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Archive for 31 marzo 2017

Los últimos días en el desierto, primera tentación de Cristo

Entonces Jesús fue llevado por el Espíritu

al desierto para ser tentado por el diablo.

(Mateo, 4,1)

 

Leemos en el Evangelio que Cristo, antes de iniciar su ministerio, se retiró al desierto  donde ayunó cuarenta días y cuarenta noches, cuando su cuerpo se debilitó y sintió hambre fue tentado por el demonio tres veces y no sucumbió ninguna. Este episodio es el punto de arranque de Los últimos días en el desierto donde la anécdota bíblica se noveliza al modo en que lo hiciera Kazantzakis en La última tentación de Cristo (adaptada al cine por Scorsese), pero insistiendo todavía más en el perfil humano del Nazareno, como declara el propio director: “No podía saber cómo era el lado divino, por lo que decidí tratar las predicaciones y problemas de Jesús de la misma forma que los de una persona normal”.

Poco versado en la doctrina (pese a haberse criado en un entorno eminentemente católico), la historia en la que Rodrigo García enmarca el episodio evangélico se le presentó de repente, después de decidir que lo que más le atraía del Hijo de Dios era justo eso, su condición de hijo. Así resume el director la trama: “en la niebla de un viaje espiritual encuentra a un padre, una madre y un hijo extraños los unos para los otros. El planteamiento se desarrolla en el clásico enfrentamiento entre la llamada divina del alma y el deseo individual de realización personal”. Mientras García trata las dinámicas familiares en el corazón de la película, decide añadir un personaje adicional: el Diablo. “En la Biblia se dice que el Diablo tentó a Jesús en el desierto. Yo he elegido que se le aparezca a Jesús con su propia apariencia. El Diablo cuestiona a Jesús si podrá resolver el problema de la familia satisfaciendo a todo el mundo.” En suma, Jesucristo y su travesía por el desierto son elegidos como contexto para explorar a un sujeto universal y su historia de crecimiento personal: un joven convirtiéndose en hombre, con el permiso de su padre o sin él.

El tratamiento de la figura de Jesús que nos brinda el colombiano ha sido considerado valiente y arriesgado, al estar alejado del  que más habitualmente nos había dado el género en la pantalla. Un mundo desacralizado como es el nuestro agradece que se rescate el humanismo que respira lo cristiano apartándolo de las cuestiones de fe. Evidentemente esta secularización no ha satisfecho a todos y menos, sobre todo, a los sectores religiosos. De las filas de la Iglesia le han llegado las peores críticas de entre las cuales destacamos la de Monseñor Robert Barron, Obispo Auxiliar de la Arquidiócesis de Los Ángeles, por su tono sarcástico: “Con su última película, Últimos días en el desierto, Rodrigo García ha logrado algo verdaderamente destacable. Ha tomado un extracto de la vida de la persona más interesante que jamás ha vivido y lo convirtió en una película colosalmente aburrida. (…) Lo que sería realmente dramático y revelador sería una película que muestre convincentemente que el carpintero de Nazaret también es Dios.” En lo que no parecen querer reparar unos y otros es en que, no sabemos si de forma voluntaria, hay al menos una cuestión en la película de relevante interés teológico: la que afecta a la naturaleza del diablo.

Para representar al demonio, al maligno padre de la mentira, García huye de la iconografía clásica, nada de cuernos, alas o tridentes, también al diablo le da una apariencia humana, y no una apariencia cualquiera, como decíamos más arriba nos lo presenta como doble exacto del propio Jesús (reto doble, pues, para Ian McGregor que ha de interpretar al hombre más santo y a su reverso). En un primer acercamiento a esta decisión deberíamos concluir que esta elección viene dada por esa voluntad de dar a la historia un tratamiento humano: que sea su doble podría hacernos pensar que quizás se trate tan solo de una alucinación provocada por el mismo agotamiento de la estancia en el desierto. Sin embargo, si tomamos distancia de cuáles han podido ser las intenciones del autor, nos encontramos con que la cinta nos brinda la ocasión de reflexionar sobre la relación entre el bien y el mal. Más allá del filme, la tradición establece que el Nazareno es el verdadero Hijo de Dios, de un Dios que es uno y trino, así que Cristo es Dios; si el diablo es el doble del Hijo, estamos estableciendo que las dos potencias antagónicas comparten esencia. Dios y el diablo serían las dos caras de una misma moneda y con ello estaríamos estableciendo un mismo origen para el bien y para el mal absolutos, cuestión que obligaría a revisar todo el sistema de creencias y que podría considerarse una aberración teológica, pero también una inquietante proposición que explicaría porqué puede ser compatible la promesa del Cristo al buen ladrón de estar mañana con Él en la casa del Padre cuando la profecía había establecido que tras la muerte en la cruz descendería a los infiernos durante tres días. Si el diablo y Dios son el mismo, cielo e infierno sólo serían dos nombres para referirse a lo mismo y no habría salvación posible.

Las derivaciones teológicas de una elección probablemente inocente son mera especulación y divertimento intelectual, pero se habrá de reconocer que tirar del hilo de los recursos de García para contar su historia nos llevan a una interesante paradoja. Y la paradoja persiste hasta cierto punto aunque no pensemos en la naturaleza divina del Cristo. Aún manteniéndonos dentro de una caracterización meramente humana, la visión dialéctica del bien y el mal sigue persistiendo. Entre ambos polos se daría una relación de opuestos complementarios, un opuesto necesitaría al otro para definirse, extremando la reflexión habría de concluirse que un contrario es el otro en su eterna rivalidad. El diablo de García es el reverso socarrón del Hijo, él mismo es hijo de Dios como lo es cualquier criatura y la razón de haberse rebelado contra el Hacedor habría sido la arrogancia extrema de este último. Y esto sí se dice de forma expresa en el filme. Si no nos remontamos especulativamente por encima de la película, nos queda aún una caracterización del demonio que lo haría semejante al Satán de Milton. Se presenta como un personaje carismático y persuasivo.  Un ser curioso, insumiso, contradictorio, humano, en suma, que a veces parece capaz de amar. Casi parece ofrecerle la única mano amiga al Cristo agotado por el desierto y por el peso de haber de atravesar la muerte para cumplir con el mandato del Padre.

Últimos días en el desierto no es, pues, una película aburrida, aunque sí resulte contemplativa y lírica en la mayor parte de su metraje. No deja de ser una interesante visión alternativa a lo que ha dado el género, que nos permite reflexionar sobre el humanismo, sobre el bien y sobre el mal. Todo ello envuelto por la fotografía del triplemente oscarizado Emmanuel Lubezki (El Renacido, Birdman, Gravity) que obra un milagro al convertir la luz natural y el paisaje desértico en magia para la mirada.

Primer trailer de ‘Verónica’ de Paco Plaza

Ya está disponible el teaser tráiler de “VERÓNICA”, el nuevo y esperado largometraje de Paco Plazacon guion del propio director y Fernando Navarro, que llegará a nuestras pantallas el próximo 25 de agosto de la mano de SONY PICTURES RELEASING ESPAÑA .

Con un equipo artístico encabezado por los debutantes Sandra EscacenaBruna GonzálezClaudia Placer e Iván Chavero, la película ha sido producida por APACHE FILMS & EXPEDIENTE LA PELÍCULA A.I.E., con el apoyo del ICAA y la participación de RTVE. Completan el reparto de esta inquietante historia de terror inspirada en sucesos reales Ana TorrentSonia AlmarchaMaru Valdivielso y Leticia Dolera.

La canción principal es “Maldito duende“, de Héroes del Silencio.

Sinopsis

Madrid, años 90. Tras hacer una Ouija con unas amigas, una adolescente es asediada por peligrosas presencias sobrenaturales que amenazan con hacer daño a toda su familia. Inspirado en aterradores archivos policiales nunca resueltos.

VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 31 de marzo de 2017 *

DAVID LYNCH-THE ART LIFE (Jon Nguyen, Rick Barnes, Olivia Neergaard-Holm, 2016)

USA/Dinamarca Duración: 90 min. Música: Jonatan Bengta Fotografía: Jason S. Productora: Duck Diver Films / Hideout Films / Kong Gulerod Film Género: Documental

Sinopsis: Viaje íntimo a la etapa formativa de la vida del David Lynch,  acompañados por el propio protagonista.

Magnífico retrato biográfico del  joven Lynch, desde su niñez hasta que decidió que quería ser artista. Su serio compromiso con la pintura, la búsqueda de un estilo propio, la paternidad prematura, su vida en el ambiente artístico de Filadelfia y su traslado a Los Angeles cuando obtiene una beca para estudiar en el American Films Institute. Todo, hasta llegar justo a Cabeza borradora (Erasherhead, 1977), la película con la que despegaría la carrera cinematográfica de este visionario del cine. Y todo contado por el propio David Lynch, que aporta a su excelente narración dosis de intriga y misterio. Humor y creatividad mientras le vemos trabajando en sus obras, pintando, creando, jugando con su hija pequeña en un inteligente documental en el que se ha evitado recurrir a bustos parlantes. No vemos hablar a Lynch, único y absoluto protagonista del documental, pero no dejamos de oír su voz. Rememorando su vida, escenas que parecen salidas de sueños, experiencias que forjaron su personalidad, mientras que los directores consiguen rodear esta narración de un catálogo de imágenes fascinantes, que mezclan con fotografías personales y películas familiares de Lynch. Y es que, nadie mejor que Lynch para hablar de Lynch, para desvelar el enigma de Lynch. Un enigma que para nada encuentra solución, muy al contrario, se incrementa, aumenta la fascinación por el personaje. Despierta la creatividad. Una creatividad que le llevó al cine de manera inconsciente, rodando sus primeros experimentos artísticos, The Alphabet (1968) y The Grandmother (1970), que derivaron en Cabeza borradora en 1977, momento en el cual el documental abandona al creador y lo deja trabajando. Eternamente experimentando. Sin dejar de fumar.

 

ÚLTIMOS DÍAS EN EL DESIERTO (Last Days in the Desert, Rodrigo García, 2015)

USA. Duración:95 min. Guion: Rodrigo García Música: Danny Bensi, Saunder Jurriaans Fotografía: Emmanuel Lubezki Productora: Mockingbird Pictures Género: Drama

Reparto: Ewan McGregor Ayelet Zurer, Ciarán Hinds, Susan Gray

Sinopsis: En medio de un árido paisaje, ante la fatiga y alucinaciones, el hombre santo tiene un encuentro con el Diablo, quien está más que ansioso de tentar al exhausto viajero.

