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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Vierns 12 de julio de 2019 *
AN ACCIDENTAL STUDIO (Bill Leggatt y Ben Timlett, 2019)
UK. Duración: 130 min. Música: John Greswell, Andy Mellon Fotografía: Brendan McGinty Productora: Bill and Ben Productions / George Made Films / Propellor Género: Documental
Reparto: Helen Mirren, Michael Caine, Richard E. Grant, Terry Gilliam,John Cleese, Joanna Lumley, Billy Connolly, Bob Hoskins, Michael Palin,A Martinez, Eric Idle, Brenda Vaccaro, Neil Jordan, Terry Jones, Ralph Brown,George Harrison, Jonathan Lynn, Bruce Robinson, Cathy Tyson, Richard Loncraine,Mike Edmonds, Dick Clement, John Mackenzie, Stephen Woolley, David Leland,Ian La Frenais, Julian Doyle, Ray Cooper, Jonathan Wacks, Barrie Keefe,Ernie Vincze
Sinopsis: Repasa los primeros años de HandMade Films, a través de los ojos de cineastas, empleados importantes y del hombre que lo empezó todo: el ex-Beatle George Harrison.
En 1982 tan solo había dos productoras cinematográficas en Inglaterra, Rank y EMI y aunque la subsidiaria del antiguo sello discográfico de The Beatles se había animado a sacar adelante el nuevo proyecto de Monty Python, al final se echaron atrás aterrados ante las previsibles acusaciones de blasfemia que, La vida de Brian pudiera ocasionar. Pero muchos, entre ellos George Harrison, gran admirador de los Python, quería ver esa película que hasta entonces tan solo tenía forma de guión, así que hipotecó su casa y su oficina y montó su propia productora para hacerla, Accidental Studio. Y ese fue el comienzo de una compañía cinematográfica que quiso ser libre y trabajar al margen, produciendo sueños que otros no querían materializar y que en diez años consiguió hacer realidad perlas como, además de La vida de Brian (Life of Brian, 1979), Los héroes del tiempo (Time Bandits, 1981) de Terry Gilliam, Withnail y yo (Withnail and I, 1987) de Bruce Robinson, Mona Lisa (1986) de Neil Jordan o El largo Viernes Santo (The Long Good Friday, 1980) de John Mackenzie. En total, 23 películas en 10 años.
Dirigida por Kim Leggatt, Bill Jones y Ben Timlett, Accidental Studio reconstruye de manera divertida y amena la década prodigiosa del cine de los 80, donde la productora de cine HandMade Films contribuyó decisivamente a resurgir la moribunda industria británica. Para ello, la película cuenta con las intervenciones de figuras míticas del cine británico como Terry Gilliam, John Cleese, Helen Mirren, Michael Caine, Richard E. Grant, Joanna Lumley, Billy Connolly o Michael Palin, entre muchos otros.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 5 de julio de 2019 *
SPIDER-MAN: LEJOS DE CASA (Spider-Man: Far From Home, Jon Watts, 2019)
USA. Duración: 129 min. Guion: Chris McKenna, Erik Sommers (Personajes: Steve Ditko, Stan Lee) Música: Michael Giacchino Fotografía: Matthew J. Lloyd Productora: Marvel Studios / Sony Pictures Entertainment (SPE) / Marvel Entertainment / Walt Disney Pictures / Columbia Pictures Género: Fantástico
Sinopsis: Peter Parker decide irse junto a MJ, Ned y el resto de sus amigos a pasar unas vacaciones a Europa. Sin embargo, el plan de Parker por dejar de lado sus superpoderes durante unas semanas se ven truncados cuando Nick Fury contacta con él para solicitarle ayuda para frenar el ataque de unas criaturas elementales que están causando el caos en el continente. En ese momento, Parker vuelve a ponerse el traje de Spider-Man para cumplir con su labor.
Posiblemente nos encontramos ante la mejor encarnación del Spiderman original de Steve Ditko y Stan Lee (y les ruego me permitan la pequeña libertad de escribir su nombre junto y sin guión, como lo he conocido desde siempre), de aquel adolescente -y estos actores lo son realmente- inseguro, que iniciaba una carrera como superhéroe en la que los acontecimientos y la maldad de los villanos le superaba. Quizás no estén de acuerdo conmigo, pero les aseguro que hablo con cierto conocimiento de causa al haber leído absolutamente todas las historietas de Spiderman desde su creación hasta el pasado año. Por eso mismo también soy consciente de que el personaje, que ya va por su tercera encarnación cinematográfica (sí, dejamos aparte aquella cosa de los años setenta), ha atravesado por un proceso de cambios profundos, y en cierto modo radicales, que lo han alejado de aquellos viejos personajes de cómic. Pero hay que adaptarse a los nuevos espectadores y no intentar satisfacer a los lectores originales -ya talluditos o muy talluditos- que, por otro lado, nunca estarán satisfechos con nada de lo que se haga con sus personajes.
Dicho esto, la película es refrescante y simpática. Prosigue los acontecimientos que vimos en Vengadores: Endgame cambiando, eso sí, el tono dramático de aquella y realizando una entrega desenfadada y apta para todos los públicos, en especial niños y jóvenes. Lo cual no significa que no sea disfrutable para todos. Créanme si les digo que contiene una secuencia que podrá inscribirse entre las mejores que nos ha dejado esta fiebre superheroica, una irrupción en el centro de lo ilusorio que vuelve a ponernos ante el espíritu de la maravilla como el cine de aventuras más clásico (la banda sonora de Giacchino colabora especialmente en ello). Podrán gozarla incluso (quizás sobre todo) los lectores de cómics de Spiderman. Viviremos una aventura protagonizada por Peter y sus amigos, que marcharán de viaje cultural a lo que los norteamericanos entienden por Europa: un lugar con ‘los’ monumentos básicos, en el que los habitantes van siempre en traje regional -especialmente tirolés- y están siempre celebrando pintorescas fiestas. Pero claro, será un viaje accidentado durante el cual los villanos destrozarán los lugares más emblemáticos de Londres, Venecia y Praga. Por medio estará Nick Furia, Misterio, el maestro de las ilusiones, un personaje, por cierto, 100% Ditko, y otros personajes del mundo del Spidey original como Flash Thompson, Betty, Ned Leds, May y una Mary Jane que ha perdido su cabellera pelirroja pero cuyo cambio con respecto al cómic no es el más sorprendente de los sufridos por los personajes secundarios del lanzaredes. Mandan los tiempos. Y por cierto, quédense a ver las DOS escenas de créditos. Por fin aparece cierto personaje que ya estábamos echando de menos los spidermaníacos.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 21 de junio de 2019 *
EL SECERTO DE LAS ABEJAS (Tell it to the Bees, Anabel Jankel, 2018
UK. Duración: 105 min. Guion: Henrietta Ashworth, Jessica Ashworth (Novela: Fiona Shaw) Música: Claire M. Singer Fotografía: Bartosz Nalazek Productora: Reliance Entertainment Productions 8 / Archface Films / Cayenne Film Company / Motion Picture Capital / BFI Film Fund / Riverstone Pictures. Distribuida por: Good Deed Entertainment Género: Drama
Reparto: Anna Paquin, Holliday Grainger, Kate Dickie, Emun Elliott, Lauren Lyle,Rebecca Hanssen, Gregor Selkirk, Zara Howell, Steven Robertson, Alexa Snell
Sinopsis: La Dra. Jean Markham (Anna Paquin) regresa a la ciudad que abandonó cuando era adolescente para hacerse cargo de la consulta médica de su difunto padre. Cuando el pequeño Charlie (Gregor Selkirk) tiene una pelea en el patio del colegio y va a su consulta, ella le invita a visitar las colmenas de su jardín y le anima a contarle sus secretos a las abejas, como hacía ella de niña. La nueva amistad entre el niño y la doctora lleva a su madre Lydia (Holliday Grainger) al mundo de Jean. Inesperadamente las dos mujeres se sienten atraídas de una manera que nunca hubieran imaginado. Confundido al principio, Charlie comienza a ver la felicidad que le aporta a su madre la relación con Jean, pero, en una pequeña ciudad británica en los años 50, su nuevo secreto no puede permanecer oculto para siempre.
El secreto de las abejas aborda con inusitada delicadeza una historia de amor entre dos mujeres que se desarrolla en una pequeña ciudad escocesa a inicios de los cincuenta. Jankel retrata el asfixiante ambiente industrial, con su gris arquitectura, así como la sensación de culpabilidad que sufren ambas mujeres, que contrasta con la hipocresía imperante entre los habitantes de esa pequeña población, que con sus habladurías y rumores acusan a las mujeres de estar haciendo algo ‘antinatural’. Tan bien rodada como predecible, la película se beneficia de la participación de sus dos magníficas protagonistas, Anna Paquin y Hollyday Grainger.
El secreto de las abejas recibió el premio a la Mejor Banda Sonora (Claire Singer) en la pasada edición de BCN Film Fest. También inauguró recientemente la Muestra de Cine Lésbico de Madrid. Internacionalmente participó en el Festival Internacional de Cine de Toronto (TIFF) y también en Zurich Film Festival y Glasgow Film Festival.
MUÑECO DIABÓLICO (Child’s Play, Lars Kleverg, 2019)
USA Duración: 90 min. Guion: Tyler Burton Smith (Personajes: Don Mancini) Música: Bear McCreary Fotografía: Brendan Uegama Productora: KatzSmith Productions / Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) / Oddfellows Entertainment / Orion Pictures. Distribuida por: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) Género: Terror
Reparto: Aubrey Plaza, Brian Tyree Henry, Tim Matheson, Gabriel Bateman, David Lewis, Ty Consiglio, Amber Taylor, Beatrice Kitsos, Carlease Burke, Hannah Drew, Kristin York, Nicole Anthony, Veenu Sandhu, Ben Andrusco-Daon, Johnson Phan, Zahra Anderson, Anantjot S Aneja, Marlon Kazadi, Trent Redekop, Eddie Flake, Michael Bardach, Kenneth Tynan, Ariana Nica, Amro Majzoub, Nicholas Dohy
Sinopsis: Una madre le regala a su hijo un muñeco por su cumpleaños, sin ser consciente de la naturaleza maligna que esconde en su interior.
Viejos terrores para nuevos espectadores. Al igual que otras historias remozadas y servidas para el consumo Millennial (Cementerio de Animales, It…), ahora le ha llegado el turno a Chucky y, realmente, el lavado de cara le ha sentado muy bien. Desde aquí parece que escuchamos los lamentos de la vieja guardia conformada por todos aquellos nostálgicos de, los hayan vivido o no, los horribles años ochenta. Lamentos y sonoras acusación de blasfemia y sacrilegio pero, es que el punto de partida, el origen del mal que convierte a un inofensivo muñeco en todo un motherfucker es mucho más creíble e ingenioso en esta nueva versión. Aquí no hay vudú ni espíritus de asesinos que poseen un muñeco, no, aquí el origen está más cerca. Tanto como todos esos ingenios que nos encienden la luz, nos ponen música o se comunican con nosotros mediante voz, si es preciso. Ingenios creados, distribuidos y vendidos por una misma tienda universal. ¿Les cuadra?
El noruego Lars Kleverg, director en alza con dos magníficos cortometrajes en su haber, uno de los cuales y ya para el mercado norteamericano -o sea, el nuestro- se ha estirado hasta el largo, Polaroid (2019), ha entendido lo que supo ver Ronny Yu al retomar el personaje y dirigir La novia de Chucky (1998): que es más digerible si se le añaden buenas dosis de humor. Y eso ha hecho Kleverg, aunque sin llegar al desmadre de las últimas secuelas. Su Muñeco diabólico es una película de terror, protagonizada por unos personajes que son pura basura blanca y que habla mucho sobre la soledad y como la combatimos mediante ingenios electrónicos. Contiene sus buenas dosis de hemoglobina, malrollismo y humor negro, pero además respeta al personaje, un Buddy/Chucky que aprende el mecanismo de matar viendo una película y de la mano del mejor. Pero eso deberán averiguarlo viendo esta entretenida y divertida cinta.
