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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 27 de octubre de 2017 *
EL TERCER ASESINATO (Sando-me no satsujin, Hirozaku Koreeda, 2017)
Japón. Duración: 124 min. Guion: Hirokazu Koreeda Fotografía: Mikiya Takimoto Productora: Distribuida por Toho/Gaga Corporation Género: Thriller
Reparto: Masaharu Fukuyama, Koji Yakusho, Suzu Hirose, Yuki Saito, Kotaro Yoshida,Shinnosuke Mitsushima, Izumi Matsuoka, Mikako Ichikawa, Isao Hashizume
Sinopsis: El conocido abogado Shigemori defiende a Misumi, acusado de robo con homicidio, que ya cumplió pena de cárcel por otro asesinato hace treinta años. Las posibilidades de que Shigemori gane el caso son escasas, ya que su cliente reconoce ser culpable, aunque esto probablemente signifique la pena de muerte. Pero a medida que desentraña el caso y escucha los testimonios del propio Misumi y de su familia, Shigemori empieza a dudar de la culpabilidad de su cliente.
Tras la brillante Nuestra hermana pequeña (Umimachi Diary, 2015) y la muy interesante Después de la tormenta (Umi yori mo mada fukakuaka, 2016), Hirokazu Koreeda vuelve a nuestras pantallas con este atípico drama judicial cuya resolución dejará en manos del espectador. Protagonizado por Masaharu Fukuyama, que en su papel de abogado defensor del presunto asesino, encarnado por el prestigioso Kôji Yakusho, nos representará también a nosotros, junto a él intentaremos responder a todas las preguntas sobre este caso: si realmente su cliente ha cometido este tercer crimen tras cumplir 30 años de prisión por asesinar a dos hombres o, en caso de haberlo hecho, los motivos que podrían haberle llevado a ello, pues su defendido cambia constantemente la versión de los hechos.
Koreeda, que cuenta también con la colaboración de Suzu Hirose, joven actriz a la que el director dio la alternativa con Nuestra hermana pequeña, convertirá la investigación del abogado en una labor detectivesca, manteniendo la intriga y los interrogantes abiertos hasta el último plano y más allá, pues como hemos comentado tras exponer y darnos a conocer todos los hechos, el espectador deberá decidir qué versión del misterio se ajusta a la realidad, dejando un poso en el espectador que permanece activo tras el visionado de la película.
Pero Koreeda también hace que nos cuestionemos la validez que puede tener para la sociedad moderna la existencia de la pena capital y más allá de ello nos trae una reflexión sobre la difícil persecución por establecer la verdad de un hecho y los entresijos de la justicia legal en la que priman los intereses personales de letrados y jueces. Todo ello expuesto brillantemente con la cadencia reposada que caracteriza al cine oriental y una puesta en escena cuya sintaxis se revela con valor tanto narrativo como expresivo.
Tras su paso por la sección competitiva del Festival de Venecia, El tercer asesinato se presentó en la sección Perlas de San Sebastián, festival al que director nipón acude cada año a presentar sus trabajos de la mano de Golem; Still Walking/Caminando, Kiseki/Milagro, De tal padre tal hijo, Después de la tormenta o Nuestra hermana pequeña son algunos ejemplos de su filmografía vista en el festival donostiarra y estrenadas con éxito en nuestro país.
EN CUERPO Y ALMA (A teströl és a lélekröl, Ildikó Enyedi, 2017)
Hungría. Duración: 116 min. Guion: Ildikó Enyedi Música: Adam Balazs Fotografía: Máté Herbai Productora: Inforg-M&M Film Kft Género: Comedia dramática
Reparto: Morcsányi Géza, Alexandra Borbély, Ervin Nagy, Pál Mácsai, Júlia Nyakó,Tamás Jordán, Gusztáv Molnár, István Kolos, Annamária Fodor, Itala Békés,Vince Zrínyi Gál, Attila Fritz, Zoltán Schneider, Réka Tenki, Rozi Székely,István Dankó
Sinopsis: María comienza a trabajar como supervisora en un matadero de Budapest, pero pronto comienzan a surgir cotilleos y rumores sobre ella. Durante el almuerzo opta siempre por sentarse sola, y es consciente de sus deberes y obligaciones, con un estricto apego a las normas. Su mundo se compone de cifras y datos impresos en su memoria desde la primera infancia. Endre, su jefe, es un tipo tranquilo. Ambos empezarán a conocerse lentamente. Almas gemelas, se sorprenderán de compartir los mismos sueños. Con cautela, tratarán de convertir esos sueños en realidad.
Premios: Oso de Oro (Mejor película) Festival de Berlín . Mejor película Festival de cine de Sydney.
Una atípica y deliciosa historia de amor entre dos restos de serie, dos seres bien diferentes y, aparentemente, perdidos para el amor. Restos de naufragio. Uno de ellos, Endre (Géza Morcsányi) hastiado de la búsqueda, con varias cicatrices en su corazón y el otro, Márià (Alexandra Borbély), una introvertida y tímida superdotada con obsesión por el orden. Cauta, como un animal asustado. Ambos trabajan en la misma empresa, un matadero, y verán unidos sus destinos cuando averigüen que comparten (textualmente) los mismos sueños. Un hecho sobrenatural que adentra la narración dentro de los límites del fantástico, pero que servirá de excusa para que estos seres entablen una relación en una película que nos habla de soledad y de aceptar al diferente, y todo ello en un marco onírico pero a la vez tremendamente realista, sin rechazar mostrar al espectador algunas crudas escenas realizadas en el matadero, plenas de hemoglobina, que podrían molestar a los más mojigatos. También contiene unas agradecidas dosis de humor negro y humor a secas, sano, con el que reírse de los personajes y de sus manías y, porqué no, de nosotros mismos.
En cuerpo y alma supone el triunfal retorno a la dirección de Ildikó Enyedi, Cámara de Oro en Cannes en 1989 por su opera prima My 20th Century, tras 18 años de silencio cinematográfico, en los cuales ha seguido trabajando realizando diversas funciones relacionadas con el cine.
JERICÓ, EL INFINITO VUELO DE LOS DÍAS (Catalina Mesa, 2016)
Francia/Colombia. Duración: 78 min. Fotografía: Catalina Mesa Productora: Miravus / Saviadulce Género: Documental
Reparto: Cecilia Bohórquez, Manuela Montoya, Elvira Suárez,María Fabiola García, Luz Gonzáles, Licina Henao, Ana Luisa Molina
Sinopsis: Umbral entre documental y ficción, ‘Jericó, el infinito vuelo de los días‘ es un caleidoscopio de retratos íntimos de mujeres del pueblo de Jericó, en Antiquia, Colombia. A través de un itinerario sensible y musical se tejen los encuentros y las conversaciones entre ellas, de edades y condiciones sociales diferentes. Una a una se van revelando sus historias de vida, sus espacios interiores, su sentido del humor y su sabiduría. Facetas profundas y auténticas del espíritu femenino de nuestra cultura que celebran y preservan el patrimonio inmaterial colombiano.
¿Estamos ante un documental? No del todo pues los ‘actores’ están dirigidos, aunque no sus diálogos y conversaciones, totalmente improvisadas. En todo caso no nos encontramos ante un documental tipo bustos parlantes, muy al contrario, la directora, Catalina Mesa, no deja notar su presencia y nos muestra a estas mujeres en su entorno, haciendo lo que hacen habitualmente, cocinar, coser, ir a misa, pasear, hablar… actividades que dicen mucho también sobre ellas.
Jericó ‘El infinito vuelo de los días’ es una película de mujeres. De mujeres auto-suficientes. Ancianas, alguna de ellas centenaria, que nos hablarán de su vida. Y de la vida, en abstracto. De la fe católica que profesan profundamente. De hombres, claro, hombres que pasaron por su vida dejando surcos. De felicidad y de tristezas. Pero con el nexo de ser mujeres sabias, de diferentes extractos sociales, viajeras, cultivadas, beatas, analfabetas, y todas residentes en la pintoresca población colombiana de Jericó, lugar de ensueño en el que la vida parece recuperar su ritmo contemplativo.
La música también es importante en esta película, que además de como cortinilla para cambiar de protagonista, muestra el lugar y las costumbres y modos de vivir de estas señoras, que conservan mucha frescura y naturalidad ante la cámara, consiguiendo ignorarla en muchas ocasiones, como si no estuviera, ofreciendo momentos divertidos junto a otros tristes y de gran intimidad, en unos hogares impecables, que huelen a limpio, llenos de flores y de imágenes de santos, pero también de fotografías de los que ya no están.
Magníficamente montada, la deliciosa hora y cuarto de metraje de esta bonito crisol de vida que es Jericó se pasa en un suspiro: ¡Quién tuviera 40 años menos y un corazón vagabundo!
BLADE RUNNER 2049
Blade Runner 2049 (Denis Villeneuve, 2017)
USA Duración: 152 min. Guion: Hampton Fancher, Michael Green Música: Jóhann Jóhannsson, Hans Zimmer, Benjamin Wallfisch Fotografía: Roger Deakins Productora: Warner Bros. Pictures / Scott Free Productions / Thunderbird Films / Alcon Entertainment Género: Ciencia ficción
Reparto: Ryan Gosling, Harrison Ford, Ana de Armas, Jared Leto, Sylvia Hoeks,Robin Wright, Mackenzie Davis, Carla Juri, Lennie James, Dave Bautista, Barkhad Abdi, David Dastmalchian, Hiam Abbass, Edward James Olmos
Blade Runner 2049 tiene ante sí un reto nada envidiable. Naturalmente no el de hacer olvidar o superar a Blade Runner (Ridley Scott, 1982), pero sí el de ofrecer una historia y una película digna, que añada mitología a la cinta de Scott sin empañar el recuerdo de su tan innovadora película.
Y es que Blade Runner fue (y continúa siendo) una de las películas más influyentes de la historia del cine. Su filosofía y su estética cyberpunk ha transcendido formando parte del legado cultural del pasado siglo. Es una obra perfecta, a pesar de que su creador quisiera posteriormente retocar la del estreno. Perfecta y abierta a interrogantes, cuestiones e interpretaciones, como es natural y debe de ser en toda obra de arte. Así que estarán con nosotros en que realizar una secuela es un reto. Recientemente hemos podido ver la gran estafa que se ha realizado con Star Wars, que ha iniciado una nueva y ¿última? trilogía contentando a los fans más acérrimos a base de ignorar el sentido común ¿cómo? repitiendo la fórmula inicial aunque cambiando, más o menos, algunos elementos pero narrando, hasta en los últimos detalles, la misma historia que se contó en 1977. Un revolucionario fraude que ha parecido satisfacer a la mayor parte de los seguidores de la serie. Así que, en estos tiempos en los cuales se apuesta por el rédito inmediato, estaba cantado que en algún momento le tocaría a Blade Runner. Y ese momento ha llegado.
