Archivo

Archive for 28 diciembre 2019

Klowns Horror Fanzine #8 Mad Doctors ¡Ya a la venta!

28 diciembre 2019 Deja un comentario

Ya está a la venta el número 8 del KLOWNS HORROR FANZINE, revista temática publicada por KlownsAsesinos.com, que de manera exhaustiva hace un repaso a la historia del cine fantástico de terror y ciencia ficción a través de la figura del Mad Doctor. Personaje demente que a lo largo de sus más de 100 años de vida ha ido evolucionando como consecuencia de las etapas sufridas por la sociedad, como las guerras, las enfermedades, la revolución industrial o la era tecnológica, y que siempre ha mostrado una obsesión desmedida por crear vida, por lograr la inmortalidad o por tener el control del ser humano para tratar de acercarse a Dios.

Un monográfico que arranca directamente desde las obras literarias de autores clásicos como Mary Shelley, H.G.Wells, Robert Louis Stevenson o H.P. Lovecraft, y que continúa con las representaciones más influyentes de cada una de las décadas hasta nuestros días. Una recopilación en la que desgranamos de manera cronológica más de 60 películas y adaptaciones cinematográficas a través de críticas, artículos y análisis de los títulos y personajes más populares en torno a los Mad Doctors. Además, contamos con las entrevistas a Brian Yuzna y Eric Red sobre sus respectivas películas, y como siempre, cerramos el fanzine con un artículo que trata el tema fuera de la ficción.

CONTENIDO

Artículos

  • Mad Doctors ¿Dioses o Monstruos? Introducción a la temática y un repaso de los títulos más representativos de cada década.

 

  • El Mito de Dr. Jekyll y Mr. Hyde: Una Breve Historia. Ensayo sobre la obra de Robert Louis Stevenson y sus adaptaciones cinematográficas.

 

  • El Mito de Frankenstein visto por James Whale y Terence Fisher. Análisis sobre las adaptaciones más importantes de la obra de Mary Shelley bajo el prisma de James Whale y Terence Fisher.

 

  • Mala Praxis. Boris Karloff y Bela Lugosi. Interesante repaso a los mad doctors interpretados por Karloff y Lugosi durante las décadas 30, 40 y 50.

 

  • Las Adaptaciones de la Isla del Dr. Moreau. Artículo que explora la novela de H.G.Wells y sus 3 adaptaciones cinematográficas.

 

  • Mad Doctors tras la II Guerra Mundial y el III Reich. Artículo que repasa las películas de serie B de los años 50 y 60, y el cambio en éstas producciones tras el holocausto nazi.

 

  • Médicos Locos. Obsesión por la Belleza. Las perversas reconstrucciones a manos de doctores como Génessier, Orloff, Flamand o Ledgard a estudio.

 

  • David Cronenberg. La revolución del Terror. Artículo especial dedicado a los experimentos médicos en cinco importantes obras del director canadiense.

 

  • La Adaptación de Herbert West: Reanimador. Repasamos el personaje creado por H.P. Lovecraft que Jeffrey Combs interpretó en la saga Re-animator.

 

  • Prometeos del siglo XXI. Análisis y reflexión sobre las últimas adaptaciones del mito en torno a los avances genéticos y tecnológicos.

 

  • The Human Centipede Trilogy. Locura, escatología y autoparodia. Repaso a la incómoda saga creada por Tom Six y al personaje del Dr. Josef Heiter.

  • La Oscuridad de la Mente Humana. Artículo que repasa los crueles experimentos de doctores reales como Josef Mengele, Walter Jackson Freeman y Oshiro Ishii.

 

Entrevistas

  • Brian Yuzna. Un Fanático del Terror. Hablamos con el legendario director filipino sobre sus comienzos y su participación como director, productor y guionista en la saga Re-animator.

 

  • Entrevista a Eric Red. Charlamos en profundidad con el realizador estadounidense sobre Cuerpo Maldito, una libre adaptación de la novela Choice Cuts de Thomas Narcejac y Pierre Boileau.

 

Críticas

Completan este número especial las críticas de interesantes títulos que han aportado diferentes perspectivas sobre el personaje del Mad Doctor. Desde El Gabinete del Dr. Caligari, El Hombre Invisible, El Abominable Dr. Phibes, The Rocky Horror Picture Show, Los Niños del Brasil, Frankenhooker, Beyond the Black Rainbow, La Cura del Bienestar, Overlord, entre otros.

 

FICHA TÉCNICA

Formato: Din A5 15,5×21,5cm

Encuadernado: Fresado rústico con lomo

Nº de páginas: 110

Color: Blanco y negro (portadas en color)

Fecha de lanzamiento: Diciembre de 2019

PVP: 4,50€ + gastos de envío

*Camiseta de Regalo para Pedidos On-line (Promoción hasta agotar existencias)

Pedidos: klownshorrorfanzine@gmail.com

También disponible en:

FREAKS. C/ Ali bei, nº10 (Barcelona)

ARKHAM COMICS. C/ Xucla, nº16 (Barcelona)

 

VAMOS DE ESTRENO (o no): Miércoles 25 de diciembre

25 diciembre 2019 Deja un comentario

LA VERDAD (La vérité, Hirokazu Koreeda, 2019)

Francia/Japón. Duración: 106 min. Guion: Hirokazu Koreeda, Léa Le Dimna Música: Alexei Aigui Fotografía: Eric Gautier Productora: 3B Productions / Bun-Buku / MI Movies / France 3 Cinéma / Garidi Films Género: Drama

Reparto: Catherine Deneuve, Juliette Binoche, Ethan Hawke, Ludivine Sagnier, Clémentine Grenier, Manon Clavel, Alain Libolt, Christian Crahay, Roger Van Hool, Laurent Capelluto

Sinopsis: Fabienne es una estrella del cine francés. Vive rodeada de hombres que la aman y admiran. Va a presentar sus memorias, y por ello su hija Lumir regresa de Nueva York con su marido y su hija. La reunión entre madre e hija no tardará en convertirse en un enfrentamiento: se revelarán verdades, se ajustarán cuentas, se hablará de amor y de resentimiento.

Kore-eda Hirokazu es uno de los directores japoneses más aclamados internacionalmente por la crítica y adorado por el público. Y eso no es nada fácil siendo, como es, un director que no se caracteriza por encasillarse u ofrecer productos similares. Bien al contrario, entre sus últimas películas podemos encontrar dramas familiares como el mostrado en la deliciosa Nuestra hermana pequeña (Umimachi Diary, 2015) y la muy interesante Después de la tormenta(Umi yori mo mada fukakuaka, 2016) o el drama judicial El tercer asesinato (Sando-me no satsujin, 2017). Aquí de nuevo ofrece al espectador una visión de la familia. Pesimista, claro, pero en un marco bien diferenciado al que nos ha mostrado en otras de sus películas al haberla rodado en Francia protagonizada por actrices de la talla de Catherine Deneuve y Juliette Binoche. Madre e hija en la ficción que se restregarán mutuamente los celos y remordimientos del pasado. Cine dentro del cine, la Deneuve interpretará a una otoñal actriz que se negará a admitir su decadencia y cuya última propia película, que está rodando a desgana con unas actrices jóvenes y ascendentes, servirá para sacar todos los reproches del pasado, pero también la admiración y el cariño que ambas se profesaron sin llegar a confesárselo nunca. Será en la sutileza empleada para narrarlo todo, además de en su desenlace, donde más se notará la mano de Koreeda, su sensibilidad y agradable toque, que alejará su filme de la mentalidad europea. Una sutileza y elegancia que funciona maravillosamente con las protagonistas de esta película de actrices en las que los personajes masculinos serán poco más que accesorios. Incluido un contenido y correcto Ethan Hawke, que acepta con profesionalidad su carácter secudario. Catherine Deneuve muestra de nuevo con su interpretación la gran dama del cine que siempre será y demuestra una gran química con Juliette Binoche,  actriz con la que, ahora sentimos como inexplicable, nunca antes había trabajado. Koreeda, feliz de trabajar con semejante leyenda del cine,  no puede evitar ofrecer un guiño cinéfilo hacia Deneuve con cierto vestido emblemático que lució en Belle de Jour (1967), una de las muchas obras maestras de Luis Buñuel.

laura@olaizola.info

MUJERCITAS (Little Women, Greta Gerwig, 2019)

USA. Duración: 135 min. Guion: Greta Gerwig (Novela: Louisa May Alcott) Música: Alexandre Desplat Fotografía: Yorick Le Saux Productora: Columbia Pictures / Sony Pictures Entertainment (SPE) / New Regency Pictures / Pascal Pictures / Regency Enterprises. Distribuida por: Columbia Pictures Género: Drama

Reparto: Saoirse Ronan, Emma Watson, Timothée Chalamet, Laura Dern, Meryl Streep, Florence Pugh, James Norton, Eliza Scanlen, Louis Garrel, Bob Odenkirk, Chris Cooper, Tracy Letts, Abby Quinn, Sasha Frolova

Sinopsis: Amy, Jo, Beth y Meg son cuatro hermanas adolescentes que se embarcan en unas vacaciones con su madre, pero sin su padre, un evangelista itinerante. A medida que atraviesan el estado de Massachusetts, sumido en plena Guerra Civil, descubren el amor y la importancia de los lazos familiares.