Buddy: pon ‘Mi gran noche’
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 14 de junio de 2019 *
LARGO VIAJE HACIA LA NOCHE (Di qiu zui hou de ye wan, Bi Gan, 2018)
China. Duración: 133 min. Guion: Bi Gan Música: Giong Lim, Point Hsu Fotografía: David Chizallet, Hung-i Yao Productora: Huace Pictures / Zhejiang Huace Film & TV / Dangmai Films Género: Drama
- Reparto: Tang Wei, Sylvia Chang, Meng Li, Huang Jue, Chen Yongzhong, Lee Hong-Chi,Luo Feiyang
- Sinopsis: Luo Hongwu regresa a Kaili, su ciudad natal, de la que huyó hace varios años. Comienza la búsqueda de la mujer que amaba, y a quien nunca ha podido olvidar. Ella dijo que su nombre era Wan Quiwen.
- Premios: Festival de Cannes 2018: Un Certain Regard (Sección oficial)
SINOPSIS: Luo Hongwu regresa a Kaili, su ciudad natal, después de haber escapado de ésta hace muchos años. Allí comenzará a buscar a la mujer que amó y que nunca logró borrar de su mente. Su nombre era Wan Qiwen.
Con una cadencia reposada, a veces hasta niveles exásperantes, Bi Gan se toma todo el tiempo del mundo en contarnos un noir tipo, pero deconstruyendo el tiempo y destruyendo su estructura, logrando así un relato críptico y profundamente estético a partes iguales. Fatalismo, amores imposibles y humo, mucho humo, salido de esos cigarrillos que encienden constantemente sus atrapados protagonistas.
Luo Hongwu, atormentado por la pérdida y el arrepentimiento, emprende en su regreso un viaje de búsqueda de respuestas a ese pasado que le tortura. En sus saltos temporales, la cámara de Bi gan se entretiene en los detalles para comunicarnos estados anímicos, siguiendo en parte la estela de Wong Kar Wai, es la tristeza, que rezuma su fotografía de color degradado, el sentimiento dominante en este relato de retornos y recuerdos. El cineasta fascinado por las pinturas de Chagall y las novelas de Modiano, quería hacer una película acerca de sus obras y las emociones y sensaciones que ellas evocan.
Esa es la tonalidad que domina la primera parte del filme cuyo título es Memoria. el de la segunda es Poppy, en referencia al poema de Paul Celan Poppy and Memory (Amapola y memoria, 1952), una secuencia en 3D, donde cambia la dominante de color volviéndose más cálida. Entramos en el terreno de lo onírico en la que los personajes alzan su vuelo (literalmente además), rompiendo así totalmente la posibilidad de encontrar escenas explicativas que nos aclaren la trama. De hecho, de ello quería huir su director, para conseguir, precisamente, lo que nos asalta: la dificultad de entender lo que vemos. Y es que el cine que busca Bi gan es un cine sensación que no concepto. Sus películas no son para entenderlas sino para sentirlas.
Largo viaje hacia la noche, la segunda película del director tras Kaili Blues (2015), entusiasmó a la crítica en el Festival de Cannes y fue una de las más destacadas cintas participantes en la sección Un Certain Regard.
MIB INTERNATIONAL (F. Gary Gray, 2019)
USA. Duración: 115 min. Guion: Arthur Marcum, Matt Holloway (Cómic: Lowell Cunningham. Personajes: Lowell Cunningham) Música: Chris Bacon, Danny Elfman Fotografía: Stuart Dryburgh Productora: Columbia Pictures / Amblin Entertainment / Original Film / Sony Pictures Entertainment (SPE) / Parkes+MacDonald Image Nation / The Hideaway Entertainment / Tencent Pictures Género: Ciencia ficción
Reparto: Chris Hemsworth, Tessa Thompson, Liam Neeson, Rebecca Ferguson, Emma Thompson, Kumail Nanjiani, Rafe Spall, Tuncay Gunes, Davina Sitaram,Nasir Jama, Viktorija Faith, Penelope Kapudija, Stephen Wight, Anatole Taubman,Natasha Culzac, Ruth Horrocks, Bern Collaco, Marcy Harriell, Hiten Patel,Rene Costa, Adrian Alvarado, John Kamau, Stephen Samson, Jeff Kim
Sinopsis: Los Hombres de Negro siempre han protegido la Tierra de la escoria del universo. En esta nueva aventura, se enfrentarán a suy maor amenaza hasta la fecha: un topo en la organización
El día que Columbia decidió adaptar sus escasamente conocidos comics, a Lowell Cunningham le tocó la bonoloto. Ya son cuatro las adaptaciones que con sus altos y bajos se sirven de su imaginario para ofrecer al espectador esa mezcla de ciencia ficción y comedia que parecía haberse agotado con la tercer entrega. Pero no, de nuevo se apuesta por -casi- repetir la formula inicial y hacer una buddy movie de manual con sus dos agentes, el novato y el veterano. ¿Donde estriba la novedad? pues que se ha ambientado la acción fuera de Estados Unidos, ya saben, Francia (o mejor dicho, la Torre Eiffel), Londres, Nápoles y Marrakech, que siempre viste más. También se incluye como agente veterano -es un decir- a Chris Hemsworth, que ejercerá de canallita y ligón y tendrá que cuidar a la inteligente agente novata, Tessa Thompson. Naturalmente entre estos dos jóvenes y guapos especímenes humanos nacerá una esperada tensión sentimental, que no sexual, pues MIB International es un producto claramente destinado para todos los públicos pero con las miras dirigidas eminentemente al sector infantil. Y ese es uno de los problemas, que esta entrega, habitada con algunos alienígenas que parecen ositos de peluche y otros, como Peoncín, del que mejor no hablaremos.
Así, el resultado es un entretenimiento que hará las delicias de los más pequeños. Repleto de acción, bichos raros, muchos gags -algunos no demasiado afortunados- y unos protagonistas de lo más atractivo y simpático, en especial Tessa Thompson, que ya había coincidido con Hemsworth -o mejor dicho, con Thor- en películas como Vengadores: Endgame (Anthony Russo, Joe Russo, 2019) y Thor: Ragnarok (Taika Waititi, 2017). Sin olvidar a los siempre bienvenidos Liam Neeson y Emma Thompson.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 7 de junio de 2019 *
EL CREYENTE (La prière, Cédric Kahn, 2018)
Francia. Duración: 107 min. Guion: Cédric Kahn, Fanny Burdino, Samuel Doux, Aude Walker Fotografía: Yves Cape Productora: Les Films du Worso Género: Drama
Reparto: Anthony Bajon, Damien Chapelle, Àlex Brendemühl, Louise Grinberg, Hanna Schygulla, Antoine Amblard, Colin Bates, Magne Håvard Brekke, Davide Campagna, Maïté Maillé
Sinopsis: Para superar su drogodependencia, Thomas, un joven de 22 años, se une a una comunidad religiosa aislada en el monte en la que los jóvenes se rehabilitan a través del recogimiento espiritual. Thomas habrá de pelear con sus demonios interiores, con su rechazo inicial y con la presencia de Sybille, de la que comienza a enamorarse. Solo venciendo esa lucha podrá descubrir los valores reales de la amistad, el trabajo, el amor y la fe.
Lejos de las restricciones del mundo, en una comunidad aislada, sus miembros llegan en soledad absoluta, en un estado emocional sumamente angustiado, del que saldrán gracias a su integración en un grupo que es mucho más que un simple conjunto de individuos. Cédric Kahn en El creyente nos propone un viaje al poder sanador de la oración, a su papel de vehículo que conduce a la comunión con nuestro entorno y con nuestros semejantes, que en este caso comparten una misma dolencia. Será en el retiro donde estos jóvenes alcanzarán su confianza en ellos mismos y en los demás, pues allí se encuentran desnudos de todo vínculo con lo externo, allí se encontrarán consigo mismos y descubrirán su propia fuerza para enfrentarse a los miedos y las situaciones adversas que les habían arrojado a la falsa huida de la adicción. Después de un tiempo, lo más preocupante para ellos se convierte en el mundo exterior, sinónimo de peligro y tentación. La paz les llega, pero la fragilidad siempre está ahí.
El creyente supone un acercamiento a la fe desde la perspectiva de un agnóstico. Filmar la fe no es fácil, Kahn lo resuelve a través de la duda, la del protagonista que es la suya misma, ahí es donde se aleja del relato panfletario pues no cae en la tentación de aleccionar al público. De hecho, el público vivirá la cinta desde la impresión de extrañeza, le desconcertará la evolución de la trama dejándole con la intriga de descubrir a dónde nos quiere llevar. Probablemente quienes más conecten con la narración no serán los espectadores religiosos, sino aquellos que desde su laicidad sienten la curiosidad de vislumbrar intelectualmente qué caracteriza a esta virtud teologal. La fe, como creencia suprasensible, no puede experimentarse desde el empeño de la voluntad, es una confianza en la certeza de Dios que no procede de discurso intelectual alguno, exige haber contemplado alguna especie de revelación, haber recorrido el Camino de Damasco, una actitud ante el mundo que tiene más de emocional que de racional. Kahn respeta a la gente que tiene fe y en cierto modo, incluso les envidia. Al respecto declara que “la fe es un tema intimo, que muchas veces, va más allá del marco de la religión. Si tú piensas en la vida: amor, pasión y compromiso – es todo cuestión de fe”.
Y ese es el camino que emprende el director. El creyente va más allá de retratar una comunidad aglutinada por el rezo y el trabajo (lo que viven esos chicos es muy parecido al retiro monacal), puesto qué acabará defendiendo que el amor humano es una fuerza superior a la propia creencia. El amor, vivido de forma sincera, es el verdadero poder que nos puede hacer superar nuestras limitaciones. La cinta bien podría cerrarse con la cita de la enigmática oración con la que Goethe termina su Fausto: “El eterno femenino nos eleva”.
X-MEN: FÉNIX OSCURA (X-Men: Dark Phoenix, Simon Kinberg, 2019)
USA. Duración: 116 min. Guion: Simon Kinberg (Historia: John Byrne, Chris Claremont, Dave Cockrum) Música: Hans Zimmer Fotografía: Mauro Fiore Productora: 20th Century Fox Film Corporation / Bad Hat Harry Productions / Donners’ Company Género: Ciencia ficción.
Reparto: Sophie Turner, James McAvoy, Michael Fassbender, Jennifer Lawrence, Jessica Chastain, Nicholas Hoult, Tye Sheridan, Alexandra Shipp,Kodi Smit-McPhee, Evan Peters, Scott Shepherd, Ato Essandoh,Brian d’Arcy James, Summer Fontana, Hannah Emily Anderson
Sinopsis: Los X-Men se enfrentan a su enemigo más poderoso: uno de sus miembros, Jean Grey. Durante una misión de rescate en el espacio, Jean casi muere al ser alcanzada por una misteriosa fuerza cósmica. Cuando regresa a casa, esa radiación la ha hecho más poderosa, pero mucho más inestable. Mientras lucha con la entidad que habita en su interior, Jean desata sus poderes de formas que no puede controlar ni comprender. Jean cae en una espiral fuera de control haciendo daño a aquellos que más ama y empieza a destruir los lazos que mantienen unidos a los X-Men.
La saga de Fénix Oscura, desarrollada en las páginas de X-Men durante el año 1980, fue una de las más importantes del Universo Marvel. Con guión de Chris Claremont y dibujos de John Byrne, marcó un antes y un después y representó la cima de popularidad de la serie tras haber estado a punto de desaparecer. Tras esa saga las cosas ya no volverían a ser nunca iguales. O si, pues tanto el Universo Marvel como sus lectores están más que habituados a cambios profundos que terminan llevando la historia a ninguna parte o de nuevo, al punto de partida. Pero eso es otra historia y aquí se trata de hablar de la película que adapta esa saga y que se estrena este viernes, cinta que, además, será la última película Fox dedicada a los mutantes, ya que a partir de ahora Disney, propietaria de los derechos, se hará cargo de los personajes incorporándolos, en un futuro cercano, al resto del Universo Marvel.
