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El retorno del hombre lobo: El retorno de Waldemar Daninsky

30 noviembre 2016 Deja un comentario

“En El retorno del hombre lobo están las coordenadas , todas ellas, de mi propia vida, plasmadas en piezas que, si se analizan, encajan: el claustrofóbico castillo, las tumbas góticas, los amores sin futuro, las amenazas de los no muertos, la marginación de alguien condenado porque es distinto y la muerte, que lo impregna todo. Todos estos elementos forman mi personalidad y mi obra.”[1]

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Tras adquirir bagaje dirigiendo seis películas y asegurarse de disponer de medios y control absoluto sobre su obra, Paul Naschy por fin se anima a dirigir su primera película sobre su más popular creación, el licántropo Waldemar Daninsky. Y lo hace en un momento en el que dispone de total libertad para hacerlo, ya que gracias a un acuerdo de preventa cerrada con Japón, puede rodarla con su propia productora, Dálmata Films, fundada junto a Julia Saly, Augusto Boué y el japonés Masurao Takeda y con la que ya ha coproducido con Japón El carnaval de las bestias (1980) y Howaito Rabu (1979), filme para el mercado japonés en el que Naschy ejerció exclusivamente labores de producción.

En un principio el director piensa en realizar una secuela de La maldición de la bestia, anterior cinta de la serie protagonizada por el licántropo rodada en 1975 por Miguel Iglesias Bonns con guión, como es habitual, del propio Naschy y que, al contrario que todas las demás películas de la saga, tenía un final feliz con Waldemar curado de su maldición. Pero El asesino de la luna llena, que es como se piensa titular esta secuela, no se rueda, optándose por realizar un inconfeso remake de La noche de Walpurgis (León Klimovsky, 1971) al que se le añaden diversos elementos de otros títulos de la saga.

Waldemar Daninsky con la máscara de la ignominia a punto de ser apuñalado con la cruz de Mayenza

Waldemar Daninsky con la máscara de la ignominia a punto de ser ejecutado con la cruz de Mayenza

La acción se inicia en Hungría en el siglo XVI, donde es juzgada la Condesa Erzebeth Wandessa Bathory[2] acusada de beber la sangre de sus víctimas para conservar su juventud. También se enfrentan con la justicia sus cómplices, entre ellos el licántropo Waldemar Daninsky. Declarados culpables son condenados y mientras la Condesa será emparedada de por vida en su cuarto, Waldermar será apuñalado con una cruz forjada con la plata del cáliz de Mayenza. La acción pasa a la actualidad donde tres estudiantes, Karen (Azucena Hernández), Bárbara (Pilar Alcón) y Erika (Silvia Aguilar) viajan a los Cárpatos en busca del lugar donde fue enterrada la Condesa maldita. Lo que no saben sus compañeras es que Erika quiere resucitarla con ayuda de un medallón que ha sustraído a su profesor (Narciso Ibáñez Menta), tras asesinarle.

Póster español del film.

Póster español del film.

Este es el punto de partida de El retorno del hombre lobo, casi un compendio mejorado de varios filmes de la saga extrayendo de La noche de Walpurgis la mayor parte de la trama: en ambas historias un Waldemar revivido y desterrado en un caserón salva del peligro y acoge a unas jóvenes estudiantes, se enamora de una de ellas y se enfrenta como licántropo con la condesa sangrienta, vuelta a la vida como vampira. Una vez destruido el mal, la joven de la que se ha enamorado tendrá que liberarlo de la maldición hundiendo la cruz de Mayenza en su pecho.

Pero el argumento también posee puntos en común con otros filmes: así a bote pronto el inicio en pretérito en Hungría, con ejecución de Bathory (encarnada entonces por María Silva), pudo verse en El retorno de Walpurgis (Carlos Aured, 1973); la ejecución de  los brujos, con maldición y promesa de volver de por medio, nos la hicieron también Alaric de Marnac y Mabille de Lancré en El espanto surge de la tumba (Carlos Aured, 1973); otros forasteros fueron atacados por bandidos en la carretera de Baliavasta en Dr. Jekyll y el hombre lobo (León Klimovsky, 1972), donde la joven superviviente fue  rescatada por Waldemar, al igual que en este filme, de ser violada y asesinada.

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El retorno del hombre lobo mantiene también constantes con el cine de terror clásico, del que Paul Naschy era un gran entusiasta. Baliavasta es un lugar anclado en el siglo XIX y situado en la misma Europa que nos mostraba los filmes de Universal. Habitada por supersticiosos lugareños que fuman en pipa, visten ropas autóctonas y se reúnen en la acogedora taberna, donde el espantado dueño no deja de recomendar a los forasteros no frecuentar ciertos lugares de noche. Quizás por ello no parece extrañar a las tres jóvenes la forma de vestir que tiene el revivido Waldemar, a la usanza de un caballero del siglo XVI. Otra presencia familiar en las cintas clásicas era la del criado o ayudante deforme o jorobado, personaje recurrente tanto en las películas Universal como Hammer, que no olvidemos en principio adaptaron, con su propia idiosincrasia,  los filmes americanos. En El retorno del hombre lobo este personaje, habitual también en el cine de Naschy, recae en Beatriz Elorrieta[3], que encarna a la fiel sirvienta de Waldemar, Mircaya, con su bello rostro sepultado tras unas capas de látex.

Pilar Alcón como una de las atractivas vampiras de El retorno del hombre lobo

Pilar Alcón como una de las atractivas vampiras de El retorno del hombre lobo

Más iconográficas y particulares resultaron algunas escenas incluidas en El retorno del hombre lobo. Tanto que pueden calificarse como homenajes: la máscara que le ponen a Waldemar antes de ejecutarlo nos recuerda inevitablemente a La máscara del demonio (La Maschera del Demonio, Mario Bava, 1960), y la forma de resucitar a la Condesa Bathory con  el cuerpo de Bárbara suspendido sobre el sarcófago, para que al degollarla caiga la sangre sobre los restos de la bruja, es similar a la de la resurrección de Drácula príncipe de las tinieblas (Dracula: Prince of Darkness, Terence Fisher, 1966).

Quizá sea acertado pensar que todas estas referencias (propias y ajenas) forman parte del ideario de Jacinto Molina, responsable de todos los guiones de las películas protagonizadas por su licántropo, y cuya posible intención al escribir y rodar El retorno del  hombre lobo, sea la de poder hacer, por fin, su película definitiva sobre Waldemar Daninsky, un objetivo para muchos conseguido.

Rodada en el verano de 1980 en familiares localizaciones de Talamanca del Jarama, así como en los castillos de Villafranca del Castillo (Madrid) y Belmonte (Cuenca), además de otros lugares de Madrid como Navacerrada y Valdepiélagos, brilla especialmente en El retorno del  hombre lobo la fotografía de Alejandro Ulloa, elogiada unánimemente, que sigue fielmente las indicaciones que Naschy tenía en mente:

La fotografía de Alejandro Ulloa, tiene una textura quemada, como de pergamino antiguo; para lograr este efecto, estuvimos en el Prado estudiando a Brueghel (…) Tenía muy claro que el tono de la película tenía que ser gótico, pero por elementales problemas de presupuesto tenía que ambientarla en la actualidad. Así que opté por hacer la película en la época actual, pero aislando a Waldemar en un castillo, lo que me permitió conservar el decorado y el vestuario medievales. (…) Solo me arrepiento de haber empleado en más ocasiones de las debidas el zoom; pero se trataba de un  recurso muy de la época que entonces a todos nos parecía pintiparado[4]

Fotocromo que muestra la atmosférica iluminación y los colores predominantes en el film.

Fotocromo que muestra la atmosférica iluminación y los colores predominantes en el film.

La resurrección de los espectros y la aparición de las vampiras entre brumas y a cámara lenta (inspirado por Klimovsky) resultan muy efectivas. Sobre todo con ese acompañamiento de coral fantasmal. Según Ángel Agudo, para la banda sonora Naschy contacta con Ennio Morricone, que le vende una base musical que luego el cineasta trabaja con dos músicos españoles. Pero también hay música enlatada de Guido y Maurizio de Angelis y Stelvio Cipriani seleccionada por el propio director en los archivos de CAM, ediciones musicales.

Diseños dibujados por Jacinto Molina para el maquillaje en El retorno del hombre lobo

Diseños dibujados por Jacinto Molina para el maquillaje en El retorno del hombre lobo

En otros aspectos técnicos, como productor figura, junto a Julia Saly, un viejo conocido del director, Modesto Pérez Redondo, al que Naschy conocía desde La noche de Walpurgis y los tiempos de Profilmes. Del montaje se encargó Pedro del Rey,  y del vestuario León Revuelta, que también lo habían hecho en recientes cintas de Naschy como Los Cántabros (1980) y El carnaval de las bestias (1980), ambas de Jacinto Molina.

En la parte artística Naschy recurrió a experimentados actores que conocía por otros rodajes, varios de ellos presentes en El carnaval de las bestias, su película anterior, como Julia Saly, Azucena Hernández, Silvia Aguilar, Rafael Hernández, Pepe Ruiz, Ricardo Palacios, Tito García, Manuel Pereiro, Ramón Centenero, Alexia Loreto y José Thelman. Contando con el veterano Narciso Ibáñez Menta para un pequeño papel, al igual que con David Rocha, que se incorporó al rodaje porque “Jacinto me llamo una mañana y me pidió que le hiciera un papel por la tarde, porque falló el actor que iba a hacerlo y por supuesto que allí estuve. También recuerdo algo de una escena que hice junto a Pilar Halcón[5]. Precisamente la escultural actriz, que debutaba en el cine con este film, recordaba el buen ambiente que hubo durante el rodaje y como se hizo una de sus escenas, aquella en la que es degollada cabeza abajo para, con su sangre,  revivir a la condesa Bathory:

“La noche del hombre lobo era el titulo del guión que me dieron para estudiar. La primera escena que rodé creo que fue en la que me colgaron. Y… ¡vaya tela! Nueva en el rodaje y me dejé hacer ¡Casi me quedo sin pies! Me pusieron una atadura en los tobillos para colgarme boca abajo e hicieron mal la sujeción y me dolía terriblemente. Como yo no quería que por mí cortasen la escena, aguanté como una jabata mucho rato ¡Y encima los demás se equivocaban mucho! (risas). Cuando me descolgaron se echaron las manos a la cabeza de como tenía los tobillos. ¡Qué malos los de atrezzo o quien cñ  hiciese la atadura! “¿Quien cñ ha hecho esto tan mal?” gritaba Paul…”[6]

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Con Paul Naschy volvería a coincidir Pilar Alcón en Aquí huele a muerto (Álvaro Sáenz de Heredia, 1990). Lamentablemente esta sería la última colaboración de Azucena Hernández con el director. La actriz sevillana sufrió un trágico accidente de circulación en octubre de 1986 que truncó su carrera cinematográfica.

Julia Saly pone toda la carne en el asador para encarnar a la malvada condesa vampira, pero no consiguió hacernos olvidar a Patty Shepard. Como tampoco El retorno del hombre lobo, a pesar de su cuidada factura, consiguió que muchos de sus fans dejaran de mostrar preferencia por La noche de Walpurgis. Para Ángel Sala Fue una película algo anacrónica para la época, pero vista en la perspectiva de la saga Daninsky, se revela posiblemente como el mejor título de la misma, y uno de los mejores trabajos de su realizador, aunque no contenga la magia del filme de Klimovsky.”[7] Algo en lo que coincide Adolfo Camilo Díaz[8]

¿Cartel? ¿Diseño para video? en todo caso una variación del que no hemos podido averiguar procedencia.

¿Cartel? ¿Diseño para video? en todo caso una variación del que no hemos podido averiguar procedencia.

Por entonces los monstruos clásicos ya formaban parte de otra época y el público parecía haberles perdido el miedo. Lluis Bonet Mojica, que destaca que el filme está “realizado con esmero y cierta brillantez formal[9], también opina que  “Al guión le falta garra –y no es un chiste fácil, tratándose del hombre lobo-, o tal vez ocurra que los mitos clásicos del terror ya no infunden ningún temor en una época en la que el pánico cotidiano tiene aspectos nada fantásticos.”Conviene no olvidar también que la más cuidada entrega de la saga de Waldemar Daninsky, a pesar de que contenía uno de los más elaborados maquillajes de hombre lobo realizado hasta la fecha, llegaba en un momento en el que las carteleras nos mostraban  unos licántropos muy diferentes al de Naschy, pues el mismo año que se estrenaba El retorno del hombre lobo, llegaban a las pantallas Un hombre lobo americano en Londres (An American Werewolf in London, John Landis) y  Aullidos (The Howling, Joe Dante), películas que revolucionaron el concepto del licántropo

Cartel del último filme estrenado en cines de Paul Naschy

Cartel del último filme  de Paul Naschy estrenado en los cines norteamericanos

despojándolo de la humanidad que caracterizaba a Waldemar Daninsky, mostrando además unas transformaciones como nunca antes se habían visto en el cine. Lo que no fue  óbice para que Joe Dante incluyera en su película un reconocimiento hacia la labor de Naschy bautizando como Jack Molina a uno de los personajes. Y precisamente Jack Molina es el nombre que pusieron en el cartel americano de El retorno del hombre lobo cuando como The Craving, se estrenó  fugazmente en 1985 en  los cines norteamericanos de la mano de Film Concept Group con cerca de tres minutos de película cortados, la mayoría pertenecientes a una escena ‘cómica’ protagonizada por Pepe Ruiz. The Craving también fue la última película de Naschy estrenada en salas cinematográficas estadounidenses.

Los años han pasado y el film ha despertado pasiones encontradas. Donde unos ven virtudes: “(…) universo de goticismo lúgubre nunca igualado en la cinematografía española. (…) Un portentoso alarde técnico en el que nada chirría.”[10] “(…) una de las cumbres del fantaterror mundial y una obra de culto para el verdadero aficionado.”[11] Otros ven defectos: “(…) abundancia de zooms, montaje descuidado, música enlatada y hortera en el mayor de los casos (…) interpretaciones mediocres y guión deslavazado.[12]  “Calamitosa planificación, destartalada banda sonora, evidentes fallos de raccord.[13]

Pero Paul Naschy, que tiene este filme como favorito dentro de la saga del licántropo junto con el posterior La bestia y la espada mágica (Jacinto Molina, 1983), tuvo claro que consiguió el objetivo que buscaba: “En ella pude reflejar mi carácter y mis obsesiones, así como mi concepto de cine fantástico, con absoluta libertad.”[14]

Pilar Alcón y Silvia Aguilar, huéspedes de Paul Naschy.

Pilar Alcón y Silvia Aguilar, huéspedes de Paul Naschy.

