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Archive for 31 enero 2018

Javier Botet: de criaturas y hombres

Javier Botet es nuestro Lon Chaney. Dotado con un físico y unas cualidades interpretativas que sobrepasan el maquillaje, su cuerpo característico y especial, sus movimientos y su modo de interpretar le han servido para encarnar a un buen número de terroríficas criaturas. Imposibles seres surgidos de la imaginación de grandes creadores que han sabido ver en el actor al intérprete ideal para encarnarlos. Pero Javier Botet es muchísimo más que un modelo, un cuerpo. Sus facultades interpretativas van mucho más allá demostrando que es un excelente actor, también de comedia, y un ilustrador excepcional. Pero es en el cine fantástico donde está dejando una profunda huella con sus creaciones de pesadilla. Lo vimos como la espectral Mama en la cinta de Muschietti. Pero también como  xenomorfo en Alien: Covenant; Set en La momia; Crooket Man en Expediente Warren: El caso Enfield; Keyface en Insidious: la última llave; Hobo en It; Faceless Man en The Crucifixion; Enola en La cumbre escarlata y, sobre todo siempre será la Niña Medeiros en [Rec].

Ahora, ante el inminente estreno de Slender Man, donde Javier interpreta un terrorífico personaje casi escrito a su medida, entrevistamos a este amable creador de seres, de criaturas. Este, como todos los grandes, humilde tipo del que todos los amantes al cine fantástico y del cine en general deberíamos sentirnos muy orgullosos de tener como vecino. Con ustedes… JAVIER BOTET

EL DESPEGUE: DE LA ILUSTRACIÓN AL CINE

Cuando terminé Bellas Artes (2002) me vine a Madrid y estuve dibujando ilustraciones en editoriales y para una empresa de dibujos animados. Por otro lado, junto a David Pareja, que es un amigo con el que tengo gran cantidad de pasiones en común, comenzamos a darle más vida a una de ellas, el cine, gracias a una nueva cámara que me compré.

Él y yo nos los guisábamos todo. Y pronto comencé a encontrar otra gente a la que apasionaba el cine. Hacían cortos, actuaban… vi que era una opción real de profesión, así que el cine comenzó a tomar más relevancia en mi vida.

Por entonces habíamos montado un estudio de ilustración Carlos Vermut, David Pareja, algún otro amigo y  yo. Carlos Vermut es parte de mi vida profesional y personal. Es un poco familia. Lo conocí en una de esas empresas para las que trabajaba dibujando ilustración. Yo en esa época, como ya he comentado, además hacía muchos cortos por puro placer. Con los amigos rodaba tonterías que luego montaba rapidito con mi Adobe Premiere. Entonces no estaba tan de moda You Tube y lo colgaba en El Rellano. Canal + nos colgaba también tonterías… pura diversión. Y Vermut lo veía y decía “Jolines, Javier, yo quiero hacer esto”. Él ilustraba pero también le llamaba el cine así que le dije: “¡Coño, pues hazlo!”.

Presentó Maquetas (2009) en el Notodofilmfest y el cabrón ganó el premio del jurado, lo que le fue dando confianza así que, con un dinero que ganó como ilustrador decidió liarse la manta a la cabeza y autoproducirse una película, Diamond Flash (2011) en la que salimos algunos amiguetes y yo. Y en la segunda vuelvo a salir así que esperemos que siga contando conmigo en muchas más.

Un día los monstruos, las criaturas que yo había dibujado durante toda mi vida, se me presentaron desde un folleto de un curso de efectos especiales a base de protésicos y tal. En este curso podría aprender a hacerlos y por otra parte, en Madrid, había industria y esta gente también trabajaba, a nivel profesional, en proyectos en los que había que crear criaturas. Pedro Rodríguez, que era el que impartía el curso, había hecho algunas cosas con Alex de la Iglesia y Santiago Segura y vi claro que no solo iba a aprender: también me ofrecí. Le dije “Mira mi cuerpo. Dos metros y tan delgadito. Soy el sueño de cualquier maquillador para crear cierto tipo de criaturas” Y a él le pareció perfecto.

En ese momento él estaba trabajando para Filmax en Bajo aguas tranquilas (Beneath Still Waters, Brian Yuzna, 2005) y casualmente había una criatura, un humanoide, que todavía estaba por definir. Así que entre David y yo hicimos un fotobook para que Pedro Rodríguez lo presentara a Brian Yuzna en una reunión que tenían ese jueves. Y enseguida dieron el visto bueno y así fue, rápido y fácil, como aparecí en mi primera película.

Fue como desvirgarse. Llegué a casa agotado, pero me había colado en un sueño increíble. Había encarnando a una criatura tras seis horas de maquillaje en un día duro y frío, saliendo y entrando en el agua… pero vamos, ¡Yo llevaba un calentón por la pasión…! Además,  ¡con Brian Yuzna! un director con el que había gozado de jovencito con mis amigos comiendo hamburguesas viendo películas como Re-Animator (Stuart Gordon, 1985). Pues yo estaba ahí con Brian Yuzna maquillado por Pedro de Diego, no por Pedro Rodriguez, que fue el que me metió en el proyecto y que a estas alturas tiene como tres Goyas, pero que en aquel momento estaba empezando. Y es que, como siempre he dicho, los maquilladores han sido siempre mis mejores agentes, ellos han sabido ver las posibilidades de crear con la estructura de mi cuerpo, que yo he sabido explotar con mis movimientos.

Aunque soy autodidacta, de siempre he visto mucho cine, he sido analítico y he entendido el proceso de hacer cine por todo el tiempo que he trabajado con mis cortos, así que trabajar frente a la cámara no supuso ningún problema. Todo iba fácil y rápido, así que los propios maquilladores eran los que  me proponían para nuevos proyectos. Uno de los chicos que trabajaba en la película haciendo otros efectos especiales me vio y poco después me ofrecieron [Rec] (Jaume Balagueró y Paco Plaza, 2007). Muchos maquilladores cuando tenían una criatura que yo podría encarnar pedían a Javier Botet. Y fue así como empezó a coger impulso mi carrera. Yo seguía dibujando, pero cada vez me llamaban más para el cine y tenía menos tiempo para dibujar.  También era más difícil comprometerme con trabajos que no me permitieran la libertad que necesitaba como actor, que igual debía estar una semana aquí y otra allí. Así que poco a poco fui dejando la ilustración de forma profesional y ahora dibujo a ratos, por placer, pasando a ser mi profesión el cine. Y con mucha suerte, porque con lo poquito de cine fantástico que se hace en España pues…

En los cortos que dirigí había mucha comedia. Me encuentro muy cómodo con mis amigos haciendo cortos cómicos, muchos de los cuales han sido presentados a festivales, pero a nivel profesional tan solo hice un par de cosas cómicas en series como La que se avecina o en Matrimoniadas hasta que Pedro Rodríguez, que trabajaba en la serie Pluton B.R.B. Nero (2009), habló con su director, Alex de la Iglesia,  y le dijo que conocía a un actor que resultaría perfecto para interpretar al alienígena cachondo que estaban haciendo. Me presenté allí y a Alex le parecí perfecto. Rodamos la primera escena y todo el equipo se partió de risa, así que encontraron que tenía una importante vis cómica y Alex finalmente me incluyó en tres capítulos de la serie. Luego también contó conmigo para hacer pequeñas intervenciones en La chispa de la vida (2011), Balada triste de trompeta (2010) y Las brujas de Zugarramurdi (2013)…. Y seguiremos trabajando juntos.