(Ver reseña completa aquí)

GHOST IN THE SHELL: EL ALMA DE LA MÁQUINA (Ghost in the Shell, Rupert Sanders, 2017)

USA Duración: 120 min. Guion: William Wheeler (Manga: Masamune Shirow) Música: Clint Mansell Fotografía: Jess Hall Productora: DreamWorks SKG / Grosvenor Park Productions / Seaside Entertainment Género: Ciencia ficción

Reparto: Scarlett Johansson, Michael Pitt, Juliette Binoche, Michael Wincott, Pilou Asbæk,Takeshi Kitano, Christopher Obi, Joseph Naufahu, Chin Han, Kaori Momoi,Yutaka Izumihara, Tawanda Manyimo, Lasarus Ratuere, Danusia Samal,Rila Fukushima

Sinopsis: En un Japón futurista, Scarlett Johansson interpreta a La Mayor, una agente especial ciborg, que lidera la Sección 9, un cuerpo policial de élite. El objetivo de esta unidad de operaciones encubiertas es luchar contra el ciberterrorismo y los crímenes tecnológicos. Gracias a su cuerpo artificial, La Mayor es capaz de realizar hazañas sobrehumanas especialmente requeridas para su labor. Entrenada para detener a los criminales y extremistas más peligrosos, La Mayor se enfrentará a un fanático terrorista, capaz de hackear mentes, cuyo único objetivo es acabar con los avances de Hanka Robotic en la tecnología cibernética. Pronto la agente ciborg se verá inmersa en una serie de intrigas y secretos de estado para encontrar al misterioso terrorista.

(Ver reseña completa aquí)

BELLA DURMIENTE (Belle Dormant, Adolfo Arrieta, 2016)

Francia/España. Duración: 82 min. Guion: Adolfo Arrieta Música: Benjamin Esdraffo, Ronan Martin Fotografía: Thomas Favel Productora: Paraïso Productions / Pomme Hurlante Films Género: Fantástico

Reparto: Niels Schneider, Agathe Bonitzer, Mathieu Amalric, Serge Bozon, Ingrid Caven,Tatiana Verstraeten, Andy Gillet, Vladimir Consigny

Sinopsis: Año 2000. Egon es el príncipe del reino de Litonia y pasa la mayor parte del tiempo tocando la batería. Sin embargo, lo que más desea en el mundo es ir al reino de Kentz, inmerso en el siglo XIX y romper el hechizo que envuelve a la bella durmiente. Su padre, no obstante, se opondrá firmemente a esa idea, creyendo que sólo se trata de un cuento de hadas.

Una vez vista la única cinta en la que Arrieta ha contado con un presupuesto decente, podría decirse que este no ha hecho más que perjudicarle. Bella durmiente carece del carácter experimental o underground que impregna toda su obra. Es una nueva versión del cuento realizada de forma muy libre, desde luego, pero que se enmarca perfectamente dentro del cine comercial–o más accesible para todos los públicos–y alejada de todo carácter experimental, convirtiendo esta película en un objeto mainstream de lo más inocente y carente de gracia, perfectamente delimitado dentro del fantastique más heterodoxo. Vetusta y no demasiado brillante, todo hay que decirlo. Así que el que quiera reencontrarse con el Arrieta de Le jouet criminel, Les intrigues de Sylvia Couski y Flammes, piedras angulares del cine experimental de los años 70, tendrá que esperar a otra ocasión.

Bellamente rodada en los preciosos parajes de las afueras de la ciudad de Rennes, en la campiña bretona, “la única región de Francia que podría albergar una auténtica historia de príncipes y princesas”, según el realizador, cuenta entre sus protagonistas con atractivo Niels Schneider, Agathe Bonitzer y la debutante Tatiana Verstraeten, además de grandes estrellas europeas como el ganador del César, Mathieu Amalric, el actor y director Serge Bozon y la musa de Fassbinder, Ingrid Caven.

Bella durmiente se presentó en el SEFF (Festival Europeo de Sevilla) pasando más tarde por el festival de cine independiente de Belfort, el Festival REC de Tarragona, el festival Mar de Plata y el Festival de Rotterdam 2017. Próximamente, la película se proyectará en el Febiofest Bratislava, en el Spirit of fire International Film Festival de Rusia y el festival internacional de Jeonju de Corea del sur.

 

LOS PITUFOS: LA ALDEA ESCONDIDA (Smurfs: The Lost Village, Kelly Asbury,  2017)

USA. Duración: 89 min. Guion: Stacey Harman, Karey Kirkpatrick, Chris Poche, Pamela Ribon, David Ronn, Jay Scherick (Cómic: Peyo) Música: Christopher Lennertz Productora: Columbia Pictures / Kerner Entertainment Company / Sony Pictures Animation Género: Comedia de animación

¿Qué es la Pitufina? ese es el punto de partida de esta nueva aventura de los pequeños duendes azules que cuenta con todos los personajes entrañables, Gargamel, Asrael, Papá Pitufo, los diferentes pitufos y… nuevos personajes que aparecerán en esa aldea escondida a la que se refiere el título en esta correcta película de animación dirigida a los más pequeños, de nuevo con el manido argumento de fondo de que todos somos diferentes  pero todos tenemos nuestro lugar en el mundo.

Creados por el dibujante belga Peyo en 1958, Les Schtroumpfs, pues tal es su nombre original, se han mantenido en vigencia durante todos estos años gracias al mundo del cómic, siendo editadas sus aventuras en todo el mundo. Pero su popularidad se incrementó gracias a la televisión con la serie que Hanna-Barbera produjo con estos personajes entre 1981 y 1990, una de las más extensas realizadas por este estudio de animación y una de las series animadas estadounidenses de las que más episodios se han realizado, siendo superada únicamente por Los Picapiedra, Scooby Doo y Los Simpson. Y sin olvidar el cine, medio en el que Los Pitufos cuentan ya con cuatro títulos estrenados. Casi 60 años de unos personajes que no dan señales de agotamiento y que retornan más animados que nunca.

 

 

 

Categorías:VAMOS DE ESTRENO

Ghost in the Shell: Prometeo desencadenado

GHOST IN THE SHELL: EL ALMA DE LA MÁQUINA (Ghost in the Shell, Rupert Sanders, 2017)

USA Duración: 120 min. Guion: William Wheeler (Manga: Masamune Shirow) Música: Clint Mansell Fotografía: Jess Hall Productora: DreamWorks SKG / Grosvenor Park Productions / Seaside Entertainment Género: Ciencia ficción

Reparto: Scarlett Johansson, Michael Pitt, Juliette Binoche, Michael Wincott, Pilou Asbæk,Takeshi Kitano, Christopher Obi, Joseph Naufahu, Chin Han, Kaori Momoi,Yutaka Izumihara, Tawanda Manyimo, Lasarus Ratuere, Danusia Samal,Rila Fukushima

Sinopsis: En un Japón futurista, Scarlett Johansson interpreta a La Mayor, una agente especial ciborg, que lidera la Sección 9, un cuerpo policial de élite. El objetivo de esta unidad de operaciones encubiertas es luchar contra el ciberterrorismo y los crímenes tecnológicos. Gracias a su cuerpo artificial, La Mayor es capaz de realizar hazañas sobrehumanas especialmente requeridas para su labor. Entrenada para detener a los criminales y extremistas más peligrosos, La Mayor se enfrentará a un fanático terrorista, capaz de hackear mentes, cuyo único objetivo es acabar con los avances de Hanka Robotic en la tecnología cibernética. Pronto la agente ciborg se verá inmersa en una serie de intrigas y secretos de estado para encontrar al misterioso terrorista.

Aunque resulta difícil calibrar hasta que punto es fiel esta obra a su origen Manga sin haberlo leído, pensamos que no resulta necesario ser un fan de su original en papel (o de los muchos Animes derivados), para poder disfrutar de esta adaptación a imagen -más o menos- real. Por lo pronto no deja de resultar significativo que el cerebro que es introducido en el -magnífico- cuerpo cyborg sea el de una refugiada cuyo barco ha sido hundido por terroristas. Estamos utilizando términos que lejos de situarnos en el futuro, parece que hayan sido extraídos de los titulares de prensa. Como más adelante veremos, no todo será lo que parece, entrando también en el terreno de los antisistema y la resistencia pero, mejor vean la película para saber de qué diablos les estamos hablando. Aquí tan solo les contaremos lo que hemos visto y lo que nos ha parecido este nuevo Prometeo, que como Frankenstein, el hijo que inspiró, también terminó rebelándose contra su hacedor.

La ciudad futurista e hiper tecnificada que nos ofrece el universo de Ghost in the Shell,  no tiene mucho que la diferencie del Tokio actual. Con un diseño innegablemente influido por Blade Runner (ya salió), pero mucho más rico. Y no me crucifiquen por mentar palabras mayores,  resulta portentoso, muy imaginativo. Y no solo la ciudad. También sus habitantes multiraciales que poseen partes postizas de su cuerpo, que se han hecho evoluciones, mejorando así las partes humanas. Al igual que nuestras folklóricas con su nariz o sus ojos saltones, pero sin arrugas,  un personaje de la cinta presume sobre su nuevo hígado tecnológico, con el que será capaz de cerrar más bares que nadie. Algo así como aquel cyberpunk y aquella Nueva carne que en los  ochenta y noventa revolucionaron el cine y la literatura, mezclando máquina y carne, gasolina y sangre,   solo que como un sencillo Prêt-àporter, como en la actualidad con los implantes de silicona o el ‘rejuvenecedor’ botox. En este futuro-no tan-lejano, los humanos también tienen implantes con los que interactuar con los ordenadores. Y este será el campo de cultivo en el que  el cerebro de una humana será introducido en un cuerpo mecánico.  Despojándose al cerebro de casi todos sus recuerdos anteriores. Será la primera operación que tendrá éxito y al resultado se le dará un destino como policía de élite, convirtiéndola en una fría máquina de acción, pero que en la intimidad se enfrentará con diversas dudas existenciales ¿será más ser humano que máquina?

Además de ese paisaje visualmente arrollador, de una riqueza de detalles apabullante, Scarlett Johansson resulta muy convincente (y sexy, tenía que decirlo), como La Mayor, que durante gran parte del metraje luce un look Skingirl que abarca desde su corte de pelo, pasando por la chaqueta Pilot y terminando por sus botas militares (a lo Martins). Una imagen atractiva y una actuación memorable que cuenta con el apoyo de un reparto internacional, entre los que destacan el japonés Takeshi Kitano, la francesa Juliette Binoche, el danés Pilou Asbæk, el singapurense Chin Han, la inglesa de origen kurdo Danusia Samal, el australiano Lasarus Ratuere, la rumana Anamaria Marinca (a la vimos en Melanie, the Girl with all the Gifts)… además de Michael Pitt (al que vimos recientemente en La comunidad de los corazones rotos), muchos de los que, en vista del final del filme, podrían garantizar una secuela. Y es que Ghost in the Shell es una ensalada cultural, predominantemente oriental, pero a la que se ha querido cubrir de multiculturalidad. También es posible que su final resulte algo familiar. Similar a, por ejemplo, el de la conclusión de la saga Resident Evil, pero es que este histórico Manga, creado por Masamune Kirow y publicado por primera vez en 1989 ha influido mucho en la estética y la filosofía de, por ejemplo, la saga Matrix, tanto de hecho que sus creadores, las hermanas Wachowski, terminaron reconociéndolo en una entrevista. De ver y repetir para dejarse imbuir de una nueva concepción del cine de acción compuesto por más que solo tiros y explosiones.

 

Categorías:VAMOS DE ESTRENO

Wonder Woman, la película, en Ficomic

El estreno de la película de “WONDER WOMAN” cada vez está más cerca y para que se haga más corta la espera a partir de hoy 30 de marzo y hasta el 2 de abril, los asistentes al Salón del Cómic de Barcelona podrán entrenarse como la super heroína de DC. La 35 edición del Salón Internacional del Comic de Barcelona acogerá un espacio único lleno de actividades relacionadas con Wonder Woman.