Lamentablemente la película no consigue rentabilizar la inversión, lo que motiva el cierre de Dálmata Films. Naschy no tarda en abrir una nueva productora, Acónito Films, con la que abordará nuevas películas: Latidos de pánico[15] (1983), La bestia y la espada mágica (1983), Mi amigo el vagabundo (1984), El último kamikaze (1984) y Operación Mantis (1985), que será la más costosa y que causará la ruina de la productora, empañando la relación que Naschy mantenía con los productores japoneses.

Tras la debacle de Acónito, Julia Saly se retiró del cine y se dice que tiene un restaurante en algún lugar de España. En 1987 murió Takeda, el socio japonés de la compañía, que continuaba incansablemente buscando financiación japonesa para los filmes de su amigo.

Por su parte Paul Naschy atravesó una mala temporada (que analizamos en este artículo) de la que afortunadamente fue resurgiendo poco a poco gracias, en parte, a los homenajes y rodajes que tuvo en el extranjero y al reconocimiento de su labor por parte  de las nuevas generaciones de amantes del cine.

waldemardaninsky_01gEn 2007 el argumento y la estética de El retorno del hombre lobo, fueron adaptados con éxito en el cómic Waldemar Daninsky por Javier Trujillo y el propio Naschy, lo que llevó al veterano actor a realizar diversas presentaciones personales, como la que tuvo lugar en el Salón del Cómic de Barcelona en 2009, donde coincidió con otro invitado de excepción, Ray Harryhausen, al igual que Naschy, un mito del cine fantástico.

Escudo que luce Waldemar Daninsky en su pecho (Propiedad de Ángel Gómez Rivero)

Escudo que luce Waldemar Daninsky en su pecho (Propiedad de Ángel Gómez Rivero)

[1] Naschy, P.: Memorias de un hombre lobo. Alberto Santos Editor, Madrid, 1997. Pág. 129-131
[2] Noble húngara (1560-1614) obsesionada con la belleza a la que se le atribuyen 630 muertes de jóvenes, a las que desangraba para bañarse en su sangre. También se dice que todo fue una invención de sus enemigos para buscar su perdición y muerte. Fue juzgada y emparedada de por vida en su cuarto.
[3] Beatriz Elorrieta es hija del director José María Elorrieta y hermana de Javier Elorrieta. Inició su carrera con el nombre de Beatriz Lacy y dentro del cine de terror ha participado en Necrophagus (Miguel Madrid, 1971) y La llamada del vampiro (José María Elorrieta, 1972), volviendo a coincidir con Paul Naschy en Mi amigo el vagabundo (Jacinto Molina, 1984).
[4] Prada, J. M. de: ‘El ciclo de Waldemar Daninsky’. La marca del hombre lobo. Alberto Santos Editor, Madrid, 2003. Pág. 133
[5] Declaración de David Rocha al autor de este artículo.
[6] Benítez, C.: ‘De El retorno del hombre lobo a Conan el Bárbaro, pasando por otros rodajes’ Proyecto Naschy, Barcelona, 2012.
https://proyectonaschy.wordpress.com/2012/07/04/pilar-alcon-de-el-retorno-del-hombre-lobo-a-conan-el-barbaro-pasando-por-otros-rodajes/
[7] Sala, A.: Profanando el sueño de los muertos. Scifiworld, Pontevedra, 2010. Pág. 168.
[8] Camilo Díaz, A.: ‘Los ojos de Paul Naschy’. Fangoria Nº 18, Ed. Zinco, Barcelona, abril 1993. Pág. 65.
[9] Bonet Mojica, Ll. ‘El retorno del hombre lobo’ La Vanguardia, Barcelona, martes 21 de abril de 1981.
[10] Prada, J. M.: “El ciclo de Waldemar Daninsky” en La marca del hombre lobo. Alberto Santos Editor, Madrid, 2003. Pág. 133.
[11] Alonso Barahona, F.: El cine fantástico y de terror en España” en Las tres caras del terror. Alberto Santos editor, Madrid, 2000. Pág. 198.
[12]  Aguilar, M.: “El retorno del hombre lobo” en Quatermass Nº 4-5, Bilbao, Otoño 2002. Pág. 108
[13] López, D. y Pizarro, D.: Silencios de Pánico, Tyrannosaurus Books, 2013. Pág. 279.
[14] Prada, J. M.: Ibídem.
[15] Donde el director recuperaba a Alaric De Marnac, protagonista de El espanto surge de la tumba (Carlos Aured, 1973) y otra creación de Naschy, basada en esta ocasión en el personaje histórico Gilles de Rais (1405-1440), aristócrata francés que mato a centenares de niños y niñas en su corte formada por brujos, alquimistas y adoradores del diablo antes de ser juzgado y ajusticiado por sus atroces crímenes.
Figura de Waldemar Daninsky lanzada por Scifiworld en claro homenaje a la caracterización y vestuario del actor en El retorno del hombre lobo

Figura de Waldemar Daninsky lanzada por Scifiworld en claro homenaje a la caracterización y vestuario del actor en El retorno del hombre lobo

Categorías:FANTATERROR, Paul Naschy

Serendipia’s Sitges Film Festival 2016. Novena cápsula: Palmarés y cierre

29 noviembre 2016 Deja un comentario

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SÁBADO 15 DE OCTUBRE

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Jornada final de esta edición del festival de Sitges, pues como ya saben todos ustedes el último domingo está reservado para ofrecer en las salas lotes de películas en forma de maratón. Pero ese ya es otro festival en sí mismo. El sábado, para variar, nos recibió soleado tras un festival pasado por agua, inclemente en algunos momentos. Un buen tiempo que sin duda motivaba para hacer las últimas colas a la puerta de los cines. Serendipia las haría en l’Auditori, Prado y, finalmente, en Tramuntana.

Ábrimos el día con Limehouse Golem, película de clausura de esta edición. Una cinta ambientada en la época victoriana con asesino suelto en el barrio londinense de Limehouse. El caso será encargado a un fino sabueso, John Kildare de Scotland Yard (Bill Nighy), un Sherlock Holmes caído en desgracia entre compañeros y superiores por su homosexualidad. Kildare tendrá que abordar el complejo caso que tendrá como telón de fondo el mundo de las variedades. Una magnífica intriga, bien interpretada y narrada, con un exquisito diseño de producción y una sugerente iluminación, pero que no llegó a convencer del todo el respetable, que posiblemente ya acusaba un cansancio natural tras ocho jornadas repletas de cine. Su director, Juan Carlos Medina, ya nos ofreció en 2012 la muy interesante Insensibles, cinta con la que debutó.

Estos pequeños drugos se pasearon por el jardín del Melià ¿no son adorables? (Foto: Serendipia)

Estos pequeños drugos se pasearon por el jardín del Melià ¿no son adorables? (Foto: Serendipia)

Voyage of Time: Life’s Journey de Terrence Malick fue un bonita experiencia sensorial. Relajante, muy relajante. Ignoramos como funcionaría en su segundo pase a las 15.30 de la tarde (después de comer…) o en el último, cerrando la maratón del siguiente día. Pero nos lo podemos imaginar.

Más cine de animación y Serendipia se despedía por este año del entrañable Prado con la melancólica producción franco-canadiense Louise en Hiver de Jean-François Laguionie, una conmovedora historia narrada con una sencilla pero efectiva animación que simula estar realizada con acuarela sobre papel satinado, lo que da a a la película aspecto de cuento ilustrado. Una historia de vejez y recuerdos que rememora su anciana protagonista, Louise, tras perder el último tren al final del verano y quedar sola e incomunicada en un pequeño pueblo costero.

Las películas que Serendipia seleccionó para la tarde demostraron se mucho más movidas. Yoga Hosers es otra comedia del muy atareado Kevin Smith. Aunque muy diferente a Tusk (2014), su anterior cinta proyectada también en Sitges, los dos personajes protagonistas, encarnados por Harley Quinn Smith y Lily-Rose Deep, hija de Vanessa Paradise y Johnny Deep (presentes ambos en Yoga Hosers también), ya aparecían en la anterior película de Smith. Nazis, castores, números musicales, extraños asesinatos, Stan Lee, agresiones anales y, en definitiva, mucho desmadre. Pero no tanto como el que hubo en la clausura particular de Serendipia, The Mermaid (Mei ren yu) de Stephen Chow, uno de los actores y realizadores más populares en China, autor de grandes éxitos de taquilla como From Beijing with Love (1994), Shaolin Soccer (2001), Kung Fu-sion (2004) o Journey to the West (2013), nos preparó un cóctel de acción, fantasía y mucho humor con trasfondo ecologista. Un cartóon delirante con reconocibles melodías en su banda sonora, entre ellas la de Furia oriental (Jing wu men, Lo Wei, 1972). Un buen broche para esta edición número 49 que pensamos ha tenido en general un nivel bastante alto. Ciertamente no vimos todo lo que quisimos, por imposibilidades horarias, pero lo que vimos bien mereció la pena.

PALMARÉS Y CONCLUSIONES

La cruz: cola de prensa bajo la lluvia (Foto: Serendipia)

La cruz: cola de prensa bajo la lluvia (Foto: Serendipia)

Cuando escribo esto hace ya más de un mes que finalizó el 49 Festival de Sitges. Rememorarlo con estos artículos deja la sensación de que NUESTRO festival de Sitges, y cuando digo nuestro me refiero al que ha vivido Serendipia, ha tenido un nivel más que aceptable, siendo alto en algunas ocasiones. En esta ocasión nos hemos centrado más en ver películas que en hacer vida social o cazar autógrafos. Cada año es diferente, va como va, pero todas esas facetas también han ido bien. Muy bien.

Realmente hubo sesiones muy concurridas, y todo ello a pesar de la lluvia, que nos acompañó durante varios días contradiciendo al habitual único día lluvioso de rigor. Ha hecho mal tiempo, sí, y ello ha hecho que brillara mucho una de las grandes deficiencias de la organización. Cuando se celebró la sesión infantil, con sus previsibles retrasos, no se quiso perder comba y se programó a continuación Dog eat Dog de Schrader. A los imprevistos que ofreció la visita de tantos niños, que tras la sesión debían subirse a los autocares con el consiguiente retraso, hubo que sumar un copiosa lluvia algo que, si bien naturalmente está fuera del alcance de la organización, preverlo no lo hubiera estado tanto y, ante esta situación que se vive cada año, preparar algún tipo de parapeto (como el que tiene el público general o los invitados y profesionales) para no dejar a prensa desamparados ante los elementos. Pensamos que es una cuestión que habría que solventar.

Sin embargo algo que sí se ha solventado con respecto al año anterior es la sala Tramuntana Melià Sitges, que estuvo mucho mejor organizada y resultó mucho más cómoda para el público. Un gran aplauso pues para la organización, que ha montado otra sala cómoda y con las posibilidades que ofrece para poder ver con mayor comodidad el mayor número de cintas.

La cara: un radiante Tramuntana Melià Sitges (Foto: Serendipia)

La cara: un radiante Tramuntana Melià Sitges (Foto: Serendipia)

Por su parte la organización del festival se muestra satisfecha con los resultados de esta edición. Los datos de venta de entradas mantienen las cifras de récord registradas el año anterior, con un 7% de incremento, sumando un total de 66.859. El Festival ha crecido un 18% en entradas vendidas en los dos últimos años. Y según los cálculos de la organización, el Festival ha recibido 200.000 asistentes.

Y el Festival inicia las celebraciones de su 50º aniversario del que, lamentablemente, ha caído el primer acto a celebrar, el concierto de Fabio Frizzi en la sala Phenomena de Barcelona, que se suspendió sin que la organización ofreciera muchas explicaciones. En otro orden de cosas, Serendipia celebra que uno de sus directores favoritos, el mejicano Guillermo del Toro, que ha mantenido siempre un vínculo muy estrecho con Sitges, haya sido escogido como padrino de excepción de esta efeméride. Del Toro ha visitado el certamen en varias ocasiones. En el año 1993 presentó en el Festival su debut, Cronos; recibió el Premio Màquina del Temps en 2002, y en el 2006 inauguró con El laberinto del fauno.

Quedamos pues a la espera de esa 50 edición del festival, que sin duda será mágica y en la que esperamos volver a encontrarnos con tantos amigos como en esta ocasión. Ha sido todo un placer compartir esta edición con todos ustedes

¡¡Nos vemos en  Sitges 2017, la edición número 50 del Festival !!

Sección Oficial Fantàstic Sitges 49ª 
Premio Mejor Película: SWISS ARMY MAN, de Daniels
Premio Especial del Jurado: LA AUTOPSIA DE JANE DOE (THE AUTOPSY OF JANE DOE), de André Øvredal
Premio Mejor Dirección (patrocinado por Gas Natural Fenosa): Yeong Sang-ho, por TRAIN TO BUSAN
Premio Mejor Interpretación Femenina: Sennia Nanua, por MELANIE. THE GIRL WITH ALL THE GIFTS
Premio Mejor Interpretación Masculina (patrocinado por Autolica – Mercedes Benz): Daniel Radcliffe, por SWISS ARMY MAN
Premio Mejor Guión: Jeremy Slater, por PET
Premio Mejores Efectos Especiales: Jung Hwang-su, por TRAIN TO BUSAN
Premio Mejor Fotografía: Hong Kyung-pyo, por EL EXTRAÑO (THE WAILING)
Gran Premio del Público (patrocinado por La Vanguardia): THE HANDMAIDEN, de Park Chan-wook
Premio Mejor Cortometraje Sección Oficial Fantàstic 
CURVE, de Tim Egan
Mención especial a LIMBO, de Konstantina Kotzamani
Premio José Luis Guarner (Jurado de la Crítica) 
THE NEON DEMON, de Nicolas Winding-Refn
Premio Citizen Kane a la Mejor Dirección Novel 
Julia Ducournau, por GRAVE (CRUDO)
Premio Jurado Carnet Jove a la Mejor Película
GRAVE (CRUDO), de Julia Ducournau
Menciones especiales a THE LURE, d’Agnieszka Smoczynska y SWISS ARMY MAN, de Daniels
Noves Visions ONE 
UNDER THE SHADOW, de Babak Anvari
Mención especial a PREVENGE, de Alice Lowe
Noves Visions PLUS 
A DRAGON ARRIVES, de Mani Haghighi
Mención especial a ARE WE NOT CATS, de Xander Robin
Premio Mejor Cortometraje Noves Visions Pequeño Formato: LA FEMME ET LE TGV, de Timo Von Gunten
Panorama Fantàstic 
I AM NOT A SERIAL KILLER, de Billy O’Brien
Òrbita 
LO CHIAMAVANO JEEG ROBOT, de Gabriele Mainetti
Focus Àsia 
EL EXTRAÑO (THE WAILING), de Na Hong-jin
Mención especial a DEAREST SISTER, de Mattie Do
Anima’t 
Premio Mejor Película: YOUR NAME, de Makoto Shinkai
Premio Mejor Cortometraje: DARREL, de Marc Briones y Alan Carabantes
Midnight X-Treme 
IT STAINS THE SANDS RED, de Colin Minihan
Brigadoon
ARCANA, de Jerónimo Rocha
Méliès d’Argent 
Premio Mejor Película Europea SOFC 49: GRAVE (CRUDO), de Julia Ducournau
Premio Mejor Cortometraje Europeo SOFC 49: DAWN OF THE DEAF, de Rob Savage
Blood Window 
1974, de Victor Dryere
Premis SGAE Nova Autoria 
Premio Mejor Guión: EN LA AZOTEA, de Miguel Casanova y Damià Serra
Premio Mejor Direcció-Realització: CABEZA DE ORQUÍDEA, de Violeta Blasco, Germán Andrés López, Carlotta Napolitano, Angélica Sánchez y Claudia Zegarra
Premio Mejor Música Original: ROGER, de Jan Fité
Premio IV Laboratorio de Escritura de Guión Cinematográfico: LOS INVITADOS, de Carla Guimarães

 

Categorías:Festival de Sitges

Suculentas Novedades ‘Vial of Delicatessens’ para el 25 de enero

28 noviembre 2016 Deja un comentario

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Vial of Delicatessens nos prepara dos interesantes novedades que se pondrán a la venta el 25 de enero. Podrán ver la ópera prima del mismísimo Ángel Sala (director del Festival de Sitges) Nunca he estado en Poughkeepsie y también una rara cinta de terror inglesa, El lago de satán (The She Beast, Michael Reeves, 1966) protagonizada por la mágica Barbara Steele. ¿Se les ocurre algo mejor con lo que comenzar el nuevo año?

