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VAMOS DE ESTRENO * Viernes 29 de octubre de 2021 *
EL SUSTITUTO (Óscar Aibar, 2021)
España. Duración: 117 min. Guion: Óscar Aibar, María Luisa Calderón Música: Manuel Roland Fotografía: Álex de Pablo Productora: Tornasol Films, Voramar Films, Entre Chien et Loup, Isaba Producciones Cinematográficas, TVE Género: Thriller
Reparto: Ricardo Gómez, Vicky Luengo, Pere Ponce, Pol López, Joaquín Climent, Nuria Herrero, Bruna Cusí, Susi Sánchez, Guillermo Montesinos, Pep Cortés
Sinopsis: Año 1982. Un joven policía curtido en los barrios más duros de Madrid (Ricardo Gómez) acepta un destino en un pueblo de mar con la esperanza de curar a su hija y, de paso, ganar algo de tranquilidad. Una vez allí, se ve envuelto en la investigación del extraño asesinato del inspector al que ha de sustituir. Las pesquisas le llevarán hasta un hotel playero donde una comunidad de ancianos nazis, reclamados por muchos países por crímenes contra la humanidad, vive un retiro paradisiaco y feliz.
En unos tiempos en los cuales la corrupción de unos y otros en nuestro país entra en la normalidad, con su presencia habitual en los noticiarios y juzgados, se agradece poder contemplar un relato como el que nos propone Óscar Aibar, que habla sobre integridad y decencia (adjetivos ambos casi olvidados en la actualidad) y que opta por denunciar situaciones que se dieron durante aquella «modelica» transición democrática del borrón y cuenta nueva que mantuvo todo la estructura franquista presente en las instituciones, con unas consecuencias que han llegado a la actualidad, con ese gran poso de basura y corrupción protagonizado por los hijos y nietos de los «vencedores» y su aparato represor y judicial, que ha terminado salpicando a aquellos progres de chaqueta de pana y acento andaluz que se proclamaban adalides de la izquierda y del obrero. Una estructura que ha ofrecido su (¿último?) espectáculo, ya en su vertiente folklórica de coros y danzas, en Vox, un partido directamente fascista empecinado en una tan falsa como ridícula lucha en la «defensa» de nuestras libertades y del sistema democrático y constitucional, labor para la cual no duda en apoyarse en los más rancios y populistas símbolos.
Andrés Expósito (Ricardo Gómez), el protagonista de la historia que nos cuenta Óscar Aibar, basada en hechos reales, es taciturno y pesimista. Como todos los hombres de aquella España, toma alcohol abundantemente. Es un hijo de su tiempo, huérfano de los perdedores, que le han desprovisto hasta de sus apellidos. De sus raíces. Criado y aleccionado en uno de los terroríficos hogares del Auxilio Social que tan bien retratara el artista Carlos Giménez, concretamente Paracuellos de Jarama, el mismo en el que dibujante estuvo, un intencionado guiño del director, en el «hogar» le enseñarán a alcanzar, «por el Imperio, hacia Dios». Mecánico de vocación, sus estudios le llevarán a meterse en la policía, en el sistema represor. Marido poco modélico, su traslado a Denia, una localidad de la costa levantina en al que solo viven «simpáticos» alemanes y donde nunca parece pasar nada, le abrirá los ojos. Investigando para saber qué es lo que le sucedió al hombre al que sustituye, averiguará que el mal convive y trabaja junto a él. Enraizado en todos los estamentos. En la calle. Que es contagioso y que, de enfrentarse a el, estará siempre solo.
Franquistas, nazis y drogas son algunos de los ingredientes de esta intriga político-policíaca con la que Óscar Aibar vuelve al cine tras 9 largos años de ausencia durante los cuales ha estado trabajando en televisión, dirigiendo la serie «Cuéntame como pasó«. De allí ha sacado a su protagonista, Ricardo Gómez, que en la piel de Expósito demostrará que también puede ponerse muy serio (y no sonreir durante toda la película). A Gómez le acompaña Pere Ponce, habitual en las películas del director, como Colombo, uno de los personajes positivos de la trama, además de las actrices Bruna Cusí y Vicky Luengo.
Impecablemente narrada, repleta de detalles y una bien escogida selección musical, algo habitual en el director, en El sustituto todo terminará encajando y encontrando su lugar, incluso la verdad.
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 22 de octubre de 2021 *
HALLOWEEN KILLS (David Gordon Green, 2021)
USA. Duración: 105 min. Guion: David Gordon Green, Danny McBride, Scott Teems. Personaje: John Carpenter, Debra Hill Música: Cody Carpenter, John Carpenter, Daniel A. Davies Fotografía: Michael Simmonds Productoras: Blumhouse Productions, Trancas International Films, Miramax, Rough House Pictures, Universal Pictures, Home Again Productions. Distribuidora: Universal Pictures Género: Terror
Reparto: Jamie Lee Curtis, Judy Greer, Andi Matichak, Will Patton, Anthony Michael Hall, Thomas Mann, Nick Castle, James Jude Courtney, Kyle Richards, Robert Longstreet, Dylan Arnold, Stephanie McIntyre, Omar Dorsey
Sinopsis: La noche de Halloween en la que Michael Myers regresa no ha acabado todavía. Minutos después de que Laurie Strode, su hija Karen y su nieta Allyson dejen encerrado y ardiendo a este monstruo enmascarado, Laurie se dirige rápidamente al hospital para tratar sus heridas, creyendo que todo ha terminado. Pero cuando Michael consigue liberarse, su ritual sangriento continúa. Mientras Laurie lidia con su dolor y se prepara para defenderse, sirve de inspiración para que todo Haddonfield se levante contra este monstruo imparable.
Tras su reciente proyección durante el festival de Sitges nos sorprendió escuchar a alguien en los corrillos habituales exclamar, sorprendido, que el matarife de la saga Halloween, Michael Myers, nunca moría. Y lo hacía a modo de queja. Realmente cuesta creer que a estas alturas, tras 11 apariciones en pantalla con sus consiguientes degollinas, alguien se extrañe de que no solo no muera sino que, de hacerlo, llegue a pensar que lo hará de manera definitiva. Y más cuando es bien sabido que las productoras responsables de esta nueva reencarnación del personaje, con Blumhouse en cabeza, ya maquinaron que este retorno a las pantallas del matarife enmascarado culminara con una tercera (¿y última?) parte titulada, precisamente, Halloween Ends. Pero, muera o no, ¿qué más da si uno de los principales «atractivos» de esta saga radica precisamente en que el villano nunca muera?
Pues partiendo de estos parámetros, Halloween Kills no engaña a nadie. Ofrece al espectador y, especialmente al seguidor de esta saga, justo lo que puede esperar de ella: muertes vistosas; guiños al espectador; viejos personajes conocidos (no les decimos quien) y otros desconocidos relacionados con la película original de Carpenter; y, por supuesto, la presencia de Jamie Lee Curtis como heroína. Y todo para sacarle punta a un personaje que, en vista de la repercusión obtenida en Estados Unidos (Número 1 en cines con más de 50 millones de dólares de recaudación en su primer fin de semana), el público parece no cansarse de ver en pantalla.
VAMOS DE ESTRENO: * Viernes 10 de diciembre de 2021 *
TRES PISOS (Tre piani, Nanni Moretti, 2021)
Italia/Francia. Duración: 119 min. Guion: Nanni Moretti, Federica Pontremoli, Valia Santella. Novela: Eshkol Nevo Música: Franco Piersanti Fotografía: Michele D’Attanasio Productora: Sacher Film Rome, Fandango Produzione, RAI Cinema, Le Pacte Género: Drama
Reparto: Riccardo Scamarcio, Alba Rohrwacher, Nanni Moretti, Margherita Buy, Alessandro Sperduti, Stefano Dionisi, Adriano Giannini, Denise Tantucci, Anna Bonaiuto, Elena Lietti, Paolo Graziosi, Tommaso Ragno
Sinopsis: Relato sobre los miembros de tres familias cuyos apartamentos están en el mismo bloque de clase media. Se trata de un joven matrimonio, Lucio y Sara, que sospecha que su vecino Renato, ha abusado de su hija; una madre, Monica de dos hijos cuyo marido Giorgio está siempre fuera trabajando; y una juez jubilada, Dora que ejerce el mismo trabajo de su marido Vittorio.
