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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 16 de marzo de 2018 *
PERDIDO (Mon garçon, Christian Carion, 2017)0Francia Duración: 84 min. Guion: Christian Carion Música: Laurent Perez del Mar Fotografía: Eric Dumont Productora: Nord-Ouest Production Género: Drama
Reparto: Guillaume Canet, Mélanie Laurent, Olivier de Benoist, Marc Robert
Sinopsis: Cuenta la historia de Julien (Guillaume Canet), un hombre muy ocupado que hace numerosos viajes por África, Sudamérica y Oriente Medio. La pasión que siente por su trabajo le ha distanciado de sus seres queridos. Hace tres años que se divorció, y desde entonces ha visto a su hijo de 7 años en contadas ocasiones. Pero cuando este desaparece, se ve obligado a aparcar su vida profesional y comienza a descubrir muchas cosas sobre su exmujer (Mélanie Laurent) y su hijo. Un terrible sentimiento de culpa le invade, y decide encontrar a su hijo, cueste lo que cueste…
Rodada en dos semanas por Christian Carion y protagonizada por Guillaume Canet y por Mélanie Laurent , Perdido es una cinta que juega al engaño con el público. Pero considerando este engaño, este juego, como algo positivo. No en vano incluso el propio Canet, que interpreta al padre del niño desaparecido, tampoco conocía el guión y se encontraba inmerso en la historia sin saber como terminaría.
La película parte como drama familiar compartiendo ciertas similitudes con la reciente y devastadora Sin amor (Nelyubov, Andrey Zvyagintsev, 2017), con una pareja divorciada en la que el hijo, desaparecido en extrañas circunstancias, suponía un equipaje, una carga que parecía no tener espacio en la nueva vida de ambos. Pero aquí terminan los parecidos entre ambas cintas, pues el registro del filme de Carion cambia y, sin ofrecer explicaciones al público, pasa a ser un contundente y eficiente thriller en el que el propio espectador deberá tomar sus propias conclusiones. Todo un giro inesperado, sorprendente pero no exasperante en esta película de atmósfera seca, gélida y repleta de paisajes desolados en los que todo y nada es posible.
EL INSULTO (L’insulte, Ziad Doueiri, 2017)
Líbano/Bélgica/Chipre/Francia/USA. Duración: 110 min. Guión: Ziad Doueiri y Joelle Touma Música: Éric Neveux Fotografía: Tommaso Fiorilli Productor: Ezekiel Films / Scope Pictures / Tessalit Productions / Rouge International / Cohen Media Group / Ciné+ / Douri Films / CNC / L’Aide aux Cinémas du Monde / Canal+ Género: Drama
- Reparto: Kamel El Basha, Christine Choueiri, Adel Karam, Camille Salameh, Rita Hayek,Talal Jurdi, Diamand Bou Abboud, Rifaat Torbey, Carlos Chahine, Julia Kassar
- Sinopsis: Toni, cristiano libanés, riega las plantas de su balcón. Un poco de agua se derrama accidentalmente en la cabeza de Yasser, palestino y capataz de una obra. Entonces estalla una pelea. Yasser, furioso, insulta a Toni. Él, herido en su orgullo, decide llevar el asunto ante la justicia. Comienza así un largo proceso en el que el conflicto tomará una dimensión nacional, enfrentando a palestinos y cristianos libaneses.
La intransigencia causada por la rabia acumulada en el interior por viejos conflictos y antiguas heridas no cicatrizadas motivará que un incidente, del todo banal, se convierta en un problema que se complicará aún más cuando los poderes judiciales, políticos y religiosos quieran sacar partido. El papel de la mujer en este drama será el de apagafuegos, el de mediadora en los conflictos con el simple ejercicio de ponerse en el lugar del otro, pero el futuro, representado por una niña que está a punto de nacer, correrá peligro. Afortunadamente, la cinta, sin revelar más de lo que debería, deja una rendija abierta a la esperanza.
LA TRIBU (Fernando Colomo, 2018)
España. Duración: 90 min. Guion: Fernando Colomo, Yolanda García Serrano, Joaquín Oristrell Música: Vicente Ortiz Gimeno Fotografía: Ángel Iguacel Productora: Atresmedia Cine / Mod Producciones / Movistar+ Género: Comedia
Reparto: Carmen Machi, Paco León, Luis Bermejo, Julián López, Bárbara Santa-Cruz,Manuel Huedo, Rebeca Sala, Manel Fuentes, Horacio Colomé, Jorge Asín,Marisol Aznar, Alfonso Lara, Julián Teurlais, Arlette Torres, María José Sarrate,Maite Sandoval, Artur Busquets, Maribel del Pino, Javier Perdiguero
Para Fernando Colomo, “La Tribu es un estallido de vitalidad. Es una película que no tiene edad. La historia de ocho mujeres que se muestran llenas de entusiasmo al practicar baile urbano merecía ser contada”. El director, que cuenta con una filmografía que contiene emblemáticos títulos del cine español como Bajarse al moro, La Vida Alegre, Los Años Bárbaros, Al Sur de Granada o más recientemente Isla Bonita rodó La tribu entre Barcelona y Madrid el pasado verano contando con la colaboración en el guión de Joaquín Oristrell y Yolanda G. Serrano.
1945 (Ferenc Török, 2017)
Hungría. Duración: 91 min. Guion: Gábor T. Szántó, Ferenc Török Música: Tibor Szemzö Fotografía: Elemér Ragályi (B&W) Productora: Katapult Film Género: Drama
Reparto: Péter Rudolf, Tamás Szabó Kimmel, Dóra Sztarenki, Bence Tasnádi, Ági Szirtes,József Szarvas, Eszter Nagy-Kálózy, Iván Angelus
No siempre parece estar justificado el uso de fotografía en blanco y negro. Unas veces se hace como capricho ‘artístico’ del director que, en la mayoría de veces, no consigue disimular la mediocridad de la cinta, pero este no es el caso de 1945, película en la que el blanco y negro está, por muchas y variadas razones, más que justificado. Estamos realizando un viaje al pasado, un pasado próximo pero que muchos todavía identificamos con el blanco y negro de los álbumes fotográficos de nuestros padres o el de las películas de nuestra infancia, muchas de ellas vistas desde un televisor sin color. Ferenc Török nos narra, con una riquísima gama de grises, un episodio de esos que podría permanecer en el olvido. Uno de esos flecos de la historia, de esas cicatrices que permanecen abiertas todavía. Una acción que situada en una pequeña población húngara, podría tranquilamente trasladarse a cualquier pequeño pueblo de la España del 39. O a Bosnia. O… a cualquier lugar en el cual la envidia y la bajeza humana campa a sus anchas cuando la guerra toca a la puerta. Ese «la vida sigue» que se suspende cuando el pasado vuelve y se pasea en comitiva fúnebre, despertando remordimientos en su camino. Caciques que buscan perpetuarse en el poder; la llegada de un nuevo orden comunista; todo tiene lugar en un pequeño lugar de Hungría en el que debería ser un día feliz, pues una joven pareja va a contraer matrimonio. Pero no será así.
La película de Ferenc Török no puede más que considerarse redonda. El director ha construido una intriga amarga y repleta de alegorías visuales en la que nada resulta superfluo. Y ha decidido narrarla con ritmo de western de Sergio Leone, con una tensión in crescendo conforme se va desentrañando el secreto que esconde ese pequeño lugar de Hungría que un día decidió perder la humanidad.
1945 es soberbia. Cine con todas sus letras.
TOMB RAIDER (Roar Uthaug, 2018)
USA. Duración: 122 min. Guion: Geneva Robertson-Dworet, Alastair Siddons (Personaje: Toby Gard) Música: Junkie XL Fotografía: George Richmond Productora: GK Films / MGM / Square Enix / Warner Bros. Género: Aventuras
Reparto: Alicia Vikander, Daniel Wu, Dominic West, Walton Goggins, Kristin Scott Thomas,Alexandre Willaume, Adrian Collins, Hannah John-Kamen, Nick Frost
Al no haber visto las dos entregas de la anterior saga ni jugado nunca al videojuego en el que se basa, tenemos la oportunidad de hablar, sin prejuicio, de esta nueva película -reboot- sobre Lara Croft, la protagonista de la saga Tomb Raider. Y así desde la distancia salta a la vista que hay, al menos, una cosa que distancia a esta Lara Croft de la encarnada por Angelina Jolie, y es que se ha despojado al personaje de su carácter sexy y de su glamour. Y con ello no queremos decir que no posea un gran atractivo Alicia Vikander -que lo tiene-, pero esta nueva Tomb Raider se ha adaptado a lo que demandan los tiempos. Encarnando a una heroína de carne y hueso que grita, llora, pasa miedo y sangra cuando toca. Y sin necesidad de que la historia contenga interés romántico.
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 9 de marzo de 2018 *
LOVING PABLO (Fernando León de Aranoa, 2017)
España/Bulgaria Duración: 123 min. Guion: Fernando Léon de Aranoa (Libro: Virginia Vallejo) Fotografía: Alex Catalán Productora: Escobar Films / B2Y EOOD Género: Drama
Reparto: Javier Bardem, Penélope Cruz, Peter Sarsgaard, Julieth Restrepo, David Ojalvo,David Valencia
Sinopsis: Drama sobre el narcotraficante colombiano Pablo Escobar, basado en el libro ‘Amando a Pablo, odiando a Escobar’ escrito por la periodista colombiana Virginia Vallejo donde cuenta la relación amorosa que mantuvo con el narcotraficante en la década de los 80. Un relato desesperado de una superviviente, sobre la fascinación y el deslumbramiento, pero también sobre la desmesura y el horror.
Fernando León de Aranoa siempre ha sido un director comprometido con lo que ha hecho. Cintas como Familia (1996), Barrio (1998), Princesas (2005) o Amador (2010) dieron a conocer a este realizador que siempre nos ha relatado sus historias, universales, desde la intimidad de las barriadas o desde el corazón del núcleo familiar. En Los lunes al sol (2002), primera ocasión en la que coincidió con Javier Bardem, puso cara a un drama cotidiano como es el de desempleo y la pérdida de la esperanza. A partir de ahí el director ha ido trampeando e internacionalizando su carrera, que parece que podría obtener su merecido espaldarazo definitivo con este crudo vistazo al poder y sus corruptelas. Este lúcido retrato del delincuente como figura de culto, que Aranoa desenmascara como simple hombre de negocios. Sucios, corruptos, ilegales, pero negocios.
Para ello se sirve del relato que escribió la amante del narco, la periodista Virginia Vallejo, encarnada modélicamente en la película por Penélope Cruz y único contrapunto posible para el huracán Bardem, que como Pablo Escobar realiza una proeza, una metamorfosis que lo convierte en el narco de los narcos, y con el que seremos testigos presenciales de la fundación del Cartel de Medellín allá por los ochenta, que junto con el de Cali inundó de cocaína los Estados Unidos. Todo un problema de Estado para la Administración Reagan.
Viviremos la vida al máximo y desde la cima, con Escobar corrompiendo todos los estamentos del poder en Colombia e intentando dar el salto al norte, desde donde le pararán lo pies, pero vendiendo caro su pellejo y convirtiéndose en toda una leyenda.
Una objeción y también recomendación: la versión original es en inglés. Pero la versión en castellano está doblada en idioma español de península y no se han doblado los actores así que… aunque ninguna de las dos opciones son ideales, ya que lo correcto hubiera sido rodarla con los diálogos en español de Colombia, la mejor opción es verla en versión original en inglés ya que la caracterización y la magnífica interpretación de sus protagonistas no se entendería sin escuchar sus voces reales.
WINCHESTER (Michael Spierig, Peter Spierig, 2018)
Australia Duración:99 min. Guion: Michael Spierig, Peter Spierig, The Spierig Brothers, Tom Vaughan Música: Peter Spierig Fotografía: Ben Nott Productora: Blacklab Entertainment / Imagination Design Works Género: Terror
Reparto: Helen Mirren, Jason Clarke, Sarah Snook, Angus Sampson, Emily Wiseman,Laura Brent, Tyler Coppin, Dawayne Jordan, Jeffrey W. Jenkins, Thor Carlsson,John Lobato, Xavier Gouault, Jeff Lipary, Finn Scicluna-O’Prey, Homero Lopez
Sinopsis: A finales del siglo XIX, después de la trágica muerte de su marido y su hijo, Sarah (Helen Mirren) construye una casa-fortaleza (la Mansión Winchester, conocida como la mansión más misteriosa del mundo) con un objetivo: mantener a raya a los espíritus de las personas fallecidas por un rifle Winchester, que, según dice, la visitan con demasiada frecuencia. Eric Price (Jason Clarke) llega allí con el objetivo de psicoanalizar a la señora Winchester, descubriendo que los fantasmas que la atormentan pueden no ser producto de su locura.
Los experimentados hermanos Spierig (Predestination, Saw: Legacy), escriben y dirigen este relato tan fascinante como poco conocido. Para ello recrearán esta historia de fantasmas situada en la Norteamérica de principios del siglo XX. Helen Mirren se meterá en la piel Sarah Winchester, viuda y heredera de la fortuna del inventor del famoso rifle Winchester. Sarah, artífice de la famosa mansión victoriana situada en California y que llevaba su nombre. La casa es todo un laberinto que contaba con con más de 160 habitaciones, escaleras que no llevaban a ninguna parte y puertas que al abrirse descubrían un muro. Y todo estaba diseñado con la intención de esquivar a los fantasmas de las víctimas causadas por la invención de su marido, que acosaban a la viuda.
La película, elegantemente rodada, no puede evitar los tradicionales sobresaltos presentes en toda película moderna de fantasmas que se precie, pero tiene su mejor baza, además de en el diseño de producción y en los magníficos actores, encabezados por Helen Mirren y Jason Clarke, que además de medir el estado mental de la Sra. Winchester deberá exorcizar sus propios fantasmas.
Una producción eficaz que podría haber aprovechado más extraña mansión en sí misma como entidad laberíntica y refugio de espectros.
HISTORIAS DE UNA INDECISA (L’Embarras du choix, Eric Lavaine, 2017)
Francia. Duración: 95 min. Guion: Laure Hennequart, Eric Lavaine, Laurent Turner Fotografía: François Hernandez Productora: Sombrero Films Género: Comedia
Reparto: Alexandra Lamy, Jamie Bamber, Arnaud Ducret, Anne Marivin, Sabrina Ouazani
Sinopsis: La vida está hecha de pequeñas y grandes decisiones. El gran problema de Juliette es que es totalmente incapaz de tomar la más mínima decisión. Incluso con 40 años, aún depende de su padre y de sus dos mejores amigas para que lo decidan todo en su nombre. Pero el día en que conoce a Paul y a Étienne, tan encantadores y diferentes uno del otro, Juliette empieza a temblar. Esta vez, nadie podrá elegir por ella.
Y es que estamos hablando de unos protagonistas que se encuentran en la cuarentena bien entrada y todavía se encuentran dando vueltas sobre lo que buscan en la vida (aunque con el plato diario en la mesa bien asegurado). Aferrándose a un hombre (o una mujer) como si de un clavo ardiendo se tratara, como si ello fuera sinónimo de felicidad, cuando a esas alturas de la vida la experiencia debería haber demostrado que no siempre es así. Que no depende, desde luego, de eso.
Personajes atractivos, mujeres super-liberadas (cuando no directamente ninfómanas), hombres florero con empleos de élite que terminarán trabajando en un tercer mundo de postal. O de chef, el trabajo de moda. Y es que nunca es tarde para hacer lo que realmente se desea. ¿Seguro? Ya, ya sabemos que tan solo se trata de una comedia, pero cuando su sentido resulta irritante de tan anodino es cuando afloran estos sentimientos hacia el filme. Y es que si nos convencieron bien poco los anteriores trabajos del director, la inenarrable Barbacoa de amigos (Barbecue, 2014) y Vuelta a casa de mi madre (Retour chez ma mère, 2016), que guarda bastantes puntos en común con esta, además de la protagonista, Historias de una indecisa tampoco nos reconcilia con Eric Lavaine, cuyas relatos parecen desarrollarse siempre en tan irreales como acomodados ambientes en los que no se hace raro que, en un momento de la acción, se haga referencia directa a La Cenicienta.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 2 de marzo de 2018 *
LA ÚLTIMA BANDERA (Last Flag Flying, Richard Linklater, 2017)
USA Duración: 124 min. Guion: Richard Linklater (Novela: Darryl Ponicsan)Fotografía: Shane F. Kelly Productora: Amazon Studios / Big Indie Pictures / Detour Filmproduction Género: Comedia dramática.
Reparto: Steve Carell, Bryan Cranston, Laurence Fishburne, J. Quinton Johnson,Richard Robichaux, Dontez James, Jerry Lee Tucker, Kate Easton
Sinopsis: Año 2003. El ex médico de la Marina Larry “Doc” Shepherd (Steve Carell) reúne a sus dos mejores amigos para llevar a cabo una última misión: enterrar al hijo de Doc, fallecido en la Guerra de Irak, cerca de su hogar. Doc se niega a que el cuerpo de su hijo sea llevado al cementerio de Arlington, que es donde se entierra a los héroes de guerra, y con la ayuda de Sal (Bryan Cranston) y Mueller (Laurence Fishburne) trasladará el féretro en un viaje donde los tres recordarán, 30 años después de haber servido juntos en Vietnam, cómo la participación en la guerra ha afectado a sus vidas.
Temas capitales como el ejército, la guerra, el patriotismo, la muerte, la vida y sus desencantos, los remordimientos y el pasado son algunos de los asuntos que estos tres veteranos removerán en su encuentro 30 años después de haber sido compañeros de armas en Vietnam. Su encuentro vendrá motivado por la triste misión de enterrar al hijo de uno de ellos, ‘Doc’, abatido en Bagdad, y que ha sido el que ha querido que sus antiguos camaradas, con los que comparte algo más que recuerdos, le acompañen en su misión. Será un viaje repleto de recuerdos y momentos dramáticos, pero sobre todo de comedia ya que el guión de La última bandera contiene infinidad de diálogos hilarantes entre puya y puya a un país y un sistema que siempre parece tener una guerra preparada para romper cada generación.
Si esta comedia funciona tan bien y resulta tan divertida es, sin lugar a dudas, gracias a sus ingeniosos diálogos, por supuesto, pero también a la magnífica química que crean sus protagonistas: Bryan Cranston, como el personaje aparentemente más inmaduro de todos; Laurence Fishburne como el que más parece haber cambiado su vida y Steve Carell para quien, a pesar de los pesares, aquellos años y amigos siguieron estando en su corazón como los mejores.
A pesar de las similitudes argumentales que puede guardar La última bandera con Deber cumplido (Thank You for Your Service, Jason Hall, 2017), otra cinta recientemente estrenada que también remueve esta temática, aunque de forma mucho más dramática, la forma en la que el filme de Linklater lo ha tratado nos parece, sin dejar de criticar los mismos poderes, más ingeniosa y positiva, al menos para el espectador, que se convertirá en otro compinche más de estos antiguos marines en su viaje de vuelta de aquel descenso a los infiernos que la guerra representó para aquella generación de jóvenes. Recordarán quienes fueron, pero también quienes son y qué dirección tomar.
Sin duda nos encontramos ante una película deliciosa e ingeniosa. Y es que como sabemos todos los que hemos estado en velatorios, resulta sano reír aún en los momentos más trágicos, y esta película contiene tantos diálogos divertidos que llegamos a olvidarnos de su profundo trasfondo dramático, pero sin perdernos un ápice de su denuncia. El humor es, sin duda, la mejor herramienta para hacer efectiva una crítica, la más inteligente e incisiva.
FOXTROT (Samuel Maoz, 2017)
- Israel/Alemania/Francia. Duración: 113 min. Guion: Samuel Maoz Música: Ophir Leibovitch, Amit Poznansky Fotografía: Giora Bejach Género: Drama
- Reparto: Lior Ashkenazi, Sarah Adler
- Sinopsis: Michael ve cómo crece su rabia ante las excesivas muestras de luto de sus familiares y las palabras bienintencionadas de los burócratas del ejército. Su mujer, sedada, descansa. Mientras tanto, Michael se sumerge en una espiral de ira para experimentar uno de esos giros insondables de la vida, a la altura de las surrealistas experiencias de su hijo mientras realizaba su servicio militar
- Premios
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2017: Festival de Venecia: Gran Premio del Jurado2017: National Board of Review (NBR): Mejor film extranjero2017: Satellite Awards: Nominada a mejor película de habla no inglesa
Samuel Maoz, que ya ganó el León de Oro en 2009 con su primer filme, Líbano, nos propone con Foxtrot una cinta sorprendente, diferente, repleta de sensibilidad y también humor. Llena de sorpresas y paisajes desolados. Con puestos de guardia situados en el desierto protegiendo fronteras que no llevan a ningún lado y que tan solo parecen ser transitadas por fantasmales camellos en un reflejo del absurdo, no ya de los conflictos bélicos y étnicos, sino de la propia existencia. Con la vida como una ilusión, un absurdo que se hunde, día a día y que cuando mejor parece marchar, se arruina con la lluvia.
Foxtrot descoloca al espectador, que no sabe si debe reír en según que situaciones, pues su trama oscila de la comedia más ácida al drama más sensible con un simple cambio de plano. Mostrando el todo como trágica broma en la que la muerte es el chiste supremo. Pero a pesar de algunos pocos momentos cuya perfección hace que la vida merezca la pena ser recorrida, Foxtrot es, en palabras de su director «un baile de un hombre con su destino«, pero un baile que no va a ninguna parte, que siempre vuelve a la misma posición de partida.
Prenominada a los Oscar, son muchos los críticos que la han colocado entre las diez mejores películas del año.
GORRIÓN ROJO (Red Sparrow, Francis Lawrence, 2018)
USA. Duración: 139 min. Guion: Justin Haythe (Novela: Jason Matthews) Música: James Newton Howard Fotografía: Jo Willems Productora: Chernin Entertainment / Film Rites / Soundtrack New York. Distribuida por Twentieth Century Fox Film Corporation Género: Thriller
Reparto: Jennifer Lawrence, Joel Edgerton, Jeremy Irons, Charlotte Rampling,Mary-Louise Parker, Matthias Schoenaerts, Joely Richardson, Nicole O’Neill,Sergej Onopko, Sergei Polunin, Kristof Konrad, Simon Szabó, Ciarán Hinds,Thekla Reuten, Joel de la Fuente, Sakina Jaffrey, Douglas Hodge
Sinopsis: Dominika Egorova (Jennifer Lawrence) es reclutada contra su voluntad para ser un “gorrión”, una seductora adiestrada para el servicio de seguridad ruso. Dominika aprende a utilizar su cuerpo como arma, pero lucha por conservar su sentido de la identidad durante el deshumanizador proceso de entrenamiento. Hallando su fuerza en un sistema injusto, se revela como uno de los activos más sólidos del programa. Su primer objetivo es Nate Nash (Joel Edgerton), un funcionario de la CIA que dirige la infiltración más confidencial de la agencia en la inteligencia rusa. Los dos jóvenes agentes caen en una espiral de atracción y engaño que amenaza sus carreras, sus lealtades y la seguridad de sus respectivos países.
Una película de espionaje requiere contar con un guión muy bien construido, que consiga mantener el interés constante del espectador consiguiendo, además, que no se pierda ni se confunda. Y lamentablemente con Gorrión rojo sucede esto último, la trama se torna enrevesada y no contiene la suficiente acción ni tensión como para que el espectador llegue a meterse plenamente en este juego de verdades y mentiras. Y es toda una lástima, pues la película parte de una atractiva premisa, casi de serie B, con esos agentes entrenados para seducir y resultar irresistibles para el enemigo, al que combatirán con sus encantos. Y más si además cuenta con la esforzada interpretación de Jennifer Lawrence, aquí magníficamente respaldada por Joel Edgerton y los veteranos Jeremy Irons y Charlotte Rampling. Pero ni por esas. La historia no termina de cuajar. Y quizás también contribuya a ello la extrañeza de estar viviendo una historia más propia de desarrollarse en plena guerra fría y no en época contemporánea.
ERREMENTARI. EL GUERRERO Y EL DIABLO (Paul Urkijo, 2017)
España/Francia Duración: 96 min. Guion: Asier Guerricaechevarría, Paul Urkijo Alijo Música: Xabat Lertxundi Fotografía: Gorka Gómez Andreu Productora: Gariza Produkzioak / Ikusgarri Films / Kinoskopik s.l Género: Fantástico
Reparto: Eneko Sagardoy, Itziar Ituño, Josean Bengoetxea, Gorka Aguinagalde,Urko Olazabal, Kandido Uranga, Almudena Cid, Ramón Agirre, Gotzon Sánchez,Zigor Bilbao, Uma Bracaglia, Maite Bastos, Ander Pardo, José Ramón Argoitia,Iñigo de la Iglesia, Naia Garcia
Sinopsis: Han pasado 10 años desde de la primera Guerra Carlista de 1833. En un pequeño pueblo de Álava, un comisario del gobierno llamado Alfredo investiga un suceso que le lleva hasta una siniestra herrería en lo profundo del bosque, donde vive un peligroso y solitario herrero llamado Patxi. Los aldeanos de la zona cuentan oscuras historias sobre él relacionadas con robos, asesinatos y pactos demoníacos. Hasta que por casualidad una niña huérfana llamada Usue consigue colarse en la misteriosa herrería, destapando la terrible verdad que se esconde tras Patxi el Herrero.
Paul Urkijo nos llamó la atención desde que viéramos uno de sus cortos, concretamente Jugando con la muerte (2011), que además de estar realizado con impecables maneras, tenía un magnífico humor negro que nos hizo suyos. El buen hacer de Urkijo quedó confirmado con posteriores cortometrajes, así que, en cuanto nos enteramos que Pokeepsie Films estaba tras el debut del director en el largometraje, Errementari, no pudimos más que estar pendientes de ella.
Inspirada en una cuento popular vasco sobre un herrero tan malvado y astuto que es capaz de engañar al mismísimo diablo, la cinta de Urkijo es un cuento de horror gótico y fantástico lleno de emoción, misterio y extrañas criaturas. Con todos sus diálogos en un casi extinto euskera alavés del siglo XIX, la acción se inicia en un pequeño pueblo de Álava, después de la Primera Guerra Carlista de 1833, donde un comisario del gobierno investiga un suceso que le llevará hasta una siniestra herrería en lo profundo del bosque, donde vive un solitario herrero del que los aldeanos cuentan oscuras historias. Fantasmagórica, la bruma inunda esta fábula con diablos tramposos y sacamantecas que con un maravilloso diseño de producción convierte esta cinta en una de las mejores sorpresas del cine fantástico estatal, con una muy natural y destacable interpretación de la niña Uma Bacaglia en una cinta que denota cinefilia por los cuatro costados, con guiños a los monstruos de la Universal, los diablillos gamberros de Méliès e incluso al entrañable Leatherface, pero yendo mucho más allá con esta fábula que ha sabido beber en el corazón del folklore vasco.
HÉROES EN EL INFIERNO (Only the Brave, Joseph Kosinski, 2017)
USA Duración: 134 min. Guion: Ken Nolan, Eric Warren Singer Música: Joseph Trapanese Fotografía: Claudio Miranda Productora: Columbia Pictures / Black Label Media / Conde Nast Entertainment / Di Bonaventura Pictures Género: Drama
Reparto: Josh Brolin, Miles Teller, Jeff Bridges, James Badge Dale, Taylor Kitsch,Jennifer Connelly, Andie MacDowell, Scott Haze, Ben Hardy, Alex Russel,Michael Love Toliver, Sam Quinn, Ryan Jason Cook, Isaac London, Brandon Bunch
Sinopsis: Basada en hechos reales, Héroes en el infierno es la heroica historia de los conocidos como Granite Mountain Hotshots, un grupo de bomberos locales de Arizona que se convirtieron en una de las brigadas de élite de la nación. Mientras la mayoría se alejaron del peligro, ellos corrieron hacia él, arriesgando todo para salvar a un pueblo de un fuego incontrolado que pasaría a la historia en Prescott, Arizona, en junio de 2013.
Héroes en el infierno no ofrece nada que no hayamos visto antes, pero es el tipo de película que de vez en cuando apetece ver. Una aleccionadora historia de superación repleta de emoción, humor y amistad con altos niveles de testosterona protagonizada por un heterogéneo grupo de bomberos locales, auténticos héroes en el infierno, de los que sabremos el mínimo como para simpatizar con ellos y distinguirlos: el golfo de buen corazón; el adicto desarraigado que cambiará de actitud cuando tenga un hijo y adquiera responsabilidades; el veterano que ha dado tanto de sí al trabajo que ha descuidado su vida privada… Casi nos encontramos ante un argumento y un catálogo de tópicos que valdría igual para un drama bélico: primeras acciones, ascensos, demostraciones de valor, compañerismo, permisos en familia… En general un guión de lo más predecible, pero con un buen as en la manga para todos aquellos que no conozcan los hechos reales en los que se basa.
Por lo demás ofrece escenas espectaculares, un tono clásico en su estructura y desarrollo, y unas gotas de conciencia ecológica sin caer en el panfletismo, así como un buen ramillete de buenos actores: Josh Brolin Jeff Bridges, Jennifer Connelly, Andie MacDowell y un ascendente Miles Teller, todo lo cual vaticina un rato agradable con un filme que si de algo adolece es del mal, casi epidémico, que sufre el cine actual: el exceso de metraje, algo que en películas como Héroes en el infierno juega muy en su contra.
‘Pero que todos sepan que no he muerto’: Removiendo los huesos de la discordia
“Callar y quemarnos es el castigo más grande que podemos echarnos encima”
Federico García Lorca
PERO QUE TODOS SEPAN QUE NO HE MUERTO (Bones of Contention, Andrea Weiss, 2018)
USA. Duración: 76 min. Guión: Andrea Weiss Directora de fotografía: Carmen Vidal Balanzat Edición: Andrea Weiss/Pamela Ralat Productora ejecutiva: Greta Schiller Productora: Jezebel Productions Narración: Miguel Ángel Muñoz.
Intervienen: Laura García Lorca (Presidenta de la Fundación García Lorca), Emilio Silva (Fundador de la Asociación para la Recuperación de la Memoria Histórica), Antoni Ruiz y Silvia Reyes (Encarcelados por el Régimen franquista por su sexualidad), Isabel Franc y Empar Pineda (Activistas en favor de los derechos LGTB), Fernando Valverde (Poeta y estudioso de Lorca).
La neoyorkina Andrea Weiss ha utilizado como eje conductor de su documental, Pero que todos sepan que no he muerto, la figura del poeta Federico García Lorca para denunciar el silencio que quiere mostrar, concentrándose en los motivos por los que fue ejecutado: su militancia de izquierdas y su homosexualidad. Y con ello ha desarrollado un muy interesante documento sobre la cultura del olvido que tan plácidamente se mantiene en España, tanto hacia los perdedores de la guerra civil como hacia los homosexuales, represaliados incluso durante la ‘modélica’ transición.
Y es muy interesante que no se dejen de rodar documentales, de escribir libros, e incluso de enseñar en las escuelas que en España pasó lo que pasó. Y pese a quien pese hay que recordarlo, pues no hace tanto que pasó. Y hay que recordar, también, que los herederos de aquellos carniceros son los que ahora no quieren que se revuelva el pasado. Pero conviene hacerlo. Hay que remover esos huesos de la discordia. Y más cuando el gobierno ‘popular’ gasta 23.000 euros en repatriar a 29 miembros de la División Azul. Y más mientras ignora, e incluso se burla, de los más de 120.000 hombres y mujeres desaparecidos y cuyos huesos se resecan y pudren bajo tierra en cunetas y fosas anónimas. Fosas repletas de cadáveres de miles de rojos.
También Innumerables homosexuales fueron encarcelados e incluso sirvieron como conejillos de indias en sádicos experimentos que buscaban curarles de su ‘desviación’. Todo amparado por la iglesia, claro. Y por la justicia, por supuesto. Primero bajo la ley de vagos y maleantes y más tarde en la de peligrosidad social, auténtico cajón de sastre en el que todo valía y todo cabía. Incluso miles de ‘desviados’
Y Federico García Lorca, ejecutado por rojo y maricón, se ha convertido en figura máxima e icono para el movimiento LGTB y para la izquierda que no ha olvidado ni ha podido enterrar a sus muertos en paz. Ha tenido que ser una norteamericana, la directora y escritora Andrea Weiss, la que denuncie con su documental todo esto. Viajando de Barcelona a Madrid y de Granada a Valencia para reunir los testimonios, tanto de asociaciones para la recuperación de la memoria histórica como de víctimas de la dictadura franquista. Sin olvidar a las lesbianas que nunca existieron. Todos víctimas. Todos olvidados. Molestos resquicios de otros tiempos que algunos quieren olvidar. Huesos corroídos. Mariquitas medio locos. Viejos chochos. Rojos y maricas.
Andrea Weiss, una reputada cineasta y escritora doctorada en Historia de la Cultura Americana, ganó un Premio Emmy por su documental Before Stonewall, así como varios galardones más en festivales de todo el mundo con otras producciones cinematográficas posteriores, como la adaptación de su propio libro París era mujer, vivió en Barcelona en el año 2012 y allí se interesó y profundizó en este olvido. Ilustrando su documental, además de con testimonios, con muy interesante imágenes de archivo pertenecientes a noticiarios norteamericanos que hablan del “Spanish Hitler” y del encarcelamiento y adoctrinamiento de los presos políticos que sobrevivieron a la guerra genocida.
Un documental necesario que 39 Escalones estrena en pocas, demasiado pocas, salas. Y que debería exhibirse también en colegios. Y centros cívicos. Un documento imprescindible en estos tiempos grises, en los cuales el actual gobierno, enaltecido, se envalentona y promulga leyes castradoras y medidas censoras.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 23 de febrero de 2018 *
TODO EL DINERO DEL MUNDO (All the Money in the World, Ridley Scott, 2017)
USA. Duración: 132 min. Guion: David Scarpa Música: Daniel Pemberton Fotografía: Dariusz Wolski Productora: Imperative Entertainment / Scott Free Films / TriStar Productions / RedRum Films Género: Drama.
Reparto: Michelle Williams, Mark Wahlberg, Christopher Plummer, Timothy Hutton,Romain Duris, Charlie Shotwell, Charlie Plummer, Andrea Piedimonte,Marco Leonardi, Roy McCrerey, Kit Cranston, Maya Kelly, Stacy Martin, Olivia Grant,Adam Astill, Andrew Buchan, Charlotte Beckett, Francesca Inaudi, Giulio Base,Olivia Magnani, Maurizio Lombardi
Sinopsis: Roma, 1973. Unos hombres enmascarados secuestran a un adolescente llamado Paul (Charlie Plummer). Su abuelo, J. Paul Getty (Christopher Plummer), es el hombre más rico del mundo, un magnate petrolero tan multimillonario como avaro. El secuestro de su nieto favorito no es razón suficiente para renunciar a parte de su fortuna.
Todo el dinero del mundo cuenta la historia de Gail (Michelle Williams), la persistente y tenaz madre de Paul para quien, al contrario que Getty, sus hijos son lo más importante. La vida de su hijo depende de un tiempo que se acaba, y los secuestradores se muestran cada vez más decididos, inestables y violentos. Cuando Getty envía a su enigmático hombre de seguridad, Fletcher Chace (Mark Wahlberg), a velar por los intereses de su nieto, él y Gail se alían en una carrera contrarreloj que revelará el valor del amor frente al dinero.
Ridley Scott nos ofrece una película repleta de intrigas políticas, acción, emoción, escenarios suntuosos y mafia calabresa. Una banda sonora impecable y un plantel de actores tocados por los dioses con un guión y montaje ejemplar, que consiguen que la película y el interés no decaiga en ningún momento. Una prueba de fuego para la vejiga del espectador, con final de infarto incluido.
Por si alguien dudaba de la capacidad de Ridley Scott director, no lo olvidemos, capaz de realizar joyas de la talla de Alien o Blade Runner, de ofrecer buen cine, con Todo el dinero del mundo sigue demostrando que goza de muy buena salud.
La historia de J. Paul Getty es la historia de un mezquino que lo tiene todo y no tiene nada. Es la historia del ansia de poseerlo todo. Del egoísmo de los poderosos, pero también la historia de la fortaleza de una madre que no ceja en su empeño ni vende su alma. Su grandeza contra la bajeza moral absoluta en este millonario que no podemos evitar que nos recuerde, sobre todo en su última escena, a ese W. Randolph Hearts que como Kane se aferraba a su propio Rosebud en un nada disimulado homenaje a la obra maestra de Welles.
Buen cine, del mejor, para contrariar a los agoreros que siguen quejándose de la escasa calidad de las películas actuales.
EN LA SOMBRA (Aus dem Nichtsaka, Fatih Akin, 2017)
- Alemania/Francia. Duración: 100 min. Guion: Fatih Akin Música: Josh Homme Fotografía: Rainer Klausmann Productora: Bombero International / Macassar Productions Género: Drama
- Reparto: Diane Kruger, Numan Acar, Ulrich Tukur, Johannes Krisch, Siir Eloglu,Denis Moschitto, Jessica McIntyre, Ulrich Brandhoff, Samia Muriel Chancrin
- Sinopsis: La vida de Katja se hunde cuando su marido y su hijo mueren en un atentado con bomba. Tras el duelo y la injusticia, llegará el tiempo de la venganza.
- Premios
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2017: Festival de Cannes: Mejor actriz (Diane Kruger)2017: Globos de Oro: Mejor película de habla no inglesa2017: Critics Choice Awards: Mejor película de habla no inglesa2017: Satellite Awards: Nominada a mejor película habla no ingles y actriz (Kruger)
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 16 de febrero de 2018 *
LA FORMA DEL AGUA (The Shape of Water, Guillermo del Toro, 2017)
- USA/Canadá. Duración: 119 min. Guion: Guillermo del Toro, Vanessa Taylor Música: Alexandre Desplat Fotografía: Dan Laustsen Productora: Bull Productions / Fox Searchlight Género: Fantástico.
- Reparto: Sally Hawkins, Doug Jones, Michael Shannon, Octavia Spencer, Richard Jenkins,Michael Stuhlbarg, Lauren Lee Smith, David Hewlett, Nick Searcy, Morgan Kelly,Dru Viergever, Maxine Grossman, Amanda Smith, Cyndy Day, Dave Reachill
- Sinopsis: Elisa (Sally Hawkins) es una joven muda que trabaja como conserje en un laboratorio en 1963, en plena Guerra Fría, donde se enamorará de un hombre anfibio (Doug Jones) que se encuentra ahí recluido.
- Premios
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2017: Premios Oscar: 13 nominaciones incl. mejor película, director y actriz (Hawkins)2017: Festival de Venecia: León de Oro (Mejor película)2017: Globos de Oro: Mejor director y banda sonora original. 7 nominaciones2017: Premios BAFTA: 12 nominaciones, incluyendo Mejor película y Mejor director2017: American Film Institute (AFI): Top 10 – Mejores películas del año2017: Critics Choice Awards: Mejor película, director, dir. artística y banda sonora2017: Críticos de Los Angeles: Mejor director, actriz (Hawkins) y fotografía2017: Satellite Awards: 10 nominaciones incluyendo mejor película y director2017: Sindicato de Productores (PGA): Mejor película2017: Sindicato de Directores (DGA): Nominada a mejor director/película2017: Sindicato de Actores (SAG): Nom. mejor actriz (Hawkins) y actor sec. (Jenkins)
Confesó Guillermo del Toro durante la rueda de prensa posterior que tuvo lugar tras el pase de prensa de La forma del agua (The Shape of Water, 2017) en el Festival de Sitges que, hasta ahora, sus películas habían explorado sus obsesiones infantiles y que esta era su primera película adulta. No sabemos hasta que punto, pero sin lugar a dudas este cuento de hadas consigue el propósito de capturar la poesía que habita en el horror. En esta nueva revisión del mito de la bella y la bestia por primera vez la bella es una mujer corriente y moliente, un ser humano como todos nosotros, “que se masturba por las mañanas“, tal y como indicó el director. Y la bestia no se convertirá, mediante un mágico beso, en el atractivo y habitual príncipe azul. Pero nos hablará de amor. De amor por el amor y de amor por el cine y su poder sanador como medio de evasión de los males reales que nos atenazan.
La forma del agua es una de esas cintas que nos regalan momentos de antología, como aquel en que la criatura y Elisa (magistralmente encarnada por Sally Hawkins) tienen su primer contacto amoroso, un encuentro acuático en el inundado baño de Elisa. La inundación rebasará los límites de esa reducida habitación desbordándose hasta caer en forma de lluvia sobre la sala de cine sobre la que vive la protagonista. Inundando, textualmente la sala de cine en la que nos encontramos.
La de del Toro es también una cinta plagada de referencias cinematográficas y musicales, pero no se trata de un ejercicio de estilo postmoderno al modo que hemos visto antes en tantas películas recientes, sus citas no buscan lo trillado, no buscan los grandes clásicos, pues lo que se celebra es el poder del cine de acompañar y puntuar nuestras vidas haciéndonos ser lo que somos de forma casi imperceptible. Del mismo modo, los personajes que la pueblan son seres anónimos, personas de normal invisibles a las que del Toro quiere dar voz y protagonismo. Y el villano, el verdadero monstruo, no es la criatura extraordinaria sino un muy humano miembro de la inteligencia militar al que Michael Shannon caracteriza como un hombre ambicioso, cegado por su voluntad de escalar socialmente, y que resulta incapaz de valorar a los diferentes, a los que se apartan de los estándares. Un antagonista perfecto para este cuento de hadas con estética retrofuturista que mezcla lo fantástico con lo romántico.
Más allá del claro homenaje a los monstruos de los estudios Universal, y concretamente a ese que ustedes ya se imaginan, la cinta de Del Toro va mucho más lejos, ofreciendo un recital de buen cine, del que nos hace más felices. De ese que nunca olvidamos y que se goza con el corazón.
DEBER CUMPLIDO (Thank You for Your Service, Jason Hall, 2017)
USA Duración: 108 min. Guion: Jason Hall (Novela: David Finkel) Música: Thomas Newman Fotografía: Roman Vasyanov Productora: Dreamworks Pictures / Reliance Entertainment / Dune Films. Distribuida por Universal Pictures Género: Drama
Reparto: Miles Teller, Haley Bennett, Amy Schumer, Joe Cole, Keisha Castle-Hughes,Brad Beyer, Scott Haze, Omar J. Dorsey, Jayson Warner Smith,Michael Love Toliver, Randall Taylor, Beulah Koale, Tony Winters, Jesse Malinowski,Timothy Carr
Sinopsis: Tres soldados estadounidenses regresan de Irak tratando de reintegrarse con sus familias, y adaptándose a la vida civil mientras luchan por olvidar sus duros recuerdos de la guerra.
No han
sido pocas las películas que han retratado, casi siempre de forma agridulce, cuando no dramática, la vuelta del soldado a casa tras un conflicto bélico. Ya meritorias cintas como Los mejores años de nuestra vida (The Best Years of Our Lives, William Wyler, 1946) o Los violentos años veinte (The Roaring Twenties, Raoul Walsh, 1939) mostraban que, en muchos de estos casos, el volver de uno de estos conflictos llevaba al vacío. No solo la sociedad no valoraba el sufrimiento que habían derrochado estos hombres en frente, a su vuelta, en muchos casos, les esperaba el desempleo o el fin de su vida conyugal. Y una difícil adaptación a su nueva situación. El volver a la vida. A todo esto hubo que sumar, a partir del conflicto en Vietnam, el de hombres que volvieron con fatiga de combate y taras psicológicas que muchas veces se tornaron conflictivas. También el cine ha dejado algunas obras de arte que lo han reflejado, y Deber cumplido ahonda de nuevo en esa situación, centrándose en la vuelta a casa de tres soldados, tres compañeros, que después de estar deseando volver a casa, al hogar, no tardarán en descubrir que ya no son los hombres que marcharon un año antes a Irak. Y que casi echan de menos la camaradería que encontraron allí.
Tras cumplir 11 meses en Irak como sargento con cinco hombres a su cargo, el protagonista tan solo desea recuperar su casa y su antiguo empleo de jardinero. Algo que su esposa no considera un trabajo de verdad. Marcharon siendo jóvenes, casi niños. Almas de usar y tirar que retornan envejecidos. Rotos. Diariamente en Estados Unidos, 22 veteranos se suicidan. Algo muy grave está sucediendo cuando estas escalofriantes estadísticas son ignoradas y los soldados no reciben el apoyo urgente psicológico que requerirían. Como dice uno de los personajes de la cinta: «Peleamos en sus guerras por derechos que aquí no tenemos».
De esto y mucho más nos habla Deber cumplido, una magnífica película que, basada en hechos reales, vuelve a ahondar en la herida de quienes son las víctimas de los conflictos y quienes los beneficiados. Quienes son los vencedores y quienes los vencidos.
BLACK PANTHER (Ryan Coogler, 2017)
USA. Guion: Joe Robert Cole, Ryan Coogler (Cómic: Jack Kirby, Stan Lee) Música: Ludwig Göransson Fotografía: Rachel Morrison Productora: Marvel Studios / Walt Disney Pictures Género: Acción
Reparto: Chadwick Boseman, Lupita Nyong’o, Michael B. Jordan, Andy Serkis,Angela Bassett, Forest Whitaker, Danai Gurira, Winston Duke, Daniel Kaluuya,Florence Kasumba, Letitia Wright, Stan Lee, Sterling K. Brown, Martin Freeman,Phylicia Rashad, Sydelle Noel, John Kani
Sinopsis: “Black Panther” cuenta la historia de T’Challa quien tras los acontecimientos de “Capitán América: Civil War”, vuelve a casa, a la nación de Wakanda, aislada y muy avanzada tecnológicamente, para ser proclamado Rey. Pero la reaparición de un viejo enemigo pone a prueba el temple de T’Challa como Rey y Black Panther ya que se ve arrastrado a un conflicto que pone en peligro todo el destino de Wakanda y del mundo.
Black Panther es un entretenimiento, sí, pero muy imaginativo. En esta ocasión el Universo Marvel ha quedado embellecido por un magnífico diseño de producción y vestuario. Resulta sorprendente e incluso bello, para el espectador abierto de miras, contemplar naves sobrevolando la sabana africana. O contemplar esa imaginativa metrópoli en el corazón de la selva. Mezclando lo étnico con tecnologías claramente futuristas y mostrando una civilización plenamente avanzada pero que conserva la tradición y los rituales milenarios trasmitidos generación tras generación.
Más que a un superhéroe, lo que se nos muestra es a un Rey-Dios que legisla en una civilización secreta de hombres-dioses de ébano con agentes infiltrados en todo el mundo. Muy cercanos en su belleza a los Numa que retratara Leni Riefensthal. Una civilización en la que la igualdad de sexos es bien patente. Y mucho más allá, pues la científica más avanzada de Wakanda es la joven hermana del monarca, cuya guardia personal está compuesta por fieles guerreras. Tampoco se muestra epidermis femenina, así que los/las que se quejaron por las amazonas de Wonder Woman no tendrán donde asirse. O sí, porque puestos a buscar, los nuevos censores y guardianes de la moral saben encontrar.
También resulta interesante el conflicto de guerra racial que nos ofrece, así que ¿Dónde flojea Black Phanter? pues en nuestra opinión en donde siempre lo hacen las películas de acción americanas, a la hora de mostrar, precisamente la acción, las luchas cuerpo a cuerpo. Lo hacen desde tan cerca y a tal velocidad que el espectador no puede disfrutarlas. Quizás se trate de una posible influencia de la estética de los videojuegos, también presente en varias persecuciones y escenas en las cuales la animación 3D y el croma son más que evidentes. Pero estamos en un reino de fantasía, y pensamos que estos detalles no quitan valor al mundo étnico-tecnológico del poblado Wakanda y Black Panther que sin lugar a dudas añadirá brillo al universo Marvel y a la saga Avengers.
«Lo que niegas, te somete; lo que aceptas, te transforma»: una interesante charla con Fabricio D’Alessandro
Tal vez el nombre de Fabricio D’Alessandro no les resulte familiar. Si les decimos que este joven argentino afincado en Barcelona, tutor del Master de Dirección de la escuela FX ANIMATION Barcelona 3D &Film School, es el autor de Oculto al sol, ya se irán poniendo en situación. Y si han visto su debut en el largo de ficción (¡si no lo han hecho, corran a hacerlo!) estarán de acuerdo con nosotros en que nos va a dar muchas alegrías a los amantes del cine. La semana pasada os hablábamos de su película, esta semana os traemos una breve charla con él. Fabricio D’Alessandro tiene muchas cosas que decir, las plasma en su cine, pero también en sus palabras y es todo un placer escucharle. ¡Pasen y leánle!
El cine, como la fotografía, se fundamenta en un procesamiento de la luz y sus contrastes, en Oculto el sol tú usas ese principio físico para indagar en nuestra condición humana, ¿Cómo te planteaste ese paralelismo? ¿Qué querías expresar?
Hay algo de mi búsqueda personal que pivotea en torno al “despertar” como un nuevo estadio de la conciencia. Carl Jung habla de la oscuridad como un lugar sagrado de conocimiento que nos conduce a la verdadera iluminación. Aquellos que no aprenden nada de los hechos desagradables de sus vidas, fuerzan a la conciencia cósmica que los reproduzca tantas veces como sea necesario para que les deje alguna lección. Lo que niegas, te somete; lo que aceptas, te transforma. Buscando esa transformación, apareció la imagen de un gran eclipse solar capaz de proyectar una sombra que me dejaba -a mí y a muchos otros- en la oscuridad; perdido, frágil, solo… Pero, al mismo tiempo, me daba todas las respuestas que necesitaba para comprender que la verdadera luz estaba ahí. Como idea argumental me pareció potente para unificar varias historias que nos hagan pensar, reflexionar sobre los deseos y sobre lo que no es fácil de ver.
Tu película nos ofrece siete historias de vida independientes que nos son mostradas en paralelo, ¿fue difícil articularlas entre sí para mantener el suspense sin que hubiera declives de interés en el conjunto?
Fue mi mayor desafío. Trabajamos duro con Federico Viescas (colaborador en el trabajo con los actores) para pensar en cómo articular las historias desde el guion y el trabajo continuó en el montaje. Filmar de manera coral no es sencillo, hay que tener muy claro dónde se pretende llegar. Personalmente, estoy muy satisfecho con la edición final, creo que fue una búsqueda intensa que construyó un alma propia, una especie de espíritu que hace que el film se mantenga en pie.
Unas historias son más sombrías que otras, ¿Lo tuviste en cuenta a la hora de montarlas? ¿Cómo trabajaste la iluminación en cada una?
Sí, cada historia fue premeditada en función de las otras. Yo ya había pensado un orden y también tenía una idea planteada sobre cómo quería que funcionasen. La premisa era siempre tener una columna vertebral de la película y para ello me apoyé en la historia de Lorenzo. Esa historia (que no es más importante que otras) es la que me sirvió como estructura. Es la historia más sombría definitivamente, por eso la elegí para amalgamar la trama. He tratado siempre de jugar con la luz natural que me daban los espacios y utilizar algún refuerzo para iluminar rostros u oscurecerlos. Jugar con la luz y las sombras me permitió encontrarle el tono a cada historia.
Has elegido un eclipse de sol para mostrar el lapso temporal que subyace al conjunto, ¿Por qué un eclipse? ¿Cuál es su valor simbólico?
El eclipse es un concepto potente en cuanto a muchas cosas. Dicen que cuando los eclipses suceden la energía de las personas se altera y ni nos enteramos. Además, siempre me han llamado la atención. Nos hace percatarnos, en cuestión de segundos, de lo pequeños que somos en esta galaxia. El eclipse como símbolo es potente porque la luz nos hace ver una realidad determinada (Platón lo explica muy bien con su alegoría). Cuando esa luz se apaga, las sombras desaparecen y nos encontramos con nosotros mismos, con la verdad de lo que somos. Es un momento de lucidez, de iluminación, aunque parezca lo contrario.
Has adaptado en tu película una obra de teatro, ¿Qué relación crees que hay entre el cine y el teatro? ¿Ha sido difícil mantener su esencia original sin que el producto no dejara de ser cinematográfico? ¿Cuáles han sido tus modelos?
La película está basada en escenas teatrales creadas por sus intérpretes, que funcionan como disparadores para la película. La relación entre el cine y el teatro es estrecha y al mismo tiempo es distante. Me interesa el cine, lo que hago es cinematográfico. Me gusta el tratamiento de la música y del sonido, pero también me interesa el trabajo actoral en base a lo que me dan los ensayos, y es ahí donde encuentro relación con el teatro. Me baso en el trabajo que ha hecho John Cassavettes en “Shadows” o Jim Jarsmuch en “Coffe and Cigarrettes”.
Háblanos de ti, ¿Cuándo nace tu vocación por el cine? ¿Te ha ayudado tu experiencia como docente para enfrentar tu propia creación? ¿Qué nuevos proyectos tienes en mente?
Mi vocación por hacer cine nace de pequeño, cuando jugaba con mis hermanos con una cámara de video VHS. Grabo cortos desde los 10 años, algunos como actor y otros como director. Creo que he filmado más de 50 cortos en toda mi vida. A medida que fui creciendo, involucraba a todo el curso del colegio y luego vinieron los compañeros de la universidad. Ahora tengo la suerte trabajar con otros profesionales. Mi experiencia como docente en la escuela FX ANIMATION Barcelona 3D & Film School, me conectó con una parte que desconocía de mí mismo. Ahora escribo una nueva película sobre docencia y espero que este lista pronto. Estoy muy ansioso.
¿Ha sido difícil sacar adelante un proyecto tan personal? ¿Con qué trabas y con qué apoyos te has encontrado? ¿Qué les recomendarías a otros directores que estén preparando su debut?
Hacer esta película me hizo más fuerte de lo que me consideraba. Estaba acostumbrado a trabajar con presupuestos medianos, lo que te da ciertas ventajas, pero el hecho de no disponer de recursos económicos me hizo enfrentarme con mi creatividad y con la de todos los que me seguían. De golpe, todo se vuelve más pasional, sincero y productivo. Todos los que colaboraron y siguen colaborando en esta película lo hacen como un acto de amor, de fe, con las ganas que se necesitan para trabajar hoy en día en el cine. Eso se puede ver en el resultado. Pero, por otro lado, las desventajas son muchísimas. No poder acceder a mayores estándares de calidad, a pesar de tener acceso a equipamientos más profesionales, es una gran desventaja porque usarlos implica recursos para trasladarlos, operarlos, y luego trabajar un workflow del que uno no dispone con tan pocas herramientas. Mi recomendación para otros directores es que hagan lo que puedan con lo que tienen. El resto viene solo.
¿Alguna recomendación final?
Sí: no os perdáis “Oculto el sol” y procurad apagar la luz que os rodea, ahí sucede la magia.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 9 de febrero *
THE FLORIDA PROJECT (Sean Baker, 2017)
- USA. Duración: 115 min. Guion: Sean Baker, Chris Bergoch Fotografía: Alexis Zabé Productora: Cre Film / Freestyle Picture Company / June Pictures. Distribuida por A24 Género: Drama
- Reparto: Willem Dafoe, Brooklynn Prince, Bria Vinaite, Caleb Landry Jones, Mela Murder,Valeria Cotto, Christopher Rivera, Macon Blair, Sandy Kane, Karren Karagulian,Lauren O’Quinn, Giovanni Rodriguez, Carl Bradfield, Betty Jeune, Cecilia Quinan,Andrew Romano, Samantha Parisi, Gary B. Gross
- Sinopsis: Moonee sueña con ir a Disneylandia, pero lo más cerca que ha estado es el motel barato a las afueras de Orlando (Florida), en el que vive con su madre Halley, de 22 años: el Magic Castle Motel. Lo más parecido que Moonee tiene a un padre es Bobby, el gerente del motel, un hombre cauto y diligente que se burla de las payasadas de los niños. Halley ha perdido su trabajo, y otra niña de la misma edad que Moonee se acaba de mudar al motel de al lado. Promete ser un verano inolvidable.
- Premios:
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2017: Globos de Oro: Nominada a mejor actor de reparto (Willem Dafoe)2017: Premios BAFTA: Nominada a mejor actor secundario (Willem Dafoe)2017: National Board of Review (NBR): Mejores películas del año, actor sec. (Dafoe)2017: American Film Institute (AFI): Top 10 – Mejores películas del año2017: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor director y actor sec. (Dafoe)2017: Críticos de Los Angeles: Mejor actor sec. (Dafoe) y 2ª mejor película2017: Premios Independent Spirit: Nominada a mejor película y director2017: Critics Choice Awards: Mejor intérprete joven (Brooklynn Prince)2017: Premios Gotham: Nom. mejor película, actor, nueva actriz y premio del público2017: Satellite Awards: Nominada a mejor director, guion original y actor sec. (Dafoe)2017: British Independent Film Awards (BIFA): Nom. a mejor pel. internacional indep.2017: Sindicato de Actores (SAG): Nominada a mejor actor secundario (Willem Dafoe)2017: Asociación de Críticos de Chicago: Mejor actor secundario (Willem Dafoe)
Maquillada de cierto aspecto documental, The Florida Project busca comunicar, trasmitir, puramente mostrando. Exponiendo ante el espectador un reflejo de la sociedad nortemericana que no sale habitualmente en el cine de Hollywood. Basura (blanca, mestiza, negra) y extrarradios. Madres adolescentes, niños asilvestrados -pero felices-, olor a sudor, pizza, tabaco y gofres. Tatuajes y reggaeton sonando continuamente por el móvil. Malviviendo durante un verano en un microcosmos de edificios de nombres tan equívocos como Futureland o Magic Castle, moles situadas en una Florida circundante con Disney World.
Una banda sonora basada en la música de los móviles y los sonidos de la televisión, además de los continuos ruidos de las aspas de los helicópteros, que no dejan de aterrizar y despegar de un helipuerto cercano. Sonidos del caos en el que vive una madre-niña y su hija-adulta, enormes protagonistas ejemplarmente interpretados por Bria Vinait y Booklynn Kimberly Prince, dos debutantes que compiten en credibilidad con gran Willem Dafoe, que como Bobby, el gerente-portero del edificio representa al único personaje con cierta autoridad moral, protectora-paternal para todos sus inquilinos.
Dirigida por Sean Baker, quien alcanzó el favor de crítica y público con su anterior película Tangerine (2015), la película no sermonea ni juzga, tan solo expone con la mayor naturalidad los hechos sin buscar razones ni culpables terminando con uno de los más poderosos finales que podría haber ofrecido.
Una de esas películas que no toma al espectador por tonto y que demuestra como hacer una película con niños sin que resulten insufribles ni queden aburridas.
Oculto el sol, la vida como claroscuro
Siempre estamos ante la luz. La luz, esa fuente esencial de todo lo que se da en y ante nosotros, de cómo vemos y de qué vemos. Sin luz no hay mirada. Sin luz no hay vida. Sin luz no hay cine. Pero tampoco lo hay sin sombra que contraste. La luz no puede ser sin oscuridad que la resalte. Oscuridad y luz se implican en su ser contrarias y los contrarios alcanzan el ser gracias a su oposición, no son el uno sin el otro. Por eso, en el lugar del límite, los opuestos son el otro, el mismo.
Es profundizando en lo oscuro que podemos definir lo luminoso, afirma Jung. Las palabras de Jung presiden y dan sentido a Oculto el sol. Fabricio D’Alessandro, en su opera prima, reflexiona sobre la dialéctica luz/oscuridad para mostrar como es en el claroscuro, en el lugar del eclipse, donde se despliegan nuestras vidas. Lo hace con un filme coral que se mueve entre el drama y el suspense, en el que siete historias de vida, ajenas entre sí, se entrelazan bajo el manto de un eclipse solar, que es físico, pero también personal. Ana y Mora, dos amigas que se cuelan en la casa de una famosa actriz; Lorenzo, un músico que descubre que sus padres actuales no son los auténticos; Laura, una novia que no quiere acudir a su boda; Fedérico, un chico que acosa a su ex amante, Juana, mientras espera a su esposo; Gustavo, un bailarín frustrado que no quiere salir a escena; Ginna, la esposa de un médico con fobia a la soledad, una soledad en la que intuye presencias extrañas, y Clara, que busca comunicarse con su hermano. Siete estados mentales, que en manos de D’Alessandro se convierten en un bosquejo de la psique humana.
Oculto el sol es un ejercicio de estilo con mucha escuela (que no escolar), perfecto en su lógica interna y lleno de sugerencias. Un filme que se juega en el tablero de la metáfora y nos habla de la importancia de la conciencia y el sentimiento a la hora de tomar decisiones, una idea que su director venía madurando hace tiempo. Su punto de partida es una obra teatral compuesta por siete escenas cortas, en la línea del Jarmusch de Coffe and cigarettes 
(2003), que inspiró a D’Alessandro su trabajo de adentramiento en las profundidades del inconsciente, colectivo e individual. Para llevarlo a cabo se impusieron una serie de restricciones que permitieron el afloramiento de una obra fresca y lúdica en la mejor línea del Oulipo. Sólo dos actores por relato, una única localización para cada episodio y una sola toma para cada escena, permiten capturar la inmediatez y la irrepetibilidad del teatro, sin olvidar, no obstante, lo cinematográfico. Cada capítulo es una acción viva y única en la que los actores se rinden a su papel y brillan con luz propia como si estuvieran sobre un escenario en contacto directo con el público. Pero la cámara no es invisible, se la nota en su cascada de planos cortos, en su juego con el eje para transmitir todos los ángulos de una acción, en su seguimiento del personaje, D’Alessandro se expresa con el lenguaje del cine. Oculto el sol no es, pues, teatro filmado, es una pieza que nace allí donde se imbrican las dos disciplinas artísticas, es una apuesta formal por maridar ambos modos de la representación. Y el resultado no podía ser más interesante.
Aunque teja siete historias independientes, no estamos ante una película de episodios sino ante toda una cinta puzzle. Ese carácter le viene dado por el recurso temporal de hacer que todas transcurran en el mismo lapso, ese eclipse solar que se resolverá fuera de campo y que las hace participar de una misma 
idea de fondo. Pero la coincidencia temporal y la unidad conceptual no es lo único que convierte a los relatos en un mismo todo. Es el montaje el que logra convertir las siete tramas en una sola, D’Alessandro las despliega en paralelo fluyendo de una otra como si fueran el mismo río y sabe secuenciarlas y dosificarlas de modo que la intriga permanezca constante. En la película no hay valles, no declina el interés, su ritmo no se atropella ni decae, cada historia es un crescendo y la excusa del eclipse permite que el clímax sea común a todas. El momento de mayor brillo coincide, en todas, con el instante del sol oculto, para descender después suavemente hacia la sombra cuando regresa la luz. La oscuridad es, para los personajes, el ámbito de la magia, la luz el espacio de la realidad, y Oculto el sol los transporta de uno al otro con la dulzura de la melancolía, sembrando en el espectador la necesidad de investigar sobre sus propios claroscuros, sus propios eclipses interiores.
Coral y personal, simultáneamente, el primer largo de ficción de Fabricio D’Alessandro da buenas referencias de sus dotes cinematográficas. Estamos ante un debut prometedor que emociona y mueve a reflexión, dos ingredientes que convierten a su director en autor y a la cinta en una pequeña (gran) obra de arte.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 2 de febrero *
AMITYVILLE: EL DESPERTAR (Amityville: The Awakening, Franck Khalfoun, 2017)
USA Duración: 85 min. Guion: Franck Khalfoun Música: Robin Coudert Fotografía; Steven Poster Productora: Blumhouse Productions / Dimension Films / Miramax Género: Terror
Reparto: Bella Thorne, Cameron Monaghan, Mckenna Grace, Jennifer Jason Leigh, Jennifer Morrison, Taylor Spreitler, Thomas Mann, Kurtwood Smith,Hunter Goligoski, Dan Martino, Brian Breiter
Sinopsis: Belle (Bella Thorne) y su familia se mudan a una nueva casa, con el fin de ahorrar dinero para ayudar a pagar el costoso tratamiento de su hermano gemelo que se encuentra en coma. Pero cuando fenómenos extraños empiezan a ocurrir en la casa, incluyendo la recuperación milagrosa de su hermano y pesadillas cada vez más espeluznantes, Belle comienza a sospechar que su madre (Jennifer Jason Leigh) no le está contando toda la verdad y pronto se da cuenta de que, 40 años después de los extraños sucesos que tuvieron lugar allí, acaban de mudarse a la terrorífica casa de Amityville.
Dirigida por Franck Khalfoun, quien saltó a la fama gracias al buen sabor que dejó a muchos con su remake de Maniac con Elijah Wood como protagonista, se adentra en esta ocasión en el pequeño universo de Amityville y lo hace, al igual que hiciera con aquella, demostrando un gran respeto por la cinta original que pasa, físicamente, a formar parte de la historia, pues el director demuestra haber aprendido la lección que ofreciera Wes Craven en Scream (1996) y añade esa ficción a su propia ficción. Y también la realidad, directamente extraída de la crónica de sucesos, de los hechos acaecidos en la tenebrosa casa ofreciendo, con todo ello, una nueva lectura y, lo más difícil, consiguiendo un buen resultado, que sin ser extraordinario resulta digno y más ingenioso que la media, no basando exclusivamente su efectividad en sustos fáciles y efectismo splatter.
Utilizando los resortes habituales del género: ruidos extraños y puertas que se abren y cierran solas, la cinta ofrece algunos ingeniosos guiños al aficionado que se topará con otras cintas del género como Patrick (Richard Franklin, 1978), Annabelle (en un plano podemos ver una muñeca idéntica a la Annabelle ‘real’) y por supuesto la saga Amityville, lo que da ocasión al director de ofrecer al espectador metacine en estado puro
Los personajes están correctamente perfilados y los adolescentes no resultan sonrojantes, muy al contrario, Bella Thorne construye un atractivo personaje y Jennifer Jason Leigh demuestra su práctica en este tipo de cine, no en vano se dio a conocer con el thriller terrorífico Mujer blanca soltera busca… (Single White Female, Barbet Schroeder, 1992) y no ha dejado de intervenir en algún que otro festín terrorífico como eXistenZ (1999) de Cronenberg.
CAVERNÍCOLA (Early Man, Nick Park, 2018)
UK Duración: 89 min. Guion: Mark Burton, James Higginson, John O’Farrell Fotografía: Charles Copping, Dave Alex Riddett, Paul Smith, Peter Sorg Productora Aardman Animations Género: Comedia
Sinopsis: Dug, cavernícola, y Hognob, jabalí, son los protagonistas de esta nueva aventura de Aardman en la que dos civilizaciones, la de la Edad de Piedra y la de Bronce, compiten por hacerse hueco en la historia. ¿Cómo? De la mejor forma que sus ancestros les enseñaron: con «el juego sagrado». ¡Un partido de fútbol llamado a ser el más épico de la historia! En juego no hay una copa, sino la supervivencia de la tribu de Dug, que ve en peligro su hogar ante la llegada del malvado y moderno villano de la Edad de Bronce Lord Nooth.
Si el oscarizado Nick Park creador de Wallace & Gromit ya parodió La gran evasión (The Great Scape, John Sturges, 1963) en su Chicken Run (2000), para Cavernícola parece haberse inspirado más en la Evasión o victoria (Victory, John Huston, 1981) que en Los Picapiedra, aunque naturalmente algún guiño ofrece a aquella serie, sobretodo en forma de ingenioso invento. Con una historia situada en el fin de la Edad de Piedra y el inicio de la del Bronce, Cavernícola es una divertida cinta para toda la familia que cuenta con ingeniosos personajes, entre los que destaca Hognob, el jabalí mascota con complejo de perro que en la versión original de la película se encarga de doblar el propio Park.
El prólogo, uno de los mejores momentos de la cinta, es casi una aventura en sí misma que funcionaría como cortometraje autónomo, y aunque Cavernícola no resulta tan redonda como las anteriores propuestas de Park, si que dispone del suficiente atractivo para el espectador, especialmente el aficionado al fútbol. Exalta simultáneamente los valores de trabajar en equipo y los de ser imaginativo y tener ideas propias, sin despreciar la crítica social representada por el personaje del villano Lord Nooth, que ofrece al pueblo ‘pan y circo’ mientras se lucra con sus impuestos ‘voluntarios.’
Buenos personaje y buenos gags en esta recomendable nueva película de los artesanales estudios de animación Aardman.
EL CUADERNO DE SARA (Norberto López Amado, 2018)
España. Duración: 115 min. Guion: Jorge Guerricaechevarría Fotografía: David Omedes Productora: Telecinco Cinema / Ikiru Films Género: Aventuras
Reparto: Belén Rueda, Manolo Cardona, Enrico Lo Verso, Marián Álvarez, Florín Opritescu,Malcolm Sitté, Iván Mendes, Marta Belaustegui, Nick Devlin
Sinopsis: Laura busca desde hace años a su hermana Sara, desaparecida en medio de la selva del Congo. Ni la ONG para la que trabajaba ni la Embajada tenían noticias de su paradero… hasta que aparece una foto de un poblado minero del Este del Congo con la imagen borrosa de Sara. Sin dudarlo un momento, Laura viaja hasta Kinshasa dispuesta a adentrarse en el territorio de los Señores de la Guerra, dejando atrás las diferencias que la separaron de su hermana, y sin sospechar que esa aventura le llevará hasta la más sucia, violenta y oculta trastienda de los grandes poderes occidentales.
De nuevo el egoísmo y el saqueo de África por parte de las potencias occidentales son los responsables de los dramas que suceden en el continente africano. En esta ocasión ya no es el oro ni los diamantes, es el Coltán, un mineral metálico negro y opaco relativamente escaso en la naturaleza que se utiliza en la fabricación de componentes para dispositivos electrónicos. La explotación abusiva de este mineral con propiedades únicas en el uso de aparatos móviles, es una de las causas principales de conflicto en el Congo, y esta es la base, el macguffin que habrá detrás de la historia que narra El cuaderno de Sara, una película con trasfondo de crítica social pero mucho también de aventuras con guion de Jorge Guerricaechevarría (‘Cien años de perdón’, ‘El Niño’) y que cuenta en su reparto, además de con Belén Rueda, con Manolo Cardona (‘Narcos’), Marian Álvarez (‘La herida’), el debutante Ivan Mendes y Nick Devlin (‘El Canal’), además de la colaboración especial de Marta Beláustegui (‘El principio de Arquímedes’) y Enrico Lo Verso (‘Hannibal’). Dirigida por Norberto López Amado, la película se rodó durante ocho semanas en la República de Uganda y la isla de Tenerife, lugares de los que el director ha sabido sacar todo el provecho. Una atípica y correcta cinta de acción protagonizada por una Belén Rueda que demuestra, una vez más, que se atreve con todo tipo de género.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 26 de enero *
EL PASAJERO (The Commuter, Jaume Collet-Serra, 2018)
USA Duración: 105 min. Guion: Byron Willinger, Philip de Blasi Música: Roque Baños Fotografía: Paul Cameron Productora: Lionsgate / StudioCanal / Nvizage / Ombra Films Género: Thriller
Reparto: Liam Neeson, Patrick Wilson, Vera Farmiga, Sam Neill, Jonathan Banks,Elizabeth McGovern, Dean-Charles Chapman, Clara Lago, Florence Pugh,Letitia Wright, Shazad Latif, Killian Scott, Andy Nyman, Roland Møller,Colin McFarlane, Dilyana Bouklieva, Adam Nagaitis, Kingsley Ben-Adir,Kobna Holdbrook-Smith
Sinopsis: Durante su trayecto habitual de vuelta a casa en tren, un hombre de negocios felizmente casado comienza a hablar con una misteriosa pasajera. Pronto el hombre se verá envuelto en una conspiración criminal que amenaza con poner en peligro tanto su vida como la de sus seres más cercanos.
Collet-Serra no pierde el tiempo: ya desde los títulos de crédito nos muestra el día a día. La monotonía de una familia feliz. Vemos al personaje que encarna Liam Neeson realizando el ritual de levantarse cada día a las 6 para ir a trabajar. Esto ya nos indica que, tal y como imaginamos, todo se va a venir abajo. Y no pensamos que les estemos desvelando gran cosa sobre esta película, pues tan solo hace falta echar un vistazo a los últimos trabajos en común entre el director catalán y el actor irlandés para saber que vamos a tener un largometraje de acción e intriga. Y es que, aunque uno personalmente eche de menos al Collet-Serra inicial dedicado al cine de terror, hay que reconocer que sabe de sobras como funcionan los hilos del cine de acción. Sabe manejar la intriga y enseñar las cartas en el momento exacto para conseguir sorprender al espectador sin precipitarse antes de desplegar toda la artillería.
Serra nos presenta de manera efectiva todas las piezas de la historia, prescindiendo de lo innecesario llevando a su protagonista y al espectador a un juego de intriga cuya acción irá subiendo conforme avance la trama con un escenario tan ideal como ha demostrado ser siempre el tren.
Una película ideal de acción e intriga, bien realizada y que cuenta, además de con Liam Neeson, con la agradable participación de Patrick Wilson y Vera Farmiga, el célebre matrimonio Warren de la saga de James Wan; Sam Neill; Jonathan Banks y la española Clara Lago.
EL CORREDOR DEL LABERINTO: LA CURA MORTAL (Maze Runner: The Death Cure, Wes Ball, 2018)
USA Duración: 142 min. Guion: T.S. Nowlin (Novela: James Dashner) Música: John Paesano Fotografía: Gyula Pados Productora: Gotham Group / Temple Hill / 20th Century-Fox Film Corporation Género: Ciencia ficción.
Reparto: Dylan O’Brien, Kaya Scodelario, Katherine McNamara, Thomas Brodie-Sangster,Nathalie Emmanuel, Barry Pepper, Giancarlo Esposito, Rosa Salazar,Dexter Darden, Walton Goggins, Jacob Lofland
Sinopsis: Thomas no puede confiar en CRUEL. La organización le borró sus recuerdos y lo encerró en el Laberinto. Luego lo dejó al borde de la muerte, en el Desierto. Y lo separaron de los Habitantes, sus únicos amigo. Ahora CRUEL asegura que el tiempo de las mentiras ha terminado. Con toda la información que reunió gracias a las Pruebas, está en condiciones de avanzar en la cura de la Llamarada. Pero Thomas debe pasar por la Prueba Final. ¿Logrará sobrevivir al procedimiento? ¿Será cierto que se terminaron las mentiras? Quizá la verdad sea más terrible aún… una solución letal, sin retorno.
‘La cura mortal‘ se basa en la tercera parte de la saga literaria iniciada con El corredor del laberinto, de James Dashner que concluye este tríptico de forma espectacular. En esta casa ya les hablamos de su capítulo intermedio en la que su director, Wes Ball, dejaba suficientes tramas abiertas como para asegurar al menos una tercera entrega con la que Ball, que ha dedicado más de 4 años a esta aventura, se despide.
La película se inicia con una persecución a lo Mad Max cinta con trasfondo también apocalíptico aunque de un tono definitivamente más pesimista que este Corredor del laberinto, dirigido mayoritariamente a un público adolescente y que narra la eterna batalla de los jóvenes contra ‘el sistema’ de valores de los adultos, que no dudarán en desear incluso la sangre de los muchachos para asegurarse su salvación.
La verdad es que los dos años trascurridos desde la entrega anterior de la saga no beneficia a esta cinta pues es fácil que, a excepción de los seguidores de la misma, los espectadores hayan olvidado como terminó aquella. Tampoco se nos pone al día en el inicio de esta, así que tendremos que ir tanteando hasta ir adivinando su trama, recordando que una plaga está exterminando a la humanidad y tan solo unos cuantos jóvenes parecen inmunes a la misma, muchachos y muchachas que son utilizados como objetos de estudio por los villanos de la historia, todos mayores y crueles. La plaga esta convirtiendo a sus infectados en una especie de zombis hambrientos y repugnantes, criaturas estas que al parecer resultan imprescindibles en toda película de terror de nuevo milenio que se precie.
Entretenida y bienintencionada, los protagonistas son inmejorables muestras de juventud de toda raza, con medidas estándar, cabeza bien poblada y proporciones lo suficientemente atractivas como para ser los padres y madres de una nueva y esperanzadora humanidad que, si no lo impiden los sardónicos villanos, surgirá de los genes de todos estos mozalbetes.
Para incondicionales de la saga y del entretenimiento sin complicaciones, pero recomendando, eso sí, revisar las anteriores entregas.
SIN AMOR (Nelyubov, Andrey Zvyagintsev, 2017)
- Rusia/Francia/Alemania/Bélgica Duración: 128 min. Guion: Andrey Zvyagintsev, Oleg Negin Música: Evgueni Galperine Fotografía: Mikhail Krichman Productora: arte France Cinéma / Why Not Productions Género: Drama
- Reparto: Maryana Spivak, Aleksey Rozin, Matvey Novikov, Marina Vasilyeva, Andris Keishs,Alexey Fateev
- Sinopsis: Un matrimonio que lleva años juntos está en pleno proceso de divorcio. Su día a día se resume en discusiones, mientras intentan vender su apartamento desesperadamente para poder irse a vivir por separado. Además, ya están planeando sus respectivos futuros: el marido, Boris, ya ha conocido a otra chica a la que ha dejado embarazada, y la mujer, Zhenya, ha comenzado a citarse con un adinerado hombre que parece estar dispuesto a casarse con ella. Unos futuros felices… en los que no han incluido a Alyocha, su hijo de 12 años. Ninguno le presta interés, hasta que desaparece sin dejar rastro. Se trata de una coproducción entre Rusia y Francia, dirigida por Andrei Zvyagintsev.
- Premios
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2017: Festival de Cannes: Premio del Jurado2017: Globos de Oro: Nominada a Mejor película de habla no inglesa2017: Premios BAFTA: Nominada a Mejor película en habla no inglesa2017: Premios del Cine Europeo: Mejor BSO y fotografía2017: National Board of Review (NBR): Mejores películas extranjeras del año2017: Críticos de Los Angeles: Mejor película extranjera2017: Premios Independent Spirit: Nominada a mejor película extranjera2017: Satellite Awards: Nominada a mejor película de habla no inglesa2017: British Independent Film Awards (BIFA): Nom. a mejor pel. internacional indep.
Mucho hemos tenido que escarbar para escoger una sinopsis algo aproximada a lo que el espectador se encontrará en Sin amor, una cinta en la que si bien su eje principal transita con la desaparición del menor, la pieza sobrante, el escollo para la felicidad de sus progenitores, que viven un agrio divorcio, lleva al espectador por muchos otros terrenos como la irresponsabilidad, la bajeza moral y el egoísmo más absoluto lugares, en mayor y menor medida, conocidos de sobras por el espectador, al que esta magnífica cinta señala mirándole directamente a los ojos.
Zvyagintsev nos narra una historia incómoda y cruda a la que, sorprendentemente, ha dotado de pequeños jirones de humor, que subrayan lo absurdo que a veces la propia existencia es, y que acercarán al espectador, aún más, a ese fin del mundo que, vaticinado por el calendario maya, se anuncia en los noticiarios. Un fin del mundo que tras ver la cinta uno no sabría asegurar si no se ha producido ya o debería producirse con urgencia.
Sin amor es una película valiente que nos habla de la mezquindad cotidiana, de la hipocresía social del hombre y la mujer de la calle, del individuo ‘normal’, del vecino, del tendero: de usted y de mí. De todos. Y nos demuestra que el infierno existe, desde luego, y que vivimos en él contribuyendo a construirlo con nuestras acciones y sentimientos más inconfesables. Pero también con los públicos.
El director nos muestra el lado oscuro del ser humano y también, particularmente, el de una sociedad, la rusa, que arrastra y arrastrará para siempre las secuelas de su pasado político. Y lo hace con un sutileza magistral, trasmitiendo sensaciones al espectador. Pocas veces la intimidad de sus protagonistas se ha mostrado de forma tan veraz. Pocas veces los silencios son tan elocuentes. Como dice uno de los personajes del film, sin amor no se puede vivir y esa desesperada búsqueda del mismo es la que convierte a sus protagonistas en supremos egoístas.
Incómoda, cruda, magistral.
Protagonizada por Alexey Rozin y Maryana Spivak, el guion de Sin amor, que se desarrolla en dos partes bien diferenciadas, ha sido escrito por el director en colaboración con Oleg Negin, quien también ha trabajado en tres de las anteriores películas de Zvyagintsev: The Banishment, Elena y Leviatán. Sin amor confirma que el realizador ruso es uno de los grandes autores del cine contemporáneo, con un estilo único. La atmósfera y la tensión que gravitan sobre la película, junto a las soberbias interpretaciones, la música y la excepcional fotografía, sumergen al espectador en un universo desconcertante, pesimista y lleno de intriga.
CALL ME BY YOUR NAME (Luca Guadagnino, 2017)
Italia/Francia/Brasil/USA Duración: 130 min. Guion: James Ivory, Luca Guadagnino (Novela: André Aciman) Música: Sufjan Stevens Fotografía: Sayombhu Mukdeeprom Productora: Frenesy Film Company / RT Features / La Cinéfacture / Water’s End Productions / M.Y.R.A. Entertainment / Ministero per i Beni e le Attività Culturali / Lombardia Film Commission. Distribuida por Sony Pictures Classics Género: Drama
- Reparto: Timothée Chalamet, Armie Hammer, Michael Stuhlbarg, Amira Casar, Esther Garrel,Victoire Du Bois
- Sinopsis: Elio Perlman (Timothée Chalamet), un joven de 17 años, pasa el cálido y soleado verano de 1983 en la casa de campo de sus padres en el norte de Italia. Se pasa el tiempo holgazaneando, escuchando música, leyendo libros y nadando hasta que un día el nuevo ayudante americano de su padre llega a la gran villa. Oliver (Armie Hammer) es encantador y, como Elio, tiene raíces judías; también es joven, seguro de sí mismo y atractivo. Al principio Elio se muestra algo frío y distante hacia el joven, pero pronto ambos empiezan a salir juntos de excursión y, conforme el verano avanza, la atracción mutua de la pareja se hace más intensa.
- Premios
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2017: Festival de Toronto: 2ª finalista – Mejor película2017: Globos de Oro: 3 nomin. incluyendo mejor película drama y actor (Chalamet)2017: Premios BAFTA: 4 nominaciones, incluyendo Mejor película y Mejor director2017: National Board of Review (NBR): Top 10 películas año, actor rev. (Chalamet)2017: American Film Institute (AFI): Top 10 – Mejores películas del año2017: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor actor (Chalamet)2017: Críticos de Los Angeles: Mejor película, director y actor (Chalamet)2017: Premios Independent Spirit: 6 nomin. incluyendo mejor película y director2017: Premios Gotham: Mejor película y nuevo actor (Timothée Chalamet)2017: Critics Choice Awards: Mejor guion adaptado. 8 nominaciones2017: Sindicato de Productores (PGA): Nominada a Mejor película2017: Satellite Awards: Nomin. a mejor película, guion adaptado y actor sec. (Hamer)2017: Sindicato de Actores (SAG): Nominada a mejor actor (Timothée Chalamet)2017: Festival de Berlín: Nominada a mejor película (Teddy Section)2017: Festival de San Sebastián: Inauguración sección Perlas de otros festivales2017: Melbourne International Film Festival: Premio del Público2017: Festival de Sydney: 2º puesto mejor película (Premio del Público)2017: Asociación de Críticos de Chicago: 3 premios incl. Mejor actor (Chalamet)
La sombra de James Ivory, autor del guión y productor del filme de Luca Guadagnino es alargada y pesa sobre la cinta del italiano, ya bregado en narrar relatos de iniciación adolescente como ya hiciera en la, en su momento, polémica Melissa P. (2005) y en menor grado en Cegados por el sol (A Bigger Splash, 2015), con la que Call Me by Your Name tiene más cosas en común, no en vano ambas forman parte de la trilogía «Deseo» que inauguró en 2009 Io sono l’amore, de nuevo el director italiano nos sumerge en un verano europeo, indolente, en el que la irrupción de forasteros romperá, con su energía, el perezoso devenir de los días de sol y chapuzón. También tiene en común con aquella que la acción se desarrolla en un entorno acomodado situado en un lugar de la campiña italiana, en aquella de Sicilia y en esta de Lombardía. Parajes idílicos en los que de forma natural surge la pasión y el amor y que el director fotografia en todo su esplendor.
Guadagnino nos introduce en un universo bello, helenista, elitista y culto a golpe de piano, disciplina que estudia el joven Elio, cuyo despertar de los sentidos se no mostrará de forma sutil, in crescendo, hasta la natural explosión que embriagará también al norteamerivcano Oliver, recién llegado a Italia -y a la vida del joven-. Un amor en tiempos de armario y pre-sida que se desarrolla de modo más natural en ese progresista entorno europeo.
El único pero que quizás le pondríamos a la película es su excesiva y sobre explicada conclusión, en la que parece recrearse el director como si ya no hubiera quedado todo claro para el espectador. Un recrearse que parece confirmarse definitivamente ante la anunciada intención de director de rodar -tras el temido remake de Suspiria– una continuación de Call Me by Your Name.
C’EST LA VIE (Le sens de la fête, Olivier Nakache y Eric Toledano, 2017)
Francia/Canadá/Bélgica. Duración: 115 min. Guion: Olivier Nakache, Eric Toledano Música: Avishai Cohen Fotografía: David Chizallet Productora: Gaumont / Quad Productions Género: Comedia
Reparto: Jean-Pierre Bacri, Vincent Macaigne, Kévin Azaïs, Suzanne Clément,Gilles Lellouche, Judith Chemla, Jean-Paul Rouve
Sinopsis: Max ha organizado cientos de bodas durante años y ahora prepara una boda de lujo en un Chateau francés del siglo XVII. Ha coordinado todo para que la celebración sea un éxito: camareros, orquesta, menú, disc jockey, decoración floral…Pero el resultado pende de un hilo y cada momento de felicidad y emoción puede convertirse en desastre o caos. ¿A quién confiarías la fiestamás importante de tu vida?
Una nueva comedia del tándem Olivier Nakache y Eric Toledano que triunfó y se dio a conocer entre nosotros con Intocable (Intouchables, 2012), y que en esta ocasión deciden alejarse de las historias intimistas para enfrentarse a un reparto coral, que encarnará a los componentes del catering de una boda de alto copete.
Rodada de manera muy dinámica, en C’est la vie todo son entradas y salidas y paseos de arriba a abajo por parte del principal protagonista, Max (Jean-Pierre Bacri), organizador del evento y auténtico protagonista de la historia, pues todo girará alrededor de él. Así, mientras se prepara el bodorrio iremos conociendo a los diferentes personajes, encargados de que todo resulte perfecto algo que, como podrán suponer, será la base de las situaciones cómicas. Pero por desgracia las posibilidades cómicas que podría ofrecer este abultado y variopinto grupo humano no se sitúa a la altura de las expectativas que pudiera levantar.
Simpática sin resultar hilarante, Toledano y Nakache basan el humor de la propuesta en las situaciones más que en los gags, resultando una comedia amable confesa heredera de Un día de boda (A Wedding, 1978) de Robert Altman aunque con la nota original de enfocar su película en lo que sucede entre las bambalinas más que en la familia o en los contrayentes.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 19 de enero de 2018 *
ME ESTÁS MATANDO SUSANA (Roberto Sneider, 2017)
- México/Canadá. Duración: 102 min. Guion: Roberto Sneider, Luis Cámara (Novela: José Agustín) Música: Víctor Hernández Stumphauser Fotografía: Antonio Calvache Productora: Cuevano Films / La Banda Films / Fidecine Género: Comedia dramática
- Reparto: Gael García Bernal, Verónica Echegui, Ashley Hinshaw, Daniel Giménez Cacho,Björn Hlynur Haraldsson, Cassandra Ciangherotti, Barbara Garrick,Gabino Rodríguez, Andrés Almeida, Tristan Carlucci, Jadyn Wong,Maite Suarez Diez, Julian Sedgwick, Will Woytowich, Adam Hurtig, Gordon Tanner,Jeremy Walmsley, Ilse Salas, Juan Pablo Medina
- Premios:
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2017: Festival de Málaga: Sección Oficial Largometrajes a Concurso2016: Premios Ariel: 6 nomin. incl. mejor película, director y actor (García Bernal)
Sinopsis: Eligio (Gael García Bernal) es un actor mexicano que vive de fiesta en fiesta. Un día su esposa, Susana (Verónica Echegui), lo abandona sin dar explicaciones. Tras conseguir algunas pistas sobre su paradero, irá en su busca desde México hasta Iowa. Cuando encuentra a su esposa, nota que está muy cambiada y no quiere volver con él. Eligio tendrá que cambiar si quiere recuperar a Susana.
Protagonizada por Verónica Echegui (No culpes al Karma, Déjate llevar) y por el actor mexicano Gael García Bernal (Amores perros, Diarios de motocicleta), la comedia Me estás matando Susana, basada en la novela de José Agustín Ciudades desiertas, trata de manera inteligente las dificultades de la vida en pareja y el delicado tema del machismo en la sociedad mexicana. El resultado es una cinta que no termina de coger el tono entre comedia y drama, todo ello sin que el resultado sea necesariamente negativo pues tanto Gael García Bernal como la española Verónica Echegui, están magníficos. Echegui, por cierto, se encuentra en pleno arranque internacional de su carrera pues además de alguna serie rodada en Inglaterra, dos cintas suyas van a coincidir durante un tiempo en las carteleras, esta cinta mexicano-canadiense y la comedia italiana Déjate llevar (Lasciati andare) de Francesco Amato, que se estrenará el próximo viernes.
120 PULSACIONES POR MINUTO (120 battements par minute, Robin Campillo, 2017)
- Francia Duración: 143 min. Guion: Robin Campillo, Philippe Mangeot Fotografía: Jeanne Lapoirie Productora: Les Films de Pierre Género: Drama
- Reparto: Nahuel Pérez Biscayart, Adèle Haenel, Yves Heck, Arnaud Valois,Emmanuel Ménard, Antoine Reinartz, François Rabette
- Sinopsis: París, principios de los años 90. Un grupo de jóvenes activistas intenta generar conciencia sobre el SIDA. Un nuevo miembro del grupo, Nathan (Arnaud Valois), se quedará sorprendido ante la radicalidad y energía de Sean (Nahuel Pérez Biscayart), que gasta su último aliento en la lucha.Seleccionada por Francia para los Oscar 2018.
- Premios
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2017: Festival de Cannes: Gran Premio del Jurado2017: Premios del Cine Europeo: Mejor montaje2017: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor película extranjera2017: Críticos de Los Angeles: Mejor película extranjera2017: Premios Independent Spirit: Nominada a mejor película extranjera2017: Critics Choice Awards: Nominada a mejor película de habla no inglesa2017: Satellite Awards: Nominada a mejor película de habla no inglesa
Con una primera parte realizada con premeditado estilo documental, esta cinta refleja las actividades del grupo Act-Up, creado en 1989 en París a imagen y semejanza del modelo americano y surgido del resentimiento hacia el establishments médico, político y religioso, cuya pasividad y prejuicios fueron y continúan siendo responsables del desconocimiento hacia la enfermedad del SIDA que tantos estragos causó, inicialmente, entre sectores de homosexuales, drogadictos y prostitutas. Esa misma ira contra el sistema, conduce a los activistas de Act-Up a hacer visible su drama y luchar contra el silencio mediante una poderosa cultura visual en eventos con gran difusión.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 12 de enero de 2018 *
USA/UK/China Duración: 114 min. Guion: David Marconi (Novela: Stephen Leather) Música: Cliff Martinez Fotografía: David Tattersall Productora: STX Entertainment / thefyzz / Arthur Sarkissian Productions Género: Acción
Reparto: Jackie Chan, Pierce Brosnan, Charlie Murphy, Katie Leung, Rory Fleck Byrne,Dermot Crowley, Shina Shihoko Nagai, Simon Kunz, Jorge Leon Martinez,Lasco Atkins, Dilyana Bouklieva, Roberta Taylor, Dino Fazzani, Lee Nicholas Harris,Branwell Donaghey, Stephen Hogan
Sinopsis: Quan (Jackie Chan), es un humilde dueño de un restaurante londinense cuyo pasado, ya enterrado, emerge cargado de venganza al perder a su hija, la única familia que le queda, en un acto terrorista con motivaciones políticas. Mientras busca a los responsables, recurre a la ayuda del viceministro irlandés, Liam Hennessy (Pierce Brosnan), un funcionario del gobierno a quien afecta su propio pasado turbio de vinculación con el grupo terrorista IRA. Así comienza un juego del gato y el ratón con tinte político entre Quan y Hennessy, quienes deben confrontar su pasado mientras intentan identificar a los escurridizos asesinos.
THE JUNGLE BUNCH (LA PANDA DE LA SELVA) (Les As de la Jungle, David Alaux, 2017)
Francia. Duración: 97 mn Guion: David Alaux, Eric Tosti, Jean-François Tosti Música: Olivier Cussac Productora: France 3 Cinéma / Master Films / S.N.D / TAT Productions Género: Comedia de animación.
The Jungle Bunch es una fantasía multicolor repleta de acción y humor que cuenta con una animación con textura casi orgánica. Apta incluso para adultos, su acción se desarrolla en una jungla sin depredadores en la que todas las especies conviven en paz, lo que da pié a un extenso catálogo de simpáticos personajes que servirán para ilustrar a los más pequeños el valor de la diversidad. Narrada en clave de equipo justiciero, formato este muy en boga y muy útil para enseñar a los más pequeños la importancia de trabajar en equipo. En ese idílico marco Los campeones y sus herederos, La banda de la jungla, tendrán como único antagonista a Igor, el koala maligno, que busca terminar con la vida en la jungla contando con la colaboración de su secuaz, el cangrejo Surimi.
Presentada en el prestigioso festival de cine de animación de Annecy y en la sección Europa Junior del Festival de Sevilla (destinada a niños de 3 a 12 años), The Jungle Bunch adapta al formato cinematográfico la serie de animación 3D The Jungle Bunch to the rescue (Les As de la jungle) creada, escrita y dirigida por David Alaux, Jean-François Tosti y Éric Tosti, que se emite en más de 180 países incluidos España (donde puede verse actualmente en CLAN TV y Canal Panda) y Estados Unidos, donde la serie ganó diferentes premios entre los que destacan dos Emmy a la mejor serie de animación infantil en 2014 y 2016.
Call TV, nocturnidad y alevosía
«Lo siento mongolita, pero no lo voy a cortar ¡Esto es oro puro!»
Todos hemos visto mucho cine. A título personal, pero también a título colectivo, y eso es tanto como decir que hace mucho que nosotros y la sociedad perdimos la ingenuidad, la han perdido los espectadores, pero también (y quizás sobre todo) la han perdido las gentes que se dedican profesionalmente a esto del séptimo arte. El cine de hoy es un arte de bisnietos de aquellos pioneros que establecieron las bases, por eso tiene mucho de autorreferencia, de revisita, de homenaje y, todo ello siempre en el mejor de los casos, de revisión y reinvención de códigos. Apenas existen películas, en Occidente al menos y dejando de lado los blockbusters, que no tengan también una pátina de ensayo, no se dejan leer linealmente pues estamos obligados a rebobinar para no perdernos la cita que resultará clave en el análisis que nos propone. Ni siquiera las más frescas gozan de una frescura total. Y, créannos, a veces da pereza, mucha pereza. Con la edad uno es cada vez más partidario de que los experimentos se hagan con gaseosa, uno se atrinchera en su personal repertorio de clásicos y allí, en ese refugio/altar nos solazamos de las excursiones a lo moderno.
Norberto y Javier Albalá
Por todo eso, tiene mucho mérito que Norberto Ramos del Val nos saque una y otra vez de nuestra batcueva y nos lleve de excursión por sus propuestas pintorescas. Será porque siempre sabe cómo ganarse nuestras simpatías, aunque pertenezcamos a generaciones distintas y su humor no siempre sea el nuestro. Será, también, porque su enfoque, su voz cinematográfica, es particular, personal e intransferible, y siempre nos gusta aquello que no es clon de nada. Esta vez nos ha sacado a bailar con Call Tv, su película casi normal que aspira a escalar mundos más amplios que ese universo de gafapastas que siempre parece ser el reducto al que quedan relegadas las películas que se escapan del tópico. Norberto nos trae una película nocturna, disparatada, que tiene a Jo que noche o Algo salvaje en su maletero, sin caer nunca en la cita, que no es un homenaje sino un nuevo jalón en ese río de thrillers en clave de comedia en el que la irrealidad y lo real se dan la mano en una vorágine de acontecimientos divertidos y tristes a la vez, patéticos y simpáticos a partes iguales.
Call TV, como su título indica, toma como falsilla el submundo de esos programas de preguntas trampa que llenan las emisiones de madrugada, tan casposos, pero que tan buenos momentos dan a los noctámbulos que no consiguen bajar su espitado ánimo, que no consiguen salir de esos estado alterados de la mente inducidos por la noche y sus trampas. Un subproducto grotesco que en manos de Norberto (y de Pablo Vázquez, su guionista casi de cabecera) se convierte en el envoltorio perfecto para la revisión crítica de las constantes de nuestro tiempo, como ambos comentaban en Las Horas Perdidas, «habla de metacine, de la lucha de sexos, de la serie B, de la soledad, de la madurez, de la sociedad en la que vivimos ahora mismo, la maldita crisis que nos hace sentir más indefensos y más hostiles los unos con los otros, la envidia, la voracidad del trepismo, el cinismo como filtro para ver el mundo globalizado, la normalización de la megalomanía, y de los mundos reales y virtuales que nos rodean«. No hay ni gota de ingenuidad en la historia de Lucía (soberbia María Hervás), una actriz venida a menos que se ve obligada a aceptar un trabajo de 
presentadora en un Call TV y cuya primera noche se convertirá en un horror pesadillesco; pero sí hay raudales de frescura, introducidos en gran manera porque Norberto siempre hace cine para sí mismo (trata de rodar la película que le gustaría ver a él como espectador) que es la mejor manera para dirigirse a los demás. Una frescura que tiene que ver también con el uso de los giros de guión, que se nos ocurre tildar de arbitrarios y que logran darle al filme su tono de crónica surrealista (y que hacen que la película no sea tan normal como su director cree, dicho sea de paso).
Mucho cine dentro del cine es el que respira esta cinta. Por sus planteamientos argumentales que permiten incluso bromas con el supuesto cine snuff, con los vídeos virales de Internet, con el mundo de los cineastas con ínfulas y con su extremo opuesto que es el universo de la telebasura (los extremos se tocan, ya se sabe). Pero también por las influencias que no se ocultan, esos azules y rojos llegados de Mario Bava, esa sangre de tono irrealmente encendido que nos llevan de cabeza al giallo, género de las entretelas de Norberto, y esa revisión de los roles que nos propone al dar a las mujeres el papel protagonista, lejos de su papel de rubias florero y reinas del grito que han poblado el género.
Y mucho de crítica social, introducida en gran medida por esa inversión de los protagonismos habituales. Los personajes de Norberto están siempre poseídos por la impotencia, el asombro y el desconcierto, pero dentro de ello son las mujeres las que tienen verdadera capacidad de reacción frente al plantel de varones cretinos que las rodean. Norberto nos las sirve además vestidas (por desvestidas, en ocasiones) de una sensualidad enormemente bella, como solo puede retratarlas un hombre que se siente atraído por las mujeres y que es feliz de que así sea. Por todo ello su obra es un idóneo vehículo para plantear la guerra de los sexos, tan subrayada en nuestro presente, y lo es para hacerlo con la exquisita incorrección política que tanta falta nos hace.
Y lo mejor de todo es que la reflexión no oculta la acción, la voluntad de analizar no margina la de divertirse. La película es un divertido divertimento, lo han pasado bien sus artífices y lo harán sus espectadores. Créannos, de las contadas veces en las que vale la pena abandonar eso que Josep Plà llamaba «tebaida de la misantropía», una de ellas es la posibilidad de ver el cine de Norberto, que es moderno (más de lo que a él quizás le gustaría), pero que se acerca a la añorada inocencia del cine de los clásicos por vía de la irreverencia.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 5 de enero de 2018 *
EL MUSEO DE LAS MARAVILLAS (Wonderstruck, Todd Haynes, 2017)
USA. Duración: 120 min. Guion: Brian Selznick (Novela: Brian Selznick) Música: Carter Burwell Fotografía: Edward Lachman Productora: Amazon Studios / Killer Films Género: Drama
Reparto: Oakes Fegley, Julianne Moore, Michelle Williams, Amy Hargreaves,Cory Michael Smith, Marko Caka, James Urbaniak, Hays Wellford, Morgan Turner,Jaden Michael, Ekaterina Samsonov, Raul Torres, Millicent Simmonds,John P. McGinty, Mark A. Keeton
Sinopsis: Ben y Rose son niños de dos épocas distintas, que desean en secreto que sus vidas sean diferentes. Ben sueña con el padre que nunca conoció, mientras Rose lo hace con una misteriosa actriz cuya vida narra en un libro de recuerdos. Cuando Ben descubre una pista en casa y Rose lee un tentador titular en el periódico, ambos comienzan una búsqueda que se desarrollará con una fascinante simetría.
La grandeza de El museo de las maravillas estriba en la forma en la que está narrada. En cinco minutos Haynes entrega al espectador toda la información necesaria sobre los dos protagonistas, cuyas existencias en paralelo serán el eje de la historia, pues a pesar de estar ambas separadas por cincuenta años, convergerán en una misma gracias a un conjunto de serendipias, de maravillas que las unirán.
Cincuenta años. 1927 y 1977. El final del cine mudo y el final de la época Glam, por la que tanta querencia tiene el director de Velvet Goldmine (1998). Dos historias aparentemente autónomas pero con puntos en común: El silencio. La falta de sonido. La búsqueda de un sueño, de un milagro. De maravillas. Y para el espectador el reencuentro con el arte silente. Aquel lenguaje cinematográfico puro que alcanzó su cenit, precisamente, en 1927 con Amanecer (Sunrise: A Song of Two Humans) de F. W. Murnau, película que también marca el inicio del fin del cine como arte.
Todo cobrará sentido al concluir la cinta. Será el momento más verborreico, engorroso pero necesario y lo único que enturbia la modélica narración, reforzada por la fantástica partitura del siempre eficaz Carter Burwell. En resumen: una delicia para los sentidos.
Serendipia
Proyecto Naschy 
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