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Cerca de 250 cortometrajes se proyectarán en la Sección Oficial de la 43ª edición del FILMETS Badalona Film Festival
Cerca de 250 cortometrajes se proyectarán en la Sección Oficial de la 43ª edición del FILMETS Badalona Film Festival, que se desarrollará del 20 al 29 de octubre. Por primera vez, los tres teatros municipales de la ciudad se convertirán en cine para presentar los cortos del festival
La 43ª edición del FILMETS Badalona Film Festival, que tendrá lugar del 20 al 29 de octubre de 2017, proyectará en Sección Oficial cerca de 250 cortometrajes procedentes de los cinco continentes. La mayor parte de los cortometrajes, alrededor de 120, son de ficción, mientras que de animación hay un centenar.
Por primera vez en la historia del festival FILMETS, los tres teatros municipales de Badalona ofrecerán proyecciones de cortometrajes. Se trata del Teatro Zorrilla, que será la sede principal, acompañado del Teatro Blas Infante y del Teatro Principal. Además, el Instituto français de Barcelona será subsede oficial. El Centro Cultural el Carme será la sede del ‘Filmets Pro’.
En la edición de este año, Alemania será el país protagonista de la sección FOCUS FILMETS. Además de proyectarse cortos de este país, se contará con la presencia de diferentes directores que vendrán a presentar su obra.
John Hurt – ‘Break’
La Nit de les Venus se celebrará el sábado 28 de octubre en el Teatro Zorrilla, a partir de las 22 horas. Y el día siguiente domingo 29, a las 17 horas, se proyectarán en el mismo teatro todas las películas que han obtenido el premio Venus de Badalona.
Jurado oficial Internacional
El Jurado oficial Internacional de la 43ª edición del FILMETS Badalona Film Festival estará integrado por Saskia Walker, de Alemania; Marta Swiatek, de Polonia; Lluís Danés, de Cataluña; Aurélie Chesné, de Francia; y Mayra Tinajero, de México.
Todos los miembros del jurado desarrollan tareas muy destacadas en el mundo cinematográfico. Así Saskia Walker forma parte del comité de selección de cortometrajes de la Berlinale; Marta Swiatek es coordinadora de cortos de ficción y de animación de Polonia; Lluís Danés es director y escenógrafo; Aurélie Chesné es asesora en la programación del centro de cortometrajes de France Télevisions; y Mayra Tinajero es directora de marketing de la plataforma de cine Reelport.
La sesión ‘Badalona en Curt’ sigue creciendo
La sesión de ‘Badalona en Curt’, donde se proyectan cortometrajes de autores de Badalona, forma parte del OFF FILMETS. En esta edición se han presentado un total de 25 cortometrajes de autores de Badalona. La sesión será el sábado 21 de octubre, a partir de las 10 horas, en el Teatro Zorrilla.
Cortos con actores y actrices de renombre
Los espectadores de la 43ª edición del FILMETS Badalona Film Festival no sólo podrán ver en la gran pantalla películas que ya han sido galardonadas en otros certámenes de renombre, sino también actores y actrices de fama mundial. Es el caso de Claudia Cardinale, del corto ‘El Auveugle et la Cardinale’; Jane Birkin, con el corto ‘La femme et le TGV’; James Brolin del corto ‘A Beautiful Day’; Ed Asner, con el corto ‘Super Sex’; Cecilia Milocco con ‘Kommiteen; David Wenger, que fue actor principal en ‘Titanic’ y que en FILMETS se presenta con el corto ‘Blue Borsalino’; Fanny Ardant, con ‘The Session’; John Hurt con el corto ‘Break’; Isabelle Huppert con ‘Ce qui nous éloigne’; o los actores y actrices catalanes Francesc Orella, Lluís Marco, Nora Navas, Marta Marco y Miki Esparbé, entre otros.
Jane Birkin en ‘La femme et le TGV’
‘Una hermana’, una nueva obra maestra de Bastien Vivés editada por Diábolo
Diábolo Ediciones se enorgullece de publicar el nuevo trabajo del joven autor francés Batien Vivés, del que ha publicado desde hace años todas sus obras, entre las cuales se encuentran títulos de referencia como El gusto del cloro, En mis ojos, Polina, Lastman… Ahora llega el turno de su nuevo trabajo en solitario, Una hermana, ocasión por la cual Diábolo nos ofrece este dossier especial sobre el autor y su obra.
Un autor especial, una sensibilidad única, unas historias que nos dejan marcados…
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‘IT’, materializando los terrores infantiles
IT (Andrés Muschietti, 2017)
USA. Duración: 135 min. Guion: Chase Palmer, Gary Dauberman (Libro: Stephen King) Música: Fotografía: Chung-hoon Chung Productora: New Line Cinema / KatzSmith Productions / Lin Pictures Género: Terror
Reparto:Bill Skarsgård, Jaeden Lieberher, Sophia Lillis, Wyatt Oleff, Jeremy Ray Taylor,Finn Wolfhard, Chosen Jacobs, Jack Dylan Grazer, Nicholas Hamilton, Jake Sim,Logan Thompson, Owen Teague, Jackson Robert Scott, Stephen Bogaert
Desde sus inicios, el pueblo de Derry ha sido el coto de caza para la entidad que emerge desde las alcantarillas cada 27 años para alimentarse de los terrores de sus presas preferidas: los niños de Derry. Uniendo sus esfuerzos durante un verano a la vez horroroso y animado, los Perdedores se unen para superar sus propios miedos y detener el ciclo de matanzas que comenzó un día lluvioso, mientras un niño pequeño perseguía un barquito de papel que se arrastraba por un desagüe de lluvia…y acabó en las manos de Pennywise el Payaso.
Pero es que también Stephen King es, huelga decirlo, un magnífico creador de terrores. De monstruos. De entidades que, en su mayoría, se han desarrollado dentro del entorno de los protagonistas: tiendas cuyo propietario tiene todo lo que sus clientes puedan desear y que podrán obtener a cambio de un pequeño, insignificante trabajo; o esa autopista que hay frente al hogar que sin piedad dejará a padres sin lo que más quieren. Tanto que no dudarán en subir al viejo cementerio indio que hay en el bosque…; o aquella niña con poderes telekinésicos de la que todos ríen en el colegio y que vive con una enloquecida madre obsesionada con el sexo como pilar de todos los males… o ese viejo y magnífico Plymouth Fury de color rojo; o ese perro San Bernardo; o… Elementos de nuestro entorno, de nuestra cotidianidad, como los terrores infantiles que cobrarán vida en It más allá del payaso Pennywise.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 8 de septiembre de 2017 *
CHURCHILL (Jonathan Teplizky, 2017)
UK. Duración: 110 min. Guion: Alex von Tunzelmann Música: Lorne Balfe Fotografía: David Higgs Productora: Salon Pictures / Tempo Productions Limited Género: Drama
Reparto: Brian Cox, Miranda Richardson, John Slattery, James Purefoy, Julian Wadham,Richard Durden, Ella Purnell, Danny Webb, Jonathan Aris, George Anton,Steven Cree, Angela Costello, Peter Ormond, Suki Waterhouse
Sinopsis: En 1944 las fuerzas aliadas -un millón de soldados reunidos en la costa sur inglesa- están preparadas para el desembarco. 48 horas antes de la operación, Winston Churchill se enfrenta con sus generales y aliados norteamericanos para decidir cómo afrontar lo que se convirtió en el punto de inflexión de la Segunda Guerra Mundial. Si la campaña del Día D fallara, teme ser recordado como el arquitecto de una carnicería.
