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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 20 de abril de 2018 *
UN LUGAR TRANQUILO (A Quiet Place, John Krasinski, 2018)
USA. Duración: 95 min. Guion: Scott Beck, John Krasinski, Bryan Woods (Historia: Bryan Woods, Scott Beck) Música: Marco Beltrami Fotografía: Charlotte Bruus Christensen Productora: Platinum Dunes / Sunday Night. Distribuida por Paramount Pictures Género: Terror
Reparto: John Krasinski, Emily Blunt, Noah Jupe, Millicent Simmonds, Cade Woodward,Evangelina Cavoli, Ezekiel Cavoli, Doris McCarthy
Sinopsis: Sigue la historia de una familia que vive en una casa en el bosque y que trata de sobrevivir en silencio amenazados por misteriosas criaturas que intentan eliminarles guiadas por el sonido. Si no te escuchan, no pueden cazarte.
Un lugar tranquilo es un impecable y atípico ejercicio de intriga. Muy diferente, si no en el fondo, sí en la forma, pues si bien lo que nos cuenta ya lo hemos visto infinidad de veces, lo novedoso se encuentra en cómo se nos narra. La historia es poco más que una excusa, un Mcguffin que servirá para que Krasinski nos lleve a este intrigante universo mudo del que cuanto menos sepan, tanto mejor, pues la intención del director y guionista es que el espectador viva la extrañeza y vaya descubriendo, progresivamente, el motivo de este silencioso paisaje posapocalíptico en el cual conviven sus escasos personajes.
El espectador que escoja sumergirse en Un lugar tranquilo se contagiará de la acción. Se moverá sigilosamente como los protagonistas, evitará hacer ruido al masticar las palomitas y, si no tiene cerca a ningún indeseable con móvil, vivirá la película con el corazón en un puño.
John Krasinski, protagonista y director de la cinta, vuelve a utilizar las relaciones de familia como eje temático de la acción, como ya hiciera en su anterior película, Los Hollar (2016), pero desde un género totalmente diferente a aquella volviendo a demostrar que no hacen falta grandes presupuestos ni inversiones millonarias en efectos especiales, excusas muy socorridas por directores torpes, para conseguir sumir al espectador, durante su ideal hora y media de duración, en una sencilla y humilde, pero muy efectiva intriga.
ISLA DE PERROS (Isle of Dogs, Wes Anderson, 2018)
- USA. Duración: 101 min. Guion:Wes Anderson (Historia: Wes Anderson, Roman Coppola, Kunichi Nomura, Jason Schwartzman) Música: Alexandre Desplat Fotografía: Tristan Oliver Productora: American Empirical Pictures / Indian Paintbrush / Scott Rudin Productions / Studio Babelsberg Género: Fantástico
Reparto (en su versión original): Scarlett Johansson, Bryan Cranston, Tilda Swinton, Edward Norton, Bill Murray, Yoko Ono, Harvey Keitel, Frances McDormand.
- Sinopsis: El archipiélago japonés dentro de veinte años. Un brote de fiebre canina se propaga por la ciudad de Megasaki. La gripe canina amenaza ahora con infectar a las personas. El alcalde Kobayashi de la Prefectura Uni dicta la expulsión y cuarentena de todos los canes, tanto callejeros como domésticos. Por decreto oficial, la Isla Basura se convierte en la isla del exilio. La Isla de perros.
- Seis meses después, una avioneta de un solo motor impacta en la isla. Una pandilla de cinco canes hambrientos pero resueltos descubren al piloto de doce años de edad deambulando desorientado entre los restos calcinados de la nave. Se trata del joven Atari, el pupilo del alcalde Kobayashi. Con la ayuda de sus nuevos amigos perrunos, Atari emprende la búsqueda de su perro, Spots – y entretanto expone una conspiración que amenaza con acabar con todos los perros de Megasaki de una vez y por todas.
- Premios: Festival de Berlín: Mejor director 2018
Tras inaugurar el Festival de Berlín, donde fue recibida de manera un tanto tibia, por fin tenemos ocasión de disfrutar en nuestras pantallas de este hermoso delirio visual. Todo un goce para los sentidos con el que Wes Anderson nos asoma, en la que es su novena cinta y segunda de animación, a un universo en el que texturas cyberpunk se funden con leyendas ancestrales, algo que Alexandre Desplat traslada a la partitura, combinando música industrial con folklore japonés en el que prima la percusión.
“Queríamos hacer algo medio futurista, y se nos ocurrió la idea de una película en torno a los perros. Siempre me han llamado la atención los perros que viven entre los vertederos, la construcción de un mundo a partir de perros abandonados como telón de fondo” , explica Anderson. «El contexto japonés se debe a que queríamos hacer algo realizado con su cine. Quiero decir, que todos amamos Japón, y queríamos hacer algo realmente inspirado por las películas japonesas, por lo que acabamos mezclando la peli de perros con el elemento japonés. A nuestro modo de ver las referencias abarcan todo un abanico de realizadores japoneses, a la vez que celebran la cultura japonesa, pero sin duda la mayor influencia cinematográfica se debe a Kurosawa”
Combinación de stop-motion y animación digital, Wes Anderson consigue dotar a sus personajes, caninos en su mayoría, de una gran personalidad y humanidad. De hecho, la evolución centenaria de la animación stop-motion ha sido mucho más creativa que técnica. Poco ha cambiado en su esencia. Mediante cámaras digitales y ordenadores el proceso es más fluido, pero sigue siendo cuestión de rodar movimientos minúsculos de objetos tridimensionales fotograma a fotograma, en un proceso meticuloso que sin embargo genera vida palpable. Por lo que los grandes cambios se deben más al contenido, a la clase de historias que se cuentan, llevando la imaginación humana al límite.
Al tono lúgubre y casi apocalíptico de la narración, el director y guionista sabe añadir humor, ternura y una evidente denuncia ecológica, criticando cómo somos capaces de dar la espalda a lo que ya nos ha dejado de ser útil, desterrándolo en una isla. En un vertedero. Ya sean objetos o seres vivos. Como comenta Jeremy Dawson, productor del filme, “Isla de perros tiene comedia, drama, pero también el gran alcance de una travesía épica. Queríamos esa amplitud de mira, el alcance y aventura de las películas de los samuráis. Es una gran película en todos los sentidos, pero sus temas son básicos y sencillos, con los que todo espectador podrá identificarse”.
Para Serendipia, Isla de perros es una de las más lúcidas e inteligentes propuestas cinematográficas de este año. No apta para menores, pues hablamos de animación para adultos, y especialmente indicada para los que preferimos el cariño de la compañía canina a la indiferencia felina.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 13 de abril de 2018
ALMA MATER (Insyriated, Philippe Van Leeuw, 2017)
- Bélgica. Duración: 87 min. Guion: Philippe Van Leeuw Música: Jean-Luc Fafchamps Fotografía: Virginie Surdej Productora: Altitude 100 Production / Liaison Cinématographique Género: Drama
- Reparto: Hiam Abbass, Diamand Bou Abboud, Juliette Navis, Mohsen Abbas
- Premios:
-
2017: Festival de Berlín: Premio del Público (Sección Panorama)2017: Festival de Copenhague: Premio del Público2017: Festival de Sevilla: Premio del Público
- Sinopsis: Oum Yazan (Hiam Abbass) es madre de tres hijos. La familia resiste escondida en su piso en una ciudad de Siria. Con coraje, se organizan cada día para continuar viviendo a pesar de las penurias y el peligro, y, por solidaridad, acogen a Halima y Karim, una pareja de vecinos y su recién nacido. Dudando entre huir o quedarse, afrontan el día a día con esperanza. Una mañana, Karim sale de casa y suena un disparo.
Surtsey Films sigue apostando por distribuir en nuestras salas un cine arriesgado y necesario, como es el caso de Alma Mater, una película que muestra otra cara de los conflictos bélicos. Aunque su acción está situada en Siria, su argumento y protagonistas servirían igual para cualquier guerra, pues Alma Mater nos habla de la cotidianidad, de lo importante que es mantenerla aunque haya sido destruída. De como la determinación femenina es capaz de hacer que, en medio de tiroteos con el sonido de sirenas y bombas como fondo, se mantenga el orden y la disciplina cotidiana para evitar perder la cordura en medio de la locura.
La acción se desarrolla en el claustrofóbico piso en el que mujeres y niños están confinados. Un microcosmos que obedece a una jerarquía en cuya cima se encuentra Oum (Hiam Abbass), la madre, que no quiere abandonar su hogar. Protectora y severa. Dulce y fuerte. Frágil en la intimidad. Mientras en el exterior acechan francotiradores y explosiones, algunas muy cercanas.
Una realidad de visillos corridos, de pasillos oscuros, de racionamiento, de lágrimas que el director nos muestra siguiendo, a veces, a los personajes, de una habitación a otra, de un universo a otro. De una generación a otra. Y sin olvidar el terror, el auténtico terror. Desolador.
Lo mejor y lo peor del ser humano se muestra en un solo día, lo que dura la acción de Alma Mater. Un día en el que se busca la monotonía, pero durante el que todo puede cambiar. Todo se puede acabar.
PROYECTO RAMPAGE (Rampage, Brad Peyton, 2018)
USA Duración: 107 min. Guion: Ryan Engle, Ryan Condal, Carlton Cuse Música: Andrew Lockington Fotografía: Jaron Presant Productora: New Line Cinema / Wrigley Pictures Género: Acción
Reparto: Dwayne «The Rock» Johnson, Jeffrey Dean Morgan, Malin Akerman,Joe Manganiello, Naomie Harris, Marley Shelton, Jake Lacy, Jack Quaid,Breanne Hill, Matt Gerald, P.J. Byrne, Destiny Lopez, Jason Liles, James Sterling,Michael David Yuhl, Allyssa Brooke, Daniel Craig Baker, Anthony Collins,Laura Distin, Giota Trakas, Mac Wells, Pete Burris, Brad Spiers
Sinopsis: El primatólogo Davis Okoye (Johnson), un hombre que mantiene las distancias con otras personas, tiene un sólido vínculo con George, el extraordinariamente inteligente gorila de espalda plateada al que ha estado cuidando desde que nació. Pero cuando un experimento genético sale mal, este apacible simio se convierte en una enorme y embravecida criatura. Para empeorar más las cosas, pronto se descubre que existen otros animales con la misma alteración. Cuando estos depredadores alfa recién creados arrasan Norteamérica destruyendo todo lo que interpone en su camino, Okoye se une a un ingeniero genético sin prestigio para conseguir un antídoto y se abre paso en un cambiante campo de batalla, no solo para frenar una catástrofe mundial sino para salvar a la aterradora criatura que una vez fue su amigo.
De
nuevo un video juego adaptado a la pantalla cinematográfica y de manera que no engaña a nadie: un culturista y simpático héroe de acción se las tendrá que ver con tres animales mutantes gigantes que, enloquecidos, pisotearán Chicago ¿Conseguirá nuestro héroe detenerlos?: pues claro ¿Qué esperaban? pero no sin antes ofrecer un espectáculo en el que primará la acción, sazonada con unas gotas de ciencia-ficción y pequeñas dosis de horror y humor, dando como resultado una entretenida película que si peca de algo es de resultar un tanto desmesurada en su -agotadora- conclusión.
Dwayne «The Rock» Johnson es un tipo que no cae especialmente mal, sobre todo por dar la sensación de no tomarse demasiado en serio a sí mismo, algo sano y que, si bien funcionó mejor en la reciente adaptación de Jumanji, también lo hace aquí. La cinta cuenta, además, con el esperado despiporre de teconología digital. Pero es que ha pasado mucho tiempo desde que Bob Burns, entre otros, vivía de alquilarse, él y su traje de gorila, para el cine. Es necesario hacer creíble al gorila albino del filme, pieza fundamental en el mismo, y eso es algo que se consigue sobradamente en Proyecto Rampage.
Así que lo que esta cinta nos propone es puro entretenimiento a base de tipos duros, personajes arquetipos, monstruos mutantes gigantes, oscuros intereses comerciales (los malos de la función) y mucha, mucha acción. Y bien enhebrada con dosis de Kaiju Eiga y notorios pantallazos al más inmortal mono gigante que ha dado el cine, pero con la diferencia de que en lugar de bella, lo que tenemos es una historia de colegueo entre orila gigante y cuidador, con chistes privados incluídos.
LA CASA TORCIDA (Crooked House, Gilles Paquet-Brenner, 2017)
Reparto: Glenn Close, Terence Stamp, Christina Hendricks, Gillian Anderson, Max Irons,Stefanie Martini, Amanda Abbington, Julian Sands, John Heffernan,Roger Ashton-Griffiths, Christian McKay, Honor Kneafsey, Preston Nyman,Jenny Galloway, David Cann
UK Duración: 115 min. Guion: Julian Fellowes (Novela: Agatha Christie) Música: Hugo de Chaire Fotografía: Sebastian Winterø Productora: Brilliant Films / Fred Films Género: Intriga
Sinopsis: Tras la muerte del adinerado patriarca griego Aristide Leónides en extrañas circunstancias, su nieta Sophia (Stefanie Martini) acude desesperada a Charles Hayward (Max Irons), un detective privado con el que mantuvo una relación, para que visite la residencia familiar e investigue el caso. Allí le esperan tres generaciones de la multimillonaria dinastía Leónides y un venenoso ambiente cargado de amargura, resentimiento y envidia. Las pistas y motivos hacen pensar que cualquiera podría ser sospechoso del crimen y Charles deberá trabajar a contrarreloj para descubrir al asesino antes de que vuelva a matar.