Todos 
éramos muy jóvenes, los que lo éramos entonces, cuando Nanni Moretti firmaba en 1985 La messa é finita. No sé por qué siempre me he referido a esta cinta por su título en italiano, pero fue mi primer encuentro con él y su impronta se quedó conmigo. Algo de la furia de ese sacerdote rojo (muy rojo), ácido en su actitud y en su crítica a la sociedad y sus instituciones, casaba con mi propio posicionamiento ante el mundo: yo también era una pequeña salvaje presta a vomitar verdades como puños contra la moralidad burguesa mientras buscaba mi propio sentido y mi propia voz. Algo en el cine de Moretti era incómodo e intimidante, algo que manaba de la personalidad arrolladora del cineasta autárquico, era difícil saber dónde terminaba la persona y dónde empezaba el cómico (si es que eran discernibles). Había en él algo de categórico, como un tiro a bocajarro, contra las fuerzas fácticas, envuelto en un humor que tenía tanto de sarcástico como de surreal. El suyo era un cine donde lo intelectual se daba la mano con lo visceral, sin que la contradictio in terminis volara en mil pedazos su coherencia interna. Y se quedó prendido entre mis gustos personales.
Han pasado casi cuarenta años, ya no somos jóvenes, los que no lo somos ahora, y aunque seguimos siendo críticos y rojos (muy rojos) hemos dejado de ser salvajes. Que los puños no son el mejor vehículo para enunciar la verdad, es una certeza que descubrimos hace ya más de dos telediarios y así, desde La habitación del hijo (y quizás antes incluso), que inauguraba un nuevo siglo y una nueva etapa, Moretti deponía el sarcasmo como carta de presentación y descendía al plano en el que los afectos humanos individuales resultan igual de importantes que la lucha colectiva, si es que no más. Algunos no le perdonan que haya aparcado la vespa del humor inteligente y haya decidido circular por las calles de Roma (y del mundo) en coche familiar. Pero es que al italiano se le ha desinflamado el ego y se le ha aplacado el furor, dos signos de que, tanto él como su cine, han madurado, y la verdad es que , digan lo que digan, el nuevo traje les sienta muy bien. Tres pisos, por una vez guion adaptado, es un melodrama coral («melo» porque no está carente de música, aunque quizás le falte un milígramo de desenfado para ser redondo) que, si es que asienta alguna verdad, esta es que ninguna puede ser aseverada de forma apodíctica. Estamos lejos de Historia de una escalera, nos asomamos a tres pisos en una finca de clase media alta en el que viven tres familias acomodadas que no son ejemplares, pero que no llegan a ser disfuncionales. En el seno de cada hogar conviven los enfrentamientos, las obsesiones, los temores y el genio individual. Están compuestos por un mosaico en el que cada pieza es cuestionable por exceso o por defecto, desde el justo juez, interpretado por el propio Moretti, al que lo adorna una desmesurada rectitud, a la desidia de su hijo descarriado, pasando por el temor a la locura de una madre solitaria y/o a la obsesión de un padre asustado con la posibilidad de que hayan abusado de su niña (y que casi se convertirá él mismo en abusador). Personajes enfrentados entre sí, convencidos cada uno de estar en la posición correcta frente a la equivocación ajena. Pero los años pasan (de cinco en cinco) y nada acabará resultando inamovible, porque no hay un camino único para todos, sino múltiples y personales (e intransferibles, quizás).
Tejida con situaciones límite, la trama, que algunos tildan de telenovelesca, avanza sin aspavientos ni sobreactuaciones (ni por parte de la dirección, ni por parte de la interpretación), con discurso pero sin sermón. Ahora sí ha terminado la misa. Y por eso el humor se retira a sus dependencias, para asomar solo en los momentos clave, y la ternura avanza posiciones, para acabar siendo central. Porque ya no somos jóvenes y porque ya no nos hace falta atrincherarnos en el parapeto de la ironía.
ZEROS AND ONES (Abel Ferrara, 2021)
USA/Alemania/UK/Italia. Duración: 85 min. Guion: Abel Ferrara Música: Joe Delia Fotografía: Sean Price Williams Productora: Maze Pictures, Hammerstone Studios, Rimsky Productions, Macaia Film, Almost Never Films Inc. Distribuidora: Lionsgate Género: Thriller
Reparto: Ethan Hawke, Valerio Mastandrea, Cristina Chiriac, Babak Karimi, Dounia Sichov, Salvatore Ruocco, Phil Neilson, Anna Ferrara, Valeria Correale, Korlan Rachmetova, Mahmut Sifa Erkaya
Sinopsis: JJ (Ethan Hawke), un soldado norteamericano destinado en Roma, se abre camino en un mundo turbio y encerrado de miedo, paranoia y esperanza a la sombra del Vaticano. Así se embarcará en un heroico viaje para descubrir y enfrentarse a un enemigo desconocido que está amenazando al mundo entero. Una guerra entre la historia y el futuro que tiene lugar hasta el amanecer.
Con este tan áspero como sorprendente thriller, Abel Ferrara demuestra que continúa en forma y que sigue siendo un alma libre y capaz, a sus 70 años, de conservar su espíritu transgresor. Y es qu resulta sumamente saludable ver que el veterano director sigue teniendo inquietud por experimentar y contar de manera original lo que desea trasmitir, todo lo cual le fue reconocido durante la última edición del festival de Locarno con el premio al mejor director.
Zeros and Ones es la respuesta de Ferrara a los tiempos de pandemia que estamos viviendo. Protagonizada por Ethan Hawke, que realiza el papel de dos hermanos antagónicos, uno revolucionario y el otro militar, la acción se desarrolla enteramente durante la noche en una desolada Roma, pues el director aprovecha el confinamiento para, cámara en mano, tomar planos en las ruinas del Coliseum o la Ciudad del Vaticano, que adquirieron así un nuevo y apocalíptico sentido.
Intrigante e incómoda, el espectador no sabrá muy bien lo que Ferrara le narrará en todo momento, pero eso carece de valor, pues debe ser consciente de que no se obtendrán todas las respuestas a las preguntas que sugiere este rompecabezas casi experimental que es Zeros and Ones y que tiene sus claves en el prólogo y el epílogo en boca del propio actor protagonista.
Fe, tecnología y conspiración se dan la mano en una atmósfera de pesadilla urbana áspera y oscura que el propio director define como «una película sobre el confinamiento y la guerra, el peligro y el espionaje, sobre soldados estadounidenses, intermediarios chinos, religiosos de Oriente Medio, provocadores, diplomáticos, agentes libres de la KGB y el Mossad, informadores, asesinos y rebeldes. Donde lo masculino y lo femenino es intercambiable, donde las alianzas y la historia son conceptos fluidos y donde los datos y la información son valores al alza».
VAMOS DE ESTRENO: Viernes 1 de octubre de 2021
SIN TIEMPO PARA MORIR (No Time to Die, Cari Joji Fukunaga, 2021)
UK. Duración: 163 min. Guion: Neal Purvis, Robert Wade, Cary Joji Fukunaga, Phoebe Waller-Bridge Música: Hans Zimmer. Tema: Billie Eilish Fotografía: Linus Sandgren Productora: Danjaq, EON Productions, Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), Universal Pictures Género: Thriller
Reparto: Daniel Craig, Rami Malek, Léa Seydoux, Lashana Lynch, Ralph Fiennes, Naomie Harris, Ana de Armas, Christoph Waltz, Ben Whishaw, Jeffrey Wright, Rory Kinnear, Dali Benssalah, Billy Magnussen,
Sinopsis: Bond ha dejado el servicio secreto y está disfrutando de una vida tranquila en Jamaica. Pero su calma no va a durar mucho tiempo. Su amigo de la CIA, Felix Leiter, aparece para pedirle ayuda. La misión de rescatar a un científico secuestrado resulta ser mucho más arriesgada de lo esperado, y lleva a Bond tras la pista de un misterioso villano armado con una nueva y peligrosa tecnología
Que todo es finito y que no hemos venido aquí para quedarnos tendría que ser algo más que un mantra o un simple meme: debería formar parte de nuestro ADN. Las redes sociales dan voz a multitud de almas, cada una de ellas cargada con su propia razón que, en la gran mayoría de los casos, no escucha: juzga; no debate: exige. Y de un tiempo a esta parte se está adueñando de esas redes una del todo absurda nostalgia protagonizada, en su extensa mayoría, por voces -no tan- jóvenes que se niegan a adaptarse a los nuevos tiempos. O al menos aceptarlos. No quieren que nada cambie. Todo les está bien si es como siempre. A ser posible, incluso repitiendo fórmulas una y otra vez.
Una y otra vez.
Una y otra vez.
Nosotros pensamos que hay que innovar, arriesgar. Que los Beatles son grandes porque se supieron separar a tiempo, dejando un buen puñado de discos como prueba, siempre fresca, de su genio, mientras que los Rolling Stones llevan muchos años paseando sus ajados organismos por los escenarios sin querer reconocer que hace años que su tiempo pasó.
