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VAMOS DE ESTRENO (o no) *Viernes 22 de mayo de 2015*
LAZOS DE SANGRE (Blood Ties, Guillaume Canet, 2013) *****
Francia/ Estados Unidos. Duración: 127 min. Guión: Guillaume Canet, James Gray (Historia: Jacques Maillot). Fotografía: Christophe Offenstein.
Reparto: Clive Owen, Billy Crudup, Marion Cotillard, Zoe Saldana, Mila Kunis, James Caan, Matthias Schoenaerts, Noah Emmerich, Lili Taylor.
Sinopsis: Chris Pierzynski (Clide Owen) sale de prisión tras cumplir una condena de varios años. Su hermano pequeño Frank (Billy Crudup), agente de policía, lo espera con reticencia a la salida de la cárcel. Chris y Frank siempre han tenido sus más y sus menos, pero sin embargo, sus lazos de sangre los unen y, por ello, Frank da una oportunidad a su hermano ayudándole a integrarse en la sociedad. Pero pronto su pasado llamará de nuevo a su puerta y Chris volverá a tomar la senda del crimen, algo que Frank no está dispuesto a permitir.
Lazos de sangre es un remake a la americana del largometraje francés Liens de sang (2008) de Jacques Maillot. La operación, a falta de ver el original, ha sido un éxito, o al menos la historia encaja perfectamente en el New York de los años setenta. Unos setenta muy bien recreados, no tan solo en vestuario y ambientación, sino también por la propia fotografía del filme, sombría, que nos retrotrae a películas de aquella época. No en vano algunas críticas han descrito esta cinta como una historia que podría haber rodado Scorsese o Sidney Lumet en los años 70. Con todo el filme resulta lento en algún momento y peca de exceso de metraje, pero mantiene el suficiente interés como para pasar un buen rato con él. El que su argumento no resulte nada original y que la forma de narrarlo sea lineal, conforma un valor añadido a Lazos de sangre. Es atractiva por su sencillez. Digerible, digestiva y bien narrada (aunque en algún momento el espectador tenga la sensación de haberse perdido algo).
En su magnífico reparto destacan, además de los dos protagonistas, Clive Owen y Billy Crudup, la atareada Mila Kunis, Lili Taylor y el veterano James Caan.
- Premios
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2013: Festival de Cannes: Sección oficial fuera de concurso (Un Certain Regard)2013: Festival de Toronto (TIFF): Nominada al Premio del Público (Mejor película)
CAZA AL ASESINO (The Gunman, Pierre Morel, 2015) *****
Javier Bardem y Idris Elba encabezan junto a Sean Penn este reparto de lujo, que cuenta también con Ray Winstone, Mark Rylance y Jasmine Trinca, entre otros. El filme está dirigido por Pierre Morel, responsable de la exitosa saga de acción Venganza, y producida por Silver Pictures, artífices de películas de acción tan icónicas como Matrix, Arma Letal y el reciente éxito Non-Stop de Jaume Collet Serra. Su guión adapta la novela francesa La Position du Tireur Couche de Jean-Patrick Manchette, un auténtico referente en la novela negra francesa, que el prestigioso historietista Jacques Tardi adaptó en su novela gráfica Cuerpo a Tierra.
52 MARTES (52 Tuesdays, Sophie Hyde, 2013) *****
Australia. Duración: 109 min. Guión: Matthew Cormack, Sophie Hyde. Música: Benjamin Speed. Fotografía: Bryan Mason. Productora: Closer Productions. Género: Drama.
Reparto: Tilda Cobham-Hervey, Del Herbert-Jane, Beau Travis Williams, Imogen Archer, Mario Spate, Sam Althuizen, Danica Moors.
Sinopsis: La madre de Billie, una chica de 16 años, va a someterse a una operación de cambio de sexo. Durante el tiempo que dure el proceso ésta le pide que sólo se vean los martes por la tarde.
Es inevitable ver el primer largo de ficción de Sophie Hyde bajo la estela de Boyhood (y ello aunque la australiana se estrenara un año antes), porque lo primero que nos llama la atención es la apuesta temporal de la cinta. Efectivamente, la película fue rodada durante los 52 martes consecutivos que le dan título. Un año de rodaje para retratar la evolución de la transformación de los personajes en tiempo casi real. Y en un esfuerzo por lograr el más difícil todavía, Hyde eligió trabajar con interpretes no profesionales a los que dirigió sin guión previo (sólo unas cuantas directrices). Todas estas decisiones formales la convierten en una película arriesgada y auténtica a partes iguales.
El riesgo en la forma se ve acompañado por la elección de una temática igualmente atrevida (cosa de la que carece Boyhood, por ejemplo): la transexualidad femenina, que agudiza la crisis de identidad que viven los personajes. Porque 52 martes es un relato de crecimiento, nos enfrenta una vez más a la crisis de la adolescencia en la que todos vemos quebrar el suelo sólido de la infancia sin que hayan llegado aún los puntos de anclaje de la edad adulta. Un adolescente se mueve en terreno de nadie en busca de su propio yo.
La búsqueda adolescente es un motivo recurrente en nuestro imaginario, la novedad que aporta Hyde es la de rodearlo con la redefinición 
de la propia madre. Así, el conflicto es doble porque al despertar sexual de la joven se le suma la readaptación de la sexualidad de la madre, un choque de trenes que tira por tierra todos los umbrales de seguridad y pone las emociones al límite.
Ahí, en el terreno de las emociones es donde mejor funciona 52 martes y su elección formal, la cinta se convierte en un collage impresionista que se manifiesta como el mejor vehículo para la exposición del tema. Para construir el relato la directora juega con tres tipos de imágenes: de archivo, ilustrando lo que ocurrió en el mundo durante esas 52 semanas; las de las dos protagonistas que graban con sus cámaras sus experiencias, sentimientos y el avance de la transición; y las tradicionales de una película de ficción. La superposición de esos tres círculos (que tienen algo de concéntricos) construye la historia en todos sus planos, desde el más social al más íntimo, sin que nada se le escape. La película tiene mucho de testimonial, sin dejar en ningún momento de ser ficción, consigue vestirse con ropajes documentales, siendo, quizás, lo más relevante de esta producción la naturalidad y sinceridad del retrato de sus protagonistas y unos meritorios trabajos actorales en los que hay que destacar sobre todo el de la joven Tilda Cobham-Hervey (la única que ha seguido dedicándose a la interpretación).
Sin duda estamos ante un filme suficientemente interesante como para ser recomendable su visión.
POLTERGEIST (Gil Kenan, 2015) *****
USA. Duración: 93 min. Guión: David Lindsay-Abaire. Música: Marc Streitenfeld. Fotografía: Javier Aguirresarobe. Productora: Fox 2000 Pictures / Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) / Ghost House Pictures. Género: Terror.
Reparto: Kennedi Clements, Sam Rockwell, Rosemarie DeWitt, Kyle Catlett, Jared Harris, Nicholas Braun, Jane Adams, Saxon Sharbino, Susan Hewyard.
Sinopsis: El legendario realizador Sam Raimi y el director Gil Kenan ponen al día el clásico relato de una familia cuya casa está habitada por fuerzas malignas. Descubrirán que está edificada encima de un antiguo cementerio. Cuando las aterradoras apariciones intensifican sus ataques y capturan a la hija más pequeña, la familia debe unirse para rescatarla antes de que desaparezca para siempre.
En estos tiempos de remakes dentro del cine fantástico, era cuestión de tiempo el que le llegara el turno a Poltergeits, a lo que no es ajeno el éxito obtenido por James Wan con su actualización de los viejos filmes de fantasmas y casas embrujadas. Y es que este nuevo Poltergeist, dirigido por Gil Kenan, realizador experimentando en cine fantástico, se mira más en Expediente Warren (The Conjuring, 2013) o Insidious (2010) que en el filme de Tobe Hooper (y Spielberg) de 1982. Aunque eso no significa que no recurra a las imágenes iconográficas del filme original, aunque, eso sí, con televisión de plasma y tecnología digital presente. El director no se anda por las ramas (bueno, en algunos momentos sí, como podrán ver) y va directo al hueso, entrando en una montaña rusa de sustos apoyados con eficaces efectos sonoros que harán saltar a más de un@ de la butaca. Casi no hay tiempo para la intriga ni para el desasosiego y en el tren de la bruja caben hasta los muñecos-payaso mal rollistas; secuencias protagonizadas por taladros que nos hacen añorar, una vez más, a Lucio Fulci; o un estrafalario y televisivo médium (Jared Harris) más cercano al profesor Cavan que a la entrañable Zelda Rubinstein que, por cierto, está interpretado por un actor que ya tuvo que vérselas con espíritus malignos en El estigma del mal (The Quiet One, John Pogue, 2014)
Pero no sean muy severos, olvídense del nombre del film, de que es un remake, no revisen el original ni busquen diferencias, semejanzas o carencias. Este Poltergeist funciona como película de sustos mainstream con la que pasar un buen/mal rato.
Por cierto, después de esto… ¿Volverán a abrirse las puertas de la vieja casa de Amitville?
LO MEJOR PARA ELLA (Black and White, Mike Binder, 2014) *****
Producto perfectamente diseñado para agradar al público mayoritario, como la música New Age o la Coca-Cola. Dosis de drama y de comedia con unas gotas de película de juicios… todo ello en un filme totalmente convencional, políticamente correcto y desarrollado, como va siendo habitual en este tipo de historias amables, en un ambiente acomodado. Ni siquiera las interpretaciones de sus protagonistas logran sacar a flote este filme, que cuesta creer que esté basado en hechos reales. Sobre todo en los momentos en los que emerge de nosotros una peligrosa y punzante vergüenza ajena.
VAMOS DE ESTRENO (o no) *Viernes 15 de mayo*
LA PROFESORA DE HISTORIA (Les Heritiers, Marie-Castille Mention-Schaar, 2014)*****
Francia. 105′. Guión: Marie-Castille Mention-Schaar. Fotografía: Myriam Vinocour. Productora: Loma Nasha Films. Género: Drama.
Reparto: Ariane Ascaride, Ahmed Dramé, Geneviève Mnich, Xavier Maly, Martin Cannavo, Noémie Merlant, Stéphane Bak.
Sinopsis: Anne Gueguen (Ariane Ascaride), es una profesora de Historia de instituto que además se preocupa por los problemas de sus alumnos. Este año, como siempre, Anne tiene un grupo difícil. Frustrada por su materialismo y falta de ambición, Anne desafía a sus alumnos a participar en un concurso nacional sobre lo que significa ser adolescente en un 
campo de concentración nazi. Anne usa toda su energía y creatividad para captar la atención de sus alumnos y motivarlos. A medida que el plazo se acerca, los jóvenes comienzan a abrirse a los demás y a creer en sí mismos. Un proyecto que cambiará sus vidas.
Aunque la base argumental de este filme no resulta nada original, basta revisar Rebelión en las aulas (To Sir, with Love , James Clavell, 1967) o algunos de los filmes que proliferaron en los años cincuenta, con Semilla de maldad (Blackboard Jungle, Richard Brooks, 1955) en cabeza, que narraban el enfrentamiento entre los adolescentes rebeldes de los barrios marginales y el sistema educativo, caduco ante los cambios de hábitos y de vida de los jóvenes tras la 2ª Guerra Mundial, no por ello el filme que estamos comentando queda como simple reflejo de ellos, ya que a la rebeldía natural de los adolescentes, la directora ha añadido algunas muy actuales problemáticas que pueden encontrarse en los centros educativos franceses (y de todo el mundo), producto de la masiva emigración proveniente de las antiguas colonias. Así veremos cruzándose nerviosamente en la pantalla retazos de machismo o de violencia racista en unas clases en las que varias religiones deberán convivir en un frágil equilibrio. Pero como lo que se nos narra es un feliz historia real, podremos ver que es posible, con respeto y tolerancia hacia el prójimo, convivir con el otro e incluso trabajar por un bien común. Ariane Ascaride contagia simpatía y complicidad con su sabia mirada, tanto al espectador como a sus ficticios alumnos, interpretados por un competente grupo de jóvenes actores.
LA DEUDA (Oliver’s Deal, Barney Elliott, 2015) *****
USA / Perú / España. Duración: 99 min. Guión: Barney Elliott. Música: Jesús Díaz, Fletcher Ventura. Fotografía: Bjørn Ståle Bratberg. Productora: Atlantic Pictures / Viracocha Films / Arcadia Motion Pictures. Género: Thriller.
Reparto: Stephen Dorff, Alberto Ammann, Carlos Bardem, David Starthairn, Brooke Langton, Lucho Cáceres, Javier Valdez, Jesús Aranda, Nidia Bermejo, Paco Varela.