X-Men: Fénix Oscura tiene un tono solemne. Sombrío. Algo necesario ante lo que se va a desatar. También posee una épica de la que carecen las películas de The Avengers, por ejemplo. No se recurre al humor y su trama puede enmarcarse dentro de la ciencia-ficción. Sus protagonistas son más humanos y consiguen ser empáticos, precisamente por sus dudas y debilidades y por no estar sus trajes tan repletos de musculatura. No son perfectos. Y por eso mismo las series de mutantes han sido siempre una debilidad para Serendipia al considerarlas mas coherentes y mejor acabadas que, por ejemplo, las de sus supervitaminados colegas. Pero hay más, pues a los problemas personales de sus personajes y particularmente de Jean Grey -interpretada por una magnífica Sophie Turner- , se le añade una invasión alienígena y mucha acción. Acción que va desarrollándose in crescendo, sumándose a la atmósfera épica que augurará todo un fin de ciclo en el que la música de Hans Zimmer resultará fundamental.
No podrá sentirse defraudado el espectador, pues tendrá toda la acción que pudiera desear en la bien desarrollada lucha en el tren que precederá a la batalla final, con la que solo restará despedirnos de los mutantes, auténticos artífices, para bien o para mal, de la era Marvel en el cine.
EL SÓTANO DE MA (Ma, Tate Taylor, 2019)
USA. Duración: 99 min. Guion: Scotty Landes, Tate Taylor Música: Gregory Tripi Fotografía: Christina Voros Productora: Blumhouse Productions Género: Thriller
Reparto: Octavia Spencer, Diana Silvers, Juliette Lewis, Luke Evans, McKaley Miller,Corey Fogelmanis, Dante Brown, Gianni Paolo, Tanyell Waivers, Dominic Burgess,Heather Marie Pate, Allison Janney, Tate Taylor, Margaret Fegan, Missi Pyle,Victor Turpin, Kyanna Simone Simpson, Calvin Williams, Andrew Matthew Welch,Skyler Joy
Sinopsis: La oscarizada Octavia Spencer es Sue Ann, una mujer solitaria que vive en una pequeña localidad de Ohio. Un buen día, Maggie (Diana Silvers, Glass/Cristal), una adolescente recién llegada a la ciudad, le pide a Sue que compre alcohol para su grupo de amigos. La protagonista no desperdicia la oportunidad e intenta hacerse amiga de los adolescentes, sin que parezca preocuparle que sean notablemente más jóvenes que ella. Para ganarse esa amistad, Sue Ann les ofrece la posibilidad de beber sin tener que conducir, quedándose en el sótano de su casa. Solo hay unas pocas reglas básicas: un miembro del grupo debe permanecer sobrio, nada de palabrotas, nadie puede subir a la parte de arriba de la casa, y deben llamarla “Ma”.
Poco a poco, la hospitalidad de Ma empieza a convertirse en una obsesión y lo que empezó como un sueño hecho realidad para los adolescentes se convierte en una escalofriante pesadilla. El sótano de la casa pasa de ser el mejor escondite al lugar más aterrador.
La extrañeza será la gran protagonista en El sótano de ma. Extrañeza ante un nuevo hogar. Ante los nuevos compañeros de clase y nuevos vecinos. Extrañeza ante el amor. El primer amor. Y extrañeza por las situaciones anómalas. Una vecina acogedora que parece hablar el mismo idioma que los adolescentes, lo suficiente como para formar parte de su grupo. Niños que crecen y adultos a los que el pasado les impide madurar.
La nueva película producida por Blumhouse, responsable de éxitos como Múltiple, Déjame salir o la saga La noche de las bestias, acomete este terror en el que la tensión va subiendo, de manera calculada, progresivamente conforme avanza la cinta. Nada de sobresaltos ni efectos manidos. La acción se toma su tiempo y se cocina a fuego lento.
Se nos muestran jirones del pasado de Ma, de lo que la ha llevado a su extraño comportamiento. Subiendo el tono progresivamente hasta llegar a una explosión final que, lamentablemente, sabe a poco tras haberse preparado pacientemente al espectador para ello. Consigue intrigar. Incomodar incluso, pero la conclusión ofrece menos de lo que podría esperarse.
En todo caso no es, ni mucho menos, un ejercicio desechable, pues cuenta con la participación de la oscarizada Octavia Spencer, además de Juliette Lewis como la madre de Maggie, interpretada por Diana Silvers, jovencísima actriz que consigue, junto a su grupo de amigos, resultar creíbles como adolescentes más allá de su papel de potencial carnaza para el asesino de turno.
Finalmente, y no creo hacerles ningún spoiler, les recomiendo que no se encariñen mucho con la mascota de la protagonista.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 31 de mayo de 2019 *
LA CORRESPONSAL (A Private War, Matthew Heineman, 2018)
USA. Duración: 110 min. Guion: Arash Amel, Marie Brenner Música: H. Scott Salinas Fotografía: Robert Richardson Productora: Aviron Pictures / Acacia Filmed Entertainment / Denver and Delilah Productions / Savvy Media Holdings / Thunder Road Pictures Género: Drama biográfico
Reparto: Rosamund Pike, Jamie Dornan, Tom Hollander, Jesuthasan Antonythasan, Pano Masti, Stanley Tucci, Alexandra Moen, Corey Johnson, Hilton McRae, Raad Rawi
Sinopsis: Marie Colvin (Rosamund Pike) fue una periodista reconocida mundialmente por su trabajo en distintos conflictos bélicos. Testigo de algunas cruentas batallas recientes, especialmente de lo sucedido en Oriente Medio, Colvin contaba con el respeto tanto de los lectores como de sus compañeros de profesión por su enorme valentía y humildad. Sin embargo, su personalidad era caótica y autodestructiva: abusaba del alcohol y su vida personal era, según sus propias palabras, un «auténtico desastre». Tras recibir el impacto de una granada en Sri Lanka, comienza a llevar un distintivo parche en el ojo mientras se sienta a tomar martinis rodeada de la alta sociedad londinense a la que tanto aborrece, hasta que un día recibe el más peligroso de todos los encargos, que acepta junto a su también prestigioso fotógrafo de guerra, Paul Conroy (Jamie Dornan). Juntos viajan a Siria para cubrir lo que sucede en la ciudad de Homs, donde aprenderá el verdadero coste de la guerra, tanto física como psicológicamente.
La corresponsal, más allá de ser un biopic al uso, es un homenaje a los periodistas comprometidos. Héroes -casi- anónimos que deciden informar sobre lo que nadie informa y desde el mismo centro del huracán. Un huracán que, en muchos casos, acaba engulléndolos.
Cuenta la apasionante vida de la periodista Marie Colvin, que cubrió algunos de los conflictos bélicos más importantes de las últimas tres décadas para el diario Sunday Times. El guión adapta un artículo de la revista Vanity Fair titulado “Marie Colvin’s Private War”, escrito por Marie Brenner, que recoge los hitos por los que Marie Colvin pasó a la Historia del periodismo y el sacrificio personal que supuso para ella dedicarse a la información en zonas de conflicto. Un sacrificio que la periodista tomaba como una obligación moral.
Además de perpetuar la memoria de la reportera, La corresponsal es todo un alegato antibélico, pues lo que nos muestra no son las gestas de los ejércitos ni las noticias oficiales que los gobiernos desean que se compartan, pulidas, en los informativos: muestra y denuncia pequeñas historias protagonizadas por civiles. Mujeres, niños y ancianos, los más desvalidos, que ven como la guerra se precipita sobre sus cabezas sin poderlo evitar.
Rosamund Pike, en el papel protagonista, consigue trasmitir la desesperación de la periodista, su lucha por combatir los terribles recuerdos de los vivido en todas esas zonas en conflicto, así como las pesadillas que no dejan de perseguirla. Pero también su compromiso con la información. Un sobresaliente trabajo que la ha hecho merecedora de una nominación a los Globos de Oro. Matthew Heineman , por su parte, realiza una remarcable labor, haciendo de la cámara un testigo más de la acción, rodando de manera realista, contagiando al espectador la tensión de los momentos de peligro por los que atraviesan los jornalistas: controles en territorio enemigo, bombardeos, tiroteos… Un periplo que llevará a la protagonista de Sri Lanka -donde pierde el ojo izquierdo-, a Iraq, Afganistán, Libia y finalmente Siria.
La conclusión es desoladora, no tan solo por el destino de Marie Colvin, sino también por los diferentes conflictos bélicos que se retratan, que se desarrollan en diferentes puntos del planeta pero en los que vemos que siempre, indefectiblemente, los que terminan pagando las peores consecuencias son siempre los inocentes.
En palabras de su director Matthew Heineman: «La corresponsal celebra el periodismo y la figura de Marie, que arriesgó su vida una y otra vez para contar una verdad que muchos no queremos oír. Para mí ha sido muy importante detenerme en la vida personal de Marie y por ello he intentado analizar también sus conflictos internos. No quería plantear la película como un biopic, sino estudiar cómo esas adicciones tan paradójicas hacían de Marie una periodista brillante y un alma torturada que a menudo se preguntaba si al mundo le interesarían las cosas que ella contaba.»
ROCKETMAN (Dexter Fletcher, 2019)
UK. Duración: 121 min. Guion: Lee Hall Música: Elton John, Matthew Margeson Fotografía: George Richmond Productora: Marv Films / Rocket Pictures / Marv Studios / New Republic Pictures / Pixoloid Studios. Distribuida por Paramount Pictures Género: Biopic musical
Reparto: Taron Egerton, Jamie Bell, Richard Madden, Bryce Dallas Howard,Steven Mackintosh, Gemma Jones, Tom Bennett, Kit Connor, Viktorija Faith,Charlotte Sharland, Layton Williams, Bern Collaco, Ziad Abaza, Jamie Bacon,Kamil Lemieszewski, Israel Ruiz, Graham Fletcher-Cook
Sinopsis: La película, en clave musical, se centrará en la vida y obra de Elton John. El compositor y cantante británico.
El film se inicia con la llegada de Elton John a una reunión de alcohólicos anónimos, lo que servirá para poner al espectador en situación con el personaje y a este para narrar su existencia a modo de flashback. Desde su infeliz infancia como Reginald Dwight, niño superdotado para la música pero traumatizado por un padre que no lo quiere ni valora, a sus primeros pinitos en el mundo del rock y su encuentro con Bernie Taupin, compañero con ella que compondrá tantas y tantas bellas canciones, pasando por la obligada entrada de ambos en el mercado americano, el nacimiento de la bestia escénica y la irrupción en su vida del tríptico sexo, drogas y Rock&Roll. Y de ahí al desencanto, al vacío, a aceptar, por fin, su condición sexual con estrepitosa caída, por el camino, en todo lujo de excesos. Y todo regado, por supuesto, con muchas de las mejores canciones de Elton John.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 24 de mayo de 2019 *
LA VIUDA (Greta, Neil Jordan, 2018)
USA/Irlanda. Duración: 98 min. Guion: Ray Wright, Neil Jordan Música: Dominik Scherrer Fotografía: Seamus McGarvey Productora: Anonymous Content / Sidney Kimmel Entertainment / Lawrence Bender Productions / Little Wave Productions. Distribuida por: Focus Features Género: Thriller
Reparto: Isabelle Huppert, Chloë Grace Moretz, Maika Monroe, Stephen Rea, Colm Feore,Zawe Ashton
Sinopsis: Frances (Chloë Grace Moretz) es una dulce e ingenua joven que, tras la muerte de su madre, se muda a Manhattan. Cuando encuentra en el metro un bolso extraviado, decide entregárselo a su legítima dueña, Greta (Isabelle Huppert), una pianista viuda con una desesperada necesidad de compañía. Rápidamente se convierten en amigas, pero su amistad cambia cuando se descubren las siniestras intenciones de Greta.
Isabelle Huppert prosigue su itinerario más internacional regresando a uno de sus géneros favoritos tras entusiasmar con Elle de Paul Verhoeven, y lo hace de la mano de Neil Jordan dando vida a un personaje que nadie hubiera podido encarnar mejor. Y con el que también, en parte, se parodia a sí misma. Pues detrás de la culta y muy europea Greta se esconde una mala víbora que hará la vida imposible al sensible personaje que encarna Chloë Grace Moretz, actriz que se contagiará de la clase de la actriz francesa realizado una labor a la altura de su compañera, en la que es una de sus mejores interpretaciones, de una profundidad que podría considerarse como uno de sus papeles más adultos y elaborados. Nos congratula ver que Chloë, por la que apostamos ya desde que nos dejó paralizados en Kick Ass, ha dejado de ser una promesa para convertirse en toda una actriz
En cuanto a la historia, la verdad es que cuanto menos sepan sobre ella más la disfrutarán. Estamos antes un thriller psicológico realizado de manera modélica, como no podría ser menos en Jordan, narrado muy a la antigua usanza, pero que da sopas con honda a películas y directores de moda como Jordan Peele y sus trabajos, ofreciendo una lección magistral de como debe realizarse un buen thriller y construir una buena historia. Tensa, ingeniosa y con agradables gotas de humor, a veces muy negro, la película trasmite al espectador toda la angustia que sufre la joven protagonista.
