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Archive for 30 julio 2015

VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 24 y 31 de julio *

LÍO EN BROADWAY (She’s Funny that Way, Peter Bogdanovich, 2014) *****

USA. Duración: 93 min. Guión: Peter Bogdanovich, Louise Stratten Música: Ed Shearmur Fotografía: Yaron Orbach Productora: Lailaps Pictures Género: Comedia.

Reparto: Owen Wilson, Imogen Poots, Jennifer Aniston, Will Forte, Cybill Shepherd, Rhys Ifans, Lucy Punch, Eugene Levy, Tatum O’Neal, George Morfogen, Debi Mazar, Jake Hoffman, Joanna Lumley.

Sinopsis: Arnold (Owen Wilson) tiene una vida perfecta: está felizmente casado, tiene dos hijos y un magnífico trabajo como director teatral en Broadway. También es aficionado a las prostitutas y todo cambiará cuando contrate los servicios de Izzy (Imogen Poots), una joven y prometedora actriz que alterna su discreta carrera artística con servicios nocturnos de compañía. El flechazo es tan profundo que Arnold decide ayudarla económicamente para que se centre en el mundo de la interpretación. El plan se torna en pesadilla cuando Izzy consigue un papel en la obra que dirige Arnold, en la que también participa su mujer.

lio-en-broadwayEl veterano director Peter Bogdanovich vuelve al cine tras trece años sin estrenar un filme en salas con esta comedia a lo Lubitsch (al que homenajea directamente, como veremos al final). Un vodevil repleto de líos, equívocos y embrollos que también recuerda un poco a Woody Allen, psiquiatra incluido. Destacan los actores, en especial Owen Wilson como cínico redentor de prostitutas, Jennifer Aniston como psicoterapeuta y la joven protagonista, Imogen Poots. En el filme también hay lugar para guiños cinéfilos, muchos, e incluso el director cuenta con algunos de los protagonistas de sus antiguos filmes, que realizan pequeños papeles como Sybill Shepherd y Tatum O’Neal, además de otros veteranos como Colleen Camp, que ejerce también de productora asociada del film. Posiblemente no es de lo mejor del director, ya que tiene un aire poderosamente camp, pero su oficio puede dar sopas con honda a más de cuatro.

PIXELS (USA, Chris Columbus, 2015) *****

Duración: 106 min. Guión: Tim Herlihy, Tim Dowling, Adam Sandler (Cortometraje: Patrick Jean) Música: Henry Jackman Fotografía: Amir Mokri Productora: Columbia Pictures / Happy Madison Productions / Plus One Rentals Género: Comedia de Ciencia Ficción.

Reparto: Adam Sandler, Michelle Monaghan, Peter Dinklage, Josh Gad, Sean Bean, Ashley Benson, Kevin James, Jane Krakowsli, Brian Cox.

Sinopsis: Pixels cuenta como unos extraterrestres malinterpretan las imágenes de las máquinas recreativas que se envían en una sonda al espacio en 1982 como una declaración de guerra, y deciden atacar la tierra, empleando dichos juegos y las imágenes contenidas en la sonda como modelos para el asalto. El presidente de EEUU, Will Cooper (Kevin James), recurre entonces a su gran amigo de la infancia y campeón de las maquinitas de los años 80, Sam Brenner (Adam Sandler), para encabezar un equipo de perdedores, expertos jugadores en su época (Dinklage y Gad), cuya misión será derrotar a los extraterrestres y salvar al planeta.

10865871_612372792222920_6931055041149370545_oLlámenme simplón, no sería la primera vez, pero la verdad es que, quizás porque me temía lo peor tras escuchar algunas voces, me ha sorprendido positivamente  Pixels. No estamos ante una cinta memorable, no, pero sí frente a un refrescante filme que tira de la nostalgia de los años ochenta y que hará pasarlo bien especialmente al target de público que ronda (y supera) la cuarentena. Basado en un  estupendo corto de Patrick Jean, Pixels es la más descacharrante invasión alienígena desde Mars Attacks! (Tim Burton, 1996). Un filme en el que, siguiendo la estela de Big Bang Theory, los frikis (nerds en el original) serán los protagonistas de la acción. Gustará también por contar con el pequeño gran actor Peter Dinklage, que demuestra sus dotes para la comedia.

Divertida y tonta, este placer culpable es el perfecto pasatiempo veraniego en el que quizás lo que más desentone sea ese personajillo trompetero naranja, incluido sin duda para satisfacer a los más pequeños.

