Archivo
Diario de Serendipia en Sitges: Año de la pandemia. Séptima cápsula
Un nuevo día y tres nuevas películas pertenecientes cada una de ellas a diferente sección. Respectivamente serán Oficial Fantàstic Competició, Anima’t y Noves Visions. Y después de comer cerraremos la jornada con un clásico programado dentro de la sección Seven Chances como homenaje al recientemente fallecido José Mojica Marins, uno de nuestros cineastas favoritos que estuvo en varias ocasiones en el festival, tanto en sus inicios en los años setenta, como en el nuevo milenio presentando su Encarnação do Demônio (2008). Un menú equilibrado y surtido, como debe de ser. 
Wendy es una película muy bella, es lo primero que cabe decir, con cadencia suave pero sin perder tiempo y con una planificación que nos sumerge en su escena como si fuera una experiencia inmersiva. Después de todo, nos va a hablar de qué supone vivir y qué papel ha de tener la imaginación en nuestro desarrollo. Habla del niño y del anciano que hay en cada uno de nosotros y de cómo se deben retroalimentar para adentrarnos en la aventura que es vivir. Con ella Benh Zeitlin sigue demostrando que sabe rodar con niños como nadie. Después de la sorprendente Bestias del sur salvaje (Beasts of the Southern Wild, 2012), ahora aborda Peter Pan dándole un enfoque totalmente diferente y libre, pues la perspectiva de nuestro director (u hombre orquesta, pues es el autor del guion y de la banda sonora, además) no está lejos de la de su primer largo, pero manteniéndose fiel al espíritu de la novela de Barrie. Una oda a la imaginación como acto de rebeldía frente al gris destino que nos aguarda, a vivir y aprovechar el tiempo mientras nos pertenezca. Pero Zeitlin no entona un simple canto a la despreocupación, como tampoco Peter Pan es una criatura que se niega a crecer solo por no madurar. No se trata de dejarnos ir como si no hubiera un mañana sino de sacar provecho del tiempo, y Peter es el diablillo que despierta la perspicacia de Wendy, con el doble valor de ingenio y picardía. Por eso, la película nos hablará de los sueños frustrados y de la pérdida de la ilusión, pero también del acto de crecer como una gran aventura que merece la pena vivir. Se trata de saber cuándo pasa el tren. Con Wendy (una maravillosa Devin France) como protagonista absoluta del relato (hay que recordar que el título de la novela cuando se publicó en 1911 era Peter and Wendy), Peter Pan e incluso el Capitán Garfio tomarán su lugar en esta original e inspirada adaptación del gran clásico, que nunca envejecerá mientras haya quien quiera vivir. Y volar.
Maravillado, Serendipia cambia de sala y de chip para tomar unas dosis de Beauty Water (Gi-Gi-Goe-Goe Seong-Hyeong-Su, Kyung-hun Cho, 2020) un terrorífico anime para adultos (de origen coreano) sobre los cánones de belleza y la influencia que tienen sobre nosotros. Un mal día, Yae-ji se convierte en el objetivo de una campaña de odio en redes sociales. Es la gota que colma el vaso de toda una vida siendo ridiculizada por su aspecto. Decidida a dar una vuelta a la situación, la joven prueba Beauty Water, un producto de maquillaje que permite moldear la piel hasta alcanzar el ideal de belleza deseado. La protagonista de Beauty Water será capaz de vender su alma al diablo para conseguir tener el aspecto que ella y los demás desean de ella y una vez conseguido, gracias a ese agua de belleza, mantenerlo. Pero lo que no sabe es que alguien se ha fijado en sus bonitos ojos… La cinta no tarda en ponernos en situación y, aunque no está exenta de comicidad, pronto se manifiesta como un sobrecogedor thriller psicológico que acabará abrazando el terror más descarnado (y nunca mejor dicho). El trazo seco de su dibujo le da una crudeza visual acorde con el tono del relato y la despiadada crítica social que contiene. Kyung-hun Cho nos advierte sobre el carácter mostrenco de nuestra sociedad consumista fundamentada en el narcisismo y la dependencia del juicio del otro, factor que la Web ha elevado a la enésima potencia. Y lo hace con una cinta que habría hecho las delicias del Cronenberg de la nueva carne aunque alejada de la asepsia del canadiense, aquí se exponen los cuerpos maltratados con minuciosidad pues ese lujo de detalle sirve de espejo de la deshumanización paulatina de su protagonista. Basada en un webcómic, Beauty Water, que podría haber concursado perfectamente en Sección Oficial, supone el debut de su director en el campo del largometraje. Una muy interesante propuesta, proveniente del país donde la fijación por la belleza y la eterna juventud resultan especialmente obsesivas y opresivas (Corea es una auténtica Meca de la cirugía plástica, casi el 30% de las mujeres se somete a ella ya antes de los 20 años).
Cerramos la mañana con Ich-chi (Kostas Marsaan, 2020) una cinta rusa perteneciente a la sección Noves Visions cuya acción se desarrolla en la desolada región de Yakutia (lugar de origen del director), situada en el noroeste de Rusia, en plena Siberia, donde tan solo vive una familia, pues al parecer, alguna desgracia sucedió en el pasado que causó que todos abandonaran el lugar a toda prisa. En la granja vive un matrimonio y su hijo menor, un día a día austero aferrado a la dura vida del campo. Cuando reciben la visita del primogénito, que ha emigrado a la ciudad y vive allí juntos a su esposa y su hijo, todo se desestabilizará. Su objetivo es obligar a sus padres a vender la granja para poder pagar una fuerte deuda, una venta que dejaría al menor sin su modus vivendi y, más aún, desubicado en el mundo. A partir de ahí entramos en el seno de una historia cainita en la que la rivalidad de los hermanos tendrá graves consecuencias. Esta trama dramática y costumbrista, casi propia del naturalismo de Zola, pronto se verá surcada por elementos sobrenaturales, inexplicables, apariciones de dobles siniestros y apariciones de esqueletos que hacen retornar espectros del pasado, con la leyenda del Ich-Chi, el jinete que protege de los malos espíritus, como vehículo conductor. Si bien la trama se vuelve confusa cuando irrumpe el fantástico, se trata de una cinta de una gran belleza, a la que contribuyen unos solitarios parajes naturales que casi están pidiendo ser llevados al no tiempo de las leyendas. Sin ser redondo, resulta de lo más interesante este filme que nos trae un ejemplo del tan en boga folkhorror desde una cinematografía poco frecuente en nuestros lares.
Y de nuevo Serendipia cierra la jornada con el mejor cine clásico desde el mejor marco, el cine Prado, que ya totalmente reformado, pero respetando tanto la arquitectura como los frescos del techo, se convierte en la sala más idónea para disfrutar de una película como À meia-noite levarei sua alma (José Mojica Marins), la primera incursión de Zé do Caixao (que no de su alter ego y director) en el cine. Una artesanal y tercermundista película con la que nace una blasfema encarnación del mal llena de un carisma localista que ha trascendidos océanos y épocas aglutinando una amplia legión de seguidores (entre los que nos contamos). Ese carisma se debe totalmente a su director, José Mojica Marins, un hombre de cine recientemente fallecido que ha dejado tras de si una extensa filmografía dedicada, en su mayor parte, al cine fantástico y de terror. Proyectada en 35 mms., À meia-noite levarei sua alma representó el broche ideal para esta jornada de cine atípico.
Con buen sabor de boca finalizaba una jornada que se remató con la degustación de las excelentes tapas del nuevo restaurante de la sociedad El retiro, en la que fue casi la única interacción social a mascarilla quitada que Serendipia se permitió en esta edición en tiempos de pandemia. Una plaga que se ha llevado por delante muchas de las citas obligadas del festival como la, ya tradicional, Zombie Walk aunque sí hubo tráiler y la promesa de los muertos andantes de volver el próximo año a recorrer las calles de la Blanca Subur.
Diario de Serendipia en Sitges: Año de la pandemia. Sexta cápsula
Iniciamos una jornada que se desarrollará, integramente, en l’Auditori. Una velada de lo más tranquila, a causa del tradicional descenso de público tras el largo fin de semana, pero que resulta más marcado por la situación que estamos viviendo. Así que, casi en un ambiente familiar, pasaremos una mañana de cine con tres interesantes piezas pertenecientes a jóvenes cineastas europeos y enmarcadas dentro de la sección Oficial Fantastic Competició.
Comenzamos con The Book of Vision (2020), una cinta inclasificable y de remarcable belleza que se desarrolla entre dos épocas. Repleta de elementos oníricos y saltos temporales, los fantasmas del pasado visitarán el presente, observando y dándose la mano con la superstición y los espíritus del bosque, pero también con los avances científicos. La transición (y tensión) entre la antigua y la nueva medicina se representará con dos médicos, de una parte, Johan Anmuth, que ejerció en Prusia en el Siglo XVIII (un gran Charles Dance), más espiritual, 
basaba su ciencia en una visión integradora del hombre y no se limitaba al cuerpo para tratar la enfermedad, sino que prefería escuchar las historias de sus pacientes, analizarlas e interpretar sus sueños, para descubrir y curar sus dolencias (todo un prototipo de lo que supuso Freud para la historia de la medicina). Frente a él, en nuestro siglo, Nils Lindgren (Sverrir Gudnason), paladín de la biotecnología aplicada, basará su hacer exclusivamente en el cuerpo y en su análisis. Entre ellos una mujer, Eva (Lotte Verbeek), una joven y brillante cirujana oncóloga que ha dejado todo para estudiar historia de la medicina en una pequeña universidad. Parece estar obsesionada con las obras de Johan Anmuth, más concretamente con su manuscrito Libro de los sueños (el que da título a la cinta) que ella misma descubre en la biblioteca, una obra en la que el galeno prusiano da cuenta de las emociones, temores y sueños de mil ochocientos pacientes. Al sumergirse en sus páginas, la joven se embarcará en un íntimo y sensorial viaje a través del tiempo.
Lejos del enrevesado palíndromo de Nolan, esta película independiente coproducida por Italia, Gran Bretaña y Bélgica usa la interacción clásica entre el pasado y el presente en clave romántica y sobrenatural. Conforme la protagonista avanza en su lectura, vamos descubriendo que los mismos actores interpretan a distintos personajes en ambas épocas, como ocurría en El atlas de las nubes de las hermanas Wachowski. Los pseudo flash backs, que vuelcan los descubrimientos de Eva en su lectura, tienden un puente entre las dos épocas, remitiéndonos a la tesis de que la esencia de lo humano se mantiene (casi) inmutable a lo largo del tiempo. Y a la vez nos ponen en contacto con una visión de la naturaleza que entiende a esta como organismo viviente. Las bellas imágenes del film, en cuya realización concurren el trabajo del director junto al de Jörg Widmer (que fue técnico de cámara de Wenders, Tarantino, Haneke, Polanski y Bela Tarr), nos transportan al seno de una naturaleza silenciosa y ancestral que envuelve y protege a los muertos a la vez que los enlaza a los vivos. Puro Malick, dirán, pues algo de eso hay, pues no en vano es el productor ejecutivo de esta cinta, con la que debuta su director Carlo S. Hinterman, biografo y estrecho colaborador de Malick (Hintermann dirigió la segunda unidad en El árbol de la vida). Blanco y en botella.
Tras vencer en dura contienda al sueño (la película comenzó a las 8,30 de la mañana y, pese a su belleza, el ritmo de la misma no ayudaba), es el momento de volver a la realidad con Teddy (2020) que nos transporta a una pequeña localidad de los Pirineos franceses donde vive Teddy (Anthony Bajon), un joven rebelde, un tanto anárquico, y que vendría a ser como el gañán del pueblo. Un día comienzan a aparecer reses muertas, al parecer por ataque de lobos, y paralelamente el joven es atacado y arañado por una bestia. A partir de este día todo cambiará para Teddy y el resto de la tranquila región.
Narrada en tono de comedia, aunque no deja de tener un poso trágico, Teddy, dirigida al alimón por los gemelos Ludovic y Zoran Boukherma iba a tener su premiere en el Festival de Cannes de este año (y que la pandemia dejo en suspenso). Podríamos decir que estamos ante un cine de terror rural, pero su protagonista nada tiene en común con los consabidos rednecks psicópatas que pululan por el subgénero, muy al contrario, Teddy nos resulta cercano, como el vecino gamberrete y simplón que todos podríamos tener. Y es que los gemelos ponen especial cuidado en el diseño de personajes y situaciones para que resulten creíbles aunque tengan un lado sobrenatural. Nos convenció por su forma atípica de ver y usar la licantropía, aquí todo un ingenio para la crítica social. Y nos gustó, también, porque como comedia fantástica (y muy francesa) resulta estrambótica y divertida.
Y cerramos la jornada con la película de ciencia ficción Sputnik (Egor Abramenko, 2020), cinta ambientada en una gélida Unión Soviética que tiene ecos de Quatermass y Alien, entre otras. En el apogeo de la Guerra Fría, una nave espacial soviética se estrella después de que su misión salga mal. El comandante (Pyotr Fyodorov), único superviviente, puede haber regresado a la Tierra con algo anómalo en su cuerpo. Ingresado en una institución psiquiátrica de la agencia espacial rusa, su caso será asignado a una psicóloga (Tatyana Klimova) cuyos métodos han chocado bastante con las rígidas normas del estado, y que ha sido seleccionada, precisamente, como última oportunidad de congraciarse con el mismo. Llevado todo en estricto secreto. Ingeniosa y emocionante, aunque el tema que toca la cinta rusa no es precisamente original, si lo será la manera de abordarlo, así como el repugnante alienígena. En la cinta de Egor Abramenko al terror espacial se le suma el drama de superación que afecta a sus dos protagonistas, tanto el cosmonauta como la psicóloga habrán de superar viejos traumas para acabar con la criatura simbionte y es, precisamente, el aspecto emocional el que va a unirles en un frente común, casi al modo de Hannibal Lecter y Clarice Starling en El silencio de los corderos. En Sputnik, pues, convive el espíritu del terror de serie B con la búsqueda de profundidad psicológica en los personajes y su arco de transformación y esa mezcla la hace efectiva y le pinta una pátina sino de originalidad sí de singularidad. Buenas actuaciones, buenos efectos y buena dosificación de la intriga, la cinta cumple las expectativas y nos deja buen sabor.
Las lecturas de Serendipia: ‘Informe Madelman Vol. 2’
INFORME MADELMAN VOL. 2
Jon Diez de Ulzurrun
Diábolo Ediciones, 2019. Tapa dura, 17 x 24. 328 pgs. Color.
Con el «generalísimo» efectuando sus últimos pasos de baile Madel decide, posiblemente ante la competencia que le había salido en el mercado, efectuar unos profundos cambios en los Madelman, dotándoles de nuevos -y peores rostros-, un mejor cabello de goma, unas manos con dedos menos frágiles, unos horribles ojos pintados en detrimento de aquellos maravillosos de cristal y, les otorga pies, aunque las botas no les quedan tan ajustadas y estéticamente perfectas como antes. El modelo afroamericano permanece más o menos inalterable, pero se sumaron nuevas lineas de producción a las ya existentes y, también por primera vez, se puso a la venta un Madelman femenino. Y ya era hora, la verdad, pues por fin parece que se superó el absurdo tabú que se presuponía pudieran tener los padres en comprar al niño o que este pidiera, para Reyes, «una muñeca» sin que peligrara su masculinidad. También es posible que Madel pensara que así también se abría al mercado femenino. En todo caso, nueva lineas se sumaron a las ya existentes, que adaptaron el nuevo maniquí: oeste, espacio e incluso ¡Superman!, con las que Madel abordó una nueva década bastante más competitiva y nuevas generaciones de niños descubrieron a este pequeño gran amigo.
Este es el punto de partida desde el que Jon Díez de Ulzurrum inicia el segundo volumen de su Informe Madelman, que prosigue cronológicamente las andanzas de este amigo de nuestra infancia, hasta su desaparición en 1985. En sus páginas, profusamente ilustradas con imágenes de calidad, el autor analiza minuciosamente figura tras figura y equipo tras equipo, sin olvidar todos y cada uno de los complementos, deteniéndose en las diferentes campañas promocionales y analizando el arte de las cajas y catálogos. También hay lugar para la anécdota y la investigación de los poco conocidos Madelman ExinMex o prototipos no construidos. Absolutamente todo lo relacionado con estas «figuras articuladas preparadas para la acción» está en estas cuidadas páginas, convirtiendo estos libros en la guía definitiva de los Madelman.
Personalmente me siento más cercano a la primera etapa, de la que ya habló el autor en su primer volumen, pues en 1975-76, que es cuando se inician estos cambios, ya me encontraba sumido en los picores de la adolescencia y otras aficiones, como la música, llamaban a la puerta. Pero aún me dio tiempo, antes de que guardara los Madelman en el altillo, de pedir a unos ya simbólicos Reyes Magos el Madelman que tanta falta hacía para mis aventuras: el femenino. Y concretamente la «enfermera de campaña», que conservé hasta hace bien poco en perfecto estado, pues llegó cuando mis aventuras con los Madelman tocaban a su fin.
Así que, como tantos, recibo los dos tomos de Informe Madelman, además de con su elemento nostálgico, como el concienzudo y completo trabajo que es, de utilidad tanto para los coleccionistas como para los cronistas de una época, los setenta, en la que los Madelman fueron el juguete que consoló la soledad o, sencillamente, ofreció a muchos niños imaginativos e introspectivos, horas y horas de juego y aventura.
Manga Barcelona Limited Edition – PROGRAMA Y NOVEDADES
Ni siquiera la COVID-19 puede frenar las ganas de los forofos al manga, el anime y la cultura japonesa; a pesar de que la situación actual ha obligado a suspender la edición presencial, el Manga Barcelona se traslada al mundo digital con una propuesta que se ha bautizado como Manga Barcelona Limited Edition. Una “edición limitada” porque los contenidos solo se podrán disfrutar durante los tres días que durará el acontecimiento, recreando en cierta medida la exclusividad de la versión presencial, pero haciéndola ahora accesible a todo el mundo, sea donde sea y de forma gratuita.
A partir del 30 de octubre a las 11h, el público podrá acceder en la web de Manga Barcelona Limited Edition (www.mangaondemand.es) y desde aquel mismo momento empezarán las emisiones en directo del acontecimiento, que se compaginarán con toda una serie de contenidos a los que se podrá acceder a demanda.
La programación ofrecerá las actividades más habituales del Manga Barcelona y algunas novedades. A pesar del formato online, el acontecimiento contará con invitados japoneses: la mangaka Kaori Tsurutani (Metamorfosis BL, Norma Editorial) y el también mangaka Gengoroh Tagame (El marido de mi hermano, Panini Cómics), que forman parte de la exposición virtual Manga, diversidad e inclusión que ha comisariado Marc Bernabé con colaboración con el Japan Media Arts Festival. También se podrá disfrutar de las actuaciones musicales de Mika Kobayashi y el grupo Back-On. Otros autores invitados son el ilustrador Jorge Arranz, el divulgador Héctor García “Kirai” o el dibujante David Ramírez.
Cómo es habitual también habrá las esperadas presentaciones editoriales, donde las diferentes editoriales de manga presentarán sus novedades y anunciarán las nuevas licencias que muchos fans esperen descubrir. Aparte, una sección de la web estará dedicada a los expositores, con información y links a las respectivas editoriales, librerías, etc. Tanto en directo como demanda, habrá una amplia oferta de mesas redondas y conferencias (temática LGTBI en el manga, como la industria del manga se enfrenta a la situación creada por la COVID-19, consejos para viajar a Japón y diferentes charlas sobre los mangas de demografía femenina…) replicando la programación habitual del Manga Barcelona. También se mantiene la sección Japan Experience con los talleres relacionados con la cultura japonesa (introducciones al idioma japonés, kamishibai por los más pequeños, etc.), las artes marciales y toda la parte gastronómica que nos propondrá una serie de recetas que podemos hacer en casa.
Cobrará especial protagonismo la autoría nacional, puesto que habrá varias charlas y talleres protagonizadas por autoras y autores que publican obras definidas como “iberomanga”, como es el caso de los nominados a Mejor Manga de Autor/en Espanyol/a, algunos de los autores y autoras de la revista Planeta Manga, uno de los grandes éxitos de la pasada edición, y las autoras de Studio Kosen.
En esta línea de autoría, nuestros colaboradores habituales de Escolo Joso nos ofrecerán a lo largo de los tres días una amplia programación de clases online, a destacar las lecciones que ofrecerá Eduard Balust (actualmente trabajando en Japón), Senshiru y Marian Company (autoras nominadas a los Premios Manga Barcelona) o Dani Bermúdez (ganador de la edición anterior con Liquid Memories).
Una de las novedades será la introducción que se hará del mundo del tokusatsu, el cine y las series de televisión de efectos especiales con larga tradición en el Japón (desde Godzilla a Kamen Rider), con una mesa redonda con la presencia de Ángel Sala, director del Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya (Sitges). Gracias a la colaboración con la productora TOEI, se estrenará un video coincidiendo con el Manga Barcelona Limited Edition que gustará a los fans de la franquicia Kamen Rider.
Desde hace ya unos años el Manga Barcelona ha apostado por la proyección de películas de anime y de imagen real japonesas, y este año no será diferente. Pero esta vez el acceso en el Auditorio Manga Barcelona se hará a través de la plataforma FILMIN, con quien el Manga Barcelona empieza a colaborar este año. Se ofrecerá desde el 30 de octubre hasta el 5 de noviembre una cuidada selección de películas que incluyen Seven Days War, la ganadora a mejor película de animación del Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya (Sitges), la nueva película del director de culto Takashi Miike, First Love, e incluso la edición restaurada digitalmente de uno de los éxitos de Akira Kurosawa: Dersu Uzala. Algunas de las propuestas más potentes tendrán un tiempo limitado de visionado, animando a todo el mundo a disfrutar de ciertas películas en horario nocturno (cuando haya entrado en vigor el toque de queda). Esta será la única parte del acontecimiento que tendrá un coste, pero con la posibilidad de adquirir un abono muy económico que incluye un mes de suscripción en la plataforma FILMIN.
La versión online desaparecerá, pero el forofo se podrá quedar con un recuerdo tangible. El Manga Barcelona Limited Edition ha preparado un paquete, un starter pack, con cosas interesantes que sirvan de recuerdo de esta edición tan inusual. Los espectadores se podrán descargar, personalizar e imprimir una entrada virtual, un cartel de “no molestar” para advertir a los de casa que están ocupados siguiendo las emisiones del Manga Barcelona Limited Edition, e incluso se incluirán recetas para hacer platos japoneses sencillos para estos días. También se abrirá una tienda online con una serie de productos exclusivos, como puede ser la mascarilla que lleva la protagonista del cartel de este año.
Desde aquí queremos agradecer la colaboración de todas aquellas organizaciones, entidades y personas individuales que han ayudado a nutrir de contenidos este Manga Barcelona Limited Edition, empezando por el Departament de Cultura de la Generalitat de Catalunya, el Consulado General del Japón en Barcelona, la Fundación Japón, el Ministerio de Asuntos Exteriores de Japón, Back-On, Shu Takada, Cine Asia, Comer Japonés, Espai Daruma, Shoshinkan, Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, Pro Shoujo Spain, Toei Company, también a todos los autores y autoras, cosplayers, ponentes, y también editoriales y distribuidoras que han colaborado.
El Manga Barcelona Limited Edition se celebrará íntegramente online del 30 de octubre al 1 de noviembre de 2020 a través de la web: www.mangaondemand.es
Sergio Morcillo estrena el videoclip ‘Abierto en vena’ con todo el regusto del terror de los ochenta
Poster de Ricardo Ferllen
Sergio Morcillo, director de cortometrajes con especial querencia por el cine de terror de su infancia, nos transporta de nuevo a los años ochenta para traernos un videoclip con el que ilustra el tema Abierto en vena, del grupo Taburete (grupo que, todo sea dicho, no es especialmente del agrado de Serendipia, muy al contrario, pero aquí estamos para hablarles de nuestro amigo Sergio). Tras la batuta de este proyecto, que comprenderá seis videoclips oficiales, se encuentra la productora Rumbo Films (“Lobisome», “Tournées”, «la colleja») junto a KBN Next Media, como partner oficial y actores de la escuela Jana entre otros.
En Abierto en vena asistiremos a una particular fiesta de fin de curso en el año 1987 donde Mun, un adolescente tímido, tendrá que enfrentarse inesperadamente con su miedos más personales si quiere conseguir a Sol, su amor incondicional.
Según palabras de su director, el videoclip es toda una carta de amor al cine de los 70 y 80, época en la que directores como Spielberg o Brian de Palma revolucionaron el cine de género aportando nuevas ideas y clichés que pasaron a formar parte indeleble del imaginario de futuros cineastas.
Sin mas, os dejamos con este nuevo salto cualitativo en la carrera de su director Sergio Morcillo, a la espera de su esperada incursión en el largometraje.
Primer cartel y teaser-trailer de ‘Vampus Horror Tales’
El pasado 11 de octubre se pasaron unos minutos de Vampus Horror Tales, una antología de historias de terror dirigidas por diferentes directores que tienen al guardián del cementerio, Vampus (Saturnino García), como maestro de ceremonía y presentador. En total, cuatro historias dirigidas por cuatro directores debutantes Manuel Martínez Velasco, Isaac Berrocal, Erika Elizalde y Piter Moreira. Más el director Víctor Matellano, que además realiza la producción creativa de la película.
Con guión de Yolanda García Serrano, Victoria Vázquez, Ignacio López-Vacas, Isaac Berrocal, Piter Moreira, Diego Arjona y Víctor Matellano, Vampus Horror Tales es una producción de Argot Films en asociación con Wild Duck Productions, ViMa pc, Raccord Films, Infilmity y RedRum basada en una idea original de Víctor Matellano.
Además del entrañable Saturnino García, la película cuenta con Nacho Guerreros, Félix Gómez, Montse Plá, Elena Furiase, Diego Arjona, Erika Sanz, Dunia Rodríguez, Luis Hacha, Daniela Dardanelli, Almudena León, Rafa Rodrigo, David M. Santana, Marian Clar, Gus Cantolla, Alberto Rivas, Marina Romero y Sergio Morcillo, además de la colaboración especial de José Lifante, África Gozalbes, Miguel Molina, Lone Fleming y Antonio Mayans.
Colin Arthur ha llevado a cabo la supervisión de efectos especiales de esta película, volviendo a elaborar la sangre artificial que se utilizó para la mítica secuencia del ascensor de El resplandor de Kubrick.
El estreno mundial de Vampus Horror Tales será en el Festival de Cine Fantástico de Canarias Isla Calavera, que se celebrará del 13 al 21 de noviembre en Tenerife.
Os presentamos el primer teaser-trailer presentación y el cartel, obra de David Benzal, prestigioso artista conceptual, que ha recibido importantes reconocimientos y galardones internacionales.
«Desde siempre los fans del fantástico y el terror han apreciado los largometrajes en forma de antología. Existe una gran tradición en el cine con este tipo de antologías, que se siguen realizando en la actualidad, pero no tanto en el cine español, cuestión por la que nos parecía interesante hacer nuestra propia aportación. En la tradición de las películas de la productora Amicus, y de los títulos deudores de comics como «Tales from de Crypt» o «Creepy», con su personaje «anfitrión» introductor de las historias, y en riguroso blanco y negro, nuestra propuesta aúna misterio, humor y terror. Un buen ejercicio para que un grupo de directores, artistas y técnicos, desarrollen un proyecto común y colectivo».Erika Elizalde. Productora Argot Films
Vampus nos introduce en cuatro de esas historias que transcurren en una perdida casa en la montaña, en un siniestro parque de atracciones, en un singular salón de bodas y en un mundo acosado por una extraña pandemia
Bteam Pictures distribuir ‘Robot Dreams’, película de animación de Pablo Berger
Basada en la popular novela gráfica de norteamericana Sara Varon, Robot Dreams cuenta las aventuras y desventuras de “Dog” y “Robot” en el Nueva York de los años 80. Esta historia de amistad supone la primera incursión en la animación de su director, Pablo Berger.“Muchas de mis películas favoritas son de animación. Desde “Fantasía” de Disney, “Mi vecino Totoro” de Ghibli, “Wall-E” de Pixar o el cine reciente de animación europea como “Persépolis”, “La vida de calabacín” o “I lost my body”. Con esta película quiero explorar las infinitas posibilidades narrativas de este medio” explica Pablo Berger.
La película de terror Saint Maud se estrenará el día 25 de diciembre
Estas navidades llega a los cines de toda España Saint Maud, la sobrecogedora película de terror psicológico escrita y dirigida por la británica Rose Glass, quien debuta con su primer largometraje protagonizado por la ganadora de dos premios Tony y un BAFTA Jennifer Ehle (‘La noche más oscura’, ‘Historia de una pasión’ o la miniserie ‘Orgullo y Prejuicio’) y por la estrella emergente Morfydd Clarck.
Tras su paso por la última edición del Festival de Cine Fantástico de Sitges y su estreno en el Festival de Cine de Toronto, la película ha sido aclamada por la crítica y se ha convertido en una de las grandes sorpresas de los festivales.
SINOPSIS
Maud (Morfydd Clark), una joven y devota enfermera llega a la casa de Amanda (Jennifer Ehle), una famosa bailarina postrada en su aislada casona a causa de una enfermedad. Al principio, Amanda se muestra intrigada por esta joven religiosa que consigue distraerle de su mala salud. Maud, a su vez, está hechizada por su nueva paciente. Pero Maud no es todo lo que parece. Vive atormentada por un violento secreto de su pasado y por momentos de éxtasis que cree recibir directamente de Dios. Maud se convence de que ha sido enviada a Amanda no simplemente como enfermera, sino para cumplir un propósito divino. A medida que pierde el control sobre su conexión con la realidad, los cuidados de Maud se convierten en una misión letal para salvar el alma de Amanda, por todos los medios.
‘SAINT MAUD´ llegará a los cines de toda España el próximo 25 de diciembre.
Diario de Serendipia en Sitges: Año de la pandemia. Quinta cápsula
Nuevo madrugón para un día de lo más completo compuesto por dos largometrajes de Sección Oficial, uno de ellos el que resultará ganador en las categorias de mejor película y director; continuando después con una película muy especial perteneciente a la sección Noves Visions que estamos deseando volver a ver, pues en sus fotogramas están depositadas la prosa y el alma de una de las mentes más preclaras y que más admiramos del estos últimos siglos; y finalmente retornamos al cine más popular, el de nuestra infancia, aquel al que íbamos con nuestros padres, el que ha marchado y que tan solo volverá en nuestros sueños o en la intimidad de nuestro hogar a modo de revival.
Serendipia comienza el -¡atención, alarma, ranciofact!- ecuador del festival con una muy interesante película de terror, Relic (2020), producción 
australiana que llega a Sitges tras ser presentada en el festival de Sundance y haber pasado por diferentes certámenes como el Bucheon Film Festival de Corea del Sur y el Fantasy FilmFest de Alemania. Dirigida y escrita por la cineasta novel Natalie Erika James con la colaboración en el guion de Christian White, este viaje a la locura se inicia con la inexplicable desaparición de la anciana Edna (Robyn Nevin), que causa que su hija Kay (Emily Mortimer) y su nieta Sam (Bella Heathcote) se apresuren a ir a la decadente casa de campo de la familia, donde encontrarán pistas de su progresiva demencia esparcidas por toda la casa. Pero lo más extraño comenzará a suceder cuando, de manera tan misteriosa como lo fue su desaparición, Edna regrese al hogar. Los sucesos que irán aconteciendo parecen tener una explicación natural, pero a través de las pistas que le dan sus sueños a Kay se nos introduce la duda: ¿puede ser, después de todo, que exista una causa paranormal para la locura de Edna? Parece una constante en el nuevo cine de terror australiano abordar problemas muy humanos como pudiera ser el dolor por la pérdida de un marido (es el caso del The Babadook de Jennifer Kent) o la dificultad de ser madre de un niño autista (nos referimos a Triangle dirigida en 2009 por Christopher Smith), para derivarnos hacia el terror sobrenatural en la resolución del conflicto. En su debut en el largo, Natalie Erika James se inscribe en esta forma de entender el género y nos ofrece toda una inquietante y cautivadora intriga, parábola sobre la vejez y la decadencia humana, que nos abismará en la explicación en clave fantástica de la demencia hereditaria y su consecuencia en las relaciones madre/hija, finalizando con una aterradora imagen del tópico de las tres edades de la mujer. Protagonizada impecablemente por tres reputadas actrices, en la cinta tienen un gran protagonismo el sonido y la propia mansión, que como un personaje más, parece respirar.
En vista del brillante resultado obtenido con Relic, habrá que seguir la pista de Natalie Erika James, que en estos momentos trabaja en un nuevo proyecto de Folk Horror japonés llamado Drum Wave. Como vemos, la cosa promete.
Por mucho que le moleste que le saquen el tema, Brandon Cronenberg es el alumno más aventajado de su padre. Y no solo por las temáticas que toca, sino porque también es un tipo brillante. Ya lo demostró en 2012 con Antiviral, con la que, por cierto, ganó el premio al mejor director revelación en Sitges, y ahora lo confirma con Possessor (2020). Cronenberg vástago nos propone, en este su último trabajo, reflexionar sobre qué define nuestra identidad y qué ocurriría si pudiera ser controlada por terceros que nos llevarán a actuar en contra de nuestra voluntad. Como premisa argumental para esta reflexión nos presenta una trama en la que una corporación criminal ha desarrollado el método para invadir, con implantes cerebrales, las mentes ajenas con la personalidad de sicarios profesionales, quienes actuarían así con total impunidad y sin dejar rastro alguno. Tasya Vos (Andrea Riseborough) es una de esas asesinas y un día, durante una misión rutinaria, algo sale mal. La agente Vos se ve atrapada dentro de la mente de uno de los sujetos que trata de controlar (Christopher Abbot), cuyo apetito por la violencia se acaba convirtiendo en su peor aliado, superando incluso el suyo propio. De nuevo tecnología y carne al servicio del horror, y las consecuencias que puedan tener sobre el sujeto humano la manipulación del yo. Todo, en un trabajo que, si bien no nos convenció tanto como su opera prima, si ha conseguido, como veremos, encumbrar de nuevo a su director en Sitges, confirmando su personalidad y su voz como propia más allá de los ecos y las esclavitudes de su ilustre apellido. Brandon es el Cronenberg de la generación milenial y tiene mucho que decir sobre nuestro mundo digitalizado que tan bien domina (¿o acaso es víctima de él?) esa generación.
Y mientras estamos sumidos en las sombras, en la sala Garbí del Auditori se presentan tres atractivos libros editados por nuestros amigos-hermanos de Editorial Hermenaute, sobre cuya presentación nos ha escrito unas líneas su propio responsable, Lluis Rueda:
Presentación de novedades Hermenaute: Sombras de Caligari, ¡A mordiscos! La increíble historia de Germán Robles, un vampiro español en México y La madre terrible en el cine de terror
Jesús Palacios y Lluís Rueda durante la presentación de ‘¡A mordiscos!’
El lunes 12 de octubre la Sala Garbí acogió nada menos que 3 presentaciones de la Editorial Hermenaute. El sello de Badalona especializado en ensayo de cine, entre otras materias, afronta por tercer año consecutivo la tarea de editar el libro oficial del festival, este año por partida doble.
Conducidas por Desireé de Fez, la primera presentación, que se inició a las 10:30, trajo a un viejo amigo de Sitges, el crítico, periodista e historiador de cine Jesús Palacios. Palacios presentaba uno de los libros oficiales del festival, ¡A mordiscos! La increíble historia de Germán Robles, un vampiro español en México, reedición ampliada de un libro de 2008 que fue publicado en el marco de la Semana Negra de Gijón. Acompañado del editor Lluís Rueda, Palacios desgranó parte de la biografía del actor Germán Robles, actor asturiano conocido por interpretar al conde Lavud, en los clásicos dirigidos por Fernando Méndez ‘El vampiro’ y ‘El ataúd del vampiro’. También se habló mucho sobre el cine gótico mexicano durante el periodo de esplendor de la productora ABSA y los Estudios Churubusco. Entre anécdotas y un repaso exahustivo a la materia, se pasó volando una mañana sorprendente por la cantidad de asistentes un lunes festivo a primera hora.
Presentando ‘Sombras de Caligari’: Lluís Rueda, Jordi Sánchez-Navarro, Ángel Sala, Violeta Kovacsics y Carlos Tabernero
A las 12:30 le llegó el turno a Sombras de Caligari. Cien años de cruces y diálogos con el primer gran clásico del fantástico, libro oficial de Sitges 2020 centrado en el ítem de este año, el caligarismo y el centenario del clásico ‘El gabinete del doctor Caligari’. De nuevo con Desireé de Fez conduciendo y los coordinadores del libro Ángel Sala (director artístico del festival) y Jordi Sánchez-Navarro, se abrió esta presentación, un apasionante viaje a la génesis de Caligari, su marco sociopolítico y los asuntos, la puesta en escena y los recursos narrativos de la película en el cine y la televisión posteriores. Los asistentes también participaron de este encuentro en el que no faltaron el resto de articulistas de la obra, Lluís Rueda, Alan Salvadó, Carlos Tabernero y Violeta Kovacsics. Jorge Gorostiza, fue la única ausencia ya que las circunstancias impidieron su desplazamiento desde Gran Canarias. Una gran presentación en tiempos ciertamente caligarianos.
Desireé de Fez y Javier Parra, autor de ‘La madre terrible en el cine de terror’
Ya por la tarde, a las 18:00, en la sala Garbí nos sorprendía la proyección de un video impactante con filmes como ‘Psicosis’, ‘El caso de Lucy Harby’, ‘Carrie’, ‘Babadook’ o ‘Hereditary’. La cosa claramente iba de “madres terribles” y es que Javier Parra, bien arropado por Desireé de Fez y Xavi Sánchez Pons, nos adentraba en una estimulante presentación en la que Carl Gustav Jung se daba la mano con la mitología y el cine de terror. La presentación del libro La madre terrible en el cine de terror, en que Javier Parra hacía su puesta de largo, resultó doblemente especial, ya que el libro apareció en pleno confinamiento y el autor no había podido hacer ninguna presentación presencial hasta la fecha. El encuentro fue divertido, apasionante y acabó en un carrusel de referencias que podrían conformar una jornada de cine de madres peligrosas perfecta para Halloween.
(Texto: Lluís Rueda. Fotos: Marta Torres)
Por su parte, Serendipia continuó con más y más películas. Y de Oficial Fantastic Competició pasamos a Noves visions con la producción independiente The Show (Mitch Jenkins, 2016), una inclasificable fantasía producto de la mente de su, también inclasificable autor, Alan Moore, que mezcla intriga con comedia en una acción detectivesca repleta de viajes oníricos, ingeniosos diálogos y pintorescos personajes, de entre los cuales destaca el secundario Frank Metterton, interpretado por el propio mago de Northampton. Todo ello con el telón de fondo de la convicción de nuestro autor de que la poesía es hermana de la brujería, pues la evocación poética es equivalente a la invocación nigromante, dos formas distintas de llegar al mismo objetivo: nombrar desde la palabra, a través de la imaginación y la memoria, las potencias que rigen nuestro desarrollo y nuestro destino como humanos. Con The Show, Moore escribe por primera vez para el cine tras haber renegado, quizás injustamente, de todas y cada una de las adaptaciones que sobre sus comics se han realizado. El film es una prolongación de una serie de cortos dirigidos también por el fotógrafo Mitch Jenkins (Act of Faith, Jimmy’s End y His Heavy Heart y que se recopilaron en Show Pieces en el año 2014), escritos todos por Alan Moore y ambientados, al igual que The Show, en Northampton, ciudad británica natal del escritor. Una película que se mueve entre la comedia absurda y el thriller onírico que tan perfectamente sabe ofrecer David Lynch y que también nos hace recordar al Under the Silver Lake de David Robert Mitchell, en tanto ambas obras son un compendio de cultura popular sobre la que indagan para llevarnos a especular la existencia de directrices en lo humano que nos harían ser lo que somos. El Northampton de este Show de Moore es tan extraño y extravagante (o, si nos permiten la apropiación del término inglés, tan weird) como el Twin Peaks de la serie homónima de Lynch, escenarios en los que el mundo y el inframundo coexisten y donde lo real está hecho con el mismo tejido que los sueños ¿O acaso no hay diferencia entre esos extremos y es así que es posible que los muertos puedan seguir viviendo en los sueños como lo hacen en la cultura popular? Con ese interrogante nos deja el espectáculo de Moore.
El jovial Manuel de Blas dirigiéndose al público del Prado (Foto: Serendipia)
Y cerramos el día con otro viaje al pasado. Nueva visita al cine Prado ahora para ver un atípico spaguetti western que contó con la presentación de uno de sus protagonistas, Manuel de Blas, que ese mismo día había subido al escenario del Auditori para recibir el merecido Premio Nosferatu que otorga la sección Brigadoon del Festival. Marido durante 46 años de la mítica actriz Patty Sheppard, Manuel de Blas ha sido también una cara visible del fantástico estatal desde la década de los sesenta, y permanece todavía en activo. Ha trabajado en más de 200 producciones para cine, televisión y teatro, transitando por todos los géneros (western, comedia, drama…), con el fantástico como puntal importante en su carrera con títulos como El coleccionista de cadáveres (Santos Alcocer, 1970), donde compartió reparto con Boris Karloff, Los monstruos del terror (Tulio Demicheli y Hugo Frengonese, 1970), La orgía nocturna de los vampiros (León Klimovsky, 1973) o El jorobado de la morgue (Javier Aguirre, 1973). Para coronar el homenaje a Manuel de Blas en Sitges 2020, se ofreció en el entrañable Prado una copia restaurada por Victory Films del atípico euro-western Manos torpes, rodado en 1969 y que cuenta con el sello de los revalorizados hermanos Romero Marchent, con el recientemente fallecido Rafael a la 
dirección y Joaquin colaborando en el guion con Santiago Moncada. Si bien se trata de un rutinario western, protagonizado por Peter (Peter Lee Lawrence), un joven pacifico que se opone a resolver los conflictos con las armas y que como pueden suponer terminará en ensalada de tiros, resulta atípico porque, para ejecutar la venganza de turno, su protagonista contará con el adiestramiento en el manejo de las armas de un anciano chino, adelantándose así este tipo de personaje a series como Kung-Fu (1972-75) u otros filmes que incluyeron personajes orientales tras el primer desembarco en occidente del cine de artes marciales de Hong-Kong en 1973.
Otra velada adorable con sabor a palomitas, pipas, altramuces y pan de higo desde el gallinero del cine Prado en una jornada perfecta y muy diferente al mundo de oropel y colorín que se ofrece en otros espacios del mismo festival tal y como muestra el magnífico making de Quim Crusellas y su equipo. Pero todo, todo es cine y todo, todo es Sitges y cada cual escoge el que prefiere vivir. Y este que les contamos es el nuestro.
Diario de Serendipia en Sitges: Año de la pandemia. Cuarta cápsula
Una nueva jornada de festival que, coincidiendo con el fin de semana, ha animado la asistencia de público y con ello la taquilla, llenando de una animada anormalidad las calles y las salas de Sitges. Y para nosotros es una jornada muy especial, porque tendremos dos buenos títulos más y porque será el reencuentro con uno de los grandes clásicos de Paul Naschy y en las mejores condiciones. Todo en una día en el que nuestros amigos Octavi López Sanjuán y Sergio Colmenar presentarán también sus libros dedicados a dos importantes sagas del terror de los ochenta, lo cual nos lo contará el propio Octavi. Vamos a ello.
Serendipia comienza el día más tarde de lo habitual, pues también prevé que se acostará más tarde, y lo hace con dos películas que suponen el debut en el largometraje de sus directores. La primera de ellas, Sea Fever (Neasa Hardiman, 2019), es una muy entretenida propuesta que mete al espectador en un espacio reducido, un barco, en el que junto a una pequeña y variopinta tripulación se las tendrá que ver, en la inmensa soledad del océano, con un pringoso y enorme ser primigenio y tentacular. Todo en una eficaz monster movie con ecos de El enigma de otro mundo (The Thing from Another World, Christian Nyby y Howard Hawks,1951), con una intriga muy bien estructurada y unos personajes muy bien construidos que tendrán que aceptar sus propias responsabilidades para con su propia especie, pues como posibles portadores de las larvas del ser, estará en sus manos evitar que la criatura llegue a tierra firme. Lo dicho, una buena cinta de terror, sencilla y eficaz, que podremos ver en nuestras pantallas próximamente como Contagio en alta mar gracias a A Contracorriente.
Posiblemente la soledad sea uno de los males endémicos de nuestra sociedad y sobre ella va Rent-a-Pal (Jon Stevenson, 2020), una película que nos cuenta la historia de David (Brian Landis Folkins), un cuarentón obeso que cuida de su madre senil y que busca compañía con la que consolar una vida monótona. La encontrará en una extraña cinta de video hallada en el cajón de saldos de una agencia matrimonial que David frecuenta y en la que los y las candidatas se conocen mediante mensajes grabados en cintas VHS. Desde esa cinta su protagonista (un inmenso Wil Wheaton) parecerá dirigirse directamente a él. Sordidez, tristeza, obsesión y alcohol en este viaje a la locura en una de las películas que más nos interesó de esta edición del festival y que formaba parte de la sección Noves Visions. La cinta de Stevenson no solo es aguda en su disección del desamparo, encierro y clausura que embotan el alma del protagonista hasta obnubilarle en la enajenación, sino que es igualmente atractiva en su propuesta formal: en su lenguaje expresivo interpola la imagen de vídeo doméstico con la cinematográfica, una interacción que ofrece grandes posibilidades visuales y escenográficas (magistral el clímax en el que en un primer plano fijo David dialoga con la pantalla de su televisor) y que le imprimen su carácter de cine de autor que sabe combinar el discurso experimental con la tradicional arquitectónica del cine. Buen ritmo, buenas interpretaciones y excelente puesta en escena convierten a esta pequeña película en una de las joyas que pudieron verse en esta edición.
Mientras Serendipia estaba inyectándose en vena estas sesiones de cine, en otra zona del Melià dos buenos amigos presentaban sus más recientes libros, Octavio López Sanjuán y Sergio Colmenar, y dado que Serendipia aún no tiene el poder de bilocarse, dejemos que el propio Octavio, uno de sus protagonistas, nos cuente como fue el evento:
Presentación de «Hellraiser: Mitología del lamento» de Sergio Colmenar y «¡Está vivo! La saga mutante de Larry Cohen», de Octavio López Sanjuán
Para el domingo 11 de octubre a las 13:15 horas estaba fijada la presentación de las novedades de la colección Noche de Lobos, de la editorial Applehead Team. Previamente, Octavio López y su bebé mutante estuvieron realizando un paseo matutino por todo Sitges donde los vecinos pudieron deleitarse con el llanto y las facciones de la criatura, a la vez que los más atrevidos se fotografiaron con la icónica creación de Larry Cohen.
La citada presentación, preparada en la sala Garbí del Hotel Meliá, tuvo un aforo de más de una treintena de asistentes, un tanto sorprendente a tenor de las complicadas circunstancias en las que se estaba celebrando el certamen de este año. Entre los asistentes, figuraban insignes figuras de la prensa fantástica nacional, como Pako Mulero, Santi Serrano, Laureano Clavero, Jordi Arasa, Adrián Roldán o José Mellinas.Por supuesto, el bebé de Cohen daba un buen recibimiento a los asistentes, orgulloso en su carrito a la entrada de la sala, si bien la auténtica bienvenida la ofreció la escritora y periodista Desirée de Fez, que presentó de manera distendida y agradable a los intervinientes en la presentación. Por un lado, Sergio Colmenar, autor de Hellraiser: Mitología del lamento, se ocupó de describir el enfoque tan personal que había empleado para desglosar el aberrante mundo de Clive Barker y cómo había desarrollado en su libro todo el universo del autor. Por otro lado, Octavio López explicó cómo y porqué decidió escribirun libro sobre la saga de los bebés asesinos de Cohen. Entre ellos, el experto en cine mutante Enrique Muniesa se ocupó de dirigir el diálogo entre ambos autores, dotando de una dinámica fresca y divertida la charla. Conforme se desarrollaba la presentación, los autores intercambiaron preguntas sobre sus respectivos trabajos y sobre las temáticas que su compañero había tratado, ya fuese sobre la existencia de una adaptación definitiva de Hellraiser, o sobre el punto de inflexión que supuso en la carrera de Larry Cohen su encuentro con Michael Moriarty. Después, los asistentes más curiosos realizaron varias preguntas a los autores sobre futuros proyectos y los pormenores de cada uno de los libros.
Al final de la charla, se proyectó un breve pero intenso video promocional de las futuras publicaciones de la editorial Applehead Team para la nueva temporada. De este modo, a ritmo de Power of the Night, de la película Critters, fueron desfilando los icónicos rostros de Freddy Krueger, Jason Vorhees, los demonios italianos o los mismísimos Krites.(Fotos y texto presentación por gentileza de Octavio López Sanjuán)
Pero para Serendipia esta edición era también muy especial porque le daría ocasión de poder revisar, en inmejorables condiciones, el Santo Grial del cine de Paul Naschy: El Huerto del Francés.
ENRIC PÉREZ, UNA VIDA PARA EL CINE
Enric Pérez en marzo de 2017 durante la presentación del BCN Film Fest (Foto: Serendipia)
Por fin alguien ha puesto aceite a las ruedas y se ha podido restaurar El Huerto del Francés directamente desde el negativo original. Esa persona ha sido Enric Pérez Font. Nacido en Barcelona, Enric Pérez es una apasionado del cine: operador en la Filmoteca Nacional, en 1982 se hizo cargo del cine Verdi de Barcelona que corría peligro de convertirse, como tantos, en un bingo, y la operación se saldó con tal éxito que contribuyeron a dinamizar un barrio que por entonces estaba envejecido y muy lejos de ser lo que es en la actualidad.
En una primera etapa (1983-1986), en la que Pérez Font comparte la gestión del Verdi con Joan Pol, se ofrece cine popular en sesión doble, pero la colonización generalizada del video doméstico hace que la recaudación de los cines se derrumbe, por lo que tocó reconvertirse: a partir de 1987 y ya en solitario, Pérez Font decide dividir la sala en tres y comenzar a ofrecer cine en versión original subtitulada. Así, en los Verdi se pudieron ver por primera vez sin censura y en su idioma original películas como ‘Teléfono rojo, volamos hacía Moscú’, de Kubrick. La propuesta tuvo mucho éxito y provocó una transformación del barrio a principios de los años noventa, mientras, Enric Pérez se convertía en distribuidor importando, entre otras cinematografías, obras pertenecientes al cine asiático.
Películas como ‘Un lugar en el mundo’, ‘La doble vida de Verónica’ o ‘La linterna roja’ tendrán mucho éxito y permanecerán meses en cartelera. En 1992 compra la discoteca Beat Verdi que estaba sobre el cine y abre dos nuevas salas, que se incrementarán con otras nuevas que abrirá en la calle Torrijos, las conocidas como Verdi Park. Un enorme éxito que peligró cuando se incrementó el IVA de los cines del 8% al 21% en 2012. Afortunadamente, Pérez se asoció con Adolfo Blanco, fundador de A Contracorriente, que cogió el testigo y consiguió levantarlos, eso si, ofreciendo en su programación una equilibrada mezcla de cine de autor y comercial.
Persona, como hemos visto, inquieta, Enric Pérez se dedica actualmente a la restauración de películas y ha sido el responsable de hacerlo con ‘El Huerto del Francés‘, una cinta practicamente perdida, tal y como decíamos en nuestro extenso artículo sobre el film, así que cuando todos dábamos por imposible el poder llegar a ver esta joya en salas o tenerla en Blu-ray… sucedió el milagro. Y no solo hemos podido disfrutarla, en una copia maravillosa y prístina con el color y el sonido restaurados en el Festival de Sitges, sino que, tal y como anunció el propio Pérez, el día 3 de diciembre estará disponible en edición Blu-ray de la mano de Divisa en una edición digipack con libreto de 16 páginas y muchos extras, que tendrá su prolongación en otra editada en Estados Unidos, aunque con una compañía que desconocemos, pues todavía se encuentran en negociaciones y Pérez no quiso especificarnos el sello que podría llevarse el gato al agua. Enric Pérez nos contó que hay más restauraciones en cartera, pero que de momento prefiere no dar más detalles hasta ver qué tal funciona y como es recibida El Huerto del Francés.
Pero dejemos que el mismo Enric Pérez les cuente más detalles, pues la velada se inició con una introducción del responsable de la restauración del film y de Sergio Molina, hijo menor del actor, guionista y director del filme, introducción que grabamos para poder ofrecerla íntegra en Proyecto Naschy (rogamos sean indulgentes con el accidentado inicio del video):
Y felices, terminamos la cuarta jornada de este festival en el que, como vemos, hubo espacio también para los milagros cinematográficos.
Diario de Serendipia en Sitges: Año de la pandemia. Tercera cápsula
Serendipia aborda el primer fin de semana de festival con mucha fuerza, no en vano tan solo hace dos días que ha comenzado y la energía y las ganas todavía nos pueden. Además, la jornada está encabezada con un prometedor trabajo de Juanma Bajo Ulloa que teníamos muchas ganas de ver. También y a pesar de la situación, como es habitual, el largo fin de semana anima a muchos a acercarse a Sitges, borrando en parte el triste panorama de los dos días anteriores, que incluso superaron mi proverbial enoclofobia. Más cine, pues.
Vamos con un nuevo día.
Aunque el Juanma Bajo Ulloa más interesante ya volvió, tras el exitazo popular de Airbag (1997), con la casi invisible y reivindicable Frágil en 2004, es con Baby con la que vuelve a arriesgar en una obra que no está abierta a todos los gustos, pues pensamos que levantará tanto opiniones tibias, cuando no negativas, como, en menor medida, entusiastas. Serendipia es de los segundos. Ya desde que viéramos el inquietante trailer del filme, nos despertó la curiosidad lo que Bajo Ulloa estaba preparando y, afortunadamente, no solo no nos ha defraudado sino que, muy al contrario, ha estado muy por encima de las expectativas esperadas. Ya desde su inicio mezcla heroína, religión y un parto en soledad. Un comienzo de impacto que deja en el espectador un poso de tristeza que no le abandonará durante todo el metraje, mezclando lo bello y lo horrible y pasando de la realidad más descarnada a la fantasía más desbordante transportándonos a la casa de la bruja, a la guarida del ogro, en el que la protagonista jugará al escondite buscando subsanar el que podría ser el error de su vida. Se denota en cada plano un cuidado trabajo de orfebrería desprovisto de pedantería y si cargado de belleza. Como la de ese icónico chupete de plata y nácar que esconde en su interior un tesoro, una perla. Serendipia sabe que está disfrutando de la mejor película que le ha ofrecido este aciago año. Una cinta que formará parte de su filmoteca particular, cual tesoro, para ser disfrutada una y otra vez. Y es que Juanma Bajo Ulloa ha sido muy valiente escribiendo y dirigiendo una película que posiblemente no sea comprendida, pero Baby, que carece de diálogos y está totalmente protagonizada por mujeres, es el cuento perverso y repleto de magia que muchos estábamos esperando del realizado vasco.
“Al igual que ocurre con la vida, la trama de BABY contiene simbolismos y metáforas, tal vez invisibles en ocasiones para el intelecto, pero perceptibles para el corazón o el espíritu. Alegorías que suscitan en el espectador sentimientos no racionales y estimulan una interpretación más profunda. No se emiten juicios ni valoraciones éticas, no hay moralina o paternalismo, los personajes actúan movidos por sus instintos, y es al ancestral instinto al que va dirigido este cuento de vida, lucha y muerte.«
Juanma Bajo Ulloa
Y de lo sublime a un thriller adrenalítico y con gotas de humor negro: No matarás de David Victori, quien, tras ser todo un «niño prodigio» con sus cortometrajes, debutó en el largo con El pacto (2018). En su segundo y mucho más solido film, el director introduce al espectador en el día a día de Dani, personaje interpretado por un contenido Mario Casas, que tras dedicar los últimos años a cuidar a su padre, enfermo de cáncer, tomará, por circunstancias del azar, una decisión que cambiará radicalmente el rumbo de su existencia. David Victori mostrará como escenario una siniestra Barcelona nocturna, llena de depredadores y trampas, y lo hará siguiendo a su protagonista muy de cerca, con largos plano-secuencia y cámara en mano, consiguiendo implicar al espectador que parecerá andar y correr junto al protagonista. Paisajes industriales fantasmales del Poble Nou, polígonos y suciedad. De lo más familiar a lo más extremo, el protagonista descenderá a un infierno de cuyo círculo veremos si puede escaparse. Presentada en sesión especial, No matarás, esta especie de ¡Jo, que noche! (After Hours, 1985, Martin Scorsese) a la española con su peculiar mujer fatal (brillantemente interpretada por la debutante Milena Smit), resulta muy entretenida. Con una primera parte ejemplar, solo hacia el final tensará en exceso la suspensión de la incredulidad, a pesar de lo cual, no se empaña el resultado que será de lo más satisfactorio.
Serendipia termina la jornada con la comedia político-vampírica Comrade Draculich (Drakulics Elvtárs, Márk Bodzsár), un relato de espionaje que se desarrolla en plena Guerra Fría en la Hungría comunista de los setenta. Los protagonistas de la cinta, una pareja de espías, deberán descubrir el secreto de 
la eterna juventud que posee el camarada Fábián, héroe húngaro de la revolución cubana e invitado de honor de la campaña de donación de sangre que ha organizado el régimen para apoyar a Vietnam, entonces en guerra contra Estados Unidos. El secreto será, claro, su vampirismo, y con él buscarán perpetuar a Leonid Brezhnev en el poder y el comunismo en la Unión Soviética y el Telón de Acero. Bodzsár, en este su segundo largo, combina un repaso del pasado comunista de Hungría con la comedia de vampiros y esa combinación le dio libertad para expresar su opinión honesta sobre esa época y bromear al respecto. El vampiro es el personaje más normal de la cinta. Sabemos que puede volar y todo, pero está dibujado del modo más humano posible, de modo que lo caricaturesco afecta, sobre todo, al Servicio Secreto. Comrade Draculich es una clara muestra de como el fantástico y la sátira son la mejor vía para la denuncia social y política. Bodzsár menciona como referentes principales de su sentido de la comedia a Chaplin y Buster Keaton, a la vez que reconoce haberse inspirado en Steve McQueen para construir a su héroe. Necesario es destacar el esmerado trabajo de ambientación que ha llevado a cabo Márton Ágh. Una película simpática y disfrutable por el público en general, a pesar de que alguno de sus gags tiene un fuerte componente de color local.
Y dejamos este tercer día compartiendo este video que recuerda a las personalidades desaparecidas del mundo del cine. Por cierto, a ver si detectan el (gran) error:
(pista: minuto 0:.36)
‘Menéndez: El día del Señor’, la apuesta española para Halloween 2020
Netflix estrena en exclusiva el día 30 esta cinta sobre exorcismos poco ortodoxos dirigida por el barcelonés Santiago Alvarado Ilarri
Juli Fàbregas, Dolores Heredia, Ximena Romo y Héctor Illanes protagonizan esta coproducción hispano-mexicana
El día 30 de octubre de 2020 Netflix estrena en exclusiva en más de 190 países la película Menéndez: El día del Señor dirigida por el barcelonés Santiago Alvarado Ilarri. El largometraje sigue la suerte de Menéndez (Juli Fàfregas) un sacerdote retirado que convive con los fantasmas de su pasado. El cura regresará a las tinieblas cuando un amigo le suplica que ayude a su hija, ya que piensa que está poseída (Ximena Romo).
La película estará disponible para una audiencia potencial de 193 millones de personas la mañana del viernes 30 de octubre a las 09:00 hora española. Rodada íntegramente en Ciudad de México entre abril y mayo de 2019, es una producción de la mexicana Sula Films en coproducción con la productora española Magno Entertainment. El estreno coincide, no por casualidad, con el fin de semana de la festividad mexicana de El día de Muertos y la fiesta de Halloween celebrada en casi todo el mundo cada vez con más fervor.
Los caminos del diablo también son inescrutables
El director Santiago Alvarado Ilarri, ganador del Premio Noves Visions del Festival de Sitges con su debut Capa caída (2013), plantea una cinta que es un auténtico viaje a los infiernos para los protagonistas. “La idea era llevar una película sobre un exorcismo a un nuevo terreno, dándole una vuelta de tuerca al género. Menéndez es violenta, grotesca, terrorífica y con pinceladas de humor muy negro. Pero también es una película sobre personajes complejos que andan perdidos y llegarán a situaciones límite para encontrarse.” De la misma manera que en su ópera prima, en Menéndez: El día del Señor también ha realizado la labor de guionista a cuatro manos junto a Ramón Salas.
Para el protagonista del film, Juli Fábregas, el papel de sacerdote exorcista en horas bajas ha significado una experiencia de la cual ha disfrutado y sufrido a partes iguales. “Ha sido un reto personal impresionante. Construir, vivir y querer a Menéndez ha sido un regalo que se me ha brindado después de veinticinco años de carrera”. El actor catalán, además, asegura haber disfrutado y aprendido con esta nuevo proyecto internacional. “Con Santiago llevábamos mucho tiempo ensayando y creando al personaje. La relación con los compañeros de reparto ha sido un aprendizaje y una retroalimentación que ha conseguido crear una magia única que creo que se transmite perfectamente en la película.”
La actriz Ximena Romo asume el desafío de interpretar a una joven con problemas que van más allá de los propios de la adolescencia. “El proyecto me retó muchísimo como actriz, sobre todo físicamente y emocionalmente. Es un personaje que me permitió tocar extremos”. Romo destaca también la importancia de los personajes y sus mochilas emocionales en la trama. “Esta película me permitió jugar, salirme de lo que he hecho siempre. Es un thriller muy intenso, que se centra sobre todo en las actuaciones.”
El largometraje también cuenta con la participación de los actores mexicanos Héctor Illanes y Dolores Heredia en la piel del padre de la niña y una amiga del sacerdote respectivamente.
Para el productor de Magno Entertainment, Joaquim Vivas, la oportunidad de trabajar codo a codo con México significa, sin duda, un paso de gigante para el proyecto. “Esta producción sin la parte mexicana hubiese sido casi imposible de realizar. Sula Films y su productor Alejandro Sugich apostaron todo por el proyecto. Era terreno inexplorado para las dos empresas, ya que nunca habíamos hecho una coproducción internacional, pero el viaje ha valido muchísimo la pena.”
Para el productor de Sula Films, Alejandro Sugich, esta película ha sido un gran reto en su carrera como productor, “puse en juego todo lo que venía construyendo los últimos 11 años.” En palabras de Sugich, “esta es mi sexta película como productor y en lo personal la que más me ha enseñado. No conviertes goles si no tienes un equipo detrás y la primera parte de la Trilogía Menéndez es un golazo. Por último un fuerte agradecimiento a Netflix por apostarle al cine independiente de género iberoamericano hecho entre dos países unidos por el idioma y por el cine.”
La versión restaurada de ‘Crash’ de David Cronenberg se estrenará en cines el 29 de enero de 2021
A CONTRACORRIENTE FILMS repondrá en cines Crash, la película de culto dirigida por David Cronenberg («La mosca», «Inseparables») estrenada en 1996, en su versión restaurada en 4K. El film, adaptación de la novela homónima escrita por J.G.Ballard y que obtuvo el Premio Especial del Jurado en el Festival de Cannes, vuelve a los cines el próximo 29 de enero, 25 años después de su estreno en salas.
Crash, presentada en su versión restaurada en la 76 edición de la Mostra de Venecia, está protagonizada por James Spader («Secretary», serie de TV «The Blacklist»), Holly Hunter («El piano», «Al filo de la noticia»), Elias Koteas («La delgada línea roja»), Deborah Kara Unger («The Game») y Rosanna Arquette («Pulp Fiction»).
Sinopsis:
James, un prestigioso científico en crisis personal y profesional, sufre un accidente de coche en el que también se ve afectada la mujer de otro vehículo, Helen. Ambos han de pasar un tiempo en el hospital y, a partir de entonces, comienzan a sentir una extraña y poderosa atracción mutua. James se precipita a un mundo perverso y peligroso en el que se mezclan el sexo, los coches y la muerte.
A CONTRACORRIENTE FILMS repondrá en cines CRASH el 29 de enero de 2021.
Álex de la Iglesia rueda en Venecia ‘Veneciafrenia’
Álex de la Iglesia ha comenzado a rodar VENECIAFRENIA, el primer largometraje de THE FEAR COLLECTION, el nuevo sello cinematográfico creado por Sony Pictures International Productions y Pokeepsie Films, la productora creada por Álex de la Iglesia y Carolina Bang, en asociación con Amazon Prime Video, para la coproducción de películas de género de terror y suspense que conformarán una colección que tendrá como anfitrión al propio Álex de la Iglesia.
Bajo la dirección de Álex de la Iglesia, quien además firma el guion junto a Jorge Guerricaechevarría, el rodaje de VENECIAFRENIA comenzó el pasado 5 de octubre en la ciudad de Venecia, y se prolongará durante 7 semanas en localizaciones de Venecia y Madrid. El reparto lo conforman Ingrid García Jonsson, Silvia Alonso, Goize Blanco, Nicolás lloro, Alberto Bang, Cosimo Fusco, Enrico Lo Verso, Armando di Razza, Caterina Murino y Nico Romero.
SINOPSIS
En la naturaleza existe vínculo indisoluble entre la belleza y la muerte. El ser humano, deudor de su entorno, imita lo que observa. Como mosquitos atraídos por el faro más brillante, los turistas están apagando la luz de la ciudad más hermosa del planeta. La agonía de las últimas décadas ha desatado la ira entre los venecianos. Para frenar la invasión, algunos se han organizado, dando rienda suelta a su instinto de supervivencia. Nuestros protagonistas, un sencillo grupo de turistas españoles, viajan a Venecia con la intención de divertirse, ajenos a los problemas que les rodean. Allí se verán obligados a luchar por salvar sus propias vidas.
Producida por Sony Pictures International Productions y Pokeepsie Films, en asociación con Amazon Prime Video, con la participación de Mogambo Productions, VENECIAFRENIA se estrenará en cines de toda España el próximo año de la mano de Sony Pictures Entertainment Iberia y tras su paso por las salas de cine estará disponible en Amazon Prime Video. El proyecto cuenta con la supervisión de Sandra Condito y Natalia Fernández por parte de Sony Pictures International Productions.
Sobre Pokeepsie Films
Con Pokeepsie Films, Alex de la Iglesia (guionista, director y productor) y Carolina Bang (actriz y productora) han dado salida a proyectos de nuevos talentos como «Musarañas» (Esteban Roel y Juan Fernando Andrés), «Los Héroes del Mal» y “En las Estrellas” (Zoe Berriatúa), “Pieles” (Eduardo Casanova) y “La Casa de Tiza” (Ignacio Tatay). También han emprendido proyectos como “El Bar”, “Perfectos Desconocidos”, y la serie de televisión para HBO “30 Monedas” (todas de Alex de la Iglesia).
Novedades Astiberri: Diciembre de 2020
Gente de aquí, gente de allí Quan Zhou Wu
Color. Rústica con solapas
208 páginas. 20 x 20 cm
20 euros
ISBN: 978-84-18215-13-1
A la venta el 26 de noviembre
En este ensayo gráfico y sin abandonar el humor, la autora explora las relaciones entre migrantes, descendientes de migrantes y españoles para hablar de identidad, arraigo, integración y convivencia. Gente de aquí, gente de allí es un libro reversible, con dos portadas, que puede leerse por ambas caras.
Algo extraño me pasó camino de casa Miguel Gallardo
Color. Cartoné
80 páginas. 17 x 24 cm
14 euros
ISBN: 978-84-18215-33-9
A la venta el 26 de noviembre
El autor catalán se embarca con su fluido gracejo habitual en un inusual viaje, esta vez desde su cama de hospital, donde, sin esperárselo remotamente, se encuentra con que le acaban extrayendo de la cabeza un tumor de cuatro centímetros.
Regreso al Edén Paco Roca
Color. Cartoné. 176 páginas. 17 x 24 cm. 18 euros
ISBN: 978-84-18215-20-9
A la venta el 3 de diciembre
El autor valenciano vuelve a indagar en la memoria con Regreso al Edén, inspirada a partir de una foto familiar de 1946, para firmar su obra más ambiciosa como creador completo desde Los surcos del azar y La casa.
Matadero Cinco Albert Monteys y Ryan North (novela de Kurt Vonnegut)
Color. Cartoné
192 páginas. 19 x 26,7 cm
18 euros
ISBN: 978-84-18215-28-5
A la venta el 3 de diciembre
Albert Monteys dibuja la clásica novela antibelicista de Kurt Vonnegut medio siglo después de su publicación. El humor negro y absurdo, y las agudas observaciones de la naturaleza humana contenidos en Matadero Cinco conservan toda su vigencia.
Rumble 6: Último caballero John Arcudi y David Rubín
Color. Cartoné
160 páginas. 17 x 26 cm
18 euros
ISBN: 978-84-18215-22-3
A la venta el 3 de diciembre
Este sexto tomo pone punto final a la serie originalmente creada por John Arcudi y James Harren. Para celebrar el cierre, este volumen se incluye una selección de historias cortas dibujadas por Matej Stic, Gerardo Zaffino, Andrew MacLean, James Harren y Gonzalo Ruggieri.
Serendipia
Proyecto Naschy 
Últimos comentarios