“Para mí, Blade Runner 2049 es una carta de amor a Blade Runner” confiesa Denis Villeneuve. El canadiense reconoce así su respeto por la obra de 1982 y su voluntad de poner su filme bajo la estela de aquel. Y es que el clásico de Scott repasaba una serie de preocupaciones sociales que han ido en aumento: el deterioro urbano, el cambio climático, la ingeniería genética, la sobrepoblación, la división social, los estratos económicos… Cuando estamos alcanzando ya el futuro que enunciaba la original (la acción se situaba en 2019) su discurso está más vigente que nunca, pero, si ello es así, no es sólo por su virtud anticipadora sino también por su enraizamiento en uno de los grandes motivos culturales de Occidente, la transgresión prometeica, la voluntad de traspasar las limitaciones humanas hasta elevarse a una condición casi divina. Expresa el anhelo de crear vida desde la nada. Así, la figura del replicante es una nueva máscara del nuevo Prometeo encadenado shelleyniano, un ser creado por el hombre a su semejanza y del que los humanos adjuran cuando su potencial les convierte en amenaza, una criatura que enfrentará a su creador por haberle dado forma y, a la vez, haberle condenado a ser visto como un monstruo. El replicante, como Frankenstein, nos enfrenta a la pregunta sobre qué es lo que nos hace humanos. Blade Runner no era simplemente una distopía a través de la que advertir de los males sociales presentes, era (y es) un cautivador drama sobre la humanidad.
“¿Qué define a un ser humano?” Esa es la pregunta que se plantea el director Denis Villeneuve. El mundo de Blade Runner 2049 es una extensión de Blade Runner, en las dos películas hay humanos y replicantes, y, aunque estos se parecen mucho entre sí, son considerados distintos, ya que unos han nacido y otros han sido creados artificialmente. La diferencia innata entre ellos es que alguien que nace se considera que tiene alma. Pero, ¿cuál es la naturaleza del alma? Y, ¿es eso algo exclusivamente humano? En la cinta de Villeneuve encontramos las preguntas fundamentales del universo que inauguró Scott y las respuestas vuelven a apuntar que la raíz de lo humano se localiza en la capacidad de sentir y expresar emociones. Y, más allá aún, la posibilidad de ponerse en la piel de otros hasta el punto de aceptar sacrificarnos por el bien de los demás. Esa es la conclusión de la búsqueda de K, el nuevo Blade runner protagonista, su investigación sobre sus propios orígenes, sobre la posibilidad de que él haya sido un ser nacido y no un ente artificial, acaba conduciendo a la única respuesta posible, lo humano se juega en el campo de la posibilidad de ser héroe más allá de cuál haya sido nuestro origen. Toda vivencia está condenada a perderse como lágrimas en la lluvia, pero la aventura humana se trasciende a sí misma en el ADN de la memoria de las generaciones venideras por las que nos hemos esforzado, por las que hemos llegado a sacrificarnos.
La peripecia argumental no es lo más destacable de la cinta de Villeneuve, una trama en la que se combina el thriller de acción con la ciencia ficción y que se desarrolla con buen ritmo, sin bajadas de interés, pero con una cierta precipitación en el tercer acto donde las revelaciones se suceden mediante el desarrollo de subtramas que no habían sido significativamente expuestas en el curso de la acción. Donde sí brilla la dirección del canadiense es en el meticuloso cuidado con el que mima todos los aspectos técnicos de la puesta en escena. Es ahí donde logra emparentarse con la cinta de Scott expandiendo su universo, todo el esfuerzo del director y su equipo está puesto al servicio de dar encarnación a ese futuro que supone esta cinta con referencia a su antecesora.
Se trataba de impulsar la película original a su futuro más probable, en Blade Runner la naturaleza estaba colapsando, así que 30 años después la tierra había de tener unas condiciones climáticas mucho más severas, y eso se refleja en todo, desde la arquitectura a los vehículos o la ropa. Para lograr esto, Villeneuve formó equipo con el director de fotografía Roger Deakins, el diseñador de producción Dennis Gassner y la diseñadora de vestuario Renée April. Podría decirse que la mayor impronta visual de la primera Blade Runner fue su atmósfera oscura, húmeda y opresiva, la premisa de Villeneuve es que esas condiciones no habrían cambiado a mejor en treinta años, así su propuesta visual pasa por diseños lumínicos y patrones complejos que introducen los efectos de la nieve y el barro en la fotografía. Por su parte, el diseñador de producción Dennis Gassner recuerda como “la primera cosa que le pregunté a Denis fue que, si tuviera que definir el diseño con una palabra, ¿cuál sería? Y Denis dijo, ‘Brutal. Quiero que la arquitectura sea brutal’.” En Blade Runner 2049 todo está diseñado alrededor de la supervivencia, desde la tecnología a la arquitectura, así los edificios fueron diseñados para resistir el clima, hasta el punto de que muchos de ellos parecen refugios subterráneos; el resultado es un escenario más pulcro en sus líneas, más geométrico, pero, a la vez y paradójicamente, más sucio. El entorno en el que se desenvuelven los personajes es aún más hostil que en la original, un entorno en el que la naturaleza como la conocemos ya no está presente, en su lugar nos encontramos con el imperio de lo sintético y artificial, estas condiciones 
marcaron el trabajo de Renée April. “Es un entorno duro. Llueve y a veces nieva. Ese fue nuestro punto de partida. Para los materiales, trabajé mucho con piel sintética y plástico, con el que nunca había trabajado. No podía usar cuero ni lana ni ningún material orgánico, ya que no existirían más, así que todo era sintético y creado por el hombre. También usamos tallas grandes por el frío” explica April. La suma de estos factores técnicos, junto con la utilización de decorados físicos (apenas se usa el croma durante su largo metraje) y la inspirada banda sonora de Hans Zimmer, dan pie al alumbramiento de un filme con entidad propia llamado a convertirse en uno de los blockbusters más poderosos del año.
Denis Villeneuve ha sabido darle la vuelta a lo que era, básicamente, un encargo de una major para convertirlo en una película personal que elude todos los defectos de otras secuelas para convertirse en una cinta que puede respirar con autonomía respecto a su antecesora. Su filme demuestra que no está reñido construir un producto comercial con la capacidad de elaborar una cinta de autor. Blade Runner 2049 es una de esas películas donde la suma de las mejores partes sí da una enorme obra cinematográfica. Un buen bocado de distopía con un universo propio enormemente disfrutable a pesar de su largo metraje y su tempo pausado. No será de culto, pero sí merecerá ocupar un buen lugar en la historia de cine de ciencia ficción.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 20 de octubre de 2017 *
HANDIA (Aundiya, Aitor Arregi y Jon Garaño, 2017)
España. Duración: 114 min. Guion: Jon Garaño, Aitor Arregi, Jose Mari Goenaga, Andoni de Carlos Música: Pascal Gaigne Fotografía: Javier Agirre Productora: Irusoin / Kowalski Films / Moriarti Produkzioak Género: Drama
Reparto: Ramón Agirre, Eneko Sagardoy, Joseba Usabiaga, Aia Kruse, Iñigo Aranburu, Iñigo Azpitarte
Sinopsis: Tras haber luchado en la Primera Guerra Carlista Martín (Joseba Usabiaga), vuelve a su caserío familiar en Gipuzkoa y allí descubre con sorpresa que su hermano menor, Joaquín (Eneko Sagardoy), es mucho más alto de lo normal. Convencido de que todo el mundo querrá pagar por ver al hombre más grande sobre la Tierra, ambos hermanos se embarcan en un largo viaje por Europa en el que la ambición, el dinero y la fama cambiarán para siempre el destino de la familia. Una historia inspirada en hechos reales.
Tras rodar la magnífica Loreak (2014), Arregi y Garaño recurren de nuevo a un registro repleto de sensibilidad para contarnos la historia de Mikel Jokin Eleizegi Arteaga, el mítico Gigante de Altzo (Guipúzcoa), que nació durante la segunda mitad del siglo XVIII. De estatura normal hasta que cumplió los 20 años, a esa edad Mikel desarrolló la acromegalia, una enfermedad que le condenó a crecer sin pausa hasta su fallecimiento, a los 43 años, con casi dos metros y medio. A pesar de su popularidad, que le llevó a ser recibido por la reina Isabel II o a actuar por Europa, el guipuzcoano fue infeliz toda su vida considerándose a sí mismo un aborto de la naturaleza.
La del gigante de Altzo es una historia triste y Arregi y Garaño saben cogerle bien el pulso, recreándose en los maravillosos paisajes naturales de Euskadi y diseñando unos personajes que reflejan la pesadumbre de aquel mundo rural que estaba ya condenado a perder su fuerza y su valor en plena Revolución Industrial. Handia es la historia de la derrota de un pueblo, el vasco, que había apoyado a Carlos Hugo de Borbón Parma no por razones dinásticas sino para conservar sus fueros, contada desde la perspectiva de esos dos hermanos que la enfrentaron de tan diferente forma, uno siendo arrebatado por la leva para regresar como vencido, el otro permaneciendo en el caserío y contrayendo la enfermedad. Es también la historia de un sueño, el hacer las Américas, que se quiebra dejando un mensaje desolador: solo los adaptados sobreviven.
Un drama de altura cuyos sorprendentes efectos especiales nos harán creer en todo momento que estamos en presencia de un auténtico gigante, algo a lo que también contribuye su magnífico maquillaje, que recrea la enfermedad que también padecieron actores como Rondo Hatton o Richard Kiel.
LA PIEL FRÍA (Cold Skin, Xavier Gens, 2017)
España/Francia. Duración: 101 min. Guion: Eron Sheean, Jesús Olmo (Novela: Albert Sánchez Piñol) Fotografía: Daniel Aranyo Productora: Babieka / Kanzaman / Gran Babieka / Ink Connection / Pontas Film, Literary Agency Género: Fantástico
Reparto: David Oakes, Ray Stevenson, Aura Garrido, John Benfield, Iván González,Ben Temple
Sinopsis: En una isla perdida en medio del océano, dos hombres se defienden, noche tras noche, resguardados en un faro, del asedio de unas extrañas criaturas marinas. Sometidos a la extrema tensión, sin entender las razones del ataque, tendrán que replantearse cómo enfrentarse a lo desconocido.
