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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 24 de febrero de 2017 *

ES POR TU BIEN (Carlos Therón, 2016)

España. Duración: 99 min. Guion: Manuel Burque, Josep Gatell Productora: Telecinco Cinema / Quexito Films Género: Comedia

Reparto: José Coronado, Javier Cámara, Roberto Álamo, Pilar Castro, Carmen Ruiz, Silvia Alonso, Georgina Amorós, Andrea Ros, Miki Esparbé, María Pujalte

es_por_tu_bien-373033275-largeSinopsis: La peor pesadilla que un padre puede tener con una hija es que ésta crezca y llegue el día en que le presente a su novio, y que éste sea un tipo despreciable que busca una sola cosa de su preciada y amada niñita. Y ese día es precisamente el que les llega a tres padres, a Arturo, Poli y Chus: sus dulces hijas han decidido tirar su futuro a la basura echándose tres novios abominables. Así que la única solución es aunar fuerzas para librarse de ellos como sea. ¡Es la guerra!

El viejo tema de la reacción del padre ante la mayoría de edad de su niña y la llegada de ese yerno que nunca es lo suficientemente bueno para ella, situación tan bien retratadal por Vincente Minelli en el clásico El padre de la novia (Father of the Bride, 1950), vuelve a ser revisada en esta comedia española con el añadido del cuñadismo, tan en boga en la actualidad, como mal entendido. Para ello se ha recurrido a un equipo irresistible como es el formado por José Coronado, Javier Cámara y Roberto Álamo, que prácticamente realiza una parodia del papel  que le ha supuesto el Goya en Que Dios nos perdone (Rodrigo Sorogoyen, 2016). Un trío de protagonistas que interpretan tres tipologias totalmente diferentes de padre, todos cuñados entre sí, que tendrán en común un odio profundo hacia el chico que sus hijas han escogido para casarse. Bien respaldados por actores y actrices eficaces como Miki Esparbé, Luis Callejo, María Pujalte o Carmen Ruíz, esta película ofrece al espectador el resultado que cabe predecir: resulta un producto digno, entretenido y con algún buen gag. Coronado está bastante bien y Cámara hace de Javier Cámara en posición on cómico. Así que, en nuestra opinión, quien acuda al cine a ver Es por tu bien con la intención de pasar un buen rato, puede darse por satisfecho con lo que ofrece este guión de Josep Gatell (guionista de José Mota y Andreu Buenafuente, entre otros) y  del cómico Javier Burque (que también realiza un pequeño papel).

Buena factura y algún gag bien traído, nos ponen ante una cinta para todos los públicos. Entretenida sin ser memorable.

 

LA VIDA DE CALABACÍN (Ma Vie De Courgetteaka, Claude Barras, 2016)

Suiza / Francia Duración: 66 min. Guion: Morgan Navarro, Céline Sciamma, Germano Zullo (Novela: Gilles Paris) Música: Sophie Hunger Productora: Rita Productions / Blue Spirit Animation / Gébéka Films Género: Drama de animación Stop Motion

346364-jpg-r_1280_720-f_jpg-q_x-xxyxxSinopsis: Calabacín es un niño valiente que después de perder a su madre tiene que ingresar en un hogar de acogida, con otros niños huérfanos de su edad. En un primer momento se esfuerza por encontrar su lugar en este nuevo medio hostil. Sin embargo, con la ayuda de sus nuevos amigos, Calabacín aprende a confiar, encuentra el verdadero amor y una nueva familia.

Sabida es la importancia de la primera frase en una novela o un relato, menos atención ha merecido la decisiva función de la primera secuencia en un filme, y, sin embargo, ha de ser cuidada con el mismo esmero que los encabezamientos literarios. La primera secuencia debe dar la mayor información posible sobre lo que vamos a ver pero sutilmente, de un modo que sólo descubrimos cuando la revisamos una vez vista. Se me ocurre como ejemplo esa almohada marrón hollada que encabeza Mulholland Drive y que a su término reconocemos como pista de que lo que vamos a ver después es en verdad un sueño. La vida de calabacín se inicia con un plano de un cielo levemente nuboso, poco más de una hora sabremos que ese es el espacio en el que vuelan las cometas. Y que las cometas elevan con ellas los momentos de felicidad soñados que queremos alcanzar y retener.