UNA DAMA EN PARÍS (Une Estonienne à Paris, Ilmar Raag, 2012) *****

Francia. Duración: 94 min. Guión: Ilmar Raag, Agnès Feuvre, Lise Macheboeuf Música: Dez Mona Fotografía: Laurent Brunet Productora: Coproducción Francia-Estonia-Bélgica; TS Productions / La Parti Productions / uFilm / Amrion Género: Comedia dramática.

Reparto: Jeanne Moreau, Corentin Lobet, Laine Mägi, Ita Ever, Fabrice Colson, Patrick Pineau, Piret Kalda, Helene Vannari, Ago Anderson.

untitledesSinopsis: Esta es la historia de Frida (Jeanne Moreau), una anciana señora estonia que emigró a Francia hace muchos años y que ahora se encuentra sola y va a ser cuidad por una inmigrante de su país de origen llamada Anne (Laine Mägi).

Frida rechazará en un principio a Anne, sin embargo, este conflicto hará que ambas se conozcan mejor a sí mismas y construyan una hermosa amistad.

Una dama en París es una cinta deliciosa que uno lamenta que casi se estrene de tapadillo. El calor humano que destila se debe a la interpretación de dos grandes damas: la legendaria Jeanne Moreau, que realiza toda una lección de actuación y la poco conocida Laine Mägi, que casi ninguna crítica destaca y que construye un personaje dulce y duro a la vez que brilla a la altura de su coprotagonista de forma contenida y emocionante. No todo han de ser cintas con efectos espectaculares, también hay sitio para la sensibilidad (que no sensiblería), la poesía y la sencillez de esta historia que estas dos actrices realizan de manera magistral. Un lujo.

TED 2 (Seth MacFarlane, 2015) *****

USA. Duración: 115 min. Guión: Seth MacFarlane, Alec Sulkin, Wellesley Wild Música: Walter Murphy Fotografía: Michael Barrett Productora: Universal Pictures / Media Rights Capital Género: Comedia fantástica.

Reparto: Mark Wahlberg, Seth MacFarlane, Amanda Seyfriend, Liam Neeson, Morgan Freeeman, Patrick Warburton, Dennis Haysberg.

Sinopsis: Ted, el oso de peluche y su esposa Tami-Lynn quieren tener un bebé. Pero Ted tendrá que demostrar ante un tribunal de justicia que es una persona.

Ted-2-The-Thunder-Brothers-are-back-Poster-424x600Seth MacFarlane regresa como guionista y director de TED 2, secuela de la exitosa comedia, y Mark Wahlberg vuelve a encarnar el papel del inmaduro John Bennett. Entre los nuevos miembros del reparto se encuentran Morgan Freeman, como defensor de los derechos civiles, y Amanda Seyfried, interpretando a una peculiar abogada, interés romántico del protagonista humano.

Menos salvaje que la primera entrega, Ted 2 no deja de tener los suficientes chistes políticamente incorrectos, sal gorda, cameos sorprendentes y humor como para pasar un rato sumamente entretenido con esta gamberrada en la que Mark Wahlberg demuestra su versatilidad haciéndote creer que su mejor amigo es un oso de peluche. Como en Pixels,  se apela al espíritu freak e incluso iremos con Ted a la Comic-Con de New York, una de las mecas del frikismo. Dos horas que se pasan volando con algún que otro gag de carcajada. Otro divertimento intrascendente e ideal para combatir la canícula.

LA HORCA (The Gallows, Travis Cluff y Chris Lofing, 2015) *****

USA. Duración: 81 min. Guión: Travis Cluff, Chris Lofing Música: Zach Lemmon Fotografía: Edd Lukas Productora: Blumhouse Productions / New Line Cinema / Management 360 / Tremendum Pictures Género: Terror.

Reparto: Cassidy Gifford, Pfeifer Brown, Ryan Shoos, Reese Mishler, Alexis Schneider, Donna Robinson, Price T. Morgan, Mackie Burt.

