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Archive for the ‘VAMOS DE ESTRENO’ Category

VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 2 de octubre *

HITMAN: AGENTE 47 (Hitman: Agent 47, Aleksander Bach, 2015) *****

Alemania-USA. Duración: 96 min. Guión: Michael Finch, Kyle Ward, Skip Woods Música: Marco Beltrami Fotografía: Óttar Guðnason Productora: Twentieth Century Fox Film Corporation / TSG Entertainment Género: Thriller de acción.

Reparto: Rupert Friend, Zachary Quinto, Hanna Ware, Ciarán Hinds, Thomas Kretschmann, Emilio Rivera, Dan Bakkedahl, Jerry Hoffmann, David Brückner.

Sinopsis: «Agente 47» se centra en un asesino de élite que ha sido genéticamente alterado para ser convertido en una máquina de matar perfecta, y que es conocido por los dos últimos dígitos de su código, tatuado en la nuca.

La industria cinematográfica se ha servido del cómic durante estos últimos años para buscar inspiración en la que basar sus proyectos, de manera que gracias a los efectos especiales digitales ha sido posible trasladar a la gran pantalla, sin hacer el ridículo como en ocasiones anteriores, el universo Marvel. Pero también ha recurrido a Hitman_A47_Poster Finallos video-juegos. Cine, cómic y video-juegos se han retroalimentado de tal forma que cuesta distinguir a veces que fue antes, si la gallina o el huevo. Hitman, Agente 47 está basada en un video juego, al igual que la exitosa saga Resident Evil o Tomb Raider. Un concepto este, el del video juego como inspiración para un guión de cine, que si bien al principio hacía que los más veteranos frunciéramos el ceño (con el recuerdo de engendros como Super Mario Bros. en mente) ha demostrado ser válido cuando el guión está elaborado y la acción es trepidante. Y este es el caso de la agradable Hitman, cuyo punto de partida: el súper agente mutado genéticamente, nos lleva de cabeza al proyecto súper soldado que convirtió a un enclenque muchacho en el Capitán América. Y su frenética persecución de la protagonista a Terminator y la búsqueda sin tregua de Sarah Connor. A todo lo que hay que sumar exóticos escenarios tan variopintos y agradecidos  como Berlín y Singapur; Lujo, coreografías letales, belleza y pulcritud hasta en los calculados tiroteos protagonizados por el Agente 47 en un filme con radicales giros argumentales y que conviene ver desde sus títulos de crédito, ya que la acción se desata desde el primer fotograma.

Protagonizada por el inglés Rupert Friend, que da vida al agente 47; la londinense Hannah Ware, que interpreta a Katia, actriz a la que pudimos ver en Oldboy de Spike Lee y Shame, del director Steve McQueen; y  Zachary Quinto (el nuevo Spock de Star Trek), en el papel de John Smith, antagonista del agente 47. Por cierto, la cinta también cuenta con la presencia de Angelababy, una de las últimas musas del cine de Hong-Kong.

El  productor Charles Gordon ha comparado el trabajo realizado por Friend como Agente 47, con el que un joven actor realizó en una emblemática película de acción que Gordon produjo años antes. “En ‘Jungla de cristal’, fue la interpretación de Bruce Willis y la personal historia de su personaje de John McClane lo que añadió una significativa profundidad al personaje”, explica. “En el caso de Agente 47, nosotros siempre le concebimos como algo más que simplemente un asesino despiadado. Queríamos abrir y humanizar la historia, y Rupert, al igual que Hannah Ware y Zachary Quinto, fueron fundamentales a la hora de llevar eso a cabo”.

El director Aleksander Bach, que debuta en el cine con esta película, tiene claro el peso que tiene en el film los efectos especiales y la acción: “cuando los hombres están luchando, luchan de verdad”, explica. “Los espectadores lo sentirán realmente, como si estuvieran en medio de la pelea”. Y la espectacularidad de estas peleas se ha conseguido mezclando diversas artes marciales, tal y como explica el coordinador de especialistas Jonathan Eusebio: “Smith emplea pura fuerza bruta. Su técnica está basada en el kárate tradicional de Japón, así como en algunas técnicas de kickboxing, con potentes, amplios y grandes puñetazos. El estilo de 47 es justo lo opuesto; es más lineal y eficaz en sus movimientos”, prosigue Eusebio. «Por lo tanto, entrenamos a Rupert en los estilos de arte marcial denominados ‘de manos vacías’: Silat, practicado en Malasia, y Kali, original de Filipinas”.

Un elegante filme de acción con un final abierto a nuevas entregas. El público dirá si las habrá.

 

JACK (Edward Berger, 2014) *****

Alemania. Duración: 103 min. Música: Christoph M. Kaiser, Julian Maas Fotografía: Jens Harant Productora: Port au Prince Film & Kultur Produktion Género: Drama.

Reparto: Ivo Pietzcker, Georg Arms, Luise Heyer, Vincent Redetzki, Jacob Matschenz, Nele Mueller-Stöfen.

Sinopsis: Solo tiene diez años, pero Jack sabe más de la vida que muchos adultos. 153557_jpg_image_scaler_0x600Desde que se levanta hasta que se acuesta se ocupa de su hermano pequeño, Manuel, de seis años, tiene todo siempre organizado para su madre soltera, que les quiere a rabiar pero no parece preocuparse demasiado por nada. Un día Manuel se quema accidentalmente en el baño y Jack carga con las culpas, siendo internado en un centro social.

Rodada casi como si de un documental se tratara, cámara en mano y sin recurrir a artificios como la música, Jack es el retrato de la maternidad prematura, inmadura. Ausente de toda responsabilidad. Y de un niño que deber de tomar una dura determinación demostrando que ha tenido que convertirse en adulto a golpe de vida. Modélica actuación la del pequeño Ivo Pietzcker en una cinta cruda y realista que ha sido bien recibida en diversos festivales, siendo nominada como mejor película y dirección. Jack es todo un cuento perverso, nocturno, durante el que su protagonista tendrá que enfrentarse a la vida y a la pérdida de todo. Pero es que en Jack todos sus personajes, menos el propio Jack, están perdidos.

 

LEJOS DE LOS HOMBRES (Loin des hommes, David Oelhoffen, 2014) *****

Francia. Duración: 102 min. Guión: David Oelhoffen Música: Warren Ellis, Nick Cave Fotografía: Guillaume Deffontaines Productora: One World Films / Perceval Pictures Género: Drama.

Reparto: Viggo Mortensen, Reda Kateb, Djemel Barek, Vincent Martin, Nicolas Giraud, Jean-Jérôme Esposito, Hatim Sadiki, Yann Goven, Antoine Régent, Sonia Amori, Antoine Laurent, Ángela Molina.

Sinopsis: Argelia, 1954. En medio del duro invierno, Daru (Viggo Mortensen), un profesor francés, debe escoltar a Mohamed (Reda Kateb), un local acusado de nt_14_lejos-hombres-2asesinato, a ser juzgado en Tinguit. Perseguidos por vecinos del argelino que reclaman venganza, por colonos revanchistas y por soldados independentistas que luchan contra los colonizadores franceses,  los dos hombres se rebelan. Juntos, lucharán para volver a conseguir su libertad.

«Es necesario imaginar a Sísifo feliz», si alguna sentencia condensa el pensamiento de Camus es ésta. Sísifo está condenado al baldío esfuerzo por coronar la cima con su roca, para verla descender tan buen punto ha alcanzado su objetivo. Trabajador del infierno este titán le sirve al argelino francés como metáfora del inútil esfuerzo del hombre para lograr derrotar a la muerte, y, sin embargo, hay que (no es una contingencia) imaginar (no es una certeza) al ser humano feliz, ¿por qué? Porque lo valioso no es el resultado, sino el propio esfuerzo que por sí sólo da sentido a nuestra existencia. Lejos de los hombres capta este espíritu pese a que la suya sea una adaptación libre del relato L’Hôte (recogido en El exilio y el reino). David Oelhoffen penetra en el nihilismo, paradójicamente optimismta, de Camus y a través de sus Daru y Mohamed expresa a partes iguales la percepción del absurdo y la necesidad de cumplir con el oficio de ser hombre, el imperativo moral de donar sentido a la vida con nuestros actos pese a que la Parca nos esté esperando a todos al final del camino. Daru y Mohamed recorren juntos un viaje iniciático en el que la apuesta por la libertad se va a enfrentar contra quienes quieran imponer el fatalismo de la ley, y Oelhoffen sabe arropar este combate con el tono justo que merece, la suya es una puesta en escena reposada que nos sumerge en la peripecia de los protagonistas y el vitalismo trágico que rezuma.

Oelhoffen ha sabido, también, aprovechar bien el escenario en el que se desarrolla la acción  y fotografiar el entorno árido como si de un personaje más se tratara. Los dos protagonistas deberán enfrentarse a las severas inclemencias del tiempo y a los múltiples enemigos que les deparan esos tiempos convulsos del final del colonialismo. Ambos personajes, tan diferentes, terminarán hermanándose en medio de conflictos, fuego cruzado y guerra. El resultado es, además de toda una lección de humanidad, una entretenida cinta de aventuras muy bien interpretada, principalmente por su protagonista Viggo Mortensen, pero también por Reda Kateb, quien construye un personaje totalmente creíble cuya grandeza, basada en la más sencilla humildad, va mostrandose conforme avanza la cinta. Lejos de los hombres es todo un manifiesto en estos tiempos de renovados conflictos fronterizos que nos deja patente la constante que iguala a los hombres por encima de las etnias, las naciones, las religiones: todos somos seres para la muerte que, sin negar nuestro destino, estamos capacitados para elevarnos por encima de nuestras limitaciones y convertirnos en dadores de sentido. La vida siempre está en nuestras manos.

 

REGRESIÓN (Regression, Alejandro Amenábar, 2015) *****

España-Canadá. Duración: 106 min. Guión: Alejandro Amenábar Música: Roque Baños Fotografía: Daniel Aranyó Productora: Coproducción España-Canadá; MOD / Himenóptero / First Generation Films / Telecinco Cinema Género: Thriller

Reparto: Ethan Hawke, Emma Watson, Aaron Ashmore, Devon Bostick, David Thewlis, Dale Dickey, Aaron Abrams, Adam Butcher, David Dencik, Kristian Bruun.

Sinopsis: Minnesota, 1990. El detective Bruce Kenner (Ethan Hawke) investiga el ANGELA_TEASER_VERTICAL_LOW_CASTcaso de la joven Angela (Emma Watson), que acusa a su padre, John Gray (David Dencik), de cometer un crimen inconfesable. Cuando John, de forma inesperada y sin recordar lo sucedido, admite su culpa, el reconocido psicólogo Dr. Raines (David Thewlis) se incorpora al caso para ayudarle a revivir sus recuerdos reprimidos. Lo que descubren desenmascara una siniestra conspiración.

El ‘retorno’ de Amenábar al fantástico no podría haber sido más en falso. Regresión es un thriller sobre la sugestión que tiene un punto de partida de lo más interesante, pero que va desinflándose conforme avanza, descubriendo que también hemos sido sugestionados por el director mediante una historia a la que se le ve el cartón. Está bien rodada, por supuesto, no se le puede (ni debe) pedir menos, y las actuaciones van desde la justita tirando a baja de su protagonista, Ethan Hawke, a la más profunda de Emma Watson, pero este trabajo, cercano a un desganado encargo, va decayendo no alcanzado siquiera la digna categoría de serie B. Peligrosamente soporífera.

 

MARCO MACACO (Primates of the Caribbean, Jan Rahbek,  2012) *****

Dinamarca. Duración: 80 min. Guión: Thomas Borch Nielsen, Jan Rahbek Música: Jonas Severin Kristensen Género: Comedia de animación Productora: Nice Ninja Productions

Marco_macacoSinopsis: Marco Macaco sueña con resolver algún día un gran caso policial, pero mientras tanto no hace nada que no sea ejercer de oficial de playa en una isla tropical. La mayor parte de sus esfuerzos para destacar vienen determinados por Lulú, una amiga que le atrae desde la infancia. Pero un importante contratiempo irrumpe en el paraíso insular quebrando las ilusiones de Marco. Se trata de Carlo, quien llega a la isla con la intención de construir un casino y, acto seguido, se propone conquistar el corazón de Lulú. Marco no se conforma con la nueva situación y no tarda en encontrar indicios sobre los verdaderos planes de Carlo en la zona.

Película de animación menor, que aunque bien intencionada peca de un poco afortunado humor, pésimas coreografías y canciones, hasta el punto de resultar tediosa. Pese a la buena voluntad puesta, la animación 3D no sobresale y el personaje principal acaba siendo demasiado histriónico. Además, que el presidente del gobierno de la isla bananera sea un sosia de Pinochet, tampoco ayuda a simpatizar con la trama ni con el supuesto mensaje de esta cinta danesa de animación.

 

Categorías: VAMOS DE ESTRENO

VAMOS DE ESTRENO ( o no) * Viernes 25 de septiembre *

24 septiembre 2015 Deja un comentario

EL DESCONOCIDO (Dani de la torre, 2015)

España-Francia. Duración: 102 min. Guión: Alberto Marini Música: Manuel Riveiro Fotografía: Josu Inchaustegui Productora: Atresmedia Cine / La Ferme! Productions / Televisión de Galicia (TVG) / Vaca Films Género: Thriller.

Reparto: Luis Tosar, Javier Gutiérrez, Goya Toledo, Fernando Cayo, Elvira Mínguez, Luis Zahera, Ricardo de Barreiro, María Mera, Antonio Mourelos.

Sinopsis: Carlos, ejecutivo de banca, comienza su rutinaria mañana llevando a sus hijos al colegio. Cuando arranca el coche, recibe una llamada anónima que le anuncia que tiene una bomba debajo de su asiento. La voz de un desconocido le comunica que tiene apenas unas horas para reunir una elevada cantidad de dinero; si no lo consigue, su coche volará por los aires.

desconocidocartelokUno sigue pensando que el principal objetivo de un thriller es hacernos pasar un buen (mal) rato durante el cual la pantalla nos tenga totalmente embuídos en la acción. Pendientes del desarrollo de la historia y de las peripecias que atraviesan los personajes. Y si nos hace saltar de la butaca en algún momento con un buen sobresalto, pues mejor que mejor. Y eso es lo que ha conseguido Dani de la Torre con El desconocido, recurriendo a la tesis de Hitchcock de que una historia siempre tendrá más suspense si el público sabe desde el primer momento que debajo de la mesa hay una bomba, aunque añadiendo, eso sí, un trasfondo social en la trama que en cierto modo subvierte nuestro punto de vista respecto a quien es la víctima y quien el verdugo. Y es que El desconocido todos son víctimas y verdugos. Y aunque saber el (previsible) móvil que desata la venganza del desconocido supone un pequeño golpe bajo para el espectador, cómplice por un momento del verdugo transformado en víctima, siempre nos quedará el consuelo de la redención del protagonista para calmar nuestra culpable complicidad .

La humedad que nos trasmite la plomiza atmósfera gallega en la que nos vemos envueltos desde casi el primer fotograma y que no nos dejará hasta el último, es casi un personaje más en esta trama, tan bien respaldada por el duelo actoral entre dos de los mejores intérpretes actuales del cine español, gallegos ambos, Luis Tosar y  Javier Gutiérrez, que añaden credibilidad con su sensibilidad a una historia que tiene sus pequeñas trampas de guión, sí, pero que quedan disculpadas por la tensión que trasmite la inquieta cámara en mano y el suspense, tan bien medido, que nos ofrece Dani de la Torre, que incluye asimismo algunos planos secuencia que añaden inmediatez al film.

Además de los dos protagonistas, el resultado no hubiera sido el mismo si no hubiera contado con la severidad y contención de Elvira Mínguez que interpreta a la jefa de los artificieros y los dos niños, en especial Paula del Río.

El guionista Alberto Marini ya nos contó en Mientras duermes (Jaume Balagueró, 2011) otra inquietante historia protagonizada también por Luis Tosar  y fue responsable, en solitario o en colaboración, de los guiones de Para entrar a vivir (Jaume Balagueró, 2006) o Romasanta, la caza de la bestia (Paco Plaza, 2009). Summer Camp, filme de terror que se presentará durante la próxima edición del Festival de Sitges, representa el debut de Marini en la dirección. Por su parte Dani de la Torre debuta con esta cinta, que augura una carrera interesante.

 

 

VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 18 de septiembre *

18 septiembre 2015 Deja un comentario

EL CORREDOR DEL LABERINTO: LAS PRUEBAS (Maze Runner: The Scorch Trials, Wes Ball, 2015)  

USA. Duración: 130 min. Guión: T.S. Nowlin (Novela: James Dashner) Productora: 20th Century Fox / Gotham Group / TSG Entertainment / Temple Hill Entertainment Género: Ciencia ficción.