Sinopsis: Oliver Campbell (Stephen Dorff) un ambicioso hombre de negocios americano, junto a su viejo amigo peruano, Ricardo Cisneros (Alberto Ammann) 
pretende cerrar el trato de su vida. Ambos planean explotar una antigua y olvidada deuda que el gobierno peruano tiene con sus ciudadanos. Mientras pasan los meses envueltos en sus duras negociaciones y debido al acuerdo que el gobierno prepara, el sistema de salud peruano se reduce drásticamente y María (Elsa Olivero) tratará de conseguir por sus propios medios la cirugía que su madre necesita. Implacables en la consecución de su objetivo, Oliver y Ricardo descubren Pampacancha, un pueblo de la sierra peruana que considera su tierra el bien más preciado. Allí topan con un severo patriarca de una familia de agricultores y con el terrateniente Caravedo (Carlos Bardem) que tiene sus propios planes. La conciencia empieza a pesar sobre Ricardo Cisneros, y también, a su manera, sobre Oliver Campbell.
La justicia poética, la redención, la especulación, la implacable corrupción, los recortes presupuestarios, el poder… todo tiene cabida y se entremezcla en este filme en el que todos los protagonistas tienen un punto de mezquindad, unos por avaricia y otros por agotamiento ante la adversidad. Cine social con abundante luz y brillantes colores en la sierra peruana y ambiente gris y frío en los suburbios de la ciudad. Contrastes que terminan cruzándose en un filme en el que quizás falla su resolución, con esa redención un tanto forzada.
LA
CAUTIVOS (The Captive, Atom Egoyan, 2014)
Canadá. Duración: 113 min. Guión: Atom Egoyan, David Fraser. Música: Mychael Danna. Fotografía: Paul Sarossy. Productora: E1 Entertainment / Ego Film Arts / The Film Farm. Género: Thriller.
Reparto: Ryan Reynolds, Scott Speedman, Mireille Enos, Rosario Dawson, Bruce Greenwood, Kevin Durand, Alexia Fast, Peyton Kennedy, Brendan Gall.
Sinopsis: Ocho años después de la desaparición de Cassandra, algunos indicios perturbadores parecen indicar que aún está viva. La policía y sus padres intentan esclarecer el misterio de su desaparición.
(Crónica completa en este enlace)
Cautivos, un thriller gélido y opaco
Atom Egoyan y su última película eran una cita esperada en la anterior edición del Festival de Cannes. La crítica, sin embargo, fue prácticamente unánime: todos se sintieron decepcionados casi defraudados. Sólo Robbie Collin, comentarista del Telegraph, mantuvo una nota disonante en ese acorde común, para él The captive es la mejor película del autor en tiempos y le otorgaba a este thriller de secuestros, sutilmente opaco y de una frialdad mordiente en sus palabras, una puntuación de cuatro estrellas sobre cinco. Y yo me siento más cercana al disidente Collin que al resto de comentaristas.
Cautivos (título con el que será estrenada en nuestro país) no se lo pone fácil al espectador, eso que la pederastia es uno de los temas candentes en nuestra sociedad, nos obliga a un ejercicio de concentración al que quizás ya no estemos acostumbrados. Egoyan opta por deconstruir el tiempo de la acción llevándonos a tres puntos temporales distintos que nunca desarrolla sucesivamente sino que son trabajados mediante unos flashbacks que no son precedidos por ningún indicador. Las diferentes líneas temporales conviven en una misma exposición, construyendo un puzzle que va a requerir de toda nuestra atención para ser descifrado. Y eso, que le fue duramente criticado, es lo que hace más atractiva la película para mí, enamorada como estoy de los ejercicios de estilo. Con este tratamiento narrativo Egoyan economiza medios expresivos, el deterioro de la pareja cuya hija ha sido secuestrada, por ejemplo, se expone por sí mismo, sin necesidad de presentarnos escenas y escenas de desencuentros, basta con una declaración de la esposa seis años después del secuestro (dos antes del desenlace que es el presente del relato) a la inspectora que instruye el caso. Porque sus palabras son duras y el director ya nos ha hecho aprehender el tiempo que dura esa agonía apuntalándolo tan solo en los episodios relevantes. Egoyan nos exige una mirada analítica, una mirada que discrimine rápido las líneas definitorias de la intriga, igual que uno de los policías es capaz de descubrir las características del modelo de un puzzle mirando apenas unas pocas piezas sueltas del mismo.
Hay quien ha querido ver en Cautivos un ejercicio de narcisismo y de autoparodia, personalmente lo que vemos es fidelidad a los que ya hace décadas quedaron fijados como sus rasgos de autoría. Tanto formales (esa intertextualización de otros discursos audiovisuales dentro del filme) como temáticos, el director vuelve a exponernos su obsesión por las menores desaparecidas y el quebranto de la infancia. Temáticamente, Cautivos forma contexto con Exótica, El dulce porvenir y, sobre todo, con El viaje de Felicia. Egoyan nos expone ante la mirada del monstruo, un lobo refinado, amante de la ópera, al que no podemos odiar como merece lo abyecto de su crimen, como si nosotros también estuviéramos afectados por el Síndrome de Estocolmo que parece sufrir la niña protagonista. Un monstruo sobre el que se proyecta la malvada Reina de la Noche mozartiana, en toda su maleficencia, sí, pero también en toda su belleza (esa célebre aria sonando reiteradamente). Así de incómodo es el planteamiento.
Y planeando sobre todo lo narrado está la gelidez. Los paisajes nevados de Canada, sus carreteras heladas, las tormentas de nieve… No hay un sólo instante de sol ni en los escenarios ni en las expresiones de Ryan Reynolds, figura del padre sufriente, sobre el que se ha dejado caer todo el peso de la culpabilidad. Reynolds se ajusta perfectamente a lo que la película le demanda y compone más que correctamente un retrato de hombre abrumado que, además de con el dolor por la pérdida, ha de lidiar con todas las sospechas que se le vuelcan. El resto del reparto cumple igualmente con su función dramática, destacando la rejuvenecida Alexia Fast como víctima convertida en cómplice.
Así es Cautivos, una cinta meticulosa e intencionadamente fría que no busca el favor del público ni de la crítica, porque es un ejercicio personal en la que el autor nos reta tanto como se reta a sí mismo.
‘A esmorga’, un reflejo de tiempos oscuros
Para el director de A esmorga, Ignacio Vilar, el cine es intentar llegar a la verdad. Y verdad es lo que refleja su película. Una verdad desagradable. Fea, gris, sin un final feliz con el que volver a casa.
Su conclusión nos deja el estómago encogido. En silencia. Sin palabras. Nos toca. Pero es una verdad necesaria, que grita que no todo en el cine es evasión. Que el cine también tiene que provocar. Y esa sensación es la que produce A esmorga, nueva adaptación del gran clásico de las letras gallegas.
Eduardo Blanco Amor escribió en 1959 y en su idioma gallego A esmorga desde su exilio en Argentina. En el libro describió su Galicia tal y como la tenía presente desde la distancia, ofreciendo un relato trágico que narra el autodestructivo viaje a ninguna parte de sus tres protagonistas: Cibrán el castizo, el Bocas y Milhomes que pasan 24 horas de esmorga[1] en los arrabales de la ciudad de Auria, trasunto literario de Ourense en el que los tres hombres se beberán la vida en un acto de rebeldía contra aquella sociedad que les tocó vivir y el puesto que se les ha reservado en ella. Una carrera en la que se llevarán todo por delante sin posibilidad de dar marcha atrás.
Esta, una de las novelas capitales de la cultura gallega que recientemente ha reeditado, completa y sin censura, Editorial Galaxia dentro de su sello Mar Maior, es ampliamente conocida en su lugar de origen. Lectura obligatoria de Bachillerato allí durante los años ochenta, es tan popular, que ha batido todos los récords de taquilla.
Y es que hay otros relatos ebrios, pero pocos retratan la locura del espirituoso y ese itinerario hacia el infierno como lo muestra el filme de Vilar. Mérito que hay que reconocer en su justa medida a sus magníficos protagonistas: Castizo (Miguel de Lira), el Bocas (Karra Alejalde) y Milhombres (Antonio Durán ‘Morris’), que saben introducirse en esa atmósfera líquida, densa como la lluvia que moja a los personajes por fuera como el aguardiente los abrasa por dentro.
A bote pronto uno recuerda otros descensos etílicos que nos ha ofrecido el cine, como Despertar en el infierno (Wake in Fright, Ted Kotcheff, 1971) o la alucinógena y atmosférica Dementia (John Parker, 1955), que para el que esto escribe retrata la soledad y la atmósfera de pesadilla en la que puede desembocar una intoxicación etílica o de barbitúricos. Historias que no buscan redimir a sus protagonistas como Días sin huella (The Lost Weekend, Billy Wilder, 1945) o Días de vino y rosas (Days of Wine and Roses, Blake Edwards, 1962).
A esmorga llega más lejos. La rebelión de sus protagonistas tiene más alcance que el que tiene una simple juerga. Se trata de toda una rebelión. Cierran puertas tras de sí con tanta facilidad como cierran bares y burdeles. Queman barcos, huyen del claustrofóbico ambiente que conforma esa Auria gris, fría y lluviosa, cuarto protagonista de un filme y representación de la sociedad española de la época a la que los protagonistas plantan cara. Reflejo de tiempos oscuros en el que no están ausentes otros temas como la conciencia de clase y la homosexualidad.
La obra de Campo Amor ha sido adaptada para teatro y televisión. Gonzalo Suárez rodó en 1977 Parranda, que inicialmente era un proyecto del orensano Eloy Lozano con guión del propio Blanco Amor, pero al pasar a manos de Gonzalo Suárez, reescribió el guión añadiendo unos cambios que no acabaron de agradar al escritor, que tras ver el filme, quedó con la esperanza de que algún día se hiciera una película sobre su obra en Galicia, con actores gallegos y en gallego, algo que ha sucedido por fin a los 35 años de la muerte del escritor. Localizada en Asturias, Parranda contó con José Sacristán, José Luis Gómez y Antonio Ferrandis, para los tres papeles protagonistas, además de todo un reparto de campanillas. De lo subversivo que puede ser el mensaje de esta historia, sobrevive la anécdota de que la película fuera en su día prohibida por la junta militar en Argentina. El filme «Tuvo una excelente acogida de la crítica, aunque luego su trayectoria comercial no fue muy buena, yo creo que porque se estrenó en plenas elecciones, las primeras, y en un cine de segunda categoría. Pero ha quedado como una película de la que todo el mundo habla con respeto. No se va a pedir, encima, que sea un éxito de público«[2].
La película de Ignacio Vilar es una mirada personal a la obra de Campo Amor con profundo respeto al espíritu de la novela y especial cuidado en la elección de los actores que interpretan a los tres protagonistas, ya que Vilar describe su filme como una película de personajes, y en la búsqueda de estos actores idóneos se embarcó durante tres meses. Tras encontrarlos se encerró –casi incomunicó- junto a ellos en una residencia de Orense que bautizaron como ‘El resplandor’ en la que durante doce horas diarias, crearon, vivieron y hablaron sobre sus personajes. Cuidando todos los detalles de la caracterización, incluido el lenguaje, con gallego de los años cincuenta que incluía palabras en desuso y transformando el lenguaje literario de la novela en cinematográfico, cambiando texto por miradas, gestos … examinando el interior de sus personajes y consiguiendo unas creaciones que guiaron totalmente la acción, ya que la cámara seguía a los actores y no al contrario consiguiendo, en palabras de Miguel de Lira, un tratamiento casi documental de la acción, a medio camino entre el nuevo y el viejo cine. La forma de hacer cine en Galicia. Honesta y brutal.
Para ‘Morris’, si la película fuera sobre borrachos resultaría muy aburrida. Pero ‘A esmorga’ no es una borrachera, es un estado de ánimo. La vida entera es una ‘esmorga’ con ese componente trágico. Una última explosión antes del fatalismo, como el aguardiente es la última explosión en la elaboración del vino.
Además de los tres protagonistas, los otros personajes del filme son el fatalismo latente, la lluvia constante, el frío, que cala también a los espectadores, y el idioma. Todo contribuye a dotar de autenticidad a una historia en la que tanto el frío, como la desnudez y el cansancio de sus protagonistas es real. Hasta el estercolero por el que escalan en una de sus últimas escenas esta compuesto por basura orgánica. Por eso, y para ser partícipes de toda esa autenticidad, aunque la película se estrena también en versión doblada por los mismos actores, háganse un favor y disfrútenla en su gallego original subtitulado.
[1] Algo que podría, más o menos, traducirse como parranda, bacanal, juerga.