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Categorías:DVD / BLU-RAY

‘Train to Busan’ se estrena el 5 de enero abriendo el ciclo ‘Sitges Tour a Contracorriente’

28 noviembre 2016 Deja un comentario

A CONTRACORRIENTE FILMS continúa su colaboración con el Festival Internacional de Cinema de Catalunya-SITGES y repetirá la experiencia del CICLO SITGES TOUR A CONTRACORRIENTE. Esta iniciativa consistirá en estrenar en cines 5 de las películas que se presentaron en el pasado festival durante las 5 primeras semanas del 2017, empezando el 5 de enero, con el blockbuster coreano TRAIN TO BUSAN.

El Festival de Sitges es el principal certamen de género fantástico del país y uno de los más prestigiosos del mundo, toda una referencia en su especialidad. En su última edición, A CONTRACORRIENTE FILMS presentó seis de sus últimas adquisiciones en la Sección Oficial. De estos títulos, los 5 que se proyectarán en el CICLO SITGES TOUR son:

TRAIN TO BUSAN – estreno 5 enero 2017
LA AUTOPSIA DE JANE DOE – estreno 13 enero 2017
SHIN GODZILLA – estreno 20 enero 2017
SOMNIA. DENTRO DE TUS SUEÑOS – estreno 27 enero 2017
MELANIE. THE GIRL WITH ALL THE GIFTS – estreno 3 febrero 2017

TRAIN TO BUSAN

TRAIN TO BUSAN de Yeon Sang-ho (“The King of Pigs”, “The Fake”) es la sensación del año en Corea, con más de 11 millones de espectadores en su país y rompiendo taquillas allí donde se estrena (Taiwán, Hong Kong, Australia, Francia), se estrenará en nuestro país el 5 de enero 2 La película se presentó en la sección oficial del Festival de Cannes, donde se convirtió en una de las películas más comentadas y valoradas por la crítica. Después el film ha arrasado en todos los festivales donde se ha presentado:

Festival de Sitges

Mejor Director y Mejores Efectos Visuales

Fantasia Film Festival
Premio del Público

Semana de Cine de Terror de Donostia
Premio del Público

Festival Fancine de Málaga
Premio del Público, Premio de la Crítica y Mejores Efectos Visuales

Festival de cine de Terror de Molins de Rei
Premio del Público

Sinopsis
Un brote viral misterioso pone a Corea en estado de emergencia. Sok-woo y su hija Soo-ahn suben al KTX, un tren rápido que une los 442 km que separan Seúl de Busan. Pero justo en el momento de su partida, la estación es invadida por zombis y uno de ellos sube a bordo del tren. Mientras el tren alcanza su máxima velocidad, los pasajeros tendrán que luchar por sus vidas.

“El debut en el largometraje de ficción de Yeon Sang-ho es una colisión de alta velocidad
entre “Snowpiercer” y “Guerra Mundial Z””

Indiewire

“Una de las mejores películas de zombis de los últimos años,
con toques de George A. Romero y Danny Boyle”

Rogerebert.com

 “Un viaje de pura adrenalina zombie”
The Guardian

LA AUTOPSIA DE JANE DOE

André Øvredal, el realizador de Troll Hunter, dirige a Emile Hirsch (“Hacia rutas salvajes”) y Brian Cox (“Churchill”) en esta historia terrorífica que impactó al público de Sitges. La película llegará a los cines el próximo 13 de enero 2017.

Tras su presentación en la sección Midnight Madness del Festival de Toronto, LA AUTOPSIA DE JANE DOE se ha alzado con varios premios:

 

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Festival de Sitges
Premio Especial del Jurado

Fantastic Fest de Austin
Mejor Película de Terror

Semana de Cine de Terror de Donostia
2ª posición del Premio del Público

Festival  de Terror de Molins de Rei
Mejores Efectos Visuales

Sinopsis:
El cuerpo de una joven sin identificar aparece en un pequeño pueblo de Virginia. En el depósito de cadáveres, los dos forenses (Tommy y Austin, padre e hijo) pronto observan evidencias físicas muy extrañas. Con precisión metódica, su autopsia pone al descubierto los secretos ocultos tras el cadáver.

“Intrigante, genuinamente aterradora y siempre cautivadora”
The Hollywood News

“Brillante, inteligente y realmente aterradora”
Slash Film

SHIN GODZILLA

SHIN GODZILLA (“Shin Gojira”) está dirigida por dos de los directores de moda en Japón: Hideaki Anno, el creador de la serie de animeNeon Genesis Evangelion” y Shinji Higuchi, experto en efectos especiales y director de “Ataque a los titanes”. El nuevo Godzilla se estrenó como nº1 del Box Office en su país y logró más de 75 millones de dólares.

Sinopsis
Godzilla, fuerza destructiva insondable para el hombre, resucita en el Tokio de hoy en día para acosar de nuevo a la civilización. Un país aún atormentado por las secuelas de un desastre natural, experimenta de repente el horror catastrófico de Godzilla. Desafiado por la muerte y la desesperación, Japón deberá encontrar la fuerza para superar estos desafíos.

“Las escenas de destrucción son ejecutadas impecablemente y absolutamente extraordinarias”
The reel run down

“La película más entretenida en décadas sobre nuestro reptil radioactivo favorito”
SF Weekly

“Una película sobre monstruos como ninguna otra”
Indiewire

SOMNIA. DENTRO DE TUS SUEÑOS 

Mike Flanagan, el director de Oculus. El espejo del Mal, estrena SOMNIA. DENTRO DE TUS SUEÑOS (“Before I wake”) el próximo 27 de enero 2017. La película está protagonizada por Kate Bosworth (“Superman returns”), Thomas Jane (“La Niebla”) y Jacob Tremblay (“La habitación”).

Sinopsis
Jessie y Mark deciden adoptar a Cody, un niño a quien le aterroriza dormir. Inicialmente creen que el origen de dicha fobia está en el traumático pasado del chico. Pero pronto se dan cuenta de la verdad: los sueños de Cody se proyectan en la realidad, y muchas veces lo que se materializa son horribles y letales pesadillas. Para salvar a su familia, Jessie y Mark deberán descubrir qué se encierra bajo los sueños del pequeño.

“El director hace un gran trabajo de inyectar mucha humanidad en lo que podría haber sido otra historia sobre fantasmas”
Nerdist

“Constituye un ejercicio en el que convergen fantasía y horror de una manera inesperadamente placentera”
Cinema Movil

“El director de “Oculus” vuelve a apostar por su visión del terror
más onírico que nunca”

Visión del Cine

MELANIE. THE GIRL WITH ALL THE GIFTS
 

Colm McCarthy (“Doctor Who”, “Sherlock”) dirige a Gemma Arterton (“Byzantium”), Paddy Considine(“Macbeth”), Glenn Close (“Las amistades peligrosas”) y Sennia Nanua, en la adaptación a la gran pantalla del bestseller de Mike Carey.

La película inauguró la Piazza Grande del Festival de Locarno, participó en la prestigiosa sección Midnight Madness del Festival de Toronto, ganó el premio al Mejor Director en el Fantastic Fest de Austin y ganó el premio a la Mejor Actriz en el Festival de Sitges. Warner Bros estrenó la película en el Reino Unido el pasado mes de septiembre, poco antes de lograr 4 nominaciones a los British Independent Film Awards.

Sinopsis

El futuro cercano. La humanidad ha sido destruida por una enfermedad contagiosa que convierte a sus víctimas en carnívoros implacables. Sólo un pequeño grupo de niños parece inmune a sus efectos. En una base militar en la Inglaterra rural, se estudia a estos niños, que son capaces de pensar y sentir aún estar infectados, en la búsqueda de una cura. Melanie es una niña muy especial, que destaca del resto. Pronto decidirá su propio futuro y el de la raza humana.

“Un brillante y distópico thriller”
Daily Mail

“El mejor apocalipsis de zombies en años”

Empire Magazine

“Provocativa e imaginativa”

The Guardian

“Una película de zombies con entrañas y cerebro”

The Telegraph

 

 

Categorías:TRAILERS RECOMENDADOS

Serendipia’s Sitges Film Festival 2016. Octava cápsula

28 noviembre 2016 Deja un comentario

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VIERNES 14 DE OCTUBRE

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Con The Neon Demon vino uno de los momentos más esperados para Serendipia, que llegaba tan virgen a su proyección en la pantalla de l’Auditori como Jesse (el carácter encarnado por Elle Fanning en la cinta) a L.A. Y valió la pena, ya que ese (y no el otro) es el formato ideal para valorar esta película en toda su justicia. Esa vorágine de colores y sonidos en el que la belleza es lo único importante tiene que vivirse en pantalla grande, con el realce de esa música electrónica a todo volumen, ideal para mostrar la falta de vida. La falta de alma. Carne blanca para depredadores encarnada por una magnífica Elle Fanning, perfecta en su papel. Enigmática, pura, bella. Una Norma Jean dispuesta para el sacrificio ante el demonio de neón. Nada es accesorio. Todo llevará al holocausto de la virgen, justo cuando está a punto de corromperse, a manos de sus envidiosas enemigas, que devorarán su carne y beberán su sangre ante la creencia atávica de que adquirirán sus dones, su fuerza, radicada en su inocencia y su pureza. Nicolas Winding Refn se atreve con todo y transforma con sus sugerentes imágenes este guión, aparentemente básico, en un caleidoscopio repleto de ricas lecturas visualmente brillante que sitúa a Drive como un título menor en su filmografía.

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Por cierto, la parte inteligente de Serendipia realizó un artículo para nuestros amigos de Cine Divergente en el que explica como le impactó el filme. Dejen pues de leer este panfleto y échenle un vistazo con un simple CLICK!

La siguiente película de la mañana nos la presentó también Refn, que a última hora no pudo asistir en persona pero que envió unas imágenes como atención con el público y la organización del Festival. Se trató de la remasterización de Zombi. El regreso de los muertos vivientes (Dawn of the Dead), el clásico de 1978  de George  A. Romero que inició todo lo que estamos viviendo con el no muerto como monstruo del nuevo milenio. El montaje, cuya remasterización ha supervisado Refn, es el europeo, que realizó Dario Argento. Poco huelga añadir que no se haya dicho sobre esta cinta, aparte de que es fantástico poder reverenciarla en su formato y habitat original.

El menú cinematográfico del día finalizaría para Serendipia con Tunnel (Toe-Neol) del coreano Kim Seong-hun, director del que pudimos disfrutar la divertida A Hard Day en la edición de 2014 y que ofreció, en esta ocasión, un drama (con toques de comedia) sobre un comercial que queda atrapado con su coche en un túnel al desprenderse el techo. Además de la claustrofóbica situación que vivirá el protagonista, en compañía de un inesperado compañero, tendremos, en el exterior, el discutible papel de la prensa (como ya sucedía en el clásico de Billy Wilder El gran carnaval (Ace in the Hole, 1951)); la angustia de su esposa; y la siempre cínica actitud de las autoridades, dispuestas a ponerse la medalla si sale todo bien o a quitarse responsabilidad en caso contrario. Otra magnífica muestra del mejor cine coreano de entretenimiento.

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Víctor Matellano durante la presentación de su libro (Foto: Serendipia)

Pero no todo va a ser ver películas y más películas. También hay sitio para otra de las pasiones de Serendipia como es la literatura de… eh, sí, de cine. El director y escritor Víctor Matellano presentó su interesante libro, Terror en el museo de cera, que surge a partir de la aparición del guión original de la película inconclusa Horror en el museo de cera, de Paul Naschy, que se consideraba perdido. El volumen se ha completado con una amplia filmografía de películas ambientadas en estos tétricos museos, así como con numeroso material gráfico y dibujos de Alfonso Azpiri. Matellano aprovechó también para hablar de su última película, Stop Over in Hell, que clausuró el Almería Western Film Festival. Precisamente en la presentación estuvo uno de los héroes personales de Serendipia y autor del poster del filme de Víctor Matellano, el ilustrador Sanjulián, toda una leyenda desde la época de Selecciones Ilustradas de Josep Toutain, cuando los dibujantes e ilustradores españoles triunfaban en Estados Unidos y en el resto del mundo publicando sus trabajos en las revistas Warren con Creepy, Eerie y Vampirella en cabeza.

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Y Shelagh Rowan-Legg durante la del suyo (Foto: Serendipia)

Después vino el momento surrealista de la jornada con la presentación  del libro The Spanish Fantastic: Contemporary Filmmaking in Horror, Fantasy and Sci-Fi de Shelagh Rowan-Legg, en el que la autora analiza el cine fantástico español de las últimas décadas. Durante la presentación, dirigida tan solo al público de habla inglesa, la autora se limitó a recitar el abultado guión que llevaba preparado. Tras una agotadora hora de lectura descubrí que solo había un ejemplar disponible, pues el resto había sido reservado en una pre-venta no anunciada, o realizada de manera restringida. También descubrí, demasiado tarde, pues ya me lo había firmado (que no dedicado), su elevado precio, que congeló la sangre en las venas de Serendipia.

Y con esto el segundo, y último viernes del festival de Sitges finalizaba. Llegaba la última jornada y, aunque el agotamiento hacía visiblemente mella en Serendipia, todavía le quedaban por ver  5 películas 5.

 

 

 

Categorías:Festival de Sitges

VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 25 de noviembre de 2016 *

24 noviembre 2016 Deja un comentario

GIMME DANGER (Jim Jarmusch, 2016)

USA. Duración: 108 min. Guión: Jim Jarmusch Fotografía: Tom Krueger Género: Documental

gimme-danger-2Sinopsis: El rock’n’roll potente y agresivo de The Stooges, que apareció en Ann Arbor, Michigan, durante una revolución contra-cultural, fue como una bomba en el paisaje musical de finales de los años sesenta. Con su mezcla de rock, blues, R&B y free jazz, el grupo en el que debutó Iggy Pop plantó los cimientos de lo que se conocería posteriormente como punk. Este documental narra la epopeya de The Stooges, uno de los grupos de rock más importantes de todos los tiempos. “Gimme Danger” presenta el contexto en el que The Stooges evolucionaron musicalmente, culturalmente, políticamente, históricamente, a través de sus aventuras y sus desgracias, evocando sus fuentes de inspiración y las razones de sus primeros desafíos comerciales, hasta su llegada al Panteón del rock.

Brillante documental sobre la tan desquiciada como breve carrera de The Stooges, pioneros indiscutibles del punk. Desde los inicios de Iggy Pop como batería en bandas de garage como The Iguanas y Prime Movers; pasando por su aprendizaje acompañando en Chicago a bluesmens negros, Jim Jarmusch va de cabeza a la fuente original contando con la participación de los propios protagonistas, Iggy y el resto de supervivientes de la banda original, que narran episodios en primera persona en una cinta, no tan solo para incondicionales del grupo, ni siquiera para amantes del Rock, sino para un amplio espectro de público, pues Gimme Danger está tan magistralmente narrada por Jarmusch, que consigue interesar aunque sea la primera vez que oyen hablar del la iguana y su sugerente comportamiento en escena. El director consigue esa magia hilvanando las escasas imágenes que se conservan de The Stooges, junto a multitud de fotografías y metraje de archivo. Sin despreciar la animación.

Drogas, anécdotas, MC5, más drogas, John Wayne, David Bowie, disturbios callejeros y el convulso final de la década de los sesenta, en la que el hipismo y el Flower Power dio paso a una actitud bien distinta. Y es que, con tan solo tres discos, The Stooges demostraron, como demostrará Gimme Danger a quienes lo ignoraban, que  los Sex Pistols (o mejor dicho, Malcolm McLaren) no inventaron nada y que su actitud -y el sonido- punk no nació en 1977, sino bastante antes.

 

BAR BAHAR – ENTRE DOS MUNDOS (Bar bahr, Maysalun Hamoud, 2016)

Israel Duración: 96 min. Guión: Maysaloun Hamoud Música: Mg Saad Fotografía: Itay Gross Género: Drama

Reparto: Mouna Hawa, Shaden Kanboura, Sana Jammalieh

1477641517-bar-bahar-cartel-400pxSinopsis: Salma, Laila y Nur no encajarán nunca. Palestinas con pasaporte israelí, optan por vivir una vida de libertad en Tel Aviv, donde comparten piso y vivencias, lejos de sus lugares de origen.   BAR BAHAR- Entre dos mundos plasma la dualidad a la que las tres jóvenes mujeres se ven sometidas en su vida diaria, atrapadas entre la tradición y la vida en la gran ciudad, así como el precio que deben pagar por un estilo de vida que la mayoría considera normal: la libertad de trabajar, de divertirse  y de elegir.Las tres buscan el amor, pero como jóvenes palestinas pronto se darán cuenta de que una relación escogida por ellas no es algo fácilmente alcanzable.

A nuestras pantallas van llegando, casi con cuentagotas, historias que nos muestran otras formas de vivir muy diferentes a la nuestra, y que aunque puedan resultarnos extrañas, en muchos casos no son nada ajenas. La lucha de la mujer por alcanzar la igualdad con respecto al varón no está, ni mucho menos, superada en occidente. Cada día  los periódicos nos lo demuestran, pero cuando hablamos de oriente, las cosas se ponen mucho más dramáticas. Religión, tradición y patriarcado son fronteras difíciles de atravesar para la mujer oriental. Lo hemos visto recientemente en películas como la magnífica producción india, La estación de las mujeres (Parched, 2015) de Leena Yadav o la iraní Nahid (2015) de Ida Panahandeh historias, como vemos, que tienen en común, además de estar protagonizadas por mujeres que se rebelan contra todos esos factores enumerados, el estar escritas y contadas también por mujeres, desde dentro. Punto en común que se repite con esta cinta israelí (sería más correcto decir palestina) dirigida y escrita por Maysaloun Hamoud. En ella tres jóvenes muy diferentes tendrán que enfrentarse al futuro que les tienen organizado sus padres, novios e incluso amantes, un futuro en el que lo que menos cuenta es lo que deseen hacer las própias protagonistas.

Esta película fue ampliamente reconocida en el Festival de Cine de San Sebastián tras su participación en la sección Nuevos Directores donde obtuvo cuatro importantes premios:

  • Premio TVE Otra Mirada, galardón concedido en reconocimiento a películas que traten temas cercanos al mundo femenino.
  • Premio Eroski de la Juventud, al que optan películas de las secciones Nuevos Directores y Horizontes Latinos.
  • Premio Sebastiane, galardón destinado al filme que mejor refleje los valores y la realidad del colectivo LGTB.
  • Premio CICAE, concedido por la Confederación Internacional de Cines de Arte y Ensayo.

Desde una perspectiva realista y con miras hacia el cambio, BAR BAHAR-Entre dos mundos, muestra el día a día de tres mujeres palestinas que viven en Tel Aviv, aspecto refrescante e inusual dentro del cine palestino, así como absolutamente necesario. “El cine palestino pide a gritos nuevos personajes femeninos. Es imposible seguir siendo la madre, la hermana o la hija del protagonista; estos papeles ya no dan más de sí. Es hora de que las mujeres ocupen el centro de la escena y no se queden en un segundo término”, afirma la directora Maysaloun Hamoud, quien desde el conocimiento en primera persona de lo que ella describe como “crisis de identidad multigeneracional” de la comunidad palestina en Israel, ha plasmado en la pantalla un modo de vida y cultura que refleja el movimiento underground palestino actual, al que ella pertenece.

La música de la película es reflejo de ese movimiento cultural: “es la banda sonora de nuestras vidas, y no me refiero solo al entorno palestino-israelí, sino a todo el mundo árabe. Los músicos están muy presentes en el movimiento underground palestino” declara Hamoud. BAR BAHAR-Entre dos mundos tiene una excelente música que emplea temas de  hip hop, rock, electrónica y el rap, con grupos de  música como DAM, un conocido grupo de rap palestino, o Tiny Fingers, una de las bandas de música alternativa más destacables de Israel.

BAR BAHAR-Entre dos mundos contó con la producción de Shlomi Elkabetz, experimentado productor y director de cine, reconocido internacionalmente por la codirección, junto a su hermana Ronit Elkabetz, de Gett: El Divorcio de Viviane Amsalem, protagonizada por la recientemente fallecida Ronit Elkabetz, a quien Hamoud dedica su primer largometraje.

Matrimonios concertados, homosexualidad, tradición, religión con toda su carga de hipocresía en una película magníficamente narrada e interpretada que no se aparta de la realidad. No ofrece grandes catarsis ni soluciones. De momento no parece haberlas, pero hablar de la situación, exponerla de forma tan elegante como hace la directora, que debuta en el cine con esta premiada cinta, es un esperanzador comienzo. 

 

ALIADOS  (Allied, Robert Zemeckis, 2016)

USA Duración: 124 min. Guión: Steven Knight Música: Alan Silvestri Fotografía: Don Burgess Productora: GK Films / New Regency Pictures / Paramount Pictures Género: Thriller

Reparto: Brad Pitt, Marion Cotillard, Lizzy Caplan, Matthew Goode, Jared Harris, Jason Matthewson, Angelique Joan, Sally Messham, Iain Batchelor, Miroslav Zaruba,Raphael Acloque, Angus Kennedy, David Bonneville, Tiar Lounis

aliados_poster-718x1024Sinopsis: 1942. Segunda Guerra Mundial. Max (Brad Pitt) es un espía del bando aliado que se enamora de Marianne (Marion Cotillard), una compañera francesa, tras una peligrosa misión en el norte de África. La pareja comienza una relación amorosa hasta que a él le notifican que Marianne puede que sea una agente doble que trabaja para los nazis.

Un filme de lo más clásico en el que durante su primera parte no se puede evitar pensar en cierta mítica cinta cuya acción se desarrolla en el mismo escenario que esta. Con un magnífico diseño de producción, vestuario y ambientación, se recrean perfectamente los años cuarenta en esa Casablanca con lujo Art Decó que se encontraba bajo el protectorado de Francia, pero ocupada por los Alemanes.  Aunque todo esto será un Macguffin: la acción cambiará y los actores mudarán de escenario, pasando de ser una película de espionaje, con la tensión sexual que pueden generar sus dos fascinantes y atractivos protagonistas, a un drama que se desarrollará en un gris y nada exótico Londres, también magníficamente recreado, en el que vivirá la pareja en una felicidad tan idílica como sospechosa.  Y allí tendrá lugar el drama, que si bien está competentemente rodado, como se espera de un director de la solvencia de Zemeckis, no resulta del todo convincente aunque sí agradable. Agradable hasta que llega el epílogo, a todas luces innecesario y que sólo puede considerarse como un terrorismo emocional que busca provocar el llanto fácil en el público más influenciable.

LA REINA DE ESPAÑA (Fernando Trueba, 2016)

España Guión: Fernando Trueba Música: Zbigniew Preisner Fotografía: José Luis Alcaine Productora: Fernando Trueba P.C. / Atresmedia Cine Género: Comedia.

Reparto: Penélope Cruz, Antonio Resines, Neus Asensi, Ana Belén, Javier Cámara, Chino Darín, Loles León, Arturo Ripstein, Jorge Sanz, Rosa María Sardá, Santiago Segura, Cary Elwes, Clive Revill, Mandy Patinkin, Carlos Areces, Aida Folch, Jesús Bonilla, Ramón Barea, Juan Antonio Bayona

o-reina-espaa-570Sinopsis: España, años 50. Macarena Granada (Penélope Cruz), la gran estrella “americana” de origen español, retorna a su tierra para encarnar a Isabel la Católica. Al enterarse de la noticia, Blas Fontiveros (Antonio Resines), que no había vuelto a España desde que se fuera a dirigir “La niña de tus ojos” a la Alemania nazi 18 años atrás, decide regresar y reencontrarse con algunos de sus viejos amigos. Su llegada desata una serie de acontecimientos que pondrán a prueba el rodaje de la superproducción…

Trueba retorna a los personajes de su exitosa La niña de tus ojos (1998), una fantasía entorno al rodaje en la Alemania nazi  de las películas de Florian Rey con Imperio Argentina, un hecho que desató la imaginación de los guionistas, quienes maquillaron la historia pero conservando ciertos hechos como el capricho real de Hitler y Goebbels hacia la actriz. La continuación que nos ofrece Trueba casi veinte años después, está ambientada a mediados de los años cincuenta, en aquella España gris del desarrollismo que tímidamente comenzaba a abrirse al mundo entre otras cosas gracias al apoyo de Estados Unidos, cuya industria cinematográfica, representada por Samuel Bronston, inició un ambicioso plan de rodajes que llenó de estrellas y anécdotas el mundo del cine español. Este es el ambiente que recrea Fernando Trueba, con viejos cineastas y estrellas americanas compartiendo escenario con los técnicos y actores españoles y con Penélope Cruz más cerca, en esta ocasión, de Sara Montiel, con su modesta carrera en Estados Unidos, matrimonio con director de cine incluido. La cinta, repleta de guiños cinéfilos, tiene un magnífico diseño de producción, muy detallista con el cine que se realizaba en aquella época y sus efectos especiales a base de transparencias, técnicas sencillas pero efectivas que impresionaron a propios y extraños. Amoríos, política, miseria y lujo en una cinta que recrea aquella época sin que chirríe y que contiene algún gag afortunado, en especial los protagonizados por Jorge Sanz. Quizás su duración es excesiva y, al igual que La niña de tus ojos, resulta un tanto desmesurada en su segunda parte, aquí bastante disparatada, con Carlos Areces realizando un papel, no les diremos cual, que realmente borda. Gustará, pero no convencerá, aunque eso si,  resulta muy agradable reencontrarse con todos los personajes de La niña de tus ojos, a los que se les han incorporado otros como Ana Belén, Mandy Patinkin y el director Arturo Ripstein destacando, por encima de todos ellos, una Penélope Cruz para la que parece no haber pasado el tiempo.

 

LOS EXÁMENES  (Bacalaureataka, Cristian Mungiu, 2016)

Rumanía/Francia/Bélgica. Duración: 128 min. Guión: Cristian Mungiu Fotografía: Tudor Vladimir Panduru Productora: Les Films du Fleuve / Mobra Films / Romanian Film Board (C.N.C.) / Why Not Productions Género: Drama

Reparto: Vlad Ivanov, Maria-Victoria Dragus, Ioachim Ciobanu, Adrian Titieni, Gheorghe Ifrim, Emanuel Parvu, Valeriu Andriuta, Claudia Susanu, Adrian Vancica, Liliana Mocanu, Lia Bugnar, Tudor Smoleanu, Andrei Morariu, Rares Andrici, Constantin Cojocaru, Robert Emanuel

Sinopsis:
Romeo es un médico de casi 50 años que dejó atrás las ilusiones relacionadas con su matrimonio, ahora acabado, y su Rumanía, destrozada por los acontecimientos. Para él todo lo que importa ahora es su hija, de 18 años. Tras los exámenes finales, la joven irá a estudiar a una prestigiosa universidad en Inglaterra. En la víspera del examen, la hija es atacada en la calle. A partir de entonces, hará todo lo posible para garantizar que ello no perturbe el destino que ha elegido para su hija.

306713“Tras 25 años sin comunismo, la gente de mi generación esperaba un mayor progreso”, declaraba a Europa Press Cristian Mungiu. Mungiu, que formó parte de la llamada nueva ola del cine rumano, volvió a conquistar a Cannes el pasado mayo y se alzó con el premio (ex aequo) a mejor director con su cinta más reciente, Los exámenes, película en la que vuelve a expresar el malestar del pueblo rumano que no ha visto cumplidas sus esperanzas políticas y sociales tras la caída del anterior régimen (tan lejana ya). El suyo no es un cine localista, pero nos queda patente que quienes conozcan la historia más reciente de su país penetrarán mejor en su discurso.

Ahora bien, aunque nos acerquemos a ella desde el desconocimiento de la situación que atraviesa Rumanía, la apuesta estética y narrativa que plantea en Los exámenes se basta por sí misma para hacernos sentir esa realidad. Mungiu ha optado por una puesta en escena incómoda: toda la película está narrada en planos medios con poca profundidad de campo y fondos difuminados, con una cámara estática (sólo se mueve inquieta cuando persigue a los protagonistas), casi inerte, que nos comunica una sensación de asfixia y nos hace advertir que los personajes no tienen futuro. No alcanza la dimensión de atmósfera opresiva, sin embargo, porque la asfixia de la que habla es más corriente, el director nos pone ante un peso que se ha vuelto cotidiano, anodino y gris (como fríos son los colores que dominan la paleta cromática del filme). Un peso ante el cual no hay posibilidad de heroísmo, no hay un verdadero tirano al que derrocar (a ese ya le hicieron caer hace más de una generación) lo que queda es una burocracia mezquina y mecánica de la que no hay más escapatoria que la emigración.

Un cine adusto que nos habla de una situación fatigosa y de un pueblo atrapado en un callejón sin salida. Todo ello en el paisaje casi desolado de un barrio humilde en el que siempre suena como banda sonora el ladrido de los perros.

Premios
2016: Festival de Cannes: Mejor director (ex aequo)
2016: Premios del Cine Europeo: Nominada a mejor director y guión

 

 

Categorías:VAMOS DE ESTRENO

Serendipia’s Sitges Film Festival 2016. Séptima cápsula

23 noviembre 2016 Deja un comentario

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JUEVES 13 DE OCTUBRE

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Todo lo bueno que se diga sobre las portentosas actuaciones de Antonio de la Torre y Roberto Álamo en Que Dios nos perdone, inteligente thriller del joven director Rodrigo Sorogoyen con el que inauguramos este jueves de festival, es poco. Mucho habíamos escuchado hablar de esta cinta y, afortunadamente, no defraudó. Proyectada como sesión especial, este policíaco mantiene la tensión en todo momento gracias a esos dos personajes tan diferentes, opuestos casi, pero tan bien perfilados. Uno metódico, otro brutal, pero ambos juguetes rotos, bombas de relojería siempre a punto de estallar. Buenos diálogos y pesimismo y sordidez a flor de piel en un muy reconocible y castizo Madrid engalanado para recibir al Papa con la caza de un violador de ancianas como objetivo común de ambos policías. Buen cine para comenzar el día. Encantado, Serendipia se dirige a hacer de nueva cola a la puerta de l’Auditori, cuando, de pronto…

dsc_0306-2dsc_0307Un coche negro se detiene en la puerta del hotel. No hay nadie alrededor mío. Se abre la puerta y sale Christopher Walken. Cámara en ristre lanzo una larga ráfaga de fotos que llegan a conformar fotogramas cuando, siguiendo su camino y al llegar a mi altura el mítico actor me mira. Nos miramos. Bajo la cámara y quedo petrificado ante esos profundos ojos azules. No hago LA FOTO. Le miro sin cámara, sin filtros. En señal de reverencial deferencia. Pasa a mi lado y continúa su camino mientras vuelvo a hacerle fotos hasta que desaparece. Durante un buen rato el pulso se me dispara y siento una absurda (o no) alegría que no me permite dejar de sonreír. Había tenido a Christopher Walken para mí solo. A mi vera. Y nos habíamos mirado a los ojos. Flotando en el aire marcho hacia la cola donde, como es habitual, somos los primeros. Serendipia no sospechaba que se disponía a ver la cinta vencedora de esta 49 edición del  Festival de Sitges. Pero parte de Serendipia estaba, todavía, en otro planeta.

Swiss Army Man es una magnífica y también escatológica comedia satírica sobre la soledad. Cargada con negrísimos gags no aptos para todos los estómagos y canciones melódicas (sí, cantan para maravilla del público), este delirio (o no) de un náufrago que convive con un cadáver al que poco a poco ve cobrar humanidad entra, para Serendipia, en ese selecto y reducido grupo de guiones descabellados que uno no sabe como se  han llegado a proponer a un productor y, lo mejor, como se han llegado a rodar. Y resulta más increíble el que así haya sido tratándose del primer largometraje de sus directores, Daniel Scheinert y Dan Kwan.  Paul Dano está magnífico pero Daniel Radcliffe  sencillamente se sale. Créannos: no debe de ser nada fácil interpretar el papel que hace.

Después de tan interesantes cintas tan solo cabía esperar un lento descenso. Y así fue. Lo mejor del documental Dragon Girls! Les amazones pop asiatiques  era su prometedor título, ya que este repaso, algo enredado, al mundo de las estrellas orientales parece hecho a jirones a base de aprovechar la visita de su realizador, Yves Montmayeur, a un par o tres de festivales en los cuales entrevistó a grandes damas cinematográficas del cine oriental de acción de ayer y de hoy como Zhao Wei, Michelle Yeoh, Bingbing Fang, Asami, Rina Takeda o Eihi Shiina. Y es que, en nuestra opinión, mucho se abarca y poco se ofrece en este itinerario que debería disponer de más tiempo y un orden más lógico con el que  hablarnos de todo aquel cine y de la influencia de estas amazonas en la música, la moda, los videojuegos e incluso en la estética sadomasoquista. Repetimos, no es que el tema no sea interesante, que lo es y mucho, lo malo es la sensación que deja este documental de ocasión perdida de haberlo tratado en su merecida profundidad. Pero lo peor del día llegaría  con la producción alemana Plan B (Ufuk Genç y Michael Popescu) una cinta de acción pretendidamente divertida que homenajea el cine de acción de los 80 y que en bastantes momentos roza el sonrojo por su amateurismo. Lo mejor, las coreografías de acción, muy voluntariosas entre tanto sinsentido.

¡Gracias a todos! (Foto: ¿Norman?)

¡Gracias a todos! (Foto: ¿Norman?)

Pero Serendipia tenía puesta la mente en un hecho particular, ya que ese día hacíamos la tercera presentación de nuestro segundo hijito: Los semblantes del Fantaterror, que despedía así una andadura iniciada en mayo de este mismo año en el festival Nocturna, proseguida en julio en Cryptshow y finalizada en el marco de este festival, al que llevamos los poquitos ejemplares que nos quedaban. Nuestro niño se ha hecho grande y se ha independizado pero, ¡con qué alegría le decimos hasta siempre! Se ha portado muy bien y nos ha hecho estar orgullosos de él allí donde lo  hemos llevado. La presentación/despedida, que se celebró en la carpa Fnac fue, además, todo un lujo, pues contó con Domingo López (¡Mr. Trash-o-rama inself!) como maestro de ceremonias. Y acompañando al autor, José Miguel Rodríguez, maquetador del libro  y Alfredo Orive, socio capitalista del mismo. Pero sobre todo amigos, y a ambos lados, ya que el acto contó con la asistencia de muchos cinéfagos Exhumeds amigos así que… ¿Qué más puede pedirse? Pues ya puestos una buena cena a posteriori pero esa, esa es otra historia.

Categorías:Festival de Sitges

Hablando con Miguel Herrero: ‘Un, dos, tres, responda otra vez’ y televisión de culto

23 noviembre 2016 1 comentario
 cartadeajustetveMiguel Herrero San José es un fanático de la televisión. Mejor dicho, del mundo que rodea a todos esos programas que se materializan al apretar el botón de ese, para unos invento del diablo, y para otros caja de sorpresas. Su gran afición le ha llevado incluso a trabajar en ese medio como presentador durante 9 años en Castilla y León TV. Pero no se detiene ahí  la actividad de Miguel en conexión al mundo de la televisión, pues también ejerce como bloguero en ‘El retrovisor’ de Teleprograma.tv y colabora en Es Radio. Además, ha escrito cuatro libros sobre su mayor hobby, todos ellos publicados por Diabolo Ediciones: “Revisitando los 80″, “Los 80 responden otra vez“, “Telepasión por los 90” y “La historia del Un dos tres“, reciente novedad que nos ha decidido a ponernos en contacto con él para hablar un rato sobre la llamada ‘caja tonta’, que tanto odio como amor parece despertar. 

miguel_herrero_2014Lo primero ¿Qué es para ti la televisión?

La televisión es mi mejor hobbie. Desde pequeño siempre me fascinó el medio debido a los diferentes atractivos que proporciona. Las cabeceras, logotipos, las sintonías, la evolución de contenidos, los géneros… No sé qué hubiera sido de mi vida sin televisión, a qué le hubiera dedicado tanto tiempo. Porque no sólo es saber de ella y escribir sobre ella. Es coleccionar su merchandising, conocer a sus protagonistas, memorizar sus mejores o peores momentos… Todo el mundo tenemos que tener algo que nos apasione, que nos distraiga, que nos tenga pensando en esa actividad. Es una manera de ocuparse y de preocuparse. Curiosamente, ver la televisión no es mi intención primordial. Es saber de ella y compartirla con amigos, lo cual demuestra que no tiene por qué ser un medio alienante y disuasorio, sino todo lo contrario, que sirva para asociar y unir.

¿Como has planteado la investigación a la hora de realizar el libro?

Este libro de la historia del “Un dos tres” lo planteé hace justo un año de manera cronológica. Es lo primero que hago antes de escribir mis libros. La organización inicial es básica para que no te encuentres perdido durante el camino de desarrollo del volumen. El concurso se podía haber tratado por temáticas o por personajes que pasaron por el mismo pero creí que era más interesante entender el desarrollo de la idea que tuvo Chicho desde su nacimiento. Que un programa de televisión puede nacer con el concepto de circunstancial, efímero, como un concurso más de la programación y cómo el público va haciendo ese “monstruito” cada vez más grande, como una especie de niño que se va haciendo mayor, asume mayores conocimientos y crece con el cariño de quienes le rodean. El “Un dos tres” va evolucionando con la sociedad española, del blanco y negro y la dictadura a la televisión digital y las libertades. Cada capítulo se centra en una etapa del concurso, en todo lo que abarcó a lo largo y lo ancho de sus emisiones, con una guía de “episodios” final, puesto que cada semana se centraba en una temática y resulta entretenido saber de ese listado. El proceso abarcó el verme todos los programas que se conservan a la par que iba incluyendo entrevistas, reportajes y demás material de la época para ir contextualizando todo al unísono.

historia_undostres¿Cual es el primer recuerdo que tienes del concurso?

Mi primer recuerdo del programa está asociado a la segunda tanda de la tercera etapa (1983-84), es decir, la considerada “era Botilde”. Es parte de mi infancia la bota en la cabecera del concurso, con su alegre sintonía, además de todo el merchandising que generó el “Un, dos, tres” como juegos, muñecos, discos, llaveros, cromos y pegatinas, siendo la “botibota” el objeto más característico de esa época. Su color morado y su bonito diseño reflejan a la perfección el espíritu infantil del programa, engordado en la cancioncilla que Mayra le cantaba a un robot de la mascota, “eres tú, Botilde amiga” en los especiales infantiles que hacía el concurso. Todas las mascotas del programa, así como azafatas, cómicos o presentadores, tienen su encanto pero en este caso, el que sea mi primer recuerdo de infancia lo hace aún más grato.

Has llegado a acudir a la grabación del ‘Un, dos, tres…’ como público ¿Cómo recuerdas la experiencia?

Efectivamente cumplí mi sueño en 2004 de vivir por dentro cómo eran las grabaciones del “Un dos tres”. Hasta los 90 se daba el caso de que yo era demasiado pequeño para participar en las ediciones de adultos pero demasiado mayor para poder estar en las ediciones infantiles. Pero siempre soñé con estar en el “Un dos tres” aunque fuera como mero espectador. Estar cerca de lo que se vivía allí. El concurso en sí, las maratonianas grabaciones, el carácter de Chicho… Cuando supe de la vuelta del programa en el nuevo siglo, me movilicé junto a otros amigos fans del “Un dos tres” para acudir cuantas más semanas fuera posible como una ocasión única y, tal vez, irrepetible de sentir que estabas dentro del “Un dos tres”. No era fácil trasladarse cada semana a Madrid y compaginarlo con el trabajo, pero así lo hice en 12 mhchichode las 19 entregas que conformaron aquella temporada. La experiencia fue muy grata, uno de los mejores momentos de mi vida cuando vi ese plató reconstruido en sus elementos clásicos de parte negativa, set de concursantes, set de azafatas, mesa, graderío… Conocer de cerca a todos sus integrantes, que nos pusieran perdidos de guarrerías… Cosas mejores y peores, pero algo de lo que siempre me sentiré muy feliz por haber vivido. Es como llevar a un fan de Disney a Disneyworld.

¿Te gustan las películas de Chicho? ¿No crees que perdimos a un gran director de cine?

Las dos películas de Chicho me parecen dos joyas de nuestro cine. “La residencia” muy especialmente no parece ni una producción española si no fuera por los nombres en los títulos de crédito. Se rodó de una manera absolutamente maravillosa, muy cuidadosamente, con doblaje para asemejarse a una película extranjera, con grandes interpretaciones y planos. En el caso de “¿Quién puede matar a un niño?” también hablamos de una temática muy arriesgada e interesante, con ciertas semejanzas a producciones del género como “Los pájaros”, tomada como una invasión de pequeños seres con manía persecutoria. Ciertamente hemos perdido a un gran director de cine, tal vez por esa necesidad del público porque nos diera nuestras raciones de concurso entrañable. Pero bien es cierto que la producción de Chicho abarca tanto episodios de series como “Historias para no dormir”, especiales aquí y fuera de nuestras fronteras, tipo “Los bulbos”, que podríamos considerar una cinematografía aunque no fuesen oficialmente películas, siendo su última incursión al género “La culpa”, dentro de las “películas para no dormir” de Telecinco.

¿Crees que esa memoria sentimental catódica está potenciada por el hecho de que tan solo había dos canales?

revisitandolos80los-80-responden-otra-vez-cubierta-baja-590x590telepasionporlos90Yo creo que el hecho de que haya tanta “telenostalgia” sí tiene que ver en la emisión de solo dos canales. O uno y medio ya que la Segunda Cadena solo emitía unas horas. Evidentemente los programas los conoció todo el mundo, sus sintonías y “momentazos” están más presentes en la memoria común que otros vividos ya con la llegada de las cadenas privadas. Pero también es verdad que la programación era más entrañable. Sus melodías no son comparables con las de ahora. No es lo mismo que veas un refrito con las sintonías de “La bola de cristal”, “Sabadabadá” y “La cometa blanca” a que lo hagan en el futuro con el “Club Megatrix”, “Art attack” o “TPH Club”. Las mascotas, los presentadores, su forma de hablar y dirigirse al público, las revistas que informaron sobre la tele, como TP o Tele Indiscreta. Todo es susceptible de ser “culpable” de que la tele del pasado sea mejor. Que actuaran grupos como Mecano o Los Secretos le da un aire de prestigio que no lo tienen en la actualidad ni Melendi o Los Gemeliers. El hecho de que vayamos sobre seguro a emisiones que fueron un éxito o de gente que se hizo muy popular ya gana terreno a cosas que hemos visto en los últimos tiempos como “Levántate All Stars” o “El amor está en el aire”.