La franquicia dedicada a James Bond, el agente 007 con licencia para matar, lleva en los cines de manera ininterrumpida desde 1962, siendo una de las más innovadoras y longevas, además de, sin ningún tipo de duda, la que mejor ha sabido sobrellevar el paso del tiempo y reinventarse tras 60 años de actividad y 27 películas estrenadas.
James Bond ha marcado a varias generaciones y ha evolucionado con los tiempos. Y 007 no va a tener fin, por supuesto, pero será diferente tras las marcha de Daniel Craig, un actor que ha sabido devolver al personaje a sus orígenes siendo, sino el mejor James Bond, al menos el único que ha podido competir con el carisma y la elegancia de Sean Connery. Sin tiempo para morir ofrece varias pistas de por donde podría ir la franquicia a partir de ahora. Y la perspectiva no resulta ni descabellada ni carece de interés. Tan solo será diferente.
Pero si algo puede darse por seguro es que las nuevas aventuras que tendrán lugar a partir de ahora seguirán creando nuevas generaciones de seguidores trayendo a la pantalla flamantes y peligrosas misiones para el agente secreto más letal, y también querido, de la historia del cine y la literatura: 007, un agente con licencia para innovar.
MALNAZIDOS (Javier Ruiz Caldera y Alberto de Toro, 2020)
España. Duración: 101 min. Guion: Jaime Marqués, Cristian Conti (Novela: Manuel Martín Ferreras) Música: Javier Rodero Fotografía: Kiko de la Rica Productora: Telecinco Cinema, Cactus Flower Producciones, La Terraza Films, Ikiru Films Género: Terror/Thriller/Comedia
Reparto: Miki Esparbé, Aura Garrido, Luis Callejo, Álvaro Cervantes, Jesús Carroza, María Botto, Sergio Torrico, Francisco Reyes, Frank Feys, Asia Ortega, Manel Llunell, Ken Appledorn, Dafnis Balduz, Christian Stamm, Manuel Morón, Julius Cotter
Sinopsis: Meses de sangrientos combates han dejado tras de sí miles de muertos en las trincheras. Jan Lozano, capitán de la quinta brigada, cae prisionero. La única posibilidad de escapar a la sentencia de muerte es hacer frente a una misión imposible en campo enemigo. Pero un peligro mayor del esperado obligará a los bandos rivales a unirse contra un nuevo y desconocido adversario. Tendrán que dejar de lado el odio mutuo y así evitar convertirse en zombis.
Malnazidos fue la película escogida para inaugurar la edición del festival de Sitges de 2020, una película de zombis que va mucho más allá siendo, ante todo, una cinta de aventuras con mucho de comedia y que, maltratada especialmente por la pandemia, se estrena casi de tapadillo un año después. La idea, ubicar un ejército de zombis en plena Guerra Civil española, que en principio podría tenerse como de todo descabellada, , se convierte en un escenario totalmente creíble por la manera en la que sus directores, Javier Ruiz Caldera y Alberto de Toro, han enfocado la idea, llevándola al campo de la comedia. En Malnazidos, al igual que sucedía en la que vemos como su directa inspiración, La Horda (La Horde, Yannick Dahan y Benjamin Rocher, 2009), dos grupos enemigos, al parecer, irreconciliables, tendrán que unir fuerzas ante un enemigo común e idéntico en ambas cintas: los voraces muertos andantes. Así, tendremos a un capitán del bando nacional y un soldado raso carente de ideología política que deberán convivir y superar sus naturales desconfianzas junto a un sargento republicano, un comisario político anarquista, y una joven miliciana, ‘la matacuras’, entre otros miembros de un variopinto grupo contagiado profundamente del espíritu Bruguera, en su forma pero también en sus referencias directas, como lo ha sido el bautizar como Jan al capitán interpretado por Miki Esparbé, un detalle sin duda responsabilidad de Javier Ruíz Caldera, director de Anacleto: agente secreto (2015) y de, precisamente, Superlópez (2018).
(Nota: el estreno fue el 24 de septiembre pero, tras varios aplazamientos y como humanos que somos, nos enteramos tarde)
VAMOS DE ESTRENO: Viernes 17 de septiembre de 2021
EL CLUB DEL PARO (David Marqués, 2021)
España. Guion: David Marqués Música: Tema: Muchachito Bombo Infierno Fotografía: Guillem Oliver Productora: Sunrise Pictures Company, Vertice 360, Telespan 2000 Género: Comedia
Reparto: Carlos Areces, Fernando Tejero, Adriá Collado, Eric Francés, Antonio Resines, Javier Botet, María Isasi, Carmen Ruiz, Veki Velilla, Susana Merino
Sinopsis: Cada mañana, sea el día que sea, Fernando (Carlos Areces), el Negro (Eric Francés), Jesús (Fernando Tejero) y Benavente (Adrià Collado), cuatro amigos, se reúnen en un bar a tomar unas cañas y arreglar el mundo a su manera: criticando y despotricando contra todo y contra todos. Tienen algo en común, están en paro, bueno… todos, menos uno.
Cuatro elementos bien diferentes entre sí. Cuatro tipos como tantos de los que todos hemos conocido. Cuatro tipos de los que usted podría, incluso, ser uno de ustedes. Cuatro tipos en un bar: uno en permanente enfado que no entiende su «mala suerte» (Carlos Areces); otro que se busca la vida y cae siempre de pié sin esfuerzo (Eric Francés); un conspiranoico (Fernando Tejero en la primera de las varias referencias a la pandemia que el film ofrece). Tres tipos que tienen en común entre ellos el ser unos vagos. Pero muy vagos. Con certificado de vagancia. Y junto a ellos un tipo extraño (Adriá Collado), al que le sonríe la vida, a pesar de ser un completo memo. Cuatro tipos desde la mesa del bar sabiendo de todo, arreglándolo todo, opinando de todo, hablando de todo.
Sin saber de nada.
Pues como explica su director, David Marqués, «Los personajes hablan a la vez, discuten sin llegar nunca a un acuerdo ya que no se escuchan, sino que sólo están velando por sus egoístas intereses«.
Con cierto regusto a comedia española desarrollista y a personajes de tebeo Bruguera, El club del paro, tiene mucho de sketch alargado, pero sin resultar para nada aburrido, muy al contrario, gracias a su ajustada duración, la interpretación y su planteamiento de falso documental, resulta muy agradable, aunque sociológicamente no resulte peligrosa. Película coyuntural, tanto por su estructura (escasos escenarios y actores), como por algunos de sus diálogos (concretamente los del personaje interpretado por Fernando Tejero, tal y como hemos señalado), el director ha querido remarcar los diferentes caracteres de sus personajes, a los que une «el absurdo y la estupidez, son adultos desprovistos de cualquier atisbo de madurez«.
El lugar escogido no podría resultar más acertado, pues para los cuatro personajes, «Es como si esa mesa del bar fuera su Twitter particular. De aquí no sale bien parado nadie, ni las estructuras de poder en sus más altos eslabones ni las clases sociales humildes (…). Nuestros personajes tampoco se olvidan de los medios de comunicación, la religión, la educación o el sexo. En este último conflicto debe incluirse también su relación con el sexo opuesto, ya no problemática, sino sencillamente catastrófica«.
El director y escritor David Marqués es conocido por Dioses y Perros (2014), En fuera de juego (2012) y la premiada trilogía rodada en Ibiza, Aislados (2005), Desechos (2010) y Cualquiera (2003). También es el guionista de Campeones (2018), una de las películas españolas más exitosas de la última década.
VAMOS DE ESTRENO: Maligno (Malignant, James Wan, 2021)
MALIGNO (Malignant, James Wan, 2021)
USA/China. Duración: 111 min. Guion: Ingrid Bisu, James Wan, Akela Cooper Música: Joseph Bishara Fotografía: Michael Burgess Productora: Atomic Monster, Boom Entertainment, Boom! Studios, Starlight Culture Entertainment. Distribuidora: Warner Bros., HBO Max Género: Terror.
Reparto: Annabelle Wallis, George Young, Maddie Hasson, Jake Abel, Jacqueline McKenzie, Michole Briana White, Paul Mabon, Ingrid Bisu, Rachel Winfree, Jon Lee Brody, Paula Marshall, Patrick Cox, Emir García, Amir Aboulela
Sinopsis: Madison está paralizada por visiones de asesinatos espeluznantes, y su tormento empeora cuando descubre que estos sueños de vigilia son, de hecho, realidades aterradoras.
