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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 10 de julio *

LA MIRADA DEL SILENCIO (The Look of Silence, Joshua Oppenheimer, 2014)*****

Dinamarca / Finlandia / Indonesia / Francia / UK. Duranción: 99 min. Guión: Joshua Oppenheimer. Música: Seri Banang, Mana Tahan. Fotografía: Lars Skree. Productora: Final Cut for Real. Género: Documental

the_look_of_silence_1Tras el golpe de estado militar de 1965, el general Suharto ocupó el poder en Indonesia con el beneplácito de  Estados Unidos y su política de erradicación del comunismo. A continuación llegó el genocidio: miles de comunistas, reales o presuntos, fueron asesinados por los escuadrones de la muerte. Los habitantes de pequeñas poblaciones tuvieron que aprender a convivir con sus asesinos y hubo un acuerdo tácito de olvidar. The Act of Killing (2012)  Joshua Oppenheimer permitía que los propios asesinos se jactaran y se pusieran en evidencia relatando los detalles de sus tropelías, sintiéndose héroes al recordar y representar sus crímenes, ofreciendo un sobrecogedor retrato de la maldad humana sin ningún tipo de concesión hacia el espectador, testigo mudo de toda esa crueldad. Precisamente mientras se rodaba esa película, en la que se pone nombre a una de las víctimas, Ramli, su  familia descubrió cómo fue asesinado su hijo.  El hermano más joven de la víctima, Adi, decide romper el silencio y el miedo con el que viven los supervivientes, enfrentándose así a a los responsables del asesinato de su hermano – algo inimaginable en un país donde los asesinos permanecen en el poder.

En el título de este nuevo documental, La mirada del silencio,  se encuentran los dos factores fundamentales del mismo: La mirada acusadora de una víctima, que hace las veces de entrevistador, a los verdugos de su hermano. En un cara a cara silencioso, sin palabras. Sin apartar la vista. Regalando momentos incómodos para el verdugo, que desea marchar, mirar hacia otro lado, desaparecer, amenazando incluso, antes que enfrentarse a esa mirada limpia y digna que quiere romper con el silencio con el que se ha intentado enterrar el pasado. Ni víctimas ni verdugos parecen querer recordar. Ahora viven en una democracia, y si quieren que no se repitan los hechos del pasado, hay que enterrar y olvidar ese pasado. A pesar de que muchos de los responsables de esas matanzas continúan en el poder.

Si The Act of Killing nos rebelaba como seres humanos, esta mirada del silencio nos consuela en parte al permitir que, por medio de Adi, las víctimas puedan enfrentarse a sus verdugos. Mirarles cara a cara. Pero La mirada del silencio es mucho más, es un testimonio sobre la vida y la muerte. La justicia y la falta de ella. Y sobre el ser humano y la falta de humanidad. Sobre nuestra ceguera en este mundo en el que cualquier noticia entierra la anterior en segundos. La sobreinformación que paradójicamente produce silencio y ceguera.

Un documental sobrecogedor e imprescindible.

(En este enlace pueden leer un interesante y revelador artículo escrito por el propio director Joshua Oppenheimer sobre porqué decidió rodar estos documentales, como lo consiguió y las consecuencias de hacerlos hecho. Vean y escuchen)

TERMINATOR GÉNESIS (Terminator Genisys, Alan Taylor, 2015)*****

USA. Duración: 126 min. Guión: Laeta Kalogridis, Patrick Lussier Música: Christophe Beck Fotografía: Kramer Morgenthau Productora: Paramount Pictures / Annapurna Pictures / Skydance Productions Género: Ciencia Ficción.

Reparto: Emilia Clarke, Arnold Schwarzenegger, Jason Clarke, Jai Courtney, J. K. Simmons, Dayo Okeniyi, Lee Byiung-Hun. Matt Smith.