Una película de mujeres, y de soledad. Que analiza la pérdida, el dolor y el vacío que provoca. En una el marido y en la otra su madre, lo que creará un vínculo entre ambas antes de que lo extraño entre en juego, dando la vuelta a la trama y cambiando radicalmente la película de género, pasando a ser un tenso thriller realizado con muy buen pulso y un final ejemplar, al que llegaremos tras habernos devorado las uñas.
Ambas protagonistas comparten reparto con Maika Monroe (‘It Follows, ‘The guest’), que también realiza un remarcable trabajo como amiga pija de la Moretz, Colm Feore (‘House of cards’, ‘Thor’) y Stephen Rea, un rostro habitual en las películas de Jordan y que rinde con su personaje todo un homenaje al mago del suspense.
En palabras del director: “Lo que me atrajo de ‘La viuda’ fue la simplicidad de la historia. Una joven, una viuda y un bolso de cuero verde extraviado. La idea de que cualquier encuentro casual pudiera ser el germen de una gran amistad, o bien, de los terrores de una necesidad obsesiva, era muy interesante. Aquí no hay fantasmas, ni elementos sobrenaturales, ni monstruos, solo la soledad humana como la fuente de todo terror. Y en realidad, si lo piensas, es suficientemente terrorífico”.
TOMMY (Ken Russell, 1975)
UK. Duración: 111 min. Guion: Pete Townshend, Ken Russell Música: Pete Townshend, The Who Fotografía: Dick Bush, Ronnie Taylor, Robin Lehman Productora: Robert Stigwood Organization (RSO) / Hemdale Film Género: Musical
Reparto: Roger Daltrey, Ann-Margret, Oliver Reed, Paul Nicholas, Tina Turner, Elton John,Eric Clapton, Keith Moon, Barry Winch, John Entwistle, Robert Powell,Jack Nicholson, Victoria Russell, Pete Townshend
Sinopsis: La película cuenta la historia de Tommy (Roger Daltrey), un niño de 5 años que vive con su madre, Nora (Ann-Margret), y su padrastro, Frank (Oliver Reed). Su padre, dado por muerto en la guerra, regresa al hogar inesperadamente. Se pelea con Frank al ver que se ha casado con su mujer, y con el niño como testigo involuntario, Frank mata al padre de Tommy. La experiencia sufrida provoca en él un trauma psicológico que le deja sordo, mudo y ciego, pero con el tiempo, Tommy desarrolla una habilidad asombrosa.
En el 50 aniversario de la edición del influyente doble álbum Tommy de The Who, primera ópera rock, A Contracorriente Films trae de nuevo a la pantalla la exitosa película que adaptó y dirigió Ken Russell en 1975.
Tommy, que se beneficia del delirante universo particular del director británico, no ha perdido frescura, precisamente, por contener imágenes inolvidables y una magnífica banda sonora que además de dinamizar los temas originales, añade otros interpretes como Eric Clapton, Elton John o Tina Turner, junto a los propios The Who y especialmente su cantante, Roger Daltrey, que protagoniza la película interpretando al chico sordo, ciego y mudo. Daltrey inició con este filme una pequeña carrera cinematográfica que se prolongó con una nueva e inmediata colaboración con Ken Russell (Liztomania, 1975) y el drama carcelario McVicar (Tom Clegg, 1980) entre otros trabajos menores.
Tommy también cuenta con la presencia de una feroz Ann-Margret, no en vano nominada al Oscar por su trabajo en este filme, un divertido Oliver Reed y un sorprendente Jack Nicholson.
Esta nueva copia, restaurada con el sonido original 5.0 (Quintaphonic), se podrá ver en cines a partir del jueves 23 de mayo y por esas mismas fechas se pondrá a la venta una nueva edición en blu-ray, con más de dos horas de contenidos extra.
EL HIJO (Brightburn, David Yarovesky, 2019)D
USA. Duración: 90 min. Guion: Brian Gunn, Mark Gunn Música: Tim Williams Fotografía: Michael Dallatorre Productora: H Collective . Distribuida por: Sony Pictures Entertainment (SPE). Productor: James Gunn Género: Terror
Reparto: Elizabeth Banks, David Denman, Meredith Hagner, Matt Jones, Jennifer Holland,Steve Agee, Becky Wahlstrom, Stephen Blackehart, Jackson A. Dunn,Terence Rosemore, Annie Humphrey, Christian Finlayson, Emmie Hunter,Mike Dunston, Gregory Alan Williams, Elizabeth Becka, Gwen Parrish,Leah Goodkind, Shaun McMillan
Sinopsis: ¿Qué pasaría si un niño con poderes de otro mundo aterrizara de emergencia en la Tierra, pero en lugar de convertirse en un héroe para la humanidad fuera algo mucho más siniestro? Después de una dura lucha con su fertilidad, los sueños de ser madre de Tori se hacen realidad con la llegada de un misterioso bebé. Brandon parece ser todo lo que Tori y su marido Kyle siempre quisieron: brillante, con talento, curioso por el mundo que le rodea. Pero cuando Brandon se acerca a la pubertad, una poderosa oscuridad se manifiesta en su interior, y a Tori empiezan a consumirle las dudas acerca de su hijo. Una vez que Brandon empieza a dar salida a sus retorcidas necesidades, pone en peligro a aquellos más cercanos a él. El niño prodigio se transforma en un despiadado predador desatado en una ignorante ciudad de Kansas.
El hijo es el reverso tenebroso del extraterrestre de Kripton que al crecer decidió hacer el bien con la ropa interior por encima de las mallas. Siguiendo el esquema del Superman (1978) de Stanley Donner, el pequeño llega caído del cielo y es encontrado por una pareja deseosa de tener descendencia, que lo adoptará como si fuera suyo. Todo irá más o menos normal para el niño, que comenzará a ganarse fama de rarillo en el colegio por ser un superdotado en los estudios. Será al llegar a la adolescencia cuando, además de los cambios habituales de la edad, notará que posee unos extraños poderes… que no utilizará para el bien común, pues todavía no es responsable de la gravedad de sus actos, actúa de forma caprichosa y egoísta y descubrirá sus poderes mediante la ira.
Esa es la premisa desde la que parte la simpática película que ha producida James Gunn, director del díptico protagonizado por los Guardianes de la Galaxia, que afortunadamente ha sido consciente de estar haciendo una película de terror con todas sus consecuencias y toda la hemoglobina en su lugar, dando pié a dos memorables escenas que satisfarán a los más encallecidos amantes del género.
Una ingeniosa vuelta de tuerca al manido tema de los superhéroes que cumple con creces su función de entretener gracias a sus dosis de mala uva que servirán, de paso, para ratificar la sabia decisión de muchos de los espectadores de no abrazar la paternidad.
VAMOS DE ESTRENO (o no) *Viernes 17 de mayo de 2019 *
SOMBRA (Shadow, Zhang Yimou, 2018)
China/HK. Duración: 116 min. Guion: Zhang Yimou, Wei Li Música: Lao Zai Fotografía: Xiaoding Zhao Productora: Village Roadshow Pictures Asia / LeVision Pictures Género: Drama
Reparto: Deng Chao, Li Sun, Ryan Zheng, Guan Xiaotong
Sinopsis: El condado de Pei (Peixian) está bajo la administración de un rey salvaje y peligroso (Zheng Kai). El comandante militar de su ejército (Deng Chao), aunque ha demostrado su valía en el campo de batalla, se ve forzado a emplear toda clase de sucias estratagemas para poder sobrevivir a las traiciones que se suceden en la corte del rey. Para ello ha creado una «sombra» (interpretada por el propio Chao), un doble que es capaz de engañar al mismísimo rey y a sus enemigos cuando la situación lo requiere. Cuando el rey y el comandante deciden asediar la ciudad amurallada de Jing, comenzará un combate sin igual que sacudirá los cimientos de la corte de Peixian.
El yin y el yang son dos conceptos del taoísmo que son usados para representar o referirse a la dualidad que esta filosofía atribuye a todo lo existente en el universo. Describe las dos fuerzas fundamentales opuestas y complementarias, que se encuentran en todas las cosas. Y esta fuerza, eternamente enfrentada, pero complementaria, es la que ha utilizado Yimou para mostrar el combate por la recuperación de la ciudad de Jing, pero también la lucha de ese doble, de esa ‘sombra’ por recuperar la personalidad arrebatada por el general que lo ha entrenado para suplirle en situaciones de riesgo. También se reflejará esta dualidad en la espectacular toma de la ciudad de Jing, utilizando ‘lo femenino’ contra lo masculino. La estrategia contra el músculo.
En su reinterpretación del clásico Tres reinos, Zhang Yimou ofrece al espectador altas dosis de filosofía, a la que ha añadido magníficas coreografías de lucha y espectaculares escenas de acción que dejan en pantalla, y en nuestro subconsciente, un buen número de imágenes antológicas, evocadoras, reforzadas por ese tono gris que predomina en la fotografía, un gris tan solo roto con la carne y la sangre, únicas notas de color en un universo triste, en el que la continua y plomiza lluvia conseguirá repercutir en el ánimo del espectador. De manera inexorable e inevitable, como el enfrentamiento final. Gris como el acero.
A resaltar, finalmente, el magnífico trabajo de su protagonista, Chao Deng, que aborda un doble papel de manera magistral. Arte con mayúsculas.
HELLBOY (Neil Marshall, 2019)
USA. Duración: 120 min. Guion: Andrew Cosby, Christopher Golden (Cómic: Mike Mignola) Música: Benjamin Wallfisch Fotografía: Lorenzo Senatore Productora: Millennium Films / Campbell Grobman Films / Dark Horse Entertainment / Lawrence Gordon Productions Género: Fantástico
Reparto: David Harbour, Ian McShane, Milla Jovovich, Sasha Lane, Daniel Dae Kim,Thomas Haden Church, Penelope Mitchell, Sophie Okonedo, Brian Gleeson,Kristina Klebe, Alistair Petrie, Ashley Edner, Douglas Tait, Bern Collaco,Mario de la Rosa, Atanas Srebrev, Michael Heath, Ava Brennan, Mark Basnight,Eddy Shore, Tihomir Vinchev, Anthony Delaney, Vanessa Eichholz
Sinopsis: La Agencia para la Investigación y Defensa Paranormal (AIDP) encomienda a Hellboy la tarea de derrotar a un espíritu ancestral: Nimue, conocida como «La Reina de la Sangre». Nimue fue la amante del mismísimo Merlín durante el reinado del Rey Arturo, de él aprendió los hechizos que la llevaron a ser una de las brujas más poderosas… Pero la locura se apoderó de ella y aprisionó al mago para toda la eternidad. Hace siglos consiguieron acabar con esta villana, enterrándola profundamente, pero ha vuelto de entre los muertos con la intención de destruir a la humanidad con su magia negra.
Con un inicio con sabor a cine de terror clásico, situado en la Edad Media, pasamos a México, donde comenzará la acción y los mamporros con luchadores enmascarados, vampiros y Hellboy, que, socarrón y pendenciero, se hará con la película desde su primera aparición. Para esta primera aventura post-Del Toro, sus guionistas han dotado a la misma de todo el sabor pulp, con órdenes herméticas, referencias al ciclo Artúrico, fantasía épica, brujería, humor y Rock&Roll. Pero pronto la alegría comienza a decaer cuando vemos que, si bien la violencia está presente, no salpica la pantalla, pues la versión que nos ha llegado ha sido rebajada de hemoglobina, seguramente para que pueda exhibirse ante un público infantil. Y es un error, pues estamos hablando de una creación que en ningún momento ha estado destinada a ese público. Es un cómic para adultos y se espera que las películas también lo sean pero…
También el ritmo va acelerándose conforme avanza la acción hasta llegar a estar quizás un poco sobrada de pirotecnia y artificio, sobre todo en su tramo final y su prolongado clímax. Y a pesar de que retoma aspectos esenciales del personaje, como su dualidad, volviendo a plantear el enfrentamiento del personaje y sus dudas entre ceder al fatalismo o tomar las riendas de su destino, el resultado no deja de ser más superficial que en sus predecesoras.
