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Archive for 31 enero 2020

Guillermo del Toro comienza el rodaje de “Nightmare Alley” para Searchlight Pictures

Photo by NINA PROMMER/EPA-EFE/REX/

Searchlight Pictures ha anunciado el inicio del rodaje de NIGHTMARE ALLEY esta semana en Toronto, Canadá. La película está protagonizada por Bradley Cooper, Cate Blanchett, Toni Collette, Willem Dafoe, Richard Jenkins, Rooney Mara, Ron Perlman y David Strathairn.

Guillermo del Toro dirige NIGHTMARE ALLEY cuyo guion ha coescrito con Kim Morganhis, una historia que ya fue adaptada en 1947 y estrenada en nuestras pantallas como El callejón de las almas perdidas (Edmund Goulding). El propio Guillermo Del Toro y J. Miles Dale producen la película. La cinta está basada en la novela de William Lindsay Gresham. La película será supervisada por los Presidentes de Producción de Cine y Televisión de Searchlight Pictures, David Greenbaum y Matthew Greenfield y por el Vicepresidente Senior DanTram Nguyen.

El director y guionista Guillermo del Toro ha declarado: “Estoy entusiasmado de poder contar con este extraordinario reparto. Kim Morgan y yo hemos trabajado con enorme pasión para llevar a la pantalla el mundo oscuro y siniestro de William Gresham y a partir de ahora estaremos acompañados por un excelente grupo de artistas y técnicos que ayudarán a darle vida”.

“Dada la profundidad de este maravilloso reparto, me siento un privilegiado por trabajar con todos ellos y contar además con el apoyo de nuestros magníficos socios de Searchlight. Será maravilloso ver a estos actores de primera fila y a Guillermo superar sus límites en esta nueva interpretación de la novela fundamental de Gresham”, declaró el productor Dale.

En NIGHTMARE ALLEY, un joven y ambicioso feriante (Bradley Cooper) con un innegable talento para manipular a la gente con unas pocas palabras bien elegidas, se compincha con una psicóloga (Cate Blanchett) que es aún más peligrosa que él.

El reparto incluye a la empleada de feria Molly (Rooney Mara), al charlatán de feria Clem (Willem Dafoe) y a Ron Perlman como Bruno el Forzudo. Richard Jenkins interpreta al rico industrial Ezra Grindle, miembro de la alta sociedad.

“Es un honor y un privilegio volver a colaborar con Guillermo. Ha reunido a un magnífico grupo de actores y talentos creativos para formar un auténtico dream team que le ayudarán a llevar a la gran pantalla su singular visión de “NIGHTMARE ALLEY”, en palabras de Greenbaum y Greenfield.

El equipo creativo de Del Toro está formado por sus colaboradores habituales como es el caso del diseñador de vestuario Luis Sequeira (LA FORMA DE AGUA, MAMÁ); el director de fotografía Dan Laustsen, ASC, DFF (LA FORMA DE AGUA, JOHN WICK: CAPÍTULO 3 – PARABELLUM); el supervisor de efectos visuales Dennis Berardi (LA FORMA DE AGUA, LA CUMBRE ESCARLATA); la diseñadora de producción Tamara Deverell (“Star Trek: Discovery”, “The Strain”); y el montador Cam McLauchlin (LA FORMA DEL AGUA, “The Strain”).  Searchlight distribuirá la película en todo el mundo.

Categorías:TRAILERS RECOMENDADOS

La tercera edición de Ohlalà! Festival de Cine Francófono de Barcelona se celebrará del 12 al 21 de marzo

En total, 15 largometrajes componen la programación, la mayoría inéditos en Cataluña, de la tercera edición de Ohlalà! Festival de Cine Francófono de Barcelona que se celebrará del 12 al 21 de marzo. Se trata de una cuidada selección proveniente de diversos países de habla francófona como son Francia, Bélgica, Suiza, Canadá, Argelia, Marruecos o Túnez. Además, la mitad de la programación seleccionada está dirigida por mujeres.

El festival acoge también una retrospectiva dedicada a la actriz francesa Nathalie Baye, madrina de esta tercera edición, quien además de ofrecer una Master Class estará presente en varios eventos del festival.

En esta tercera edición se entregarán tres premios: Premio del Jurado, compuesto por profesionales  de diferentes ámbitos del sector cinematográfico, Premio del Jurado Joven, formado por jóvenes de Barcelona entre los 18 y los 25 años y Premio del Público.

La mayoría de las películas se podrán ver en el Instituto Francés, sede principal del festival. Como novedades este año, la inauguración se celebrará el jueves, 12 de marzo a las 20h en el cine Phenomena Experience (c/ Sant Antoni Maria Claret, 168) y una sesión de la Retrospectiva dedicada a Nathalie Baye se proyectará en la Filmoteca de Catalunya.

Todas las películas estarán subtituladas en castellano o catalán.

AVANCE DE LA PROGRAMACIÓN

Entre las películas seleccionadas se incluyen entre otros, los siguientes títulos:

PAPICHA, de Mounia Meddour (Argelia). Opta a 2 premios César: Opera prima, Mejor Actriz Revelación (Lyna Khoudri).
Es un resplandeciente himno a la libertad.

