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Archive for 31 enero 2020

Guillermo del Toro comienza el rodaje de “Nightmare Alley” para Searchlight Pictures

Photo by NINA PROMMER/EPA-EFE/REX/

Searchlight Pictures ha anunciado el inicio del rodaje de NIGHTMARE ALLEY esta semana en Toronto, Canadá. La película está protagonizada por Bradley Cooper, Cate Blanchett, Toni Collette, Willem Dafoe, Richard Jenkins, Rooney Mara, Ron Perlman y David Strathairn.

Guillermo del Toro dirige NIGHTMARE ALLEY cuyo guion ha coescrito con Kim Morganhis, una historia que ya fue adaptada en 1947 y estrenada en nuestras pantallas como El callejón de las almas perdidas (Edmund Goulding). El propio Guillermo Del Toro y J. Miles Dale producen la película. La cinta está basada en la novela de William Lindsay Gresham. La película será supervisada por los Presidentes de Producción de Cine y Televisión de Searchlight Pictures, David Greenbaum y Matthew Greenfield y por el Vicepresidente Senior DanTram Nguyen.

El director y guionista Guillermo del Toro ha declarado: “Estoy entusiasmado de poder contar con este extraordinario reparto. Kim Morgan y yo hemos trabajado con enorme pasión para llevar a la pantalla el mundo oscuro y siniestro de William Gresham y a partir de ahora estaremos acompañados por un excelente grupo de artistas y técnicos que ayudarán a darle vida”.

“Dada la profundidad de este maravilloso reparto, me siento un privilegiado por trabajar con todos ellos y contar además con el apoyo de nuestros magníficos socios de Searchlight. Será maravilloso ver a estos actores de primera fila y a Guillermo superar sus límites en esta nueva interpretación de la novela fundamental de Gresham”, declaró el productor Dale.

En NIGHTMARE ALLEY, un joven y ambicioso feriante (Bradley Cooper) con un innegable talento para manipular a la gente con unas pocas palabras bien elegidas, se compincha con una psicóloga (Cate Blanchett) que es aún más peligrosa que él.

El reparto incluye a la empleada de feria Molly (Rooney Mara), al charlatán de feria Clem (Willem Dafoe) y a Ron Perlman como Bruno el Forzudo. Richard Jenkins interpreta al rico industrial Ezra Grindle, miembro de la alta sociedad.

“Es un honor y un privilegio volver a colaborar con Guillermo. Ha reunido a un magnífico grupo de actores y talentos creativos para formar un auténtico dream team que le ayudarán a llevar a la gran pantalla su singular visión de “NIGHTMARE ALLEY”, en palabras de Greenbaum y Greenfield.

El equipo creativo de Del Toro está formado por sus colaboradores habituales como es el caso del diseñador de vestuario Luis Sequeira (LA FORMA DE AGUA, MAMÁ); el director de fotografía Dan Laustsen, ASC, DFF (LA FORMA DE AGUA, JOHN WICK: CAPÍTULO 3 – PARABELLUM); el supervisor de efectos visuales Dennis Berardi (LA FORMA DE AGUA, LA CUMBRE ESCARLATA); la diseñadora de producción Tamara Deverell (“Star Trek: Discovery”, “The Strain”); y el montador Cam McLauchlin (LA FORMA DEL AGUA, “The Strain”).  Searchlight distribuirá la película en todo el mundo.

Categorías:TRAILERS RECOMENDADOS

La tercera edición de Ohlalà! Festival de Cine Francófono de Barcelona se celebrará del 12 al 21 de marzo

En total, 15 largometrajes componen la programación, la mayoría inéditos en Cataluña, de la tercera edición de Ohlalà! Festival de Cine Francófono de Barcelona que se celebrará del 12 al 21 de marzo. Se trata de una cuidada selección proveniente de diversos países de habla francófona como son Francia, Bélgica, Suiza, Canadá, Argelia, Marruecos o Túnez. Además, la mitad de la programación seleccionada está dirigida por mujeres.

El festival acoge también una retrospectiva dedicada a la actriz francesa Nathalie Baye, madrina de esta tercera edición, quien además de ofrecer una Master Class estará presente en varios eventos del festival.

En esta tercera edición se entregarán tres premios: Premio del Jurado, compuesto por profesionales  de diferentes ámbitos del sector cinematográfico, Premio del Jurado Joven, formado por jóvenes de Barcelona entre los 18 y los 25 años y Premio del Público.

La mayoría de las películas se podrán ver en el Instituto Francés, sede principal del festival. Como novedades este año, la inauguración se celebrará el jueves, 12 de marzo a las 20h en el cine Phenomena Experience (c/ Sant Antoni Maria Claret, 168) y una sesión de la Retrospectiva dedicada a Nathalie Baye se proyectará en la Filmoteca de Catalunya.

Todas las películas estarán subtituladas en castellano o catalán.

AVANCE DE LA PROGRAMACIÓN

Entre las películas seleccionadas se incluyen entre otros, los siguientes títulos:

PAPICHA, de Mounia Meddour (Argelia). Opta a 2 premios César: Opera prima, Mejor Actriz Revelación (Lyna Khoudri).
Es un resplandeciente himno a la libertad.

Sinopsis: Argelia, 1997. Nedjma es una estudiante universitaria que intenta que los acontecimientos de la guerra civil que empiezan a ocurrir a su alrededor no le impidan vivir una vida normal: salir de noche con su mejor amiga Wassila y vender vestidos hechos por ella en los baños de las discotecas. Mientras la sociedad se vuelve más conservadora, ella decide luchar por su libertad e independencia organizando con sus amigas un desfile de moda en la Universidad que desafía todas las normas establecidas.

Festivales y Premios: Seleccionada en Un Certain Regard-Festival de Cannes 2019, Mejor Nuevo Director y Premio del Público en el Festival de Valladolid – Seminci 2019, Seleccionada por Argelia como Mejor Película de habla no inglesa para los Oscars

ANTIGONE, de Sophie Deraspe (Canadá).

Una Antígona de los tiempos modernos: ¡imprescindible!
Sinopsis: A pesar del drama que rodea la inmigración de su familia, Antigone se ha adaptado bien a la vida norteamericana. Con su hermana Ismene, sus hermanos Eteocles y Polynices, y su abuela Menoeceus, la adolescente vive una vida modesta pero relativamente tranquila en un barrio obrero de Montreal. Pero la tragedia golpea de nuevo a la familia. Antigone decidirá ayudar a su hermano evadirse de la cárcel y enfrentarse al sistema judicial. A la ley de los hombres, ella prefiere su proprio sentido de la justicia, dictado por el amor y la solidaridad. Una adaptación imprescindible de la tragedia de Sófocles.
Festivales y Premios: Mejor película canadiense en el Festival de Toronto 2019, Seleccionada por Canadá como Mejor película de habla no inglesa para los Oscars

ADORATION, de Fabrice du Welz (Bélgica, Francia)
Un relato onírico sobre el final de la inocencia, el amor y la locura

Sinopsis: Paul, un joven solitario, conoce a Gloria, la nueva paciente en la clínica psiquiátrica donde trabaja su madre. Enamorándose de esta adolescente problemática y soleada, Paul huirá con ella, lejos del mundo adulto…
Festivales: Festival de Locarno 2019, Premio Especial del Jurado y mejor fotografía en el Festival de Cine Fantástico de Sitges 2019

ADAM, de Maryam Touzani (Francia, Bélgica)
Una ópera prima sutil y conmovedora sobre la necesidad de apoyarse entre las mujeres en una sociedad que no mira hacia ellas.

Sinopsis: Abla regenta una humilde pastelería en su propia vivienda de Casablanca, donde vive sola con Warda, su hija de 8 años. Su rutina, dictada por el trabajo y las labores domésticas, se ve un día interrumpida cuando alguien llama a su puerta. Se trata de Samia, una joven embarazada que busca empleo y techo. A la pequeña le atrae la recién llegada desde el primer momento, pero la madre se opone inicialmente a acoger a la extraña en su casa. Poco a poco, sin embargo, la determinación de Abla va cediendo y la llegada de Samia les abre a las tres la posibilidad de una nueva vida.