Ofrecida en premiere mundial durante el pasado BCN Film Fest, esta elegante producción británica está centrada en los días previos al desembarco de Normandía, que cambió definitivamente el trascurso de la Segunda Guerra Mundial a favor de los Aliados. La cinta nos muestra la parte más humana del veterano Primer Ministro, que tendrá que aprender a hacerse a un lado ante la irrupción de las nuevas tácticas bélicas aportadas por los estrategas norteamericanos comandados por Ike Eisenhower.
Una figura notable, un episodio capital en su carrera que servirá para mostrar las luces y las sombras del personaje; estas parecen ser las constantes del biopic moderno y Teplitzky se inscribe en esta tendencia para desarrollar su película. Churchill es una cinta de actor con la que tiene ocasión de lucirse Brian Cox, y también la brillante Miranda Richardson, que, como la esposa del mandatario, desempeñará un papel secundario pero decisivo en el desarrollo de los acontecimientos. Pero, tan importante como el trabajo de los actores, lo es igualmente la labor del director. Teplitzky utiliza a Churchill como falsilla con la que abordar temas más universales: la responsabilidad histórica, el peso del tiempo, la necesidad de asumir que ya no se está en primera línea y hay que adaptar nuestra identidad a ello… Y el director usa el lenguaje de la imagen para mostrarlo. Su puesta en escena por momentos toma cariz operístico, coloca a sus personajes en el marco de colosales escenarios en los que resalta la pequeñez de lo humano frente a los imponderables, casi como en los cuadros de Friedrich. Escenas que contrastan con las más íntimas en las que los espejos tienen mucho que decir, no en vano el protagonista atraviesa ese momento en el que debe asumir un rol distinto al que ha marcado su carrera, la imagen que le refleja ya no es reconocible, su personalidad ha de readaptarse a lo que el tiempo le exige. Teplitzky, por último, nos trae una reflexión sobre la necesidad de la leyenda y la fe para fundamentar nuestra existencia en el mundo, las figuras históricas deben cumplir la función de elevar los ánimos del pueblo fundando sus creencias y construyéndose a sí mismos como modelos.
La guinda a este buen trabajo viene de la mano de Lorne Balfe, autor de un score minimalista, apoyado en los sintetizadores, que pondrá el tomo perfecto para esta fábula de luces y sombras. El punto de melancolía justo y necesario.
EL AMANTE DOBLE (L’amant double, François Ozon, 2017)
Francia/Bélgica. Duración: 107 min. Guion: François Ozon, Philippe Piazzo (Novela: Joyce Carol Oates) Música: Philippe Rombi Fotografía: Manuel Dacosse Productora: Mandarin Films / FOZ / Mars Films / Films Distribution / France 2 Cinéma / Scope Pictures / Canal+ / Ciné+ / France Télévisions / A Plus Image 7. Distribuida por Cohen Media Group [USA] Género: Drama
Reparto: Marine Vacth, Jérémie Renier, Jacqueline Bisset, Myriam Boyer,Dominique Reymond, Fanny Sage, Jean-Édouard Bodziak, Antoine de La Morinerie,Jean-Paul Muel, Keisley Gauthier, Tchaz Gauthier, Clemence Trocque,Guillaume Le Pape, Benoît Giros
Sinopsis: Chloé (Marine Vacth) es una joven frágil que se enamora de su psicoterapeuta, Paul (Jérémie Renier). Unos meses más tarde, cuando se van a vivir juntos, ella descubre que su amante le ha ocultado una parte de su identidad, con la que Chloé se obsesionará.
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François Ozon continúa desarrollando sus obsesiones por el sexo más enrevesado. Si en Joven y bonita (Jeune & jolie, 2013) introdujo a su, todavía adolescente protagonista interpretada también por Marine Vacth, en un torbellino de experimentación, ya no con el sexo, sino directamente con la prostitución, en El amante doble nos la presenta con serios problemas psicológicos protagonizados por la figura del doble, el Doppelgänger, como protagonista absoluto de la trama.
Visualmente aséptica, fría como su protagonista, este thriller psicológico con grandes dosis de erotismo cuenta, para interpretar al doble personaje masculino, con un actor con el cual ya había trabajado el director con anterioridad, Jérémie Renier, al que pudimos ver Amantes criminales (Les amants criminels, 1999) y Potiche, mujeres al poder (Potiche, 2010). El actor, quien se dió a conocer con tan sólo 15 años gracias a las películas de los hermanos Dardenne, interpreta de forma impecable el papel de psicoterapeuta y amante de Chloe, abordando con ello, una historia de dobles, de engaños y de deseos. El director que gusta, al parecer, de contar con veteranas damas de la interpretación ha contado en esta ocasión con Jacqueline Bisset, que interpreta un tan corto como agradecido papel.
La película, inspirada libremente en la novela Vidas gemelas, escrita por Joyce Carol Oates bajo el seudónimo de Rosamond Smith, se presentó en la Sección Oficial del último Festival de Cannes, certamen que Ozon conoce bien tras haber presentado, años atrás Swimming Pool (2003) y Joven y bonita (Jeune & jolie, 2013). La tensión psicológica y sexual que respira El amante doble y la maestría de Ozon a la hora de mostrar en pantalla realidad y fantasía, harán volar la imaginación de cualquier espectador en una película tan osada como impactante que quizás abusa de preciosismo en sus imágenes y de la representación simbólica del espejo.
THE LIMEHOUSE GOLEM (Juan Carlos Medina, 2017)
UK. Duración: 105 min. Guion: Jane Goldman (Novela: Peter Ackroyd) Música: Johan Söderqvist Fotografía: Simon Dennis Productora: Number 9 Films Género: Thriller
Reparto: Bill Nighy, Olivia Cooke, Douglas Booth, Daniel Mays, Eddie Marsan,María Valverde, Sam Reid, Morgan Watkins, Adam Brown, Peter Sullivan,Amelia Crouch, Damien Thomas, Mark Tandy, Michael Jenn, Simon Meacock
Sinopsis: Londres, 1880. En la barroca sala de música donde sube al escenario el intérprete más famoso de la capital, Dan Leno (Douglas Booth). En su monólogo cuenta el horrible destino de una joven que actuaba en ese escenario, su querida amiga Elizabeth Cree (Olivia Cooke), quien se enfrenta a ser ejecutada en la horca acusada de asesinar a su esposo, John Cree (Sam Reid). La muerte de Lizzie parece inevitable, hasta que el inspector John Kildare (Bill Nighy) se hace cargo del caso de The Limehouse Golem, un asesino en serie nefasto y calculador, que mata inocentes sin ninguna conexión, dejando tras de sí cadáveres apenas identificables y una marca: «M». Nada es lo que parece, todo el mundo es sospechoso y tiene un secreto.
Limehouse Golem, película de clausura de la pasada edición del Festival de Sitges, es una cinta ambientada en la época victoriana con asesino suelto, en esta ocasión, en el barrio londinense de Limehouse. El caso será encargado a un fino sabueso, John Kildare de Scotland Yard (un magnífico Bill Nighy), Sherlock Holmes caído en desgracia entre sus compañeros y superiores por su homosexualidad. Kildare tendrá que abordar este complejo caso que tendrá como telón de fondo el mundo de las variedades. Una intriga bien trazada, interpretada y narrada, con un exquisito diseño de producción y una sugerente iluminación.
Su director, Juan Carlos Medina, que ya nos ofreció en 2012 la muy interesante Insensibles, con la que debutó, adapta el bestseller de Peter Ackroyd Dan Leno and the The Limehouse Golem, un relato gótico que mezcla la investigación por descubrir la identidad de un asesino en serie con el juicio a una joven actriz de musical acusada de envenenar a su marido. El libro cautivó al productor Stephen Woolley (Juego de lágrimas, Carol), quien trabajó durante 15 años en el proyecto para que saliera a la luz. La guionista es Jane Goldman (La mujer de negro, Kingsman: Servicio Secreto), auténtica fanática de la novela.