Agatha Christie, autora de algunas de las novelas de misterio más famosas de la Historia de la Literatura como Asesinato en el Orient Express, Diez Negritos o Muerte en el Nilo, presenta en esta intrigante historia a una familia envenenada por sus propias mentiras y retorcidas conspiraciones. Agatha Christie afirmó que “escribir La casa torcida fue un placer de principio a fin, y me atrevo a decir que es una de mis mejores obras”. Booket (Planeta) lanzará la versión de bolsillo de la novela el próximo 5 de abril.
El director francés Gilles Paquet-Brenner, ganador del premio al mejor director por La llave de Sarah en el Festival Internacional de Cine de Tokyo, es el encargado de dirigir el guion adaptado por el escritor y guionista Julian Fellowes, ganador del Oscar por Gosford Park y creador de la serie Downton Abbey.
LA CASA TORCIDA está protagonizada por la nominada seis veces a los premios Oscar y ganadora de dos Globos de Oro Glenn Close, la ganadora de un Globo de Oro Gillian Anderson («Expediente X», «The Fall»), la nominada a seis premios Emmy Christina Hendricks (“Mad Men”), Max Irons (The Host) y Stefanie Martini (“Doctor Thorne”) entre otros.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 6 de abril de 2018 *
VERANO DE UNA FAMILIA DE TOKIO (Kazoku wa tsuraiyo 2, Yôji Yamada, 2017)
Japón. Duración: 113 min. Guion: Emiko Hiramatsu, Yôji Yamada Música: Joe Hisaishi Fotografía: Masashi Chikamori Productora: GyaO/Hakuhodo DY Media Partners / Hakuhodo / Kinoshita Komuten / Kôdansha / Yomiuri Shimbun / Shochiku Company / Sumitomo Corporation Género: Comedia
Reparto: Satoshi Tsumabuki, Yû Aoi, Kazuko Yoshiyuki, Yui Natsukawa, Isao Hashizume,Takashi Sasano, Masahiko Nishimura, Jun Fubuki, Nenji Kobayashi,Tomoko Nakajima, Yuriko Hirooka, Kôen Kondô, Tsurube Shôfukutei,Fujita Okamoto, Katsumi Kiba, Shôzô Hayashiya, Jiro Dan, Masayasu Kitayama,Yûki Tokunaga, Ayumu Maruyama, Takanosuke Nakamura
Sinopsis: Mientras su mujer viaja con unas amigas para ver la aurora boreal, el abuelo aprovecha para retomar antiguas amistades y rememorar viejos tiempos. Después de un pequeño accidente de circulación sin importancia se desatará el caos en la familia Hirata. Sus hijos se reunirán para intentar que deje de conducir pero el abuelo no se lo pondrá fácil. Así que con la ayuda de su mujer y de sus hermanos organizan un plan para quitarle el carnet de conducir. Pero alguien reaparece en la vida de Shuzo.
Yôji Yamada es su veterano director japonés de prolongada carrera cinematográfica que, tan solo durante este siglo, ha dejado algunas muy interesantes piezas como son Nagasaki: Recuerdos de mi hijo (Haha to kuraseba, 2015) o La casa del tejado rojo (Chiisai Ouchi, 2014), dos magníficos ejemplos de la sensibilidad que este director es capaz de ofrecer en su obra. Amigo también de dirigir largas series (cuenta con una que consta de… ¡46 largometrajes!), realizó en 2016 Maravillosa familia de Tokio, (Kazoku wa tsuraiyo) cinta en la que reunía a los 8 actores de Una familia de Tokio (Tokyo kazoku), ganadora de la Espiga de Oro en Valladolid en 2013, esta vez encarnando a la caótica familia Hirata, que si bien resulta agradable, por su argumento, e incluso por la interpretación del abuelo, su gran protagonista, nos vuelve a retrotraer a los ejemplos más infames de las comedias protagonizadas por Paco Martínez Soria. En todo caso resulta más interesante que la anterior por contener pequeñas dosis de crítica social, por los pintorescos usos y costumbres funerarias japonesas, que dan pié a un agradecido humor negro, y por carecer de los desagradables tonos sexistas que tenía Maravillosa familia de Tokio.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Jueves 29 de marzo de 2018 *
UNA RAZÓN BRILLANTE (LE BRIO) (Yvan Attal, 2017)
Francia. Duración: 95 min. Música: Michael Brook Fotografía: Rémy Chevrin Productora: Chapter 2 / France 2 Cinema / Moonshaker / Nexus Factory / Pathé Productions Ltd / Umedia Género: Comedia dramática
Reparto: Daniel Auteuil, Yasin Houicha, Camélia Jordana, Nozha Khouadra, Jean-Baptiste Lafarge, Virgil Leclaire.
Sinopsis: Neïla Salah (Camélia Jordana) es una joven del extrarradio parisino que sueña con ser abogada. Se ha matriculado en la facultad de Derecho más importante de París, pero el primer día de clase Neïla tiene un enfrentamiento con Pierre Mazard (Daniel Auteuil), un profesor conocido por ser provocativo y por hablar fuera de tono. Para redimirse y por orden del director del centro, se le propone al profesor que ayude a Neïla a preparar una importante prueba a nivel nacional. Aunque cínico y exigente, Pierre sería la ayuda ideal que Neïla está necesitando… Pero para ello tendrán que empezar los dos por superar una serie de prejuicios.
El coronel Pickering da el mismo trato distinguido a una florista que a una dama, el amigo de Henry Higgins es también su antítesis, porque Higgins también trata igual a una dama que a una florista, pero en su caso la equivalencia viene porque se dirige a ambas con la misma desconsideración. Higgins es un cínico que parece rayar casi la misantropía, sin embargo Liza Doolitle no hubiera podido tener mejor profesor porque su hacer desconsiderado esconde, en verdad, un concepto democrático de la educación, todos pueden alcanzar gracias a ella el mismo status. Si traigo a colación los personajes de Bernard Shaw, es porque su espíritu sobrevuela el trabajo de Yvan Attal, Una razón brillante puede ser vista como una revisión del mito de Pigmalion, nos encontramos con una joven arrabalera con una intensa voluntad de superación que topará en su camino con un hosco profesor que, pese a su cinismo y sus maneras hirientes (o quizás gracias a ello), sacará de ella lo mejor de sí misma.
Estamos ante un filme donde lo que más brilla son los caracteres que definen a sus personajes y la química que destila su interacción, una cinta de réplicas ágiles e ingeniosas, con una cámara entregada al duelo de sus protagonistas en el que sus interpretes lucen radiantes dando su mejor registro. En una película de este cariz el papel de los actores es fundamental y no se podría haber contado con mejor pareja que la que forman el veterano Daniel Auteuil y la joven cantante Camelia Jordana, que recibiría por su trabajo en esta película el Cesar a la Mejor Actriz Revelación. ¿Qué decir de Auteuil? Nada parece fuera de su alcance, es uno de esos actores capaces de abordar todo tipo de rol, en sus manos el cínico Pierre Mazard se manifiesta como un hombre sagaz, de inteligencia sobresaliente, que, sin embargo, es incapaz de relacionarse con los demás sin esa máscara de sarcasmo, sin ese tono despectivo de quien parece creer estar por encima de los demás, pero lo mejor de su interpretación es que el actor sabe hacernos notar que bajo su mordacidad se esconde un alma sensible que, en verdad, adopta esa postura casi como protección. Pierre Mazard encuentra en Neïla Salah su horma, la joven no conoce el desaliento ni se deja anular, la brusquedad del profesor parece estimularla y tiene siempre preparada la contraofensiva. Jordana ofrece una interpretación llena de matices, el suyo es uno de esos trabajos en el que la actriz desaparece detrás del personaje estando, como está, tan presente su arte.
Tampoco falta la tesis en Una razón brillante. El suyo es un mensaje optimista pues nos dice que, pese a todas las cortapisas que ponen los prejuicios, pese al peso del ambiente, nada está predeterminado, nada condiciona de tal modo que no podamos salir del puesto en el que parecía habernos colocado la parrilla de salida. La idea que se afirma con convicción es que la educación siempre será capaz de cambiar nuestro destino.
EL JUSTICIERO (Death Wish, Eli Roth, 2018)
USA. Duración: 107 min. Guion: Joe Carnahan, Wendell Mayes (Novela: Brian Garfield) Música: Ludwig Göransson Fotografía: Rogier Stoffers Productora: MGM / Cave 76. Distribuida por Annapurna Pictures Género: Acción
Reparto: Bruce Willis, Vincent D’Onofrio, Elisabeth Shue, Dean Norris, Kimberly Elise,Beau Knapp, Mike Epps, Jack Kesy, Ronnie Gene Blevins, Ian Matthews,Melantha Blackthorne, Nathaly Thibault, Alex Zelenka, Sway, Dawn Ford
Sinopsis: Paul Kersey (Bruce Willis) es un famoso cirujano que vive felizmente con su familia en Chicago. Un día, su esposa (Elisabeth Shue) y su hija (Camila Morrone) son brutalmente atacadas en su casa. Paul, que siempre había sido un tipo tranquilo, siente cómo la sed de venganza va apoderándose de él. Con la policía sobrecargada de crímenes, decide tomar la justicia por su mano e ir en busca de los agresores de su familia y de paso enfrentarse a todo tipo de criminales que se cruzan en su camino.
A medida que sus víctimas captan la atención de los medios, la ciudad se pregunta si este vengador es un ángel guardián… o un ángel justiciero.
Charles Bronson hacía, allá por los setenta, lo que a muchos nos hubiera gustado hacerle al abusón del colegio en El justiciero de la ciudad (Death Wish, Michael Winner, 1974), una película áspera y dura que con posterioridad fue tachada de fascista. En la cinta, Paul Kersey, el personaje que interpretaba Bronson con una inexpresividad que le iba de perlas, encarnaba a un arquitecto muy cabal que deja de serlo cuando unos ladrones matan a su mujer. Como el sistema no hace justicia, decide hacerla él mismo, cargándose, de paso, a cuanto pendenciero se cruza en su camino.
Bastante más tarde llegaron varias secuelas de la original, así como copias, muchas copias, las cuales fueron a parar directamente a los estantes de los videoclubs… hasta ahora, que el bueno de Eli Roth se atreve a meterle mano a esta historia. Y bajo nuestro punto de vista lo ha hecho de forma bastante inteligente, pues ha actualizado la forma, que no el fondo, adaptándola a estos tiempos de telefonía móvil, cámaras omnipresentes y compra-venta libre de armas. Sin tomar partido, Roth nos narra la historia, le pone unas gotas de humor, sobre todo en ese gore descarnado, poco, pero bienvenido, ideal para desengrasar el drama, y nos cuenta, de la mano del simpático y siempre eficaz Bruce Willis, una historia de venganza que muchos tacharán de reaccionaria, más que nada porque ya se escribió en su momento en algún sitio y es tradición en estos tiempos copiar-pegar lo que otro dicen.
A Serendipia le ha parecido una propuesta hasta saludable, y más en estos tiempos injustos en los que ladrones con acta de diputado dilapidan las arcas del Estado, dando la sensación de que cuanto más roban menos tiempo se pasan en presidio (si lo llegan a pisar), mientras enarbolan la bandera de la cadena perpetua, perdón, prisión permanente revisable para los delitos de sangre.
Además de Bruce Willis, Vincent D’Onofrio (Los siete magníficos), Elisabeth Shue (Leaving Las Vegas), Camila Morrone, Dean Norris (Breaking Bad) y Kimberly Elise (El gran debate), completan el reparto. Una propuesta ideal para los que pasarán este Vía Crucis en su ciudad.
EL CLUB DE LOS BUENOS INFIELES (Luis Segura, 2018)
España. Duración: 85 min. Guion: Luis Segura Música: Maikmaier Fotografía: Miquel Prohens Productora: WKND / Casual Films / Escándalo Films
Reparto: Fele Martínez, Jordi Vilches, Hovik Keuchkerian, Raúl Fernández, Eszter Tompa,Juan Manuel Cifuentes, Albert Ribalta, Adrián Lastra
El Club de los buenos infieles representa un soplo de aire fresco en estos tiempo de corrección política. Se trata de una muy saludable comedia, una gran broma que provocará críticas encendidas entre ciertos sectores. Y, tan solo es, repetimos, una comedia. Una gamberrada muy bien dirigida con estructura de falso documental que consigue sobradamente su objetivo, entretener y, sobre todo, resultar divertida. Aunque sin ocultar cierto regusto amargo, pues toda broma, toda burla, oculta tras de sí una gran verdad.
Todos los actores del elenco se mueven como pez en el agua durante la narración, pero como es habitual, es Jordi Vilches, con su innegable vis cómica, el que despierta más risas. La comedia está interpretada, además, por Raúl Fernández de Pablo, Hovik Keuchkerian, Juanma Cifuentes, Albert Ribalta y Fele Martínez, que realiza una eficaz nueva lectura de la escena más famosa de Cuando Harry encontró a Sally (When Harry Met Sally…, Rob Reyner, 1989).
Esta especie de retorno al cine desarrollista de los setenta, de ligones casados y maduritos atacando, cubata en ristre, a cuanta fémina solitaria se cruza en su camino, tendrá su final, más o menos moralizante, para que nadie se escandalice, aunque con dosis de disparate de por medio.