Festivales: Seleccionada en Un Certain Regard – Festival de Cannes 2019, Seleccionada por Marruecos como Mejor película de habla no inglesa para los Oscars

CEUX QUI TRAVAILLENT, de Antoine Russbach (Suiza, Francia, Alemania, Bélgica)
Una reflexión impactante sobre la sociedad actual con una interpretación magistral de Olivier Gourmet
Sinopsis: Frank dedica su vida al trabajo. No importa el lugar o las circunstancias, va sea de día o de noche, siempre está al teléfono, administrando buques de carga para grandes empresas. Pero como sucede a menudo en la actualidad, Frank es despedido abruptamente y mientras descubre que ha sido traicionado por un sistema al que entregó su vida, trata de salvar el último vínculo que aún le importa, el de su hija Mathilde.
Festivales y Premios: Festival de Locarno 2018. Premio a Mejor Película, Mejor Guión y Mejor Actriz de reparto en los Premios del Cine Suizo

NOTRE DAME, de Valérie Donzelli (Francia, Túnez, Bélgica, Francia)
Un cuento moderno lleno de fantasía homenaje a la Ciudad de la Luz y al cine de Jacques Démy
Sinopsis: Maud Crayon es nacida en los Vosgos, pero reside en París. Es arquitecta, madre de dos hijos y, en un enorme malentendido, acaba de ganar un proyecto del ayuntamiento de París para reestructurar la explanada de la catedral de Notre-Dame… Entre este nuevo trabajo, un amor de juventud que aparece de pronto y el padre de sus hijos a quien no consigue dejar del todo, Maud Crayon vive momentos caóticos. Un caos al cual se enfrentará para afirmarse y liberarse.
Festivales: Festival de Locarno 2019.

RETROSPECTIVA NATHALIE BAYE

La actriz francesa Nathalie Baye será la madrina de la 3ª edición del festival y a ella se le dedicará una retrospectiva de varios títulos, entre ellos:

-Una relación privada, de Frédéric Fonteyne, que se proyectará en la Filmoteca de Cataluña (Plaça de Salvador Seguí, 1). Por su papel en esta película recibió la Copa Volpi a la Mejor Actriz en la Mostra de Venecia en 1999. La sesión será presentada por Nathalie Baye y Sergi López, protagonistas de la película.

-Le petit Lieutenant, de Xavier Beauvois, ganadora de 4 premios César en 2006 (Mejor Película, Mejor Guión, Mejor Director, Mejor Actor). Se proyectará en el Instituto Francés (c/ Moià, 8) y será presentada por Nathalie Baye.

Nathalie Baye es una de las grandes actrices del cine francés.  Su carrera abarca más de 100 títulos en 47 años de profesión. Posee una carrera ecléctica donde se incluye cine de autor como cine más popular. Ha trabajado con autores como François Truffaut, Maurice Pialat, Claude Sautet, Jean-Luc Godard, Claude Chabrol, Steven Spielberg o Xavier Dolan.

En su palmarés figuran 4 premios César, el galardón más importante de la Academia del Cine Francés: Le Petit Lieutenant, 2005; La Balance- (El Membrillo), 1982; Une étrange affaire, 1981; Sauve qui peut (la vida)- (Salve quien pueda, la vida),1980. Ha sido candidata a este premio en seis ocasiones más.
Tiene también una Copa Volpi a la Mejor Actriz en el Festival de Venecia  (Una relación privada, 1999)  y una Concha de Plata a la Mejor Actriz en el Festival de San Sebastián (Mon fils à moi- Mi hijo), 2006).

Ohlalà! Festival de Cine Francófono de Barcelona es el primer festival de Barcelona dedicado al cine francófono y toma su nombre de la característica locución francesa que se utiliza para expresar sorpresa, nostalgia o alegría y alude a la magia del cine y a la variedad de emociones que este es capaz de evocar en el espectador.
En la pasada edición del festival, apadrinada por la actriz, guionista y directora francesa Agnès Jaoui, acudieron 3.100 espectadores, un 24% más que en la edición anterior, con un mismo número de sesiones.

http://www.ohlalafilmfestival.com

Categorías:w Otros festivales

Novedades Cameo: Marzo 2020

LOS MISERABLES
Nominada por la Academia al Oscar a la Mejor Película en Lengua Extranjera.

Nos cuenta la historia de Stéphane que acaba de unirse a la Brigada de Lucha contra la Delincuencia (B.A.C. en francés) de Montferneuil, un suburbio al este de París. Allí conoce a Chris y a Gwada, dos compañeros con mucha experiencia, y no tarda en descubrir que las bandas del barrio no se llevan nada bien. Se ven desbordados durante un arresto y un dron filma todos sus movimientos, todo lo que hacen.

ESTAFADORAS DE WALL STREET
La actuación de Jennifer López es tan sorprendente que estuvo nominada por su papel en los pasados Globos de Oro.

Basada en una historia real, un grupo de strippers se unen para estafar a sus clientes, ricos magnates de Wall Street. Cuando Elizabeth una periodista del New York Magazine comienza a investigar, ellas verán peligrar su negocio y tendrán que afianzar su lealtad por encima de la envidia y la avaricia.

Categorías:DVD / BLU-RAY

Filmax estrenará “No matarás” el 16 de octubre en cines

El próximo 16 de octubre llegará a los cines “NO MATARÁS“, la nueva película de David Victori protagonizada por Mario Casas, producida por Filmax y con la participación de Televisión Española, Televisió de Catalunya y Movistar Plus.

La debutante Milena Smit acompaña a Mario Casas en este thriller escrito por Jordi Vallejo, David Victori y Clara Viola que se rodó en diferentes localizaciones de Barcelona el pasado año.

Sinopsis:

Dani, un buen chico que durante los últimos años de su vida se ha dedicado exclusivamente a cuidar de su padre enfermo, decide retomar su vida tras la muerte de éste. Justo cuando ha decidido emprender un largo viaje, conoce a Mila, una chica tan inquietante y sensual como inestable, que convertirá esa noche en una auténtica pesadilla. Las consecuencias de este encuentro llevarán a Dani hasta tal extremo, que se planteará cosas que jamás habría podido imaginar.

David Victori (Barcelona, 1982) ha desarrollado su carrera cinematográfica entre Estados Unidos y España. Tras ser el asistente personal durante más de cinco años de Bigas Luna y participar en los guiones de Hijo de Caín (2012, Lluís Monllaó) y Segon origen (2014, Carles Porta), David Victori dirigió varios cortometrajes entre los que destacan Reacción (2008) y La culpa (2010) ganador de varios premios internacionales.

En 2011, Victori ganó el primer Festival de Cine de YouTube organizado por Scott Free (productora de Ridley Scott) y Michael Fassbender y fue seleccionado por la revista internacional Variety como uno de los diez directores españoles a seguir en los próximos años. Del premio del Festival, nació Zero (2015) una web serie de medio millón de dólares producida por Scott Free y Michael Fassbender disponible en YouTube. En 2018 estrenó su primer largometraje El pacto, protagonizado por Belén Rueda y Darío Grandinetti.

Categorías:TRAILERS RECOMENDADOS

VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 31 de enero de 2020*

 

DIAMANTES EN BRUTO (Uncut Gems, Ben Safdie y Joshua Safdie, 2019)

USA. Duración: 135 min. Guion: Ronald Bronstein, Ben Safdie, Joshua Safdie Música: Daniel Lopatin Fotografía: Darius Khondji Productora: Eara Pictures / Scott Rudin Productions / Sikelia Productions. Productor: Martin Scorsese Género: Thriller.

Reparto: Adam Sandler, Kevin Garnett, Idina Menzel, Keith Stanfield, Julia Fox, Eric Bogosian, Judd Hirsch, The Weeknd, Sean Ringgold, Sahar Bibiyan

Sinopsis: Ubicada en el trepidante mundo del Distrito de Diamantes de la ciudad de Nueva York. Howard (Adam Sandler) es un encantador distribuidor de joyas que no puede evitar vivir su vida al límite a través de una insensata adicción al juego, a las drogas y a las mujeres. Pero cuando se encuentra en posesión de un diamante ópalo negro de 600 quilates, Howard  tiene finalmente la oportunidad de cambiar su vida de una vez por todas, solo si logra mantenerse con vida y mantener el diamante más raro del mundo en su poder.

Diamantes en bruto trasmite una sensación al espectador de vértigo continuo. Desde su inicio no dejan de pasar cosas y el fatalismo recorre la pantalla desde el primer momento. No estamos ante una estructura héroe-villano, su protagonistas esta a medio camino de todo, pero continuamente en contacto con la muerte.

Hay quien ha escrito que Diamantes en bruto es una película sobre la adicción, y sin duda lo es, pero lo que hace que el personaje que Adam Sandler interpreta -y magníficamente, por cierto- se sienta vivo es el riesgo. El peligro es lo que le alimenta.

Ni en los escasos momentos en los que se para la maquinaria y bajan las revoluciones, llegaremos a entender, más allá de la emoción del juego, lo que hace que el protagonista desee jugarse todo continuamente, exponerse a perderlo todo. Incluida la vida.

Pero no habrá apenas pausa, el carrusel se pondrá en marcha y no dejará de girar, trasmitiendo inquietud y angustia al espectador, que como el protagonista, no podrá más que seguirlo en su ascensos hasta su abrupto desenlace.