¿Qué piensas de la televisión actual?

La televisión actual peca de repetirse demasiado en cuanto a formatos de éxito. Si una cadena triunfa con un programa sobre cocina pronto aparece otro con algo parecido y casi el mismo título. Los programas del corazón, las series de época, los concursos  de preguntas rápidas y los de nuevos talentos están omnipresentes en nuestras teles. Ahora les toca el turno a los de las primeras citas. Yo no soy de los críticos a los que todo les parece mal. A mi me han interesado espacios como “Hay una carta para ti” pero creo que la mejor televisión actual está en formatos de entretenimiento como “Tu cara me suena”, de los que en el futuro aún les puedes sacar provecho para mostrar los mejores momentos o reunir a sus integrantes, como ha hecho TVE con “Operación triunfo”. El error de la tele moderna está en ese tipo de espacios que cuando han pasado cinco años no sabes de qué hablaban o quiénes eran aquellos personajes. Aún siendo relativamente cercanos, todo cuanto ocurrió en “A tu lado” o en los primeros tiempos de “Sálvame” es absolutamente inservible para el archivo de la cadena que lo emite. Porque ni resultará entrañable ver a Kiko Hernández cómo se enfadaba en ese espacio ni la amante de un actor que contaba sus trapos sucios. Por eso, la tele clásica nos da entrevistas a Christopher Reeve o a Richard Gere mucho más atemporales que cualquier espacio de actualidad de hoy en día.

Presentando el libro del 'Un, dos, tres...' junto a Raúl Sender, Mayra Gómez Kemp y Alejandra Grepi (foto archivo Miguel Herrero)

Presentando el libro del ‘Un, dos, tres…’ junto a Raúl Sender, Mayra Gómez Kemp y Alejandra Grepi (foto: archivo Miguel Herrero)

¿Qué piensas de esa nostalgia hacia los setenta, ochenta e incluso noventa que se nota por la edición de libros que hablan sobre el tema?

La moda por lo retro se está manteniendo desde hace muchos años. Ya Guillermo Summers hizo programas muy interesantes en los 90 denominados “Mitomanía”. De esa mitomanía parecía que el nuevo siglo se despegaba un poco pero en los últimos tiempos, el archivo de RTVE ha rescatado numerosas y valiosas joyas, siendo perfecto acompañamiento de espacios como “Cachitos de hierro y cromo “, “Cómo nos reímos”, “Viaje al centro de la tele”, “Ochénteame otra vez” o el nuevo “Espinete no existe”. Hace cuatro años abrí la veda de libros retro previos a otras experiencias en pro de años de EGB y similares. Mi primer libro, “ReVisitando los 80” salió al mercado cuando apenas había libros que hubieran tratado única y exclusivamente esa maravillosa década. Continué con los 90 y ahora estoy inmerso en la historia del “Un dos tres”. Pero, desde luego, que me parece estupendo que haya florecido todo ese fenómeno por recuperar el pasado. Es bueno no olvidarse de donde venimos para conocernos mejor y homenajear a quienes han sido nuestros maestros.

¿Has publicado tu libro como deseabas o has tenido que recortarlo un poco?

En la versión final de todos mis libros siempre hay que recortar respecto al material que he escrito en origen. Mi capacidad de síntesis no es demasiado buena. Yo escribo sin límites puesto que no me serviría una plantilla para adaptarme. Es cierto que tener que recortar es muy duro pero siempre hay matices que no son necesarios o que, incluso, alargan el texto innecesariamente cuando no necesitas un incunable. En este caso, la historia del “Un dos tres” recoge lo que todo fan del programa debe saber y lo que quien no lo haya conocido en profundidad deba saber. Anécdotas, curiosidades, recuerdos personales, declaraciones de sus integrantes, fotos, capturas, el impacto mediático y social de sus personajes y frases… Kiko, Mayra, Jordi y Míriam, Garó, el dúo Sacapuntas, don Cicuta, las Tacañonas, las azafatas, los números de baile, los mejores y los peores premios, la magia de Tamariz, Ruperta, el Chollo, la “faz más ododosa”, el “Un dos tres” en otros países europeos, los invitados, los especiales con famosos o infantiles, los desfiles folklóricos… ¿Queréis más? El libro del “Un dos tres” es la solución.

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http://www.diaboloediciones.com

 

 

La historia del mejor programa de nuestras vidas: Un, dos, tres, responda otra vez. Un libro de Miguel Herrero

22 noviembre 2016 Deja un comentario

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UN, DOS, TRES, RESPONDA OTRA VEZ. La historia del mejor programa de nuestras vidas

Miguel Herrero (Tapa dura, 296 páginas a todo color. Diábolo Ediciones)

Los que rondamos los cincuenta y los sobrepasamos recordamos perfectamente lo que significaba la llegada del viernes, día mágico en el que, además de terminar la semana lectiva y laboral (en muchos casos), toda la familia se reunía ante el televisor para vivir una nueva emisión del concurso ‘Un, dos, tres, responda otra vez‘. Con ese programa nos reímos, aprendimos y también, ¿por qué no? algunos niños nos enamoramos por primera vez, ya que todos teníamos a nuestra presentadora favorita. No nos parecían tan lejanas como realmente estaban. Eran como esa vecina a la que veíamos y adorábamos en silencio. Hasta nuestras madres las apreciaban. Las conocíamos, al igual que a los cicutas, tacañones y tacañonas, a los que, esos sí, teníamos más cerca de lo que quisiéramos. Queríamos a Chicho, que nos había espantado con sus ‘Historias para no dormir‘ y queríamos, en resumen, un mundo mejor, esa vida en la que todos sonreían y que cada viernes nos llegaba, primero en blanco y negro y más tarde a todo color, desde esa pantalla a la fantasía que entonces era el televisor.

historia_undostresSin lugar a dudas, el ‘Un, dos, tres…’ forma parte de la memoria sentimental de muchos españoles. Sobre todo de los más mayores, ya que las generaciones posteriores ya lo conocieron en la época de las televisiones privadas, y no cuando la gris televisión franquista constaba solo de dos canales, que parecían llenarse de  vida y color gracias a este concurso. Y todo, realmente todo, lo que envolvió a ese universo creado por Chicho Ibáñez Serrador es lo que ha reunido Miguel Herrero en las páginas de Un, dos, tres, responda otra vez. La historia del mejor programa de nuestras vidas. Un voluminoso libro, editado por Diábolo Ediciones, que se añade a la colección de obras con las que la editorial rescata la maltratada cultura popular española. Miguel Herrero, como ha demostrado en otras de sus obras dedicadas al ente televisivo (varias de ellas editadas también por Diábolo), es todo un especialista que demuestra un gran conocimiento sobre el medio, y sobre el concurso en particular, y ha realizado EL LIBRO sobre este espacio televisivo. Un libro en el que se recoge, repito, absolutamente todo y más: todas las etapas, los personajes, la mecánica del concurso en cada edición, anécdotas, merchandising, temática y fecha de emisión de cada espacio… Todo. Y el autor lo ha hecho de la mejor manera posible, escarbando en prensa y revistas  de la época. Buscando el dato curioso, entrevistando a algunos personajes conectados con el concurso como la encantadora Aurora Claramunt o el entrañable Pepe Carabias (quien ya por si solo merecería un libro por ser historia viva de la televisión, del cine y del doblaje) y contando, además, con material gráfico proveniente de los archivos personales de los implicados.

Miguel abre nuestra memoria mientras leemos el libro, nos inunda de datos contagiándonos su propio entusiasmo. Se nota que ha disfrutado encontrando esa pequeña nota que desconocía, esa declaración contenida en aquella añeja publicación, esa portada tan curiosa. Y también se nota que goza al compartir todo ello con el lector. Por eso este es un libro valioso, apabullante y desmesurado en su contenido, pero también necesario para entender a un país que quería cambiar y que lo hizo a caballo de las distintas ediciones del concurso.

Leeremos sobre las diferentes etapas, de cómo se tuvo que enfrentar el programa a las cadenas privadas llegando a poner demasiada carne en el asador (¿recuerdan a Gloria Trevi?). Averiguaremos que la neumática Sabrina actuó antes en el concurso que en aquel inolvidable programa de fin de año; veremos como Chicho siguió apostando por que su programa no dejara de ser un espacio familiar en tiempos de mamachichos. Y veremos como el fin llegó con su apuesta personal por la cultura en la décima temporada, que quizás fue un suicidio buscado, premeditado, en un momento en el cual la más pura telebasura inundaba las parrillas televisivas.

Victoria Abril, Aurora Claramunt, Agatha Lys, Beatriz Escudero, Britt, Blanca Estrada, María Casal, Kim, Silvia Marsó, Lydia Bosch…; las coletillas que formaron parte de las conversaciones cotidianas de los españoles y que, todavía actualmente permanecen ya como lugares comunes de nuestro imaginario: ‘Veintidos ‘ ‘La plaza estaba abarrotaaa’, ‘¡Y eso duele…!’ ‘¿Porqué será?’, ‘Hasta aquí puedo leer’, ‘Hemos venido a jugar’,’¡Campana y se acabó!’… Los presentadores que fueron y los que no llegaron a ser pero cuyos nombres se barajaron; Doña Ruperta, Botilde, El Chollo, El Antichollo… todo recorre las páginas de este libro. Si hay que buscarle un pero, este sería la ausencia de pies de fotos, que nos aclararían quienes son algunos de los personajes que muestran.

Hay quien, como yo, piensa que la dedicación al concurso terminó truncando una muy interesante carrera cinematográfica. El mismo Chicho lo ha llegado a declarar, pero ahí queda el conjunto de su obra, que trasciende al hombre, importante en todos sus aspectos: su ficción televisiva con Historias para no dormir, recuperadas  por el sello 39 Escalones en un magnífico pack en DVD; su obra cinematográfica que, lamentablemente, se limita a dos largometrajes (La residencia y ¿Quién puede matar a un niño?); su poco conocida faceta teatral (con obras como El agujerito y Aprobado en castidad/inocencia); y sus espacios televisivos (concursos y otros programas multipremiados que merecerían una edición en condiciones como Historias de la frivolidad).

Sin duda los estamentos oficiales maltratan y ningunean la cultura popular, los cómics, el cine y la televisión que muchos tenemos en nuestra memoria pero que oficialmente parece no haber existido, mientras otras épocas se están entronizando de manera desaforada. Así que mientra haya estudiosos entusiastas como Miguel Herrero y editoriales como Diábolo Ediciones parece que habrá un reducto donde quedará resguardada. Porque aunque Serendipia está un poco harto de esta operación nostalgia  (video clubs, los ochenta, la movida, EGB’s…) siempre estará a favor si se hace desde trabajos escrupulosamente realizados que escarben y vayan más allá de un simple desempolvar el pasado.

La tercera edición de Sant Cugat Fantàstic será del 15 al 18 de junio y homenajeará al cine de animación

21 noviembre 2016 Deja un comentario

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La tercera edición del Festival Sant Cugat Fantàstic  ya calienta motores y llegará un mes antes de lo habitual. El festival tendrá lugar del jueves 15 al domingo 18 de junio de 2017 en los cines Cinesa Sant Cugat con actividades en el entorno del Teatre-Auditori.

Otra de las novedades de este año es el homenaje que el festival quiere hacer al cine de animación. Según explica el co-director del certamen Joan Ramon Armadàs, uno de los motivos es “hacer patente la aportación de los dibujos animados al género fantástico en un año en que se celebra el 80 aniversario del primer film animado en color“. Armadàs también subraya que actualmente este subgénero es uno de los que más público y dinero mueves en los cines de todo el mundo. “Prueba de ello es que entre las cinco películas más taquilleras del año 2016 hay tres producciones animadas (Buscando la Dory, Zootropolis y Mascotas) y otra es la calidad y la innovación de cintas asiáticas muy recientes como Seoul Station (Corea), Your name (Japón) o Monster Hunt (China)”.

Pero que nadie interprete que el homenaje al cine de animación hará más descafeinada la próxima edición del Sant Cugat Fantàstic. En este sentido, Marc Carreté, co-director del festival, garantiza que la programación no será precisamente un juego de niños. “El grueso de los films a competición seguirá estando formado por algunas de las últimas perlas del cine indie de terror a nivel internacional”.

Durante lo que queda de año y principios del que viene la organización trabajará en la programación de películas, cortos y actividades del festival de la cual se podrá saber algo más pasadas las vacaciones de Navidad.

También aprovechamos para recordar que hasta que no llegue el mes de junio el cine de género sigue teniendo una programación estable en Sant Cugat gracias al Ciclo de Cine Fantástico. En este sentido, un lunes de cada mes a las 20h en los Cines Cinesa se programa un corto y una película sumando el fantástico los ciclos estables de cine que ya hay en la ciudad. Este lunes 21, sin ir más lejos, se proyectará el corto Alma que será presentado por su director Rubén Ventura y acto seguido se podrá ver el film de animación japonés El niño y la bestia, la mejor película asiática de 2015 según la revista especializada CineAsia. Asimismo, y teniendo en cuenta que en este comunicado ya se incluyen las principales novedades sobre la nueva edición del festival, se cancela la presentación del mismo que se tenía que hacer a las 19h en el Café Auditori.

APOYOS Y PATROCINIOS 

El Sant Cugat Fantástico continuará un año más siendo una realidad gracias al apoyo de Estrella Damm, patrocinador principal del evento, la colaboración de instituciones públicas como el Ayuntamiento de Sant Cugat y el Teatre-Auditori y el compromiso de empresas como Cinesa y HP entre otros. También continuará la colaboración con la asociación de medios de comunicación especializados en cine Blogos de Oro para repetir los premios de la crítica del festival.
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Categorías:Sant Cugat Fantàstic

Serendipia’s Sitges Film Festival 2016. Sexta cápsula

17 noviembre 2016 Deja un comentario

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MIÉRCOLES 12  DE OCTUBRE

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A la producción franco-belga  Grave se le ha hecho un flaco favor calificándola como una cinta sangrienta, gore.  Ángel Sala la definió como la  It Follows de esta edición del festival. Y, si bien tiene su punto carnívoro, no es, ni de lejos, lo que cualquier Gorehound consideraría una película fuerte. Pero para nada es desdeñable. Muy al contrario para Serendipia fue, con diferencia, una de las cintas de temática fantástica que personalmente más le gustó. Dirigida por la joven Julia Ducournau, que debuta en el largometraje, Grave nos cuenta como reacciona  Justine (Garance Marillier), una joven de 16 años que se ha criado con una familia vegetariana cuando en una prueba de iniciación universitaria come carne cruda.