Sinopsis: Veinte años después de un accidente en el que falleció el protagonista de una obra de teatro de instituto, unos pocos estudiantes de este centro situado en un pequeño pueblo deciden resucitar la fallida producción teatral con la intención de rendir un homenaje en el aniversario de la tragedia…

The-Gallows-Movie-PosterHace tiempo que me digo a mí mismo que no voy a volver a ver ningún filme adscrito a la moda found footage, técnica de rodaje que ya hace tiempo que me aburre soberanamente. Pero encontrarme con algunas sorpresas como La cueva (Alfredo Montero, 2014), hace que no siempre sea fiel a mi (débil) intención. Esta es la pequeña esperanza que me movió a darle una oportunidad a La horca, film encuadrado en este estilo que no solo no aporta nada nuevo, sino que añade al pobrísimo argumento (más bien excusa argumental) que nos plantea, uno de los elementos más molestos del slasher: el grupo de jóvenes cretinos, que en perfecto castellano, pues la película ha sido doblada perdiendo así la poca credibilidad que podría tener, deambulan de una lado a otro abriendo y cerrando puertas de su desierto instituto, pegándose sustos y filmándolo todo.

De verdad que prometo no volver a ver una película found footage… hasta la próxima vez.

 

Categorías:VAMOS DE ESTRENO

Director, guionista, productor si tienes un proyecto que vender, lee esta novedad del Festival de Sitges

Sitges Pitchbox ofrecerá la oportunidad a proyectos de largometraje de género de realizar un pitch a productoras el 16 de octubre

La 48ª edición del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya presentó hace pocos días algunas de las obras que formarán parte de su programación. No obstante, a apenas dos meses del inicio del Festival, las novedades no quedan ahí. En la edición de este año destaca también la colaboración con la plataforma online Filmarket Hub, que será la encargada de organizar una edición especial de su evento de pitching, Pitchbox, en el marco del certamen.

Sitges Pitchbox ofrecerá la oportunidad a guionistas, directores y productores de realizar un pitch de venta de sus proyectos de largometraje de terror, ciencia ficción o fantástico a productoras y distribuidoras que asistirán al Festival, además de otras que serán invitadas especialmente para la ocasión.

El pitching tendrá lugar el viernes, 16 de octubre, en la sala Miramar, y de entre todos los recibidos serán seleccionados 7 proyectos. Aquellas personas interesadas en inscribir el suyo podrán hacerlo a través de una convocatoria especial que se abrirá el lunes 10 de agosto y durará hasta el 15 de septiembre. Las inscripciones serán gratuitas y se tendrán que realizar a través de Filmarket Hub.

Además, como regalo, los proyectos permanecerán de forma gratuita hasta el 31 de octubre en Filmbox, el mercado online de guiones y coproducción de Filmarket Hub, a la vista de las productoras que ya participan en él.

Pero la colaboración entre Sitges 2015 y Filmarket Hub no se limita a este evento de pitching. Las personas que adquieran acreditaciones profesionales para el Festival, tendrán la posibilidad de conectar con el resto de acreditados a través de la red social de Filmarket Hub. Estos podrán descubrir quién asiste y qué días para así poder cerrar reuniones de trabajo.

Desde la plataforma online se destaca la importancia del acuerdo: “Sitges es uno de los festivales más importantes de España y Europa. Sin duda, es el marco perfecto para ayudar a guionistas y directores a que puedan mostrar su talento y sus proyectos de género a productoras y distribuidoras”.

Filmarket Hub es una plataforma online enfocada a hacer realidad proyectos cinematográficos a través de una red social de profesionales y un mercado online de guiones y coproducción para películas, documentales y series de televisión que se encuentran en fase de desarrollo. Establece una red global que conecta a potenciales inversores de diversos sectores con productores, creadores y otros profesionales de la industria. Este proyecto nace con el claro objetivo de ocupar un puesto de peso en el mercado internacional. Filmarket Hub permite a los creativos y productores ampliar su red de contactos en el sector audiovisual, potenciar sus carreras de manera sencilla y rápida y hacer que sus proyectos se hagan realidad.

Categorías:Sitges Film Festival

Santiago Segura estrenará en Sitges el corto ‘Nivel 7’

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Nivel 7, una producción repleta de tensión, emoción, humor e incluso un crimen, forma parte de Cinergía, una iniciativa de Gas Natural Fenosa para concienciar al público sobre la eficiencia energética

Gas Natural Fenosa estará presente un año más en Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, que tendrá lugar del 9 al 18 de octubre. La compañía estrenará en el marco de este certamen el corto Nivel 7dirigido por el actor y director de cine, Santiago Segura, y producido por la compañía energética con la colaboración de El Terrat.