Esta adaptación de la exitosa obra de Albert Sánchez Piñol cumple sobradamente su misión, respetando la novela y trasladando eficazmente la narración al lenguaje cinematográfico. Gens escoge dos ritmos narrativos distintos según avanza la acción, cercano al relato de aventuras tipo Robert Louis Stevenson o Julio Verne en su inicio, para pasar después a sumergirse en lo abisal con toques del Lovecraft más imbuido en sus mitos. Todo ello finaliza con un mensaje anti colonizador y pacifista que aboga por el respeto a la diferencia.
Alimañas nocturnas de piel húmeda, mitad pez/mitad hombre serán la única compañía de dos hombres que lucharán noche tras noche contra estos seres, movidos por el instinto de supervivencia, pero también luchando por recobrar el sentido de sus vidas. La cautividad y la continua lucha les llevan a un viaje al centro de sus entrañas, donde se entremezcla lucidez y enajenación, rechazo y deseo, crueldad y amor, hacia lo desconocido.
La piel fría de Gens es una película de atmósfera, su factura visual es impecable y nos hace sentir el aislamiento en el que viven sus personajes, sentimos frialdad, la frialdad abismal que pende sobre las existencias de sus protagonistas. Sin embargo, esa atmósfera es tan acaparadora que los hilos de la historia se pierden, parece que no todo quede contado y así se hace difícil la lectura del mensaje último que quiere transmitirnos. En su haber positivo, merece, y mucho, destacarse el maquillaje y la actuación de Aura Garrido pues el de Aneris (sirena a la inversa), el ser anfibio retenido en el faro, es un difícil y arriesgado papel que sin lugar a dudas habrá supuesto un tan gran trabajo a la actriz como escaso reconocimiento, pues su rostro está totalmente oculto y la actriz resulta irreconocible. Sin lugar a dudas un reto actoral que supera con nota.
Presente en el Festival de Sitges, aunque fuera de competición, esta cinta de Xavier Gens tuvo una buena acogida sumándose a otras grandes favoritas del director como Frontier(s) (2007) o The Divide (2011).
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 12 de octubre de 2017 *
LA SUERTE DE LOS LOGAN (Logan Lucky, Steven Soderbergh, 2017)
Reparto: Channing Tatum, Adam Driver, Farrah Mackenzie, Riley Keough, Daniel Craig,Katie Holmes, Charles Halford, Seth MacFarlane, Jack Quaid, Brian Gleeson,Katherine Waterston, Dwight Yoakum, Sebastian Stan, PJ McDonnell,Robert Fortner, Hilary Swank, David Denman
Sinopsis: Intentando revertir una maldición familiar, tres hermanos, Jimmy (Channing Tatum), Mellie (Riley Keough) y Clyde Logan (Adam Driver), intentan llevar a cabo un gran atraco durante una importante carrera de coches en Concord, Carolina del Norte.
Como ya pasaba en ese, no nos cansaremos de señalarlo, remake americano de Los dinamiteros (Juan García Atienza, 1964) llamado Un golpe con estilo (Going in Style, Zach Braff, 2017), son los más desprotegidos los que planean robar al ladrón para poner un poco de justicia y orden en sus economías y de paso, cual Robin Hood en la de los más desfavorecidos de su entorno. Y el ladrón está encarnado en ambas por el sistema capitalista y la banca, su representante en la Tierra. Si en Un golpe con estilo (y sí, también en Los dinamiteros) eran los jubilados los que se rebelaban, en La suerte de los Logan son los perdedores, la basura blanca del sur de Estados Unidos, que ha sido mutilada en guerras absurdas a las que han embarcado para defender los intereses de un sistema que después los rechaza por las mellas que les ha infligido. Pequeños delincuentes hartos de haber pasado una vida en la cárcel, excombatientes haciendo horas en trabajos agotadores… la suerte de Jimmy Logan es la suerte del que lo único bueno que ha tenido en su vida es su hija, a la que poco más que su cariño puede ofrecerle, pues para más desgracia, acaban de despedirlo de su trabajo por un ligera cojera. Ese será el punto de ebullición que le hará idear un plan para hacerse con la recaudación de una importante carrera de coches que va a celebrarse en su localidad. Y esta historia, un tanto deprimente, Soderbergh la retrata con un saludable tono de comedia capitaneada por un magnífico reparto y aderezada con una fantástica banda sonora compuesta a base de bien seleccionado Rock y música de Garage. Todo ello al servicio de una historia de superación, de dignidad en una película muy agradable, inteligente y divertida.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 29 de septiembre *
LA CORDILLERA (ARGENTINA/FRANCIA/ESPAÑA, Santiago Mitre, 2017)
Argentina/Francia/España Duración: 114 min. Guion: Santiago Mitre Música: Alberto Iglesias Fotografía: Javier Juliá Productora: Kramer, Sigman Films / La Unión de los Ríos / Telefé / Telefonica Studios / Maneki Films / Mod Producciones Género: Drama
Reparto: Ricardo Darín, Dolores Fonzi, Érica Rivas, Gerardo Romano, Paulina García,Alfredo Castro, Daniel Giménez Cacho, Elena Anaya, Leonardo Franco, Christian Slater
Sinopsis: En una cumbre de presidentes latinoamericanos en Chile, donde se trazan las estrategias geopolíticas y las alianzas, Hernán Blanco, el presidente de Argentina, atraviesa un drama político y familiar. Está implicado en un caso de corrupción a través de su yerno. A pedido de su padre, Marina Blanco asiste a la cumbre para buscar protección, ganar tiempo y negociar una salida. El pasado, alguna vez tranquilo y doméstico, se transforma en un elemento peligroso cuando es visto desde la cima de la vida pública, visto desde la cumbre.
En su quinto largometraje, Santiago Mitre nos trae un drama político que se arropa con los tintes del thriller psicológico, una doble trama puesta al servicio de un análisis certero sobre la naturaleza del bien y del mal y el uso partidista que de ellos hacen quienes nos gobiernan. Mitre sabe bien de los matices, lo demostró en su guion para Carancho (2010, Pablo Trapero), película de la que comentábamos aquí: “excelente y descarnada película argentina que no nos ahorra la suciedad de ese mundo de mercadeo de las aseguradoras sobre los más débiles, con una historia de amor límite entre un buscador, un carancho, y una doctora del servicio de urgencias que sobrelleva su trabajo gracias a las drogas. Todo ello enmarcado por los accidentes automovilísticos tan exageradamente abundantes en Argentina”. Allí se nos hacía reflexionar sobre las apariencias, como el timador puede ser un héroe anónimo cuya peripecia sirve como denuncia de una corrupción mayor, en La Cordillera volvemos a encontrarnos con la corrupción y la duda sobre si el fin puede justificar a los medios, pero da un paso más allá y nos plantea si no existirá por debajo de todo un mal absoluto en el que se incurre, no por desconocimiento, sino por voluntad propia.
Hernán Blanco (Ricardo Darín) es el político sin pasado conocido, el candidato en el que se depositaba la esperanza de que hiciera tábula rasa con los desmanes de los gobernantes y trajera una política limpia dedicada a favorecer el bien común. Su apellido venía a ser una metáfora de su condición de hombre íntegro capaz de devolverle al país un orgullo y un restablecimiento económico y político que harían posible afrontar y resolver los problemas sociales y nacionales. Pero Mitre arranca la acción con el descubrimiento de que no todo es tan blanco, sobre el mandatario planea la sombra de ciertos usos indebidos del dinero de campaña, por los que es chantajeado por su ex yerno, y la política de salón para ocultarlo a la opinión pública. A partir de ahí, toda su actuación queda bajo sospecha mientras le vemos circular por las cloacas del poder en esa cumbre en la cima de Los Andes: ¿actúa en favor de su pueblo o sólo busca ventajas para sí mismo? La honestidad de Blanco es puesta en duda, además, por la deriva de la crisis psicológica de su hija, ¿la ha hecho acudir al punto del mitin para ponerla a salvo si aflora el escándalo o, más bien, para vigilar que no haga declaraciones inconvenientes a la prensa? El trhiller psicológico ahonda el drama político sembrando dudas sobre el pasado del mandatario. Recuerdos que parecen no serlo, o sí, y todo es negado por la amnesia voluntaria del presidente Blanco. Y la mayor duda, si acaso incurre en el mal, ¿lo hace desde una postura relativista en la que se perdonan los medios para un buen fin, o, actúa a sabiendas y sin falsas excusas?
La cordillera juega bien su intriga y nos atrapa con su ritmo, méritos del director, pero también es una película de actores: Ricardo Darín encabeza un elenco integrado por los actores argentinos Dolores Fonzi (‘Truman’), Érica Rivas (‘Relatos Salvajes’) y Gerardo Romano (‘La Fuga’); la actriz española Elena Anaya (‘La piel que habito’); los chilenos Paulina García (‘Gloria’) y Alfredo Castro (‘Neruda’); y el actor mexicano Daniel Giménez Cacho (‘Blancanieves’). Todos ellos en estado de gracia, con ese saber hacer lleno de matices que nos dibujan personajes redondos, plagados de aristas y psicologías complejas. Igual de inspirado está el equipo técnico, Mitre ha contado durante la filmación con el respaldo del director de fotografía Javier Juliá (‘Relatos salvajes’); de Sebastián Orgambide (‘El clan’) como director de arte; y la diseñadora de vestuario Sonia Grande, colaboradora habitual de Pedro Almodóvar, Alejandro Amenábar y Woody Allen. Y, por supuesto, la banda sonora de Alberto Iglesias le da el contrapunto ideal a la acción.
MADRE! (Mother!, Darren Aronofsky, 2017)
USA. Duración: 120 min. Guion: Darren Aronofsky Música: Jóhann Jóhannsson Fotografía: Matthew Libatique Productora: Protozoa Pictures. Distribuida por Paramount Pictures Género: Thriller.
Reparto: Jennifer Lawrence, Javier Bardem, Michelle Pfeiffer, Ed Harris, Domhnall Gleeson,Kristen Wiig, Brian Gleeson, Cristina Rosato, Marcia Jean Kurtz, Ambrosio De Luca,Hamza Haq, Anana Rydvald, Arthur Holden, Bineyam Girma, Jaa Smith-Johnson,Xiao Sun
Sinopsis: A una mujer (Jennifer Lawrence) le pilla por sorpresa que su marido (Javier Bardem) deje entrar en casa a unas personas a las que no había invitado (Ed Harris, Michelle Pfeiffer). Poco a poco el comportamiento de su marido ,va siendo más extraño y ella empieza a estresarse y a intentar echar a todo el mundo.
Madre! la nueva película de Darren Aronofsky es una de esas cintas que hacen pensar. Que requieren de una digestión reposada, pues el autor vierte en ella mucha información. No es fácil de ver, no se trata de un producto comercial al uso, lo que hará que sea amada y odiada a partes iguales. Y es que Madre! no es una cinta para todos los públicos. Funciona a varios niveles y está en el ojo del espectador el dar sentido a la historia, que puede sugerir caminos diferentes a unos u otros.