Alguien dijo que cada generación tiene o debería tener una versión cinematográfica de esta novela de Louisa May Alcott. Aunque tan solo dos de ellas han resultado obras maestras, la de George Cukor de 1936 y la de Mervyn LeRoy en 1947, también destacaba la versión de Gilliam Armstrong de 1994. Ahora le ha tocado a Greta Gerwig el turno de adaptar esta novela en los tiempos del me too y de la justa y necesaria reivindicación feminista, algo que por otra parte hacía que nos temiéramos otro alegato ridículo a la altura del desgranado en, por ejemplo, Los Ángeles de Charlie. Afortunadamente no ha sido así, ni falta que le hacía, pues simplemente manteniendo la rebeldía y libertad femenina que encarna Jo, queda retratada la injusticia cometida con las mujeres de aquella época y el papel que se les tenía reservado. Tampoco teníamos la seguridad de que la, por otra parte excelente actriz, Saoirse Ronan fuera capaz de sacar adelante su papel y llegara a emocionarnos encarnando al dinámico personaje que tan bien retrataran Katherine Hepburn, June Allyson y Winona Ryder. Pero Saoirse Ronan escapa de su dulce papel habitual y realiza una simpática interpretación que nos ha convencido totalmente.
Junto a ella figuran otras de las mejores actrices de su generación como Emma Watson Florence Pugh, en linea ascendente desde su revelación en Mindsommar (Ari Aster, 2019) y demostrando, con su soberbia interpretación, que es una actriz a tener mucho en cuenta. Por su parte el  joven Timothée Chalamet prosigue sumando buenos papeles en su filmografía. Y junto a estas jóvenes actrices, la grandes veteranas Meryl Streep y Laura Dern., demostrando porqué están en el lugar que ocupan.

La directora ha abordado las obras de Louisa May Alcott que conforman la  historia de Mujercitas de manera no lineal, al contrario de, al menos, las dos versiones más clásicas, mezclando así pasado y presente de manera ingeniosa, siempre con el protagonismo de la historia de Jo como hilo narrativo, aunque ello no significa que se corone como protagonista absoluta, pues el resto de personajes se tornarán definitivos para el desarrollo de la historia.

Un clásico que ha vuelto y que demuestra que su mensaje se mantiene vigente.

Categorías:VAMOS DE ESTRENO

El hijo de John Old: una charla con Lamberto Bava

24 diciembre 2019 Deja un comentario

Lamberto Bava mamó cine desde la cuna. Nieto de Eugenio Bava (1886-1966) cámara y técnico de efectos ópticos durante el cine mudo, e hijo de uno de los más importantes e influyentes directores de cine de Italia, Mario Bava (1914-1980), Lamberto nace en Roma en 1944 con el destino marcado por el celuloide.

Fotos: Serendipia

Comencé en el cine como ayudante de mi padre, Mario Bava. Cuando rodaba con él yo era el más joven y ahora soy el más viejo del equipo. Han pasado 30 o 40 años y ¿qué he hecho durante todos estos años? Rodar. Y, bueno, también viajar, conocer gente, dar entrevistas, ir a festivales… Y es que el cine ha cambiado mi vida y quizás debería comenzar a vivir.

Recuerdo la primera vez que mi padre me llevó al cine. Daban una película de un gran actor italiano, Aldo Fabrizi[1], muy amigo de mi padre. Y el primer encuentro que tuve con un actor, a los seis o siete años fue precisamente con Aldo Fabrizi, que para mí era como un ogro, con su gran panza y mirada intensa.

John Phillip Law y Mario Bava durante el rodaje de Diabolik (1968)

Joe Dante ha escrito en el prologo de un libro sobre mi padre algo que me parece muy acertado, que para comprender el cine de Mario Bava no basta con ver una película o dos, hay que verlas todas. De sus películas, las que más me gustan son Las tres caras del miedo (I tre volti della paura, 1963) y Operazione Paura (1966). Según ciertos estudiosos su cine consta de tres fases: la fase gótica, una  segunda como precursor del Giallo, y una tercera como pionero del Splatter, pero cuando rodábamos juntos recuerdo que él no decidía hacer una película gótica o un Giallo, él escogía una historia, para él eso era lo importante. Y cuando estaba dirigiendo cambiaba a menudo lo que no le gustaba del guión, de tal modo que la historia no la contaba el guión, la contaba la atmósfera que él creaba, una atmósfera con la que superaba, en muchas ocasiones, a la propia historia. Su cine era así, la atmósfera narraba. Por ejemplo, recuerdo los estupendos títulos de crédito de Seis mujeres para el asesino (6 donne per l’assassino, 1964) con los actores posando como maniquíes. Aquí la atmósfera la consigue el color y el asesino, impersonal y sin rostro, rodado en cámara subjetiva.

Programa de mano de Seis mujeres para el asesino (1964)

Creo que es el primer film en el que se hizo. Yo hasta los 16 años no pensaba en hacer cine y precisamente durante el rodaje de esta película, recuerdo que estábamos en un parque, era de noche y estaba todo oscuro y en silencio, tan solo se escuchaba el canto de los grillos y de pronto se encendió la luz, la imagen, y se creó el cine. En ese mismo momento decidí que iba a dedicar mi vida a esta profesión.

Ser el hijo de Mario Bava no fue fácil. Fue mi padre y mi maestro. Y aunque mis películas son de épocas diferentes a las suyas, en todas está la huella de mi padre. O eso espero.

Mi padre y yo también hicimos publicidad. Rodar publicidad ayuda a medir el tiempo, que en la publicidad es diferente al tiempo cinematográfico. Antes en Italia se llamaba carosello (carrusel) a la publicidad, que duraba tres minutos, pero uno de mis primeros trabajos como director de publicidad fue un spot de 15 segundos para Alemania, así que tuve que ajustar el tiempo a la historia que debía contar. Todo esto ayuda mucho porque ofrece una sensación diferente del tiempo.

EL CAMINO HACIA DEMONS

Lamberto Bava comienza a ejercer como ayudante de dirección de su padre en Terror en el espacio (Terrore nello spazio, 1965), cubriendo el resto de la carrera de Mario Bava hasta su última película, Shock (1977) en la que, además, dirige varias escenas y colabora en el guión. También ejerce de asistente de director de Manlio Scarpelli o Ruggero Deodato antes de iniciar su provechosa alianza con Dario Argento, que le produjo su obra más recordada, Demons (Dèmoni, 1985). 

Con Dario Argento había que tener todo preparado a la perfección. Haciendo con él  Inferno (1980), recuerdo que rodamos toda la noche y era fantástico, sentías como el cine te llegaba muy adentro. Un día me telefoneó y me dijo que había producido Zombi (Dawn of the Dead, 1978) de Romero y que si tenía algún proyecto él me lo producía. Entonces una película producida por Argento era algo muy especial, pues era un productor muy inteligente. Así que después de escribir y reescribir una idea que tenía entre manos, terminó siendo tres historias, de entre las que Argento escogió la segunda, que fue la que le pareció más potente y que se convirtió en Demons. Pero se ideó como tríptico: en una los demonios tenían su origen en el cine; en otra en la televisión; y en la tercera en la literatura. De hecho la tercera es El engendro del diablo (La chiesa, 1989), que hizo Michele Soavi, y cuya historia extendió hacia la religión, pero la  base la escribí yo, aunque no figure en los créditos. Inicialmente Demons no se rodó pensando en que tuviera continuidad, recuerdo la alegría que se llevó Darío cuando, tan solo dos semanas después de haberse iniciado el rodaje, ya había vendido el filme en Estados Unidos y Japón. Y a un precio superior a su coste. Así que ya volvió pensando en su secuela.

Mi experiencia trabajando con Dario en  películas como Tenebre (1982) o Inferno (1980) es que sabes cuando estás haciendo una buena película, y yo sentí eso con Demons. Dario y yo nos conocíamos muy bien, sabía perfectamente lo que hacía y galvanizaba las mejores ideas. Era un productor muy inteligente.

La banda sonora era muy importante, pues se trataba del primer film italiano con sonido Dolby Stereo, así que pusimos especial cuidado en la selección musical. Por un lado Claudio Simonetti compuso la música incidental, y por otro contamos con canciones de grupos Heavy por entonces muy poco conocidos en Italia como Scorpions, Saxon, Mötley Crüe o Accept, entre otros.

Rodando Demons: Dario Argento, su hija Fiore y Lamberto Bava

El rodaje de Demons fue complicado. Por ejemplo, meter una moto en un cine no es tarea fácil y tardamos tres días en rodar esa escena, para la cual se tomaron muchas medidas de seguridad. Lo de rodar en Alemania fue idea de Dario Argento. De hecho íbamos a rodarla enteramente en Berlín, pero como todavía estaba en pié el muro que separaba las dos Alemanias, se decidió finalmente rodar los interiores en Roma. Pero las escenas del principio, las del metro, se hicieron en Berlín. Y el cine es real y el edificio todavía existe[2].  Se trata de un cine antiguo, abierto desde la época del expresionismo y por eso hicimos un guiño a aquella época poniendo un cartel de Nosferatu. Por cierto, el hombre de la máscara es Michele Soavi, mi asistente de dirección, que más tarde dirigió varios filmes[3]. Yo lo conocí cuando rodé mi primera película, Macabro (1980), donde se presentó como actor. A partir de ahí me dijo que le gustaba el cine que hacía y lo cogí como ayudante de dirección.