Reparto: Dylan O’Brien, Thomas Brodie-Sangster, Kaya Scodelario, Ki Hong Lee, Giancarlo Exposito, Aidan Gillen, Patricia Clarkson, Rosa Salazar, Nathalie Emmanuel, Jacob Lofland, Dexter Darden, Cazi Greene, Lily Taylor.

El_corredor_del_laberinto_Las_pruebas-944377647-largeSinopsis: Thomas (Dylan O’Brien) y el resto de clarianos tendrán que enfrentarse a su mayor desafío hasta el momento: buscar pistas sobre la misteriosa y poderosa organización conocida como CRUEL. Este viaje les llevará a “La Quemadura”, un apocalíptico lugar repleto de inimaginables obstáculos. Formando equipo con miembros de la resistencia, los clarianos deberán desenmascarar a las fuerzas superiores de CRUEL y averiguar qué planes tienen para todos.

Segunda entrega de El corredor del laberinto que suma nuevos enigmas a los que ya puso sobre la mesa la primera. De nuevo el atractivo y multirracial grupo de adolescentes, a los que se les suma algún otro, amén del típico elemento puesto ahí con el único fin de perecer, tendrá que enfrentarse a nuevas pruebas, conspiraciones, experimentos humanos y hasta los aparentemente imprescindibles zombis (bueno, infectados, aquí denominados ‘raros’), con el fin de encontrar respuestas a los muchos interrogantes abiertos, lo que les llevará por un itinerario en un convincente paisaje apocalíptico repleto de acción (espectacular la escena en el edificio derruído). Más de dos horas que no se hacen largas aunque le cueste arrancar y un final abierto preparado para la conclusión de la saga.

 

EL VIRUS DE LA POR (Ventura Pons, 2015)

España. Duración: 90 min. Guión: Josep Maria Miró, Ventura Pons Fotografía: Andalu Vila-San-Juan Productora: Els Films de la Rambla S.A. / Televisió de Catalunya (TV3) Género: Drama

Reparto: Roser Batalla, Rubèn de Eguia, Albert Ausellé, Santi Ricart, Diana Gómez, Xavier Pujolràs, Anna Azcona.

Sinopsis: El día que los caballitos de mar, el grupo infantil de natación de la piscina municipal, empiezan a nadar sin burbuja, se produce un hecho que saca a flote sospechas, dudas y temores. Anna, la directora del club de natación, se enfrenta a un difícil dilema y pide explicaciones a Jordi, el entrenador, después que algunos padres se hayan quejado de como el chico ha gestionado la negativa a lanzarse al agua de uno de los niños, que no quiere hacerlo porque está asustado. Jordi asegura que ha actuado con tacto y que no lo ha reñido ni asustado.

Pero el problema es otro: los padres ven con inquietud y preocupación que, para tranquilizarlo, lo haya abrazado y le haya dado un beso. El conflicto empieza cuando cada uno da su versión de ese gesto. Las versiones sobre el beso no coinciden. ¿Se trata de un gesto de afecto para calmar a un niño asustado o detrás se oculta alguna otra cosa? La sospecha alimenta el miedo y esta genera violencia.

untitledLa literatura y el cine se ha encargado de mostrarnos lo peligrosos que son los chismorreos cuando se producen en una pequeña ciudad, en un entorno reducido. Recuerden sino películas como Esos tres (These Three, 1936) de William Wyler, o su versión posterior La calumnia (The Children’s Hour, 1961), dirigida por Wyler también. Ambas nos mostraron como el comentario, la habladuría de una niña enfadada puede convertir en pesadilla la vida de dos de sus profesoras,  que serán acusadas de ser lesbianas.

Ustedes dirán que bueno, que los tiempos han cambiado que es una barbaridad. Pero la corrección política y las buenas intenciones sobreprotectoras se han encargado de vigilar que todo sea como tiene que ser. Y más desde la irrupción en todos los hogares de una herramienta que puede tornarse en diabólica puerta de acceso para cientos (o miles) de depredadores sexuales que pueden acosar y vigilar, desde la impunidad, a nuestros hijos con aviesas intenciones. Y es que además, Internet también ha conseguido que el mundo pueda ser un lugar muy pequeño en el cual cualquier información, banal o importante, quede registrada para la posteridad: desde fotos comprometidas a señales del pasado… todo queda para la posteridad. De manera que no es extraño que, desde para alquilarte una habitación a realizarte una entrevista de trabajo, se husmeé entre los rastros que de nuestra -ya no tan- vida privada, hemos dejado esparcidos por la web.

La misma literatura y el mismo cine nos han enseñado que lo que comúnmente se conoce como ‘la gente’, cuando actúa en grupo y cegada por la ignorancia y el miedo, son un elemento muy peligroso. Fritz Lang nos lo mostró de forma ejemplar en Furia (Fury, 1936). Y si se les carga con banderas uniformadoras es cuando en la unidad encuentran la razón. Se tenga o no.

Finalmente, todo queda listo para sentencia si sale por la tele. Ya que todo lo que sale por la tele es real y es verdad.  Uno de los programas más vistos de la televisión en España es uno que muestra una ‘telerealidad’ totalmente manipulada. Todos sus protagonistas son ‘actores’ y ‘modelos’ (o ambas cosas. O ninguna) que interpretan un papel. Se sabe que todo es mentira pero el programa triunfa.

Pero dejémonos ya de prolegómenos. El filme de Ventura Pons, que adapta la obra El principio de Arquímedes de Josep María Miró,  va directo a la yugular. Las muestras de cariño puede ser malinterpretadas y el miedo hacer el resto, justificando la sospecha e incluso la lapidación. Cualquier rastro informático puede ‘corroborar’ las sospechas y la opinión, cualquier opinión, puede se escrita y compartida sin necesidad de verificar que lo que se escribe sea cierto. A partir de ahí cualquier especialista en reducir la vida a 140 caracteres podrá compartir y olvidar, ya que mañana mandará la actualidad, ya sea el Pride, la Diada, el toro de la Vega o Aylan Kurdi.

Como me gustan tanto las películas que me hacen pensar como las que me hacen reír o pasar miedo, pero que, eso sí,  consigan el objetivo de interesarme y entretenerme, me ha resultado atractivo el filme de Ventura Pons, a pesar de ciertos peros en alguna actuación muy teatral y otra sobreactuada, circunstancias disculpables ante una historia valiente y bien narrada, contada desde varios puntos de vista.

Vean El virus de la por y pregúntense a sí mismos ¿Cuál fue la intención de Jordi, monitor de natación de Los Caballitos de Mar, al abrazar y dar un beso al pequeño Álex?

Y ya que Els Films de la Rambla / Alpha Pictures nos han facilitado el making off…

 

 

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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 11 de septiembre *

11 septiembre 2015 Deja un comentario

LOS HÉROES DEL MAL (Zoe Berriatúa, 2015) *****

España. Duración: 98 min. Guión: Zoe Berriatúa Productora: Pokeepsie Films Género: Drama.

Reparto: Jorge Clemente, Beatriz Medina, Emilio Palacios.

Sinopsis: Tres adolescentes que sufren el maltrato y la humillación de sus compañeros en clase deciden unirse para vengarse. Sin embargo, lo que comienza como un acto de libertad en legítima defensa se convierte en una espiral de violencia de la cual no podrán escapar.

74La segunda producción de Pokeepsie Films, sello tras el que se encuentra Alex de la Iglesia y su compañera Carolina Bang,  nos resulta tan interesante como Musarañas, ópera prima también y primera producción del sello. Zoe Berriatúa es un viejo conocido para este blog: prolijo actor y  director de cortometrajes tan interesantes como Quédate conmigo (2010) y La cosa en la esquina (2011), nos propone en su primer largometraje una bajada a los infiernos junto a  tres adolescentes inadaptados cuyos avatares en la vida y tonteos con las drogas, el alcohol, la violencia y el sexo pueden resultar familiares a más de cuatro, ofreciendo un retrato de la adolescencia ciertamente acertado y nada amable. Y es que no hace tanto el propio Zoe formaba parte, como actor, de jóvenes repartos en series como Al salir de clase y películas como School Killer (2001) de Carlos Gil, aunque en este caso ejerciendo de carnaza para el propio Paul Naschy. Actor muy en activo, no ha podido evitar reservarse un pequeño papel en su película.

En Los héroes del mal, sus tres protagonistas buscan un rol. De víctimas pasarán a ejercer el papel de ‘malotes’ en una espiral de violencia que les llevará más allá. Y es que como dice uno de los tres protagonistas, «El mal es solo un punto de vista«.

Furia acumulada, frustración, dolor contenido. Pérdida irremediable de la infancia y de la inocencia. Descampados y primeros viajes y experimentaciones con las drogas. No, no es una película amable que nos muestre la adolescencia como un dulce despertar de los sentidos. Es real y a veces terrorífica.

Y Zoe lo ha mostrado todo de forma correcta. Cuidando los detalles, apuntando más hacia las tripas que hacia la reflexión y rodeándose de unos actores muy diferentes entre sí: desde el algo sobreactuado Jorge Clemente, que hace bien poco participó en otro retrato adolescente totalmente opuesto al que nos ofrece Zoe en la insulsa El club de los incomprendidos (Carlos Sedes, 2014); al prometedor Emilio Palacios. Pero destacando sobre todos ellos Beatriz Sánchez Medina, posiblemente el descubrimiento de la película, que debuta con este filme realizando una muy creíble interpretación. La magnífica banda sonora del filme es toda una guinda que borda el resultado del que finalmente cabe destacar el pequeño -pero sonado- cameo que realiza Macarena Gómez, protagonista de alguno de los cortos del director. Precisamente Macarena Gómez fue protagonista del primer título de Pokeepsie Films y no nos extrañaría nada que estuviera también presente en la próxima producción del sello, dirigida por el irreverente Eduardo Casanova, que ya la dirigió en su corto La hora del baño (2014).

UNA SEMANA EN CÓRCEGA (Un moment d’égarement, Jean-François Richet, 2015) *****

Francia. Duración: 105 min. Guión: Lisa Azuelos, Claude Berri, Jean-François Richet Fotografía: Robert Gantz, Pascal Marti Productora: Entre Chien et Loup / La Petite Reine Género: Comedia.

Reparto: Vincent Cassel, François Cluzet, Alice Isaaz, Lola Le Lann, Philippe Nahon. Vincent Cassel, François Cluzet.

Sinopsis: Dos amigos llevan a sus hijas a unas vacaciones en la playa y se tendrán que enfrentar a una situación muy incómoda: uno de los dos comienza una relación con la hija del otro.

una-semana-en-Corcega-cartelEn 1977 Claude Berri dirigió en clave de comedia Un moment d’égarement, un filme que mostraba uno de los sueños del hombre maduro medio: ser seducido por una adolescente. Aunque con el añadido, para complicar la trama, de que esta es la hija de su mejor amigo y compañera inseparable de su propia hija. En 1984 Stanley Donen retomó la historia situándola en Río de Janeiro contando con Michael Caine y una apetecible Michelle Johnson como la perdición del maduro inglés. Ahora, se nos presenta de nuevo la historia de la mano del director Jean-François Richet, que se rodea de un buen reparto que incluye a Vincent Cassel como el amante otoñal cazado por la adolescente, un papel bien diferente al que interpretó para el mismo director en el díptico Mesrine (2008). Mientras que el papel de su mejor amigo está interpretado por el prolífico actor François Cluzet, muy popular en nuestro país tras la exitosa Intocable (Intouchables, Olivier Nakache y Eric Toledano, 2011). Ambos actores consiguen una buena química en esta comedia de enredo que cuenta con otros dos personajes fundamentales: las hijas de ambos, encarnadas por Alice Isaaz y, sobre todo, la casi debutante Lole Le Lann, que encarna la fruta prohibida que morderá Vincent Cassel, cuyas idílicas vacaciones pasarán a ser un infierno a causa del arrepentimiento que sentirá ante lo que define como un error que no debería haber sucedido.

SPOILERAfortunadamente la película tiene un inteligente final abierto que permite que sea el propio espectador el que decida su final y si realmente, tal y como llega a pensar el protagonista, la relación con la adolescente ha sido un error .  FIN DEL SPOILER.  

AMERICAN ULTRA  (Nima Nourizadeh, 2015) *****

USA. Duración: 95 min. Guión: Max Landis Música: Marcelo Zarvos Fotografía: Michael Bonvillain Productora: Lionsgate / PalmStar Entertainment / Bridge Finance Company / Circle of Confusion / Likely Story / Merced Media Partners / PalmStar Media Capital Género: Acción /comedia.

Reparto: Jesse Eisenberg, Kristen Stewart, Connie Britton, Topher Grace, John Leguizamo, Walton Goggins, Bill Pullman, Tony Hale, Stuart Greer, Lavell Crawford.

american_ultraLa segunda película del iraní Nima Nourizadeh es una loca y desquiciada película que se recomienda ver sin conocer la trama. Fíense (pero no mucho) de nosotros. Si les gusta la acción desquiciada con leves gotas de gore y comedia esta puede ser su película. Giros de guión inesperados, gamberra, divertida, violenta… todo encaja con American Ultra, cinta en la que el exceso es  protagonista, sin medias tintas y con un buen reparto encabezado por Jesse Eisenberg, un actor en alza al que hemos visto en La red social (The Social Network, David Fincher, 2012), Zombieland (Ruben Fleischer, 2009) o The Double (Richard Ayoade, 2012) y al que veremos encarnando al villano Lex Luthor en Batman v Superman: Dawn of Justice de Zack Snyder, además de en la próxima cinta de Woody Allen, que ya contó con el actor en A Roma con amor (To Rome with Love, 2012).

También interviene Kristen Stewart, popular por su papel en la saga vampírica Crepúsculo y a la que pudimos ver junto a Julianne Moore en Siempre Alice (Still Alice, 2014) de Richard Glatzer y Wash Westmoreland, y a la que veremos también junto a Jesse Eisenberg en la mentada nueva producción de Woody Allen.

LA VISITA (The Visit, M. Night Shyamalan, 2015) *****

USA. Duración: 94 min. Guión: M. Night Shyamalan Fotografía: Maryse Alberti Productora: Blumhouse Productions / Blinding Edge Pictures Género: Terror

Reparto: Kathryn Hahn, Olivia DeJonge, Ed Oxenbould, Deanna Dunagan, Michelle Rose Domb, Peter McRobbie, Benjamin Kanes, Erica Lynne Arden, John Buscemi.

Sinopsis: Una madre deja a sus dos hijos en la remota granja de sus abuelos, en Pensilvania, durante un fin de semana. Los niños descubrirán que la anciana pareja está metida en algo profundamente inquietante.

(Comentario en este enlace)

 

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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 4 de septiembre *

3 septiembre 2015 Deja un comentario

MIENTRAS SEAMOS JÓVENES (While We’re Young, Noah Baumbach, 2014)

USA. Duración: 97 min. Guión: Noah Baumbach Música: James Murphy Fotografía: Sam Levy Productora: A24 / -IAC Films / Scott Rudin Productions Género: Comedia dramática.

Reparto: Ben Stiller, Naomi Watts, Amanda Seyfried, Adam Driver, Charles Grodin, Brady Corbet, Maria Dizzia, Dree Hemingway, Adam Horovitz, Adam Senn, James Saito.

nuevo-cartel-internacional-mientras-seamos-jo-L-TYjXrzJosh (Ben Stiller)  y Cornelia (Naomi Watts), han perdido el tren de la paternidad, extraña enfermedad que parece afectar a todos sus viejos amigos y ante la cual  la pareja se encuentra fuera de lugar frente el obsesivo y único tema de conversación que afecta a todos: los hijos. Así que al conocer a una joven pareja de hipsters,  se tirarán de cabeza intentando retener los restos de juventud que quedan en sus cuerpos. Pero Jamie (Adam Driver) admirador de la obra de Josh, resultará no ser lo que aparenta…

Mientras seamos jóvenes quizás peca de lo mismo que suele detectarse siempre en el cine americano, de ser profundamente conservador y de tener un final que chirría. SPOILER:  ¿No puede una pareja sentirse realizada sin tener hijos ?  Parece ser que no y por ello se termina poniendo a todos en el lugar que le corresponde. Recientemente pudimos ver otro ejemplo de lo que les decimos en Y de repente tú, de Judd Appatow, en la que se llega incluso a  ‘domar’ a la díscola protagonista empañando un, por otro lado, correcto filme. FIN DEL SPOILER. En todo caso la conclusión no consigue empañar este divertido filme sobre el paso a la madurez y el inevitable relevo generacional, el idealismo y la dignidad del individuo que cuenta con, además de sus eficaces protagonistas,  Ben Stiller y Naomi Watts, con  Amanda Seyfried, que interpretó a la actriz porno Linda Lovelace en el biopic dirigido por Rob Epstein; y James Driven, que desempeña un papel similar al que realizó en la serie Girls y que pronto resultará un rostro familiar hasta para el  más iletrado de los cuñados como uno de los protagonistas de la nueva trilogía Star Wars. Ahí es nada.

