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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 12 de enero de 2018 *
USA/UK/China Duración: 114 min. Guion: David Marconi (Novela: Stephen Leather) Música: Cliff Martinez Fotografía: David Tattersall Productora: STX Entertainment / thefyzz / Arthur Sarkissian Productions Género: Acción
Reparto: Jackie Chan, Pierce Brosnan, Charlie Murphy, Katie Leung, Rory Fleck Byrne,Dermot Crowley, Shina Shihoko Nagai, Simon Kunz, Jorge Leon Martinez,Lasco Atkins, Dilyana Bouklieva, Roberta Taylor, Dino Fazzani, Lee Nicholas Harris,Branwell Donaghey, Stephen Hogan
Sinopsis: Quan (Jackie Chan), es un humilde dueño de un restaurante londinense cuyo pasado, ya enterrado, emerge cargado de venganza al perder a su hija, la única familia que le queda, en un acto terrorista con motivaciones políticas. Mientras busca a los responsables, recurre a la ayuda del viceministro irlandés, Liam Hennessy (Pierce Brosnan), un funcionario del gobierno a quien afecta su propio pasado turbio de vinculación con el grupo terrorista IRA. Así comienza un juego del gato y el ratón con tinte político entre Quan y Hennessy, quienes deben confrontar su pasado mientras intentan identificar a los escurridizos asesinos.
THE JUNGLE BUNCH (LA PANDA DE LA SELVA) (Les As de la Jungle, David Alaux, 2017)
Francia. Duración: 97 mn Guion: David Alaux, Eric Tosti, Jean-François Tosti Música: Olivier Cussac Productora: France 3 Cinéma / Master Films / S.N.D / TAT Productions Género: Comedia de animación.
The Jungle Bunch es una fantasía multicolor repleta de acción y humor que cuenta con una animación con textura casi orgánica. Apta incluso para adultos, su acción se desarrolla en una jungla sin depredadores en la que todas las especies conviven en paz, lo que da pié a un extenso catálogo de simpáticos personajes que servirán para ilustrar a los más pequeños el valor de la diversidad. Narrada en clave de equipo justiciero, formato este muy en boga y muy útil para enseñar a los más pequeños la importancia de trabajar en equipo. En ese idílico marco Los campeones y sus herederos, La banda de la jungla, tendrán como único antagonista a Igor, el koala maligno, que busca terminar con la vida en la jungla contando con la colaboración de su secuaz, el cangrejo Surimi.
Presentada en el prestigioso festival de cine de animación de Annecy y en la sección Europa Junior del Festival de Sevilla (destinada a niños de 3 a 12 años), The Jungle Bunch adapta al formato cinematográfico la serie de animación 3D The Jungle Bunch to the rescue (Les As de la jungle) creada, escrita y dirigida por David Alaux, Jean-François Tosti y Éric Tosti, que se emite en más de 180 países incluidos España (donde puede verse actualmente en CLAN TV y Canal Panda) y Estados Unidos, donde la serie ganó diferentes premios entre los que destacan dos Emmy a la mejor serie de animación infantil en 2014 y 2016.
Call TV, nocturnidad y alevosía
«Lo siento mongolita, pero no lo voy a cortar ¡Esto es oro puro!»
Todos hemos visto mucho cine. A título personal, pero también a título colectivo, y eso es tanto como decir que hace mucho que nosotros y la sociedad perdimos la ingenuidad, la han perdido los espectadores, pero también (y quizás sobre todo) la han perdido las gentes que se dedican profesionalmente a esto del séptimo arte. El cine de hoy es un arte de bisnietos de aquellos pioneros que establecieron las bases, por eso tiene mucho de autorreferencia, de revisita, de homenaje y, todo ello siempre en el mejor de los casos, de revisión y reinvención de códigos. Apenas existen películas, en Occidente al menos y dejando de lado los blockbusters, que no tengan también una pátina de ensayo, no se dejan leer linealmente pues estamos obligados a rebobinar para no perdernos la cita que resultará clave en el análisis que nos propone. Ni siquiera las más frescas gozan de una frescura total. Y, créannos, a veces da pereza, mucha pereza. Con la edad uno es cada vez más partidario de que los experimentos se hagan con gaseosa, uno se atrinchera en su personal repertorio de clásicos y allí, en ese refugio/altar nos solazamos de las excursiones a lo moderno.
Norberto y Javier Albalá
Por todo eso, tiene mucho mérito que Norberto Ramos del Val nos saque una y otra vez de nuestra batcueva y nos lleve de excursión por sus propuestas pintorescas. Será porque siempre sabe cómo ganarse nuestras simpatías, aunque pertenezcamos a generaciones distintas y su humor no siempre sea el nuestro. Será, también, porque su enfoque, su voz cinematográfica, es particular, personal e intransferible, y siempre nos gusta aquello que no es clon de nada. Esta vez nos ha sacado a bailar con Call Tv, su película casi normal que aspira a escalar mundos más amplios que ese universo de gafapastas que siempre parece ser el reducto al que quedan relegadas las películas que se escapan del tópico. Norberto nos trae una película nocturna, disparatada, que tiene a Jo que noche o Algo salvaje en su maletero, sin caer nunca en la cita, que no es un homenaje sino un nuevo jalón en ese río de thrillers en clave de comedia en el que la irrealidad y lo real se dan la mano en una vorágine de acontecimientos divertidos y tristes a la vez, patéticos y simpáticos a partes iguales.
Call TV, como su título indica, toma como falsilla el submundo de esos programas de preguntas trampa que llenan las emisiones de madrugada, tan casposos, pero que tan buenos momentos dan a los noctámbulos que no consiguen bajar su espitado ánimo, que no consiguen salir de esos estado alterados de la mente inducidos por la noche y sus trampas. Un subproducto grotesco que en manos de Norberto (y de Pablo Vázquez, su guionista casi de cabecera) se convierte en el envoltorio perfecto para la revisión crítica de las constantes de nuestro tiempo, como ambos comentaban en Las Horas Perdidas, «habla de metacine, de la lucha de sexos, de la serie B, de la soledad, de la madurez, de la sociedad en la que vivimos ahora mismo, la maldita crisis que nos hace sentir más indefensos y más hostiles los unos con los otros, la envidia, la voracidad del trepismo, el cinismo como filtro para ver el mundo globalizado, la normalización de la megalomanía, y de los mundos reales y virtuales que nos rodean«. No hay ni gota de ingenuidad en la historia de Lucía (soberbia María Hervás), una actriz venida a menos que se ve obligada a aceptar un trabajo de 
presentadora en un Call TV y cuya primera noche se convertirá en un horror pesadillesco; pero sí hay raudales de frescura, introducidos en gran manera porque Norberto siempre hace cine para sí mismo (trata de rodar la película que le gustaría ver a él como espectador) que es la mejor manera para dirigirse a los demás. Una frescura que tiene que ver también con el uso de los giros de guión, que se nos ocurre tildar de arbitrarios y que logran darle al filme su tono de crónica surrealista (y que hacen que la película no sea tan normal como su director cree, dicho sea de paso).
Mucho cine dentro del cine es el que respira esta cinta. Por sus planteamientos argumentales que permiten incluso bromas con el supuesto cine snuff, con los vídeos virales de Internet, con el mundo de los cineastas con ínfulas y con su extremo opuesto que es el universo de la telebasura (los extremos se tocan, ya se sabe). Pero también por las influencias que no se ocultan, esos azules y rojos llegados de Mario Bava, esa sangre de tono irrealmente encendido que nos llevan de cabeza al giallo, género de las entretelas de Norberto, y esa revisión de los roles que nos propone al dar a las mujeres el papel protagonista, lejos de su papel de rubias florero y reinas del grito que han poblado el género.
Y mucho de crítica social, introducida en gran medida por esa inversión de los protagonismos habituales. Los personajes de Norberto están siempre poseídos por la impotencia, el asombro y el desconcierto, pero dentro de ello son las mujeres las que tienen verdadera capacidad de reacción frente al plantel de varones cretinos que las rodean. Norberto nos las sirve además vestidas (por desvestidas, en ocasiones) de una sensualidad enormemente bella, como solo puede retratarlas un hombre que se siente atraído por las mujeres y que es feliz de que así sea. Por todo ello su obra es un idóneo vehículo para plantear la guerra de los sexos, tan subrayada en nuestro presente, y lo es para hacerlo con la exquisita incorrección política que tanta falta nos hace.
Y lo mejor de todo es que la reflexión no oculta la acción, la voluntad de analizar no margina la de divertirse. La película es un divertido divertimento, lo han pasado bien sus artífices y lo harán sus espectadores. Créannos, de las contadas veces en las que vale la pena abandonar eso que Josep Plà llamaba «tebaida de la misantropía», una de ellas es la posibilidad de ver el cine de Norberto, que es moderno (más de lo que a él quizás le gustaría), pero que se acerca a la añorada inocencia del cine de los clásicos por vía de la irreverencia.
‘Quítame las manos de encima, sucio mono!: Un viaje de ida y vuelta a ‘El planeta de los simios’
1969 fue un año clave en el desarrollo de la ciencia ficción cinematográfica. Tras décadas de viajes a otros mundos que llenaron la pantalla de diversas especies extraterrestres, a cada cual más increíble, el genio visionario Stanley Kubrick dirigió 2001: Una odisea del espacio, una película que cambió totalmente el tratamiento de la ciencia ficción que hasta entonces conocíamos, influyendo en un buen número de cineastas y llegando su huella hasta la actualidad. Pero ese año también se estrenó una película que, siendo también de ciencia ficción futurista, aunaría la modernez que demandaban los nuevos tiempos con el clasicismo pulp aventurero que hasta entonces se relacionaba íntimamente con la ciencia ficción. El planeta de los simios (Planet of the Apes) nos ofrecería un viaje en la máquina del tiempo, al presente y al pasado, a un alucinante mundo gobernado por simios que se prolongaría en cuatro entregas más.