Creemos que la Ilustración y el Romanticismo fueron épocas antitéticas, pero si se profundiza se ve como la una permanece en el otro y, al revés, como la primera anticipa a su relevo. Para no extendernos, nos limitaremos a recordar a Goya, pintor de la corte que desemboca en el negro. ‘El sueño de la razón provoca monstruos’ es un enunciado de doble lectura: cuando la razón duerme, lo monstruoso la reemplaza, es la primera y, quizás, más evidente; pero admite su reverso, las ensoñaciones de la razón, sus principios, son en realidad monstruos. Toda una dialéctica enunciada en un solo Capricho. Los Caprichos goyescos, ochenta grabados en los que se satiriza la sociedad con especial hincapié en el clero, son lo que dice su nombre, antojos extravagantes que se ejecutan por humor y deleite. Malignant es un capricho en toda la extensión de su significado. Un capricho de James Wan que se lo permite todo: el exceso barroco de sus planos y sus secuencias, pero sin renunciar a la elegancia de sus movimientos de cámara siempre significativos. Saw es el gemelo parasitario de The Conjuring y Malignant su heredera, que recibe lo mejor de cada una de esas genéticas dispares. Su argumento puede parecer un disparate y quizás lo sea, puede que esté fuera de razón o regla, pero no es más que un envoltorio distorsionado y distorsionante con el que, por enésima vez, un humano reflexiona sobre la dialéctica del mal y del bien, esos extremos entre los que se debate nuestra actuación en este mundo. Influencias hay mil (y una, como las noches), pero sobre todo hay voz propia de quien ha absorbido tanto cine que nos devuelve las referencias en un producto único y ejemplar. No todos veremos lo mismo (siempre es así), pero, quienes entren en su tono y su trasfondo, tienen goce para rato. James Wan ha vuelto a engendrar un universo que podrá tener continuación o no, que puede desplegarse y ampliarse, pero en el que todo está dicho ya con esta obra desmesurada en su mesura. Y, ya saben, desde el Pseudo-Longino a la mesura desmesurada la llamamos sublime.
VAMOS DE ESTRENO: * Viernes 3 de septiembre de 2021 *
EL TUBO (Méandre, Mathieu Turi, 2020)
Francia. Duración: 90 min. Guion: Mathieu Turi Música: Frédéric Poirier Fotografía: Alain Duplantier Productora: Fulltime Studio, Cinéfrance Studios, Equitime, WTFilms, OCS, Alba Films, SG Image 2018, Cinéaxe, Ynnis Interactive Género: Terror
Reparto: Gaia Weiss, Peter Franzén, Romane Libert, Frédéric Franchitti, Corneliu Dragomirescu, Eva Niewdanski, Carl Laforêt, Henri Benard, Fabien Houssaye, Olympe Turi
Sinopsis: Tras subirse en el coche de un desconocido, Lisa se despierta en el interior de una estrecha tubería. En su brazo tiene un brazalete con una cuenta atrás. La joven no sabe por qué está allí, pero pronto comprenderá que deberá llegar a sus límites de resistencia física y psicológica para sobrevivir a esta trampa claustrofóbica.
Claustrofóbica es el adjetivo que más se ajusta esta experiencia cinematográfica que ha sido justamente premiada en algunos de los muchos festivales en los cuales ha participado. Y brillante es la interpretación de Gaia Weiss, un tour de force físico y sicológico que trasmite a la perfección a la platea. Nadie respira, El tubo no lo permite. Hasta el final.
El tubo funciona como thriller de terror, pero también a otros niveles, pues posee lecturas que ofrecerán al espectador un mensaje muy claro. La historia se inicia con la protagonista perdida en medio de la nada. Desorientada y sin rumbo. Más tarde despertará dentro de un juego macabro, donde deberá luchar para sobrevivir. De nuevo, partiendo de la nada. Recorrerá pasadizos angustiosos y tendrá que luchar contra los elementos, sortear obstáculos y enfrentarse con su pasado. También habrá momentos de calma, esperanza e incluso felicidad en ese itinerario angosto que es como la propia vida, con su miedo a lo desconocido, a lo inesperado, al más allá, como destino final y telón de fondo. Todo, para encontrar el camino de salida. El destino. La vida.
Mathieu Turi, que ha sido asistente de dirección de importantes directores como Quentin Tarantino, Woody Allen y Clint Eastwood, entre otros, llamó la atención de los aficionados con Hostile (2017), su primer largometraje. El tubo se presentó en la pasada edición del Festival de Sitges y de la Semana de Cine Fantástico y Terror de Donostia y ganó el Premio al Mejor Largometraje en el FANT (Festival de Cine Fantástico de Bilbao) y el Premio al Mejor Director y Mejor Actriz en el Festival Sombra.
CHAVALAS (Carol Rodríguez Colás, 2021)
- España. Duración: 91 min. Guion: Marina Rodríguez Colás Música: Francesc Gener, Claudia Torrente Fotografía: Juan Carlos Lausín Productora: Balance Media Entertainment, TVE, TV3.Distribuidora: Filmax Género: Comedia dramática Premios: Festival de Málaga 2021: Premio del público, Sección oficial. Premio Movistar+ a la Mejor Película y Premio ASECAN a la Mejor Ópera Prima.
- Reparto: Vicky Luengo, Carolina Yuste, Elisabet Casanovas, Àngela Cervantes, Ana Fernández, José Mota, Mario Zorrilla, Cristina Plazas, Maite Buenafuente, Frank Feys, Biel Durán, José Javier Domínguez, Lluís Marqués, Biel Joan
- Sinopsis: Marta, Desi, Soraya y Bea, amigas inseparables en la adolescencia, vuelven a reencontrarse en el barrio para revivir la amistad que las unió, compartir nuevas aventuras juntas y hacer frente a los dilemas que las rodean. Una realidad que las obligará a enfrentarse a aquellas adolescentes que fueron y a las mujeres que quieren ser. Casi sin darse cuenta, se ayudarán a tomar decisiones importantes en sus vidas. El paso del tiempo y lo distintas que son no será excusa para que su amistad prevalezca sobre todo lo demás.
Chavalas es una valiosa reivindicación del barrio. La barriada. Lugares situados en la periferia de las ciudades que fueron hogar de los emigrantes llegados de otras provincias de España. Gente que se ha dejado el lomo trabajando para subir a sus hijos y darles lo que ellos no pudieron tener, una educación que les pudiera ayudar a conseguir hacer lo que desearan para encontrar un puesto en la sociedad más allá del que puede ofrecer un trabajo puramente alimenticio. Les dieron los medios para seguir su vocación. Para perseguir sus sueños.
La acción se desarrolla en San Ildefonso, Cornellà, donde el metro llega tras una larga travesía. Una, aparente, fea ciudad del extraradio de Barcelona. Tan feo como cualquier extraradio de cualquier otra ciudad. Compuesto de grandes bloques hacinados. Un lugar al que vuelve Marta (Vicky Luengo), tras ser despedida de su trabajo como fotografa en una importante compañía de Barcelona. Un lugar elistista y habitado por indolentes hijos de familia acomodada, entre los cuales creía haber encontrado su espacio. Un empleo que la había extraído de ese barrio. De su familia. De sus amigas.
Marta vuelve derrotada y con el olor de una clase social a la que no pertenece. Pero tampoco parecerá encontrará su lugar en el barrio que la vio nacer hasta que aprenda varias lecciones de vida, que le mostrarán que nadie debe avergonzarse de su barrio, de sus orígenes, de su cuna, pues en ellos está la autenticidad. La vida.
Y allí, en su barrio, madurará y encontrará la inspiración. Partiendo, volando, desde él y no de él. Con todo su equipaje completo y sin tener que renunciar a nada.
Tardes de bar, amistad inquebrantable, trinar de pajaros, bancos públicos en plazas duras, multitud de detalles autobiográficos que, en muchas ocasiones resultarán familiares al espectador por haber formado también parte de su imaginario personal. Y por una vez el extrarradio no se mostrará como un lugar sórdido y habitado exclusivamente por criminales y drogadictos. Todo esto y mucho más es lo que nos trasmite la fabulosa opera prima realizada por las hermanas Rodríguez Colás, de Cornellà. Carol, 
que la dirige y Marina, que escribe su guion. Chavalas, además, está protagonizada por cuatro talentosas jóvenes: Vicky Luengo (Antidisturbios), Elisabet Casanovas (Merlí), Carolina Yuste (Goya por Carmen y Lola) y Ángela Cervantes (Vida Perfecta), un grupo de actrices brillantes, naturales, con la suficiente química entre ellas como para convertir lo que podría ser un relato más de iniciación, en un excepcional film. En la mejor película española de la temporada.