ANACLETO: AGENTE SECRETO (Javier Ruiz Caldera, 2015)

España. Duración: 87 min. Guión: Fernando Navarro, Pablo Alén, Breixo Corral (Cómic: Manuel Vázquez Gallego) Música: Javier Rodero Fotografía: Arnau Valls Colomer Productora: Zeta Audiovisual Género: Comedia.

Reparto: Quim Gutiérrez, Imanol Arias, Berto Romero, Alexandra Jiménez, Carlos Areces, Rossy de Palma.

poster anacletoSinopsis:Adolfo, un treintañero que trabaja de segurata, está pasando una mala racha. No sólo le deja su novia de toda la vida por ser un tipo sin ambición sino que, para colmo, se convierte en el objetivo de una serie de matones liderados por Vázquez, un peligroso criminal que acaba de escapar de la cárcel. Además descubre que su padre tiene una doble identidad. No es un payés dedicado a la producción de embutidos, como él ha creído toda la vida, sino que es Anacleto, un agente secreto en horas bajas y el hombre que encerró a Vázquez hace treinta años. Adolfo tendrá que abandonar su zona de confort y colaborar con su padre, la persona con la que peor se entiende del mundo, para sobrevivir a la venganza de Vázquez y de paso, entre tiroteos y persecuciones, intentar recuperar a su novia.

(Artículo en este enlace)

 

¡Anacleto nunca falla!

3 septiembre 2015 Deja un comentario

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ANACLETO: AGENTE SECRETO (Javier Ruiz Caldera, 2015)

España. Duración: 87 min. Guión: Fernando Navarro, Pablo Alén, Breixo Corral (Cómic: Manuel Vázquez Gallego) Música: Javier Rodero Fotografía: Arnau Valls Colomer Productora: Zeta Audiovisual Género: Comedia.

Reparto: Quim Gutiérrez, Imanol Arias, Berto Romero, Alexandra Jiménez, Carlos Areces, Rossy de Palma.

Sinopsis:Adolfo, un treintañero que trabaja de segurata, está pasando una mala racha. No sólo le deja su novia de toda la vida por ser un tipo sin ambición sino que, para colmo, se convierte en el objetivo de una serie de matones liderados por Vázquez, un peligroso criminal que acaba de escapar de la cárcel. Además descubre que su padre tiene una doble identidad. No es un payés dedicado a la producción de embutidos, como él ha creído toda la vida, sino que es Anacleto, un agente secreto en horas bajas y el hombre que encerró a Vázquez hace treinta años. Adolfo tendrá que abandonar su zona de confort y colaborar con su padre, la persona con la que peor se entiende del mundo, para sobrevivir a la venganza de Vázquez y de paso, entre tiroteos y persecuciones, intentar recuperar a su novia.

TeaserImanolbajaEl Anacleto crepuscular que nos ofrecía el filme de Javier Ruiz nos daba algo de miedo, hemos de admitirlo. Además,  rostros tan familiares como el de Imanol Arias encarnando al agente secreto creado por Vázquez, como que se hacía un tanto cuesta arriba, a pesar del cariño que en esta casa se le tiene a la familia Alcántara. Pero afortunadamente Anacleto: Agente Secreto resulta ser una comedia sencilla pero bastante ingeniosa, con buenos gags visuales, acción bien coreografiada y buenos diálogos, así que esta nueva incursión cinematográfica de Z Audiovisual (Mortadelo y Filemón contra Jimmy el cachondo, Zipi y Zape y el club de la canica) en el universo Bruguera sale, bajo nuestro punto de vista, bastante airosa del envite.

Y es que Anacleto, personaje creado por el mítico ilustrador y vividor Vázquez  y publicado por vez primera en 1964 en Pulgarcito, quizás no ha llegado, al igual que sus otros personajes, al nivel de popularidad que tienen los  creados por Francisco Ibáñez. Pero entre sus, a veces demasiado veloces, dibujos y guiones, podía entreverse un nivel de ironía y modernidad del que carecían los míticos agentes de la T.I.A.

Y este es el personaje y el universo con el que se ha encontrado el director del film, Javier Ruiz, que ya había demostrado que sabía hacer comedias sin caer en el ridículo o en la Quim-teaser-Anacleto-bajachabacanería. Para muestra ahí tienen las magníficas Promoción Fantasma (2012) y Tres bodas de más (2013), comedias inteligentes que dejaron buen sabor de boca a más de uno. De los repartos de sus tres largometrajes ha extraído Ruiz  a los jóvenes protagonistas de Anacleto: Agente Secreto, ya que tanto Quim Gutiérrez (que demuestra de nuevo su vis cómica), como Alexandra Jiménez, Berto Romero y Carlos Areces (todos de eficacia probada) habían participado en anteriores filmes del director. En cuanto a Imanol Arias, defiende bien su papel y a los pocos segundos desistimos de imaginarle llamando a Merche. Es Anacleto y consigue desenvolverse bien tanto en los momentos de acción como en los cómicos, aunque admita que no son precisamente lo suyo, especialmente el humor: «Estuve acojonado con ese tema hasta que me di cuenta de que mi misión en esta película era hacer de crupier de casino y repartir cartas para que otros se lucieran, no para ser yo el gracioso«. Pero el caso es que funciona. Al igual que nuestro admirado Carlos Areces que encarna, en una mezcla rocambolesca, al último Vázquez, autor en la realidad y archienemigo en la ficción, tal y como ocurría en las historietas.

Buena química entre los actores protagonistas, gags visuales a lo Bruguera y cariñosos e impagables detalles decorativos completan esta digna propuesta de dotar de vida a todo un universo que, desgraciadamente está algo olvidado, y que conviene cuidar como lo que es: oro en viñetas. Nuestro patrimonio.

 

Lilting, una melodía ajena a la estridencia

lilting pósterComo los mundos ingrávidos y gentiles de Machado, Lilting es fundamentalmente un filme sutil. Tanto en su fondo como en su forma. Hong Khaou en su ópera prima compone un delicado poema con el que nos narra un drama intimista que apunta hacia la constatación de que el lenguaje de los sentimientos abre más puentes hacia la comunicación que el lenguaje verbal de las palabras. Nos lo cuenta cadenciosamente (como ya indica el título), haciendo hincapié en la línea melódica de la historia. Aborda temas universales (la soledad, el sentimiento de culpa, el choque entre culturas y, sobre todo, la necesidad de comunicarnos y amarnos), pero los muestra de forma liviana tal como si nos estuviera desgranando una sencilla balada. Su levedad es la que la hace profunda.

Junn (Pei-Pei Cheng) es una anciana chino-camboyana que lleva casi treinta años en Inglaterra pero que, y pese a que habla seis idiomas orientales, nunca ha aprendido el inglés. Richard (Ben Whishaw) es un joven sensible, amante de la cocina china que él mismo prepara, pero, aunque ha sido pareja de Kai (el hijo de Junn) durante cuatro años, no conoce la lengua de Junn. A ambos les une la trágica, por inesperada, muerte de Kai, pero a la vez están separados por kilómetros de convenciones sociales encorsetadas y conflictos interculturales, el principal de ellos recae sobre la dificultad de Kai (Andrew Leung) para hablar de su homosexualidad con su madre. Junn pasa sus días en una residencia para ancianos, allí vive su duelo y sigue su vida, incluso tiene una relación romántica con Alan, otro de los asilados; la barrera idiomática no parece ser un impedimento para vivir su romance. De pronto, su mundo es perturbado por la injerencia de Richard. El joven se siente impelido a ayudarla, no quiere que la madre de su amado termine sus días en la soledad del asilo, así que contratará a una traductora que permita que la mujer se comunique con Alan y con él mismo. Pero las paredes del infierno están alicatadas de buenas intenciones: lejos de facilitar la comprensión, entender las palabras del otro hace que la pareja se distancie. Hará falta que la incomunicación roce su límite  para que ambos comprendan que están unidos por el dolor y que el lenguaje de los sentimientos fluye mejor lejos de las traducciones.

Lilting

Lilting es una película que nos habla de la sensibilidad, de las emociones, y su valor de universal que va más allá de los condicionantes culturales y/o sociales. Y su mejor logro es defender esta tesis jugando la baza de la conmoción. Lilting nos conmueve, por su tema, pero también (y quizás sobre todo) por su puesta en escena. Hong Khaou se muestra hábil en el manejo de la sintaxis audiovisual, así con un simple contraplano a una cama vacía puede informarnos de la muerte del hijo en la secuencia inicial, montaje que por alguna razón nos lleva a recordar el magnífico travelling final de Los cuentos de la luna pálida. Comparar al joven realizador con el maestro Mizoguchi puede parecer exagerado, pero lo cierto es que comparten el buen uso del arte de la sutileza y el saber acercar al occidental el alma oriental. Lilting nos narra la tragedia de Kai mediante ágiles flashbacks que el camboyano introduce sin estridencias ni subrayados. Así un travelling puede acompañar a un personaje desde el pasado hasta el momento actual (o viceversa) sin necesidad de cortes y sin desorientar al espectador (que es lo más importante). Tal se diría que Khaou domina el arte de convertir en sencillo lo complejo. Porque su película fluye pausada como el agua de un arroyo en el final de su curso, cuando va a maridarse con el mar y de sus rápidos sólo queda el recuerdo.

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De la importancia de los recuerdos también nos habla el filme. De los objetos físicos (Richard y Junn llegan a discutir sobre quién de los dos ha de conservar las cenizas del finado), claro está, pero sobre todo de las evocaciones que nuestra memoria hace a partir de ellos. Evocaciones que habrán de ser las que nos permitan resolver los duelos y dejarán que la vida siga adelante después de la paralización que supone toda muerte. Y la cámara se paraliza literalmente en un abrazo de los dos jóvenes antes de volver a la habitación de Junn para fundir a negro sobre la figura de la anciana. En esa secuencia se dan la mano la fuerza expositiva del filme, la dulce discreción del director a la hora de retratar las relaciones amorosas entre dos hombres (algo que todavía es menos normal de lo que debiera ser), y la sabiduría de sus actores principales que nos regalan unas interpretaciones ricas en matices sin caer en ningún tipo de histrionismos. Y su drama nos alcanza con su suave aroma de tristeza que, paradójicamente, nos reconforta.

VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 21 de agosto *

CUT BANK (Matt Shakman, 2014)

Duración: 92 min. Guión: Roberto Patino Música: James Newton Howard Fotografía: Ben Richardson Productora: A24 / Kilburn Media Género: Drama.

Reparto: Liam Hemsworth, Teresa Palmer, Billy Bob Thorton, John Malkovich, Bruce Dern, Michael Stuhlbarg, Oliver Platt, Sonya Salomaa.

cut-bank-573259lSinopsis: Dwayne (Liam Hemsworth), un joven que fue atleta estrella en el instituto y que ahora trabaja como mecánico, sueña con irse de la pequeña población de Cut Bank, Montana -la ciudad más fría de los Estados Unidos- y mudarse a la gran ciudad, llevándose consigo a su novia Cassandra (Teresa Palmer), que sueña con ser modelo. Pero su plan para para marcharse se complica por una serie de eventos que involucran al joven en una investigación policial que lleva a cabo el Sheriff Vogel (John Malkovich), que por otro lado es lo más cercano que Dwayne tiene a una figura paterna…

La sombra de Fargo (Joel y Ethan Coen, 1996), y en menor medida de la saga Twin Peaks, se hace notar en esta cinta de Matt Shakman, director proveniente del medio televisivo en la que un pequeño pueblo se verá envuelto en el primer asesinato de su historia, un crimen que resultará ser un montaje que desencadenará toda una serie de desastres que es mejor que vean por sí mismos. White Trash, un sheriff con el estómago delicado interpretado por el camaleónico John Malkovich y un misterio envolvente en el que tendrá cabida incluso un sosias de Ed Gein. Buen thriller que cuenta además con la intervención de los siempre agradecidos Bruce Dern y Billy Bob Thorton.

MR. HOLMES (Bill Condon, 2015)

USA/UK. Duración: 104 min. Guión: Jeffrey Hatcher (Novela: Mitch Cullin) Música: Carter Burwell Fotografía: Tobias A. Schliessler Productora: AI-Film / See-Saw Films / Archer Gray Género: Intriga.

Reparto: Ian McKellen, Laura Linney, Milo Parker, Hiroyuki Sanada, Frances de la Tour, Roger Allam, Philip Davis, Hattie Morahan, Patrick Kennedy, Gioacchino Jim Cuffaro, Shina Shihoko Nagai, Paul Blackwell.

Sinopsis: En 1947, Holmes vive retirado en una remota granja de Sussex con un ama de llaves y el hijo de ésta. Cumplidos los 93 años, su memoria y su capacidad intelectual empiezan a deteriorarse. Su rutinaria vida se limita al cuidado de su colmena, a la escritura de su diario y a la lucha contra su pérdida de facultades. Pero hay un último caso, el que hizo que se retirara, que busca resolver.

mr_holmes_poster-600x889Bill Condon tiene en su haber una de las cintas favoritas de Serendipia, Dioses y monstruos (Gods and Monsters, 1998), así que solo por ello ya le merecía especial atención Mr. Holmes, la última propuesta del director. Un director que nos llevó al corazón de la Tamla Motown con Dreamgirls (2006) y luego se metió de cabeza en el universo lánguido de la saga Crepúsculo que pocos de los que la critican han visto.

Mr. Holmes tiene muchos de los elementos que hicieron de Dioses y monstruos un filme inolvidable: ambas cuentan con una magnífica interpretación de Ian McKellen, actor harto conocido ahora pero que hasta entonces no había tenido oportunidad de lucirse en la gran pantalla como merecía. Muchos lo descubrimos en ese filme interpretando un papel, el de un decadente James Whale, que también guarda similitudes con el venerable y cascarrabias Holmes que encarna con idéntica eficacia en este filme. Ambas muestran los últimos días de sus protagonistas, y en ambas tienen un objetivo, el último, que cumplir, recurriendo a los seres que tienen más a mano. En las dos historias el servicio de la casa tiene un papel primordial: la sirvienta y el jardinero en la primera y la sirvienta y su hijo en la segunda. Las dos historias ponen un gran cariño y respeto hacia sus personajes y funcionan como un reloj suizo, con final agridulce y regado todo ello con la música del compositor de cabecera de Condon, Carter Burwell.

Mr. Holmes tiene, como no podría ser de otra manera, un gran misterio a resolver, un último caso para un Holmes afectado de senilidad. También es un relato sobre la soledad del individuo. Pero sobre todo una magnífica lección de interpretación por parte de sus actores, ya no solo por el estupendo actor inglés, sino también por la contenida Laura Linney y el pequeño Milo Parker, que es todo un descubrimiento.

 4 FANTÁSTICOS (Fant4stic, Josh Trank, 2015)

USA. Duración: 100 min. Guión: Simon Kinberg, Jeremy Slater (Historia: Josh Trank. Personajes: Stan Lee, Jack Kirby) Música: Marco Beltrami, Philip Glass Fotografía: Matthew Jensen Productora: 20th Century Fox Género: Fantástico.

Reparto: Miles Teller, Kate Mara, Michael B. Jordan, Jamie Bell, Toby Kebbell, Tim Blake Nelson, reg E. Cathey, Lance E. Nichols, Mary Rachel Dudley, Tim Bell, Ronnie Hooks, Jodi Lyn Brockton.

Sinopsis: Cuatro jóvenes inadaptados se teletransportan a un peligroso universo alternativo, lo que les confiere extraños poderes. Cuando sus vidas cambian de forma drástica e irremediable, deben aprender a controlar sus nuevas habilidades y trabajar en equipo para salvar al mundo de un viejo conocido que ahora se ha convertido en un temible enemigo. Adaptación contemporánea del equipo de superhéroes de Marvel.

Comentario aquí.

 

Categorías: VAMOS DE ESTRENO

VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 14 de agosto *

Y DE REPENTE TÚ (Trainwreck, Judd Apatow, 2015) *****

USA. Duración: 125 min. Guión: Amy Schumer Música: Jon Brion Fotografía: Jody Lee Lipes Productora: Apatow Productions / Universal Pictures Género: Comedia.

Reparto: Amy Schumer, Bill Hader, Tilda Swinton, Brie Larson, Colin Quinn, Vanessa Bayer, John Cena, Ezra Miller, Barkhad Abdi.

Sinopsis: Desde pequeña, Amy (Amy Schumer) ha oído a su padre (Colin Quinn) decir que la monogamia no es un estado realista. La periodista vive de acuerdo con las creencias de su padre, disfrutando de una vida sin ataduras, libre de aburridas promesas románticas. Sin embargo, ha llegado a un punto muerto. Cuando descubre que se está enamorando del hombre al que dedica un artículo, un encantador y exitoso médico deportivo llamado Aaron Conners (Bill Hader), Amy se replantea sus creencias y su estilo de vida.