La inquietud predomina en la narración. Lo extraño se adueña del mundo de la protagonista, una magnífica Jennifer Lawrence, que ve como el espacio que comparte con su esposo, el escritor, que interpreta un contenido Javier Bardem, un lugar que ella ha regenerado, es invadido por desagradables personajes. Como todo lo vemos a través ella, desde su punto de vista (la cámara sigue constantemente a la protagonista mostrándola en primeros y primerísimo primeros planos), nos resultará muy fácil comprender su incomodidad, pues con ella viviremos todos los acontecimientos que se irán produciendo y que cambiarán radicalmente la existencia de ambos. Se convertirá en una extraña en su propio hogar. Un hogar que comenzará a hacer aguas por todos lados. Madre! es ciertamente inquietante y su intriga atrapa al espectador, que no podrá vaticinar tan desmesurado final.
No es tarea fácil analizar esta película en pocas líneas. Hace falta entrar en la cabeza del creador para entender lo que es la inspiración, la musa, la madre gracias a la cual las ideas se ponen en orden tras recibir una chispa. El talento, el fuego creador permanece encendido, pero es necesario el estado mental ideal para que nazca la obra, que una vez ‘parida’ irá de mano en mano, perdiendo y repartiendo trozos de su ser en cada uno de los lectores o los espectadores a quien va dirigida.
Además de la pareja protagonista, la cinta cuenta con la muy agradable participación de Michelle Pfeiffer y Ed Harris, dos grandes actores cuyos personajes convertirán la vida de la protagonista en una constante pesadilla surrealista dinamitando su zona de confort. Jennifer Lawrence sabrá contagiarnos su miedo a perderlo todo. Consiguiendo que deseemos terminar con la angustia, despertar de la pesadilla, salir del caos que ha invadido sus vidas y la pantalla. Una obra de altura que, repetimos, no agradará a todos.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 22 de septiembre *
A WAR (UNA GUERRA) (Krigen, Tobias Lindholm, 2015)
Dinamarca. Duración: 115 min. Guion: Tobias Lindholm Música: Sune Wagner Fotografía: Magnus Nordenhof Jønck Productora: AZ Celtic Films / Nordisk Film Production Género: Drama
- Reparto: Pilou Asbæk, Tuva Novotny, Dar Salim, Søren Malling, Charlotte Munck,Dulfi Al-Jabouri, Alex Høgh Andersen, Jakob Frølund, Phillip Sem Dambæk
- Sinopsis: El comandante Pedersen se debate entre el cumplimiento de los reglamentos militares, su responsabilidad ante sus hombres y los civiles afganos y su deseo de volver a casa con su esposa y sus tres hijos.
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2015: Premios Oscar: Nominada a Mejor película de habla no inglesa2016: Premios del Cine Europeo: Nominada al Premio del Público
LA LEGO NINJAGO PELÍCULA (The LEGO Ninjago Movie, Charlie Bean, Paul Fisher, Bob Logan, 2017)
USA. Guion: Hilary Winston, Bob Logan, Paul Fisher Música: Mark Mothersbaugh Productora: Warner Bros. Pictures Género: Comedia de animación.
Sinopsis: La batalla por la Ciudad Ninjago reclama la intervención de Lloyd, conocido como el Ninja Verde, junto con sus amigos, todos guerreros secretos y LEGO maestros constructores. Guiados por el maestro de Kung-Fu, Wu, divertido a la par que sabio, deben derrotar al malvado señor de la guerra Garmadon, el peor hombre del mundo, que además resulta ser el padre de Lloyd. En una batalla pieza contra pieza y padre contra hijo, el épico enfrentamiento pondrá a prueba a este feroz pero indisciplinado equipo de nuevos ninjas que debe aprender a controlar su ego y aunar sus esfuerzos para desatar su verdadero poder.
De nuevo una película protagonizada por el universo Lego y en este caso dirigida principalmente hacia el público infantil y juvenil, aunque eso no significa que no pueda ser vista (y disfrutada) por adultos, pues La Lego Ninjago película es una cinta de aventuras muy entretenida.
La película contiene multitud de referencias a la cultura oriental, y no nos referimos tan solo a la presencia de Jackie Chan, sino a ingredientes y personajes extraídos de los Kaiju eiga, las series Tokusatsu protagonizadas por grupos tipo Power Rangers, y otras franquicias como Transformers. Humor, aventura y los mensajes comunes a este tipo de cintas como que la fuerza sólo podremos descubrirla en nuestro interior, las loas habituales al trabajo en equipo y la amistad, y la conclusión de que el amor será siempre más fuerte que la guerra.
Sin llegar al nivel de la estupenda LEGO película (The LEGO Movie, Phil Lord, Christopher Miller, 2014 ) o al cachondeo freak de Batman la LEGO película (The LEGO Batman Movie, Chris McKay, 2016), esta nueva entrega es una aceptable propuesta cargada de humor y acción.
KINGSMAN: EL CÍRCULO DE ORO (Kingsman: The Golden Circle, Matthew Vaughn, 2017)
UK. Duración: 141 min. Guion: Matthew Vaughn, Jane Goldman (Personajes: Dave Gibbons, Mark Millar) Música: Henry Jackman, Matthew Margeson Fotografía: George Richmond Productora: Twentieth Century Fox Film Corporation / Marv Films / TSG Entertainment Género: Thriller
Reparto: Taron Egerton, Julianne Moore, Halle Berry, Mark Strong, Jeff Bridges, Channing Tatum, Pedro Pascal, Sophie Cookson, Edward Holcroft, Elton John,Ayman Khechini, Alessandro De Marco, Colin Firth
Sinopsis: “Kingsman: Servicio Secreto” nos introdujo en el mundo de los Kingsman, una agencia internacional de inteligencia que opera al máximo nivel de discreción y cuyo principal objetivo es mantener el mundo a salvo. En KINGSMAN: EL CÍRCULO DE ORO nuestros héroes se enfrentan a un nuevo desafío cuando su cuartel general es destruido y el mundo entero es usado como rehén. Su viaje les lleva a descubrir una organización de espías situada en Estados Unidos llamada Statesman, que data de los tiempos en que ambas fueron fundadas. En una nueva aventura que pondrá a prueba los límites de su fuerza y su ingenio, ambas organizaciones secretas se unirán para derrotar a un despiadado enemigo común para salvar el mundo, algo que ya se ha convertido en una rutina para Eggsy…Se produce un ataque contra el cuartel general de Kingsman y aparece un nuevo villano. Eggsy y Merlin tienen que colaborar con la agencia norteamericana para salvar al mundo.
Basado en los cómics de Mark Millar y Dave Gibbons, Kingsman, el círculo de oro no puede evitar tener un fuerte aroma british, con gotas de la elegancia cool del universo Bond o el de Los Vengadores (hablamos de la serie creada por Sidney Newman también en los 60) y de sus gimmicks. Pero impregnando todo el producto con un sanísimo toque paródico que acerca el tono de la película al Batman televisivo de los sesenta, cuando no al más puro cartoon. Y todo esto funciona de mil maravillas si el espectador entra en el juego y se deja llevar por ese espíritu, pues una vez entre en la trama, no va a tener tiempo de bajarse del tren. No en vano los guionistas de Kingsman han aprendido muy bien de la saga del agente 007 que hay que empezar fuerte y de ahí hacia arriba sin frenos.
Vertiginosas persecuciones, personajes atractivos, villanos pasados de vueltas, resurrecciones como tan solo pueden producirse en los cómic books y comedia en algo más de dos horas que se pasan volando y que cuentan con, además de los competentes protagonistas, Taron Egerton, Colin Firth y Mark Strong, con unos secundarios de campanillas que parecen pasárselo en grande, sobre todo Julianne Moore, pero también Halle Berry, Jeff Bridges y…¡Elton John!, que añade unos divertidos toques Kitsch y auto-paródicos muy de agradecer en esta cinta de puro entretenimiento, en la cual otro de los villanos es el propio presidente de Estados Unidos, sosia nada disimulado de Trump.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 15 de septiembre de 2017 *
JUERGA DE MAMIS (Fun Mom Dinner, Alethea Jones, 2017)
USA. Duración: 89 min. Guion: Julie Rudd Música: Julian Wass Fotografía: Sean McElwee Productora: Gettin’ Rad Productions / June Pictures / Voltage Pictures Género: Comedia
Reparto: Toni Collette, Adam Scott, Katie Aselton, Jaz Sinclair, Paul Rust, Molly Shannon,Kathryn Prescott, Rob Huebel, Adam Levine, Sam Lerner, April Martucci,Owen Vaccaro, Cooper J. Friedman, Bridget Everett, Hart Denton,Emmersyn Fiorentino
Sinopsis: Cuatro madres se juntan para cenar y pasarlo bien. Cuando la noche da un giro inesperado, estas cuatro mujeres descubrirán que tienen más cosas en común de lo que pensaban.
A pesar del poco prometedor título y póster, Juerga de mamis no resulta muy sonrojante en su conjunto. La muestra de miserias y frustraciones que arrastran estas perfectas y adineradas madres modernas sabemos que terminarán arreglándose con un final feliz, pero ¡Qué diablos! su título no engaña a nadie, y todo se solucionará mediante una noche de juerga. De desahogo. De chicas. Pero una juerga blanca: alcohol, un poco de hierba, tabaco, muchos tacos en los diálogos, conversaciones gañanes sobre sexo, un beso furtivo con un desconocido… todo para terminar con nuestras protagonistas dándose cuenta de que no hay nada como el hogar, los hijos y el marido que apenas da señales de vida y que también aprenderá una valiosa lección esa noche: que tiene que cuidar y ser más atento con su señora. Y todo ello regado con música de los años ochenta (The Pretenders, The Jam…) con la que conectar con el público potencial de esta cinta, el generacional de las protagonistas.
‘IT’, materializando los terrores infantiles
IT (Andrés Muschietti, 2017)
USA. Duración: 135 min. Guion: Chase Palmer, Gary Dauberman (Libro: Stephen King) Música: Fotografía: Chung-hoon Chung Productora: New Line Cinema / KatzSmith Productions / Lin Pictures Género: Terror
Reparto:Bill Skarsgård, Jaeden Lieberher, Sophia Lillis, Wyatt Oleff, Jeremy Ray Taylor,Finn Wolfhard, Chosen Jacobs, Jack Dylan Grazer, Nicholas Hamilton, Jake Sim,Logan Thompson, Owen Teague, Jackson Robert Scott, Stephen Bogaert
Desde sus inicios, el pueblo de Derry ha sido el coto de caza para la entidad que emerge desde las alcantarillas cada 27 años para alimentarse de los terrores de sus presas preferidas: los niños de Derry. Uniendo sus esfuerzos durante un verano a la vez horroroso y animado, los Perdedores se unen para superar sus propios miedos y detener el ciclo de matanzas que comenzó un día lluvioso, mientras un niño pequeño perseguía un barquito de papel que se arrastraba por un desagüe de lluvia…y acabó en las manos de Pennywise el Payaso.