Producción Netflix  estrenada en Estados Unidos en pantalla grande, aquí no tendremos esa suerte, pero estará disponible a partir de hoy, para todo los subscriptores del canal. Dirigida por los jóvenes hermanos Benny y Josh Safdie, que ya dieron la campanada en 2017 con Good Time habrá, vistos los óptimos resultados,  que seguir sus pasos.

MI GRAN PEQUEÑA GRANJA (The Biggest Little Farm, John Chester, 2018)

USA. Duración: 91 min. Guion: Mark Monroe, John Chester Música: Jeff Beal Fotografía: Kyle Romanek Distribuida por: Neon Género: Documental

Sinopsis: En el 2011, el director de documentales John Chester y su mujer, la chef profesional Molly Chester, tomaron una importante decisión: dejar sus trabajos y mudarse al campo al norte de Los Angeles a cultivar una granja.

Sin lugar a duda los propósitos que mueven a John Chester a montar una granja junto a su esposa y rodar un documental sobre ello son del todo loables y tienen toda nuestra simpatía, pero opinamos que llamar a Mi gran pequeña granja documental es algo que no se ajusta demasiado a la realidad, pues aunque su director tiene amplia experiencia en ese campo y lo que narra, sin duda, sucedió, todo lo que muestra en su película está rodado con buscada intención dramática y artística y en algunos casos con sospechosa linealidad narrativa. Todo lo cual no juega en contra del filme, una encomiable  labor sobre como se materializa el sueño de la pareja protagonista de montar una granja en la que plantar sus propias verduras y frutas y criar sus animales. Un proceso que además conseguirá regenerar toda una zona echada a perder, que se repoblará de especies convirtiéndose en un paradisíaco entorno, algo que John y Molly conseguirán con mucho trabajo y obstinación, una labor que les proporcionará muchas alegrías y satisfacciones, pero que dejará también alguna tragedia por el camino. Y todo ello bellamente rodado en un proceso que puede resultar inspirador para los más jóvenes, público más que indicado para esta película, con la que puede aprender a conocer y respetar el equilibro ecológico, así como a aceptar que incluso la muerte tiene un proceso y una utilidad dentro de la naturaleza.

 

ADÚ (Salvador Calvo, 2020)

Guión: Alejandro Hernández Fotografía: Sergi Vilanova Productora: Ikiru Films / La Terraza Films / Telecinco Cinema / ICAA / Mediaset España / Mogambo Género: Drama

Reparto: Luis Tosar, Anna Castillo, Álvaro Cervantes, Jesús Carroza, Miquel Fernández, Ana Wagener, Nora Navas, Marta Calvó, Josean Bengoetxea, Chumo Mata, Candela Cruz, Moustapha Oumarou, Rubén Miralles, Zayiddiya Dissou

Sinopsis: En un intento desesperado por alcanzar Europa y agazapados ante una pista de aterrizaje en Camerún, un niño de seis años y su hermana mayor esperan para colarse en las bodegas de un avión. No demasiado lejos, un activista medioambiental contempla la terrible imagen de un elefante, muerto y sin colmillos. No solo tiene que luchar contra la caza furtiva, sino que también tendrá que reencontrarse con los problemas de su hija recién llegada de España. Miles de kilómetros al norte, en Melilla, un grupo de guardias civiles se prepara para enfrentarse a la furibunda muchedumbre de subsaharianos que ha iniciado el asalto a la valla. Tres historias unidas por un tema central, en las que ninguno de sus protagonistas sabe que sus destinos están condenados a cruzarse y que sus vidas ya no volverán a ser las mismas.
Una bienintencionada mirada al drama de la inmigración procedente de África dividida en tres irregulares historias: La veremos desde el punto de vista del joven Adú, un niño de seis años cuyo único objetivo, tras perderlo todo, será llegar a España, donde está su padre; y desde el punto de vista de un guardia civil que sirve en la frontera de Melilla. Ambas historias se desarrollarán en paralelo y, como es previsible, convergerán. Pero hay una tercera historia sobre la relación de un padre con su hija, protagonizada por Luis TosarAnna Castillo, que no parece guardar demasiada relación con respecto a las dos anteriores.
Esta segunda película de Salvador Calvo tras la interesante 1898: los últimos de Filipinas (2016), es un intenso drama que busca exponer lo que los  noticiarios han convertido en monótono, dando cara y nombre a la tragedia, intentando que el espectador comprenda que detrás de cada cifra hay una historia de supervivencia. Y todo lo representa mediante los expresivos e inocentes ojos de Adú, que parecen traspasar la pantalla buscando respuestas en el espectador. Bellamente rodada, pues aprovecha el entorno natural que ofrece el continente africano, Adú cuenta con un buen grupo de actores, entre los que destacan los dos jóvenes Moustapha OumarouZayiddiya Dissou. 

Categorías:VAMOS DE ESTRENO

El Cine Low Cost español renace en Filmin con la serie “Tus monstruos”

La primera serie de Gonzalo Escribano reúne en su reparto a algunos de los rostros que protagonizaron el auge del cine en los márgenes de la industria a principios de la década pasada.

Filmin estrena en exclusiva en España, el próximo martes 4 de febrero la serie “Tus monstruos”, creada por el cortometrajista alcazareño Gonzalo Escribano. Se trata de una ficción de seis episodios de 30 minutos de duración que recupera el espíritu y la esencia del llamado Cine Low Cost español, una oleada de nuevos creadores que, a principios de la década de los 10, aprovechando el abaratamiento de los costes de producción y la aparición de nuevas ventanas de exhibición con el auge del digital, filmaron películas de muy bajo presupuesto pero rebosantes de ingenio y creatividad que sorprendieron a gran parte de la crítica nacional.

“Tus muertos” no solo adopta aquella mezcla de costumbrismo urbano, post-humor y extrañeza cercana al género fantástico que identificaba a la mayor parte de películas del movimiento, sino que cuenta en su reparto con algunos de los rostros que descubrimos en aquellas películas. Es el caso de las tres protagonistas de cada una de las historias que conforman la serie: Lorena Iglesias (del colectivo Canódromo abandonado que debutó en 2012 con “La tumba de Bruce Lee”, Rocío León (“Diamond Flash”, “Manic Pixie Dream Girl”) y Ángela Villar (“Diamond Flash”, “Otro verano”). Vienen acompañadas de la ganadora del Goya, Ana Álvarez (“Solas”), el cómico David Pareja (“Gente en sitios”, “Todos tus secretos”), Ana Rujas (“Summertime”) o Xabi Tolosa (“Cabás”), entre otros.

CUANDO ÉRAMOS BARATOS

En junio de 2012, los periodistas culturales Desirée De Fez y Miqui Otero organizaron en el Centra d’Arts Santa Mònica de Barcelona las I Jornadas de Cine Low Cost. El evento, que se reanudó en los cuatro años consecutivos, quiso poner en valor el trabajo de una serie de creadores audiovisuales que, con presupuestos ínfimos y buscando siempre fórmulas de distribución alternativas al circuito comercial de salas (con Filmin al frente, en aquel momento, de la revolución de las plataformas digitales), estaban revolucionando el cine español desde los márgenes de la industria. El descubrimiento en el Festival Rizoma de Madrid de una película tan fundamental como “Diamond Flash”, la influyente ópera prima de Carlos Vermut, y el estreno de “Dispongo de barcos”, de Juan Cavestany, servía de punta de lanza para un movimiento disperso que vio nacer a creadores como Pablo Hernando (“Cabás”“Berserker”), Pablo Maqueda (“Manic Pixie Dream Girl”, “#RealMovie”), el colectivo Canódromo Abandonado (“La tumba de Bruce Lee”), Carlo Padial (“Mi loco Erasmus”, “Taller Capuchoc”), Antonio Trashorras (“El callejón”, “Anabel”)  o Manuel Bartual (“Todos tus secretos”), entre muchos otros. Precisamente Pablo Maqueda y Haizea G. Viana intentaron cohesionar el movimiento bajo el sello #LittleSecretFilm, produciendo las primeras películas de algunos de estos nuevos talentos. En Filmin pudieron verse, y siguen disponibles, muchos de estos trabajos.