Para el director, «The Limehouse Golem es un ingenioso ‘whodunit’. El viaje para descubrir el asesino es tan fascinante e intrigante como el hecho de saber quién es en realidad. Ese era el reto: convertir esa investigación en algo hipnótico y fascinante. Quería que el espectador se comprometiera sensorial y emocionalmente con la historia”.
LA ESCALA (Voir du pays, Delphine y Muriel Coulin, 2016)
Francia/Grecia. Duración: 102 min. Guion:Delphine Coulin, Muriel Coulin Fotografía: Jean-Louis Vialard Productora: Archipel 35 / Blonde Audiovisual Productions / Arte France Cinéma Género: Drama
Reparto:Soko, Ariane Labed, Ginger Romàn, Karim Leklou, Robin Barde, Damien Bonnard,Andreas Konstantinou, Jérémie Laheurte, Sylvain Loreau, Alexis Manenti,Kostis Maravegias, Makis Papadimitriou
Sinopsis: Dos jóvenes mujeres militares, Aurore y Marine, regresan de Afganistán. Junto con su sección, van a pasar tres días en un hotel de cinco estrellas en Chipre, entre turistas de vacaciones, para disfrutar de lo que el ejército llama una ‘cámara de descompresión’ para ayudarles a ‘olvidar’ la guerra. Sin embargo, no es tan sencillo deshacerse de la violencia…
Mejor guión en Cannes (A Certain Regard), La escala muestra un novedoso punto de vista sobre los conflictos bélicos y de como afectan estos a los soldados. Dirigida y escrita por las hermanas Coulin, es una magnífica y realista obra antibélica que no necesita recurrir a soflamas y en la que no veremos ni un solo tiro. La acción se desarrolla desde el punto de vista de dos mujeres soldado, que además de plantearse el por y para qué luchan, deberán enfrentarse, junto a todos sus compañeros, a esa ‘descompresión’ que mediante realidad virtual, les hará enfrentarse a los traumas adquiridos en combate.
Rabia y frustración rodeadas de lujo, alcohol y música sofocante y alienante en un resort de cinco estrellas que es casi como otro planeta con ellos ejerciendo de cosmonautas y en donde descubrirán que además de los enemigos que les marcan sus superiores, los tienen también entre sus compañeros varones, que nunca las considerarán unas iguales y que no dudarán en abusar de ellas demostrando que la milicia es ‘cosa de hombres’. Como, al parecer, todo lo demás.
El cine en zapatillas: Pesadilla en la playa (La spiaggia del terrore, Umberto Lenzi, 1972)
Como ya dijimos en el anterior post sobre las novedades de Regia Films, con semejante calor nada se antoja más apetecible que servirse una bebida helada y plantarse (aire acondicionado/ventilador mediante) ante la pantalla para ver cualquiera de los dos veraniegos lanzamientos que Regia ha editado dentro de su prolífica e imprescindible ‘Colección Cinema Giallo‘: Trópico de cáncer (Al tropico del cancro, Giampaolo Lomi y Edoardo Mulargia, 1972), de la que ya hablamos aquí y Pesadilla en la playa (La spiaggia del terrore, Umberto Lenzi, 1988). Dos cintas bien diferentes pero con puntos en común: caradura, despiporre, diversión y muchos ingredientes más que harán las delicias del cinéfago más exigente. Vamos con la segunda:
PESADILLA EN LA PLAYA (La spiaggia del terrore/Nightmale Beach, Umberto Lenzi, 1988) Editada en DVD por Regia Films
Italia/USA. Duración: 87 min. Guion: Umberto Lenzi, Vittorio Rambaldi, James Justice Música: Claudio Simonetti Fotografía: Antonio Climati Productora: Elpico Cinematografica / Laguna Films Género: Terror Formato Pantalla: 1,85:1 (16/9) Anamorphic Widescreen Audio: Castellano, Italiano, Inglés Subtítulos: Castellano (x2)
Reparto: Nicolas De Toth, Sarah Buxton, Rawley Valverde, Lance LeGault, Michael Parks,John Saxon
Sinopsis: Diablo, el jefe de una banda de motoristas, es ejecutado por el asesinato de Julia, la hermana de Gail (Sarah Buxton). Unos meses después, durante las vacaciones de Pascua, conocidas como Spring Break en Norteamérica, los jugadores de fútbol americano Ronnie (Rawley Valverde) y Skipp (Nicolas De Toth) llegan al lugar vacacional donde ocurrió el crimen y la posterior ejecución. Ambos conocerán a Gail, pero al poco tiempo Ronnie desaparecerá coincidiendo con una serie de horribles asesinatos cometidos por un enigmático motorista. Skipp, con la ayuda de Gail, tratará de averiguar qué se ha hecho de Ronnie e investigará a la antigua banda de motoristas de Diablo y al perverso jefe de policía local Stryker (John Saxon).
«Inmediatamente me encontré en desacuerdo con el productor americano porque sentí que la historia era similar a mi Sette Orchidee Macchiate di Rosso. Por esta razón decidí, incluso antes de que el rodaje comenzara, que mi nombre no apareciera. Welcome to Spring Break debería ser considerado el trabajo de Harry Kirkpatrick, un guionista muy agradable que vivía en Florida y con el que me llevé muy bien.».(1)
Mal empezamos si el propio director reniega de su película atribuyéndola a un director -y guionista- ficticio que tan solo es otro de los diversos seudónimos del director italiano. Y mal continuamos si declara, además, que es un guión similar a otro rodado por el propio Lenzi en 1972. (2) Mal o… no tanto, pues en Pesadilla en la playa, como pueden suponer, lo de menos es el guión.
Jovenzuelos y jovenzuelas alocados bailando en las calles con escuetos trajes de baño como si no hubiera un mañana; diálogos estúpidos; playa; descerebre; concurso de miss camiseta mojada; neuronas en número inversamente proporcional a las abundantes feromonas que circulan en el ambiente…; todo esto es el spring break en Florida, las vacaciones de primavera. Y es en el penal de ese lugar y en plena juerga estudiantil donde es ejecutado en la silla eléctrica el pandillero ‘Diablo’, mientras su banda de motoristas hace guardia en el exterior del presidio. El enfrentamiento entre los jóvenes, limpios y borrachos estudiantes y los sucios y asociales motoristas está más que cantado. Pero todo se complica aún más para las corruptas autoridades cuando el cadáver de ‘Diablo’ desaparece de la tumba donde estaba enterrado y un extraño motorista comienza a electrocutar jovencitos mediante diversos procedimientos. Ya tenemos pues asesino misterioso en este híbrido más cercano al slasher que al giallo, todo sea dicho, aunque con elementos en común con ese subgénero transalpino, como ese asesino cuya identidad descubriremos al final y que resultará ser el más absurdo, por supuesto.