El espacio consiste en una zona de entrenamiento donde los más atrevidos podrán sentirse como unos auténticos guerreros practicando cómo esquivar las balas al más puro estilo amazona o cómo escalar un rocódromo. Y como sabemos que no cualquiera es Wonder Woman, también disfrutarán de una zona de descanso donde tendrán la oportunidad de hacerse fotos en un fotomatón con los accesorios de Diana o también con el conocido emblema de la princesa de las Amazonas.

Este espacio estará disponible  desde hoy, 30 de Marzo en Ficomic (Salón Internacional del cómic de Barcelona) y estará abierto hasta el día 2 de abril. Los horarios para poder asistir son: Jueves 30 de marzo y domingo 2 abril de 10.00h hasta las 20.00h, y el viernes 31 de marzo y sábado 1 de abril, de 10.00h hasta las 21.00h.

WONDER WOMAN” llegará a los cines de todo el mundo el próximo mes de junio con Gal Gadot en el papel protagonista de esta aventura épica de acción de la directora Patty Jenkins (“Monster”, “The Killing”, para la AMC). Junto a Gadot, el reparto internacional del film se completa con Chris Pine (de la saga  cinematográfica “Star Trek”), Connie Nielsen (“The Following”, de la FOX; “Gladiator”), Robin Wright (“Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres”; “House of Cards”, de Netflix), David Thewlis (de las películas de “Harry Potter”, “La teoría del todo”), Danny Huston (“Furia de titanes”, “X-Men orígenes: Lobezno”), Elena Anaya (“La piel que habito”), Ewen Bremner (“Exodus: Dioses y reyes”, “Rompenieves”), y Saïd Taghmaoui (“La gran estafa americana”).

 SINOPSIS

Antes de ser Wonder Woman, era Diana, la princesa de las amazonas, y fue entrenada para convertirse una guerrera invencible. Criada en una recóndita isla paradisíaca, cuando un piloto estadounidense se estrella en sus costas y le informa de un conflicto masivo que está arrasando el mundo exterior, Diana abandona su hogar, convencida de que puede poner fin a la amenaza. Luchando con los hombres en un guerra para acabar con todas la guerras, Diana descubrirá todos sus poderes… y su verdadero destino.

 Wonder Woman llegará a las pantallas españolas el próximo 23 de junio

Categorías:Cómic Barcelona

ALIEN: COVENANT en el Salón Internacional del Cómic de Barcelona

Adelántate al estreno de ALIEN: COVENANT visitando su estación médica en el Salón Internacional del Cómic de Barcelona que arranca hoy mismo y podrás disfrutar hasta el domingo. Donde se ha creado un espacio inspirado en el universo de Alien y podrás disfrutar de distintos objetos de la saga y comprobar si tu cuerpo alberga algún xenomorfo

Ridley Scott retoma el universo que creó en ALIEN con ALIEN: COVENANT, el segundo capítulo de la trilogía precuela que comenzó con PROMETHEUS  y que conecta directamente con la influyente obra de ciencia ficción de Scott de 1979. Su estreno en cines tendrá lugar el 12 de mayo.

Sinopsis: Con rumbo a un planeta remoto al otro lado de la galaxia, la tripulación del Covenant descubre lo que piensan que es un paraíso inexplorado, que en realidad es un mundo oscuro y peligroso, cuyo único habitante es el “sintético” David (Michael Fassbender), superviviente de la condenada expedición Prometheus.

El Salón Internacional del Cómic de Barcelona se celebra en los palacios 1, 2.1 (planta Superior del Palacio 2), 4 y Plaza Univers de la Fira Barcelona, del jueves 30 de marzo al domingo 2 de abril.

Para más información, visita su web oficial: http://ficomic.com/inicio.cfm

ALIEN: COVENANT  –  Nuevo tráiler

ALIEN: COVENANT, ESTRENO EL 12 MAYO

Categorías:Cómic Barcelona

Cartel y nuevos detalles sobre ‘Cortos con K’ 2017: Festival de cortometrajes de terror y fantástico

Nos complace presentaros el cartel de la quinta edición de CORTOS CON K FESTIVAL, inspirado en todo un clásico del cine de ciencia ficción  El Tiempo En Sus Manos (The Time Machine. George Pal, 1960), adaptación cinematográfica de la obra de culto escrita por H.G. Wells en 1895. Un año más la ilustración nace de la invención del artista barcelonés Juan Rubí a través de su firma DkillerPanda, y muestra de manera personal elementos sobre la mítica película con unos simpáticos Morlocks o la flamante máquina del tiempo en la que viajaba el actor Rod Taylor hasta el año 802.701.

El cartel también sirve para presentar el ‘leitmotiv’ del festival, que este año y a través de diferentes propuestas estará dedicado a los viajes en el tiempo. Largometrajes, cortos, literatura, sesiones temáticas, presentaciones y charlas, serán algunas de las ofertas que ofreceremos al espectador sobre este interesante subgénero. Durante el festival también tendrá lugar la presentación del Klowns Horror Fanzine #6, revista temática donde analizamos las películas más destacadas en torno a las paradojas y los viajes en el tiempo.

CORTOS CON K FESTIVAL 2017 contará como cada año con las ya habituales secciones. “Muestra de Cortometrajes Fuera de Concurso”, donde daremos protagonismo a las obras que se quedaron a las puertas de la final; la sección competitiva “Finalistas a Competición”, donde proyectaremos los trabajos seleccionados por la organización que optarán a los premios del festival; “Jóvenes Realizadores”, dedicada a óperas primas o trabajos de alumnos de escuelas de cine; y los homenajes a diferentes personalidades del mundo del cine. El festival también volverá a contar con la sección “Retrospectiva en Corto”, en la que recuperamos de manera nostálgica los primeros trabajos de directores ya consagrados en el mundo del cine. Una sección que el año pasado tuvo un gran recibimiento y donde proyectamos trabajos como “Mala Suerte” o “Tight” de Sergi Vizcaino, “Home Delivery” de Elio Quiroga, o “I’ll See You In My Dreams” de Miguel Ángel Vivas, entre otros.

Os recordamos que hasta el 31 de mayo está abierta la inscripción de cortometrajes a través de los canales habituales, como las plataformas de envío: Festhome, Movibeta, Click for Festivals o Film-Salad.com, o por medio del correo electrónico: inscripciones@cortosconkfestival.com

El Festival está subvencionado por el Ayuntamiento de Barcelona – Distrito de Les Corts y el apoyo de la S.C L’Espiga de les Corts, y se celebrará los días 30 de junio y 1 de julio en la S.C. L’Espiga de Les Corts. C/Joan Gamper, 30. Les Corts.

 

El cine en zapatillas: Los asesinos de la luna de miel (The Honeymoon Killers, Leonard Kastle, 1970)

LOS ASESINOS DE LA LUNA DE MIEL (The Honeymoon Killers, Leonard Kastle, 1970) BLU-RAY Regia Films

USA. Duración: 108 min. Guion: Leonard Kastle Música: Gustav Mahler Fotografía: Oliver Wood (B&W)  Productora: Cinerama Releasing Corporation Género: Drama Formato pantalla: 1,85:1 – 16:9 Audio: DTS-HD Castellano e inglés Subtítulos: castellano

Reparto: Shirley Stoler, Tony Lo Bianco, Mary Jane Higby, Doris Roberts, Kip McArdle,Barbara Cason

Sinopsis: Martha Beck (Shirley Stoler) es la jefa de enfermeras del Hospital de Mobile en Alabama, con sobrepeso, soltera y falta de cariño. Raymond Fernández (Tony Lo Bianco) es un latin lover que se cita con mujeres mediante los anuncios clasificados de la prensa, los “corazones solitarios”, para robarles cientos de dólares con la falsa promesa de casarse con ellas. Muy pronto se encontrarán trabajando juntos en la tarea de engañar y robar a mujeres solteras y viudas, presentando a la ex enfermera como a la hermana de Raymond. Pero los celos enfermizos de Martha y su volátil temperamento harán que las cosas se tornen cada vez más violentas…

Regia Films edita en lujoso formato Blu-ray una de las películas que más gana tenía Serendipia de llevarse a su cubil. Los asesinos de la luna de miel se nos estaba resistiendo. Tentados estuvimos de hacernos con ella y verla en edición foránea ya cuando se editó en VHS por Tartan Video en los noventa y la tienda Gorgon la tenía, tentadora y en inglés, en una de sus estanterías. Tal era el interés desbocado que Serendipia tenía por esta película. Años después e ignorando que hubiera salido editada por Filmax, seguíamos sin verla así que, en cuanto supimos que Regia la iba a editar, por un lado nos dio mucha alegría, pero por otro temimos que nos defraudara.

Pero la espera ha valido la pena y las condiciones han resultado insuperables: la edición de Regia Films luce magnífica en radiante blanco y negro y con la posibilidad (imperdonable hacerlo de otra forma) de disfrutarla en versión original subtitulada al castellano. 

Más información y pedidos: http://www.regiafilms.com/

CUANDO LA FICCIÓN SUPERA LA REALIDAD: MARTHA Y RAY

Raymond Fernández, norteamericano de padres españoles, era un cabeza de familia responsable y trabajador que vivía con su esposa y sus cuatro hijos en La Linea de la Concepción. En 1945 durante un viaje en barco a Estados Unidos tuvo un accidente recibiendo un golpe en la cabeza que, además de una fea cicatriz, le traería un cambio total de personalidad. Cometió un delito que le supuso un año de condena en Tallahassee (Florida), donde conoció el vudú y la magia negra de la mano de los indios que estaban en prisión. Se convenció de que tenía poderes hipnóticos especiales y que con ellos podría tener a todas las mujeres que quisiera. Y es que el accidente también había despertado unos desbocados deseos sexuales en Fernández. Ya en Nueva York se convirtió en un don Juan de guardarropía que mediante anuncios en clubs de corazones solitarios conocería a solteras y viudas a las que además de utilizar para saciar sus apetitos sexuales, despojaba de sus bienes. No tenía manías, todas despertaban su deseo. Según declaró, en dos años sedujo a más de cien mujeres, atribuyendo su éxito a su mirada hipnotizadora.

En 1947 se casó con Lucilla Thompson, una mujer mucho más mayor que él a la que llevó de luna de miel a España, concretamente a la casa donde vivía su esposa Encarnación con sus cuatro hijos. Lucilla pronto se dio cuenta de la situación. Pero no le dio tiempo a mucho más pues apareció muerta en un hotel de Sevilla. Lo que se diagnosticó como paro cardíaco, había sido realmente obra de Raymond con la ayuda de una droga, la digitalina, que ocasiona síntomas similares al ataque al corazón. Fernández volvió a casa de su suegra y esgrimiendo un documento que había falsificado, se declaró único heredero de los bienes de su esposa, a la que había hecho firmar dos papeles en blanco que él posteriormente había rellenado.