[2] Torres, M.: «Gonzalo Suárez: ‘Aunque pueda parecer un exabrupto, ‘Parranda’ es una película equilibrada’ «. El País, 11 de diciembre de 1983.
VAMOS DE ESTRENO (O no) *Viernes 8 de mayo de 2015*
MINÚSCULOS: EL VALLE DE LAS HORMIGAS PERDIDAS (Minuscule: La vallée des foumis perdues, Thomas Szabo y Hélène Giraud, 2013) *****
Francia. Duración: 82 min. Guión: Thomas Szabo, Hélène Giraud. Música: Lavandier. Productora: Futurikon Films. Género: Comedia de animación.
Combinando animación e imagen real, Minúsculos: el valle de las hormigas perdidas nos relata la peripecia de una mariquita cuya curiosidad la aleja de su familia y acaba implicada en la guerra de dos comunidades de hormigas, que pugnan por hacerse con los restos de un pícnic abandonado (más concretamente por una caja de azucarillos). Con esta excusa argumental la película nos narra todo un poema épico a escala microscópica.
Si hace unas semanas llegaba a nuestras pantallas La oveja Shaun, ahora nos llega (con dos años de retraso) el trabajo de Thomas Szabo y Hélène Giraud, el cual también apuesta por darle todo el protagonismo a la imagen, a la que hay que sumar la banda sonora, por tratarse de una película muda (los insectos protagonistas se comunican mediante zumbidos). Otro paralelismo con la cinta de los Estudios Aardman, es que en ambos casos el largometraje proviene de una serie televisiva previa. Y hasta aquí las comparaciones, porque los recursos de animación de cada película son muy distintos entre sí, la británica es un prodigio de la claymation, mientras que Minúsculos: el valle de las hormigas perdidas combina la imagen real y la animación sobrepuesta sobre ese fondo real. Con esta opción narrativa Szabo y Giraud consiguen retratar el microcosmos de los insectos como si el relato estuviese contado a escala de los propios protagonistas.
Que los personajes sean insectos nos hace recordar producciones anteriores como son Bichos, una aventura en miniatura, de Pixar y AntZ de DreamWorks, pero la verdad es que son pocas las semejanzas que puedan compararlas. Minúsculos tiene ritmo y vida propios, y aunque se les asignen a los personajes algunos caracteres humanos es mucho menor la antropomorfización que en sus predecesoras. Esta circunstancia hace que nos encontremos ante una cinta menos infantil de lo que es habitual en el género y que no pueda recomendarse a los más pequeños (niños menores de seis años) porque se perderán en las elipsis y no empatizarán con los momentos de humor que perlan todo el metraje.
EL VIAJE MÁS LARGO (The Longest Ride, George Tillman Jr., 2015) *****
USA. Duración: 139 min. Guión: Craig Bolotin (Novela: Nicholas Sparks). Música: Mark Isham. Fotografía: David Tattersall. Productora: Fox 2000 Pictures / Temple Hill Entertainment. Género: Drama romántico.
Reparto: Scott Eastwood, Britt Robertson, Alan Alda, Oona Chaplin, Jack Huston, Melissa Benoist, Lolita Davidovich, Amber Chaney.
Sinopsis: Historia de amor entre Luke (Scott Eastwood), un antiguo campeón de rodeo y Sophia (Britt Robertson), una estudiante a punto de embarcarse en su sueño de trabajar en el mundo del arte en Nueva York. Según van poniendo a prueba su amor con sus diferentes ideales y visiones de la vida, Sophia y Luke establecen una conexión inesperada con Ira (Alan Alda), cuyas memorias de su amor vivido hace décadas con su maravillosa mujer (Oona Chaplin), inspirará profundamente a la joven pareja. Saltando generaciones e intercalando dos historias de amor, El viaje más largo explora los retos y las infinitas recompensas del amor duradero.
Dos historias de amor en una (aunque los 139 minutos dan para eso y mucho más), en un filme que no me resisto en definir, a pesar de poder herir sensibilidades y ser tachado de lo que no soy, como ‘para mujeres’. No en vano está basado en una novela de Nicholas Sparks, escritor de la exitosa El cuaderno de Noah y Lo mejor de mí, cuya adaptación cinematográfica se estrenó recientemente y comentamos aquí. Tenemos un irresistible y musculado galán ‘Old School‘. Un patán de delicados modales que representa el paradigma del príncipe azul por el que suspiran muchas féminas y que está materializado en el vástago de Clint Eastwood. Y debemos suspender la incredulidad. Cuando se estrenó la estupenda Superman (Richard Donner, 1978) en su cartel una frase promocional aseguraba que ‘Usted creerá que un hombre puede volar’, pues bien, si aceptan y entran en el juego que El viaje más largo les propone (y para hacerlo, desde luego tendrán que ser tan crédulos como si de la más inverosímil película de ciencia ficción se tratara) podrán pasar hasta un buen rato con todos los tópicos y lugares comunes de este tipo de historias y con las actuaciones de los veteranos Alan Alda y Lolita Davidovich, además de Oona Chaplin y Jack Huston (aquí con su cara completa tras Broardwalk Empire). Sin olvidar a los protagonistas, la agradabla Britt Robertson y Scott Eastwood, que ha decidido incluir el apellido paterno en su nombre artístico tras iniciar su carrera con el materno como Scott Reeves, nombre con el que intervino en sus primeros filmes, como Gran Torino (2008) y Banderas de nuestros padres (2006), dirigidos ambos por ya saben quien. Eso sí, no me quedaría tranquilo si no recomendara desde esta pequeña tarima que se me brinda el recomendar a los diabéticos precaución al visionar este filme, pues su exceso de melaza puede causarles estragos.
SWEET HOME (Rafa Martínez, 2015) *****
Duración: 80 min. Guión: Rafa Martínez, Teresa de Rosendo, Ángel Agudo. Música: Ginés Carrión Espí. Fotografía: Antonio J. García. Productora: Castelao Pictures / Filmax / Film Produkcja. Género: Terror
Reparto: Ingrid García Jonsson, Bruno Sevilla, Oriol Tarrida, Eduardo Lloveras, Miguel Ángel Alarcón, Luka Peros, Mariona Perrier, José María Blanco.
Sinopsis: Una pareja decide pasar una noche romántica en un piso de un edificio semiabandonado al que se cuelan porque ella trabaja como asesora de inmuebles para el Ayuntamiento y tiene las llaves. Durante la velada descubren que unos encapuchados han asesinado al único inquilino que quedaba en el edificio… y ellos se convierten en su nuevo objetivo.
(Artículo y crítica completa en este enlace)
A CAMBIO DE NADA (Daniel Guzmán, 2015) *****
España. Guión: Daniel Guzmán. Fotografía: Josu Inchaustegui. Productora: El Niño Producciones / La Competencia / La Mirada Oblicua / Ulula Films. Género: Drama.
- Reparto: Miguel Herrán, Antonio Bachiller, Luis Tosar, María Miguel, Antonia Guzmán, Felipe García Vélez, Patricia Santos, Miguel Rellán, Manolo Caro, Mario Llorente, Carlos Olalla, Sebastían Haro, Beatriz Argüello, Iris Alpáñez, Adelfa Calvo, Luis Zahera.
A cambio de nada, el primer largometraje de Daniel Guzmán como director, se ha convertido en el gran triunfador del Festival de Cine de Málaga. La película, que se ha hecho con la Biznaga de oro a la mejor película, la Biznaga de plata a 
la mejor dirección, la Biznaga de plata al mejor actor de reparto (Antonio Bachiller) y la Biznaga de plata premio especial del jurado de la crítica, se estrena de la mano de Warner Bros.
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A cambio de nada cuenta la historia de Darío, un chico de dieciséis años que disfruta de la vida junto a Luismi, su vecino y amigo del alma. Mantienen una amistad incondicional, se conocen desde que tienen uso de razón y juntos han descubierto todo lo que saben de la vida. Darío sufre la separación de sus padres y se escapa de casa, huyendo de su infierno familiar. Comienza a trabajar en el taller de Caralimpia, un viejo delincuente con envoltura de triunfador, que le enseña el oficio y los beneficios de la vida… Darío conoce a Antonia, una anciana que recoge muebles abandonados con su motocarro y junto a ella descubre otra forma de ver la vida. Luismi, Caralimpia y Antonia se convierten en su nueva familia en un verano que les cambiará la vida…
El filme pretende retratar la vida de forma realista, aunque la línea tremenda que va tomando su trama termina deshinchándose hacia el final, dejando un rastro de esperanza en los personajes, pero de incredulidad en el espectador. Otros directores nos han mostrado la parte menos favorecida de la sociedad de forma más cruda y veraz. Sin ser exhaustivos y tan solo en España, este universo nos los mostró Carlos Saura en Los golfos (1960), Eloy de la Iglesia de forma más tremenda y pesimista en películas como Colegas (1982). Y más recientemente Fernando León de Aranoa en Barrio (1998) o Achero Mañas en El Bola (2000), pero siempre es importante retratar esta realidad menos brillante y luminosa, el drama cotidiano en el que sus protagonistas no trabajan en una oficina o son artistas o escritores con crisis de inspiración. A lo que hay que sumar la frescura que destila el filme, ópera prima del actor Javier Guzmán, que escribe y dirige este filme contando con un elenco de actores veteranos y experimentados como un perfecto Felipe García Vélez o el siempre eficaz Luis Tosar, que contrastan y complementan a los jóvenes protagonistas debutantes, Antonio Bachiller, Miguel Herrán, e incluso Antonia Guzmán, abuela del director, que realiza una entrañable actuación como Antonia, la anciana que acoge a Darío en su casa. Aunque con algún paso en falso en su guión, A cambio de nada podría ser una sorpresa para el público al igual que lo fue para el jurado del Festival de Málaga.
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A ESMORGA (Ignacio Vilar, 2014) *****
Galicia (España). Duración: 111 min. Guión: Carlos Asorey, Ignacio Vilar (Novela: Eduardo Blanco Amor). Música: Zeltia Montes. Fotografía: Diego Romero. Productora: Vía Láctea Filmes / Editorial Galaxia / TVG. Género: Drama. http://aesmorgafilme.com/es/
- Reparto: Karra alejalde, Miguel de Lira, Antonio Durán ‘Morris’, Ledicia Sola, Sabela Arán, Monti Castiñeiras, Mela Casal, Santi Prego, Alfonso Agra, Patxi Bisquert, Mónica García, Pepo Suevos, Elena Seijo, Covadonga Berdiñas, Yago López, Lois Soaxe.
Sinopsis: Crónica tensa e intensa de 24 horas en la vida de tres compañeros de juerga que van dejando un reguero de destrucción, de sexo equívoco y reprimido, y también cerrando puertas tras tirar las llaves, como si de manera deliberada buscarán la perdición.
(Artículo y crítica completa en este enlace)
LA CANCIÓN DEL MAR (Song of the Sea, Tomm Moore, 2014)*****
Irlanda/Dinamarca/Bélgica/Luxemburgo/Francia. Duración: 93 min. Guión: Will Collins. Música: Kila. Productora: CartoonSaloon / Big Farm / Digital Graphics. Género: Animación.
Sinopsis: Ben y Saoirse viven en un faro, en la parte más altqa de una pequeña isla, con su padre, que para protegerlos de los peligros del mar los envía a vivir con su abuela a la ciudad. Allí Ben descubre que su hermana pequeña es una Selkie, un hada del mar, una niña-foca que con su canción puede liberar a los seres mágicos del hechizo que les hizo la Bruja de los búhos.
En el mundo de la animación hay mucha vida más allá de Disney, vida que parte de otras tradiciones más minimalistas en cuanto a dibujo y que huye de la voluntad de realismo en los movimientos para llevarnos a un universo en el que prima la imaginación y la magia. Este es el caso de La canción del mar, segundo largo de Tomm Moore que viene a consagrarlo como uno de los nombres destacados dentro del género. Las imágenes de Moore consiguen un impacto visual hipnotizador que las convierte en el vehículo perfecto para adaptar al cine las viejas leyendas celtas y escandinavas, como lo son los relatos concernientes al pueblo de las Selkies, esas hadas que alternan su efigie humana con su apariencia de foca. De la mano de Moore nos sumergimos en el interior de un cuento ilustrado que va cobrando vida y movimiento conforme se desarrolla, estamos ante planos bidimensionales que cobran fuerza narrativa gracias al uso del color, los efectos de iluminación y el diseño de personajes y escenarios.