A Sergio Estivaletti lo conocí dos años antes de Demons, porque el distribuidor de Macabro me llamó un día y me dijo que  tenía un sobrino que quería trabajar en el cine como técnico de efectos especiales y que si pudiera ayudarlo le haría un favor. Colaboró en Phenomena (1985) de Dario Argento y también en Demons, mano a mano con Rosario Prestopino. Eran dos equipos de FX y Sergio se ocupó de las transformaciones.

Hace unos años hubo un proyecto de rodar Demons 3. Escribí una historia que gustó mucho a Argento, pero nos encontramos conque no se sabía quien tenía los derechos sobre el título. Y es importante tenerlo claro y firmado para que no caiga ninguna demanda. Argento no recordaba si lo había vendido a Goffredo Lombardo de Titanus, que fue su distribuidor… Yo tengo el contrato preparado, pero después de los años que han pasado no creo que el proyecto siga adelante.

CINE DE GÉNERO EN ITALIA: PASADO Y PRESENTE

Yo he tenido siempre que rodar en inglés, incluida la serie de televisión Fantaghirò, y esta es una traba para un autor. Se tiene mucho en cuenta la cantidad de espectadores que hay en Estados Unidos, así que las películas se hacen en inglés para venderlas allí y cubrir costes. Siempre ha sido un factor comercial. Inglaterra y Estados Unidos tenían una industria poderosa, mientras que en Italia veníamos de una guerra, así que había una atmósfera muy eléctrica. Y con España, además de esto, teníamos en común que se rodaba con pocos medios, así que nosotros teníamos que ofrecer algo diferente: el Giallo, el sangriento, tenía que haber una diferencia con el cine que se hacía en América. Ahí estaba el gótico, por ejemplo. Y mi padre, como pionero en todos esos subgéneros, estaba adelantado a su época.

El cine que más me gusta es el fantástico. Y del italiano mis directores favoritos son mi padre, Argento y Michele Soavi.  Fulci era un gran director, pero hizo todo tipo de cine y no era un gran amante del género, aunque lo hizo al final y muy bien.

Los años sesenta, setenta y ochenta fueron una época muy fructífera, hacíamos un cine comercial, pero más tarde la situación cambió dando pie a un tipo de cine muy diferente. Se dejó de hacer cine de género y el poco que se hacía se rodaba casi sin presupuesto, y en esas condiciones no me interesaba hacerlo. La demanda de este tipo de cine había acabado.

El último filme de horror que hice fue hace unos quince años o así. El sexto sentido (The Sixth Sense, M. Night Shyamalan, 1999) cambió mi percepción del fantástico. Es un horror positivo, diferente. Y así hice productos destinados a la televisión tipo cuento de hadas, como Fantaghirò[4], que fue un éxito en toda Europa, siempre dentro del fantástico, que es lo que me gusta, pero diferente. Y de hecho el primer Fantaghirò me dio una de las satisfacciones más grandes cuando mi hijo pequeño, que tenía seis años y ahora tiene 33, un día al llegar del colegio me dijo que todos sus compañeros de clase le preguntaban que cuando haría otro Fantaghirò.

Tan solo he hecho dos películas que no eran de género fantástico y no las firmé con mi nombre. Mi padre firmaba algunas cintas como John Old, asi que yo las firmé como John Old Jr.  De una de ellas, Blastfighter (1984) recuerdo que cuando me encontré hace tres años a Tarantino me dijo que para él, esa era mi mejor película. El productor fue Luciano Mantino, uno de los más importantes que ha dado el cine italiano, con más de 300 películas en su haber. Con él había hecho también Cuchillos en la oscuridad (La casa con la scala nel buio, 1983), y me dijo que quería una película tipo Rambo porque era lo que estaba de moda. Yo le dije que no me gustaba copiar y que miraría a ver que se me ocurría, y de una noticia que leí en los periódicos sobre matanzas de animales para venderlos a los asiáticos, construimos el film, que rodamos en Clayton (Georgia), donde se rodó Deliverance (1972), el famoso filme de John Boorman.

No me gustan los remakes. Hice uno en 1990 de La máscara del demonio (La máschera del demonio, 1960) de mi padre, pero creo que no le hubiera gustado que lo hiciera. En mi caso fue un acto de amor hacia ese film. Lo hice basado, al igual que el suyo, en la historia de Gogol, pero muy diferente. Lo que si puedo asegurar es que, si se hace una nueva versión de Demons, yo no la haré.

Ahora estoy rodando Twins,  pero he tenido ciertos problemas con el productor, que no es serio. El dinero viene de varios lugares, entre ellos Francia y Alemania, tiene muchos efectos especiales y aunque se ha terminado de rodar, no se ha podido terminar de editar, pues al poco de comenzar a hacerlo, ha muerto el productor, quedando parada la película. A pesar de todo se han hecho buenas ventas en Berlín, pero ahora el problema es con uno de sus actores, Gérard Depardieu. Varios elementos fatalistas y las cosas van como van. Puede que Twins sea el último film que dirija, no lo sé, y tampoco sé si será bueno o no, pero lo que si me da un poco de miedo es que quede anticuado.

CINE DE GÉNERO EN ITALIA: FUTURO

Del futuro del cine italiano no quiero ni hablar, porque está muy negro. Yo recuerdo cuando comencé a rodar para televisión, que venía de hacer películas importantes como Demons,  y quise hacer cosas que me gustaran, siempre dentro del fantástico, y el fantástico no es solo horror, es también ciencia ficción, fábulas…nadie las quería hacer porque decían que el fantástico era más difícil de rodar que otro tipo de producciones, pero tienen su audiencia. Juego de tronos, que es la serie que más audiencia tiene,  no es muy diferente de lo que he hecho yo. Yo hago películas que me gusten como espectador, y a mí no me gustan las series, soy un espectador de cine y me gusta que las películas se terminen. Ahora todo ha cambiado y lo que más éxito tiene son las series, las buenas series, claro. Así que yo creo que ha cambiado el espectador y su forma de disfrutar del audiovisual. A mí me sorprendió mucho la primera vez que fui, hace tres o cuatro años, a una convención de cómic, la más importante que hay en Italia, Lucca, y estaba con una amiga fotógrafa y comprobé como internet ha conseguido que el público influya, con su opinión, en las producciones que se estrenan. También, estando en un festival, junto con algunos actores de Juego de tronos firmando autógrafos, las colas más grandes eran para los creadores de video juegos. Había más gente haciendo cola para ellos que en las de los directores y actores de cine.  Así que todo esto ha cambiado.

El cine como algo que se disfruta en una sala con pantalla esta de baja. Producciones como la última de Guillermo del Toro (La forma del agua) es posible que vayan a disfrutarla en cines, pero es normal que las cosas cambien, que evolucionen. Creo que el cine como era en los años 60 y 70 comienza a ser un poco… en Italia la gente no va. Se hace cine porque se pasa en televisión y en plataformas. En Venecia ganó Roma (Alfonso Cuarón, 2018) que es de Netfllix. En Cannes se exhibió Suspiria (Luca Guadagnino, 2018) que es de Amazon. De aquí a unos años es posible que el cine se vea desde una máquina en tres dimensiones, con realidad virtual. Todo cambia y evoluciona.

ÚLTIMAS REFLEXIONES

Puedo estar viendo una película muy famosa y que me salga del cine. Me debe de enganchar. Yo cuando voy al cine lo hago como un espectador más, que todavía va al cine porque me gusta verlo en sala, y si hay cinco o seis estrenos que me interesan, escogeré el primero el fantástico, aunque amo todo tipo de cine. Todo depende de que te enganche el argumento. La historia es muy importante. No me gustan las películas de superhéroes, ni tampoco las de la serie Harry Potter, no se porqué. El último filme que me gustó fue It (Andy Muschietti, 2017), me pareció mucho mejor que la versión que hicieron para televisión. Pero es aún mejor el libro de Stephen King. Un grande. El gusto te cambia. Puede ser que una vez haya dicho que Blade Runner (Ridley Scott, 1982) era mi película fantástica favorita, pero ahora ya no lo sé. A mi me gustan los filmes que me sorprenden.

Mi padre decía siempre, si tú tienes constancia y quieres hacerlo. Debes hacerlo. Probarlo siempre. Eso es lo importante. Yo he enseñado dirección durante tres o cuatro años en una escuela de cine y había gente válida proveniente de toda Italia, lo único que encontraba es que, mi clase, en Cinnecità, comenzaba a las 10 de la mañana, yo estaba ahí y los estudiantes llegaban a las diez y cuarto o diez y media y yo les decía,  la cosa más importante en el cine es la puntualidad. Si hay que estar a las cinco de la mañana en un lugar, hay que estar a las cinco, no a las cinco y un minuto. Pero bueno, eso es importante en todos los trabajos. Me preocupa la gente que conozco que quiere hacer cine. Yo creo que ahora, y hablo de mi país, todo es más difícil. No solo el cine. Es más difícil vivir. Es más difícil para un joven. Yo recuerdo que cuando comencé a hacer cine todo los compañeros de la Universidad, a inicios de los sesenta, setenta, estudiaron una carrera. Hoy no es posible.

Me gustaría ser recordado por Demons y Fantaghirò. Hoy vivo de recuerdos. De como se trabajaba antes. Los recuerdos del pasado me dan más fuerza que la vida actual. 

Lamberto Bava, invitado de honor en el festival B-Retina 2018 recoge un ticket no muy diferente al del Metropol.