De hecho Pesadilla en la playa es casi una parodia en sí misma, con actores de derribo interpretando un guión ridículo jalonado de efectos especiales de baratillo en la cual los productores no se han complicado mucho la existencia a la hora de contratar jóvenes, pues está rodada en plena temporada de vacaciones de primavera, así que las playas estaban repletas de carnaza. Entre los WTF que podemos encontrarnos, figura la escena en la que unos jóvenes de noche en la playa bailan y cantan alrededor de una fogata mientras uno de ellos toca la guitarra ¡eléctrica!; tatuajes realizados con bolígrafo; actores inexpresivos; rodaje en descampados… Sin olvidar el duro trasfondo de crítica social que no duda en denunciar las corruptelas de absolutamente todos los estamentos del pueblo: el alcalde, que pretende ocultar los asesinatos para que no afecten a la temporada vacacional, para lo que contará con la colaboración del policía y el médico. De entre los poderes fácticos tan solo parece salvarse el párroco…
Los actores, con excepción de John Saxon que ejerce, una vez más, de duro policía del lugar y Michael Parks, que encarna a un médico alcohólico, son absolutamente de derribo. El protagonista masculino, Nicolas de Toth, decidió finalizar su naciente carrera como actor con este film, prosiguiendo su trayectoria en el mundo del cine desde detrás de las cámaras haciéndonos, con ello, un favor a todos los amantes del cine. Mientras que Sarah Buxton, la actriz principal, ha proseguido actuando desde que fuera descubierta a los 15 años por un cazatalentos, aunque eso sí, sin nada que destaque en su filmografía. Por si eso fuera poco, la actriz ya había coincidido con los productores y parte del equipo de Pesadilla en la playa en Rage- Furia primitiva, otro (sub)producto de terror dirigido por Vittorio Rambaldi basado en un guión escrito por Harry Kirkpatrick ¿les suena?
¿Lo mejor de Pesadilla en la playa? Posiblemente el póster. Y también el sabor a caradura que exhala por todos sus poros y que la convierten en un perfecto placer culpable con el que pasar un buen rato, especialmente en grupo, gracias a sus enormes dosis de humor involuntario.
(1) Declaraciones de Lenzi en PALMERINI, Luca M. y MISTRETTA, Gaetano, Spaghetti Nightmares, Fantasma Books, 1996. Pág. 70
(2) Siete orquídeas manchadas de rojo (Sette orchidee macchiate di rosso, Umberto Lenzi, 1972) disponible también en la ‘Colección Cinema Giallo’ de Regia Films.
Brigadoon 2017: Importantes presencias en uno de los más potentes Brigadoon de los últimos años.
El actor Tony Isbert recibirá el Premi Nosferatu, y la sección proyectará algunos títulos de su carrera, entre los que se encuentra la inédita ‘El espectro de Justine’
El estreno de The Song of Solomon, uno de los films de terror más extremos de los últimos años; un homenaje a dos grandes figuras del fantástico que nos han dejado durante este año, la actriz Terele Pávez y el director George A. Romero; un focus documental del fantástico realizado en Panamá, y una retrospectiva de la obra del actor Tony Isbert, Premi Nosferatu 2017, conforman las líneas maestras de la programación del espacio Brigadoon.
Hijo de María Isbert, y nieto de Pepe Isbert, Tony Isbert entra en contacto con el mundo de la interpretación desde una temprana edad. Sus primeros créditos los encontramos en la serie de televisión Historias para no dormir, y desde entonces, su relación con el fantástico se mantiene a lo largo de toda su carrera en films como La saga de los Drácula de León Klimovsky (1973), Nadie oyó gritar de Eloy de la Iglesia (1972) o La grieta de Juan Piquer Simón (1990). Además del Premio Nosferatu, Tony Isbert estará presente con varios films en la programación de la sección Brigadoon. Entre otros títulos podrán verse Tres días de noviembre, de León Klimovsky (1971) y El espectro de Justine, de Jordi Gig0; (1986), película inédita en nuestro país, tanto en cines como en formato doméstico.
Otra de las secciones destacadas en la presente edición del espacio Brigadoon es la dedicada a los estrenos. En ella podrán verse cintas como The Song of Salomon, de Stephen Biro, director y alma mater de la mítica Unearthed Films y que ahora dirige uno de los films más extremos de terror de los últimos tiempos; Los resucitados, la película que Arturo de Bobadilla empezó a rodar a mediados de los noventa y que, después de dos décadas, ve finalmente la luz. Los resucitados cuenta con un reparto estelar en el que destacan Santiago Segura, Antonio Mayans y Paul Naschy, entre otros. Paul Naschy, además, será protagonista por partida doble en Brigadoon, donde se presentará el libro Paul Naschy/Jacinto Molina: la dualidad de un mito, editado por Vial Books.
Siguiendo con los estrenos también podrán verse la primera película de terror de origen albanés en coproducción con Australia, Bloodlands, de Steven Kastrissios; The Terror of Hallow’s Eve, dirigida por Todd Tucker, responsable de los efectos de maquillaje de cintas como El hombre sin rostro o El curioso caso de Benjamin Button; el documental Culto al terror de Gustavo Leonel Mendoza; y Confession of Murder (2012), la primera película del coreano Jeong Byeong-gil, que presenta La villana (2017) en la Sección Oficial del Festival.
Brigadoon rendirá homenaje a dos figuras destacadas del fantástico nacional e internacional que nos han dejado a lo largo del presente año: por un lado se proyectará Las brujas de Zugarramurdi, que rendirá homenaje a la gran Terele Pávez (Premio Nosferatu 2016), en una proyección que contará con la presencia de Álex de la Iglesia y Carolina Bang; y por otro lado, podrá verse Los ojos del diablo, película dirigida por Dario Argento y George A. Romero. Una proyección donde se rendirá homenaje al realizador estadounidense y que contará con la presencia del mítico director italiano Dario Argento.
Los cortometrajes también serán protagonistas de la sección. En la presente edición destacan el Focus Cortometrajes Fantástico Panamá, una selección de diversos trabajos en formato corto que van desde la década de los ochenta hasta la actualidad; y The Final Girls Present: We Are the Weirdos, selección de cortometrajes del colectivo inglés The Final Girls: agrupación cinematográfica con sede en Reino Unido dedicado a explorar las intersecciones del cine de género y el feminismo.
Para finalizar, como ya es habitual, la tradicional Sitges Zombie Walk tendrá lugar el primer sábado del Festival, que será el 7 de octubre y que volverá a llenar la ciudad de zombis llegados de todas partes.
Bruceploitation, terror catódico y perros callejeros: Applehead Team presenta sus novedades
La editorial Applehead Team afronta el último trimestre de 2017 con un cambio de imagen corporativa, pero no de rumbo: tras unos meses cogiendo fuerzas ante todo lo que está por llegar, ahora presenta en público los tres libros que se unirán de manera más inmediata a su catálogo. Además, potenciando su apuesta por el ensayo dedicado al cine (algo que ha sido y será el puntal de la editorial, aunque seguirá publicando ocasionalmente obras de ficción), estrena un lema que resume una ideología y unas intenciones: “El cine que siempre has querido leer”.
Estos son, en orden de publicación (con fechas que se irán desvelando próximamente) los tres volúmenes:
AL CAER LA NOCHE: TERROR CATÓDICO AMERICANO 1970-1981
Autor: Tonio L. Alarcón.
Prólogo: Jesús Palacios.
Colección: Cineclub Applehead.
Tonio L. Alarcón nos entrega un ambicioso e innovador estudio sobre el apasionante cine de terror que, entre los años 1970 y 1981, se produjo para la televisión norteamericana. Títulos míticos como El estrangulador de la noche y La oscura noche del espantapájaros —que en España conocimos en las emisiones de Estrenos Tv—, El diablo sobre ruedas, El misterio de Salem’s Lot… Un viaje que también recupera películas menos populares, pero que, durante los años 80, seguramente disfrutamos en sus pases de fin de semana o incluso en ediciones en vídeo que podíamos encontrar en el videoclub.