Sinopsis: Argelia, 1997. Nedjma es una estudiante universitaria que intenta que los acontecimientos de la guerra civil que empiezan a ocurrir a su alrededor no le impidan vivir una vida normal: salir de noche con su mejor amiga Wassila y vender vestidos hechos por ella en los baños de las discotecas. Mientras la sociedad se vuelve más conservadora, ella decide luchar por su libertad e independencia organizando con sus amigas un desfile de moda en la Universidad que desafía todas las normas establecidas.

Festivales y Premios: Seleccionada en Un Certain Regard-Festival de Cannes 2019, Mejor Nuevo Director y Premio del Público en el Festival de Valladolid – Seminci 2019, Seleccionada por Argelia como Mejor Película de habla no inglesa para los Oscars

ANTIGONE, de Sophie Deraspe (Canadá).

Una Antígona de los tiempos modernos: ¡imprescindible!
Sinopsis: A pesar del drama que rodea la inmigración de su familia, Antigone se ha adaptado bien a la vida norteamericana. Con su hermana Ismene, sus hermanos Eteocles y Polynices, y su abuela Menoeceus, la adolescente vive una vida modesta pero relativamente tranquila en un barrio obrero de Montreal. Pero la tragedia golpea de nuevo a la familia. Antigone decidirá ayudar a su hermano evadirse de la cárcel y enfrentarse al sistema judicial. A la ley de los hombres, ella prefiere su proprio sentido de la justicia, dictado por el amor y la solidaridad. Una adaptación imprescindible de la tragedia de Sófocles.
Festivales y Premios: Mejor película canadiense en el Festival de Toronto 2019, Seleccionada por Canadá como Mejor película de habla no inglesa para los Oscars

ADORATION, de Fabrice du Welz (Bélgica, Francia)
Un relato onírico sobre el final de la inocencia, el amor y la locura

Sinopsis: Paul, un joven solitario, conoce a Gloria, la nueva paciente en la clínica psiquiátrica donde trabaja su madre. Enamorándose de esta adolescente problemática y soleada, Paul huirá con ella, lejos del mundo adulto…
Festivales: Festival de Locarno 2019, Premio Especial del Jurado y mejor fotografía en el Festival de Cine Fantástico de Sitges 2019

ADAM, de Maryam Touzani (Francia, Bélgica)
Una ópera prima sutil y conmovedora sobre la necesidad de apoyarse entre las mujeres en una sociedad que no mira hacia ellas.

Sinopsis: Abla regenta una humilde pastelería en su propia vivienda de Casablanca, donde vive sola con Warda, su hija de 8 años. Su rutina, dictada por el trabajo y las labores domésticas, se ve un día interrumpida cuando alguien llama a su puerta. Se trata de Samia, una joven embarazada que busca empleo y techo. A la pequeña le atrae la recién llegada desde el primer momento, pero la madre se opone inicialmente a acoger a la extraña en su casa. Poco a poco, sin embargo, la determinación de Abla va cediendo y la llegada de Samia les abre a las tres la posibilidad de una nueva vida.

Festivales: Seleccionada en Un Certain Regard – Festival de Cannes 2019, Seleccionada por Marruecos como Mejor película de habla no inglesa para los Oscars

CEUX QUI TRAVAILLENT, de Antoine Russbach (Suiza, Francia, Alemania, Bélgica)
Una reflexión impactante sobre la sociedad actual con una interpretación magistral de Olivier Gourmet
Sinopsis: Frank dedica su vida al trabajo. No importa el lugar o las circunstancias, va sea de día o de noche, siempre está al teléfono, administrando buques de carga para grandes empresas. Pero como sucede a menudo en la actualidad, Frank es despedido abruptamente y mientras descubre que ha sido traicionado por un sistema al que entregó su vida, trata de salvar el último vínculo que aún le importa, el de su hija Mathilde.
Festivales y Premios: Festival de Locarno 2018. Premio a Mejor Película, Mejor Guión y Mejor Actriz de reparto en los Premios del Cine Suizo

NOTRE DAME, de Valérie Donzelli (Francia, Túnez, Bélgica, Francia)
Un cuento moderno lleno de fantasía homenaje a la Ciudad de la Luz y al cine de Jacques Démy
Sinopsis: Maud Crayon es nacida en los Vosgos, pero reside en París. Es arquitecta, madre de dos hijos y, en un enorme malentendido, acaba de ganar un proyecto del ayuntamiento de París para reestructurar la explanada de la catedral de Notre-Dame… Entre este nuevo trabajo, un amor de juventud que aparece de pronto y el padre de sus hijos a quien no consigue dejar del todo, Maud Crayon vive momentos caóticos. Un caos al cual se enfrentará para afirmarse y liberarse.
Festivales: Festival de Locarno 2019.

RETROSPECTIVA NATHALIE BAYE

La actriz francesa Nathalie Baye será la madrina de la 3ª edición del festival y a ella se le dedicará una retrospectiva de varios títulos, entre ellos:

-Una relación privada, de Frédéric Fonteyne, que se proyectará en la Filmoteca de Cataluña (Plaça de Salvador Seguí, 1). Por su papel en esta película recibió la Copa Volpi a la Mejor Actriz en la Mostra de Venecia en 1999. La sesión será presentada por Nathalie Baye y Sergi López, protagonistas de la película.