NOTAS
[1] Popular actor, escritor y director de cine italiano, Fabrizi inició su carrera cinematográfica en 1942 y a menudo escribÍa y dirigÍa sus propios guiones. Obtuvo reconocimiento internacional con el drama neorrealista de Roberto Rossellini Roma, ciudad abierta (Roma Città Aperta, 1945), en el que interpretaba  a un sacerdote que desafiaba valientemente al régimen fascista. Válido tanto para la comedia como para el drama, su carrera cubre cuatro décadas, durante las cuales interpretó memorables papeles en películas como  Guardias y ladrones (Guardia i ladri, Mario Monicelli, Steno, 1951) junto al cómico Totó. Murió de una enfermedad cardíaca en 1990 a los 85 años.
[2] Construido en la plaza Nollendorf de Berlín por los arquitectos Boswau & Knauer como teatro y sala de conciertos en 1906, poco después el edificio sufrió una remodelación adaptándose al estilo Art Nouveau con una capacidad para 1.438 asientos. En 1911 se convirtió en un cine conocido como el Lichtspiele Mozartsaal. En 1926 el cine fue regentado por la Ufa y la capacidad de asientos se redujo a 996. Su interior fue modernizado en 1930. La decoración original dio paso a un estilo Art Deco. En 1942 fue conocido como Nollendorf Palast y después de la guerra de 1946-51 como Neue Scala. Desde 1951 hasta que cerró como cine fue nombrado Metropol. A mediados de la década de 1970 se usó como iglesia evangelista. Y en 1985 se utilizó en Demons. Luego se convirtió en discoteca conservando la decoración del cine y el nombre Metropol. Fue uno de los más grandes y populares de Berlín oeste. Desafortunadamente se transformó en el club nocturno de lujo “Goya” el 1 de diciembre de 2005. Cerró tres meses después y ahora es alquilado por una empresa consultora.
[3] Michele Soavi dirigió algunas de las últimas grandes obras del cine de terror italiano: Aquarius (Deliria, 1987), El engendro del diablo (La Chiesa, 1989), La secta (La setta, 1991) y, sobre todo, DellaMorte Dellamore (1994).
[4] Fantaghirò consta de cinco tv movies rodadas entre 1991 y 1996.
Categorías:B-Retina, HOMENAJES, PIN UP

Novedades Cameo febrero 2020

24 diciembre 2019 Deja un comentario

Cameo nos presenta las novedades para febrero. Un buen lote en el que brillan especialmente los Parásitos de Bong Joon-hoo, pero que también cuenta con las últimas propuestas del siempre imprescindible y comprometido Ken Loach y de Oliver Laxe, sin olvidar la sensibilidad y energía de la reina del Soul, la inmortal Aretha Franklin. Se puede dar más, pero no mejor.

 

14 DE FEBRERO

PARÁSITOS
Considerada una de las películas más importantes del año y posiblemente de la década. Ganadora de la Palma de Oro en el pasado Festival de Cannes y dirigida magistralmente por Bong Joon-hoo abarca casi todos los géneros: comedia, thriller, drama.

LO QUE ARDE
Posiblemente la película más sorprendente del año.
Nominada a 4 Premios Goya (Mejor Película, Mejor Dirección, Mejor Actriz Revelación, Mejor Fotografía), dirigida por Oliver Laxe (“Mimosas”) y ganadora del Premio del Jurado en el Festival de Cannes, entre otros muchos.

 

21 DE FEBRERO

AMAZING GRACE
Todo el mundo merece ser llevado hasta la luna por Aretha Franklin

 

Qué ha dicho la prensa sobre ella:
“Su mera existencia es un milagro” The New Yorker
“La energía de su actuación es electrizante”. Los Angeles Times
“No traigas pañuelos, trae una toalla” The New York Times
“Trascendente, emocionante, te deja sin aliento” NPR

 

25 DE FEBRERO

SORRY WE MISSED YOU
¿De verdad queremos un mundo en el que el trabajo nos aleje de la familia? De nuevo, Ken Loach retrata la sociedad en la que estamos inmersos y nos hace cuestionar el sentido de la vida. Una comprometida película de la que ya les hablamos en Proyecto Naschy con motivo de su estreno.

MÁS DETALLES E INFORMACIÓN EN EL VIDEO:

 

Categorías:DVD / BLU-RAY

Comienza 2020 con terror: ‘Bliss’ se estrenará el 31 de enero

24 diciembre 2019 Deja un comentario


Por si se os escapó en los festivales, el 31 de enero se estrana Bliss de Joe Begos, protagonizada por Dora Madison, Tru Collins, Rhys Wakefield, George Wendt. 


Sinopsis: La artista Dezzy Donahue atraviesa una crisis creativa interminable. Incapaz de detener su mala racha, Dezzy está estancada profesionalmente. En un esfuerzo por combatir su suerte, se entrega a las drogas pesadas. Su especie de novio, Clive, está preocupado, mientras que su amiga Courtney y su enigmático esposo Ronnie siguen alimentando sus impulsos más oscuros. Sin embargo, poco a poco la fiesta parece que termina y ahora Dezzy se encuentra sedienta de sangre y sufriendo visiones terroríficas. Al no haber sido nunca una persona con autocontrol, es incapaz de resistir sus nuevos impulsos peligrosos. Malas noticias para todos los que están en su vida, quienes están llenos del líquido rojo que Dezzy ansía desesperadamente.


Producida por Channel 83 Films
Distribuida por Begin Again Films en colaboración con Wild Duck.


SITGES. FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE FANTÁSTICO DE CATALUÑA. SECCIÓN MIDNIGHT X-TREME.


FESTIVAL DE CINE DE TERROR DE MOLINS DE REI  – MEJOR BANDA SONORA


SEMANA DEL CINE FANTÁSTICO Y DE TERROR DE DONOSTI – PREMIO BLOGOS DE ORO AL MEJOR LARGOMETRAJE


FANCINE (MÁLAGA). HORROR ZONE. 


FANTÀSTIK (GRANOLLERS)


TRIBECA FILM FESTIVAL 2019 (NUEVA YORK). SECCIÓN MIDNIGHT.


FRIGHTFEST 2019 (LONDON)


FANTASIA 2019 (CANADA). A COMPETICIÓN EN LA SECCIÓN OFICIAL. 

Categorías:TRAILERS RECOMENDADOS

Arranca el rodaje de “La vampira de Barcelona”

20 diciembre 2019 Deja un comentario

El director Lluís Danés ha recreado la Barcelona de 1912 en un espacio de cinco mil m2 al norte de la capital catalana para rodar su nueva película, “LA VAMPIRA DE BARCELONA” basada en el famoso caso de la Vampira del Raval que conmocionó al país a principios del siglo XX. La producción de Brutal Media y Filmax, con la participación de TV3, está protagonizada por los actores Nora Navas (Dolor y gloria, Durante la tormenta), en el papel de Enriqueta Martí, y Roger Casamajor (Pa negreEl laberinto del fauno), en el del periodista que investiga el caso. También participan Bruna Cusí (Estiu 1993Incerta glòria), Sergi López (El niñoEl laberinto del fauno), Francesc Orella (Merlí7 razones para huir), Pablo Derqui (SalvadorLa Catedral del Mar) y Núria Prims (Incerta glòriaHospital Central). Cuenta con guion de Maria Jaén, vestuario de Mercè Paloma y fotografía de Josep Maria Civit y tiene previsto su estreno en cines en otoño de 2020.

Sinopsis

En la Barcelona de principios del siglo XX conviven dos ciudades: una burguesa y modernista, la otra sórdida y sucia. La desaparición de la pequeña Teresa Guitart, hija de una rica familia, conmociona al país y la policía tiene pronto una sospechosa: Enriqueta Martí, conocida como ‘La Vampira del Raval’. El periodista Sebastià Comas se adentrará en el laberinto de calles, burdeles y secretos del barrio del Raval, donde sabe que encontrará la verdad sobre las desapariciones y asesinatos macabros de niños de los que se acusa a la Vampira. Pronto descubrirá que allí se esconde una élite dispuesta a ocultar sus vicios a cualquier precio.

La leyenda negra

¿Cuánto hay de verdad y cuánto de leyenda negra en la Vampira del Raval? Ha protagonizado novelas, obras de teatro, series de televisión y hasta un musical, y ahora llega a la gran pantalla la primera versión cinematográfica de la verdadera historia de Enriqueta Martí. Nacida en 1868, su nombre estuvo en las portadas de todos los periódicos tras la desaparición de Teresita Guitart, y las investigaciones posteriores revelaron una serie de crímenes macabros por los que fue acusada de secuestradora, proxeneta de niños y asesina en serie. Sobre ella se cebaron sin piedad las crónicas de la época, a pesar de que estudios recientes han descubierto que Enriqueta Martí fue una mujer trastornada, sumida en la miseria y fiel a su papel de intermediaria. Sus últimos meses de vida transcurren en una Barcelona convulsa y plena de contrastes. La Vampira de Barcelona es también la crónica de una época de explotación infantil y de analfabetismo, marcada por las secuelas de la Semana Trágica.