Como cuento que es, la trama de La canción del mar está asentada sobre las estructuras propias de los cuentos maravillosos tal como fueron catalogadas por Vladimir Propp en su Morfología del cuento. El estructuralista ruso enumeró hasta treinta y un puntos recurrentes en los relatos tradicionales, que no necesariamente se han de dar todos en todos los textos. Así, en La canción del mar, nos encontramos con el tópico del alejamiento del héroe, quien habrá de someterse a una prueba cuya superación será necesaria para obtener la ayuda mágica que resuelva el conflicto. Por su fidelidad a las formas clásicas, su mensaje será menos plano y más universal que el de otras cintas animadas más apegadas a los valores de nuestras coyunturas actuales.
Este segundo trabajo de Moore es una auténtica filigrana repleta de secuencias bellísimas, una de las mejores cintas que podrá verse en nuestras salas este año. Estamos ante un título imprescindible se sea aficionado o no a la animación.
- Premios:
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– Premios Oscar: Nominada a Mejor largometraje animación– Premios César: Nominada a Mejor film de animación– Festival de Gijón: Mejor largometraje de animación– Premios Annie: 7 nominaciones, incluyendo Mejor película– Satellite Awards: Mejor largometraje de animación
GÜEROS (Alonso Ruizpalacios, 2014)*****
México. Duración: 107 min. Guión: Alonso Ruizpalacios, Gibrán Portela. Música: Tomás Barreiro. Fotografía: Damián García (B&W)Productora: Catatonia Films / Conaculta / Difusion Cultural UNAM. Género: Comedia dramática.
Reparto: Tenoch Huerta, Leonardo Ortizgris, Sebastián Aguirre, Ilse Salas, Sophie Alexander-Katz.
Sinopsis: “Güeros” narra el encuentro entre Sombra y su hermano menor, Tomás, quien lo visita en la Ciudad de México tras algunos sucesos desafortunados en casa de su madre. La llegada del joven Tomás imprime energía a la monótona vida de Sombra y su amigo Santos, la cual parece estar en pausa tras la huelga de la UNAM. Juntos, deciden 
emprender un viaje para encontrar a un legendario músico que escuchaban de niños, y cuyo paradero es desconocido desde mucho tiempo atrás. Esta búsqueda, atravesando las fronteras invisibles de la Ciudad de México, los llevará a descubrir que no pueden huir de sí mismos.
Güeros nos muestra el viaje iniciático de Sombra, con el que saldrá de su indolencia, de su huelga de la huelga, para adentrarse en el camino, encontrarse a sí mismo y descubrir sus objetivos. Crudamente rodado en bello blanco y negro. Bello porque está repleto, al igual que la historia misma del filme, de una rica gama de grises que resaltan el tenebrismo de los bloques y los barrios de extrarradio. Y crudo porque a ratos recuerda los experimentos narrativos y visuales de la Nouvelle Vague, del Cinema Novo Brasileiro y, ¿porqué no?, del Jodorowsky menos extremo, no vacilando en servirse del lenguaje del documental y del metacine.
Güeros materializa con buen ritmo las palabras que dijo Salvador Allende y que se recuerdan durante el filme, ‘Ser joven y no ser revolucionario es una contradicción hasta biológica’. Amen.
– Festival Internacional de Cine de San Sebastián 2014: Mejor Película (Horizontes Latinos) y Premio de la Juventud
– Festival de Cine de Tribeca 2014: Mejor Fotografía y Mejor Nuevo Director
– Premios Ariel 2015: 12 Nominaciones incluyendo Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guión, Mejor Actor, Mejor Actriz y Mejor Actor revelación.
– Mostra de Cinema Llatinoamericà de Catalunya 2015: Mejor Película
– Festival de Cine de Jerusalén 2014: Premio FIPRESCI
– AFI Fest (Los Ángeles) 2014: Premio del Público – Festival Internacional de Cine de Los Cabos 2014: Mejor Película – Festival Internacional de Cine de Bombay 2014: Gran Premio del Jurado – Festival de Cine de Morelia 2014: Mejor Opera Prima, Mejor Actor, Premio de la Crítica y Premio del Público.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Jueves 30 de abril de 2015*
MANDARINAS (Mandariinid, Zaza Urushadze, 2013) *****
Estonia / Georgia. Duración: 87 min. Guión: Zaza Urushadze. Música: Niaz Diasamidze. Fotografía: Rein Kotov. Productora: Allfilm / Georgian Film. Género: Drama.
Reparto: Lembit Ulfsak, Giorgi Nakashidze, Misha Meskhi, Elmo Nüganen, Raivo Trass.
Sinopsis: En 1990 estalla la guerra en una provincia georgiana que busca la independencia. Ivo, un estonio, decide quedarse, a diferencia del resto de sus compatriotas, para ayudar a su amigo Margus con la cosecha de mandarinas. Durante un combate que se produce cerca de su granja, sobrevivirán dos combatientes, que pertenecen a distintos bandos y de cuyos cuidados se hará cargo Ivo.
Que la guerra es una estupidez y una estéril lucha de intereses disfrazada con el llamativo color de las banderas y otros cantos de sirena, es algo que el cine ya nos viene recordando desde sus inicios. Tan solo cabe recordar obras de arte como Sin novedad en el frente (All Quiet on the Western Front, Lewis Milestone, 1930) o Senderos de gloria (Paths of Glory, Stanley Kubrick, 1957), por citar tan solo dos. Pero nunca está de más recordarlo. Y eso es lo que propone, desde la sencillez, Mandarinas, film que nos narra como las obligada convivencia entre enemigos puede terminar rebelando que es más lo que nos une que lo que nos separa. ¿Recuerdan Infierno en el Pacífico (Hell in the Pacific, John Boorman, 1968) o la mucho más reciente Perdidos en la nieve (Into the White, Peter Naes, 2012)?, pues por ahí van los tiros pero poniendo hincapié en el personal civil. En esos héroes cotidianos a los que no se les erigen monumentos si se les otorgan condecoraciones.
Y no se espanten ante la procedencia del filme, ya que Mandarinas, a pesar de su sensibilidad eslava, no está exenta de sutil humor, a pesar de no sortear cuestiones como la luche de religiones. Y todo ello sin recurrir a huecos sentimentalismos. Totalmente recomendable.
- Premios
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2014: Premios Oscar: Nominada a Mejor película de habla no inglesa2014: Globos de Oro: Nominada a Mejor película de habla no inglesa2014: Satellite Awards: Mejor película de habla no inglesa
DIFRET (Zeresenay Mehari, 2014) *****
Etiopía / Estados Unidos. Duración: 99 min. Guión: Zeresenay Mehari. Música: David Schommer, David Eggar. Fotografía: Monika Lenczewska. Productora: Haile Addis Pictures. Género: Drama.
Reparto: Meron Getnet, Tizita Hagere, Haregewine Assefa, Brook Sheferaw, Mekonen Laeake, Meaza Tekle.
Sinopsis: En Adis Abeba, la abogada Meaza Ashenafi (Meron Getnet) ha creado una red de ayuda a mujeres y niños pobres que necesiten la ayuda de un letrado. Se enfrenta a un hostigamiento constante por parte de la policía y del gobierno. Aun así, se atreve a defender a Hirut (Tizita Agere), una chica de 14 años a la que secuestraron y violaron cuando regresaba del colegio y que consiguió matar a su raptor antes de escapar. A pesar de haber actuado en defensa propia, Hirut puede ser condenada a la pena de muerte, ya que en la Etiopía rural sigue existiendo el “telefa” o matrimonio por rapto.
DIFRET es la primera película del realizador etíope Zeresenay Berhane Mehari y trata sobre una de las tradiciones más ancestrales de Etiopía, el “telefa” o la costumbre de raptar a niñas para casarse con ellas. Ganó el Premio del Público de la sección Panorama del Festival de Cine de Berlín y previamente, el Premio del Público del Festival Internacional de Cine de Sundance. Fue precisamente poco antes del estreno de DIFRET en el Festival de Sundance 2014, cuando el director y los productores recibieron la gran noticia de que Angelina Jolie se había unido a los productores ejecutivos. Por mediación de amigos comunes, la actriz vio la película sin terminar, le encantó y llamó al director para decirle que quería ayudarles como fuera. De esta manera, se convirtió en productora ejecutiva durante la postproducción.LECCIONES DE AMOR (Words and Pictures, Fred Schepisi, 2014)
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USA, 111 min. Guión: Gerald DiPego. Música: Paul Grabowsky Fotografía: Ian Baker. Productora: Latitude Productions / Lascaux Films. Género: Comedia.
Reparto: Clide Owen, Juliette Binoche, Keegan Connor Tracy, Bruce Davison, Adam DiMarco, Janet Kidder, Valerie Tian, David Lewis, Eva Bourne.
Sinopsis: Jack (Clive Owen) es un carismático profesor de inglés que tiene problemas de alcohol y ha perdido su capacidad de escribir. Dina (Juliette Binoche) es una artista reconocida que lucha contra una enfermedad, que le impide pintar. Ambos ejercen de profesores en una institución elitista en Croyden (Nueva Inglaterra). Entre ambos se enciende una pequeña chispa, que pasará a ser pasión cuando se enfrenten para dirimir si son más importantes las palabras o las imágenes.
La cinta nos habla sobre la falta de inspiración y la imposibilidad de crear. Pero sobre todo nos muestra una historia de amor entre seres desencantados con aires de screwball comedy, mérito de los dos protagonistas, Owen y Binoche, que salvan al filme de naufragar. Y todo ello a pesar de que el personaje que encarna Juliette Binoche resulta a veces un tanto antipático. La película se atasca en algún momento cercano a su desenlace, pero no deja de ser un agradable entretenimiento gracias a sus dos protagonistas.
POS ESO (Sam, 2014) *****
España. 81 min. Guión: Samuel Ortí Martí (AKA Sam), Rubén Ontiveros. Música: Aritz Villodas. Fotografía: Nestor De Les. Productora: Basque Films / Conflictivos Productions. Género: Comedia de animación.
Sinopsis: La Trini, bailaora mundialmente conocida, abandonó los tablaos sumida en una gran depresión desde que su esposo, el gran mataor de toros Gregorio, muriese en un 
accidente doméstico. Damián, su hijo de 8 años, ha empezado a dar signos de una rebeldía que roza la demencia. Ningún médico, psicólogo o psiquiatra puede explicar el comportamiento del crío, conducta que irá empeorando hasta tal extremo que será necesaria una explicación sobrenatural a su estado. Esta situación pone a la Trini al borde de los nervios, quien decide contactar con el Padre Lenin, cura vasco repudiado por la Iglesia que está atravesando una crisis de fe; pero tal como todas las señales indican, es él la única esperanza de devolver la tranquilidad a tan maltrecha familia.
Pos Eso es el primer largometraje de animación stop motion de Sam tras el exitoso corto Vicenta (2010), que llegó a estar nominado a los Goya. Un detallado trabajo de artesanía que cuida tanto los fondos como a los personajes principales, a los que prestan su voz, entre otros, Santiago Segura, Carlos Areces, Álex Angulo, Anabel Alonso y Mariví Bilbao. Exorcismos, folklore, toreros y mucho humor con gotas de actualidad bizarra y guiños cinéfilos para un apabullante film repleto de humor que obtuvo una merecida mención especial del jurado en el Festival de Sitges.
WALKING ON SUNSHINE (Max Giwa y Dania Pasquini, 2014) *****
UK. Duración: 97 min. Guión: Joshua St Johnston. Música: Anne Dudley. Fotografía: Philipp Blaubach. Productora: Vertigo Films / IM Global. Género: Musical.
Reparto: Greg Wise, Joelle Koissi, Leona Lewis, Annabel Scholey, Adrian Palmer, Hannah Arterton, Shane Salter, Val Monk, Terry Noble, Susan Fordham, Katy Brand.
Sinopsis: Maddie (Annabel Scholey) está decidida a organizar su boda con Raf (Giulio Berruti), su prometido e invita a su hermana Taylor (Hanna Arterton) sin saber que ambos tuvieron una relación amorosa tiempo atrás.
Otro musical llegado de Inglaterra repleto de hits de los ochenta pero que no pasa de sonrojante. Tan solo recomendable para completistas del género y masoquistas que quieran pasar un buen e intenso rato.
ASTÉRIX: LA RESIDENCIA DE LOS DIOSES (Astérix: Le domaine des dieux, Louis Cliché y Alexandre Astier, 2014)*****
Francia. Duración: 82 min. Guión: Alexandre Astier (Cómic: Rene Goscinny, Albert Uderzo) Música: Hubert Cornet. Productora: SND / M6. Género: Comedia de animación.