Esperanzadora, divertida, refrescante, emocionante, bonita y, sobre todo, auténtica, Chavalas trae a nuestra mente al mejor León de Aranoa, pero con su propia personalidad y lenguaje al ser una historia narrada en femenino, pero que emocionará a todos por igual.
Se adivina en sus fotogramas, en la palpable complicidad entre las cuatro actrices protagonistas, el buen ambiente vivido durante el rodaje, que se extiende hasta los muy creíbles secudarios, auténticos aciertos de casting: Ana Fernández (Las chicas del cable), Cristina Plazas (Vis a vis), Mario Zorrilla (El secreto de Puente Viejo), Biel Duran (Salvador Puig Antich), Maite Buenafuente (Sonata para violonchelo), Lluís Marquès (Blue Rai), Frank Feys (El fotógrafo de Mauthausen)… incluso la directora, a pesar de ser nobel en la realización de largometrajes, consigue que José Mota realice un gran papel, contenido y en el que no se interpreta a sí mismo.
Chavalas sabe a Goyas.
» ‘Chavalas’ no aborda el barrio desde la exotización, ni la reducción de su imagen al folclore al que ha sido sometido especialmente por la industria musical. ‘Chavalas’ es una apuesta fresca y naturalista que retrata la esencia de la periferia, sin asociarla a la marginalidad que se le ha atribuido a menudo. Un barrio real, vibrante y lleno de vida, donde cuatro amigas de toda la vida viven situaciones llenas de verdad, humor y emoción”
Carol Rodriguez Colás, directora.
VAMOS DE ESTRENO: *Viernes 27 de agosto de 2021*
CANDYMAN (Nia DaCosta, 2021)
USA. Duración: 91 min. Guion: Jordan Peele, Win Rosenfeld. Remake: Bernard Rose. Novela: Clive Barker Música: Robert Aiki Aubrey Lowe Fotografía: John Guleserian Productora: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), Monkeypaw Productions, Bron Studios, Creative Wealth Media Finance.Distribuidora: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) Género: Terror
Reparto: Yahya Abdul-Mateen II, Teyonah Parris, Nathan Stewart-Jarrett, Colman Domingo, Kyle Kaminsky, Vanessa Williams, Rebecca Spence, Carl Clemons-Hopkins, Brian King, Miriam Moss, Cassie Kramer, Mark Montgomery, Genesis Denise Hale,
Sinopsis: Una década después de la demolición de la última vivienda de protección social del barrio de Cabrini-Green (Chicago), el artista Anthony McCoy (Yahya Abdul-Mateen II,) y su pareja, la galerista Brianna Cartwright (Teyonah Parris), se han mudado a un lujoso loft de la zona, gentrificada con el paso de los años y habitada ahora por jóvenes adinerados. Con la carrera artística de Anthony en plena crisis creativa, un encuentro fortuito con un vecino del barrio (Colman Domingo) conduce a Anthony a explorar la trágica historia real que dio origen a Candyman, un sobrenatural asesino con un garfio a modo de mano, que se aparece con solo repetir su nombre cinco veces frente a un espejo. Ansioso por conservar su estatus en las élites artísticas de Chicago, Anthony comienza a investigar los macabros entresijos de los mitos que rodean a Candyman como inspiración para su obra. De esta manera, y sin ser consciente de ello, Antony comienza a abrir la puerta de un mundo que amenazará su propia cordura y desatará una aterradora ola de violencia.
Esta nueva visita al universo de Candyman se aferra al film original y añade nuevas lecturas hacia el personaje, tomando el testigo de la crítica social que ya contenía aquella, retomando aquel mismo barrio de viviendas baratas para pobres convertido ahora en una zona gentrificada y elitista habitada por hipsters blancos y jóvenes artistas, ¿les suena? claro, sucede en todas las ciudades. A eso Jordan Peele, autor del guion, ha añadido conflictos y crímenes raciales, unas gotas de normalización homosexual y una atmósfera elegante en la que los espejos y los reflejos jugarán un papel fundamental.
Este Candyman de nuevo milenio hace continuas referencias a la historia que narró Bernard Rose en la película de 1992, basada en Lo prohibido, uno de los «Relatos sangrientos» con los que un joven Clive Barker revolucionó la literatura de terror. Pero va más allá otorgando una nueva dimensión al personaje como representación del dolor de toda una raza por los crímenes y atrocidades cometidos contra ellos a través de los tiempos.
Candyman no es un mero remake, pues mucho es el respeto que profesa Jordan Peele hacia el film original, al que considera «una película histórica para la representación negra en el género de terror» y así, convertirá en una leyenda urbana lo sucedido a Helen Lyle (Virginia Madsen) en la cinta de Rose y añadirá varios atinados elementos, bien hilvanados con la historia original, entre ellos el que el personaje no se pueda ver a no ser que sea en un espejo o superficie reflectante. Todo ello aderezado con una partitura inspirada en la que compusiera Philip Glass para la cinta original.
Aparecerán leyendas urbanas que a su vez crearán nuevas; los flashbacks se efectuarán mediante sombras chinescas; y correrá la sangre sin caer en el mero slasher. Candyman, al igual que las dos cintas de Jordan Peele, pretende denunciar y concienciar, pero lo hace de forma tan evidente que termina resultando reiterativo.
Candyman de Bernard Rose es una gran película, inquietante y sangrienta. Cautivadora. Posiblemente una de las mejores o la mejor película de terror de los noventa. Sus dos secuelas son bastante olvidables, y la nueva incursión añade mitología al personaje, otorgándole un papel de héroe racial con un resultado positivo, pero sin conseguir trasmitir la desolación y el abandono del barrio de Cabrini-Green, la soledad y la indefensión que se mostraba en la cinta de 1992, un perfecto campo de cultivo para una terrorífica leyenda urbana que esperemos no se convierta en una nueva y repetitiva franquicia.
Candyman está dirigida por Nia DaCosta, y producida por Ian Cooper (Nosotros), Rosenfeld y Peele. El guion lo firman el propio Peele, Rosenfeld y DaCosta. La producción ejecutiva corre a cargo de David Kern, Aaron L. Gilbert y Jason Cloth.
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 13 de agosto de 2021 *
ESCAPE ROOM 2: MUERES POR SALIR (Escape Room: Tournament of Champions, Adam Robitel, 2021)
USA. Duración: 88 min. Guion: Maria Melnik, Daniel Tuch, Will Honley. Historia: Fritz Böhm, Will Honley, Christine Lavaf. Personaje: Bragi F. Schut Música: John Carey, Brian Tyler Fotografía: Marc Spicer Productora: Original Film, Shaken Not Stirred, Moonlighting Films, Columbia Pictures. Distribuidora: Sony Pictures Entertainment (SPE) Género: Thriller
Reparto: Indya Moore, Isabelle Fuhrman, Taylor Russell, Holland Roden, Logan Miller, Thomas Cocquerel, Carlito Olivero, Avianah Abrahams, Jay Erving
Sinopsis: Seis personas se encuentran encerradas de manera inesperada en una nueva serie de escape rooms, revelando paulatinamente aquello que tienen en común para sobrevivir… y descubriendo que todos ya habían jugado el juego con anterioridad.
Escape Room 2: Mueres por salir, secuela del exitoso thriller psicológico dirigido también por Adam Robitel hace dos años, no engaña a nadie. Como en aquella, el espectador se enfrentará, junto a un grupo de seis variopintos personajes, que tienen más en común entre sí de lo que en principio parece, a un espectáculo de acción sin respiro en un violento videojuego llevado a la vida real repleto de acertijos y trampas mortales. Y todo sucederá ante un enemigo intangible, al que nunca veremos y que responde al nombre de Minos.
La historia comienza poco después de los hechos relatados en la primera, recuperando a los dos supervivientes de aquella, Zoey (Taylor Russell) y Ben (Logan Miller), que volverán a donde todo sucedió en busca de respuestas a lo sucedido y de pruebas con las que poder detener ese macabro juego. Pero, claro, las cosas se complicarán y terminarán metidos en otro laberinto junto a cuatro nuevos participantes interpretados por Indya Moore, Holland Roden, Thomas Cocquerel y Carlito Olivero. El resto ya se lo pueden suponer: pura adrenalina durante hora y media en una película ideal para pasar un estupendo rato a cubierto del calor estival en una fresca sala cinematográfica.
Entren en Escape Room 2 y… ¡Disfruten del viaje!