(Foto: Serendipia)

Julia Ducournau (Foto: Serendipia)

Ducournau ha medido  los tiempos de Grave con  cronómetro. Aunque durante gran parte de la cinta no suceda nada extraño, y mucho menos terrorífico, no resulta aburrida, muy al contrario, la historia está tan bien narrada que hace que nos interesemos por los jóvenes protagonistas y por como se desenvuelven en su nuevo habitat universitario, donde serán objeto de las novatadas de los veteranos. Todo desde un punto de vista muy diferente a como lo contaría un director americano. Los personajes resultan muy cercanos, reales. En especial las dos hermanas protagonistas y en particular Garance Marillier, actriz que debutó junto a la directora en su primer cortometraje, Junior (2011) y que ahora recupera para su primer largometraje demostrando que Ducournau tiene buen olfato, pues gran parte del éxito que pueda tener su película se deberá a esta actriz, que tan bien desarrolla su personaje sin forzados histrionismos y realizando una auténtica transformación conforme avanza la cinta.

Una película adulta, impecable, en la linea de otras producciones terroríficas francesas, en la que la carne humana se convierte en una adición con su propio síndrome de abstinencia y desbordándose, claro, cuando llega el despertar de los sentidos. El despertar de la carne para la joven virgen. Y esta catarsis no será gráfica a lo Nekromantik 2, pero igualmente satisfactoria para el que esto les narra. Sin duda Grave es una de las set pieces de terror de Sitges 2016, como así se lo supieron reconocer otorgándole los premios a la mejor dirección novel; el del Jurado Jove a la mejor película; y el Méliès d’Argent a la Mejor Película Europea. Galardones que se suman al premio Fipresci que ya había obtenido en Cannes, y sin olvidar que la cinta va a ser distribuida por Universal, lo cual podría suponer un buen espaldarazo para la prometedora carrera de la directora gala, fan declarada del cine de Cronenberg y Lynch.

UN INCISO: ASH VS. SITGES FANDOM

(Foto: Serendipia)

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Serendipia decidió dejarse caer por la rueda de prensa que ofrecía Bruce Campbell. Y allí estaba el mismísimo Ash.  Pero ciertamente no habíamos traído nada para que nos firmara, puesto que pensamos que sería una misión de lo más difícil, por no decir imposible pero, fue terminar la rueda de prensa y el hombre, amablemente, se ofreció a firmar a todos un objeto, eso sí, sin dedicatoria ni fotografía, pues tampoco se trataba de eternizar la cola. Además, había otros compromisos. En ordenada cola Campbell firmó a todos ante la estupefacción, todo hay que decirlo, de la organización, que no se esperaba esta iniciativa, totalmente improvisada, por parte del actor, que también tuvo para todos una frase amable o divertida en spanglish. Sabemos de buena tienta que lo mismo sucedió tras el pase de Bubba Ho-Tep (2002), sesión que compartió con el bueno de su director, Don Coscarelli. Y finalmente se organizó una tercera y última sesión de firmas, de forma totalmente improvisada, pero con una buena afluencia de público. Pues bien, aún así,  hay quien dice que Bruce Campbell fue un cretino (bueno, no fue exactamente este el adjetivo empleado) y un divo. Y no nos parece justo, ya que eso es mentira. Fue amable, firmó cuanto pudo (en sesiones improvisadas y de forma totalmente personal, ya que no tenía porqué hacerlas) y además estuvo la mar de simpático. O sea, que no hagan caso de lo que oigan por ahí.

Y AHORA, SIGAMOS CON LAS PELÍCULAS

Con autógrafo de BruceStay GroovyCampbell en nuestro cuaderno, fuimos a por la siguiente película. Más cine oriental de la mano de uno de los directores más inclasificables y favoritos de Serendipia, Sion Sono, de quien se estrenaba Anti-Porn, un film totalmente experimental no apto para todos los públicos que se desarrolla en un único escenario repleto de colores chillones y actrices en lencería. La cinta está protagonizado por su actriz fetiche, Ami Tomite, que encarna a una artista de prestigio que mantiene una sádica relación con su asistente. De pronto alguien grita “¡corten!”, y la personalidad de la protagonista se escinde en varias capas de delirio. Diálogos absurdos y abstractos, visitas al baño  y algún desnudo como pequeña relectura del  Roman Porno japonés, un subgénero tan prolífico en el pasado como desaparecido en la actualidad. Digamos que después de ver el año anterior dos fantásticas muestras del genio de Sono como son Ravu & Pîso y Tag, pues como que no nos terminó de convencer su nueva propuesta, que confirma al director, eso sí, como uno de los más desquiciados talentos del cine japonés.

tenemos-la-carne-2Todavía en cortocircuito Serendipia se las tuvo que ver con una de las películas más polémicas, a su pesar, del festival. Y es que aunque la mexicana, Tenemos la carne, juega a la provocación, cogió cierta fama mal entendida. Se escribió en un periódico, y se compartió en otros, que el público abandonaba la sala por el terror que inundaba la pantalla y no, no fue ni mucho menos eso lo que hizo que algunos asistentes se fueran del cine,  fue por  la crudeza de sus escenas sexuales. Parte del público huyo incómodo por la sordidez trasmitida por alguno de sus planos. Y es que desde que Buñuel mostró la cara oscura del mismo México que inundó las pantallas de imposibles películas folclóricas protagonizadas por Jorge Negrete y Pedro Infante, se incrustó en la memoria colectiva ese otro México nada luminoso, oscuro, que directores como Ripstein no se han cansado de mostrar, de lucir casi con orgullo. Ese México sórdido que nos ha traído cintas como Somos lo que hay (Jorge Michel Grau, 2010) herederas, al igual que esta Tenemos la carne, de Los olvidados (1950), pero también del universo particular de Alejandro Jodorowsky. Un México miserable, sucio, podrido y sin esperanza que también retrataron programas televisivos como Duro y directo y  revistas de sucesos como Alerta!, que bien repletas de fotografías a colores, inundaron los quioscos. El joven director y guionista Emiliano Rocha Minder nos introduce en un México apocalíptico, en el que encontramos a Mariano (magnífico Noé Hernández), una mezcla de pordiosero y gurú que malvive en una cueva con forma de vientre materno. Allí vivirán también los hermanos Lucio (Diego Lamaliel) y Fauna (María Evoli), a los que el perverso hombre iniciará en una extraña relación sexual en la que tendrá cabida todo. Canibalismo, sexo, sangre, suciedad, incesto, semen, necrofilia y escenas oníricas en un universo de basura, cartón y madera en el que no hay lugar para la luz ni la esperanza. Sin lugar a dudas un debut abrumador y en total libertad el de este director que inició su carrera a los dieciséis años y que desde entonces no ha parado de hacer de todo en relación al cine. Compartimos con ustedes una entrevista realizada por nuestros amigos de ScifiWorld que sirve como colofón de oro para este sexto día, que dejó en la mente de Serendipia dos películas inolvidables.

Categorías:Festival de Sitges

VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 18 de noviembre *

16 noviembre 2016 Deja un comentario

LA LLEGADA (Arrival, Denis Villeneuve, 2016)

USA Duración: 116 min. Guión: Eric Heisserer (Relato: Ted Chiang) Música: Jóhann Jóhannsson Fotografía: Bradford Young Productora: Paramount / FilmNation / Lava Bear Films / 21 Laps Entertainment Género: Ciencia ficción

Reparto: Amy Adams, Jeremy Renner, Forest Whitaker, Michael Stuhlbarg, Mark O’Brien,Tzi Ma, Nathaly Thibault, Pat Kiely, Joe Cobden, Julian Casey, Larry Day, Russell Yuen, Abigail Pniowsky, Philippe Hartmann, Andrew Shaver

Sinopsis: Cuando naves extraterrestres comienzan a llegar a la Tierra, los altos mandos militares contratan a una experta lingüista (Amy Adams) para intentar averiguar si los alienígenas vienen en son de paz o suponen una amenaza. Conforme la mujer aprende a comunicarse con los extraterrestres, comienza también a experimentar flashbacks extremadamente realistas que llegarán a ser la clave que dará significado a la verdadera razón y gran misterio de esta visita extraterrestre… Adaptación del relato corto “The Story of Your Life” del escritor Ted Chiang, ganador de los reconocidos premios de ciencia ficción Hugo y Nebula.

Nadie es serio a los 17 años cuando hay tilos en el paseo”, escribió Rimbaud. El adolescente está abierto a la sensualidad, ante su ingenuidad todo parece circundado de emoción, sus ojos lo aspiran todo y su corazón se arroba ante la inmensidad por descubrir. El adolescente se busca a sí mismo investigando el mundo, definirse es en parte buscar las claves del todo, es por eso que a los 17 toda idea que nos llega, que nos toca, arraiga y construye auténticas autopistas por las que circularán siempre más nuestros modos de pensar la vida. De interpretarla. De sentirla.

arrival-poster2¿Por qué hablo de esto? Porque quiero retrotraerme, no a mis 17 sino a mis 18 años, para tratar de explicar por  qué me emociona tanto Arrival. A esa edad llegaba yo por primera vez a la universidad, con sed de conocimiento, con hambre de aprehender todas las esencias, las intelectuales y las vitales, esto es, las existenciales. Maleable como el estaño, una afirmación que no dejó de repetir el Dr Valverde, mi profesor de Historia de la Filosofía, se me quedó grabada a fuego: el pensamiento es lenguaje. No podemos pensar sin usar significantes y significados, la naturaleza de la palabra nos condiciona. Condiciona nuestra manera de interpretarnos y, más allá aún, condiciona nuestra manera de entender el mundo y la vida. Para mí aquello fue todo un descubrimiento y siempre más he perseguido la comprensión de las estructuras del lenguaje para iluminarme sobre cuál es el sentido de que esté aquí (en esta existencia condenada a muerte) y ahora, en un horizonte de tiempo limitado que, sin embargo, me permite esbozar (casi rozar) la idea de eternidad.

Si, como yo, ustedes son de aquellos a los que el pensamiento abstracto les hace vibrar, entonces deben detener su lectura de inmediato si aún no han disfrutado de la última obra de Denis Villeneuve, porque todo lo que yo escriba y ustedes lean a partir de aquí es susceptible de ser considerado spoiler (me temo que, a los que no amen las abstracciones, les he perdido hace ya muchas líneas). Hecha la advertencia, continúo mi exposición con la compañía de quienes quieran adentrarse en mi escritura, que es en verdad mi lectura (estaría bien que por una vez, y aunque no haya de servir de antecedente, quienes la compartan o la rebatan, dejen aquí su comentario).

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Amy Adams es la Dra. Louise Banks, excepcional filóloga, reputada, especialmente, por sus dotes de traductora. Para Banks el lenguaje es el pegamento que nos aglutina, el vehículo del afecto y la comprensión, pero también puede ser el arma que nos ponga en pie de guerra cuando caemos en malentendidos lingüístico-culturales. Herramienta privilegiada de comunicación cuando es bien usado, cuando se generan equívocos, en cambio, puede ser fuente de conflictos encarnizados. Como traductora sabe bien que hay que hilar muy fino en la asignación de significados a la lengua traducida, si se hace bien esa labor, estamos facilitando la comunicación entre dos sistemas de pensamiento distintos, que es tanto como decir que estamos tendiendo un puente entre dos culturas. El término ‘Arma’ designa a los dispositivos usados para atacar o defenderse, los instrumentos para matar; pero también puede hacer meramente referencia a un inofensivo medio para conseguir algo, una simple herramienta de trabajo. Dirimir en qué sentido lo está usando el interlocutor puede evitar una guerra o, al contrario, provocarla. Así de trascendente es su trabajo cuando el ejército estadounidense la reclama para hacer de intérprete de los extraños seres cuyas naves han descendido (como monolitos, sí) sobre distintos puntos de la tierra. De ella puede depender la paz mundial.

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No está sola en ese trabajo, la acompaña en su labor el Dr. en física Ian Donnelly, bien encarnado por Jeremy Renner. Humanidades y ciencia colaborando juntas para un mismo objetivo. Las dos culturas, como las denominó C. P. Snow, apoyándose y acabando así con el inconveniente que veía el propio Snow en su ruptura, para él la falta de interdisciplinariedad es uno de los principales escollos para la resolución de los problemas mundiales. No es, pues, casual que la adaptación del relato de Ted Chiang, Historia de tu vida, les haya dado esa formación a sus dos personajes centrales: sólo desde la cooperación de las dos ramas principales del saber humano podrá alumbrarse un horizonte de cero conflictos.

Pero, ¿qué es lo que puede llegar a tener en común la filología y la física? La búsqueda de pautas de regularidad a partir del único lenguaje universal: las matemáticas. Física y lingüística, además, se ocupan del estudio de uno de los objetos que más nos gustaría controlar: el tiempo. Y Arrival, que nos habla de la conciliación universal de las culturas, es también una película sobre paradojas temporales (no siendo, además, gratuito, que lo sea).

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La naturaleza del tiempo es una cuestión abierta en física, de una parte  tenemos una experiencia directa de que recordamos el pasado y no el futuro, a esto lo llamamos “la flecha del tiempo”, así, si lo miramos desde la física newtoniana, el tiempo es absoluto, todos los observadores miden el paso del tiempo de la misma forma y verifican que su ritmo es el mismo para todos ellos. Pero todo cambia desde la perspectiva del paradigma cuántico. En dicha teoría el tiempo no es igual que el resto de parámetros observables.  De hecho, se sabe que no podemos definir relojes cuánticos perfectos. No podemos definir un reloj basado en un sistema cuántico que nos dé un paso del tiempo usual, ¡siempre hay probabilidad de que el reloj funcione hacia atrás en el tiempo!

¿Qué ocurre con el tiempo teorizado por la lingüística? Es una categoría del verbo que nos permite establecer el antes y el después de un acto de habla. Podemos considerarlo como una línea doblemente orientada (hacia atrás, el antes, hacia delante, el después) respecto a un origen que no es absoluto sino variable. El tiempo verbal, que puede formularse como vector, nos permite imaginar temporalidades relativas desde las que se haga posible viajar en el tiempo hacia el pasado y hacia el futuro. Es el tiempo del lenguaje el que nos permite pensar el tiempo de la física, puesto que es la base de nuestras estructuras conceptuales.