Nuestra crónica y crítica AQUÍ

EXTINCTION (Miguel Ángel Vivas, 2015) *****

España/Francia/USA/Hungría. Duración: 110 min. Guión: Alberto Marini, Miguel Ángel Vivas (Novela: Juan de Dios Garduño)Música: Sergio Moure Fotografía: Josu Inchaustegui Productora: Vaca Films / La Ferme! Productions / Ombra Films / Telefonica Studios/ Laokoon Filmgroup Género: Terror.

Reparto: Matthew Fox, Jeffrey Donovan, Ahna O’Reilly, Clara Lago, Quinn McColgan.

Sinopsis: Nueve años después de que una infección convirtiese a gran parte de la humanidad en criaturas salvajes, Patrick, Jack y Lu, una niña de nueve años, sobreviven en aparente tranquilidad en Harmony, un rincón olvidado, cubierto por nieves perennes. Sin embargo, algo terrible ocurrió entre Patrick y Jack y un odio profundo pervive entre ellos. Cuando las criaturas vuelven a aparecer, Patrick y Jack deberán dejar atrás el rencor para proteger lo que más quieren.

extinction-cartelDe nuevo el ya manido apocalipsis zombie, todo un subgénero dentro del cine de terror, pero desde el punto de vista de dos supervivientes aislados, con serios problemas entre ellos, y una niña que terminará sirviendo de nexo entre ambos, símbolo de continuidad y objeto de supervivencia. Todo ello en mundo desolado y helado en el que nuestros protagonistas deberán buscar sustento mientras se protegen de los veloces y mutados infectados. Miguel Ángel Vivas juega bien la carta del suspense en pequeños espacios y con pocos jugadores, como ya demostrara en su magnífica Secuestrados (2010).  El film, que no puede ser catalogado como serie B, cuenta con la participación de Matthew Fox, recordado protagonista de la serie Perdidos (Lost, J. J. Abrams, J. Lieber y Damon Lindelof, 2004-2010), Jeffrey Donovan y la niña Quinn McColgan, posiblemente recomendada por Jaume Collet-Serra, uno de los productores de Extinction, pues ya participó en su película Non-Stop (sin escalas) el pasado año. También participa la popular Clara Lago.

Para esta parte de Serendipia el filme funciona. Pero la otra parte no opina igual. Pueden leer porqué opina así AQUÍ.

OPERACIÓN U.N.C.L.E. (The Man From U.N.C.L.E., Guy Ritchie, 2015) *****

USA. Duración: 116 min. Guión: Scott Z. Burns, David C. Wilson (Serie: Sam Rolfe) Música: Daniel Pemberton Fotografía: John Mathieson Productora: Warner Bros. Pictures Género: Thriller

Reparto: Henry Cavill, Armie Hammer, Alicia Vikander, Elizabeth Debicki, Hugh Grant, Jared Harris, Christopher Sciueref, Susan Gillias, Luca Calvani, Nicon Caraman.

Sinopsis: Narra las aventuras de dos agentes secretos, uno ruso y otro estadounidense, durante el periodo de la guerra fría. Comienzos de los años 60. El agente de la CIA Napoleon Solo y el agente de la KGB Illya Kuryakin se parecen entre sí mucho más de lo que creen. Obligados a apartar sus diferencias, ambos se unen para formar un equipo que llevará a cabo una misión conjunta para intentar poner fin a una misteriosa organización criminal internacional que pretende desestabilizar el frágil equilibrio de poder resultante de la proliferación de armas y tecnología nuclear.

man_from_uncle_ver4Operación U.N.C.L.E. adapta la popular serie de los años sesenta The Man from U.N.C.L.E. (1964-1968) que aquí comenzó a emitirse en 1966 como El agente de CIPOL. La serie unía, en plena guerra fría, a dos agentes: el americano Napoleón Solo (Robert Vaughn) y el soviético Ilya Kuryakin (David McCallum) que luchaban espalda con espalda contra un enemigo común. Algo bastante inaudito pero esperanzador que en España pudimos disfrutar con aquel doblaje en español neutro que tanta risa nos da ahora, mientras que  nuestras hermanas mayores se enamoraban instantáneamente del rubio que para siempre pasó a ser Kuryakin, aunque interpretara al mismísimo Judas Iscariote en  La historia más grande jamás contada (The Greatest Story Ever Told, George Stevens, 1965). El actor, escocés por cierto, junto a su socio Robert Vaughn traspasaron la pequeña pantalla interpretando ocho largometrajes, retornando en 1983 para protagonizar una tv movie.

Ahora el director británico Guy Ritchie  retoma esos personajes y esa época convulsa para ofrecernos un filme realmente interesante repleto de acción, humor, glamour 60’s y  espionaje, con grandes dosis de buddy movie donde el sibarita y cool Napoleón Solo interpretado por Henry (Superman) CavillArmie Hammer como Kulyakin, frío en apariencia, deberán unir sus fuerzas a pesar de las suspicacias que tienen el uno hacia el otro. Secundados por la diminuta Alicia Vikander, actriz sueca que nos encandiló por su papel en Ex Machina (Alex Garland, 2015) y que aquí encarna a un personaje creado exprofeso para el filme. Además de un talludito Hugh Grant interpretando a Waverly, jefe de los tres que en la serie interpretaba el actor Leo G. Carroll. Esta mezcla, que en otras manos podría naufragar, funciona a las mil maravillas embellecida por su impecable ambientación y recreación de los primeros años sesenta: grises en Berlín y brillantes en Roma. A lo que hay que sumar una magnífica banda sonora. Elementos que dan al filme la apariencia y el sabor de las cintas de espionaje europeas de los años sesenta, pero sin caer en el plagio ni en la parodia y dando como resultado una magnífica película con la que  hacer frente a la segunda mitad de este caluroso verano.

La trama de Operación U.N.C.L.E se asemeja a un minucioso mecanismo de relojería, repleta de acciones paralelas sincronizadas al milímetro, y Guy Ritchie no podría haber estado más acertado en la puesta en escena. El británico no duda en echar mano a todos los recursos posibles para montar en paralelo las peripecias de los personajes, por su imitación de la atmósfera de los filmes sesenteros acude a la pantalla partida, tan de moda entonces; pero también repasa toda la sintaxis clásica y así podremos disfrutar de deliciosos montajes internos (ahí luce la secuencia de la huida del complejo de los villanos, donde vemos simultáneamente a los dos espías gracias al reflejo en un parabrisas) y de inteligentes usos de la profundidad de campo (el momento torturador torturado destacando). No estamos pues tan sólo ante un fresco film veraniego, asistimos también a toda una lección de buen cine. Probablemente el mejor estreno de este fin de semana.

Categorías: VAMOS DE ESTRENO

Y de repente tú, una comedia amable

Trainwreck_poster_usaY de repente tú es una elegante comedia romántica con un Nueva York de fondo que, si bien no es un personaje más, sí que es un marco referencial que nos ayuda a situarnos ante el tipo de humor que cabe esperar del filme (todo un guiño que en un momento de la película se haga un chiste sobre Woody Allen). Amy Schumer debuta en el guión cinematográfico (después de haber trabajado en el medio televisivo también en este campo) con una propuesta dedicada a explotar su propia vis cómica como actriz, se regala a sí misma con un personaje sólido que le cuadra como un guante y que llena completamente la pantalla. El suyo es el personaje principal que sostiene toda la trama. Probablemente lo más original del filme sea el ser fiel al punto de vista femenino construyendo a partir de él un rol que, tradicionalmente, solemos asociar más a los protagonistas masculinos. Por lo demás esta comedia se ajusta al esquema más clásico del género: presentación del personaje central y del conflicto; ascensión del protagonista coincidiendo con el despliegue de la máxima comicidad; punto de inflexión y descenso  con la introducción del intermedio dramático; y un tercer acto que resuelve el conflicto a modo de final feliz. Una obra canónica que logra tener luz propia por la acertada dirección de Judd Apatow quien ha conectado plenamente con el espíritu del guión.

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“La monogamia no es realista” ese es el eslogan que desde el prólogo (todo un acierto el tratamiento granulado de la imagen que le da un aire de video casero y un cierto toque documental) regirá los actos de Amy (Amy Schumer). Amy es una mujer inteligente, no demasiado guapa, pero con cierto atractivo (así la define otro personaje) que vive su sexualidad, casi voraz, sin ataduras ni falsas promesas amorosas. Fiel a la enseñanza de su padre y alejada de los valores burgueses, representados en la película por su hermana Kim (Brie Larson), toda una antagonista de la heroína del filme. Todo iba bien hasta que, escribiendo un artículo sobre las razones por las que el deporte es odioso (esa es la línea editorial del magazine en el que trabaja), conoce a Aaron Conners (Bill Hader) médico que conjuga su trabajo como cirujano de deportistas de élite con su colaboración en Médicos sin Fronteras. La aparición de Aaron (un hombre casi perfecto), por una parte, y la muerte de su padre, por otra, hará que se tambaleen sus creencias, Amy ve como su mundo descarrila (de ahí el título original, Trainwreck ) y se habrá de cuestionar todas sus actitudes ante la vida.

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Recorrida por un suave cinismo desde su planteamiento hasta su nudo, Y de repente tú, acaba resolviéndose con un giro hacia la defensa de la bondad de los valores convencionales. Se le perdona, sin embargo, este giro porque ya desde el guion, pero también en la puesta en escena y la interpretación de su reparto, se construye a unos personajes enternecedores, sin caer en lo cursi ni en lo sentimentaloide, para los que deseamos lo mejor. La película resulta una comedia dinámica y amable (en toda la polisemia del término), con buenos gags e ingeniosos diálogos; su único pecado sería haber sobrepasado la frontera de los noventa minutos, cosa que hace que algunas veces decaiga el ritmo. Una sana apuesta por lo canónico que llega a provocar carcajadas en la sala y que nos deja todavía una sonrisa cuando salimos del cine.

Categorías: CINE CLUB, VAMOS DE ESTRENO

VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 7 de agosto *

BERNIE (Richard Linklater, 2011) *****

USA. Duración: 99 min. Guión: Richard Linklater, Skip Hollandsworth Música: Graham Reynolds Fotografía: Dick Pope Productora: Castle Rock Entertainment / Collins House Productions / Deep Freeze Production Género: Comedia negra.

Reparto: Jack Black, Shirley MacLaine, Matthew McConaughey, Rick Dial, Gary Teague, Tommy G. Kendrick, Mona Lee Fultz, Wendy Crouse, Grant Crouse, Grant James.  

Sinopsis: En Carthage, un tranquilo y pequeño pueblo de Texas, Bernie Tiede (Jack Black), un enterrador muy querido por todos los vecinos, traba amistad con una adinerada y malvada viuda (Shirley MacLaine).

untitledEsta comedia negra basada en un hecho real, está dirigida por el aclamado director de Boyhood y Antes del anochecer, Richard Linklater, e interpretada por un sorprendentemente contenido Jack Black -quien consiguió con esta interpretación una nominación a los Globos de Oro como Mejor Actor de Comedia- respaldado por Matthew McConaughey y la legendaria Shirley MacLaine. Sin duda unos elementos que resultan lo suficientemente atractivos e interesantes pero que una vez conjugados no terminan de cuajar.  Con estructura de falso documental,  la acción avanza a base de los recuerdos y opiniones de los habitantes del pueblo, algo que finalmente termina haciéndose cansino, toda una lástima en vista del interesante dilema que el film propone.

MISIÓN IMPOSIBLE. NACIÓN SECRETA (Mission: Impossible – Rogue Nation, Christopher McQuarrie, 2015) *****

USA. Duración: 131 min. Guión: Christopher McQuarrie (Historia: Christopher McQuarrie, Drew Pearce; Personajes: Bruce Geller)Música: Joe Kraemer Fotografía: Robert Elswit Productora: Paramount Pictures / Skydance Productions Género: Thriller

Reparto: Tom Cruise, Rebecca Ferguson, Sean Harris, Alec Baldwin, Jeremy Renner, Paula Patton, Simon Pegg, Ving Rhames, Simon McBurney, Jingchu Zhang.

mision-imposible-nacion-secreta-610x953Sinopsis: Con la FMI disuelta y Ethan Hunt (Tom Cruise) abandonado a su suerte, el equipo tiene que enfrentarse contra el Sindicato, una red de agentes especiales altamente preparados y entrenados. Estos grupos están empeñados en crear un nuevo orden mundial mediante una serie de ataques terroristas cada vez más graves. Ethan reúne a su equipo y une sus fuerzas con la agente británica renegada Ilsa Faust (Rebecca Ferguson), quien puede que sea o no miembro de esta nación secreta, mientras el grupo se va enfrentando a su misión más imposible hasta la fecha…

Tras comenzar como un fenómeno de culto en la televisión de los años sesenta, “Misión Imposible” se ha convertido en un fenómeno cultural del siglo XXI, un evento cinematográfico que traspasa continuamente esa frontera donde a la intriga del clásico drama de los espías contra los espías se le unen creativas secuencias de acción que se han hecho legendarias. Desde que en 1996 Brian de Palma inaugurara la franquicia cinematográfica un rasgo central ha definido las set pieces de las sucesivas entregas: la fisicidad que rezuma la acción. Misión Imposible nos retorna algo que en el cine actual se ha perdido, el trabajo de dirección clásico gracias al cual vemos las acciones como si sucedieran ante nuestros ojos. Nada de planos cortos y montajes frenéticos, al contrario, tempo preciso y una planificación que nos muestra la totalidad de la escena, acciones paralelas inclusive. Así resulta magistral la secuencia en el Palacio de la Ópera vienés, donde llegamos a estar pendientes de tres francotiradores y cinco líneas de narración, nunca habían lucido tan bien en pantalla la tramoya de un teatro desde que la rodara Hitchcock en Pánico en la escena. Sin duda es una secuencia candidata a ser recordada en las antologías de soluciones fílmicas inteligentes utilizando escenarios y bambalinas, como lo son las imágenes de La Dama de Shangai.

Otro acierto de la franquicia es la construcción del héroe encarnado por Tom Cruise (y nunca mejor empleado ese verbo, porque el actor seguirá siendo el referente del personaje incluso cuando llegue el momento en que no pueda interpretarlo). El actor combina la interpretación y la acción de manera extraordinaria. Hace él mismo el cien por cien de sus escenas peligrosas, porque considera que ese es el único modo de crear plenamente su personaje como un agente que ha aprendido a sobrevivir al límite. De esta quinta entrega se comentará especialmente  la set piece inicial. Mucha gente creyó que la escena peligrosa con la que empieza la película era tan rematadamente imposible que solo se había podido crear de manera digital. Pero, fiel al espíritu de “Misión: Imposible”, la escena se rodó cien por cien en directo, ofreciéndole al público unas sensaciones que no se pueden imitar. Aunque cada vuelo aumentaba el riesgo y helaba la sangre de Cruise, repitió ocho veces esa escena que desafiaba a la gravedad para garantizar que McQuarrie tuviera toda la cobertura que necesitaba. J.J. Abrams (productor) dice que la mera existencia de una escena peligrosa como esta es algo que no tiene precio en el mundo del cine. “Resulta totalmente creíble porque Tom voló de verdad sobre el lateral de ese avión,” señala. “Es una idea estimulante porque vivimos en un mundo de artificios. Todo lo que se ve últimamente no resulta verdaderamente creíble así que se trata de que es Tom quien hace en realidad esas escenas, sin los efectos visuales que usarían probablemente los demás, y eso hace que la película se convierta en un evento aún más grande.”

Junto al trabajo de Cruise hay que valorar también el de en la piel de uno de los mejores villanos que nos ha dado el cine en los últimos tiempos: Solomon Lane, un antiguo espía británico que se ha pasado al lado oscuro del espionaje con su formación, el Sindicato. De todos los villanos de todas las películas de “Misión”, puede que sea el único que pueda estar a la altura de Ethan Hunt. “Una de las cosas más divertidas de la película es que este villano es realmente capaz de ir a la par con Ethan,” dice Abrams. “El sindicato es una especie de anti-FMI, unos agentes que han sido entrenados igual que los de la FMI, pero para trabajar para el mal.”

Otra gran revelación es Rebecca Ferguson en el papel de Ilsa, la mujer fatal que vuelve del revés los esquemas de Hunt. Personaje exquisito que nos recordará a otras elegantes agentes dobles, como lo es Audrey Hepburn en Charada, pero con auténticas dotes de atleta. Se agradece encontrar un personaje femenino con tanta centralidad y carácter porque no suele ser lo habitual en el cine de acción. Ambigua y envolvente a partes iguales incluye un elemento de interés romántico (casto, castíiiisimo) que enriquece la tensión del filme.

Acción realista, interpretaciones efectivas y convincentes, ritmo envidiable, Misión Imposible. Nación Oculta, tiene todavía otro ingrediente que la hace aún más redonda: el humor. Una de las grandes sorpresas de esta película para el público es lo divertida que es y lo llena de comicidad que está, sin perder seriedad, la cinta está repleta de guiños cómicos que pueden llegar a arrancar carcajadas al espectador.