Sin embargo, en la producción vemos buena voluntad, además de la participación de un competente David Harbour como Hellboy, igual que Sasha Lane como Alice. Lane es una actriz a la que habrá que seguirle la pista, pues tanto en papeles dramáticos en el cine indie (The Miseducation of Cameron Post o Hearts Beat Loud) como ahora en su salto al blockbuster, con mucho humor y acción, demuestra una gran personalidad y mucho oficio. Por su parte Milla Jovovich siempre es bienvenida a la fiesta, y aquí está más que bien como la maligna Reina Sangrienta.
En todo caso es un nuevo comienzo. Una nueva oportunidad para un personaje que tiene mucho que ofrecer y al que otorgamos un margen de confianza, pues su secuela parece estar más que cantada. O al menos anunciada. Ya saben, no marchen cuando se inicien los títulos de crédito finales.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 10 de mayo de 2019 *
VIVIR DEPRISA, AMAR DESPACIO (Plaire, aimer et courir vite, Christophe Honoré, 2018)
Francia. Duración: 132 min. Guion: Christophe Honoré Fotografía: Rémy Chevrin Productora: Les Films Pelléas / arte France Cinéma / Canal+ / Ciné+ Género: Drama
Reparto: Vincent Lacoste, Pierre Deladonchamps, Denis Podalydès, Rio Vega,Willemijn Kressenhof, Adèle Wismes, Clément Métayer, Sophie Letourneur,Marlene Saldana, Teddy Bogaert, Adèle Csech
Sinopsis: Jacques es un escritor que vive en París. Todavía no ha cumplido 40 años pero cree que lo mejor de la vida ya no está por llegar. Arthur es un estudiante que vive en la Bretaña francesa. Lee, sonríe mucho y se niega a aceptar que hay algo imposible en la vida. Jacques y Arthur se gustan y viven como si estuvieran en un sueño romántico o en una historia triste.
A veces una sola obra graba el nombre de su autor en la historia. Andrea Chénier, de toda su producción, es la pieza que ha hecho célebre al verista Umberto Giordano, y el aria para soprano, La mamma morta, la que ha hecho que esa ópera figure en todos los repertorios. Los cinéfilos siempre asociarán la versión de Maria Callas a la escena cumbre de Philadelphia (1993, Jonathan Demme), una escena que, aunque reconozca la pericia de su director al construirla, no puedo contemplar sin sonrojarme. Y es que se me antoja una muestra de sentimentalismo impúdico, pensada para que el público medio alivie su conciencia, pues le permite sentirse liberal al empatizar con un problema como el SIDA en los años noventa. Hasta no faltan los críticos que consideran el filme de Jonathan Demme como la película definitiva sobre el tema, cuando no es más que la muestra del oportunismo mainstream sobre un problema que no tuvo (ni tiene) nada de lírico. Por lo contrario, sensible que no sensiblera, la última cinta de Christophe Honoré, nos aporta una visión del amor en tiempos del SIDA que no cae ni en tópicos ni en adornos.
Año 1993. Arthur (Vincent Lacoste) es un joven estudiante de veinte años que vive en Rennes. Su vida cambia el día que conoce a Jacques (Pierre Deladonchamps), un escritor que vive en París con su joven hijo. Durante el verano, Arthur y Jacques viven una historia amor. Pero Jacques sabe que este amor lo tiene que vivir rápidamente. El ímpetu y la renuncia se dan la mano en esta historia de amor, el primero para Arthur, el último para Jacques, un amor que ha de ser apresurado porque la vida apremia, herida de muerte como está. Honoré ha querido retratar la ambivalencia del sentimiento, es un revulsivo, pero también un desgarro cuando el vivirlo se hace imposible por esa Espada de Damocles que es la enfermedad. Aquí el retrato del SIDA es un drama íntimo con el que se homenajea a toda aquella generación que vivió en carnes su sentencia.
No es la película definitiva sobre la enfermedad ni lo pretende, solo busca asomarnos al vacío de vidas rotas a las que se les arrebató la posibilidad de envejecer junto a la persona amada, de ver concluidas las expectativas de realización en lo profesional y en lo personal. Es un hola y un adiós que se condensan y se funden en una despedida precipitada por el propio anhelo de dar lo mejor de uno mismo al otro, al que se le querrá ahorrar la contemplación de la decadencia. Un irse en el punto del encuentro para no dejar la memoria del dolor. Que todo concluya en el momento de la esperanza. Sin drama ni aspaviento. Más que una historia de amor imposible, esta es una película sobre una vida imposible, que nos instala en el espacio de la melancolía.
Para Honoré los 90s son la década que no termina, por eso la idea general del diseño de producción fue recrear un tiempo sin reconstituirlo. Apela a la memoria desde un ramillete de citas que perlan aquí y allí los fondos. Libros, películas, músicas, tejen un marco referencial que apunta a las vivencias de cada uno, de modo que nos sintamos transportados al corazón de esta historia sintiéndola nuestra. Nos implicamos en los despertares y en los adioses porque los hemos vivido, y los rememoramos con nuestros cinco sentidos que se ven estimulados por lo que acontece en la pantalla. Cada escena es nuestra particular Magdalena de Proust, por eso entendemos tan bien lo que nos cuentan. Humana, profundamente humana y humanista, se nos muestra esta obra como un testimonio y un canto que no es solo remembranza sino también es ahora, pues lo que describe se mantiene vigente. El amor y la muerte en su abrazo siguen y seguirán siendo esencia del existir humano, Honoré lo sabe bien y lo narra con una historia que bien podría ser el universal en el que todos nos reflejamos.
Sensual, carnal, pero no sexualizada, se nos muestra íntima y sugerente sin ninguna ostentación. No es fácil lograr que las secuencias de cama desborden realismo y a la vez una delicadeza casi mágica, para ello hace falta un director y unos actores entregados a la tarea de reproducir la intimidad de la alcoba bajo la presencia de la cámara. Honoré las rueda con muy pocas tomas, reduciendo el equipo al mínimo y ensayándolas con anticipación para explicársela a los actores. Por su parte los intérpretes, en auténtico estado de gracia, las enfrentan con un enfoque abierto en el que el veterano Deladonchamps resultó fundamental para acompañar al joven Lacoste en su interiorización de un personaje que ha de aparecer como objeto de deseo. Hay momentos verdaderamente brillantes en los que nos hacen sentir como nace entre ellos la complicidad. Los personajes toman presencia en la carne de los actores y nos resultan tan creíbles como las gentes que nos cruzamos en nuestro periplo vital. Dos amantes que podrían ser cualquiera de nosotros, así de próximos nos los trae Honoré, así nos los despliega el buen hacer de sus protagonistas.
Honesta, sugerente, emotiva y sutil, así es Vivir deprisa, amar despacio, un derroche de buen cine que nos comunica la agridulce vivencia del amor en tiempos de la enfermedad. Una película llamada a quedarse grabada en nuestro imaginario.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 10 de mayo de 2019 *
EL INCREÍBLE FINDE MENGUANTE (Jon Mikel Caballero, 2019)
España. Duración: 93 min. Guion: Jon Mikel Caballero Música: Luis Hernáiz Fotografía: Tânia da Fonseca Productora: Montreux Entertaiment / Trepamuros Producciones Género: Drama fantástico
Reparto: Iria del Río, Adam Quintero, Nadia de Santiago, Jimmy Castro, Adrián Expósito,Irene Ruiz, Luis Tosar
Sinopsis: Alba (Iria del Río) acaba de cumplir 30 años y se dispone a disfrutar de un fin de semana en una casa de turismo rural con sus amigos. Sus planes de fiesta pronto se ven frustrados cuando su novio Pablo (Adam Quintero) la deja.
Alba se ve entonces atrapada en un bucle temporal donde los hechos del fin de semana comienzan a repetirse una y otra vez.
Pero algo es diferente, cada repetición dura una hora menos que la anterior. ¿Es el bucle una oportunidad para solucionar sus problemas o un castigo? ¿Qué pasará cuando el tiempo se consuma? ¿Qué pasará cuando todo acabe definitivamente?
Una película pequeña, de poco presupuesto, pero convincente. Buena dirección, buenos actores, buena narración con un guión ingenioso y unas bonitas localizaciones. Su director, Jon Mikel Caballero, demuestra haber tomado buena nota de los diversos trabajos que ha realizado para J. A. Bayona o Kike Maíllo y tras dos cortometrajes, Hibernation (2013) y Cenizo (2016) que suman 55 premios y 300 selecciones internacionales, dirige su primer largo con pulso firme y las ideas muy claras. El increíble finde menguante es un drama fantástico con toques de comedia que no puede negar su clara inspiración en Atrapado en el tiempo y otras cintas con bucles temporales en las que todo se repite una y otra vez pero, en este caso, con una cuenta atrás de por medio: cada repetición se acorta una hora, restando tiempo a la protagonista para resolver sus asuntos pendientes y su atasco vital. Un tiempo que se acaba, que caduca, como se termina la loca juventud de la joven protagonista, que treintañera, parece no darse cuenta de que hay que madurar y comenzar a plantearse lo que uno desea hacer con el resto de su vida.
Con algunos bonitos detalles, como el de las cápsulas del tiempo enterradas por una Alba niña en el bosque, o el que la pantalla se vaya comprimiendo conforme el tiempo se va acortando, lo que añade urgencia y ahogo a la historia, junto a una excelsas localizaciones naturales, hacen que la película sea algo más que una aventura, una enorme broma de jóvenes borrachos descontrolando en el bosque, a pesar de que Caballero comience su película como si de un clásico slasher se tratara, con los protagonistas llegando a la casa en la que se disponen a pasar un fin de semana etílico que resultará más largo de lo esperado, al menos para su protagonista, encarnada por Iria del Río, que realiza un magnífico trabajo, al igual que el resto del elenco en el que destaca Nadia de Santiago, una de nuestras debilidades, pero también Adam Quintero, Jimmy Castro, Irene Ruiz y Adrián Expósito. Sin olvidar la participación de Luis Tosar, como padre de la protagonista.
Por todo ello nos ha convencido El increíble finde menguante, cinta que participó recientemente en el Festival de Cine de Málaga y en el Festival de Cine Fantástico de Bilbao- FANT, donde se ha llevado los premios al mejor guión y director. Buen comienzo.
DE LA INDIA A PARÍS EN UN ARMARIO DE IKEA (The Extraordinary Journey of the Fakir, Ken Scott, 2018)
Francia/USA/Bélgica/Singapur/India Duración: 92 min. Guion: Luc Bossi (Novela: Romain Puertolas) Música: Nicolas Errèra Fotografía: Vincent Mathias Productora: Brio Films / Little Red Car Films Género: Comedia
Reparto: Dhanush, Bérénice Bejo, Erin Moriarty, Barkhad Abdi, Gérard Jugnot,Sarah-Jeanne Labrosse, Seema Biswas, Abel Jafri, Uwamungu Cornelis,Mar Sodupe, Gandharv Dewan, Hearty Singh, Daniele Nisi, Amruta Sant,Omkar Ketkar, Pauline Maréchal, Edwin Gillet
Sinopsis: Aja, un joven que sobrevive en la India gracias a su ingenio y pillería, emprende un viaje a Francia para cumplir un sueño de su madre. En París, con pocos recursos económicos, decide pasar la noche en un IKEA donde conocerá a Marie. Pero sus esperanzas sentimentales se desvanecen cuando queda atrapado dentro de un armario que es enviado al extranjero, iniciando un viaje que cambiará su vida para siempre.
Basada en el best seller de Romain Puértolas «El increíble viaje del faquir que se quedó atrapado en un armario de Ikea», obra que fue traducida a 37 idiomas, el filme de Ken Scott, a pesar de la inequívoca buena voluntad puesta en él, no termina de ofrecer, bajo nuestro punto de vista, un producto satisfactorio. Si bien se trata de un cuento, una parábola sobre las cosas realmente importantes de la vida mostrado mediante una serie de casualidades y pequeños desastres que transformarán la vida del protagonista, así como su percepción de la existencia, el resultado, que podría haber resultado sanamente delirante, a la manera del realismo mágico, con denuncia incluida a los graves desequilibrios sociales entre clases y las reticencias hacia la emigración del tercer mundo, se queda a medio camino, con mucho de propaganda de Ikea y de recorrido turístico por Europa, ofreciendo de paso un mensaje un tanto equívoco y en ocasiones ofensivo lleno de tópicos. En todo caso no deja de ser un entretenimiento inofensivo, con algún buen gag y que posiblemente funcionará bastante mejor en su versión escrita, pues no en vano su autor ha publicado recientemente su continuación «Las aventuras de un faquir en el país de Ikea».
