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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 31 de mayo de 2019 *
LA CORRESPONSAL (A Private War, Matthew Heineman, 2018)
USA. Duración: 110 min. Guion: Arash Amel, Marie Brenner Música: H. Scott Salinas Fotografía: Robert Richardson Productora: Aviron Pictures / Acacia Filmed Entertainment / Denver and Delilah Productions / Savvy Media Holdings / Thunder Road Pictures Género: Drama biográfico
Reparto: Rosamund Pike, Jamie Dornan, Tom Hollander, Jesuthasan Antonythasan, Pano Masti, Stanley Tucci, Alexandra Moen, Corey Johnson, Hilton McRae, Raad Rawi
Sinopsis: Marie Colvin (Rosamund Pike) fue una periodista reconocida mundialmente por su trabajo en distintos conflictos bélicos. Testigo de algunas cruentas batallas recientes, especialmente de lo sucedido en Oriente Medio, Colvin contaba con el respeto tanto de los lectores como de sus compañeros de profesión por su enorme valentía y humildad. Sin embargo, su personalidad era caótica y autodestructiva: abusaba del alcohol y su vida personal era, según sus propias palabras, un «auténtico desastre». Tras recibir el impacto de una granada en Sri Lanka, comienza a llevar un distintivo parche en el ojo mientras se sienta a tomar martinis rodeada de la alta sociedad londinense a la que tanto aborrece, hasta que un día recibe el más peligroso de todos los encargos, que acepta junto a su también prestigioso fotógrafo de guerra, Paul Conroy (Jamie Dornan). Juntos viajan a Siria para cubrir lo que sucede en la ciudad de Homs, donde aprenderá el verdadero coste de la guerra, tanto física como psicológicamente.
La corresponsal, más allá de ser un biopic al uso, es un homenaje a los periodistas comprometidos. Héroes -casi- anónimos que deciden informar sobre lo que nadie informa y desde el mismo centro del huracán. Un huracán que, en muchos casos, acaba engulléndolos.
Cuenta la apasionante vida de la periodista Marie Colvin, que cubrió algunos de los conflictos bélicos más importantes de las últimas tres décadas para el diario Sunday Times. El guión adapta un artículo de la revista Vanity Fair titulado “Marie Colvin’s Private War”, escrito por Marie Brenner, que recoge los hitos por los que Marie Colvin pasó a la Historia del periodismo y el sacrificio personal que supuso para ella dedicarse a la información en zonas de conflicto. Un sacrificio que la periodista tomaba como una obligación moral.
Además de perpetuar la memoria de la reportera, La corresponsal es todo un alegato antibélico, pues lo que nos muestra no son las gestas de los ejércitos ni las noticias oficiales que los gobiernos desean que se compartan, pulidas, en los informativos: muestra y denuncia pequeñas historias protagonizadas por civiles. Mujeres, niños y ancianos, los más desvalidos, que ven como la guerra se precipita sobre sus cabezas sin poderlo evitar.
Rosamund Pike, en el papel protagonista, consigue trasmitir la desesperación de la periodista, su lucha por combatir los terribles recuerdos de los vivido en todas esas zonas en conflicto, así como las pesadillas que no dejan de perseguirla. Pero también su compromiso con la información. Un sobresaliente trabajo que la ha hecho merecedora de una nominación a los Globos de Oro. Matthew Heineman , por su parte, realiza una remarcable labor, haciendo de la cámara un testigo más de la acción, rodando de manera realista, contagiando al espectador la tensión de los momentos de peligro por los que atraviesan los jornalistas: controles en territorio enemigo, bombardeos, tiroteos… Un periplo que llevará a la protagonista de Sri Lanka -donde pierde el ojo izquierdo-, a Iraq, Afganistán, Libia y finalmente Siria.
La conclusión es desoladora, no tan solo por el destino de Marie Colvin, sino también por los diferentes conflictos bélicos que se retratan, que se desarrollan en diferentes puntos del planeta pero en los que vemos que siempre, indefectiblemente, los que terminan pagando las peores consecuencias son siempre los inocentes.
En palabras de su director Matthew Heineman: «La corresponsal celebra el periodismo y la figura de Marie, que arriesgó su vida una y otra vez para contar una verdad que muchos no queremos oír. Para mí ha sido muy importante detenerme en la vida personal de Marie y por ello he intentado analizar también sus conflictos internos. No quería plantear la película como un biopic, sino estudiar cómo esas adicciones tan paradójicas hacían de Marie una periodista brillante y un alma torturada que a menudo se preguntaba si al mundo le interesarían las cosas que ella contaba.»
ROCKETMAN (Dexter Fletcher, 2019)
UK. Duración: 121 min. Guion: Lee Hall Música: Elton John, Matthew Margeson Fotografía: George Richmond Productora: Marv Films / Rocket Pictures / Marv Studios / New Republic Pictures / Pixoloid Studios. Distribuida por Paramount Pictures Género: Biopic musical
Reparto: Taron Egerton, Jamie Bell, Richard Madden, Bryce Dallas Howard,Steven Mackintosh, Gemma Jones, Tom Bennett, Kit Connor, Viktorija Faith,Charlotte Sharland, Layton Williams, Bern Collaco, Ziad Abaza, Jamie Bacon,Kamil Lemieszewski, Israel Ruiz, Graham Fletcher-Cook
Sinopsis: La película, en clave musical, se centrará en la vida y obra de Elton John. El compositor y cantante británico.
El film se inicia con la llegada de Elton John a una reunión de alcohólicos anónimos, lo que servirá para poner al espectador en situación con el personaje y a este para narrar su existencia a modo de flashback. Desde su infeliz infancia como Reginald Dwight, niño superdotado para la música pero traumatizado por un padre que no lo quiere ni valora, a sus primeros pinitos en el mundo del rock y su encuentro con Bernie Taupin, compañero con ella que compondrá tantas y tantas bellas canciones, pasando por la obligada entrada de ambos en el mercado americano, el nacimiento de la bestia escénica y la irrupción en su vida del tríptico sexo, drogas y Rock&Roll. Y de ahí al desencanto, al vacío, a aceptar, por fin, su condición sexual con estrepitosa caída, por el camino, en todo lujo de excesos. Y todo regado, por supuesto, con muchas de las mejores canciones de Elton John.
La atmósfera de ‘Mad Max’ invade un Sitges 2019 post-apocalíptico
Sitges 2019 respira polvo del desierto y hierro oxidado. La próxima edición del certamen –que se celebrará entre el 3 y el 13 de octubre– celebrará el 40 aniversario de Mad Max. Salvajes de autopista, de George Miller. Una efeméride que ha inspirado el cartel, una retrospectiva y el libro oficial del Festival, y que impregnará Sitges durante once días.