EL CICLO ORIGINAL: EL PLANETA DE LOS SIMIOS
George Taylor (Charlton Heston) es un astronauta que forma parte de la tripulación de una nave espacial que accidentalmente se estrella en un planeta desconocido gobernado por una raza de simios mentalmente muy desarrollados que esclavizan a unos seres humanos salvajes, que carecen de la facultad de hablar. Taylor es herido en el cuello, pero logra comunicarse por mímica con los doctores Zira (Kim Hunter) y Cornelius (Roddy McDowall), dos chimpancés que lo cuidan y estudian. Cuando Taylor recupera la voz el líder de los simios, el doctor Zaius (Maurice Evans), decide que hay que eliminarlo. Pero Taylor y su compañera Nova (Linda Harrison) huirán hacia los límites de la ciudad, la llamada Zona Prohibida, donde descubrirán vestigios de una civilización que… ¡Resulta ser la extinta raza humana!
En 1963 Pierre Boulle publicaba La planète des singes, una novela distópica en la que unos viajeros espaciales encontraban, como si de un mensaje en una botella se tratara, la narración del periodista Ulises Mérou, que junto al resto de la tripulación de su nave fueron a parar al planeta Soror, un lugar prácticamente idéntico a la Tierra, con sus edificios y aviones pero con la particularidad de que los monos (chimpancés gorilas y orangutanes) ocupan el lugar de los humanos en la evolución, viviendo los hombres en estado salvaje y como esclavos de los monos. Tras ser capturado en una partida de caza, Ulises deberá demostrar que es inteligente, para lo que contará con la colaboración de la doctora Zira.
El escritor francés, cuya obra El puente sobre el río Kwai se había adaptado con gran éxito a la pantalla por David Lean en 1957, no desaprovechó su oportunidad cuando recibió la oferta del productor Arthur P. Jacobs para llevar su nueva novela al cine. Tras adquirir los derechos por 360.000 dólares (de los que sacó un excelente rédito, tal y como veremos), Jacobs contrató al enormemente popular escritor Rod Serling, un especialista en el género, tal y como había demostrado en televisión con su muy famosa serie La dimensión desconocida (The Twilight Zone, 1959-1964). A Serling se le unió Michael Wilson, un guionista señalado en la tristemente célebre lista negra de Hollywood, que ya había trabajado con Jacobs en el guión de El
Rod Serling con Kim Hunter en los decorados de El planeta de los simios
puente sobre el río Kwai. Entre ambos convirtieron la novela de Boulle en ese alegato antibélico que es El planeta de los simios, ya que fue idea de ellos que el planeta en el que aterrizara la nave fuera la propia Tierra en su futuro.
El guión circuló sin éxito por diversas productoras americanas, así como por la británica Rank. Incluso fue presentado a Samuel Bronston, que por entonces estaba instalado en España, pero a ninguna compañía le pareció factible materializar el guión hasta que Charlton Heston, que había leído el texto gracias a Blake Edwards, se emperró en interpretar la película. Richard Zanuck de 20th Century Fox aceptó el proyecto, pero siempre que los maquillajes resultaran convincentes. Tras varias pruebas insatisfactorias, se hizo cargo del mismo John Chambers, uno de los introductores del látex en el cine que se haría merecedor, gracias a su trabajo en este filme, de una estatuilla de la Academia. Pero la película no hubiera sido la misma de no contar también con el magnífico vestuario de Mortoon Haack, quien realizó diferentes tipos de ropa para chimpancés, gorilas y orangutanes, tres clanes bien diferenciados; o el diseño de producción de William Creber y Jack Martin Smith, con esos edificios que mezclaban lo más moderno y lo más atávico con gran influencia en su diseño de Gaudí. Y sin olvidar la cacofónica, a la par que maestra, partitura de Jerry Goldsmith, que añade extrañeza a ese mundo de pesadilla que resulta ser el nuestro.
John Chambers y Roddy McDouwall ojeando un Famous Monsters
El planeta de los simios fue el primer trabajo importante del director Franklin J. Schaffner y por el que será más recordado. Tras ella consiguió dirigir alguna cinta de éxito como las adaptaciones cinematográficas de Papillón (1973) y Los niños de Brasil (The Boys from Brazil, 1978). En cuanto al equipo artístico, además de Charlton Heston como el comandante Taylor, la película contó con Roddy McDowall para interpretar al chimpancé Cornelius, un papel que llegó a ofrecerse al mismísimo Rock Hudson (¡…!); Kim Hunter como la simpática doctora Zira, pareja de Cornelius; Maurice Evans como el doctor Zaius, ocupando el lugar del veterano Edward G. Robinson, que si bien llegó a rodar una prueba, prefirió desligarse del proyecto a la primera de cambio por las molestias que ocasionaba el maquillaje (de 3 a 4 horas de caracterización); y finalmente, Linda Harrison (esposa de Zanuck) como Nova, la compañera de Taylor.
El resultado no podría haber sido mejor, El planeta de los simios es, aún hoy, estéticamente innovadora y ha conformado una mitología que sigue coleando. Su maquillaje sigue funcionando y resulta entrañable, hasta el punto de que sus actores son reconocidos como aquellos chimpancés incluso en su forma humana. La cinta funciona a todos los niveles, tanto conceptualmente como en forma de efectiva película de acción gracias, esto último, a los temibles gorilas y sus cacerías. Inolvidables resultan algunos momentos, como cuando Taylor recupera el habla; o la aparición de la muñeca humana parlante en las ruinas de la Zona Prohibida; o por ese gran final, antológico, ante la Estatua de la Libertad que con toda justicia ha pasado a formar parte de los mejores y más reconocibles planos de la historia del cine. Es por todo ello que El planeta de los simios nunca envejecerá.
Fotos del álbum personal de John Chambers. Debajo con Maurice Evans (Dr. Zaius) antes y después de ponerse en sus manos.
LAS SECUELAS
Si bien recordamos su célebre final, no nos resulta tan familiar el principio de la cinta inaugural de la saga, cuando Heston, a bordo de su nave y antes de hibernar, reflexiona sobre el tiempo, la relatividad y Einstein. El astronauta lleva seis meses viajando en el espacio, mientras que la Tierra ¡ha envejecido 700 años! Taylor hibernará después un total de 1305 años, dato que los observadores tendrán presente, pues las fechas están marcadas en el calendario de la nave. Ha estado viajando desde el 27 de marzo de 2673 hasta el 25 de noviembre del año 3978. En cambio, esos poco más de mil trescientos años en la Tierra suponen decenas de miles de años, por lo que cuando aterrice habrá viajado a un futuro remotísimo. Esta dilatación del tiempo, en los viajes a la velocidad de la luz, está recogida en la Relatividad Especial de Einstein; con esa teoría en la mano, los viajes al futuro requerirían tan sólo la existencia de naves capaces de viajar a la velocidad lumínica. Ajustarse a los conocimientos científicos del momento fue también otra de las claves que hicieron memorable El planeta de los simios. Y ante el éxito obtenido no tardaron en llegar las secuelas, que lejos de ser explotaciones sin sentido de la original, añadirán más consistencia, si cabe, a la mitología de la serie: todo sucederá en la Tierra en una espiral que enlazará las cuatro películas de forma circular y coherente.
Thomas Dodge, George Taylor, Maryann Stewart y John Landon, la tripulación de la nave Liberty 1, también conocida como Icarus.
Regreso al planeta de los simios (Beneath the Planet of the Apes, 1969) se rueda a continuación de la original, enlazando justo donde aquella termina. La acción se desarrollará casi en su totalidad en la Zona Prohibida, que no es otra cosa que las ruinas de Nueva York en las que habitan unos aterradores humanos mutantes que rinden culto a una bomba atómica. Allí llegará Brent, un astronauta que busca a Taylor y que se encontrará con Nova. Los simios avanzarán hacia la Zona Prohibida para enfrentarse a los mutantes. Taylor reaparecerá y, herido de muerte, activará la bomba. Fundido a negro. Pero antes los chimpancés Zira, Cornelius y Milo, que han reparado la nave de Taylor, huirán de la Tierra, que explota tras ellos.
En Huida del planeta de los simios (Escape from the Planet of the Apes, 1971), los tres simios llegarán a un planeta que… ¡Resultará ser la Tierra en 1973! habrán, por lo tanto, retrocedido en el tiempo, arribando a una Tierra en la que ahora los extraños serán ellos. Inicialmente serán bien recibidos e incluso Zira descubrirá que está embarazada, pero hay varios científicos que son partidarios de que los simios no tengan descendencia, pues sospechan que puede significar una amenaza para la raza humana. Zira y Cornelius huirán gracias a la colaboración de algunos humanos, pero ello no impedirá que sean abatidos, no sin antes dejar al recién nacido al cuidado del propietario de un circo.
La serie original finalizará con La rebelión de los simios (Conquest of the Planet of the Apes, 1972), que se desarrolla en 1991, en una fría sociedad dominada por la electrónica y las máquinas en la que los animales domésticos han muerto por culpa de una epidemia, por lo que los humanos han otorgado el papel de mascotas a los monos. Pero también el de esclavos y cobayas de crueles experimentos. César, hijo de Zira y Cornelius y único mono inteligente, se ha criado libre en el circo y maquina la rebelión contra el hombre opresor. Encabezará la revuelta y tras una cruenta guerra la Tierra pasará a ser el planeta de los simios.