Ópera prima de Lluís Segura, con guión del propio director junto a Enric Pardo (Todas las chicas besan con los ojos cerrados, La vida es corta y luego te mueres) El Club de los buenos infieles es una agradable sorpresa, una gran broma, sí, pero toda una temeridad en estos tiempos que corren, en los cuales todo lo que se dice, se hace y se escribe, se coge con pinzas y se analiza bajo el prisma de la corrección política. Repitan conmigo: Es solo una comedia; Es solo una comedia; Es solo una comedia…
READY PLAYER ONE (Steven Spielberg, 2018)
USA Duración: 140 min. Guion: Ernest Cline, Zak Penn (Novela: Ernest Cline) Música: Alan Silvestri Fotografía: Janusz Kaminski Productora: Warner Bros. / Amblin Entertainment / De Line Pictures / Village Roadshow Pictures / Reliance Entertainment Género: Ciencia Ficción
Reparto: Tye Sheridan, Olivia Cooke, Ben Mendelsohn, Mark Rylance, Simon Pegg,T.J. Miller, Hannah John-Kamen, Win Morisaki, Philip Zhao, Julia Nickson,Kae Alexander, Lena Waithe, Ralph Ineson, David Barrera, Michael Wildman,Lynne Wilmot, Carter Hastings, Daniel Eghan
Ready Player One plantea a quien esto escribe unos sentimientos encontrados más allá de la película o de la historia en sí, por otra parte impecablemente narrada, como es (casi) habitual en Spielberg. Lo que vemos en pantalla sucede en 2045, algo por lo tanto muy cercano. No es un futuro de trajes plateados y pulcritud; como tampoco un erial apocalíptico. La vida sigue, si, pero es tan sumamente sórdida y gris que todo el mundo dispone de unas gafas de realidad virtual, con las que vive una existencia paralela en un universo imaginario, un juego llamado Oasis (¿lo cogen?), para el cual todos hemos creado un avatar. Al ser un universo creado, en parte, por los usuarios, muchos de los avatares forman parte de la cultura pop más rabiosa, por lo tanto el espectador puede distraerse buscando seres y personajes conocidos algo, que sin lugar a duda, conforma uno de los atractivos de este Ready Player One. Pero no es el único, otro de ellos será el meterse en una de sus películas favoritas pero, no nos distraigamos de lo que queremos contar, ni contemos más de la cuenta. Hablábamos de vivir una existencia virtual con una personalidad virtual en un mundo también virtual: ¿El resultado? pues lo que, sabiamente, expresa uno de los personajes del filme: «solo ves lo que quiero que veas; solo sabes lo que quiero que sepas». ¿Les suena esta actitud? Pues eso es lo que hasta cierto punto apenó a Serendipia, el ver que lo que nos cuenta esta historia no es, ciertamente, el futuro. Hablamos del ahora. Tan solo hace falta que los medios terminen de perfeccionarse.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 23 de marzo de 2018 *
THELMA (Joachim Trier, 2017)
Noruega-Francia-Dinamarca-Suecia. Duración: 116 min. Guion: Joachim Trier, Eskil Vogt Música: Ola Fløttum Fotografía: Jakob Ihre Productora: Motlys / Eurimages / Film I Väst / Le Pacte / Nordic Film och TV Fund / Norwegian Film Institute / Snowglobe Films Género: Fantástico
Reparto: Eili Harboe, Ellen Dorrit Petersen, Okay Kaya, Henrik Rafaelsen
Premios
Eili Harboe da cuerpo a Thelma, una joven de severa formación católica que por primera vez debe separarse de sus padres cuando empieza la universidad. Joachim Trier regresa a sus tierras nórdicas para traernos esta cinta que en parte podríamos definir como un singular cruce del Bergman de Fanny y Alexander (1982) y el Stephen King de Carrie. La película advierte en su cabecera de que contiene imágenes centelleantes que pueden provocar ataques epilépticos y no advierte en vano, así nos aproxima el director, casi experimentalmente, a las sensaciones vividas por la protagonista. Thelma llama cada día a sus padres, habla con su padre de hecho, la figura más severa, y les cuenta todo lo que experimenta, por su formación nunca ha probado el alcohol, ni el tabaco, ni casi ha frecuentado amigos, es por eso que todo lo que le ocurre en la universidad, todos los mundos que conoce, causan en ella una honda impresión, un sentimiento ambivalente que se refuerza con esa llamada diaria. Por una parte su nueva vida la llena de sensaciones atractivas, por otra, entran en conflicto con su educación, todo se complicará además cuando conozca a Anja (Kaya Wilkins) y sienta por ella una atracción más allá de la amistad. La respuesta de la joven es física, cada nuevo conflicto le provoca unos ataques nerviosos muy similares a la epilepsia y, mientras tanto, extraños fenómenos se suceden. La búsqueda de un diagnóstico la llevará a una investigación sobre sí misma que la hará descubrir cosas sobre su familia que le han sido ocultadas y, a la vez, aprenderá sobre su poder, su fuerza sobrenatural. Thriller psicológico de tempo pausado, uno teme que la vertiente fantástica resulte ambigua al final, pero no, Trier sostiene su apuesta sobrenatural y nos acaba ofreciendo uno de los títulos más sólidos de los que se ofrecieron durante la pasada edición del festival de Sitges, no en vamo se alzó con un premio especial del jurado (lo que es lo mismo que decir que gran parte del jurado se inclinó ante esta cinta en lugar de la ganadora), así como al mejor guión. Todo un nuevo enfoque del género en esta cinta plenamente de autor ¿estará tranformándose el fantástico? De momento dejo la pregunta meramente formulada.
GRINGO. SE BUSCA VIVO O MUERTO (Gringo, Nasch Edgerton, 2017)
USA. Duración: 110 min. Guion: Matthew Stone, Anthony Tambakis Música: Christophe Beck Fotografía: Eduard Grau Productora: Blue-Tongue Films / Denver and Delilah Productions / Amazon Studios / Double Barrel VFX / Pictures in a Row Género: Thriller
Reparto: David Oyelowo, Joel Edgerton, Charlize Theron, Amanda Seyfried, Thandie Newton,Sharlto Copley, Harry Treadaway, Michael Angarano, Alan Ruck, Paris Jackson,Kenneth Choi, Yul Vazquez, Melonie Diaz, Diego Cataño, Hector Kotsifakis,Charles E Tiedje, Carlos Corona, Rodrigo Corea
Sinopsis: Harold (David Oyelowo) es un ejecutivo de una importante compañía farmacéutica estadounidense que debe viajar a México por trabajo. Allí descubre que su laboratorio colabora con los narcos en la comercialización del Cannabax, una nueva droga sintetizada a partir de la marihuana. Entre sus feroces jefes, los narcos, mercenarios internacionales y la policía persiguiéndole, Harold pasará de ser un ciudadano ejemplar a un desafortunado delincuente.
Un reparto de lujo para esta cinta multigénero en la que predomina la comedia protagonizada por David Oyelowo, cuyas aventuras y desventuras traen a la memoria embrollos protagonizados por Eddie Murphy o Richard Pryor.
Mezcla explosiva de comedia y acción, Gringo. Se busca vivo o muerto, cuenta con la participación de Joel Edgerton, Sharlto Copley y una explosiva Charlice Theron, dirigidos por Nash Edgerton, quien debutó en la dirección con el aclamado thriller australiano The square (2008).
Entretenida, muy loca y repleta de balas, quizás le falta acelerar algo más su ritmo para resultar endiabladamente redonda, pero en cualquier caso es una propuesta recomendable.
EL AVISO (Javier Carpalsoro, 2018)
España. Guion: Jorge Guerricaechevarría, Chris Sparling (Novela: Paul Pen) Fotografía: Sergi Vilanova Productora: Morena Films / Tormenta Films Género: Thriller
Reparto: Raúl Arévalo, Aura Garrido, Sergio Mur, Belén Cuesta, Luis Callejo, Aitor Luna,Julieta Serrano, Antonio Dechent, Juan López-Tagle, Hugo Arbués
Sinopsis: Nico, un niño de diez años, recibe una carta con una amenaza de muerte, pero nadie en su entorno parece creerle. Jon (Raúl Arévalo), un joven obsesionado con los números, investiga una serie de muertes ocurridas a lo largo de los años en el mismo lugar y que parecen tener un patrón en común. Descifrar esta secuencia es lo único que podrá salvar a Nico.
Tras triunfar en su debut como director en Tarde para la ira, Raúl Arévalo regresa como actor en El aviso, donde interpreta a un joven obsesionado con las matemáticas y con un enigma que puede salvar la vida de un niño. De rostro inexpresivo su interpretación queda, en parte, compensada por la presencia de Aura Garrido, que junto a, entre otros, Belén Cuesta y Antonio Dechent, completan el reparto.
En palabras del director: “El aviso avanza con ritmo y decisión desvelando a unos personajes únicos que se enfrentan en universos paralelos a la misma situación. Los giros de guion y las sorpresas están servidas en este thriller de intriga donde nada es lo que parece, y, donde los sentimientos de amor y desesperación se entrecruzan creando una tela de araña cargada de emociones”.
Con guión de Jorge Guerricaechevarría y Chris Sparling, a partir de la novela homónima de Paul Pen, se sentirán defraudados los que intuyan en esta cinta un thriller policíaco, pues su argumento, del que cuanto menos sepan mejor para su disfrute, esconde una paradoja espacio-temporal con tintes fantásticos de lo más saludable como inédita en nuestro cine.
PETER RABBIT (Will Gluck, 2018)
USA/Australia. Duración: 95 min. Guion: Will Gluck, Rob Lieber (Libros: Beatrix Potter) Música: Dominic Lewis Fotografía: Peter Menzies Jr. Productora: Sony Pictures Animation / Animal Logic Entertainment / Olive Bridge Entertainment / Animal Logic / Columbia Pictures Género: Comedia de animación.
Reparto: Con las voces originales de Domhnall Gleeson, Rose Byrne, Sam Neill, Sia, Bernardo Santos,Deborah Rock, Jill Buchanan, Vauxhall Jermaine, Ty Hurley Margot Robbie,Daisy Ridley, Elizabeth Debicki, James Corden
Sinopsis: Adaptación del cuento clásico de Beatrix Potter de un conejo rebelde que intenta colarse en el codiciado huerto de Thomas McGregor (Domhnall Gleeson) y que contará con el afecto de la cariñosa amante de los animales que vive al lado (Rose Byrne).
Peter Rabbit, la primera adaptación para la gran pantalla del clásico inglés de Beatrix Potter, es una mezcla perfecta de animación y live-action que consigue sorprender al espectador por su buena factura. Pero además de su perfección técnica, la película de Will Gluck se beneficia de un divertido guión, muy gamberro y dinámico, a lo que se suma un conjunto de expresivos personajes, lo que en conjunto consigue que la cinta sea apta para toda la familia, así los padres tendrán un perfecta excusa para reírse a carcajadas junto a los más pequeños.
Protagonizada en su, recomendable, versión original por Rose Byrne y Domhnall Gleeson y producida por Animal Logic, el estudio australiano de producción de animación y efectos especiales (La Lego Película), la cinta cuenta con las voces en castellano de Dani Rovira en el papel de Peter, y las actrices Belén Cuesta y Silvia Abril como las mellizas Pelusa y Pitusa.
Una tan divertida como refrescante propuesta.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 16 de marzo de 2018 *
PERDIDO (Mon garçon, Christian Carion, 2017)0Francia Duración: 84 min. Guion: Christian Carion Música: Laurent Perez del Mar Fotografía: Eric Dumont Productora: Nord-Ouest Production Género: Drama
Reparto: Guillaume Canet, Mélanie Laurent, Olivier de Benoist, Marc Robert
Sinopsis: Cuenta la historia de Julien (Guillaume Canet), un hombre muy ocupado que hace numerosos viajes por África, Sudamérica y Oriente Medio. La pasión que siente por su trabajo le ha distanciado de sus seres queridos. Hace tres años que se divorció, y desde entonces ha visto a su hijo de 7 años en contadas ocasiones. Pero cuando este desaparece, se ve obligado a aparcar su vida profesional y comienza a descubrir muchas cosas sobre su exmujer (Mélanie Laurent) y su hijo. Un terrible sentimiento de culpa le invade, y decide encontrar a su hijo, cueste lo que cueste…
Rodada en dos semanas por Christian Carion y protagonizada por Guillaume Canet y por Mélanie Laurent , Perdido es una cinta que juega al engaño con el público. Pero considerando este engaño, este juego, como algo positivo. No en vano incluso el propio Canet, que interpreta al padre del niño desaparecido, tampoco conocía el guión y se encontraba inmerso en la historia sin saber como terminaría.
La película parte como drama familiar compartiendo ciertas similitudes con la reciente y devastadora Sin amor (Nelyubov, Andrey Zvyagintsev, 2017), con una pareja divorciada en la que el hijo, desaparecido en extrañas circunstancias, suponía un equipaje, una carga que parecía no tener espacio en la nueva vida de ambos. Pero aquí terminan los parecidos entre ambas cintas, pues el registro del filme de Carion cambia y, sin ofrecer explicaciones al público, pasa a ser un contundente y eficiente thriller en el que el propio espectador deberá tomar sus propias conclusiones. Todo un giro inesperado, sorprendente pero no exasperante en esta película de atmósfera seca, gélida y repleta de paisajes desolados en los que todo y nada es posible.
EL INSULTO (L’insulte, Ziad Doueiri, 2017)
Líbano/Bélgica/Chipre/Francia/USA. Duración: 110 min. Guión: Ziad Doueiri y Joelle Touma Música: Éric Neveux Fotografía: Tommaso Fiorilli Productor: Ezekiel Films / Scope Pictures / Tessalit Productions / Rouge International / Cohen Media Group / Ciné+ / Douri Films / CNC / L’Aide aux Cinémas du Monde / Canal+ Género: Drama
- Reparto: Kamel El Basha, Christine Choueiri, Adel Karam, Camille Salameh, Rita Hayek,Talal Jurdi, Diamand Bou Abboud, Rifaat Torbey, Carlos Chahine, Julia Kassar
- Sinopsis: Toni, cristiano libanés, riega las plantas de su balcón. Un poco de agua se derrama accidentalmente en la cabeza de Yasser, palestino y capataz de una obra. Entonces estalla una pelea. Yasser, furioso, insulta a Toni. Él, herido en su orgullo, decide llevar el asunto ante la justicia. Comienza así un largo proceso en el que el conflicto tomará una dimensión nacional, enfrentando a palestinos y cristianos libaneses.