Sinopsis: Año 2032. La guerra del futuro se está librando y un grupo de rebeldes humanos tiene el sistema de inteligencia artificial Skynet contra las cuerdas. John Connor (Jason Clarke) es el líder de la resistencia, y Kyle Reese (Jai Courtney) es su fiel soldado, criado en las ruinas de una postapocalíptica California. Para salvaguardar el futuro, Connor envía a Reese a 1984 para salvar a su madre, Sarah (Emilia Clarke) de un Terminator programado para matarla con el fin de que no llegue a dar a luz a John. Pero lo que Reese encuentra en el otro lado no es como él esperaba…

TerminatorPoster_oficialDejando aparte el interesante punto de arranque, (SPOILER) con ese Terminator de los ochenta y el T-1000, dos sorprendentes guiños a las anteriores entregas de la serie (a falta de la Terminatrix de la tercera)(FIN DEL SPOILER) el film se torna casi soporífero. Invadiendo en todo momento la sensación de que lo que acontece en la pantalla ya lo hemos visto antes. Incluido el final. El Terminator ‘bueno’ de Schwarzenegger se ha vuelto la sombra de la amenaza que era en anteriores filmes, cargando tintas los guionistas en su intención de hacerlo entrañable. El ‘abualeitor’ ya está un poco chocho y se le nota, llegando a sentir algo parecido al instinto paternal. Y es que solo las múltiples explosiones, efectos especiales de última generación, efectivos pero poco sorprendentes,  y la acción a raudales evitan que entremos en fase REM. Es posible que la historia no de más de sí; o que hubiera necesitado un guión más elaborado  y sorprendente. No lo sé. Pero no cautiva esta entrega de Terminator que si bien parece cerrar anteriores ciclos, también amenaza con iniciar uno nuevo ya con Terminator/Schwazenegger actualizado con la tecnología T-1000.

Eso sí, si de algo puede presumir este filme es de ser pudoroso hasta ofender. Quizás habría que explicar a los guardianes de la moral norteamericana que, si quieren que la película sea clasificada para todos los públicos, bien está que a pesar de toooooda la violencia latente, no haya muertes. Vale. Pero no creemos, la verdad, que sea necesario tanto cuidado para no mostrar la más mínima parte de la epidermis de los actores. De acuerdo, mucho se ha abusado del desnudo por ‘exigencias del guión’ en el pasado, pero lo que se hace para evitarlo en Terminator Génesis, sobrepasa el ridículo más absoluto. En pleno siglo XXI a nadie puede ofender un pudoroso desnudo.

LOVE & MERCY (Bill Pohlad, 2014)  *****

USA. Duración: 121 min. Guión: Oren Moverman, Michael A. Lerner Música: Atticus Ross Fotografía: Robert D. Yeoman  Productora: John Wells Productions / River Road Entertainment Género: Drama biográfico.

Reparto: Paul Dano, John Cusack, Elizabeth Banks, Paul Giamatti, Jake Abel, Joanna Going, Kenny Wormald, Dee Wallace, Erin Darke, Max Scheneider, Nikki Wright, Claudia Graf, Paige Diaz.

Sinopsis: Biopic sobre el músico y compositor Brian Wilson, fundador de los Beach Boys, sobre su influencia en la música, y sus problemas nerviosos que propiciaron su relación con el controvertido terapeuta Dr. Eugene Landy.

Lejos de ser un aburrido y gris biopic al uso, Love & Mercy  resulta ser un acertado retrato de la enfermedad mental narrada (y oida) desde dentro de la cabeza del propio músicolove-and-mercy-poster-640x949. Y dirigido de forma muy agil por su director, que por lo pronto renuncia a la cronología y apuesta por hacer avanzar la historia yendo de los sesenta a los noventa y viceversa utilizando dos actores para realizar el mismo papel: Paul Dano como el joven líder de los Beach Boys obsesionado con reproducir los sonidos que oye en su cabeza; y John Cusack, que encarna al maduro músico totalmente roto y manipulado por su terapeuta, papel que interpreta impecablemente el siempre eficaz Paul Giamatti.  Dos escenarios y dos épocas que el director también filma de diferente forma, la de los sesenta, más  excitante, de una forma casi documental, como queriéndonos hacer formar parte de la historia. Y la de los noventa mucho más convencional, casi hasta la exasperación. Somos testigos del ascenso de los Beach Boys y del nacimiento de Pet Sounds, la respuesta de Wilson al Sgt. Peppers y uno de los álbumes clave de la historia de la música del siglo XX; y del descenso a los infiernos de Brian Wilson; así como de la frustrada creación de Smile, disco iniciado en los años sesenta y finalizado en 2004. Y todo está tan bien relatado que uno recupera la fe en los buenos biopics. Y por ende, en el buen cine.