LA TRAGEDIA DE PETERLOO (Peterloo, Mike Leigh, 2018)
UK/USA. Duración: 154 min. Guion: Mike Leigh Música: Gary Yershon Fotografía: Dick Pope Productora: BFI Film Fund / Film4 / Thin Man Films. Distribuida por: Amazon Video Género: Drama
Reparto: Rory Kinnear, Maxine Peake, David Bamber, Marion Bailey, Kieran O’Brien,Adam Long, Tim McInnerny, Leo Bill, Nico Mirallegro, Teresa Mahoney, Karl Johnson
Sinopsis: ‘La tragedia de Peterloo’ es la representación épica de los hechos ocurridos en la Masacre de Peterloo de 1819, en la que una manifestación pacífica a favor de la democracia en Manchester se convirtió en uno de los episodios más sangrientos y notorios de la historia británica. Las fuerzas del gobierno británico cargaron contra una multitud de más de 60.000 personas que se habían reunido para exigir una reforma política y para protestar contra el aumento de los niveles de pobreza. La tragedia de Peterloo fue un momento decisivo en la democracia británica y fue el inicio de la fundación del periódico The Guardian.
Minucioso documento, de impecable ambientación y vestuario en el que los diferentes personajes parecen haber sido escogidos uno a uno para ofrecer la máxima verosimilitud con el fin de retratar la época y las costumbres de la Inglaterra de principios del siglo XVIII. El reputado director ingles, Mike Leigh, se toma su tiempo con la acción, cuidando cada una de las tomas, algunas de verdadera calidad pictórica inspiradas en Vermeer. El resultado es delicioso, su acción lenta, se toma su tiempo para llevar al espectador y a los diferentes personajes hasta el clímax. Un clímax que, aún sabido, enerva por lo familiar que resulta. Por mostrar como las guerras las ganan los políticos y los generales y siempre las pierden los trabajadores. Trabajadores que son obligados a pagar precios abusivos por los productos de primera necesidad que venden los terratenientes británicos. La cinta también muestra el comienzo de la industrialización y los inicios del movimiento obrero, y lo hace sin panfletismos ni soflamas. De manera sutil, casi documental. Sin embellecerlo ni magnificarlo. Un tipo de cine que, nos tememos, está condenado a desaparecer más allá del circuito de festivales.
Con un magnífico reparto, en el que no destacan grandes estrellas, La tragedia de Peterloo se presentó en la pasada edición del Festival Internacional de Cine de Venecia, y en la sección oficial de la reciente tercera edición del Festival Internacional de Cine de Barcelona-Sant Jordi (BCN Film Fest), donde obtuvo el premio Educacine.
STEVE BANNON, EL GRAN MANIPULADOR (The Brink, Alison Klayman, 2019)
USA Duración: 93 min. Música: Ilan Isakov, Dan Teicher Fotografía: Alison Klayman Productora: RYOT Films. Distribuida por Magnolia Pictures Género: Documental
Sinopsis: Crónica sobre la vida personal y la carrera profesional de Steve Bannon, el estratega político responsable de la campaña electoral de Donald Trump, que se marcó como propósito extender por el país y el mundo el nacionalismo ultraderechista.
El que fuera asesor y jefe de estrategia de Donald Trump durante la campaña que le llevó a la Casa Blanca y los primeros meses de su mandato, así como artífice e ideólogo del brexit, ha dedicado los últimos dos años a erigirse en el referente aglutinador de las diversas fuerzas neofascistas que aspiran, este mes de mayo, a entrar con fuerza en el Parlamento Europeo.
Alison Klayman muestra al objeto de su estudio en su salsa: reuniones, entrevistas, conferencias… pero también en la trastienda, devorando comida basura y consumiendo continuamente bebida energética, así como haciéndose multitud de fotografías con «las dos espinas a los lados y la rosa en el medio» (o sea, la mujer entre dos hombres). Steve Bannon, que se considera, textualmente, señalado por la Divina Providencia, es socarrón, casi simpático. Y vende su proyecto bajo el nombre de nacionalismo económico. Pero no nos engaña: a pesar de que en varios momentos del documental se invita a la directora a salir de diversas reuniones, para que su contenido no transcienda, se incluyen pequeñas y no tan pequeñas muestras de lo que en verdad está sucediendo. Tanto a él como a sus colaboradores se les escapan pequeñas perlas, pistas que retratan la catadura moral y política del personaje. Y es que la referencia que el mismo Bannon hace sobre Leni Riefenstahl no es gratuita, aunque su forma de adecuar su discurso, acomodando en el mismo cuando le conviene la mentira, nos recuerda mucho más a Goebbels. Y es que Steve Bannon es un alumno aventajado del jerifalte nazi, que tanto sabía sobre el poder de la propaganda sobre la población. Y se comprende que cuando no se está destrozando la salud con bebidas energéticas, Bannon esté siempre pendiente de su teléfono móvil, herramienta que no deja de consultar.
Alison Klayman, Pepito Grillo del ex-asesor muestra sus contactos, además de con líderes ultraderechistas europeos como el ministro del interior italiano Matteo Salvini o el ex líder del UKIP británico Nigel Farage, con políticos pro-brexit, millonarios chinos e incluso sus antiguos compañeros de Goldman Sachs, el banco que gobierna el 
mundo. Todo lo cual ayuda a desenmascarar al gran manipulador.
Y provocar bastante desazón.
Pues narra como Bannon y todos esos dirigentes ultraderechistas europeos pretenden dinamitar la Unión Europea. Lo que traman, lo que nos cuenta el documental, es inminente. Por eso nos parece fenomenal y muy oportuno que Filmin, en colaboración con #ConUnPack Distribución, lo estrene antes de las elecciones europeas, objetivo primordial de todas estas maquinaciones -no tan- en la sombra.
La película, que tuvo su premier en la reciente edición del Festival de Sundance, ha recibido el aplauso unánime de la crítica estadounidense y constituye una seria advertencia sobre lo que estamos viviendo, con el resurgir de la ultraderecha en países como Francia, Italia, Hungría, Polonia, Bélgica y, nosotros añadimos, España. Fuerzas que Steve Bannon planea aglutinar con objetivos que, más allá de terminar con la Unión Europea, todavía están por aclarar, pero que se adivinan peligrosos y respaldados por poderosos intereses. Un magnífico documental que debería pasarse en todas las televisiones públicas en horario de máxima audiencia. Quizás todavía estemos a tiempo de pararlo.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Jueves 18 de Abril de 2019 *
LA LLORONA (The Curse of La Llorona, Michael Chaves, 2019)
USA. Duración: 93 min. Guion: Mikki Daughtry, Tobias Iaconis Música: Joseph Bishara Fotografía: Michael Burgess Productora: Atomic Monster / New Line Cinema. Distribuida por: Warner Bros.. Productor: James Wan Género: Terror.
Reparto: Linda Cardellini, Patricia Velasquez, Madeleine McGraw, Sean Patrick Thomas,John Marshall Jones, Jaynee-Lynne Kinchen, Andrew T. Lee, Irene Keng,Marisol Ramirez, DeLaRosa Rivera, Sophia Santi, Aiden Lewandowski,Ricardo Mamood-Vega
Sinopsis: Ambientada en Los Ángeles de 1973, la película cuenta la historia de Anna Tate-García (Linda Cardellini), una trabajadora social y madre viuda que lucha por compaginar sus dos papeles a la vez que intenta recuperarse de la pérdida de su marido. Anna es una mujer escéptica que trabaja al servicio de una ciudad de creyentes así que se ha visto obligada a lidiar con un montón de fantasmas y supersticiones. Pero también le acechan sus propios demonios. Cuando la llaman a casa de Patricia Alvarez (Patricia Velásquez) se encuentra a sus dos hijos pequeños encerrados en un armario. Anna cree que la madre, aterrorizada, los ha encerrado y lo interpreta como una señal peligrosa de maltrato. Lo que no sabe es que un espíritu legendario conocido como La Llorona, está cazando niños en Los Angeles … y sus propios hijos pequeños se convertirán en su presa.
La Llorona es una aparición tenebrosa, atrapada entre el Cielo y el Infierno, con un destino terrible sellado por su propia mano. La mera mención de su nombre ha causado terror en todo el mundo durante generaciones. En vida, ahogó a sus hijos en una rabia de celos. Tras ver lo que había hecho, desesperada se arrojó ella misma al río. Ahora sus lágrimas son eternas, letales, y aquellos que escuchan su llamada de muerte en la noche están condenados. Se arrastra en las sombras y ataca a los niños, desesperada por reemplazar a los suyos. A medida que los siglos han pasado, su deseo se ha vuelto más voraz y sus métodos más terroríficos.
La Llorona ha vuelto. Aunque bien es cierto que nunca se fue, siempre estuvo ahí, tomando diferentes encarnaciones. Firmemente arraigada en el folklore mexicano, la Llorona tiene equivalentes en toda Sudamérica así como en otros puntos del mundo. Su punto de partida es similar: una mujer que por celos o despecho mata, en un arranque de locura, a sus hijos para, a continuación y tras darse cuenta de lo que ha hecho, suicidarse y convertirse en espectro, ánima en pena que desde entonces clamará en búsqueda de los pequeños.
Transformada en un trasunto más de ‘el coco’, su historia ha sido adaptada en diversas ocasiones al cine, siendo La Llorona (1933) la primera película de terror mexicana. Cinta que fue seguida por otras producciones, también mexicanas, producidas en 1947 (La herencia de La Llorona; Mauricio Magdaleno), 1960 (La Llorona, René Cardona) y 1963 (La maldición de La Llorona, Rafael Baledón). Sin olvidar la película que en 1974 enfrentaba al triste espectro contra el luchador enmascarado El Santo y el comicastro Mantequilla Nápoles. Quizás esta producción fue la razón de que no se volviera a adaptar el personaje hasta 2006, momento en el que los americanos retomaron el personaje realizando con él varias modestas películas de terror, y hasta la actualidad, pues ahora la franquicia Expediente Warren de James Wan lo ha incorporado a su museo de los horrores junto a la muñeca Annabelle y La monja.
La Llorona de Michael Chaves es, al igual que las otras producciones de la franquicia centradas en personajes de James Wan, otro producto dirigido a un público joven o poco exigente, quedando muy por detrás de las producciones dirigidas por el propio Wan, al que parece no importar que sus creaciones (Saw, Insidious) se prolonguen en producciones poco más que alimenticias. Y es una lástima.
Sin ser del todo desdeñable, La Llorona, mantiene el origen azteca del personaje y consigue cierta atmósfera, aunque los sustos no dejan de ser bastante predecibles y el argumento, de lo más plano, no mejora precisamente con la incorporación de un trasunto de exorcista encarnado por un ex-sacerdote metido a curandero.
Para disfrutar por mozalbetes en comandita armados con grandes dosis de palomitas. Que bien visto, tampoco es poco.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 5 de abril de 2019 *
ASHER (Michael Caton-Jones, 2018)
USA. Duración:105 min. Guion: Jay Zaretsky Música: Simon Boswell Fotografía: Denis Crossan Productora: Wing and a Prayer Pictures / Mensch Productions. Productor: Ron Perlman Género: Drama
Reparto: Ron Perlman, Famke Janssen, Richard Dreyfuss, Peter Facinelli, Jacqueline Bisset, Guy Burnet, Marta Milans, Jay Hieron, Blake Perlman, David Wohl, Micah Hauptman, Wyatt Lozano, Bobby Daniel Rodriguez, William Perry,Charles DelGatto, Heidi Philipsen, Timothy Patrick Klein, Mark Quiles
Sinopsis: Asher es un antiguo miembro del Mossad reconvertido en asesino a sueldo que vive una vida austera en Brooklyn. A punto de llegar al final de su carrera, y posiblemente al final de su vida, acepta un encargo que le ofrece la posibilidad de redimirse, una última oportunidad para dejar atrás al hombre que ha sido para convertirse en el hombre que alguna vez quiso ser.