La primera entrega de la saga distópica más emblemática de la historia del cine protagoniza el cartel de Sitges 2019, con el sello de la agencia China. “En la imagen, aparece un coche destruido por el óxido, abandonado en medio de un desierto infinito, sin rastro de ningún personaje. Una composición enigmática, simple y contundente, que bebe de una iconografía tan inconfundible como la saga de Miller y su paleta cromática de naranjas, ocres y amarillos. Se trata de un homenaje a una obra con un universo gráfico único, que se presta como pocos al formato sintético e icónico de la cartelería”, explica el director creativo ejecutivo, Rafa Antón. El fenómeno Mad Max, llegado de Australia, se vivirá en cada rincón de Sitges con entusiasmo.
Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya también conmemorará los 40 años de un título icónico del cine de género de 1979: Alien, el octavo pasajero, de Ridley Scott, un film que marcó una época y que continua bien presente en la actualidad, reuniendo a una legión de fans. De la misma manera, otros homenajes a cintas esenciales del fantástico tendrán su espacio para el recuerdo en Sitges 2019.
Exploitation italiana
La retrospectiva Apocalypse domani recogerá títulos clave de la exploitation italiana de ciencia ficción desarrollada a finales de los años 70 como consecuencia del éxito de títulos estadounidenses como Star Wars, Alien o 1997: Rescate en Nueva York, pero sobre todo de las dos primeras entregas de Mad Max. Fueron productos pensados para el mercado internacional, que en algunos territorios –como España– alcanzaron un enorme éxito comercial, dirigidos por veteranos del cine de género como Enzo G. Castellari (1990, Los guerreros del Bronx, Los nuevos bárbaros), Joe D’Amato (Bronx lucha final), Sergio Martino (2019, tras la caída de Nueva York), Lucio Fulci (Roma año 2072: Los gladiadores) o Luigi Cozzi (Contaminación: Alie n invade la Tierra).
En los últimos años, muchas de estas cintas se han convertido en títulos de culto buscados por los aficionados de todo el mundo, generando un fenómeno de reivindicación y recuperando su importancia artística e industrial.
Libro oficial
Apocalypse Domani. La década dorada de la exploitation italiana de ciencia-ficción (1977-1990) es el título del libro oficial del Sitges 2019 que, bajo la coordinación de Ángel Sala, verá la luz el próximo mes de octubre. Esta será la segunda colaboración entre el Festival y Editorial Hermenaute, después de la publicación el año pasado del ensayo Michele Soavi. Cineasta de lo macabro.
El libro analiza el fenómeno de la exploitation italiana desde la perspectiva del género de la ciencia ficción, repasando sus precedentes, sus contenidos y el impacto que suscitaron este tipo de producciones. Un recorrido didáctico a través de sus películas más representativas, cintas que aún hoy en día cuentan con miles de fans en todo el mundo. La publicación también quiere reivindicar la figura de un buen número de directores italianos, entre los que destacan Antonio Margheriti, Sergio Martino, Enzo G. Castellari, Luigi Cozzi, Ciro Ippolito o Joe D’Amato.
Apocalypse Domani recupera títulos centrados en ciudades distópicas, apocalipsis y cine de bandas; en sus pasajes el lector encontrará el análisis de películas influenciadas por peplum, el spaghetti western y el horror. Guerreros bárbaros, ciborgs, alienígenas, moteros, monstruos de todo tipo, émulos de Conan el Bárbaro o míticos héroes clásicos. Un mundo de fantasía que, durante una década, dio al cine italiano su versión más desinhibida y comprometida con el fantástico.
El libro consta de las firmas de críticos de cine y especialistas en la materia como Violeta Kovacsics, Diego López, Ruben Lardín, Jesús Palacios, Xavi Sánchez Pons, Lluís Rueda, Mònica Garcia, Jordi Sánchez Navarro, Desirée de Fez, Manlio Gomarasca, Domingo López y el mismo Ángel Sala.
Fantastic 7
El Festival de Sitges ha creado Fantastic 7, conjuntamente con el Marché du Film del Festival de Cannes y el fundador de Blood Window, Bernardo Bergeret. Se trata de un foro destinado a fomentar el talento dentro de la industria del género y favorecer su conexión con socios comerciales potenciales. Fantastic 7 celebró su primera edición en la pasada edición del Festival de Cannes, con una numerosa asistencia de la industria del género llegada de todos los puntos del planeta.
La sesión, apadrinada por el director J.A. Bayona, reunió a siete festivales internacionales: Bucheon International Fantastic Film Festival (Corea del Sur), el Cairo International Film Festival (Egipto), el Festival Internacional de Guadalajara (México), el International Film Festival & Awards de Macao (China), el South by Southwest d’Austin (Estados Unidos), el Festival de Toronto (Canadá) y el Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya. Cada festival defendió, a través de un pitching, una propuesta de género fantástico. Sitges presentó la nueva producción del cineasta vasco Juanma Bajo Ulloa, Baby.
Al acto de Cannes asistió el Ministro de Cultura y Deporte, José Guirao; la directora del ICAA, Beatriz Navas el director del ICEC, Miquel Curanta; el director de su área audiovisual, Francisco Vargas, así como otros representantes de instituciones y organismos relacionados con la industria audiovisual.
Taboo’ks
Las vías confluyentes entre las industrias audiovisual y editorial volverán a coincidir en Sitges de la mano de Taboo’ks, la iniciativa del Festival de Sitges que acerca la literatura y el cine fantástico. El programa –que abrirá el periodo de presentación de candidaturas la primera semana de junio– selecciona de entre todos los proyectos recibidos cuatro obras (novela, teatro o novela gráfica) y un study-case de un proyecto en vías de adaptación para presentarlos a los productores asistentes al Festival, con la finalidad de promover los acuerdos de adaptación de obras literarias a proyectos audiovisuales.
Aprovechando el marco del certamen internacional, Taboo’ks se convierte en un mercado de derechos especializado en el género fantástico. La actividad incluye una agenda de contactos y una masterclass impartida por una personalidad significativa del sector cinematográfico y literario.
‘Bosque maldito’, mejor película en el pasado Fant, llegará a los cine el 19 de julio
Bosque maldito, el primer largometraje del cineasta irlandés Lee Cronin (multipremiado por el cortometraje «Ghost Train») se estrenará en cines el próximo 19 de julio. Tras su paso por el Festival Internacional de Cine de Sundance, Bosque maldito se ha alzado con el Premio al Mejor Largometraje de la 25ª edición del FANT (Festival de Cine Fantástico de Bilbao). En el reparto destacan las interpretaciones de Seána Kerslake (Dollhouse), James Quinn Markey (Vikingos) y James Cosmo (Juego de Tronos, Los Durrell).
Bosque maldito cuenta la historia de una madre soltera que está convencida de que algo siniestro surgido de las profundidades de un misterioso agujero ha transformado a su hijo. Se exploran así los límites entre lo racional y lo inexplicable. ¿Es posible que tan solo esté sufriendo el síndrome de Capgras, un trastorno que provoca que una persona crea que uno de sus familiares cercanos ha sido sustituido por un doble, un impostor? ¿O puede que la vieja leyenda irlandesa de los niños cambiados sea cierta?