La intransigencia causada por la rabia acumulada en el interior por viejos conflictos y antiguas heridas no cicatrizadas motivará que un incidente, del todo banal, se convierta en un problema que se complicará aún más cuando los poderes judiciales, políticos y religiosos quieran sacar partido. El papel de la mujer en este drama será el de apagafuegos, el de mediadora en los conflictos con el simple ejercicio de ponerse en el lugar del otro, pero el futuro, representado por una niña que está a punto de nacer, correrá peligro. Afortunadamente, la cinta, sin revelar más de lo que debería, deja una rendija abierta a la esperanza.
LA TRIBU (Fernando Colomo, 2018)
España. Duración: 90 min. Guion: Fernando Colomo, Yolanda García Serrano, Joaquín Oristrell Música: Vicente Ortiz Gimeno Fotografía: Ángel Iguacel Productora: Atresmedia Cine / Mod Producciones / Movistar+ Género: Comedia
Reparto: Carmen Machi, Paco León, Luis Bermejo, Julián López, Bárbara Santa-Cruz,Manuel Huedo, Rebeca Sala, Manel Fuentes, Horacio Colomé, Jorge Asín,Marisol Aznar, Alfonso Lara, Julián Teurlais, Arlette Torres, María José Sarrate,Maite Sandoval, Artur Busquets, Maribel del Pino, Javier Perdiguero
Para Fernando Colomo, “La Tribu es un estallido de vitalidad. Es una película que no tiene edad. La historia de ocho mujeres que se muestran llenas de entusiasmo al practicar baile urbano merecía ser contada”. El director, que cuenta con una filmografía que contiene emblemáticos títulos del cine español como Bajarse al moro, La Vida Alegre, Los Años Bárbaros, Al Sur de Granada o más recientemente Isla Bonita rodó La tribu entre Barcelona y Madrid el pasado verano contando con la colaboración en el guión de Joaquín Oristrell y Yolanda G. Serrano.
1945 (Ferenc Török, 2017)
Hungría. Duración: 91 min. Guion: Gábor T. Szántó, Ferenc Török Música: Tibor Szemzö Fotografía: Elemér Ragályi (B&W) Productora: Katapult Film Género: Drama
Reparto: Péter Rudolf, Tamás Szabó Kimmel, Dóra Sztarenki, Bence Tasnádi, Ági Szirtes,József Szarvas, Eszter Nagy-Kálózy, Iván Angelus
No siempre parece estar justificado el uso de fotografía en blanco y negro. Unas veces se hace como capricho ‘artístico’ del director que, en la mayoría de veces, no consigue disimular la mediocridad de la cinta, pero este no es el caso de 1945, película en la que el blanco y negro está, por muchas y variadas razones, más que justificado. Estamos realizando un viaje al pasado, un pasado próximo pero que muchos todavía identificamos con el blanco y negro de los álbumes fotográficos de nuestros padres o el de las películas de nuestra infancia, muchas de ellas vistas desde un televisor sin color. Ferenc Török nos narra, con una riquísima gama de grises, un episodio de esos que podría permanecer en el olvido. Uno de esos flecos de la historia, de esas cicatrices que permanecen abiertas todavía. Una acción que situada en una pequeña población húngara, podría tranquilamente trasladarse a cualquier pequeño pueblo de la España del 39. O a Bosnia. O… a cualquier lugar en el cual la envidia y la bajeza humana campa a sus anchas cuando la guerra toca a la puerta. Ese «la vida sigue» que se suspende cuando el pasado vuelve y se pasea en comitiva fúnebre, despertando remordimientos en su camino. Caciques que buscan perpetuarse en el poder; la llegada de un nuevo orden comunista; todo tiene lugar en un pequeño lugar de Hungría en el que debería ser un día feliz, pues una joven pareja va a contraer matrimonio. Pero no será así.
La película de Ferenc Török no puede más que considerarse redonda. El director ha construido una intriga amarga y repleta de alegorías visuales en la que nada resulta superfluo. Y ha decidido narrarla con ritmo de western de Sergio Leone, con una tensión in crescendo conforme se va desentrañando el secreto que esconde ese pequeño lugar de Hungría que un día decidió perder la humanidad.
1945 es soberbia. Cine con todas sus letras.
TOMB RAIDER (Roar Uthaug, 2018)
USA. Duración: 122 min. Guion: Geneva Robertson-Dworet, Alastair Siddons (Personaje: Toby Gard) Música: Junkie XL Fotografía: George Richmond Productora: GK Films / MGM / Square Enix / Warner Bros. Género: Aventuras
Reparto: Alicia Vikander, Daniel Wu, Dominic West, Walton Goggins, Kristin Scott Thomas,Alexandre Willaume, Adrian Collins, Hannah John-Kamen, Nick Frost
Al no haber visto las dos entregas de la anterior saga ni jugado nunca al videojuego en el que se basa, tenemos la oportunidad de hablar, sin prejuicio, de esta nueva película -reboot- sobre Lara Croft, la protagonista de la saga Tomb Raider. Y así desde la distancia salta a la vista que hay, al menos, una cosa que distancia a esta Lara Croft de la encarnada por Angelina Jolie, y es que se ha despojado al personaje de su carácter sexy y de su glamour. Y con ello no queremos decir que no posea un gran atractivo Alicia Vikander -que lo tiene-, pero esta nueva Tomb Raider se ha adaptado a lo que demandan los tiempos. Encarnando a una heroína de carne y hueso que grita, llora, pasa miedo y sangra cuando toca. Y sin necesidad de que la historia contenga interés romántico.
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 9 de marzo de 2018 *
LOVING PABLO (Fernando León de Aranoa, 2017)
España/Bulgaria Duración: 123 min. Guion: Fernando Léon de Aranoa (Libro: Virginia Vallejo) Fotografía: Alex Catalán Productora: Escobar Films / B2Y EOOD Género: Drama
Reparto: Javier Bardem, Penélope Cruz, Peter Sarsgaard, Julieth Restrepo, David Ojalvo,David Valencia
Sinopsis: Drama sobre el narcotraficante colombiano Pablo Escobar, basado en el libro ‘Amando a Pablo, odiando a Escobar’ escrito por la periodista colombiana Virginia Vallejo donde cuenta la relación amorosa que mantuvo con el narcotraficante en la década de los 80. Un relato desesperado de una superviviente, sobre la fascinación y el deslumbramiento, pero también sobre la desmesura y el horror.
Fernando León de Aranoa siempre ha sido un director comprometido con lo que ha hecho. Cintas como Familia (1996), Barrio (1998), Princesas (2005) o Amador (2010) dieron a conocer a este realizador que siempre nos ha relatado sus historias, universales, desde la intimidad de las barriadas o desde el corazón del núcleo familiar. En Los lunes al sol (2002), primera ocasión en la que coincidió con Javier Bardem, puso cara a un drama cotidiano como es el de desempleo y la pérdida de la esperanza. A partir de ahí el director ha ido trampeando e internacionalizando su carrera, que parece que podría obtener su merecido espaldarazo definitivo con este crudo vistazo al poder y sus corruptelas. Este lúcido retrato del delincuente como figura de culto, que Aranoa desenmascara como simple hombre de negocios. Sucios, corruptos, ilegales, pero negocios.
Para ello se sirve del relato que escribió la amante del narco, la periodista Virginia Vallejo, encarnada modélicamente en la película por Penélope Cruz y único contrapunto posible para el huracán Bardem, que como Pablo Escobar realiza una proeza, una metamorfosis que lo convierte en el narco de los narcos, y con el que seremos testigos presenciales de la fundación del Cartel de Medellín allá por los ochenta, que junto con el de Cali inundó de cocaína los Estados Unidos. Todo un problema de Estado para la Administración Reagan.
Viviremos la vida al máximo y desde la cima, con Escobar corrompiendo todos los estamentos del poder en Colombia e intentando dar el salto al norte, desde donde le pararán lo pies, pero vendiendo caro su pellejo y convirtiéndose en toda una leyenda.
Una objeción y también recomendación: la versión original es en inglés. Pero la versión en castellano está doblada en idioma español de península y no se han doblado los actores así que… aunque ninguna de las dos opciones son ideales, ya que lo correcto hubiera sido rodarla con los diálogos en español de Colombia, la mejor opción es verla en versión original en inglés ya que la caracterización y la magnífica interpretación de sus protagonistas no se entendería sin escuchar sus voces reales.
WINCHESTER (Michael Spierig, Peter Spierig, 2018)
Australia Duración:99 min. Guion: Michael Spierig, Peter Spierig, The Spierig Brothers, Tom Vaughan Música: Peter Spierig Fotografía: Ben Nott Productora: Blacklab Entertainment / Imagination Design Works Género: Terror
Reparto: Helen Mirren, Jason Clarke, Sarah Snook, Angus Sampson, Emily Wiseman,Laura Brent, Tyler Coppin, Dawayne Jordan, Jeffrey W. Jenkins, Thor Carlsson,John Lobato, Xavier Gouault, Jeff Lipary, Finn Scicluna-O’Prey, Homero Lopez
Sinopsis: A finales del siglo XIX, después de la trágica muerte de su marido y su hijo, Sarah (Helen Mirren) construye una casa-fortaleza (la Mansión Winchester, conocida como la mansión más misteriosa del mundo) con un objetivo: mantener a raya a los espíritus de las personas fallecidas por un rifle Winchester, que, según dice, la visitan con demasiada frecuencia. Eric Price (Jason Clarke) llega allí con el objetivo de psicoanalizar a la señora Winchester, descubriendo que los fantasmas que la atormentan pueden no ser producto de su locura.
Los experimentados hermanos Spierig (Predestination, Saw: Legacy), escriben y dirigen este relato tan fascinante como poco conocido. Para ello recrearán esta historia de fantasmas situada en la Norteamérica de principios del siglo XX. Helen Mirren se meterá en la piel Sarah Winchester, viuda y heredera de la fortuna del inventor del famoso rifle Winchester. Sarah, artífice de la famosa mansión victoriana situada en California y que llevaba su nombre. La casa es todo un laberinto que contaba con con más de 160 habitaciones, escaleras que no llevaban a ninguna parte y puertas que al abrirse descubrían un muro. Y todo estaba diseñado con la intención de esquivar a los fantasmas de las víctimas causadas por la invención de su marido, que acosaban a la viuda.
La película, elegantemente rodada, no puede evitar los tradicionales sobresaltos presentes en toda película moderna de fantasmas que se precie, pero tiene su mejor baza, además de en el diseño de producción y en los magníficos actores, encabezados por Helen Mirren y Jason Clarke, que además de medir el estado mental de la Sra. Winchester deberá exorcizar sus propios fantasmas.
Una producción eficaz que podría haber aprovechado más extraña mansión en sí misma como entidad laberíntica y refugio de espectros.
HISTORIAS DE UNA INDECISA (L’Embarras du choix, Eric Lavaine, 2017)
Francia. Duración: 95 min. Guion: Laure Hennequart, Eric Lavaine, Laurent Turner Fotografía: François Hernandez Productora: Sombrero Films Género: Comedia
Reparto: Alexandra Lamy, Jamie Bamber, Arnaud Ducret, Anne Marivin, Sabrina Ouazani
Sinopsis: La vida está hecha de pequeñas y grandes decisiones. El gran problema de Juliette es que es totalmente incapaz de tomar la más mínima decisión. Incluso con 40 años, aún depende de su padre y de sus dos mejores amigas para que lo decidan todo en su nombre. Pero el día en que conoce a Paul y a Étienne, tan encantadores y diferentes uno del otro, Juliette empieza a temblar. Esta vez, nadie podrá elegir por ella.
Y es que estamos hablando de unos protagonistas que se encuentran en la cuarentena bien entrada y todavía se encuentran dando vueltas sobre lo que buscan en la vida (aunque con el plato diario en la mesa bien asegurado). Aferrándose a un hombre (o una mujer) como si de un clavo ardiendo se tratara, como si ello fuera sinónimo de felicidad, cuando a esas alturas de la vida la experiencia debería haber demostrado que no siempre es así. Que no depende, desde luego, de eso.
Personajes atractivos, mujeres super-liberadas (cuando no directamente ninfómanas), hombres florero con empleos de élite que terminarán trabajando en un tercer mundo de postal. O de chef, el trabajo de moda. Y es que nunca es tarde para hacer lo que realmente se desea. ¿Seguro? Ya, ya sabemos que tan solo se trata de una comedia, pero cuando su sentido resulta irritante de tan anodino es cuando afloran estos sentimientos hacia el filme. Y es que si nos convencieron bien poco los anteriores trabajos del director, la inenarrable Barbacoa de amigos (Barbecue, 2014) y Vuelta a casa de mi madre (Retour chez ma mère, 2016), que guarda bastantes puntos en común con esta, además de la protagonista, Historias de una indecisa tampoco nos reconcilia con Eric Lavaine, cuyas relatos parecen desarrollarse siempre en tan irreales como acomodados ambientes en los que no se hace raro que, en un momento de la acción, se haga referencia directa a La Cenicienta.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 2 de marzo de 2018 *
LA ÚLTIMA BANDERA (Last Flag Flying, Richard Linklater, 2017)
USA Duración: 124 min. Guion: Richard Linklater (Novela: Darryl Ponicsan)Fotografía: Shane F. Kelly Productora: Amazon Studios / Big Indie Pictures / Detour Filmproduction Género: Comedia dramática.