A Contracorriente Films estrena en nuestras pantallas Asher, cinta que pudimos ver durante el pasado Festival de Sitges, donde tuvo su première mundial. Producida y protagonizada por el conocido actor Ron Perlman («Hellboy», «El nombre de la rosa») y dirigida por Michael Caton-Jones, este filme cuenta, además de con Perlman, con un brillante reparto formado por Framke Janssen (la Jean Grey de los X-Men de Bryan Singer), Richard Dreyfuss y Jacqueline Bisset, además de una eficaz banda sonora de Simon Boswell.
Con estos mimbres podía haberse esperado más de este modesto thriller, aunque también es posible que el Festival de Sitges no fuera el marco más indicado para esta película, pero en todo caso se trata de una agradable producción con un Perlman encarnando a un sicario crepuscular con pocos vicios más allá de una buena copa de vino y sacar lustre a sus zapatos, rol que le sienta al actor como anillo al dedo.
CEMENTERIO DE ANIMALES (Pet Sematary, Dennis Widmyer y Kevin Kolsch, 2019)
USA. Duración: 120 min. Guion: Dave Kajganich, Jeff Buhler (Novela: Stephen King) Fotografía: Laurie Rose Productora: Alphaville Films / Paramount Pictures Género: Terror
Reparto: Jason Clarke, John Lithgow, Amy Seimetz, Jeté Laurence, Hugo Lavoie,Lucas Lavoie
Sinopsis: Narra la historia del doctor Louis Creed (Jason Clarke), que al poco de mudarse con su esposa Rachel (Amy Seimetz) y sus dos hijos pequeños desde Boston a un recóndito paraje de Maine, descubre un misterioso cementerio escondido en lo más impenetrable del bosque, a escasa distancia del nuevo hogar familiar. Cuando la tragedia alcanza a la familia, Louis recurre a su peculiar vecino, Jud Crandall (John Lithgow) provocando una peligrosa reacción en cadena que desata una insondable fuerza maléfica con espantosas consecuencias.
Dennis Widmyer y Kevin Kolsch, dirigen y firman el guión junto a Jeff Buhler de esta modélica adaptación de una de las más importantes novelas del último maestro de la literatura de terror. Partiendo de premisas ya presentes en el cuento de W. W. Jacobs, The Monkey’s Paw (1902), la novela de Stephen King medita sobre el miedo a la muerte y el temor a perder a nuestros seres queridos. Cementerio de animales, publicada en 1983, conoció una pronta adaptación tan solo seis años después, Cementerio viviente (1989), que dirigió Mary Lambert responsable asimismo de una secuela estrenada en 1992. Si la versión de Lambert ya había conseguido transformar en imágenes lo que miles de lectores habíamos visualizado, no lo hacen peor Widmyer y Kolsch en su adaptación, pues han sabido captar la esencia de la obra construyendo una magnífica y atmosférica película en gran parte, por lo menos en su primera hora, muy respetuosa con la novela del escritor de Maine.
Cementerio de Animales nos propone una nueva incursión en el universo del escritor, revisando de nuevo los miedos de la infancia, especialmente a la muerte con un descenso a los infiernos de la fe en el cual todos sus protagonistas deberán enfrentarse a sus demonios privados.
Protagonizada por Jason Clarke, John Lithgow y Amy Seimetza, la película cuenta con bien medidos sobresaltos, poniendo además un especial cuidado en los efectos sonoros, inquietantes e imprescindibles para construir esta atmosférica historia, lo que se completa con una maravillosa banda sonora de Christopher Young que ya vale su peso en oro.
La historia, bien conocida por los aficionados, está fielmente narrada, aunque el total de la trama se desarrolla prácticamente durante la primera hora. De hecho, todo sucede tan rápido que durante el resto de metraje nos aguardará un largo clímax, con algunas imágenes realmente memorables, juegos ingeniosos con el espectador más connoisseur y unos giros inesperados que podrán sorprender. Algunos respetuosos y otros… menos, pues es en la conclusión donde pensamos que se han tomado los adaptadores más libertades rompiendo el impecable final de la novela original. A pesar de todo lo cual y en promedio, sigue resultando una propuesta interesante, con más virtudes que errores, pero que será mejor juzguen ustedes mismos.
7 RAZONES PARA HUIR (7 raons per fugir, Gerard Quinto, Esteve Soler y David Torras, 2019)
ESP. Duración: 75 min. Guion: Esteve Soler Fotografía: Gabriel Campoy Productora: No Hay Banda / Producciones del Interior AIE Género: Comedia
Reparto: Emma Suárez, Lola Dueñas, Sergi López, Francesc Orella, Àlex Brendemühl,David Verdaguer, Jordi Sánchez, Alain Hernández, Manolo Solo, Nuria Gago,Aina Clotet, Pepe Viyuela, Vicky Peña, Pol López, Borja Espinosa, Ramón Fontserè,Àgata Roca, Rosa Cadafalch, Albert Ribalta
7 razones para huir es una película que básicamente une siete cortometrajes, siete buenas y no tan buenas historias, algunas divertidas y otras menos, todas surrealistas y con altas dosis de absurdo, muchas cercanas al espíritu desconcertante de los relatos breves de Dino Buzzati. Siete porciones de humor negro escritas por Esteve Soler y dirigidas por el propio Soler, Gerard Quinto y David Torras.
Su comienzo es ejemplar y ¡noticia! hay títulos de crédito y muy cuidados, pero después, como toda película de episodios, tiene unos más inspirados que otros. Afortunadamente, las risas vuelven con la última historia. ¿Qué le falta para estar a la altura de, por ejemplo, Relatos salvajes? Pues bastante más mala leche y espíritu transgresor, dicho lo cual, no queremos decir que no sea una labor loable, y más habiendo contado con la participación de un elenco más que agradecido en el que figuran nombres como Emma Suárez, Lola Dueñas, Sergi López, David Verdaguer, Jordi Sánchez, Pepe Viyuela, Francesc Orella, Alex Brendemühl o Vicky Peña, entre muchos otros, y un diseño de producción delicioso, que satura de detalles bizarros los interiores que retrata.
La película tuvo su estreno mundial en South by Southwest (SXSW), de Austin (Texas) y su estreno español en el Festival de Málaga. Próximamente participará también en el BIFFF (Festival Internacional de Cine Fantástico de Bruselas)
¡SHAZAM! (Shazam!, David F. Sandberg, 2019)
USA. Duración: 132 min. Guion: Henry Gayden, C.C. Beck, Bill Parker (Historia: Henry Gayden, Darren Lemke) Música: Benjamin Wallfisch Fotografía: Maxime Alexandre Productora: Warner Bros. / DC Entertainment / DC Comics / New Line Cinema Género: Fantástico
Reparto: Zachary Levi, Jack Dylan Grazer, Mark Strong, Asher Angel, Grace Fulton,David J. MacNeil, Michelle Borth, Djimon Hounsou, Adam Brody, Ross Butler,Natalia Safran, Marta Milans, D.J. Cotrona, Ian Chen, Cassandra Ebner
Sinopsis: Cuando Billy Batson (Angel), un niño de acogida de 14 años que ha crecido en las calles grita la palabra ¡’SHAZAM!’, se convierte en el Superhéroe adulto Shazam (Levi), por cortesía de un antiguo mago. Dentro de un cuerpo digno de un dios, Shazam esconde un corazón de niño. Pero en esta versión adulta de sí mismo, se lo pasa en grande haciendo lo que cualquier adolescente querría hacer si tuviera superpoderes: ¡Divertirse con ellos! ¡Volar! ¡Tener visión de rayos X! ¡Disparar un rayo con las manos! Y por qué no, ¡saltarse el examen de sociales! Shazam quiere poner a prueba los límites de sus habilidades con la inconsciencia propia de un niño. Pero necesitará dominar rápidamente esos poderes para luchar contra las letales fuerzas del mal que controla el Dr. Thaddeus Sivana (Strong).
Bill Parker y C. C. Beck crearon en 1939 al Capitán Marvel, superhéroe que es el alter ego de Billy Batson, un niño que, al pronunciar la palabra mágica «Shazam» (Acrónimo de seis «ancianosinmortales»:Salomón, Hércules, Atlas, Zeus, Aquilesy Mercurio), puede transformarse en un adulto disfrazado con los poderes de fuerza sobrehumana, velocidad, vuelo y otras habilidades. El personaje conoció un éxito incluso mayor que el de Superman, posiblemente por los dibujos paródicos de Beck y los argumentos desenfadados de Parker. Big Red Cheese, como fue conocido también el Capitan Marvel, se expandió en la Familia Marvel, Mary Marvel y Capitán Marvel Jr., que también aprovechan los poderes de Billy.
Pero el olvidado Capitán Marvel fue también el primer cómic de superhéroes en ser adaptado en el cine, concretamente en un serial de episodios en 1941 producido por la Republic titulado Las aventuras del Capitán Marvel, que en la postguerra se llegó a estrenar en nuestros cines e incluso protagonizó una colección de cromos, haciendo las delicias de nuestros padres que lo conocieron como Capitán Maravillas. El cómic dejó de publicarse en 1953 y cuando DC compró los derechos del mismo en 1972, tuvo que cambiar su nombre a ¡Shazam!, pues Marvel, la competencia, había creado un nuevo personaje con ese nombre tomándose la molestia de hacer algo que no hicieron en su momentos Parker y Beck, registrarlo.
Ahora ¡Shazam! vuelve a las pantallas y lo hace de una forma harto ingeniosa, pues si bien al pronunciar la palabra mágica se transforma en adulto, este conserva la mente de chico de 14 años que aloja al superhéroe. Todo lo cual dará pié a situaciones de lo más divertidas, convirtiendo este producto en algo más que otra película más del universo DC y ofreciendo un magnífico entretenimiento para toda la familia, pues ha sabido conservar gran parte del humor del personaje original y otros elementos como la familia Marvel. Y precisamente la familia es el tema central de la película, pues nos muestra como la falta de cariño puede convertir a un niño en malvado, pero también en el merecedor de unos poderes destinados tan solo al más limpio de corazón.
David F. Sandberg, director también de Annabelle: Creation, se permite una broma privada al incluir la diabólica muñeca en la película (búsquenla). Para está producción New Line Cinema ha contado como protagonista con Zachary Levi, que consigue hacernos creer que dentro de él hay un niño de 14 años. Otros de sus protagonistas son Asher Angel como Billy Batson, y Mark Strong en el papel del Supervillano Dr. Thaddeus Sivana.
Pongan a Big Red Cheese en sus vidas: no se aburrirán. Y permanezcan atentos, pues hay DOS escenas post-créditos. Avisados están.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 29 de marzo *
DUMBO (Tim Burton, 2019)
Reparto: Colin Farrell, Michael Keaton, Danny DeVito, Eva Green, Alan Arkin, Nico Parker,Finley Hobbins, Deobia Oparei, Joseph Gatt, Sharon Rooney, Michael Buffer,Frank Bourke, Jo Osmond, Douglas Reith, Roshan Seth, Philip Rosch, Lucy DeVito, Sandy Martin, Lars Eidinger, Zoe Scott, Bern Collaco, Zak Holland, Bernardo Santos,Sarah Bennani, Jessie Vinning, Joakim Skarli, Richard Price, Erick Hayden,Amerjit Deu, Harry Taylor, Ian Porter, Phil Zimmerman, Eleanor Ham, Philips Nortey,Alfie Allen, Clive Brunt, Nick Bartlett, Jason Shillingford, Arthur Wilde,Ragevan Vasan, Joseph Macnab, Christian Wolf-La’Moy, Matthew David McCarthy,Chris Rogers, Craig Thomas Lambert, Ndongo Faye, Jackson Kai, Stephen Samson,Mickey Lewis, Tim Ingall, Georgie-May Tearle, Ken Byrd, Scott Haney, Mark Cross,Tomasz Dabrowski, Kamil Lemieszewski, Hugh O’Brien, Stuart Whelan
Sinopsis: Holt Farrier (Colin Farrel) cuenta con la ayuda de sus hijos Milly (Nico Parker) y Joe (Finley Hobbins) para cuidar a un elefante recién nacido cuyas orejas gigantes le hacer ser el hazmereír en un Circo que no pasa por su mejor momento. Max Medici (Danny DeVito) dueño del circo, se decepciona al saber sobre las enormes orejas del pequeño paquidermo hasta que descubre que es capaz de volar, llevando al circo de regreso a la prosperidad.