En suma, impresionante quinta entrega de la saga Misión Imposible. Acción vertiginosa decorada con humor, belleza, intriga y bellos escenarios. Con esta quinta entrega, la franquicia demuestra que goza de muy buena salud y que la fórmula está lejos de agotarse.

EL APÓSTOL (L’ apôtre, Cheyenne Carron, 2014) *****

Francia. Duración: 117 min. Guión: Cheyenne Carron Música: Patrick Martens Fotografía: Prune Brenguier Productora: Carron Production Género: Drama.

Reparto: Norah Krief, Fayçal Safi, Salah Sassi, Brahim Tekfa.

el apostolSinopsis: Akim es un joven musulmán que vive en Francia con su familia. Todos esperan de él que sea un Imán, como su tío. Pero ocurre algo en su interior que le lleva a cambiar de vida: se convierte al Cristianismo. Akim tendrá que enfrentarse a su familia, sus amigos y especialmente a su hermano que se niega a aceptar su conversión.

Controvertido tema tratado de manera inteligente por una directora que ya ha tocado en anteriores filmes, como Extase (2009), el tema de la fe religiosa. Rodada con una inquieta cámara  y una naturalidad en las actuaciones que buscan la verosimilitud, quizás el film peca de exceso de metraje. Dejando aparte este posible defecto, hay que reconocer a la cinta su mensaje esperanzador sobre la convivencia y la cooperación en paz entre las diferentes creencias.

CIRCUITO CERRADO (Uklad Zamkniety, Ryszard Bugajski, 2013) *****

Polonia. Duración: 100 min. Guión: Miroslaw Piepka, Michal Pruski Música: Shane Harvey Fotografía: Piotr Sobocinski Jr. Productora: Filmicon / Kino Swiat Género: Thriller político.

Reparto: Janusz Gajos, Kazimierz Kaczor, Wojciech Zoladkowicz, Robert Olech, Przemyslaw Sadowski, Magdalena Kumorek, Monika Kwiatkowska, Monika Kwiatkowska, Beata Scibakówna.

Sinopsis: A principios del año 2000, en la ciudad polaca de Gdansk, tres empresarios crearon una exitosa empresa, la cual alcanzó un rápido crecimiento, llamada Navar. La empresa y los beneficios generados atrajeron un gran interés de un número de ciudadanos prominentes y codiciosos. A través de una alianza secreta entre ellos, pudieron expulsar a los hombres de negocios fuera de su propia compañía, acusándolos de blanqueo de capitales, los encerraron en la cárcel y se circuito-cerrado-17884hicieron cargo de la empresa como accionistas. El honor de los tres hombres fue destruido; fueron tratados como delincuentes peligrosos y tuvieron que enfrentarse a condiciones inhumanas en la cárcel. Finalmente, comenzó una lucha en contra de la corrupción administrativa local entre los que tiran de las cuerdas en las sombras y otros que defienden la libertad, a fin de descubrir la verdad y restablecer su reputación.

Intriga política basada en vergonzosos hechos reales acaecidos en la República de Polonia que demuestra que aunque los sistemas cambien, siempre hay quien se perpetúa en las altas esferas del poder para continuar ejerciendo su corrupta tarea. Circuito cerrado es una de esas películas de intriga que no permite la distracción. Una historia dura e indignante.

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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 24 y 31 de julio *

LÍO EN BROADWAY (She’s Funny that Way, Peter Bogdanovich, 2014) *****

USA. Duración: 93 min. Guión: Peter Bogdanovich, Louise Stratten Música: Ed Shearmur Fotografía: Yaron Orbach Productora: Lailaps Pictures Género: Comedia.

Reparto: Owen Wilson, Imogen Poots, Jennifer Aniston, Will Forte, Cybill Shepherd, Rhys Ifans, Lucy Punch, Eugene Levy, Tatum O’Neal, George Morfogen, Debi Mazar, Jake Hoffman, Joanna Lumley.

Sinopsis: Arnold (Owen Wilson) tiene una vida perfecta: está felizmente casado, tiene dos hijos y un magnífico trabajo como director teatral en Broadway. También es aficionado a las prostitutas y todo cambiará cuando contrate los servicios de Izzy (Imogen Poots), una joven y prometedora actriz que alterna su discreta carrera artística con servicios nocturnos de compañía. El flechazo es tan profundo que Arnold decide ayudarla económicamente para que se centre en el mundo de la interpretación. El plan se torna en pesadilla cuando Izzy consigue un papel en la obra que dirige Arnold, en la que también participa su mujer.

lio-en-broadwayEl veterano director Peter Bogdanovich vuelve al cine tras trece años sin estrenar un filme en salas con esta comedia a lo Lubitsch (al que homenajea directamente, como veremos al final). Un vodevil repleto de líos, equívocos y embrollos que también recuerda un poco a Woody Allen, psiquiatra incluido. Destacan los actores, en especial Owen Wilson como cínico redentor de prostitutas, Jennifer Aniston como psicoterapeuta y la joven protagonista, Imogen Poots. En el filme también hay lugar para guiños cinéfilos, muchos, e incluso el director cuenta con algunos de los protagonistas de sus antiguos filmes, que realizan pequeños papeles como Sybill Shepherd y Tatum O’Neal, además de otros veteranos como Colleen Camp, que ejerce también de productora asociada del film. Posiblemente no es de lo mejor del director, ya que tiene un aire poderosamente camp, pero su oficio puede dar sopas con honda a más de cuatro.

PIXELS (USA, Chris Columbus, 2015) *****

Duración: 106 min. Guión: Tim Herlihy, Tim Dowling, Adam Sandler (Cortometraje: Patrick Jean) Música: Henry Jackman Fotografía: Amir Mokri Productora: Columbia Pictures / Happy Madison Productions / Plus One Rentals Género: Comedia de Ciencia Ficción.

Reparto: Adam Sandler, Michelle Monaghan, Peter Dinklage, Josh Gad, Sean Bean, Ashley Benson, Kevin James, Jane Krakowsli, Brian Cox.

Sinopsis: Pixels cuenta como unos extraterrestres malinterpretan las imágenes de las máquinas recreativas que se envían en una sonda al espacio en 1982 como una declaración de guerra, y deciden atacar la tierra, empleando dichos juegos y las imágenes contenidas en la sonda como modelos para el asalto. El presidente de EEUU, Will Cooper (Kevin James), recurre entonces a su gran amigo de la infancia y campeón de las maquinitas de los años 80, Sam Brenner (Adam Sandler), para encabezar un equipo de perdedores, expertos jugadores en su época (Dinklage y Gad), cuya misión será derrotar a los extraterrestres y salvar al planeta.

10865871_612372792222920_6931055041149370545_oLlámenme simplón, no sería la primera vez, pero la verdad es que, quizás porque me temía lo peor tras escuchar algunas voces, me ha sorprendido positivamente  Pixels. No estamos ante una cinta memorable, no, pero sí frente a un refrescante filme que tira de la nostalgia de los años ochenta y que hará pasarlo bien especialmente al target de público que ronda (y supera) la cuarentena. Basado en un  estupendo corto de Patrick Jean, Pixels es la más descacharrante invasión alienígena desde Mars Attacks! (Tim Burton, 1996). Un filme en el que, siguiendo la estela de Big Bang Theory, los frikis (nerds en el original) serán los protagonistas de la acción. Gustará también por contar con el pequeño gran actor Peter Dinklage, que demuestra sus dotes para la comedia.

Divertida y tonta, este placer culpable es el perfecto pasatiempo veraniego en el que quizás lo que más desentone sea ese personajillo trompetero naranja, incluido sin duda para satisfacer a los más pequeños.

UNA DAMA EN PARÍS (Une Estonienne à Paris, Ilmar Raag, 2012) *****

Francia. Duración: 94 min. Guión: Ilmar Raag, Agnès Feuvre, Lise Macheboeuf Música: Dez Mona Fotografía: Laurent Brunet Productora: Coproducción Francia-Estonia-Bélgica; TS Productions / La Parti Productions / uFilm / Amrion Género: Comedia dramática.

Reparto: Jeanne Moreau, Corentin Lobet, Laine Mägi, Ita Ever, Fabrice Colson, Patrick Pineau, Piret Kalda, Helene Vannari, Ago Anderson.

untitledesSinopsis: Esta es la historia de Frida (Jeanne Moreau), una anciana señora estonia que emigró a Francia hace muchos años y que ahora se encuentra sola y va a ser cuidad por una inmigrante de su país de origen llamada Anne (Laine Mägi).

Frida rechazará en un principio a Anne, sin embargo, este conflicto hará que ambas se conozcan mejor a sí mismas y construyan una hermosa amistad.

Una dama en París es una cinta deliciosa que uno lamenta que casi se estrene de tapadillo. El calor humano que destila se debe a la interpretación de dos grandes damas: la legendaria Jeanne Moreau, que realiza toda una lección de actuación y la poco conocida Laine Mägi, que casi ninguna crítica destaca y que construye un personaje dulce y duro a la vez que brilla a la altura de su coprotagonista de forma contenida y emocionante. No todo han de ser cintas con efectos espectaculares, también hay sitio para la sensibilidad (que no sensiblería), la poesía y la sencillez de esta historia que estas dos actrices realizan de manera magistral. Un lujo.

TED 2 (Seth MacFarlane, 2015) *****

USA. Duración: 115 min. Guión: Seth MacFarlane, Alec Sulkin, Wellesley Wild Música: Walter Murphy Fotografía: Michael Barrett Productora: Universal Pictures / Media Rights Capital Género: Comedia fantástica.

Reparto: Mark Wahlberg, Seth MacFarlane, Amanda Seyfriend, Liam Neeson, Morgan Freeeman, Patrick Warburton, Dennis Haysberg.

Sinopsis: Ted, el oso de peluche y su esposa Tami-Lynn quieren tener un bebé. Pero Ted tendrá que demostrar ante un tribunal de justicia que es una persona.

Ted-2-The-Thunder-Brothers-are-back-Poster-424x600Seth MacFarlane regresa como guionista y director de TED 2, secuela de la exitosa comedia, y Mark Wahlberg vuelve a encarnar el papel del inmaduro John Bennett. Entre los nuevos miembros del reparto se encuentran Morgan Freeman, como defensor de los derechos civiles, y Amanda Seyfried, interpretando a una peculiar abogada, interés romántico del protagonista humano.

Menos salvaje que la primera entrega, Ted 2 no deja de tener los suficientes chistes políticamente incorrectos, sal gorda, cameos sorprendentes y humor como para pasar un rato sumamente entretenido con esta gamberrada en la que Mark Wahlberg demuestra su versatilidad haciéndote creer que su mejor amigo es un oso de peluche. Como en Pixels,  se apela al espíritu freak e incluso iremos con Ted a la Comic-Con de New York, una de las mecas del frikismo. Dos horas que se pasan volando con algún que otro gag de carcajada. Otro divertimento intrascendente e ideal para combatir la canícula.

LA HORCA (The Gallows, Travis Cluff y Chris Lofing, 2015) *****

USA. Duración: 81 min. Guión: Travis Cluff, Chris Lofing Música: Zach Lemmon Fotografía: Edd Lukas Productora: Blumhouse Productions / New Line Cinema / Management 360 / Tremendum Pictures Género: Terror.

Reparto: Cassidy Gifford, Pfeifer Brown, Ryan Shoos, Reese Mishler, Alexis Schneider, Donna Robinson, Price T. Morgan, Mackie Burt.

Sinopsis: Veinte años después de un accidente en el que falleció el protagonista de una obra de teatro de instituto, unos pocos estudiantes de este centro situado en un pequeño pueblo deciden resucitar la fallida producción teatral con la intención de rendir un homenaje en el aniversario de la tragedia…

The-Gallows-Movie-PosterHace tiempo que me digo a mí mismo que no voy a volver a ver ningún filme adscrito a la moda found footage, técnica de rodaje que ya hace tiempo que me aburre soberanamente. Pero encontrarme con algunas sorpresas como La cueva (Alfredo Montero, 2014), hace que no siempre sea fiel a mi (débil) intención. Esta es la pequeña esperanza que me movió a darle una oportunidad a La horca, film encuadrado en este estilo que no solo no aporta nada nuevo, sino que añade al pobrísimo argumento (más bien excusa argumental) que nos plantea, uno de los elementos más molestos del slasher: el grupo de jóvenes cretinos, que en perfecto castellano, pues la película ha sido doblada perdiendo así la poca credibilidad que podría tener, deambulan de una lado a otro abriendo y cerrando puertas de su desierto instituto, pegándose sustos y filmándolo todo.

De verdad que prometo no volver a ver una película found footage… hasta la próxima vez.

 

Categorías: VAMOS DE ESTRENO

VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 17 de julio *

DEL REVÉS (INSIDE OUT) (Peter Docter y Ronaldo del Carmen, 2015) *****

USA. Duración:94 min. Guión: Michael Arndt (Historia: Pete Docter) Música: Michael Giacchino Productora: Pixar Animation Studios / Walt Disney Pictures Género: Animación.

Sinopsis: Hacerse mayor puede ser un camino lleno de obstáculos. También para Riley, que debe dejar su vida en el 650_1200Medio Oeste cuando su padre consigue un nuevo trabajo en San Francisco. Como todos nosotros, Riley es guiada por sus emociones: Alegría, Miedo, Ira, Asco y Tristeza. Las emociones viven en Cuarteles Generales, el centro de control dentro de la cabeza de Riley, desde donde la ayudan y aconsejan a lo largo de su día a día. Riley y sus emociones intentan adaptarse a su nueva vida en San Francisco, pero el caos se instala en los Cuarteles Generales. Aunque Alegría, la emoción principal y más importante de Riley, intenta mantener una actitud positiva, las emociones chocan a la hora de decidir cómo actuar en una nueva ciudad, un nuevo hogar y una nueva escuela

Desde un viaje en globo por encima de las nubes a una metrópoli habitada por monstruos, el director Pete Docter, ganador del Oscar® por Monstruos, S.A. y Up ha llevado a los espectadores a lugares únicos y desbordantes de imaginación. En Del revés, nos conducirá al lugar más extraordinario de todos: el interior de la mente.
(Comentario y crítica completa aquí)

ETERNAL (Selfless, Tarsem Sing, 2015) *****

USA. Duración: 116 min. Guión: David Pastor, Àlex Pastor Música: Dudu Aram, Antonio Pinto Fotografía: Brendan Galvin Productora: Focus Features / Endgame Entertainment / FilmDistrict / Ram Bergman Productions Género: Ciencia Ficción.

Reparto: Ryan Reynolds, Ben Kingsley, Matthew Goode, Natalie Martines, Victor Garber, Derek Luke, Michelle Dockery, Teri Wyble, Sandra Ellis Lafferty.

Sinopsis: A un poderoso millonario, enfermo de cáncer (Ben Kingsley), le ofrecen la posibilidad de someterse a un procedimiento médico radical para transferir su conciencia al cuerpo de un hombre más joven (Ryan Reynolds). Al principio la operación va bien y el hombre disfruta de su renovada juventud, pero todo se complica cuando empieza a descubrir los detalles en torno a la procedencia de su nuevo cuerpo.

Con un prometedor comienzo, elegante e intrigante, Eternal posee un impecable punto de partida que, lamentablemente se desinfla conforme avanza la trama, a pesar de los esfuerzos que ponen sus principales interpretes, eternal-spentre ellos un Ben Kingsley que llena la pantalla y al que echaremos de menos durante el resto del metraje, puesto que ese segmento inicial interpretado por él es lo mejor de la película; un correcto Ryan Reynolds; y finalmente el magnífico Matthew Goode, actor que parece estar especializándose en papeles de villano frío y cínico. Los españoles Álex y David Pastor (Infectados, Los últimos días) firman el guión de la película, que llamó la atención del director Tarsem Singh tras aparecer en la prestigiosa «Lista Negra de los mejores guiones de cine no producidos» que se elabora cada año con los guiones mejor valorados por productores y ejecutivos de estudios americanos. En esta lista han figurado películas como El discurso del Rey, La red social, Los juegos del hambre, El francotirador y Django Desencadenado entre muchas otras. Ambientada en Nueva Orleans, y mostrando todos los tópicos turísticos que puedan imaginarse, este guión de los hermanos Pastor estoy seguro que podría haber tenido un tratamiento más satisfactorio al partir de una premisa muy perturbadora, por las lecturas paralelas que puede tener y que no han sido explotadas, optándose por derivar el filme hacia el thriller y el melodrama. Una oportunidad perdida

 

AMY (Asif Kapadia, 2015) *****

UK. Duración: 127 min. Música: Gabriel Ferreira, Dudu Aram Productora: Playmaker Films / Universal Music Género: Documental.