También he trabajado en la serie El fin de la comedia (2014-2017) y Algo muy gordo (Carlo Pardial, 2017), así que sí, la gente ha ido descubriendo esa vis cómica que tengo. Pero lo importante es tener un éxito haciendo un tipo de papel para que mucha gente te vea y más gente abra los ojos y comience a darte más opciones. Eso me ha pasado en el cine de terror. En la comedia no termina de pasar porque es más complejo. Fíjate que todo lo que he hecho con Alex de la Iglesia ha sido siempre súper maquillado y claro, así se pierde la referencia del actor.

A mí me encantaría que me propusieran más proyectos. El terror me encanta, pero me gusta hacer de todo.

CONSTRUYENDO PESADILLAS

Foto de familia: Mama (Javier Botet) y Lilly (Isabelle Nélisse)

Como las criaturas vienen de la nada, no existen, requieren un proceso creativo más original. Para interpretar a una persona deprimida o enfadada dispones de mil referentes, pero cuando es un espectro, un fantasma, una criatura, inventas el origen, las razones, la energía. Intentando hallar algo original en el movimiento si es, por ejemplo, una criatura marina. O si lleva mucho tiempo inmóvil. Hay un trabajo de imaginería que se puede hacer entre todos, aportando todos algo. A veces el director tiene unas ideas preconcebidas sobre lo que quiere, pero me está pasando, cada vez más, que conociendo mi background cada vez los directores conocen más mi trabajo y ven que he compuesto cosas, así que me dan bastante libertad. Me preguntan y me hablan tanto del diseño artístico como del origen, del alma y las motivaciones de las criaturas y sobre qué opino yo de ello, qué puedo aportar. Siempre me dan tiempo para que haga mi trabajo, para que aporte, piense y proponga cosas. Hay películas en las que por tiempo se pueden hacer más cosas y en otras menos, pero hay algunas en las que me han dado tanta libertad que he podido diseñar los movimientos, las trayectorias de los mismos, ocasionando cambios en el escenario planeado por tener que instalar cuerdas. Me dan libertad para, como si fuera un mago, hacer mis trucos.

He encontrado siempre gente muy abierta a escuchar, pues conozco mi cuerpo mejor que nadie y ya que me estoy especializando en esto. Les propongo y me preguntan mucho.

En La cumbre escarlata (Crimson Peak, 2015) junto a Mia Wasikowska.

En el cine de terror una forma clásica de mostrar una criatura es hacerlo poco a poco, insinuando, y las manos son el preludio de esa criatura, como la antesala del terror. Lo primero que vemos de un zombi cuando sale de la tierra es su mano, como adelanto de lo decrépito que va a estar y de las ganas de guerra que traerá.

Por si solas las manos son muy sugerentes a la hora de expresar. Son el preludio de lo que vendrá después.

En los pósteres de, por ejemplo, Insidious:The Last Key (Adam Robitel, 2018) o Don’t Knock Twice (Caradog W. James, 2016), las manos resultan lo suficientemente sugerentes como para atraer al espectador insinuando, sin mostrar más, lo que puede venir luego.

Mis manos son muy expresivas. Las sé explotar pero, por si solas, por ser tan largas y tan delgaditas y tener una propiedad, aracnodactilia, resultan muy expresivas y comprendo que levanten tanta atención para el cine de terror ¡Adoro mis manos!

HACIENDO LAS AMÉRICAS

En Estados Unidos el cine es un gran negocio que mueve mucho dinero y del que vive mucha gente. Allí se respeta y se cuida mucho a la gente. Se entiende y se valora su situación y hay un mayor nivel de respeto a la industria en sí, ya no al arte, esa es otra discusión, pero a la industria sí. Aquí en España el nivel industrial es más pequeño y requiere de más amor y pasión. Y luego, claro, económicamente es diferente. Allí se respeta más la profesión de actor porque hay más trabajo y hay más gente dedicada a ello. Es más respetable y todos son súper profesionales. Y cuando traen a un actor de fuera para unos papeles concretos te tratan como alguien relevante, importante. Te cuidan y están encima. Además del dinero, que marca la diferencia.

Antes de rodar Mamá (2013) con Guillermo del Toro como productor y Andy Muschietti de director hicimos por nuestra cuenta, para ir al rodaje con ideas, un test de movimiento sin ningún tipo de trucaje digital en el que salgo con un vestidito, como muy creepy, muy desagradable, incómodo, extraño, pero un bonito ejercicio de expresión corporal que quedó grabado. Y cuando se estrenó Mama a Guillermo del Toro le decían que estaba muy bien, pero que se trataba de otra criatura creada en 3D. Y lo único que había en 3D era el pelo, así que me preguntaron si me importaba que compartieran en las redes el test de movimiento, en el cual puede verse perfectamente que soy yo y punto. Dije que sí, que no me importaba, y a raíz de ese video, que se hizo viral entre la gente de la industria, fue cuando noté un punto de inflexión en mi carrera y  todo el mundo que hacía cine de terror fuera de España  comenzó a incluir en sus planes criaturas con esas características, por lo que noté un aumento en la cantidad de ofertas de trabajo que me llegaban. Así que durante estos últimos tres años no he parado de trabajar, y todo fuera de España.

Recuerdo estar charlando con Alexandre Aja cuando rodaba The Other Side of the Door (Johannes Roberts, 2016) en la India que me decía, “tengo un montón de amigos que han visto tu video y todos quieren trabajar contigo”. A raíz de ese video vino un cambio y mi nombre, por sí solo, se va defendiendo. Tengo la sensación de que en América y en el resto del mundo han empezado a valorar mi nombre y para este tipo de personajes recibo constantemente ofertas y proyectos. Todo lo cual da una tranquilidad y una felicidad.