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Desde ambas disciplinas se pueden enunciar paradojas temporales. Si Nolan, en Interestelar, partía de la física teórica para adentrarse en el terreno de la posibilidad de cambiar el futuro, Villeneuve hace lo mismo apoyándose en el universo que permite concebir mentalmente la lingüística. Si son las estructuras del lenguaje las que nos hacen posible conceptualizar el tiempo, determinando además nuestra percepción del mismo, bien podemos plantearnos la posibilidad de que existan lenguas con estructuras verbales que permitan otra percepción del tiempo en la que se difuminen las nociones de principio y final. Si esto fuera así, podríamos recordar el futuro e incidir en él.

En Arrival la llegada de las naves, las reacciones humanas ante ello, la operación militar para determinar la naturaleza del contacto, la distinta actitud ante ello de las potencias y países afectados, no son más que el macguffin de la historia (como lo es la intriga sobre el uranio en Encadenados, por poner un ejemplo). Un macguffin muy bien llevado, tanto que podemos disfrutar del filme quedándonos sólo con  ello. Villeneuve dosifica con maestría la intriga en una obra que destaca también por su imagenería visual, con los justos efectos especiales. Suficientes para dar espectacularidad, pero no tan excesivos que velen el tono intimista del enfoque. Porque el punto de vista desde el que seguimos la historia es el de la Dra. Banks, una protagonista casi absoluta, que no es una heroína de acción sino la mejor cabeza pensante implicada en la trama (cosa que nos vuelve a hacer repetir algo que hemos venido considerando: la mayor relevancia de los papeles femeninos en el cine reciente). Arrival nos mantiene en vilo hasta su plano final, inquietos y expectantes por cuál vaya a ser el desenlace.

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El final podrá parecer insuficiente a algunos espectadores. Por eso les recomiendo que no asistan al visionado esperando un final épico y efectista como lo tenían Encuentros en la tercera fase o Contact, (películas ambas que tienen concomitancias con esta cinta). Yo les digo que, aunque carezca de esa fastuosidad en su estructura superficial, eso queda compensado con la profundidad de su conclusión en la estructura profunda. Porque el mensaje último que contiene la cinta es que vivimos limitados por una temporalidad de la que sabemos muy poco, pero que eso no importa a la hora de afirmar la vida. Nuestro reloj biológico nos hace caducos, pero desde nuestra efemiridad somos capaces de enunciar la eternidad. Gracias al lenguaje podemos proyectarnos en el tiempo y reconocer que es bien poco lo que sabemos sobre finitudes o infinitudes. Pero lo importante es que siendo, como somos, capaces de nombrar la muerte futura, ello no nos es óbice para obstinarnos en vivir. Y decir con Zaratustra/Nietzsche: “¿Era esto la vida? ¡Sea otra vez!”

 

Categorías:VAMOS DE ESTRENO

Serendipia’s Sitges Film Festival 2016. Quinta cápsula

14 noviembre 2016 Deja un comentario

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MARTES 11 DE OCTUBRE

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Este año Serendipia se ha centrado especialmente en ver películas, y la mayor parte de ellas las ha visto en l’Auditori y Tramuntana, las dos salas que están ubicadas en el Melià, zona apartada de lo que es el Sitges real, la ciudad. Pero siempre nos reservamos uno o dos días para volver a la vida: ir al Retiro, al Prado, (procurando dedicar el día al cine de animación), visitar los stands de la playa, ver el mar… recuperarse un poco de tanta sala oscura.

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Kim Tae-Ri, que debuta con La doncella (Foto: Serendipia)

Pero eso no significa que no acudiéramos puntualmente a nuestra primera cita cinéfila en l’Auditori. La coreana La doncella (Ah-ga-ssi) de Park Chan-wook  es un perverso cuento de hadas cargado de sutil erotismo. Con un exquisito diseño de producción, nos cuenta una historia de amor vista desde tres puntos de vista, mediante los cuales el director jugará con el espectador, llevándolo de un lugar a otro, pero sin salir nunca de una perfecta estructura que contendrá intriga, terror, comedia y, sobre todo, cine con mayúsculas. La cinta, que adapta la novela Fingersmith de Sarah Waters, nos cuenta el arco de transformación que atravesará su protagonista Sookee (Kim Tae-Ri), carterista profesional que acepta un macabro encargo: convertirse en la criada de una dama, Lady Hideko (Kim Min-hee) y colaborar para robarle la herencia. Sin embargo, el plan se verá alterado cuando las dos jóvenes comiencen a sentirse atraídas la una por la otra.  La doncella traslada la acción de la novela  a los años treinta, a la Corea ocupada por los japoneses, para erigirse en un filme de tintes góticos y con la exuberancia visual de Park Chan-wook, repleta de belleza cromática y emoción a flor de piel. Para Serendipia fue un auténtico orgasmo cinéfilo. Una maravilla que podrá disfrutarse a partir del próximo 2 de diciembre en nuestras pantallas gracias a La Aventura Audivisual.

Y de ahí, más flotando que caminando, visita al entrañable Prado para ver la cinta japonesa Your name (Kimi no na wa) escrita y dirigida por Makoto Shinkai. Un anime de amores adolescentes con equívocos sexuales y con paradojas temporales, ya que sus protagonistas, Aki y Mitsuha descubrirán un día que durante el sueño sus cuerpos se han intercambiado. Comenzando entonces a comunicarse por medio de notas. A medida que consigan superar torpemente un reto tras otro, se irá creando entre los dos un vínculo que poco a poco se convertirá en algo más que romántico. Otra maravilla de uno de los

Bill Plympton (Foto: Serendipia)

Bill Plympton (Foto: Serendipia)

nombres imprescindibles del cine animado nipón, que debutó en el largo con The Place Promised in Our Early Days (2004), al que siguió 5 Centimeters per Second (2007) y que podremos ver gracias a Selecta Vision. Y de anime japonés en el Prado, al Retiro para ver animación con carácter underground de la mano de Bill Plympton. Revengeance es una producción financiada mediante crowfunding dirigida al alimón por Plympton y Jim Lujan, que se han repartido el trabajo y que nos narra los avatares de Rod, un cazarrecompensas que recibe el encargo de un senador de los Estados Unidos que le encarga que localice a una mujer que le robó algo de gran valor. Lo que parecía un encargo sencillo pronto se complicará entre pandillas de moteros, sectas siniestras, drogadictos  y polis corruptos. Una road movie delirante con una animación sencilla, bastante menos cuidada de lo habitual en Plympton, que nos presentó él mismo. Tras la proyección Bill Plympton montó un tenderete improvisado en el exterior de El Retiro donde vendió películas y dibujos que le quitaron de las manos. Independencia underground total.

Lamentablemente el buen nivel descendió en parte con el thriller Let me Make you a Martyr, ópera prima de Corey Asraf y John Swab con claras reminiscencias al policíaco de los setenta plagado de muchos e ingeniosos diálogos, colores apagados, casi inexistentes y un villano memorable interpretado por Marilyn Manson. Pero a pesar de sus cinco años de gestación, supo a poco, la verdad.

Al día siguiente vendrían los momentos más viscerales del festival y…  ¡Bruce Campbell!

 

Categorías:Festival de Sitges

Serendipia’s Sitges Film Festival 2016. Cuarta cápsula

11 noviembre 2016 Deja un comentario

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LUNES 10 DE OCTUBRE

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Amaneciendo el día más tormentoso, metereológicamente hablando, de Sitges 2016 (foto: Serendipia)

De nuevo Serendipia madrugando en un día que amenaza lluvia, como finalmente fue. Afortunadamente será una jornada en la que primará el buen cine con respecto al malo y en la que habrá de todo: directores clásicos, nuevos talentos españoles y el remake (en este caso innecesario) de turno. Vayamos pues a por ello.

Salt and Fire,  la última película de Werner Herzog, era de visión obligada. Lo que se inicia como un inquietante relato de secuestros, perpetrados por una sofisticada guerrilla sudamericana, termina siendo un juego con trasfondo ecológico, casi un engaño, de Herzog al espectador. Un engaño impecablemente rodado, eso sí, como sólo un buen director como Herzog sabe hacer, captando la terrible desolación de los paisajes naturales que muestra, como ese fascinante océano de sal que cualquiera diría pertenece a otro mundo. Nadie ha rodado nunca como Herzog la belleza de lo inhóspito. A esas imágenes añade una tan extraña como conveniente banda sonora y unos actores convincentes en sus papeles. Junto al ascendente Michael Shannon, el director cuenta con un casi episódico Gael García Bernal y sobre todo Veronica Ferres, que ofrece todo un recital interpretativo abandonada a su suerte en ese inmenso desierto junto a dos niños ciegos. Una de las más poderosas e inolvidables imágenes con las que Salt and Fire despertará sentimientos de amor o de odio en el espectador. Pero sentimientos, que no es poco. 10-salt-and-fire-w1200-h630-1

Muy diferente a Salt and Fire pero también proveniente de otro veterano como es Paul Schrader fue Dog Eat Dog, que nos pareció toda una declaración de principios y un puntapié en las partes para los directores jóvenes. Porque Schrader es un veterano, sí, pero demuestra que sabe escupir bilis cuando conviene. Y que sabe rodar a la maniera de Tarantino  sin despeinarse. Divertida y salvaje, Dog Eat Dog fue otro de los buenos momentos que ofreció el festival de Sitges. Colores degradados, dibujos animados y lenguaje descarnado para esta comedia salvaje, tan violenta como divertida en la que el director experimenta con colores y texturas: “El cine vive un momento en el que puedes

Paul Schrader, en el festival de Sitges. (Foto: S. Sáez -EFE)

Paul Schrader, en el festival de Sitges. (Foto: S. Sáez -EFE)

mezclar casi cualquier cosa (…): una escena al estilo Cassavettes, al estilo Errol Morris, al estilo Bertolucci, al estilo Welles y al estilo Michael Bay. No pasa nada. Puedes permitirte este tipo de libertad.”

Un cartoon hiperviolento y lisérgico que debe también gran parte de su mérito a los actores escogidos, pues Willen Dafoe, Nicolas Cage y Christopher Matthew Cook están, textualmente, que se salen.

Afortunadamente estas dos piezas cargaron las pilas de Serendipia de buen cine con el que hacer frente a Blair Witch, de la que no esperábamos gran cosa, la verdad, pero que viniendo de Adam Wingard decepciona aún más tras haber visto aceptables cintas de este director como Tú eres el siguiente (You’re Next, 2011) y The Guest (2014). Lo que nos ofrece en Blair Witch es más de lo mismo en un remake disfrazado de secuela con los adelantos tecnológicos actuales, léase teléfono móvil y dron. Sustos absurdos y diálogos vergonzantes en una de las menos interesantes cintas que tuvimos ocasión de ver durante el festival (si no la más). Para usar, tirar y no volver a recuperar.

Afortunadamente, quedaba otra bala en la recámara que consiguió que Serendipia no marchara a su cubil con mal sabor de boca. Pet, del barcelonés Carles Torrens, del que ya habíamos visto otras cintas tan correctas como Emergo (2011) y el exitoso cortometraje Sequence (2014), salvó la papeleta.

Con una  factura que la hace pasar como producción

Dominic Monghan, Ksenia Solo y Carles Torrens (Foto: Pau Marti)

Dominic Monghan, Ksenia Solo y Carles Torrens (Foto: Pau Marti)

foránea, no en vano está producida entre España y Estados Unidos, Pet está protagonizada por Dominic Monaghan, rostro que les resultará familiar gracias a su participación en la trilogía de El Señor de los Anillos de Peter Jackson o en la serie Perdidos (Lost, 2004-2010) y Ksenia Solo, actriz letona que participó en El cisne negro (Black Swam, 2010) de Darren Aronofsky. Ambos actores interpretan un duelo interpretativo durante el cual cambiarán su rol de cazador y presa. Ganador del premio Cine365 otorgado en Sitges, Carles Torrens ha convertido el galardón en este suculento largometraje, un psicothriller rodado con poco presupuesto, en sólo cuatro días, protagonizado por dos personajes aislados que tienen mucho más en común de lo que creen. Resulta inevitable que nos traiga a la mente películas como El coleccionista (The Collector, William Wyler, 1965) o Chained (Jennifer Lynch, 2012), pero añade una perversa vuelta de tuerca que la diferencia de estas. Pet es voluntariosa e intenta abrir caminos dentro del cine de género (más o menos) español, pero su guión tiene agujeros que abren interrogantes que la película no responde de forma lógica.

Resumiendo ese lunes: una magnífica cosecha con tan solo un punto oscuro pero que era de obligada visión. El día siguiente traería una de las mejores, sino la mejor, película del festival. Pero eso será en la próxima cápsula.

 

 

Categorías:Festival de Sitges

ECC cierra el año con varios broches de oro: Sueshiro Maruo, Junji ito, Watchmen y DC

11 noviembre 2016 Deja un comentario
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Si ECC se ha ganado el corazón de Serendipia con la edición de todo lo dibujado por el maestro del manga de terror Junji Ito, ya termina de conquistarnos con la próxima publicación de  La extraña historia de la Isla Panorama de Sueshiro Maruo, que esperamos sea seguido por más de sus descatalogadísimas obras.
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Pero no solo eso. Tras la publicación este mes de noviembre de Universo DC: Renacimiento, que ha servido como preludio de esta nueva e ilusionante etapa, el mes que viene las principales series regulares de DC renacerán también, con nuevos equipos creativos como los de Batman, Superman, Liga de la Justicia y Green Lantern, o con cambio de formato como en el caso de Flash. ¡Todos ellos, ejemplares que podréis adquirir a un precio promocional de 1 €!
Además, diciembre es el mes en el que se celebra el Salón Internacional del Tebeo de Madrid, Expocómic, evento en el que disfrutaremos de autores tan relevantes como Mikel Janín (Batman) o Mark Buckingham (Fábulas), y en el que además podréis adquirir los cinco títulos de diciembre relacionados con Renacimiento con una portada exclusiva únicamente a la venta en la feria.
Por otro lado, en diciembre ECC rendirá homenaje a un autor irrepetible como Darwyn Cooke, con la publicación de JLA: Nueva Frontera, una historia intemporal sobre el idealismo que se ha convertido en uno de los cómics de superhéroes más aclamados del siglo XXI. Y cerramos el año con la edición especial 30 aniversario de Watchmen, la obra cumbre de Alan Moore y Dave Gibbons que cambió el mundo del cómic para siempre y corona todas las listas de los mejores cómics de la historia o de los o más influyentes, los más vendidos o los más premiados, cuyo cumpleaños queremos celebrar con una edición conmemorativa con una nueva portada y abundante material extra.
Categorías:Cómic y Manga
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