VAMOS DE ESTRENO (o no): viernes 24 de enero de 2020

EMA (Pablo Larraín, 2019)

Chile. Duración: 102 min. Guion: Guillermo Calderón, Alejandro Moreno, Pablo Larraín Música: Nicolas Jaar Fotografía: Sergio Armstrong Productora: Fabula Género: Drama

Reparto: Mariana Di Girolamo, Gael García Bernal, Santiago Cabrera, Giannina Fruttero, Catalina Saavedra, Eduardo Paxeco, Mariana Loyola, Paola Giannini, Antonia Giesen, Josefina Fiebelkorn, Susana Hidalgo

Sinopsis: Ema, una joven bailarina, decide separarse de Gastón luego de entregar a Polo en adopción, el hijo que ambos habían adoptado y que fueron incapaces de criar. Desesperada por las calles del puerto de Valparaíso, Ema busca nuevos amores para aplacar la culpa. Sin embargo, ese no es su único objetivo, también tiene un plan secreto para recuperarlo todo.

No tengo ni idea de lo que el espectador se llevará de la película, porque la película no es una pieza cerrada, sino que permite un espacio, una grieta por la que el espectador puede entrar y salir para que cada uno pueda cerrarla desde su propia biografía. Para cada persona, Ema será una película diferente”(extraído de esta entrevista). Cuando el objeto se viste de subjetividad, cuando no se pretende ni único ni definitivo, la tarea del cronista queda en suspenso, porque ¿Si no existe una sola, si hay tantas como espectadores (miles, cientos de miles, millones, quién sabe) sobre cuál debo orientar mi crítica? No queda más que hablar de la mía, pero soy demasiado clásica como para no tratar de enunciar, no tratar de revestirme de una cierta universalidad, aunque sea construyendo un juego de espejos en los que busco que mi reflejo se superponga con el de la Ema original, la que era antes incluso de que Mariana Di Girolamo le prestara su cuerpo, su voz, su movimiento. La de Pablo Larraín. Escribir como si quisiera contársela, pero ¿Qué podría contarle yo al director sobre mi Ema?

El botepronto de la primeras impresiones mana como un magma indefinido de innúmeros destellos: extenuante, mayor peso del subtexto que del texto, predominio de la forma sobre el fondo, en un primer nivel, todavía organizado; mater(pater)nidad responsable, familia, sexo, danza, lugar del arte, papel del artista, activismo, cuerpo, y mujer, sobre todo mujer, en un segundo nivel, que se agota tratando de expresarse en valor de cambio, de resumirse en palabra para ser compartida; me pierdo, no entiendo de danza, me pierdo, no sé qué es ser madre, me pierdo, el fuego es metáfora pero no sé a qué señala, me pierdo, me agoto, sencillamente me pierdo, en un tercer nivel, que se rinde al fracaso de la incomprensión. Sin bandera blanca, sin embargo, porque aún quedan reaños para tratar de formular discurso cuando salga de la sala oscura. Cuando busque en mi navegador entrevistas en las que el aprieto de contar lo tenga él, el cineasta que no se ha ajustado a las/mis expectativas. Cuando lea críticas que me sirvan de filtros para ordenar mis propias ideas.

Un trabajo de experimentalismo autoconsciente demasiado forzado y distanciado para involucrarnos con él. Logra algo de ritmo gracias a la fuerza del reggaetón, pero el resto es tan disperso que carece de pulso.” El comentario de David Rooney para The Hollywood Reporter es el único punto rojo en el expediente de Ema, para la crítica profesional, al que he tenido acceso. Y respiro aliviada, hay al menos otra Ema tan dispersa como la mía, otra derrota de la comprensión. Pero también respiro aliviada porque, como yo, reconoce su admiración: “A medida que avanza la historia, hay indudablemente una fascinación perversa en su desarrollo externo, y Larraín ciertamente merece crédito por negarse a ir a lo seguro en esta etapa de su distinguida carrera”. Guarecida por palabras de terceros, ya estoy en disposición de dejar fluir la lluvia de ideas tamizadas con las que convertir el caos de la experiencia en el orden del discurso.

Ema, un nombre breve para un personaje inmenso. Personaje de personajes, dice el autor (¿será por eso que en ocasiones parece como si se hubiera construido con tomas para casting?), y enumera sus facetas, hija, madre, hermana, esposa, amante… Pero, sobre todo, lo que es, es joven. Ema, el personaje, es juventud, o mejor, mujer joven vista por un hombre nacido en otro siglo. Ema, la película, es un intento de aprehender a toda una nueva generación que se ha desarrollado ya en el nuevo milenio, desde el ojo de quien ha quedado prendado por su fuerza y descolocado por sus códigos. Es la obra de quien cree que, al final, después de observarles, de ver como usan el gesto más que la palabra, la coreografía más que el texto, ha llegado a asimilarles. Y, sin embargo, el momento que traspira más sinceridad de toda la cinta es aquel en el que el coreógrafo, Gastón, un Gael García Bernal que se ilumina en esa escena, arroja sobre las danzantes todos los prejuicios que albergamos sobre el reggaetón aquellos que no nacimos bajo su influjo. Ema es el nuevo paradigma que Ema quiere apresar leyéndolo como nuevo icono de la transgresión.

Lo culto y lo popular se dan la mano en el cuerpo de Ema, capaz de brillar en la danza clásica contemporánea y en la danza callejera, ella las aúna y las vuelve hermanas. Y la cámara de Larraín hace lo propio mostrándose igualmente hábil a la hora de filmar la una y la otra. Ema es casi un musical encubierto que captura los movimientos carnales del coreógrafo José Vidal con una energía tremenda, en vastos espacios industriales, en el puerto, en canchas de baloncesto o en las colinas densamente pobladas entre un laberinto de bloques de apartamentos, con excelentes montajes que encabalgan diversos escenarios en un mismo número musical (una estética que nos hace pensar en el tratamiento del baile en las producciones llegadas de Bollywood). Del mismo modo, con la misma magistralidad, nos son presentados los cuadros de baile en interiores entre los que destaca la representación inicial, con ese decorado que hace pensar en el Solaris de Stanisław Lem por ese elaborado telón de fondo de iluminación que palpita como un planeta radiactivo. Danzas erotizadas que oscilan entre lo anárquico y lo ordenado para dar pie a entrever el enigma emocional que es la protagonista, una individualista incendiaria que no reparará en manipular a los demás, con el sensualismo que respira toda ella, en aras de alcanzar sus objetivos.

Danza, sexo y fuego para hablar del drama de necesitar ser amado. Porque ese es el auténtico objetivo de Ema, más egoísta que transgresora. Y entre tanta exposición se diluye la reflexión sobre el reto y dificultad de ser padres, que se evidenciaría más, si cabe, con la adopción cuando resulta fallida. Una reflexión que fue el germen del guion cuando era solo un proyecto. Ema es una película ocasional en el sentido de que no se siguió el protocolo habitual a la hora de emprender su rodaje. Efectivamente, desde la idea original, que no fue escrita, pudo llevarse a cabo con ocasión de un breve paréntesis en la carrera de Larraín y fue abordada dejando mucho a la espontaneidad. A juicio del autor, salió una propuesta que no tiene mucho tiempo para pensarse a sí misma. Y eso le da su pátina de obra arriesgada, en ello reside su fuerza, pero también su desaliño. La trama argumental se fragmenta entre aciertos visuales y avanza a trompicones, en una obra que tiene más de expresiva que de enunciativa, dando luz a una cinta en la que el riesgo y la imperfección van de la mano.

La Ema del director es chorro creativo, volcán de sensaciones y experiencias estéticas, hay en ella pasión y entusiasmo. Pero la que me llega a mí como espectadora, la que cierro desde mi biografía, es poderosa pero disgregada, produce fruición, pero también repudio. En mi lectura, tiene tanto de grandeza como de desatino.

SOBRE LO INFINITO (Om det oändliga, Roy Andersson, 2019)

Suecia. Duración: 76 min. Guion: Roy Andersson Fotografía: Gergely Pálos Productora: 4 1/2 Film / Roy Andersson Filmproduktion AB Género: Drama

Reparto: Martin Serner, Jessica Louthander, Tatiana Delaunay, Anders Hellström, Jan-Eje Ferling, Thore Flygel, Stefan Karlsson, Bengt Bergius, Marie Burman, Amanda Davies, Karin Engman, Lotta Forsberg, Göran Holm, Lars Lundgren, Stefan Palmqvist, Vanja Rosenberg, André Vaara, Magnus Wallgren

Sinopsis: Una reflexión en torno a la vida con toda su belleza y crueldad, su esplendor y banalidad. Momentos intrascendentes cobran el mismo significado que un momento histórico: una pareja flota por encima de Colonia, desgarrada por la guerra; camino de una fiesta de cumpleaños, un padre se agacha para atar el cordón del zapato de su hija bajo una lluvia torrencial; unas adolescentes bailan delante de un café; un ejército derrotado marcha hacia un campo de prisioneros. A la vez oda y lamento, SOBRE LO INFINITO ofrece un caleidoscopio de todo lo eternamente humano, una  historia infinita de la vulnerabilidad de la existencia.