No tardó en volver a la carga escribiendo y contactando con una joven de 26 años, enfermera y con casa propia, que despertó su interés. Se trataba de Martha Seabrook Beck. Hija de madre dominante, Martha sufrió un desorden glandular a los nueve años que la hizo engordar desaforadamente, además de provocarle un continuo apetito sexual. Se hizo enfermera, pero por su aspecto solo consiguió trabajo en pompas fúnebres lavando y amortajando cadáveres. En los ratos libres se dedicaba a acosar a hombres en las paradas de autobús. Hasta que uno la dejó en estado, suicidándose poco después. Encontró un nuevo trabajo en el hospital donde dio a luz, hasta 1944, año en que la despidieron por conducta escandalosa. Era una mujer dominante, a la que no interesaba el galanteo y agradaba el sexo duro. Poco después se casó y tuvo otro hijo, pero no tardó en divorciarse. Un día le hicieron una broma, un conocido escribió a un club de corazones solitarios de Nueva York en su nombre.

Cuando conoció a Raymond Fernández pensó que había conocido al hombre de su vida y decidió que nunca se separaría de él. Así que tras intentar suicidarse metiendo la cabeza en el horno, Martha convenció a Raymond de irse a vivir con él, abandonando a sus hijos que quedaron al cuidado de su madre. Informada por Ray de sus tejemenejes con viudas y solteronas, lejos de sorprenderse Martha se convirtió en su cómplice, presentándose ante las pretendientes como hermana de Raymond.

Si bien al principio alguna de sus presas escapó con vida tras ser saqueada a conciencia, Martha tenía unos feroces celos, así que no tardó en utilizó sus conocimientos químicos para suministrar fármacos con los que librarse de las desafortunadas novias de Raymond. En 1949 la cosa pasó a mayores cuando Martha asesinó de un martillazo en la cabeza a la nueva señora Fernández, Janet Fay, de la que se deshicieron metiéndola en un baúl y enterrándola en el sótano de la casa que tenían alquilada en el neoyorquino barrio de Queens. El mismo día que la enterraban llegaba una carta de una nueva pretendienta, Delphine Downing, viuda de cuarenta años que tenía una hija de dos años, Rainelle. En pocos días allí aparecieron Martha y Raymond. Y en muy poco tiempo estaban durmiendo juntos Raymond y Delphine. Una situación que duró poco, pues los celos de Martha no se lo permitieron. Y más cuando se enteró que Delphine se había quedado en estado. Le dio unas pastillas con el pretexto de que eran abortivas y profundamente sedada fue finiquitada, de un tiro en la cabeza, por Raymond, que aturdido y desmoralizado por lo que  había hecho, dejó que Martha se encargase de enterrar el cadáver en el sótano y ahogar en una tina llena de agua a la pequeña Rainelle. Pero unos vecinos sospechando que algo raro estaba sucediendo llamaron a la policía, ante la que rápidamente confesaron tanto Raymond como Martha ofreciendo, eso sí,  versiones diferentes de los  hechos.

La opinión pública se horrorizó ante los crímenes de estos asesinos de corazones solitarios, tal y como la prensa los había bautizado. En especial fue el asesinato de la niña lo que más conmocionó al público. Como en Michigan, donde fueron detenidos, no había pena de muerte, Martha y Ray fueron trasladados a Nueva York, donde sí podían ser ejecutados y donde fueron juzgados por el asesinato de Janet Fay, resultando condenados el 17 de junio de 1949 a morir en la silla eléctrica, siendo ejecutados en marzo de 1951 tras agotar todos los recursos. Dos horas antes de la ejecución Fernández le envío un mensaje a Martha en el que decía “Me gustaría gritarle al mundo el amor que siento por ti”. Cuando ella lo recibió se le iluminó la cara y, abrazando a la enfermera dijo “Ahora sé que Raymond me quiere y puedo afrontar la muerte con alegría”.

El club donde Raymond Fernández obtenía las direcciones de sus víctimas se llamaba “Mother Dinene”. Después del arresto de la pareja se descubrió que “Mother Dinene” era una mujer que vivía confortablemente en el barrio del Bronx (Nueva York). Los detectives de la policía cerraron el Club por fraude, pero la mujer no tardó en abrir otro en el que prometía la felicidad marital por tan solo cinco dólares.

THE HONEYMOON KILLERS

Leonard Kastle

¿Qué tuvo que suceder para que el compositor de ópera Leonard Kastle terminara escribiendo y dirigiendo The Honeymoon Killers? Pues que Martin Scorsese, el director seleccionado para rodar esta cinta fuera despedido tras tan solo una semana de rodaje, así como su sustituto, el desconocido Donald Volkman. Prácticamente fue una cuestión de azar. Pero no piensen por el escaso bagaje de Kastle en el cine que el resultado obtenido fue pésimo, muy al contrario, The Honeymoon Killers es una cinta visualmente contagiada de los aires renovadores que llegaban desde Europa. Rodada en un blanco y negro repleto de grises, su marcado aire naturalista, al que contribuyen las actuaciones de los actores, en especial la pareja protagonista, hace que casi resulte cinéma vérité. Con  unos movimientos de cámara llenos de modernidad, pero también con cierto aire exploitation, al que contribuye su descuidado uso de la música, mediante  jirones de Gustav Mahler. No puede sorprendernos menos leer que este era el filme americano favorito de François Truffaut.

El guión, que también escribió Kastle, sigue de manera aproximada los hechos tal y como sucedieron, aunque se omite el accidente que Raymond sufrió y que redirigió su vida hacia el crimen, a pesar de que luce una cicatriz en la cabeza que se esfuerza en tapar con un bisoñé de la que no se nos explica cual su origen. Tampoco se habla de su vida en España, ni de la maternidad de Martha. El director -y guionista- prefiere poner el acento en los protagonistas como pareja, ya que para él, “Martha y Raymond no habrían llegado, por sí solos, a hacer lo que hicieron. Fue su encuentro lo que les convirtió en los asesinos más grotescos que se pueda imaginar. En ese sentido, creo que mi film es un estudio de la personalidad”.[1]

Leonard Klastle también se permitió añadir algunas dosis de humor negrísimo, sobre todo en la primera parte de la película. Nos retrata a las pretendientes de Raymond de forma paródica, casi cómica, con actuaciones teatrales, exageradas, que contrastarán con las que tendrán las víctimas de la segunda parte de la cinta. Más realistas. Será a partir del sórdido y aterrador asesinato de la anciana cuando cambie el tono de la película. Subirá el  horror, ya no se tratará de asesinatos casi accidentales, en la distancia, con fármacos. Desde ese momento la poca simpatía que pudieran despertar esa pareja de perdedores, desaparecerá. Esfumándose definitivamente cuando eliminen a sus dos últimas víctimas. Ese cambio de tono, brutal, se reflejará en los ojos de la última mujer que asesinan. Un crimen que el director capta de forma magistral. Y es que viendo The Honeymoon Killers nos damos cuenta del gran director que hemos perdido y de la injusticia que se ha cometido con esta película catalogándola como serie B. “Este es un film que hemos hecho sin presiones de ninguna clase. Nadie lo ha visto antes de ser montado y tuvimos muchas dificultades para encontrar un distribuidor. Todos pensaban que el film sería muy torpe, muy real y, sobre todo, no lograban entender la presencia de una protagonista de 110 kilos. Creían que todo resultaba demasiado deprimente. Por fin, cuando un distribuidor se arriesgó, el film se presentó en Nueva York y Los Angeles, el favor de la crítica superó nuestras más optimistas previsiones“.[2]

Tampoco sería esta película lo que es sin esa magnífica pareja de actores protagonistas.

Shirley Stoler, hija de inmigrantes judíos polacos, se inició en el teatro underground. El primer papel cinematográfico que interpretó fue el de la asesina Martha Beck a los 41 años, un papel nada amable que se prolongó en otros de similar talante como horrible funcionaria de prisión, prostituta y comandante de campo de prisioneros.  Roles grotescos y crueles en los que mandaba su físico que tuvieron su excepción en un breve papel como sufrida madre en El cazador (The Deer Hunter, Michael Cimino, 1978). También intervino en diversas series televisivas e incluso debutó en Broadway en 1981 con Lolita, junto a Donald Sutherland y Blanche Baker, que se suspendió tras solo nueve días en cartel. Fallecío en 1999 a los 69 años por insuficiencia cardíaca.

Por su parte la carrera de Tony Lo Bianco se distingue tanto por su versatilidad, como por la calidad de su trabajo. Ha aparecido en numerosas películas, programas de televisión y obras teatrales, tanto actuando como ejerciendo de escritor, director y productor. Neoyorquino nacido en Brooklyn, entre sus más de cien actuaciones cinematográficas destaca su Sal Boca en Contra el imperio de la droga (The French Connection, William Friedkin, 1971)

A pesar de las críticas favorables que recibió su película y de las dos nuevas cintas, A Wedding at Cana y Aloha, que tenía proyectado rodar para el productor de The Honeymoon Killers, Warren Steibel, Leonard Kastle retornó al mundo de la música y no volvió a dirigir cine.

A finales de los setenta se anuncio en la revista Variety una secuela de The Honeymoon Killers. Aunque nunca se produjo, la historia partiría de una cita íntima entre Ray y Martha mientras esperaban su ejecución en el corredor de la muerte que habría tenido como resultado el nacimiento en prisión de gemelos, niño y niña, que serían separados al nacer. Años más tarde ambos formarían equipo como pareja de amantes asesinos sin sospechar que eran realmente hermanos.

Destacar también que el caso resultó lo suficientemente atractivo como para ser tratado, con desigual suerte, por otros cineastas. Hasta ahora se han realizado tres versiones más de la historia: las norteamericanas Contacto letal (Lonely Hearths, Andrew Lane, 1991) y Corazones solitarios (Lonely Hearths, Todd Robinson,  2006) y la mexicana Profundo Carmesí (Arturo Ripstein, 1996).

LOS ASESINOS DE LA LUNA DE MIEL

Programa de mano desplegable original

Estrenada en 1970, arribó de manera muy puntual a nuestras sacrosantas pantallas, concretamente en noviembre de ese mismo año se estrenó en el Publi  de Barcelona y al mes siguiente en el Galileo de Madrid, relegada al circuito de salas de Arte y Ensayo lo cual, por otra parte,  fue una ventaja ya que se ofreció en versión original subtitulada.

Mientras que no hemos podido acceder a la crítica madrileña en Barcelona, donde se estrenó junto al cortometraje Gente de mesón de Francisco Betriu, se recibió como agua de mayo si hacemos caso al tiempo que se mantuvo en cartelera y a alguna de las críticas que desató. Para la Vanguardia es una cinta “de un interés verídico y realizada con una eficacia que roza la brillantez.”[3] Concluyendo que “Acaso a Kastle pueda criticársele aquello mismo que se puede considerar como su mayor mérito: la crudeza sin freno, la crueldad (…), el realismo feroz que sirve de vehículo al verismo que quiere servirnos. Pero su verdad si hiere es siempre humana y nunca truculenta. Y la historia es aleccionadora y de un alcance estremecedor por esta honrada intransigencia con que su narrador cinematográfico destierra mitos y tópicos hasta sus últimas consecuencias.”[4]

NOTAS
[1] Declaraciones de Leonard Kastle incluidas en el programa de mano español.
[2] Ídem
[3] J.P.M. en La Vanguardia del jueves 12 de noviembre de 1970. Pág. 56
[4] Ídem

CARTELERÍA Y MATERÍAL GRÁFICO

Concurso de Relatos Klowns Horror Fanzine #6: Viajes en el tiempo

Banner Concurso de Relatos KHF#6_01

Con motivo del próximo lanzamiento del Klowns Horror Fanzine #6, revista temática que dedica este número a las películas más destacadas sobre paradojas y viajes en el tiempo, lanzamos el ya habitual concurso de relatos temáticos, en el que se pone a prueba la imaginación y originalidad de los participantes. El ganador del concurso verá su obra publicada en el fanzine y recibirá un ejemplar del mismo más la novela escrita por Lluís Rueda -PARADOJA EN RENFIELD STREET, una de las últimas novedades de la Editorial Hermenaute que este año vuelve a colaborar en el concurso. Además, se incluye el dvd de la película “LOS PASAJEROS DEL TIEMPO”.

Si te animas a participar y desarrollar una interesante historia que contenga los elementos más característicos de la temática y nos haga viajar en el tiempo, aquí puedes leer las bases del concurso.

Bases del concurso

  • Relatos originales del autor en torno a la temática. Paradojas temporales – viajes en el tiempo – bucles temporales.

  • Textos en castellano de entre 800 y 1000 palabras acompañados por su título.

  • Archivos preferiblemente en Microsoft Word o Open Office.

  • Recepción de las obras del 22 de marzo al 20 de mayo.

  • Cada autor podrá enviar un máximo de 3 relatos.

  • Concurso de ámbito nacional (SOLO PARA ESPAÑA)

  • Enviar las obras junto con el nombre completo del autor al email: klownshorrorfanzine@gmail.com (Asunto: relatos fanzine#6)

  • La obra ganadora se dará a conocer a finales del mes de mayo en la web.

Premios

  • Publicación del relato en el fanzine

  • Un ejemplar del Klowns Horror Fanzine#6

  • Novela -Paradoja en- Renfield Street de la Editorial Hermenaute

  • DVD de “Los Pasajeros del Tiempo” (Time After Time. Nicholas Meyer, 1979)

La presentación del fanzine tendrá lugar durante la celebración del Cortos con K Festival 2017 dentro de la sesión temática Klowns Horror Cinema vol.6.

¡¡¡Animaros a participar y mucha suerte!!!

El 35 Salón del Cómic, listo para despegar

El próximo jueves 30 de marzo, dentro de una semana, termina la cuenta atrás y el 35 Salón Internacional del Cómic de Barcelona empieza a volar. El recinto de Fira Barcelona-Montjuïc albergará un año más el Salón, que se desarrollará en los Palacios 1, 2.1, 3.1 4 y en la Plaza Univers. El certamen organizado por FICOMIC tendrá la aviación como uno de sus ejes temáticos, sobrevolando cuatro días en los que nos visitarán casi una treintena de autores internacionales y tendremos un atractivo programa de exposiciones, actividades, firmas de autores y eventos como la presentación oficial en España de Nintendo Switch.

(Fotos: Serendipia)

El Instituto Ramón Llull ha acogido este jueves, 23 de marzo, la rueda de prensa en la que se han presentado de forma definitiva los contenidos del Salón. En ella han participado Manuel Forcano, director del Instituto Ramón Llull; Patrici Tixis, presidente de FICOMIC y del Gremio de Editores de Catalunya; Manuel Curdi, Brand Manager de Nintendo Ibérica, y Carles Santamaría, director del Salón Internacional del Cómic y secretario general de FICOMIC.

El director del Instituto Ramón Llull, Manuel Forcano, ha abierto la rueda de prensa expresando su satisfacción por poder acoger esta puesta de largo del Salón del Cómic, que sintoniza plenamente con su intención de “promover el cómic hecho en Catalunya en el extranjero, dado que aquí se editan más del 90% de los cómics que se venden en el Estado español”. Forcano ha explicado que el gobierno de las Islas Baleares también forma parte del Instituto y ha subrayado la importancia de esta comunidad autónoma en lo que respecta al apoyo institucional que se da allí al cómic, con ayudas a los creadores o el premio que, desde hace cinco años, concede el ayuntamiento de Palma de Mallorca.Patrici Tixis, presidente de FICOMIC y del Gremio de Editores de Catalunya, ha recogido el guante de Forcano celebrando el inicio de una colaboración que esperan larga y fructífera, “ya que nuestro objetivo, al hacer el Salón del Cómic, es sobre todo hacer difusión del cómic, y es una buena señal que el Instituto Ramón Llull se apunte a esta tarea”. Tixis ha destacado el aumento en espacio físico y en número de expositores, que roza los doscientos, y ha agradecido también su presencia y la confianza en el Salón a Manuel Curdi, Brand Manager de Nintendo Ibérica, el siguiente en tomar la palabra.

Curdi ha explicado que la principal intención de Nintendo apoyando eventos como el Salón del Cómic es conseguir que más gente juegue, con independencia de su sexo, edad o habilidades para jugar. “El mundo del cómic ya hace años que ha conseguido que no haya que pedir perdón por publicar en los medios noticias sobre ello; para nosotros sigue siendo difícil explicar que los videojuegos también son cultura”, ha dicho, valorando el impacto positivo y el valor informativo que a este respecto tiene el estar presente en el Salón del Cómic, el evento que han escogido para iniciar la gira nacional de su nueva consola Nintendo Switch.

Por último, Carles Santamaría ha hablado de los contenidos del Salón, de exposiciones, invitados y actividades. Este año serán trece las muestras que podrán verse en el certamen, y a las ya avanzadas, como la consagrada a la aviación o las dedicadas a Will Eisner o al fanzine Fanhunter de Cels Piñol, hay que sumar una exposición de originales del legendario Milton Caniff, otro maestro del cómic norteamericano, o una muestra del humor gráfico que ha generado alrededor del mundo la irrupción en la política, con mudanza a la Casa Blanca incluida, del polémico Donald Trump. Lucky Luke, el mundo espejo de Ekhö o Antoni Gaudí, en cuya obra nos adentraremos a través de las páginas del cómic El fantasma de Gaudí, protagonizan el resto de exposiciones del Salón. Ha destacado el apoyo que tiene el Salón del Ayuntamiento de Barcelona, la Generalitat de Catalunya y el Ministerio de Cultura, además del patrocinio de Nintendo, y de diversas instituciones, entidades, empresas y asociaciones. “El Salón del Cómic es una gran fiesta del cómic abierta a todo el mundo, donde los autores, editores, distribuidores, libreros y fanzines son los grandes protagonistas”, ha señalado.

Y en cuanto a los autores extranjeros que estarán presentes en el 35 Salón Internacional del Cómic de Barcelona, contaremos con la presencia de Liza Donnelly, que lleva treinta años haciendo humor gráfico en el The New Yorker Magazine y en otras cabeceras estadounidenses; tendremos al maestro de la historieta belga Hermann o al francés Romain Hugault, toda una referencia en lo que al cómic sobre aviación se refiere; a Gene Ha, que ha trabajado con Alan Moore en Top 10; a Jill Thompson, que presentará en el Salón su original punto de vista sobre Wonder Woman; desde Bélgica vendrá Bruno Gazzotti; Kim Jung Gi nos mostrará en directo su habilidad única para el dibujo; el matrimonio Bryan y Mary M. Talbot que nos presentarán sus novedades; o Dave Gibbons, uno de los artífices de Watchmen, entre otros.

El 35 Salón del Cómic de Barcelona también contará con un taller de impresoras 3D, una de las novedades de este año; un taller de youtubers, en la línea iniciada en la pasada edición para dar visibilidad a este medio de expresión; un taller de juegos de mesa vinculado a Fanhunter, y Santamaría también ha destacado que este año se amplían las actividades pedagógicas dirigidas a profesores y alumnos de escuelas. Ahora solo queda contar los días hasta el próximo jueves para que empiece el Salón del Cómic, que cerrará sus puertas el domingo 2 de abril.

El 35 Salón Internacional del Cómic de Barcelona tendrá lugar del jueves 30 de marzo al domingo 2 de abril de 2017 en los Palacios 1, 2.1, 4 y Plaza Univers de Fira Barcelona Montjuïc.

La venta anticipada de entradas se realiza exclusivamente desde www.ficomic.com.

Categorías:Cómic Barcelona

Novedades Diábolo para marzo de 2017: cómic, canción infantil y literatura juvenil

En un mes tan especial como es este para una editorial de comics, Diábolo edita una novela gráfica sobre un suceso siempre de actualidad, y lo hace con una mezcla de fotografía y cómic que sin duda hacen e este McCurry, NY 11 septiembre 2001 una obra a destacar de entre las de este año. La revista Cthulhu cumple diez años. 17 números ofreciendo cómics de terror. Y en su exitosa linea de libros dedicados a la cultura popular, Diábolo nos ofrece una monografía sobre la canción infantil  a cargo de Jorge Lérida, y  Siempre quise ser uno de los cinco, obra en la que Guillem Medina se adentra en la literatura juvenil. 

 

VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 24 de marzo de 2017 *

UN HOMBRE LLAMADO OVE (En man som heter Oveaka, Hannes Holm, 2015)

Suecia  Duración: 116 min. Guion: Hannes Holm (Novela: Fredrik Backman) Fotografía: Göran Hallberg Productora: Film i Väst / Nordisk Film / Nordsvensk Filmunderhallning / Sveriges Television (SVT) / Tre Vänner Produktion AB Género: Comedia dramática
Reparto: Rolf Lassgård, Bahar Pars, Filip Berg, Ida Engvoll
Sinopsis: Ove (Rolf Lassgard) es el gruñón de la urbanización. Un hombre solitario y obsesionado por las normas, que lleva de cabeza a todo el vecindario. Su mal humor empeora cuando es forzado a jubilarse de la empresa en la que ha trabajado toda su vida. Pero su vida da un giro cuando la iraní Parvaneh (Bahar Pars) y su familia se convierten en sus nuevos vecinos.

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Una  comedia naif y para toda la familia que se las ingenia, de camino, para denunciar la intolerancia hacia emigrantes, homosexuales e incluso gatos. Aunque ya desde el principio sabemos que el mezquino y cascarrabias Ove terminará siendo un ángel para sus vecinos en lugar del molesto vigilante obsesionado con las normas de convivencia de la urbanización. Ser anticipable no le resta interés a la cinta, que se ve con agrado y algo de placer culpable ante el exceso de buenismo que derrocha.

Humor blanco por mucho que la historia arranque con el intento de suicidio del protagonista. De hecho, resulta muy ingenioso como el director introduce los flashbacks durante los diferentes intentos de Ove de quitarse la vida. Mediante estas visitas al pasado sabremos los motivos que llevaron a Ove a alcanzar y perfeccionar ese grado de mezquindad que le ha convertido en persona non grata en todo el vecindario.

Basada en la novela ‘En man som heter Ove‘, ópera prima del escritor sueco Fredrik Backman que ha sido publicada en más de 30 países, tiene, como casi todas las primeras novelas, mucho de autobiográfico: si en la novela uno de los personajes clave es una emigrante iraní y parte de la acción se desarrolla en Palma de Mallorca, en la vida real la esposa del escritor es de origen iraní y una gran enamorada de Barcelona.

Ingeniosa, sencilla y deliciosa, a pesar de los inconvenientes señalados en relación con su exceso de melaza, nos parece una cinta recomendable ya que en estos tiempos que nos han tocado, no está de más llevarse en el corazón una buena ración de buenos sentimientos, que no por escasos dejan de ser necesarios.
2016: Premios Oscar: Nominada a mejor película de habla no inglesa y maquillaje
2016: Premios del Cine Europeo: Mejor comedia europea
2016: Satellite Awards: Nominada a Mejor película de habla no inglesa
2015: 3 Premios Guldbagge, incluyendo mejor actor (Lassgård). 6 nominaciones

LA CURA DEL BIENESTAR (A Cure for Wellness, Gore Verbinski, 2016)

USA/Alemania Duración: 156 min. Guion: Justin Haythe, Gore Verbinski Música: Benjamin Wallfisch Fotografía: Bojan Bazelli Productora: New Regency Productions / Blind Wink Productions / Studio Babelsberg Género: Thriller

Reparto: Dane DeHaan, Jason Isaacs, Mia Goth, Susanne Wuest, Celia Imrie, Lisa Banes,Adrian Schiller, Ivo Nandi, Natalia Bobrich, Johannes Krisch, Jason Babinsky,Judith Hoersch, Jeff Burrell, Eric Todd, Godehard Giese, Craig Wroe
Sinopsis: Un joven y ambicioso ejecutivo de empresa (Dane DeHaan) es enviado para traer de vuelta al CEO de su compañía, que se encuentra en un idílico pero misterioso “centro de bienestar”, situado en un lugar remoto de los Alpes suizos. El joven pronto sospecha que los tratamientos milagrosos del centro no son lo que parecen. Cuando empieza a desentrañar sus terribles secretos, su cordura será puesta a prueba, pues de repente se encontrará diagnosticado con la misma y curiosa enfermedad que mantiene allí a todos los huéspedes, deseosos de encontrar una cura.

La cura de bienestar es una magnífica propuesta de cine de terror, con aires muy clásicos pero desarrollada en pleno siglo XXI. Mad doctors que descubren su rostro desfigurado como Erik, el fantasma de la ópera; sectas siniestras; un balneario con aspecto de castillo tenebroso ubicado en la cima de una montaña (Hohenzollern, Alemania); lúgubres laboratorios con instrumental del siglo XIX …  Un entorno inmejorable y un argumento que construye una interesante intriga la cual se desarrolla con una cadencia casi onírica, mezcla de realidad y alucinación, creando un universo irreal, misterioso. Pero… lamentablemente tropezamos con un pero.

Para un sector de la crítica, la más especializada en cine fantástico y de terror, y un sector del público, el amante del género, esta cinta resultará una exquisitez. Digresiva y desmesurada, pero también estimulante y arriesgada. Una anomalía hollywoodiense destinada a convertirse en filme de culto. Y advertirán en las redes sociales, a otros que saben iguales a ellos, que se apresuren en verla sin dilaciones porque la cinta durará poco en cartel. Seguramente les asista la razón y es que, ahí va el pero prometido, La cura del bienestar es imperfecta por su exceso, por no saber renunciar a referencias (¡hasta hay un celador que lee La Montaña Mágica!), por no saber renunciar a ninguna imagen sugerente aunque eso suponga que su guión vaya teniendo más y más aristas. Es desmesurada pero no sublime. Será de culto, pero unos cuantos toques de tijera aquí y allá podrían haberla convertido en una buena película.

Rodada con gran preciosismo y un cuidado especial en el detalle, cuenta con Dane DeHaan, un prometedor actor desde que lo descubriéramos en  Chronicle (Josh Trank, 2012), y la dulce y enigmática Mia Goth, que le prestan su belleza y juventud como contrapunto a ese universo enfermo que desgrana. Con sus inconvenientes, que la harán de difícil aceptación por el público más generalista, no deja de ser una propuesta interesante, de las que apetece volver a revisar con más detenimiento. Si la película fuera un buen vino, la nota de cata rezaría: persistente en la memoria.

 

RARA (Pepa San Martín, 2016)

Chile/Argentina. Duración: 93 min. Guion: Pepa San Martín, Alicia Scherson Música: Ignacio Pérez Marín Fotografía: Enrique Stindt Productora: Manufactura de Películas / Le Tiro Cine Género: Drama
Reparto: Julia Lübbert, Emilia Ossandón, Mariana Loyola, Agustina Muñoz, Daniel Muñoz,Coca Guazzini, Sigrid Alegría, Micaela Cristi
Premios
2016: Festival de San Sebastián: Mejor película latinoamericana
Estamos ante un drama realista magníficamente relatado y retratado mediante planos secuencia y una puesta en escena detallada al milímetro con el fin de evitar artificios de cámara. Se mueve tan solo lo imprescindible para acompañar siempre el punto de vista de la protagonista, la adolescente Sara (Julia Lübbert). Llega incluso, en muchas ocasiones, evitar el contraplano, cosa que consigue gracias al cambio de punto de enfoque dentro de un mismo encuadre.
 
Sara vive con su hermana pequeña, Cata (Emilia Ossandon), Paula (Mariana Loyola), su madre y su pareja Lia (Agustina Muñoz).  La directora nos muestra la ordenada y feliz convivencia de esta familia. Completada con las visitas y fines de semana que ambas niñas pasan con su padre y su esposa. Reina la normalidad, pero la bisoñez adolescente de Sara y sus propios primeros escarceos amorosos le hacen pensar que su familia es rara.
Siente vergüenza de que la pareja de su madre sea de su mismo sexo, no quiere que sus amistades la vean en ese ambiente,  por ello llega a organizar la fiesta de su trigésimo cumpleaños en casa de su padre. Una situación producto de la confusión que le causa su edad pero que tendrá unas consecuencias inesperadas.
Lo mejor de esta película, además de la normalidad con la que trata la situación, está en como lo cuenta, de forma cotidiana, sin subrayados. No hay discursos ni proclamas, a diferencia de lo que sucede con otras películas provenientes de la otra América, la del norte.  No se nos muestra el juicio por la custodia de Paula (y la de su hermana pequeña a la que ni siquiera consultan), ni la campaña mediática que la madre y su pareja organizan para dar visibilidad a su realidad y a la condición homofóbica de la demanda del padre, ni se extiende en mostrar detalles del rechazo de otras personas de su entorno. En suma no cae en las argucias tramposas del cine más comercial que habrían convertido la trama en carne de lágrima fácil y alma moralizante. Rara no es una historia de buenos y malos, sino de personas que  tropiezan con los prejuicios de la sociedad. Son esos prejuicios los que confunden a Paula en el momento de su despertar adolescente. Cuando comprenda su error, ya será demasiado tarde.
Remarcable primera incursión  en el largometraje de su directora, Pepa San Martín, que ha sabido sacar lo mejor de sus magníficas actrices, en especial de las pequeñas, que realizan un trabajo de una naturalidad magistral.

 

REDENCIÓN (Southpaw, Antoine Fuqua, 2015)

USA/Hong-Kong Duración: 124 min. Guion: Kurt Sutter Música: James Horner Fotografía: Mauro Fiore Productora: Escape Artists / Fuqua Films / Riche Productions Género: Drama

Reparto: Jake Gyllenhaal, Forest Whitaker, Rachel McAdams, Oona Laurence, Victor Ortiz,Naomie Harris, Curtis ’50 Cent’ Jackson, David Whalen, Caitlin O’Connor,Dominic Colón, Rita Ora, Miguel Gómez, Malcolm M. Mays, Adam Ratcliffe,Jeremy Longa

Sinopsis: Billy “El Grande” Hope, campeón del mundo de los pesos semipesados de boxeo (Jake Gyllenhaal) lo tiene todo: una impresionante carrera, una hermosa y enamorada esposa Maureen Hope (Rachel McAdams), una hija adorable (Oona Lawrence) y un estilo de vida con todo tipo de lujos. Pero cuando su esposa muere tras un altercado con Miguel Escobar, un bravucón boxeador que lo está retando, perderá la custodia de su hija, su casa y le abandonarán todos, incluido su mánager y amigo de toda la vida Jordan (50 Cent) que pasará a entrenar Escobar. Hope tocará fondo, pero gracias a su perseverancia y su trabajo en el gimnasio de Willis (Forest Whitaker), Billy tendrá su oportunidad de redención y de recuperar la confianza de los que ama.

Hope es la palabra inglesa que se traduce por esperanza. Esperanza por una vida mejor, ganada a puñetazos, para su esposa y su hija. Esperanza de Maureen, su esposa, por controlar la ira de Billy, carne de orfanato y de presidio hasta que con ella encontró la redención. Esperanza, tras la tragedia y su consiguiente descenso al infierno, de tener de nuevo su segunda redención, que le permita recomponer la vida. Esto es lo que nos narra Antoine Fuqua, en este drama pugilístico que, lamentablemente cae una y otra vez en los tópicos más predecibles, no aporta nada nuevo a la temática ni a su tratamiento, a la vez que sus dosis de drama a veces están al borde de despertar la vergüenza ajena.

Con todo, esta película fórmula contiene algunos elementos valiosos que hacen aceptarla como entretenimiento digerible:  las actuaciones y la química de  Jake Gyllenhaal y Forest Whitaker, y los emocionantes combates, en los que puede apreciarse el trabajo de Gyllenhaal y la pericia de Fuqua al rodarlos, casi podemos sentir los puñetazos en carne propia.

 

 

 

 

Categorías:VAMOS DE ESTRENO

Vial of Delicatessens: Paul Naschy, Blaxploitation, Palito y cine underground estatal

21 marzo 2017 1 comentario

Vial of Delicatessens lanza el miércoles 22 de marzo de 2017 cuatro títulos en DVD: un título de culto del cine español de género, con Paul Naschy; la primera edición en España de un clásico del blaxploitation; y dos propuestas que nos acercan, cada una a su manera, al underground estatal.

En su línea de DVD prensados, y a la venta en grandes superficies, además de en la web del sello, “Vial of Delicatessens” lanza:

EL PADRINO NEGRO

Una película de John Evans

¡Hay un nuevo padrino en la ciudad! J.J. (Rod Perry) es un joven delincuente de Harlem que inicia un ascenso criminal apadrinado por Nate Williams, a quien llaman El padrino negro, líder del clan que domina los negocios de la prostitución y el juego en el barrio. Pero un clan de italianos que controla el lucrativo negocio de las drogas y la heroína está convirtiendo el barrio en un ghetto, lo que inicia una escalada de tensión y violencia entre bandas que acarreará múltiples muertes.

Cuando el éxito de “El padrino” aún estaba reciente y “El padrino II” estaba a punto de estrenarse, el universo “blaxploitation” se sacó de la manga esta violenta relectura en clave afroamericana que gozó de un considerable éxito en los años 70. La presente edición la trae por primera vez a nuestro país.

Un nuevo título de la colección “Clásicos Bis”, aderezado con  extras presentados por el staff de “Tiempo de Culto Podcast” (http://tdcpodcast.blogspot.com). Audiocomentario con Angel Codón Ramos, cortometrajes (“Teddy” y “Black Dog”) y Reel de trailers “Blaxploitation”.

MORDIENDO LA VIDA

Una película de Martín Garrido Ramis

Tras su salida de la cárcel, Rodolfo, un delincuente de poca monta, es requerido por el jefe del lumpen local para que lleve a cabo un ajuste de cuentas en su nombre. El ambiente de violencia y prostitución de la ciudad no tardará en arrastrarlo a una espiral de crimen.

30 años después de su estreno, Mordiendo la vida es un título de culto que permanecía inédito en formato doméstico, algo que remedia “Vial of Delicatessens” con la presente edición plagada de extras. Tercera película del mallorquín Martín Garrido (El hijo bastardo de Dios), supone una incursión en los códigos del género criminal realizada de forma ultra realista, sórdida y violenta, con actores provenientes de los verdaderos bajos fondos y el concurso de Paul Naschy en la piel del sanguinario villano, “El Murciano”.

“Uno de los títulos más potentes y descarnados del cine Español” – AVT

La presente edición se hace acompañar de abundante material extra, como entrevistas al equipo 30 años después, o videoclip de la banda “Amaro”.

“El Padrino negro” y “Mordiendo la vida” tienen un PVP unitario de 11,99 € (gastos de envío incluidos para pedidos en la web del sello).

En la línea de ediciones limitadas a 100 ejemplares, de venta exclusiva en la web del sello, “Vial of Delicatessens” lanza:

V.H.ECES

Una película de Naxo Fiol

Al señor Domingo no le gusta ver películas. Dicha fobia tiene una explicación: siendo adolescente, quedó traumatizado ante la escalofriante carátula de una peli de terror alquilada por su padre. Su mujer le amenaza con que o se cura de una vez, o lo abandonará. Así que Domingo decidirá visitar a una psicóloga (¡argentina!), quien le somete a una terapia de shock con resultados poco halagüeños. El muchacho adquiere un diabólico poder, el de otorgar vida a aquellas imágenes que le horrorizan. Ante semejante percal, don Domingo se oculta allí donde no puedan dar con él. Su esposa, locamente enamorada a pesar de ponerle los cuernos, decide encontrarle, para lo que pide ayuda a su padre, un científico que ha inventado unas píldoras capaces de alterar el aspecto de las personas, lo que atrae a una pareja de mafiosos de segunda que quiere hacerse con ellas. Mientras, otro par de elementos, en este caso Satanistas de tercera regional, se hacen eco de la existencia de don Domingo y sus poderes y pretenden secuestrarlo para utilizarlo como arma destructora.

La última gamberrada de  Naxo Fiol, plagada de personajes locos, extremos y demenciales, solo puede dar como resultado un recital de risas incómodas y un climax absolutamente delirante. La presente edición incluye casi dos horas de material adicional realizadas con tanto mimo como mala hostia, como son un audiocomentario a cargo del director Naxo Fiol acompañado por Víctor Olid, o numerosas escenas eliminadas que encierran sorpresas. ¡¡Pasen por caja, malditos!!

OTOÑO EN LA VALCUELVA

Una película de Víctor Olid

¿Qué entendemos como vídeo-diario? El hecho de grabar escenas de la vida cotidiana y montarlas a modo de ficción.

Influenciado en este sentido por gente como George Kuchar, Jonas Mekas, Naxo Fiol o incluso Jose Luis Guerín, Víctor Olid deja a un lado el humor característico de sus trabajos, para mostrarnos imágenes de inusitada belleza, pertenecientes a su día a día durante su estancia, en 2013,  en el bello pueblo de Palazuelo de la Valcueva, en León. Eso si, servido todo sin ínfulas artísticas ni la pedantería inherente a este tipo de películas.

La presente edición contiene abundante material extra: Cortometrajes rodados asimismo en La Valcueva, Cortometrajes invitados y unas extrañas y bonitas piezas rodadas con las ignotas cámaras de 35 mm. “Lomokino”.

“V.H.Eces” y “Otoño en la Valcueva” tienen un PVP unitario de  5, 99 € más gastos de envío.

http://vialofdelicatessens.blogspot.com

 

 

Más novedades para el Salón del Cómic: exposición dedicada a Lucky Luke y visita de Romain Hugault

EXPOSICIÓN ‘LE LLAMABAN LUCKY LUKE’

Lucky Luke, el vaquero solitario cuya única compañía es la de su caballo Jolly Jumper, lleva más de setenta años cabalgando por las páginas de los cómics. El 35 Salón Internacional del Cómic de Barcelona le dedica una exposición titulada Le llamaban Lucky Luke, un homenaje a uno de los personajes más populares de la historieta. La muestra está concebida como una recreación de un poblado del Oeste que nos permitirá conocer tanto al protagonista como a algunos de sus enemigos, como los populares hermanos Dalton, además de otros datos curiosos.

Creado por Maurice de Bevere, más conocido como Morris, esta serie mezcla el western con el humor. Sus tramas incluyen algunos de los hitos históricos del Far West en sus páginas en un tono paródico y con una especial predilección por las referencias cinematográficas. Morris contó desde 1955 hasta 1977 con la contribución de René Goscinny (el creador de Astérix junto a Uderzo) como guionista. Lucky Luke sobrevivió a su creador y sigue viviendo nuevas aventuras de la mano de autores como Gerra o Achde. La muestra incluirá páginas originales de Achdé. De Lucky Luke se han publicado miles de páginas a lo largo de sus 78 álbumes, a los cuales hay que añadir El hombre que mató a Lucky Luke (2016), un cómic en clave de homenaje obra de Mathieu Bonhomme. Nuestro cowboy también ha sido adaptado al cine, la televisión, los videojuegos o los juegos de mesa. Actores como Terence Hill, Til Schweiger o Jean Dujardin han encarnado al personaje. La página oficial de Lucky Luke es www.lucky-luke.com.

ROMAIN HUGAULT: DESDE EL AIRE 

Los cómics de aviadores tendrán un gran protagonismo en el 35 Salón Internacional del Cómic de Barcelona con la exposición Cómics en vuelo. El dibujante francés Romain Hugault es todo un referente de este género. Nacido en 1979, hijo de un piloto militar francés, Hugault se apasionó precozmente por la aeronáutica y, de hecho, a cierta edad tuvo que elegir entre centrarse en la aviación o dedicarse a su otra gran pasión, el dibujo. Finalmente, escogió lo segundo, limitándose a pilotar durante los fines de semana. Romain Hugault es copropietario de un pequeño avión que transportó al mariscal Alphonse Juin durante la Segunda Guerra Mundial.

El año pasado, Norma Editorial publicaba la primera entrega de la última serie en la que trabaja el dibujante francés, Angel Wings 1. Burma Banshees, protagonizada por la piloto Angela McCloud, de la WASP Woman Airforce Service Pilot. En la trayectoria de Hugault  figuran magníficos títulos como El gran duque, El piloto del Edelweiss, Más allá de las nubes o El último vuelo, algunos de ellos como autor en solitario y otros en colaboración con guionistas como Regis Hautière o Yann, todos ellos editados por Norma. Deslumbra el trazo de Hugault, capaz de recrear los épicos duelo aéreos de la I Primera Guerra Mundial o mostrar como los cazas, los bombarderos y los aviones de transporte surcaron el cielo en la II Guerra Mundial. A Romain Hugault, que viene invitado al Salón del Cómic en colaboración con Norma Editorial, podéis seguirlo a través de su cuenta de Twitter @RomainHugault y en su perfil de Facebook www.facebook.com/romainhugault/.

El 35 Salón Internacional del Cómic de Barcelona tendrá lugar del jueves 30 de marzo al domingo 2 de abril de 2017 en los Palacios 1, 2.1, 4 y Plaza Univers de Fira Barcelona Montjuïc.

La venta anticipada de entradas se realiza exclusivamente desde www.ficomic.com

Categorías:Cómic Barcelona

VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 17 de marzo de 2017 *

LOCAS DE ALEGRÍA (La pazza gioia, Paolo Virzi, 2016) 

Italia/Francia Duración: 111 min. Guion: Francesca Archibugi, Paolo Virzì Música: Carlo Virzì Fotografía: Vladan Radovic Productora: Lotus Productions / Manny Films / Rai Cinema Género: Comedia dramática

Reparto: Valeria Bruni Tedeschi, Micaela Ramazzotti, Anna Galiena, Valentina Carnelutti,Elena Lietti, Tommaso Ragno, Bob Messini, Carlotta Brentan, Francesca Della Ragione, Roberto Rondelli

Sinopsis: Beatrice (Valeria Bruni Tedeschi) es una condesa charlatana y millonaria que está convencida de encontrarse entre los círculos íntimos de los líderes políticos mundiales. Por su parte Donatella (Micaella Ramazzotti) es una joven tatuada, vulnerable e introvertida, envuelta en su propio halo de misterio. Ambas son pacientes de Villabiondi, una delirante institución psiquiátrica.

Paolo Virzi nos introduce en el microcosmos que conforma la institución mental, de entre cuyos pacientes destaca la parlanchina Beatrice, interpretada por Valeria Bruni Tedeschi, una noble enloquecida a la que nadie cree ni hace el mínimo caso. Cuando ingresa en la institución la barriobajera Donatella, Beatrice la acogerá bajo su tutela, dos seres diferentes, diametralmente opuestos, cuya unión, contra todo pronóstico, será beneficiosa para ambas, a partir de ese momento quedarán unidas y resultarán tan inseparables como complementarias.

Y es que ambas han perdido la salud, pero no la cordura, como quedará demostrado en su evasión del centro, durante la cual se irá recomponiendo el puzzle de sus vidas y sabremos el porqué han terminado internadas. La suya es una fuga hacia adelante en la que irán recuperándose ambas en un mundo que es mucho más insensato que ellas mismas que son consideradas locas con certificado. Una historia de amistad y redención servida bajo el fondo musical de Senza Fine, la exquisita canción compuesta por Gino Paoli (uno de los grandes nombres de la canción italiana) y que se hizo más célebre por formar parte del score de la inolvidable Avanti de Billy Wilder.

Comedia agridulce, no exenta de cierta sordidez y con un trasfondo trágico, está escrita y dirigida por Paolo Virzi, que ya contó en su anterior trabajo, El capital humano, con Valeria Bruni Tedeschi, que realiza una magnífica creación como la vital Beatrice y a la que pudimos ver recientemente formando parte del reparto coral de la produccion francesa La comunidad de los corazones rotos (Asphalte, Samuel Benchetrit, 2015). Por su parte a Micaela Ramazzotti, esposa de Virzi, la vimos en la fantástica El nombre del bambino (Il nome del figlio, Francesca Archibugi ,2015).

Una lección de vida además de una oda a la amistad, a veces divertida, otras triste, pero siempre vital. 

 

EL BALCÓN DE LAS MUJERES (Ismach Hatani, Emil Ben-Shimon, 2016)

Israel Duración :96 min. Fotografía: Ziv Berkovich Productora: Pie Films Género: Comedia

Reparto: Avraham Aviv Alush, Yafit Asulin, Orna Banai, Itzik Cohen, Sharon Elimelech, Evelin Hagoel, Igal Naor, Einat Saruf, Herzl Tobey, Haim Zanati

Sinopsis: Un accidente durante una celebración religiosa provoca una disputa en una comunidad ortodoxa en Jerusalén. Cuando el balcón de las mujeres de la sinagoga se derrumba, dejando a la esposa del rabino en un estado de coma, al rabino en shock y perdiendo las mujeres de aquella pequeña y tranquila congregación su sitio dentro del edificio, la comunidad entra en crisis. Un joven y carismático rabino aparece para ser el salvador de la comunidad tras el accidente, pero pronto descubrirán su realidad conservadora y misógina. Lo peor llega cuando la reconstrucción comienza y no hay planes para volver a colocar el balcón en su sitio. Esto pone a prueba la amistad de las mujeres y provoca una ruptura entre las mujeres y los hombres de la comunidad.

Una curiosa comedia israelí que introduce al profano en los usos y costumbres del pueblo judío ultraortodoxo. Unos hábitos, cuanto menos, pintorescos y que difieren bastante poco de los usos religiosos de los musulmanes: comida khoser frente a halal; cabello femenino cubierto en ambos casos; predominio de la religión en la vida diaria y separación de las mujeres y los hombres en los lugares de oración. Precisamente esta es una de las trabas con las que se enfrenta la comunidad que protagoniza El balcón de las mujeres cuando, debido al accidente que tiene lugar en su sinagoga, llega un nuevo rabino que pretende imponer sus creencias jaredíes dividiendo a la hasta entonces feliz comunidad. Las mujeres se resistirán a perder su espacio en la sinagoga aunque ello signifique discutir con sus maridos.

De carácter muy localista, se nos antoja extraño que esta producción haya llegado a nuestras pantallas. No es que lo que nos cuente no sea interesante, que desde luego lo es, pero el tema y el tono quizás nos queda tan lejano como, por ejemplo, podría resultar para el público israelí Los Bingueros. No nos atreveríamos a recomendarla fuera de la programación de un festival especializado, por su valor antropológico, o ante otro tipo de público que el que puede acudir a una sala cinematográfica.

 

LA BELLA Y LA BESTIA (Beauty and the Beast, Bill Condon, 2017)

USA Duración: 130 min. Guion: Stephen Chbosky (Novela: Jeanne-Marie Leprince de Beaumont) Música: Alan Menken Fotografía: Tobias A. Schliessler Productora: Walt Disney Pictures / Mandeville Films Género: Musical Fantástico

Reparto: Emma Watson, Dan Stevens, Luke Evans, Emma Thompson, Ewan McGregor, Ian McKellen, Kevin Kline, Josh Gad, Audra McDonald, Gugu Mbatha-Raw, Stanley Tucci, Hattie Morahan, Adrian Schiller, Chris Andrew Mellon

Sinopsis: Un joven príncipe, víctima de un sortilegio que le ha dado forma de bestia, sólo puede ser liberado por el verdadero amor. Lo que puede ser su única oportunidad llega cuando se encuentra con Belle, la primera y única mujer que visita el castillo desde que quedó encantado.

El clásico de Disney nominado a mejor película en 1991 (cuando sólo eran cinco las nominadas y no había categoría independiente para la animación), adquiere forma humana, con una mitología ampliada y un reparto de estrellas a todo lujo que adapta hasta en el vestuario a los personajes de la cinta de animación obteniendo un resultado sencillamente espectacular: buen diseño de producción; magníficos números musicales, con homenaje al musical americano (Busby Berkeley, Gene Kelly, Esther Williams…) y deliciosas canciones y coreografías. En esta versión nos encontraremos con piezas que no sonaron en la original, pero sobre todo es ejemplar en su emulación de la cinta animada, algunos números casi se reproducen plano a plano, aunque no es nada despreciable cuando inventa. Bill Condon se confirma como magistral conductor de musicales (por si a alguien le quedaba duda después de Dreamgirls), su talento brilla especialmente en la composición coreográfica y puesta en escena de la pieza Be our guest (que ya mereció como canción su nominación al Óscar en 1991), una secuencia que está por encima de la original y compitiendo en su propio terreno, puesto que son los objetos animados quienes la protagonizan.

Una fantasía especialmente disfrutable cuando se adentra en el territorio de la bestia, tenebroso y frío al principio y cálido conforme Belle conquista el corazón de la bestia y el de los diferentes objetos animados, a los que prestan su voz los prestigiosos actores Ewan McGregor (Lumiere), Emma Thompson (Mrs. Potts) y el gran Ian McKellen, actor fetiche del director Bill Condon como Ding Dong. También intervienen Luke Evans (Gaston) y Kevin Kline como Maurice, padre de Belle, encarnada por la deliciosa Emma Watson

En la historia se han introducido personajes de raza negra, así como dos homosexuales,  pruebas inequívocas de la diversidad y modernidad que pretende ofrecer Disney en sus productos, aunque en el caso de uno de los gays (Josh Gad) se trate de un personaje obeso y cómico y de que, a pesar  de que se clame que la belleza está en el interior, la protagonista se llame Belle, sea una joven y hermosa Emma Watson, y la bestia se transforme en un apolíneo príncipe azul con castillo y corte incluida. En fin, dejemos que  hable la fantasía, suene la música y maravillémonos ante esta espectacular cinta ya que ¿Es necesario pedir explicaciones a un cuento de hadas?

 

LOS HOLLAR (The Hollars, John Krasinski, 2016)

USA Duración: 89 min. Guion: James C. Strouse Fotografía: Eric Alan Edwards Productora: Groundswell Productions / Sunday Night / Sycamore Pictures Género: Comedia

Reparto: Anna Kendrick, John Krasinski, Margo Martindale, Richard Jenkins, Mary Elizabeth Winstead, Josh Groban, Sharlto Copley, Mary Kay Place, Ashley Dyke, Yvonne Angulo, Jennifer Pierce Mathus, Nancy Nave

Sinopsis: John Hollar (John Krasinski), aspirante a dibujante de comics, debe salir de su cómoda vida en Nueva York y alejarse de Rebecca (Anna Kendrick), su hermosa, embarazadísima y rica novia para regresar a su ciudad natal del medio oeste cuando le informan que su madre (Margo Martindale) necesita una cirugía cerebral. Allí tendrá que lidiar con un hermano divorciado (Sharlto Copley) que vive en casa de sus padres; un padre con necesidades monetarias (Richard Jenkins); y Gwen,  su antiguo amor de la escuela (Mary Elizabeth Winstead).

Una interesante comedia dramática independiente que se asienta, principalmente, en las magníficas interpretaciones de sus actores veteranos, Margo Martindale y Richard Jenkins, dos grandes actores de carácter, secundarios de lujo que brillan especialmente en esta cinta. Pero el resto del reparto también es remarcable, Sharlto Copley interpreta un papel bastante atípico en él, demostrando su versatilidad y Jennifer Pierce Mathus, presente en Swiss Army Man (Dan Kwan y Daniel Scheinert, 2016) y protagonista absoluta de Calle Cloverfield 10 (10 Cloverfield Lane, Dan Trachtenberg, 2016) se conforma con un pequeño pero agradecido papel. La película, que tendrá un tono mayoritariamente de comedia esperpéntica durante su primera parte, con diferentes situaciones embarazosas que se deben principalmente al personaje encarnado por Sharlto Copley, irá progresivamente subiendo en su aspecto dramático adoptando un tono más convencional durante su tercer acto, con un marcado exceso de melaza que en parte echará a perder el excelente punto de partida de esta reflexión, y a ratos celebración, de la vida, la muerte, el amor y la familia.

 

INCERTA GLÒRIA (Agustí Villaronga, 2017)

España Duración: 115 min. Guion: Agustí Villaronga, Coral Cruz (Novela: Joan Sales) Fotografía: Josep M. Civit  Productora: Massa d’Or Produccions Género: Drama

Reparto: Marcel Borràs, Núria Prims, Bruna Cusí, Oriol Pla, Juan Diego, Terele Pávez, Fernando Esteso, Luisa Gavasa

Sinopsis: Plena Guerra Civil Española, en el frente de Aragón, año 1937. Lluís, un joven oficial republicano, destinado a un puesto temporalmente inactivo en un páramo desierto, conoce a una enigmática viuda.

Basada en la novela del mismo título de Joan Sales, Incerta Glòria, que toma su título de un verso de William Shakespeare de la obra Los dos caballeros de Verona, donde se dice: «incierta gloria de una mañana de abril», fue publicada por primera vez en septiembre de 1956 y ampliada en las sucesivas ediciones posteriores hasta la edición definitiva en 1971. La obra, como la película, no contiene ningún mensaje político ni se abandona a una fácil exaltación partidista.

Triste relato con la guerra civil española de fondo, ubicado en el frente de Aragón que permanece inactivo pero con el gris pesimismo del que sabe que la guerra está perdida. Mientras unos, inútilmente, son entrenados para matar por un joven teniente barcelonés que nunca ha matado, Lluis (Marcel Borràs), otros van preparando el terreno para cuando entren las tropas fascistas.

Entre las ruinas, entre cadáveres y objetos abandonados de vidas que ya no están, hay también supervivientes, como La Carlana (Núria Prims),  joven y viuda, objeto de deseo de muchos, que atraerá hacia su red (como nos muestra el director con una torpe metáfora visual) a ese joven oficial, para que le ayude a conseguir sus objetivos. Como ya ha hecho antes con otros. Sobrevivir es el objetivo y, más allá, resarcirse de la vergüenza de un padre abusador (conocido como el cagorcio), vengarse del señorito que le ha engendrado dos bastardos y empoderarse frente a todos los que la han menospreciado. El personaje de La Carlana, potenciado por Villaronga en la película más que en la novela que adapta, merece codearse con las Fortunata y Jacinta de Galdós y la Ana Ozores de Clarín, mujeres de carácter todas ellas que marcan un hito en la construcción de psicologías femeninas en la literatura y el cine.

En cuanto a los masculinos, aunque el protagonista sea el teniente Lluís de Brocà, el que nos guardaremos en nuestra colección de personajes predilectos será el de su amigo, Juli Soleràs (Oriol Pla). Contradictorio, cínico, escéptico, impenetrable, pero lúcido agitador de espíritus, Soleràs es la encarnación del héroe romántico, aquel que va a la guerra a sabiendas de que puede perderse. Y más aún, el que sabe que, en verdad, la derrota es la que da la grandeza, porque es desde la comprensión en carne propia de la finitud y futilidad de lo humano que podemos remontarnos y afirmar la importancia del viaje (no del destino) que es la vida.

Destaca la labor de sus interpretes, especialmente las femeninas, con la ya nombrada Núria Prims y la dulce Bruna Cusí, así como la participación en pequeños pero significativos roles de Juan Diego, Terele Pávez, Luisa Gavasa y un Fernando Esteso que despierta siempre la sonrisa, necesaria, pues Incerta Glòria nos hará salir del cine con un sabor amargo en la boca.

Ruinas, bombardeos, una Barcelona en guerra magníficamente retratada, y tristeza, mucha tristeza, en esta historia de pasiones fatales y fatalistas. De héroes y supervivientes, de intrigas y pasiones, venganza y ambición, en una magnífica cinta en la que de nuevo Agustí Villaronga nos traslada a la guerra civil tras su gran éxito Pà negre (2010) y en la que refleja un dolor que sobrevive a la propaganda de cualquiera de las dos facciones.

            

 

Categorías:VAMOS DE ESTRENO
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