Sinopsis: Estamos en el año 50 A.C. Toda la Galia está ocupada por los romanos… ¿Toda? ¡No! Una aldea poblada por irreductibles galos resiste todavía y detienen siempre al invasor. Exasperado por la situación, Julio César decide cambiar de táctica: como sus ejércitos han sido incapaces de imponerse por la fuerza, será la misma civilización romana la que se encargará de seducir a los bárbaros galos. Para ello, ordenará construir al lado de la aldea una lujosa residencia para romanos: “la residencia de los Dioses”. ¿Podrán nuestros amigos galos resistirse a la tentación del dinero y el confort romano? Astérix y Obélix tendrán que esforzarse para frustrar los planes del César.
Tras producciones de dibujos animados e imagen real, las aventuras de Astérix vuelven a la pantalla en animación 3D, un formato ideal para este tipo de adaptaciones basadas en personajes de cómic, como han demostrado los recientes estrenos de Doraemon e incluso Mortadelo y Filemón en este tipo de animación.
Astérix. La residencia de los dioses, adapta con éxito el cómic original de Uderzo y Goscinny, manteniendo el humor y el encanto de los personajes con una animación nada apabullante, limpia y brillante. No en vano Louis Cliché, uno de sus directores, proviene del mundo de la animación habiendo trabajado en reconocidos éxitos como Up (2009) y Wall-e (2008). Sin duda se trata de un plan ideal para el público de todas las edades, que no enfurecerá a los puristas de los personajes originales.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 24 de abril de 2015*
LA FAMILIA BÉLIER (La Famille Bélier, Eric Lartigau, 2014) *****
Francia / Bélgica. Duración: 105 min. Guión: Victoria Bedos, Thomas Bidegain, Eric Lartigau. Música: Evgueni Galperine, Sacha Galperine. Fotografía: Romain Winding. Productora: Jerico / Mars Films / France 2 Cinéma. Género: comedia.
Reparto: Louane Emera, Karin Viard, François Damiens, Roxane Duran, Mar Sodupe, Eric Elmosnino, Ilian Bergala, Luca Gelberg, Clémence Lassalas.
Sinopsis: Todos los miembros de la familia Belier son sordos excepto Paula de 16 años. Ella es la intérprete esencial para sus padres todos los días, especialmente en lo que respecta al 
funcionamiento de la granja de la familia. Un día, alentada por su profesor de música que ha descubierto su talento para el canto, decide prepararse para la audición del Coro de Radio France. Una elección que la obliga a distanciarse de su familia y a crecer.
Siguen llegando comedias francesas a nuestras pantallas, lo cual no nos parece mal, muy al contrario ya que, en su mayoría, resultan cuanto menos agradables. En este caso nos encontramos ante una que, para variar, esta ambientada lejos de ambientes acomodados y se ha localizado en el medio rural, que es donde vive la familia Bélier, protagonista de una simpática trama excepcionalmente interpretada y que nos mantiene con la sonrisa durante todo el metraje. Entre todos sus actores destaca la joven Louane Emera, concursante de la edición francesa de ‘La Voz’ que debuta con esta cinta y que fue merecedora del premio César a la mejor actriz revelación. Una cinta simpática con la que pasar un buen rato, que no es poco.
GIRLHOOD (Bande de Filles, Céline Sciamma, 2014) *****
Francia (113’) Guión: Céline Sciamma. Música: Jean-Baptiste de Laubier. Fotografía: Crystel Fournier. Género: Drama.
Reparto: Diabate Idrissa, Rabah Nait Oufella, Tatiana Rojo, Karidja Touré, Assa Sylla, Lindsay Karamoh, Mariétou Touré, Idrissa Diabaté, Simina Soumaré, Dielika Coulibaly, Cyril Mendy.
Sinopsis: Para Marieme (Karidja Touré), la vida es una sucesión de prohibiciones. Se siente agobiada por su familia (en especial por su hermano), por la escuela y por la implacable ley de los chicos del barrio. Pero su vida cambia cuando conoce a un grupo de chicas de espíritu libre. 
Entonces cambia su nombre, su modo de vestir y abandona la escuela para ser aceptada en el grupo. Convertida en Vic, abraza el código de la calle donde se mezclan violencia, amistad y libertad.
Con Girlhood, Céline Sciamma completa una trilogía dedicada al complejo mundo de la niñez y la adolescencia que inició con su primer film, Lirios de agua, seleccionado en la sección Un certain regard en Cannes (2007) y en más de treinta festivales más. Aunque fue con la sorprendente Tomboy con la que Sciamma tocó el cielo, obteniendo un gran éxito de crítica y público. Ahora con Girlhood, la directora nos introduce en la parte más descorazonadora de la compleja adolescencia de unas jóvenes de extrarradio, situando su historia en un barrio marginal de Francia, como en el que creció la propia Scianma. Veremos como de la soledad y la inseguridad, la protagonista pasará a afirmarse en el seno de una banda, para terminar topándose de cara con la realidad y las -escasas- posibilidades que la vida le ofrece. Brillantemente rodada, es casi como un documental en cuyo tono contribuye, sin lugar a duda, su excelente reparto compuesto por jóvenes de entre 14 y 20 años sin experiencia previa en el mundo de la interpretación, que fueron seleccionadas tras un casting de cuatro meses por calles, centros comerciales y parques de atracciones de París y alrededores. Habrá que seguir de cerca la interesante carrera de Céline Sciamma, que parece confirmarse con este agridulce film.
MURIERON POR ENCIMA DE SUS POSIBILIDADES (Isaki Lacuesta, 2014) *****
España. 100 min. Guión: Isaki Lacuesta. Fotografía: Diego Dussuel, Marc Gómez del Moral. Productora: Versus Entertainment / Sentido Films. Género: Comedia
Reparto: Raúl Arévalo, Imanol Arias, José Coronado, Eduard Fernández, Ariadna Gil, Sergi López, Carmen Machi, Ángela Molina, Àlex Monner, Albert Pla, Josep Maria Pou, Pau Riba, José Sacristán, Jaume Sisa, Emma Suárez, Ivan Telefunken, Luis Tosar, Jordi Vilches, Julián Villagrán.
Sinopsis: Cinco ciudadanos de un país sospechosamente parecido al nuestro, ven destrozadas sus vidas por la crisis económica y terminan en el manicomio, donde se conocen y elaboran un plan para salvar la economía: secuestrar al presidente del Banco Central y exigirle que todo vuelva a ser como antes.
La que puede ser la comedia española más inteligente de la temporada, auténtica patada en las partes a los responsables de la crisis que nos ha tocado vivir (o al menos pataleta con la que hacernos unas risas a su costa) va naufragando conforme se va acercando al final a pesar de una primera parte realmente buena. A la buena marcha contribuyen sin duda los protagonistas, especialmente unos muy locos Albert Pla y Jordi Vilches. El resto del reparto está compuesto por muchos nombres conocidos, que demuestran su sentido del humor al haber formado parte de esta película de Isaki Lacuesta, un director batallado en diversos géneros, especialmente en el documental (como el interesante La noche que no acaba, que nos habla de las estancias de Ava Gardner en España) y que aborda esta comedia negra contando entre sus actores con Sergi López y Emma Suarez, protagonistas del próximo filme del director, el thriller La propera pell. A pesar de no haber cohesionado los elementos como se hubiera merecido la historia, el film es recomendable por su humor, su mala leche y sus dosis de incorrección política, que tanto se echan en falta en estos tiempos.
VAMOS DE ESTRENO (o no) *Viernes 17 de abril de 2015*
LA OVEJA SHAUN. LA PELÍCULA (Shaun the Sheep: The Movie, Richard Starzak y Mark Burton, 2015)
UK /Francia. Duración: 85 min. Guión: Richard Starzak, Mark Burton. Fotografía: Charles Copping, Dave Alex Riddett. Productora: Aardman Animations / Studiocanal. Género: Comedia.
Sinopsis: Shaun y sus compañeras de la granja están hartas de la monotonía, así que organizan un plan para descansar un día. Pero todo terminará mal y tendrán que ir a la ciudad para rescatar al granjero que las cuida.
Se trata de la adaptación en formato largometraje de la serie homónima realizada mediante el procedimiento stop motion.
Crítica completa aquí.
UNA NOCHE PARA SOBREVIVIR (Run all Night, Jaume Collet-Serra, 2015) *****
USA. Duración: 114 min. Guión: Brad Ingelsby. Música: Alan Silvestri. Fotografía: Martin Ruhe. Productora: Warner Bros. Pictures / Energy Entertainment / Vertigo Entertainment. Género: Thriller.
Reparto: Liam Neeson, Joel Kinnaman, Ed Harris, Vincent D’Onofrio, Genesis Rodriguez, Boyd Holbrook, Holt McCallany, Malcolm Goddwin, James Martinez.
Sinopsis: El mafioso y prolífico sicario de Brooklyn Jimmy Conlon (Neeson), que antes era conocido como El Cavatumbas, ha tenido mejores épocas. Jimmy, que 
ahora tiene 55 años, se siente perseguido por los pecados de su pasado, así como por el detective de policía (D’Onofrio) que lleva 30 años detrás de él. Pero cuando el hijo de Jimmy, Mike (Kinnaman), que vive alejado de su padre, se convierte en el objetivo de su jefe y amigo de toda la vida, Shawn Maguire (Harris), Jimmy tiene que elegir entre la familia de criminales a la que había escogido pertenecer y su familia auténtica, a la que había abandonado hacía mucho tiempo.
De nuevo Liam Neeson en un filme de acción, y de nuevo bajo la batuta de Jaume Collet-Serra tras Sin identidad (2011) y Non-Stop (2014). Tras comenzar su carrera con el cine de terror, Serra parece haberse adaptado a la perfección a los parámetros del cine de acción Made in USA. Una noche para sobrevivir es un emocionante thriller con conexiones con la mafia irlandesa rodado a toda velocidad en un New York con panorámicas (que a veces se convierten en auténticos barridos) y travellings vertiginosos, pasando así la propia ciudad a formar parte de la historia como uno de sus más importantes personajes. El grueso de la acción se desarrolla durante una noche, en plena carrera frenética por esa ciudad que nunca duerme. Una carrera que terminará redimiendo al asesino que fue Neeson, que también se reencontrará con el hijo que abandonó.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 10 de abril de 2015 *
EL CAPITAL HUMANO (Il Capitale Umano, Paolo Virzi, 2013) *****
Italia / Francia. Duración: 109 min. Guión: Paolo Virzì, Francesco Bruni, Francesco Piccolo (Novela: Stephen Amidon). Música: Carlo Virzì. Fotografía: Jérôme Alméras, Simon Beaufils. Indiana Production Company. Género: Drama social.
Reparto: Valeria Bruni Tedeschi, Fabrizio Bentivoglio, Valeria Golino, Fabrizio Gifuni, Luigi Lo Cascio, Giovanni Anzaldo, Matilde Gioli, Guglielmo Pinelli.
Sinopsis: En la víspera del día de Navidad, un ciclista topa de noche con un lujoso todoterreno. El desgraciado accidente cambiará el destino de dos familias: la del millonario Giovanni Bernaschi, un gran especulador de las finanzas, creador de un fondo que promete un 40 por ciento de interés anual atrayendo y esquilmando a los crédulos inversores, y la de Dino Ossola, un ambicioso agente inmobiliario cuya empresa está al borde de la quiebra.
Mostrando la misma acción narrada desde los tres puntos de vista que confluyen en ella, deconstruyendo el tiempo, Virzi nos ofrece una certera radiografía en forma de parábola de la crisis actual. Quienes acaban pagando los platos rotos por los poderosos, irremediablemente, son las capas más bajas; los servidores de esos privilegiados, que no solo causan esa crisis, a costa de las clases humildes, sino que no dudan en obtener beneficios de la situación, en la que se mantienen totalmente permeables. Una elegante denuncia, no exenta de humor, que deja un pequeño resquicio de esperanza en forma de historia de amor.
- Premios
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2013: 7 Premios David di Donatello, incluyendo mejor película2014: Festival de Tribeca: Mejor actriz (Valeria Bruni Tedeschi)2014: Premios del Cine Europeo: Nominada a mejor director y actriz (Bruni)2014: Festival de Sevilla: Premio del Público
AGUAS TRANQUILAS (Still the Water/Futatsume no Mado, Naomi Kawase, 2014) *****
Japón / España / Francia. Duración: 121′. Guión: Naomi Kawase. Música: Hasiken. Fotografía: Yutaka Yamazaki.
Reparto: Nijiro Murakami Jun Yoshinaga, Makiko Watanabe, Hideo Sakaki, Tetta Sugimoto, Miyuki Matsuda, Jun Murakami, Fujio Tokita. Drama rural.