Pero es que también Stephen King es, huelga decirlo, un magnífico creador de terrores. De monstruos. De entidades que, en su mayoría, se han desarrollado dentro del entorno de los protagonistas: tiendas cuyo propietario tiene todo lo que sus clientes puedan desear y que podrán obtener a cambio de un pequeño, insignificante trabajo; o esa autopista que hay frente al hogar que sin piedad dejará a padres sin lo que más quieren. Tanto que no dudarán en subir al viejo cementerio indio que hay en el bosque…; o aquella niña con poderes telekinésicos de la que todos ríen en el colegio y que vive con una enloquecida madre obsesionada con el sexo como pilar de todos los males… o ese viejo y magnífico Plymouth Fury de color rojo; o ese perro San Bernardo; o… Elementos de nuestro entorno, de nuestra cotidianidad, como los terrores infantiles que cobrarán vida en It más allá del payaso Pennywise.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 8 de septiembre de 2017 *
CHURCHILL (Jonathan Teplizky, 2017)
UK. Duración: 110 min. Guion: Alex von Tunzelmann Música: Lorne Balfe Fotografía: David Higgs Productora: Salon Pictures / Tempo Productions Limited Género: Drama
Reparto: Brian Cox, Miranda Richardson, John Slattery, James Purefoy, Julian Wadham,Richard Durden, Ella Purnell, Danny Webb, Jonathan Aris, George Anton,Steven Cree, Angela Costello, Peter Ormond, Suki Waterhouse
Sinopsis: En 1944 las fuerzas aliadas -un millón de soldados reunidos en la costa sur inglesa- están preparadas para el desembarco. 48 horas antes de la operación, Winston Churchill se enfrenta con sus generales y aliados norteamericanos para decidir cómo afrontar lo que se convirtió en el punto de inflexión de la Segunda Guerra Mundial. Si la campaña del Día D fallara, teme ser recordado como el arquitecto de una carnicería.
Ofrecida en premiere mundial durante el pasado BCN Film Fest, esta elegante producción británica está centrada en los días previos al desembarco de Normandía, que cambió definitivamente el trascurso de la Segunda Guerra Mundial a favor de los Aliados. La cinta nos muestra la parte más humana del veterano Primer Ministro, que tendrá que aprender a hacerse a un lado ante la irrupción de las nuevas tácticas bélicas aportadas por los estrategas norteamericanos comandados por Ike Eisenhower.
Una figura notable, un episodio capital en su carrera que servirá para mostrar las luces y las sombras del personaje; estas parecen ser las constantes del biopic moderno y Teplitzky se inscribe en esta tendencia para desarrollar su película. Churchill es una cinta de actor con la que tiene ocasión de lucirse Brian Cox, y también la brillante Miranda Richardson, que, como la esposa del mandatario, desempeñará un papel secundario pero decisivo en el desarrollo de los acontecimientos. Pero, tan importante como el trabajo de los actores, lo es igualmente la labor del director. Teplitzky utiliza a Churchill como falsilla con la que abordar temas más universales: la responsabilidad histórica, el peso del tiempo, la necesidad de asumir que ya no se está en primera línea y hay que adaptar nuestra identidad a ello… Y el director usa el lenguaje de la imagen para mostrarlo. Su puesta en escena por momentos toma cariz operístico, coloca a sus personajes en el marco de colosales escenarios en los que resalta la pequeñez de lo humano frente a los imponderables, casi como en los cuadros de Friedrich. Escenas que contrastan con las más íntimas en las que los espejos tienen mucho que decir, no en vano el protagonista atraviesa ese momento en el que debe asumir un rol distinto al que ha marcado su carrera, la imagen que le refleja ya no es reconocible, su personalidad ha de readaptarse a lo que el tiempo le exige. Teplitzky, por último, nos trae una reflexión sobre la necesidad de la leyenda y la fe para fundamentar nuestra existencia en el mundo, las figuras históricas deben cumplir la función de elevar los ánimos del pueblo fundando sus creencias y construyéndose a sí mismos como modelos.
La guinda a este buen trabajo viene de la mano de Lorne Balfe, autor de un score minimalista, apoyado en los sintetizadores, que pondrá el tomo perfecto para esta fábula de luces y sombras. El punto de melancolía justo y necesario.
EL AMANTE DOBLE (L’amant double, François Ozon, 2017)
Francia/Bélgica. Duración: 107 min. Guion: François Ozon, Philippe Piazzo (Novela: Joyce Carol Oates) Música: Philippe Rombi Fotografía: Manuel Dacosse Productora: Mandarin Films / FOZ / Mars Films / Films Distribution / France 2 Cinéma / Scope Pictures / Canal+ / Ciné+ / France Télévisions / A Plus Image 7. Distribuida por Cohen Media Group [USA] Género: Drama
Reparto: Marine Vacth, Jérémie Renier, Jacqueline Bisset, Myriam Boyer,Dominique Reymond, Fanny Sage, Jean-Édouard Bodziak, Antoine de La Morinerie,Jean-Paul Muel, Keisley Gauthier, Tchaz Gauthier, Clemence Trocque,Guillaume Le Pape, Benoît Giros
Sinopsis: Chloé (Marine Vacth) es una joven frágil que se enamora de su psicoterapeuta, Paul (Jérémie Renier). Unos meses más tarde, cuando se van a vivir juntos, ella descubre que su amante le ha ocultado una parte de su identidad, con la que Chloé se obsesionará.
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François Ozon continúa desarrollando sus obsesiones por el sexo más enrevesado. Si en Joven y bonita (Jeune & jolie, 2013) introdujo a su, todavía adolescente protagonista interpretada también por Marine Vacth, en un torbellino de experimentación, ya no con el sexo, sino directamente con la prostitución, en El amante doble nos la presenta con serios problemas psicológicos protagonizados por la figura del doble, el Doppelgänger, como protagonista absoluto de la trama.
Visualmente aséptica, fría como su protagonista, este thriller psicológico con grandes dosis de erotismo cuenta, para interpretar al doble personaje masculino, con un actor con el cual ya había trabajado el director con anterioridad, Jérémie Renier, al que pudimos ver Amantes criminales (Les amants criminels, 1999) y Potiche, mujeres al poder (Potiche, 2010). El actor, quien se dió a conocer con tan sólo 15 años gracias a las películas de los hermanos Dardenne, interpreta de forma impecable el papel de psicoterapeuta y amante de Chloe, abordando con ello, una historia de dobles, de engaños y de deseos. El director que gusta, al parecer, de contar con veteranas damas de la interpretación ha contado en esta ocasión con Jacqueline Bisset, que interpreta un tan corto como agradecido papel.
La película, inspirada libremente en la novela Vidas gemelas, escrita por Joyce Carol Oates bajo el seudónimo de Rosamond Smith, se presentó en la Sección Oficial del último Festival de Cannes, certamen que Ozon conoce bien tras haber presentado, años atrás Swimming Pool (2003) y Joven y bonita (Jeune & jolie, 2013). La tensión psicológica y sexual que respira El amante doble y la maestría de Ozon a la hora de mostrar en pantalla realidad y fantasía, harán volar la imaginación de cualquier espectador en una película tan osada como impactante que quizás abusa de preciosismo en sus imágenes y de la representación simbólica del espejo.
THE LIMEHOUSE GOLEM (Juan Carlos Medina, 2017)
UK. Duración: 105 min. Guion: Jane Goldman (Novela: Peter Ackroyd) Música: Johan Söderqvist Fotografía: Simon Dennis Productora: Number 9 Films Género: Thriller
Reparto: Bill Nighy, Olivia Cooke, Douglas Booth, Daniel Mays, Eddie Marsan,María Valverde, Sam Reid, Morgan Watkins, Adam Brown, Peter Sullivan,Amelia Crouch, Damien Thomas, Mark Tandy, Michael Jenn, Simon Meacock
Sinopsis: Londres, 1880. En la barroca sala de música donde sube al escenario el intérprete más famoso de la capital, Dan Leno (Douglas Booth). En su monólogo cuenta el horrible destino de una joven que actuaba en ese escenario, su querida amiga Elizabeth Cree (Olivia Cooke), quien se enfrenta a ser ejecutada en la horca acusada de asesinar a su esposo, John Cree (Sam Reid). La muerte de Lizzie parece inevitable, hasta que el inspector John Kildare (Bill Nighy) se hace cargo del caso de The Limehouse Golem, un asesino en serie nefasto y calculador, que mata inocentes sin ninguna conexión, dejando tras de sí cadáveres apenas identificables y una marca: «M». Nada es lo que parece, todo el mundo es sospechoso y tiene un secreto.
Limehouse Golem, película de clausura de la pasada edición del Festival de Sitges, es una cinta ambientada en la época victoriana con asesino suelto, en esta ocasión, en el barrio londinense de Limehouse. El caso será encargado a un fino sabueso, John Kildare de Scotland Yard (un magnífico Bill Nighy), Sherlock Holmes caído en desgracia entre sus compañeros y superiores por su homosexualidad. Kildare tendrá que abordar este complejo caso que tendrá como telón de fondo el mundo de las variedades. Una intriga bien trazada, interpretada y narrada, con un exquisito diseño de producción y una sugerente iluminación.
Su director, Juan Carlos Medina, que ya nos ofreció en 2012 la muy interesante Insensibles, con la que debutó, adapta el bestseller de Peter Ackroyd Dan Leno and the The Limehouse Golem, un relato gótico que mezcla la investigación por descubrir la identidad de un asesino en serie con el juicio a una joven actriz de musical acusada de envenenar a su marido. El libro cautivó al productor Stephen Woolley (Juego de lágrimas, Carol), quien trabajó durante 15 años en el proyecto para que saliera a la luz. La guionista es Jane Goldman (La mujer de negro, Kingsman: Servicio Secreto), auténtica fanática de la novela.
Para el director, «The Limehouse Golem es un ingenioso ‘whodunit’. El viaje para descubrir el asesino es tan fascinante e intrigante como el hecho de saber quién es en realidad. Ese era el reto: convertir esa investigación en algo hipnótico y fascinante. Quería que el espectador se comprometiera sensorial y emocionalmente con la historia”.