-Le petit Lieutenant, de Xavier Beauvois, ganadora de 4 premios César en 2006 (Mejor Película, Mejor Guión, Mejor Director, Mejor Actor). Se proyectará en el Instituto Francés (c/ Moià, 8) y será presentada por Nathalie Baye.

Nathalie Baye es una de las grandes actrices del cine francés.  Su carrera abarca más de 100 títulos en 47 años de profesión. Posee una carrera ecléctica donde se incluye cine de autor como cine más popular. Ha trabajado con autores como François Truffaut, Maurice Pialat, Claude Sautet, Jean-Luc Godard, Claude Chabrol, Steven Spielberg o Xavier Dolan.

En su palmarés figuran 4 premios César, el galardón más importante de la Academia del Cine Francés: Le Petit Lieutenant, 2005; La Balance- (El Membrillo), 1982; Une étrange affaire, 1981; Sauve qui peut (la vida)- (Salve quien pueda, la vida),1980. Ha sido candidata a este premio en seis ocasiones más.
Tiene también una Copa Volpi a la Mejor Actriz en el Festival de Venecia  (Una relación privada, 1999)  y una Concha de Plata a la Mejor Actriz en el Festival de San Sebastián (Mon fils à moi- Mi hijo), 2006).

Ohlalà! Festival de Cine Francófono de Barcelona es el primer festival de Barcelona dedicado al cine francófono y toma su nombre de la característica locución francesa que se utiliza para expresar sorpresa, nostalgia o alegría y alude a la magia del cine y a la variedad de emociones que este es capaz de evocar en el espectador.
En la pasada edición del festival, apadrinada por la actriz, guionista y directora francesa Agnès Jaoui, acudieron 3.100 espectadores, un 24% más que en la edición anterior, con un mismo número de sesiones.

http://www.ohlalafilmfestival.com

Categorías:w Otros festivales

Novedades Cameo: Marzo 2020

LOS MISERABLES
Nominada por la Academia al Oscar a la Mejor Película en Lengua Extranjera.

Nos cuenta la historia de Stéphane que acaba de unirse a la Brigada de Lucha contra la Delincuencia (B.A.C. en francés) de Montferneuil, un suburbio al este de París. Allí conoce a Chris y a Gwada, dos compañeros con mucha experiencia, y no tarda en descubrir que las bandas del barrio no se llevan nada bien. Se ven desbordados durante un arresto y un dron filma todos sus movimientos, todo lo que hacen.

ESTAFADORAS DE WALL STREET
La actuación de Jennifer López es tan sorprendente que estuvo nominada por su papel en los pasados Globos de Oro.

Basada en una historia real, un grupo de strippers se unen para estafar a sus clientes, ricos magnates de Wall Street. Cuando Elizabeth una periodista del New York Magazine comienza a investigar, ellas verán peligrar su negocio y tendrán que afianzar su lealtad por encima de la envidia y la avaricia.

Categorías:DVD / BLU-RAY

Filmax estrenará “No matarás” el 16 de octubre en cines

El próximo 16 de octubre llegará a los cines “NO MATARÁS“, la nueva película de David Victori protagonizada por Mario Casas, producida por Filmax y con la participación de Televisión Española, Televisió de Catalunya y Movistar Plus.

La debutante Milena Smit acompaña a Mario Casas en este thriller escrito por Jordi Vallejo, David Victori y Clara Viola que se rodó en diferentes localizaciones de Barcelona el pasado año.

Sinopsis:

Dani, un buen chico que durante los últimos años de su vida se ha dedicado exclusivamente a cuidar de su padre enfermo, decide retomar su vida tras la muerte de éste. Justo cuando ha decidido emprender un largo viaje, conoce a Mila, una chica tan inquietante y sensual como inestable, que convertirá esa noche en una auténtica pesadilla. Las consecuencias de este encuentro llevarán a Dani hasta tal extremo, que se planteará cosas que jamás habría podido imaginar.

David Victori (Barcelona, 1982) ha desarrollado su carrera cinematográfica entre Estados Unidos y España. Tras ser el asistente personal durante más de cinco años de Bigas Luna y participar en los guiones de Hijo de Caín (2012, Lluís Monllaó) y Segon origen (2014, Carles Porta), David Victori dirigió varios cortometrajes entre los que destacan Reacción (2008) y La culpa (2010) ganador de varios premios internacionales.

En 2011, Victori ganó el primer Festival de Cine de YouTube organizado por Scott Free (productora de Ridley Scott) y Michael Fassbender y fue seleccionado por la revista internacional Variety como uno de los diez directores españoles a seguir en los próximos años. Del premio del Festival, nació Zero (2015) una web serie de medio millón de dólares producida por Scott Free y Michael Fassbender disponible en YouTube. En 2018 estrenó su primer largometraje El pacto, protagonizado por Belén Rueda y Darío Grandinetti.