Cerrada su trilogía de la vida con Una paloma se posó en una rama para reflexionar sobre la existencia, el poco prolífico Roy Andersson regresa a nuestras pantallas con otra propuesta de título sugerente, Sobre lo infinito. Título que nos habla en dos sentidos, el de sobrevolar el infinito, y el de adentrarnos en un ensayo que busca analizar los significados de la infinitud. Y en Andersson ambas acepciones se dan la mano, como ya se hace explícito en el propio cartel promocional del filme: una pareja vuela abrazada sobre una bella ciudad en ruinas. Una imagen, esta, que resume los objetivos del director, ofrecernos un acercamiento onírico a las múltiples faces azarosas de lo humano. Nos desplazaremos en apenas hora y cuarto por una galería de cuadros que ilustran circunstancias mínimas, pero desde un punto de vista que las convierte en trascendentes, al dotarlas de grandes pinceladas de un existencialismo que mezcla lo fatal y lo dramático con el humor absurdo. La obra del sueco enmienda la plana al realismo, pues nos trae la misma Comedia humana de Balzac (con lo que ello supone), pero plasmada con la paleta del esperpento y la deformación surrealista.

El cine de Andersson no se deja circunscribir a ningún género (ni subgénero), pues se cocina con ingredientes de muchos de ellos, condimentados, además, con un enfoque personal y único. Lo que da unidad y define a su trabajo, es su propio estilo como autor. Su cine huye de la narración, pues para él trabajar desde lo narrativo implica someterse a una fórmula, y lo formulario se vuelve predecible limitando, así, la creatividad del artista. La forma es ya en sí misma fondo, puesto que ella es la que permite aprehender la intención y el contenido significativo de un relato que hace del fragmento sinécdoque del todo. El séptimo arte se aproxima, en manos de nuestro director, al noveno, pues siempre trabaja los contenidos de sus historias mediante la yuxtaposición de viñetas, con pleno sentido cada una de ellas, además.

Andersson construye sus películas con el concurso de largas tomas en plano fijo en las que la profundidad de campo aporta sentido a lo referido, la disposición de la escena dentro del encuadre es parte del relato. En sus composiciones, los figurantes, casi inmóviles, son contextuales, pero indisociables del texto. Su presencia condiciona la trama del sketch y le da las necesarias claves interpretativas al espectador, al cual se le exige participar activamente. En efecto, el uso exclusivo del plano general determina la construcción de la imagen, pues, en ausencia de montaje, será la meticulosa composición la que habrá de dirigir la mirada hacia lo relevante, pero también exige la connivencia del esfuerzo del que mira. El espectador ha de hacer las veces de editor. El cine de Andersson es un cine inteligente que no toma al público por necio, no subraya nunca, solo se cifra con los estrictos sintagmas del lenguaje visual. Esa es la condición de su excelencia y, también, de su dificultad. Nunca estará mejor usado el lugar común del “no es para todos los públicos” que ante el trabajo de este autor cuyas películas están en las antípodas de toda cinta mainstream. Si se acepta el juego, la fruición es mucha, si no, esta exposición del extrañamiento resultará impenetrable.

Lo extraño es el pentagrama sobre el que se escribe todo su discurso. La meta de Andersson es escupir a la clase dominante, por eso su cine se requiere provocador. Lo logra con su puesta en escena, de la que no es parte menor su peculiar tratamiento de lo cromático. Seña de identidad es ese color degradado que convierte toda tonalidad en su versión pastel, un cromatismo que se refuerza además con un peculiar registro de la luminosidad. Nuestro creador trabaja con una iluminación, un punto sobreexpuesta, que no proyecta sombras, la luz ideal para el retrato aplicada aquí a la crónica. La ausencia de contraste aporta a la imagen un lirismo que matiza el discurso, que lo hace sobreponerse del pesimismo en el que incurriría si no fuese por esa pátina poética, sumada a un humor que resalta lo grotesco para abrirle un resquicio a la esperanza.

Después de hacerse valedor del León de Oro de la Mostra de Venecia con su anterior película, regresa cinco años más tarde con una cinta todavía más extrema en sus recursos. Sobre lo infinito no mantiene un hilo conductor entre sus piezas aunque a veces se encabalgue una con otra y a pesar de que algunos de sus fragmentos tengan continuidad. Influido por su relectura de Las mil y una noches, Andersson quiso escribir su propia recopilación de cuentos, por eso introduce un elemento que hasta ahora no había aparecido en su trabajo, la voz en off. Pero no piensen en un narrador machacón que sobrevuela todo el texto fílmico, aquí la voz de su particular Scheherazade salpica, aquí y allá, algunos apuntes sobre los motivos filmados. Casi al azar. Porque nuevamente la fatalidad de la existencia está en el punto de mira, con toda su carga, en este conjunto más onírico que nunca. En Sobre lo infinito hay espacio, pese a su corta duración, para reflexionar sobre la guerra desde una perspectiva antibelicista, sobre el arrepentimiento y la vergüenza que hemos de cargar como especie, de ironizar sobre el nazismo y sobre la pareja, sobre la amistad y la envidia, sobre ese tema tan bergmaniano que es la pérdida de la fe por parte de quien tiene que difundirla…  Espacio para sacudir conciencias a golpe de fundido en negro. Con respeto y fidelidad, Andersson hace desfilar ante nuestros ojos una cohorte de humanos extraños y extrañados en los que podemos ver nuestro propio reflejo. Nos hace esbozar sonrisas que no son dulces (ni tampoco amargas) y nos hace volar, como esa pareja abrazada del cartel, sobre nuestra condición finita en el marco de lo infinito. La metafísica y el absurdo se dan de nuevo la mano en un filme que asesta certeros golpes a nuestras creencias.

Estamos ante una nueva descarga de escepticismo que, sin embargo, no nos electrocuta, al contrario, nos despierta del dogmatismo para abrirnos a la esperanza de regeneración. Al servicio del humanismo, el cine de Andersson es arte que redime.

 

Categorías:VAMOS DE ESTRENO

VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 17 de enero de 2020 *

BAD BOYS FOR LIFE (Bilall Fallah, 2020)

USA. Duración: 123 min. Guion: Joe Carnahan, George Gallo, David Guggenheim, Anthony Tambakis, Chris Bremner Música: Lorne Balfe Fotografía: Benoît Debie Productora: Columbia Pictures / Jerry Bruckheimer Films / Platinum Dunes Género: Acción

Reparto: Will Smith, Martin Lawrence, Vanessa Hudgens, Kate del Castillo, Paola Nuñez, Joe Pantoliano, Charles Melton, Alexander Ludwig, Nicky Jam, DJ Khaled, Ivo Nandi, Happy Anderson

Sinopsis: En esta tercera entrega de la franquicia, los polícía Mike Lowrey (Will Smith) y Marcus Burnett (Martin Lawrence) vuelven a patrullar juntos en un último viaje.

Bad Boys for Life es, a pesar de no estar indicada para menores por sus altas dosis de violencia, un entretenimiento puro y sin complicaciones. Predecible, ofrece justo lo que el espectador de esta saga, de la que esta es su tercera entrega, puede pedir: mucha acción, comedia y un guión sencillo pero eficaz. Gran parte de su humor reside en la buena química existente entre sus protagonistas, Will Smith y Martin Lawrence, que en esta ocasión pasan la mayor parte del filme haciendo humoradas sobre su edad, pues no en vano la primera película de la serie se estrenó en 1995, por lo que ambos son 25 años mayores, y mientras uno de ellos piensa seriamente en su jubilación, el otro permanece atado a su imagen de enfant terrible.

En esta ocasión, los dos compañeros, acostumbrados a soluciones drásticas, tendrán que adaptarse a la forma de actuar de un equipo de policía cientifica, la AMMO, dirigido por la teniente Rita (Paola Nuñez), antigua novia de Mike, con la que seguirá vigente la tensión sexual. La mezcla de maneras de trabajar, la old school de Mike (Will Smith) y Marcus (Martin Lawrence) y la tecnológico-científica de la AMMO, demostrarán ser eficaces y complementarias, lo que no evita que antes se produzcan los esperados choques entre las dos prácticas policiales, que darán pie a nuevas situaciones cómicas y de tensión. Si esto se da en la trama, es también porque la película también reflexiona sobre los modos de plantear el género. Y es que la serie televisiva CSI, que emitió su primer capítulo en el año 2000, marcó un antes y un después.

Buenas escenas de acción y buenos gags, especialmente para los amantes de Will Smith, así como una trama entretenida en la que no deja de estar presente una cierta forma de reivindicar la negritud, de tal modo que incluso en un momento los dos protagonistas juegan a poli-bueno/poli-malo llamándose Martin Luther King y Malcolm X. Todo muy básico en una película que no deja de ser superficial, pero muy efectiva.