Además, Gas Natural Fenosa ha firmado un nuevo acuerdo con el Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya que la convierte en patrocinadora oficial del certamen por cuarta vez consecutiva. Sitges es el primer festival de cine fantástico del mundo y una de las principales citas cinematográficas de nuestro país.

El corto de Santiago Segura forma parte de la segunda edición de Cinergía, una iniciativa de Gas Natural Fenosa para acercar la eficiencia energética al gran público a través del séptimo arte y fomentar el talento en la industria cinematográfica de nuestro país.

La historia comienza con la visita sorpresa del presidente de una comunidad de vecinos, obsesionado con el consumo responsable, a una vecina que, tras una apariencia de señora discreta, oculta a una cruel derrochadora de vatios. Anabel Alonso, Enrique VillénJoaquín Reyes son los actores encargados de dar vida a los personajes en esta producción.

Junto con Santiago Segura, los cortometrajes de esta edición de Cinergía han sido dirigidos por Isabel Coixet, Paco León, y el joven ganador del concurso de guiones, Josep Pujol Bonet. Los cortos están protagonizados por actores de reconocido prestigio como Carmen Maura, Secun de la Rosa, Anabel Alonso o Silvia Abril, entre otros. Las producciones, que se estrenarán en los principales festivales de España, llegarán hasta las salas de cine y los hogares de miles de personas. De hecho, la pasada edición de Cinergía contó con 8 millones de visualizaciones en televisión e Internet.

Compromiso con la cultura y el cine

Gas Natural Fenosa mantiene un compromiso de colaboración con la sociedad y en especial con el mundo del cine, a través de su apoyo a los principales festivales y salas de proyección del país. La compañía patrocina, además del Festival de Sitges, el Festival de San Sebastián, el Festival de Málaga, la Madrid Premiere Week, los premios Feroz de la crítica y el Festival Internacional de Cine de Cartagena, así como más de 40 salas de cine de la red Cinesa en España que llevan el nombre de Gas Natural Fenosa.

Este verano, organiza en colaboración con la Academia de Cine, y por tercer año, el Ciclo Gas Natural Fenosa de Cine Itinerante, que acercará el mejor cine español de forma gratuita a 10 municipios de todo el territorio. Con su apoyo al mundo del cine, Gas Natural Fenosa colabora con una de las industrias que más se han visto afectadas por la crisis, especialmente en el caso de los festivales, que han sufrido fuertes recortes en sus fuentes de financiación en los últimos años.

Categorías:Sitges Film Festival

El Festival de Sitges 2015 se prepara con una sesión de cortos al aire libre

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A falta de poco más de dos meses para la 48ª edición del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, el Festival organiza una minimaratón de cortometrajes en el Port de Sitges – Aiguadolç, una iniciativa que se celebra desde hace cuatro años.

La cita será el próximo sábado, 1 de agosto, a las 23 horas, con un programa que incluye siete cortometrajes que se pudieron ver en la edición de Sitges 2014. Todos tienen en común la temática fantástica y de terror, y su trayectoria por diferentes festivales nacionales e internacionales, donde muchos de ellos han recogido destacados premios.

Programa

Sábado, 1 de agosto, a las 23 horas
Port de Sitges – Aiguadolç (Moll de Llevant)
Entrada gratuita

Cortos seleccionados (por orden alfabético)

Aún hay tiempo, de Albert Pintó. La noche de Navidad, Ángel se presenta en el centro comercial dónde trabaja su exnovia Nina con intención de arreglar las cosas con ella. Lo que aún no sabe es que para recuperar a la chica deberá escapar de un laberinto espacio-temporal creado por un misterioso muñeco Santa Claus.

Baskin, de Can Evrenol. Rodada durante las cargas policiales en el parque Gezi de Istambul, Baskin sigue a cuatro policías que tras recibir una llamada rutinaria descubrirán algo aterrador.

El bosque negro, de Paul Urkijo. Sir Héctor, un valiente caballero con armadura y corcel, se dispone a penetrar en el impío Bosque Negro para liberar a una hermosa y virginal dama, presa de un terrible ogro. ¿Conseguirá nuestro héroe vencer donde otros han sucumbido al horror y a la muerte?

Interior. Familia, de Gerard Quinto, Esteve Soler y David Torras. Una pareja de padres cariñosos despierta a su hijo en medio de la noche. Deben hablar con él sobre algo urgente y aterrador que cambiará su vida por siempre jamás.