Al caer la noche: Terror catódico americano 1970-1981, que cuenta además con un prólogo de Jesús Palacios, recoge una época fascinante para el cine de terror y para la televisión, examinada por Tonio L. Alarcón con la agilidad y el rigor que lo caracteriza. Por el libro desfilan figuras como Dan Curtis, John Llewellyn Moxey, Steven Spielberg, Richard Matheson, Curtis Harrington, John Badham, Wes Craven, John Carpenter y Tobe Hooper, entre muchas otras, lo que convierte este volumen en una obra necesaria para cualquier aficionado al cine de género.
BRUCEPLOITATION: LOS CLONES DE BRUCE LEE
Autor: Iván E. Fernández Fojón.
Colección: La Generación del Videoclub.
Tras el fallecimiento de Bruce Lee, las salas de los años 70 recibieron un aluvión de producciones protagonizadas por “clones” del Pequeño Dragón: actores con nombres como Bruce Li, Bruce Lai, Bruce Le, Bronson Lee y Dragon Lee emulaban los gestos de la estrella desaparecida y llenaban los bolsillos de productores sin escrúpulos. Alguna de estas películas rehacían los argumentos de la filmografía del astro de Hong Kong o bien explotaban su biografía. Otras abrazaban directamente el delirio: en El dragón ataca, por ejemplo, desfilaban Drácula, James Bond, Clint Eastwood, El exorcista, Emmanuelle, Vito Corelone, Laurel y Hardy… Incluso uno de los coreógrafos de Lee, Sammo Hung, se reiría del fenómeno —desde el cariño y la admiración hacia Lee, eso sí— en Le llamaban… Dragón gordo.
Iván E. Fernández Fojón, especialista en cine asiático y de artes marciales y redactor en revistas como Dragonz y Acción Cine-Vídeo, profundiza en esta moda cinematográfica con todo lujo de detalles, consiguiendo un libro pionero en nuestro país que Applehead Team publica dentro de su colección La Generación del Videoclub (donde ya aparecieron ensayos sobre Cannon Films, la IFD y la Filmark).
Bruceploitation: Los clones de Bruce Lee es un trabajo recomendable tanto para los amantes del cine de artes marciales como para los interesados en el exuberante y provocador mundo del cine de explotación.
GOMA-2: EL CINE EXPLOSIVO DE JOSÉ ANTONIO DE LA LOMA
Autor: Javier Ikaz.
Colección: Made in Spain.
Javier Ikaz, uno de los creadores del fenómeno Yo fui a EGB y autor de Disparate Nacional: El cine de Mariano Ozores, nos entrega el primer libro dedicado a José Antonio de la Loma, uno de los directores españoles más taquilleros de finales de los años 70 y los años 80. Conocido como el padre del cine “quinqui”, de la Loma cultivó el thriller y el cine de acción, trabajó con estrellas internacionales y retrató las miserias de la España posfranquista.
Goma-2: El cine explosivo de José Antonio de la Loma ofrece un acercamiento honesto y emocionante a un cineasta a reivindicar, guionista de diversos filmes –westerns, cintas de Lucio Fulci y Antonio Margheriti…– y autor de treinta películas, algunas tan populares como Yo, “el vaquilla”, Goma-2, Perros callejeros y Nunca en horas de clase. Todas ellas son reseñadas en un volumen indispensable para los interesados en el cine popular producido en España, publicado por la editorial Applehead Team dentro de su colección Made in Spain.
También, como nexo de unión entre todos los trabajos publicados hasta la fecha y los que saldrán a la luz durante esta nueva etapa, Applehead Team presenta un vídeo donde se resume todo ello y ofrece al público pistas sobre cuáles serán los temas que ocuparán las páginas de sus siguientes volúmenes.
Proyección de cortometrajes de Juan Carlos Olaria
Retrospectiva especial de Juan Carlos Olaria
Avinguda Mare de Deu de Montserrat 5-11
Barcelona
La Filmoteca de Madrid abre su… ‘Sala B’
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Inaugurada ‘Memòria del fantàstic’ muestra de materiales históricos del Festival de Sitges
La 50a edición del Festival de Sitges está cada vez más cerca. La agenda de actividades especiales conmemorativas del cincuenta aniversario no se detiene y este martes, 5 de septiembre, el Reial Cercle Artístic de Barcelona inauguró la exposición Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya. 1968-2017: Memòria del Fantàstic.
Diarios, programas de mano, carteles, libros, catálogos, cuadros y documentación en general conforman y conectan la memoria histórica de 50 años de Festival; una efeméride clave para recuperar un archivo esencial con el objetivo de comprender y visualizar su historia. La muestra, comisariada por Diego López, estará en el Reial Cercle Artístic del 5 al 24 de septiembre y se trasladará a Sitges durante el mes de octubre, donde se podrá visitar en el Centre Cultural Miramar entre los días 5 y 22.
(Foto: X)
El evento estuvo presentado por Àngel Sala, director del Festival, y Diego López, programador del Festival y responsable de la sección Brigadoon. A continuación, se proyectaron los cortometrajes Waste, de Laura Sisteró y Alejo Levis; New Madrid, de Natalia Marín; The Inksect, de Pablo Calvillo; Añadir contacto, de David Oeo; Into the Mud, de Pablo Pastor, y Arcana, de Jerónimo Rocha. Todos ellos participaron en la edición pasada del Festival.
Por su parte, la exposición El cinema és fantàstic, ubicada en la Filmoteca de Catalunya desde el pasado 22 de junio, finalizará el 17 de septiembre y también se podrá ver en el Centre Cultural Miramar de Sitges entre el 5 y el 22 de octubre.
Ambas, unidas en una sola durante el festival de Sitges, conformarán un completo recorrido por la historia del festival, con paneles explicativos que repasan cronológicamente, año tras año, las efemérides y los eventos más significativos. Todo ello rodeado por originales de carteles, correspondencia del festival con personalidades de la talla de Mojica Marins, Jorge Grau o Terence Fisher, entre muchos otros. Destacando un poco o nada visto original de Pierrot, autor de tres de los más originales carteles del festival, así como antiguas entradas, bonos y un buen puñado de imágenes.
Un viaje imprescindible con el que celebrar estos 50 años de buen cine.
ÁLBUM FOTOGRÁFICO (Fotos: Xavi Sánchez Pons y Felix Cárdenas)
(Foto: Felix Cárdenas)
Dos de los originales para carteles que pueden verse durante la exposición. (Foto: FC)
Una antigua placa promocional del establecimiento ‘Sitges Foto Film’ propiedad del creador y primer director del certamen, Antonio Ráfales (Foto: Xavi S. Pons)
Documentos de visitantes e invitados ilustres al festival. En este caso Terence Fisher, jurado de una edición…(Foto: XSP)
Posters de Pierrot, siempre presentes cuando se hace un recorrido histórico por Sitges (Foto: FC)
… al igual que el legendario Forrest J Ackerman. (Foto: XSP)
También rarezas y curiosidades como este programa de un festival paralelo que organizó Antonio Rafales cuando el suyo pasó a otras manos… El programa, como puede verse, está dibujado también por el director del certamen. (Foto: XSP)
Y dos de las muchas y curiosas fotos que podemos ver. En esta primera uno de esos atípicos encuentros que se producen durante el festival: Frank Braña, Joe Spinell y Jean Rollin…(Foto:XSP)
… o esta simpática imagen de Peter Jackson y Diana Peñalver en 1992 presentando ‘Braindead'(Foto: XSP)
Tarjetas postales de los diferentes certámenes…¡Puro objeto de colección! (Foto: FC)
La exposición ‘Memòria del fantàstic’ podrá visitarse del 5 al 24 de septiembre en el Reial Cercle Artístic de Barcelona
(C/ dels Arcs, 5, Barcelona)
y después, junto a ‘El cinema es fantàstic’ , en el Centre Cultural Miramar de Sitges entre el 5 y el 22 de octubre
Nace Lychee Film Festival – Festival de Cine Chino de Barcelona
El 15 de septiembre comienza LYCHEE FILM FESTIVAL, el primer festival de cine chino de Barcelona. Con la intención de convertirse en el festival de referencia sobre la cinematografía china en nuestro país, LYCHEE FILM FESTIVAL inicia su recorrido en Barcelona.