Nova (Linda Harrison) tomando el sol.
Estructuralmente impecable, la continuidad de la saga, que había empezado con un viaje al futuro, nos habla de viajes al pasado, más complicados de expresar (y justificar con una relativa base científica) por la aparición de las llamadas paradojas temporales. Esas contradicciones aparentes que plantean absurdos lógicos y que, sin embargo (y literariamente hablando, al menos), permiten ser resueltas siguiendo líneas argumentales en las que quedan explicadas mediante acontecimientos no previstos, pero sin romper la línea de causalidad. En el caso que nos ocupa, ese sería el papel que desempeña el nacimiento de César en la tercera entrega y que algunos analistas han querido leer como manifestación de la paradoja del sustituto.
Aunque como hemos visto La rebelión de los simios cierra el ciclo perfectamente, se volvió a reincidir con una quinta película, Conquista del planeta de los simios (Battle for the Planet of the Apes, 1973) que no aportaba nada a la trama y que sí sería, al igual que la serie televisiva que se emitiría más tarde, una explotación sobre el tema.
Artísticamente la segunda entrega de la serie contó, tal y como hemos señalado, con un nuevo astronauta, Brent, encarnado por James Franciscus que ocupó el lugar de Charlton Heston, el cual aceptó intervenir brevemente y de forma totalmente desinteresada. Esta vez el guión se encargó a Mort Abrahams y Paul Dehn, que escribiría el resto de los libretos de la serie, mientras que Ted Post la dirigió y la banda sonora corrió a cargo de Leonard Rosenman. Como curiosidad cabe indicar que Roddy McDowall no participó en esta película por estar comprometido en otro proyecto: dirigir su primera y única película, la cinta de terror La viuda del diablo (The Ballad of Tam Lin, 1970), así que su papel lo interpretó David Watson. Esta sería la única vez en la que McDowall fallaría, ya que no tan solo interpretaría a Cornelius en la siguiente, sino que también pasaría a encarnar a César en el resto de secuelas y en la serie televisiva. Huida del planeta de los simios tiene un cierto mensaje antirracista que se potenciará en la siguiente entrega de la saga, además de un delicioso tono de comedia en su primera parte. Dirigida por Don Taylor, un director al igual que Ted Post fogueado en televisión, la película contó en su reparto, además de con los habituales Kim Hunter y Roddy McDowall, con Ricardo Montalban y Sal Mineo. Por su parte Jerry Goldsmith volvió a encargarse de la banda sonora, aunque sin superar al trabajo que realizó para la primera cinta.
Tanto la dirección de La rebelión de los simios como la de Conquista del planeta de los simios corrió a cargo de J. Lee Thompson. Esta, la quinta y última de la saga creaba un final totalmente postizo e incoherente ya que, al igual que la serie, planteaba un mundo en paz habitado por simios y hombres algo que, como vimos en El planeta de los simios (o sea, en el futuro) no iba a suceder nunca. En cualquier caso, fue un sonoro fracaso que se trasladó a la televisión, y de hecho la contagió, ya que la serie El planeta de los simios (Planet of the Apes, 1974) que iba a constar inicialmente de 24 episodios de 50 minutos de duración, tuvo que suspenderse en el 14 al no conseguir un nivel de audiencia aceptable. Finalmente, en 1975 la 20th Century Fox en colaboración con DePatie-Freleng realizaría una serie de dibujos animados de 13 capítulos titulada Return to the Planet of the Apes, con un espíritu más cercano a la novela original de Pierre Boulle, pero que no contó con ninguno de los actores originales para doblar a sus personajes animados.
La finalización del rodaje de Conquista del planeta de los simios (película que con muy buen criterio no se estrenó en nuestros cines) coincidió con el fallecimiento del alma mater de esta inolvidable serie, Arthur P. Jacobs, todo un visionario que desapareció de forma prematura a los 51 años y que parecía querer difundir con esta serie un tímido mensaje de paz, reflejando el miedo al botón del apocalipsis nuclear que entonces, al igual que ahora, parecía estar en manos de locos. Estamos hablando de una época en la que todavía se encontraban bien diferenciados los dos bloques: Norteamérica y sus aliados en la OTAN y la Unión Soviética y los suyos bajo el Pacto de Varsovia. Richard Nixon era el presidente de Estados Unidos y Nikolái Podgorni el Jefe de Estado de la Unión Soviética y aunque había cierta calma chicha tras los años sesenta y la crisis de los misiles de Cuba, se desarrollaba una carrera armamentística que no dejaba prever hacia donde iba a ser llevada la Humanidad.
EL RETORNO DEL PLANETA DE LOS SIMIOS
En 2001 Tim Burton estrena su particular interpretación de El planeta de los simios (Planet of the Apes), una visión que no agradó a casi nadie a pesar de contar con el maquillaje del multipremiado Rick Baker, la banda sonora de Danny Elfmann, el magnífico y salvaje diseño de producción de Rick Heinrichs y la intervención de Tim Roth, Kris Kristofferson, Helena Bonhan Carter (como Ari, una sosias de Zira), Estella Warren como Daena (una especie de Nova) e incluso el propio Charlton Heston en un sorprendente cameo. Aunque no pudo conseguir la magia de las películas originales lo cierto es que, vista en la distancia no es, ni mucho menos, un producto desdeñable. El planeta de los simios de Tim Burton gana, como el buen vino, con el tiempo, a pesar de que esta cinta está poco menos que sepultada ante la irrupción de la nueva serie, realizada ya en plena era digital.
Iniciada en 2011 con El origen del planeta de los simios (Rise of the Planet of the Apes, Rupert Wyatt) este nuevo ciclo, en el que un experimento de regeneración del cerebro humano realizado con un chimpancé, dará pie a una nueva especie inteligente, parte desde la Tierra en época actual, dejando aparte pues los viajes espaciales y, por lo tanto, las paradojas espacio-temporales.
El filme tuvo su continuidad con El amanecer del planeta de los simios (Dawn of the Planet of the Apes, Matt Reeves, 2014) y presumiblemente finalizará (o no) con su tercera entrega, Guerra por el planeta de los simios (War for the Planet of the Apes) estrenada en 2017 y dirigida, al igual que la segunda, por Matt Reeves.
Técnicamente los simios están muy conseguidos. Ya no hablamos de maquillaje sino de efectos digitales, lo que hace que todo resulte mucho más realista, pero al estar ambientada en la Tierra se prescinde del rico diseño de producción que poseía el mundo simio, con sus uniformes, castas y edificaciones. Aunque quizás es pronto para hablar, pues no sabemos lo que pueden tenernos preparado los responsables de esta nueva saga. Sea como sea, El planeta de los simios parece tener cuerda para rato.
Antes: Barcelona, cine Maragall, febrero de 1972: Mutantes con túnica, cánticos y de pronto se quitan la cara ¡Se quitan la cara! Mostrando un rostro en carne viva. Pesadilla al canto para ese niño de cinco años y medio que era yo, y de propina una escena que nunca olvidaría.
Tiempo después, cine Niza, noviembre de 1972: Matan a Zira y Cornelius, la simpática pareja de chimpancés parlantes, me pongo triste, pero un pequeño bebé mono se salva y dice: “¡Ma-má!” Sonrisa cómplice.
Dos años después, y de nuevo cine Maragall, enero de 1974: César, aquel pequeño bebé mono que se salvó, ha crecido y prepara en silencio la rebelión. Los simios la ganan. Estoy a favor de los monos. Sí, soy humano ¿y qué? Con mis ahorros pido el muñeco ‘soldado simio’ de Mego que veo en un anuncio en la contraportada de un cómic Vértice. También me hago la colección ‘Relatos Salvajes: El planeta de los monos.’ Mi cuñado se ríe de mí.
Ahora: Tengo todas las películas de la saga en DVD (las últimas en Blu-ray). Los comics los vendí (falta de liquidez), pero mi ‘soldado simio’ de Mego todavía me mira orgulloso desde la vitrina pues sabe que, como yo, es un superviviente.
(Artículo publicado previamente en Klowns Horror Fanzine Nº 6 Especial viajes en el tiempo, 2017)
Ya a la venta el segundo número de «Obsesión Continua»
Después de casi dos años de espera y, al parecer, infinidad de contratiempos, al fin está disponible el segundo número del fanzine Obsesión continua.Este verano… ‘Alita: Ángel de combate’ de James Cameron y Robert Rodríguez
SINOPSIS
Ido (Christoph Waltz), un compasivo médico de ciborgs, encuentra a Alita (Rosa Salazar) abandonada en el desguace de Iron City y traslada a la ciborg inconsciente a su clínica. Cuando Alita despierta, no sabe quién es, ni reconoce el mundo en el que se encuentra, todo es nuevo para ella. Alita tiene que aprender cómo manejarse en su nueva vida en las traicioneras calles de Iron City. Ido intentará proteger a Alita de su misterioso pasado, mientras que su nuevo amigo Hugo (Keean Johnson) le ayudará a despertar sus recuerdos. Entre los dos surge una creciente atracción hasta que oscuras fuerzas comienzan a perseguir a Alita y amenazan a sus nuevos amigos. En ese momento, Alita descubre que posee habilidades de combate extraordinarias, que podría usar para salvar a su nueva familia y amigos. Decidida a descubrir la verdad tras sus orígenes, Alita comienza un viaje que le enfrentará a las injusticias de un mundo oscuro y corrupto, descubriendo que solo ella puede cambiar el mundo en el que vive.