LA ESCALA (Voir du pays, Delphine y Muriel Coulin, 2016)
Francia/Grecia. Duración: 102 min. Guion:Delphine Coulin, Muriel Coulin Fotografía: Jean-Louis Vialard Productora: Archipel 35 / Blonde Audiovisual Productions / Arte France Cinéma Género: Drama
Reparto:Soko, Ariane Labed, Ginger Romàn, Karim Leklou, Robin Barde, Damien Bonnard,Andreas Konstantinou, Jérémie Laheurte, Sylvain Loreau, Alexis Manenti,Kostis Maravegias, Makis Papadimitriou
Sinopsis: Dos jóvenes mujeres militares, Aurore y Marine, regresan de Afganistán. Junto con su sección, van a pasar tres días en un hotel de cinco estrellas en Chipre, entre turistas de vacaciones, para disfrutar de lo que el ejército llama una ‘cámara de descompresión’ para ayudarles a ‘olvidar’ la guerra. Sin embargo, no es tan sencillo deshacerse de la violencia…
Mejor guión en Cannes (A Certain Regard), La escala muestra un novedoso punto de vista sobre los conflictos bélicos y de como afectan estos a los soldados. Dirigida y escrita por las hermanas Coulin, es una magnífica y realista obra antibélica que no necesita recurrir a soflamas y en la que no veremos ni un solo tiro. La acción se desarrolla desde el punto de vista de dos mujeres soldado, que además de plantearse el por y para qué luchan, deberán enfrentarse, junto a todos sus compañeros, a esa ‘descompresión’ que mediante realidad virtual, les hará enfrentarse a los traumas adquiridos en combate.
Rabia y frustración rodeadas de lujo, alcohol y música sofocante y alienante en un resort de cinco estrellas que es casi como otro planeta con ellos ejerciendo de cosmonautas y en donde descubrirán que además de los enemigos que les marcan sus superiores, los tienen también entre sus compañeros varones, que nunca las considerarán unas iguales y que no dudarán en abusar de ellas demostrando que la milicia es ‘cosa de hombres’. Como, al parecer, todo lo demás.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 1 de septiembre de 2017 *
LA NIEBLA Y LA DONCELLA (Andrés M. Koppel, 2017)
España. Duración: 104 min. Guion: Andrés M. Koppel (Novela: Lorenzo Silva) Fotografía: Álvaro Gutiérrez Productora: Atresmedia Cine / Hernández y Fernández PC / Tornasol Films Género: Thriller
Reparto: Quim Gutiérrez, Verónica Echegui, Roberto Álamo, Paola Bontempi, Aura Garrido,Sanny van Heteren, Isak Férriz, Cristóbal Pinto, Santi López, Quique Medina,Beneharo Hernandez, Jorge Kent, Elena Di Felice Benito, Fernando Navas,Adrian Galvan
Sinopsis: No siempre las cosas son como parecen y a menudo, lo obvio no resulta ser lo real. Al sargento Bevilaqua le encomiendan la tarea de investigar la muerte de un joven alocado en la Gomera. Todo apuntaba a Juan Luis Gómez Padilla, político de renombre en la isla, al que un tribunal popular absolvió a pesar de la aparente contundencia de las primeras pesquisas. El sargento y su inseparable cabo Chamorro intentarán esclarecer este embrollado caso, con presiones políticas y con la dificultad añadida de intentar no levantar suspicacias al reabrir un caso que sus compañeros daban por cerrado.
El cine español ha estado ofreciendo de un tiempo a esta parte memorables thrillers que han animado a nuestras productoras a invertir en este género, repitiendo incluso, en varios de ellos, actores que parecen desenvolverse mejor en intrigas policíacas, como es el caso de Roberto Álamo, que tan buen sabor dejó en Que Dios nos perdone (2016) de Rodrigo Sorogoyen, papel que le supuso al actor los más importantes galardones del cine español (Goya, Feroz y Forqué), con los cuales premiaron su interpretación. Pero, lamentablemente, no depende tan solo del actor el que una película despierte el suficiente interés, como es el caso de La niebla y la doncella, debut en la dirección de Andrés M. Koppel basado en una exitosa obra de Lorenzo Silva que cuenta, además de con Álamo, con la participación de Quim Gutiérrez, Verónica Echegui, Aura Garrido o Paola Bontempi (que ofreció un do de pecho interpretativo en Ataúd de cristal), un elenco de lujo. Pues ni por esas. La niebla y la doncella, a pesar de algunos momentos en los cuales crea una atmósfera tensa, resulta algo confusa en su desarrollo, de tal forma que para cuando entendemos el quién y el porqué, ya había dejado de importarnos hacía rato. Lástima también haber echado a perder los bonitos escenarios canarios de la isla de la Gomera en los cuales se ha rodado.
REHENES (Mzevlebi, Rezo Gigineishvili, 2017)
Georgia/Rusia/Polonia. Duración: 103 min. Guion: Lasha Bugadze, Rezo Gigineishvili Música: Giya Kancheli Fotografía: Vladislav Opelyants Productora: 20 Steps Productions / Inkfilm / Nebo Film Género: Drama
Reparto: Merab Ninidze, Darejan Kharshiladze, Avto Makharadze, Tina Dalakishvili, Mikheil Gomiashvili
Sinopsis: Año 1983. Un grupo de jóvenes de Georgia pertenecientes a familias de la élite intelectual, intentan huir de la Unión Soviética secuestrando un avión.
Con un cuidado diseño de producción, que añade aún más realismo a esta cinta, Rehenes consigue intrigar ya desde su inicio, casi parece que el grupo de jóvenes protagonista está planeando un atentado. No es así, tan solo quieren abandonar su claustrofóbico país secuestrando un avión. No media ningún tipo de coartada política, no son revolucionarios, sólo quieren vivir en libertad. Necesitan huir del miedo a los comisarios políticos, de la corrupción que mina las instituciones (esos soldados que imponen maquinalmente las absurdas normas que les rigen, pero reclaman que compartan su tabaco americano), de tener que vivir a escondidas sus aficiones, huir incluso del temor contagioso de sus mayores. Todo lo que puede complicarse lo hará, bañando de sangre la operación fracasada.
Basado en un hecho real, la cinta de Rezo Gigineishvili va directa al estómago. La acción central tarda una hora en llegar mientras asistimos a los preparativos y, cuando llega, lo hace de la forma menos teatral posible, desnuda y liberada de todo artificio. Real. Una realidad triste, que no por conocida desde el prólogo de la cinta, deja de sumirnos a nosotros en su tristeza. La paleta que retrata la historia está dominada totalmente por las tonalidades frías, un color degradado que nos sumerge en la grisalla de aquella sociedad asfixiada por el poder soviético. Una grisalla que nos recuerda a la vez la que atravesamos nosotros mismos llena de fosas en las cunetas, nos recuerda la desazón de quienes ochenta años después todavía tienen que suplicar la justicia de la memoria histórica. Una justicia que nunca llega ni aquí ni allí.
Inteligente, creíble y bien interpretada, Rehenes es una de las raras películas de Europa del este que se estrenan en nuestras pantallas, y suponemos que lo hará en menos de las que se merece esta nueva apuesta de Karma Films por la calidad.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 25 de agosto de 2017 *
EN EL LUGAR DEL SR. STEIN (Un profil pour deux, Stéphane Robelin, 2017)
Francia/Bélgica/Alemania Duración: 99 min. Guion: Stéphane Robelin Fotografía: Priscila Guedes Productora: Ici et Là Productions / La Compagnie Cinématographique / Detailfilm / Gasmia Film / MMC Movies / Panache Productions Género: Comedia
Reparto: Pierre Richard, Yaniss Lespert, Fanny Valette, Stéphanie Crayencour,Stéphane Bissot, Macha Méril, Gustave Kervern, Pierre Kiwitt, Anna Bederke
Sinopsis: Pierre, viudo y jubilado, no sale de su casa desde hace dos años. Descubre los placeres de Internet gracias a Alex, un joven contratado por su hija para enseñarle los rudimentos de la informática. En una web de citas, una joven encantadora, Flora63, seducida por el romanticismo de Pierre, le propone una primera cita. Enamorado, Pierre revive. Sin embargo, en su perfil ha puesto una foto de Alex en lugar de la suya. Pierre debe convencer al joven para reunirse con Flora en su lugar.
Mis recuerdos sobre Pierre Richard se inician y terminan en los setenta, hace pues bastantes años. Por entonces era un niño y tuve que sufrirlo, pues nunca me hizo gracia, en películas como El gran rubio con un zapato negro (Le grand blond avec une chaussure noire, Yves Robert, 1972) o La mostaza se sube a la nariz (La moutarde me monte au nez, Claude Zidi, 1974), comedias en las cuales este cómico bastante físico quedaba en mal lugar al compararlo con contemporáneos con Gene Wilder, Marty Feldman o el propio Woody Allen de entonces, con los que físicamente guardaba ciertas similitudes. Los años han pasado y han hecho más justicia a Richard que a mí mismo. Ahora es un atractivo anciano, un actor que no ha parado de hacer películas en su país, aunque llevábamos muchos sin verlo en nuestras pantallas: cinco ocasiones en más de 20 años.
Con un humor, como es natural, menos físico (la edad manda) Richard sale muy bien parado en su interpretación de este viudo algo cascarrabias que se siente inconsolablemente solo tras el fallecimiento de su esposa y que descubre la fantasía y la ilusión del amor vía Internet, aunque sea mediante una imagen falsa en una web de citas. Y es que aunque su corazón es joven, no lo es su aspecto, así que hace una pequeña trampa al subir la imagen al perfil del portal, utiliza la de Alex, su treintañero profesor de informática, al que responderá una atractiva joven belga. Cuando la muchacha toma la decisión de irle a visitar, Alex se verá obligado a suplantar al anciano. Y a partir de ahí, esta actualización 2.0 del Cyrano de Bergerac, se desarrolla como comedia de equívocos. Un vodevil ágil que juega con la habitual trama de engaños propia del género, mientras nos hace plantearnos temas tan importantes como si todo vale en la seducción, si lo que importa es el físico o si, al contrario, el amor nace cuando dos almas afines entran en contacto. El desarrollo de la idea argumental (y su consiguiente subtexto) conducirá al cambio del vodevil por la comedia romántica en su tercer acto. Esta evolución la singulariza y la llena de encanto.
En el lugar del señor Stein tiene momentos de gran comicidad, pero nos deja un regusto agridulce al salir del cine. Después de todo, hemos asistido a un relato sobre la soledad, el dolor de la pérdida y la reclusión en uno mismo que esta conlleva. La película nos invita, sin embargo, a no sucumbir ante ello, los personajes descubren (y nosotros con ellos) que la vida es demasiado volátil como para malgastar nuestro tiempo, que es necesario siempre aferrarse a la esperanza de salir adelante y de hacerlo, además, con el mejor humor posible.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 11 de agosto de 2017 *
EMOJI: LA PELÍCULA (The Emoji Movie, Tony Leondis, 2017)
USA. Duración: 86 min. Guion: Eric Siegel, Anthony Leondis Música: Patrick Doyle Fotografía: Animation Productora: Sony Pictures Género: Comedia de animación.