 

 

Categorías:VAMOS DE ESTRENO

‘El Palmar de Troya’, una serie de no ficción que se sumerge en las entrañas de la Iglesia Palmariana

En marzo de 1968cuatro niñas afirmaron que se les había aparecido la Virgen María en la finca de la Alcaparrosa, a un kilómetro de la aldea de El Palmar de Troya, en la provincia de Sevilla. Semanas después, varios vecinos afirmaron que habían tenido otras apariciones y en el verano de ese mismo año se construyó un altar que sería la primera piedra de la iglesia cristiana palmariana. Aquellas primeras apariciones dieron lugar a un imperio religioso que se expandió por el mundo, rompió con el Vaticano y nombró a sus propios papas. En junio de 2018, Ginés, el último Papa de El Palmar de Troya, y su mujer asaltaron, con reyerta incluida, las instalaciones de la congregación. Era el penúltimo episodio de una historia extraordinaria que navega entre la tragedia y el surrealismo.

Escándalos, la sombra de abusos sexualesanécdotas inverosímiles y todo tipo de acusaciones han marcado los más de cincuenta años de esta orden religiosa a la que algunos consideran iglesia y otros muchos una gran secta.

‘El Palmar de Troya’ es una serie de cuatro episodios que retrata, con suma rigurosidad, el universo palmariano. Esta producción original de no ficción muestra imágenes de archivo inéditas, tiene recreaciones y cuenta, entre otros testigos y protagonistas, con los testimonios de Ginés Hernández (el expapa Gregorio XVIII) y Nieves Triviño, su mujer y exmonja de El Palmar.

Dirigida por Israel del Santo (‘Conquistadores: Adventvm’), ‘El Palmar de Troya’ nace como fruto de una larga investigación que duró más de tres años y se mete de lleno en las entrañas del universo palmariano para contar una historia real, inédita, delirante, oscura y rodeada de misterio.

 

EPISODIOS

1. Bendita tú eres
2. Entre todas las mujeres
3. Cuidaos de los falsos profetas
4. Lobos con piel de cordero

Estreno el jueves 6 de febrero en #0 de Movistar+ (dial 7) y cada jueves, un nuevo episodio. También disponible bajo demanda. ‘El Palmar de Troya’ es una producción original de Movistar+ en colaboración con 100 Balas (THE MEDIAPRO STUDIO) y 93 Metros.

Categorías:TRAILERS RECOMENDADOS

Novedades Astiberri Editorial: Febrero 2020

Astiberri anuncia sus novedades para febrero que cuentan con buen cómic y un ensayo. Unas publicaciones en las que predomina la voz femenina y que tocan temas tan variados como el humor absurdo, el embarazo no deseado y el tabú del aborto. Sin olvidar a Mauro Entriago, cuya colección de tomos recopilatorios de historias de El Jueves alcanza su decimotercera entrega. Humor, cómic social y ensayo se dan la mano en Astiberri Ediciones.

XTC69

Jessica Campbell

Blanco y negro. Rústica con solapas
120 páginas. 15 x 20 cm
12 euros
ISBN: 978-84-17575-76-2
A la venta el 6 de febrero

En esta obra metarreferencial con ecos del film Cómo ser John Malkovich, Campbell combina magistralmente el humor y la crítica feminista junto con la ciencia ficción “pulp” para burlarse del machismo y la misoginia a la vez que se ríe de sí misma.

Humor absurdo.
Una constelación del disparate en España

Mery Cuesta y otros

Color. Cartoné
296 páginas. 17 x 24 cm
24 euros
ISBN: 978-84-17575-63-2
A la venta el 13 de febrero

Este ensayo concebido por Mery Cuesta plantea una nueva mirada a las prácticas humorísticas absurdas y es también el catálogo de la exposición que produce y alberga el CA2M, de Móstoles, a partir del 30 de enero.

Heathen 2

Natasha Alterici

Color. Cartoné
112 páginas. 17 x 26 cm
18 euros
ISBN: 978-84-17575-97-7
A la venta el 13 de febrero

Aydis, la vikinga expulsada de su pueblo por besar a otra mujer, animada por la diosa del amor, navega por mar abierto para llegar hasta la tierra de los dioses. La travesía es complicada y, para sobrevivir al peligroso viaje, la brava pagana necesita la ayuda de una variopinta tripulación de mujeres-pirata y sirenas devoradoras de hombres.

Juntas en esto

Blanca Vázquez

Color. Cartoné

56 páginas. 17 x 21 cm
12 euros

ISBN: 978-84-17575-71-7

A la venta el 20 de febrero

En su primera obra, Blanca Vázquez reflexiona sobre el tema del embarazo no deseado y cómo el aborto sigue siendo un tema tabú hoy en día a través de la historia de dos mujeres jóvenes. Una en la España de los años sesenta y otra en la actualidad.

Ángel Sefija y sigue en sus trece

Mauro Entrialgo

Color. Rústica con solapas

80 páginas. 18,5 x 24,5 cm
13 euros

ISBN: 978-84-16880-49-2

A la venta el 27 de febrero

Con 19 años de presencia semanal en El Jueves, llega el decimotercer álbum recopilatorio de esta saga protagonizada por un gran observador que diserta con humor, ironía y desarmante lógica sobre los más variados temas que se le ponen a tiro.

Essex County
Edición integral

Jeff Lemire

Blanco y negro. Rústica con solapas

512 páginas. 17 x 24 cm
25 euros

ISBN: 978-84-17575-72-4

A la venta el 27 de febrero

Un estudio íntimo de una excéntrica comunidad agrícola y una tierna meditación sobre la familia, la memoria, el dolor, los secretos y la reconciliación. Seleccionada en 2011 como una de las 5 novelas canadienses esenciales de la década, se publica ahora en edición integral con más de 50 páginas de extras.

Categorías:Cómic y Manga

Ya disponible ‘El Buque Maldito’ #32

Ya está a la venta el nuevo número del fanzine El Buque Maldito, que centra la mayor parte de su contenido en la crónica de la edición número cincuenta y dos del SITGES – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya.

El reportaje sobre el festival viene acompañado de las entrevistas a los realizadores Michele Soavi (La befana vien di notte, AquariusEl engendro del Diablo), Juan Diego Escobar (Luz), Rudy Riverón Sánchez (¿Eres tú, papá?), Pupi Avati (La casa dalle finestre che ridonoZeder, Il signor Diavolo), Orçun Behram (The Antenna) y David Gregory (Blood & Flesh: The Reel Life & Ghastly Death of Al Adamson).

En paralelo al certamen, la publicación contiene además una extensa y exclusiva entrevista con el realizador italiano Enzo G. Castellari realizada con motivo de su presencia en Isla Calavera 2018 – Festival de Cine Fantástico de Canarias, donde recibió el Premio de Honor.

Finalmente, se incluyen los artículos Demonios bajo túnicas de frailes, centrado en el film portugués O construtor de anjos (Luís Noronha da Costa, 1978), y Juan José Plans, la voz del miedo, repaso-fantástico a la figura del escritor y guionista Juan José Plans.

PVP: 4€ + gastos de envío. 43 páginas.

A la venta los últimos ejemplares de los números 30 y 31.

Pedidos e información: 

elbuquemaldito_zine@hotmail.com

También disponible en: 

Freaks C/. Ali Bei, nº10 Barcelona

Arkham Comics C/. Xuclà, nº16 Barcelona

El Setenta-Nou C/. Tallers, 79 Barcelona

Cartel y primer avance de programación del BCN Film Fest 2020


El Festival Internacional de Cine de Barcelona-Sant Jordi (BCN FILM FEST), que este año se celebrará del 17 al 24 de abril en los Cines Verdi de Barcelona, ha presentado esta mañana el cartel oficial de la próxima edición del certamen y las primeras novedades confirmadas de su programación. El acto ha sido conducido por la directora del BCN FILM FEST, la periodista y crítica de cine Conxita Casanovas.

El BCN FILM FEST, fiel al espíritu cultural de Sant Jordi, vuelve a ofrecer películas que giran en torno al eje temático Cine-Literatura-Historia en su Sección Oficial, centradas sobre todo en adaptaciones literarias, biopics de grandes personalidades y eventos históricos de relevancia.

Como en las ediciones anteriores, el Festival contará con 6 secciones: Sección OficialCinema amb Gràcia (dedicada a las comedias), Zona ObertaArt al Cinema (dedicada a grandes documentales sobre arte), Imprescindibles (dedicada a clásicos del cine de autor) y una sección dedicada al cine de un país invitado.