EL MUNDO SIGUE (Fernando Fernán Gómez, 1963) *****

España. Duración: 115 min. Guión: Fernando Fernán Gómez (Novela: Juan Antonio Zunzunegui) Música: Daniel J. White Fotografía: Emilio Foriscot (B&W) Productora: Ada Films Género: Drama.

Reparto: Lina Canalejas, Fernando Fernán Gómez, Gemma Cuervo, Milagros Leal, Francisco Pierrá, Agustín González, José Morales, José Calvo, Fernando Guillén, María Luisa Ponte, Pilar Bardem.

Esta es una de esas película que sin duda incomodaron al Régimen. Estrenada dos años después de realizarse y casi de tapadillo, esta agria historia sobre dos hermanas, que obsesionadas cada una a su manera por la riqueza, se profesan mutuamente un profundo odio, muestra una España alejada de los parámetros felices que a toda costa El_mundo_sigue-273711292-largese nos quería mostrar. Prostitución, aborto, violencia, pobreza, desigualdades sociales… vidas viles en las que el único valor es el del dinero, que Fernán Gómez retrata en un blanco y negro repleto de grises y una banda sonora conformada por los sonidos de la calle, de los vecinos, de los transistores. Pero también del jazz de Daniel J. White, amiguete de saraos nocturnos del propio Fernán Gómez y de Jesús Franco (de quien también fue músico de cabecera)  en el interminable Madrid nocturno de los cincuenta. A pesar de estar rodada en 1963, El mundo sigue mantiene la estética de los años cincuenta, y resulta ser un film tan bien fotografiado y repleto de detalles, que sus imágenes narran más de como fue esa época gris que cualquier documental. Entre sus protagonistas destacan las dos hermanas, una Lina Canalejas en estado de gracia y una bella y eficaz Gemma Cuervo. También realiza una interpretación genuina Milagros Leal como la abnegada madre de ambas jóvenes. Asímismo el Faustino que encarna Fernando Fernán-Gómez es una brillante composición de marido machista, jugador empedernido (hoy lo llamaríamos ludópata) y canalla. Tan brillante como está en la interpretación, Fernán Gómez, lo está también detrás de las cámaras. Como director se permite innovar a la hora de narrar en imágenes: con encuadres rabiosamente modernos, planos fijos bien sostenidos por los actores, brillantes flash-backs que se introducen sin solución de continuidad dentro de la trama, como el magistral momento en el que, mientras Luisita sube las escaleras, se van intercalando planos de ella de niña subiendo (su infancia inocente) y su escalada en su presente en el que se ha convertido en una mantenida que acude al hogar paterno intentando ser perdonada y aceptada (cosa que conseguirá por sus generosos regalos). Puede decirse que, como director,  se avanza a su época. El único pero que podría ponerse a esta obra es su fidelidad al texto literario que la inspira, consecuencia de lo cual hay ocasiones en que el registro lingüístico de los diálogos es poco coloquial.

El mundo sigue se ha querido incluir formando parte en  una especie de trilogía del director junto a La vida por delante (1958) y La vida alrededor (1959), pero  no debería ser así, ya que las dos primeras son comedias y comparten personajes, mientras que El mundo sigue es una historia trágica totalmente ajena a las otras dos.

 

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