La temática principal de la primera edición es el Soft Kung Fu · New Wu Xia, género al que pertenecen joyas como Tigre y Dragón de Ang Lee y Hero y La casa de las dagas voladoras de Zhang Yimou.
Con una selección de más de 20 películas entre largometrajes de ficción, documentales y cortos de animación, el Lychee Film Festival encara su primera edición en España buscando romper estereotipos y promocionar la floreciente y ecléctica industria cinematográfica china.
El certamen cuenta con tres secciones: una centrada en la animación y formada por diferentes cortometrajes, otra con el foco en las producciones más recientes del país y una tercera dedicada a la temática Soft Kung Fu · New Wu Xia, un género muy popular caracterizado por su ambientación histórica, las luchas con espadas y sus pinceladas melodramáticas.
XU HAOFENG
Dentro de esta última sección se rendirá homenaje al cineasta Xu Haofeng con sus tres primeras películas: El maestro, La identidad de la espada y El arquero, todas ellas éxitos comerciales en su país.
Considerado por algunos críticos como uno de los maestros del New Wu Xia, Xu Haofeng se ha encargado del guión de la última película de Wong Kar Wai The grandmaster por la que obtuvo una nominación a los Asian Film Awards. Su última película, The Hidden Sword, se ha presentado recientemente en el Festival de cine de Montréal. Xu Haofeng estará presente en el Lychee Film Festival para presentar sus películas, moderar un Lychee Talks y conducir una charla sobre los secretos de su última película y del género Wu Xia.
La primera edición del Lychee Film Festival presentará algunas películas inéditas en nuestro país que han pasado por los festivales de Cannes, Berlín y Venecia, a la vez que recupera piezas como Kaili Blues de Bi Gan (vista en el D’A Film Festival) y destaca la poética Blind Massage de Lou Ye, vista en el festival de Berlín, Chongqing Hot Pot de Yang Qing y Agosto de Zhang Dalei. Además, se realizará una proyección especial del cortometraje Los hedonistas, última producción de Jia Zhangke que formó parte de la sección oficial del festival de Locarno Horizons 2016.
LYCHEE TALKS
Además, el festival cuenta con una serie de actividades que tienen la finalidad de convertir el certamen en una plataforma para el intercambio intelectual y artístico entre China y España. Destacan las Lychee Talks, charlas con profesionales que han trabajado en la industria cinematográfica del país. Algunos de los ponentes son el ya mencionado cineasta Xu Haofeng, la directora y guionista Isabel Coixet y el productor, actor y director de arte Wang Hongwei, estrecho colaborador del director Jia Zhangke (Un toque de violencia, Más allá de las montañas).
Otras actividades paralelas son la Lychee Night – un cóctel de cine, un evento de networking que tendrá lugar en la Planta Noble de la casa Batlló, y La flor del lychee una charla con Manel Ollé y Ricard Planas (profesores de la universidad Pompeu Fabra especializados en la cultura china) que tendrá lugar en una de las sedes de FNAC y contará con participación de la tetería asiática Tetere.
La primera edición del Lychee Film Festival se inaugurará el viernes 15 de septiembre en el espectacular cine Phenomena con el filme de 2015 El maestro de Xu Haofeng. Las demás películas del festival se proyectarán en los cinemes Texas al precio de 3 euros en taquilla. La clausura, a cargo del clásico de culto de 1971 A touch of Zen de King Hu, será en la Filmoteca de Catalunya. Una selección de cortos animados para un público reducido será proyectada en la Casa Batlló mientras que les Cotxeres de Sants acorgerá algunas proyecciones al aire libre.
El director del Lychee Film Festival Lin Yu y todo su equipo trabaja para que el festival se conciba como un puente entre la industria cinematográfica española y la china, la cual está creciendo exponencialmente en estos últimos años y demuestra una gran variedad, lejos de los estereotipos e imágenes preconcebidas por occidente.
Para más información sobre el festival visita: http://www.lycheefilmfestival.com/
Editorial Hermenaute presenta los libros que vendrán: Haneke, Navidades paganas y otros.
Estas son algunas de las novedades que Editorial Hermenaute tiene preparadas para el segundo semestre del año 2017 . La colección Janus verá dos nuevas publicaciones: la primera, dedicada al cineasta austríaco Michael Haneke, se editará en colaboración con el Festival de Cine de Terror de Molins de Rei; la segunda se titula Navidades paganas, e intenta desentrañar los orígenes más oscuros y las implicaciones más desconocidas de esta festividad. Además, Editorial Hermenaute está trabajando en una propuesta única y original para finales de año; que desvelará en el próximo festival de Sitges.
Michael Haneke. La estética del dolor VV. AA. (Colección Janus #3)
Libro oficial del Festival de Cine de Terror de Molins de Rei 2017.
Ensayo sobre la figura del cineasta austriaco Michael Haneke. Un repaso pormenorizado a la filmografía del director de Funny Games y La cinta blanca que incide en su vertiente más terrorífica y desestabilizadora para el espectador. Este libro se propone explorar los límites del horror a través de la figura de un director imprescindible para entender las sombras de la conducta humana y los resortes del horror cotidiano. Segunda colaboración consecutiva de Editorial Hermenaute con el Festival de Cine de Terror de Molins de Rei que en esta su 36 edición rinde tributo al cineasta bajo el leitmotiv «Haneke or The Edge of Horror». Michael Haneke. La estética del dolor es el libro oficial del festival decano de cine fantástico en el territorio español que se celabrará del 10 al 19 de noviembre de 2017. Este ensayo cinematográfico está coordinado por el director artístico del festival e historiador cinematográfico Albert Galera y prologado por el reconocido crítico de cine Carlos Losilla y que cuenta con los autores Gerard Fossas, Joan Domènech, Jaume Claver, Albert Galera, Txema Luzán y Javier Rueda.
Navidades paganas. Raíces y sombras de una liturgia VV. AA. (Colección Janus #4)
Navidades paganas es un ensayo que pretende desentrañar los orígenes de una fiesta con raíces en las mitologías orientales y en los ritos paganos del solsticio de invierno. Una festividad unida a antiguos dioses que nos hemos propuesto recuperar para nuestros lectores. Para ello retrocederemos a la antigua Mesopotamia, a Egipto y a las culturas clásicas, y explicaremos como sus múltiples fuentes cristalizaron en una nueva mitología en el rico crisol que fue Roma. También exploraremos los bosques del norte de Europa y sus oscuros inviernos, y de cómo sus tradiciones paganas acabaron por dar forma a los ritos que hoy en día asociamos con la Navidad: el árbol, las luces y los extraños seres que castigan a los niños.
Además, descubriremos porqué la Navidad enfrentó a la Iglesia Católica con los protestantes, hasta el punto de prohibirse en la Inglaterra del siglo XVII y agonizar como celebración en los doscientos años siguientes hasta que un grupo de intelectuales «conspiraron» para recuperarla, y convertirla finalmente en una construcción ligada al capitalismo y a la mercadotecnia.
Navidades paganas es un libro coordinado por la editora y periodista Marta Torres y escrito por Jorge Cano Cuenca, Alberto Ávila Salazar, Biel Figueras, Andrea Roche, Francisco J. Pérez y Marta Torres.