Sigue el perfil oficial de ALITA: ÁNGEL DE COMBATE en FACEBOOK
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 5 de enero de 2018 *
EL MUSEO DE LAS MARAVILLAS (Wonderstruck, Todd Haynes, 2017)
USA. Duración: 120 min. Guion: Brian Selznick (Novela: Brian Selznick) Música: Carter Burwell Fotografía: Edward Lachman Productora: Amazon Studios / Killer Films Género: Drama
Reparto: Oakes Fegley, Julianne Moore, Michelle Williams, Amy Hargreaves,Cory Michael Smith, Marko Caka, James Urbaniak, Hays Wellford, Morgan Turner,Jaden Michael, Ekaterina Samsonov, Raul Torres, Millicent Simmonds,John P. McGinty, Mark A. Keeton
Sinopsis: Ben y Rose son niños de dos épocas distintas, que desean en secreto que sus vidas sean diferentes. Ben sueña con el padre que nunca conoció, mientras Rose lo hace con una misteriosa actriz cuya vida narra en un libro de recuerdos. Cuando Ben descubre una pista en casa y Rose lee un tentador titular en el periódico, ambos comienzan una búsqueda que se desarrollará con una fascinante simetría.
La grandeza de El museo de las maravillas estriba en la forma en la que está narrada. En cinco minutos Haynes entrega al espectador toda la información necesaria sobre los dos protagonistas, cuyas existencias en paralelo serán el eje de la historia, pues a pesar de estar ambas separadas por cincuenta años, convergerán en una misma gracias a un conjunto de serendipias, de maravillas que las unirán.
Cincuenta años. 1927 y 1977. El final del cine mudo y el final de la época Glam, por la que tanta querencia tiene el director de Velvet Goldmine (1998). Dos historias aparentemente autónomas pero con puntos en común: El silencio. La falta de sonido. La búsqueda de un sueño, de un milagro. De maravillas. Y para el espectador el reencuentro con el arte silente. Aquel lenguaje cinematográfico puro que alcanzó su cenit, precisamente, en 1927 con Amanecer (Sunrise: A Song of Two Humans) de F. W. Murnau, película que también marca el inicio del fin del cine como arte.
Todo cobrará sentido al concluir la cinta. Será el momento más verborreico, engorroso pero necesario y lo único que enturbia la modélica narración, reforzada por la fantástica partitura del siempre eficaz Carter Burwell. En resumen: una delicia para los sentidos.
En enero… ¡Dos nuevas entregas de ‘Trash-o-rama VHZ’!
Nueva entrega de la colección VHZ, pura nostalgia de los tiempos del VHS, con un diseño retro y muchas sorpresas.
CINDERELLA 2000 (Al Adamson, 1977) Con Catharine Burgess, Jay B. Larson. (Versión original en inglés con subtítulos en castellano, 4:3)
El primer musical erótico de ciencia-ficción de la historia del cine, un delirante subproducto salido de la mente del rey del trash Al Adamson en el que no faltan robots, extraterrestres y enanos. Versión íntegra con 15 minutos más que la copia americana.
El DVD incluye también ODISEA SEXUAL, una psicotrónica comedia de 1974 con extraterrestres ninfómanas y alemanes cazurros.
Contenidos adicionales: Odisea Sexual (película completa en castellano), trailers originales, carteles originales, fichas técnicas, galería de carteles, promos.
Precio: 12 euros (gastos de envío incluídos).
ROBOWAR (Bruno Mattei, 1988) Con Reb Brown, Claudio Fragasso. (Versión en castellano y original en inglés e italiano con subtítulos en castellano, 16:9)
El exploitation definitivo de Predator (Depredador) dirigido por Bruno Mattei y protagonizado por el inefable Reb Brown (Yor). Acción, ciencia-ficción y explosiones selváticas filmadas en Filipinas, remasterizada a partir del master original con insertos de las escenas desaparecidas.
Contenidos adicionales: Documental Bruno Mattei en Hollywood, escenas eliminadas, créditos originales, trailer original, cartel original, ficha técnica, promos.
Precio: 12 euros (gastos de envío incluídos).
Pedidos y más información: http://trashoramadvd.bigcartel.com/
Editorial Hermenaute presenta…’The Room. Un desastre fílmico convertido en obra de culto’
Editorial Hermenaute publicará en el primer trimestre de 2018 el libro The Room. Un desastre fílmico convertido en obra de culto de Guillermo Triguero. Este ensayo cinematográfico analiza las circunstancias del rodaje y el fenómeno que supuso el filme The Room, del excéntrico y polémico director Tommy Wiseau, una suerte de Ed Wood de la década del 2000. En torno al universo delirante de dicha cinta, el 29 de diciembre de 2017 se estrena en cines la película de James Franco The Disaster Artist que recoge, en gran medida, el espíritu alucinado del rodaje de The Room. El libro que os presentamos trata el fenómeno fan que ha generado la cinta protagonizada y dirigida por el excéntrico Tommy Wiseau con una especial originalidad, fidelidad a los hechos y aportando una interesante reflexión sobre lo anómalo de este extraño filme viral convertido en comedia involuntaria.
The Room. Un desastre fílmico convertido en obra de culto es la publicación número 5 de la colección Janus dedicada al ensayo sobre cine fantástico, cultura extraña y antropología cultural.
Una película que hizo del desastre virtud y que convirtió en viral y exitosa una de las muestras más infames del cine contemporáneo.
¿Cual es el equilibrio entre el melodrama y la comedia involuntaria? La respuesta la tenéis en The Room. Un desastre fílmico convertido en obra de culto de Guillermo Triguero.
«Las proyecciones de The Room se convirtieron en eventos sociales en que los fans recitaban en voz alta las frases de la película e interactuaban con ésta realizando una serie de rituales como tirar cucharas de plástico a la pantalla o pasarse pelotas de fútbol entre ellos. El público corría por la sala de cine, chillaba, se reía y se disfrazaba de los personajes de la película. Y en paralelo, en la red se analizaban hasta los más pequeños detalles que hacían de éste un filme tan terrible, redescubriéndose continuamente diálogos estúpidos que antes se habían pasado por alto o nuevos errores de guion y montaje. Internet la convirtió en un fenómeno de la cultura pop de nuestros días, inmortalizando sus mejores momentos en memes, gifs animados y homenajes de todo tipo. En foros o blogs no relacionados con The Room a veces podías encontrarte en el momento más inesperado una cita de una frase memorable de la película. Es casi como una secta en que los seguidores de la misma nos reconocemos mutuamente a través de estos pequeños guiños y acabamos replicándonos con otras frases del filme. Y como en toda secta, una vez estás dentro es muy difícil salir.»
«Todo lo que rodea a The Room y la figura de Tommy Wiseau ha inspirado ya la creación de libros y películas. Es una historia demasiado buena como para dejarla pasar, con un protagonista carismático, numerosas anécdotas divertidas relacionadas con su rodaje, un producto final tan terrible que es hilarante y un fenómeno social posterior que ha adquirido vida propia.»
Sobre el autor: Guillermo Triguero (Barcelona, 1986) estudió Comunicación Audiovisual en la Universidad Autónoma de Barcelona y el Máster en Estudios de Cine Contemporáneos en la Universidad Pompeu Fabra. Ha creado dos webs dedicadas al mundo del cine: El gabinete del Doctor Mabuse y El testamento del Doctor Caligari, esta última centrada exclusivamente en el cine mudo. Escribe mensualmente en la revista Versión Original y también ha colaborado en Caimán, Cuadernos de Cine así como en los medios online Transit, Cineol y Sans Soleil.
Fecha estimada de publicación: febrero.
Más información
http://www.hermenaute.com/
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 29 de diciembre de 2017 *
THE DISASTER ARTIST (James Franco, 2017)
- USA. Duración: 98 min. Guion: Scott Neustadter, Michael H. Weber (Libro: Greg Sestero, Tom Bissell) Música: Dave Porter Fotografía: Brandon Trost Productora: Good Universe / New Line Cinema / Point Grey Pictures / RabbitBandini Productions / RatPac-Dune Entertainment Género: Comedia
- Reparto: James Franco, Dave Franco, Alison Brie, Josh Hutcherson, Seth Rogen, Zac Efron,Sharon Stone, Bryan Cranston, Kate Upton, Hannibal Buress, Jacki Weaver,Nathan Fielder, Jerrod Carmichael, Zoey Deutch, Kristen Bell, Lizzy Caplan,Megan Mullally, Jason Mantzoukas, Adam Scott, Eliza Coupe, J.J. Abrams,Tommy Wiseau, Melanie Griffith, Judd Apatow, Christopher Mintz-Plasse, Zach Braff,Randall Park, Greg Sestero.
- Sinopsis: Con The Disaster Artist, el director James Franco (El último deseo, Child of God) transforma la tragicómica historia verídica del aspirante a cineasta, e infame intruso de Hollywood, Tommy Wiseau (un artista cuya pasión era tan sincera como cuestionables sus métodos) en una celebración de la amistad, la expresión artística y los sueños perseguidos a despecho de toda suerte de adversidades insuperables. Basado en el libro de intimidades de Greg Sestero, que fue todo un éxito de ventas, y en el que se desvelaban todos los detalles de la producción y el rodaje del desastremetraje, convertido en clásico de culto, de Tommy, The Room («La mejor película mala jamás producida»), The Disaster Artist es un hilarante y bienvenido recordatorio de que hay más de una manera de convertirse en leyenda, y de que no hay límite a lo que se puede conseguir cuando no se tiene ni remota idea de lo que se está haciendo.