Reparto: Steve Carell, Bryan Cranston, Laurence Fishburne, J. Quinton Johnson,Richard Robichaux, Dontez James, Jerry Lee Tucker, Kate Easton
Sinopsis: Año 2003. El ex médico de la Marina Larry “Doc” Shepherd (Steve Carell) reúne a sus dos mejores amigos para llevar a cabo una última misión: enterrar al hijo de Doc, fallecido en la Guerra de Irak, cerca de su hogar. Doc se niega a que el cuerpo de su hijo sea llevado al cementerio de Arlington, que es donde se entierra a los héroes de guerra, y con la ayuda de Sal (Bryan Cranston) y Mueller (Laurence Fishburne) trasladará el féretro en un viaje donde los tres recordarán, 30 años después de haber servido juntos en Vietnam, cómo la participación en la guerra ha afectado a sus vidas.
Temas capitales como el ejército, la guerra, el patriotismo, la muerte, la vida y sus desencantos, los remordimientos y el pasado son algunos de los asuntos que estos tres veteranos removerán en su encuentro 30 años después de haber sido compañeros de armas en Vietnam. Su encuentro vendrá motivado por la triste misión de enterrar al hijo de uno de ellos, ‘Doc’, abatido en Bagdad, y que ha sido el que ha querido que sus antiguos camaradas, con los que comparte algo más que recuerdos, le acompañen en su misión. Será un viaje repleto de recuerdos y momentos dramáticos, pero sobre todo de comedia ya que el guión de La última bandera contiene infinidad de diálogos hilarantes entre puya y puya a un país y un sistema que siempre parece tener una guerra preparada para romper cada generación.
Si esta comedia funciona tan bien y resulta tan divertida es, sin lugar a dudas, gracias a sus ingeniosos diálogos, por supuesto, pero también a la magnífica química que crean sus protagonistas: Bryan Cranston, como el personaje aparentemente más inmaduro de todos; Laurence Fishburne como el que más parece haber cambiado su vida y Steve Carell para quien, a pesar de los pesares, aquellos años y amigos siguieron estando en su corazón como los mejores.
A pesar de las similitudes argumentales que puede guardar La última bandera con Deber cumplido (Thank You for Your Service, Jason Hall, 2017), otra cinta recientemente estrenada que también remueve esta temática, aunque de forma mucho más dramática, la forma en la que el filme de Linklater lo ha tratado nos parece, sin dejar de criticar los mismos poderes, más ingeniosa y positiva, al menos para el espectador, que se convertirá en otro compinche más de estos antiguos marines en su viaje de vuelta de aquel descenso a los infiernos que la guerra representó para aquella generación de jóvenes. Recordarán quienes fueron, pero también quienes son y qué dirección tomar.
Sin duda nos encontramos ante una película deliciosa e ingeniosa. Y es que como sabemos todos los que hemos estado en velatorios, resulta sano reír aún en los momentos más trágicos, y esta película contiene tantos diálogos divertidos que llegamos a olvidarnos de su profundo trasfondo dramático, pero sin perdernos un ápice de su denuncia. El humor es, sin duda, la mejor herramienta para hacer efectiva una crítica, la más inteligente e incisiva.
FOXTROT (Samuel Maoz, 2017)
- Israel/Alemania/Francia. Duración: 113 min. Guion: Samuel Maoz Música: Ophir Leibovitch, Amit Poznansky Fotografía: Giora Bejach Género: Drama
- Reparto: Lior Ashkenazi, Sarah Adler
- Sinopsis: Michael ve cómo crece su rabia ante las excesivas muestras de luto de sus familiares y las palabras bienintencionadas de los burócratas del ejército. Su mujer, sedada, descansa. Mientras tanto, Michael se sumerge en una espiral de ira para experimentar uno de esos giros insondables de la vida, a la altura de las surrealistas experiencias de su hijo mientras realizaba su servicio militar
- Premios
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2017: Festival de Venecia: Gran Premio del Jurado2017: National Board of Review (NBR): Mejor film extranjero2017: Satellite Awards: Nominada a mejor película de habla no inglesa
Samuel Maoz, que ya ganó el León de Oro en 2009 con su primer filme, Líbano, nos propone con Foxtrot una cinta sorprendente, diferente, repleta de sensibilidad y también humor. Llena de sorpresas y paisajes desolados. Con puestos de guardia situados en el desierto protegiendo fronteras que no llevan a ningún lado y que tan solo parecen ser transitadas por fantasmales camellos en un reflejo del absurdo, no ya de los conflictos bélicos y étnicos, sino de la propia existencia. Con la vida como una ilusión, un absurdo que se hunde, día a día y que cuando mejor parece marchar, se arruina con la lluvia.
Foxtrot descoloca al espectador, que no sabe si debe reír en según que situaciones, pues su trama oscila de la comedia más ácida al drama más sensible con un simple cambio de plano. Mostrando el todo como trágica broma en la que la muerte es el chiste supremo. Pero a pesar de algunos pocos momentos cuya perfección hace que la vida merezca la pena ser recorrida, Foxtrot es, en palabras de su director «un baile de un hombre con su destino«, pero un baile que no va a ninguna parte, que siempre vuelve a la misma posición de partida.
Prenominada a los Oscar, son muchos los críticos que la han colocado entre las diez mejores películas del año.
GORRIÓN ROJO (Red Sparrow, Francis Lawrence, 2018)
USA. Duración: 139 min. Guion: Justin Haythe (Novela: Jason Matthews) Música: James Newton Howard Fotografía: Jo Willems Productora: Chernin Entertainment / Film Rites / Soundtrack New York. Distribuida por Twentieth Century Fox Film Corporation Género: Thriller
Reparto: Jennifer Lawrence, Joel Edgerton, Jeremy Irons, Charlotte Rampling,Mary-Louise Parker, Matthias Schoenaerts, Joely Richardson, Nicole O’Neill,Sergej Onopko, Sergei Polunin, Kristof Konrad, Simon Szabó, Ciarán Hinds,Thekla Reuten, Joel de la Fuente, Sakina Jaffrey, Douglas Hodge
Sinopsis: Dominika Egorova (Jennifer Lawrence) es reclutada contra su voluntad para ser un “gorrión”, una seductora adiestrada para el servicio de seguridad ruso. Dominika aprende a utilizar su cuerpo como arma, pero lucha por conservar su sentido de la identidad durante el deshumanizador proceso de entrenamiento. Hallando su fuerza en un sistema injusto, se revela como uno de los activos más sólidos del programa. Su primer objetivo es Nate Nash (Joel Edgerton), un funcionario de la CIA que dirige la infiltración más confidencial de la agencia en la inteligencia rusa. Los dos jóvenes agentes caen en una espiral de atracción y engaño que amenaza sus carreras, sus lealtades y la seguridad de sus respectivos países.
Una película de espionaje requiere contar con un guión muy bien construido, que consiga mantener el interés constante del espectador consiguiendo, además, que no se pierda ni se confunda. Y lamentablemente con Gorrión rojo sucede esto último, la trama se torna enrevesada y no contiene la suficiente acción ni tensión como para que el espectador llegue a meterse plenamente en este juego de verdades y mentiras. Y es toda una lástima, pues la película parte de una atractiva premisa, casi de serie B, con esos agentes entrenados para seducir y resultar irresistibles para el enemigo, al que combatirán con sus encantos. Y más si además cuenta con la esforzada interpretación de Jennifer Lawrence, aquí magníficamente respaldada por Joel Edgerton y los veteranos Jeremy Irons y Charlotte Rampling. Pero ni por esas. La historia no termina de cuajar. Y quizás también contribuya a ello la extrañeza de estar viviendo una historia más propia de desarrollarse en plena guerra fría y no en época contemporánea.
ERREMENTARI. EL GUERRERO Y EL DIABLO (Paul Urkijo, 2017)
España/Francia Duración: 96 min. Guion: Asier Guerricaechevarría, Paul Urkijo Alijo Música: Xabat Lertxundi Fotografía: Gorka Gómez Andreu Productora: Gariza Produkzioak / Ikusgarri Films / Kinoskopik s.l Género: Fantástico
Reparto: Eneko Sagardoy, Itziar Ituño, Josean Bengoetxea, Gorka Aguinagalde,Urko Olazabal, Kandido Uranga, Almudena Cid, Ramón Agirre, Gotzon Sánchez,Zigor Bilbao, Uma Bracaglia, Maite Bastos, Ander Pardo, José Ramón Argoitia,Iñigo de la Iglesia, Naia Garcia
Sinopsis: Han pasado 10 años desde de la primera Guerra Carlista de 1833. En un pequeño pueblo de Álava, un comisario del gobierno llamado Alfredo investiga un suceso que le lleva hasta una siniestra herrería en lo profundo del bosque, donde vive un peligroso y solitario herrero llamado Patxi. Los aldeanos de la zona cuentan oscuras historias sobre él relacionadas con robos, asesinatos y pactos demoníacos. Hasta que por casualidad una niña huérfana llamada Usue consigue colarse en la misteriosa herrería, destapando la terrible verdad que se esconde tras Patxi el Herrero.
Paul Urkijo nos llamó la atención desde que viéramos uno de sus cortos, concretamente Jugando con la muerte (2011), que además de estar realizado con impecables maneras, tenía un magnífico humor negro que nos hizo suyos. El buen hacer de Urkijo quedó confirmado con posteriores cortometrajes, así que, en cuanto nos enteramos que Pokeepsie Films estaba tras el debut del director en el largometraje, Errementari, no pudimos más que estar pendientes de ella.
Inspirada en una cuento popular vasco sobre un herrero tan malvado y astuto que es capaz de engañar al mismísimo diablo, la cinta de Urkijo es un cuento de horror gótico y fantástico lleno de emoción, misterio y extrañas criaturas. Con todos sus diálogos en un casi extinto euskera alavés del siglo XIX, la acción se inicia en un pequeño pueblo de Álava, después de la Primera Guerra Carlista de 1833, donde un comisario del gobierno investiga un suceso que le llevará hasta una siniestra herrería en lo profundo del bosque, donde vive un solitario herrero del que los aldeanos cuentan oscuras historias. Fantasmagórica, la bruma inunda esta fábula con diablos tramposos y sacamantecas que con un maravilloso diseño de producción convierte esta cinta en una de las mejores sorpresas del cine fantástico estatal, con una muy natural y destacable interpretación de la niña Uma Bacaglia en una cinta que denota cinefilia por los cuatro costados, con guiños a los monstruos de la Universal, los diablillos gamberros de Méliès e incluso al entrañable Leatherface, pero yendo mucho más allá con esta fábula que ha sabido beber en el corazón del folklore vasco.
HÉROES EN EL INFIERNO (Only the Brave, Joseph Kosinski, 2017)
USA Duración: 134 min. Guion: Ken Nolan, Eric Warren Singer Música: Joseph Trapanese Fotografía: Claudio Miranda Productora: Columbia Pictures / Black Label Media / Conde Nast Entertainment / Di Bonaventura Pictures Género: Drama
Reparto: Josh Brolin, Miles Teller, Jeff Bridges, James Badge Dale, Taylor Kitsch,Jennifer Connelly, Andie MacDowell, Scott Haze, Ben Hardy, Alex Russel,Michael Love Toliver, Sam Quinn, Ryan Jason Cook, Isaac London, Brandon Bunch
Sinopsis: Basada en hechos reales, Héroes en el infierno es la heroica historia de los conocidos como Granite Mountain Hotshots, un grupo de bomberos locales de Arizona que se convirtieron en una de las brigadas de élite de la nación. Mientras la mayoría se alejaron del peligro, ellos corrieron hacia él, arriesgando todo para salvar a un pueblo de un fuego incontrolado que pasaría a la historia en Prescott, Arizona, en junio de 2013.
Héroes en el infierno no ofrece nada que no hayamos visto antes, pero es el tipo de película que de vez en cuando apetece ver. Una aleccionadora historia de superación repleta de emoción, humor y amistad con altos niveles de testosterona protagonizada por un heterogéneo grupo de bomberos locales, auténticos héroes en el infierno, de los que sabremos el mínimo como para simpatizar con ellos y distinguirlos: el golfo de buen corazón; el adicto desarraigado que cambiará de actitud cuando tenga un hijo y adquiera responsabilidades; el veterano que ha dado tanto de sí al trabajo que ha descuidado su vida privada… Casi nos encontramos ante un argumento y un catálogo de tópicos que valdría igual para un drama bélico: primeras acciones, ascensos, demostraciones de valor, compañerismo, permisos en familia… En general un guión de lo más predecible, pero con un buen as en la manga para todos aquellos que no conozcan los hechos reales en los que se basa.
Por lo demás ofrece escenas espectaculares, un tono clásico en su estructura y desarrollo, y unas gotas de conciencia ecológica sin caer en el panfletismo, así como un buen ramillete de buenos actores: Josh Brolin Jeff Bridges, Jennifer Connelly, Andie MacDowell y un ascendente Miles Teller, todo lo cual vaticina un rato agradable con un filme que si de algo adolece es del mal, casi epidémico, que sufre el cine actual: el exceso de metraje, algo que en películas como Héroes en el infierno juega muy en su contra.
‘Pero que todos sepan que no he muerto’: Removiendo los huesos de la discordia
“Callar y quemarnos es el castigo más grande que podemos echarnos encima”
Federico García Lorca
PERO QUE TODOS SEPAN QUE NO HE MUERTO (Bones of Contention, Andrea Weiss, 2018)
USA. Duración: 76 min. Guión: Andrea Weiss Directora de fotografía: Carmen Vidal Balanzat Edición: Andrea Weiss/Pamela Ralat Productora ejecutiva: Greta Schiller Productora: Jezebel Productions Narración: Miguel Ángel Muñoz.
Intervienen: Laura García Lorca (Presidenta de la Fundación García Lorca), Emilio Silva (Fundador de la Asociación para la Recuperación de la Memoria Histórica), Antoni Ruiz y Silvia Reyes (Encarcelados por el Régimen franquista por su sexualidad), Isabel Franc y Empar Pineda (Activistas en favor de los derechos LGTB), Fernando Valverde (Poeta y estudioso de Lorca).