Sinopsis: En un intento de dejar atrás su difícil pasado, Sarah O’Neill empieza una nueva vida junto a su hijo Chris a las afueras de un pueblecito de leñadores. En las profundidades del bosque colindante con su nueva casa, encuentran un misterioso cráter. A partir de ahí, Sarah tendrá que luchar por descubrir si los extraños cambios en la actitud de su hijo son parte de una transformación fruto de algo mucho más siniestro y peligroso que los simples miedos de una madre.
PREMIOS Y FESTIVALES
- Festival Internacional de Cine de Sundance 2019.
- FANT 25 – Festival de Cine Fantástico de Bilbao 2019: Mejor Largometraje.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 24 de mayo de 2019 *
LA VIUDA (Greta, Neil Jordan, 2018)
USA/Irlanda. Duración: 98 min. Guion: Ray Wright, Neil Jordan Música: Dominik Scherrer Fotografía: Seamus McGarvey Productora: Anonymous Content / Sidney Kimmel Entertainment / Lawrence Bender Productions / Little Wave Productions. Distribuida por: Focus Features Género: Thriller
Reparto: Isabelle Huppert, Chloë Grace Moretz, Maika Monroe, Stephen Rea, Colm Feore,Zawe Ashton
Sinopsis: Frances (Chloë Grace Moretz) es una dulce e ingenua joven que, tras la muerte de su madre, se muda a Manhattan. Cuando encuentra en el metro un bolso extraviado, decide entregárselo a su legítima dueña, Greta (Isabelle Huppert), una pianista viuda con una desesperada necesidad de compañía. Rápidamente se convierten en amigas, pero su amistad cambia cuando se descubren las siniestras intenciones de Greta.
Isabelle Huppert prosigue su itinerario más internacional regresando a uno de sus géneros favoritos tras entusiasmar con Elle de Paul Verhoeven, y lo hace de la mano de Neil Jordan dando vida a un personaje que nadie hubiera podido encarnar mejor. Y con el que también, en parte, se parodia a sí misma. Pues detrás de la culta y muy europea Greta se esconde una mala víbora que hará la vida imposible al sensible personaje que encarna Chloë Grace Moretz, actriz que se contagiará de la clase de la actriz francesa realizado una labor a la altura de su compañera, en la que es una de sus mejores interpretaciones, de una profundidad que podría considerarse como uno de sus papeles más adultos y elaborados. Nos congratula ver que Chloë, por la que apostamos ya desde que nos dejó paralizados en Kick Ass, ha dejado de ser una promesa para convertirse en toda una actriz
En cuanto a la historia, la verdad es que cuanto menos sepan sobre ella más la disfrutarán. Estamos antes un thriller psicológico realizado de manera modélica, como no podría ser menos en Jordan, narrado muy a la antigua usanza, pero que da sopas con honda a películas y directores de moda como Jordan Peele y sus trabajos, ofreciendo una lección magistral de como debe realizarse un buen thriller y construir una buena historia. Tensa, ingeniosa y con agradables gotas de humor, a veces muy negro, la película trasmite al espectador toda la angustia que sufre la joven protagonista.
Una película de mujeres, y de soledad. Que analiza la pérdida, el dolor y el vacío que provoca. En una el marido y en la otra su madre, lo que creará un vínculo entre ambas antes de que lo extraño entre en juego, dando la vuelta a la trama y cambiando radicalmente la película de género, pasando a ser un tenso thriller realizado con muy buen pulso y un final ejemplar, al que llegaremos tras habernos devorado las uñas.
Ambas protagonistas comparten reparto con Maika Monroe (‘It Follows, ‘The guest’), que también realiza un remarcable trabajo como amiga pija de la Moretz, Colm Feore (‘House of cards’, ‘Thor’) y Stephen Rea, un rostro habitual en las películas de Jordan y que rinde con su personaje todo un homenaje al mago del suspense.
En palabras del director: “Lo que me atrajo de ‘La viuda’ fue la simplicidad de la historia. Una joven, una viuda y un bolso de cuero verde extraviado. La idea de que cualquier encuentro casual pudiera ser el germen de una gran amistad, o bien, de los terrores de una necesidad obsesiva, era muy interesante. Aquí no hay fantasmas, ni elementos sobrenaturales, ni monstruos, solo la soledad humana como la fuente de todo terror. Y en realidad, si lo piensas, es suficientemente terrorífico”.
TOMMY (Ken Russell, 1975)
UK. Duración: 111 min. Guion: Pete Townshend, Ken Russell Música: Pete Townshend, The Who Fotografía: Dick Bush, Ronnie Taylor, Robin Lehman Productora: Robert Stigwood Organization (RSO) / Hemdale Film Género: Musical
Reparto: Roger Daltrey, Ann-Margret, Oliver Reed, Paul Nicholas, Tina Turner, Elton John,Eric Clapton, Keith Moon, Barry Winch, John Entwistle, Robert Powell,Jack Nicholson, Victoria Russell, Pete Townshend
Sinopsis: La película cuenta la historia de Tommy (Roger Daltrey), un niño de 5 años que vive con su madre, Nora (Ann-Margret), y su padrastro, Frank (Oliver Reed). Su padre, dado por muerto en la guerra, regresa al hogar inesperadamente. Se pelea con Frank al ver que se ha casado con su mujer, y con el niño como testigo involuntario, Frank mata al padre de Tommy. La experiencia sufrida provoca en él un trauma psicológico que le deja sordo, mudo y ciego, pero con el tiempo, Tommy desarrolla una habilidad asombrosa.
En el 50 aniversario de la edición del influyente doble álbum Tommy de The Who, primera ópera rock, A Contracorriente Films trae de nuevo a la pantalla la exitosa película que adaptó y dirigió Ken Russell en 1975.
Tommy, que se beneficia del delirante universo particular del director británico, no ha perdido frescura, precisamente, por contener imágenes inolvidables y una magnífica banda sonora que además de dinamizar los temas originales, añade otros interpretes como Eric Clapton, Elton John o Tina Turner, junto a los propios The Who y especialmente su cantante, Roger Daltrey, que protagoniza la película interpretando al chico sordo, ciego y mudo. Daltrey inició con este filme una pequeña carrera cinematográfica que se prolongó con una nueva e inmediata colaboración con Ken Russell (Liztomania, 1975) y el drama carcelario McVicar (Tom Clegg, 1980) entre otros trabajos menores.
Tommy también cuenta con la presencia de una feroz Ann-Margret, no en vano nominada al Oscar por su trabajo en este filme, un divertido Oliver Reed y un sorprendente Jack Nicholson.
Esta nueva copia, restaurada con el sonido original 5.0 (Quintaphonic), se podrá ver en cines a partir del jueves 23 de mayo y por esas mismas fechas se pondrá a la venta una nueva edición en blu-ray, con más de dos horas de contenidos extra.