CARTEL DEL BCN FILM FEST 2020

El cartel oficial de la 4ª edición del BCN FILM FEST es una ilustración de un fotograma de la película Cuento de primavera de Éric Rohmer, cineasta a quien el festival dedica este año la sección Imprescindibles, coincidiendo con el centenario de su nacimiento. Con este cartel diseñado por Inés Martínez se intenta reflejar la profunda relación/pasión que el festival de cine mantiene con la literatura y los libros.

AVANCE DE LOS PRIMEROS TÍTULOS DEL BCN FILM FEST 2020

La 4ª edición del festival contará con una programación de más de 60 títulos en sus diferentes secciones. A continuación, un primer avance de la programación:

SECCIÓN OFICIAL A COMPETICIÓN
CUANDO HITLER ROBÓ EL CONEJO ROSA
(Als Hitler das rosa Kaninchen stahl) de Caroline Link
Alemania, Suiza / Première española

TRUE HISTORY OF THE KELLY GANG
 de Justin Kurzel
Con George MacKay, Charlie Hunnam y Russell Crowe
Australia, Reino Unido / Première española
CORPUS CHRISTI (Boze Cialo) de Jan Komasa
Nominada al Oscar a la Mejor Película Internacional
Polonia / Première española
SECCIÓN OFICIAL – FUERA DE COMPETICIÓN
MR. JONES de Agnieszka Holland
Polonia, Reino Unido / Première catalana
#ANNEFRANK. PARALLEL STORIES
 de Sabina Fedeli y Anna Migotto
Con Helen Mirren
Italia / Première española
CENTOVENTI CONTRO NOVECENTO de Alessandro Scillitani
Italia / Première española

THE BOOKSELLERS
 de D.W. Young
Estados Unidos / Première española
CINEMA AMB GRÀCIA
THE PEANUT BUTTER FALCON de Tyler Nilson y Michael Schwartz
Con Zack Gottsagen, Shia LaBeouf, Dakota Johnson, Bruce Dern y John Hawkes
Estados Unidos / Première española
IMPRESCINDIBLES – Centenario ÉRIC ROHMER
MI NOCHE CON MAUD (1969)
LA RODILLA DE CLAIRE 
(1970)
PAULINE EN LA PLAYA (1983)
EL RAYO VERDE (1986)
CUENTO DE PRIMAVERA
 (1990)
CUENTO DE INVIERNO 
(1992)
CUENTO DE VERANO 
(1996)
CUENTO DE OTOÑO 
(1998)

COLABORACIÓN CON 10 FILMOTECAS PARA EL CENTENARIO DE ÉRIC ROHMER

El BCN FILM FEST ha llegado a un acuerdo con 10 filmotecas de España para compartir y proyectar las películas más significativas del maestro Éric Rohmer en el centenario de su nacimiento. Las filmotecas que colaboran en la iniciativa son:

Filmoteca Española
Filmoteca de Catalunya
Filmoteca Vasca
Filmoteca de Valencia
Filmoteca Canaria
Filmoteca de Galicia
Filmoteca de Cantabria
Filmoteca Francisco Rabal – Región de Murcia
Filmoteca de Zaragoza
Filmoteca de La Rioja – Rafael Azcona

MERCEDES SAMPIETRO – PRESIDENTA DEL JURADO

Mercedes Sampietro, la actriz de teatro, televisión y cine, será la Presidenta del Jurado del BCN FILM FEST 2020.

Nacida en 1947 en Barcelona, dio sus primeros pasos como actriz en la capital catalana. En 1970 subió a su primer escenario como intérprete profesional y en 1977 debutó frente a las cámaras de cine, gracias a Jaime Chávarri y su cinta A un dios desconocido. En 1980 Pilar Miró la eligió para participar en Gary Cooper, que estás en los cielos. Sería la primera de las cinco colaboraciones que realizaron juntas.

Su trayectoria también incluye distintos papeles en producciones catalanas, como las series Nissaga de poder, Laberint d’ombres, Porca Misèria o La Riera

ESPACIO CULTURAL FNAC

Del 17 al 19 de abril, el BCN FILM FEST saldrá a la calle y lo hará con una carpa situada en la emblemática y literaria Plaça del Diamant del barrio de Gràcia. Un espacio cultural y tienda, en colaboración con FNAC, donde se realizarán presentaciones (literarias y cinematográficas) y sesiones masterclass gratuitas abiertas al público. Las actividades y horarios previstos se anunciarán en abril.

SEMANA DE LA ESCUELA del BCN FILM FEST

La SETMANA DE L´ESCOLA del BCN FILM FEST tendrá lugar en los Cines Verdi de Barcelona del 30 de marzo al 3 de abril, fuera de las fechas oficiales de celebración del certamen, y coincidiendo el 1 de abril con el Día Mundial de la Educación.

Se trata de una semana de programación especial pensada para centros escolares en la que se ofrecen distintas películas que destacan por su carácter educativo al precio reducido de 2,90 €/entrada, en una iniciativa que el año pasado disfrutaron más de 1.500 alumnos de colegios de Barcelona.

Dentro de la programación de esta edición encontramos nuevas películas que abordan la vida en la escuela, como la francesa LA VIDA ESCOLAR o la española UNO PARA TODOS, además de una de las películas de temática social más importantes de 2020, ESPECIALES. También se podrán redescubrir grandes éxitos del 2019 que destacan por sus valores, como la gran ganadora de la última edición de los Oscar GREEN BOOK, el drama histórico de Alejandro Amenábar MIENTRAS DURE LA GUERRA o el éxito de taquilla familiar MIA Y EL LEÓN BLANCO. Finalmente, también se ha incluido en la propuesta la original cinta de animación nominada al Oscar LA VIDA DE CALABACÍN y el documental de arte PINTORES Y REYES DEL PRADO.

Más información, aquí.

ENTRADAS A 2,90€ Y SESIONES GRATUITAS

El Festival continuará con un precio de 2,90€ para la mayoría de las sesiones de los Cines Verdi y además con sesiones gratuitas de #ANNEFRANK, PARALLEL STORIES en varios centros cívicos de la ciudad de Barcelona. Un festival popular y abierto a la ciudad.

En este link se puede recuperar el video resumen de la edición 2019 del BCN FILM FEST que contó con más de 15.000 espectadores.

El proceso de inscripción para la cuarta edición del BCN FILM FEST se abrió el pasado 12 de noviembre y finalizará el 1 de febrero.

Facebook: BCN Film Festival
Instagram y Twitter: @bcnfilmfestival  #BCNFilmFestival2020

Categorías:BCN Film Fest

El cine en zapatillas: La torre de los siete jorobados (Blu-ray 39 Escalones)

LA TORRE DE LOS SIETE JOROBADOS

(Edgar Neville, 1944)

España. Duración: 81 min. Guion: Edgar Neville, José Santugini (Novela: Emilio Carrere) Música: José Ruíz de Azagra Fotografía: Enrique Berreyre Productora: Producciones Luis Judez / German López España. Audio: Castellano mono Formato de imagen:  1:37:1

Extras: Presentación (6 minutos)/ 70 aniversario de la película (15 minutos)/50 años sin Edgar Neville (20 minutos)/Estudio 1: El baile (100 minutos)

Editado en Blu-ray por 39 Escalones

Reparto: Antonio Casal, Isabel de Pomés, Julia Lajos, Guillermo Marín, Félix de Pomés, Julia Pachelo, Manolita Morán, Antonio Riquelme

Sinopsis: En el Madrid castizo de finales del siglo XIX, el enigmático fantasma del doctor Robinson de Mantua (Félix de Pomés) revela al joven Basilio (Antonio Casal) la existencia de una ciudad subterránea en la que habitan unos siniestros personajes dedicados a actividades criminales. Basilio consigue dar con la Torre de Los Siete Jorobados, en cuyo interior permanece secuestrada e hipnotizada Inés (Isabel de Pomés), la sobrina del difunto doctor…

 

Si hay un título que merecía reivindicarse y obtener amplio  reconocimiento por parte de los estudiosos y amantes de nuestro fantástico este era La torre de los siete jorobados. Primero porque es uno de los escasos filmes enmarcados en el fantástico rodado antes de los años sesenta; y segundo porque introduce el elemento fantástico en el Madrid más castizo sin recurrir, como sucedería con la extensa mayoría del Fantaterror, en situar la historia en la vieja Europa o incluso en Estados Unidos algo que se hacía, principalmente, por necesidades de mercado.