Sinopsis: Documental sobre la famosa cantante Amy Winehouse, que cuenta con imágenes inéditas de archivo y entrevistas con la malograda estrella, que murió en julio del 2011 a los 27 años de edad.

Amy-Winehouse-posterAmy es un fiel, sentido y respetuoso retrato de los últimos años en la fugaz carrera de la prodigiosa cantante Amy Winehouse. El director realiza la cinta  montando  imágenes provenientes de diferentes fuentes, con sus consiguientes calidades y texturas: declaraciones de televisión, entrevistas, filmaciones íntimas recogidas con móvil  e imágenes de conciertos y de paparazzis, entre las que priman las digitales y que sirven para mostrarnos las 1000 texturas de  un mismo ser, un ser sensible en busca de amor, de alguien que controle su vida, sus excesos. Que la cuide, la ame y no permita que, como finalmente ocurrió, tire la toalla. Sorprende, pero se comprende, que la vida de alguien tan joven esté tan provista de imágenes. Los móviles han pasado a ser elementos cotidianos que permiten guardar momentos a tiempo real. Confidencias que han sobrevivido al tiempo y que ayudan a que nos adentremos en la compleja joven que tenía el alma adulta y la voz negra.

No es necesario un narrador para este documental, el enorme puzzle de imágenes y voces impecablemente montadas que componen Amy, nos relatan las vicisitudes de su vida: De sus principios como diva del jazz al éxito multitudinario como reina de Soul; de sus depresiones adolescentes combatidas gracias a su amor por la música; de su huida del hogar materno; de su bulimia no tratada; de su nuevo hogar en Candem y sus nuevos ambientes; de la presión de la industria, que reclama más y más grabaciones; de su destructiva relación con su novio Blake, cuya primera ruptura le ofrecerá inspiración para su obra maestra, Back to Black, que la llevará a lo más alto de la fama y de allí a la locura, al terror, al fin. De la admiración al ridículo mediático con el secreto a voces de que su muerte era tan solo cuestión de tiempo. Una muerte anunciada. De los parásitos que surgen en el seno de su propia familia, responsables en gran parte de su caída. De su primera sobredosis causada por un cóctel de cocaína, heroína, crack y alcohol y sus primeros escenarios en falso; las giras anuladas que culminan con su espantada en Serbia. Un derrumbe que será la antesala de su fin.

Pero también hay momentos buenos y dulces, muchos. Su dúo con su admirado Tony Bennet; sus actuaciones en locales pequeños; el cariño de sus amigos de siempre y el amor, amor desesperado hasta la muerte. Una colección de imágenes que pese a la admiración del director hacia la biografiada, no permite que se ahorre ni oculten  sus peores momentos. Frágil. Genial. Portentosa. Amy Winehouse ya es leyenda y esta película la retrata fielmente durante dos horas que pasan tan fugaces como la vida de la  última gran diva del Soul.

 

 

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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 10 de julio *

LA MIRADA DEL SILENCIO (The Look of Silence, Joshua Oppenheimer, 2014)*****

Dinamarca / Finlandia / Indonesia / Francia / UK. Duranción: 99 min. Guión: Joshua Oppenheimer. Música: Seri Banang, Mana Tahan. Fotografía: Lars Skree. Productora: Final Cut for Real. Género: Documental

the_look_of_silence_1Tras el golpe de estado militar de 1965, el general Suharto ocupó el poder en Indonesia con el beneplácito de  Estados Unidos y su política de erradicación del comunismo. A continuación llegó el genocidio: miles de comunistas, reales o presuntos, fueron asesinados por los escuadrones de la muerte. Los habitantes de pequeñas poblaciones tuvieron que aprender a convivir con sus asesinos y hubo un acuerdo tácito de olvidar. The Act of Killing (2012)  Joshua Oppenheimer permitía que los propios asesinos se jactaran y se pusieran en evidencia relatando los detalles de sus tropelías, sintiéndose héroes al recordar y representar sus crímenes, ofreciendo un sobrecogedor retrato de la maldad humana sin ningún tipo de concesión hacia el espectador, testigo mudo de toda esa crueldad. Precisamente mientras se rodaba esa película, en la que se pone nombre a una de las víctimas, Ramli, su  familia descubrió cómo fue asesinado su hijo.  El hermano más joven de la víctima, Adi, decide romper el silencio y el miedo con el que viven los supervivientes, enfrentándose así a a los responsables del asesinato de su hermano – algo inimaginable en un país donde los asesinos permanecen en el poder.

En el título de este nuevo documental, La mirada del silencio,  se encuentran los dos factores fundamentales del mismo: La mirada acusadora de una víctima, que hace las veces de entrevistador, a los verdugos de su hermano. En un cara a cara silencioso, sin palabras. Sin apartar la vista. Regalando momentos incómodos para el verdugo, que desea marchar, mirar hacia otro lado, desaparecer, amenazando incluso, antes que enfrentarse a esa mirada limpia y digna que quiere romper con el silencio con el que se ha intentado enterrar el pasado. Ni víctimas ni verdugos parecen querer recordar. Ahora viven en una democracia, y si quieren que no se repitan los hechos del pasado, hay que enterrar y olvidar ese pasado. A pesar de que muchos de los responsables de esas matanzas continúan en el poder.

Si The Act of Killing nos rebelaba como seres humanos, esta mirada del silencio nos consuela en parte al permitir que, por medio de Adi, las víctimas puedan enfrentarse a sus verdugos. Mirarles cara a cara. Pero La mirada del silencio es mucho más, es un testimonio sobre la vida y la muerte. La justicia y la falta de ella. Y sobre el ser humano y la falta de humanidad. Sobre nuestra ceguera en este mundo en el que cualquier noticia entierra la anterior en segundos. La sobreinformación que paradójicamente produce silencio y ceguera.

Un documental sobrecogedor e imprescindible.

(En este enlace pueden leer un interesante y revelador artículo escrito por el propio director Joshua Oppenheimer sobre porqué decidió rodar estos documentales, como lo consiguió y las consecuencias de hacerlos hecho. Vean y escuchen)

TERMINATOR GÉNESIS (Terminator Genisys, Alan Taylor, 2015)*****

USA. Duración: 126 min. Guión: Laeta Kalogridis, Patrick Lussier Música: Christophe Beck Fotografía: Kramer Morgenthau Productora: Paramount Pictures / Annapurna Pictures / Skydance Productions Género: Ciencia Ficción.

Reparto: Emilia Clarke, Arnold Schwarzenegger, Jason Clarke, Jai Courtney, J. K. Simmons, Dayo Okeniyi, Lee Byiung-Hun. Matt Smith.

Sinopsis: Año 2032. La guerra del futuro se está librando y un grupo de rebeldes humanos tiene el sistema de inteligencia artificial Skynet contra las cuerdas. John Connor (Jason Clarke) es el líder de la resistencia, y Kyle Reese (Jai Courtney) es su fiel soldado, criado en las ruinas de una postapocalíptica California. Para salvaguardar el futuro, Connor envía a Reese a 1984 para salvar a su madre, Sarah (Emilia Clarke) de un Terminator programado para matarla con el fin de que no llegue a dar a luz a John. Pero lo que Reese encuentra en el otro lado no es como él esperaba…

TerminatorPoster_oficialDejando aparte el interesante punto de arranque, (SPOILER) con ese Terminator de los ochenta y el T-1000, dos sorprendentes guiños a las anteriores entregas de la serie (a falta de la Terminatrix de la tercera)(FIN DEL SPOILER) el film se torna casi soporífero. Invadiendo en todo momento la sensación de que lo que acontece en la pantalla ya lo hemos visto antes. Incluido el final. El Terminator ‘bueno’ de Schwarzenegger se ha vuelto la sombra de la amenaza que era en anteriores filmes, cargando tintas los guionistas en su intención de hacerlo entrañable. El ‘abualeitor’ ya está un poco chocho y se le nota, llegando a sentir algo parecido al instinto paternal. Y es que solo las múltiples explosiones, efectos especiales de última generación, efectivos pero poco sorprendentes,  y la acción a raudales evitan que entremos en fase REM. Es posible que la historia no de más de sí; o que hubiera necesitado un guión más elaborado  y sorprendente. No lo sé. Pero no cautiva esta entrega de Terminator que si bien parece cerrar anteriores ciclos, también amenaza con iniciar uno nuevo ya con Terminator/Schwazenegger actualizado con la tecnología T-1000.

Eso sí, si de algo puede presumir este filme es de ser pudoroso hasta ofender. Quizás habría que explicar a los guardianes de la moral norteamericana que, si quieren que la película sea clasificada para todos los públicos, bien está que a pesar de toooooda la violencia latente, no haya muertes. Vale. Pero no creemos, la verdad, que sea necesario tanto cuidado para no mostrar la más mínima parte de la epidermis de los actores. De acuerdo, mucho se ha abusado del desnudo por ‘exigencias del guión’ en el pasado, pero lo que se hace para evitarlo en Terminator Génesis, sobrepasa el ridículo más absoluto. En pleno siglo XXI a nadie puede ofender un pudoroso desnudo.

LOVE & MERCY (Bill Pohlad, 2014)  *****

USA. Duración: 121 min. Guión: Oren Moverman, Michael A. Lerner Música: Atticus Ross Fotografía: Robert D. Yeoman  Productora: John Wells Productions / River Road Entertainment Género: Drama biográfico.

Reparto: Paul Dano, John Cusack, Elizabeth Banks, Paul Giamatti, Jake Abel, Joanna Going, Kenny Wormald, Dee Wallace, Erin Darke, Max Scheneider, Nikki Wright, Claudia Graf, Paige Diaz.

Sinopsis: Biopic sobre el músico y compositor Brian Wilson, fundador de los Beach Boys, sobre su influencia en la música, y sus problemas nerviosos que propiciaron su relación con el controvertido terapeuta Dr. Eugene Landy.

Lejos de ser un aburrido y gris biopic al uso, Love & Mercy  resulta ser un acertado retrato de la enfermedad mental narrada (y oida) desde dentro de la cabeza del propio músicolove-and-mercy-poster-640x949. Y dirigido de forma muy agil por su director, que por lo pronto renuncia a la cronología y apuesta por hacer avanzar la historia yendo de los sesenta a los noventa y viceversa utilizando dos actores para realizar el mismo papel: Paul Dano como el joven líder de los Beach Boys obsesionado con reproducir los sonidos que oye en su cabeza; y John Cusack, que encarna al maduro músico totalmente roto y manipulado por su terapeuta, papel que interpreta impecablemente el siempre eficaz Paul Giamatti.  Dos escenarios y dos épocas que el director también filma de diferente forma, la de los sesenta, más  excitante, de una forma casi documental, como queriéndonos hacer formar parte de la historia. Y la de los noventa mucho más convencional, casi hasta la exasperación. Somos testigos del ascenso de los Beach Boys y del nacimiento de Pet Sounds, la respuesta de Wilson al Sgt. Peppers y uno de los álbumes clave de la historia de la música del siglo XX; y del descenso a los infiernos de Brian Wilson; así como de la frustrada creación de Smile, disco iniciado en los años sesenta y finalizado en 2004. Y todo está tan bien relatado que uno recupera la fe en los buenos biopics. Y por ende, en el buen cine.

EL MUNDO SIGUE (Fernando Fernán Gómez, 1963) *****

España. Duración: 115 min. Guión: Fernando Fernán Gómez (Novela: Juan Antonio Zunzunegui) Música: Daniel J. White Fotografía: Emilio Foriscot (B&W) Productora: Ada Films Género: Drama.

Reparto: Lina Canalejas, Fernando Fernán Gómez, Gemma Cuervo, Milagros Leal, Francisco Pierrá, Agustín González, José Morales, José Calvo, Fernando Guillén, María Luisa Ponte, Pilar Bardem.

Esta es una de esas película que sin duda incomodaron al Régimen. Estrenada dos años después de realizarse y casi de tapadillo, esta agria historia sobre dos hermanas, que obsesionadas cada una a su manera por la riqueza, se profesan mutuamente un profundo odio, muestra una España alejada de los parámetros felices que a toda costa El_mundo_sigue-273711292-largese nos quería mostrar. Prostitución, aborto, violencia, pobreza, desigualdades sociales… vidas viles en las que el único valor es el del dinero, que Fernán Gómez retrata en un blanco y negro repleto de grises y una banda sonora conformada por los sonidos de la calle, de los vecinos, de los transistores. Pero también del jazz de Daniel J. White, amiguete de saraos nocturnos del propio Fernán Gómez y de Jesús Franco (de quien también fue músico de cabecera)  en el interminable Madrid nocturno de los cincuenta. A pesar de estar rodada en 1963, El mundo sigue mantiene la estética de los años cincuenta, y resulta ser un film tan bien fotografiado y repleto de detalles, que sus imágenes narran más de como fue esa época gris que cualquier documental. Entre sus protagonistas destacan las dos hermanas, una Lina Canalejas en estado de gracia y una bella y eficaz Gemma Cuervo. También realiza una interpretación genuina Milagros Leal como la abnegada madre de ambas jóvenes. Asímismo el Faustino que encarna Fernando Fernán-Gómez es una brillante composición de marido machista, jugador empedernido (hoy lo llamaríamos ludópata) y canalla. Tan brillante como está en la interpretación, Fernán Gómez, lo está también detrás de las cámaras. Como director se permite innovar a la hora de narrar en imágenes: con encuadres rabiosamente modernos, planos fijos bien sostenidos por los actores, brillantes flash-backs que se introducen sin solución de continuidad dentro de la trama, como el magistral momento en el que, mientras Luisita sube las escaleras, se van intercalando planos de ella de niña subiendo (su infancia inocente) y su escalada en su presente en el que se ha convertido en una mantenida que acude al hogar paterno intentando ser perdonada y aceptada (cosa que conseguirá por sus generosos regalos). Puede decirse que, como director,  se avanza a su época. El único pero que podría ponerse a esta obra es su fidelidad al texto literario que la inspira, consecuencia de lo cual hay ocasiones en que el registro lingüístico de los diálogos es poco coloquial.

El mundo sigue se ha querido incluir formando parte en  una especie de trilogía del director junto a La vida por delante (1958) y La vida alrededor (1959), pero  no debería ser así, ya que las dos primeras son comedias y comparten personajes, mientras que El mundo sigue es una historia trágica totalmente ajena a las otras dos.

 

Categorías: VAMOS DE ESTRENO

Joshua Oppenheimer habla sobre La mirada del silencio (The Look of Silence)

Puede hablarse y mucho sobre este magnífico documental, pero este texto, escrito por el propio director e incluido en el dossier de prensa del filme, nos parece un documento fundamental para entender y valorar en su totalidad la obra de Oppenheimer, por lo que hemos decidido incluirlo íntegro. 

Mientras que en The Act of Killing buscaba exponer las consecuencias de construir nuestra realidad cotidiana sobre una base de terror y mentiras, La mirada del silencio explora la vida de los supervivientes que viven en esa realidad. Sin lugar a dudas, hacer una película sobre los supervivientes de un genocidio es adentrarse en un campo minado de clichés que, en su mayoría, nos presentan a un protagonista heroico, si no santo, con el que podemos identificarnos, ofreciéndonos así el falso consuelo de que, en la catástrofe moral de la atrocidad, distamos mucho de parecernos a los asesinos.

Sin embargo, mostrar una imagen santificada de los protagonistas con el fin de convencernos de nuestra bondad es usarlos para engañarnos y un insulto a la experiencia de los supervivientes, sin contar con que no ayuda en absoluto a entender lo que significa sobrevivir a la atrocidad, llevar una vida hecha añicos por la violencia en masa y vivir silenciado por el terror. Así pues, para surcar este campo minado de clichés, hemos tenido que explorar el silencio en sí.

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El resultado, La mirada del silencio, es, espero, un poema sobre el silencio que nace del terror y de la necesidad de acabar con él, pero también sobre el trauma que implica romperlo. Puede que sea un homenaje al silencio, un recordatorio de que, a pesar de que intentemos seguir adelante, mirar hacia otro lado y pensar en otras cosas, nada reparará por completo lo que ya se ha roto, igual que nada resucitará a los que ya han muerto. La mirada del silencio es una invitación a detenernos, a pensar en las vidas que han sido destruidas y a esforzarnos por escuchar el silencio que viene después.

LA MIRADA DEL SILENCIO. HISTORIA DE LA PRODUCCIÓN

La primera vez que visité Indonesia fue en 2001. Fui a ayudar a los trabajadores de las plantaciones de palma de aceite a hacer una película que documentara y pusiera en valor globalizationtapessu lucha por organizar un sindicato tras la caída de la dictadura de Suharto —apoyada por Estados Unidos— durante la cual, las uniones sindicalistas eran ilegales. En aquel entonces, en las remotas aldeas agrícolas de Sumatra septentrional, a duras penas se notaba que ya habían pasado tres años desde el fin de la dictadura militar.