La carrera, de Christopher Cartagena. Un pequeño pueblo ha sido sitiado por la aparición de una extraña epidemia que ha afectado a toda la población. Alfredo también ha sido contagiado, pero con un juego entrenará a su hija para salir de ahí sola. ¿Será capaz la niña de abandonar a su padre llegado el momento?

Nada S.A., de Albert Pintó y Caye Casas. Carlos lleva años en paro, está desesperado después de fracasar en todas las entrevistas de trabajo a las que se presenta. Un día ve un anuncio de una empresa que busca a alguien que quiera cobrar por no hacer nada. Carlos consigue el trabajo y ese día le cambiará la vida.

Óscar desafinado, de Mikel Alvariño. En tono de broma, Violeta le dice a su novio Óscar que, si ella muere antes, él deberá esperar al menos 2 años antes de salir con otra mujer y que, si no lo hace, ella volverá de la tumba para vengarse. Poco después, Violeta muere. Y Óscar conoce a Ana.

 

La primera edición de Tebeo Valencia se celebrará en diciembre de 2015

La primera edición de Tebeo Valencia tendrá lugar del 4 al 6 de diciembre de 2015 en Feria de Valencia, con Sento Llobell como Presidente y Paco Roca como autor del cartel.

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Valencia tendrá del 4 al 6 diciembre de este año un salón del cómic y la ilustración  de un gran nivel abierto a todo el mundo. Se trata de Tebeo Valencia, el salón del cómic y la ilustración de origen europeo y americano, una cita anual que tendrá lugar en las instalaciones de Feria Valencia, que en esta primera edición contará con el dibujante valenciano Sento Llobell como Presidente y cuyo cartel estará firmado por uno de los autores de cómic más populares del panorama actual, Paco Roca.

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Tebeo Valencia está organizado por Feria Valencia y cuenta con la colaboración de FICOMIC, entidad organizadora del Salón Internacional del Cómic de Barcelona y del Salón del Manga de Barcelona. También colaboran de manera activa la Asociación Profesional de Ilustradores de Valencia (APIV), la Associació d’Editors del País Valencià, el Gremi de Llibrers de València y la Asociación Valenciana del Cómic (ASOVALCOM). Ello muestra la implicación en el certamen de todos los sectores y profesionales del cómic y la ilustración.

Se trata de un certamen largamente esperado en la ciudad de Valencia, una de las capitales del cómic y la ilustración en España. Tebeo Valencia viene a cubrir esa necesidad de crear un espacio de encuentro entre editoriales, artistas y público, donde dar a conocer novedades editoriales, donde los lectores puedan recoger firmas de sus autores favoritos, con exposiciones propias, actividades paralelas y toda una programación dirigida a los distintos perfiles de lectores de cómic y público en general. Un punto de encuentro que incluirá a la ilustración, disciplina de gran arraigo en Valencia y que está viviendo un momento de auge gracias a los libros ilustrados que han logrado un espacio propio en la industria del libro española.

Además, el universo del cómic ya no vive sólo en el papel, sino que hace tiempo está presente en otros soportes como son el cine, la televisión y los videojuegos, por lo que Tebeo Valencia se abre a todas estas expresiones, ofreciendo pases y actividades relacionadas.

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Categorías:Cómic y Manga

Se presenta el XXI Salón del Manga de Barcelona

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Ya se ha presentado en Casa Asia de Barcelona, el XXI Salón del Manga de Barcelona, que se celebrará del jueves 29 de octubre al domingo 1 de noviembre en los palacios nº 1, 2, 4 y Plaza Univers de Fira Barcelona en Montjuïc. En el acto han intervenido Menene Gras, directora de Cultura y Exposiciones de Casa Asia; Akiko Sagano, Cónsul General Adjunta del Consulado General del Japón en Barcelona; Patrici Tixis, presidente de FICOMIC y del Gremi d’Editors de Catalunya; Pilar Gutiérrez, directora en funciones del Salón del Manga de Barcelona; José Luis Puertas, coordinador de actividades del Salón del Manga de Barcelona y Oriol Estrada, comisario de exposiciones del Salón del Manga de Barcelona.

El XXI Salón del Manga de Barcelona ocupará este año un espacio récord en Fira Barcelona Montjuïc. En total serán 60.000 metros cuadrados, frente a los 50.000 de la pasada edición. El Salón del Manga ha ido aumentando año tras año tanto en número de visitantes, como en número de expositores.