Sinopsis: Los habitantes de la isla de Amami, viven en armonía con la naturaleza, para ellos en cada árbol, cada piedra y cada planta vive un dios. Durante la noche de las danzas tradicionales de luna llena del mes de agosto, el joven de 16 años Kaito (Nijiro Murakami) descubre un cadáver flotando en el mar. Su amiga Kyoko (Jun Yoshinaga) trata de ayudarle a desentrañar este misterioso descubrimiento. Juntos, Kaito y Kyoko aprenderán a ser adultos experimentando los ciclos entrelazados de la vida, la muerte y el amor.
«La mer, la mer, toujours recommencé». Un mar encabritado y majestuoso deja paso en el siguiente plano al degüello de un cordero, la cámara de Naomi Kawase se entretiene en los detalles retratados con una fotografía preciosista. Estamos ante el espectáculo de la naturaleza, un espectáculo que provoca temblor. El temblor de la fascinación y el sobrecogimiento. La naturaleza es desafío y templo. Y el hombre se mueve entre la aceptación y la extrañeza.
Kyoko fluye en el mar, ha nacido en sus orillas; Kaito, trasplantado desde la ciudad por la ruptura de sus padres, ve el mar como un espacio hostil. Los dos adolescentes enfrentarán juntos la muerte que les envuelve, el misterioso cadáver flotante, la enfermedad terminal de la madre de la joven. Están madurando, dejando atrás la niñez, su amor naciente les habrá de conducir hacia el descubrimiento de como aceptar la muerte es tanto como afirmar la vida.
Kawase aborda este relato de crecimiento desde el lirismo, su película es una canto a las emociones y los sentimientos. En sus manos la naturaleza toma carácter de personaje, el más omnipresente, además; aquel que soporta todo el entramado dramático, pues es el contrapunto de las evoluciones del resto. Es en la escena del fallecimiento de la madre de Kyoko donde la película alcanza su cénit y la estrategia narrativa se muestra más patente, con esa grúa que se eleva desde la casa hasta la copa de los árboles que la envuelven como si quisiera señalarnos que la muerte no es más que un paso hacia la integración con el cosmos. Nada termina, todo es fluir constante. Como esas olas, como ese mar eternamente recomenzado.
EL ÚLTIMO LOBO (Wolf Totem, Jean Jacques Annaud, 2014) *****
China / Francia. Guión: John Collee, Lu Wei, Jean-Jacques Annaud (Novela: Jiang Rong). Música: James Horner. Fotografía: Jean-Marie Dreujou. Productora: China Film / Beijing Forbidden City Film / Reperage. Género: Drama.
Reparto: Feng Shaofeng, Shawn Dou, Ankhhyam Ragchaa, Yin Zhusheng, Basen Zhabu.
Sinopsis: Narra la historia de un joven estudiante de Beijing llamado Chen Zhen que, en 1967, es enviado por el régimen a vivir entre los pastores nómadas de Mongolia Interior. Chen 
tiene mucho que aprender sobre la vida en esta tierra infinita, hostil y vertiginosa, sobre la noción de comunidad, de libertad y de responsabilidad, y sobre la criatura más temida y venerada de las estepas: el lobo. Seducido por la compleja y casi mística relación entre estas criaturas sagradas y los pastores, capturará una cría de lobo con la idea de domesticarlo. Pero el modo de vida tradicional de la tribu se verá amenazada cuando la avaricia del hombre despoje a los lobos de su alimento.
El último lobo tiene mucho en común con otro de los filmes del director francés: El oso (L’ours, 1988), con la que comparte belleza y mensaje ecologista. En ambas el hombre es el gran depredador de la naturaleza, aunque en El último lobo no sale tan mal parado, ya que distingue entre la dignidad y pureza de los componentes de las tribus mongolas y los egoistas chinos de la ciudad: Los sabios nómadas saben que han de respetar el hábitat si no quieren que el lobo acabe vengándose y buscando alimento en sus poblados; mientras que el necio funcionariado chino coloniza el terreno sin respetar el milenario equilibrio. Pero más allá de la lección ecologista, el filme es el relato de crecimiento de su protagonista, el estudiante idealista que proveniente de la ciudad adoptará un lobo y se adaptará al modo de vida de los últimos mongoles, todo ello en un escenario de gran belleza plástica que, por si solo, ya justifica el disfrute de este filme como simple espectáculo visual.
LA DAMA DE ORO (Woman in Gold, Simon Curtis, 2015) *****
UK / USA. Duración: 107 min. Guión: Alexi Kaye Campbell. Música: Martin Phipps, Hans Zimmer. Fotografía: Ross Emery. Productora: BBC Films / Origin Pictures. Género: Drama.
Reparto: Helen Mirren, Tatiana Maslany, Ryan Reynolds, Charles Dance, Katie Holmes, Antje Traue, Max Irons, Daniel Brühl, Elizabeth McGovern, Jonathan Pryce, Tom Schilling.
Sinopsis: El filme relata la lucha de Maria Altmann (Helen Mirren), una mujer judía que tras huir de Viena durante la Segunda Guerra Mundial, emprende un viaje para reclamar las posesiones que los nazis confiscaron a su familia, entre ellas la célebre obra de Gustav Klimt ‘Retrato de Adele Bloch-Bauer I’. El joven abogado Randy Schoenberg (Ryan Reynolds) la acompañará en esta lucha.
Esta historia verídica tiene un muy buen arranque y un tono en el que tiene mucho que ver la química alcanzada entre los dos actores protagonistas, Helen Mirren y Ryan Reynolds, pero la magia se va deshinchando conforme la trama se va enredando en lugares comunes buscando siempre el sentimentalismo y consiguiendo que, progresivamente, vayamos perdiendo el interés, lo que es toda una lástima, ya que el punto de partida resulta atractivo.
LA CASA DEL TEJADO ROJO (Chiisai Ouchi, Yôji Yamada, 2014)*****
Japón. Duración: 136 min. Guión: Yôji Yamada, Emiko Hiramatsu (Novela: Kyoko Nakajima)Música: Joe Hisaishi. Fotografía: Masashi Chikamori. Género: Drama.
Reparto: Takako Matsu, Haru Kuroki, Hidetaka Yoshioka Satoshi Tsumabuki, Chieko Baisho, Takataro Kataoka.
Sinopsis: La historia comienza cuando Takeshi encuentra una colección de diarios que escribió su difunta tía Taki Nunomiya. A través de esos íntimos escritos, tanto el joven Takeshi como el espectador van conociendo la realidad que vivió la familia antes del estallido de la II Guerra Mundial.
La historia, pues, transcurre en dos épocas. La primera empieza en 1935 y acaba inmediatamente después de la II Guerra Mundial, y la segunda, entre 2000 y 2009. Va y viene entre ambas en un relato tan extenso como realista. El primer periodo podría describirse como “Showa moderno”, un tiempo único y lleno de colorido durante la era Showa (1926-1989), en la que la cultura japonesa asimiló numerosas influencias occidentales. Se oía jazz y canciones francesas; el art déco y el art nouveau fueron importados de Estados Unidos y adoptados con entusiasmo. El cine pasó de mudo a sonoro, y empezaba la era dorada de Hollywood. Mientras tanto, en segundo plano, detrás de aquellos días de paz y brillantez, la sombra militarista crecía al tiempo que Japón escogía el camino de la guerra.
El cineasta japonés Yoji Yamada, que nos ha entregado notables obras durante su larga carrera, se aventura en un terreno desconocido para él en su 82ª película como director. El guion está basado en la novela superventas de Kyoko Nakajima, Chiisai ouchi, ganadora del Premio Naoki en 2010. Hace cincuenta años que Yoji Yamada describe las relaciones familiares en sus películas, pero esta vez toca un tema nuevo: los secretos de familia. Con esa perspicaz mirada suya que tanto le ha servido, se adentra en el corazón humano con la esperanza de mostrar qué esconde.
Delicadeza y una forma de narrar como tan solo podemos hallar en el cine japonés. Una obra notable.
- Premios
-
2014: Festival de Berlín: Mejor actriz (Haru Kuroki)
VAMOS DE ESTRENO (o no) *Miércoles 1 de abril de 2015*
LA HISTORIA DE MARIE HEURTIN (Marie Heurtin, Jean-Pierre Améris, 2014) *****
Francia. Duración: 95 min. Guión: Jean-Pierre Améris, Philippe Blasband. Música: Sonia Wieder-Atherton. Fotografía: Virginie Saint-Martin
Reparto: Isabelle Carré, Ariana Rivoire, Brigitte Catillon, Gilles Treton, Laure Duthilleul, Sonia Laroze, Noémie Churlet, Martine Gautier, Patricia Legrand, Stéphane Margot.
En estos tiempos que corren parece estar mal visto eso tan difícil que es el emocionarse con una película. Pero eso es inevitable, a menos que se carezca de corazón, con La historia de Marie Heurtin, o con sus personajes e interpretaciones. Y es que Jean-Pierre Améris nos ofrece una historia sencilla ,bien contada y mejor interpretada que puede ser tachada de sentimental, sí, pero no de sentimentaloide. Una historia de amor y superación basada, además, en hechos reales.
La película nos narra la historia de Marie Heurtin (Ariana Rivoire), de 14 años de edad, nacida ciega y sorda e incapaz de comunicarse. Sus padres acuden al Instituto Larnay, especializado en la educación de niñas sordomudas. A pesar del escepticismo general, la hermana Marguerite (Isabelle Carré), acoge a esta «pequeña salvaje» bajo su protección, haciendo todo lo posible para educarla y sacarla de la oscuridad.
Lo de ‘pequeña salvaje’ no es gratuíto, ya que si hay que buscar modelos y antecedentes a este filme, uno de ellos es sin duda L’enfant sauvage (1970) de François Truffaut y, por supuesto, El milagro de Ana Sullivan (The Miracle Worker, 1962) de Arthur Penn. De 
hecho el director conoció el caso de Marie Heurtin gracias a la fascinación que sentía por la historia de Helen Keller, otro hecho real que relata el filme de Arthur Penn. El director siempre se ha sentido atraído por «la gente que se considera distinta, y en consecuencia marginada, uno de los temas centrales de mis películas, como en Tímidos anónimos». Y lo que emocionó al director y atrajo más a la hora de escribir el guión de su obra fue «el personaje excepcional de la Hermana Marguerite y su firme convicción de que logrará liberar a la joven Marie de su prisión interna«. Un personaje excepcional para una actriz también excepcional, pues la interpretación de Isabelle Carré, que ya había actuado en algún otro filme del realizador, desprende calidez, sensibilidad y humor, reflejando un sentimiento algo vetado para una monja como es el amor maternal. Tampoco desmerece la soberbia interpretación de la debutante actriz sordomuda Ariana Rivoire, dos ingredientes básicos sin los cuales el director nos hubiera conseguido lo que pretendía mostrar con su filme: la historia de una liberación, de un renacimiento.
Vayan a verla y emociónense sin complejos, diantre, que ese es el secreto del buen cine.
CONVICTO / STARRED UP (David Mackenzie, 2013) *****
UK. Duración: 106. Guión: Jonathan Asser. Fotografía: Michael McDonough. Productora: Sigma Films / Film4 / Lipsync Productions / Quickfire Films. Género: Drama carcelario.
Reparto: Ben Mendelsohn, Rupert Friend, Jack O’Connell, Sam Spruell, David Ajala, Peter Ferdinando, Anthony Welsh, Ashley Chin, David Avery, Gershwyn Eustache Jnr.
Sinopsis: Un adolescente violento y con problemas es transferido a una prisión para adultos, donde finalmente se encuentra con alguien que le hace frente que resultará ser su propio padre.
Starred Up es un potente drama carcelario perfectamente construido que se inicia con el ingreso en prisión de su protagonista a tiempo real. Una cárcel que será tan solo el escenario para el reencuentro entre padre e hijo. Áspera, sin recurrir a manidos tópicos carcelarios (drogas, violaciones…), el film avanza con el ritmo exacto trazando impecablemente el arco de transformación de sus personajes. Un film memorable que se pudo disfrutar en la edición del Festival de Sitges de 2014 y en el que destacan sus dos protagonistas: el ascendente actor Jack O’Connell, visto recientemente en nuestras pantallas en 71 (Yann Demange, 2014) y el veterano Ben Mendelsohn.
VAMOS DE ESTRENO (o no) *Viernes 27 de marzo de 2015*
LO MEJOR DE MÍ (The Best of Me, Michael Hoffman, 2014) 0
Duración:117 min. País: Estados Unidos. Director Michael Hoffman. Guión: Will Fetters, J. Mills Goodloe, Michael Hoffman (Novela: Nicholas Sparks). Música: Aaron Zigman. Fotografía: Oliver Stapleton. Productora: Relativity Media / DiNovi Pictures / Surefire Entertainment. Género: Romance.