Las condiciones en las que vivía este pueblo eran deplorables. Las mujeres que trabajaban en las plantaciones se veían obligadas a rociar herbicida sin ropa de seguridad. Así, el spray les entraba en los pulmones y llegaba a su torrente sanguíneo, destruyéndoles el tejido hepático. Como consecuencia, las mujeres enfermaban, y muchas morían antes de llegar a los cincuenta años. Si se quejaban de estas condiciones, la empresa, dirigida por belgas, contrataba matones paramilitares para amenazarlas e incluso agredirlas físicamente.

El miedo era el mayor obstáculo en su camino para organizar un sindicato, y era la razón por la que la empresa belga podía envenenar a sus empleados y salir impune. Pero pronto comprendí la raíz de dicho temor: los trabajadores de la plantación habían tenido un gran sindicato hasta 1965, año en el que sus padres y abuelos fueron acusados de simpatizar con el comunismo por pertenecer a éste. Fueron enviados a campos de concentración, explotados como esclavos y, finalmente, asesinados por el ejército y los escuadrones de la muerte.

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En 2001, los asesinos no solo gozaban de impunidad total sino que, junto a sus protegidos, seguían dominando todos los estratos del gobierno, desde la aldea de la plantación hasta el Parlamento. Los supervivientes vivían bajo el temor de que una nueva masacre pudiera desatarse en cualquier momento.

Una vez terminada la película (The Globalisation Tapes, 2002), los supervivientes nos pidieron que volviéramos lo más pronto posible para hacer una nueva cinta sobre la raíz de su miedo, es decir, sobre lo que se siente al vivir rodeado y gobernado por los hombres que asesinaron a sus seres queridos.

Volvimos casi de inmediato, a principios de 2003, y comenzamos a investigar uno de los asesinatos de 1965 del que los trabajadores de la plantación hablaban muy a menudo. La víctima se llamaba Ramli, y su nombre se usaba casi como un sinónimo de los asesinatos en general.

Pronto entendí lo que hacía que ese asesinato en particular se mencionara con tanta frecuencia: hubo testigos. No había forma de negarlo. A diferencia de los cientos de miles de víctimas que desaparecieron en mitad de la noche de los campos de concentración, la muerte de Ramli había sido pública. Y no solo hubo testigos de sus últimos momentos, sino que los asesinos abandonaron su cuerpo en medio de la plantación de palma de aceite, a menos de tres kilómetros de la casa de sus padres. Años después, furtivamente, la familia pudo erigir una tumba en su nombre, aunque solo podían visitarla a escondidas.

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Tanto supervivientes como ciudadanos indonesios en general hablaban de «Ramli». Supongo que porque su muerte fue la triste evidencia de lo que sucedió con las demás víctimas y con toda una nación. Ramli fue la prueba de que los asesinatos, por muy tabú que fueran, habían ocurrido. Su muerte confirmó a los aldeanos todos los horrores que el régimen militar les había obligado a fingir que nunca habían ocurrido pero que, sin embargo, había amenazado con desatar de nuevo. Hablar de «Ramli» y de su asesinato era ese pellizco necesario para volver a la realidad, era un recordatorio de la verdad, una conmemoración del pasado y una advertencia para el futuro. Para los supervivientes y otras personas de la plantación, recordar a «Ramli» era reconocer la raíz de su miedo y, por consiguiente, el primer paso para superarlo.

Cuando regresé a principios de 2003, fue inevitable que se hablase a menudo del caso de Ramli. Los trabajadores de la plantación no tardaron en buscar a la familia del chico, y fue así como conocí a Rohani, la distinguida madre de Ramli, a Rukun, su anciano padre, aunque bromista, y a sus hermanos, incluyendo a Adi, el menor, oculista de profesión y nacido después de los asesinatos.

Rohani buscó en Adi un sustituto de Ramli. Lo tuvo para superar su pérdida y poder seguir viviendo, y Adi ha vivido con esa carga toda su vida. Como los hijos de supervivientes a lo largo de toda Indonesia, Adi creció en una familia tildada oficialmente de «políticamente sucia», empobrecida por décadas de extorsión por parte de los oficiales de las fuerzas armadas locales y traumatizada por el genocidio.

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Adi, al haber nacido después de los asesinatos, no tenía miedo de hacerse escuchar y exigir respuestas. Me atrevería a decir que mi proceso de rodaje le ayudó a entender lo que había sufrido su familia, el rodaje se convirtió en un medio para expresar y superar un terrorismo que todo su entorno se había negado a reconocer por miedo.

Adi y yo nos hicimos amigos inmediatamente, y juntos comenzamos a contactar con otras familias de supervivientes de la región. Se reunían y contaban sus historias mientras nosotros grabábamos. Para muchos de ellos, ésta era la primera vez que hablaban públicamente de lo que había pasado. En una ocasión, una superviviente llegó a casa de los padres de Ramli temblando de miedo, aterrorizada pensando que si la policía descubría lo que estábamos haciendo, la arrestarían y la obligarían a trabajar como esclava, como habían hecho durante los años de dictadura. Aun así, asistió a la reunión decidida a dar su testimonio. Cada vez que pasaba una moto o un coche, parábamos de grabar y escondíamos todo el equipo que pudiéramos. Debido a las décadas de apartheid económico, los supervivientes apenas podían permitirse una bicicleta, por lo que el sonido de un motor significaba la visita de un desconocido.

El ejército, que tiene bases en todas las aldeas de Indonesia, no tardó en enterarse de lo que estábamos haciendo y amenazó a los supervivientes, incluyendo a los hermanos de Adi, para que no participaran en el rodaje. Los supervivientes me rogaron: «Antes de que te rindas y vuelvas a casa, intenta grabar a los culpables. Quizá te cuenten cómo mataron a nuestros familiares». No sabía si era seguro acercarme a los asesinos, pero al hacerlo descubrí que la mayoría presumía de sus acciones. No dudaron en relatarme —a menudo con una sonrisa en los labios y delante de sus familias, de sus nietos incluso— los macabros detalles de los asesinatos. Viendo este contraste entre los supervivientes forzados a guardar silencio y los asesinos jactándose con historias mucho más incriminatorias que cualquier relato de los supervivientes, sentí que había aterrizado en Alemania cuarenta años después del Holocausto solo para encontrar que los nazis seguían en el poder.

Cuando les mostré estos testimonios a los supervivientes que quisieron verlos, incluyendo a los demás hermanos de Adi y Ramli, todos me dijeron algo parecido a: «Tienes algo valiosísimo entre manos. Sigue grabando a los culpables, pues cualquiera que vea esto, se verá obligado a reconocer lo podrido que está el corazón del régimen que estos asesinos han construido». A partir de ese momento, sentí que la comunidad de supervivientes y derechos humanos me había confiado una tarea que para ellos era imposible de realizar sin poner sus vidas en riesgo: grabar a los asesinos. Todos mostraron mucho entusiasmo al invitarme a los lugares donde habían cometido los crímenes y caían en demostraciones espontáneas sobre cómo los habían llevado a cabo. Al terminar, se quejaban de que no se les había ocurrido llevar un machete de atrezo o a algún amigo que interpretara el papel de la víctima. Un día, a principios del proyecto, conocí al líder del escuadrón de la muerte de la plantación en la que habíamos grabado The Globalisation Tapes. Él y otro verdugo me invitaron a visitar un claro a las orillas del «Río de la Serpiente» en el que habían ayudado a asesinar a 10.500 personas. De repente, me di cuenta de que me estaba contando cómo había matado a Ramli. Me había topado con uno de sus asesinos.

TORONTO, ON - SEPTEMBER 11:  Director Joshua Oppenheimer and subject Adi Rukun of "The Look of Silence" pose for a portrait during the 2014 Toronto International Film Festival on September 11, 2014 in Toronto, Ontario.  (Photo by Maarten de Boer/Getty Images)

TORONTO, ON – SEPTEMBER 11: Director Joshua Oppenheimer and subject Adi Rukun of «The Look of Silence» pose for a portrait during the 2014 Toronto International Film Festival on September 11, 2014 in Toronto, Ontario. (Photo by Maarten de Boer/Getty Images)

Hablé con Adi sobre este encuentro, y tanto él como otros miembros de la familia me pidieron ver la grabación. Fue así como conocieron los detalles de la muerte de Ramli.

Durante dos años, desde 2003 hasta 2005 y desde el campo hasta la ciudad, grabé a cada uno de los asesinos que pude encontrar en Sumatra septentrional, visitando a cada escuadrón de la muerte hasta poder acceder a los superiores en la línea de mando. Anwar Congo, quien se convertiría en el personaje principal de The Act of Killing, fue el cuadragésimo primer asesino al que filmé.

Dediqué los cinco años siguientes a la grabación de The Act of Killing y, a medida que avanzaba el proceso, Adi me pedía ver el material filmado. Veía todo lo que le podía enseñar en el tiempo que podía sacar para él. Estaba anonadado.

Al ser grabados, los autores de genocidios de tal magnitud suelen negar las atrocidades que han cometido o disculparse por ellas, pues cuando los cineastas los contactan, ya han sido expulsados del poder y sus acciones han sido condenadas y expiadas. En este caso, los homicidas a los que estaba filmando habían salido victoriosos, habían construido un régimen terrorista basado en la celebración de un genocidio y seguían estando al mando. Nunca tuvieron que admitir sus errores, y es por esto que The Act of Killing no es un documental sobre un genocidio ocurrido hace 50 años, sino el desenmascaramiento de un régimen actual fundado en el terror. Tampoco es una narrativa histórica, es una película sobre la historia misma, sobre las mentiras que los vencedores cuentan para justificar sus acciones y sobre los efectos de dichas mentiras; sobre un pasado traumático sin resolver que sigue atormentando al presente.

Desde el principio de mi travesía, supe que había otra película que debía realizar con igual urgencia, una sobre el presente también. En The Act of Killing reinan las víctimas ahora ausentes, los muertos. Prácticamente cada uno de los pasajes tristes termina abruptamente con una página de silencio y angustia, con un paisaje vacío y a menudo en ruinas habitado por una única y solitaria figura. El tiempo se detiene. Hay una ruptura en el punto de vista de la película, un cambio abrupto al silencio, una conmemoración de las víctimas y de las vidas destruidas sin justificación. Sabía que haría otra película en la que entráramos a esos espacios lúgubres para sentir desde lo profundo de nuestro ser lo que sienten los supervivientes obligados a vivir ahí y a construir sus vidas bajo la mirada vigilante de quienes asesinaron a sus seres queridos y aún siguen en el poder. Esa película es La mirada del silencio.

the_look_of_silence_1Además del material grabado entre 2003 y 2005 que Adi pudo ver, grabamos La mirada del silencio en 2012, después de editar The Act of Killing pero antes de estrenarla, tras lo cual sabía que ya no podría volver a estar a salvo en Indonesia. Trabajé muy de cerca con Adi y sus padres, quienes, junto a mi equipo indonesio anónimo, se habían convertido en una nueva parte de mi familia.

Adi pasó años estudiando las grabaciones de los genocidas. Las veía con una mezcla de conmoción, tristeza e indignación; quería entenderlas. Mientras tanto, sus hijos estaban en el colegio aprendiendo que todo lo que les había pasado —la esclavitud, las torturas, los asesinatos, las décadas de apartheid político— era culpa de ellos mismos, doctrina que buscaba instigar un sentimiento de culpa en los hijos de los supervivientes. Adi quedó sumamente afectado e indignado por la arrogancia de los oficiales, el trauma y miedo causado a sus padres y el lavado de cerebro al que estaban expuestos sus hijos. En vez de proponerme continuar desde donde lo habíamos dejado en 2003, reuniendo supervivientes para que nos contaran su experiencia, Adi decidió que quería conocer a los hombres implicados en el asesinato de su hermano. Tenía la esperanza de que, al presentárseles como el hermano de la víctima, se vieran obligados a reconocer sus crímenes.

En Indonesia, que una víctima confronte a un criminal es algo inconcebible, como puede apreciarse en The Act of Killing. Se trataba de un proyecto sin precedentes: hacer una película en la que víctimas confrontaran a asesinos mientras estos seguían al mando. Los enfrentamientos eran peligrosos; cuando nos reuníamos con los peces más gordos, iba solo con Adi y mi equipo danés: el cámara Lars Skree y el productor Signe Byrge Sørensen. Adi venía sin identificación. Borrábamos todos los números de nuestros teléfonos móviles y llevábamos un segundo coche al que pudiéramos cambiarnos minutos después de habernos ido, para así huir más fácilmente en caso de que los oficiales enviaran a la policía o a sus matones a seguirnos. Pero ninguno de los enfrentamientos acabó violentamente, en gran medida gracias a la paciencia y la empatía de Adi y al hecho de que los homicidas no sabían muy bien cómo reaccionar, dado que ya me habían conocido unos años atrás.

Aun así, los encuentros fueron tensos. Una y otra vez, Adi verbalizaba lo que nunca se había dicho, permitiendo al público sentir lo que es sobrevivir a un genocidio y percibir las sombras de un silencio opresivo nacido del miedo.

IMPACTO DE THE ACT OF KILLING

The Act of Killing tuvo el impacto que los supervivientes esperaban cuando me animaron a grabar a los autores del genocidio. Ha sido proyectada miles de veces en Indonesia y está disponible en línea gratuitamente para todos los habitantes del país, lo que ha ayudado a catalizar una transformación en la forma en que Indonesia entiende su pasado. Ahora, tanto los medios como el público pueden, por primera vez y sin temor, investigar el genocidio como lo que fue, un genocidio, y hablar de los vínculos entre la catástrofe moral que representaron las masacres y la catástrofe moral que es el régimen actual constituido y aún presidido por los asesinos.

En octubre de 2012, la revista más importante de Indonesia, Tempo Magazine, publicó una edición especial doble dedicada a The Act of Killing que incluía 75 páginas de las prepotentes declaraciones de los genocidas entrevistados en toda Indonesia. El editor de la revista recopiló estos testimonios para demostrar que la película pudo haber sido realizada en cualquier parte de Indonesia, que hay miles de estos temidos criminales gozando de impunidad en todo el país y que los problemas de corrupción y gansterismo son sistémicos. Esta edición especial significó el fin de los 47 años de silencio sobre el genocidio en los principales medios de comunicación.

La Comisión Nacional de Derechos Humanos de Indonesia emitió sus declaraciones sobre el documental: «Si queremos transformar Indonesia en el país democrático que dice ser, los ciudadanos deben reconocer el terrorismo y la represión sobre los que ha sido construida nuestra historia contemporánea. Ninguna película u obra artística al respecto ha logrado eso de manera tan efectiva como The Act of Killing. Es de visionado obligatorio para todos nosotros».

Durante mucho tiempo, el gobierno indonesio ignoró The Act of Killing con la esperanza de que desapareciera. Cuando el documental fue nominado a un premio de la Academia, el portavoz del presidente indonesio reconoció que el genocidio de 1965 había sido un crimen contra la humanidad y que Indonesia necesitaba un período de reconciliación, pero a su propio ritmo. Si bien esto no significó que aceptase el documental, sí fue un avance significativo, pues representó un cambio radical por parte del gobierno que, hasta ese entonces, aseguraba que los asesinatos habían sido gloriosos y heroicos.

Hay una escena en The Act of Killing en la que acuso a uno de los asesinos de haber cometido crímenes de guerra, y él responde denunciando la hipocresía de Occidente, recordando que Estados Unidos masacró a los nativos americanos. De hecho, y más concretamente, los Estados Unidos y el Reino Unido ayudaron a maquinar el genocidio indonesio y, durante décadas, apoyaron de muy buena gana la dictadura militar que ascendió al poder tras la masacre.

Cuando The Act of Killing recibió un premio BAFTA, usé mi discurso de aceptación para recalcar que ni el Reino Unido ni los Estados Unidos de América podrán tener una relación ética con Indonesia –ni con muchos otros países del hemisferio Sur- hasta que reconozcamos los crímenes del pasado y el papel que jugamos al apoyar, participar en y, en última instancia, ignorar dichos crímenes.

Un documental no puede cambiar el panorama político de un país. No obstante, como el niño en El traje nuevo del Emperador, puede propiciar un espacio en el que la gente dispuesta a reaccionar pueda tratar los problemas más desgarradores e importantes de la nación por primera vez y sin temor.

Es justamente ahí, en ese espacio, donde entra en juego La mirada del silencio.

SITUACIÓN POLÍTICA ACTUAL DE INDONESIA

En julio de 2014 se eligió, por primera vez en Indonesia, a un presidente sin orígenes elitistas, que no es un oligarca enriquecido a través de la corrupción y el saqueo de los recursos del Estado ni un general del ejército llegado al poder a través de una dictadura militar.

El presidente electo Joko Widodo, comúnmente conocido como «Jokowi», ha demostrado una preocupación real por la difícil situación en la que se encuentran los indonesios y no ha tenido pelos en la lengua para denunciar la necesidad de reconocer las violaciones de los derechos humanos perpetradas por las fuerzas militares. Sin embargo, entre sus partidarios se encuentran generales del ejército rodeados de asesinos y sus compinches, incluyendo a los generales ya retirados Hendropiyono y Wiranto, ambos responsables de unas de las peores masacres en la historia de la dictadura militar del Nuevo Orden. Como si fuera poco, Jokowi eligió como compañero de tándem a Jusuf Kalla, el vicepresidente, quien aparece en The Act of Killing en un mitin paramilitar diciendo que, básicamente, se necesitan matones para apalear al pueblo y conseguir resultados.

No obstante, también es cierto que el contrincante de Jokowi, Prabowo Subianto, oligarca y antiguo jefe de las tan criticadas fuerzas especiales del país, fue la encarnación del lado más oscuro de la política indonesia. Prabowo es tristemente célebre por haber urdido la desaparición, tortura y ejecución de estudiantes activistas en 1998, las masacres de etnias chinas en 1998 y las matanzas de Timor Oriental.

Durante la campaña electoral, su equipo de campaña amenazó con arrestar a los periodistas críticos, avivó las llamas del extremismo religioso y declaró que Indonesia no estaba lista para una democracia electoral. Su derrota, aunque por un margen mínimo, fue un gran alivio para los supervivientes de abuso de los derechos humanos, minorías étnicas y religiosas y cualquiera implicado en la lucha por la democracia legítima de Indonesia.

Los pulquérrimos antecedentes de Joko Widodo como gobernador de Yakarta y el rechazo al antiguo régimen mostrado por el electorado son, al fin, motivo de esperanza para Indonesia.

CONTEXTO HISTÓRICO:
Masacres de 1965 – 1966 en Indonesia
Editado a partir de los comentarios sobre las masacres, sus consecuencias e implicaciones, del historiador John Roosa (Profesor de Historia de la Universidad de Columbia Británica; autor de Pretext for Mass Murder: The September 30th Movement and Suharto’s Coup D’Etat in Indonesia (Pretexto para el asesinato masivo: el Movimiento del 30 de septiembre y el golpe de estado de Suharto en Indonesia).
Comentarios iniciales y finales adicionales escritos por Joshua Oppenheimer.
En 1965, el gobierno de Indonesia fue derrocado por las fuerzas armadas. Sukarno, el primer presidente de Indonesia, fundador del Movimiento de Países no Alineados y líder de la revolución nacional contra el colonialismo holandés, fue destituido y remplazado por el general de derechas Suharto. El Partido Comunista Indonesio (PKI), que siempre había tenido un papel fundamental en la lucha contra el colonialismo holandés y que había apoyado firmemente al presidente Sukarno —a pesar de no ser comunista— fue prohibido de inmediato.
La víspera del golpe, el PKI era el partido comunista más grande del mundo fuera de un país comunista. Estaba oficialmente comprometido a llegar al poder a través de elecciones y entre sus aliados se encontraban todos los sindicatos y cooperativas para campesinos sin tierras de Indonesia. Sus principales temas de campaña incluían una reforma agraria y la nacionalización de las empresas mineras, petroleras y forestales extranjeras. Con esto, buscaban emplear los vastos recursos naturales de la nación en beneficio del pueblo indonesio que, tras 300 años de explotación colonial, vivía, en su mayoría, en la pobreza extrema.
Tras el golpe militar de 1965, cualquiera que se opusiera a la nueva dictadura militar podía ser acusado de ser comunista. Esto incluía a sindicalistas, campesinos sin tierras, intelectuales y etnias chinas, así como a cualquiera que hubiera luchado por la redistribución de la riqueza tras el fin del colonialismo. En menos de un año, y con la ayuda directa de gobiernos occidentales, más de un millón de estos «comunistas» fueron asesinados. En Estados Unidos, la masacre fue celebrada como una «gran victoria sobre el comunismo» y recibida, ampliamente, como una buena noticia. La revista Time reseñó: «La mejor noticia sobre Asia que Occidente ha recibido en años», mientras que en el New York Times se leyó el titular: «Un rayo de esperanza para Asia» y se aprovechó para felicitar al gobierno por su buena labor escondiendo su participación en los asesinatos. (Cabe acotar que la inculpación de las etnias chinas, que habían llegado a Indonesia en los siglos XVIII y XIX, fue fomentada por el servicio de inteligencia estadounidense, que buscaba crear divisiones entre el nuevo régimen indonesio y la República Popular China. Asimismo, la masacre de los miembros aldeanos del PKI y sus sindicatos y cooperativas también fue incitada por Estados Unidos, quien temía que sin una «política de tierra quemada», el nuevo régimen indonesio pudiera llegar a acoger, en algún momento, la base del PKI).
En muchas regiones de Indonesia, el ejército reclutó civiles para que cometieran los asesinatos. Se les organizó en grupos paramilitares y se les garantizó un entrenamiento básico (con un importante respaldo militar). En la provincia de Sumatra Septentrional, como en otras provincias, los paramilitares fueron reclutados, en su mayoría, de pandillas de gánsteres o “preman”. Desde las masacres, el gobierno indonesio ha celebrado «el exterminio de los comunistas» como una lucha patriótica, y ha ensalzado a paramilitares y matones al estatus de héroes, premiándolos con poder y privilegios.
Desde entonces, estos hombres y sus protegidos han ocupado posiciones clave en el poder que han usado para oprimir y perseguir a sus opositores. El pretexto usado para el genocidio de 1965 – 1966 fue el asesinato de seis generales del ejército la noche del 1 de octubre de 1965.
1 de octubre de 1965: El movimiento 30 de septiembre (Gerakan 30 September o G30S), conformado por subalternos descontentos de las Fuerzas Armadas de Indonesia, asesinó a seis generales del ejército en un golpe de estado frustrado y abandonó sus cuerpos en un pozo al sur de la ciudad. Al mismo tiempo, las tropas del Movimiento se apoderaron de la emisora de radio nacional para anunciar su intención de proteger al presidente Sukarno de los generales de derecha del ejército que atentaban con tomar el poder. El Movimiento 30 de septiembre fue derrotado incluso antes de que la mayoría de los indonesios supiera de su existencia. El teniente general Suharto, experimentado comandante del ejército, sobrevivió al atentado y no tardó en contraatacar y sacar de Yakarta a las tropas del Movimiento en un solo día.
Suharto acusó al Partido Comunista de Indonesia (PKI) de haber organizado el Movimiento y, posteriormente, orquestado el exterminio de simpatizantes del partido. El ejército de Suharto acorraló a más de un millón y medio de personas, acusándolas de estar involucradas con el Movimiento. En uno de los peores baños de sangre del siglo XX, cientos de miles de individuos fueron masacrados por el ejército y sus grupos paramilitares asociados, principalmente en Java Central, Java del Este, Bali y Sumatra Septentrional entre finales de 1965 y mediados de 1966. Suharto aprovechó este clima de emergencia nacional para usurpar, progresivamente, la autoridad del presidente Sukarno y para marzo de 1966 ya se había instaurado como presidente de facto y se había atribuido el poder de nombrar y despedir ministros.
Las masacres fueron totalmente desproporcionadas con su causa aparente. El Movimiento fue una conspiración a baja escala organizada por unas pocas personas y, en total, dejó un saldo de 12 muertos. Suharto exageró su magnitud hasta darle la forma de una conspiración continua y a nivel nacional para cometer asesinatos en masa. Todos los millones de personas asociados al PKI, incluyendo a campesinos analfabetos de aldeas remotas, fueron tachados de asesinos y de responsables colectivos del Movimiento.
Ni el gobierno indonesio ni los oficiales militares, hasta el fin del régimen de Suharto en 1998, dudaron en invocar al fantasma del PKI como respuesta ante cualquier disturbio o señal de discrepancia. La frase clave en cada argumento del régimen era: «El peligro latente del comunismo». La erradicación incompleta del PKI fue, en el sentido estricto de la palabra, la razón de ser del régimen de Suharto. El instrumento jurídico original bajo el que el régimen gobernó Indonesia más de 30 años fue la orden presidencial de Sukarno del 3 de octubre de 1965, en la que autorizaba a Suharto a «restaurar el orden». Se trataba de una orden de emergencia. Pero para Suharto, la emergencia nunca acabó.
En su intento de construir una ideología que legitimara su dictadura, Suharto se presentó como el salvador de la nación por haber derrotado al Movimiento. Su régimen usó todos los medios y métodos de propaganda estatal a su alcance para grabar el evento en las mentes de los habitantes: libros de texto, monumentos, nombres de calles, películas, museos, rituales conmemorativos y fiestas nacionales. El régimen de Suharto justificó su existencia ubicando al Movimiento en el centro de su narrativa histórica y promoviendo la imagen del PKI como la de un mal inefable. Con Suharto, el anticomunismo se convirtió en la religión de estado, con sus propios lugares sacros, rituales y fechas.
Es impresionante lo mal que ha sido entendida la violencia anti-PKI, teniendo en cuenta la escala de su magnitud. Sin lugar a dudas, el hecho de que los autores de las masacres fueran tanto militares como civiles, ha empañado las responsabilidades. No obstante, por lo poco que se conoce, es evidente que el ejército tuvo la mayor parte de la responsabilidad y que los asesinatos fueron un ejemplo de violencia planeada y burocrática, no espontánea y popular. A través del estricto control de los medios y a base de inventar historias falsas sobre el Movimiento, el grupo de oficiales de Suharto manipuló a los civiles y les inculcó la sensación de que el PKI estaba sediento de sangre. De no haber existido esta deliberada provocación por parte de los militares, el pueblo no habría creído que el PKI era una amenaza mortal, pues este se había mantenido en términos de paz tras los actos del 30 de septiembre. A partir de principios de octubre de 1965, el ejército trabajó sin cesar para despertar el odio del pueblo en contra del PKI, y el gobierno de Estados Unidos incitó activamente a la milicia indonesia a perseguir a cada comunista de a pie. Incitó a los grupos de civiles paramilitares a actuar, les garantizó impunidad y les brindó apoyo logístico.
En contra de la creencia popular, fueron muy pocos los casos de violencia desatados por los aldeanos. Por lo general, el ejército de Suharto prefería las desapariciones misteriosas a las ejecuciones públicas. El ejército y sus grupos paramilitares solían cometer sus masacres a larga escala en secreto: sacaban a los prisioneros de sus cárceles por la noche, los llevaban a lugares alejados, los ejecutaban y luego enterraban sus cuerpos en fosas comunes sin ninguna identificación o los echaban a los ríos.
La tragedia de la historia moderna de Indonesia yace no solo en las masacres organizadas por el ejército en 1965 – 1966, sino también en la ascensión al poder de los asesinos, de las personas que percibían las matanzas y la guerra psicológica como formas normales y legítimas de gobierno. El mismo régimen que se legitimó a sí mismo señalando la fosa común del pozo y jurando: «Nunca más», dejó un sinfín de fosas comunes a lo largo de todo el país, desde Aceh en el extremo oeste hasta Papúa en el extremo este. La ocupación de Timor Oriental desde 1975 a 1999 también dejó decenas, si no centenas, de miles de muertos, muchos enterrados anónimamente. Cada fosa común en el archipiélago es una señal del ejercicio de poder arbitrario y no declarado vivido en el país.
La obsesión con un hecho relativamente insignificante (el Movimiento) y el tachón de un acontecimiento de la historia mundial (las masacres de 1965 – 1966) han eliminado el sentimiento de empatía por las víctimas y por los familiares de los hombres y mujeres desaparecidos. Mientras un monumento señala el pozo en el que las tropas del Movimiento abandonaron los cuerpos de los seis generales del ejército el 1 de octubre de 1965, no hay nada que señale las fosas comunes en las que yacen los cientos de miles de personas asesinadas en nombre de la erradicación del Movimiento.
Concentrarse en quién mató a los generales el 30 de septiembre de 1965 ha funcionado como un fetiche para desviar la atención del asesinato de más de un millón de supuestos comunistas en los meses siguientes. El régimen de Suharto produjo un sinfín de propaganda sobre los despiadados comunistas implicados en el asesinato de los generales, e incluso actualmente la gran mayoría de los debates sobre el genocidio se concentran en eso. Y esto es cierto también en la mayoría de las fuentes en inglés.
En mi opinión, participar en un debate sobre quién mató a los generales sería grotesco, es por eso que no lo incluyo en The Act of Killing. El genocidio de Ruanda se desató cuando el presidente de Ruanda Juvénal Habyarimana (un hutu) murió tras un atentado a su avión mientras este se aproximaba a Kigali. Concentrarse en quién derribó el avión (¿habrán sido los extremistas tutsi? ¿O quizá los extremistas hutu buscando agitar al pueblo?) en vez de en el asesinato de 800.000 tutsis y hutus a lo largo de los siguientes 100 días sería inadmisible.
Asimismo, saber quién incendió el Reichstag es irrelevante para entender el Holocausto. Preguntarse si los oficiales descontentos involucrados en el asesinato de los seis generales contaron o no con el apoyo del líder del PKI es plantearse una pregunta completamente errónea, pues juega el papel pernicioso de desviar la atención de un genocidio de relevancia mundial. Imagínense si, en Ruanda, la pregunta más importante sobre los acontecimientos de 1994 fuera «¿Quién derribó el avión presidencial?». Eso solo sería concebible si los asesinos siguieran en el poder.

JOSHUA OPPENHEIMER

Joshua Oppenheimer, as shot by Daniel Bergeron

Joshua Oppenheimer, as shot by Daniel Bergeron

Nacido en 1974, en EEUU, Joshua Oppenheimer reside en Copenhague, Dinamarca, donde es socio de la compañía productora Final Cut for Real. Durante más de una década, Oppenheimer ha trabajado con grupos paramilitares, escuadrones de la muerte y sus víctimas para explorar los vínculos entre la violencia política y el imaginario colectivo. Graduado de Harvard y Central Saint Martins, su primer largometraje fue The Act of Killing (2012). Entre sus obras anteriores se encuentran The Globalisation Tapes (2002, producida con Christine Cynn), The Entire History of the Louisiana Purchase (1998), These Places We’ve Learned to Call Home (1996) y otros cortometrajes.

Oppenheimer es el director artístico del Centro Internacional del Documental y Cine de Autor de la Universidad de Westminster.

Filmografía

The Act of Killing (159 minutos, 117 minutos, 95 minutos – ganadora de 72 premios internacionales incluyendo el Premio del Cine Europeo 2013, el Premio BAFTA 2014, el Asia Pacific Screen Award 2013, el Premio del Público de la Berlinale (Sección Panorama) 2013 y el Guardian Film Award 2014 por Mejor Película; nominada a los Premios de la Academia 2014 como Mejor Documental; estrenada en cines en 30 países; proyectada en innumerables festivales de cine incluyendo el Festival de Cine de Telluride, el Festival de Cine Internacional de Toronto, el Festival New Directors/New Films y el Festival de Cine Internacional de Berlín.

The Globalisation Tapes (documental, producido con Christine Cynn, 2002).

The Entire History of the Louisiana Purchase (50 minutos, 1997; Hugo de Oro, Chicago, 1998; Festival de Cine de Telluride, 1997).

These Places We’ve Learned to Call Home (cortometraje, 1997; Aguja de Oro, San Francisco, 1997).

La mirada del silencio. Premios

2014 Festival de Venecia – Premio del Jurado

2014 Festival de Venecia – Premio de la Crítica (FIPRESCI) – Mejor Película

2014 Festival de Venecia – Premio de la Crítica Europea (FEDEORA) – Mejor Película

Europea y Mediterránea

2014 Festival de Venecia – Mejor Película – Premio Crítica Online (Mouse d’Oro)

2014 Festival de Venecia – Human Rights Nights Award

2015 Premio de la Academia Danesa – Mejor Documental (Robert Prize)

2015 Premio de la Asociación de Críticos Daneses – Mejor Documental (Bodil Prize)

2015 Festival Internacional de Berlín – Peace Film Prize

2014 Festival Internacional de Busan – Mejor Documental (Cinephile Prize)

2015 SXSW Film Festival – Premio del Público – Mejor Película – Festival Favorites –

2015 Festival Internacional de Goteburgo – Mejor Documental – Dragon Award

2015 Festival d’Angers – Premio del Público – Mejor Película –

2014 CPH:DOX Gran Premio (DOX Award)

2014 Premio Consejo Danés de las Artes

2015 True/False Film Festival – True Life Fund Recipient

2015 Festival de Cinéma Valenciennes – Grand Prix du Jury –

2015 Festival de Cinéma Valenciennes – Premio de la Crítica

2015 Festival de Cinéma Valenciennes Prix Étudiants

2015 Festival Internacional de Sofía – Mejor Documental

2015 Prague One World Film Festival – Mejor Película

2014 Festival de Cine de Denver – Mejor Documental

2015 Tromsø Festival Internacional – Premio Don Quixote

2015 Victoria Film Festival – Mejor Documental

 

 

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