EL HIJO (Brightburn, David Yarovesky, 2019)D
USA. Duración: 90 min. Guion: Brian Gunn, Mark Gunn Música: Tim Williams Fotografía: Michael Dallatorre Productora: H Collective . Distribuida por: Sony Pictures Entertainment (SPE). Productor: James Gunn Género: Terror
Reparto: Elizabeth Banks, David Denman, Meredith Hagner, Matt Jones, Jennifer Holland,Steve Agee, Becky Wahlstrom, Stephen Blackehart, Jackson A. Dunn,Terence Rosemore, Annie Humphrey, Christian Finlayson, Emmie Hunter,Mike Dunston, Gregory Alan Williams, Elizabeth Becka, Gwen Parrish,Leah Goodkind, Shaun McMillan
Sinopsis: ¿Qué pasaría si un niño con poderes de otro mundo aterrizara de emergencia en la Tierra, pero en lugar de convertirse en un héroe para la humanidad fuera algo mucho más siniestro? Después de una dura lucha con su fertilidad, los sueños de ser madre de Tori se hacen realidad con la llegada de un misterioso bebé. Brandon parece ser todo lo que Tori y su marido Kyle siempre quisieron: brillante, con talento, curioso por el mundo que le rodea. Pero cuando Brandon se acerca a la pubertad, una poderosa oscuridad se manifiesta en su interior, y a Tori empiezan a consumirle las dudas acerca de su hijo. Una vez que Brandon empieza a dar salida a sus retorcidas necesidades, pone en peligro a aquellos más cercanos a él. El niño prodigio se transforma en un despiadado predador desatado en una ignorante ciudad de Kansas.
El hijo es el reverso tenebroso del extraterrestre de Kripton que al crecer decidió hacer el bien con la ropa interior por encima de las mallas. Siguiendo el esquema del Superman (1978) de Stanley Donner, el pequeño llega caído del cielo y es encontrado por una pareja deseosa de tener descendencia, que lo adoptará como si fuera suyo. Todo irá más o menos normal para el niño, que comenzará a ganarse fama de rarillo en el colegio por ser un superdotado en los estudios. Será al llegar a la adolescencia cuando, además de los cambios habituales de la edad, notará que posee unos extraños poderes… que no utilizará para el bien común, pues todavía no es responsable de la gravedad de sus actos, actúa de forma caprichosa y egoísta y descubrirá sus poderes mediante la ira.
Esa es la premisa desde la que parte la simpática película que ha producida James Gunn, director del díptico protagonizado por los Guardianes de la Galaxia, que afortunadamente ha sido consciente de estar haciendo una película de terror con todas sus consecuencias y toda la hemoglobina en su lugar, dando pié a dos memorables escenas que satisfarán a los más encallecidos amantes del género.
Una ingeniosa vuelta de tuerca al manido tema de los superhéroes que cumple con creces su función de entretener gracias a sus dosis de mala uva que servirán, de paso, para ratificar la sabia decisión de muchos de los espectadores de no abrazar la paternidad.
‘Terminator: Destino oscuro’ Tráiler y póster
Bienvenido al día siguiente al Juicio Final.
El productor James Cameron y Linda Hamilton regresan junto al director Tim Miller en TERMINATOR: DESTINO OSCURO, que sigue a los acontecimientos de Terminator 2: El Juicio Final. Terminator: destino oscuro llega a los cines el 1 de noviembre.
“Recuerdo haber visto ‘Terminator 2: El Juicio Final’ en Westwood, justo cuando acababa de mudarme a Los Ángeles. Fue una experiencia increíble. Me impresionó especialmente porque Jim había hecho ‘Aliens: El Regreso’ algunos años antes y es, sin lugar a dudas, mi película de acción favorita de todos los tiempos. Me impactó mucho, no se parecía a ninguna película de ciencia ficción que hubiese visto antes, parecía un futuro crudo y realista. Y, por supuesto, ‘Terminator 2: El Juicio Final’ fue igualmente increíble, poder continuar esta franquicia es un honor que nunca hubiera imaginado.
Ver a Arnold y a Linda en el set juntos en una escena por primera vez fue fantástico. Al verlos en las pantallas, tan impresionado como cualquier fan hubiera estado en mi lugar, era difícil creer que estuviese pasando. Me quedé anonadado viendo esa toma y cada medio minuto pensaba otra vez, ‘dios mío, ¡estoy haciendo una película de Terminator!
Leo cómics y novelas de ciencia ficción constantemente, así que al sumergirme en estos proyectos lo hago como lo haría un verdadero fan. Me puedo imaginar a mí mismo leyendo acerca de una trama o un personaje o enterándome del casting y cómo de emocionado (o no) estaría. He intentado aproximarme a la historia desde esa perspectiva y esta será una película muy diferente a las que sucedieron a ‘Terminator 2: El Juicio Final’, fundamentalmente porque Linda está de vuelta. Me encanta nuestra película, como igualmente me encantan las dos primeras, y quiero ver cómo continúa la historia de Sarah. Y eso es lo que haremos”.
Tim Miller, director de TERMINATOR: DESTINO OSCURO
Linda Hamilton (“Sarah Connor”) y Arnold Schwarzenegger (“T-800”) vuelven a interpretar a sus icónicos personajes en Terminator: Destino Oscuro, dirigida por Tim Miller (Deadpool) y producida por los visionarios cineastas James Cameron y David Ellison. Siguiendo a los acontecimientos de Terminator 2: El Juicio Final, Terminator: Destino Oscuro también cuenta en su reparto con Mackenzie Davis, Natalia Reyes, Gabriel Luna y Diego Boneta.
‘Sordo’, protagonizada por Asier Etxeandía, se estrena el próximo 13 de septiembre
La película de Alfonso Cortes-Cavanillas, producida por La Caña Brothers, llegará a salas distribuida por Filmax
El largometraje Sordo, dirigido por Alfonso Cortés-Cavanillas y producido por La Caña Brothers, se estrenará en salas de toda España el 13 de septiembre, después de haber sido presentada en la sección oficial del Festival Internacional de Cine de Málaga el pasado mes de marzo.
Sordo, protagonizado por Asier Etxeandia, cuenta con un reparto de excepción encabezado por Aitor Luna, Hugo Silva, Imanol Arias, Marian Álvarez y Olimpia Melinte.
Inspirada en el cómic Sordo, y ambientada en el momento histórico de la denominada Operación Reconquista, en 1944, narra la huida de un maqui perseguido y asediado por el Ejército, tras haber quedado sordo en una acción de sabotaje.
Sordo es una película épica, con narrativa de western y de grandes personajes. La lucha por la supervivencia y la incomunicación que surge en tiempos de conflicto son claves en la historia de su protagonista, Anselmo Rojas.
LA IMPORTANCIA DEL SONIDO Y LA FOTOGRAFÍA
El trabajo de sonido y la fotografía de la película, son dos elementos fundamentales en el largometraje, y vienen de la mano de creadores de La Caña Brothers de larga trayectoria, como son Daniel Rodrigo y Adolpho Cañadas.
A través del sonido, el espectador puede sentir fielmente el aislamiento y la agonía del protagonista en su huida. La película, con una acción frenética y grandes persecuciones, tiene momentos de absoluto silencio y otros con un gran diseño sonoro
Sordo es el segundo largometraje del director y de la productora La Caña Brothers que, tras una larga trayectoria en la producción audiovisual con programas informativos y documentales, apuesta actualmente por los formatos de ficción, tanto en cine como en televisión.