La neoyorkina Andrea Weiss ha utilizado como eje conductor de su documental, Pero que todos sepan que no he muerto, la figura del poeta Federico García Lorca para denunciar el silencio que quiere mostrar, concentrándose en los motivos por los que fue ejecutado: su militancia de izquierdas y su homosexualidad. Y con ello ha desarrollado un muy interesante documento sobre la cultura del olvido que tan plácidamente se mantiene en España, tanto hacia los perdedores de la guerra civil como hacia los homosexuales, represaliados incluso durante la ‘modélica’ transición.
Y es muy interesante que no se dejen de rodar documentales, de escribir libros, e incluso de enseñar en las escuelas que en España pasó lo que pasó. Y pese a quien pese hay que recordarlo, pues no hace tanto que pasó. Y hay que recordar, también, que los herederos de aquellos carniceros son los que ahora no quieren que se revuelva el pasado. Pero conviene hacerlo. Hay que remover esos huesos de la discordia. Y más cuando el gobierno ‘popular’ gasta 23.000 euros en repatriar a 29 miembros de la División Azul. Y más mientras ignora, e incluso se burla, de los más de 120.000 hombres y mujeres desaparecidos y cuyos huesos se resecan y pudren bajo tierra en cunetas y fosas anónimas. Fosas repletas de cadáveres de miles de rojos.
También Innumerables homosexuales fueron encarcelados e incluso sirvieron como conejillos de indias en sádicos experimentos que buscaban curarles de su ‘desviación’. Todo amparado por la iglesia, claro. Y por la justicia, por supuesto. Primero bajo la ley de vagos y maleantes y más tarde en la de peligrosidad social, auténtico cajón de sastre en el que todo valía y todo cabía. Incluso miles de ‘desviados’
Y Federico García Lorca, ejecutado por rojo y maricón, se ha convertido en figura máxima e icono para el movimiento LGTB y para la izquierda que no ha olvidado ni ha podido enterrar a sus muertos en paz. Ha tenido que ser una norteamericana, la directora y escritora Andrea Weiss, la que denuncie con su documental todo esto. Viajando de Barcelona a Madrid y de Granada a Valencia para reunir los testimonios, tanto de asociaciones para la recuperación de la memoria histórica como de víctimas de la dictadura franquista. Sin olvidar a las lesbianas que nunca existieron. Todos víctimas. Todos olvidados. Molestos resquicios de otros tiempos que algunos quieren olvidar. Huesos corroídos. Mariquitas medio locos. Viejos chochos. Rojos y maricas.
Andrea Weiss, una reputada cineasta y escritora doctorada en Historia de la Cultura Americana, ganó un Premio Emmy por su documental Before Stonewall, así como varios galardones más en festivales de todo el mundo con otras producciones cinematográficas posteriores, como la adaptación de su propio libro París era mujer, vivió en Barcelona en el año 2012 y allí se interesó y profundizó en este olvido. Ilustrando su documental, además de con testimonios, con muy interesante imágenes de archivo pertenecientes a noticiarios norteamericanos que hablan del “Spanish Hitler” y del encarcelamiento y adoctrinamiento de los presos políticos que sobrevivieron a la guerra genocida.
Un documental necesario que 39 Escalones estrena en pocas, demasiado pocas, salas. Y que debería exhibirse también en colegios. Y centros cívicos. Un documento imprescindible en estos tiempos grises, en los cuales el actual gobierno, enaltecido, se envalentona y promulga leyes castradoras y medidas censoras.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 23 de febrero de 2018 *
TODO EL DINERO DEL MUNDO (All the Money in the World, Ridley Scott, 2017)
USA. Duración: 132 min. Guion: David Scarpa Música: Daniel Pemberton Fotografía: Dariusz Wolski Productora: Imperative Entertainment / Scott Free Films / TriStar Productions / RedRum Films Género: Drama.
Reparto: Michelle Williams, Mark Wahlberg, Christopher Plummer, Timothy Hutton,Romain Duris, Charlie Shotwell, Charlie Plummer, Andrea Piedimonte,Marco Leonardi, Roy McCrerey, Kit Cranston, Maya Kelly, Stacy Martin, Olivia Grant,Adam Astill, Andrew Buchan, Charlotte Beckett, Francesca Inaudi, Giulio Base,Olivia Magnani, Maurizio Lombardi
Sinopsis: Roma, 1973. Unos hombres enmascarados secuestran a un adolescente llamado Paul (Charlie Plummer). Su abuelo, J. Paul Getty (Christopher Plummer), es el hombre más rico del mundo, un magnate petrolero tan multimillonario como avaro. El secuestro de su nieto favorito no es razón suficiente para renunciar a parte de su fortuna.
Todo el dinero del mundo cuenta la historia de Gail (Michelle Williams), la persistente y tenaz madre de Paul para quien, al contrario que Getty, sus hijos son lo más importante. La vida de su hijo depende de un tiempo que se acaba, y los secuestradores se muestran cada vez más decididos, inestables y violentos. Cuando Getty envía a su enigmático hombre de seguridad, Fletcher Chace (Mark Wahlberg), a velar por los intereses de su nieto, él y Gail se alían en una carrera contrarreloj que revelará el valor del amor frente al dinero.
Ridley Scott nos ofrece una película repleta de intrigas políticas, acción, emoción, escenarios suntuosos y mafia calabresa. Una banda sonora impecable y un plantel de actores tocados por los dioses con un guión y montaje ejemplar, que consiguen que la película y el interés no decaiga en ningún momento. Una prueba de fuego para la vejiga del espectador, con final de infarto incluido.
Por si alguien dudaba de la capacidad de Ridley Scott director, no lo olvidemos, capaz de realizar joyas de la talla de Alien o Blade Runner, de ofrecer buen cine, con Todo el dinero del mundo sigue demostrando que goza de muy buena salud.
La historia de J. Paul Getty es la historia de un mezquino que lo tiene todo y no tiene nada. Es la historia del ansia de poseerlo todo. Del egoísmo de los poderosos, pero también la historia de la fortaleza de una madre que no ceja en su empeño ni vende su alma. Su grandeza contra la bajeza moral absoluta en este millonario que no podemos evitar que nos recuerde, sobre todo en su última escena, a ese W. Randolph Hearts que como Kane se aferraba a su propio Rosebud en un nada disimulado homenaje a la obra maestra de Welles.
Buen cine, del mejor, para contrariar a los agoreros que siguen quejándose de la escasa calidad de las películas actuales.
EN LA SOMBRA (Aus dem Nichtsaka, Fatih Akin, 2017)
- Alemania/Francia. Duración: 100 min. Guion: Fatih Akin Música: Josh Homme Fotografía: Rainer Klausmann Productora: Bombero International / Macassar Productions Género: Drama
- Reparto: Diane Kruger, Numan Acar, Ulrich Tukur, Johannes Krisch, Siir Eloglu,Denis Moschitto, Jessica McIntyre, Ulrich Brandhoff, Samia Muriel Chancrin
- Sinopsis: La vida de Katja se hunde cuando su marido y su hijo mueren en un atentado con bomba. Tras el duelo y la injusticia, llegará el tiempo de la venganza.
- Premios
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2017: Festival de Cannes: Mejor actriz (Diane Kruger)2017: Globos de Oro: Mejor película de habla no inglesa2017: Critics Choice Awards: Mejor película de habla no inglesa2017: Satellite Awards: Nominada a mejor película habla no ingles y actriz (Kruger)
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 16 de febrero de 2018 *
LA FORMA DEL AGUA (The Shape of Water, Guillermo del Toro, 2017)
- USA/Canadá. Duración: 119 min. Guion: Guillermo del Toro, Vanessa Taylor Música: Alexandre Desplat Fotografía: Dan Laustsen Productora: Bull Productions / Fox Searchlight Género: Fantástico.
- Reparto: Sally Hawkins, Doug Jones, Michael Shannon, Octavia Spencer, Richard Jenkins,Michael Stuhlbarg, Lauren Lee Smith, David Hewlett, Nick Searcy, Morgan Kelly,Dru Viergever, Maxine Grossman, Amanda Smith, Cyndy Day, Dave Reachill
- Sinopsis: Elisa (Sally Hawkins) es una joven muda que trabaja como conserje en un laboratorio en 1963, en plena Guerra Fría, donde se enamorará de un hombre anfibio (Doug Jones) que se encuentra ahí recluido.
- Premios
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2017: Premios Oscar: 13 nominaciones incl. mejor película, director y actriz (Hawkins)2017: Festival de Venecia: León de Oro (Mejor película)2017: Globos de Oro: Mejor director y banda sonora original. 7 nominaciones2017: Premios BAFTA: 12 nominaciones, incluyendo Mejor película y Mejor director2017: American Film Institute (AFI): Top 10 – Mejores películas del año2017: Critics Choice Awards: Mejor película, director, dir. artística y banda sonora2017: Críticos de Los Angeles: Mejor director, actriz (Hawkins) y fotografía2017: Satellite Awards: 10 nominaciones incluyendo mejor película y director2017: Sindicato de Productores (PGA): Mejor película2017: Sindicato de Directores (DGA): Nominada a mejor director/película2017: Sindicato de Actores (SAG): Nom. mejor actriz (Hawkins) y actor sec. (Jenkins)
Confesó Guillermo del Toro durante la rueda de prensa posterior que tuvo lugar tras el pase de prensa de La forma del agua (The Shape of Water, 2017) en el Festival de Sitges que, hasta ahora, sus películas habían explorado sus obsesiones infantiles y que esta era su primera película adulta. No sabemos hasta que punto, pero sin lugar a dudas este cuento de hadas consigue el propósito de capturar la poesía que habita en el horror. En esta nueva revisión del mito de la bella y la bestia por primera vez la bella es una mujer corriente y moliente, un ser humano como todos nosotros, “que se masturba por las mañanas“, tal y como indicó el director. Y la bestia no se convertirá, mediante un mágico beso, en el atractivo y habitual príncipe azul. Pero nos hablará de amor. De amor por el amor y de amor por el cine y su poder sanador como medio de evasión de los males reales que nos atenazan.
La forma del agua es una de esas cintas que nos regalan momentos de antología, como aquel en que la criatura y Elisa (magistralmente encarnada por Sally Hawkins) tienen su primer contacto amoroso, un encuentro acuático en el inundado baño de Elisa. La inundación rebasará los límites de esa reducida habitación desbordándose hasta caer en forma de lluvia sobre la sala de cine sobre la que vive la protagonista. Inundando, textualmente la sala de cine en la que nos encontramos.
La de del Toro es también una cinta plagada de referencias cinematográficas y musicales, pero no se trata de un ejercicio de estilo postmoderno al modo que hemos visto antes en tantas películas recientes, sus citas no buscan lo trillado, no buscan los grandes clásicos, pues lo que se celebra es el poder del cine de acompañar y puntuar nuestras vidas haciéndonos ser lo que somos de forma casi imperceptible. Del mismo modo, los personajes que la pueblan son seres anónimos, personas de normal invisibles a las que del Toro quiere dar voz y protagonismo. Y el villano, el verdadero monstruo, no es la criatura extraordinaria sino un muy humano miembro de la inteligencia militar al que Michael Shannon caracteriza como un hombre ambicioso, cegado por su voluntad de escalar socialmente, y que resulta incapaz de valorar a los diferentes, a los que se apartan de los estándares. Un antagonista perfecto para este cuento de hadas con estética retrofuturista que mezcla lo fantástico con lo romántico.
Más allá del claro homenaje a los monstruos de los estudios Universal, y concretamente a ese que ustedes ya se imaginan, la cinta de Del Toro va mucho más lejos, ofreciendo un recital de buen cine, del que nos hace más felices. De ese que nunca olvidamos y que se goza con el corazón.
DEBER CUMPLIDO (Thank You for Your Service, Jason Hall, 2017)
USA Duración: 108 min. Guion: Jason Hall (Novela: David Finkel) Música: Thomas Newman Fotografía: Roman Vasyanov Productora: Dreamworks Pictures / Reliance Entertainment / Dune Films. Distribuida por Universal Pictures Género: Drama
Reparto: Miles Teller, Haley Bennett, Amy Schumer, Joe Cole, Keisha Castle-Hughes,Brad Beyer, Scott Haze, Omar J. Dorsey, Jayson Warner Smith,Michael Love Toliver, Randall Taylor, Beulah Koale, Tony Winters, Jesse Malinowski,Timothy Carr
Sinopsis: Tres soldados estadounidenses regresan de Irak tratando de reintegrarse con sus familias, y adaptándose a la vida civil mientras luchan por olvidar sus duros recuerdos de la guerra.
No han
sido pocas las películas que han retratado, casi siempre de forma agridulce, cuando no dramática, la vuelta del soldado a casa tras un conflicto bélico. Ya meritorias cintas como Los mejores años de nuestra vida (The Best Years of Our Lives, William Wyler, 1946) o Los violentos años veinte (The Roaring Twenties, Raoul Walsh, 1939) mostraban que, en muchos de estos casos, el volver de uno de estos conflictos llevaba al vacío. No solo la sociedad no valoraba el sufrimiento que habían derrochado estos hombres en frente, a su vuelta, en muchos casos, les esperaba el desempleo o el fin de su vida conyugal. Y una difícil adaptación a su nueva situación. El volver a la vida. A todo esto hubo que sumar, a partir del conflicto en Vietnam, el de hombres que volvieron con fatiga de combate y taras psicológicas que muchas veces se tornaron conflictivas. También el cine ha dejado algunas obras de arte que lo han reflejado, y Deber cumplido ahonda de nuevo en esa situación, centrándose en la vuelta a casa de tres soldados, tres compañeros, que después de estar deseando volver a casa, al hogar, no tardarán en descubrir que ya no son los hombres que marcharon un año antes a Irak. Y que casi echan de menos la camaradería que encontraron allí.