Categorías:TRAILERS RECOMENDADOS

VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 31 de enero de 2020*

 

DIAMANTES EN BRUTO (Uncut Gems, Ben Safdie y Joshua Safdie, 2019)

USA. Duración: 135 min. Guion: Ronald Bronstein, Ben Safdie, Joshua Safdie Música: Daniel Lopatin Fotografía: Darius Khondji Productora: Eara Pictures / Scott Rudin Productions / Sikelia Productions. Productor: Martin Scorsese Género: Thriller.

Reparto: Adam Sandler, Kevin Garnett, Idina Menzel, Keith Stanfield, Julia Fox, Eric Bogosian, Judd Hirsch, The Weeknd, Sean Ringgold, Sahar Bibiyan

Sinopsis: Ubicada en el trepidante mundo del Distrito de Diamantes de la ciudad de Nueva York. Howard (Adam Sandler) es un encantador distribuidor de joyas que no puede evitar vivir su vida al límite a través de una insensata adicción al juego, a las drogas y a las mujeres. Pero cuando se encuentra en posesión de un diamante ópalo negro de 600 quilates, Howard  tiene finalmente la oportunidad de cambiar su vida de una vez por todas, solo si logra mantenerse con vida y mantener el diamante más raro del mundo en su poder.

Diamantes en bruto trasmite una sensación al espectador de vértigo continuo. Desde su inicio no dejan de pasar cosas y el fatalismo recorre la pantalla desde el primer momento. No estamos ante una estructura héroe-villano, su protagonistas esta a medio camino de todo, pero continuamente en contacto con la muerte.

Hay quien ha escrito que Diamantes en bruto es una película sobre la adicción, y sin duda lo es, pero lo que hace que el personaje que Adam Sandler interpreta -y magníficamente, por cierto- se sienta vivo es el riesgo. El peligro es lo que le alimenta.

Ni en los escasos momentos en los que se para la maquinaria y bajan las revoluciones, llegaremos a entender, más allá de la emoción del juego, lo que hace que el protagonista desee jugarse todo continuamente, exponerse a perderlo todo. Incluida la vida.

Pero no habrá apenas pausa, el carrusel se pondrá en marcha y no dejará de girar, trasmitiendo inquietud y angustia al espectador, que como el protagonista, no podrá más que seguirlo en su ascensos hasta su abrupto desenlace.

Producción Netflix  estrenada en Estados Unidos en pantalla grande, aquí no tendremos esa suerte, pero estará disponible a partir de hoy, para todo los subscriptores del canal. Dirigida por los jóvenes hermanos Benny y Josh Safdie, que ya dieron la campanada en 2017 con Good Time habrá, vistos los óptimos resultados,  que seguir sus pasos.

MI GRAN PEQUEÑA GRANJA (The Biggest Little Farm, John Chester, 2018)

USA. Duración: 91 min. Guion: Mark Monroe, John Chester Música: Jeff Beal Fotografía: Kyle Romanek Distribuida por: Neon Género: Documental

Sinopsis: En el 2011, el director de documentales John Chester y su mujer, la chef profesional Molly Chester, tomaron una importante decisión: dejar sus trabajos y mudarse al campo al norte de Los Angeles a cultivar una granja.

Sin lugar a duda los propósitos que mueven a John Chester a montar una granja junto a su esposa y rodar un documental sobre ello son del todo loables y tienen toda nuestra simpatía, pero opinamos que llamar a Mi gran pequeña granja documental es algo que no se ajusta demasiado a la realidad, pues aunque su director tiene amplia experiencia en ese campo y lo que narra, sin duda, sucedió, todo lo que muestra en su película está rodado con buscada intención dramática y artística y en algunos casos con sospechosa linealidad narrativa. Todo lo cual no juega en contra del filme, una encomiable  labor sobre como se materializa el sueño de la pareja protagonista de montar una granja en la que plantar sus propias verduras y frutas y criar sus animales. Un proceso que además conseguirá regenerar toda una zona echada a perder, que se repoblará de especies convirtiéndose en un paradisíaco entorno, algo que John y Molly conseguirán con mucho trabajo y obstinación, una labor que les proporcionará muchas alegrías y satisfacciones, pero que dejará también alguna tragedia por el camino. Y todo ello bellamente rodado en un proceso que puede resultar inspirador para los más jóvenes, público más que indicado para esta película, con la que puede aprender a conocer y respetar el equilibro ecológico, así como a aceptar que incluso la muerte tiene un proceso y una utilidad dentro de la naturaleza.