Luces y sombras de la Barcelona burguesa

Danés ha trabajado a fondo el escenario de La Vampira de Barcelona. En un espacio de cinco mil m2 en la localidad de Martorell ha recreado un entorno onírico dividido en dos zonas bien diferenciadas, que representan los dos mundos que retrata esta historia de misterio y terror. Uno luminoso, el de la clase poderosa, que tiene al Gran Teatro del Liceo como máximo exponente, y un segundo escenario lúgubre que reproduce el barrio del Raval y un entorno industrial, el laberinto de sus calles y sus casas, la suciedad y el fuego. La conexión entre ambos mundos es el prostíbulo, un espacio esencial en la película en el que coincidirán todos sus personajes.

Lluís Danés

Lluís Danés debutó como director de cine con el documental Llach, la revolta permanent, que se estrenó en la 54ª edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián. En 2016 adaptaría a la televisión Laia, la novela de Salvador Espriu, y con La Vampira de Barcelona da el salto al largometraje de ficción. En su faceta como escenógrafo ha sido responsable de arte de las ceremonias de entrega de los premios Goya y Gaudí, y de escenarios inconfundibles, como el del Festival Cruïlla. Ha dirigido más de treinta anuncios publicitarios con músicos y artistas internacionales como Peter Gabriel, The Edge de U2, Michael Stipe de REM, The Nationals, Cat Power o Tom Baxter. Llits (Camas, en catalán), estrenado en 2009, es uno de sus espectáculos teatrales de más éxito.

VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 20 de diciembre de 2019 *

20 diciembre 2019 Deja un comentario

SENSE SOSTRE (Sin techo) (Xesc Cabot y Pep Garrido, 2019)

España. Duración: 97 min. Guion: Xesc Cabot, Pep Garrido Música: Adrián De Alfonso, Lucrecia Dalt Fotografía: Aitor Echeverría Productora: Alhena Production / Atiende Films Género: Drama

Reparto: Enric Molina, Laia Manzanares, Teresa Vallicrosa

Sinopsis: Joan, un sintecho que malvive en las calles de Barcelona con la inseparable compañía de su perro Tuc, decide emprender un viaje sobrehumano hacia un destino que sólo él conoce.

A medio camino entre el documental y la ficción, Sense sostre nos muestra el áspero vivir cada día, o sería mejor decir, morir cada día de Joan, su protagonista, una persona sin hogar que se arrastra cada día por una ciudad que lo ignora, que prefiere no verlo, con la única compañía de un perro que tan solo está en su cabeza, embotada por el alcohol.

De estación en estación, en busca de un tren que ya marchó, el protagonista deambula entre contenedores, puentes y descampados con el frío, el alcohol, la noche y el miedo como compañeros de viaje en un vía crucis en el que, como en muchos dibujos animados, las personas ‘normales’ no tendrá cabida, no saldrán, no entrarán en su plano, en nuestro plano, no tendrán rostro y su presencia solo se detectará por la voz o como esas sombras que los esquivan y se apartan de su camino.

Los directores solo permitirán al espectador moverse en el círculo de Joan, al que en ningún momento juzgará. Nos agarrarán fuertemente por el cogote y, en plano cerrado, nos obligará a entrar en ese universo, que preferimos mantener invisible, convirtiéndonos en la sombra de su protagonista: nos levantaremos con él, recibiremos los golpes que recibe, nos embriagaremos y nos fatigaremos mientras caminamos con él a un destino incierto.

Una aproximación incómoda a un universo que nos aterra y queremos mantener invisible quizás porque sabemos que está más cerca de nosotros de lo que quisiéramos admitir. Nadie busca terminar durmiendo en la calle, como nadie quiere reconocer que todos estamos expuestos a ello. Y eso lo sabe bien Enric Molina, su protagonista absoluto pues, por avatares de la vida y sin haberlo esperado nunca, terminó viviendo durante una larga temporada en la calle. Incómoda, comprometida, valiente, necesaria. Y muy real.

 

Categorías:VAMOS DE ESTRENO

‘Un lugar tranquilo 2’ video, primer póster y fecha de estreno

18 diciembre 2019 Deja un comentario

Después del éxito de Un lugar tranquilo, Paramount adelanta un primer vídeo y póster de Un lugar tranquilo 2, cuyo estreno está previsto para el 20 de marzo de 2020.

Escrita y dirigida por John Krasinski y producida por Michael Bay.

SINOPSIS
Tras los fatales acontecimientos sucedidos en la primera parte, la familia Abbot (Emily Blunt, Millicent Simmonds y Noah Jupe) debe enfrentarse a los peligros del mundo exterior mientras luchan en silencio por sobrevivir. Forzados a aventurarse en lo desconocido, pronto se dan cuenta de que las criaturas que cazan orientadas por el sonido no son la única amenaza que acecha más allá del camino de arena.

ESCRITA Y DIRIGIDA POR
John Krasinski

PRODUCTORES EJECUTIVOS
Allyson Seeger, Joann Perritano, Aaron Janus

PRODUCIDA POR
Michael Bay, Andrew Form, Brad Fuller, John Krasinski

BASADA EN LOS PERSONAJES CREADOS POR
Bryan Woods y Scott Beck

PROTAGONIZADA POR
Emily Blunt, Cillian Murphy, Millicent Simmonds, Noah Jupe, Djimon Hounsou

#UnLugarTranquilo2

Categorías:TRAILERS RECOMENDADOS

Primeras confirmaciones del festival ‘Americana’ 2020

18 diciembre 2019 Deja un comentario

Del 3 al 8 de marzo vuelve el Americana Film Fest a Barcelona, el único festival del país especializado en Cine Independiente Norteamericano.

Como ya va siendo una tradición de estas fechas, Americana lanza su oferta única navideña por un tiempo limitado. Podrás comprar tu abono de 6 películas a un precio excepcional de 30 euros hasta agotar existencias. Este abono te permitirá el acceso a seis sesiones del festival y es compartible, es decir, puedes cambiar más de una entrada por sesión para disfrutar del buen cine en compañía. Os recordamos también que desde el año pasado este abono de 6 entradas es virtual, así se simplifica la reserva de entradas y aportan su granito de arena al medio ambiente.

                                                                   Comprar abono

Y como no podía ser de otra forma, aquí tenéis las dos primeras confirmaciones de la séptima edición:

Honey Boy (Alma Har’el)

Americana ya proyectó la anterior película de Alma Har’el, el documental LoveTrue. En esta edición podremos asistir a la première española de su primera ficción, la multipremiada Honey Boy. La película está escrita e interpretada por Shia LaBeouf y basada en su propia infancia. Una de las sensaciones del pasado festival de Sundance que se llevo el Premio Especial del Jurado y que actualmente está nominada a cuatro categorías en los Spirit Awards.

Matthias & Maxime de Xavier Dolan

Este año Americana se ha propuesto explorar todas las cinematografías norteamericanas. Es bajo esa premisa, y tras su paso por los festivales de Cannes y Gijón, que el Americana presentará en Barcelona la nueva película de l’enfant terrible canadiense Xavier DolanMatthias & Maxime. El joven realizador de títulos como Laurence Anyways o Mommy nos traerá el que será uno de los estrenos más esperados de la próxima temporada.

Categorías:Americana

El cine en zapatillas: ‘Regresa el Cepa’ (DVD, 39 Escalones)

18 diciembre 2019 Deja un comentario

REGRESA EL CEPA (Víctor Matellano, 2019)

España. Duración: 82 min. Guión: Víctor Matellano, Antonio Durán y Emeterio Díez Puertas Fotografía: David Cortázar Música: Javier de la Morena Audio: Castellano Subtítulos: Inglés Relación de aspecto: 16/9 1.85:1 Productora: Artistic Films / Begin Again Films / Objetivo 7 Producción Audiovisual / ViMa PC Extras: Tráiler / Presentación de Gonzalo Miró / Guillermo Montesinos habla de ‘El crimen de Cuenca’ / Canción interpretada por Rosa León. 