Fecha estimada de salida de las obras: noviembre.
Más información
http://www.hermenaute.com/docs/novedades_hermenaute.pdf
El Salón del Manga de Barcelona rinde homenaje a Jirō Taniguchi
En febrero de este año nos dejaba el mangaka Jirō Taniguchi, un autor genial y singular que construyó un puente entre el manga y el cómic europeo, formando parte de la llamada nouvelle manga. Es un autor conocido principalmente por sus historias cotidianas, a menudo contemplativas, reflexivas, e incluso con un aire 
melancólico. Pero su carrera ha cubierto todo tipo de géneros, pasando por las historias de detectives, el western, la ciencia ficción y, de forma bastante destacada, las historias basadas en la montaña. Su trazo y estilo narrativo son a día de hoy inconfundibles, y su virtuosismo gráfico lo ha convertido en un autor apreciado por todo tipo de lectores, llegando mucho más allá de las fronteras, a veces demasiado herméticas, del mundo del manga.
Taniguchi era consciente de la capacidad de su arte para llegar a un público amplio, y fue uno de los pocos autores que permitió que sus obras se publicaran en sentido de lectura occidental, en una época donde prácticamente nadie más lo hacía. También fue uno de los primeros mangakas en visitar Barcelona, concretamente en el año 1993 en el Salón Internacional del Cómic de Barcelona, que ese año estaba dedicado al fenómeno del manga que justo acababa de empezar. Con Barrio lejano (1996) obtuvo el premio a la Mejor Obra extranjera publicada en España en el Salón del Cómic de Barcelona de 2004. Jirō Taniguchi fue un autor prolífico y su obra ha sido publicada en nuestro país por Astiberri, Planeta Cómic y Ponent Mon.
Este año, el XXIII Salón del Manga de Barcelona rinde homenaje a Jirō Taniguchi dedicándole una exposición, situada en el pabellón 2.1 dentro del espacio El Espíritu del Japón, que se centrará en esta versatilidad de géneros y temáticas de la que hacía gala el autor. Teniendo en cuenta que ha creado historias gastronómicas, sobre un mundo post-apocalíptico, o historias fantásticas que pasan en museos o en pueblos japoneses remotos, es posible que haya un Taniguchi para cada lector. El objetivo de exposición es presentar al autor en todas sus vertientes.
El XXIII Salón del Manga de Barcelona se celebrará del 1 al 5 de noviembre, ocupando los pabellones 1, 2, 2.1, 3.1, 4 y 5 y Plaza Univers de Fira Barcelona Montjuïc.
La venta anticipada de entradas se realizará exclusivamente desde www.ficomic.coma partir del próximo 21 de junio.
El cine en zapatillas: Trópico de cáncer (Al tropico del cancro, Giampaolo Lomi, Edoardo Mulargia, 1972)
Con semejante calor nada se antoja más apetecible que servirse una bebida helada y plantarse (aire acondicionado/ventilador mediante) ante la pantalla para ver cualquiera de los dos veraniegos lanzamientos que Regia Films ha editado dentro de su prolífica e imprescindible ‘Colección Cinema Giallo’: Trópico de cáncer (Al tropico del cancro, Giampaolo Lomi y Edoardo Mulargia, 1972) y Pesadilla en la playa (La spiaggia del terrore, Umberto Lenzi, 1988) cuyo comentario pueden leer aquí. Dos cintas bien diferentes pero con puntos en común: despiporre, caradura, diversión y muchos ingredientes más que harán las delicias del cinéfago más exigente. Vamos con la primera:
TRÓPICO DE CÁNCER (Al tropico del cancro, Giampaolo Lomi y Edoardo Mulargia -como Edward G. Muller-, 1972) Editada en DVD por Regia Films (Colección Cinema Giallo)
Italia. Duración: 90 min. Guion: Giampaolo Lomi, Edoardo Mulargia, Anthony Steffen Música: Piero Umiliani Fotografía: Marcello Masciocchi Productora: 14 Luglio Cinematografica / Plata Cinematografica Género: Thriller
Formato Pantalla: 2,35:1 (16/9) Anamorphic Widescreen Audio: Castellano, Italiano – Subtítulos en Castellano
Reparto: Anthony Steffen, Anita Strindberg, Gabriele Tinti, Umberto Raho, Stelio Candelli,Kathryn Witt, Alfio Nicolosi
Sinopsis: Fred (Gabriele Tinti) y Grace (Anita Strindberg) son un matrimonio occidental que llega a Haití para unas supuestas vacaciones, pero en realidad el motivo del viaje es adquirir la fórmula de una nueva droga de estimulación sexual creada por el Doctor Williams (Anthony Steffen), antiguo amigo de Fred que reside en Puerto Príncipe desde hace años. Grace desconoce por completo el motivo real del viaje, y Fred no dejará de provocar situaciones sospechosas en su búsqueda oculta del potente afrodisíaco, provocando la atracción de Grace por un habitante local. Lo que Fred desconoce es que hay muchos más interesados en adquirir la fórmula de su antiguo amigo, y no dudarán en pasar por encima de quien haga falta para lograr su objetivo dejando un rastro de macabras muertes a lo largo de la paradisíaca isla…
Para alcanzar a entender la trama, recogida en la anterior sinopsis, hace falta que haya transcurrido gran parte de la película ya que, quien sabe si por guión, montaje o dirección, Trópico de cáncer resulta un embrollo ininteligible, un puñado de escenas que parecen no tener conexión unas con otras colocadas a lo loco pero que en conjunto hacen del visionado de esta película una experiencia fascinante. Y también divertida. Para intentar desentrañar este embrollo comencemos por los directores:
Giampaolo Lomi tan solo dirigió una película en solitario en 1975 (I baroni), pero formó parte del equipo de dos impactantes documentales como son Hombres salvajes, bestias salvajes (Ultime grida dalla savana, Climati y Morra) y sobre todo Adiós tío Tom (Addio zio Tom, 1971), el infame documental de los tunantes Jacopetti y Prosperi en el que ejerció de ayudante de dirección y que posiblemente le habilitó para rodar las bellas escenas captadas en Haití. No en vano se especifica al finalizar la cinta que, ‘las secuencias documentales son estrictamente auténticas en cada detalle‘.
Por su parte Edoardo Mulargia tiene un currículum mucho más extenso, sobre todo dentro del cine de género. Ya en su segundo trabajo, ¿Por qué seguir matando? (Perché uccidi ancora, 1965), un spaguetti western dirigido a medias con José Antonio de la Loma (¡!) decide firmar con el seudónimo Edward G. Muller, que también utilizará en Trópico de cáncer. Es en aquella película, rodada en régimen de coproducción con interiores filmados en Esplugas de Llobregat (Barcelona) y exteriores en Fraga (Huesca), donde coincide por primera vez con Anthony Steffen, protagonista de Trópico de cáncer y responsable, junto a los dos directores, de perpetrar el guión. Con Steffen el director rodará otros spaguetti western y las dos últimas películas de su carrera en 1980, El infierno de las mujeres (Femmine infernali) y Orinoco, paraíso del sexo (Orinoco: Prigioniere del sesso), ambas también coproducidas con España con prácticamente el mismo equipo y protagonizadas, además de por Steffen, por esa cuasi leyenda del cine de (trans)género que fue Ajita Wilson.