 

ADÚ (Salvador Calvo, 2020)

Guión: Alejandro Hernández Fotografía: Sergi Vilanova Productora: Ikiru Films / La Terraza Films / Telecinco Cinema / ICAA / Mediaset España / Mogambo Género: Drama

Reparto: Luis Tosar, Anna Castillo, Álvaro Cervantes, Jesús Carroza, Miquel Fernández, Ana Wagener, Nora Navas, Marta Calvó, Josean Bengoetxea, Chumo Mata, Candela Cruz, Moustapha Oumarou, Rubén Miralles, Zayiddiya Dissou

Sinopsis: En un intento desesperado por alcanzar Europa y agazapados ante una pista de aterrizaje en Camerún, un niño de seis años y su hermana mayor esperan para colarse en las bodegas de un avión. No demasiado lejos, un activista medioambiental contempla la terrible imagen de un elefante, muerto y sin colmillos. No solo tiene que luchar contra la caza furtiva, sino que también tendrá que reencontrarse con los problemas de su hija recién llegada de España. Miles de kilómetros al norte, en Melilla, un grupo de guardias civiles se prepara para enfrentarse a la furibunda muchedumbre de subsaharianos que ha iniciado el asalto a la valla. Tres historias unidas por un tema central, en las que ninguno de sus protagonistas sabe que sus destinos están condenados a cruzarse y que sus vidas ya no volverán a ser las mismas.
Una bienintencionada mirada al drama de la inmigración procedente de África dividida en tres irregulares historias: La veremos desde el punto de vista del joven Adú, un niño de seis años cuyo único objetivo, tras perderlo todo, será llegar a España, donde está su padre; y desde el punto de vista de un guardia civil que sirve en la frontera de Melilla. Ambas historias se desarrollarán en paralelo y, como es previsible, convergerán. Pero hay una tercera historia sobre la relación de un padre con su hija, protagonizada por Luis TosarAnna Castillo, que no parece guardar demasiada relación con respecto a las dos anteriores.
Esta segunda película de Salvador Calvo tras la interesante 1898: los últimos de Filipinas (2016), es un intenso drama que busca exponer lo que los  noticiarios han convertido en monótono, dando cara y nombre a la tragedia, intentando que el espectador comprenda que detrás de cada cifra hay una historia de supervivencia. Y todo lo representa mediante los expresivos e inocentes ojos de Adú, que parecen traspasar la pantalla buscando respuestas en el espectador. Bellamente rodada, pues aprovecha el entorno natural que ofrece el continente africano, Adú cuenta con un buen grupo de actores, entre los que destacan los dos jóvenes Moustapha OumarouZayiddiya Dissou. 

Categorías:VAMOS DE ESTRENO

El Cine Low Cost español renace en Filmin con la serie “Tus monstruos”

La primera serie de Gonzalo Escribano reúne en su reparto a algunos de los rostros que protagonizaron el auge del cine en los márgenes de la industria a principios de la década pasada.

Filmin estrena en exclusiva en España, el próximo martes 4 de febrero la serie “Tus monstruos”, creada por el cortometrajista alcazareño Gonzalo Escribano. Se trata de una ficción de seis episodios de 30 minutos de duración que recupera el espíritu y la esencia del llamado Cine Low Cost español, una oleada de nuevos creadores que, a principios de la década de los 10, aprovechando el abaratamiento de los costes de producción y la aparición de nuevas ventanas de exhibición con el auge del digital, filmaron películas de muy bajo presupuesto pero rebosantes de ingenio y creatividad que sorprendieron a gran parte de la crítica nacional.

“Tus muertos” no solo adopta aquella mezcla de costumbrismo urbano, post-humor y extrañeza cercana al género fantástico que identificaba a la mayor parte de películas del movimiento, sino que cuenta en su reparto con algunos de los rostros que descubrimos en aquellas películas. Es el caso de las tres protagonistas de cada una de las historias que conforman la serie: Lorena Iglesias (del colectivo Canódromo abandonado que debutó en 2012 con “La tumba de Bruce Lee”, Rocío León (“Diamond Flash”, “Manic Pixie Dream Girl”) y Ángela Villar (“Diamond Flash”, “Otro verano”). Vienen acompañadas de la ganadora del Goya, Ana Álvarez (“Solas”), el cómico David Pareja (“Gente en sitios”, “Todos tus secretos”), Ana Rujas (“Summertime”) o Xabi Tolosa (“Cabás”), entre otros.

CUANDO ÉRAMOS BARATOS

En junio de 2012, los periodistas culturales Desirée De Fez y Miqui Otero organizaron en el Centra d’Arts Santa Mònica de Barcelona las I Jornadas de Cine Low Cost. El evento, que se reanudó en los cuatro años consecutivos, quiso poner en valor el trabajo de una serie de creadores audiovisuales que, con presupuestos ínfimos y buscando siempre fórmulas de distribución alternativas al circuito comercial de salas (con Filmin al frente, en aquel momento, de la revolución de las plataformas digitales), estaban revolucionando el cine español desde los márgenes de la industria. El descubrimiento en el Festival Rizoma de Madrid de una película tan fundamental como “Diamond Flash”, la influyente ópera prima de Carlos Vermut, y el estreno de “Dispongo de barcos”, de Juan Cavestany, servía de punta de lanza para un movimiento disperso que vio nacer a creadores como Pablo Hernando (“Cabás”“Berserker”), Pablo Maqueda (“Manic Pixie Dream Girl”, “#RealMovie”), el colectivo Canódromo Abandonado (“La tumba de Bruce Lee”), Carlo Padial (“Mi loco Erasmus”, “Taller Capuchoc”), Antonio Trashorras (“El callejón”, “Anabel”)  o Manuel Bartual (“Todos tus secretos”), entre muchos otros. Precisamente Pablo Maqueda y Haizea G. Viana intentaron cohesionar el movimiento bajo el sello #LittleSecretFilm, produciendo las primeras películas de algunos de estos nuevos talentos. En Filmin pudieron verse, y siguen disponibles, muchos de estos trabajos.