Documental con entrevistas a (entre otros): Guillermo Montesinos, José Manuel Cervino, Mercedes Sampietro, Héctor Alterio, Assumpta Serna, Francisco Casares, Juan Antonio Porto, Sol Carnicero, Hans Burmann, Antón García Abril
Sinopsis: Hace cuarenta años se rodaba “El crimen de Cuenca” (1979) de la directora Pilar Miró, que será después secuestrada militarmente y su directora procesada. Una película que más tarde se convertirá en uno de los grandes éxitos del cine español y su estreno en un ejemplo de avance de la democracia y de la libertad de expresión. Como en el caso real y en la película, “El Cepa” regresa para contarlo.
Cuando se habla actualmente de la Transición española, hay quien tiende a menospreciarla, tildando incluso a nuestra democracia de Régimen de 78. Y se hace premeditadamente y de manera peyorativa, llegando a acusar a nuestra Constitución de franquista y de encontrarnos en un país sin libertad. Memoria frágil o, simplemente, falta de información es el problema que radica en todas estas opiniones, que cada vez suenan más y de manera totalmente injusta. No todo es perfecto, por supuesto. Pero los que tuvieron que redactar aquella Constitución y abrir nuestro país al cambio tras 40 años de dictadura militar, tuvieron que lidiar con la violencia ultra; el ruido de sables; los atentados de ETA y GRAPO; una alta tasa de paro; la brutalidad y tortura de la Guardia Civil y policía con los detenidos y un alto índice de delincuencia, entre otros factores.
Y el caso que Víctor Matellano narra en el documental Regresa el Cepa es una de esas duras batallas que han pasado al olvido. Y no debería ser así. Hablamos de una prolongada lucha contra la censura que consiguió, nada menos, que cambiar el código penal, no permitiendo que a partir de entonces el código castrense pudiera juzgar a civiles. Una victoria en tiempos convulsos. Una importante victoria.
Matellano sitúa la película en su época, pues para entenderla en toda su dimensión es fundamental comprender el momento que se vivía en aquella convulsa España. Con un estamento militar que llegó a procesar a la directora como única responsable de la película, cuyo negativo y copias secuestró.
En el documental, el actor que interpretó a “El Cepa“en la película de Pilar Miró, Guillermo Montesinos, vuelve a los lugares de rodaje cuarenta años después. Allí, en los sitios emblemáticos donde sucedieron los hechos, se rememorará el caso en el que se inspiró la película. Una infamia en la que tuvieron mucho que ver intrigas políticas y el abuso de las clases pudientes. Pero también, junto a vecinos, actores y técnicos, se recordará el rodaje en Belmonte.
Matellano, que bien sabe la importancia de los escenarios de rodaje (pues varios estudios publicados que ha publicado sobre ello lo avalan), pasea al espectador, en compañía de Guillermo Montesinos y parte del equipo artístico, por los mismos. Así, en la misma oscura y lóbrega estancia que sirvió como lugar de tortura y en la que se produjeron las escenas que hicieron estremecer al público de la época y que, todavía hoy, consiguen horrorizarnos volverán a encontrarse, cuarenta años después, torturado y torturador, los dos grandes actores José Manuel Cervino y Francisco Casares. Poniéndolos de nuevo frente a frente.
El crimen de Cuenca, un suceso que no conviene olvidar por las repercusiones que tuvo. La película de Pilar Miró, una cinta capital que narraba un hecho histórico con un lenguaje cercano al exploitation, sin ahorrar ni un ápice de violencia y sangre al espectador. Para que no se olvide. Para que permanezca en su tripas. Y finalmente los sucesos y repercusiones que provocó la película. Pura Historia, narrada modélicamente por Víctor Matellano en Regresa el Cepa, un documental necesario.
Sin olvidar a la mujer. Extrañamente presente a pesar de su ausencia. Los que trabajaron junto a la directora recordarán su carácter especial, su manera reservada de ser. La coraza que tuvo que levantar alrededor suyo para poder vivir y trabajar en lo que entonces era un mundo de hombres. Su dolor y su triunfo, que culminó en agosto de 1981 cuando, con su hijo recién nacido y un golpe militar fallido, finalmente llegaba ‘La película’ -tal y como se conocía también- El crimen de Cuenca a las pantallas con el máximo reconocimiento de público y crítica.

 

 

 

Las lecturas de Serendipia: ‘Noches de Halloween. La saga de Michael Myers’

16 diciembre 2019 Deja un comentario

NOCHES DE HALLOWEEN

La saga de Michael Myers

Octavio López Sanjuán

Prólogo: PJ Soles
Portada: José Mellinas

Applehead Team, 2019. Tapa blanda, 15 x 21 Color/blanco y negro. 650 páginas.

Del escritor cinematográfico Octavio López Sanjuán ya les hemos hablado detenidamente en Proyecto Naschy. Lo entrevistamos en cuanto supimos de la publicación de Noches de Halloween y con anterioridad habíamos tenido ocasión de comentar otras de sus obras, como ¿A quien vas a llamar?, un exhaustivo repaso del universo Cazafantasmas que, actualizado y con nueva maquetación ha sido reeditado recientemente por Applehead; y  Cinezoico, un  repaso al cine jurásico editado por Roseta, obras que tienen en común el concienzudo trabajo de campo que hay tras ellos. Además de un profundo amor al cine que traspasa sus páginas.

López Sanjuán inicia su largo ensayo sobre la saga de Michael Myers introduciendo al lector en los arcaicos orígenes de la festividad del  Halloween; así como aproximándolo a los inicios cinematográficos de la carrera de John Carpenter y los hechos relevantes en conexión con la creación de su emblemática obra. Todo ello mezclado con leyendas urbanas que por entonces circulaban y que, todavía hoy, se narran como verídicas al amparo de la lumbre, algunas de las cuales contribuyeron en la creación del misterioso asesino de la máscara blanca. Asimismo, López Sanjuán ha realizado numerosas entrevistas con personas conectadas con las diferentes producciones, ya sean actores, guionistas o técnicos, integrándolas en el texto y enriqueciéndolo. Pero no piense el lector que tal profusión de datos es puro relleno o resulta extenuante. Ni mucho menos. Su lectura es amena y fluida y encamina perfectamente al lector al único objetivo del libro, adentrarlo en la saga Halloween y si es posible, transmitirle una parte de la pasión puesta por el autor en ello.

López Sanjuán sitúa cada película en su época, analizando el cine de terror contemporáneo a cada una de ellas, repasando la gestación de los filmes y analizando cada película sin caer en vacuos fanatismos. Consigue escribir un texto sobre cine que resultará por igual interesante y atractivo para el lector ajeno al conjunto de esta saga, como para el fan die hard del slasher en general y de Michael Myers, uno de sus mayores paradigmas, en particular.

Y es que podemos asegurar, sin temor a equivocarnos, que todo aquel que adquiera un libro de Octavio López Sanjuán puede tener la total seguridad, no solo de que ha comprado un buen libro, sino de añade a su biblioteca el mejor trabajo que se ha escrito en castellano sobre el tema.

Cabe destacar la cuidada edición y su diseño, la magnífica selección fotográfica y la estupenda portada, todo lo cual no hace más que añadir más atractivo a esta redonda propuesta.

 

 

Las lecturas de Serendipia: ‘Informe Madelman’ y ‘En busca de Totoro’

16 diciembre 2019 Deja un comentario

INFORME MADELMAN VOL. I

Jon Diez de Ulzurrun

Diábolo Ediciones, 2019. Tapa dura, 17 x 24. 256 pgs. Color. 

Desde que los descubrí lo tuve claro. Cada Navidad, cuando mis padres me preguntaban qué iba a pedir a los reyes, les decía que “un Madelman”. Si me decían que sí, pero que pidiera algo más, les decía con todo convencimiento: “otro Madelman”. Y es que desde que tuve el primero en mis manos, toda mi alegría era poder jugar con ellos y utilizarlos para representar lo  que más me gustaba: películas.

Los Madelman eran Bruce Lee, Spiderman (bueno, Peter Parker, que para eso tenía el Mego), Drácula y cualquier personaje que deseara. Los ‘maquillaba’ y utilizaba decorados (cajas de zapato), vestuario y efectos especiales (¡bendita plastilina y lapiz rojo!). Si el Capitán América debía aparecer congelado en el polo desde la 2ª Guerra Mundial, tal y como leí en un tomo de Vértice, el Madelman se dejaba congelar durante unos días en la cubitera.

La imaginación era el complemento imprescindible para estos muñecos, que en muchos casos fueron mis mejores amigos. Luego ya uno creció. Y más tarde vinieron las increíbles figuras de acción que hay en la actualidad, pero ninguna de esas figuras puede sustituir a aquellos Madelman, que podían convertirse en cualquier personaje y con los que podía disfrutar todas las aventuras que se me pasaran por la cabeza, pues, como es bien sabido, los Madelman lo pueden todo.

Comercializados en 1968, cuando yo tenía tan solo dos añitos, los Madelman tuvieron una evolución, con diferentes modelos, equipos y accesorios. Una historia deliciosa que el especialista en el tema, Jon Diez de Ulzurrun desgrana en Informe Madelman. Estudioso en el tema y responsable de libros y documentales sobre estos hombres articulados dispuestos para la acción, realiza en Informe Madelman el más profundo estudio sobre el tema: con todos los datos y misterios; los ilustradores, la propaganda, los prototipos, los catálogos; la historia de estos pequeños hombres sin pies y sus imitaciones; secretos ofrecidos con todo el cariño que tan solo puede ofrecer aquel que escribe y publica el libro que le hubiera gustado haber encontrado  a él mismo para saber absolutamente todo sobre estos personajes.

Este primer volumen comprende toda la información referente a las Madelman fabricados entre 1968 y 1976, el comienzo de todo. De hecho son los Madelman ‘cabeza cuadrada’ y sin pies que personalmente viví y de los cuales uno ha sobrevivido y me está mirando, ahora mismo, desde mi librería. Mi favorito, astronauta en origen (las manos lo delatan) con el traje de Marinero Servico Portaaviones, el que más me gustaba porque podía pasar por un personaje normal, no era un soldado y podía ser utilizado en historias normales. O para representar una identidad secreta de algún superhéroe. O… y es curioso. No me pregunten que es lo que cené ayer, pues no lo recuerdo, pero sí les puedo decir todos los Madelman y el equipo concreto (pequeño o mediano, grande entró solo uno).

Una segunda entrega estará dedica a los Madelman de segunda generación, con pies y diferente cara, así como otras reencarnaciones. Promete ser un itinerario emocionante. Y sin duda con alguna carga de nostalgia, pues personalmente cuando pienso en lo mejor de mi niñez pienso en cuando jugaba con los Madelman, por eso es estupendo poder contar con el que va a ser EL libro para conocer todo sobre ellos y además editado por Diábolo con la solvencia de medios y calidad de impresión que les caracteriza.

EN BUSCA DE TOTORO

Apuntes de un paseo por el bosque

Sebastián Hirr

Diábolo Ediciones, 2019. Tapa dura, 17 x 24. 248 pgs. Color. 