La vida de Calabacín no es, ni mucho menos un producto alegre, amable y repleto de canciones a pesar de tratarse de una cinta de animación. La historia del niño Ícaro (que prefiere que le llamen Calabacín) y sus compañeros en el hospicio no es paradisíaca. Padres alcohólicos, drogadictos, abusadores… hacen que la infancia  de estos niños quede hibernada. Congelada. Demostrando que, desde luego, la idealizada niñez no es ni mucho menos esa época tan idílica de lo que la memoria selectiva de los adultos se esfuerza en volver, una y otra vez, a compartir. Sin caer en dramas tan profundos como los de los protagonistas, todos, junto a maravillosos descubrimientos positivos, también nos enfrentamos a cambios, muerte, complejos, violencia y, sobre todo, a los otros, que no siempre figuras bondadosas, para encontrar nuestro lugar. Algunas cosas son demasiado duras para expresarlas con actores reales y se hace necesario recurrir a otros medios. Y esto es lo que nos ofrecen estos personajes de grandes y tristes ojos, con los que expresan mucho más de lo que es posible decir con palabras. Y todo ello con muy pocas lágrimas. Las justas. Tras seis cortos de animación más, Claude Barras realiza su primer largometraje, que con su poca duración (66 minutos) consigue hacerse corto, algo atípico en estos tiempos de desmedida en la duración de los largometrajes. La vida de Calabacín vuela alto, tanto como la cometa que representa la esperanza de esos niños a los que nadie quiere, tanto como la belleza de esa paciente animación. Y llega directa al corazón.

2016: Premios Oscar: Nominada a Mejor película de animación
2016: Globos de Oro: Nominada a Mejor película de animación
2016: Premios César: 3 nominaciones, incluyendo Mejor film de animación
2016: Premios Annie: Nominada a mejor director, film independiente y guión
2016: Festival de Annecy: Mejor película y Premio del público
2016: Festival de San Sebastián: Premio del público – mejor film europeo
2016: Premios del Cine Europeo: Mejor film de animación europeo
2016: Satellite Awards: Mejor largometraje de animación

 

 FENCES (Densel Washington, 2016)

USA Duración: 139 min. Guion: August Wilson (Obra: August Wilson) Música: Marcelo Zarvos Fotografía: Charlotte Bruus Christensen Productora: Paramount Pictures / Scott Rudin Productions Género: Drama