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 30 de julio de 2021 *
TIEMPO (Old, M. Night Shyamalanm 2021)
USA. Duración: 108 min. Guion: M. Night Shyamalan. Novela gráfica: Pierre-Oscar Lévy, Frederick Peeters Música: Trevor Gureckis Fotografía: Mike Gioulakis Productora: Blinding Edge Pictures, Universal Pictures. Distribuidora: Universal Pictures Género: Fantástico
Reparto: Gael García Bernal, Vicky Krieps, Thomasin McKenzie, Rufus Sewell, Abbey Lee, Ken Leung, Alex Wolff, Eliza Scanlen, Embeth Davidtz, Aaron Pierre, Nikki Amuka-Bird, Emun Elliott, Jeffrey Holsman, Daniel Ison
Sinopsis: Diferentes personajes de vacaciones en un resort de lujo en un paraíso tropical descubren que la recóndita playa elegida para relajarse unas horas está haciéndoles envejecer rápidamente…
¿Alguna vez han sentido la desasosegante sensación de que el tiempo pasa demasiado rápido? ¿De que parece que se les escapa de las manos? Pues puede decirse que sobre ello va la última propuesta de M. Night Shyamalan, Tiempo, una parábola sobre el discurrir del tiempo que se desarrolla en una playa muy exclusiva en la que los diferentes personajes tendrán que enfrentarse a atávicas fuerzas sobrenaturales… y otras muy humanas.
Intrigante y bien desarrollada, el director introduce al espectador en el centro de la acción mediante prolongados planos y una cámara nerviosa y cercana que se moverá entre los protagonistas convirtiéndolo en uno más en el grupo.
En cuanto a su guion, basado en el cómic Castillo de arena de Pierre Oscar Lévy y Frederik Peeters publicado en España por Astiberri, lo mejor es saber lo mínimo posible para poder degustar la película en su justa medida, pues a pesar de alguna incongruencia, consigue intrigar y atrapar al espectador hasta su inesperado final
La película está protagonizada por un impresionante reparto internacional encabezado por Gael García Bernal, Vicky Krieps (El hilo invisible), Rufus Sewell, Ken Leung (Star Wars: Episodio VII—El despertar de la Fuerza), Nikki Amuka-Bird (El destino de Júpiter), Abbey Lee, Aaron Pierre, Alex Wolff (Hereditary), Embeth Davidtz (Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres), Eliza Scanlen (Mujercitas), Emun Elliott (Star Wars: Episodio VII—El despertar de la Fuerza), Kathleen Chalfant y Thomasin McKenzie (Jojo Rabbit).
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 16 de julio de 2021 *
LA PURGA: INFINITA (The Forever Purge, Everardo Gout, 2021)
USA. Duración: 103 min. Guion: James DeMonaco Música: The Newton Brothers Fotografía: Luis David Sansans Productora: Blumhouse Productions, Man in a Tree, Perfect World Pictures, Platinum Dunes, Universal Pictures. Distribuidora: Universal Pictures Género: Thriller.
Reparto: Ana de la Reguera, Tenoch Huerta, Josh Lucas, Will Patton, Cassidy Freeman, Leven Rambin, Alejandro Edda, Susie Abromeit, Sammi Rotibi, Anthony Molinari, Joshua Dov, Gregory Zaragoza, Mark Krenik.
Sinopsis: Adela (Ana de la Reguera) y su marido Juan (Tenoch Huerta) viven en Texas, donde éste trabaja ayudando en un rancho de la adinerada familia de los Tucker. Juan tiene impresionado al patriarca, Caleb (Will Patton), una admiración que despierta celos y un odio desmedido del hijo de este, Dylan (Josh Lucas). A la mañana siguiente a la Purga, una banda de asesinos enmascarados ataca a los Tucker, incluidas la mujer de Dylan (Cassidy Freeman) y su hermana (Leven Rambin), obligando a las dos familias a hacer piña para defenderse mientras el país entero se sume en una espiral de caos y Estados Unidos comienza a desintegrarse.
La franquicia The Purge de Blumhouse demuestra, con esta quinta entrega, que sigue siendo una de las más sólidas, manteniendo un buen nivel de calidad. Aunque La Purga: Infinita apuesta definitivamente más por la acción que por el terror, mantiene sus buenas dosis de sustos y hemoglobina consiguiendo un perfecto equilibrio entre el cine de entretenimiento puro y duro y su innegable carga de crítica social, antiarmamentista y antiracista. Es reivindicativa sin resultar empalagosa, y sus personajes femeninos son los más fuertes e interesantes de la trama.
La acción, desarrollada en anteriores entregas en ciudades, cambia de escenario trasladándose a la frontera y a los grandes horizontes, concretamente a Texas, donde adquiere saludables tintes de western poniendo el acento en el racismo y en la inmigración ilegal. Allí se desarrollará la ya tradicional Purga, aunque esta vez deparará novedades justo al finalizar la noche.
Los emigrantes mexicanos serán unos de los objetivos principales de los participantes de la purga pero, con lo que no contarán estos pistoleros de «Los Estados Unidos del odio» es que ya están acostumbrados a luchar, pues como dice Adela, la protagonista, al escuchar los continuos tiroteos y explosiones, «hay barrios en México que suenan así cada noche«.
Con guion del creador de la saga James DeMonaco y dirigida por Everardo Gout, guionista y director del galardonado thriller Días de gracia, La Purga: Infinita ofrece al espectador lo que puede esperarse de una película de esta saga, manteniendo el interés y el atractivo en esta quinta entrega que no da muestras de agotamiento, algo que raramente acostumbra a suceder en este tipo de franquicias. Su ingeniosa conclusión resultará ser toda una paradoja y una lección en estos tiempos de nacionalismo exacerbados .
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 14 de mayo de 2021 *
VALHALLA RISING (Nicolas Winding Refn, 2009)
Dinamarca/UK. Duración: 100 min. Guion: Roy Jacobsen, Nicolas Winding Refn Música: Peter Kyed, Peter Peter Fotografía: Morten Søborg Productora: La Belle Allee Productions, NWR Film Productions, Nimbus Film Productions, One Eye Production, Savalas Audio Post-Production, BBC Films Género: Drama
Reparto: Mads Mikkelsen, Gary Lewis, Maarten Stevenson, Jamie Sives, Ewan Stewart, Alexander Morton, Callum Mitchell, Douglas Russell
Sinopsis: One-Eye, un enigmático guerrero con una fuerza sobrenatural, que ha permanecido esclavizado durante años, mata a su amo y logra escapar con la ayuda de un niño al que lleva consigo. Tras enrolarse en un barco vikingo, emprenden un viaje que los lleva a una tierra desconocida, donde reinan el dolor y la sangre, y donde One-Eye descubrirá quién verdaderamente es.
A Contracorriente recupera para las pantallas españolas este film de Nicolas Winding Refn que ya se proyectó durante la pasada edición del BCN Film Fest. Una magnífica idea pues permanecía inédito más allá de festivales y sin duda se trata de una película cuyo formato ideal es ese, el de la pantalla de un cine. Refn, que se dio a conocer gracias al éxito de la posterior Drive (2011), tras las que dirigió Sólo Dios perdona (Only God Forgives, 2013) y The Neon Demon (2016), es un cineasta que divide al público entre los que lo ven como un genio y los que, simplemente, no pueden soportarlo. Personalmente nos situamos entre los primeros, y Valhalla Rising nos lo confirma: atmosférica, con gélidos paisajes, violenta, fantástica y brutal, la cinta de Refn es más que una película, es una experiencia, un itinerario épico hasta los confines del mundo.
Protagonizada por el multipremiado actor Mads Mikkelsen, conocido por su interpretación en la recientemente ganadora del Oscar a Mejor Película Internacional Otra ronda (Druk, Thomas Vinterberg, 2020), o en películas como La caza (2012), también de Thomas Vinterberg, o la serie de TV Hannibal, entre otras, Valhalla Rising se proyectará también durante la primera semana en algunos cines en formato evento con coloquio posterior con especialistas y críticos de cine, tal y como pueden consultar en este enlace. Además, a todos los asistentes se les regalará el cartel de la película.
ILARGI GUZTIAK. TODAS LAS LUNAS (Igor Legarreta, 2021)
España/Francia. Duración: 102 min. Guion: Igor Legarreta, Jon Sagalá Música: Pascal Gaigne Fotografía: Imanol Nabea Productoras: Arcadia Motion Pictures, Kowalski Films, Noodles Production, Pris & Batty Films, ETB, Pris and Batty Films, TVE, Vodafone Género: Fantástico.