Hace un par de años Diábolo Ediciones publicaba un delicioso libro que analizaba, casi fotograma a fotograma, El viaje de Chihiro. Un laborioso trabajo que introducía y explicaba al lector muchos elementos culturales del Japón presentes en la cinta de Miyazaki que aclaraban y podían ofrecer nuevas lecturas a sus imágenes.

Aunque ya les confesé entonces y me reitero en que aquella es mi película favorita del mago japonés de la animación, la segunda que le sigue y muy de cerca es Mi vecino Totoro (Tonari no Totoro, 1988), cinta que he descubierto mucho después y que todavía necesita terminar de conquistar mi alma como hizo aquella. Algo que, sin duda, este libro me ayudará a hacer.

Sebastián Hirr ofrece en estos apuntes de un paseo por el bosque, una mirada pormenorizada a ese mundo, una experiencia que para el autor “tiene la capacidad de influenciar la forma en que vemos al mundo una vez atravesamos la experiencia de mirarla.”

Y es que Mi vecinoTotoro es una oda a la naturaleza y a la imaginación, y un relato de crecimiento. Pero también es mucho más. Cuando Miyazaki llegó a mí mediante El viaje de Chihiro, un amigo me la recomendó como un viaje lisérgico muy imaginativo. Y sabía que yo entendía lo que quería decir. Mientras su hija la disfrutaba a un nivel, él encontraba otra lectura que convertía la película en una experiencia totalmente diferente. Y ahora, en el libro de Hirr, me encuentro que compara a Miyazaki con un chamán. Y yo así lo siento también. Como un chamán que acompaña al espectador por un mundo lleno de misterios y simbologías que tan solo él comprende. Y otras que este libro puede ayudarnos a entender.

Junto al autor analizaremos cada escena, deteniéndonos en las partes que, ya sea por merecer una interpretación (o más de una) o por hacer referencia a algún detalle perteneciente a la cultura oriental en general, y japonesa en particular, merece ser explicado.

Y el autor lo hará todo llevándonos por un paseo por el film. Escena a escena, de manera fluida, deteniéndose para mostrarnos lo que le parece interesante, lo que le llama la atención, lo que no hemos visto y lo que no comprendemos. Enriqueciendo la experiencia de revisar una historia que nos tiene cautivados. En sus palabras, el autor intentará “amplificar su percepción”, partiendo de la base de que “lo importante no es dar con respuestas sino con nuevas preguntas que transformen en obsoletas a las anteriores.” Sin duda un atractivo juego. Y no es que saber todo sobre ella sea realmente imprescindible para disfrutar de esta maravillosa historia, pero puede ofrecer al lector una nueva visión de la película, también apasionante, enriqueciendo así el visionado de esta obra capital del cine. Un visionado que, de nuevo en palabras del autor “no nos aleja de la realidad: la reconfigura.”

Más información y pedidos: Diábolo Ediciones

 

 

Trailer sin censura de ‘La maldición’ (The Grudge)

13 diciembre 2019 Deja un comentario

 

 

 

 

 

Hoy viernes 13 es la fecha en la que Sony Pictures desea poner a prueba a los más supersticiosos con el escalofriante nuevo tráiler sin censura de LA MALDICIÓN (The  Grudge).

Basada en la saga de terror japonesa Ju-On: The Grudge de Takashi Shimizu, la perversa nueva visión de la historia, producida por Sam Raimi, dirigida por Nicolas Pesce y protagonizada por Andrea Riseborough, Demián BichirJohn ChoBetty Gilpin con Lin Shaye y Jacki Weaver, llegará a los cines de toda España el 1 de enero de 2020.

Categorías:TRAILERS RECOMENDADOS

Listado de salas en la que poder asistir, desde hoy, a una ‘Sesión Salvaje’

13 diciembre 2019 Deja un comentario

A estas alturas ya deben saber cuanto nos gustó este magnífico documental dirigido por Paco Limón y Julio César Sánchez que desde hoy mismo pueden disfrutar en los siguientes cines:

A PARTIR DE HOY VIERNES 13 DE DICIEMBRE

MADRID – CINES RENOIR PRINCESA
BARCELONA – CINE BALMES
SEVILLA – CINE AVENIDA

SEVILLA – CINEZONA

HUELVA – AQUALON
ALCALÁ DE HENARES – CINE LA DEHESA CUADERNILLOS
TOMELLOSO – CINE LA DEHESA TOMELLOSO
ISLANTILLA – CINE LA DEHESA ISLANTILLA

GIRA DE PASES-EVENTO DESDE ENERO DEL 2020

LAS PALMAS – CINE MONOPOL. 18 enero
LA LAGUNA – MULTICINES TENERIFE 19 enero

SANTANDER – CINE LOS ÁNGELES. 23 enero
BADAJOZ Y CÁCERES – Filmoteca de Extremadura. 5 y 7 de febrero respectivamente
SALAMANCA – Filmoteca Castilla y León (fecha por confirmar)

Para más información y enlaces de venta de entradas:

sesionsalvaje.es 

El proyecto, producido por Enrique López Lavigne, Enrique Cerezo y Pablo Guisa Koestinger, está en pleno recorrido de festivales. Ya ha sido galardonado en el Mórbido Fest (México), y ha visitado con gran éxito de prensa y público el Sitges Film Fest y la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián.

Sesión Salvaje es un documental que recorre la época dorada del cine de géneros en España, desde los westerns rodados en Almería a las películas de terror, pasando por “el destape” y el denominado cine quinqui. Se trata de un homenaje de la actual generación de cineastas a los profesionales del cine de serie B en España.

Sesión Salvaje es un documental divertido, tierno y a la vez instructivo. No sólo es un homenaje a aquellos profesionales que hicieron posible ese cine popular, también es una crónica sobre un momento histórico, con sus luces y sus sombras, y por él desfilan personajes que se han convertido en iconos populares como Fernando Esteso, Mariano Ozores o Esperanza Roy, pero también eternos secundarios como Simón Andreu, Antonio Mayans o Álvaro de Luna. Sin olvidar a los directores que marcaron aquella época como Jordi Grau, Eugenio Martín o el recientemente fallecido Javier Aguirre, además de directores actuales más internacionales de nuestro cine como Álex de la Iglesia o Nacho Vigalondo.

El documental ha sido producido por Apache Films en coproducción con FlixOlé y Mórbido Films, en asociación con Mercury Films. La distribución correrá a cargo de #ConUnPack Distribución, responsables de títulos como “Most Beautiful Island” ó “Desenterrando Sad Hill”.

VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 13 de diciembre de 2019 *

13 diciembre 2019 Deja un comentario

SESIÓN SALVAJE (Paco Limón y Julio César Sánchez, 2019)

España. Duración: 84 min. Guion: Paco Limón, Daniel Luis López, Julio Cesar Sánchez Fotografía: Ernesto Herrera Productora: Apache Films / Morbido Films Género: Documental

El documental cuenta con la participación de Javier Aguirre, Simón Andreu, Paco Cabezas, Carmen Carrión, Álex de la Iglesia, Álvaro de Luna, Carlo De Marchis, Lone Fleming, Adrián García Bogliano, Jorge Grau, Fernando Guillén Cuervo, Jose Lifante, Emilio Linder, Enrique López Lavigne, Eugenio Martín, Antonio Mayans, Mariano Ozores, Esperanza Roy, Diego San José, Loreta Tovar, Nacho Vigalondo, Miguel Ángel Vivas

Sinopsis: Documental que recorre la época dorada del cine exploitation español, desde la década de los 60 a los 80, un cine de bajo presupuesto pero de gran aceptación popular que explotaba modas cinematográficas, desde el western al cine de terror, pasando por el cine quinqui o incluso las comedias eróticas.

Sesión Salvaje es EL DOCUMENTAL sobre cine de género español de los años setenta y ochenta que, partiendo del Spaghetti Western repasa la época dorada del Fantaterror, deteniéndose en la comedia de Ozores y el cine Quinqui. Llevando al espectador de Paul Naschy a Piquer Simón, deteniéndose significativamente en el reivindicativo y reivindicable, Eloy de la Iglesia y finalizando el trayecto con la llegada de la Ley Miró. Todo pespuntado con maestría, gracias, sobre todo, a su excepcional montaje que evita convertir la cinta en un simple ensartado de documentos. Aquí los entrevistados parecen hablar entre sí, no es una simple sucesión de entrevistas, el montador logra remitir al espectador la sensación de diálogo, un diálogo que se da entre los participantes, pero incluso entre las declaraciones y la imágenes que las ilustran. Así, los diálogos de las películas reseñadas logran abrir y cerrar los capítulos de este trabajo como si fueran secuencias lógicas que se desprendieran de ellas mismas. Todo ello hace que este documental sea una experiencia feliz y amena para el espectador, sin olvidar su labor didáctica que logrará despertar el interés incluso de aquella parte del público que, probablemente, desconozca el tema en la profundidad con la que aquí se aborda. No es un mero ejercicio de nostalgia. Sesión Salvaje es una obra de amor por el cine, todo el cine, pero especialmente ese cine de nuestra infancia que nos esforzamos en recuperar cada vez que cerramos las luces y vemos en nuestra pantalla una de aquellas películas realizadas por artesanos como León Klimovsky, Carlos Aured o Amando de Ossorio. Cine de género, de consumo, carne de sesión doble. Serie-B en muchos casos por formar parte de ese programa doble como la película que acompañaba a ‘la americana’, pero que en muchos casos permanecía en nuestra joven memoria mucho más que la cinta supuestamente principal. Y todo de la mano de varios de sus protagonistas, como los directores Eugenio Martin, Jordi Grau, Javier Aguirre y Mariano Ozores; y los actores Fernando Esteso, Lone Fleming, Loreta Tovar, Simón Andreu, Antonio Mayans, Esperanza Roy o Álvaro de Luna, entre muchos otros, que rememoran aquellos tiempos, junto a la opinión de jóvenes directores actuales, que crecieron con aquellas películas y que las sitúan en su justo lugar más allá de la nostalgia, como Paco CabezasÁlex de la IglesiaMiguel Ángel Vivas y, sobre todo, Nacho Vigalondo, que comparte con Serendipia su opinión sobre la desaparición de esas películas más allá de, simplemente, echar la culpar a Pilar Miró y su ley. También Vigalondo describe, mejor que nadie, la falsa nostalgia actual con respecto a aquellas películas, que cabe situar en su época como productos de consumo rápido, sin que ello resulte peyorativo. Categoría que alguna de estas películas trascendió situándose como obras maestras del cine español.