- Premios
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2017: Festival de San Sebastián: Concha de Oro – Mejor película2017: Premios Independent Spirit: Nominada a mejor actor (James Franco)2017: National Board of Review (NBR): Top Films & Best Adapted Screenplay2017: Premios Gotham: Mejor actor (James Franco)2017: Satellite Awards: Nominada a mejor guion adaptado y actor (James Franco)
EL GRAN SHOWMAN (The Greatest Showman, Michael Gracey, 2017)
Los productores (The Producers, Mel Brooks, 1968), narra la historia de dos empresarios teatrales que planean hacerse ricos produciendo el mayor fracaso de Broadway: un musical sobre Hitler. Pero todo se irá al traste cuando, en contra de todos los pronósticos, Primavera para Hitler se convierta en un grandioso éxito. Hay un episodio de los Simpson en el cual la demencial familia, real como la vida misma, acude a un musical basado en El planeta de los simios, con canciones dedicadas al Dr. Zaius y otras astracanadas cantadas por el humano Taylor. Todo muy bizarro, si, pero ¿exagerado?: Pues para nada.
Filmax estrenará ERREMENTARI (El herrero y el diablo) el 2 de marzo de 2018
El próximo 2 DE MARZO Filmax estrenará ERREMENTARI (El herrero y el diablo), el debut en el largometraje del director Paul Urkijo Alijo, inspirándose en un cuento tradicional vasco titulado ‘Patxi Errementaria’. Apadrinada por Alex de la iglesia y producida por Luis de Oza, Carolina Bang, Kiko Martínez con las productoras Kinoskopik Film Produktion, Pokeepsie Films, Gariza Films, Nadie es Perfecto, Ikusgarri Films y la productora francesa The project. Distribuida por Filmax. Participan EITB y Euskaltel y cuenta con los apoyos de Gobierno Vasco e ICAA.
Protagonizada por Kandido Uranga, Uma Bracaglia, Eneko Sagardoy y Ramón Agirre, Filmax estrenará ERREMENTARI (El herrero y el diablo) el 2 de marzo de 2018, con distribución internacional corre a cargo de FILMAX Internacional.
SINOPSIS
Han pasado 10 años desde de la primera Guerra Carlista de 1833. En un pequeño pueblo de Álava, un comisario del gobierno llamado Alfredo investiga un suceso que le lleva hasta una siniestra herrería en lo profundo del bosque, donde vive un peligroso y solitario herrero llamado Patxi. Los aldeanos de la zona cuentan oscuras historias sobre él relacionadas con robos, asesinatos y pactos demoníacos. Hasta que por casualidad una niña huérfana llamada Usue consigue colarse en la misteriosa herrería, destapando la terrible verdad que se esconde tras Patxi el Herrero.
En euskera antiguo
Otra de las singularidades de “Errementari” es su apuesta por realizar el film en euskera. Además de haber elegido la lengua original del relato, sus creadores han dado un paso más allá al elegir darle a la película el aire de un euskalki (variante dialectal del euskera) extinguido: el euskera alavés (arabarra), aspecto del film sobre el que se profundizará en los próximos días.
Para recuperar y hacer comprensible esta variedad lingüística, se ha contado con el apoyo del lingüista e investigador Koldo Zuazo, autor del libro “Arabako Euskara”, que analiza el recorrido histórico y sus diferencias respecto al euskera actual.
LAS FAVORITAS DE SERENDIPIA DE 2017
Como cada año y puntualmente, al igual que las neulas, los mazapanes y turrones, lleva la lista de Serendipia con sus películas favoritas de este 2017. La cosecha no ha estado mal, hemos visto en cine 290 películas (42 más que durante el pasado año), y aquí no entran, reitero, las que hemos visto en la intimidad de nuestra casa, donde han predominado los clásicos, el trash y las revisiones para desintoxicarse de tanta novedad.
En estos listados tan solo incluimos películas que se han estrenado en los cines españoles, dejando aparte otras que hemos podido disfrutar en los diferentes festivales a los que hemos tenido el placer de acudir y que sí hemos incluido en el recuento total. Hay en el listado una categoría más: Las 10 a recuperar. Un listado compuesto de cintas que han pasado de manera fugaz por las carteleras y seguramente no estarán incluidas en ninguno de los muchos listados que verán publicados. 10 pequeñas perlas que injustamente pasaron de puntillas por las salas. Vamos allá:
LAS DIEZ DEL FANTÁSTICO
1 – MADRE! (Mother!, Darren Aronofski, 2017)
2 – CRUDO (Grave, Julia Ducournau, 2016)
3 – LA GUERRA DEL PLANETA DE LOS SIMIOS (War for the Planet of the Apes, Matt Reeves, 2017)
4 – LA AUTOPSIA DE JANE DOE (The Autopsy of Jane Doe, André Øvredal, 2016)
5 – NAGASAKI, RECUERDOS DE MI HIJO (Haha to kuraseba, Yôji Yamada, 2015 )
6 – VERÓNICA (Paco Plaza, 2017)
7 – A GHOST STORY (David Lowery, 2017)
8 – LA CURA DEL BIENESTAR (A Cure for Wellness, Gore Verbinski, 2016)
9 – BLADE RUNNER 2049 (Denis Villeneuve, 2017)
10 –COLOSSAL (Nacho Vigalondo, 2016)
LAS CINCO DE ANIMACIÓN
1 – PADDINGTON 2 (Paul King, 2017)
2 – LA VIDA DE CALABACÍN (Ma vie de Courgette, Claude Barras, 2016)
3 – EN ESTE RINCÓN DEL MUNDO (Kono sekai no katasumi ni, Sunao Katabuchi, 2016)
4 – COCO ( Lee Unkrich y Adrián Molina, 2017)
5 – BALLERINA (Eric Summer y Éric Warin, 2016) + FERDINAND (Carlos Saldanha, 2017)
LAS DIEZ INTERNACIONALES
1 – MOONLIGHT (Barry Jenkins, 2016)
2 – SILENCIO (Silence, Martin Scorsese, 2016)
3 – EN REALIDAD NUNCA ESTUVISTE AQUÍ (You Were Never Really Here, Lynne Ramsay, 2017)
4 – JACKIE (Pablo Larraín, 2016)
5 – YO NO SOY MADAME BOBARY (Wo bu shi Pan Jin Lian, Xiaogang Feng, 2016)
6 – THE DISASTER ARTIST (James Franco, 2017)
7 – HACIA LA LUZ (Hikari, Naomi Kawase, 2017)
8 – EL SUEÑO DE GABRIELLE (Mal de pierres, Nicole Garcia, 2017)
9 – ALANIS (Anahí Berneri, 2017)
10- LOVING (Jeff Nichols, 2016)
LAS CINCO ESPAÑOLAS
1 – EL AUTOR (Manuel Martín Cuenca, 2017)
2 – LA HIGUERA DE LOS BASTARDOS (Ana Murugarren, 2017)
3 – INCERTA GLÒRIA (Agustí Villaronga, 2017)
4 – HANDIA (Aitor Arregi, Jon Garaño, 2017)
5 – LA CORDILLERA (Santiago Mitre, 2017)
LOS CINCO DOCUMENTALES (que en esta ocasión se quedan en cuatro)
1 – DAVID LYNCH: THE ART LIFE (Jon Nguyen, Rick Barnes y Olivia Neergaard-Holm, 2016)
2 – JERICÓ, EL INFINITO VUELO DE LOS DÍAS (Catalina Mesa, 2016)
3 – I AM NOT YOUR NEGRO (Raoul Peck, 2016)
4 – MUCHOS HIJOS, UN MONO Y UN CASTILLO (Gustavo Salmerón, 2017)
LAS DIEZ (MÁS UNO) A RECUPERAR
1 – EL VIAJANTE (Forushande, Asghar Farhadi, 2016)
2 – LA ESCALA (Voir du pays, Delphine Coulin, Muriel Coulin, 2016)
3 – EN CUERPO Y ALMA (Teströl és lélekröl, Ildikó Enyedi, 2017 )
4 – REHENES (Hostages, Rezo Gigineishvili, 2017)
5 – UN MINUTO DE GLORIA (Slava, Kristina Grozeva, Petar Valchanov, 2016)
6 – BAJO EL SOL (Zvizdan, Dalibor Matanic, 2015 )
7 – LA HERIDA (Inxeba, John Trengove, 2017)
8 – EL DÍA MÁS FELIZ EN LA VIDA DE OLLI MÄKI (Hymyilevä mies, Juho Kuosmanen, 2016)
9 – LA COMUNIDAD DE LOS CORAZONES ROTOS (Asphalte, Samuel Benchetrit, 2016)
10 – RARA (Pepa San Martín, 2016)
11 – BILLY LYNN (Billy Lynn’s Long Halftime Walk, Ang Lee, 2016)
Y FINALMENTE: EL PODIUM 2017
1 –PADDINGTON 2
2 –MADRE!
