómic, Plaza de Bacalá del alicantino Carmelo Manresa,  y dos fanzines, el imprescindible séptimo número de Cine-Bis y el cada día más completo Ceremonia Sangrienta, que con su cuarto número confirma su lugar dentro del fandom. Ambos tan diferentes como interesantes. Lecturas que Serendipia atesorará en su biblioteca después tras haberlas devorado, pues, si en estos tiempos es cierto que se editan muchos libros y publicaciones, también conviene ser selectivo y conservar tan solo lo mejor. Y estos tres son de lo mejor.

 

PLAZA DE LA BACALÁ

Carmelo Manresa

Desfiladero Ediciones. Rústica con solapas.

176 páginas. Blanco y negro.

Bien sabido es que solemos edulcorar el pasado recordándolo como una época deliciosa. Saturando de melaza los recuerdos (buenos) de otra época que, si pudiésemos volver hacia atrás, podríamos comprobar que no fue tan maravillosa. Sin lugar a dudas eran tiempos de descubrimientos, algunos de los cuales marcarían nuestra personalidad de manera perenne. Ahora podemos tener en casa una película en HD repleta de extras, por ejemplo, pero nunca podremos revivir la sensación de aquella vez que la vimos, repleta de cortes, con unos amigos en el cine. Podremos escuchar un disco, pero el descubrimiento, esa piel de gallina al escuchar una canción, nunca volverá a repetirse. Podremos leer un cómic, olerlo incluso, pero nunca será igual que la primera vez que lo vimos, con aquella magia en su portada, en sus dibujos vistos una y otra vez. Podremos rememorar nuestras noches de fiesta, los conciertos, los amigos…

Todo es muy subjetivo, sin embargo. Puedo asegurarles que, personalmente, por mucho Súper-8 o VHS que hubiese tenido, nunca he podido disfrutar más del cine en casa que con el DVD/Blu-ray; mi colección favorita de cómics hace tiempo que se reeditó con mejor papel y a todo color respetando, además, el formato y las portadas originales. Y bueno, el vinilo sigue estando ahí. Eso sí que no ha sido superado. En cuanto a las noches de fiesta… bueno, ni fueron todas las noches, ni todas las semanas ni todas aquellas noches terminaron bien. Recuerden, recuerden…

Lo que pasa es que éramos más jóvenes. Y nuestro tiempo ha pasado muy rápido y ha evolucionado todo tanto que algunos hablamos ya como nuestros padres cuando se mofaban de nuestra música o nuestro aspecto. Y si miramos hacia atrás vemos que muchas cosas han cambiado. Pequeños detalles, maneras de vivir que conocimos y que, sin darnos cuenta, se han marchado para siempre. Y eso es lo que hace Carmelo Manresa en Plaza de La Bacalá: rememorar pequeñas cosas, detalles que todos los de su generación podemos compartir. Entonces se hacía más vida en la calle y había ciertos perfiles, ciertas figuras, que, sorprendentemente, se repetían en otras plazas de otros barrios de otras ciudades: cines de reestreno en los cuales, ahora, nos sería imposible ver una película porque no podríamos concentrarnos en ella dada su incomodidad, su deficiente sonido, sus deficientes copias y su deficiente público, que no callaba ni debajo del agua; los tontos del barrio; kioscos (y kiosqueros) con olor a rancio; habladurías y chismorreos sobre el vecindario, aunque ahora no conozcamos, ni ganas, ni al vecino de la puerta de al lado; recreativos (y su fauna); nunchakus fabricados con palos de escoba… Un universo de retales que se van perdiendo en nuestra memoria pero que, de forma totalmente imprevista, vuelve en el momento más inesperado haciendo que nos demos cuenta de que nos hacemos, irremediablemente, mayores.

Pues bien, pequeños recuerdos, texturas de ese pasado, son las que nos trae, con un lenguaje cercano, de tú a tú, Carmelo Manresa en Plaza de La Bacalá. Y nos lo muestra con trazos claros, que a mí personalmente me traen a la memoria aquellos dibujos voluntariosos de los artistas, muchas veces anónimos y escasamente reivindicados, de los humildes tebeos de editorial Vilmar. Un dibujo ideal para lo que se nos narra. Lo que no significa, ni mucho menos, que hablemos de un dibujo anticuado, pues también recuerda planchas de, por ejemplo, Martí Riera o Daniel Torres dibujantes poderosamente underground pero a la vez con un cierto regusto retro… Y por supuesto Carlos Gimenez con el que, además, comparte ciertas maneras en su forma de narrar,  de trasladar detalles, emociones y tipos.

Pues bien, al igual que sucede precisamente con las historias de Carlos Gimenez, las que nos cuenta Carmelo Manresa en Plaza de La Bacalá tienen, en el cómic, el vehículo ideal con el que ser transmitidas y con el que hacernos sentir de nuevo la nostalgia, sí, pero también el alivio de seguir vivos para contarlo.

CINE-BIS #7 VV.AA (Quatermass Ediciones)

¡Cuánto hemos echado en falta Cine-Bis! Serendipia adquiere escasas publicaciones periódicas, pues igual de escasas son las que despiertan nuestro interés más allá de ojear y leer algún artículo. Pero eso no nos pasa con Cine-Bis. Lo leemos de cabo a rabo porque todo en él  resulta interesante, está muy bien escrito y aprendemos mucho sobre cine.

Este séptimo número, que sus fieles hemos tenido que esperar durante 14 dolorosos meses, trae en sus páginas artículos tan interesantes (alguno incluso apasionante), que ha conseguido que la espera haya merecido, con creces, la pena. Vean si no:

Carlos Aguilar firma tres de las mejores perlas de este número. Un magnífico Dossier Mabuse que en esta primera entrega analiza las cintas que sobre el personaje dirigió Fritz Lang. Pura historia del cine que se prolongará en una segunda parte con las secuelas y nuevas aventuras del genio del mal que vinieron de la mano de Harald Reinl, Werner Klinger, Paul May, Hugo Fregonese, Jesús Franco o Claude Chabrol. De Aguilar también es la suculenta entrevista a Chelo Alonso, uno de los rostros más bellos (y ya es decir) del cine de género europeo de los sesenta; y el artículo sobre Luigi Bazzoni, un realizador con tan escasa como interesante filmografía.

Fernando Usón Forniés aporta un fascinante recorrido por lo que ha dado de sí, cinematográficamente hablando, el duelo en el O.K. Corral. Nueve títulos que abarcan desde los años treinta con Frontier Marshal (Allan Dawn, 1939) a Wyatt Earp (Lawrence Kasdan, 1994), pasando por grandes clásicos como La pasión de los fuertes (My Darling Clementine, John Ford, 1946) o Duelo de titanes (Gunfight at the O.K. Corral, John Sturges, 1956). De la realidad a la ficción.

David Pizarro contribuye con una muy interesante entrevista con el director Juan Bosch, un realizador todoterreno recordado (y no lo suficiente) por sus inicios en el policíaco con películas como A sangre fría (1959) o Regresa un desconocido (1961), pero que contó con una prolífica carrera durante la cual aportó oficio y dignidad a cuanta producción le pusieron a tiro. Una vida en el cine.

Ángel García Romero nos descubre y analiza en profundidad uno de los títulos más oscuros de William Castle, Shanks (1974), un delirio “pintoresco e inclasificable” tal y como lo define Romero, que resulta ser una, “extraña mezcla de historia de horror y cuento de hadas perverso” con el mimo (horreur!) Marcel Marceau como protagonista.

Se cierra el extenso y correcto dossier en dos partes dedicado a los Marx Brothers y se  incluyen, finalmente, dos completos artículos más, uno dedicado a las Biker Movies realizado por Roberto García-Ochoa Peces,  y otro más que interesante (¿cuantas veces utilizo este adjetivo?) centrado en la histórica publicación francesa especializada en genero fantástico Midi-Minuit Fantastique.

172 Páginas de pura cinefilia magníficiamente ilustradas con imágenes de calidad y a todo color en una publicación, no me cansaré de repetirlo, imprescindible para todos los amantes del cine.

Más información y pedidos a: quatermass@hotmail.com

 

CEREMONIA SANGRIENTA #4 (octubre 2017)

Coincidiendo, como suele ser habitual, con el Festival de Sitges  salió a la venta la cuarta entrega de Ceremonia Sangrienta, un fanzine que va encontrando su lugar en el fandom con una línea clara y un diseño muy característico. Aunque se ocupa del cine fantástico y de terror de todas las épocas, tiene una querencia especial por el de última hornada, lo que le diferencia de los demás fanzines, más centrados en rarezas pretéritas. Se caracteriza por tener una cuidada selección de textos, serios y exhaustivos, además de infinidad de imágenes, reproducidas en blanco y negro.

Con un acabado y una linea muy personal, este último número incluye, además de un extenso repaso sobre lo que dio de sí la edición número 49 del Festival de Sitges, artículos sobre La autopsia de Jane Doe (André Øvredal, 2016), The Love Witch (Anna Biller, 2016), 31 (Rob Zombie, 2016), The Last Shift (Anthony DiBlasi, 2014) y The Void (Jeremy GillespieSteven Kostanski, 2016), que se estrenará en nuestras pantallas como El vacío el día 8 de diciembre, además de artículos sobre Twin Peaks, el denominado New French Extremity, una entrevista con Barbara Crampton y un especial centrado en No profanar el sueño de los muertos (Jorge Grau, 1974) que, además de un artículo sobre el rodaje y su repercusión en la época, incluye una entrevista con José Lifante.

106 páginas de amena lectura que pueden conseguir en tiendas como Freaks o escribiendo directamente a:

info@ceremoniasangrientazine.com

VI Marató de Terror als Cinemes Texas

20 noviembre 2017 Deja un comentario

VI MARATÓ DE TERROR ALS CINEMES TEXAS

C/ BAILÈN, 205- 08037- BARCELONA

Tf . 93 3487748

www.cinemestexas.cat

DISSABTE 25 DE NOVEMBRE 2017

A partir de les 22:00 h. vine a passar por als Cinemes Texas

Preu únic 12 €

La Marató serà presentada pel periodista i escriptor Victor Riverola.

Projectarem quatre pel·lícules de terror:

22:00 h.-El paso del diablo (Dir. Renny Harlin, 2013)

24:00 h.-El infierno verde (Dir. Eli Roth, 2013)

2:00 h.- Animal de Compañia (Dir. Carles Torrens, 2016)

3.30 h.-Pel·lícula sorpresa

Zombie Walk

Abans de començar la Marató, a les 19:00 h. comptarem amb la col·laboració de l´empresa

de maquillatge Cazcarra que maquillarà com a zombies als alumnes

de l´Escola de teatre El Timbal i al públic que hi estigui interessat.

Si vols que et maquillin com a zombie, truca´ns al telèfon 93 3484770

Recorregut de la Zombie Walk:

Bar Restaurant L´Atlàntida (Passeig de Sant Joan, 197)

i Carrer Bailèn fins als Cinemes Texas.

Durant la nit tindrem l´oportunitat de fer sortejos,

de poder sopar a bon preu gràcies a Restaurant l´Atlàntida,

de prendre una cervesa per gentilesa de Moritz

i comptarem amb moltes sorpreses…

Hi col.laboren en la Marató: Empresa de maquillatge Cazcarra,

Cerveses Moritz, Restaurant l´Atlàntida,

Pampling, Escola de Teatre El Timbal, La llibreria de la Imatge

i Negrete Films que ens ha fet el disseny del cartell promocional.

Entrades ja a la venda en la taquilla del cinema

Categorías:Z CAJÓN DESASTRE

Serendipia’s Sitges Film Festival 2017. Palmarés y conclusiones

20 noviembre 2017 Deja un comentario

PALMARÉS SITGES 2017                            

(Fotos: Serendipia)

Sección Oficial Fantàstic Sitges 50
Mejor película: JUPITER’S MOON, de Kornél Mundruczó
Premio especial de Jurado: THELMA, de Joachim Trier
Mejor dirección: Coralie Fargeat, por REVENGE
Mejor interpretación femenina: Marsha Timothy, por MARLINA THE MURDERER IN FOUR ACTS
Mejor interpretación masculina: Rafe Spall, por THE RITUAL
Mejor guion: Joachim Trier y Eskil Vogt, por THELMA
Mejores efecto especiales: Ferenc Deák, por JUPITER’S MOON
Mejor fotografía: Andrew Droz Palermo, por A GHOST STORY
Gran premio del público: MATAR A DIOS, de Albert Pintó & Caye Casas
Mejor cortometraje: R.I.P, de Pintó & Caye
 Focus Àsia
A SPECIAL LADY, de Lee An-kyu
Mención especial: MARLINA THE MURDERER IN FOUR ACTS, de Mouly Surya
 Òrbita
Mejor película: THE BATTLESHIP ISLAND: DIRECTOR’S CUT, de Ryoo Seung-wan
Panorama Fantàstic
Mejor película: CREEP 2, de Patrick Brice
Panorama Documenta
Mejor película documental: 78/52, de Alexandre O. Philippe
 Anima’t 
Mejor película: TEHRAN TABOO, de Ali oozandeh
Mejor cortometraje: HYBRIDS, de Florian Brauch, Matthieu Pujol, Kim Tailhades, Yohan Thireau y Romain Thirion
Noves Visions One
DAVE MADE A MAZE, de Bill Watterson
Mención especial: KUSO, de Steve
Noves Visions Plus
Mejor película: DAWSON CITY: FROZEN TIME, de Bill Morrison
 Noves Visions Petit Format
 Mejor cortometraje: HOISSURU, de Armand Rovira
Premio de la crítica – José Luis Guarner 
Ex aequo
AS BOAS MANEIRAS, de Juliana Rojas y Marco Dutra
THE KILLING OF A SACRED DEER, de Yorgos Lanthimos
Premio Citizen Kane a la mejor dirección novel 
Coralie Fargeat, por REVENGE
Mejor película Discovery
BRIGSBY BEAR, de Dave McCary
Jurado Carnet Jove
Mejor película: A GHOST STORY, de David Lowery
Mejor película Midnight X-Treme: ANNA AND THE APOCALYPSE, de John McPhail
Premio Brigadoon Paul Naschy
CUERNO DE HUESO, de Adrián López
Samsung Sitges Cocoon
Mejor película: KNIVES, de Adam Cosco
Mención especial: RAY, de Rafael Pavón
Premio del público a la mejor película: ALTERATION, de Jérôme Blanquet
Méliès
Meliés de plata a la mejor película: THELMA, de Joachim Trier
Meliés de plata al mejor cortometraje: EXPIRE, de Magalí Magistry
Blood Window
MADRAZA, de Hernan Aguilar
Mención especial a la mejor actriz: Isabél Zuaa, por AS BOAS MANEIRAS
Premis SGAE Nova Autoria
Mejor cortometraje: CELEBRACIÓ, de Pau Cruanyes  y Gerard Vidal
Mejor guion: Anna Agulló, por UNA CAJA CERRADA
Mejor música original: Joan Masats, por SESGO, UNA HISTORIA DE PREJUICIOS Y GOLOSINAS
Mención especial: LA FUGA DE LOS 45, por Cristina Caamaño

CONCLUSIONES A UN MES VISTA

El festival de Sitges ha cumplido su cincuenta aniversario con una edición bastante similar a otras, ya sea en cuanto a invitados como en calidad media de la programación. Es más, Serendipia tiene la sensación de que quizás la selección de este año ha sido algo más floja que la de otros. Eso, naturalmente, no es achacable a la organización, faltaría más, sencillamente que la cosecha quizás no ha sido tan fructífera como aparentaba ser. Esta ha sido nuestra lista de visionados:

INAUGURACIÓN/CLAUSURA

The Shape of Water/The Lodgers

Dos magníficas cintas, en especial la de Guillermo del Toro, una maravilla para los sentidos que quizás dejó el nivel tan alto que para Serendipia todo fue, a partir de ahí, en descenso, especialmente durante el siguiente y tortuoso fin de semana.

OFICIAL COMPETICIÓN

The Battleship Island (Drama carcelario histórico)

Mom & Dad (Comedia fantástica)

Bushwick (Survival apocalíptico)

Thelma (Fantástico)

Sword Master 3D (Wuxia fantástico)

The  Villainess (Thriller)

Brawl in Cell Block 99 (Thriller/Drama carcelario)

El habitante (Terror)

Brimstone (Western con elemento sobrenatural  de fondo)

Salyut-7 (Survival espacial)

Matar a Dios (Comedia fantástica)

Errementari (Fantástico y terror)

Survival Family (Survival apocalíptico amable)

Before We Vanish (Ciencia Ficción)

Jupiter’s Moon (Fantástico)

Caniba (Documental)

Como vemos dentro de la sección oficial de los 16 títulos visionados por Serendipia tan solo la mitad, siendo generosos, puede entrar en la clasificación de género fantástico y de terror. Figurando entre ellos títulos que parecían estar en el lugar incorrecto, como el  francamente flojo El habitante, la única de terror, o Caniba, una propuesta que claramente se había escapado de Noves Visions Plus. Todos títulos en general correctos, con excepción de los dos señalados, e incluso alguno notable (como sería el caso de Thelma), pero ninguno totalmente maestro. Entre las películas de sección oficial que Serendipia tuvo ocasión de ver esta edición no hubo una The Neon Demon, Raw, The Handmaiden, The Invitation, The Witch, It Follows, Maps to the Stars, Babadock, Only Lovers Left Alive, The Congress, Antiviral, Chained, Cosmopolis, Drive, Melancholia, Hara Kiri, Guilty of Romance, Secuestrados, A Serbian Film, por citar solo algunas de las memorables de otros años, o al menos Serendipia no tuvo el placer de encontrárselas.

OTRAS SECCIÓNES

El terror y el fantástico más “tradicional” que pudimos ver en nuestra selección parecía refugiarse, casi de forma caprichosa en algunos casos, en otras secciones como Oficial Fantástic fuera de competición, Muse, Annabelle Creation, La piel fría, What Happened to Monday? (en esta categoría, por cierto, se proyectó Gloves Off , drama pugilístimo sin transfondo fantástico, que no se sabía bien qué hacía en un festival como el de Sitges); Panorama, Replace; Sesión Especial, The Bad Batch, MarrowBone Órbita, Wind River, Le serpent aux mille coupures, Sweet Virginia, (tres magníficos y atmosféricos thrillers). E incluso propuestas demasiado comedidas para la sección Noves Visions  en la que se encontraban enmarcadas, como Purgatoryo, The Book of Birdie, A Gentle Creature y Dave Made a Maze , que en nuestra opinión posiblemente hubieran encajado, sobre todo la última (una de las más remarcables de esta 50 edición), sin ningún problema en la Sección Oficial.

AMBIENTE E INFRAESTRUCTURA

Por cierto… ¿Y las Marías?

El festival de Sitges no ceja en su empeño de lanzar el mensaje de que este festival está organizado para el público. Es cierto que el público es quien levanta (además de la calidad de la programación, claro) los festivales,  pero también les puede llevar a morir de éxito cuando complacer su demanda les suponga desvirtuar el espíritu original del certamen. Y Sitges debería estar especialmente dirigido, por su fidelidad, al público del fantástico, y no tan solo al público en abstracto, al generalista, que señala fechas concretas de Sitges como lo hace con cualquier otra actividad más en su agenda, pendientes sólo de lucirse después en instagram. Los amantes del fantástico son los  que fielmente acuden durante todo el certamen o al menos a la mayor parte posible del mismo (y no sólo los domingos y otras fiestas de guardar). Y lo hacen año tras año, no siguiendo tendencias o modas,  ya solo organizar su cita (sus películas y sus actividades más preciadas) hace que sea este el evento que esperen con más ilusión durante todo el año. Cierto es, además, que gran parte de estos fans del fantástico está compuesto por abonados, industria y prensa de blogs, fanzines y páginas web, que a fin de cuenta son los medios ‘especializados’. Apostar así, en abstracto, por los números es apostar, a la larga, al caballo perdedor. Y eso es algo que deberían saber muy bien los responsables del festival, pues ellos han salido de este caldo de cultivo compuesto por fans y prensa alternativa.

Pasando a las infraestructuras, las salas han cumplido con sus objetivos. Tramuntana se ha consolidado consiguiendo que el espectador pueda jugar con esta sala y l’Auditori para organizarse sus jornadas cinéfagas sin tener que darse largos paseos del pueblo al Melià… y viceversa. También ofrece la oportunidad de ver propuestas pertenecientes a secciones como Noves Visions, que en su mayor parte se acostumbran a ofrecer en el Prado sala que, por cierto, ha hecho una magnífica remodelación con nuevas y confortables butacas pero siempre, tal y como nos puntualizó el dueño, respetando los magníficos frescos y el sabor de sala clásica. Allí comenzó todo y allí también hubo una jornada de homenaje, fechas antes de comenzar el festival, durante la cual se proyectó la primera película que se ofreció en la primera edición del Festival de Sitges, Aelita (Yakov Protazanov, 1924). Ella fue la primera.

Por su parte l’Auditori y por ende el Melià continúa siendo LA sala por autonomasia de la Sección Oficial y el lugar donde se concentra el glamour festivalero a base de cócteles, photocalls y todas esas actividades que este año han sido más numerosas, suponemos que por su cincuentenario. O al menos a Serendipia se lo ha parecido, pues se ha chocado en más ocasiones con eventos de este tipo.

De nuevo se ofrecieron y potenciaron las 3D Experience, propuesta que todavía está en fase de crecimiento pero que, quien sabe si de aquí a pocos años, revolucionará el entretenimiento cinematográfico, sobre todo doméstico. Estamos seguros de que la industria pornográfica ya está poniéndose las pilas… Delante de l’Auditori podían verse y vivirse diversos cortos en este sistema de entre los cuales destacó, por encima de todos, Campfire Creepers: The Skull of Sam (2017), dirigido por Alexandre Aja e interpretado por Robert Englund, una terrorífica experiencia en la cual el espectador era una víctima más.

Cine, mucho cine, pues Serendipia como ya es habitual se concentró en ver muchas películas, pero también hubo lugar para eventos y presentaciones de libros, de entre las cuales brilló la protagonizada por David J. Skal y su Algo en la sangre, la magnífica biografía de Bram Stoker que ha editado EsPop Ediciones y que tenemos en nuestra mesita esperando, ansiosamente, su turno de lectura. Serendipia también pudo hablar brevemente y ofrecer un presente a Guillermo del Toro, uno de sus directores de cabecera, y William Friedkin bromeó con nosotros. También conseguimos algunos bonitos autógrafos y, sobre todo, buenos ratos con amigos. Vivencias  y momentos que se perderán en el tiempo… como lágrimas en la lluvia… pero por lo pronto… ¡Que nos quiten lo bailao!

¡¡Nos vemos en  Sitges 2018 (si nos dejan…)!!

 

Categorías:Sitges Film Festival

La primera edición del festival Isla Calavera otorgó sus premios

19 noviembre 2017 Deja un comentario

El Jurado de la Sección Oficial de Cortometrajes a Competición de la primera edición del Festival de Cine Fantástico de Canarias – Isla Calavera, formado por el profesor de Teoría e historia del Cine de la Universidad de La Laguna Luis Fernando de Iturrate Cárdenes (como presidente), María Calimano (directora de la Filmoteca Canaria), Manuel Díaz Noda (crítico de cine), Manuel García de Mesa (director del Aula de Cine Jurídico del Colegio de Abogados de Santa Cruz de Tenerife) y Jorge Fonte (escritor y ensayista de cine), ha decidido que el Premio Isla Calavera al Mejor Cortometraje es para Hay algo en la oscuridad, del cineasta canario Fran Casanova, “por un cuidado tratamiento del fantástico, en el que juega un papel fundamental la espléndida interpretación de la joven actriz Luna Fulgencio y el buen equilibrio que ofrece en todas las facetas técnicas”.

Asimismo, el Jurado ha considerado conceder en esta edición del Festival dos menciones especiales. Por un lado, El Gigante y la Sirena, del también canario Roberto Chinet, recibe una Mención Especial a la Mejor Partitura Original, del compositor Iván Capillas, “por un trabajo que se acopla perfectamente a la temática del corto, por el valor sugerente de su melodía y por acompañar a la perfección la narrativa”. El cortometraje RIP se alza con una Mención Especial al Mejor Guion, obra de los propios directores de la película Albert Pintó y Caye Casas, “por unos brillantes diálogos y un divertidísimo componente de humor negro”.

El Premio del Público al Mejor Cortometraje, determinado por votación de los asistentes a las sesiones de cortometrajes a concurso, también ha recaído en RIP.

La Sección Oficial de Cortometrajes a concurso estuvo compuesta por un total de 14 producciones seleccionadas entre los 322 trabajos recibidos, procedentes de 32 países. La mayoría de los cortometrajes inscritos correspondieron a producciones realizadas en España, Brasil, México, Argentina, Colombia e Italia.

Los galardones se entregarán en la Gala de Clausura del Festival que tiene lugar este sábado día 18, a partir de las 20:00h, en Multicines Tenerife, y en la que se concederán también los premios honoríficos de esta primera edición al legendario actor Jack Taylor y al maestro de los efectos especiales y de maquillaje Colin Arthur, en reconocimiento a toda una vida dedicada al género fantástico en sus distintas facetas.

Este domingo 19 de noviembre, a las 16:00 horas, Multicines Tenerife acoge una sesión especial en la que se proyectarán los cortometrajes ganadores así como Mr Dentonn, de Iván Villamel, que ostenta el récord del cortometraje de terror más premiado de todos los tiempos, con más de un centenar de galardones internacionales y más de 500 selecciones oficiales.

El Festival de Cine Fantástico de Canarias – Isla Calavera es una iniciativa de la asociación cultural Charlas de Cine, la publicación especializada TumbaAbierta y Multicines Tenerife, con el patrocinio de la Universidad de La Laguna, el Área Tenerife 2030 del Cabildo Insular y la Fundación Cine+cómics. Colaboran: Innova 7, Ksa Mario, el Aula de Cine de la Universidad de La Laguna, la Fundación Diario de Avisos, la Tenerife Film Commission, Grupo Fly Luxury y el canal Dark, el único en España dedicado íntegramente al terror, en calidad de media partner.

PALMARÉS COMPLETO Y ORDEN DE ENTREGA

PREMIO ISLA CALAVERA DE HONOR A COLIN ARTHUR

PREMIO MEJOR CORTOMETRAJE: ‘HAY ALGO EN LA OSCURIDAD’, de Fran Casanova

MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO A LA MEJOR PARTITURA ORIGINAL: ‘EL GIGANTE Y LA SIRENA’, de Roberto Chinet

MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO AL MEJOR GUION: ‘RIP’ de Albert Pintó y Caye Casas

PREMIO ISLA CALAVERA DE HONOR A JACK TAYLOR

PREMIO DEL PÚBLICO AL MEJOR CORTOMETRAJE: ‘RIP’

Categorías:w Otros festivales

Fanta Elx 2017 presenta sus cortometrajes ganadores

19 noviembre 2017 Deja un comentario

El Festival de Cine Fantástico de Elche – FANTA ELX ha hecho entrega de los galardones de su quinta edición en una gala presentada por la alicantina Carmina García en el Centro de Congresos “Ciutat d’Elx” este sábado 18 de noviembre.

El cortometraje RIP, de los directores Albert Pintó y Caye Casas, ha obtenido el premio al mejor cortometraje nacional, dándole acceso directo al Festival de Cortometrajes de Terror y Fantástico 1000 Gritos de Buenos Aires (Argentina). El cortometraje Pépé le Morse, de la directora francesa Lucrèce Andreaede, ha obtenido el premio al mejor cortometraje internacional, accediendo directamente al Festival Internacional de Cine Terror de Valparaíso (Chile). Y por otro lado, el cortometraje Marta, de la directora ilicitana Lucía Forner, ha ganado el premio al mejor cortometraje alicantino, con acceso directo al festival Navidades Sangrientas de Alicante, que se celebrará el sábado 9 de diciembre. Asimismo, también se ha concedido una mención especial al cortometraje Z Fest, del director murciano David Cordero.

El jurado de este año ha sido compuesto por Paco Soto, director y productor de cine; Miguel Herrero Herrero, director del Festival Internacional de Cine de Sax; Mario-Paul Martínez, profesor doctor del grado de Comunicación Audiovisual de la Universidad Miguel Hernández; y Joan Martín Giménez, director de cine e ilustrador (autor del cartel de las dos últimas ediciones del festival).

Con la celebración de Fanta Elx, en cuya presente edición ha homenajeado el cuadragésimo aniversario de la saga Star Wars, la ciudad ha vuelto a convertirse, un año más, en un acogedor punto de encuentro para los amantes de la cultura y del género fantástico

Categorías:w Otros festivales

VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 17 de noviembre de 2017 *

17 noviembre 2017 Deja un comentario

EL AUTOR (Manuel Martín Cuenca, 2017)

España/México. Duración: 112 min. Guion: Manuel Martín Cuenca, Alejandro Hernández (Novela: Javier Cercas) Fotografía: Pau Esteve Productora: Icónica Producciones / Lazona / La Loma Blanca PC. Distribuida por Filmax Género: Comedia dramática.

Reparto: Javier Gutiérrez, María León, Antonio de la Torre, Adriana Paz, Tenoch Huerta, Adelfa Calvo, Rafael Téllez

Sinopsis: Álvaro (Javier Gutiérrez) quiere ser escritor, pero todo lo que escribe es falso, pretencioso, insípido. Trabaja como escribiente en una notaría de Sevilla y su vida es gris, coloreada sólo por sus sueños. Su mujer, Amanda (María León), es todo lo contrario. Siempre ha tenido los pies en la tierra y nunca ha soñado con ser escritora. Sin embargo, es ella la que se pone a escribir y le sale un best-seller. Ironías de la vida.

La separación es inevitable. Y en ese momento, Álvaro decide afrontar su sueño: escribir una gran novela. Pero es incapaz; no tiene talento ni imaginación. Guiado por Juan, su profesor de escritura (Antonio de la Torre), indaga en los fundamentos de la novela, hasta que un día descubre que la ficción se escribe con la realidad. Álvaro comienza a manipular a sus vecinos y amistades para crear una historia, una historia real que supera a la ficción.

El autor es un buen thriller. También es un drama. Pero ante todo es una muy buena comedia negra sobre la obsesión y la imposibilidad de ser lo que no se es. Del talento y de la falta del mismo. Y sobre la inspiración que no llega -ni se la espera-. Javier Gutiérrez ya puede ir haciendo sitio para un merecido Goya, pues borda su ruin personaje, un perdedor que quiere ser un gran escritor, pero que debe conformarse con su papel  de gris oficinista celoso del éxito de su esposa, que a pesar de no tener formación ha escrito un best seller popular que este se permite despreciar. Al no recibir la llamada de las musas decidirá escribir una novela sobre su vecindario contando con sus propios vecinos como protagonistas. Jugará a ser Dios. Pero un Dios vengativo y cruel que primero espiará y grabará sus conversaciones por el ojo del patio y más tarde, sin detenerse ante nada y con la colaboración de la chismosa portera, manipulará a ‘sus personajes’  a su antojo construyendo con ellos su novela. Sin embargo, si no se tiene talento, la ficción puede verse superada por la irónica realidad.

Amarga, con un humor ácido, la película cuenta con un sólido guión (adaptado de “El móvil“, primera novela de Javier Cercas publicada en 1987) que no permite al espectador apartar la vista de una pantalla por la que deambulan personajes muy sólidos y creíbles, magníficamente interpretados, además de por Gutiérrez, por Adelfa Calvo, que interpreta a la portera (carne de Goya también); o un iracundo y cínico Antonio de la Torre como el profesor  de escritura. Ricos personajes todos pero secundarios ante un Javier Gutiérrez que ofrece con esta película una lección de interpretación. Tampoco hay que perder de vista el diseño de producción, de Sonia Nolla, que ha cogido el tono de la cinta deambulando entre el vacío del piso del escritor (en clara referencia a su carencia de ideas) y el horror vacui y barroquismo de la casa de la portera, todo un portento del  spanish kitsch, o del piso del militar.

Ganadora del Premio FIPRESCI de la crítica internacional en el Festival de Cine de Toronto (TIFF) donde El autor se presentó dentro de la sección Special Presentations reservada a los directores más relevantes del cine mundial, la película ha formado parte de la Sección Oficial del Festival de San Sebastián y próximamente llegará al destacado Festival Internacional de Busan (Corea del Sur), considerado puerta para el mercado asiático. Otra magnífica obra del director de La flaqueza del bolchevique (2003) y la tan incomprendida como magistral Caníbal (2013).

 

HACIA LA LUZ (Hikari, Naomi Kawase, 2017)

Japón. Duración: 101 min. Guion: Naomi Kawase Música: Ibrahim Maalouf Fotografía: Arata Dodo Productora: Kumie Género: Drama romántico

Reparto: Masatoshi Nagase, Ayame Misaki, Tatsuya Fuji, Kazuko Shirakawa, Misuzu Kanno,Mantarô Koichi

Sinopsis: Misako es una apasionada guionista de películas para invidentes. En una proyección cinematográfica conoce a Masaya, un fotógrafo mayor que ella que está perdiendo su vista lentamente. Misako pronto descubrirá las fotografías de Masaya, que la transportarán a algunos recuerdos de su pasado. Juntos aprenderán a ver de manera resplandeciente el mundo que antes era invisible a sus ojos.

Misako (Ayame Misaki) quiere transmitir la maravilla del cine incluso a aquellos que no pueden ver, de modo que encuentra su razón de ser en su trabajo como guionista de descripciones de audio en películas para personas ciegas o deficientes visuales. Nakamori (Masatoshi Nagase) comenzó a sufrir una enfermedad ocular degenerativa que puso fin a su brillante carrera como fotógrafo. Misako no acepta la muerte de su padre ni la enfermedad que padece su madre y que le hará olvidarlo todo. Y Nakamori no acepta su progresiva ceguera. El cine y la luz, pues sin luz no hay cine, será el nexo de unión entre ambos seres.

Nadie como Naomi Kawase sabe filmar la naturaleza, es una constante en su obra retratarla de modo que parezcamos sumidos en ella, así de física nos la transmite, pero también sabe reflejar su dimensión espiritual, y de ese modo entramos en comunión panteísta con ella. No podía ser de otra forma en Hacia la luz, pues en esta compleja película el objeto de análisis es la luz como fuente esencial de todo lo que se da en y ante nosotros. De cómo vemos y de qué vemos.

Misako es mirada que captura el mundo, el filme arranca cuando la vemos a ella poner nombre a todo acontecimiento que sorprende a su mirar, ensimismada en la acción que quiere describir a otros. Ella quiere que su mirada esté al “servicio de”, de hecho, que sea la de, esos invidentes que integran el grupo de control de su descripción de audio y, más allá, de todos los que después la disfrutarán en cines. Ser su canal para ver. Pero, como todos los que poseemos el don de la vista, ella no ha reflexionado sobre el hecho de interpretar imágenes ni de cómo proyectamos sobre lo que vemos nuestra manera de hacerlo. En su afán por transcribir, ignora la capacidad de imaginar. Es la imaginación la que representa en la mente las imágenes, tal como su propio nombre indica. Por eso no debe actuar como si fuera un narrador omnisciente, su ojo ha de ser cámara y su descripción ha de dar al espectador la libertad de interpretar por sí mismo. La visión no es sino la suma de mirada e imaginación.

Capturar la luz, aunque sea a través de la palabra, es ver, pero también trascender el momento y rescatarlo del olvido. Tal es el valor de la fotografía, el arte de perpetuar esos instantes que queremos fijar en la memoria, como ese retrato a contraluz que guardaba el padre de Misako en su cartera y que ella atesora junto con el resto de objetos personales que llevaba él el día de su muerte. Y, sin embargo, nada es tan bello como lo que desaparece ante nuestros ojos. Junto a la voluntad de recordar está nuestra capacidad de gozar lo efímero, como lo es una bella escultura cincelada en la arena o la magia de una fotografía de la fugacidad de una puesta de sol. Los mimbres que entretejen la memoria son la suma del preservar y el dejar fluir, aprenderlo nos permitirá zafarnos de la pesadumbre de la melancolía del perder mientras, y a la vez, la ponemos en valor como la herramienta que es para apreciar con júbilo nuestra transitoriedad.

Hacia la luz es también un ejercicio de metacine. Kawase reflexiona sobre el séptimo arte y su capacidad (o no) de conectar entre sí mundos personales (el del autor con los particulares de cada espectador). Se pregunta si los cineastas pueden llamar a la puerta de las emociones de todo público presente (y futuro) para que este proyecte su propio relato en lo narrado y de ello surja un aprendizaje útil para el vivir de cada uno. Kawase, en verdad, se pregunta por su propio cine, por su propia aptitud para transmitir mensaje y comprender al ser comprendida. Interrogantes todos ellos que, más que respuesta, buscan que el espectador los haga suyos y lleve a cabo un ejercicio de análisis crítico sobre su mirar y su ver.

Y como toda historia que se precie, Hacia la luz es, en última instancia, una historia de amor. La que surge entre Misako y Nakamori, el hombre que está perdiendo la luz y la joven que quiere ser sus ojos. Nakamori, fotógrafo profesional, padece el peor de los males para quien su cámara ha sido su corazón, por ello se empeña tercamente en negar lo evidente, sigue aferrándose a la fotografía y rehúsa las ayudas que palíen su nueva situación (ese andar sin el bastón, aunque ello le suponga ver reducida su movilidad). Para amar habrá que soltar lastre. Misako habrá de desprenderse del recuerdo del padre y aceptar la enfermedad de su madre que la hace olvidar todo lo que ha vivido. Nakamori tendrá que adaptarse a su realidad y desprenderse, también, de lo que fue centro de su mundo. Hay que aceptar los propios límites para disfrutar de lo que sí puede ser.

Kawase nos habla, como siempre, sobre qué es la vida qué supone la muerte, en esta fábula que se pregunta a dónde va el sol cuando se pone.

LIGA DE LA JUSTICIA (Justice League, Zack Snyder, 2017)

USA Duración: 121 min. Guion: Chris Terrio, Joss Whedon (Historia: Zack Snyder, Chris Terrio) Música: Danny Elfman Fotografía: Fabian Wagner Productora: DC Comics / DC Entertainment / Dune Entertainment / Lensbern Productions / Warner Bros. Género: Acción

Reparto: Ben Affleck, Gal Gadot, Ezra Miller, Jason Momoa, Ray Fisher, Henry Cavill,Amber Heard, Amy Adams, Jesse Eisenberg, J.K. Simmons, Jeremy Irons,Willem Dafoe, Shalini Peiris, Connie Nielsen, Robin Wright, Diane Lane,Kiersey Clemons, Billy Crudup, Ciarán Hinds, Daniel Stisen, Samantha Jo

Sinopsis: Impulsado por su nueva fe en la humanidad e inspirado por el acto altruista de Superman, Bruce Wayne consigue la ayuda de su nueva aliada, Diana Prince, para enfrentarse a un enemigo aún mayor. Juntos, Batman y Wonder Woman actúan rápidamente para encontrar y reclutar a un equipo de metahumanos con el fin de hacer frente a esta nueva amenaza. Pero, a pesar de la creación de esta liga de héroes sin precedentes (Batman, Wonder Woman, Aquaman, Cyborg y Flash), puede que ya sea tarde para salvar el planeta de una agresión de proporciones catastróficas.

Dirigida por Zack Snyder y protagonizada por Ben Affleck, en el papel de Batman, Gal Gadot, interpretando a Wonder Woman, Henry Cavill, en la piel de Superman, Ezra Miller, como Flash, Jason Momoa, en el papel de Aquaman, y Jay Fisher, interpretando a Cyborg, esta Liga de la Justicia supera en cuanto a falta de interés al primer encuentro entre Batman y Superman. Lo único que anima un tanto el cotarro es el atractivo de Gal Gadot y de Jason Momoa, este como un pendenciero Aquaman. Pero aún así, esta engorrosa trama, demasiado para el simple argumento que nos quiere contar, no logra resultar emocionante. No trata con cariño a los personajes, no despierta el interés del espectador por ellos, lo sirve, además, todo de una forma solemne absolutamente carente de humor, se ha intentado aliviar esa carencia con el personaje de Flash, un adolescente a lo Peter Parker, y ni por esas. DC ha llegado tarde y mal al cine en su afán de alcanzar a Marvel, pero, más allá todavía, ambos universos comienzan  a saturar las pantallas de tal forma que ya no maravillan al espectador. Y , mucho nos tememos, ni siquiera al fan más fiel de los universos superheroícos.  

 

JUPITER’S MOON (Jupiter holdja, Kornél Mundruczó, 2017)

Hungría/Alemania Duración: 123 min. Guion: Kornél Mundruczó, Kata Wéber Música: Jed Kurzel Fotografía: Marcell Rév Productora: KNM / Match Factory Productions / Proton Cinema Género: Fantástico.
Reparto: Zsombor Jéger, Mónika Balsai, Merab Ninidze, György Cserhalmi
Sinopsis: Al intentar cruzar ilegalmente la frontera, el joven emigrante Aryan recibe un disparo, y la herida le otorga el poder de levitar. Con la ayuda del doctor Stern, logra escapar de un campo de refugiados. Fascinado por los superpoderes de Aryan, Stern ve la oportunidad de explotar el milagro. (FILMAFFINITY)
Premios:  
2017: Festival de Cannes: Sección oficial
2017: Festival de Sitges: Mejor película, Mejores efectos especiales

Jupiter’s Moon del húngaro Kornél Mundruczó se inicia situando al espectador como protagonista de un momento tan fundamental como incómodo. En este caso, seremos uno más de los aterrorizados refugiados sirios que intentan cruzar la frontera húngara hacia una Europa que, lejos de lo soñado, es hostil, todo en imposible plano secuencia con el que trasmitir la tensión del momento, su enorme confusión y zozobra (literalmente esto último, los botes que les transportan se hunden y, en un alarde de cámara, nosotros los acompañamos bajo el agua). La cámara corta el plano cuando la policía  abate a tiros al protagonista. Somos testigos de la muerte injusta de un inocente. O al menos eso creemos, pues ha recibido tres disparos mortales de necesidad. Un médico corrupto será el responsable de revisar el caso y testigo de un hecho excepcional: el individuo además de sobrevivir a los impactos, levita. Así que el médico descubrirá dos cosas: que los milagros existen y que pueden dar mucho dinero. Al tiempo que se pregunta si realmente existen los ángeles.

Como vemos la irrupción del fantástico tiene lugar en medio de un tema candente, al igual que ya hiciera el director con aquella revolución de los (perros) descastados en White Dog (2014). Pero en Jupiter’s Moon añade, además, referencias inequívocamente religiosas a la historia, dejando abierta la puerta a la esperanza con la redención del desencantado médico y del incansable policía.

 

 

Categorías:VAMOS DE ESTRENO

‘CutreCon, el Festival Internacional de Cine Cutre de Madrid’, regresa con el peor “cine espacial”.

16 noviembre 2017 Deja un comentario
CutreCon, el Festival Internacional de Cine Cutre de Madrid, regresa del 24 al 28 de enero de 2018 con la que será su séptima edición, dedicada a las peores películas del espacio y a seres extraterrestres de pacotilla. Para la ocasión, dos son las nuevas sedes que se incorporan a los ya tradicionales Palacio de la Prensa y Casa del Reloj de Matadero Madrid: el emblemático Cine Doré – Filmoteca Española (Calle de Santa Isabel, 3) y los Cines Conde Duque Verdi Alberto Aguilera (C/Alberto Aguilera, 4).
A lo largo de las cinco jornadas con las que contará el festival se proyectarán más de 20 filmes —aún por confirmar— en sesiones tanto gratuitas como de pago, todas con el sello CutreCon: interacción con el público, comentarios jocosos durante la proyección, sorpresas y, como siempre, muchas carcajadas.
El festival, como ya viene siendo habitual, contará con invitados internacionales relacionados con el “cine cutre” que serán desvelados a lo largo de las próximas semanas, así como con actividades paralelas y exposiciones que completan la experiencia de los espectadores en CutreCon.

LA CUTRECON SE VA AL ESPACIO

Si hay un género en el que proliferan como setas las películas cutres, ese es sin duda el de la ciencia-ficción y, más concretamente, el que transcurre en el espacio exterior: naves intergalácticas, seres de otros mundos, elaborados efectos especiales y puro entretenimiento. Precisamente, lo peor de este género será la temática de la CutreCon en 2018, en concreto, las películas ambientadas en el espacio.
Es curioso ver cómo algunas de las peores cintas de la historia del cine son de ciencia-ficción y, en  particular, aquellas cuyo escenario es el espacio profundo dice Carlos Palencia, director de CutreCon. Y es que este tipo de películas requieren una puesta en escena muchísimo más elaborada para que funcionen en una pantalla. Sin embargo, nos complace ver cómo multutud de cineastas a lo largo de la historia han intentado rodar sus propias versiones de ‘Star Wars’ o ‘Alien’ sin apenas medios, consiguiendo exactamente lo contrario de lo que se proponían y brindándonos algunas de las mayores joyas del cine cutre”.
Se da la circunstancia de que esta CutreCon VII: From Outer Space, como la han bautizado sus responsables, llegará apenas un mes después del estreno de ‘Star Wars: Los últimos jedis’, una feliz coincidencia que, según Palencia, siempre viene bien para hacer comparaciones: “la saga de ‘La guerra de las galaxias’ es quizá la más vilmente copiada, imitada y homenajeada de la historia del cine. Hay una cantidad ingente de películas malas que se dedican a aprovechar el filón de estos filmes, y los espectadores de CutreCon van a poder descubrir las más increíbles versiones que sus ojos hayan visto”.
También habrá una buena ración de extraterrestres desfilando por las pantallas de CutreCon: criaturas que en algunos casos fueron diseñadas con el propósito de aterrar a los espectadores y acabaron produciendo ataques de risa, y seres concebidos para ocupar las estanterías de millones de niños que bien podrían estar en el museo de los horrores. Tampoco faltarán las cartulinas con estrellas dibujadas simulando el espacio, las naves de cartón-piedra e incluso, bolas de árbol de navidad que pretenden pasar por inmensos planetas.

NUEVAS SEDES

La organización se complace en anunciar dos nuevas sedes, que se suman al Palacio de la Prensa (Plaza del Callao, 4) y a la Casa del Reloj de Matadero Madrid (Paseo de la Chopera, 10): el emblemático Cine Doré – Filmoteca Española (C/ Santa Isabel, 3), que acogerá la maratón gratuita del viernes 26 de enero; y los Cines Conde Duque Verdi Alberto Aguilera (C/ Alberto Aguilera, 4).

El Cine Doré – Filmoteca Española, que acogerá la maratón gratuita del viernes 26 de enero, es el epicentro de la cinefilia española: por allí pueden verse clásicos
atemporales del cine, películas inaccesibles en salas comerciales, cine de autor de todos los rincones del mundo y ciclos dedicados a reconocidos cineastas (por allí han pasado Pedro Almodóvar, Abel Ferrera o David Lynch entre otros).

“Cuando pensamos en la Filmoteca Española, inevitablemente la asociamos a cine de calidad afirma el director de CutreCon, Carlos Palencia. Va a ser toda una experiencia ver en la pantalla del Cine Doré algunas de las peores películas de la historia. No podríamos contar con mejor escenario para nuestro festival, es todo un honor, y desde aquí quiero darles las gracias a los responsables de la Filmoteca Española por cedernos sus instalaciones”.

Por su parte, los Cines Conde Duque Verdi Alberto Aguilera, una de las salas con más solera y tradición de la capital, serán el nuevo hogar de la maratón de la última jornada de CutreCon VII, que este año estará dedicada a las peores versiones filmadas de ‘E.T. El extraterrestre’, y que consecuentemente ha sido bautizada con el nombre de Etetón.

“Necesitábamos una sala más grande ante la creciente expectación que genera la maratón de la última jornada” explica Palencia. “Los Cines Conde Duque Verdi Alberto Aguilera son perfectos por su aforo, su situación y la comodidad de sus salas”.

TEASER PÓSTER

El póster es obra del artista gráfico Carlos Casas Carpintero, quien ha homenajeado los carteles de los filmes de extraterrestres de serie B de los años 70 que podían verse en los videoclubes de aquella época, y a la vez nos muestra la comicidad de los escasos recursos y efectos especiales con los que cuentan las películas que se podrán ver en CutreCon VII.

ENTRADAS YA A LA VENTA

Por primera vez en sus ya siete entregas, la organización del festival ha decidido poner a la venta un número muy reducido de abonos VIP que incluyen todas las sesiones de CutreCon (con asientos preferentes en las sesiones gratuitas), merchandising oficial del festival, cena con los invitados y la concesión de estatus de mecenas de CutreCon por 50 euros, que ya están disponibles a través de Entradium. Asimismo, las entradas para la maratón de la última jornada, la Etetón, que incluye cuatro películas aún por confirmar, están a la venta por 14 euros también a través de Entradium.

Todas la información y novedades del festival entará detallada y actualizada en la web oficial de CutreCon.
La CutreCon está organizada por los responsables de la web de cine y humor Cinecutre.com con el patrocinio de WTF?! Smart Sticker, la editorial Applehead Team,
junto con el apoyo del Distrito de Arganzuela de Madrid, así como con la colaboración de Filmoteca Española, el cine Palacio de la Prensa, Cines Verdi, la asociación Pop Culture España, la distribuidora Trash-O-Rama, la productora de comedia Conejornio Producciones, las tiendas Freakland y Trampantojo, la red Cortoespaña y la web Nanarland.com

 

Categorías:w Otros festivales

Estas Navidades Gizmo quiere volver a verte… ‘Gremlins’ retorna a los cines

16 noviembre 2017 Deja un comentario

39 Escalones se ha propuesto que la magia retorne a los cines. Si ayer mismo anunciábamos el retorno a los cines de Terminator 2, ahora comunica que el próximo 29 de diciembre le llegará el turno a la obra maestra de Joe Dante. Sin lugar a dudas una oportunidad única de ver estas películas en todo su explendor y en el medio para el cual fueron creadas.

STEVEN SPIELBERG PRESENTA

GREMLINS

REESTRENO EN CINES de ESPAÑA  –  A PARTIR DEL 29 de DICIEMBRE

Dirigida por JOE DANTE

Guion de CHRIS COLUMBUS

ESTADOS UNIDOS. 1984. 106 min.

NO RECOMENDADA MENORES DE 12 AÑOS

A partir del 29 de diciembre de 2017,  y durante tiempo limitado, vuelve a la gran pantalla una de las películas más icónicas de los años 80: GREMLINS. Con Steven Spielberg en la producción ejecutiva, la dirección de Joe Dante y el guion de Chris Columbus la película se convirtió en uno de los grande éxitos de taquilla de la década.

Estrenada en el verano de 1984 este año, por fin, se podrá ver en pantallas de cine en la época en la que transcurre la historia: Navidad. Una fecha perfecta para volver a vivir, o descubrir, uno de los grandes éxitos de los 80 en pantalla grande.

Sinopsis: Es navidad y Billy recibe un regalo de su padre: una simpática y extraña criatura, un mogwai. Para que todo marche bien solo tendrá que cumplir tres reglas muy sencillas: no darle de comer pasada la medianoche, evitar que tenga contacto con el agua y no exponerlo a la luz del sol.

Todo transcurre plácidamente hasta que las reglas se rompen… 

Categorías:TRAILERS RECOMENDADOS

THE SCREEN: una iniciativa para impulsar la producción audiovisual y el talento emergente español

16 noviembre 2017 Deja un comentario

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Nace THE SCREEN: una iniciativa para impulsar la producción audiovisual y el talento emergente español

En el marco de THE SCREEN, se presenta LA INCUBADORA que abre la convocatoria para el desarrollo de proyectos de largometraje

LA INCUBADORA seleccionará cinco proyectos de largometraje que recibirán 10.000 euros en concepto de ayuda al desarrollo

También se presentan los programas OpenECAM, un nuevo espacio de COWORKING y una BOLSA DE EMPLEO

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Gemma Vidal (program manager de LA INCUBADORA y Gonzalo Salazar-Simpson (director de la ECAM) Fotos: Rigel Pomares

ECAM, Escuela de  Cinematografía y del Audiovisual de la Comunidad de Madrid, ha presentado su nuevo proyecto, THE SCREEN, destinado al impulso de la producción de largometrajes, al apoyo del talento emergente y a dinamizar el tejido audiovisual.

Gonzalo Salazar – Simpson, director de la ECAM y Gemma Vidal, program manager de La Incubadora han dado a conocer los detalles del nuevo sello de la escuela. THE SCREEN nace para impulsar la creación de nuevos proyectos de largometraje y con la intención de ser un puente entre la ECAM y la industria audiovisual europea. A través del programa La Incubadora abre una convocatoria a la participación de proyectos de largometraje para toda España.

“Como fundación sin ánimo de lucro, la ECAM tiene en sus principios fundacionales el deber y la voluntad de impulsar la industria audiovisual española. Con ese objetivo hemos creado THE SCREEN, el nexo de la ECAM con el sector audiovisual europeo. Para nosotros es fundamental establecer alianzas entre instituciones, empresas, organismos internacionales y los profesionales del sector. THE SCREEN da respuesta a dos objetivos fundamentales que nos planteamos hace años: acelerar la producción de largometrajes españoles y acortar la inserción laboral de los profesionales audiovisuales desde la finalización de sus estudios hasta convertirse en jefa/e de equipo” explica Gonzalo Salazar-Simpson, director de la ECAM. 

THE SCREEN acogerá un conjunto de proyectos pioneros en España, algunos dirigidos a la Comunidad ECAM (alumnado, Alumni y profesores) y otros abiertos a profesionales de todo el sector, como es el caso de LA INCUBADORAun programa de desarrollo de proyectos cinematográficos dirigido a productores, directores y guionistas emergentes residentes en España a través de mentorías, asesoramiento grupal e individual, workshops y financiación de cinco proyectos seleccionados por su calidad y potencial internacional. Cada uno de los proyectos seleccionados recibirá 10.000 € en concepto de ayuda al desarrollo.

“El objetivo de La Incubadora es generar un espacio de trabajo para cinco equipos de productores, guionistas y directores emergentes donde desarrollar sus proyectos de largometraje de la mano de expertos y asesores a la vez que reciben una ayuda económica para que se concentren en los proyectos. A mí en particular me interesa que esos cinco proyectos tengan perfiles distintos, que la directora que va a hacer su segunda película se encuentre con un director novel, que los proyectos respondan a géneros diversos… creo que en la mesa de trabajo va a ser fructífero e interesante buscar perfiles que puedan complementarse de algún modo, tanto en los proyectos como a nivel humano” destaca Gemma Vidal, program manager de La Incubadora.

La convocatoria de La Incubadora está abierta a largometrajes de cualquier procedencia y género y contará con la participación como asesores de profesionales de la industria audiovisual como: 

MARISA FERNÁNDEZ ARMENTEROS, productora asociada en la división de cine de Mediapro 

KOLDO ZUAZUA, productor en Kowalski Films.  

VALENTINA VISO, guionista de María (y los demás). 

ALBERTO RODRÍGUEZ, director de La Peste, La Isla Mínima. 

MAR COLL, directora Tres días con la familiaTodos queremos lo mejor para ella), 

SUSANA HERRERAS, responsable de desarrollo de series de Movistar+. 