Tras cumplir 11 meses en Irak como sargento con cinco hombres a su cargo, el protagonista tan solo desea recuperar su casa y su antiguo empleo de jardinero. Algo que su esposa no considera un trabajo de verdad. Marcharon siendo jóvenes, casi niños. Almas de usar y tirar que retornan envejecidos. Rotos. Diariamente en Estados Unidos, 22 veteranos se suicidan. Algo muy grave está sucediendo cuando estas escalofriantes estadísticas son ignoradas y los soldados no reciben el apoyo urgente psicológico que requerirían. Como dice uno de los personajes de la cinta: «Peleamos en sus guerras por derechos que aquí no tenemos».
De esto y mucho más nos habla Deber cumplido, una magnífica película que, basada en hechos reales, vuelve a ahondar en la herida de quienes son las víctimas de los conflictos y quienes los beneficiados. Quienes son los vencedores y quienes los vencidos.
BLACK PANTHER (Ryan Coogler, 2017)
USA. Guion: Joe Robert Cole, Ryan Coogler (Cómic: Jack Kirby, Stan Lee) Música: Ludwig Göransson Fotografía: Rachel Morrison Productora: Marvel Studios / Walt Disney Pictures Género: Acción
Reparto: Chadwick Boseman, Lupita Nyong’o, Michael B. Jordan, Andy Serkis,Angela Bassett, Forest Whitaker, Danai Gurira, Winston Duke, Daniel Kaluuya,Florence Kasumba, Letitia Wright, Stan Lee, Sterling K. Brown, Martin Freeman,Phylicia Rashad, Sydelle Noel, John Kani
Sinopsis: “Black Panther” cuenta la historia de T’Challa quien tras los acontecimientos de “Capitán América: Civil War”, vuelve a casa, a la nación de Wakanda, aislada y muy avanzada tecnológicamente, para ser proclamado Rey. Pero la reaparición de un viejo enemigo pone a prueba el temple de T’Challa como Rey y Black Panther ya que se ve arrastrado a un conflicto que pone en peligro todo el destino de Wakanda y del mundo.
Black Panther es un entretenimiento, sí, pero muy imaginativo. En esta ocasión el Universo Marvel ha quedado embellecido por un magnífico diseño de producción y vestuario. Resulta sorprendente e incluso bello, para el espectador abierto de miras, contemplar naves sobrevolando la sabana africana. O contemplar esa imaginativa metrópoli en el corazón de la selva. Mezclando lo étnico con tecnologías claramente futuristas y mostrando una civilización plenamente avanzada pero que conserva la tradición y los rituales milenarios trasmitidos generación tras generación.
Más que a un superhéroe, lo que se nos muestra es a un Rey-Dios que legisla en una civilización secreta de hombres-dioses de ébano con agentes infiltrados en todo el mundo. Muy cercanos en su belleza a los Numa que retratara Leni Riefensthal. Una civilización en la que la igualdad de sexos es bien patente. Y mucho más allá, pues la científica más avanzada de Wakanda es la joven hermana del monarca, cuya guardia personal está compuesta por fieles guerreras. Tampoco se muestra epidermis femenina, así que los/las que se quejaron por las amazonas de Wonder Woman no tendrán donde asirse. O sí, porque puestos a buscar, los nuevos censores y guardianes de la moral saben encontrar.
También resulta interesante el conflicto de guerra racial que nos ofrece, así que ¿Dónde flojea Black Phanter? pues en nuestra opinión en donde siempre lo hacen las películas de acción americanas, a la hora de mostrar, precisamente la acción, las luchas cuerpo a cuerpo. Lo hacen desde tan cerca y a tal velocidad que el espectador no puede disfrutarlas. Quizás se trate de una posible influencia de la estética de los videojuegos, también presente en varias persecuciones y escenas en las cuales la animación 3D y el croma son más que evidentes. Pero estamos en un reino de fantasía, y pensamos que estos detalles no quitan valor al mundo étnico-tecnológico del poblado Wakanda y Black Panther que sin lugar a dudas añadirá brillo al universo Marvel y a la saga Avengers.
«Lo que niegas, te somete; lo que aceptas, te transforma»: una interesante charla con Fabricio D’Alessandro
Tal vez el nombre de Fabricio D’Alessandro no les resulte familiar. Si les decimos que este joven argentino afincado en Barcelona, tutor del Master de Dirección de la escuela FX ANIMATION Barcelona 3D &Film School, es el autor de Oculto al sol, ya se irán poniendo en situación. Y si han visto su debut en el largo de ficción (¡si no lo han hecho, corran a hacerlo!) estarán de acuerdo con nosotros en que nos va a dar muchas alegrías a los amantes del cine. La semana pasada os hablábamos de su película, esta semana os traemos una breve charla con él. Fabricio D’Alessandro tiene muchas cosas que decir, las plasma en su cine, pero también en sus palabras y es todo un placer escucharle. ¡Pasen y leánle!
El cine, como la fotografía, se fundamenta en un procesamiento de la luz y sus contrastes, en Oculto el sol tú usas ese principio físico para indagar en nuestra condición humana, ¿Cómo te planteaste ese paralelismo? ¿Qué querías expresar?
Hay algo de mi búsqueda personal que pivotea en torno al “despertar” como un nuevo estadio de la conciencia. Carl Jung habla de la oscuridad como un lugar sagrado de conocimiento que nos conduce a la verdadera iluminación. Aquellos que no aprenden nada de los hechos desagradables de sus vidas, fuerzan a la conciencia cósmica que los reproduzca tantas veces como sea necesario para que les deje alguna lección. Lo que niegas, te somete; lo que aceptas, te transforma. Buscando esa transformación, apareció la imagen de un gran eclipse solar capaz de proyectar una sombra que me dejaba -a mí y a muchos otros- en la oscuridad; perdido, frágil, solo… Pero, al mismo tiempo, me daba todas las respuestas que necesitaba para comprender que la verdadera luz estaba ahí. Como idea argumental me pareció potente para unificar varias historias que nos hagan pensar, reflexionar sobre los deseos y sobre lo que no es fácil de ver.
Tu película nos ofrece siete historias de vida independientes que nos son mostradas en paralelo, ¿fue difícil articularlas entre sí para mantener el suspense sin que hubiera declives de interés en el conjunto?
Fue mi mayor desafío. Trabajamos duro con Federico Viescas (colaborador en el trabajo con los actores) para pensar en cómo articular las historias desde el guion y el trabajo continuó en el montaje. Filmar de manera coral no es sencillo, hay que tener muy claro dónde se pretende llegar. Personalmente, estoy muy satisfecho con la edición final, creo que fue una búsqueda intensa que construyó un alma propia, una especie de espíritu que hace que el film se mantenga en pie.
Unas historias son más sombrías que otras, ¿Lo tuviste en cuenta a la hora de montarlas? ¿Cómo trabajaste la iluminación en cada una?
Sí, cada historia fue premeditada en función de las otras. Yo ya había pensado un orden y también tenía una idea planteada sobre cómo quería que funcionasen. La premisa era siempre tener una columna vertebral de la película y para ello me apoyé en la historia de Lorenzo. Esa historia (que no es más importante que otras) es la que me sirvió como estructura. Es la historia más sombría definitivamente, por eso la elegí para amalgamar la trama. He tratado siempre de jugar con la luz natural que me daban los espacios y utilizar algún refuerzo para iluminar rostros u oscurecerlos. Jugar con la luz y las sombras me permitió encontrarle el tono a cada historia.
Has elegido un eclipse de sol para mostrar el lapso temporal que subyace al conjunto, ¿Por qué un eclipse? ¿Cuál es su valor simbólico?
El eclipse es un concepto potente en cuanto a muchas cosas. Dicen que cuando los eclipses suceden la energía de las personas se altera y ni nos enteramos. Además, siempre me han llamado la atención. Nos hace percatarnos, en cuestión de segundos, de lo pequeños que somos en esta galaxia. El eclipse como símbolo es potente porque la luz nos hace ver una realidad determinada (Platón lo explica muy bien con su alegoría). Cuando esa luz se apaga, las sombras desaparecen y nos encontramos con nosotros mismos, con la verdad de lo que somos. Es un momento de lucidez, de iluminación, aunque parezca lo contrario.
Has adaptado en tu película una obra de teatro, ¿Qué relación crees que hay entre el cine y el teatro? ¿Ha sido difícil mantener su esencia original sin que el producto no dejara de ser cinematográfico? ¿Cuáles han sido tus modelos?
La película está basada en escenas teatrales creadas por sus intérpretes, que funcionan como disparadores para la película. La relación entre el cine y el teatro es estrecha y al mismo tiempo es distante. Me interesa el cine, lo que hago es cinematográfico. Me gusta el tratamiento de la música y del sonido, pero también me interesa el trabajo actoral en base a lo que me dan los ensayos, y es ahí donde encuentro relación con el teatro. Me baso en el trabajo que ha hecho John Cassavettes en “Shadows” o Jim Jarsmuch en “Coffe and Cigarrettes”.
Háblanos de ti, ¿Cuándo nace tu vocación por el cine? ¿Te ha ayudado tu experiencia como docente para enfrentar tu propia creación? ¿Qué nuevos proyectos tienes en mente?
Mi vocación por hacer cine nace de pequeño, cuando jugaba con mis hermanos con una cámara de video VHS. Grabo cortos desde los 10 años, algunos como actor y otros como director. Creo que he filmado más de 50 cortos en toda mi vida. A medida que fui creciendo, involucraba a todo el curso del colegio y luego vinieron los compañeros de la universidad. Ahora tengo la suerte trabajar con otros profesionales. Mi experiencia como docente en la escuela FX ANIMATION Barcelona 3D & Film School, me conectó con una parte que desconocía de mí mismo. Ahora escribo una nueva película sobre docencia y espero que este lista pronto. Estoy muy ansioso.
¿Ha sido difícil sacar adelante un proyecto tan personal? ¿Con qué trabas y con qué apoyos te has encontrado? ¿Qué les recomendarías a otros directores que estén preparando su debut?
Hacer esta película me hizo más fuerte de lo que me consideraba. Estaba acostumbrado a trabajar con presupuestos medianos, lo que te da ciertas ventajas, pero el hecho de no disponer de recursos económicos me hizo enfrentarme con mi creatividad y con la de todos los que me seguían. De golpe, todo se vuelve más pasional, sincero y productivo. Todos los que colaboraron y siguen colaborando en esta película lo hacen como un acto de amor, de fe, con las ganas que se necesitan para trabajar hoy en día en el cine. Eso se puede ver en el resultado. Pero, por otro lado, las desventajas son muchísimas. No poder acceder a mayores estándares de calidad, a pesar de tener acceso a equipamientos más profesionales, es una gran desventaja porque usarlos implica recursos para trasladarlos, operarlos, y luego trabajar un workflow del que uno no dispone con tan pocas herramientas. Mi recomendación para otros directores es que hagan lo que puedan con lo que tienen. El resto viene solo.
¿Alguna recomendación final?
Sí: no os perdáis “Oculto el sol” y procurad apagar la luz que os rodea, ahí sucede la magia.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 9 de febrero *
THE FLORIDA PROJECT (Sean Baker, 2017)
- USA. Duración: 115 min. Guion: Sean Baker, Chris Bergoch Fotografía: Alexis Zabé Productora: Cre Film / Freestyle Picture Company / June Pictures. Distribuida por A24 Género: Drama
- Reparto: Willem Dafoe, Brooklynn Prince, Bria Vinaite, Caleb Landry Jones, Mela Murder,Valeria Cotto, Christopher Rivera, Macon Blair, Sandy Kane, Karren Karagulian,Lauren O’Quinn, Giovanni Rodriguez, Carl Bradfield, Betty Jeune, Cecilia Quinan,Andrew Romano, Samantha Parisi, Gary B. Gross
- Sinopsis: Moonee sueña con ir a Disneylandia, pero lo más cerca que ha estado es el motel barato a las afueras de Orlando (Florida), en el que vive con su madre Halley, de 22 años: el Magic Castle Motel. Lo más parecido que Moonee tiene a un padre es Bobby, el gerente del motel, un hombre cauto y diligente que se burla de las payasadas de los niños. Halley ha perdido su trabajo, y otra niña de la misma edad que Moonee se acaba de mudar al motel de al lado. Promete ser un verano inolvidable.
- Premios:
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2017: Globos de Oro: Nominada a mejor actor de reparto (Willem Dafoe)2017: Premios BAFTA: Nominada a mejor actor secundario (Willem Dafoe)2017: National Board of Review (NBR): Mejores películas del año, actor sec. (Dafoe)2017: American Film Institute (AFI): Top 10 – Mejores películas del año2017: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor director y actor sec. (Dafoe)2017: Críticos de Los Angeles: Mejor actor sec. (Dafoe) y 2ª mejor película2017: Premios Independent Spirit: Nominada a mejor película y director2017: Critics Choice Awards: Mejor intérprete joven (Brooklynn Prince)2017: Premios Gotham: Nom. mejor película, actor, nueva actriz y premio del público2017: Satellite Awards: Nominada a mejor director, guion original y actor sec. (Dafoe)2017: British Independent Film Awards (BIFA): Nom. a mejor pel. internacional indep.2017: Sindicato de Actores (SAG): Nominada a mejor actor secundario (Willem Dafoe)2017: Asociación de Críticos de Chicago: Mejor actor secundario (Willem Dafoe)
Maquillada de cierto aspecto documental, The Florida Project busca comunicar, trasmitir, puramente mostrando. Exponiendo ante el espectador un reflejo de la sociedad nortemericana que no sale habitualmente en el cine de Hollywood. Basura (blanca, mestiza, negra) y extrarradios. Madres adolescentes, niños asilvestrados -pero felices-, olor a sudor, pizza, tabaco y gofres. Tatuajes y reggaeton sonando continuamente por el móvil. Malviviendo durante un verano en un microcosmos de edificios de nombres tan equívocos como Futureland o Magic Castle, moles situadas en una Florida circundante con Disney World.