VAMOS DE ESTRENO (o no): viernes 24 de enero de 2020

EMA (Pablo Larraín, 2019)

Chile. Duración: 102 min. Guion: Guillermo Calderón, Alejandro Moreno, Pablo Larraín Música: Nicolas Jaar Fotografía: Sergio Armstrong Productora: Fabula Género: Drama

Reparto: Mariana Di Girolamo, Gael García Bernal, Santiago Cabrera, Giannina Fruttero, Catalina Saavedra, Eduardo Paxeco, Mariana Loyola, Paola Giannini, Antonia Giesen, Josefina Fiebelkorn, Susana Hidalgo

Sinopsis: Ema, una joven bailarina, decide separarse de Gastón luego de entregar a Polo en adopción, el hijo que ambos habían adoptado y que fueron incapaces de criar. Desesperada por las calles del puerto de Valparaíso, Ema busca nuevos amores para aplacar la culpa. Sin embargo, ese no es su único objetivo, también tiene un plan secreto para recuperarlo todo.

No tengo ni idea de lo que el espectador se llevará de la película, porque la película no es una pieza cerrada, sino que permite un espacio, una grieta por la que el espectador puede entrar y salir para que cada uno pueda cerrarla desde su propia biografía. Para cada persona, Ema será una película diferente”(extraído de esta entrevista). Cuando el objeto se viste de subjetividad, cuando no se pretende ni único ni definitivo, la tarea del cronista queda en suspenso, porque ¿Si no existe una sola, si hay tantas como espectadores (miles, cientos de miles, millones, quién sabe) sobre cuál debo orientar mi crítica? No queda más que hablar de la mía, pero soy demasiado clásica como para no tratar de enunciar, no tratar de revestirme de una cierta universalidad, aunque sea construyendo un juego de espejos en los que busco que mi reflejo se superponga con el de la Ema original, la que era antes incluso de que Mariana Di Girolamo le prestara su cuerpo, su voz, su movimiento. La de Pablo Larraín. Escribir como si quisiera contársela, pero ¿Qué podría contarle yo al director sobre mi Ema?

El botepronto de la primeras impresiones mana como un magma indefinido de innúmeros destellos: extenuante, mayor peso del subtexto que del texto, predominio de la forma sobre el fondo, en un primer nivel, todavía organizado; mater(pater)nidad responsable, familia, sexo, danza, lugar del arte, papel del artista, activismo, cuerpo, y mujer, sobre todo mujer, en un segundo nivel, que se agota tratando de expresarse en valor de cambio, de resumirse en palabra para ser compartida; me pierdo, no entiendo de danza, me pierdo, no sé qué es ser madre, me pierdo, el fuego es metáfora pero no sé a qué señala, me pierdo, me agoto, sencillamente me pierdo, en un tercer nivel, que se rinde al fracaso de la incomprensión. Sin bandera blanca, sin embargo, porque aún quedan reaños para tratar de formular discurso cuando salga de la sala oscura. Cuando busque en mi navegador entrevistas en las que el aprieto de contar lo tenga él, el cineasta que no se ha ajustado a las/mis expectativas. Cuando lea críticas que me sirvan de filtros para ordenar mis propias ideas.

Un trabajo de experimentalismo autoconsciente demasiado forzado y distanciado para involucrarnos con él. Logra algo de ritmo gracias a la fuerza del reggaetón, pero el resto es tan disperso que carece de pulso.” El comentario de David Rooney para The Hollywood Reporter es el único punto rojo en el expediente de Ema, para la crítica profesional, al que he tenido acceso. Y respiro aliviada, hay al menos otra Ema tan dispersa como la mía, otra derrota de la comprensión. Pero también respiro aliviada porque, como yo, reconoce su admiración: “A medida que avanza la historia, hay indudablemente una fascinación perversa en su desarrollo externo, y Larraín ciertamente merece crédito por negarse a ir a lo seguro en esta etapa de su distinguida carrera”. Guarecida por palabras de terceros, ya estoy en disposición de dejar fluir la lluvia de ideas tamizadas con las que convertir el caos de la experiencia en el orden del discurso.

Ema, un nombre breve para un personaje inmenso. Personaje de personajes, dice el autor (¿será por eso que en ocasiones parece como si se hubiera construido con tomas para casting?), y enumera sus facetas, hija, madre, hermana, esposa, amante… Pero, sobre todo, lo que es, es joven. Ema, el personaje, es juventud, o mejor, mujer joven vista por un hombre nacido en otro siglo. Ema, la película, es un intento de aprehender a toda una nueva generación que se ha desarrollado ya en el nuevo milenio, desde el ojo de quien ha quedado prendado por su fuerza y descolocado por sus códigos. Es la obra de quien cree que, al final, después de observarles, de ver como usan el gesto más que la palabra, la coreografía más que el texto, ha llegado a asimilarles. Y, sin embargo, el momento que traspira más sinceridad de toda la cinta es aquel en el que el coreógrafo, Gastón, un Gael García Bernal que se ilumina en esa escena, arroja sobre las danzantes todos los prejuicios que albergamos sobre el reggaetón aquellos que no nacimos bajo su influjo. Ema es el nuevo paradigma que Ema quiere apresar leyéndolo como nuevo icono de la transgresión.