DIEGO SAN JOSÉ, guionista de Fe de Etarras, Ocho Apellidos Vascos 

ENRIQUE URBIZU, director de No habrá paz para los malvados, Gigantes 

Además contará con la participación de representantes de fondos y programas internacionales como MEDIAEURIMAGESIBERMEDIA; festivales como el International Documentary Film Festival Amsterdam (IDFA) y compañías de ventas internacionales como Visit Films Rise and Shine World Sales. 

Próximamente están previstas nuevas incorporaciones de profesionales, festivales, foros y los principales operadores de contenido de pago, entre otros. 

Además, THE SCREEN continúa con la línea que ha mantenido la escuela en la colaboración con más de 200 proyectos audiovisuales en los que participan Alumni a través del programaOpenECAM. 

Otra novedad que acoge THE SCREEN, es la creación de un espacio de coworking de 300 m² con capacidad para 90 personas y dos salas de reuniones para el libre uso por parte del alumnado, Alumni e incubados.  

Por último, con el objetivo de facilitar la inserción laboral de los graduados de las distintas titulaciones de la ECAM, tanto en Diplomaturas como Postgrado, se pone a disposición de empresas y Alumni una Bolsa de Empleo que permita conectar a los profesionales cualificados con las empresas del sector. 

ECAM anunciará, a partir de 2018, nuevas iniciativas  destinadas a la internacionalización del sector.

Más información y materiales de prensa en www.thescreen.es 

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Categorías:Z CAJÓN DESASTRE

Serendipia’s Sitges Film Festival 2017. Décima cápsula

16 noviembre 2017 Deja un comentario

SÁBADO 14 DE OCTUBRE                                                                       Fotos: Serendipia

Y Serendipia arriba a su última jornada del festival con acusado cansancio y cuatro títulos con los que cerrar esta edición número 50. Vamos a ello:

Tras su debut en la dirección hace tres años con Let Us Pray, el irlandés Brian O’Malley fue el encargado de clausurar la 50ª edición del Festival de Sitges con The Lodgersun cuento de horror gótico situado en la Irlanda rural de principios del siglo XX que narra la historia de los gemelos Rachel y Edward. Ambos huérfanos viven solos  en la decrépita casa familiar la cual arrastra una maldición que se remonta a sus ancestros y que se cumplirá cuando ellos alcancen su mayoría de edad. Linajes malditos, perpetuados por la sangre y el incesto, condenados a desaparecer protagonizan esta cinta ambientada en una sociedad, la victoriana, también en proceso de desaparición (con ese punto final que marcó el estallido de la Gran Guerra, puerta de entrada hacia el siglo XX). Un relato con trasfondo lovecraftiano, en el cual entidades ocultas en lo profundo devorarán a esa estirpe decadente. Destaca su estética delicuescente, con su frío cromatismo, perfectamente acorde con lo que su director quiere transmitir. Si bien no es rabiosamente original, sí que resulta una producción correcta y convincente. El festival contó con la presencia de, además de parte de los productores, el director y su protagonista, la madrileña Charlotte Vega, actriz afincada en Sitges.

Tras una pieza de misterio de época, nuestro siguiente puerto nos hacía desembarcar de nuevo en nuestro siglo y a uno de sus problemas de más rabiosa y lamentable actualidad: el acoso y abuso escolar. Viajamos de lo imaginario a lo asfixiantemente real con el anime A Silent Voice (Naoko Yamada), adaptación del manga de Yoshitoki Oima. Usa un dibujo bastante estándar de los anime para chicas (shôjo) cuya dulzura contrasta con la dureza de su temática. La historia nos muestra los dos lados del acoso, el punto de vista del maltratador y el de quien sufre las vejaciones. Por ambos estadios transita su protagonista,  Ishida, quien aprende una valiosa lección que le llevará a buscar a Nishimiya (la niña sorda a la que él acosó) después de unos años, para intentar redimir su pasado. Un relato de madurez que nos acerca a una cultura la japonesa que tiene su particular forma de vivir el bullyng (en japonés ijime) por el arraigo del sentimiento de culpabilidad y por su poca facilidad para expresar sus emociones. No es en absoluto un filme pesimista, antes al contrario, además de mostrar los traumas que provoca este tipo de comportamientos, también se podrán ver otros elementos como la superación, la amistad y algún que otro atisbo de romanticismo. Como nota curiosa, la películase inicia con My Generation, himno generacional de The Who , cosa que promete toda una garantía de calidad y buen gusto.

Nuestra sesión de tarde fue un curioso programa doble compuesto por dos películas  en las antípodas la una de la otra. Si despegábamos con una de las pocas piezas de género puro que consumió Serendipia en esta edición, What Happened to Monday, la tarde noche se cerraba (y se clausuraba nuestro personal Sitges 2017) recalando en el surrealista imaginario de Raoul Ruiz con La telenovela Errante, cinta que fascinó a la mitad de Serendipia (a la otra psé) tanto que ni siquiera se enteró de la nutrida deserción del público del Prado.

What Happened to Monday es una distopía futurista que pone su foco sobre la superpoblación y el consecuente colapso de la sostenibilidad que conlleva. El punto distópico lo introduce la solución de proclamar la política del hijo único (no tan lejano de lo que ocurre en países que padecen el problema como es el caso del gigante chino). Y por único se entiende que sólo se podrá tener una criatura y una sola vez por familia. El principal problema serán los gemelos, muy abundantes en esa sociedad futura por los mismos desarrollos genéticos con los que se ha buscado generar alimentos, sólo podrá vivir uno,  los hermanos del primogénito serán cryonizados (en teoría) a la espera de una mejor solución. Si una pareja de gemelos es problemática que no ocurrirá con siete, esta es la premisa de la que parte Tommy Wirkola en su segunda película americana. Un director ya conocido en Sitges desde que en 2009 aterrizara con sus nazis zombies y que entra con esta pieza en un cine más serio, pero sin perder su lado de desenfreno y comicidad.  Nos trae, pues, la historia de siete chicas idénticassalvadas por su abuelo de ser procesadas y llevadas a congelar. Él, interpretado por un excelente Willem Dafoe, llama a las siete niñas como los días de la semana y les enseña a salir solo el día que corresponda con su nombre. Todas ellas deberán vivir la vida de Karen Settman y  no podrán vivir una vida fuera de la ya establecida por su abuelo, todo ello para lograr sobrevivir. Evidentemente, la estratagema falla el día que una de ellas no regresa, a partir de aquí el componente distópico se relaja y entramos en un entretenido relato de acción. Lo que más resalta en esta producción de Netflix es su prodigio técnico para mostrar a los siete personajes interactuando juntos. Y tan importante como los aspectos técnicos resulta ser el trabajo de su(s) protagonista(s), Noomi Rapace. La actriz supera con nota la dificultad de interpretar a siete personajes a la vez idénticos y muy diferentes entre sí, todo un juego de matices, y a la vez se confirma como la heroína de acción que demostró ser en Prometheus (2012, Ridley Scott). Un último apunte sobre esta cinta es señalar la grandiosa villana que es siempre, más allá de la calidad de los guiones,  Glenn Close.

Y esto se acaba, señores. Y lo hace con esa cinta perteneciente a la sección Seven Chances que es, La telenovela errante (2017) la primera película del chileno Raoul Rúiz tras su exilio que se rodó durante seis días de noviembre de 1990 permaneciendo inédita hasta  hoy. Un trabajo visionario para el momento que se vivía en Chile, de cuya sociedad explora su superficie, aparentemente banal, utilizando para ello el lenguaje de la telenovela,  muy representativa para su director para el que, “La realidad chilena no existe, más bien es un conjunto de teleseries. (…) Los problemas políticos y económicos están disueltos en una jalea ficcional dividida en capítulos vespertinos“. Película que estaba desaparecida y que, en “un acto de amor de ultratumba” su viuda, Valeria Sarmiento, logró recomponer dejando sus cinco horas de material en poco más de setenta escasos minutos de duración repletos de humor y un sentido del absurdo realmente adelantado en el tiempo. La telenovela errante se estrenó el pasado agosto en el Festival de Locarno.

Han sido 42 películas en 10 días. 42 Historias bien diferentes en un tour de force cinéfago del que, en nuestra última píldora, extraeremos todas las conclusiones.

 

 

Categorías:Sitges Film Festival
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