En la presentación se ha dado a conocer el nombre de los primeros invitados al XXI Salón del Manga de Manga. Al nombre ya conocido de Inio Asano, autor de Buenas noches, Punpun y Solanin (Norma Editorial), se le suma el de la prestigiosa  mangaka Io Sakisaka, autora de Aoha Ride y Strobe Edge (Editorial Ivrea), manga del que recientemente se ha estrenado un largometraje de imagen real. También nos acompañarán los franceses Florent Maudoux, creador de la serie Freaks’ Squeele y Sourya, responsable de Rouge, serie derivada de la primera. Ambos autores estarán en el Salón del Manga de Barcelona gracias a la colaboración de la editorial Dibbuks.

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Mayumi Nishimura, reconocida chef macrobiótica, que fue la jefe de cocina de Madonna, vendrá a explicarnos algunos de sus secretos mejor guardados. El Salón también contará con la participación de artistas españoles como el Studio Kôsen, formado por Aurora García Tejado y Diana Fernández Dévora, dos autoras españolas que llevan publicando manga español desde 1998. Yami Tabby, nombre artístico de la joven granadina María López, vendrá a cantar y demostrar el porqué es una verdadera idol en Japón.  También actuará el conjunto de música tradicional japonesa Wa League y la veterana cosplayer mejicana Alondra Ponce.

Para Menene GrasEl Salón del Manga de Barcelona presenta un formato que es reconocido mundialmente, debido a su potencial como actividad cultural”.

Patrici Tixis destacó que “la presente edición del Salón del Manga de Barcelona será una de sus ediciones mayor éxito”. Argumentando que se deberá al “Aumento récord de espacio del certamen, pero también al número de actividades, exposiciones e invitados”.

Pilar Gutiérrez destacó “El aumento de espacio atiende a la demanda de público y expositores, lo que se traduce en que el certamen creará un mayor número de actividades para disfrute el público asistente”. También remarcó la importancia de que el cartel del certamen estuviese realizado por una autora japonesa como Konami KanataEsto supone un reconocimiento internacional del Salón del Manga de Barcelona y la confirmación del interés que despierta nuestras actividades en Japón”

Por su parte, José Luis Puertas anunció que el Pabellón nº 4, que se utilizará por vez primera en el Salón del Manga, albergará actividades, exposiciones, talleres de cosplay y la nueva sala de proyecciones. Recuperando las sesiones de anime y largometrajes dentro del recinto de la feria.

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En el apartado de exposiciones tendremos Manga en construcción, una exposición antológica que hará un recorrido por la arquitectura en el manga y la especial relación que tiene Barcelona con Japón. Kôsen: tras el sueño oriental repasará la trayectoria de esta pareja de autoras madrileñas, consideradas por muchos como unas de las artistas más representativas del manga hispano. También podremos visitar la muestra dedicada a los Shikishi, el papel especial en el que los autores de manga realizan sus dibujos y firmas. Podremos admirar dibujos originales de autores como Leiji Matsumoto, Gô Nagai, Naoki Urasawa, Kengo Hanazawa, Yoshihiro Tatsumi, Shintaro Kago, Yoichi Takahashi o Satoshi Kon, entre otros. Una cuarta muestra será la dedicada al sake. Roger Ortuño, Sake Professional titulado y responsable de ComerJapones.com, organiza una muestra que recoge más de un centenar de sakes distintos, así como las distintas tipologías que existen.

Durante su intervención Oriol Estrada remarcó el hecho de que el Salón del Manga de Barcelona presentará como tema principal la arquitectura en el manga. Destacando el trabajo que hacen los autores en los mangas, “con verdaderas reproducciones fotográficas de edificios emblemáticos”. También recordó la fascinación que ejerce la obra de Gaudí en Japón, “En el Salón del Manga nos acompañarán Etsuro Sotoo, escultor de la Sagrada Familia desde 1978 y Hiroya Tanaka, arquitecto que lleva años dedicado a elaborar los planos de las obras de Antoni Gaudí”.

Para Akiko SaganoEl Salon del Manga de Barcelona es una puerta para dar a conocer otros aspectos de la cultura japonesa. Es por eso que para el consulado el certamen es prioritario el apoyo al Salón. Una feria que no solo da a conocer el manga y el anime, sino también la moda, la gastronomía y las últimas tendencias del Japón”.