Reparto: Denzel Washington, Viola Davis, Mykelti Williamson, Russell Hornsby, Saniyya Sidney, Stephen Henderson, Jovan Adepo, Toussaint Raphael Abessolo, Mark Falvo, Christopher Mele, Phil Nardozzi, Dontez James, Terri Middleton, Malik Abdul Khaaliq, Chris McCail
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Sinopsis: La historia de Fences tiene lugar en la década de 1950 y gira en torno a una antigua estrella del béisbol americano que por circunstancias  se ve obligado a trabajar recogiendo basura.
Fences, tercer largometraje dirigido por Denzel Washington, que también lo protagoniza,  es la adaptación cinematográfica de la obra de teatro escrita por August Wilson en 1983, ganadora del Premio Tony a la Mejor Obra de Teatro y galardonada también con el Premio Pulitzer al Mejor Drama. Denzel Washington y Viola Davis vuelven a retomar los papeles que ya interpretaron en 2010 cuando llevaron la obra, una vez más, a Broadway, y por la que recibieron ambos el Premio Tony. Si bien el reto actoral se cumple a la perfección en su versión cinematográfica, con largos monólogos (algunos cargantes) a cargo de Denzel Washington, no se cumple la premisa de convertir esta obra teatral en cine. Fences no puede ocultar su origen teatral por culpa de una puesta en escena y una dirección que mantienen el lenguaje teatral, escapando de su único escenario en contadas ocasiones y contando las acciones sin mostrarlas, aferrándose a las limitaciones del teatro por lo que, más que convertir la acción en cinematográfica, lo que hace es transformar esta obra de teatro en un híbrido que no termina de funcionar. Quizás si se hubiera limitado a ofrecernos, sin complejos, teatro filmado, la química hubiera funcionado mejor, pero Fences queda en tierra de nadie. Carece de momentos cinematográficos pero en ella abunda el lucimiento de sus estrellas, en especial de su director y protagonista, cuyo Troy Maxson, lejos de despertar simpatía resulta ser, además, un perfecto cretino.
2016: Premios Oscar: 4 nominaciones incluyendo mejor película y actor (Washington)
2016: Globos de Oro: Mejor actriz de reparto (Viola Davis)
2016: Premios BAFTA: Nominada a mejor actriz secundaria (Viola Davis)
2016: American Film Institute (AFI): Top 10 – Mejores películas del año
2016: Critics Choice Awards: Mejor actriz secundaria (Viola Davis). 6 nominaciones
2016: Satellite Awards: 4 nominaciones incluyendo mejor película y director
2016: Sindicato de Productores (PGA): Nominada a Mejor película
2016: Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a Mejor guión adaptado
2016: Sindicato de Actores (SAG): Mejor actor (Washington) y actriz sec. (Davis)
PSICONAUTAS, LOS NIÑOS OLVIDADOS (Pedro Rivero y Alberto Vázquez, 2015)
España Duración: 76 min. Guion: Alberto Vázquez, Pedro Rivero (Cómic: Alberto Vázquez) Productora: Zircozine / Basque Films / Abrakam Estudio / La Competencia Género: Drama postapocalíptico de animación
Sinopsis: Tras una terrible catástrofe ecológica en la isla en que habitan, Birdboy y Dinki perdieron a sus padres. Hubo un tiempo en que afrontaron juntos su dolor, pero Birdboy vive ahora aislado en el bosque, consumiéndose, y ajeno a que Dinki ha decidido emprender un arriesgado viaje en busca de un lugar mejor. Birdboy tendrá que luchar contra sus demonios interiores si quiere unirse a Dinki a tiempo de ayudarla en su aventura y salvarse a sí mismo.

cache_59431789Psiconautas, los niños olvidados es una parábola postapocalíptica de animación para adultos. Tiene momentos de comedia pero, sobre todo, los tiene de terror y desolación ante una hecatombe medioambiental. Catástrofe que convertirá esa isla, en la que habitan todos sus personajes, en un lugar irrespirable e inhabitable invadido por la basura. Poblada por un completo catálogo de personajes atractivos que conformarán un universo particular en el que tendrán cabida las drogas (legales e ilegales), la violencia institucional y la persecución del diferente, todo ello con grandes dosis de crítica social perfectamente combinadas con otras tantas de delicadeza y ternura. Sin embargo, peca de ofrecer un resultado muy denso, y ello a pesar de su ajustada duración (o quizás precisamente por ello). Tanto que cuesta asimilarla en conjunto, siendo necesario un segundo visionado para poder apreciarla en todos sus detalles. Y eso no es del todo positivo, porque a veces menos es más. 

Y no es que resulte ininteligible, pues una vez se desbroza de sus múltiples ramificaciones, su trama es bien sencilla, positiva y clara, pero la acumulación de subtramas paralelas, como las protagonizadas por el despertador, el cerdo pescador y su madre drogadicta, abre la posibilidad de que el espectador se pierda en algún vericueto. Juzgándola tras un único visionado, nos hace plantearnos si no es posible que en su formato original, como cómic, funcionara mejor. La lectura ofrece más tiempo para asimilar lo leído y observado, incluso tenemos la oportunidad de volver atrás y repasar, algo que el cine, un arte mucho más instantáneo y fugaz, no lo permite en la misma medida. Con todo, Psiconautas no es en absoluto una mala película. Muy al contrario, es digna de todos los reconocimientos, premios y nominaciones que ha recibido. Y lo que es más, habría merecido que los medios se hicieran mayor eco de sus éxitos. Pesa sobre ella el ancestral problema de la animación: luchar contra el prejuicio de ser considerada como un género menor por una buena parte de la crítica.