El documental, modélico y emocionante, llamado a ser de referencia gracias también a haber podido contar con los medios suficientes para acceder a los archivos de imágenes necesarios, evita ser una sucesión de bustos parlantes, por lo que, repetimos, resultará ameno para el neófito o el interesado casual sobre el tema.

Sesión salvaje  se cierra abriendo, a su vez, un interesante discurso sobre el consumo actual de audiovisual y la facilidad de poder disfrutar de tanto cine con un simple click. Pero ese es tema, quizás, para otro documental.

 

PRÓXIMA (Proxima, Alice Winocour, 2019)

Francia. Duración: 107 min. Guion: Jean-Stéphane Bron, Alice Winocour Fotografía: Georges Lechaptois Productora: Dharamsala / Pandora Films Género: Drama
Reparto: Eva Green, Matt Dillon, Lars Eidinger, Sandra Hüller, Jan Oliver Schroeder, Nancy Tate, Marc Fischer, Zélie Boulant, Alexey Fateev, Vitaly Jay, Birger Frehse
Premios:
2019: Festival de San Sebastián: Premio especial del Jurado
Sinopsis: Sarah (Evan Green) es una astronauta francesa que se entrena en la Agencia Espacial Europea en Colonia. Es la única mujer dentro del exigente programa. Vive sola con Stella (Zélie Boulant), su hija de siete años. Sarah se siente culpable por no poder pasar más tiempo con la niña. Su amor es abrumador, inquietante. Cuando Sarah es elegida para formar parte de la tripulación de una misión espacial de un año de duración llamada Próxima, se produce el caos en la relación entre madre e hija.

En estos tiempos de justa reivindicación del papel de la mujer en todos los ámbitos, hay formas de convertirlo en un ejercicio vacuo y chirriante o en una inteligente historia como la de Próxima, que demuestra que las mujeres pueden y deben perseguir su sueño. Sarah (una magnífica Eva Green), madre de una niña de siete años, tendrá que luchar con su conciencia y unos sentimientos contradictorios. Y todo lo introduce de manera sutil Alice Winocour. Tanto los miedos naturales ante la prolongada separación entre madre e hija; como las ausencias que deberá soportar; sin olvidar que deberá demostrar, más que nadie, su capacidad para afrontar las duras pruebas físicas que se le exigen para formar parte de la tripulación de la primera misión a Marte, ante la actitud reacia del capitán de la misión (Matt Dillon), que sin ser hostil, parece no confiar del todo en sus capacidades. Pero esas dudas precisamente son las que fortalecerán su espíritu y la llevarán a poner todo su empuje para cumplir el sueño de su vida y conseguir formar un equipo compacto junto a sus compañeros de aventura. La película conseguirá trasmitir al espectador el vértigo a lo desconocido, pero también la confianza y convicción de Sarah ante el reto que se le presenta. Un reto que conseguirá contagiar a su hija, el sueño de surcar el universo en un cohete espacial, un universo nuevo que veremos reflejado en los ojos de la pequeña, ese nuevo universo lleno de oportunidades que Sarah quiere abrir para ella y para todas las que como ella quieran ir más allá.

EL TIEMPO CONTIGO (Tenki no ko, Makoto Shinkai, 2019)

Japón. Duración: 112 min. Guion: Makoto Shinkai Música: Radwimps Productora: CoMix Wave Films Género: Drama
Sinopsis: Primer año de instituto, verano. Hodaka huye de su casa en una isla periférica para asentarse en Tokio. Sumido en la pobreza y tras muchos días de soledad, al fin encuentra trabajo como escritor freelance en una dudosa revista de ocultismo. Un día tras otro, llueve sin cesar como si siguiera el ejemplo de su vida. Sin embargo, Hodaka conoce a una chica entre el ajetreo y el bullicio de la gran ciudad. Hina es una chica alegre y de carácter fuerte que vive sola con su pequeño hermano por una serie de circunstancias. Ella también tiene un extraño poder: el de despejar el cielo simplemente rezando.

Escogida para representar a Japón en los Premios Oscar 2020, como ya lo fue Your Name en 2017 El tiempo contigo, fue presentada en la sección Perlas del Festival de San Sebastián y participó en la sección Anima’t del Festival de Sitges. Ahora, por fin se estrena en nuestras pantallas la película de Makoto Shinkai, un director que es uno de los máximos exponentes de la animación japonesa gracias a títulos como Kumo no muko, yakusoku no basho (El lugar en el que nos prometimos, 2004), Byosoku 5 senchimetoru (5 centímetros por segundo, 2007), Koto no ha no niwa (El jardín de las palabras, 2013) y sobre todo Kimi no na wa (Your Name, 2016), su mayor éxito hasta la fecha, proyectado fuera de concurso en la Sección Oficial del Festival de San Sebastián.

Shinkai vuelve a sorprender con una historia que mezcla romance juvenil y elementos sobrenaturales, con una animación detallista que cuida los sonidos y la textura de sus fondos, trasmitiendo el estado de ánimo de sus personajes, sumidos durante la mayor parte del metraje en un escenario gris dominado por una lluvia eterna, panorama en el que forzosamente  destacan los luminosos rayos de sol que atrae Hina, tanto en el sentido textual como metafórico, pues la joven es la que trae el brillo y el calor a la vida de Hodaka, para el que Tokio, hasta entonces, era una ciudad hostil. Como  bien dice Hina a Hodaka -y de paso al espectador-: “Tan solo necesitas un horizonte despejado por la mañana para ser feliz.”

La cinta ha batido récords en Japón y, superando a superproducciones de Hollywood como Aladdín y El rey león, se ha convertido en la película más taquillera del año, recaudando más de 123 millones de dólares desde su estreno y manteniéndose en el TOP 1 del box-office varias semanas seguidas.

JUMANJI: SIGUIENTE NIVEL (Jumanji: The Next Level, Jake Kasdan, 2019))

USA. Duración: 123 min. Guion: Scott Rosenberg, Jake Kasdan, Jeff Pinkner (Libro: Chris Van Allsburg) Música: Henry Jackman Fotografía: Gyula Pados Productora: Matt Tolmach Productions / Seven Bucks Productions / Hartbeat Productions / Sony Pictures Entertainment (SPE). Distribuida por: Columbia Pictures Género: Fantástico

Reparto: Dwayne Johnson, Karen Gillan, Jack Black, Kevin Hart, Awkwafina, Danny DeVito, Colin Hanks, Alex Wolff, Nick Jonas, Danny Glover, Madison Iseman, Ashley Scott, Dania Ramirez, Rhys Darby, Rory McCann, Morgan Turner, Ser’Darius William Blain,Sinopsis: En Jumanji: Siguiente nivel, vuelve la pandilla, pero el juego ha cambiado. Cuando regresan a Jumanji para rescatar a uno de los suyos, descubren que nada es lo que esperaban. Los jugadores deberán enfrentarse a lugares desconocidos e inexplorados, desde áridos desiertos hasta montañas nevadas, para escapar del juego más peligroso del mundo.

Dos años después de que nos sorprendiera tan agradablemente el retorno al universo Jumanji que resultó ser Jumanji: Bienvenidos a la jungla (Jumanji: Welcome to the Jungle), el mismo equipo y reparto de aquella retorna a la aventura con este siguiente nivel, que contará con dos participantes nuevos e inesperados (Danny DeVito y Danny Glover), que se convertirán en parte fundamental, tanto de la trama como de la parte cómica del film.

Sí, por supuesto este Jumanji es más de lo mismo, pues no se han querido arriesgar los responsables ante el buen resultado obtenido por su predecesora -y eso que también entonces coincidió con un estreno ‘galáctico’-, así que se ha optado por repetir aquel cóctel de aventura, acción y humor en esta secuela directa para cuyo disfrute, sin ser imprescindible, conviene tener fresca su primera entrega. Sobre todo si tienen nuestra cada vez más escasa memoria.

En resumen: la perfecta película para disfrutar en familia durante estas fiestas. Emocionante, divertida y con escenas sorprendentes y de alto voltaje, como la del acantilado, los puentes y… los mandriles.

 

Categorías:VAMOS DE ESTRENO
A %d blogueros les gusta esto: