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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 3 de julio *
APRENDIENDO A CONDUCIR (Learning to drive, Isabel Coixet, 2014) *****
Reparto: Ben Kingsley, Patricia Clarkson, Grace Gummer, Sarita Choudhury, Jake Weber, Samantha Bee, Daniela Lavender, Matt Salinger, Michael Mantell.
Sinopsis: Wendy (Patricia Clarkson) es crítica literaria y está en proceso de separación. Decide sacarse el carnet de conducir y recibe clases de Darwan (Ben Kingsley), un hombre de origen indio que se gana la vida como taxista e instructor en una autoescuela. Mientras conducen por las calles de Nueva York, se alejan de sus problemas cotidianos y surge entre ellos una amistad especial.
La fascinación por la cultura hindú es algo que ya se arrastra en occidente desde que Krishnamurti conquistó a los aburridos habitantes de Hollywood en los años treinta. O desde que los Beatles 
volaron a Rishikesh a pasar unos días junto al Maharishi. En ambos casos lo que buscaba el desorientado occidental era la espiritualidad de la cultura india, algo que sigue fascinando y ha dado pié a toda una leyenda que sigue conquistando a progres y señoras maduras. Aprendiendo a conducir tiene algunas gotas de ello, pero no crean que abusa. Está presente, naturalmente, la fascinación por la cultura del otro, del vecino desconocido, exótico, que convive en tu ciudad y que te despacha el alcohol en el badulaque o te lleva en su taxi. Pero también nos habla de los problemas de la inmigración. Y de detener la vida, bajarse y pararse un poco a observar el paisaje. De superar el miedo y adaptarse a los cambios, que no por inesperados y traumáticos, tienen que ser negativos. Pero sobre todo, Aprendiendo a conducir es una deliciosa comedia, agridulce a veces, pero inteligente y bien construida que no sería igual de agradable si no contara con el talento de sus dos protagonistas, Sir Ben Kingsley y Patricia Clarkson, pareja de actores que ya habían trabajado anteriormente con Isabel Coixet en Elegy (2008).
Aprendiendo a conducir tuvo su premiere mundial en el pasado Festival de Toronto, donde se convirtió en la segunda película más valorada para el Premio del Público. Una segunda posición muy meritoria al competir con más de 200 películas y quedar sólo por detrás de The Imitation Game (Morten Tyldum, 2014). En nuestro país se presentó el pasado mes de abril en la Sección Oficial del Festival de Málaga, donde Isabel Coixet recibió el Premio Retrospectiva.
LOS MINIONS (The Minions, Kyle Balda y Pierre Coffin, 2015) *****
USA. Duración: 91 min. Guión: Brian Lynch. Música: Heitor Pereira Productora: Illumination Entertainment. Género: Comedia de animación.
Sinopsis: La historia de LOS MINIONS se remonta al principio de los tiempos. Los Minions empezaron siendo organismos amarillos unicelulares que evolucionaron a través del tiempo, poniéndose siempre 
al servicio de los amos más despreciables. Ante su incapacidad para mantener a esos amos – desde el T. Rex a Napoleón –, los Minions acaban encontrándose solos y caen en una profunda depresión. Sin embargo, uno de ellos, llamado Kevin, tiene un plan. Acompañado por el rebelde adolescente Stuart y el adorable Bob, decide lanzarse al mundo en busca de un nuevo amo malévolo a quien sus colegas puedan seguir. El trío emprende un emocionante viaje para conseguir una jefa a quien servir, la terrible Scarlet Overkill. Pasarán de la helada Antártida, a la ciudad de Nueva York en los años sesenta, para acabar en el Londres de la misma época, donde deberán enfrentarse al mayor reto hasta la fecha: salvar a la raza Minion de la aniquilación.
A veces sucede que los personajes secundarios o de apoyo pasan a ser los destacados o los que se hacen con el favor del público. Nos gustan clásicos como Blancanieves, claro, pero los personajes que hacen inolvidable el filme son los enanitos. Y eso mismo sucede con Los Minions, seres amarillos irresistiblemente simpáticos que se dieron a conocer en Gru, mi villano favorito (Despicable Me, Pierre Coffin y Chris Renaud, 2010) y continuaron haciendo diabluras en su secuela. Ahora tienen toda una película para mostrarse y lejos de defraudar, se superan ofreciendo una deliciosa y divertida película, refrescante como pocas y sin trasfondos sentimentales ni lecciones morales: pura diversión y descerebre que gustará tanto a niños como mayores, ya que contiene algunos chistes que el público más adulto seguro sabrá apreciar. La ambientación de la mayor parte del filme, un Swiging London de postal, añade estilo y divertimento, así como una banda sonora a base de hits no por trillados, menos bienvenidos ¡Bien por Los Minions, que consiguen arrancar una sonrisa ya desde el primer fotograma!
ASESINOS INOCENTES (Gonzalo Bendala, 2015)
Sinopsis: Francisco Garralda (Maxi Iglesias) es un irresponsable universitario con graves problemas económicos. Necesita licenciarse a toda costa y Sebastián Espinosa (Miguel Ángel Solá), su profesor de psicología, le ofrecerá el aprobado si a cambio su alumno accede a hacerle un último trabajo de graduación: asesinarle.Asesinos Inocentes es una producción de Áralan Films, formada por Marta Velasco y Gonzalo Bendala, responsables de Els nens salvatges, título que recibió la ‘Biznaga de Oro’ a la Mejor Película y los premios al Mejor Guion, a la Mejor Actriz de Reparto y al Mejor Actor de Reparto en el Festival de Málaga en 2012.
LO QUE HACEMOS EN LAS SOMBRAS (What we do in the Shadows, Jemaine Clement y Taika Waititi, 2014) *****
Nueva Zelanda/USA. Duración: 86 min. Guión: Taika Cohen (AKA Taika Waititi), Jemaine Clement Música: Plan 9 Fotografía: Richard Bluck, DJ Stipsen Productora: Unison Films / Defender Films / Funny or Die / New Zealand Film Commission Género: Comedia terrorífica.
Reparto: Jemaine Clement, Taika Cohen (AKA Taika Waititi), Jonathan Brugh, Cori Gonzales-Macuer, Stu Rutherford, Ben Fransham, Rhys Darby, Jackie van Beek, Elena Stejko, Jason Hoyte.
Sinopsis: Viago, Deacon, Vladislav y Peter son vampiros, cada uno proveniente de distinta época, que comparten casa en Nueva Zelanda y nos cuentan sus vicisitudes en este falso documental.
What we do in the Shadows fue reconocida como una propuesta brillante y muy divertida durante el último festival de Sitges, alzándose con el premio del público. Con estructura de documental, el film nos narra el vivir cada día de cuatro vampiros muy distintos entre sí: del anciano Nosferatu Petyr (Ben Fransham) hasta el dandy Viago, interpretado por el propio Taika Waititi. Muy eficaz y bien documentada, la película brinda una propuesta similar a la que ofreciera la belga Vampires (2010, Vincent Lanno), aunque mucho más divertida. Muy ingeniosa, gustará al más documentado de los vampirólogos por sus divertidos guiños a las diversas interpretaciones cinematográficas del mito.
PROFANACIÓN, LOS CASOS DEL DEPARTAMENTO Q (Fasandræberne, Mikkel Norgaard, 2014) *****
Dinamarca. Duración: 119 min. Guión: Nikolaj Arcel, Rasmus Heisterberg (Novela: Jussi Adler-Olsen) Música: Patrik Andrén, Uno Helmersson, Johan Söderqvist Fotografía: Eric Kress Productora: Zentropa Entertainments / Film i Väst Género: Thriller.
Reparto: Fares Fares, Nikolaj Lie Kaas, Danica Curcic, Pilou Asbaek, David Dencik, Sarah-Sofie Boussnina, Johanne Louise Schmidt.
Sinopsis: El detective Carl Mørck y a socio Assad, del Departmento Q de la Policía de Copenhague, especializada en casos especiales, investigan el brutal asesinato de dos jóvenes gemelos en una casa de verano. Un caso que fue cerrado con la confesión de un personaje marginal del pueblo, a pesar de que la policía sospechaba de un grupo de estudiantes de clase alta.
El escritor Jussi Adler-Olsen ha conocido el éxito internacional con las novelas dedicadas al Departamento Q, historias policíacas cuya popularidad se vio incrementada con la adaptación al cine de la primera de ellas, La mujer que arañaba las paredes, que como Misericordia, Los casos del departamento Q (Kvinden i buret) fue dirigida por Mikkel Nørgaard, siendo la película más vista en Dinamarca en 2013. Ahora le ha llegado el turno a la segunda novela de una serie que de momento consta de seis, Los chicos que cayeron en la trampa, que llega a nuestras pantallas como Profanación, los casos del departamento Q, dirigida también por Mikkel Nørgaard y protagonizada, al igual que la primera, por Nikolaj Lie Kaas y Fares Fares. El resultados es una cinta atmosférica que ya desde su inicio engancha. Elegantemente rodada y narrada, no hay lugar para el humor a pesar de contener ciertas dosis de buddy movie. Solemne y violenta, no teman verla si se han perdido la primera, ya que las referencias a ella son más bien escasas y en todo caso no afectan al disfrute de este segundo caso del departamento Q. Por cierto, me agradaría equivocarme, pero al que esto escribe le cuesta bien poco imaginar un remake absurdo del film danés pero con caras conocidas Made in Hollywood, al igual que hicieran con aquella trilogía policíaca de Stieg Larsson. Tiempo al tiempo…
Un verano con Rossellini y los Estudios Ealing en Cines Verdi (Madrid y Barcelona) … y a precios de ‘día del espectador’
En exclusiva en Cines Verdi, 16 clásicos de la Historia del Cine restaurados en alta definición 2K (V.O.S.E) ¡al precio del Día del Espectador –4,50 €–! Y además en la sala más espaciosa y con más glamour del Verdi. Vaya programas dobles nos vamos a marcar…
Ciclo Roberto Rossellini Centenario del nacimiento de Ingrid Bergman
Estreno 3 de julio
Roberto Rossellini es uno de los grandes maestros del cine italiano y el padre del neorrealismo, cuya influencia ha sido reconocida por cineastas como Martin Scorsese. Podremos ver la fundacional Roma, ciudad abierta (Roma città aperta, 1945) y tres paradigmáticos films que protagonizó junto a la que fue su esposa durante varios años, Ingrid Bergman, con la cual vivió una de las historias de amor más polémicas del mundo del cine: Stromboli, tierra de Dios (Stromboli, 1950), Ya no creo en el amor (Non credo più all’amore [La paura], 1954) y Te querré siempre (Viaggio in Italia, 1954). Nuestro particular homenaje a la mítica actriz con motivo del centenario de su nacimiento.
El ciclo se completa con Camarada (Paisà, 1946), El amor (L’amore, 1948), Alemania, año cero (Germania, anno zero, 1948), La macchina ammazzacattivi (1952) y el documental India, matri bhumi (1959).
…& Ciclo So British: Lo mejor de la productora Ealing
Estreno 17 de julio
La productora Ealing representa la quintaesencia del cine británico, donde se gestaron algunas de las comedias satíricas más brillantes y para la que trabajaron dos talentos que contribuyeron notablemente a su fama: el director Alexander Mackendrick y el actor Sir Alec Guinness. Ofrecemos siete películas de este prestigioso estudio: las obras maestras de Mackendrick Whisky a gogó (Whisky Galore!, 1949), El hombre vestido de blanco (The Man in the White Suit, 1951) y El quinteto de la muerte (The Ladykillers, 1955), las dos últimas protagonizadas por un memorable Guinness; a las que se suman las soberbias interpretaciones en Ocho sentencias de muerte (Kind Hearts and Coronets, Robert Hamer; 1949) y Oro en barras (The Lavender Hill Mob, Charles Crichton; 1951). Cierran el programa las deliciosas Pasaporte a Pimlico (Passport to Pimlico, Henry Cornelius; 1949) y Los apuros de un pequeño tren (The Titfield Thunderbolt, Charles Crichton; 1953).
VAMOS DE ESTRENO (o no) *Viernes 26 de junio*
UNA SEGUNDA MADRE (Que Horas Ela Volta?, Anna Muylaert, 2015) *****
Brasil. Duración: 110 min. Guión: Anna Muylaert Música: Fabio Trummer, Vitor Araujo Fotografía: Bárbara Alvarez Productora: Africa Filmes / Globo Filmes / Gullane Filmes Género: Drama familiar.
Reparto: Regina Casé, Camila Márdila, Karine Teles, Lourenço Mutarelli, Michel Joelsas, Helena Albergaria, Antonio Abujamra.
En casa de unos acomodados señores parece reinar la armonía. La sirvienta Val (una maravillosa Regina Casé) cuida como si de su hijo se tratara al vástago de sus señores. Su vida está dedicada a esa familia, que la corresponde con amabilidad. Pero cuando se presenta su hija Jessica (Camila Márdila) la estabilidad de la casa y de la propia Val se tambalea. Jessica, que hace 13 años que no vive con su madre, representa un nuevo futuro: independiente y brillante estudiante, supera en ambiciones las que la sociedad parece tener reservadas a los de su clase, así que pronto descubrirá como los señores de la casa intentarán ponerla en el que piensan es su lugar. Incluso el marido de la señora cree tener derecho de pernada. Un reverso esperanzador del, por otra parte maravilloso, clásico Imitación a la vida (Imitation of Life, John M. Sthal, 1934). Cine social con corazón pero sin caer en sentimentalismo.
SAN ANDRÉS (San Andreas,Brad Peyton, 2015) *****
USA. Duración: 114 min. Guión: Carlton Cuse (Historia: Andre Fabrizio, Jeremy Passmore). Música: Andrew Lockington Fotografía: Steve Yedlin Productora: Warner Bros. / Village Roadshow Pictures / New Line Cinema Género: Catástrofes
Reparto: Dwayne ‘The Rock’ Johnson, Alexandra Daddario, Carla Gugino, Paul Giamatti, Hugo Johnstone-Burt, Art Parkinson, Ioan Gruffudd, Will Yun Lee, Todd Williams.
Sinopsis: Después de que la traicionera falla de San Andrés ceda y desencadene con ello un terremoto de magnitud de más de 9 en California, un piloto de helicóptero de búsqueda y rescate (Dwayne Johnson) y su exmujer (Carla Gugino) deciden ir juntos de Los Ángeles a San Francisco para salvar a Blake (Alexandra Daddario), su única hija . Sin embargo, este engañoso viaje hacia el norte es sólo el principio, y cuando creen que lo peor ya ha pasado…en realidad sólo acaba de empezar.
Uno no puede entender la pataleta con la que la crítica americana ha recibido este filme. Críticas que posiblemente reproduzcan los profesionales españoles. Y no se comprende porque en todo momento uno está al corriente de lo que va a ver, y con creces recibe lo que puede esperarse de San Andrés: espectáculo, 
increíbles efectos especiales, emoción, y claro, también personajes más bien escasos de personalidad que representan asi una excusa argumental para que el espectador se interese algo por ellos y descanse entre temblor y temblor. Y todo nos lo ofrece el director perfectamente orquestado (se permite incluso un plano secuencia de lo más complicado que posiblemente pase desapercibido) ofreciendo todos los tópicos posibles: héroe excombatiente de Afganistán; niño listo y algo repelente; chica guapa e inteligente y unas gotas finales de patriotismo esperanzador (allí) y ridículo (aquí) ante un desastre de enormes dimensiones en el que parece que tan solo hay que lamentar pérdidas materiales. Estados Unidos parece ya lo suficientemente recuperado del traumático 11-S como para exorcizar sus miedos a base de héroes como Los Vengadores o ‘The Rock’, al que por cierto Brad Peyton ya había dirigido en Viaje al centro de la Tierra 2: La isla misteriosa (Journey 2: The Mysterious Island, 2012). Entre las actrices destaca Carla Gugino, de larguísima carrera en la pantalla y a la que los más enfermos recuerdarán como la morbosa Sally Júpiter en Watchmen (Zack Snyder, 2009); y Alexandra Daddario cuyos ojos, entre otros destacados encantos, no han podido olvidar los espectadores de la serie True Detective, y que era de largo lo mejor de La matanza de Texas 3-D (Texas Chainsaw 3D, John Luessenhop, 2013). Finalmente se agradece, y mucho, la presencia de Paul Giamatti, que aunque tiene un papel bastante anodino, compensa con su presencia las carencias de ‘The Rock’.
Con todo San Andrés nos parece un entretenimiento para toda la familia que no resulta tedioso y que cumple con creces su cometido. Y eso no es poco.
VAMOS DE ESTRENO (o no) *Viernes 19 de junio*
WHITE GOD (DIOS BLANCO) (Feher Isten, Kornél Mundruczó, 2014)
Hungría. Duración: 119 min. Guión: Kornél Mundruczó, Viktória Petrányi, Kata Wéber Música: Asher Goldschmidt Fotografía: Marcell Rév Productora: Coproducción Hungría-Alemania-Suecia Género: Drama fantástico.
Reparto: Zsófia Psotta, Sándor Zsótér, Lili Horvárth, Szabolcs Thróczy, Lili Monori, Gergely Bánki, Tamás Polgár, Károly Ascher, Erika Bodnár.
Sinopsis: Una nueva ley da preferencia a los perros de raza e impone un tributo considerable por las razas cruzadas. Rápidamente, los refugios caninos se llenan con perros abandonados. Lili, de 13 años, lucha por proteger a su perro, Hagen, pero su padre lo suelta en la calle. Hagen y su ama se buscan por todos los medios, hasta que un día Lili baja los brazos. Por su parte, Hagen lucha por sobrevivir y rápidamente se da cuenta de que no todo el mundo es el mejor amigo del perro. Se une a un grupo de perros errantes, es capturado y enviado a la perrera. Entonces, los perros aprovechan para escapar y hacer una revolución contra los seres humanos. Su venganza será despiadada. La única que podría terminar con la guerra entre el hombre y el perro sería Lili.
Uno de los filmes marcianos de la temporada con varias lecturas dependiendo del espectador, o de las ganas de pararse a pensar que tenga. Pasa por película para todo la familia hasta que se convierte en una cinta apocalíptica con un guión que la hermana -y no es broma- a La rebelión de los simios (Conquest of the Planet of the Apes, J. Lee Thompson, 1972) con homenaje a Los pájaros (The Birds, 1963) de Alfred Hitchcock incluido. Deliciosa a momentos, Kornél Munduczó demuestra, desde luego, que sabe dirigir difíciles escenas de multitudes (¡274 perros!), así como a los absolutos protagonistas del film, la niña Lili (Zsófia Psotta) y el perro Hagen/Max (Luke/Body), dos actores de primera que debutan aquí. La nerviosa cámara de Munduczó nos lleva por una Hungría post-industrial en la que nunca luce el sol. Gris y casi futurista, aunque se desarrolle en un futuro miserable en el que más que vivir, se sobrevive. El resultado es una cinta valiente con múltiples lecturas, como ya he mencionado, pero que también funciona como cuento y road movie canina. De verdad sorprende, que no es poco. Finalmente, para los amigos de valorar una película por sus logros en festivales, señalar que obtuvo el premio Un Certain Regard en Cannes 2014.
AHORA O NUNCA (María Ripoll, 2015)
España. Duranción: 97 min. Guión: Jorge Lara, Francisco Roncal Fotografía: Pau Esteve Birba Productora: Atresmedia Cine / Canal+ España / AXN Género: Comedia.
Reparto: Dani Rovira, María Valverde, Clara Lago, Alicia Rubio, Marcel Borrás, Jordi Sánchez, Víctor Sevilla, Yolanda Ramos, Gracia Olayo, Melody, Carlos Cuevas, Joaquín Núñez, Anna Gras.
Sinopsis: Eva y Alex son una pareja que, tras años de noviazgo, decide casarse en el lugar en el que se enamoraron, un pequeño pueblecito de la campiña inglesa, pero todo parece estar en contra de que se celebre esa unión.
El año pasado María Ripoll nos presentó el encantador film Rastres de sándal, una cinta sencilla pero efectiva que no hacía presagiar que su siguiente propuesta fuera algo como Ahora o nunca, un esfuerzo de canibalizar el éxito de cierta película con apellidos y vascos en su título. Y es que su directora cuenta con los ingredientes, dispone incluso de los dos protagonistas de aquella, pero ni por esas. La historia no engancha y se apoya demasiado en eternos gags basados exclusivamente en la innegable gracia de algunos actores, que aquí naufragan. Y no es que el resultado sea desagradable, pero resulta ineficaz y lo que es peor, no provoca risa. Posiblemente su atractivo reparto lleve público al cine con ganas de pasarlo bien, pero aunque gustará, no convencerá.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 12 de junio*
HABLAR (Joaquin Oristrell, 2015) *****
España. Duración: 79 min. Guión: Joaquín Oristrell. Música: Alejandro Pelayo. Fotografía: Teo Delgado. Productora: Canal+ España / Sabre Producciones / Aquí y Allí Films. Género: Comedia / Drama.
Reparto: Goya Toledo, Marta Etura, Miguel Ángel Muñoz, María Botto, Antonio de la Torre, Raúl Arévalo, Juan Diego Botto, Sergio Peris-Mencheta, Álex García, Petra Martínez, Secun de la Rosa, Melanie Olivares, Nur Al Levi, Estefanía de los Santos, Carmen Balagué, Mercedes Sampietro, Astrid Jones, Dafnis Balduz, Juan Margallo.
79 minutos y medio kilómetro de recorrido en el madrileño barrio de Lavapiés en el que, durante una calurosa noche de agosto de 2014, 20 personajes en plena crisis económica, política y existencial hablan, discuten, ríen, lloran, amenazan, susurran, gritan, roban, se citan, se enfadan, se abrazan, cantan, proponiendo al espectador una reflexión sobre el inmenso poder de la palabra en un viaje entre el teatro y el cine.
A pesar de que Hablar es un experimento que utiliza un recurso cinematográfico muy marcado (el plano único de continuidad) tiene mucho más peso el texto que la imagen en el filme, ofreciendo un resultado cercano al teatro, no en vano el filme concluye en uno. Sus personajes, un reparto coral del joven cine español, ofrecen diversas historias que irán del drama a la comedia, sin desechar una crítica social que bordea el panfletismo. Todo ello con un aceptable nivel general, entre el que destaca, por aquello de la memoria sentimental, la estupenda coplilla ‘El cheque’ de Pepe da Rosa que recrea acertadamente Antonio de la Torre.
LOS INSÓLITOS PECES GATO (Claudia Sainte-Luce, 2013) *****
México / Francia. Duración: 89 min. Guión: Claudia Sainte-Luce. Música: Madame Recamier, Lino Nava. Fotografía: Agnès Godard. Productora: Cine CANÍBAL / Jaqueca Films / CONACULTA / Fondo para la Producción Cinematográfica de Calidad / IMCINE. Género: Comedia dramática.
Reparto: Ximena Ayala, Lisa Owen, Sonia Franco, Wendy Guillén, Andrea Baeza.
Sinopsis: Claudia (Ximena Ayala), una joven callada y meditabunda que trabaja en un supermercado como promotora de salchichas, termina en la sala de urgencias de un hospital público, con un severo caso de apendicitis. Es ahí donde conoce a Martha (Lisa Owen), una mujer que se encuentra hospitalizada en la cama de al lado. Martha, quien vive acompañada por sus hijos, poco a poco se gana la confianza de Claudia. El curioso equilibrio de esta familia logra que Claudia establezca una relación de amistad con Martha, lazo que poco a poco se va estrechando.
El cine mexicano parece gozar de buena salud. A directores como Guillermo del Toro, Alonso Cuarón o Alejandro Gómez Iñarritu, se les están uniendo unos jóvenes descarados pero cargados de pasión y talento. Si hace poco les hablamos del estrenó en nuestras pantallas de Güeros (2014) de Alonso Ruizpalacio, ahora es el turno de una directora novel, que nos ofrece esta película inspirada en el caso real de una mujer que sabiendo próxima su muerte, consigue rodearse de todos los que hacen soportable sus últimos días y le dan un sólido sentido a su existencia. Muy bien narrada por una directora que mima los detalles consiguiendo hablar a los sentidos (ese plano detalle inicial de los copos de avena que la protagonista separa para unas hormigas, que en el plano siguiente aplasta) y rodando con tempo pausado en contraste con momentos como el de la comida, que posee el ritmo frenético de una impecable escena de acción . Sainte-Luce cuida el arco de transformación de sus personajes, y a pesar de hablar sobre el fatalismo de la muerte, no cae en tópicos sensibleros. Sin duda una buena opera prima reconocida en diversos festivales como los de Toronto, San Francisco y Mar del Plata.
LEJOS DEL MUNDANAL RUIDO (Far from the Madding Crowd, UK, Thomas Vinterberg, 2015) *****
Duración: 119 min. Guión: David Nicholls (Novela: Thomas Hardy) Música: Craig Armstrong Fotografía: Charlotte Bruus Christensen Productora: Coproducción GB-USA; BBC Films / DNA Films / Fox Searchlight Pictures. Género: Drama romántico.
Reparto: Carey Mulligan, Matthias Schoenaerts, Michael Sheen, Tom Sturridge, Juno Temple, Jessica Barden, Hilton McRae, Richard Dixon, Bradley Hall.
Sinopsis: La independiente, bella y testaruda Bathsheba Everdene (Carey Mulligan) sabe lo difícil que es para una mujer definir sus sentimientos en un lenguaje creado principalmente por el hombre para expresar los suyos. De carácter fuerte e independiente esta joven, propietaria de la mayor granja de su localidad, está en situación de elegir entre los tres pretendientes que la rondan, Gabriel Oak (Schoenaerts), un ganadero dedicado a la cría de ovejas; Frank Troy (Sturridge), un apuesto y temerario sargento; y William Boldwood (Sheen), un maduro y próspero soltero.
Basada en la clásica novela de Thomas Hardy que ya fue adaptada para el cine en 1967 por John Schlesinger, la versión de Vinterberg está lejos de desentonar. Tras dejar claro ya en los títulos de crédito que nos encontramos ante una historia de amor, nos llevará a parajes naturales de extraordinaria belleza en los que las naturalezas terminarán desatándose. Con exquisita ambientación de época, el director nos ofrece planos casi pictóricos por los que la independiente heroína del filme evolucionará y madurará en esta historia de amor nada cursi y de magnífica digestión que cuenta con la garantía del director danés, que ya nos ofreció la magnífica La caza (Jagten, 2012), y una protagonista que nos cautivó desde que la vimos en Drive (Nicolas Winding Refn, 2011) y Shame (Steve McQueen, 2011), la pizpireta Carey Mulligan.
Jurassic World (Colin Trevorrow, 2015)
USA. Duración: 117 min. Guión: Colin Trevorrow, Rick Jaffa, Amanda Silver, Mark Protosevich (Personajes: Michael Crichton)Música: Michael Giacchino Fotografía: John Schwartzman Productora: Amblin Entertainment / Universal Pictures Género: Fantasía.
Reparto: Chris Pratt, Bryce Dallas Howard, Omar Sy, Jake Johnson, Vincent D’Onofrio, Judy Greer, Ty Simpkins, BD Wong, Nick Robinson, Irrfan Khan.
Sinopsis: Veintidós años después de lo ocurrido en Jurassic Park, la isla Nublar ha sido transformada en un parque temático, Jurassic Wold, con versiones «domesticadas» de algunos de los dinosaurios más conocidos. Cuando todo parece ir a la perfección y ser el negocio del siglo, un nuevo dinosaurio de especie todavía desconocida y que es mucho más inteligente de lo que se pensaba, comienza a causar estragos entre los habitantes del Parque.
Del porqué sobre la fascinación de los niños por los dinosaurios es algo que nunca terminé de entender. Yo he sido testigo de al menos un caso: el de Bermudez, un niño de mi clase que se sabía el nombre de todas las especies y coleccionaba unos pequeños muñecos de chicles Dunkin que ahora valen una fortuna. Más tarde supe que esta fascinación por los grandes saurios no era nada extraña y que ese amigo no era otra cosa que un moderno, ya que en países del primer mundo como Estados Unidos esto era algo muy común desde siempre, testificado por tempranos filmes como The Lost World (Harry O. Hoyt y Willis O’Brien, 1925) y King Kong (Merian C. Cooper y Ernst C. Schoedsack, 1933) o películas contemporáneas como Cuando los dinosaurios dominaban la tierra (When Dinosaurs Ruled the Earth, Val Guest, 1970) o Hace un millón de años (One Million Years D.C., Don Chaffey, 1966), que los niños de mi generación pudimos ver en los cines y de las que me impresionaron más las formas y los minúsculos modelitos de las cavernícolas que los dinosaurios.
En todo caso y por muy encantadora que resultara la animación stop-motion, todo cambió cuando llegó a las pantallas Jurassic Park (1993), producto de la mente de otro niño fascinando por los dinosaurios, Steven Spielberg, y cima de la animación digital que marcó un antes y un después: la escena en la que aparecen los primeros saurios animados con la majestuosa música de John Williams de fondo, permanece grabada aún hoy en la mente de los espectadores. Desde entonces los efectos infográficos han invadido todo aspecto cotidiano de la vida y han conseguido que los grandes estudios aborden los personajes de Marvel Cómics sin hacer el ridículo.
Pero alguna espina se le quedaría clavada a Spielberg cuando ha decidido retornar al mundo jurásico, aunque lo haya hecho arriesgando lo mínimo, ya que Jurassic World es una aventura para toda la familia rodada al estilo de las originales, con mucha acción, menos terror y ligeras dosis de humor. Un humor que funciona, con el que el film se ríe un poco de sí mismo y de ciertos arquetipos, convirtiéndose así en una atracción impecable y eficaz que no se anda demasiado por las ramas. El director Colin Trevorrow, que tenía tan solo 17 años cuando se estrenó Jurassic Park, ha entendido perfectamente lo que se le ha demandado y así lo ha rodado: una rápida presentación de los personajes con características muy marcadas, conflictos internos y carencias afectivas; escenario y… ¡acción! Mucha acción. Pero no se trata de volver a las especies ya conocidas. Como dice uno de los personajes, los dinosaurios hace 20 años que ya no impresionan a nadie, hacen falta más dientes, y esos dientes se consiguen creando nuevas especies híbridas mediante la manipulación genética. El resultado es simple pero emocionante, con escenas en las que uno se sorprende a sí mismo disfrutándolas con la boca abierta y lo suficientemente retro como para conquistar a los espectadores que saben qué es lo que van a ver y, que si bien no se sentirán tan conmocionados ante el Indominus Rex como los que asistieron en 1933 al estreno de King Kong en el Grauman Theatre, al menos no se sentirán defraudados, ni los más pequeños ni los que lo fueron en los noventa y observan con lupa estas revisiones de los personajes de su infancia.
Finalmente y como pueden suponer, la película deja la puerta abierta, y bien abierta, para una secuela.
VAMOS DE ESTRENO (o no) *Viernes 29 de mayo de 2015*
NUESTRO ÚLTIMO VERANO EN ESCOCIA (What We Did on Our Holiday, Andy Hamilton y Guy Jenkin, 2014) *****
UK. Duración: 95 min. Guión: Andy Hamilton, Guy Jenkin. Música: Alex Heffes. Fotografía: Martin Hawkins. Comedia.
Sinopsis: Doug (David Tennant) y Abi (Rosamund Pike) están en proceso de divorcio, pero deciden ocultarlo cuando van a visitar, junto a sus tres excéntricos hijos, al padre de Doug, Gordie (Billy Connoly), enfermo terminal de cáncer y residente en un pueblo de las Highlands escocesas. Allí participarán en una gran reunión familiar que cambiará sustancialmente la forma de entender la vida de todos ellos.
Si algún filme merece el calificativo de delicioso, ese es Nuestro último verano en Escocia, una comedia ágil y sobre todo realmente graciosa, pero sin necesidad de caer en la estridencia ni en la sal gruesa. Tiene las medidas exactas de ternura, mensaje, drama y humor pero sin empalagos ni momentos lacrimógenos. Y todo ello con tres niños en su reparto y una significativa muerte. No puede hablarse de que el filme represente un viaje iniciático de uno de los niños (Emilia Jones) ni de su relación con su abuelo (Billy Connolly), ya que ese no es el tema de la cinta, pero sí uno de los puntales en los cuales se edifica uno de los guiones más redondos e inteligentes que hemos visto en lo que va de año. A lo que se suma un grupo de actores realmente impecables, como David Tennant, familiar para el espectador por ser el adusto protagonista de la serie Broadchurch; mientras que Rosamund Pike es la Perdida del filme de David Fincher (Gone Girl, 2014). Por su parte la joven Emilia Jones realiza un magnífico trabajo tras haberla conocido por la serie Utopia.
Y ya puestos a resaltar las muchas virtudes de este filme, decirles que también cuenta con maravillosas localizaciones en las Highlands escocesas. Nuestro último verano es Escocia es de ese tipo de cine para detenerse, tomarse un respiro y disfrutar, como un buen té.
SON OF A GUN (Julius Avery, 2014) *****
Australia. Duración: 108 min. Guión: Julius Avery. Música: Elliott Wheeler. Fotografía: Nigel Bluck. Productora: Bridle Path Films / WBMC / Media House Capital / Southern Light Films / Altitude Film Entertainment. Género: Thriller.
Reparto: Ewan McGregor, Brenton Thwaites, Alicia Vikander, Matt Nable, Damon Herriman, Nash Edgerton, Jacek Koman, Tom Budge, Eddie Baroo, David Partridge.
Sinopsis: Encerrado por un delito menor, el joven JR (Brenton Thwaites) aprende rápidamente las dureza de la vida en prisión, y que para sobrevivir dentro hay que buscar protección. Pronto se encontrará bajo la mirada del criminal más famoso de Australia, Brendan Lynch (Ewan McGregor), pero ese amparo tiene un precio. Lynch y su equipo tienen planes para su joven protegido: tras salir JR en libertad, deberá ayudar a Lynch con su plan de fuga.
Son of a Gun se inicia como eficaz drama carcelario, con todos los tópicos que se les ocurran, para pasar a film de atracadores bastante emocionante que no duda en mostrarnos por medio algún drama de interés humano e incluso una historia de amor en el infierno. Buen promedio para un director que se estrena en el largo con este thriller que también ha escrito. Los actores están correctos e incluso muy bien, como es el caso de Ewan McGregor y el joven Brenton Thwaites. Y si la bonita actriz sueca Alicia Vikander les causa una sensación de déjà vu, quizás sea porque su rostro es el que da vida al androide Ava en Ex Machina (2015) de Alex Garland. Un film australiano correctamente orquestado e interpretado.
IT FOLLOWS (David Robert Mitchell, 2014) *****
USA. Duración: 100 min. Guión: David Robert Mitchell. Música: Disasterpeace. Fotografía: Michael Gioulakis. Productora: Northern Lights Films / Animal Kingdom / Two Flints. Género: Terror.
Reparto: Maika Monroe, Keir Gilchrist, Daniel Zovatto, Jake Weary, Olivia Luccardi, Lili Sepe, Linda Boston, Caitlin Burt, Heather Fairbanks, Aldante Foster, Ruby Harris.
Sinopsis: Para Jay (Maika Monroe), de 19 años, el otoño debería consistir en ir a la escuela, salir con chicos y pasar fines de semana en el lago. Sin embargo, tras un encuentro sexual, empieza a tener visiones horribles; no consigue librarse de la sensación de que alguien o algo la persigue. A medida que la amenaza crece, Jay y sus amigos deben escapar de alguna manera del terror que les sigue los pasos.
(Ver crónica completa aquí)
UNA PALOMA SE POSÓ EN UNA RAMA A REFLEXIONAR SOBRE LA EXISTENCIA (En duva satt på en gren och funderade på tillvaron, Roy Andersoon, 2014)
Duración: 101 min. Guión: Roy Andersson. Fotografía: István Borbás, Gergely Pálos. Productora: Roy Andersson Filmproduktion AB / Nordisk Film- & TV-Fond. Género: Comedia.
Reparto: Holger Andersson, Nils Westblom, Charlotta Larsson, Viktor Gyllenberg, Lotti Törnros, Jonas Gerholm, Ola Stensson, Oscar Salomonsson, Roger Olsen Likvern
UNA PALOMA SE POSÓ EN UNA RAMA A REFLEXIONAR SOBRE LA EXISTENCIA es la última parte de la “Trilogía Viva” de la que forma parte Canciones del 2º piso (2000) y Vosotros los vivos (2007), y que está consagrada a la desesperación del ser humano. Esta trilogía fue iniciada por el maestro sueco del humor sarcástico Roy Andersson hace 15 años. El Festival de cine de Venecia le otorgó el máximo galardón a esta última entrega, premiando así cuatro años de intenso trabajo dedicados en exclusividad a hacer esta película. Y para contarla Andersson recurre a viñetas habitadas por patéticos personajes pálidos, maquillados de blanco, con un semblante que les asemeja a cadáveres. Unas viñetas en las que la cámara se queda extática y con las que ha buscado la belleza, sombría, pero belleza a fin de cuentas inspirándose en la pintura de artistas como Otto Dix, Georg Scholz, Ilja Repin y Brueghel el Viejo.
Personajes ridículos, feos, que nunca sonríen. Momentos absurdos, relatos banales a ritmo de vals que hilvanan existencias tristes pero que en su patetismo transmiten humor. Un humor que retrotrae a los momentos más absurdos de los primeros Monty Phyton, de tal forma que uno espera (y casi desea) que en cualquier momento un enorme pié entre en escena pisándolo todo, tal y como sucedía en los primeros sketches del grupo británico. Y todo ello desarrollado en paisajes desolados en los que el sol brilla por su ausencia y que contribuyen al clima de derrota que transmite Andersson, director que creemos agradaría a Sergio Caballero.
Hay que celebrar pues la presencia de una película marciana en cartelera, ideal para el espectador que se aburre y aburre a todos quejándose de lo fatuo del cine que se estrena en nuestras pantallas.
VAMOS DE ESTRENO (o no) *Viernes 22 de mayo de 2015*
LAZOS DE SANGRE (Blood Ties, Guillaume Canet, 2013) *****
Francia/ Estados Unidos. Duración: 127 min. Guión: Guillaume Canet, James Gray (Historia: Jacques Maillot). Fotografía: Christophe Offenstein.
Reparto: Clive Owen, Billy Crudup, Marion Cotillard, Zoe Saldana, Mila Kunis, James Caan, Matthias Schoenaerts, Noah Emmerich, Lili Taylor.
Sinopsis: Chris Pierzynski (Clide Owen) sale de prisión tras cumplir una condena de varios años. Su hermano pequeño Frank (Billy Crudup), agente de policía, lo espera con reticencia a la salida de la cárcel. Chris y Frank siempre han tenido sus más y sus menos, pero sin embargo, sus lazos de sangre los unen y, por ello, Frank da una oportunidad a su hermano ayudándole a integrarse en la sociedad. Pero pronto su pasado llamará de nuevo a su puerta y Chris volverá a tomar la senda del crimen, algo que Frank no está dispuesto a permitir.
Lazos de sangre es un remake a la americana del largometraje francés Liens de sang (2008) de Jacques Maillot. La operación, a falta de ver el original, ha sido un éxito, o al menos la historia encaja perfectamente en el New York de los años setenta. Unos setenta muy bien recreados, no tan solo en vestuario y ambientación, sino también por la propia fotografía del filme, sombría, que nos retrotrae a películas de aquella época. No en vano algunas críticas han descrito esta cinta como una historia que podría haber rodado Scorsese o Sidney Lumet en los años 70. Con todo el filme resulta lento en algún momento y peca de exceso de metraje, pero mantiene el suficiente interés como para pasar un buen rato con él. El que su argumento no resulte nada original y que la forma de narrarlo sea lineal, conforma un valor añadido a Lazos de sangre. Es atractiva por su sencillez. Digerible, digestiva y bien narrada (aunque en algún momento el espectador tenga la sensación de haberse perdido algo).
En su magnífico reparto destacan, además de los dos protagonistas, Clive Owen y Billy Crudup, la atareada Mila Kunis, Lili Taylor y el veterano James Caan.
- Premios
-
2013: Festival de Cannes: Sección oficial fuera de concurso (Un Certain Regard)2013: Festival de Toronto (TIFF): Nominada al Premio del Público (Mejor película)
CAZA AL ASESINO (The Gunman, Pierre Morel, 2015) *****
Javier Bardem y Idris Elba encabezan junto a Sean Penn este reparto de lujo, que cuenta también con Ray Winstone, Mark Rylance y Jasmine Trinca, entre otros. El filme está dirigido por Pierre Morel, responsable de la exitosa saga de acción Venganza, y producida por Silver Pictures, artífices de películas de acción tan icónicas como Matrix, Arma Letal y el reciente éxito Non-Stop de Jaume Collet Serra. Su guión adapta la novela francesa La Position du Tireur Couche de Jean-Patrick Manchette, un auténtico referente en la novela negra francesa, que el prestigioso historietista Jacques Tardi adaptó en su novela gráfica Cuerpo a Tierra.
52 MARTES (52 Tuesdays, Sophie Hyde, 2013) *****
Australia. Duración: 109 min. Guión: Matthew Cormack, Sophie Hyde. Música: Benjamin Speed. Fotografía: Bryan Mason. Productora: Closer Productions. Género: Drama.
Reparto: Tilda Cobham-Hervey, Del Herbert-Jane, Beau Travis Williams, Imogen Archer, Mario Spate, Sam Althuizen, Danica Moors.
Sinopsis: La madre de Billie, una chica de 16 años, va a someterse a una operación de cambio de sexo. Durante el tiempo que dure el proceso ésta le pide que sólo se vean los martes por la tarde.
Es inevitable ver el primer largo de ficción de Sophie Hyde bajo la estela de Boyhood (y ello aunque la australiana se estrenara un año antes), porque lo primero que nos llama la atención es la apuesta temporal de la cinta. Efectivamente, la película fue rodada durante los 52 martes consecutivos que le dan título. Un año de rodaje para retratar la evolución de la transformación de los personajes en tiempo casi real. Y en un esfuerzo por lograr el más difícil todavía, Hyde eligió trabajar con interpretes no profesionales a los que dirigió sin guión previo (sólo unas cuantas directrices). Todas estas decisiones formales la convierten en una película arriesgada y auténtica a partes iguales.
El riesgo en la forma se ve acompañado por la elección de una temática igualmente atrevida (cosa de la que carece Boyhood, por ejemplo): la transexualidad femenina, que agudiza la crisis de identidad que viven los personajes. Porque 52 martes es un relato de crecimiento, nos enfrenta una vez más a la crisis de la adolescencia en la que todos vemos quebrar el suelo sólido de la infancia sin que hayan llegado aún los puntos de anclaje de la edad adulta. Un adolescente se mueve en terreno de nadie en busca de su propio yo.
La búsqueda adolescente es un motivo recurrente en nuestro imaginario, la novedad que aporta Hyde es la de rodearlo con la redefinición 
de la propia madre. Así, el conflicto es doble porque al despertar sexual de la joven se le suma la readaptación de la sexualidad de la madre, un choque de trenes que tira por tierra todos los umbrales de seguridad y pone las emociones al límite.
Ahí, en el terreno de las emociones es donde mejor funciona 52 martes y su elección formal, la cinta se convierte en un collage impresionista que se manifiesta como el mejor vehículo para la exposición del tema. Para construir el relato la directora juega con tres tipos de imágenes: de archivo, ilustrando lo que ocurrió en el mundo durante esas 52 semanas; las de las dos protagonistas que graban con sus cámaras sus experiencias, sentimientos y el avance de la transición; y las tradicionales de una película de ficción. La superposición de esos tres círculos (que tienen algo de concéntricos) construye la historia en todos sus planos, desde el más social al más íntimo, sin que nada se le escape. La película tiene mucho de testimonial, sin dejar en ningún momento de ser ficción, consigue vestirse con ropajes documentales, siendo, quizás, lo más relevante de esta producción la naturalidad y sinceridad del retrato de sus protagonistas y unos meritorios trabajos actorales en los que hay que destacar sobre todo el de la joven Tilda Cobham-Hervey (la única que ha seguido dedicándose a la interpretación).
Sin duda estamos ante un filme suficientemente interesante como para ser recomendable su visión.
POLTERGEIST (Gil Kenan, 2015) *****
USA. Duración: 93 min. Guión: David Lindsay-Abaire. Música: Marc Streitenfeld. Fotografía: Javier Aguirresarobe. Productora: Fox 2000 Pictures / Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) / Ghost House Pictures. Género: Terror.
Reparto: Kennedi Clements, Sam Rockwell, Rosemarie DeWitt, Kyle Catlett, Jared Harris, Nicholas Braun, Jane Adams, Saxon Sharbino, Susan Hewyard.
Sinopsis: El legendario realizador Sam Raimi y el director Gil Kenan ponen al día el clásico relato de una familia cuya casa está habitada por fuerzas malignas. Descubrirán que está edificada encima de un antiguo cementerio. Cuando las aterradoras apariciones intensifican sus ataques y capturan a la hija más pequeña, la familia debe unirse para rescatarla antes de que desaparezca para siempre.
En estos tiempos de remakes dentro del cine fantástico, era cuestión de tiempo el que le llegara el turno a Poltergeits, a lo que no es ajeno el éxito obtenido por James Wan con su actualización de los viejos filmes de fantasmas y casas embrujadas. Y es que este nuevo Poltergeist, dirigido por Gil Kenan, realizador experimentando en cine fantástico, se mira más en Expediente Warren (The Conjuring, 2013) o Insidious (2010) que en el filme de Tobe Hooper (y Spielberg) de 1982. Aunque eso no significa que no recurra a las imágenes iconográficas del filme original, aunque, eso sí, con televisión de plasma y tecnología digital presente. El director no se anda por las ramas (bueno, en algunos momentos sí, como podrán ver) y va directo al hueso, entrando en una montaña rusa de sustos apoyados con eficaces efectos sonoros que harán saltar a más de un@ de la butaca. Casi no hay tiempo para la intriga ni para el desasosiego y en el tren de la bruja caben hasta los muñecos-payaso mal rollistas; secuencias protagonizadas por taladros que nos hacen añorar, una vez más, a Lucio Fulci; o un estrafalario y televisivo médium (Jared Harris) más cercano al profesor Cavan que a la entrañable Zelda Rubinstein que, por cierto, está interpretado por un actor que ya tuvo que vérselas con espíritus malignos en El estigma del mal (The Quiet One, John Pogue, 2014)
Pero no sean muy severos, olvídense del nombre del film, de que es un remake, no revisen el original ni busquen diferencias, semejanzas o carencias. Este Poltergeist funciona como película de sustos mainstream con la que pasar un buen/mal rato.
Por cierto, después de esto… ¿Volverán a abrirse las puertas de la vieja casa de Amitville?
LO MEJOR PARA ELLA (Black and White, Mike Binder, 2014) *****
Producto perfectamente diseñado para agradar al público mayoritario, como la música New Age o la Coca-Cola. Dosis de drama y de comedia con unas gotas de película de juicios… todo ello en un filme totalmente convencional, políticamente correcto y desarrollado, como va siendo habitual en este tipo de historias amables, en un ambiente acomodado. Ni siquiera las interpretaciones de sus protagonistas logran sacar a flote este filme, que cuesta creer que esté basado en hechos reales. Sobre todo en los momentos en los que emerge de nosotros una peligrosa y punzante vergüenza ajena.
VAMOS DE ESTRENO (o no) *Viernes 15 de mayo*
LA PROFESORA DE HISTORIA (Les Heritiers, Marie-Castille Mention-Schaar, 2014)*****
Francia. 105′. Guión: Marie-Castille Mention-Schaar. Fotografía: Myriam Vinocour. Productora: Loma Nasha Films. Género: Drama.
Reparto: Ariane Ascaride, Ahmed Dramé, Geneviève Mnich, Xavier Maly, Martin Cannavo, Noémie Merlant, Stéphane Bak.
Sinopsis: Anne Gueguen (Ariane Ascaride), es una profesora de Historia de instituto que además se preocupa por los problemas de sus alumnos. Este año, como siempre, Anne tiene un grupo difícil. Frustrada por su materialismo y falta de ambición, Anne desafía a sus alumnos a participar en un concurso nacional sobre lo que significa ser adolescente en un 
campo de concentración nazi. Anne usa toda su energía y creatividad para captar la atención de sus alumnos y motivarlos. A medida que el plazo se acerca, los jóvenes comienzan a abrirse a los demás y a creer en sí mismos. Un proyecto que cambiará sus vidas.
Aunque la base argumental de este filme no resulta nada original, basta revisar Rebelión en las aulas (To Sir, with Love , James Clavell, 1967) o algunos de los filmes que proliferaron en los años cincuenta, con Semilla de maldad (Blackboard Jungle, Richard Brooks, 1955) en cabeza, que narraban el enfrentamiento entre los adolescentes rebeldes de los barrios marginales y el sistema educativo, caduco ante los cambios de hábitos y de vida de los jóvenes tras la 2ª Guerra Mundial, no por ello el filme que estamos comentando queda como simple reflejo de ellos, ya que a la rebeldía natural de los adolescentes, la directora ha añadido algunas muy actuales problemáticas que pueden encontrarse en los centros educativos franceses (y de todo el mundo), producto de la masiva emigración proveniente de las antiguas colonias. Así veremos cruzándose nerviosamente en la pantalla retazos de machismo o de violencia racista en unas clases en las que varias religiones deberán convivir en un frágil equilibrio. Pero como lo que se nos narra es un feliz historia real, podremos ver que es posible, con respeto y tolerancia hacia el prójimo, convivir con el otro e incluso trabajar por un bien común. Ariane Ascaride contagia simpatía y complicidad con su sabia mirada, tanto al espectador como a sus ficticios alumnos, interpretados por un competente grupo de jóvenes actores.
LA DEUDA (Oliver’s Deal, Barney Elliott, 2015) *****
USA / Perú / España. Duración: 99 min. Guión: Barney Elliott. Música: Jesús Díaz, Fletcher Ventura. Fotografía: Bjørn Ståle Bratberg. Productora: Atlantic Pictures / Viracocha Films / Arcadia Motion Pictures. Género: Thriller.
Reparto: Stephen Dorff, Alberto Ammann, Carlos Bardem, David Starthairn, Brooke Langton, Lucho Cáceres, Javier Valdez, Jesús Aranda, Nidia Bermejo, Paco Varela.
Sinopsis: Oliver Campbell (Stephen Dorff) un ambicioso hombre de negocios americano, junto a su viejo amigo peruano, Ricardo Cisneros (Alberto Ammann) 
pretende cerrar el trato de su vida. Ambos planean explotar una antigua y olvidada deuda que el gobierno peruano tiene con sus ciudadanos. Mientras pasan los meses envueltos en sus duras negociaciones y debido al acuerdo que el gobierno prepara, el sistema de salud peruano se reduce drásticamente y María (Elsa Olivero) tratará de conseguir por sus propios medios la cirugía que su madre necesita. Implacables en la consecución de su objetivo, Oliver y Ricardo descubren Pampacancha, un pueblo de la sierra peruana que considera su tierra el bien más preciado. Allí topan con un severo patriarca de una familia de agricultores y con el terrateniente Caravedo (Carlos Bardem) que tiene sus propios planes. La conciencia empieza a pesar sobre Ricardo Cisneros, y también, a su manera, sobre Oliver Campbell.
La justicia poética, la redención, la especulación, la implacable corrupción, los recortes presupuestarios, el poder… todo tiene cabida y se entremezcla en este filme en el que todos los protagonistas tienen un punto de mezquindad, unos por avaricia y otros por agotamiento ante la adversidad. Cine social con abundante luz y brillantes colores en la sierra peruana y ambiente gris y frío en los suburbios de la ciudad. Contrastes que terminan cruzándose en un filme en el que quizás falla su resolución, con esa redención un tanto forzada.
LA
CAUTIVOS (The Captive, Atom Egoyan, 2014)
Canadá. Duración: 113 min. Guión: Atom Egoyan, David Fraser. Música: Mychael Danna. Fotografía: Paul Sarossy. Productora: E1 Entertainment / Ego Film Arts / The Film Farm. Género: Thriller.
Reparto: Ryan Reynolds, Scott Speedman, Mireille Enos, Rosario Dawson, Bruce Greenwood, Kevin Durand, Alexia Fast, Peyton Kennedy, Brendan Gall.
Sinopsis: Ocho años después de la desaparición de Cassandra, algunos indicios perturbadores parecen indicar que aún está viva. La policía y sus padres intentan esclarecer el misterio de su desaparición.
(Crónica completa en este enlace)
Cautivos, un thriller gélido y opaco
Atom Egoyan y su última película eran una cita esperada en la anterior edición del Festival de Cannes. La crítica, sin embargo, fue prácticamente unánime: todos se sintieron decepcionados casi defraudados. Sólo Robbie Collin, comentarista del Telegraph, mantuvo una nota disonante en ese acorde común, para él The captive es la mejor película del autor en tiempos y le otorgaba a este thriller de secuestros, sutilmente opaco y de una frialdad mordiente en sus palabras, una puntuación de cuatro estrellas sobre cinco. Y yo me siento más cercana al disidente Collin que al resto de comentaristas.
Cautivos (título con el que será estrenada en nuestro país) no se lo pone fácil al espectador, eso que la pederastia es uno de los temas candentes en nuestra sociedad, nos obliga a un ejercicio de concentración al que quizás ya no estemos acostumbrados. Egoyan opta por deconstruir el tiempo de la acción llevándonos a tres puntos temporales distintos que nunca desarrolla sucesivamente sino que son trabajados mediante unos flashbacks que no son precedidos por ningún indicador. Las diferentes líneas temporales conviven en una misma exposición, construyendo un puzzle que va a requerir de toda nuestra atención para ser descifrado. Y eso, que le fue duramente criticado, es lo que hace más atractiva la película para mí, enamorada como estoy de los ejercicios de estilo. Con este tratamiento narrativo Egoyan economiza medios expresivos, el deterioro de la pareja cuya hija ha sido secuestrada, por ejemplo, se expone por sí mismo, sin necesidad de presentarnos escenas y escenas de desencuentros, basta con una declaración de la esposa seis años después del secuestro (dos antes del desenlace que es el presente del relato) a la inspectora que instruye el caso. Porque sus palabras son duras y el director ya nos ha hecho aprehender el tiempo que dura esa agonía apuntalándolo tan solo en los episodios relevantes. Egoyan nos exige una mirada analítica, una mirada que discrimine rápido las líneas definitorias de la intriga, igual que uno de los policías es capaz de descubrir las características del modelo de un puzzle mirando apenas unas pocas piezas sueltas del mismo.
Hay quien ha querido ver en Cautivos un ejercicio de narcisismo y de autoparodia, personalmente lo que vemos es fidelidad a los que ya hace décadas quedaron fijados como sus rasgos de autoría. Tanto formales (esa intertextualización de otros discursos audiovisuales dentro del filme) como temáticos, el director vuelve a exponernos su obsesión por las menores desaparecidas y el quebranto de la infancia. Temáticamente, Cautivos forma contexto con Exótica, El dulce porvenir y, sobre todo, con El viaje de Felicia. Egoyan nos expone ante la mirada del monstruo, un lobo refinado, amante de la ópera, al que no podemos odiar como merece lo abyecto de su crimen, como si nosotros también estuviéramos afectados por el Síndrome de Estocolmo que parece sufrir la niña protagonista. Un monstruo sobre el que se proyecta la malvada Reina de la Noche mozartiana, en toda su maleficencia, sí, pero también en toda su belleza (esa célebre aria sonando reiteradamente). Así de incómodo es el planteamiento.
Y planeando sobre todo lo narrado está la gelidez. Los paisajes nevados de Canada, sus carreteras heladas, las tormentas de nieve… No hay un sólo instante de sol ni en los escenarios ni en las expresiones de Ryan Reynolds, figura del padre sufriente, sobre el que se ha dejado caer todo el peso de la culpabilidad. Reynolds se ajusta perfectamente a lo que la película le demanda y compone más que correctamente un retrato de hombre abrumado que, además de con el dolor por la pérdida, ha de lidiar con todas las sospechas que se le vuelcan. El resto del reparto cumple igualmente con su función dramática, destacando la rejuvenecida Alexia Fast como víctima convertida en cómplice.
Así es Cautivos, una cinta meticulosa e intencionadamente fría que no busca el favor del público ni de la crítica, porque es un ejercicio personal en la que el autor nos reta tanto como se reta a sí mismo.
‘A esmorga’, un reflejo de tiempos oscuros
Para el director de A esmorga, Ignacio Vilar, el cine es intentar llegar a la verdad. Y verdad es lo que refleja su película. Una verdad desagradable. Fea, gris, sin un final feliz con el que volver a casa.
Su conclusión nos deja el estómago encogido. En silencia. Sin palabras. Nos toca. Pero es una verdad necesaria, que grita que no todo en el cine es evasión. Que el cine también tiene que provocar. Y esa sensación es la que produce A esmorga, nueva adaptación del gran clásico de las letras gallegas.
Eduardo Blanco Amor escribió en 1959 y en su idioma gallego A esmorga desde su exilio en Argentina. En el libro describió su Galicia tal y como la tenía presente desde la distancia, ofreciendo un relato trágico que narra el autodestructivo viaje a ninguna parte de sus tres protagonistas: Cibrán el castizo, el Bocas y Milhomes que pasan 24 horas de esmorga[1] en los arrabales de la ciudad de Auria, trasunto literario de Ourense en el que los tres hombres se beberán la vida en un acto de rebeldía contra aquella sociedad que les tocó vivir y el puesto que se les ha reservado en ella. Una carrera en la que se llevarán todo por delante sin posibilidad de dar marcha atrás.
Esta, una de las novelas capitales de la cultura gallega que recientemente ha reeditado, completa y sin censura, Editorial Galaxia dentro de su sello Mar Maior, es ampliamente conocida en su lugar de origen. Lectura obligatoria de Bachillerato allí durante los años ochenta, es tan popular, que ha batido todos los récords de taquilla.
Y es que hay otros relatos ebrios, pero pocos retratan la locura del espirituoso y ese itinerario hacia el infierno como lo muestra el filme de Vilar. Mérito que hay que reconocer en su justa medida a sus magníficos protagonistas: Castizo (Miguel de Lira), el Bocas (Karra Alejalde) y Milhombres (Antonio Durán ‘Morris’), que saben introducirse en esa atmósfera líquida, densa como la lluvia que moja a los personajes por fuera como el aguardiente los abrasa por dentro.
A bote pronto uno recuerda otros descensos etílicos que nos ha ofrecido el cine, como Despertar en el infierno (Wake in Fright, Ted Kotcheff, 1971) o la alucinógena y atmosférica Dementia (John Parker, 1955), que para el que esto escribe retrata la soledad y la atmósfera de pesadilla en la que puede desembocar una intoxicación etílica o de barbitúricos. Historias que no buscan redimir a sus protagonistas como Días sin huella (The Lost Weekend, Billy Wilder, 1945) o Días de vino y rosas (Days of Wine and Roses, Blake Edwards, 1962).
A esmorga llega más lejos. La rebelión de sus protagonistas tiene más alcance que el que tiene una simple juerga. Se trata de toda una rebelión. Cierran puertas tras de sí con tanta facilidad como cierran bares y burdeles. Queman barcos, huyen del claustrofóbico ambiente que conforma esa Auria gris, fría y lluviosa, cuarto protagonista de un filme y representación de la sociedad española de la época a la que los protagonistas plantan cara. Reflejo de tiempos oscuros en el que no están ausentes otros temas como la conciencia de clase y la homosexualidad.
La obra de Campo Amor ha sido adaptada para teatro y televisión. Gonzalo Suárez rodó en 1977 Parranda, que inicialmente era un proyecto del orensano Eloy Lozano con guión del propio Blanco Amor, pero al pasar a manos de Gonzalo Suárez, reescribió el guión añadiendo unos cambios que no acabaron de agradar al escritor, que tras ver el filme, quedó con la esperanza de que algún día se hiciera una película sobre su obra en Galicia, con actores gallegos y en gallego, algo que ha sucedido por fin a los 35 años de la muerte del escritor. Localizada en Asturias, Parranda contó con José Sacristán, José Luis Gómez y Antonio Ferrandis, para los tres papeles protagonistas, además de todo un reparto de campanillas. De lo subversivo que puede ser el mensaje de esta historia, sobrevive la anécdota de que la película fuera en su día prohibida por la junta militar en Argentina. El filme «Tuvo una excelente acogida de la crítica, aunque luego su trayectoria comercial no fue muy buena, yo creo que porque se estrenó en plenas elecciones, las primeras, y en un cine de segunda categoría. Pero ha quedado como una película de la que todo el mundo habla con respeto. No se va a pedir, encima, que sea un éxito de público«[2].
La película de Ignacio Vilar es una mirada personal a la obra de Campo Amor con profundo respeto al espíritu de la novela y especial cuidado en la elección de los actores que interpretan a los tres protagonistas, ya que Vilar describe su filme como una película de personajes, y en la búsqueda de estos actores idóneos se embarcó durante tres meses. Tras encontrarlos se encerró –casi incomunicó- junto a ellos en una residencia de Orense que bautizaron como ‘El resplandor’ en la que durante doce horas diarias, crearon, vivieron y hablaron sobre sus personajes. Cuidando todos los detalles de la caracterización, incluido el lenguaje, con gallego de los años cincuenta que incluía palabras en desuso y transformando el lenguaje literario de la novela en cinematográfico, cambiando texto por miradas, gestos … examinando el interior de sus personajes y consiguiendo unas creaciones que guiaron totalmente la acción, ya que la cámara seguía a los actores y no al contrario consiguiendo, en palabras de Miguel de Lira, un tratamiento casi documental de la acción, a medio camino entre el nuevo y el viejo cine. La forma de hacer cine en Galicia. Honesta y brutal.
Para ‘Morris’, si la película fuera sobre borrachos resultaría muy aburrida. Pero ‘A esmorga’ no es una borrachera, es un estado de ánimo. La vida entera es una ‘esmorga’ con ese componente trágico. Una última explosión antes del fatalismo, como el aguardiente es la última explosión en la elaboración del vino.
Además de los tres protagonistas, los otros personajes del filme son el fatalismo latente, la lluvia constante, el frío, que cala también a los espectadores, y el idioma. Todo contribuye a dotar de autenticidad a una historia en la que tanto el frío, como la desnudez y el cansancio de sus protagonistas es real. Hasta el estercolero por el que escalan en una de sus últimas escenas esta compuesto por basura orgánica. Por eso, y para ser partícipes de toda esa autenticidad, aunque la película se estrena también en versión doblada por los mismos actores, háganse un favor y disfrútenla en su gallego original subtitulado.
[1] Algo que podría, más o menos, traducirse como parranda, bacanal, juerga.
[2] Torres, M.: «Gonzalo Suárez: ‘Aunque pueda parecer un exabrupto, ‘Parranda’ es una película equilibrada’ «. El País, 11 de diciembre de 1983.
VAMOS DE ESTRENO (O no) *Viernes 8 de mayo de 2015*
MINÚSCULOS: EL VALLE DE LAS HORMIGAS PERDIDAS (Minuscule: La vallée des foumis perdues, Thomas Szabo y Hélène Giraud, 2013) *****
Francia. Duración: 82 min. Guión: Thomas Szabo, Hélène Giraud. Música: Lavandier. Productora: Futurikon Films. Género: Comedia de animación.
Combinando animación e imagen real, Minúsculos: el valle de las hormigas perdidas nos relata la peripecia de una mariquita cuya curiosidad la aleja de su familia y acaba implicada en la guerra de dos comunidades de hormigas, que pugnan por hacerse con los restos de un pícnic abandonado (más concretamente por una caja de azucarillos). Con esta excusa argumental la película nos narra todo un poema épico a escala microscópica.
Si hace unas semanas llegaba a nuestras pantallas La oveja Shaun, ahora nos llega (con dos años de retraso) el trabajo de Thomas Szabo y Hélène Giraud, el cual también apuesta por darle todo el protagonismo a la imagen, a la que hay que sumar la banda sonora, por tratarse de una película muda (los insectos protagonistas se comunican mediante zumbidos). Otro paralelismo con la cinta de los Estudios Aardman, es que en ambos casos el largometraje proviene de una serie televisiva previa. Y hasta aquí las comparaciones, porque los recursos de animación de cada película son muy distintos entre sí, la británica es un prodigio de la claymation, mientras que Minúsculos: el valle de las hormigas perdidas combina la imagen real y la animación sobrepuesta sobre ese fondo real. Con esta opción narrativa Szabo y Giraud consiguen retratar el microcosmos de los insectos como si el relato estuviese contado a escala de los propios protagonistas.
Que los personajes sean insectos nos hace recordar producciones anteriores como son Bichos, una aventura en miniatura, de Pixar y AntZ de DreamWorks, pero la verdad es que son pocas las semejanzas que puedan compararlas. Minúsculos tiene ritmo y vida propios, y aunque se les asignen a los personajes algunos caracteres humanos es mucho menor la antropomorfización que en sus predecesoras. Esta circunstancia hace que nos encontremos ante una cinta menos infantil de lo que es habitual en el género y que no pueda recomendarse a los más pequeños (niños menores de seis años) porque se perderán en las elipsis y no empatizarán con los momentos de humor que perlan todo el metraje.
EL VIAJE MÁS LARGO (The Longest Ride, George Tillman Jr., 2015) *****
USA. Duración: 139 min. Guión: Craig Bolotin (Novela: Nicholas Sparks). Música: Mark Isham. Fotografía: David Tattersall. Productora: Fox 2000 Pictures / Temple Hill Entertainment. Género: Drama romántico.
Reparto: Scott Eastwood, Britt Robertson, Alan Alda, Oona Chaplin, Jack Huston, Melissa Benoist, Lolita Davidovich, Amber Chaney.
Sinopsis: Historia de amor entre Luke (Scott Eastwood), un antiguo campeón de rodeo y Sophia (Britt Robertson), una estudiante a punto de embarcarse en su sueño de trabajar en el mundo del arte en Nueva York. Según van poniendo a prueba su amor con sus diferentes ideales y visiones de la vida, Sophia y Luke establecen una conexión inesperada con Ira (Alan Alda), cuyas memorias de su amor vivido hace décadas con su maravillosa mujer (Oona Chaplin), inspirará profundamente a la joven pareja. Saltando generaciones e intercalando dos historias de amor, El viaje más largo explora los retos y las infinitas recompensas del amor duradero.
Dos historias de amor en una (aunque los 139 minutos dan para eso y mucho más), en un filme que no me resisto en definir, a pesar de poder herir sensibilidades y ser tachado de lo que no soy, como ‘para mujeres’. No en vano está basado en una novela de Nicholas Sparks, escritor de la exitosa El cuaderno de Noah y Lo mejor de mí, cuya adaptación cinematográfica se estrenó recientemente y comentamos aquí. Tenemos un irresistible y musculado galán ‘Old School‘. Un patán de delicados modales que representa el paradigma del príncipe azul por el que suspiran muchas féminas y que está materializado en el vástago de Clint Eastwood. Y debemos suspender la incredulidad. Cuando se estrenó la estupenda Superman (Richard Donner, 1978) en su cartel una frase promocional aseguraba que ‘Usted creerá que un hombre puede volar’, pues bien, si aceptan y entran en el juego que El viaje más largo les propone (y para hacerlo, desde luego tendrán que ser tan crédulos como si de la más inverosímil película de ciencia ficción se tratara) podrán pasar hasta un buen rato con todos los tópicos y lugares comunes de este tipo de historias y con las actuaciones de los veteranos Alan Alda y Lolita Davidovich, además de Oona Chaplin y Jack Huston (aquí con su cara completa tras Broardwalk Empire). Sin olvidar a los protagonistas, la agradabla Britt Robertson y Scott Eastwood, que ha decidido incluir el apellido paterno en su nombre artístico tras iniciar su carrera con el materno como Scott Reeves, nombre con el que intervino en sus primeros filmes, como Gran Torino (2008) y Banderas de nuestros padres (2006), dirigidos ambos por ya saben quien. Eso sí, no me quedaría tranquilo si no recomendara desde esta pequeña tarima que se me brinda el recomendar a los diabéticos precaución al visionar este filme, pues su exceso de melaza puede causarles estragos.
SWEET HOME (Rafa Martínez, 2015) *****
Duración: 80 min. Guión: Rafa Martínez, Teresa de Rosendo, Ángel Agudo. Música: Ginés Carrión Espí. Fotografía: Antonio J. García. Productora: Castelao Pictures / Filmax / Film Produkcja. Género: Terror
Reparto: Ingrid García Jonsson, Bruno Sevilla, Oriol Tarrida, Eduardo Lloveras, Miguel Ángel Alarcón, Luka Peros, Mariona Perrier, José María Blanco.
Sinopsis: Una pareja decide pasar una noche romántica en un piso de un edificio semiabandonado al que se cuelan porque ella trabaja como asesora de inmuebles para el Ayuntamiento y tiene las llaves. Durante la velada descubren que unos encapuchados han asesinado al único inquilino que quedaba en el edificio… y ellos se convierten en su nuevo objetivo.
(Artículo y crítica completa en este enlace)
A CAMBIO DE NADA (Daniel Guzmán, 2015) *****
España. Guión: Daniel Guzmán. Fotografía: Josu Inchaustegui. Productora: El Niño Producciones / La Competencia / La Mirada Oblicua / Ulula Films. Género: Drama.
- Reparto: Miguel Herrán, Antonio Bachiller, Luis Tosar, María Miguel, Antonia Guzmán, Felipe García Vélez, Patricia Santos, Miguel Rellán, Manolo Caro, Mario Llorente, Carlos Olalla, Sebastían Haro, Beatriz Argüello, Iris Alpáñez, Adelfa Calvo, Luis Zahera.
A cambio de nada, el primer largometraje de Daniel Guzmán como director, se ha convertido en el gran triunfador del Festival de Cine de Málaga. La película, que se ha hecho con la Biznaga de oro a la mejor película, la Biznaga de plata a 
la mejor dirección, la Biznaga de plata al mejor actor de reparto (Antonio Bachiller) y la Biznaga de plata premio especial del jurado de la crítica, se estrena de la mano de Warner Bros.
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A cambio de nada cuenta la historia de Darío, un chico de dieciséis años que disfruta de la vida junto a Luismi, su vecino y amigo del alma. Mantienen una amistad incondicional, se conocen desde que tienen uso de razón y juntos han descubierto todo lo que saben de la vida. Darío sufre la separación de sus padres y se escapa de casa, huyendo de su infierno familiar. Comienza a trabajar en el taller de Caralimpia, un viejo delincuente con envoltura de triunfador, que le enseña el oficio y los beneficios de la vida… Darío conoce a Antonia, una anciana que recoge muebles abandonados con su motocarro y junto a ella descubre otra forma de ver la vida. Luismi, Caralimpia y Antonia se convierten en su nueva familia en un verano que les cambiará la vida…
El filme pretende retratar la vida de forma realista, aunque la línea tremenda que va tomando su trama termina deshinchándose hacia el final, dejando un rastro de esperanza en los personajes, pero de incredulidad en el espectador. Otros directores nos han mostrado la parte menos favorecida de la sociedad de forma más cruda y veraz. Sin ser exhaustivos y tan solo en España, este universo nos los mostró Carlos Saura en Los golfos (1960), Eloy de la Iglesia de forma más tremenda y pesimista en películas como Colegas (1982). Y más recientemente Fernando León de Aranoa en Barrio (1998) o Achero Mañas en El Bola (2000), pero siempre es importante retratar esta realidad menos brillante y luminosa, el drama cotidiano en el que sus protagonistas no trabajan en una oficina o son artistas o escritores con crisis de inspiración. A lo que hay que sumar la frescura que destila el filme, ópera prima del actor Javier Guzmán, que escribe y dirige este filme contando con un elenco de actores veteranos y experimentados como un perfecto Felipe García Vélez o el siempre eficaz Luis Tosar, que contrastan y complementan a los jóvenes protagonistas debutantes, Antonio Bachiller, Miguel Herrán, e incluso Antonia Guzmán, abuela del director, que realiza una entrañable actuación como Antonia, la anciana que acoge a Darío en su casa. Aunque con algún paso en falso en su guión, A cambio de nada podría ser una sorpresa para el público al igual que lo fue para el jurado del Festival de Málaga.
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A ESMORGA (Ignacio Vilar, 2014) *****
Galicia (España). Duración: 111 min. Guión: Carlos Asorey, Ignacio Vilar (Novela: Eduardo Blanco Amor). Música: Zeltia Montes. Fotografía: Diego Romero. Productora: Vía Láctea Filmes / Editorial Galaxia / TVG. Género: Drama. http://aesmorgafilme.com/es/
- Reparto: Karra alejalde, Miguel de Lira, Antonio Durán ‘Morris’, Ledicia Sola, Sabela Arán, Monti Castiñeiras, Mela Casal, Santi Prego, Alfonso Agra, Patxi Bisquert, Mónica García, Pepo Suevos, Elena Seijo, Covadonga Berdiñas, Yago López, Lois Soaxe.
Sinopsis: Crónica tensa e intensa de 24 horas en la vida de tres compañeros de juerga que van dejando un reguero de destrucción, de sexo equívoco y reprimido, y también cerrando puertas tras tirar las llaves, como si de manera deliberada buscarán la perdición.
(Artículo y crítica completa en este enlace)
LA CANCIÓN DEL MAR (Song of the Sea, Tomm Moore, 2014)*****
Irlanda/Dinamarca/Bélgica/Luxemburgo/Francia. Duración: 93 min. Guión: Will Collins. Música: Kila. Productora: CartoonSaloon / Big Farm / Digital Graphics. Género: Animación.
Sinopsis: Ben y Saoirse viven en un faro, en la parte más altqa de una pequeña isla, con su padre, que para protegerlos de los peligros del mar los envía a vivir con su abuela a la ciudad. Allí Ben descubre que su hermana pequeña es una Selkie, un hada del mar, una niña-foca que con su canción puede liberar a los seres mágicos del hechizo que les hizo la Bruja de los búhos.
En el mundo de la animación hay mucha vida más allá de Disney, vida que parte de otras tradiciones más minimalistas en cuanto a dibujo y que huye de la voluntad de realismo en los movimientos para llevarnos a un universo en el que prima la imaginación y la magia. Este es el caso de La canción del mar, segundo largo de Tomm Moore que viene a consagrarlo como uno de los nombres destacados dentro del género. Las imágenes de Moore consiguen un impacto visual hipnotizador que las convierte en el vehículo perfecto para adaptar al cine las viejas leyendas celtas y escandinavas, como lo son los relatos concernientes al pueblo de las Selkies, esas hadas que alternan su efigie humana con su apariencia de foca. De la mano de Moore nos sumergimos en el interior de un cuento ilustrado que va cobrando vida y movimiento conforme se desarrolla, estamos ante planos bidimensionales que cobran fuerza narrativa gracias al uso del color, los efectos de iluminación y el diseño de personajes y escenarios.
Como cuento que es, la trama de La canción del mar está asentada sobre las estructuras propias de los cuentos maravillosos tal como fueron catalogadas por Vladimir Propp en su Morfología del cuento. El estructuralista ruso enumeró hasta treinta y un puntos recurrentes en los relatos tradicionales, que no necesariamente se han de dar todos en todos los textos. Así, en La canción del mar, nos encontramos con el tópico del alejamiento del héroe, quien habrá de someterse a una prueba cuya superación será necesaria para obtener la ayuda mágica que resuelva el conflicto. Por su fidelidad a las formas clásicas, su mensaje será menos plano y más universal que el de otras cintas animadas más apegadas a los valores de nuestras coyunturas actuales.
Este segundo trabajo de Moore es una auténtica filigrana repleta de secuencias bellísimas, una de las mejores cintas que podrá verse en nuestras salas este año. Estamos ante un título imprescindible se sea aficionado o no a la animación.
- Premios:
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– Premios Oscar: Nominada a Mejor largometraje animación– Premios César: Nominada a Mejor film de animación– Festival de Gijón: Mejor largometraje de animación– Premios Annie: 7 nominaciones, incluyendo Mejor película– Satellite Awards: Mejor largometraje de animación
GÜEROS (Alonso Ruizpalacios, 2014)*****
México. Duración: 107 min. Guión: Alonso Ruizpalacios, Gibrán Portela. Música: Tomás Barreiro. Fotografía: Damián García (B&W)Productora: Catatonia Films / Conaculta / Difusion Cultural UNAM. Género: Comedia dramática.
Reparto: Tenoch Huerta, Leonardo Ortizgris, Sebastián Aguirre, Ilse Salas, Sophie Alexander-Katz.
Sinopsis: “Güeros” narra el encuentro entre Sombra y su hermano menor, Tomás, quien lo visita en la Ciudad de México tras algunos sucesos desafortunados en casa de su madre. La llegada del joven Tomás imprime energía a la monótona vida de Sombra y su amigo Santos, la cual parece estar en pausa tras la huelga de la UNAM. Juntos, deciden 
emprender un viaje para encontrar a un legendario músico que escuchaban de niños, y cuyo paradero es desconocido desde mucho tiempo atrás. Esta búsqueda, atravesando las fronteras invisibles de la Ciudad de México, los llevará a descubrir que no pueden huir de sí mismos.
Güeros nos muestra el viaje iniciático de Sombra, con el que saldrá de su indolencia, de su huelga de la huelga, para adentrarse en el camino, encontrarse a sí mismo y descubrir sus objetivos. Crudamente rodado en bello blanco y negro. Bello porque está repleto, al igual que la historia misma del filme, de una rica gama de grises que resaltan el tenebrismo de los bloques y los barrios de extrarradio. Y crudo porque a ratos recuerda los experimentos narrativos y visuales de la Nouvelle Vague, del Cinema Novo Brasileiro y, ¿porqué no?, del Jodorowsky menos extremo, no vacilando en servirse del lenguaje del documental y del metacine.
Güeros materializa con buen ritmo las palabras que dijo Salvador Allende y que se recuerdan durante el filme, ‘Ser joven y no ser revolucionario es una contradicción hasta biológica’. Amen.
– Festival Internacional de Cine de San Sebastián 2014: Mejor Película (Horizontes Latinos) y Premio de la Juventud
– Festival de Cine de Tribeca 2014: Mejor Fotografía y Mejor Nuevo Director
– Premios Ariel 2015: 12 Nominaciones incluyendo Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guión, Mejor Actor, Mejor Actriz y Mejor Actor revelación.
– Mostra de Cinema Llatinoamericà de Catalunya 2015: Mejor Película
– Festival de Cine de Jerusalén 2014: Premio FIPRESCI
– AFI Fest (Los Ángeles) 2014: Premio del Público – Festival Internacional de Cine de Los Cabos 2014: Mejor Película – Festival Internacional de Cine de Bombay 2014: Gran Premio del Jurado – Festival de Cine de Morelia 2014: Mejor Opera Prima, Mejor Actor, Premio de la Crítica y Premio del Público.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Jueves 30 de abril de 2015*
MANDARINAS (Mandariinid, Zaza Urushadze, 2013) *****
Estonia / Georgia. Duración: 87 min. Guión: Zaza Urushadze. Música: Niaz Diasamidze. Fotografía: Rein Kotov. Productora: Allfilm / Georgian Film. Género: Drama.
Reparto: Lembit Ulfsak, Giorgi Nakashidze, Misha Meskhi, Elmo Nüganen, Raivo Trass.
Sinopsis: En 1990 estalla la guerra en una provincia georgiana que busca la independencia. Ivo, un estonio, decide quedarse, a diferencia del resto de sus compatriotas, para ayudar a su amigo Margus con la cosecha de mandarinas. Durante un combate que se produce cerca de su granja, sobrevivirán dos combatientes, que pertenecen a distintos bandos y de cuyos cuidados se hará cargo Ivo.
Que la guerra es una estupidez y una estéril lucha de intereses disfrazada con el llamativo color de las banderas y otros cantos de sirena, es algo que el cine ya nos viene recordando desde sus inicios. Tan solo cabe recordar obras de arte como Sin novedad en el frente (All Quiet on the Western Front, Lewis Milestone, 1930) o Senderos de gloria (Paths of Glory, Stanley Kubrick, 1957), por citar tan solo dos. Pero nunca está de más recordarlo. Y eso es lo que propone, desde la sencillez, Mandarinas, film que nos narra como las obligada convivencia entre enemigos puede terminar rebelando que es más lo que nos une que lo que nos separa. ¿Recuerdan Infierno en el Pacífico (Hell in the Pacific, John Boorman, 1968) o la mucho más reciente Perdidos en la nieve (Into the White, Peter Naes, 2012)?, pues por ahí van los tiros pero poniendo hincapié en el personal civil. En esos héroes cotidianos a los que no se les erigen monumentos si se les otorgan condecoraciones.
Y no se espanten ante la procedencia del filme, ya que Mandarinas, a pesar de su sensibilidad eslava, no está exenta de sutil humor, a pesar de no sortear cuestiones como la luche de religiones. Y todo ello sin recurrir a huecos sentimentalismos. Totalmente recomendable.
- Premios
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2014: Premios Oscar: Nominada a Mejor película de habla no inglesa2014: Globos de Oro: Nominada a Mejor película de habla no inglesa2014: Satellite Awards: Mejor película de habla no inglesa
DIFRET (Zeresenay Mehari, 2014) *****
Etiopía / Estados Unidos. Duración: 99 min. Guión: Zeresenay Mehari. Música: David Schommer, David Eggar. Fotografía: Monika Lenczewska. Productora: Haile Addis Pictures. Género: Drama.
Reparto: Meron Getnet, Tizita Hagere, Haregewine Assefa, Brook Sheferaw, Mekonen Laeake, Meaza Tekle.
Sinopsis: En Adis Abeba, la abogada Meaza Ashenafi (Meron Getnet) ha creado una red de ayuda a mujeres y niños pobres que necesiten la ayuda de un letrado. Se enfrenta a un hostigamiento constante por parte de la policía y del gobierno. Aun así, se atreve a defender a Hirut (Tizita Agere), una chica de 14 años a la que secuestraron y violaron cuando regresaba del colegio y que consiguió matar a su raptor antes de escapar. A pesar de haber actuado en defensa propia, Hirut puede ser condenada a la pena de muerte, ya que en la Etiopía rural sigue existiendo el “telefa” o matrimonio por rapto.
DIFRET es la primera película del realizador etíope Zeresenay Berhane Mehari y trata sobre una de las tradiciones más ancestrales de Etiopía, el “telefa” o la costumbre de raptar a niñas para casarse con ellas. Ganó el Premio del Público de la sección Panorama del Festival de Cine de Berlín y previamente, el Premio del Público del Festival Internacional de Cine de Sundance. Fue precisamente poco antes del estreno de DIFRET en el Festival de Sundance 2014, cuando el director y los productores recibieron la gran noticia de que Angelina Jolie se había unido a los productores ejecutivos. Por mediación de amigos comunes, la actriz vio la película sin terminar, le encantó y llamó al director para decirle que quería ayudarles como fuera. De esta manera, se convirtió en productora ejecutiva durante la postproducción.LECCIONES DE AMOR (Words and Pictures, Fred Schepisi, 2014)
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USA, 111 min. Guión: Gerald DiPego. Música: Paul Grabowsky Fotografía: Ian Baker. Productora: Latitude Productions / Lascaux Films. Género: Comedia.
Reparto: Clide Owen, Juliette Binoche, Keegan Connor Tracy, Bruce Davison, Adam DiMarco, Janet Kidder, Valerie Tian, David Lewis, Eva Bourne.
Sinopsis: Jack (Clive Owen) es un carismático profesor de inglés que tiene problemas de alcohol y ha perdido su capacidad de escribir. Dina (Juliette Binoche) es una artista reconocida que lucha contra una enfermedad, que le impide pintar. Ambos ejercen de profesores en una institución elitista en Croyden (Nueva Inglaterra). Entre ambos se enciende una pequeña chispa, que pasará a ser pasión cuando se enfrenten para dirimir si son más importantes las palabras o las imágenes.
La cinta nos habla sobre la falta de inspiración y la imposibilidad de crear. Pero sobre todo nos muestra una historia de amor entre seres desencantados con aires de screwball comedy, mérito de los dos protagonistas, Owen y Binoche, que salvan al filme de naufragar. Y todo ello a pesar de que el personaje que encarna Juliette Binoche resulta a veces un tanto antipático. La película se atasca en algún momento cercano a su desenlace, pero no deja de ser un agradable entretenimiento gracias a sus dos protagonistas.
POS ESO (Sam, 2014) *****
España. 81 min. Guión: Samuel Ortí Martí (AKA Sam), Rubén Ontiveros. Música: Aritz Villodas. Fotografía: Nestor De Les. Productora: Basque Films / Conflictivos Productions. Género: Comedia de animación.
Sinopsis: La Trini, bailaora mundialmente conocida, abandonó los tablaos sumida en una gran depresión desde que su esposo, el gran mataor de toros Gregorio, muriese en un 
accidente doméstico. Damián, su hijo de 8 años, ha empezado a dar signos de una rebeldía que roza la demencia. Ningún médico, psicólogo o psiquiatra puede explicar el comportamiento del crío, conducta que irá empeorando hasta tal extremo que será necesaria una explicación sobrenatural a su estado. Esta situación pone a la Trini al borde de los nervios, quien decide contactar con el Padre Lenin, cura vasco repudiado por la Iglesia que está atravesando una crisis de fe; pero tal como todas las señales indican, es él la única esperanza de devolver la tranquilidad a tan maltrecha familia.
Pos Eso es el primer largometraje de animación stop motion de Sam tras el exitoso corto Vicenta (2010), que llegó a estar nominado a los Goya. Un detallado trabajo de artesanía que cuida tanto los fondos como a los personajes principales, a los que prestan su voz, entre otros, Santiago Segura, Carlos Areces, Álex Angulo, Anabel Alonso y Mariví Bilbao. Exorcismos, folklore, toreros y mucho humor con gotas de actualidad bizarra y guiños cinéfilos para un apabullante film repleto de humor que obtuvo una merecida mención especial del jurado en el Festival de Sitges.
WALKING ON SUNSHINE (Max Giwa y Dania Pasquini, 2014) *****
UK. Duración: 97 min. Guión: Joshua St Johnston. Música: Anne Dudley. Fotografía: Philipp Blaubach. Productora: Vertigo Films / IM Global. Género: Musical.
Reparto: Greg Wise, Joelle Koissi, Leona Lewis, Annabel Scholey, Adrian Palmer, Hannah Arterton, Shane Salter, Val Monk, Terry Noble, Susan Fordham, Katy Brand.
Sinopsis: Maddie (Annabel Scholey) está decidida a organizar su boda con Raf (Giulio Berruti), su prometido e invita a su hermana Taylor (Hanna Arterton) sin saber que ambos tuvieron una relación amorosa tiempo atrás.
Otro musical llegado de Inglaterra repleto de hits de los ochenta pero que no pasa de sonrojante. Tan solo recomendable para completistas del género y masoquistas que quieran pasar un buen e intenso rato.
ASTÉRIX: LA RESIDENCIA DE LOS DIOSES (Astérix: Le domaine des dieux, Louis Cliché y Alexandre Astier, 2014)*****
Francia. Duración: 82 min. Guión: Alexandre Astier (Cómic: Rene Goscinny, Albert Uderzo) Música: Hubert Cornet. Productora: SND / M6. Género: Comedia de animación.
Sinopsis: Estamos en el año 50 A.C. Toda la Galia está ocupada por los romanos… ¿Toda? ¡No! Una aldea poblada por irreductibles galos resiste todavía y detienen siempre al invasor. Exasperado por la situación, Julio César decide cambiar de táctica: como sus ejércitos han sido incapaces de imponerse por la fuerza, será la misma civilización romana la que se encargará de seducir a los bárbaros galos. Para ello, ordenará construir al lado de la aldea una lujosa residencia para romanos: “la residencia de los Dioses”. ¿Podrán nuestros amigos galos resistirse a la tentación del dinero y el confort romano? Astérix y Obélix tendrán que esforzarse para frustrar los planes del César.
Tras producciones de dibujos animados e imagen real, las aventuras de Astérix vuelven a la pantalla en animación 3D, un formato ideal para este tipo de adaptaciones basadas en personajes de cómic, como han demostrado los recientes estrenos de Doraemon e incluso Mortadelo y Filemón en este tipo de animación.
Astérix. La residencia de los dioses, adapta con éxito el cómic original de Uderzo y Goscinny, manteniendo el humor y el encanto de los personajes con una animación nada apabullante, limpia y brillante. No en vano Louis Cliché, uno de sus directores, proviene del mundo de la animación habiendo trabajado en reconocidos éxitos como Up (2009) y Wall-e (2008). Sin duda se trata de un plan ideal para el público de todas las edades, que no enfurecerá a los puristas de los personajes originales.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 24 de abril de 2015*
LA FAMILIA BÉLIER (La Famille Bélier, Eric Lartigau, 2014) *****
Francia / Bélgica. Duración: 105 min. Guión: Victoria Bedos, Thomas Bidegain, Eric Lartigau. Música: Evgueni Galperine, Sacha Galperine. Fotografía: Romain Winding. Productora: Jerico / Mars Films / France 2 Cinéma. Género: comedia.
Reparto: Louane Emera, Karin Viard, François Damiens, Roxane Duran, Mar Sodupe, Eric Elmosnino, Ilian Bergala, Luca Gelberg, Clémence Lassalas.
Sinopsis: Todos los miembros de la familia Belier son sordos excepto Paula de 16 años. Ella es la intérprete esencial para sus padres todos los días, especialmente en lo que respecta al 
funcionamiento de la granja de la familia. Un día, alentada por su profesor de música que ha descubierto su talento para el canto, decide prepararse para la audición del Coro de Radio France. Una elección que la obliga a distanciarse de su familia y a crecer.
Siguen llegando comedias francesas a nuestras pantallas, lo cual no nos parece mal, muy al contrario ya que, en su mayoría, resultan cuanto menos agradables. En este caso nos encontramos ante una que, para variar, esta ambientada lejos de ambientes acomodados y se ha localizado en el medio rural, que es donde vive la familia Bélier, protagonista de una simpática trama excepcionalmente interpretada y que nos mantiene con la sonrisa durante todo el metraje. Entre todos sus actores destaca la joven Louane Emera, concursante de la edición francesa de ‘La Voz’ que debuta con esta cinta y que fue merecedora del premio César a la mejor actriz revelación. Una cinta simpática con la que pasar un buen rato, que no es poco.
GIRLHOOD (Bande de Filles, Céline Sciamma, 2014) *****
Francia (113’) Guión: Céline Sciamma. Música: Jean-Baptiste de Laubier. Fotografía: Crystel Fournier. Género: Drama.
Reparto: Diabate Idrissa, Rabah Nait Oufella, Tatiana Rojo, Karidja Touré, Assa Sylla, Lindsay Karamoh, Mariétou Touré, Idrissa Diabaté, Simina Soumaré, Dielika Coulibaly, Cyril Mendy.
Sinopsis: Para Marieme (Karidja Touré), la vida es una sucesión de prohibiciones. Se siente agobiada por su familia (en especial por su hermano), por la escuela y por la implacable ley de los chicos del barrio. Pero su vida cambia cuando conoce a un grupo de chicas de espíritu libre. 
Entonces cambia su nombre, su modo de vestir y abandona la escuela para ser aceptada en el grupo. Convertida en Vic, abraza el código de la calle donde se mezclan violencia, amistad y libertad.
Con Girlhood, Céline Sciamma completa una trilogía dedicada al complejo mundo de la niñez y la adolescencia que inició con su primer film, Lirios de agua, seleccionado en la sección Un certain regard en Cannes (2007) y en más de treinta festivales más. Aunque fue con la sorprendente Tomboy con la que Sciamma tocó el cielo, obteniendo un gran éxito de crítica y público. Ahora con Girlhood, la directora nos introduce en la parte más descorazonadora de la compleja adolescencia de unas jóvenes de extrarradio, situando su historia en un barrio marginal de Francia, como en el que creció la propia Scianma. Veremos como de la soledad y la inseguridad, la protagonista pasará a afirmarse en el seno de una banda, para terminar topándose de cara con la realidad y las -escasas- posibilidades que la vida le ofrece. Brillantemente rodada, es casi como un documental en cuyo tono contribuye, sin lugar a duda, su excelente reparto compuesto por jóvenes de entre 14 y 20 años sin experiencia previa en el mundo de la interpretación, que fueron seleccionadas tras un casting de cuatro meses por calles, centros comerciales y parques de atracciones de París y alrededores. Habrá que seguir de cerca la interesante carrera de Céline Sciamma, que parece confirmarse con este agridulce film.
MURIERON POR ENCIMA DE SUS POSIBILIDADES (Isaki Lacuesta, 2014) *****
España. 100 min. Guión: Isaki Lacuesta. Fotografía: Diego Dussuel, Marc Gómez del Moral. Productora: Versus Entertainment / Sentido Films. Género: Comedia
Reparto: Raúl Arévalo, Imanol Arias, José Coronado, Eduard Fernández, Ariadna Gil, Sergi López, Carmen Machi, Ángela Molina, Àlex Monner, Albert Pla, Josep Maria Pou, Pau Riba, José Sacristán, Jaume Sisa, Emma Suárez, Ivan Telefunken, Luis Tosar, Jordi Vilches, Julián Villagrán.
Sinopsis: Cinco ciudadanos de un país sospechosamente parecido al nuestro, ven destrozadas sus vidas por la crisis económica y terminan en el manicomio, donde se conocen y elaboran un plan para salvar la economía: secuestrar al presidente del Banco Central y exigirle que todo vuelva a ser como antes.
La que puede ser la comedia española más inteligente de la temporada, auténtica patada en las partes a los responsables de la crisis que nos ha tocado vivir (o al menos pataleta con la que hacernos unas risas a su costa) va naufragando conforme se va acercando al final a pesar de una primera parte realmente buena. A la buena marcha contribuyen sin duda los protagonistas, especialmente unos muy locos Albert Pla y Jordi Vilches. El resto del reparto está compuesto por muchos nombres conocidos, que demuestran su sentido del humor al haber formado parte de esta película de Isaki Lacuesta, un director batallado en diversos géneros, especialmente en el documental (como el interesante La noche que no acaba, que nos habla de las estancias de Ava Gardner en España) y que aborda esta comedia negra contando entre sus actores con Sergi López y Emma Suarez, protagonistas del próximo filme del director, el thriller La propera pell. A pesar de no haber cohesionado los elementos como se hubiera merecido la historia, el film es recomendable por su humor, su mala leche y sus dosis de incorrección política, que tanto se echan en falta en estos tiempos.
VAMOS DE ESTRENO (o no) *Viernes 17 de abril de 2015*
LA OVEJA SHAUN. LA PELÍCULA (Shaun the Sheep: The Movie, Richard Starzak y Mark Burton, 2015)
UK /Francia. Duración: 85 min. Guión: Richard Starzak, Mark Burton. Fotografía: Charles Copping, Dave Alex Riddett. Productora: Aardman Animations / Studiocanal. Género: Comedia.
Sinopsis: Shaun y sus compañeras de la granja están hartas de la monotonía, así que organizan un plan para descansar un día. Pero todo terminará mal y tendrán que ir a la ciudad para rescatar al granjero que las cuida.
Se trata de la adaptación en formato largometraje de la serie homónima realizada mediante el procedimiento stop motion.
Crítica completa aquí.
UNA NOCHE PARA SOBREVIVIR (Run all Night, Jaume Collet-Serra, 2015) *****
USA. Duración: 114 min. Guión: Brad Ingelsby. Música: Alan Silvestri. Fotografía: Martin Ruhe. Productora: Warner Bros. Pictures / Energy Entertainment / Vertigo Entertainment. Género: Thriller.
Reparto: Liam Neeson, Joel Kinnaman, Ed Harris, Vincent D’Onofrio, Genesis Rodriguez, Boyd Holbrook, Holt McCallany, Malcolm Goddwin, James Martinez.
Sinopsis: El mafioso y prolífico sicario de Brooklyn Jimmy Conlon (Neeson), que antes era conocido como El Cavatumbas, ha tenido mejores épocas. Jimmy, que 
ahora tiene 55 años, se siente perseguido por los pecados de su pasado, así como por el detective de policía (D’Onofrio) que lleva 30 años detrás de él. Pero cuando el hijo de Jimmy, Mike (Kinnaman), que vive alejado de su padre, se convierte en el objetivo de su jefe y amigo de toda la vida, Shawn Maguire (Harris), Jimmy tiene que elegir entre la familia de criminales a la que había escogido pertenecer y su familia auténtica, a la que había abandonado hacía mucho tiempo.
De nuevo Liam Neeson en un filme de acción, y de nuevo bajo la batuta de Jaume Collet-Serra tras Sin identidad (2011) y Non-Stop (2014). Tras comenzar su carrera con el cine de terror, Serra parece haberse adaptado a la perfección a los parámetros del cine de acción Made in USA. Una noche para sobrevivir es un emocionante thriller con conexiones con la mafia irlandesa rodado a toda velocidad en un New York con panorámicas (que a veces se convierten en auténticos barridos) y travellings vertiginosos, pasando así la propia ciudad a formar parte de la historia como uno de sus más importantes personajes. El grueso de la acción se desarrolla durante una noche, en plena carrera frenética por esa ciudad que nunca duerme. Una carrera que terminará redimiendo al asesino que fue Neeson, que también se reencontrará con el hijo que abandonó.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 10 de abril de 2015 *
EL CAPITAL HUMANO (Il Capitale Umano, Paolo Virzi, 2013) *****
Italia / Francia. Duración: 109 min. Guión: Paolo Virzì, Francesco Bruni, Francesco Piccolo (Novela: Stephen Amidon). Música: Carlo Virzì. Fotografía: Jérôme Alméras, Simon Beaufils. Indiana Production Company. Género: Drama social.
Reparto: Valeria Bruni Tedeschi, Fabrizio Bentivoglio, Valeria Golino, Fabrizio Gifuni, Luigi Lo Cascio, Giovanni Anzaldo, Matilde Gioli, Guglielmo Pinelli.
Sinopsis: En la víspera del día de Navidad, un ciclista topa de noche con un lujoso todoterreno. El desgraciado accidente cambiará el destino de dos familias: la del millonario Giovanni Bernaschi, un gran especulador de las finanzas, creador de un fondo que promete un 40 por ciento de interés anual atrayendo y esquilmando a los crédulos inversores, y la de Dino Ossola, un ambicioso agente inmobiliario cuya empresa está al borde de la quiebra.
Mostrando la misma acción narrada desde los tres puntos de vista que confluyen en ella, deconstruyendo el tiempo, Virzi nos ofrece una certera radiografía en forma de parábola de la crisis actual. Quienes acaban pagando los platos rotos por los poderosos, irremediablemente, son las capas más bajas; los servidores de esos privilegiados, que no solo causan esa crisis, a costa de las clases humildes, sino que no dudan en obtener beneficios de la situación, en la que se mantienen totalmente permeables. Una elegante denuncia, no exenta de humor, que deja un pequeño resquicio de esperanza en forma de historia de amor.
- Premios
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2013: 7 Premios David di Donatello, incluyendo mejor película2014: Festival de Tribeca: Mejor actriz (Valeria Bruni Tedeschi)2014: Premios del Cine Europeo: Nominada a mejor director y actriz (Bruni)2014: Festival de Sevilla: Premio del Público
AGUAS TRANQUILAS (Still the Water/Futatsume no Mado, Naomi Kawase, 2014) *****
Japón / España / Francia. Duración: 121′. Guión: Naomi Kawase. Música: Hasiken. Fotografía: Yutaka Yamazaki.
Reparto: Nijiro Murakami Jun Yoshinaga, Makiko Watanabe, Hideo Sakaki, Tetta Sugimoto, Miyuki Matsuda, Jun Murakami, Fujio Tokita. Drama rural.
Sinopsis: Los habitantes de la isla de Amami, viven en armonía con la naturaleza, para ellos en cada árbol, cada piedra y cada planta vive un dios. Durante la noche de las danzas tradicionales de luna llena del mes de agosto, el joven de 16 años Kaito (Nijiro Murakami) descubre un cadáver flotando en el mar. Su amiga Kyoko (Jun Yoshinaga) trata de ayudarle a desentrañar este misterioso descubrimiento. Juntos, Kaito y Kyoko aprenderán a ser adultos experimentando los ciclos entrelazados de la vida, la muerte y el amor.
«La mer, la mer, toujours recommencé». Un mar encabritado y majestuoso deja paso en el siguiente plano al degüello de un cordero, la cámara de Naomi Kawase se entretiene en los detalles retratados con una fotografía preciosista. Estamos ante el espectáculo de la naturaleza, un espectáculo que provoca temblor. El temblor de la fascinación y el sobrecogimiento. La naturaleza es desafío y templo. Y el hombre se mueve entre la aceptación y la extrañeza.
Kyoko fluye en el mar, ha nacido en sus orillas; Kaito, trasplantado desde la ciudad por la ruptura de sus padres, ve el mar como un espacio hostil. Los dos adolescentes enfrentarán juntos la muerte que les envuelve, el misterioso cadáver flotante, la enfermedad terminal de la madre de la joven. Están madurando, dejando atrás la niñez, su amor naciente les habrá de conducir hacia el descubrimiento de como aceptar la muerte es tanto como afirmar la vida.
Kawase aborda este relato de crecimiento desde el lirismo, su película es una canto a las emociones y los sentimientos. En sus manos la naturaleza toma carácter de personaje, el más omnipresente, además; aquel que soporta todo el entramado dramático, pues es el contrapunto de las evoluciones del resto. Es en la escena del fallecimiento de la madre de Kyoko donde la película alcanza su cénit y la estrategia narrativa se muestra más patente, con esa grúa que se eleva desde la casa hasta la copa de los árboles que la envuelven como si quisiera señalarnos que la muerte no es más que un paso hacia la integración con el cosmos. Nada termina, todo es fluir constante. Como esas olas, como ese mar eternamente recomenzado.
EL ÚLTIMO LOBO (Wolf Totem, Jean Jacques Annaud, 2014) *****
China / Francia. Guión: John Collee, Lu Wei, Jean-Jacques Annaud (Novela: Jiang Rong). Música: James Horner. Fotografía: Jean-Marie Dreujou. Productora: China Film / Beijing Forbidden City Film / Reperage. Género: Drama.
Reparto: Feng Shaofeng, Shawn Dou, Ankhhyam Ragchaa, Yin Zhusheng, Basen Zhabu.
Sinopsis: Narra la historia de un joven estudiante de Beijing llamado Chen Zhen que, en 1967, es enviado por el régimen a vivir entre los pastores nómadas de Mongolia Interior. Chen 
tiene mucho que aprender sobre la vida en esta tierra infinita, hostil y vertiginosa, sobre la noción de comunidad, de libertad y de responsabilidad, y sobre la criatura más temida y venerada de las estepas: el lobo. Seducido por la compleja y casi mística relación entre estas criaturas sagradas y los pastores, capturará una cría de lobo con la idea de domesticarlo. Pero el modo de vida tradicional de la tribu se verá amenazada cuando la avaricia del hombre despoje a los lobos de su alimento.
El último lobo tiene mucho en común con otro de los filmes del director francés: El oso (L’ours, 1988), con la que comparte belleza y mensaje ecologista. En ambas el hombre es el gran depredador de la naturaleza, aunque en El último lobo no sale tan mal parado, ya que distingue entre la dignidad y pureza de los componentes de las tribus mongolas y los egoistas chinos de la ciudad: Los sabios nómadas saben que han de respetar el hábitat si no quieren que el lobo acabe vengándose y buscando alimento en sus poblados; mientras que el necio funcionariado chino coloniza el terreno sin respetar el milenario equilibrio. Pero más allá de la lección ecologista, el filme es el relato de crecimiento de su protagonista, el estudiante idealista que proveniente de la ciudad adoptará un lobo y se adaptará al modo de vida de los últimos mongoles, todo ello en un escenario de gran belleza plástica que, por si solo, ya justifica el disfrute de este filme como simple espectáculo visual.
LA DAMA DE ORO (Woman in Gold, Simon Curtis, 2015) *****
UK / USA. Duración: 107 min. Guión: Alexi Kaye Campbell. Música: Martin Phipps, Hans Zimmer. Fotografía: Ross Emery. Productora: BBC Films / Origin Pictures. Género: Drama.
Reparto: Helen Mirren, Tatiana Maslany, Ryan Reynolds, Charles Dance, Katie Holmes, Antje Traue, Max Irons, Daniel Brühl, Elizabeth McGovern, Jonathan Pryce, Tom Schilling.
Sinopsis: El filme relata la lucha de Maria Altmann (Helen Mirren), una mujer judía que tras huir de Viena durante la Segunda Guerra Mundial, emprende un viaje para reclamar las posesiones que los nazis confiscaron a su familia, entre ellas la célebre obra de Gustav Klimt ‘Retrato de Adele Bloch-Bauer I’. El joven abogado Randy Schoenberg (Ryan Reynolds) la acompañará en esta lucha.
Esta historia verídica tiene un muy buen arranque y un tono en el que tiene mucho que ver la química alcanzada entre los dos actores protagonistas, Helen Mirren y Ryan Reynolds, pero la magia se va deshinchando conforme la trama se va enredando en lugares comunes buscando siempre el sentimentalismo y consiguiendo que, progresivamente, vayamos perdiendo el interés, lo que es toda una lástima, ya que el punto de partida resulta atractivo.
LA CASA DEL TEJADO ROJO (Chiisai Ouchi, Yôji Yamada, 2014)*****
Japón. Duración: 136 min. Guión: Yôji Yamada, Emiko Hiramatsu (Novela: Kyoko Nakajima)Música: Joe Hisaishi. Fotografía: Masashi Chikamori. Género: Drama.
Reparto: Takako Matsu, Haru Kuroki, Hidetaka Yoshioka Satoshi Tsumabuki, Chieko Baisho, Takataro Kataoka.
Sinopsis: La historia comienza cuando Takeshi encuentra una colección de diarios que escribió su difunta tía Taki Nunomiya. A través de esos íntimos escritos, tanto el joven Takeshi como el espectador van conociendo la realidad que vivió la familia antes del estallido de la II Guerra Mundial.
La historia, pues, transcurre en dos épocas. La primera empieza en 1935 y acaba inmediatamente después de la II Guerra Mundial, y la segunda, entre 2000 y 2009. Va y viene entre ambas en un relato tan extenso como realista. El primer periodo podría describirse como “Showa moderno”, un tiempo único y lleno de colorido durante la era Showa (1926-1989), en la que la cultura japonesa asimiló numerosas influencias occidentales. Se oía jazz y canciones francesas; el art déco y el art nouveau fueron importados de Estados Unidos y adoptados con entusiasmo. El cine pasó de mudo a sonoro, y empezaba la era dorada de Hollywood. Mientras tanto, en segundo plano, detrás de aquellos días de paz y brillantez, la sombra militarista crecía al tiempo que Japón escogía el camino de la guerra.
El cineasta japonés Yoji Yamada, que nos ha entregado notables obras durante su larga carrera, se aventura en un terreno desconocido para él en su 82ª película como director. El guion está basado en la novela superventas de Kyoko Nakajima, Chiisai ouchi, ganadora del Premio Naoki en 2010. Hace cincuenta años que Yoji Yamada describe las relaciones familiares en sus películas, pero esta vez toca un tema nuevo: los secretos de familia. Con esa perspicaz mirada suya que tanto le ha servido, se adentra en el corazón humano con la esperanza de mostrar qué esconde.
Delicadeza y una forma de narrar como tan solo podemos hallar en el cine japonés. Una obra notable.
- Premios
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2014: Festival de Berlín: Mejor actriz (Haru Kuroki)
Serendipia
Proyecto Naschy 
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