El Fantastic 7 triunfa en un Cannes comprometido con el género
La iniciativa, que reúne a siete festivales de todo el mundo, llenó el Palais K en el certamen francés
El Festival de Sitges ha protagonizado en Cannes una jornada dedicada al fantástico. La presentación del proyecto Fantastic 7, el pasado domingo, disfrutó de una acogida entusiasta y una numerosa asistencia de la industria del género llegada de todos los puntos del planeta. El terror, la ciencia ficción y la fantasía se encuentran más en forma que nunca en la capital mundial del cine.
El Festival de Sitges, a través de la subdirectora de la Fundación, Mònica Garcia, y conjuntamente con el Marché du Film del Festival de Cannes y el fundador de Blood Window, Bernardo Bergeret, ha creado Fantastic 7, un foro destinado a fomentar el talento dentro de la industria del género y favorecer su conexión con socios comerciales potenciales. Fantastic 7 celebró su primera edición el pasado domingo, 19 de mayo, en un Palais K atestado. Asistieron el Ministro de Cultura y Deporte, José Guirao; la directora del ICAA, Beatriz Navas; el director del ICEC, Miquel Curanta; el director de su área audiovisual, Francisco Vargas, así como otros representantes de instituciones y organismos relacionados con la industria audiovisual.
La sesión, apadrinada por el director J.A. Bayona, reunió a siete festivales internacionales: Bucheon International Fantastic Film Festival (Corea del Sur), el Cairo International Film Festival (Egipto), el Festival Internacional de Guadalajara (México), el International Film Festival & Awards de Macao (China), el South by Southwest de Austin (Estados Unidos), el Festival de Toronto (Canadá) y el Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya. Cada festival defendió, a través de un pitching, una propuesta de género fantástico. El proyecto que presentó Sitges –en forma de una performance que provocó gritos y sonrisas entre los asistentes– es la nueva producción del cineasta vasco Juanma Bajo Ulloa, Baby, producida por Ferran Tomàs.
Durante la tarde del mismo domingo, los festivales de cine fantástico se volvieron a encontrar en el Fantastic Fanatics Mixer, un acontecimiento que reúne desde hace algunos años a los actores clave en el campo del género. El Festival de Cannes demuestra, cada vez más, una tendencia ampliamente favorable al cine fantástico, tanto en cuanto a la programación como a los eventos paralelos. Una orientación que se adapta plenamente al panorama cinematográfico actual, donde el género suscita un gran interés que se hace patente tanto en la taquilla como en los grandes certámenes.
Las lecturas de Serendipia: ‘Dracula’ de Mike Mignola y Roy Thomas
En 1992 se estrenaba Bram Stoker’s Dracula, monumental homenaje de Francis Ford Coppola más que a la propia novela del escritor irlandés, al universo cinematográfico creado por las diferentes versiones que sobre el personaje rodaron desde F. W. Murnau a John Badham sin descuidar, naturalmente, a Tod Browning y Terence Fisher.
La película agradó y desagradó por igual, pues si bien por un lado era visualmente rica y respetaba el modelo epistolar de la novela, por el otro la traicionaba a lo grande mostrando al vampiro como un ser enamoradizo y pasional, algo que el personaje original no lo era ni por asomo, poniendo además en su boca (o mejor dicho, en la de Gary Oldman), algunas frases que han pasado a engrosar el museo de los horrores. Pero en todo caso y dejando al margen la escasa fidelidad al texto original algo, por otra parte, habitual en todas las adaptaciones de la novela de Stoker a la pantalla, creemos firmemente que el tiempo ha tratado bien la cinta, poniéndola en su lugar entre las mejores versiones del mito.
Un año después de su estreno, la película de Coppola fue adaptada al noveno arte por un equipo compuesto por el dibujante Mike Mignola y el guionista Roy Thomas y publicado en formato miniserie de cuatro números por Topps Comics con una tirada, sino limitada, si bastante reducida. El resultado fue magnífico. Soberbio. Pues ambos creadores resultaron ideales para convertir esa adaptación en mucho más que una copia rotoscópica del filme. De hecho Mignola había participado en la producción cinematográfica, por lo que captó en sus viñetas la atmósfera del filme, enriqueciéndola con la oscuridad que tan bien sabía desplegar, tal y como había demostrado en su magistral interpretación del hombre murciélago: Gotham by Gaslight (Batman. Luz de gas, publicado en 2003 por Norma), trazo que confirmaría en su creación maestra, Hellboy, y en otros comics como el reivindicable The Amazing Screw-On Head (El asombroso cabeza de tornillo) publicado también en España, al igual que la serie Hellboy, por Norma Comics. Pero el trabajo de Mignola en Drácula resulta de especial importancia, pues tanto el dibujo como la atmósfera fueron, sin ningún género de duda, un punto de partida para Hellboy.
Roy Thomas, por su parte, tiene su nombre unido al sello Marvel desde los años sesenta, donde ha realizado sobre todo guiones para personajes de espada y brujería como Red Sonja, Salomon Kane y, especialmente, Conan, así que está habituado a las atmósferas sobrenaturales. Además, no sería esta la primera ni única ocasión en la que se toparía con el no muerto, pues participó tanto en la serie Drácula Lives! de Marvel en los setenta como, posteriormente y junto a Esteban Maroto, en Dracula: Vlad the Impaler (2019), donde volvería a encontrarse con el personaje histórico que inspiró a Bram Stoker.
El Dracula de Topps salió en España en forma de tomo de la mano de Ediciones B, y al igual que en el resto del mundo, no pudo volver a ser editado desde entonces por problemas legales, provocando que se convirtiera en uno de los comics más buscados y cotizados por los coleccionistas, algo que afortunadamente se ha visto solventado con la lujosa edición que ha efectuado Norma tan solo unos meses después de que lo hiciera IDW en Estados Unidos.
Editado en tapa dura, con lomo de tela, un tamaño bastante más grande que el habitual y un papel excelente, que destaca aún más los cortantes contrastes entre el blanco y negro, entre la luz y la oscuridad con la que Mignola tiñe la historia, ya serían estas características más que suficientes como para considerar la edición de Norma mucho más que una simple reedición. Pero sin duda lo que la hace especial es que, al igual que la versión americana, ha sido reproducida en blanco y negro y no en color, como el original, dando una nueva dimensión al productor acercándolo a los viejos cómics de terror de Warren, que tantas alegrías dieron al aficionado, así como al mejor cine clásico, en el que como hemos señalado, se inspira la cinta de Coppola.
Personalmente somos de la opinión de que el blanco y negro sienta de maravilla a la historia. Las líneas de Mignola y sus manchas de negro resultan más impactantes, ofreciendo una experiencia más intensa al lector. Lector que si a pesar de todo prefiere tener el álbum en color, tan solo deberá ser paciente, pues al parecer también se editará de esa forma en un futuro.