Reparto: Itziar Ituño, Zorion Eguileor, Josean Bengoetxea, Haizea Carneros, Lier Quesada, Elena Uriz
Sinopsis: Durante los estertores de la última guerra carlista, una niña es rescatada de un orfanato por una misteriosa mujer que habita en lo profundo del bosque. Malherida, y sintiendo estar al borde de la muerte, la pequeña creerá ver en ella a un ángel que ha venido a buscarla para llevársela al Cielo… No tardará en descubrir que este extraño ser le ha dado la vida eterna, obligándola a vivir en la oscuridad de la noche, juntas, para ‘siempre’. Bajo su nueva condición, tendrá que enfrentarse al doloroso paso del tiempo encerrada en su cuerpo de niña, hasta conocer a Cándido (Josean Bengoetxea), un hombre humilde que le acogerá en su casa como si de su propia hija se tratase y que le acompañará en la lucha contra su propia naturaleza y en el sueño de recuperar su vida arrebatada.
Ilargi Guztiak se enmarca en lo que podría denominarse ‘Gotikoa Euskara‘, por improvisar un término, junto a otras recordadas perlas como Akelarre -tanto, la de Pedro Olea (1984) como la de Pablo Agüero (2020)-, Andia (Jon Garaño, Aitor Arregi, 2017) y, sobre todo, Errementari: El herrero y el diablo (Paul Urkijo, 2017), y la magistral Baby (2020) de Juanma Bajo Ulloa. Pero también se suma al fértil fantástico vasco que ha dejado algunas buenas y premiadas muestras recientes como El hoyo (Galder Gaztelu-Urrutia, 2019), todas ellas películas que han demostrado sobradamente la buena salud de la que goza allí el género, repleto de un atractivo imaginario que está dando muchas alegrías a los amantes del buen cine.
Ilargi Guztiak, a pesar de que es una historia de vampiros, no es un film de terror, muy al contrario es una película que nos habla de la soledad, de la pérdida, del miedo a la muerte y la inmortalidad, pero sobre todo del amor incondicional, todo lo cual estará reflejado por Amaia (Haizea Carneros), una de esas criaturas nocturnas que se mueven en las gélidas noches del norte en busca de su sustento en campos de batalla y graneros. Un vampirismo naturalista, alejado de todo glamour, llevado casi como si de una porfíria se tratase, aunque, afortunadamente, sin sortear la parte sobrenatural mostrándolos como criaturas de las tinieblas, que no del mal.
Con una primera parte rodada mediante un plano muy cerrado, que echa casi a perder la belleza natural del paisaje, este se irá abriendo conforme se vaya ampliando la experiencia de la joven protagonista, una inmensa Haizea Carneros que con tan solo 13 años es toda una revelación con este, su primer trabajo interpretativo y con el que abre un gran futuro ante sí. Haizea está acompañada por nombres consagrados como los de Josean Bengoetxea (Errementari: El herrero y el diablo, 2017), Itziar Ituño (Loreak, 2014), Zorion Eguileor (El hoyo, 2019) y Elena Uriz (Akelarre, 2020).
BORRAR EL HISTORIAL (Effacer l’historique, Benoît Delépine, Gustave Kervern, 2020)
Francia. Duración: 110 min. Guion: Benoît Delépine, Gustave Kervern Fotografía: Hugues Poulain Productora: Canal+, Ciné +, Cofinova, France 3 Cinéma, Identical Pictures, Les Films du Worso, No Money Productions, Pictanovo, Scope Pictures, Cinécap Género: Comedia
Reparto: Blanche Gardin, Corinne Masiero, Denis Podalydès, Denis O’Hare, Benoît Poelvoorde, Bouli Lanners, Michel Houellebecq, Avant Strangel, Vincent Lacoste, Jean-Louis Barcelona, Jean Dujardin, Lucas Mondher, Miss Ming
Sinopsis: Tres vecinos de un suburbio se ven superados por sus problemas con la tecnología y las redes sociales. Con la ayuda de un pirata informático, deciden declarar la guerra a los poderosos gigantes tecnológicos. Tal vez su batalla esté perdida desde el principio, pero nunca se sabe.
Afortunadamente no nos encontramos ante la enésima «comedia que ha batido récords de taquilla en Francia», y no porque no lo merezca, pues éxito ha gozado en el país vecino, sino porque no es, ni mucho menos, la habitual comedia amable que se desarrolla en ambientes burgueses protagonizada por parejas muy modernas con la crisis de los cuarenta o cincuenta. No, Borrar el historial narra las vicisitudes de tres perdedores en este mundo moderno de empleos basura en el que internet y ese pequeño ingenio que para muchos es casi como una prolongación de la mano, representan el enemigo a batir. Una ingeniosa comedia con ecos del mejor Todd Solondz en la que hay espacio para recorrer todos los círculos del infierno cibernético: contraseñas, tiendas online, portales de venta por internet, ciberacoso, estafas telefónicas… un mundo a todos familiar que lleva al espectador a una conclusión que íntimamente ya sabe, tal y como exclama uno de sus protagonistas: «que con menos todo es más fácil y claro.»
Disparatada y fresca, pero con las ideas muy claras, Borrar el historial está dirigida por los actores y directores Benoît Delépine y Gustave Kervern, autores también del guion, y está protagonizada por Blanche Gardin, Denis Podalydès y Corinne Masiero. El filme cuenta así mismo con la participación, haciendo divertidos papeles y cameos, de Michel Houellebecq, Jean Dujardin (que les costará localizar), Benoît Poelvoorde, Vincent Lacoste y Denis O’Hare, entre otros.
Una propuesta diferente a las habituales que recibió el Oso de Plata en la Berlinale 2020 y que llega a los cines españoles de la mano de La Aventura.
Diseccionando ‘Valhalla Rising’: proyecciones y coloquios
PROYECCIONES Y COLOQUIOS SOBRE
LA PELÍCULA DE NICOLAS WINDING REFN
EN MADRID, BARCELONA, PALMA DE MALLORCA y Y SAN SEBASTIÁN
se estrena en cines este viernes 14 de mayo
A CONTRACORRIENTE FILMS estrena en cines VALHALLA RISING este viernes 14 de mayo. La película, dirigida por el reconocido director danés Nicolas Winding Refn, responsable de films como Drive, The Neon Demon, Sólo Dios perdona, Pusher o Bronson, se presentó en el Festival de Venecia, en el Festival de Toronto, en el Festival de Sitges, y recientemente en el BCN Film Fest.
VALHALLA RISING está protagonizada por el multipremiado actor Mads Mikkelsen, conocido por su interpretación en la recientemente ganadora del Oscar a Mejor Película Internacional Otra ronda, o en películas como Casino Royale, La caza o la serie de TV Hannibal, entre otras.
En su primer fin de semana de estreno se organizarán sesiones de DISECCIONANDO «VALHALLA RISING» que constarán de proyecciones de la película con coloquio posterior con especialistas y críticos de cine para hablar de una de las obras de culto de Nicolas Winding Refn. Además, a todos los asistentes se les regalará el cartel de la película.
Las entradas para estas sesiones se podrán comprar a partir del martes 11 de mayo en las páginas web de los cines. A continuación, las salas y ciudades donde se celebrarán las sesiones de DISECCIONANDO «VALHALLA RISING»:
14 mayo 2021 – SAN SEBASTIÁN – Cines Príncipe – 19:30h
Coloquio posterior a la proyección con la participación de Begoña del Teso, periodista y colaboradora de la Semana de Terror de Donostia.14 mayo 2021 – BARCELONA – Cines Verdi – 20:45h
Coloquio posterior a la proyección con la participación del equipo de MAREA NOCTURNA (podcast dedicado al cine fantástico y de terror en español).14 mayo 2021 – PALMA DE MALLORCA – CineCiutat – Horario a confirmar
Coloquio posterior a la proyección16 mayo 2021 – MADRID – Cines Verdi – 20:45h
Coloquio posterior a la proyección con la participación de Jesús Palacios (crítico de Fotogramas) y Pablo Vázquez (escritor y crítico de Fotogramas).
Un enigmático guerrero que ha permanecido esclavizado durante años, logra escapar junto a un niño después de matar a su amo y todo su clan. Tras enrolarse en un barco cristiano, emprenden un viaje a Tierra Santa que los llevará a un lugar desconocido, donde reinan el dolor y la sangre.
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 7 de mayo de 2021 *
EL OLVIDO QUE SEREMOS (Fernando Trueba, 2020)
Colombia. Duración: 136 min. Guion: David Trueba. Novela: Héctor Abad Faciolince Música: Zbigniew Preisner Fotografía: Sergio Iván Castaño Productora: Caracol Televisión, Dago García Producciones Género: Drama
Reparto: Javier Cámara, Aída Morales, Patricia Tamayo, Juan Pablo Urrego, Sebastián Giraldo, Whit Stillman
Sinopsis: Narra de manera íntima la vida de un hombre bueno, el médico Héctor Abad Gómez, carismático líder social y hombre de familia, un destacado médico y activista por los derechos humanos en el Medellín polarizado y violento de los años 70. La historia relata la vida del doctor, padre de familia preocupado tanto por sus hijos como por los niños de clases menos favorecidas. En su casa se respiraba la vitalidad y la creatividad características de una educación fundamentada en la tolerancia y el amor, pero la tragedia asomaba.