Lo culto y lo popular se dan la mano en el cuerpo de Ema, capaz de brillar en la danza clásica contemporánea y en la danza callejera, ella las aúna y las vuelve hermanas. Y la cámara de Larraín hace lo propio mostrándose igualmente hábil a la hora de filmar la una y la otra. Ema es casi un musical encubierto que captura los movimientos carnales del coreógrafo José Vidal con una energía tremenda, en vastos espacios industriales, en el puerto, en canchas de baloncesto o en las colinas densamente pobladas entre un laberinto de bloques de apartamentos, con excelentes montajes que encabalgan diversos escenarios en un mismo número musical (una estética que nos hace pensar en el tratamiento del baile en las producciones llegadas de Bollywood). Del mismo modo, con la misma magistralidad, nos son presentados los cuadros de baile en interiores entre los que destaca la representación inicial, con ese decorado que hace pensar en el Solaris de Stanisław Lem por ese elaborado telón de fondo de iluminación que palpita como un planeta radiactivo. Danzas erotizadas que oscilan entre lo anárquico y lo ordenado para dar pie a entrever el enigma emocional que es la protagonista, una individualista incendiaria que no reparará en manipular a los demás, con el sensualismo que respira toda ella, en aras de alcanzar sus objetivos.

Danza, sexo y fuego para hablar del drama de necesitar ser amado. Porque ese es el auténtico objetivo de Ema, más egoísta que transgresora. Y entre tanta exposición se diluye la reflexión sobre el reto y dificultad de ser padres, que se evidenciaría más, si cabe, con la adopción cuando resulta fallida. Una reflexión que fue el germen del guion cuando era solo un proyecto. Ema es una película ocasional en el sentido de que no se siguió el protocolo habitual a la hora de emprender su rodaje. Efectivamente, desde la idea original, que no fue escrita, pudo llevarse a cabo con ocasión de un breve paréntesis en la carrera de Larraín y fue abordada dejando mucho a la espontaneidad. A juicio del autor, salió una propuesta que no tiene mucho tiempo para pensarse a sí misma. Y eso le da su pátina de obra arriesgada, en ello reside su fuerza, pero también su desaliño. La trama argumental se fragmenta entre aciertos visuales y avanza a trompicones, en una obra que tiene más de expresiva que de enunciativa, dando luz a una cinta en la que el riesgo y la imperfección van de la mano.

La Ema del director es chorro creativo, volcán de sensaciones y experiencias estéticas, hay en ella pasión y entusiasmo. Pero la que me llega a mí como espectadora, la que cierro desde mi biografía, es poderosa pero disgregada, produce fruición, pero también repudio. En mi lectura, tiene tanto de grandeza como de desatino.

SOBRE LO INFINITO (Om det oändliga, Roy Andersson, 2019)

Suecia. Duración: 76 min. Guion: Roy Andersson Fotografía: Gergely Pálos Productora: 4 1/2 Film / Roy Andersson Filmproduktion AB Género: Drama

Reparto: Martin Serner, Jessica Louthander, Tatiana Delaunay, Anders Hellström, Jan-Eje Ferling, Thore Flygel, Stefan Karlsson, Bengt Bergius, Marie Burman, Amanda Davies, Karin Engman, Lotta Forsberg, Göran Holm, Lars Lundgren, Stefan Palmqvist, Vanja Rosenberg, André Vaara, Magnus Wallgren

Sinopsis: Una reflexión en torno a la vida con toda su belleza y crueldad, su esplendor y banalidad. Momentos intrascendentes cobran el mismo significado que un momento histórico: una pareja flota por encima de Colonia, desgarrada por la guerra; camino de una fiesta de cumpleaños, un padre se agacha para atar el cordón del zapato de su hija bajo una lluvia torrencial; unas adolescentes bailan delante de un café; un ejército derrotado marcha hacia un campo de prisioneros. A la vez oda y lamento, SOBRE LO INFINITO ofrece un caleidoscopio de todo lo eternamente humano, una  historia infinita de la vulnerabilidad de la existencia.

Cerrada su trilogía de la vida con Una paloma se posó en una rama para reflexionar sobre la existencia, el poco prolífico Roy Andersson regresa a nuestras pantallas con otra propuesta de título sugerente, Sobre lo infinito. Título que nos habla en dos sentidos, el de sobrevolar el infinito, y el de adentrarnos en un ensayo que busca analizar los significados de la infinitud. Y en Andersson ambas acepciones se dan la mano, como ya se hace explícito en el propio cartel promocional del filme: una pareja vuela abrazada sobre una bella ciudad en ruinas. Una imagen, esta, que resume los objetivos del director, ofrecernos un acercamiento onírico a las múltiples faces azarosas de lo humano. Nos desplazaremos en apenas hora y cuarto por una galería de cuadros que ilustran circunstancias mínimas, pero desde un punto de vista que las convierte en trascendentes, al dotarlas de grandes pinceladas de un existencialismo que mezcla lo fatal y lo dramático con el humor absurdo. La obra del sueco enmienda la plana al realismo, pues nos trae la misma Comedia humana de Balzac (con lo que ello supone), pero plasmada con la paleta del esperpento y la deformación surrealista.