El propio Mignola celebra esta nueva edición de Drácula:
“No puedo expresar qué alivio es poder volver a editar este cómic. La gente ha estado preguntando por él durante años, más que cualquier otro cómic mío, y sinceramente pensaba que no iba a ser posible ver una nueva edición, pero aquí llega. No suelo ser fan de mis antiguos trabajos, pero creo que éste se sostiene por sí mismo. Dejando de lado que estaba adaptando una película (lo cual tiene su propio abanico de problemas), creo que hay algo de buen dibujo y narrativa en él. Es una de las pocas viejas obras de las que estoy bastante orgulloso”.
Cada plancha del álbum merece ser vista detenidamente, disfrutada. Además, el libro incluye algunas fotocopias realizadas por el encargado de entintar el trabajo de Mignola, John Nyberg, efectuadas antes de realizar su trabajo y que servirán para admirar el trabajo a lápiz del artista. También podremos disfrutar de los originales de algunas de las portadas de los comic book de Topps.
En resumen, una pieza que no debería falta en la biblioteca de todo aficionado serio al cine fantástico y al menor cómic y que gracias a Norma Comics vuelve a estar disponible.
VAMOS DE ESTRENO (o no) *Viernes 17 de mayo de 2019 *
SOMBRA (Shadow, Zhang Yimou, 2018)
China/HK. Duración: 116 min. Guion: Zhang Yimou, Wei Li Música: Lao Zai Fotografía: Xiaoding Zhao Productora: Village Roadshow Pictures Asia / LeVision Pictures Género: Drama
Reparto: Deng Chao, Li Sun, Ryan Zheng, Guan Xiaotong
Sinopsis: El condado de Pei (Peixian) está bajo la administración de un rey salvaje y peligroso (Zheng Kai). El comandante militar de su ejército (Deng Chao), aunque ha demostrado su valía en el campo de batalla, se ve forzado a emplear toda clase de sucias estratagemas para poder sobrevivir a las traiciones que se suceden en la corte del rey. Para ello ha creado una «sombra» (interpretada por el propio Chao), un doble que es capaz de engañar al mismísimo rey y a sus enemigos cuando la situación lo requiere. Cuando el rey y el comandante deciden asediar la ciudad amurallada de Jing, comenzará un combate sin igual que sacudirá los cimientos de la corte de Peixian.
El yin y el yang son dos conceptos del taoísmo que son usados para representar o referirse a la dualidad que esta filosofía atribuye a todo lo existente en el universo. Describe las dos fuerzas fundamentales opuestas y complementarias, que se encuentran en todas las cosas. Y esta fuerza, eternamente enfrentada, pero complementaria, es la que ha utilizado Yimou para mostrar el combate por la recuperación de la ciudad de Jing, pero también la lucha de ese doble, de esa ‘sombra’ por recuperar la personalidad arrebatada por el general que lo ha entrenado para suplirle en situaciones de riesgo. También se reflejará esta dualidad en la espectacular toma de la ciudad de Jing, utilizando ‘lo femenino’ contra lo masculino. La estrategia contra el músculo.
En su reinterpretación del clásico Tres reinos, Zhang Yimou ofrece al espectador altas dosis de filosofía, a la que ha añadido magníficas coreografías de lucha y espectaculares escenas de acción que dejan en pantalla, y en nuestro subconsciente, un buen número de imágenes antológicas, evocadoras, reforzadas por ese tono gris que predomina en la fotografía, un gris tan solo roto con la carne y la sangre, únicas notas de color en un universo triste, en el que la continua y plomiza lluvia conseguirá repercutir en el ánimo del espectador. De manera inexorable e inevitable, como el enfrentamiento final. Gris como el acero.
A resaltar, finalmente, el magnífico trabajo de su protagonista, Chao Deng, que aborda un doble papel de manera magistral. Arte con mayúsculas.
HELLBOY (Neil Marshall, 2019)
USA. Duración: 120 min. Guion: Andrew Cosby, Christopher Golden (Cómic: Mike Mignola) Música: Benjamin Wallfisch Fotografía: Lorenzo Senatore Productora: Millennium Films / Campbell Grobman Films / Dark Horse Entertainment / Lawrence Gordon Productions Género: Fantástico
Reparto: David Harbour, Ian McShane, Milla Jovovich, Sasha Lane, Daniel Dae Kim,Thomas Haden Church, Penelope Mitchell, Sophie Okonedo, Brian Gleeson,Kristina Klebe, Alistair Petrie, Ashley Edner, Douglas Tait, Bern Collaco,Mario de la Rosa, Atanas Srebrev, Michael Heath, Ava Brennan, Mark Basnight,Eddy Shore, Tihomir Vinchev, Anthony Delaney, Vanessa Eichholz
Sinopsis: La Agencia para la Investigación y Defensa Paranormal (AIDP) encomienda a Hellboy la tarea de derrotar a un espíritu ancestral: Nimue, conocida como «La Reina de la Sangre». Nimue fue la amante del mismísimo Merlín durante el reinado del Rey Arturo, de él aprendió los hechizos que la llevaron a ser una de las brujas más poderosas… Pero la locura se apoderó de ella y aprisionó al mago para toda la eternidad. Hace siglos consiguieron acabar con esta villana, enterrándola profundamente, pero ha vuelto de entre los muertos con la intención de destruir a la humanidad con su magia negra.
Con un inicio con sabor a cine de terror clásico, situado en la Edad Media, pasamos a México, donde comenzará la acción y los mamporros con luchadores enmascarados, vampiros y Hellboy, que, socarrón y pendenciero, se hará con la película desde su primera aparición. Para esta primera aventura post-Del Toro, sus guionistas han dotado a la misma de todo el sabor pulp, con órdenes herméticas, referencias al ciclo Artúrico, fantasía épica, brujería, humor y Rock&Roll. Pero pronto la alegría comienza a decaer cuando vemos que, si bien la violencia está presente, no salpica la pantalla, pues la versión que nos ha llegado ha sido rebajada de hemoglobina, seguramente para que pueda exhibirse ante un público infantil. Y es un error, pues estamos hablando de una creación que en ningún momento ha estado destinada a ese público. Es un cómic para adultos y se espera que las películas también lo sean pero…
También el ritmo va acelerándose conforme avanza la acción hasta llegar a estar quizás un poco sobrada de pirotecnia y artificio, sobre todo en su tramo final y su prolongado clímax. Y a pesar de que retoma aspectos esenciales del personaje, como su dualidad, volviendo a plantear el enfrentamiento del personaje y sus dudas entre ceder al fatalismo o tomar las riendas de su destino, el resultado no deja de ser más superficial que en sus predecesoras.
Sin embargo, en la producción vemos buena voluntad, además de la participación de un competente David Harbour como Hellboy, igual que Sasha Lane como Alice. Lane es una actriz a la que habrá que seguirle la pista, pues tanto en papeles dramáticos en el cine indie (The Miseducation of Cameron Post o Hearts Beat Loud) como ahora en su salto al blockbuster, con mucho humor y acción, demuestra una gran personalidad y mucho oficio. Por su parte Milla Jovovich siempre es bienvenida a la fiesta, y aquí está más que bien como la maligna Reina Sangrienta.