Reparto: James Marsden, Michelle Monaghan, Luke Bracey, Liana Liberato, Caroline Goodall, Sebastian Arcelus, Jon Tenney, Gerald McRaney.
Lo mejor de mí es, sin duda, lo peor del año hasta la fecha. Al menos entre lo que hemos podido ver. Una insulsa y almibarada historia de amor repleta de tópicos y factura televisiva en el más peyorativo sentido del término con trillado argumento de fotonovela: chico de clase baja y chica de clase alta que se enamoran. Chico y chica se separan por rocambolescos avatares para reencontrarse, 21 años después, más jóvenes y lozanos que en su juventud, renaciendo de nuevo entre ellos la llama del amor.
Algunos de los muchos elementos en contra: los actores que interpretan a los protagonistas en su adolescencia son totalmente diferentes a sus sosias adultos. Y tan mal escogidos que incluso parecen mayores. Pero ese no es el mayor defecto de Lo mejor de mí, también su previsible guión carece de toda tensión dramática; los personajes son planos, meros arquetipos que no llegarán a involucrarnos en la trama ni en lo que vaya a ser de ellos. Y es larga. Eterna. Tanto, al parecer, como el amor que se profesan los dos protagonistas. Actores, por cierto, a los que guardamos simpatía. Quién más, quien menos se enamoró de Michelle Monaghan siguiendo la serie Lost; y como fans de X-Men, guardamos pleitesía (aunque no demasiada) por el cíclope que interpreta Marsden en la saga mutante. Con respecto al director, Michael Hoffman, sin duda le quedó mucho más redonda su otra incursión romántica, Un día perfecto (One fine day, 1996).
Apta para sestear tras la comida dominical, pero con las sales al lado por si indigesta. 0
FOCUS (Glenn Ficarra y John Recua, 2015) *****
ESTADOS UNIDOS/ARGENTINA, 105’.Guión: Glenn Ficarra, John Requa. Música: Nick Urata. Fotografía: Xavier Pérez Grobet. ProductoraWarner Bros. Género: Comedia criminal.
Reparto: Will Smith, Margot Robbie, Rodrigo Santoro, Stephanie Honore, BD Wong, Adrian Martinez, Robert Taylor, Kate Adair, Joe Chrest, Nina Leon
Sinopsis: Nicky (Will Smith), un consumado maestro de la estafa, instruye en el oficio a la novata Jess (Margot Robbie). Pero no todo será lo que parece en esta historia ambientada en Nueva Orleans y Buenos Aires.
Comedia en la que Will Smith hace lo que mejor sabe hacer: de sí mismo. Una fórmula que continúa funcionando gracias al innegable carisma y la simpatía del actor. Por su parte la australiana Margot Robbie, que ya nos encandiló tanto como a DiCaprio en El lobo de Wall Street (The Wolf of Wall Street, 2013 Martin Scorsese), y que será la nueva Jane en el inminente remake de Tarzán que ha dirigido David Yates, luce en este film, además de sus grandes encantos, un buen talante para la comedia, consiguiendo no quedar a la sombra de Smith. Nada nuevo en una historia de timadores con los que cuesta simpatizar, pues para ellos todos somos primos, pero que finalmente conseguirán ponernos de su parte cuando… y aquí debo dejarlo si no quiero estropear a los espectadores Focus, un agradable film repleto de elegancia para tarde de domingo, con unos timadores de altos vuelos muy diferentes a los mostrados por Pedro Lazaga en la entrañable Los tramposos (1959) con su memorable timo de la estampita. A tiempos nuevos…
CALABRIA (Anime Nere, Francesco Munzi, 2014) *****
Italia / Francia. Duración: 103 min. Guión: Francesco Munzi, Fabrizio Ruggirello, Maurizio Braucci (Novela: Gioacchino Criaco). Música: Giuliano Taviani. Fotografía: Vladan Radovic. Productora: Cinemaundici / Babe Film. Género: Drama.
Reparto: Marco Leonardi, Peppino Mazzotta, Fabrizio Ferracane, Anna Ferruzzo, Barbora Bobulova, Giuseppe Fumo, Pasquale Romeo, Vito Facciolla, Aurora Quattrocchi.
Sinopsis: En un pequeño pueblo de la región de Calabria, los hermanos Carbone llevan años viviendo del lucrativo negocio familiar: el tráfico de drogas. Eran hijos de pastores, pero ahora forman parte de la familia criminal calabresa del entorno de la ‘Ndrangheta. Luciano, el mayor, alejado del resto de la familia, intenta mantenerse al margen hasta que su conflictivo hijo Leo empieza a acercarse a su carismático tío Luigi y sus turbios negocios. Cuando Leo pierde el control una noche, los tres hermanos se ven forzados a unirse de nuevo para defender el honor y las vidas de la familia.
CITIZENFOUR (Laura Poitras, 2014) *****
En enero de 2013, Laura Poitras comenzó a recibir correos electrónicos cifrados cuyo remitente era » CITIZENFOUR», quien aseguraba tener pruebas de los programas de vigilancia ilegales dirigidos por la NSA en colaboración con otras agencias de inteligencia. Cinco meses después, en junio de 2013, Poitras viaja a Hong Kong, junto con los periodistas Glenn Greenwald y Ewen MacAskill, para el primero de los muchos encuentros que mantendrá con su misterioso confidente. Poitras acudió a todos esos encuentros acompañada de una cámara para registrar todo lo acontecido. Al salir a la luz toda esa información clasificada y desatarse el escándalo deberán hacer frente a los medios y mantener su seguridad y la de los suyos que ahora están en peligro.
A pesar de lo interesantísimo y candente que es el tema tratado por este documental; de lo bien rodado que está, casi como si de ficción se tratara; de poder ser testigos de excepción de unos encuentros históricos; y de la valentía que demuestran todos los implicados en la difusión de esta delicada información, lamento decir que al que esto escribe el documental le pareció durante su mayor parte soporífero. Repito, y todo ello sin dejar de reconocerle los méritos y basándome únicamente en los valores cinematográficos del mismo. Aún así estos testimonios son de un valor extraordinario. Documentos impagables que contribuyen a mostrar cual es nuestro papel en esta mediática sociedad.
CENICIENTA (Cinderella, Kenneth Branagh, 2015) *****
USA. Guión: Chris Weitz (Cuento: Charles Perrault) Música: Patrick Doyle. Fotografía: Haris Zambarloukos. Productora: Walt Disney Pictures. Género: Fantástico.
Reparto: Lily James, Cate Blanchett, Helena Bonham Carter, Richard Madden, Holliday Grainger, Sophie MsShera, Eloise Webb, Derek Jacobi, Hayley Atwell, Leila Wong.
Sinopsis: Cuenta las andanzas de la joven Ella (Lily James) cuyo padre, un comerciante, vuelve a casarse tras la muerte de su madre. Ella quiere dar gusto a su padre y acoge con cariño a su nueva madrastra (Cate Blanchett) y a sus hijas Anastasia (Holliday Grainger) y Drisella (Sophie McShera) en la casa familiar. Pero cuando el padre de Ella muere inesperadamente, la joven se encuentra a merced de una nueva familia celosa y cruel.
Calabria, la herencia de la violencia y el resentimiento
Más allá de los títulos más comerciales hay un cine que permanecería invisible de nos ser por las muestras y festivales. Un cine de presupuestos más modestos pero, muchas veces, de resultados más esmeradamente artísticos. Ese es el caso de Calabria, una película hecha de encuadres cargados de sentido, con un tempo casi contemplativo y una cámara pausada que apenas se mueve y que cuando lo hace es sutil y elegante. Sobre todo sutileza es la que impera en el tercer trabajo de Francesco Munzi, nacida del profundo respeto de la mirada del cineasta por la historia a contar.
Munzi recala en Calabria, probablemente la más negra región italiana, para contarnos una historia de mafiosos que huye de lo convencional: “Me basé en la novela (homónima) de Gioacchino Criaco, pero la traicioné para respetar su propia idea: que estos criminales tienen sus fragilidades. Algo que rompe con la idea del mafioso en sí mismo, con la imagen cinematográfica que se le ha dado e inclusive con la idea que ellos mismos han querido transmitir (…) En realidad hay quienes se suicidan, que sufren, que viven tensiones terribles. Pongo en escena aparentemente la guerra contra otra banda, en realidad escenifico la guerra dentro de ellos mismos, en la misma familia. Es que la verdadera guerra está dentro de ellos”. El suyo, podría decirse, es un retrato intimista de la organización criminal (aquí la ‘Ndrangheta calabresa), una estampa que se introduce hasta la raíz de su esencia: el profundo resentimiento que se acompaña de la voluntad de perpetua venganza. Un resentimiento que se hereda de generación en generación y que se ancla en la propia composición de lo familiar (de ahí que se la haya querido comparar a El funeral de Abel Ferrara).
Calabria tiene tanto de drama familiar (si no más) como de crónica negra. Eso es lo que la hace especial. Se trata de una familia de criminales: Luigi, el traficante, es un tipo decidido e impulsivo, y Rocco es el “cuello blanco” que vive dentro de la sociedad milanesa. Un enfrentamiento a distancia con otra familia mafiosa, desencadenada por el sobrino Leo, les hará volver al pueblo en que nacieron, Africo, lugar simbólico de la ‘ndrangheta, donde vive Luciano, el tercero de los hermanos (y el mayor de los tres). Lo que pasa es que Luciano no es como ellos. Tras el asesinato del padre, muchos años atrás, se encerró en una burbuja en la que se dedica a cuidar de sus cabras y llevar a cabo sus ritos religiosos. Sin embargo, esta burbuja la pondrá en peligro su propio hijo Leo, que a sus 20 años de edad quiere ir a Milán y emular la gesta del tío Luigi. Contraste y tensión entre dos mundos es el que separa a los hermanos, pero también entre dos voluntades: la continuista de los dos hermanos emigrados al norte y el deseo de acabar con el lastre de la herencia por parte de Luciano. Y la tensión no podrá resolverse más que con la drástica aniquilación de los propios vínculos de sangre.
‘Ndrangheta significa etimológicamente ‘virtud de la hombría’, es un mundo de hombres, pero las mujeres no son simples observadoras ni menos están libres de culpa. En el filme “son las más silenciosas, están en la sombra, pero con una mirada dan su consentimiento”, sostiene el director. Son las madres del ser, las transmisoras del resentimiento que consienten la violencia (e incluso la inducen). “Representan el aspecto más conservador, las verdaderas almas negras. La madre con la mirada da el toque inicial para la vendetta, mientras la esposa milanesa, sin admitirlo, es cómplice. Tal vez sea Italia”. O tal vez no, tal vez sea una historia más universal que podemos acercar a nosotros aunque sólo sea a escala.
“Sólida, violenta y abrupta, estamos ante una muestra ejemplar de cine negro, neorealista y rural, rodada con carácter, rigor y mucha personalidad” (Filmin), así es Calabria. Toda una suerte que Betta Films nos haya permitido gozar de ella.
VAMOS DE ESTRENO (O NO) Jueves 19-03-2015
PRIDE (Matthew Warchus, UK, 2014)
Guión: Stephen Beresford. Duración: 120 min. Guión: Stephen Beresford. Música: Christopher Nightingale. Fotografía: Tat Radcliffe
Reparto: Bill Nighy, Imelda Staunton, Dominic West, Paddy Considine, Andrew Scott, Joseph Gilgun, George MacKay, Ben Schnetzer
Pride puede incluirse, y debe, dentro de la comedia social inglesa, aunque no llegue a alcanzar el tono incisivo de obras de Ken Loach como Riff-Raff (1990). Más bien se orienta en la línea amable, con cierto regusto amargo, de Full Monty (Peter Cattaneo, 1998). La acción, basada en hechos reales, se desarrolla durante la gran huelga de la minería del año 84. Todo un pulso contra el férreo gobierno Tatcher. Centrándose en un episodio solidario entre débiles ante el gobierno como enemigo común: relata la campaña de apoyo ejercida por un pequeño colectio gay-lésbico a estos mineros. Mostrando, igualmente, los prejuicios contra este colectivo, al igual que también las reticencias entre el algunos sectores homosexuales de alinearse junto a otras causas que no sean las propias. Todo ello con el trasfondo de la detección de los primeros casos de Sida en Inglaterra.