Gracias a las redes cuando tienes un nombre deja de ser necesario vivir en Los Ángeles. Bien es cierto que el vivir allí te permite llegar más rápido a depende qué trabajos en los cuales los productores no tienen tan claro el contar contigo. Pero tener un físico y un perfil tan concreto, tan específico, hace que note en qué proyectos el personaje debo de ser yo. Es como que ciertos directores y maquilladores ya piensan en mí. Y me van llamando o escribiendo. Entonces no veo la necesidad de instalarme en Los Ángeles. Primero porque la mitad de las películas las hago en Londres y la otra mitad entre Canadá y Estados Unidos, así que da igual donde esté porque las ofertas vienen de todos lados. Voy allí, trabajo, marcho al otro lado.

Con Sophia Lillis durante el rodaje de It de Andy Muschietti.

El año pasado hice una película en África; otra en Canadá; otra en Los Ángeles; otra en Boston; otra en Londres y un trocito en España. O sea, viva donde viva voy a tener que viajar.

En El renacido (The Revenant, Alejandro G. Iñárritu, 2015), hubo un maquillaje especial que no se incluyó finalmente para una escena que representaba una pesadilla del protagonista. Algo terrorífico y angustioso. Un plano secuencia que estuvimos dos días rodando con la luz exacta del atardecer.  Ese momento justo en el que se ponía el sol. Ya que Inárritu lo quería todo con luz natural y esta escena debía suceder justamente en ese momento de crepúsculo, estuvimos varios días rodando tan solo durante veinte minutos al día porque se rodaban cuatro tomas y cuando la luz ya no era exáctamente la requerida y Emmanuel Lubezki decía “No, ya no” y entonces debíamos esperar a otro día para rodar otras cuantas tomas.

La película estaba prácticamente terminada e Iñarritu estaba experimentando y probando cosas que pensaba que podrían enriquecer la pesadilla del personaje interpretado por Leonardo diCaprio.

Cuando me llamó y me contó lo que pretendía hacer ya me dio la sensación de que estaba experimentando, y fue fantástico estar allí probando cosas y rodando con Leonardo y Tom Hardy, compartiendo escena, ¡la locura! pero al final la escena no se incluyó. Una lástima no compartirla con todo el mundo en la pantalla.

Desde que se dio a conocer el extraño Slender Man por internet mucha gente desde las redes, y yo mismo, pensamos que yo encajaría bien y resultaría ideal, así que no es de extrañar que cuando surgió el proyecto ellos mismos se pusieran en contacto conmigo. Terminamos de rodar Slender Man (Sylvain White, 2018) en Boston hace unos cuatro meses y este año hay una serie de proyectos en los que quieren contar conmigo así que, si Dios quiere, haremos otros cinco o seis pelis, entre otras cosas.

Me gusta la interpretación en general, la dirección… me apetece probar otras cosas y disfruto con la comedia. Me gusta el drama y me apetece hacer de todo. Pero a mí lo que más me ha gustado siempre han sido las criaturas. Me han fascinado desde niño. Mis primeros recuerdos son de verlas en El retorno del Jedi (Richard Marquand, 1983), en la que todo era a base de criaturas y más criaturas: el templo de Jabba; los Ewoks; Chewbacca… era un amalgama de creatividad y de criaturas entrañables que fueron la base de lo que mí me ha motivado e inspirado. Así que tanto en Ciencia-Ficción como aventuras o terror, yo estaba siempre deseando ver criaturas. También quería saber como se hacían, como se diseñaban y cobraban vida así que estoy donde siempre he deseado estar (…) ¿Que me encasillan? ¡Pues benditos sean! ¿Cómo podría quejarme? Mi encasillamiento es una bendición.

Categorías:FANTATERROR

VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 26 de enero *

EL PASAJERO (The Commuter, Jaume Collet-Serra, 2018)

USA Duración: 105 min. Guion: Byron Willinger, Philip de Blasi Música: Roque Baños Fotografía: Paul Cameron Productora: Lionsgate / StudioCanal / Nvizage / Ombra Films Género: Thriller

Reparto: Liam Neeson, Patrick Wilson, Vera Farmiga, Sam Neill, Jonathan Banks,Elizabeth McGovern, Dean-Charles Chapman, Clara Lago, Florence Pugh,Letitia Wright, Shazad Latif, Killian Scott, Andy Nyman, Roland Møller,Colin McFarlane, Dilyana Bouklieva, Adam Nagaitis, Kingsley Ben-Adir,Kobna Holdbrook-Smith

Sinopsis: Durante su trayecto habitual de vuelta a casa en tren, un hombre de negocios felizmente casado comienza a hablar con una misteriosa pasajera. Pronto el hombre se verá envuelto en una conspiración criminal que amenaza con poner en peligro tanto su vida como la de sus seres más cercanos.

Collet-Serra no pierde el tiempo: ya desde los títulos de crédito nos muestra el día a día. La monotonía de una familia feliz. Vemos al personaje que encarna Liam Neeson realizando el ritual de levantarse cada día a las 6 para ir a trabajar. Esto ya nos indica que, tal y como imaginamos, todo se va a venir abajo. Y  no pensamos que les estemos desvelando gran cosa sobre esta película, pues tan solo hace falta echar un vistazo a los últimos trabajos en común entre el director catalán y el actor irlandés para saber que vamos a tener un largometraje de acción e intriga. Y es que, aunque uno personalmente eche de menos al Collet-Serra inicial dedicado al cine de terror, hay que reconocer que sabe de sobras como funcionan los hilos del cine de acción. Sabe manejar la intriga y enseñar las cartas en el momento exacto para conseguir sorprender al espectador sin precipitarse antes de desplegar toda la artillería.

Serra nos presenta de manera efectiva todas las piezas de la historia, prescindiendo de lo innecesario llevando a su protagonista y al espectador a un juego de intriga cuya acción irá subiendo conforme avance la trama con un escenario tan ideal como ha demostrado ser siempre el tren.

Una película ideal de acción e intriga, bien realizada y que cuenta, además de con Liam Neeson, con la agradable participación de Patrick Wilson y Vera Farmiga, el célebre matrimonio Warren de la saga de James Wan; Sam Neill; Jonathan Banks y la española Clara Lago.

 

EL CORREDOR DEL LABERINTO: LA CURA MORTAL  (Maze Runner: The Death Cure, Wes Ball, 2018)

USA Duración: 142 min. Guion: T.S. Nowlin (Novela: James Dashner) Música: John Paesano Fotografía: Gyula Pados Productora: Gotham Group / Temple Hill / 20th Century-Fox Film Corporation Género: Ciencia ficción.