En todo caso es un nuevo comienzo. Una nueva oportunidad para un personaje que tiene mucho que ofrecer y al que otorgamos un margen de confianza, pues su secuela parece estar más que cantada. O al menos anunciada. Ya saben, no marchen cuando se inicien los títulos de crédito finales.
Novedades Diábolo mayo-junio: zombies, Mariquita Pérez, Ágata Christie y Tim Burton
CÓMIC
Diábolo ha preparado para estos meses, en los que el invierno definitivamente va quedando atrás, unos lanzamientos editoriales para todos los gustos. Serendipia, naturalmente, está más que entusiasmado con el tercer volumen de la Biblioteca de Cómics de Terror de los Años 50, que en esta ocasión está dedicado a los apestosos zombis. Una lectura que sin lugar a duda va a ser muy estimulante. Como también lo será viajar al pasado, concrétamente a 1939 y visitar Colliure, donde el viejo poeta Machado agoniza en la más triste soledad, con Antonio Machado. Los días azules, uno de los comics que más interés ha despertado durante este año, como demuestra esta necesaria segunda edición. Más ligero resultará adentrarnos en la lectura de Miau, de José Fonollosa, que Diábolo reedita ahora a todo color.
CINE, COLECCIONISMO Y CULTURA POPULAR
Pero como es habitual, Diábolo también ha preparado algunos interesantes tomos dedicados al cine y la cultura popular. Con Los mundos de Agatha Christie, José Montijano, gran especialista en arte frívolo español del que ya comentamos alguno de sus libros, nos sorprende adentrándose en la vida y obra de la escritora por autonomasia de la novela policíaca y de misterio. Por su parte la muñeca Mariquita Pérez, que nuestras madres ni soñaron con poseer alguna vez, es la protagonista de Descubriendo a Mariquita Pérez, obra con la que sus autoras, Alicia Amigó y Salud Amores, repasan la historia, los modelos, vestidos y complementos de esta muñeca destinada a las clases más afortunadas de la España de postguerra. Finalmente Diábolo pone a la venta una edición ampliada del libro Tim Burton. Simios, murciélagos y jinetes sin cabeza, escrito por David G. Panadero y Miguel Ángel Parra del que ya les hablamos aquí y que se alarga para comentar Dumbo, la última película del genial director.
Hermenaute publica ‘Històries limítrofes’ sis relats en els límits del fantàstic
Editorial Hermenaute publica el llibre de relats Històries limítrofes de Pol Alonso Pernas, un homenatge al llegat de Joan Perucho i a un bon grapat de llegendes de Catalunya.
El llibre se suma a la col·lecció Medea de Fantàstic i ciència-ficció en català que es va inaugurar amb Malsons de Gat (diversos autors) i va donar a conèixer per primera vegada al lector en català l’obra de Tangi Malmanche, amb Kou el Corb i altres contes bretons (autor inèdit també en llengua castellana).
Històries limítrofes, de Pol Alonso Pernas, es presentarà al públic dins la 50 edició de la Ter-Cat, organizada per la Societat Catalana de Ciència Ficció i Fantasia SC2F2 el 24 i el 25 de maig.
Sinopsi
Com un preludi de l’any Perucho 2020, arriben les Històries limítrofes. Sis contes per explorar la zona difusa on els mites es tornen tangibles i la realitat pren connotacions esfereïdores. Un límit que ha persistit al llarg dels segles i persistirà encara, estenent-se entre nosaltres i el vast i misteriós mon de les llegendes, les conegudes i les que encara no s’han explicat.
«Aquest recull de relats de Pol Alonso Pernas situa al lector en el territori del que és intangible però, a la vegada, està arrelat a una idiosincràsia que ens determina com a arquetips en trànsit constant. Des dels Pirineus fins al riu Ebre, tots ens podem veure reflectits en aquests sis contes extraordinaris que tal vegada hem cregut escoltar en la veu d’un avi arrambat a la taula d’una fonda, com si fos una gàrgola perpètua, o bé hem somiat en forma de futur fosc i infinit, tal si fos una maledicció en vida. El mapa d’un territori també pot ser un estigma, una pell malalta o un país erm com el paisatge d’un malson. Esteu davant d’un llibre d’horror que us deixarà sense alè i què, en la línia de la literatura intempestiva de l’estimat Joan Perucho, vertebra amb estil detallista i enèrgic històries d’una realitat alterada; passatges d’una fonedissa connexió amb mites propers a la natura i la tradició; com les dones d’aigua o el tenebrós Dip». Lluís Rueda (editor)
Presentació d’Històries limítrofes
12:45 hores. 25 de maig (Llibreria la Font de Mimir- C/ Costa i Cuixart, 5)
http://www.hermenaute.com/libro.php?id_libro=26
Poster oficial para la 38 Edición de TerrorMolins
Tras el anuncio de las fechas de celebración y el leitmotiv del Festival, llega uno de los momentos más especiales para los responsables de TerrorMolins, la presentación del póster oficial, en esta ocasión obra del diseñador gráfico Joan Jarque.
El leitmotiv de esta edición es La Mirada Surrealista y en ese concepto se basa el póster de esta 38 edición de TerrorMolins 2019:
EL AUTOR DEL POSTER, JOAN JARQUE, EXPLICA SUS MOTIVACIONES
¿En qué elementos te has inspirado para elaborar el póster de la 38ª edición?
El cartel hace referencia a dos películas muy importantes en la historia del cine como son Un chien andalou y Blue Velvet, ambas relacionadas por distintos motivos al cine de terror. De hecho, al presentar el cartel en una reunión con los miembros del staff del terrorMolins, surgió la frase que creo que define la esencia del cartel: De la mano de Buñuel a la oreja de Lynch. Siendo estas dos las películas protagonistas del leitmotive de este año, la mirada surrealista, fue necesario hacerles un homenaje claro y evidente, por eso los elementos que componen el bodegón están relacionados con estas dos producciones.
¿Cómo ha sido el proceso de creación del póster?
Inspirado en la obra de Dalí pero utilizando la tecnología 3D, mi intención parte de la idea de crear un bodegón surrealista que recuerde a la época del cine clásico en blanco y negro, pero con un punto de color que rompe esta estética y lo convierte en una imagen surrealista de gran fuerza e impacto visual.
Las lecturas de Serendipia: ‘Robots de cine. De María a Alita’
ROBOTS DE CINE
DE MARÍA A ALITA
Jordi Ojeda
Diábolo Ediciones. Encuadernación en tapa dura. 304 pág. repletas de ilustraciones en blanco y negro y a todo color.
Que todo un doctor en ingeniería industrial con Máster en Producción Automatizada y Robótica escriba un libro de cine no debería espantar al lector, pues Jordi Ojeda es también un apasionado del cine fantástico y de terror, y como docente que es, está habituado a hacerse entender. Robots de cine, primer libro no técnico que escribe, posee una prosa ágil, con un lenguaje preciso pero cercano al lector, que ayudará y, lo que es mejor, motivará al profano a adentrarse en tan extenso como apasionante universo.