3 –EL AUTOR
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 22 de diciembre de 2017 *
LESA HUMANITAT (Héctor Faver, 2017)
España Duración: 98 min. Guion: Héctor Faver Música: Lito Vitale Fotografía: Gerardo Gormezano Productora: Vargtimmen Films / Aureal Theorem Género: Documental
Sinopsis: Dar voz y visibilidad a las víctimas del Franquismo, recoger sus testimonios, acabar con la indiferencia de buena parte de la sociedad y restituir su derecho a la memoria y a la justicia son los objetivos del proyecto de documental «Lesa humanidad», un documental sin ánimo de lucro sobre memoria histórica y justicia universal. ¿Qué sucede cuando los derechos humanos se violan de una forma continuada y sistemáticamente y si estos delitos de genocidio acaecieron en un pasado reciente; y si además, existieran leyes enmarcadas dentro de un marco democrático que ampararan la impunidad y exoneraran a los genocidas? La jurisdicción universal puede conformar una gran motivación que pueda accionar e impulsar resoluciones judiciales que velen por la reparación de las víctimas que han sufrido la indefensión y se les ha coartado su libertad como ser humano.
«El marxismo es una enfermedad y en nuestras manos está erradicarla» (Vallejo Nájera)
C
amboya, Argentina, España… son lugares que tienen en común historias de desaparecidos y de huesos enterrados en fosas anónimas. Lugares que con este documental, narrado por Eduard Fernández, conoceremos mejor. Visitaremos lúgubres sótanos con paredes de pintura descascarillada, enormes barracones y mausoleos cuasi faraónicos repletos de huesos anónimos, pertenecientes a miles de víctimas de la violencia generada por regímenes totalitarios.
Y es que nunca está de más refrescar la memoria a los más olvidadizos y enseñar a las nuevas generaciones el país que han heredado. El de dónde venimos para saber el a dónde vamos. El qué pasó para no repetir errores. Pues mientras todavía hay calles dedicadas a verdugos, asociaciones que luchan por la memoria histórica sobreviven gracias a sindicatos de electricistas daneses o entidades argentinas.
Ex-presos, ex-jueces… todos represaliados. Baltasar Garzón, Gerardo Pisarello, Soledad Luque, Emilio Silva nos hablan de su experiencia. De su impotencia.
Se sale de la sala con el estómago revuelto ante la indefensión de sabernos gobernados por los herederos de aquellos verdugos que murieron en la cama con honores y restos de sangre reseca en sus manos. Se sale con el corazón en un puño ante la rabia por saber que poco o nada puede hacerse.
Niños robados; experimentos raciales; apoyo institucional a las dictaduras latinoamericanas; fosas, fosas y más fosas.
Pero siempre hay que decirlo. No dejar nunca de decirlo. Como se dice en Lesa Humanitat: solemne pero implacablemente. Ahora que a todos se les llena la boca de democracia. Ahora que todos parecen haberla inventado. Ahora y siempre hay que seguir denunciando.
DEMASIADO CERCA (Tesnota, Kantemir Balagov, 2017)
- Rusia Duración: 118 min. Guion: Kantemir Balagov, Anton Yarush Fotografía: Artem Emelianov Productora: Lenfilm Studios / Alexander Sokurov’s Fund / Example of Intonation Género:Drama
- Reparto: Darya Zhovner, Olga Dragunova, Veniamin Kac, Atrem Cipin, Nazir Zhukov
- Sinopsis: 1998, Nalchik. Una familia judía está en peligro: el hijo más pequeño y su esposa no vuelven a casa y a la mañana siguiente la familia recibe una nota de secuestro. El rescate que piden es tan alto que la familia se ve obligada a vender su pequeño negocio y a buscar ayuda a su alrededor.
- Premios
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2017: Festival de Cannes: Un Certain Regard (Sección oficial)
UNA VIDA A LO GRANDE (Downsizing, Alexander Payne, 2017)
- USA/Noruega Duración: 135 min. Guion: Alexander Payne, Jim Taylor Música: Rolfe Kent Fotografía: Phedon Papamichael Productora: Annapurna Pictures / Paramount Pictures / Ad Hominem Enterprises Género: Comedia fantástica.
- Reparto: Matt Damon, Christoph Waltz, Hong Chau, Jason Sudeikis, Kristen Wiig,Neil Patrick Harris, Laura Dern, Margo Martindale, Kerri Kenney, Maribeth Monroe,Niecy Nash, Udo Kier, Donna Lynne Champlin, Joaquim de Almeida, Rolf Lassgård,Ingjerd Egeberg, Søren Pilmark, Jayne Houdyshell,
- Sinopsis: Narra las peripecias de Paul Safranek (Matt Damon), un tipo corriente de Omaha, que, junto a su mujer Audrey (Kristen Wiig), sueña con una vida mejor. En un momento en el que el mundo se enfrenta a una crisis de superpoblación, los científicos descubren una solución radical que permitirá reducir a las personas a una altura de cinco pulgadas. La población no tarda en descubrir que el dinero da mucho más de sí en un mundo a escala reducida, y ante la promesa de un estilo de vida más lujoso del que nunca habrían podido soñar, Paul y Audrey deciden correr el riesgo de someterse al controvertido tratamiento y embarcarse en una aventura que cambiará sus vidas para siempre.
- Premios:
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2017: Festival de Venecia: Sección oficial largometrajes a concurso2017: National Board of Review (NBR): Mejores 10 películas del año2017: Satellite Awards: Nominada a mejor dirección artística
WONDER WHEEL (Woody Allen, 2017)
USA Duración: 101 min. Guion: Woody Allen Fotografía: Vittorio Storaro Productora: Gravier Productions / Amazon Studios Género: Drama
Reparto: Kate Winslet, Justin Timberlake, Juno Temple, James Belushi, Max Casella,Michael Zegarski, Tony Sirico, Marko Caka, Jack Gore, Dominic Albano, Evin Cross,Debi Mazar, Brittini Schreiber, Geneva Carr, Steve Schirripa, Matthew Maher
Sinopsis: En la Coney Island de la década de 1950 el joven Mickey Rubin (Timberlake), un apuesto salvavidas del parque de atracciones que quiere ser escritor, cuenta la historia de Humpty (Jim Belushi), operador del carrusel del parque, y de su esposa Ginny (Winslet), una actriz con un carácter sumamente volátil que trabaja como camarera. Ginny y Humpty pasan por una crisis porque además él tiene un problema con el alcohol, y por si fuera poco la vida de todos se complica cuando aparece Carolina (Juno Temple), la hija de Humpty, que está huyendo de un grupo de mafiosos.
Aunque la nostalgia suele ser reaccionaria, en ocasiones, cuando es reelaborada para crear algo radicalmente nuevo, no lo es. Y esto es justo lo que ofrece Wonder Wheel, un ejercicio nostálgico que tiene mucho de experimentación como lo fue en su día (y salvando las distancias) el Ulises de James Joyce. Uno de los valores (y no el menor) de la inconmensurable novela del irlandés es su repaso y asimilación de la historia de las letras británica, en cada capítulo Joyce ensaya un estilo distinto, desde la literatura popular hasta el teatro del absurdo (anticipando a Samuel Beckett) pasando por las crónicas medievales, y todo ello lo puso al servicio de una obra absolutamente vanguardista. Woody Allen, igualmente, ha repasado en su poblada filmografía la de otros autores que ha admirado, ya sea a Bergman en Interiores (1978), a Fellini en Stardust memories (1980) o al cine expresionista en la siempre reivindicable Sombras y niebla (1991), por citar sólo los tres ejemplos que vienen a bote pronto a mi memoria. Pero esos trabajos no son, por supuesto, plagios ni son tan solo meros homenajes, cuando Allen emula lo hace siempre imprimiendo su sello personal, claramente distinguible, consiguiendo así obras con perfecta identidad propia.
Esto ocurre de nuevo en Wonder Wheel, aquí lo que es revisitado es la corriente realista del teatro americano con sus máximos representantes, Arthur Miller, Tennessee Williams y, sobre todo, Eugene O’neill directamente referenciado en la película. Sus personajes podrían haber poblado las páginas de cualesquiera de ellos, el sino que pesa sobre ellos (ese error fatídico cuya culpa conducirá a su debacle) les habría satisfecho y lo hubieran diseñado así e incluso esas interpretaciones, que rozan la sobreactuación, hubiesen hecho sus delicias. Pero no hagan caso de quienes les digan que el último trabajo de Allen es un drama, porque aunque en su planteamiento lo parezca, no lo es en su materialización y no lo es porque está compuesto desde la distancia irónica. Distancia irónica que supone la inclusión de recursos del humor (ese pequeño pirómano y su forma de representarlo, podría servir de ejemplo), pero no sólo eso, el director tiene presente todo el tiempo que está experimentando con un modelo y toma distancia respecto a él como la tomamos cuando jugamos a ser otra cosa distinta a la que somos. Wonder Wheel tiene tanto de drama como de divertimento. Lo mismo de repaso nostálgico que de innovación. El guión podría adaptarse en los escenarios, pero lejos de ser teatro filmado, tal como lo entendemos, lo que nos ofrece es un ejercicio que describe al teatro con los recursos del séptimo arte. Wonder Whell es puro cine.
Con su último trabajo, Allen consigue dar salida a varios de sus gustos y temas recurrentes, siempre ha amado el arte escénico (e incluso ha escrito varias piezas), no menos ha amado al cine, especialmente el clásico, todo lo referido al mundo de los gangsters y (casi sobre todo) a lo que dieron de sí esos años cincuenta en los que transcurrió su adolescencia. En este sentido se da un auténtico festín con esta recreación del mundo de Coney Island, reproducido minuciosamente en un trabajo que supone la suma de elaborados decorados y fondos digitales preciosistas, pero sobre todo capturado en lo que tiene de decadente todo parque de atracciones que se precie, su colorido artificial esconde grandes dosis de melancolía. Allen flirtea con lo grotesco (bizarro, si lo prefieren), coquetea con los arquetipos del teatro, sus personajes y sus formas, y rinde su amor al cine del technicolor que impactó su infancia. Con Wonder Wheel nos regala un guión redondo plagado de guiños al cinéfilo e incluso a la televisión (no es casual la utilización de actores de Los Soprano interpretando a los malos de la función). Disfruta rompiendo la cuarta pared, dirige certeramente a sus actores sacando lo mejor de ellos (y no solo de la Winslet, hay que decirlo) y usa virtuosamente la planificación y el encuadre. El resto lo ponen esos naranjas de Storaro que acaban de dar a la cinta ese aspecto de producto bellamente envejecido. Wonder Wheel es uno de esos vinos añejos que conservan en su fondo los regustos frescos de su juventud.