Sinopsis: Los protagonistas habitarán la misteriosa tierra de Textopolis, donde todos los emojis favoritos de la gente cobran vida, mientras esperan ser seleccionados por el usuario del teléfono. Todos los personajes tienen una sola expresión facial a excepción de Gen (TJ Miller), un emoji que nació sin filtro y se llena de múltiples expresiones. Para lograr ser normal, Gen se embarcará en una aventura o “app-ventura”, junto a sus amigos Hi-5 (James Corden) y Jailbreak (Ilana Glazer). Pero pronto, una gran amenaza hará que el destino de estos personajes dependa de los tres amigos, teniendo que salvar su mundo antes que sea borrado por completo.
Hoy llega a nuestros cines Emoji, la película, y lo hace precedida por los sangrantes comentarios de la crítica estadounidense que ha llegado a soltar perlas como las que recogemos aquí:»The Emoji Movie es un gran y humeante montón de mierda (…) Muestra lo bajo que puede caer Hollywood para conseguir dinero fácil» (New York Daily News); «Emoji apesta (¡cara triste!) (…) Por favor, restaura mis ojos a la configuración de fábrica (…) Un nuevo ejercicio de marketing sin alma, dirigido principalmente a niños pequeños» (New York Post); «Carece de humor, ingenio, ideas, estilo visual, actuaciones convincentes o cualquier otra característica distintiva que la convierta en algo que no sea una completa pérdida de tiempo«(The Wrap). Así las cosas, uno acude al cine con las más bajas expectativas posibles y, ya se sabe, se cumple la paradoja de que no te parece tan mal como para haberse merecido semejantes calificativos. Es cierto que la idea, animar los emojis, habría dado para más, que la animación no es muy brillante y la trama (subtexto incluido) no es demasiado original, pero sus 86 minutos pasan rápidos y su colorido la hará atractiva para los más pequeños. Uno tiene que recibirla con la mente de un niño de seis años para apreciarla, pero eso también es válido. Y es verano, y hace mucho calor, y los peques se ponen muy pesaditos, así que tenerlos concentrados durante hora y media es muy de agradecer, después de todo los valores que transmite no les van a resultar nocivos.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 4 de agosto de 2017 *
ATÓMICA (Atomic Blonde, David Leitch, 2017)
USA Duración: 115 min. Guion: Kurt Johnstad (Novela gráfica: Antony Johnston) Música: Tyler Bates Fotografía: Jonathan Sela Productora: Focus Features / 87Eleven / Closed on Mondays Entertainment / Denver and Delilah Productions / Sierra / Affinity Género: Thriller
Reparto: Charlize Theron, James McAvoy, Sofia Boutella, John Goodman, Eddie Marsan,Toby Jones, Bill Skarsgård, Roland Møller, Attila Árpa, Sam Hargrave,Jóhannes Haukur Jóhannesson
Sinopsis: Año 1989, el muro de Berlín está a punto de caer. Un agente del MI6 encubierto aparece muerto y la espía Lorraine Broughton (Charlize Theron) debe encontrar por todos los medios una lista que el agente estaba intentando hacer llegar a Occidente, y en la que figuran los nombres de todos los agentes encubiertos que trabajan en Berlín oriental. Lorraine no se detendrá ante nada para conseguir dar con esa lista, enfrentándose a varios asesinos y sumergiéndose en un mundo en el que nadie parece ser quien dice ser.
Atómica es una cinta de espionaje basada en un cómic, concretamente en The Coldest City, una novela gráfica escrita por Antony Johnston y dibujada en contrastado blanco y negro por Sam Hart que ha dado pié a una muy violenta película con una heroína encarnada por una Charlize Theron que es puro Hard Boyled: luchas realistas, contusiones duraderas y unas gotas de cine negro que encajan a la perfección en esta película de espionaje ambientada en los días previos a la caída del muro de Berlín. Charlize Theron es cool y no teme a nada. Realizando una notable interpretación en la que mezcla glamour con dureza, sin evitar unos agradecidos desnudos exigidos por el guión, en los cuales no se esconde tras una doble de cuerpo, que ya está bien de tanta corrección política. Anima la cinta una magnífica banda sonora compuesta por hits de la época, entre ellos Under Pressure de Queen y David Bowie, 99 Luftballons de Nena o el tema principal de Cat People (Paul Schrader, 1989) que, compuesto por Giorgio Moroder e interpretado por Bowie. Encaja a la perfección con esta rubia atómica, bebedora de vodka y amiga de ganar las peleas aunque no sea de forma muy limpia. Theron, protagonista absoluta, está respaldada por James McAvoy, John Goodman y la ascendente Sofia Boutella. Fresca, divertida y violenta. Una entretenidísima pieza para estos días de canícula.
REPARAR A LOS VIVOS (Réparer les vivants, Katell Quillévéré, 2016)
Francia/Bélgica. Duración: 103 min. Guion: Katell Quillévéré, Gilles Taurand (Novela: Maylis De Kerangal) Fotografía: Tom Harari Productora: Les Films Pelléas / Frakas Productions / France 2 Cinéma / Les Films du Bélier Género: Drama
Reparto: Emmanuelle Seigner, Tahar Rahim, Anne Dorval, Alice Taglioni, Monia Chokri, Bouli Lanners, Finnegan Oldfield, Dominique Blanc, Alice de Lencquesaing,Karim Leklou, Kool Shen, Camille Tillier, Andranic Manet
Sinopsis: Todo comienza de madrugada en un mar tempestuoso con tres jóvenes surfistas. Unas horas más tarde, en el camino de vuelta sufren un accidente. En el hospital Havre, la vida de Simón (Gabin Verdet) pende de un hilo. Mientras tanto, en París, una mujer (Anne Dorval) espera un trasplante providencial que le pueda prolongar su vida. Thomas Remige (Tahar Rahim), un especialista en trasplantes, debe convencer a unos padres en estado de shock de que ese corazón podría seguir viviendo en otro cuerpo. Y salvar, tal vez, una vida.
Un inicio intenso, bellamente rodado con magníficas tomas submarinas. La pasión de la juventud, la vitalidad de existir. Del mar al metal del coche y al gris del macro hospital de las afueras, que comparte espacio con almacenes y fábricas. Naturalezas muertas, a pesar de palpitar. La muerte colándose en la estancia, inesperada. Los padres, Emmanuelle Seigner y Kool Shen con la desolación de la tragedia inesperada como solo ellos pueden vivirla. Galatéa Bellugi, mostrando la profunda tristeza ante la pérdida de un amor que justo comenzaba, tan intenso como solo se vive a los 17 y como solo puede representar la actriz revelación de 9 meses (Keeper, Guillaume Senez, 2015). Pero también el impacto en el entorno del hospital. En los médicos, experimentados profesionales pero también humanos. Mortales. Y finalmente y en su segunda parte sobre el receptor del corazón del joven. Todavía latiendo.
Un magnífico trabajo de presentación de personajes que el director nos muestra en tan solo dos pinceladas, sin embargo, luego no obtienen el recorrido esperado. Pasan como jirones de vidas. Como olas. Efectos colaterales mientras el tono de la película va girando, de la desolación, del vacío, a la esperanza. De la muerte a la vida. Del final abrupto del amor al reinicio de un nuevo romance. Como cada minuto, cada hora, cada día. Como siempre.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 21 de julio *
SIETE DESEOS (Wish Upon, John R. Leonetti, 2017)
USA. Duración: 90 min. Guion: Barbara Marshall Música: Toby Chu Fotografía: Michael Galbraith Productora: Broad Green Pictures / Busted Shark Productions. Distribuida por Orion Género: Terror
Reparto: Sherilyn Fenn, Joey King, Ryan Phillippe, Elisabeth Röhm, Shannon Purser,Ki Hong Lee, Sydney Park, Alice Lee, Daniela Barbosa, Michelle Alexander,Raegan Revord, Sean Jones, Natalie Prinzen-Klages, Josephine Langford,Mitchell Slaggert, Alexander Nunez
Sinopsis: Clare Shannon (Joey King), de 17 años, sobrevive como puede al infierno que es el instituto junto a sus amigas Meredith (Sydney Park) y June (Shannon Purser). Cuando su padre (Ryan Phillippe) le regala una vieja caja de música con una inscripción que promete conceder los deseos de su dueño, ella piensa que no tiene nada que perder. Clare pide su primer deseo y, para su sorpresa, se hace realidad. En poco tiempo lo tiene todo: dinero, popularidad y el chico de sus sueños. Todo parece perfecto hasta que las personas más cercanas a ella empiezan a morir de manera espantosa y retorcida.
Después de la fallida Anabelle (2014), John R. Leonetti vuelve a adentrarse por los derroteros del subgénero de terror asociado a objetos malditos. Siete deseos tiene puesta su mira en el sector adolescente del público, sin embargo, se trata de una película muy correcta y suficientemente inteligente como para agradar a un público más amplio. Pésimo favor se hace, pues, a esta cinta promocionándola en relación con aquella de 2014. Siete deseos brilla más que el filme que la precede, pues no deja de ser terror mainstream, pero con una premisa atractiva y que podríamos resumir como la exposición del lado perverso de la lámpara de Aladino.
De entrada, Leonetti se aleja de las fórmulas manidas del slasher para abordar los eternos conflictos de la adolescencia, la necesidad de reconocimiento del grupo, las rivalidades entre pandillas, la popularidad y el rechazo, el valor de la amistad y los devaneos sentimentales; aunque sus personajes jueguen los roles usuales tienen la suficiente entidad psicológica como para no ser meros clichés, ni mucho menos carnaza. Está lejos de las repetitivas zombie movies e incluso de las películas de fantasmas con susto fácil. Tampoco se enfrentarán sus protagonistas a ningún psicópata, lo que está en juego es la propia ambición, el mal está en la resbaladiza ambivalencia de los deseos: un bien para nosotros puede comportar serios contratiempos para otros. Y todo ello se canaliza mediante el recurso a un objeto maldito, en esta ocasión una caja de música de la antigua china que le brinda siete deseos a quien la posea, pero advirtiéndole que lo pagará con sangre. Una advertencia que no se descubrirá hasta bien entrada la película, cuando la trama ya condena a la protagonista a no poder controlar el poder que ha despertado, cosa que la llevará al inapelable desenlace con el que se cierra (bien) el filme.