Didáctico y repleto de datos, la obra está mucho más allá de el clásico listado de películas al haber optado el autor por dividir el libro en diferentes capítulos temáticos. Arranca con entradas dedicadas a los autómatas, antecedente del robot, descubriendo un mundo cuanto menos fascinante; continuando con un acertado repaso a las leyes de la robótica, lo que obliga al lector a adentrarse, de manera superficial pero eficiente, en los universos literarios de Asimov, Bradbury o Philip K. Dick; pasando de los primeros robots cinematográficos y televisivos a los modernos androides y ciborgs. De Robby, B9 y Klaatu a C3PO y Alita. De Metrópolis (Fritz Lang, 1927) a La momia azteca contra el robot humano (Rafael Portillo, 1958). Todos estos ingenios más o menos elaborados, más o menos aparatosos, más o menos creíbles. Todos, tienen su espacio, ocupado de manera natural, en las páginas de Robots de cine. Un libro de lectura ágil y cómoda, al estar dividido, como hemos señalado, en capítulos no demasiado extensos, algunos de los cuales ha utilizado el autor para hablar detenidamente sobre películas fundamentales dentro del tema que está tratando, como 2001: una odisea del espacio (2001: A Space Odyssey, Stanley Kubrick, 1968), La guerra de las galaxias (y sus derivados más o menos afortunados) o Alien, el octavo pasajero (Ridley Scott, 1979). Sin olvidar el campo de la animación.
Cíborgs, exoesqueletos, drones, ginoides, robots orgánicos, realidad aumentada… encontraremos mucho más que robots en las páginas de este libro que, como es natural, también plantea las eternas dudas morales que conlleva la coexistencia del individuo con estas máquinas hechas a imagen y semejanza de su creador. La extrañeza y el denominado valle inquietante que sin duda estamos destinados a experimentar. Y es que, como bien dice el propio autor en el preámbulo de su libro, «no es un sueño, ya estamos viviendo en la era de la robótica«, así que hay que estar preparado y no se nos ocurre mejor forma de hacerlo que de la mano de un autor que, además, sabe muy bien de lo que habla: de robots y de cine.
Primer tráiler de ‘Los muertos no mueren’ de Jim Jarmusch
primer tráiler (VOSE) de LOS MUERTOS NO MUEREN, la última película del director y guionista Jim Jarmusch (Paterson, Gimme Danger), que regresa con una comedia de terror plagada de estrellas. El reparto cuenta con algunos de sus colaboradores habituales: Bill Murray, Adam Driver, Chloë Sevigny, Tilda Swinton, Iggy Pop, Steve Buscemi y Tom Waits, al que se unen nuevas incorporaciones como Selena Gomez, Danny Glover, Caleb Landry Jones y Carol Kane. La cinta llegará a las salas españolas el 28 de junio.
Sinopsis: En la apacible localidad de Centerville pasa algo raro. La luna vigila permanentemente sobre la línea del horizonte, las horas de luz solar se están volviendo impredecibles y los animales han comenzado a comportarse de manera extraña. Nadie sabe por qué. Los informativos de televisión son desconcertantes y los científicos están preocupados. A pesar de todo, nadie es capaz de prever la mayor y más extraña invasión que pronto comenzará a sacudir Centerville: los muertos ya no están muertos. Se alzan sobre sus tumbas y atacan salvajemente a los vivos para devorarlos; y los lugareños, que hasta el momento creían vivir una vida apacible, se ven obligados a luchar para sobrevivir.
Novedades Astiberri mayo 2019: ‘La auditora’ y ‘La cantina de medianoche 1’
La auditora
Jon Bilbao, Javier Peinado
Color. Cartoné
152 páginas. 24.0 x 17.0 cm
16 euros
Colección Sillón Orejero
ISBN: 978-84-17575-14-4
Astiberri Ediciones. Bilbao, 2019
A la venta el 16 de mayo
A mediados del siglo XXI la compañía multinacional Robot Systems logra fabricar robots indistinguibles de los seres humanos. Este logro tecnológico produce, no obstante, decepcionantes resultados prácticos. Los robots causan problemas desde el primer momento por la incertidumbre que generan entre las personas. Prolifera el rechazo y son sistemáticamente eliminados, al tiempo que surgen plataformas sociales pro derechos de los robots, cuyos militantes los han adquirido en todo el mundo para “liberarlos” y ocultarlos entre los humanos.
Mar, una empleada de Robot Systems, llega a un pequeño pueblo para investigar la posible presencia de un robot escondido. Durante sus indagaciones se enfrenta al miedo de los vecinos, a los caprichos de la familia que rige la localidad y a Automedonte, la temperamental inteligencia artificial que debe ayudarla.
El novelista y traductor literario Jon Bilbao firma con La auditora su primer guión pensado para novela gráfica, donde vierte su talento junto con el del dibujante Javier Peinado. La periodista Laura Fernández destaca que “el evocador y durísimo, envolvente y fatídico retrofuturo imaginado por el tándem Bilbao/Peinado tiene ecos fascinantemente kubrickianos, bladerunnerescos y una protagonista condenada a pasar demasiado tiempo lejos de casa en pueblos-fábrica en los que los seres humanos se han convertido en piezas de un engranaje fatalmente rural, post-postindustrial, de tintes orwellianos. Se diría –añade Laura Fernández– que todo lo que late en La auditora no lo hace por casualidad, o que el presente puede diseccionarse (a piezas) desde el futuro. Bienvenidos a la primera distopía burocrático-onírica patria, cazamascotas y teletransportadores incluidos”.
La cantina de medianoche 1.
Tokyo Stories
Yaro Abe
Blanco y negro. Rústica con solapas
300 páginas. 14,8 x 21 cm
18 euros
Colección Sillón Orejero
ISBN: 978-84-17575-24-3
Astiberri Ediciones. Bilbao, 2019
A la venta el 16 de mayo
Esa minúscula taberna no tiene nombre, su dueño tampoco. Sin embargo, en el barrio de Shinjuku, todo el mundo los conoce. Abierta desde las doce de la noche hasta las siete de la madrugada, acoge a los noctámbulos de Tokio: boxeadores, prostitutas, actores porno, policías y yakuzas acaban allí para tomar sake, caldo, ramen o sopa de miso, según lo que haya en la cocina. Cada plato da lugar a un encuentro, una historia.
Si en El gourmet solitario, de Taniguchi y Kusumi, la comida se disfruta en solitario y en silencio, en el manga de Abe sirve para romper el hielo, para desatar el diálogo entre los urbanitas acostumbrados a callarse y a mirarse los zapatos. Entre salsa de soja y algas secas nacen anécdotas, risas y confidencias.
La cantina de medianoche es un éxito en Japón, donde se han producido dos películas basadas en el manga, que también tiene serie televisiva en Netflix, con el título Midnight Diner: Tokyo Stories.
Además, el segundo tomo de La cantina de medianoche formó parte de los “esenciales” del Festival Internacional de Cómic de Angoulême de 2019.
Serendipia
Proyecto Naschy 
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