Premios 2020:
Premios Goya: Mejor película iberoamericana
Festival de San Sebastián: Sección oficial (Fuera de concurso – Clausura)
Premios Forqué: Nominada a mejor película latinoamericana
Un relato de iniciación que nos muestra, mediante la relación entre padre e hijo, la vida y muerte de Héctor Abad Gómez, interpretado magistralmente por Javier Cámara, un destacado médico y activista por los derechos humanos en el Medellín polarizado y violento de los años 70.
David Trueba firma el guion que adapta este relato íntimo, escrito por el hijo del protagonista, Héctor Abad Faciolince, uno de los escritores más destacados de la Colombia contemporánea y que escribió El olvido que seremos en homenaje a su padre, asesinado en Medellín por los paramilitares en agosto de 1987. El libro se convirtió en un best seller con más de 300.000 copias vendidas en todo el mundo y traducido a más de doce lenguas.
Básicamente, El olvido que seremos es la historia de un hombre bueno, que refleja en su hogar y en su trabajo sus ideales, basados en la cultura, el amor y el respeto hacia los demás, sean de la clase, del sexo y de la raza que sean. Su postulación a la alcaldía de Medellín representará pasar a formar parte de una lista negra y finalmente ser ejecutado.
Si bien quizás en algunos momentos peca de sensiblera, la historia que narra El olvido que seremos merece ser contada y vista por todo aquel que guste de una historia en la que priman nobles ideales. Dirigida por Fernando Trueba y protagonizada por Javier Cámara, Juan Pablo Urrego, Nicolás Reyes Cano y Patricia Tamayo, la película fue seleccionada por el Festival de Cine de Cannes 2020 en su sección Oficial, como película de clausura, fuera de concurso en el Festival de Cine de San Sebastián 2020 y galardonada con el Premio Goya a la mejor película Iberoamericana, además de ser seleccionada como candidata a los Oscar por Colombia.
TIBURÓN BLANCO (Great White, Martin Wilson, 2021)
Reparto: Katrina Bowden, Aaron Jakubenko, Tim Kano, Kimie Tsukakoshi, Te Kohe Tuhaka, Tatjana Alexis, Jason Wilder, Patrick Atchison
Sinopsis: Una escapada en hidroavión a la Gran Barrera de Coral australiana se convierte en una pesadilla para un grupo de jóvenes cuando son atacados por un gigantesco tiburón blanco. Varado en alta mar sobre un frágil bote salvavidas, el grupo tendrá que usar todo su ingenio para resistir a la monstruosa amenaza que les acecha bajo el agua.
Desde que en 1975 Steven Spielberg introdujera el tiburón en el imaginario del cine de terror, muchos han sido los intentos de emular aquel insuperable hito, pero la gran mayoría se han conformado con crear nuevas historias alrededor de escualos asesinos, propuestas que han ido desde lo más interesante a lo más descacharrante (sí, nos referimos a la saga del tiburón de múltiples cabezas). Tiburón blanco por fortuna se perfila entre las primeras, con una historia, como es norma, de supervivencia entre cinco personajes en un entorno reducido, lo que dará pie a diferentes enfrentamientos entre ellos, aunque el protagonista principal será el tiburón y el orden en el que se servirá los diferentes platos del festín que son servidos, todo hay que decirlo, con escasos condimentos y sin salsa.
El director del filme ha sabido sacar partido del paradisíaco entorno de Brisbane, capital de Queensland, Australia, aunque gran parte de la historia se desarrollará en un bote a la deriva, lo que retrotraerá al espectador más talludito al clásico de Hitchcock Naúfragos (Lifeboat, 1944), aunque solo sea de manera episódica y salvando infinitas distancias.
Una propuesta entretenida para el espectador que sepa lo que va a ver y no busque una propuesta inolvidable.
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 30 de abril de 2021 *
YALDA, LA NOCHE DEL PERDÓN (Yalda, la nuit du pardon, Massoud Bakhshi, 2019)
Irán-Francia-Alemania-Suiza-Luxemburgo. Duración: 89 min. Guion: Massoud Bakhshi Música: Dana Farzanehpour, Denis Séchaud Fotografía: Julian Atanasov Productora: Amour Fou Filmproduktion, JBA Production Género: Drama
Reparto: Sadaf Asgari, Zakieh Behbahani, Arman Darvish, Forough Ghajabagli, Fereshteh Hosseini, Behnaz Jaffari, Babak Karimi, Fereshteh Sadr Orafai, Ramona Shah, Faghiheh Soltani
El segundo largometraje del director iraní Massoud Bakhshi (A Respectable Family) es una valiente reflexión sobre la lucha de clases, el patriarcado, los límites éticos de los reality shows y la importancia del perdón para la religión. Todo ello una película cuya intriga está impecablemente bien construída, pues el espectador irá averiguando los detalles de la historia conforme avance la trama, que navegará continuamente entre el pasado y el presente del país; mostrando una modernísima urbe en contraste con la situación que vive la mujer en el mundo islámico, con un programa televisivo que convertirá en espectáculo la posible condena a muerte por asesinato de una joven cuyo marido ha tenido una muerte accidental. Una joven, por cierto, casada con un hombre mucho más mayor que ella mediante un «matrimonio temporal» (mutah), consistente en una especie de contrato de alquiler de duración limitada en el tiempo según el cual la mujer está ligada al hombre a cambio de una retribución.
CHARULATA, LA ESPOSA SOLITARIA (Charulata, Satyajit Ray,1964)
India. Duración: 124 min. Guion: Satyajit Ray (Historia: Rabindranath Tagore) Música: Satyajit Ray Fotografía: Subrata Mitra (B&W) Productora: R.D.Banshal & Co Género: Drama
Reparto: Madhabi Mukherjee, Sailen Mukherjee, Soumitra Chatterjee, Shyamal Ghoshal, Geetali Roy, Bholanath Koyal, Nilotpal Dey
Sinopsis:
A finales del siglo XIX, cuando la India era todavía una colonia inglesa, Charu, una mujer de la alta sociedad bengalí que lleva una vida ociosa, está casada con Bhupati. Éste, que ha heredado una fortuna, utiliza su dinero para publicar un periódico político y se siente orgulloso de no haberse dejado arrastrar por la comodidad y la desidia.
Gracias a A Contracorriente, llega por primera vez a los cines españoles esta magnífica joya de Satyajit Ray que adapta una novela del premio nobel Rabindranath Tagore. Y lo hace en inmejorables condiciones con una copia restaurada con ocasión del centenario del nacimiento del director. La película, que ganó el Oso de Plata al Mejor Director en la Berlinale de 1965, nunca llegó a nuestras pantallas a pesar de que su propio director la consideraba su obra más perfecta.
Charulata, la esposa solitaria habla al espectador de la soledad, el deseo femenino, la maternidad negada y la insatisfacción de una esposa joven totalmente desatendida por su marido, ocupado con el periódico que ha fundado. Ambos representan, a pesar de mantener la tradición india en su forma de vestir y vivir, el avance en una cultura bañada por el colonialismo occidental. Así, el marido editará un periódico con nombre en inglés y su vocabulario incluirá, de manera algo snob, palabras en esa lengua. Mientras tanto, su abnegada y culta esposa, escritora aficionada, verá como sentirá atracción por su cuñado, poeta y soñador, en firme contraste con su hermano, de mente racional y científica.
Princesa confinada entre lujos y oropeles en una cárcel de dorados barrotes, Charu oye como entran en su alcoba los animados sonidos de la calle, reflejando con la mirada su tristeza con tal delicadeza que no es necesaria la palabra para recalcar lo evidente, en clara herencia del mejor arte mudo.
Charulata está encarnada por Madhabi Mukherjee, una de las más reconocidas actrices indias de todos los tiempos, que brilla en este trío interpretativo junto a Shailen Mukherjee, como Buphati, su marido, y Soumitra Chatterjee, hermano de Buphati, un actor que trabajó con Satyajit Ray en un total de catorce películas.
Todo amante del cine debe repasar regularmente los clásicos para reconciliarse ante tanta mediocridad y Charulata, la esposa solitaria, es una ocasión de oro para hacerlo.
Serendipia
Proyecto Naschy 
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