Leonetti recurre a usos narrativos que ya había ensayado en Anabelle, la tensión construida mediante planos detalle de los elementos que rodean una acción jugando con la distinta información que posee el espectador respecto al personaje que protagoniza la secuencia, pero lo que allí se dilataba hasta el punto de que cuando llegaba la resolución no se conseguí el efecto, aquí, en Siete deseos, se pauta en un tiempo mesurado que dota a la acción del tempo perfecto para sus pretensiones. Leonetti, pues, ha corregido sus excesos y sus defectos y se nos muestra ahora como un diestro arquitecto del suspense. Es muy probable que en esta cinta haya trabajado con más libertad que en la anterior, del mismo modo que el guion de Barbara Marshall (responsable del de Viral) le ofrece mejores mimbres que tejer de los que disponía en Anabelle. Si aquella fue un decepcionante spin off de un título mayor (Expediente Warren: The Conjuring), la cinta que llega ahora a nuestras salas es un pequeño ejercicio, pero muy eficiente, que puede verse sin rubor.
Dentro del acertado reparto destaca la joven y ascendente protagonista, Joey King, que a pesar de su juventud tiene una extensa carrera a sus espaldas. Para el fan del terror resultará familiar desde bien pronto, pues con nueve años interpretó a la salvaje niña zombie, Briana, en la versión americana de [Rec], Quarantine (John Erick Dowdle, 2008); o a Christine en Expediente Warren: The Conjuring (James Wan, 2013). Aunque también la hemos podido ver recientemente en otro registro totalmente diferente en Un golpe con estilo (Going in Style, Zach Braff, 2017). Por otra parte, resulta agradable encontrarse con un rostro, todavía tan bello, como es el de Sherilyn Fenn.
Siete deseos nos ofrece una cinta de terror adolescente consumible por toda la familia, con un guion sólido, un buen reparto, y una acertada dirección. Divertirá haciéndoselo pasar mal a muchos, por ese uso preciso del suspense que ya indicábamos, pero también por las ingeniosas muertes que perlan el relato, totalmente alejadas de esa casquería a la que nos tienen acostumbrados los productos dirigidos al mismo público que esta tiene como objetivo. Sin ser brillante es más que correcta, un producto que se sale de la media que, sin ser absolutamente original, juega bien las bazas del terror sin tener que recurrir siquiera al abuso del jump scare. Digna, muy digna.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 14 de julio de 2017 *
CARS 3 (Brian Fee, 2017)
USA. Duración: 109 min. Guion: Kiel Murray, Bob Peterson, Mike Rich (Historia: Brian Fee, Ben Queen, Eyal Podell,Jonathon E. Stewart) Música: Randy Newman Fotografía: Jeremy Lasky Productora: Pixar Animation Studios Género: Comedia de animación.
Sinopsis: Sorprendido por una nueva generación de corredores ultrarrápidos, el legendario Rayo McQueen queda relegado repentinamente del deporte que tanto ama. Para retomar su carrera, va a necesitar la ayuda de una joven mecánica de carreras, Cruz Ramírez, que tiene su propio plan para ganar, además de la inspiración del fallecido Fabuloso Hudson Hornet y un par de giros inesperados. ¡Y para probar que el nº95 no está ni mucho menos acabado, el campeón tendrá que poner a prueba su valía en el gran circuito de la Copa Pistón!
Dotar de vida y sentimientos a automóviles es una idea que personalmente se me antoja absurda incluso en un campo tan abierto como es el de la animación. Me valen juguetes, animales o monstruos de peluche, pero coches… Sin embargo Pixar lo ha vuelto a conseguir con esta nueva entrega de Cars, una tercera parte que ofrece varias lecciones de vida, algunas de ellas dirigidas a los adultos. Pues si ya nos enseñó que con perseverancia y trabajo puede obtenerse o ser todo aquello que se desea, en esta ocasión se nos muestra, entre otras cosas, que no tan solo está la satisfacción de participar sino que, una buena retirada a tiempo es una victoria cuando arriba el inevitable relevo generacional (en muchos casos arrasando) ante el que hay que saber adaptarse a base de reinventarse.
En Cars 3 tenemos de nuevo como protagonista a Lightning McQueen, que con su apellido realiza un simpático homenaje al actor Steve McQueen y su conocida afición de participar en carreras automovilísticas, pero también a otros conocidos de la primera entrega, a la que hace referencia en diversos flashbacks, sin que por ello se haga imprescindible haberla visto, pues los temas que trata Cars 3 son tan universales que hasta pueden ponerse en boca de coches, motos o incluso actores. Son verdades como puños que, bien interpretadas y narradas, llegan siempre a nuestro corazón. Y todo ello sin olvidar algo que Pixar sabe también hacer muy bien: divertir y entretener.
Eso sí, esta tercera entrega es un muy digno telón para la serie, que aunque ha pasado el relevo a una nueva generación de autos, debería ya centrarse en otros nuevos personajes si no quiere hacerse repetitiva.
EN LA VÍA LÁCTEA (On the Milky Road, Emir Kusturika, 2016)
Serbia/UK/USA. Duración: 125 min. Guion: Dunja Kusturica, Emir Kusturica Música: Stribor Kusturica Fotografía: Martin Sec Productora: BN Films / Pinball London Género: Drama
Reparto: Monica Bellucci, Emir Kusturica, Sergej Trifunovic, Miki Manojlovic, Bajram Severdzan, Maria Darkina
Sinopsis: Primavera en tiempos de guerra. Cada día, un lechero (Emir Kusturika) atraviesa el frente en burro, esquivando las balas para llevar su preciada mercancía a los soldados. Bendecido por la suerte en su misión, amado por una hermosa aldeana (Maria Darkina), un futuro apacible parece esperarle… hasta que la llegada de una misteriosa mujer italiana da un vuelco a su vida (Mónica Bellucci). Así comienza una historia de amor prohibido y apasionado que sumergirá a ambos en una serie de aventuras fantásticas y peligrosas. El destino los ha unido, y nada ni nadie parece poder detenerlos…
Con esta película, basada en una idea originalmente explorada por el cineasta en el cortometraje que hizo para la película de episodios Words with Gods (2014), Emir Kusturika regresa a la escena cinematográfica tras 7 años desde su último largometraje para traernos un emocionante cuento de hadas moderno protagonizado por una radiante Mónica Bellucci junto al propio director.
El director vuelve a reincidir en temas que le son conocidos: el sinsentido de la guerra servo-croata (y en general de todas) que tan marcado le dejó; la naturaleza protectora, ya sea en forma de serpiente o en forma de tormenta; y la vital importancia de la música en su cine. También reincide en el disparate, el surrealismo, para narrar emociones muy reales: «He dirigido un cuento de hadas moderno y, al mismo tiempo, ha sido tan emocionante como todas las películas que he realizado. En esta película, descubrí la belleza, y descubrí mundos intensos, humanos. En la vía láctea nace de numerosas capas de mi propia vida».
En tono de comedia loca, con elementos absurdos entremezclados junto a otros de un lirismo desbordante e incluso de acción e intriga, Kusturika demuestra que sigue gozando de muy buena salud tras su larga pausa, sin lugar a dudas.
Como protagonista absoluto de la película junto a la Bellucci, resulta toda una gozada el poder ver juntas a estas dos bestias pardas del cine europeo, que realizan una inolvidable actuación ya sea bajo las bombas o bajo la lluvia, para Kusturika, «un hombre y una mujer que se enamoran y están dispuestos a sacrificarse en la naturaleza» lo es todo, pues, como bien dice uno de sus personajes, «lo único que tiene sentido es amar a alguien.»
UN MINUTO DE GLORIA (Slava, Kristina Grozeva, Petar Valchanov,2016)
Bulgaria/Grecia. Duración: 101 min. Guion: Kristina Grozeva, Petar Valchanov, Decho Taralezhkov Música: Hristo Namliev Fotografía: Krum Rodriguez Productora: Abraxas Film / Graal S.A. / Screening Emotions / Aporia Filmworks Género: Drama satírico.
Reparto: Stefan Denolyubov, Margita Gosheva, Milko Lazarov, Kitodar Todorov,Ana Bratoeva, Nadejda Bratoeva, Nikola Dodov, Stanislav Ganchev, Mira Iskarova,Hristofor Nedkov, Dimitar Sardzhev, Ivan Savov, Tanya Shahova,Dr. Georgi Stamenov, Deyan Statulov, Decho Taralezhkov
Sinopsis: Cuando Tsanko Petrov (Stefan Denolyubov), un trabajador del ferrocarril, se encuentra un millón de levs en las vías del tren, decide devolver la totalidad del importe a la policía. El Estado le recompensa por ello con un nuevo reloj de pulsera… que pronto deja de funcionar. Mientras tanto, Julia Staikova (Margita Gosheva), jefa de relaciones públicas en el Ministerio de Transporte, pierde su viejo reloj. Así comienza la lucha desesperada de Petrov para que le devuelvan no sólo su viejo reloj, sino también su dignidad.
Segunda obra del tándem búlgaro Kristina Grozeva y Petar Valchanov, autores de La lección (Urok, 2014), una suerte de parábola moral que, bajo su superficial historia sobre bienes robados, escondía una potente reflexión sobre las relaciones de poder y la ética perniciosa de la Europa de nuestros tiempos y que supuso para sus directores el premio Nuevos Realizadores en el Festival de San Sebastián. Esta temática la retoman con Un minuto de gloria segunda parte de una trilogía en la que sus directores quieren denunciar, en forma de crítica ácida no exenta de humor negro, las pérfidas relaciones entre las instituciones deshumanizadas y las personas devoradas por sus engranajes, con mirada irónica pero humana sobre héroes anónimos aplastados por el sistema. Soberbio tour de force final que dejará a los espectadores sin aliento, como ocurrió en el Festival de Gijón de 2016 donde consiguió los premios de Mejor Película, Premio de la Crítica y Mejor Guion.
Sus directores han recurrido para Un minuto de gloria a parte del elenco de La lección, contando con Margita Gosheva y Stefan Denolyubov, que como protagonista realiza una encomiable labor.
Rodada cámara en mano y de forma verista, esta historia de decencia en tiempo de corruptelas, refleja la miserable sociedad en la que vivimos aliviando, muy ligeramente, el tono con leves toques de comedia negra. Muestra al espectador una situación que seguramente no desagradaría a Berlanga y Azcona por su patetismo: funcionarios imbéciles y avinagrados; políticos necios (¿hay de otros?); teléfonos que siempre comunican ofreciendo, en tiempo de espera; exasperantes tonadillas; burocracia inútil e inhumana… todo en una sociedad de ascopena que estos realizadores búlgaros han retratado con milimétrica exactitud.
Serendipia
Proyecto Naschy 
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