JUMANJI: BIENVENIDOS A LA JUNGLA (Jumanji: Welcome to the Jungle, Jake Kasdan, 2017)
USA. Guion: Jeff Pinkner, Scott Rosenberg, Erik Sommers (Novela: Chris Van Allsburg. Historia: Chris McKenna) Música: Henry Jackman Fotografía: Gyula Pados Productora: Radar Pictures / Seven Bucks Productions / Matt Tolmach Productions / Sony Pictures Entertainment Género: Fantástico
Reparto: Dwayne «The Rock» Johnson, Karen Gillan, Jack Black, Kevin Hart,Madison Iseman, Nick Jonas, Rhys Darby, Alex Wolff, Marc Evan Jackson,Morgan Turner, Ser’Darius Blain, Bobby Cannavale, Missi Pyle, Maribeth Monroe,Tim Matheson
Ideal para toda la familia, en Jumanji: Bienvenidos a la jungla, los cuatro adolescentes protagonistas, perfectos arquetipos de enclenque cerebrito; musculitos deportista; odiosa muñeca pendiente de su imagen y su teléfono; y solitaria tímida, deberán enfrentarse a los peligros de Jumanji, una especie de juego de rol en el cual los jóvenes deberán ponerse, textualmente, en la piel del otro, lo que dará pié a situaciones divertidas en las cuales hasta Jack Black resultará eficaz.
Jumanji: Bienvenidos a la jungla es una de esas escasas películas que ya desde su planteamiento se sabe que mucho deberían torcerse las cosas para que resultara fallida. Además de hacer pasar un rato emocionante y divertido al espectador, ofrece un mensaje de respeto al diferente y de saber colaborar y valorar las cosas realmente importantes de la vida. Trabajando en equipo los cuatro jóvenes descubrirán el potencial que tienen en su interior e irán superando las diferentes pruebas (pantallas) de las que constará la partida, cuya recompensa será regresar a su existencia y recuperar su lugar en el mundo.
No es necesario tener fresco el primer acercamiento al universo Jumanji, dirigido por Joe Johnston en 1995, para poder disfrutar con esta nueva aventura, pues su guión es totalmente independiente y tan solo tiene en común con aquella el antiguo juego de mesa, que rápidamente pasa a ser un videojuego ‘vintage’, posiblemente una licencia para hacerla más cercana al espectador contemporáneo.
En resumen: mucho humor y aventura para toda la familia en esta muy recomendable película que, con permiso de la última entrega galáctica, merecería ser la película de estas fiestas.
FERDINAND (Carlos Saldanha, 2017)
USA. Duración: 106 min. Guion basado en un cuento de Munro Leaf Música: John Powell Fotografía: Renato Falcão Productora: Blue Sky Studios / 20th Century Fox Animation / Davis Entertainment. Distribuida por 20th Century Fox Género: Comedia de animación
Sinopsis: Ferdinand es un novillo muy tranquilo que prefiere sentarse bajo un árbol a oler las flores que saltar, resoplar y embestirse con otros. A medida que va creciendo y haciéndose fuerte su temperamento no cambia y sigue siendo un toro manso. Un día unos hombres vienen buscando el toro más grande, rápido y bravo… y Ferdinand es elegido equivocadamente para las corridas de toros de Madrid.
Basado en un cortometraje de animación de Walt Disney de 1938, Ferdinand es un magnífico largometraje que, a pesar de contener un inevitable trasfondo pacifista y por supuesto antitaurino, sus creadores se han cuidado mucho de ridiculizar o convertir su mensaje en un panfleto. Divertida, emocionante y llena de aventuras, Ferdinand tiene un cuidado diseño de personajes, variados y muy divertidos, incluyendo uno, la cabra Lupe, que guarda un agradecido toque Warner o Hans, un caballo abiertamente homosexual, algo impensable no hace mucho en una película de animación dirigida, especialmente, a los más pequeños.
Ferdinand, por supuesto, está cargada de mensajes positivos. El valor de la amistad y el respeto a la diferencia. El seguir nuestro camino guiados por el corazón revelándonos ante lo que el destino parece tenernos reservado, en el caso de Ferdinand el sacrificio en la plaza de toros. Y es que Ferdinand ama las flores y no quiere luchar. No quiere embestir.
Primeras noticias sobre la segunda edición del BCN Film Fest
La segunda edición del BCN FILM FEST se celebrará entre el 20 y el 27 del próximo mes de abril en los Cines Verdi.
Como en la primera edición, el BCN FILM FEST se sumará al ambiente festivo y alegre que se vive en Barcelona en torno al día de Sant Jordi con la mejor selección posible de películas relacionadas con la literatura y la historia, en la Sección Oficial, con las comedias más populares, en la sección Cinema amb Gràcia, y con los clásicos más exquisitos, en la sección Imprescindibles.
Una vez más, el BCN FILM FEST aspirará a ser una fiesta del cine y se esforzará en acercar el cine a la gente, tanto al aficionado de siempre como al público nuevo que todavía tiene pendiente descubrir la magia de las películas.
En próximas fechas el festival anunciará las películas de su programación.
RETROSPECTIVA
La segunda edición del Festival Internacional de Barcelona-Sant Jordi (BCN FILM FEST) dedicará íntegramente al director Ingmar Bergman su sección Imprescindibles, especializada en recuperar grandes clásicos del cine de autor de todos los tiempos.
Esta pequeña retrospectiva ofrecerá un significativo recorrido por la obra de uno de los directores más relevantes de la historia del cine mundial y permitirá comprobar la plena vigencia de su legado artístico. La inclusión en la programación de varias películas de Bergman es también un reflejo de la filosofía pedagógica que impulsa al festival, cuya máxima expresión es el Sello Educacine. Posiblemente, representará la primera oportunidad para que nuevas generaciones de cinéfilos descubran en la gran pantalla el trabajo de un cineasta único.
Nacido en 1918, Bergman revolucionó el lenguaje y el arte cinematográfico a lo largo de cuatro fructíferas décadas. Entre los años 50 y 80 volcó su talento y su visión del mundo en obras maestras del calado, por citar sólo algunas, de “El séptimo sello”, “Fresas salvajes”, “Persona”, “Pasión”, “Gritos y susurros” o “Fanny y Alexander”, film con el que se retiró oficialmente del mundo del cine.
En las próximas semanas el festival anunciará las películas de Bergman elegidas para formar parte de su programación. Esta iniciativa del BCN FILM FEST cuenta con la colaboración de la Filmoteca de Catalunya.
Primeras actividades de la tercera edición del Salón del Cine y las Series
El Salón del Cine y las Series ya tiene a punto su tercera edición, que se celebrará del 2 al 4 de febrero de 2018, en La Farga de L’Hospitalet.
La organización del certamen ya trabaja para tenerlo todo a punto, para el primer fin de semana de febrero, con el objetivo de seguir consolidando este evento, que en dos ediciones ha contado con la asistencia de más de 45.000 personas. El evento, organizado por CinemaWorld y La Farga, volverá a reunir el mundo del cine y
las series en un mismo espacio, durante tres días con numerosas actividades, exposiciones, escape rooms, proyectos de crowdfunding, charlas y la tradicional jornada de Mesas Redondas con la presencia de directores, guionistas, actores, promotores, etc.
La tercera edición del Salón del Cine y las Series contará con 115 expositores de empresas relacionadas con el sector, 10 exposiciones, diferentes actividades y las más
de 35 charlas con especialistas y profesionales del mundo del cine. Para las charlas de esta edición año se cuenta con la presencia del director de cine Nacho Vigalondo (Los cronocrímenes, Open Windows, Colossal), Alberto Ammann, actor de Narcos y el editor e historietista Manuel Bartual (conocido por su viral relato de misterio a base de tuits).
Entre las 10 exposiciones que visitarán el Salón del Cine y las series destacan, con 400m2, una dedicada a la saga cinematográfica de Harry Potter, una muestra del universo Star Wars y Alien y una muestra de coches de cine con El Coche Fantástico y el coche del General Lee.
Este año también habrá presencia internacional con la colaboración de la productora y distribuidora francesa Gaumont, que nos llevará a La Farga una muestra de objetos de cine, como el vestuario películas de Luc Besson entre las que se encuentran Leon, El
profesional o El quinto elemento. También expondrá en el salón el Museo del Cine y Miniaturas de Lyon, que colaborará con diferentes muestras de trajes originales utilizados en filmes de producciones de Hollywood.
Durante el Salón del Cine y las Series, y por segundo año consecutivo, tendremos la presencia del Espacio de Imagen y Tecnología donde profesionales y aficionados podrán disfrutar de 500m2 de tecnología con las últimas novedades en vídeo, fotografía, realidad virtual, charlas y masterclass. Otra de las actividades será la posibilidad de poder realizar doblaje de voz a cargo de la empresa catalana Dubbing.
En el espacio de realidad virtual habrá la exhibición de obras cinematográficas de 360º, además del estreno de la película producida por los participantes del taller de realidad virtual, organizado por Garage Stories y el propio Salón del Cine y las Series.
La tradicional jornada de Mesas Redondas, que se hará el viernes por la mañana, tendrá tres espacios en diferentes salas, este año con Directores/as de casting, Directores/as artísticos y Guionistas. Esta actividad está abierta al público y se espera la asistencia, como cada año, de estudiantes relacionados con el mundo audiovisual y jóvenes profesionales.
III Salón del Cine y las Series
2, 3 y 4 de febrero de 2018
Horario Viernes y sábado de 10h a 21h; Domingo de 10h a 20h
Recinto La Farga Centro de Actividades
Dirección C/ Barcelona, 2. 08901 L’Hospitalet de Llobregat (BCN)
David J. Skal: Algo en la sangre
Han trascurrido 120 años desde que se publicara Drácula, la inmortal novela de Bram Stoker, y David J. Skal, uno de nuestros autores favoritos, ha vuelto a escribir sobre el personaje y su creador. Y es que como ya dijera Bela Lugosi ‘Dracula never ends‘ y así parece estar sucediendo también en el caso de Skal, al que conocemos por magníficos libros como Tod Browning. El carnaval de las tinieblas, Monster Show y Hollywood Gótico, pero también responsable de otros, inéditos en nuestro país, todos ellos centrados en nuestro chupasangre favorito: Dracula: The Ultimate, Illustrated Edition of the Worl-Famous Vampire Play by Hamilton Deane, que reproduce el guión teatral en el que también se basó la película de Tod Browning; V is for Vampire: The A to Z Guide to Everything Undead, en el que se repasa todo lo que han dado de sí los vampiros en el cine; o una completa edición de Drácula anotada y que ahora, a los 20 años de su publicación, va a ser actualizada. A David J. Skal pertenece también el mérito de que, entre otras cosas, podamos disfrutar del Drácula hispano rodado por la noche por George Melford en los estudios y decorados de Universal mientras se filmaba, durante el día, la cinta de Tod Browning, ya que investigando para uno de sus libros se topó en la Filmoteca de Cuba con la única copia completa que quedaba en el mundo, pudiendo así recuperarse el trozo extraviado de los baúles de Universal Pictures.
Drácula-Bram Stoker-David J. Skal. Unidos entre sí por la sangre, pero a los que hay que sumar también a Oscar Palmer, responsable de Es Pop Ediciones, que no solo ha tenido el buen gusto de traducir y editar en nuestro país Hollywood Gótico y Algo en la sangre: la biografía secreta de Bram Stoker; asimismo tradujo Monster Show, que editó en su momento Editorial Valdemar y, por si todo esto fuera poco también tradujo para Valdemar su edición de Drácula, ofreciendo un soberbio volumen repleto de notas y, como se dice ahora, extras de incalculable labor. Lo dicho: Drácula-Stoker-Skal-Palmer… y Sitges. Pues el Festival en su 50 edición dedicada a Drácula tuvo a bien traer como invitado (y jurado) al autor de Algo en la sangre: la biografía secreta de Bram Stoker que junto a Oscar Palmer ofrecieron una charla sobre Stoker y el legendario vampiro que resumimos a continuación.
DAVID J. SKAL: ALGO EN LA SANGRE
Fotos: Serendipia
En la tradición folklórica los vampiros no son aristócratas. Muy al contrario solían provenir de baja extracción social y regresaban de la tumba para convertir en vampiros a sus propios familiares. El concepto de vampiro como aristócrata no nació hasta la literatura romántica. Tenemos ejemplos en El vampiro, escrito por John Polidori, amigo de Lord Byron. Así que Bram Stoker convirtió también a su vampiro en aristócrata continuando el patrón establecido por sus predecesores y no pretendía hacer ningún tipo de alegoría política, de lucha de clases. Esa ha sido una lectura que se ha hecho de la novela a posteriori.
Creo que Bram Stoker no reconocería a Drácula en la mayoría de las adaptaciones cinematográficas y en particular en el caso de Lugosi. A diferencia de lo que mucha gente cree, Drácula no era un seductor. De hecho siempre tengo que corregir a los que creen que Drácula es una historia de amor. Coppola convirtió Drácula en una especie de ‘La bella y la bestia’ que Stoker, sin lugar a dudas, no hubiera reconocido. También es interesante indicar que Stoker no se inspiró en Vlad Tepes, el personaje histórico, aunque diera la casualidad de que ambos fueran bastante sanguinarios. De hecho Stoker descubrió a Tepes cuando ya llevaba tiempo trabajando en su novela. Stoker nunca describe detalladamente a Drácula. El personaje está siempre envuelto en sombras, dejando que el lector tenga su propia idea de Drácula.
Suele pensarse que la enfermedad que mantuvo a Stoker de niño durante siete años en cama tenía un origen psicosomático. Tengo la teoría de que en la época Victoriana los padres suministraban opio y otras drogas a su hijos para protegerles de las enfermedades convirtiéndolos en pequeños toxicómanos. La propia madre de Stoker sobrevivió al cólera y estaba convencida de que fue gracias a las dosis diarias de whisky que recibía. De hecho Stoker permaneció durante esos siete años en estado de ensoñación, sin posibilidad de interactuar con el mundo, y el único consuelo lo encontraba en su propia imaginación y los cuentos que le contaba su madre. A Bram Stoker le encantaban los cuentos de hadas que su madre le contaba de pequeño. Más adelante descubrió las tradicionales pantomimas navideñas de su Irlanda natal. En estas funciones había un personaje, el rey, en el que yo estoy convencido que se inspiró Stoker para su Drácula. Más tarde, cuando Bram Stoker ejerció de crítico teatral escribió una serie de artículos sobre la pantomima y la importancia de esta para los niños como primer punto de contacto con la fantasía, algo que sin duda definía su propia experiencia de niño. En Drácula encontramos claras referencias a cuentos clásicos como Caperucita Roja. De hecho creo que la mejor forma de definir Drácula es como cuento para adultos.
Bram Stoker no dejó ningún diario escrito sobre sus motivaciones para escribir su obra más famosa, por lo tanto escribir el libro ha sido más difícil de lo que pensaba. Me ha llevado seis años terminarlo, siendo el que más tiempo me ha costado. Durante su escritura he aprendido, entre otras cosas, que es dificilísimo escribir una biografía a menos que se tenga la capacidad de viajar en el tiempo. Así que aunque he intentado ceñirme en la medida de lo posible a los hechos probados, gran parte de la biografía se basa en especulaciones.
Todo comenzó a encajar cuando tomé en cuenta la figura de Oscar Wilde, conocido de Stoker y rival amoroso (Nota: de hecho, Stoker se casó con la novia de Oscar Wilde). También, aunque desconocemos muchos detalles, se ha planteado la posibilidad de que Bram Stoker fuera homosexual, pues se conserva correspondencia que así parece darlo a entender. Nosotros siempre buscamos nuestro propio reflejo y el hecho de que Drácula no pudiera ver su imagen reflejada en el espejo parece indicar nuestra propia dificultad para vernos a nosotros mismos. De hecho hasta 60 años después de su publicación no se vieran los trasfondos freudianos y sexuales de la novela. Desconozco cuales eran sus demonios personales, pero intento descifrar algunos en el libro. En cierto modo la biografía tiene algo de ficción, pues hay que encontrar un modo atractivo de contar una historia, que a fin de cuentas es lo que todos queremos leer: más que hechos en sí queremos historias. Pero mi libro es mucho más que una simple biografía de Stoker. Supone una completa inmersión en el mundo artístico, social y sexual victoriano y espero que sirva para descubrir como se concebían en aquella época conceptos como la sexualidad, la vida y la muerte.
Como se ha indicado Bram Stoker fue crítico teatral y también secretario del actor Henry Irving. De hecho quería llevar Dracula al teatro y tenía en mente como protagonista ideal a su jefe, pero este no estaba interesado en el papel. Stoker falleció antes de que su novela llegara al teatro, pero estoy seguro de que de haber existido el cine en aquella época, Bram Stoker hubiera estado de acuerdo en que su novela era un material que se prestaba para ser llevado a la pantalla.
No creo que a Bram Stoker le gustara especialmente escribir. Más bien se sentía obligado a hacerlo. Escribía de forma obsesiva y los pensamientos le asaltaban a tal velocidad y tan frenéticamente los trasladaba al papel que su letra costaba de descifrar.
El novelista comentó a sus amistades la intención de escribir una secuela de Drácula, así que posiblemente a ello se deba el final alternativo existente y que es el que se publicó finalmente. En el manuscrito original el vampiro moría cuando el castillo volaba por los aires por culpa de una erupción volcánica. Un final que hay quien opina que fue cambiado por el que conocemos a efectos de dicha segunda parte.
Lo cierto es que recientemente se ha encontrado el primer borrador de Drácula. Con una extensión del doble de la novela que conocemos, podría ser que todo el material suprimido lo reservara Stoker para la secuela, posibilidad que personalmente no descarto. Formo parte del equipo que está trabajando con ese borrador. Una labor que nos llevará años pero que confío va a responder muchas preguntas sobre Drácula y su autor, así que valdrá la pena esperar.
Creo que me precipite cuando pensé que este sería el último libro que escribiría relacionado con la inmortal novela de Stoker. Y es que nunca terminaría de hablar sobre ella, pues es como un gran agujero negro. Es como el político perfecto, que da a todo el mundo lo que desea.
Aprovechando la ocasión, dando mucho trabajao al sr. Skal
Serendipia
Proyecto Naschy 
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