El cine de Andersson no se deja circunscribir a ningún género (ni subgénero), pues se cocina con ingredientes de muchos de ellos, condimentados, además, con un enfoque personal y único. Lo que da unidad y define a su trabajo, es su propio estilo como autor. Su cine huye de la narración, pues para él trabajar desde lo narrativo implica someterse a una fórmula, y lo formulario se vuelve predecible limitando, así, la creatividad del artista. La forma es ya en sí misma fondo, puesto que ella es la que permite aprehender la intención y el contenido significativo de un relato que hace del fragmento sinécdoque del todo. El séptimo arte se aproxima, en manos de nuestro director, al noveno, pues siempre trabaja los contenidos de sus historias mediante la yuxtaposición de viñetas, con pleno sentido cada una de ellas, además.

Andersson construye sus películas con el concurso de largas tomas en plano fijo en las que la profundidad de campo aporta sentido a lo referido, la disposición de la escena dentro del encuadre es parte del relato. En sus composiciones, los figurantes, casi inmóviles, son contextuales, pero indisociables del texto. Su presencia condiciona la trama del sketch y le da las necesarias claves interpretativas al espectador, al cual se le exige participar activamente. En efecto, el uso exclusivo del plano general determina la construcción de la imagen, pues, en ausencia de montaje, será la meticulosa composición la que habrá de dirigir la mirada hacia lo relevante, pero también exige la connivencia del esfuerzo del que mira. El espectador ha de hacer las veces de editor. El cine de Andersson es un cine inteligente que no toma al público por necio, no subraya nunca, solo se cifra con los estrictos sintagmas del lenguaje visual. Esa es la condición de su excelencia y, también, de su dificultad. Nunca estará mejor usado el lugar común del “no es para todos los públicos” que ante el trabajo de este autor cuyas películas están en las antípodas de toda cinta mainstream. Si se acepta el juego, la fruición es mucha, si no, esta exposición del extrañamiento resultará impenetrable.

Lo extraño es el pentagrama sobre el que se escribe todo su discurso. La meta de Andersson es escupir a la clase dominante, por eso su cine se requiere provocador. Lo logra con su puesta en escena, de la que no es parte menor su peculiar tratamiento de lo cromático. Seña de identidad es ese color degradado que convierte toda tonalidad en su versión pastel, un cromatismo que se refuerza además con un peculiar registro de la luminosidad. Nuestro creador trabaja con una iluminación, un punto sobreexpuesta, que no proyecta sombras, la luz ideal para el retrato aplicada aquí a la crónica. La ausencia de contraste aporta a la imagen un lirismo que matiza el discurso, que lo hace sobreponerse del pesimismo en el que incurriría si no fuese por esa pátina poética, sumada a un humor que resalta lo grotesco para abrirle un resquicio a la esperanza.

Después de hacerse valedor del León de Oro de la Mostra de Venecia con su anterior película, regresa cinco años más tarde con una cinta todavía más extrema en sus recursos. Sobre lo infinito no mantiene un hilo conductor entre sus piezas aunque a veces se encabalgue una con otra y a pesar de que algunos de sus fragmentos tengan continuidad. Influido por su relectura de Las mil y una noches, Andersson quiso escribir su propia recopilación de cuentos, por eso introduce un elemento que hasta ahora no había aparecido en su trabajo, la voz en off. Pero no piensen en un narrador machacón que sobrevuela todo el texto fílmico, aquí la voz de su particular Scheherazade salpica, aquí y allá, algunos apuntes sobre los motivos filmados. Casi al azar. Porque nuevamente la fatalidad de la existencia está en el punto de mira, con toda su carga, en este conjunto más onírico que nunca. En Sobre lo infinito hay espacio, pese a su corta duración, para reflexionar sobre la guerra desde una perspectiva antibelicista, sobre el arrepentimiento y la vergüenza que hemos de cargar como especie, de ironizar sobre el nazismo y sobre la pareja, sobre la amistad y la envidia, sobre ese tema tan bergmaniano que es la pérdida de la fe por parte de quien tiene que difundirla…  Espacio para sacudir conciencias a golpe de fundido en negro. Con respeto y fidelidad, Andersson hace desfilar ante nuestros ojos una cohorte de humanos extraños y extrañados en los que podemos ver nuestro propio reflejo. Nos hace esbozar sonrisas que no son dulces (ni tampoco amargas) y nos hace volar, como esa pareja abrazada del cartel, sobre nuestra condición finita en el marco de lo infinito. La metafísica y el absurdo se dan de nuevo la mano en un filme que asesta certeros golpes a nuestras creencias.

Estamos ante una nueva descarga de escepticismo que, sin embargo, no nos electrocuta, al contrario, nos despierta del dogmatismo para abrirnos a la esperanza de regeneración. Al servicio del humanismo, el cine de Andersson es arte que redime.

 

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