Con La torre de los siete jorobados Edgar Neville ofrece un sainete fuertemente castizo, ubicado en el Madrid que tanto frecuentó el director y que tiene la novedad de transformarse en un relato fantástico, con un subsuelo habitado por delincuentes ubicado bajo la Plaza de la Paja. Es ahí, en esos corredores y pasadizos que conforman esa torre que, en lugar de erguirse en el aire se hunde en el suelo, donde puede apreciarse la fuerte influencia expresionista de su diseñador, Francisco Canet. Pero hay más, mucho más. Alquimia, espectros buscando justicia, bibliotecas arcanas, símbolos cabalísticos, y la superstición, que se pone al servicio de la narración desde su inicio en este sainete con mucho de folletín, pues no en vano está basado en uno de Emilio Carrere, otro buen ejemplo de casticismo y bohemia,  en el que la irrupción de lo sobrenatural, encarnado en el imponente espectro de Robinson de Mantua convertirá la historia en un relato fantástico que llevará, sin complejos, al espectador a un mundo oculto habitado por jorobados.

El magnífico Antonio Casal protagoniza esta cinta. Galán y, sobre todo, cómico, parece que se especializara en protagonizar las pocas comedias de la época que tenían cierto sabor fantastique, como Viaje sin destino (1942), El hombre que se quiso matar (1942) o El fantasma y Dª Juanita (1945), todas dirigidas por Rafael Gil. Junto a él la exquisita Isabel de Pomés, su padre Félix de Pomés como el inquietante Robinson de Mantua, y un lugosiano  Guillermo Marín como el villano de la función, el Dr. Sabatino, dotado de poderes hipnóticos. Mal recibida en su momento, han tenido que pasar los años para, al igual que el cine de su director, fuera revalorizado y puesto en su justo lugar.

La copia que nos ofrece 39 Escalones no es todo lo perfecta que desearíamos en cuanto a imagen  y sonido, pero sin duda es lo mejor que se ha podido obtener con los materiales disponibles. La cuidada edición contiene interesantes extras extraídos de los archivos de RTVE de entre los que destaca el documental 50 años sin Edgar Neville, en el que se analiza la vida y obra de este mordaz e inteligente bon vivant, así como otro sobre el 75 aniversario del filme y un Estudio 1 de El baile, obra escrita por Neville cuya adaptación cinematográfica él mismo dirigió en 1959. Sin duda una de esas ediciones que crean afición, pues conocer la vida y obra de Neville lleva al buen aficionado a interesarse por la filmografía de este carismático director madrileño e interesarse por la figura de este ex-diplomático en el Hollywood de los treinta y amigo de grandes celebridades de la Meca del cine como Charles Chaplin, Fairbanks o Laurel y Hardy, que a su vuelta pasó a ser una de las presencias más interesantes, mordaces y queridas del Madrid de postguerra.

Imagen de la estupenda y críptica carátula del Blu-ray de 39 Escalones. Con la misteriosa inscripción que llevará al espectador a… ¡La torre de los siete jorobados!

Teaser trailer de ‘Morbius’, el vampiro de Marvel

Morbius, uno de los personajes más fascinantes de Marvel, surgido de las páginas de Amazing Spider-Man, llega a la gran pantalla bajo la dirección de Daniel Espinosa (‘Life’, ‘El Invitado’, ‘El niño 44‘).

Jared Leto (‘Dallas Buyers Club’) será el encargado de dar vida al enigmático antihéroe Michael Morbius, que junto a Matt Smith (‘The Crown‘), Jared Harris (‘Chernobyl’), Adria Arjona (‘True Detective‘) y Tyrese Gibson (‘Saga Fast & Furious‘, ‘Saga Transformers’), conforman el reparto de la esperada cinta que llegará a las salas de cine de toda España el próximo 31 de julio.

SINOPSIS
Uno de los personajes más cautivadores y conflictuados de Marvel llega a la gran pantalla con el ganador de un Oscar® Jared Leto transformado en un enigmático antihéroe, Michael Morbius. Peligrosamente enfermo de un extraño trastorno sanguíneo, y determinado a salvar a otras personas que padecen su mismo destino, el doctor Morbius intenta una apuesta desesperada. Lo que en un principio parece ser un éxito radical, pronto se revela como un remedio potencialmente peor que la enfermedad.

Categorías:TRAILERS RECOMENDADOS

VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 10 de enero de 2020*

EL FARO (The Lighthouse, Robert Eggers, 2019)

USA/Canadá. Duración: 110 min. Guion: Robert Eggers, Max Eggers Música: Mark Korven Fotografía: Jarin Blaschke (B&W) Productora: New Regency Pictures / RT Features. Distribuida por: A24 Género: Drama

Reparto: Willem Dafoe, Robert Pattinson

Sinopsis: Una remota y misteriosa isla de Nueva Inglaterra en la década de 1890. El veterano farero Thomas Wake (Willem Dafoe) y su joven ayudante Ephraim Winslow (Robert Pattinson) deberán convivir durante cuatro semanas. Su objetivo será mantener el faro en buenas condiciones hasta que llegue el relevo que les permita volver a tierra. Pero las cosas se complican cuando surjan conflictos por jerarquías de poder entre ambos.

The Lighthouse recupera, en cierto modo, los mejores modos del arte mudo. Rodada en un soberbio blanco y negro y en 1.37:1, el formato de pantalla vigente desde los años treinta hasta los cincuenta, antes del nacimiento oficial del cine panorámico en 1952, todo está dispuesto para transportar al espectador a otra época, de la que se encarga de retornarla puntualmente uno de sus protagonistas, Willem DaFoe, a base de sonoros pedos. Pero también el director con sus perturbadoras escenas sexuales ¿La historia? El descenso a la locura de un farero y su aprendiz cuando tengan que pasar ambos unas semanas en el faro de una alejada isla de Nueva Inglaterra en las postrimerías del siglo XIX. ¿El resultado? Un film excepcional dotado de una gran fotografía, una gran historia, una dirección impresionante y dos grandes actores, DaFoe y Robert Pattinson, que lo dan todo. Un hito que confirma que nos encontramos ante el que podría ser uno de los más importantes directores de los últimos tiempos. Veremos.


EL MISTERIO DEL DRAGÓN (The Mystery of the Dragon Seal, Oleg Stepchenko, 2019)

China/Rusia/USA. Duración: 120 min. Guion: Alexey Petrukhin, Oleg Stepchenko, Dmitry Paltsev Música: Aleksandra Maghakyan, Zhang Yunshan Fotografía: Ivan Gudkov, Ng Man-Ching Productora: Buffalo 8 Productions / Kinokompaniya CTB / China Film Group / China International Picture / Fetisoff Illusion / GFA Entertainment / Gap Financing / Lime Studios / Russian Film Group Corporation / Sparkle Roll Media Género: Fantástico

Reparto: Jason Flemyng, Anna Yao, Anna Churina, Jackie Chan, Arnold Schwarzenegger, Rutger Hauer, Charles Dance, Paul Allica, Narupornkamol Chaisang, Barret Coates, Chayanit Chansangavej, Vladimir Dolinskiy, Christopher Fairbank, Aleksandr Gorbatov

Sinopsis: El cartógrafo inglés Jonathan Green recibe la orden de crear un mapa de la lejana Rusia. En su largo viaje, Jonathan vivirá todo tipo de aventuras, desde enfrentamientos con extrañas criaturas y batallas con maestros en artes marciales hasta brujas milenarias ocultas en los rincones más recónditos de la legendaria China. Pero todas las pruebas parecerán un juego de niños cuando tenga que enfrentarse al mayor de los enemigos jamás creado por la magia negra: el gran Rey de los Dragones.

Suntuosos y exóticos decorados en la mejor tradición del cine chino de aventuras para esta historia repleta de magia que se vende como secuela del filme ruso Viy (2014), también de Stepchenko, que rehacía el histórico film original de 1967 y que, al igual que aquel, adaptaba una obra de Gogol.

Ahora los mismos personajes de aquella, son puestos al servicio de una cinta muy diferente, fuertemente influenciada por el cine chino y que cuenta con la participación-reclamo de dos grandes actores del cine de aventuras: Jackie Chan y Arnold Swarzenegger, que secundan a los protagonitas junto a algunas otras viejas glorias del cine como Rutger Hauer o Charles Dance. El resultado es un tanto extraño, pero eficaz: tras un comienzo que abre y retrotrae al espectador a historias pretéritas y paralelas, se le ofrecerá una película clásica de aventuras para toda la familia, con magníficas coreografías de lucha y alguna pintoresca criatura. Humor, acción, magia y fantasía haciendo referencia, de paso, a tres hitos y leyendas de la cultura popular europea y asiática: el reinado de Pedro el Grande, de quien se dijo que no era zar legítimo; la maldición del camino del té, que tenía a un poderoso dragón protegiendo las hojas de té; y la leyenda de la máscara de hierro, basada en un misterioso prisionero de la Bastilla, y todo ello con unos Swarzenegger y Jackie Chan ejerciendo de agradecidos actores secundarios.

Categorías:VAMOS DE ESTRENO
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