Una banda sonora basada en la música de los móviles y los sonidos de la televisión, además de los continuos ruidos de las aspas de los helicópteros, que no dejan de aterrizar y despegar de un helipuerto cercano. Sonidos del caos en el que vive una madre-niña y su hija-adulta, enormes protagonistas ejemplarmente interpretados por Bria Vinait y Booklynn Kimberly Prince, dos debutantes que compiten en credibilidad con gran Willem Dafoe, que como Bobby, el gerente-portero del edificio representa al único personaje con cierta autoridad moral, protectora-paternal para todos sus inquilinos.
Dirigida por Sean Baker, quien alcanzó el favor de crítica y público con su anterior película Tangerine (2015), la película no sermonea ni juzga, tan solo expone con la mayor naturalidad los hechos sin buscar razones ni culpables terminando con uno de los más poderosos finales que podría haber ofrecido.
Una de esas películas que no toma al espectador por tonto y que demuestra como hacer una película con niños sin que resulten insufribles ni queden aburridas.
Oculto el sol, la vida como claroscuro
Siempre estamos ante la luz. La luz, esa fuente esencial de todo lo que se da en y ante nosotros, de cómo vemos y de qué vemos. Sin luz no hay mirada. Sin luz no hay vida. Sin luz no hay cine. Pero tampoco lo hay sin sombra que contraste. La luz no puede ser sin oscuridad que la resalte. Oscuridad y luz se implican en su ser contrarias y los contrarios alcanzan el ser gracias a su oposición, no son el uno sin el otro. Por eso, en el lugar del límite, los opuestos son el otro, el mismo.
Es profundizando en lo oscuro que podemos definir lo luminoso, afirma Jung. Las palabras de Jung presiden y dan sentido a Oculto el sol. Fabricio D’Alessandro, en su opera prima, reflexiona sobre la dialéctica luz/oscuridad para mostrar como es en el claroscuro, en el lugar del eclipse, donde se despliegan nuestras vidas. Lo hace con un filme coral que se mueve entre el drama y el suspense, en el que siete historias de vida, ajenas entre sí, se entrelazan bajo el manto de un eclipse solar, que es físico, pero también personal. Ana y Mora, dos amigas que se cuelan en la casa de una famosa actriz; Lorenzo, un músico que descubre que sus padres actuales no son los auténticos; Laura, una novia que no quiere acudir a su boda; Fedérico, un chico que acosa a su ex amante, Juana, mientras espera a su esposo; Gustavo, un bailarín frustrado que no quiere salir a escena; Ginna, la esposa de un médico con fobia a la soledad, una soledad en la que intuye presencias extrañas, y Clara, que busca comunicarse con su hermano. Siete estados mentales, que en manos de D’Alessandro se convierten en un bosquejo de la psique humana.
Oculto el sol es un ejercicio de estilo con mucha escuela (que no escolar), perfecto en su lógica interna y lleno de sugerencias. Un filme que se juega en el tablero de la metáfora y nos habla de la importancia de la conciencia y el sentimiento a la hora de tomar decisiones, una idea que su director venía madurando hace tiempo. Su punto de partida es una obra teatral compuesta por siete escenas cortas, en la línea del Jarmusch de Coffe and cigarettes 
(2003), que inspiró a D’Alessandro su trabajo de adentramiento en las profundidades del inconsciente, colectivo e individual. Para llevarlo a cabo se impusieron una serie de restricciones que permitieron el afloramiento de una obra fresca y lúdica en la mejor línea del Oulipo. Sólo dos actores por relato, una única localización para cada episodio y una sola toma para cada escena, permiten capturar la inmediatez y la irrepetibilidad del teatro, sin olvidar, no obstante, lo cinematográfico. Cada capítulo es una acción viva y única en la que los actores se rinden a su papel y brillan con luz propia como si estuvieran sobre un escenario en contacto directo con el público. Pero la cámara no es invisible, se la nota en su cascada de planos cortos, en su juego con el eje para transmitir todos los ángulos de una acción, en su seguimiento del personaje, D’Alessandro se expresa con el lenguaje del cine. Oculto el sol no es, pues, teatro filmado, es una pieza que nace allí donde se imbrican las dos disciplinas artísticas, es una apuesta formal por maridar ambos modos de la representación. Y el resultado no podía ser más interesante.
Aunque teja siete historias independientes, no estamos ante una película de episodios sino ante toda una cinta puzzle. Ese carácter le viene dado por el recurso temporal de hacer que todas transcurran en el mismo lapso, ese eclipse solar que se resolverá fuera de campo y que las hace participar de una misma 
idea de fondo. Pero la coincidencia temporal y la unidad conceptual no es lo único que convierte a los relatos en un mismo todo. Es el montaje el que logra convertir las siete tramas en una sola, D’Alessandro las despliega en paralelo fluyendo de una otra como si fueran el mismo río y sabe secuenciarlas y dosificarlas de modo que la intriga permanezca constante. En la película no hay valles, no declina el interés, su ritmo no se atropella ni decae, cada historia es un crescendo y la excusa del eclipse permite que el clímax sea común a todas. El momento de mayor brillo coincide, en todas, con el instante del sol oculto, para descender después suavemente hacia la sombra cuando regresa la luz. La oscuridad es, para los personajes, el ámbito de la magia, la luz el espacio de la realidad, y Oculto el sol los transporta de uno al otro con la dulzura de la melancolía, sembrando en el espectador la necesidad de investigar sobre sus propios claroscuros, sus propios eclipses interiores.
Coral y personal, simultáneamente, el primer largo de ficción de Fabricio D’Alessandro da buenas referencias de sus dotes cinematográficas. Estamos ante un debut prometedor que emociona y mueve a reflexión, dos ingredientes que convierten a su director en autor y a la cinta en una pequeña (gran) obra de arte.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 2 de febrero *
AMITYVILLE: EL DESPERTAR (Amityville: The Awakening, Franck Khalfoun, 2017)
USA Duración: 85 min. Guion: Franck Khalfoun Música: Robin Coudert Fotografía; Steven Poster Productora: Blumhouse Productions / Dimension Films / Miramax Género: Terror
Reparto: Bella Thorne, Cameron Monaghan, Mckenna Grace, Jennifer Jason Leigh, Jennifer Morrison, Taylor Spreitler, Thomas Mann, Kurtwood Smith,Hunter Goligoski, Dan Martino, Brian Breiter
Sinopsis: Belle (Bella Thorne) y su familia se mudan a una nueva casa, con el fin de ahorrar dinero para ayudar a pagar el costoso tratamiento de su hermano gemelo que se encuentra en coma. Pero cuando fenómenos extraños empiezan a ocurrir en la casa, incluyendo la recuperación milagrosa de su hermano y pesadillas cada vez más espeluznantes, Belle comienza a sospechar que su madre (Jennifer Jason Leigh) no le está contando toda la verdad y pronto se da cuenta de que, 40 años después de los extraños sucesos que tuvieron lugar allí, acaban de mudarse a la terrorífica casa de Amityville.
Dirigida por Franck Khalfoun, quien saltó a la fama gracias al buen sabor que dejó a muchos con su remake de Maniac con Elijah Wood como protagonista, se adentra en esta ocasión en el pequeño universo de Amityville y lo hace, al igual que hiciera con aquella, demostrando un gran respeto por la cinta original que pasa, físicamente, a formar parte de la historia, pues el director demuestra haber aprendido la lección que ofreciera Wes Craven en Scream (1996) y añade esa ficción a su propia ficción. Y también la realidad, directamente extraída de la crónica de sucesos, de los hechos acaecidos en la tenebrosa casa ofreciendo, con todo ello, una nueva lectura y, lo más difícil, consiguiendo un buen resultado, que sin ser extraordinario resulta digno y más ingenioso que la media, no basando exclusivamente su efectividad en sustos fáciles y efectismo splatter.
Utilizando los resortes habituales del género: ruidos extraños y puertas que se abren y cierran solas, la cinta ofrece algunos ingeniosos guiños al aficionado que se topará con otras cintas del género como Patrick (Richard Franklin, 1978), Annabelle (en un plano podemos ver una muñeca idéntica a la Annabelle ‘real’) y por supuesto la saga Amityville, lo que da ocasión al director de ofrecer al espectador metacine en estado puro
Los personajes están correctamente perfilados y los adolescentes no resultan sonrojantes, muy al contrario, Bella Thorne construye un atractivo personaje y Jennifer Jason Leigh demuestra su práctica en este tipo de cine, no en vano se dio a conocer con el thriller terrorífico Mujer blanca soltera busca… (Single White Female, Barbet Schroeder, 1992) y no ha dejado de intervenir en algún que otro festín terrorífico como eXistenZ (1999) de Cronenberg.
CAVERNÍCOLA (Early Man, Nick Park, 2018)
UK Duración: 89 min. Guion: Mark Burton, James Higginson, John O’Farrell Fotografía: Charles Copping, Dave Alex Riddett, Paul Smith, Peter Sorg Productora Aardman Animations Género: Comedia
Sinopsis: Dug, cavernícola, y Hognob, jabalí, son los protagonistas de esta nueva aventura de Aardman en la que dos civilizaciones, la de la Edad de Piedra y la de Bronce, compiten por hacerse hueco en la historia. ¿Cómo? De la mejor forma que sus ancestros les enseñaron: con «el juego sagrado». ¡Un partido de fútbol llamado a ser el más épico de la historia! En juego no hay una copa, sino la supervivencia de la tribu de Dug, que ve en peligro su hogar ante la llegada del malvado y moderno villano de la Edad de Bronce Lord Nooth.
Si el oscarizado Nick Park creador de Wallace & Gromit ya parodió La gran evasión (The Great Scape, John Sturges, 1963) en su Chicken Run (2000), para Cavernícola parece haberse inspirado más en la Evasión o victoria (Victory, John Huston, 1981) que en Los Picapiedra, aunque naturalmente algún guiño ofrece a aquella serie, sobretodo en forma de ingenioso invento. Con una historia situada en el fin de la Edad de Piedra y el inicio de la del Bronce, Cavernícola es una divertida cinta para toda la familia que cuenta con ingeniosos personajes, entre los que destaca Hognob, el jabalí mascota con complejo de perro que en la versión original de la película se encarga de doblar el propio Park.
El prólogo, uno de los mejores momentos de la cinta, es casi una aventura en sí misma que funcionaría como cortometraje autónomo, y aunque Cavernícola no resulta tan redonda como las anteriores propuestas de Park, si que dispone del suficiente atractivo para el espectador, especialmente el aficionado al fútbol. Exalta simultáneamente los valores de trabajar en equipo y los de ser imaginativo y tener ideas propias, sin despreciar la crítica social representada por el personaje del villano Lord Nooth, que ofrece al pueblo ‘pan y circo’ mientras se lucra con sus impuestos ‘voluntarios.’
Buenos personaje y buenos gags en esta recomendable nueva película de los artesanales estudios de animación Aardman.
EL CUADERNO DE SARA (Norberto López Amado, 2018)
España. Duración: 115 min. Guion: Jorge Guerricaechevarría Fotografía: David Omedes Productora: Telecinco Cinema / Ikiru Films Género: Aventuras
Reparto: Belén Rueda, Manolo Cardona, Enrico Lo Verso, Marián Álvarez, Florín Opritescu,Malcolm Sitté, Iván Mendes, Marta Belaustegui, Nick Devlin
Sinopsis: Laura busca desde hace años a su hermana Sara, desaparecida en medio de la selva del Congo. Ni la ONG para la que trabajaba ni la Embajada tenían noticias de su paradero… hasta que aparece una foto de un poblado minero del Este del Congo con la imagen borrosa de Sara. Sin dudarlo un momento, Laura viaja hasta Kinshasa dispuesta a adentrarse en el territorio de los Señores de la Guerra, dejando atrás las diferencias que la separaron de su hermana, y sin sospechar que esa aventura le llevará hasta la más sucia, violenta y oculta trastienda de los grandes poderes occidentales.
De nuevo el egoísmo y el saqueo de África por parte de las potencias occidentales son los responsables de los dramas que suceden en el continente africano. En esta ocasión ya no es el oro ni los diamantes, es el Coltán, un mineral metálico negro y opaco relativamente escaso en la naturaleza que se utiliza en la fabricación de componentes para dispositivos electrónicos. La explotación abusiva de este mineral con propiedades únicas en el uso de aparatos móviles, es una de las causas principales de conflicto en el Congo, y esta es la base, el macguffin que habrá detrás de la historia que narra El cuaderno de Sara, una película con trasfondo de crítica social pero mucho también de aventuras con guion de Jorge Guerricaechevarría (‘Cien años de perdón’, ‘El Niño’) y que cuenta en su reparto, además de con Belén Rueda, con Manolo Cardona (‘Narcos’), Marian Álvarez (‘La herida’), el debutante Ivan Mendes y Nick Devlin (‘El Canal’), además de la colaboración especial de Marta Beláustegui (‘El principio de Arquímedes’) y Enrico Lo Verso (‘Hannibal’). Dirigida por Norberto López Amado, la película se rodó durante ocho semanas en la República de Uganda y la isla de Tenerife, lugares de los que el director ha sabido sacar todo el provecho. Una atípica y correcta cinta de acción protagonizada por una Belén Rueda que demuestra, una vez más, que se atreve con todo tipo de género.
Serendipia
Proyecto Naschy 
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