Ambientada en Haití, donde presumimos que los tres bribones pasaron unas felices vacaciones, Trópico de cáncer podría haber estado firmada por ese otro trotamundos que fue Joe D’Amato, por la fotografía, por estar rodada en un lugar exótico e incluso por figurar en su reparto un actor que será habitual en sus películas, Gabriele Tinti, algunas de las cuales protagonizó la que sería esposa del actor, Laura (Emanuelle negra) Gemser.
El interés femenino del reparto viene de la mano de Anita Strindberg, actriz sueca afincada en Italia cuyo nombre artístico anterior, Anita Edberg, resultó demasiado obvio incluso para el cine italiano, en el cual desembarcó formando parte del reparto de varios filmes remarcables, entre ellos La cola del escorpión (La coda dello scorpione, Sergio Martino, 1971), Una lagartija con piel de mujer (Una lucertola con la pelle di dona, Lucio Fulci, 1971) ¿Quién la ha visto morir? (Chi l’ha vista morire?, Aldo Lado, 1972) y Atormentada (L’uomo senza memoria, Duccio Tessari, 1974), todas ellas editadas por Regia dentro de esta misma colección.
Con estos mimbres y el permiso de las autoridades de Haití para rodar donde les plazca disponiendo de todos los extras sin remunerar que deseen, se consigue que Trópico de cáncer tenga una factura impecable. Suntuosos palacios, multitudinarias ceremonias vudú con sacrificio de animales… todo bellamente rodado con una magnífica fotografía que la calidad de la copia que nos ofrece Regia no hace más que resaltar. Y si a todo esto añadimos unas gotas de sexo y las enguantadas manos de un misterioso asesino que nos dejará asistir a sus obras por medio de la cámara subjetiva, nos da como resultado este giallo un tanto atípico en el cual escena tras escena, pasamos del desconcierto a la perplejidad. Con personajes que la noche antes estaban plácidamente compartiendo mesa y mantel, y en el siguiente plano protagonizan una persecución por las calles de Haití; cadáveres que aparecen sin sangre, algo cuyo motivo todavía está por explicar; escenas sin conexión aparente en una disparatada trama que parece no saber a donde quiere llevarnos o cómo; y de propina la extraña fascinación que un joven nativo despierta en la protagonista y cuya razón, de peso, se desvelará durante el extraño y alucinógeno sueño que tendrá al ser drogada por no sabemos quien. La película culminará con un final extremo y desaforado que convertirá su visionado en una experiencia inolvidable.
Como siempre, recomendamos ver las películas en versión original y aquí más encarecidamente aún si cabe, ya que en el doblaje se ha añadido una música que pervierte la magnífica banda sonora del prolífico Piero Umiliani.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 1 de septiembre de 2017 *
LA NIEBLA Y LA DONCELLA (Andrés M. Koppel, 2017)
España. Duración: 104 min. Guion: Andrés M. Koppel (Novela: Lorenzo Silva) Fotografía: Álvaro Gutiérrez Productora: Atresmedia Cine / Hernández y Fernández PC / Tornasol Films Género: Thriller
Reparto: Quim Gutiérrez, Verónica Echegui, Roberto Álamo, Paola Bontempi, Aura Garrido,Sanny van Heteren, Isak Férriz, Cristóbal Pinto, Santi López, Quique Medina,Beneharo Hernandez, Jorge Kent, Elena Di Felice Benito, Fernando Navas,Adrian Galvan
Sinopsis: No siempre las cosas son como parecen y a menudo, lo obvio no resulta ser lo real. Al sargento Bevilaqua le encomiendan la tarea de investigar la muerte de un joven alocado en la Gomera. Todo apuntaba a Juan Luis Gómez Padilla, político de renombre en la isla, al que un tribunal popular absolvió a pesar de la aparente contundencia de las primeras pesquisas. El sargento y su inseparable cabo Chamorro intentarán esclarecer este embrollado caso, con presiones políticas y con la dificultad añadida de intentar no levantar suspicacias al reabrir un caso que sus compañeros daban por cerrado.
El cine español ha estado ofreciendo de un tiempo a esta parte memorables thrillers que han animado a nuestras productoras a invertir en este género, repitiendo incluso, en varios de ellos, actores que parecen desenvolverse mejor en intrigas policíacas, como es el caso de Roberto Álamo, que tan buen sabor dejó en Que Dios nos perdone (2016) de Rodrigo Sorogoyen, papel que le supuso al actor los más importantes galardones del cine español (Goya, Feroz y Forqué), con los cuales premiaron su interpretación. Pero, lamentablemente, no depende tan solo del actor el que una película despierte el suficiente interés, como es el caso de La niebla y la doncella, debut en la dirección de Andrés M. Koppel basado en una exitosa obra de Lorenzo Silva que cuenta, además de con Álamo, con la participación de Quim Gutiérrez, Verónica Echegui, Aura Garrido o Paola Bontempi (que ofreció un do de pecho interpretativo en Ataúd de cristal), un elenco de lujo. Pues ni por esas. La niebla y la doncella, a pesar de algunos momentos en los cuales crea una atmósfera tensa, resulta algo confusa en su desarrollo, de tal forma que para cuando entendemos el quién y el porqué, ya había dejado de importarnos hacía rato. Lástima también haber echado a perder los bonitos escenarios canarios de la isla de la Gomera en los cuales se ha rodado.
REHENES (Mzevlebi, Rezo Gigineishvili, 2017)
Georgia/Rusia/Polonia. Duración: 103 min. Guion: Lasha Bugadze, Rezo Gigineishvili Música: Giya Kancheli Fotografía: Vladislav Opelyants Productora: 20 Steps Productions / Inkfilm / Nebo Film Género: Drama
Reparto: Merab Ninidze, Darejan Kharshiladze, Avto Makharadze, Tina Dalakishvili, Mikheil Gomiashvili
Sinopsis: Año 1983. Un grupo de jóvenes de Georgia pertenecientes a familias de la élite intelectual, intentan huir de la Unión Soviética secuestrando un avión.
Con un cuidado diseño de producción, que añade aún más realismo a esta cinta, Rehenes consigue intrigar ya desde su inicio, casi parece que el grupo de jóvenes protagonista está planeando un atentado. No es así, tan solo quieren abandonar su claustrofóbico país secuestrando un avión. No media ningún tipo de coartada política, no son revolucionarios, sólo quieren vivir en libertad. Necesitan huir del miedo a los comisarios políticos, de la corrupción que mina las instituciones (esos soldados que imponen maquinalmente las absurdas normas que les rigen, pero reclaman que compartan su tabaco americano), de tener que vivir a escondidas sus aficiones, huir incluso del temor contagioso de sus mayores. Todo lo que puede complicarse lo hará, bañando de sangre la operación fracasada.
Basado en un hecho real, la cinta de Rezo Gigineishvili va directa al estómago. La acción central tarda una hora en llegar mientras asistimos a los preparativos y, cuando llega, lo hace de la forma menos teatral posible, desnuda y liberada de todo artificio. Real. Una realidad triste, que no por conocida desde el prólogo de la cinta, deja de sumirnos a nosotros en su tristeza. La paleta que retrata la historia está dominada totalmente por las tonalidades frías, un color degradado que nos sumerge en la grisalla de aquella sociedad asfixiada por el poder soviético. Una grisalla que nos recuerda a la vez la que atravesamos nosotros mismos llena de fosas en las cunetas, nos recuerda la desazón de quienes ochenta años después todavía tienen que suplicar la justicia de la memoria histórica. Una justicia que nunca llega ni aquí ni allí.
Inteligente, creíble y bien interpretada, Rehenes es una de las raras películas de Europa del este que se estrenan en nuestras pantallas, y suponemos que lo hará en menos de las que se merece esta nueva apuesta de Karma Films por la calidad.
Serendipia
Proyecto Naschy 
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