No resulta muy difícil imaginar al pequeño Tim impresionado y horrorizado a la vez ante la pesadilla onírica del Dumbo original, así que antes de entrar a ver la nueva encarnación cinematográfica del popular paquidermo, fantaseo sobre cómo introducirá y recreará esa escena en su versión. O incluso si basará toda su película en esa visión de pesadilla.
Lo que es seguro es que, de todas las recreaciones cárnico-digitales con las que Disney está dotando de nueva vida a sus antiguas cintas de animación, esta será, sin lugar a duda, la más personal, pues une el rico universo Disney y el imaginario propio del director.
Y es que Tim Burton se mueve de maravilla en el mundo kitsch y decadente del circo, habitado por payasos de pesadilla, hombres bala y fenómenos de feria políticamente correctos. La única adaptación que quizás hubiera también encajado como un guante al director hubiera sido Pinocho, pero le hubiera resultado difícil superar aquella terrorífica serie italiana de imagen real que dirigió Luigi Comencini en 1972 y que pobló de pesadillas los sueños de muchos de aquellos niños que la ‘disfrutaron’, entre los que me cuento.
Tim Burton retrata magníficamente la sordidez y decadencia del pequeño circo en el que se desarrolla la acción, situándola al final de la Gran Guerra. Un pequeño universo que también es una hermandad que ejercerá de gran familia. Allí la diferencia pasará más desapercibida y Dumbo, con sus enormes orejas, será uno más, lo que representará el primero, y no será el último, de los alegatos positivos, en este caso a favor de la inclusión del diferente. Otros valores que el film de Burton refiere incluirán el ecologismo, el animalismo, el empoderamiento femenino, simbolizado en la hija del protagonista, y de paso endiñará un importante puyazo al capitalismo representado, paradójicamente viniendo de Disney, en Dreamland, un enorme parque temático creado para enriquecerse mediante los niños, con todo tipo de atracciones y mercadotecnia.
Pero no todo son alegatos, Dumbo es una película muy entretenida y divertida, emocionante a veces y magníficamente narrada que encantará a los más pequeños, pues ha sido también liberada de los momentos más dramáticos de la versión del 41. Afortunadamente, como aquella, este nuevo Dumbo no tiene canciones, pero sí una estupenda banda sonora del habitual Danny Elfman que recuerda, eso sí, en algunos momentos a la de Eduardo Manostijeras (Edward Scissorhands, 1990), también para Burton.
Protagonizada por Colin Farrell y los dos pequeños actores que interpretan a sus hijos, Nico Parker, Finley Hobbins, Dumbo cuenta también con la presencia de la magnética Eva Green, cuyo vestuario y maquillaje la convierten en imágenes de Alfons Mucha en movimiento, y el reencuentro de dos viejos amigos y colaboradores de Burton, Michael Keaton y Danny DeVito, a los que será delicioso ver juntos de nuevo.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 22 de marzo de 2019 *
DOLOR Y GLORIA (Pedro Almodóvar, 2019)
Reparto: Antonio Banderas, Asier Etxeandia, Penélope Cruz, Leonardo Sbaraglia,Raúl Arévalo, Julieta Serrano, Nora Navas, Neus Alborch, Rosalía, Cecilia Roth,Susi Sánchez, Eva Martín, Julián López, Paqui Horcajo
Sinopsis: «Dolor y Gloria» narra una serie de reencuentros de Salvador Mallo (Antonio Banderas), un director de cine en su ocaso. Algunos de ellos físicos, otros recordados: su infancia en los años 60, cuando emigró con sus padres a Paterna, un pueblo de Valencia en busca de prosperidad, el primer deseo, su primer amor adulto ya en el Madrid de los 80, el dolor de la ruptura de este amor cuando todavía estaba vivo y palpitante, la escritura como única terapia para olvidar lo inolvidable, el temprano descubrimiento del cine y el vacío, el inconmensurable vacío ante la imposibilidad de seguir rodando. En la recuperación de su pasado, Salvador encuentra la necesidad urgente de narrarlo y en esa necesidad encuentra también su salvación.
El último Almodóvar convencerá incluso a los más aguerridos enemigos del cine del manchego. Dolor y gloria muestra al Almodóvar más contenido narrando, con ayuda de flashbacks introducidos de manera ejemplar, un relato con muchos puntos autobiográficos excelentemente interpretado por Antonio Banderas, que en su papel de director de cine en decadencia, no duda en adoptar algunos de los tics del director. La «colaboración especial» de Penélope Cruz se extenderá hasta componer uno de los más importantes personajes del filme, y lo hará de manera magistral. Pero es que todos los actores están magníficos, así como el ritmo, los diálogos y en general todos los aspectos formales de este filme, uno de los más maduros y redondos del director y en el que demostrará que todavía está incluso abierto a la experimentación, como demuestra la lección de anatomía, un segmento animado que en manos más torpes hubiera podido hacer decaer el interés, al igual que la interpolación de la sintaxis teatral en una de las escenas cumbres del relato.
En la cinta está todo lo que define al cine del manchego imperando esos colores primarios entre los que destaca el rojo, que siempre han dominado su paleta cromática, no falta su característica decoración que flota entre el pop estiloso y el kitsch, ni los perfectos retratos costumbristas que casan como un guante con el pasado evocado por el protagonista. El pulso de Almodóvar no se mostraba tan firme y acertado desde Volver.
Drama y comedia (al igual que en la vida misma) y realidad y ficción (como nuestra memoria gusta de combinar), se darán cita en este guión original del director, que invita al espectador a poner nombre real a los personajes, algunos claramente inspirados en actores que en el pasado trabajaron con el realizador. Evocadora, reflexiva y sincera.
BEL CANTO. LA ÚLTIMA FUNCIÓN (Paul Weitz, 2018)
USA. Duración: 102 min. Guion: Anthony Weintraub, Paul Weitz (Novela: Ann Patchett) Música: David Majzlin Fotografía: Tobias Datum Productora: A-Line Pictures / Depth of Field / Priority Pictures. Distribuida por: Screen Media Films Género: Drama
Reparto: Julianne Moore, Ken Watanabe, Christopher Lambert, Sebastian Koch,Thorbjørn Harr, Olek Krupa, Elsa Zylberstein, Johnny Ortiz, Tenoch Huerta,Ryo Kase, María Mercedes Coroy, Eddie Martinez, Eliud Kauffman, Melissa Navia,Bobby Daniel Rodriguez
Sinopsis: Roxanne Coss (Julianne Moore), una famosa soprano, viaja a un país de Sudamérica que permanece bajo una dictadura militar, para dar un concierto privado en una fiesta de un rico industrial japonés (Ken Watanabe). Cuando la reunión de diplomáticos y políticos se celebra, la mansión es tomada por un grupo rebelde guerrillero que exige la liberación de sus compañeros encarcelados. Mientras permanecen secuestrados en la casa, rehenes y captores se verán obligados a encontrar la forma de entenderse.
Posiblemente esta historia funcione mucho mejor en su formato escrito original que en su traslación a la pantalla, donde su resultado es poco o nada convincente.
Y es que aunque la tesis que pretende defender Bel Canto es más que loable, la manera de retratarla se acerca en algunos momentos al ridículo. Un ridículo que va en aumento y que alcanza su máxima expresión en el tercer acto cuando surja la complicidad entre captores y cautivos. Unas escenas descabelladas y desarrolladas con tal torpeza que, lejos de conseguir que empaticemos con ese grupo de secuestrados afectados por el síndrome de Estocolmo, conseguirá que nos invada una incómoda vergüenza ajena.
Y eso que el director Paul Weitz ha contado con la participación de actores de eficacia más que contrastada como Julianne Moore y Ken Watanabe, pero ni con esas. De hecho duele ver a la actriz tan desganada y poco convincente en su papel. Completan el reparto un acartonado Christopher Lambert, Sebastian Koch, Ryo Kase y Tenoch Huerta.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 15 de marzo de 2019 *
MIRAI, MI HERMANA PEQUEÑA (Mirai, Mamoru Hosoda, 2018)
Japón. Duración: 100 min. Guion: Mamoru Hosoda: Música: Takagi Masakatsu Productora: Studio Chizu Género: Drama
Sinopsis: Kun, un niño mimado y consentido de cuatro años al que sus padres dejan de prestar atención cuando nace su hermana Mirai, empieza a sufrir situaciones en casa que nunca había vivido. Pero entonces, la versión adolescente de su hermana viaja en el tiempo desde el futuro para vivir junto a Kun una aventura extraordinaria más allá de lo imaginable.
Si hay unos estudios de animación japonesa que pueden competir con los todopoderosos Ghibli de Hayao Miyazaki estos son los Chizu, fundados por Mamoru Hosoda, director y guionista de Mirai, mi hermana pequeña (Mirai, no Mirai), además de otras delicias como El niño y la bestia (Bakemono no ko, 2015) y La chica que saltaba a través del tiempo (Toki o kakeru shôjo, 2006). Y no solo por su magnífica animación, que dota de gran humanidad a los personajes que retrata, sino también por el humor y la sensibilidad que demuestra con un argumento tan eterno como es la llegada de un nuevo miembro a la familia.
El acontecimiento se mostrará principalmente desde la óptica del rey destronado, al que la llegada de una hermanita le hará pasar de la natural alegría inicial a los consabidos celos. Pero Hosoda también se detendrá en las repercusiones que tendrá en los padres, cuyos roles tendrán que diversificarse y los trabajos repartirse. Un periodo de adaptación que el director retratará de manera deliciosa, con mucho humor y fantasía mezclando pasado, presente y futuro.
Tras presentarse en la Quincena de Realizadores del pasado Festival de Cannes, ha recorrido prestigiosos festival como el de Annecy, San Sebastían y Sitges, en el que obtuvo el primer premio de la Sección Anima’t. La película ha sido nominada en la categoría de Mejor Película de Animación de los Oscar, los Globos de Oro y en los Critics’ Choice Awards, lo que confirma la buena acogida que ha tenido por parte de público, críticos y profesionales del sector.
ESCAPE ROOM (Adam Robitel, 2019)
USA. Duración: 99 min. Guion: Maria Melnik, Bragi F. Schut Música: John Carey, Brian Tyler Fotografía: Marc Spicer Productora: Original Film. Distribuida por: Columbia Pictures Género: Thriller
Reparto: Taylor Russell, Deborah Ann Woll, Logan Miller, Tyler Labine, Jay Ellis, Nik Dodani,Adam Robitel, Kenneth Fok, Jessica Sutton, Vere Tindale, Cornelius Geaney Jr.,Yorick Van Wageningen, Jamie-Lee Money, Paul Hampshire, Pete Sepenuk,Dan Gruenberg, Gino Lee, Russell Crous
Sinopsis: Seis desconocidos se encuentran en una habitación mortal en la que deberán usar su ingenio para sobrevivir.
Escape Room no es una propuesta demasiado original, pues bebe directamente de elementos pertenecientes a la saga Saw, a los que suma guiños a películas como Hellraiser y su cubo-puzzle. Pero no engaña a nadie. El espectador que vaya a ver Escape Room sabe perfectamente lo que se va a encontrar: acción sin respiro en un sala sin escape repleta de acertijos y trampas mortales. Un violento videojuego llevado a la vida real y un villano misterioso, cerebro en la sombra, el Dr. Wootan Yu. Una fórmula que, naturalmente, quedará abierta a posibles secuelas.
El único momento de respiro que se permite al espectador es cuando se introduce a los diferentes personajes: una tímida estudiante, un broker sin escrúpulos, una ex-militar… seis variopintos jugadores que tienen más en común de lo que aparentan y que deberán enfrentarse al pasado y luchar por su vida.
Tensión bien medida, con algunas escenas de quedarse sin uñas, en este divertimento especialmente indicado para los más jóvenes, que conocerán perfectamente la mecánica de esas Escape Rooms, que también comienzan a prosperar en nuestras ciudades.
Serendipia
Proyecto Naschy 
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