Reparto: Dylan O’Brien, Kaya Scodelario, Katherine McNamara, Thomas Brodie-Sangster,Nathalie Emmanuel, Barry Pepper, Giancarlo Esposito, Rosa Salazar,Dexter Darden, Walton Goggins, Jacob Lofland

Sinopsis: Thomas no puede confiar en CRUEL. La organización le borró sus recuerdos y lo encerró en el Laberinto. Luego lo dejó al borde de la muerte, en el Desierto. Y lo separaron de los Habitantes, sus únicos amigo. Ahora CRUEL asegura que el tiempo de las mentiras ha terminado. Con toda la información que reunió gracias a las Pruebas, está en condiciones de avanzar en la cura de la Llamarada. Pero Thomas debe pasar por la Prueba Final. ¿Logrará sobrevivir al procedimiento? ¿Será cierto que se terminaron las mentiras? Quizá la verdad sea más terrible aún… una solución letal, sin retorno.

‘La cura mortal‘ se basa en la tercera parte de la saga literaria iniciada con El corredor del laberinto, de James Dashner que concluye este tríptico de forma espectacular. En esta casa ya les hablamos de su capítulo intermedio en la que su director, Wes Ball, dejaba suficientes tramas abiertas como para asegurar al menos una tercera entrega con la que Ball, que ha dedicado más de 4 años a esta aventura, se despide.

La película se inicia con una persecución a lo Mad Max cinta con trasfondo también apocalíptico aunque de un tono definitivamente más pesimista que este Corredor del laberinto, dirigido mayoritariamente a un público adolescente y que narra la eterna batalla de los jóvenes contra ‘el sistema’ de valores de los adultos, que no dudarán en desear incluso la sangre de los muchachos para asegurarse su salvación.

La verdad es que los dos años trascurridos desde la entrega anterior de la saga no beneficia a esta cinta pues es fácil que, a excepción de los seguidores de la misma, los espectadores hayan olvidado como terminó aquella. Tampoco se nos pone al día en el inicio de esta, así que tendremos que ir tanteando hasta ir adivinando su trama, recordando que una plaga está exterminando a la humanidad y tan solo unos cuantos jóvenes parecen inmunes a la misma, muchachos y muchachas que son utilizados como objetos de estudio por los villanos de la historia, todos mayores y crueles. La plaga esta convirtiendo a sus infectados en una especie de zombis hambrientos y repugnantes, criaturas estas que al parecer resultan imprescindibles en toda película de terror de nuevo milenio que se precie.

Entretenida y bienintencionada, los protagonistas son inmejorables muestras de juventud de toda raza, con medidas estándar, cabeza bien poblada y proporciones lo suficientemente atractivas como para ser los padres y madres de una nueva y esperanzadora humanidad que, si no lo impiden los sardónicos villanos, surgirá de los genes de todos estos mozalbetes.

Para incondicionales de la saga y del entretenimiento sin complicaciones, pero recomendando, eso sí,  revisar las anteriores entregas.

 

SIN AMOR (Nelyubov, Andrey Zvyagintsev, 2017)

Rusia/Francia/Alemania/Bélgica Duración: 128 min. Guion: Andrey Zvyagintsev, Oleg Negin Música: Evgueni Galperine Fotografía: Mikhail Krichman Productora: arte France Cinéma / Why Not Productions Género: Drama
Reparto: Maryana Spivak, Aleksey Rozin, Matvey Novikov, Marina Vasilyeva, Andris Keishs,Alexey Fateev
Sinopsis: Un matrimonio que lleva años juntos está en pleno proceso de divorcio. Su día a día se resume en discusiones, mientras intentan vender su apartamento desesperadamente para poder irse a vivir por separado. Además, ya están planeando sus respectivos futuros: el marido, Boris, ya ha conocido a otra chica a la que ha dejado embarazada, y la mujer, Zhenya, ha comenzado a citarse con un adinerado hombre que parece estar dispuesto a casarse con ella. Unos futuros felices… en los que no han incluido a Alyocha, su hijo de 12 años. Ninguno le presta interés, hasta que desaparece sin dejar rastro. Se trata de una coproducción entre Rusia y Francia, dirigida por Andrei Zvyagintsev.
Premios
2017: Festival de Cannes: Premio del Jurado
2017: Globos de Oro: Nominada a Mejor película de habla no inglesa
2017: Premios BAFTA: Nominada a Mejor película en habla no inglesa
2017: Premios del Cine Europeo: Mejor BSO y fotografía
2017: National Board of Review (NBR): Mejores películas extranjeras del año
2017: Críticos de Los Angeles: Mejor película extranjera
2017: Premios Independent Spirit: Nominada a mejor película extranjera
2017: Satellite Awards: Nominada a mejor película de habla no inglesa
2017: British Independent Film Awards (BIFA): Nom. a mejor pel. internacional indep.

Mucho hemos tenido que escarbar para escoger una sinopsis algo aproximada a lo que el espectador se encontrará en Sin amor, una cinta en la que si bien su eje principal transita con la desaparición del menor, la pieza sobrante, el escollo para la felicidad de sus progenitores, que viven un agrio divorcio, lleva al espectador por muchos otros terrenos como la irresponsabilidad, la bajeza moral y el egoísmo más absoluto lugares, en mayor y menor medida, conocidos de sobras por el espectador, al que esta magnífica cinta señala mirándole directamente a los ojos.

Zvyagintsev nos narra una historia incómoda y cruda a la que, sorprendentemente, ha dotado de pequeños jirones de humor, que subrayan lo absurdo que a veces la propia existencia es, y que acercarán al espectador, aún más, a ese fin del mundo que, vaticinado por el calendario maya,  se anuncia en los noticiarios. Un fin del mundo que tras ver la cinta uno no sabría asegurar si no se ha producido ya o debería producirse con urgencia.

Sin amor es una película valiente que nos habla de la mezquindad cotidiana, de la hipocresía social del hombre y la mujer de la calle, del individuo ‘normal’, del vecino, del tendero: de usted y de mí. De todos. Y nos demuestra que el infierno existe, desde luego, y que vivimos en él contribuyendo a construirlo con nuestras acciones y sentimientos más inconfesables. Pero también con los públicos.

El director nos muestra el lado oscuro del ser humano y también, particularmente, el de una sociedad, la rusa, que arrastra y arrastrará para siempre las secuelas de su pasado político. Y lo hace con un sutileza magistral, trasmitiendo sensaciones al espectador. Pocas veces la intimidad de sus protagonistas se ha mostrado de forma tan veraz. Pocas veces los silencios son tan elocuentes. Como dice uno de los personajes del film, sin amor no se puede vivir y esa desesperada búsqueda del mismo es la que convierte a sus protagonistas en supremos egoístas.

Incómoda, cruda, magistral.

Protagonizada por Alexey Rozin y Maryana Spivak, el guion de Sin amor, que se desarrolla en dos partes bien diferenciadas, ha sido escrito por el director en colaboración con Oleg Negin, quien también ha trabajado en tres de las anteriores películas de Zvyagintsev: The BanishmentElena Leviatán. Sin amor confirma que el realizador ruso es uno de los grandes autores del  cine contemporáneo, con un estilo único. La atmósfera y la tensión que gravitan sobre la película, junto a las soberbias interpretaciones, la música y la excepcional fotografía, sumergen al espectador en un universo desconcertante, pesimista y lleno de intriga.

 

CALL ME BY YOUR NAME (Luca Guadagnino, 2017)

Italia/Francia/Brasil/USA Duración: 130 min. Guion: James Ivory, Luca Guadagnino (Novela: André Aciman) Música: Sufjan Stevens Fotografía: Sayombhu Mukdeeprom Productora: Frenesy Film Company / RT Features / La Cinéfacture / Water’s End Productions / M.Y.R.A. Entertainment / Ministero per i Beni e le Attività Culturali / Lombardia Film Commission. Distribuida por Sony Pictures Classics Género: Drama

Reparto: Timothée Chalamet, Armie Hammer, Michael Stuhlbarg, Amira Casar, Esther Garrel,Victoire Du Bois
Sinopsis: Elio Perlman (Timothée Chalamet), un joven de 17 años, pasa el cálido y soleado verano de 1983 en la casa de campo de sus padres en el norte de Italia. Se pasa el tiempo holgazaneando, escuchando música, leyendo libros y nadando hasta que un día el nuevo ayudante americano de su padre llega a la gran villa. Oliver (Armie Hammer) es encantador y, como Elio, tiene raíces judías; también es joven, seguro de sí mismo y atractivo. Al principio Elio se muestra algo frío y distante hacia el joven, pero pronto ambos empiezan a salir juntos de excursión y, conforme el verano avanza, la atracción mutua de la pareja se hace más intensa.
Premios
2017: Festival de Toronto: 2ª finalista – Mejor película
2017: Globos de Oro: 3 nomin. incluyendo mejor película drama y actor (Chalamet)
2017: Premios BAFTA: 4 nominaciones, incluyendo Mejor película y Mejor director
2017: National Board of Review (NBR): Top 10 películas año, actor rev. (Chalamet)
2017: American Film Institute (AFI): Top 10 – Mejores películas del año
2017: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor actor (Chalamet)
2017: Críticos de Los Angeles: Mejor película, director y actor (Chalamet)
2017: Premios Independent Spirit: 6 nomin. incluyendo mejor película y director
2017: Premios Gotham: Mejor película y nuevo actor (Timothée Chalamet)
2017: Critics Choice Awards: Mejor guion adaptado. 8 nominaciones
2017: Sindicato de Productores (PGA): Nominada a Mejor película
2017: Satellite Awards: Nomin. a mejor película, guion adaptado y actor sec. (Hamer)
2017: Sindicato de Actores (SAG): Nominada a mejor actor (Timothée Chalamet)
2017: Festival de Berlín: Nominada a mejor película (Teddy Section)
2017: Festival de San Sebastián: Inauguración sección Perlas de otros festivales
2017: Melbourne International Film Festival: Premio del Público
2017: Festival de Sydney: 2º puesto mejor película (Premio del Público)
2017: Asociación de Críticos de Chicago: 3 premios incl. Mejor actor (Chalamet)

La sombra de James Ivory, autor del guión y productor del filme de  Luca Guadagnino es alargada y pesa sobre la cinta del italiano, ya bregado en narrar relatos de iniciación adolescente como ya hiciera en la, en su momento, polémica Melissa P. (2005) y en menor grado en Cegados por el sol (A Bigger Splash, 2015), con la que Call Me by Your Name tiene más cosas en común, no en vano ambas forman parte de la trilogía “Deseo” que inauguró en 2009 Io sono l’amore, de nuevo el director italiano nos sumerge en un verano europeo, indolente, en el que la irrupción de forasteros romperá, con su energía, el perezoso devenir de los días de sol y chapuzón. También tiene en común con aquella que la acción se desarrolla en un entorno acomodado situado en un lugar de la campiña italiana, en aquella de Sicilia y en esta de Lombardía. Parajes idílicos en los que de forma natural surge la pasión y el amor y que el director fotografia en todo su esplendor.

Guadagnino nos introduce en un universo bello, helenista, elitista y culto a golpe de piano, disciplina que estudia el joven Elio, cuyo despertar de los sentidos se no mostrará de forma sutil, in crescendo, hasta la natural explosión  que embriagará también al norteamerivcano Oliver, recién llegado a Italia -y a la vida del joven-. Un amor en tiempos de armario y pre-sida que se desarrolla de modo más natural en ese progresista entorno europeo.

El único pero que quizás le pondríamos a la película es su excesiva y sobre explicada conclusión, en la que parece recrearse el director como si ya no hubiera quedado todo claro para el espectador. Un recrearse que parece confirmarse definitivamente ante la anunciada intención de director de rodar -tras el temido remake de Suspiria– una continuación de Call Me by Your Name.

 

C’EST LA VIE (Le sens de la fête, Olivier Nakache y Eric Toledano, 2017)

Francia/Canadá/Bélgica. Duración: 115 min. Guion: Olivier Nakache, Eric Toledano Música: Avishai Cohen Fotografía: David Chizallet Productora: Gaumont / Quad Productions Género: Comedia 

Reparto: Jean-Pierre Bacri, Vincent Macaigne, Kévin Azaïs, Suzanne Clément,Gilles Lellouche, Judith Chemla, Jean-Paul Rouve

Sinopsis: Max ha organizado cientos de bodas durante años y ahora prepara una boda de lujo en un Chateau francés del siglo XVII. Ha coordinado todo para que la celebración sea un éxito: camareros, orquesta, menú, disc jockey, decoración floral…Pero el resultado pende de un hilo y cada momento de felicidad y emoción puede convertirse en desastre o caos. ¿A quién confiarías la fiestamás importante de tu vida?

Una nueva comedia del tándem Olivier Nakache y Eric Toledano que triunfó y se dio a conocer entre nosotros con Intocable (Intouchables, 2012), y que en esta ocasión deciden alejarse de las historias intimistas para enfrentarse a un reparto coral, que encarnará a los componentes del catering de una boda de alto copete.

Rodada de manera muy dinámica, en  C’est la vie todo son entradas y salidas y paseos de arriba a abajo por parte del principal protagonista, Max (Jean-Pierre Bacri), organizador del evento y auténtico protagonista de la historia, pues todo girará alrededor de él. Así, mientras se prepara el bodorrio iremos conociendo a los diferentes personajes, encargados de que todo resulte perfecto algo que, como podrán suponer, será la base de las situaciones cómicas. Pero por desgracia las posibilidades cómicas que podría ofrecer este abultado y variopinto grupo humano no se sitúa a la altura de las expectativas que pudiera levantar.

Simpática sin resultar hilarante, Toledano y Nakache basan el humor de la propuesta en las situaciones más que en los gags, resultando una comedia amable confesa heredera de Un día de boda (A Wedding, 1978) de Robert Altman aunque con la nota original de enfocar su película en lo que sucede entre las bambalinas más que en la familia o en los contrayentes.

Categorías:VAMOS DE ESTRENO

Primeras películas confirmadas para el II Festival Internacional de Cine de Barcelona-Sant Jordi


Las nuevas películas de Antonio Banderas o Shia LaBeouf, la visita de la ganadora del Oscar Agnès Varda y un ciclo dedicado al director Ingmar Bergman son las primeras novedades del BCN FILM FEST 2018

El Festival Internacional de Cine de Barcelona-Sant Jordi (BCN FILM FEST), que celebrará su segunda edición entre el 20 y el 27 de abril, ha ofrecido esta mañana en una rueda de prensa en los Cines Verdi un avance de su programación, que será revelada por completo a mediados del mes de marzo.

Estas son las películas confirmadas para el BCN FILM FEST 2018:

LA MÚSICA DEL SILENCIO, de Michael Radford
BORG McENROE
, de Janus Metz
EN TIEMPOS DE LUZ MENGUANTE
, de Matti Geschonneck
CARAS Y LUGARES
, de Agnès Varda
CENTENARIO INGMAR BERGMAN

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SECCIÓN OFICIAL: BANDERAS, LABEOUF Y BRUNO GANZ

La Sección Oficial del Festival vuelve a apostar por los vínculos entre el Cine, la Literatura y la Historia. Las películas seleccionadas son, fundamentalmente, adaptaciones de obras literarias, producciones relacionadas con algún hecho histórico y filmes biográficos sobre personalidades relevantes. Las primeras cintas confirmadas para esta edición responden a películas biográficas o biopics, como son LA MÚSICA DEL SILENCIO y BORG McENROE.

La primera, dirigida por Michael Radford (“El Cartero y Pablo Neruda“), está inspirada en la historia de superación de Andrea Bocelli, que a pesar de su ceguera consiguió convertirse en uno de los cantantes de ópera más importantes de la Historia. Antonio Banderas y Jordi Mollá son las estrellas españolas que también participan en esta producción. En la segunda, los espectadores podrán disfrutar de la película sobre el que fue bautizado como “El Partido del Siglo” que enfrentó a Björn Borg y John McEnroe (interpretado por la estrella de la saga Transformers Shia LaBeouf) en Wimbledon en los años 80. Dos estilos de tenis y personalidades completamente opuestas que marcaron una época, fuego y hielo en la pista.

También tendrá su premiere española en la Sección Oficial EN TIEMPOS DE LUZ MENGUANTE (“In Zeiten des abnehmenden Licht”) film centrado en el período de finales de la Guerra Fría en el que el prestigioso actor Bruno Ganz (“El hundimiento“) interpreta a un anciano y convencido comunista que celebra su 90º cumpleaños en los últimos días de la República Democrática Alemana.

SECCIÓN ZONA OBERTA: VARDA ACUDIRÁ A BARCELONA PARA PRESENTAR SU DOCUMENTAL NOMINADO AL OSCAR “CARAS Y LUGARES”


En la sección no competitiva Zona Oberta, dedicada a películas de especial interés para el público del festival más allá del eje Cine-Literatura-Historia de la Sección Oficial, el BCN FILM FEST contará con una invitada de lujo: la mítica realizadora francesa de la Nouvelle Vague Agnès Varda, responsable de películas que ya forman parte de la historia del séptimo arte como “Cleo de 5 a 7″ (1962), “Sin techo ni ley” (1985) o “Los espigadores y la espigadora” (2000).

La directora francesa vendrá a presentar al público de Barcelona su último trabajo, el documental CARAS Y LUGARES, que Varda ha dirigido junto al artista JR, y en el que ambos cineastas emprenden un viaje en formato road movie por Francia para conocer a su gente y discutir sus visiones del país. El documental fue nominado al Oscar a Mejor Documental esta misma semana para la 90º Edición de los Premios de la Academia de Hollywood, lo que supone el broche de oro a un espectacular recorrido por los festivales más importantes del mundo, como CannesTellurideToronto, Valladolid o San Sebastián, donde recibió el prestigioso Premio Donostia. La visita de Varda a Los Angeles para la Gala de los Oscar será la segunda en menos de seis meses, ya que el pasado noviembre la Academia de Hollywood recompensó a la directora francesa con el Oscar Honorífico por toda su carrera. 

SECCIÓN IMPRESCINDIBLES: CENTENARIO INGMAR BERGMAN


Coincidiendo con la conmemoración en 2018 del centenario del nacimiento del mítico director sueco, el BCN FILM FEST dedicará íntegramente al director Ingmar Bergman su sección Imprescindibles, especializada en recuperar grandes clásicos del cine de autor de todos los tiempos. Por ello, el festival proyectará cinco de las películas más representativas de la filmografía del maestro sueco: EL SÉPTIMO SELLO (1957), FRESAS SALVAJES (1957), EL MANANTIAL DE LA DONCELLA (1960), SONATA DE OTOÑO (1978) y FANNY Y ALEXANDER (1982)

Esta pequeña retrospectiva ofrecerá un significativo recorrido, con copias nuevas restauradas, por la obra de uno de los directores más relevantes de la historia del cine mundial y permitirá comprobar la plena vigencia de su legado artístico.La inclusión en la programación de una selección de películas de Bergman supone también un reflejo de la filosofía pedagógica que impulsa al festival, cuya máxima expresión es el Sello Educacine. Posiblemente, representará la primera oportunidad para que nuevas generaciones de cinéfilos descubran en la gran pantalla el trabajo de un cineasta único.

El homenaje del BCN FILM FEST a la figura de Bergman cuenta con la colaboración de la Filmoteca de Catalunya.
Categorías:BCN Film Fest

VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 19 de enero de 2018 *

ME ESTÁS MATANDO SUSANA (Roberto Sneider, 2017)

México/Canadá. Duración: 102 min. Guion: Roberto Sneider, Luis Cámara (Novela: José Agustín) Música: Víctor Hernández Stumphauser Fotografía: Antonio Calvache Productora: Cuevano Films / La Banda Films / Fidecine Género: Comedia dramática
Reparto: Gael García Bernal, Verónica Echegui, Ashley Hinshaw, Daniel Giménez Cacho,Björn Hlynur Haraldsson, Cassandra Ciangherotti, Barbara Garrick,Gabino Rodríguez, Andrés Almeida, Tristan Carlucci, Jadyn Wong,Maite Suarez Diez, Julian Sedgwick, Will Woytowich, Adam Hurtig, Gordon Tanner,Jeremy Walmsley, Ilse Salas, Juan Pablo Medina
Premios: 
2017: Festival de Málaga: Sección Oficial Largometrajes a Concurso
2016: Premios Ariel: 6 nomin. incl. mejor película, director y actor (García Bernal)

Sinopsis: Eligio (Gael García Bernal) es un actor mexicano que vive de fiesta en fiesta. Un día su esposa, Susana (Verónica Echegui), lo abandona sin dar explicaciones. Tras conseguir algunas pistas sobre su paradero, irá en su busca desde México hasta Iowa. Cuando encuentra a su esposa, nota que está muy cambiada y no quiere volver con él. Eligio tendrá que cambiar si quiere recuperar a Susana. 

Protagonizada por Verónica Echegui (No culpes al KarmaDéjate llevar) y por el actor mexicano Gael García Bernal (Amores perrosDiarios de motocicleta), la comedia Me estás matando Susanabasada en la novela de José Agustín Ciudades desiertastrata de manera inteligente las dificultades de la vida en pareja y el delicado tema del machismo en la sociedad mexicana. El resultado es una cinta que no termina de coger el tono entre comedia y drama, todo ello sin que el resultado sea necesariamente negativo pues tanto Gael García Bernal como la española Verónica Echegui, están magníficos. Echegui, por cierto, se encuentra en pleno arranque internacional de su carrera pues además de alguna serie rodada en Inglaterra, dos cintas suyas van a coincidir durante un tiempo en las carteleras, esta cinta mexicano-canadiense y la comedia italiana Déjate llevar (Lasciati andare) de Francesco Amato, que se estrenará el próximo viernes. 

120 PULSACIONES POR MINUTO (120 battements par minute, Robin Campillo, 2017)

Francia Duración: 143 min. Guion: Robin Campillo, Philippe Mangeot Fotografía: Jeanne Lapoirie Productora: Les Films de Pierre Género: Drama
Reparto: Nahuel Pérez Biscayart, Adèle Haenel, Yves Heck, Arnaud Valois,Emmanuel Ménard, Antoine Reinartz, François Rabette
Sinopsis: París, principios de los años 90. Un grupo de jóvenes activistas intenta generar conciencia sobre el SIDA. Un nuevo miembro del grupo, Nathan (Arnaud Valois), se quedará sorprendido ante la radicalidad y energía de Sean (Nahuel Pérez Biscayart), que gasta su último aliento en la lucha.Seleccionada por Francia para los Oscar 2018.
Premios
2017: Festival de Cannes: Gran Premio del Jurado
2017: Premios del Cine Europeo: Mejor montaje
2017: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor película extranjera
2017: Críticos de Los Angeles: Mejor película extranjera
2017: Premios Independent Spirit: Nominada a mejor película extranjera
2017: Critics Choice Awards: Nominada a mejor película de habla no inglesa
2017: Satellite Awards: Nominada a mejor película de habla no inglesa
Con una primera parte realizada con premeditado estilo documental, esta cinta refleja las actividades del grupo Act-Up, creado en 1989 en París a imagen y semejanza del modelo americano y surgido del resentimiento hacia el establishments médico, político y religioso, cuya pasividad y prejuicios fueron y continúan siendo responsables del desconocimiento hacia la enfermedad del SIDA que tantos estragos causó, inicialmente, entre sectores de homosexuales, drogadictos y prostitutas. Esa misma ira contra el sistema, conduce a los activistas de Act-Up a hacer visible su drama y luchar contra el silencio mediante una poderosa cultura visual en eventos con gran difusión.
Robin Campillo, como hemos indicado, durante la primera parte de la cinta recurre al lenguaje del documental para mostrar el compromiso de los componentes del grupo, su lucha y su rebeldía. Todo ello de forma dinámica, pero sin renunciar a presentarnos a los principales actores que protagonizarán la segunda parte de la película, centrada en el drama íntimo que vivirán el seropositivo Sean (Nahuel Pérez Biscayart) y Nathan (Arnaud Valois). Una historia de amor marcada por una  tragedia anunciada que el director sabrá introducir cambiando sutilmente de registro.
Modélicamente narrada e interpretada, la película de Campillo resulta efectiva a varios niveles: como recordatorio de otra época que, desde luego no está superada y en la que los enfermos y los sufrimientos que causó el SIDA y sus diferentes tratamientos eran algo que no parecía afectar al grueso de la población, ocultándose o definiéndose como el cáncer gay. Es también una película didáctica, ilustrativa sobre como puede organizarse un activismo rico y solidario. Desvinculado de banderas y partidos políticos.
Entre sus protagonistas destacan, además de Pérez Biscayart (al que vimos el pasado año en Stefan Zweig: adiós a Europa) y Arnaud ValoisAdèle Haenel, que tuvo un sonoro debut a los trece años en Los diablos (Les diablesChristophe Ruggia, 2002) y a la que pudimos recientemente en La chica desconocida (La fille inconnue, 2017) de los hermanos Dardenne. 
Robin Campillo no suaviza el drama ni lo decora más allá de la solidaridad entre iguales. El realismo más áspero toma la pantalla pudiendo llegar a resultar incómodo para el espectador. Una crudeza que es necesaria para entender qué es lo que hacía que estos jóvenes salieran a la calle y tuvieran una actitud casi de combate, de guerra contra un sistema que los ignoraba. Y que los ignora, por lo cual hay que mostrar ese drama silenciado en toda su dureza, para concienciar al espectador, que nunca está de más.

 

Categorías:VAMOS DE ESTRENO

CUTRECON VII llega del 24 al 28 de enero con un tributo a Chiquito de la Calzada

CutreCon, el Festival Internacional de Cine Cutre de Madrid, calienta los motores ante la inminente llegada de su séptima edición, del 24 al 28 de enero, en la que invita a los espectadores a viajar por los confines del peor cine del espacio y a conocer a delirantes seres de otros mundos procedentes de los rincones más lejanos del universo cinematográfico conocido. Serán cinco días en los que se proyectarán hasta 20 de las peores películas de la historia del cine -en sesiones tanto gratuitas como de pago-, repartidas por las distintas sedes del festival: Palacio de la Prensa, Cine Doré – Filmoteca Española, Auditorio del Centro Cultural de la Casa del Reloj de Matadero Madrid y los Cines Conde Duque Verdi Alberto Aguilera.

Entre la variada y amplia programación destacan:
Miércoles 24: ‘Chiquitofest’, tributo a Chiquito de la Calzada, con la proyección de ‘Brácula, Condemor II’ en formato Fistrovisión, show previo a cargo de varios cómicos y exposición en torno a la figura de Chiquito. 21:30 horas en el Palacio de la Prensa (Plaza del Callao, 4).
Jueves 25: ‘Italoexploitation galáctica’ con ‘Star Crash, choque de galaxias’, la versión italiana de ‘Star Wars’ y una de las más divertidas; y ‘El desafío de Hércules’, una loquísima revisión del mito griego en la que Hércules viene del espacio y lucha contra robots y monstruos gigantes. Ambas películas contarán con la presencia de su director, Luigi Cozzi, Premio ESLANG Jess Franco 2018. A las 21:00 horas en el Palacio de la Prensa,
Viernes 26: Entrega del Premio ESLANG Jess Franco a Luigi Cozzi por toda una carrera dedicada al cine fantástico. Antes de la ceremonia se verá ‘FantastiCozzi’, documental en torno a su figura, y posteriormente ‘Blood on Méliès Moon’, la última película del director italiano. A partir de las 17:30 horas en el Cine Doré – Filmoteca Española (C/ Santa Isabel, 3).
A las 21:30, también el Cine Doré – Filmoteca Española, llega la despedida del programa ‘Cinebasura’ de Movistar Xtra, con la proyección de ‘Space Munity’ y los comentarios de Paco Fox, presentador y director, e invitados sorpresa.
La sesión golfa estará protagonizada por ‘Mi amigo Mac’, una de las peores versiones de ‘E.T.’ que existen, a las 23:59 horas en el Palacio de la Prensa.
Sábado 27: Maratón, desde las 10:45 horas, en el Auditorio del Centro Cultural de la Casa del Reloj de Matadero Madrid (Paseo de la Chopera, 10). En total, seis películas con títulos como ‘Super Mario contra Son Goku’, ‘Superman turco’, con la presencia de su director, Kunt Tulgar y ‘Geteven’, cinta de acción protagonizada por un abogado que quería ser el nuevo Scwarzennegger y se produjo un filme de su propio bolsillo, dando como resultado una obra maestra de lo cutre.
La jornada del sábado se completa con el estreno mundial de ‘Apocalipsis Voodoo’, a las 23:59 horas en el Palacio de la Prensa. Una especie de ‘Starsky y Hutch’ mezclado con ‘Expediente X’ y ‘Golpe en la pequeña China’, en esta cinta española dirigida por Vasni Ramos.
Domingo 28: ‘Documentrash’, en el Auditorio del Centro Cultural de la Casa del Reloj de Matadero Madrid, a partir de las 10:30 horas. Sesión doble dedicada a documentales en torno al cine cutre, en la que veremos ‘Nanaroscope’, producción del canal ARTE que analiza el fenómeno de la pasión por las malas películas y ‘Children of the stars’, que nos habla de una secta que rueda películas caseras de ciencia ficción, afirmando que todo lo que cuentan son historias reales que sucedieron millones de años atrás.
Por último, CutreCon VII se despide por todo lo alto con la ‘Etetón’, a partir de las 16:00 horas en los Cines Conde Duque Verdi Alberto Aguilera (C/Alberto Aguilera, 4). Una maratón de cuatro películas con joyas como ‘Alienator’ o el ‘E.T. filipino’ que prefiere rezar el rosario a llamar por teléfono a su casa.

Más información: http://cutrecon.com/

Categorías:w Otros festivales

Novedades de ‘Diábolo Ediciones’ para enero de 2018: Manga, Anime y cómic

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Que la cultura japonesa y en concreto el Anime y el Manga han llegado para quedarse es algo que en Diábolo Ediciones saben muy bien, tal y como demuestran con la constante edición de libros dedicados a ellos. En esta ocasión le toca el turno, por segunda vez, al universo Sailor Moon. Pero también celebraremos con ellos el centenario del Anime y sin olvidar el cómic, otro de los puntales de la editorial, con la edición del noveno tomo de Last Man. ¡A empezar el año con energía!

PARA AMPLIAR: CLICK EN LA IMAGEN

Categorías:Cómic y Manga

El Buque Maldito Nº 28 ¡Ya disponible!

Ya está a la venta un nuevo número del fanzine El Buque Maldito que centra gran parte de su contenido en la crónica de la cincuenta edición del SITGES – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya y la XXVIII Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián.

El reportaje del SITGES 2017 viene acompañado de entrevistas a Tony Isbert (Nadie oyó gritar), Hélène Cattet & Bruno Forzani (Amer), Jaume Balagueró (Mientras duermes), Paul Urkijo (Errementari, el herrero y el diablo), Can Evrenol (Baskin) y Nick Antosca (Channel Zero).

A la crónica de la Semana 2017 le siguen las interviús con la mítica actriz María José Cantudo y con el realizador Arturo de Bobadilla, artífice de  Los resucitados.

En paralelo a los certámenes cinematográficos, el número contiene una extensa entrevista con el director Paco Plaza centrada en su última película, Verónica; y con Fabio Frizzi y Antonella Fulci tras el encuentro el pasado mes de septiembre en la onceava edición del certamen Fimucité – Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife.

PVP: 3,50€ + gastos de envío. 54 páginas.

También disponibles los últimos ejemplares de los números 23, 26 y 27.

www.elbuquemaldito.com

PUNTOS DE VENTA EN BARCELONA:  

FREAKS C/. Ali Bei, nº10; ARKHAM COMICS C/. Xuclà, nº16; CINEMASCOPE C/. Torrent de l’olla, 101.

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