Psiconautas, los niños olvidados supone la culminación de un camino iniciado con el cortometraje Birdboy, que basado igualmente en la novela gráfica del mismo título de Alberto Vázquez, obtuvo en 2012 el Goya al Mejor cortometraje de animación, siendo preseleccionado para los Premios Oscar en su categoría. Ahora han repetido parte de la hazaña con el largometraje, que ha sido igualmente premiado con un merecido Goya a la mejor película de animación.

2016: Premios Goya: Mejor película de animación
2016: Premios del Cine Europeo: Nominada a mejor film de animación europeo
2016: Festival de Annecy: Sección oficial a competición
2015: Festival de Gijón: Sección oficial largometrajes de animación

 

T2: TRAINSPOTTING (Danny Boyle, 2017)

UK Duración: 117 min. Guion: John Hodge (Novela: Irvine Welsh) MúsicaRick Smith Fotografía: Anthony Dod Mantle Productora: Film4 / TriStar Pictures / Sony Pictures Entertainment Género: Drama

Reparto: Ewan McGregor, Robert Carlyle, Jonny Lee Miller, Ewen Bremner, Kelly Macdonald, Shirley Henderson, Steven Robertson, Anjela Nedyalkova, Irvine Welsh

Sinopsis: Primero hubo una oportunidad… después una traición. Han pasado 20 años.
Muchas cosas han cambiado, pero otras muchas siguen igual. Mark Renton (Ewan McGregor) vuelve al único sitio que considera su “casa”. Allí le esperan: Spud (Ewen Bremner), Sick Boy (Jonny Lee Miller), y Begbie (Robert Carlyle). Otros viejos amigos también le esperan: pena, fracaso, alegría, venganza, odio, amistad, amor, deseo, miedo, remordimiento, diamorfina, autodestrucción y peligro mortal, todos ellos alineados para darle la bienvenida, preparados para unirse al baile.

t2_trainspotting-cartel-7365Todos tenemos amigos que podríamos haber sido nosotros. Que nos recuerdan lo fácil que hubiese sido acabar como ellos de haber seguido caminando por el filo. Unos han sabido zafarse a tiempo; otros, siguen en su linea; y algunos han fallecido. Buenos amigos. Queridos. En esta secuela de Traisnpotting los cuatro ya no jóvenes protagonistas de aquella vuelven a unirse veinte años después. Mark Renton vuelve, como le dice un amigo, de turismo a su  juventud. Todo ha cambiado durante los veinte años que ha estado en Ámsterdam gastando el dinero que estafó a sus mejores amigos, y durante ese tiempo todo ha evolucionado: la ciudad, la familia, los amigos… ¿los amigos? veremos en T2 si así ha sido. Seremos invitados de excepción al  reencuentro de esos cuatro diablos en una narración repleta de humor, violencia, drogas y un poco de terror, pues todo tiene cabida en esta cinta que sabe dosificar las cuotas de nostalgia ofreciendo un final maravilloso que, por si solo, parece justificar el que se haya rodado este filme.

Danny Boyle ha basado su película en Porno, la siguiente novela de Irvine Welsh, aunque no ha querido que el guión de John Hodge siga fielmente el libro. La jugada ha quedado fina, pues no cae en vendernos la misma historia pero actualizada. Tampoco propina una reprimenda a los personajes ni una lección moral al público advirtiéndole de los peligros de la vida al límite. Tan solo nos hace partícipes de ese reencuentro, unas veces entrañable, otras doloroso. Siempre entretenido y  con un resultado relevante. Notable. Es como si Ewan McGregor volviera a su  hogar, al barrio. Ese barrio de bloques gigantes y grises, para ver a los viejos compañeros que dejó en Edimburgo cuando marchó a poner en marcha su exitosa carrera al otro lado del charco. Y vuelva para saldar una deuda con esos compañeros, ese director y con ese público que a partir de Trainspotting aupó al actor hacia el éxito internacional ¿Secuelas?: así si.

 

 

 

 

 

 

 

 

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