El filme de Matthew Warchus enfoca en clave de humor una lucha que fue dura y extenuante. Una de sus mejores bazas es trabajar un amplio abanico de personajes que cubren, o al menos lo pretenden, el muestrario de actitudes y circunstancias que se dan en ambos colectivos asociados en la lucha. Así, por parte de la comunidad gay, nos encontramos desde «militantes» veteranos como el actor Mike (Joseph Gilgun), necesitado de una causa que le oriente, hasta Joe (George MacKay) el típico adolescente que aún no se ha atrevido a expresar su inclinación sexual en su entorno más cercano y que vivirá en esta lucha su propio camino de liberación, aglutinados todos ellos gracias al concienciado Mark (Ben Schnetzer) que es estandarte de la tesis de la película: frente al poder opresor sólo cabe unir esfuerzos, las divisiones en la clase obrera no harán más que permitir la perpetuación de gobiernos represores, o nos liberamos juntos o podrán con nosotros. Por su parte, en el bando minero, el muestreo recoge tipos que representan las distintas luchas que se mueven bajo la causa aglutinante, como por ejemplo Sian (Jessica Gunning) símbolo de las mujeres que pugnan por obtener un sitio activo en la sociedad; no faltan tampoco las voces discordantes como expresión de que los prejuicios permean todas las capas sociales, ese papel antagonista que es representado por Marion (Monica Dolan) quien, paradójicamente (ya se sabe, contradicción aparente), es una voz influyente en el comité sindical.
La tensión dramática, que tan bien fluye en la primera mitad (la más cómica), se desluce en la segunda (cuando aparecen las nubes negras), ahí la cinta cambia y cae en sentimentalismos innecesarios. Y Pride, así, incurre en un paternalismo que le hace perder su vigor reivindicativo. Con todo es una cinta interesante, aunque sólo fuera ya porque deja entrar en el panorama cinematográfico cuitas de otra calidad que las de la clase media (media alta en muchas ocasiones) que suelen llenar nuestras pantallas. También representa una necesaria lección de solidaridad y lucha. Y eso nunca sobra.
PASOLINI (Abel Ferrara, Francia/Bélgica/Italia, 2014) *****
Duración: 86 min. Guión: Abel Ferrara. Fotografía: Stefano Falivene.
Reparto: Willem Dafoe, Ninetto Davoli, Riccardo Scamarcio, Valerio Mastandrea, Adriana Asti, Maria de Medeiros. Productora: Capricci Films / Tarantula / Urania Pictures S.r.l. Género: Drama biográfico.
En un film visionario y onírico, mezcla de realidad e imaginación, Abel Ferrara reconstruye el último día en la vida de este legendario cineasta y poeta, con su habitual colaborador Willem Dafoe en la piel de Pier Paolo Pasolini.
Pasolini es uno de esos biopics que no causa rubor ver. Lejos de elevar en un altar al protagonista llamando a la emoción al espectador, Abel Ferrara se limita a narrar el último día de vida del director italiano mezclando su vida cotidiana con el último guión que estaba escribiendo, ofreciendo con todo ello un retrato íntimo del polémico y personal director sin ignorar su absurda muerte a manos de unos chaperos, contando para ello con la participación de un estupendo elenco artístico en el que, naturalmente, destaca su camaleónico protagonista, Willem Dafoe, que compone un retrato del director contenido y certero. También participan actores como Ninetto Davoli, que colaboró con Pasolini en algunos de sus filmes, como El Decamerón y Las mil y una noches, o Adiana Asti (Accatone). Además de Riccardo Scamarcio (La mejor juventud), Valerio Mastandrea (La prima cosa bella) y Maria de Medeiros. Ferrara, bastante ignorado por crítica y público, nos parece un cineasta de primera. Excesivo a veces, pero que no duda, a sus 64 años, en experimentar con su forma de rodar y escogiendo temáticas arriesgadas e incómodas (tan solo hay que recordar su anterior Welcome to New York), que denuncian, sin panfletos ni slogans algunos de los más oscuros momentos de la sociedad que nos ha tocado vivir. Si con Ángel de venganza (Mr. 45, 1981), El teniente corrupto (Bad Lieutenant, 1994) o The Addiction (1995), Ferrara consiguió narrar con las tripas causando malestar y desazón en el espectador, hay que celebrar que, todavía hoy, siga ofreciéndonos ese poso de incomodidad con su cine. Al menos nosotros lo celebramos y felicitamos a Good Films / La Aventura por la posibilidad de poder disfrutar con el estreno en salas de películas arriesgadas y atípicas.
HOME (*****)
Año: 2014 País: Estados Unidos Duración: 90 Género: Animación Dirección: Tim Johnson Reparto: im Parsons, Jennifer Lopez, Rihanna, Steve Martin, Matt Jones, Dominique Monfery. Distribuidora: 20th Century Fox Productora: : 20th Century Fox, DreamWorks Animation
Cuando Oh, un adorable inadaptado procedente de otro planeta, aterriza en la Tierra y se encuentra huyendo de su propia especie, entabla una improbable amistad con una muchacha aventurera llamada Tip, que anda metida en una búsqueda exclusivamente suya. A través de una serie de cómicas aventuras junto a Tip, Oh llega a entender que ser diferente y cometer errores forma, todo ello, parte del ser inteligente y juntos descubren el verdadero significado de la palabra HOGAR.
Las películas de animación son una de las mejores herramientas para educar en valores mientras se desarrolla la fantasía. Sus espectros temáticos son muy recurrentes igual que sus esquemas narrativos. Casi siempre nos enfrentan al diferente, al inadaptado y no aceptado por los demás, que acabará por demoler el viejo orden (tras demostrarse que estaba errado) y permitiendo que un nuevo equilibrio resuelva los problemas a los que se haya visto abocada la comunidad. Home no es diferente en esto, pero reviste el esquema básico con una interesante aventura que mezcla géneros diversos desde la ciencia ficción (casi distópica) hasta la novela de crecimiento. Una mezcla sin fisuras que da como resultado un entretenido conjunto.
Así, Tim Johnson, su realizador, la define como la primera “película de animación postapocalíptica, mezcla de comedia de amigos, invasión extraterrestre y road movie”. Aunque, por encima de todo, asegura Johnson, Home gira en torno a dos personajes que no encajan en sus respectivos mundos, pero que unidos descubren el auténtico significado de la aceptación, además de rasgos comunes que no dejan de sorprenderles. “Es en gran medida una película de amigos, pero también trata de un choque de culturas que da lugar a un extraordinario entendimiento y que florece en una divertida y hermosa amistad entre Oh y Tip”, explica.
El viaje de Oh y Tip tiene mucho de iniciático
‘La piel quemada’ de Josep María Forn se proyectará con la presencia del director
Josep Maria Forn
Director (15 largometrajes y 8 cortos), Guionista, (18 largometrajes y 19 cortos), Productor (30 largometrajes y 62 cortos). Presidente de honor de la PAC. Ex director general de Cinema de Catalunya (1985-1989)
De toda su filmografía destacan Muerte al amanecer (1961); La vida privada de fulano de tal (1961); La piel quemada (1966); Companys, procés a Catalunya (1979); Subjudice (1998), (Premio del Festival de Málaga) y El coronel Macià (2006). De entre sus producciones destacan títulos como La ciutat cremada, Ocaña, retrato intermitente y Un cos al bosc, entre otras.
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Vamos de estreno (o no), viernes 13 de marzo 2015
CHAPPIE (*****)
Año: 2015 País: Estados Unidos Duración: 120 Género: Ciencia Ficción Dirección: Neill Blomkamp Reparto: Sigourney Weaver, Hugh Jackman, Dev Patel, Sharlto Copley Distribuidora: Sony Pictures Productora: Columbia Pictures, Media Rights Capital, Alpha Core
Como en Distrito 9, Blomkamp vuelve a tomar un corto suyo previo, Tetra Vaal, como punto de partida para contarnos la peripecia de Chappie (al que Sharlto Copley, actor fetiche del director, le presta voz y captura de movimientos), el primer robot consciente de sí mismo, una Inteligencia Artificial autónoma que no se diferencia de los humanos salvo porque es capaz de desarrollar un intelecto superior al de los hombres. En este esquema ya visto, la novedad es que Chappie no está predeterminado por su programa, al contrario su programación tiene como característica que se desarrollará por sí misma y sería inmortal de no ser porque su cuerpo no puede recargarse. Todo ello arropado por una trama que nos lleva a un Johannesburgo futuro, asolado por la delincuencia (un paisaje apocalíptico al modo de Mad Max) a la que se puede combatir gracias a los androides creados por Deon Wilson (Dev Patel), ingeniero de una empresa diseñadora de armas para la policía. El rival de Wilson es Vincent Moore (Hugh Jackman), creador del prototipo Alce (una especie de tanque con patas sin inteligencia propia), que ve como su proyecto es puesto aparte por culpa de los androides de Wilson. Cuando Wilson introduzca una nueva variante de su programa que permite esa Inteligencia Artificial inagotable, empezarán los problemas. (crítica completa aquí)
PURO VICIO (*****)
Año: 2014 País: Estados Unidos Duración: 148 Género: Noir paródico Dirección: Paul Thomas Anderson Reparto: Joaquin Phoenix, Josh Brolin, Katherine Waterston, Owen Wilson, Reese Witherspoon, Benicio del Toro Distribuidora: Warner Bros. Productora: Warner Bros. Pictures / Ghoulardi Film Company
La séptima película de Paul Thomas Anderson es la adaptación de la séptima obra de Thomas Pynchon cuyo argumento es casi el de una novela negra clásica. Casi porque aquí los lugares comunes del género están tratados con la distancia irónica que caracteriza a los homenajes paródicos. Es un noir desarrollado desde la visión alucinada de un hippie detective politoxicómano, Doc Sportello (un inspirado Joaquin Phoenix). Estamos en la California de finales de los sesenta, después de mucho tiempo sin verse, su ex, Shasta (Katherine Waterston), una seductora «femme fatale», le pide ayuda debido a los planes de hacer desaparecer a su amante, un magnate inmobiliario que pretendía devolverle a la sociedad todo lo que había expoliado. Este es sólo el cabo del ovillo que es la enmarañada trama en la que se mezclarán el tráfico de drogas, las mafias orientales, la corrupción, la inestabilidad política del momento, las alusiones a Manson y sus acólitas, moteros nazis trabajando como guardaespaldas de un judío, y un sinnúmero de personajes esperpénticos.
El cine negro tuvo su época dorada en la década de los cuarenta y en El sueño eterno alcanzó una de sus cumbres. El clásico de Hawks es el epítome del género por excelencia, una suerte de compendio de los motivos arquetípicos entre los que no es menor el de exponer un embarullado argumento difícil de seguir. Y es que en el negro importa más la atmósfera y el retrato que el sentido narrativo. Anderson lo sabe bien y ha logrado dar ese toque a su cinta, pero retorciendo todavía más las digresiones narrativas. Tal se diría que estamos ante una pesadilla psicodélica fruto del consumo desbocado de estupefacientes (mientras la vemos nuestras neuronas establecerán conexiones con otras piezas inclasificables y alucinógenas como El gran Lebowski y Miedo y asco en Las Vegas).
Su título ‘Inherent Vice’ (aká traducido equívocamente como Puro vicio) se refiere al término legal conforme al cual se designa el vicio oculto que adolece una cosa de tal modo que provoca su deterioro, en el que se apoyan las aseguradoras a la hora de abonar a la baja sus indemnizaciones. Esa es la pista sobre cómo interpretar la peripecia de los personajes, todos ellos parecen estar al borde de la desintegración, moviéndose por un Los Ángeles fantasma, metáfora del sueño americano que no fue. Una melancolía sonámbula (acrecentada por la voz en off del narrador testigo) trufa esta cinta repleta de humor marciano, que Anderson recrea con una planificación enamorada de los primeros planos de su crisol coral. Como si quisiera hacernos transitar por su misma derrota, en su acepción marinera (rumbo o dirección que llevan en su navegación las embarcaciones), claro, pero también por su condición de vencidos, de perdedores.
Puro vicio es todo un ejercicio de antiépica que nos regala algunos momentos de antología (a destacar el excelente el trabajo de Robert Elswit, habitual director de fotografía de Anderson), pero que acusa (mal) su excesivo metraje. Y es que Anderson no pasará a la historia por su capacidad de síntesis, su denso universo personal se lo impide, y eso, en esta obra en concreto, se nos antoja un lastre. Hubiéramos preferido un trabajo más ágil, como el de Embriagado de amor (esa otra comedia extraña que nos regalaba en 2002), que compensara con un ritmo más dinámico el abigarramiento argumental, haciendo más claro el retrato y sirviendo mejor a la ironía. Reparo personal que no nos impide ver que nuevamente nos ha brindado una pieza singular que para sus fans acérrimos (que los tiene y muchos) podrá considerarse de culto instantáneo.
Serendipia
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