El XXI Salón del Manga de Barcelona se celebrará del 29 de octubre al 1 de noviembre en los palacios 1, 2 y 4, y en la plaza Univers de Fira Barcelona Montjuïc.

 

Categorías:Manga Barcelona

Pajares y Esteso: tanto monta, monta tanto… Andrés como Fernando

Fernando Esteso y Andrés Pajares forman parte de la memoria sentimental de un amplio sector de españoles. Desde inolvidables programas de fin de año que vimos de niños en aquella televisión en blanco y negro; pasando por singles en 45 r.p.m. escuchados y cantados una y otra vez; y especialmente por un buen número de películas vistas y vueltas a ver tanto en cine como en video.

Películas que representan uno de los mejores testimonios de cómo se vivía y cuales eran las mayores preocupaciones y anhelos de los españoles de los años setenta y ochenta. También eran una forma de ver carne femenina en familia. Supongo que nuestros padres nos permitían ver estas esculturales señoritas desnudas en estas películas porque con Esteso y Pajares se sentían en confianza. Era una película de risa.

IMGLa memoria, los discos, las películas… todo está ahí. Y si bien es cierto que la mejor forma de acercarse a la obra de Esteso y Pajares (o Pajares y Esteso) es revisando todo ese material, cierto es que faltaban libros que documentaran todo aquello. Y la sequía bibliográfica se ha paliado y por partida doble. Si ya les hablamos de El descacharrante cine de Pajares y Esteso, ahora es el turno de otra propuesta bien diferente, pero en cierto modo complementaria: Pajares y Esteso. Tanto monta, monta tanto… Andrés como Fernando, un libro de Juan José Montijano editado por Diábolo Ediciones, editorial que está realizando una encomiable labor en pro de la difusión de la cultura popular, especialmente de la década de los setenta y ochenta, con libros dedicados a juguetes (Nancy, Madelman, Geyperman…), cromos, televisión y dibujos animados. Parece ser que la nostalgia de los que ya somos un tanto talluditos es su objetivo. Y naturalmente Esteso y Pajares forman parte de nuestro pasado.

Si el libro de Víctor Olid repasaba exhaustivamente la carrera cinematográfica de los dos humoristas, analizando los filmes y vertiendo su crítica, el que ha escrito Juan José Montijano opta por ofrecer una cronología artística de sus protagonistas recopilando toda la información posible: galas, actuaciones televisivas, obras teatrales, películas, críticas de prensa… ofreciendo un recorrido detallado por la carrera de los cómicos. Todo ello profusamente ilustrado con interesantes imágenes de programas teatrales, carteles y fotos de época que, en algunos casos, hubieran agradecido un pié de foto con información adicional.

14pajares_esteso_dentroLamentablemente tal avalancha de datos termina dando al libro un tono quizás demasiado mecánico, apoyado también en exceso en la biografía de Mariano Ozores, de la que se extraen extensos pasajes, y la trascripción completa de críticas de la época y canciones. Todo ello en detrimento de la propia voz del autor, que se abstiene de opinar sobre los trabajos cinematográficos de los cómicos y de ofrecernos un necesario contexto histórico que nos sitúe en la época. El autor habla de obras como Evito, Burruus, Yermo o La pera mecánica, parodias de hitos muy de la época que quizás hubiera que haber analizado un poco para situar al lector. También hubiera estado bien detenerse en algunos teatros y salas en las que actuaron con más asiduidad, como El Biombo Chino; la cartelera teatral contemporánea en las diferentes épocas; y ofrecer algún apéndice con datos de los compañeros de viaje más asiduos de Esteso y Pajares: actores, actrices, vedettes…

No puede negarse la erudición del autor sobre el mundo del teatro frívolo y su completo trabajo cronológico, aunque de estar realizado de forma más amena y personal hubiera dado un resultado mucho más interesante de lo que es.

En todo caso el libro de Juan José Montijano es un necesario trabajo de arqueología del tan desconocido mundo del espectáculo popular en España, al que añade luz contribuyendo a darlo a conocer, al igual que ya hiciera el autor con otras obras como las dedicadas al Teatro Chino de Manolita Chen o a Zorí, Santos y Codeso. Preservar y difundir toda esa historia, muchas veces despreciada es, bajo nuestro punto de vista, algo necesario y loable que hay que agradecer al autor y a Diábolo Ediciones.

Esteso y Pajares durante la presentación del libro en la pasada Feria del libro de Madrid (foto:heraldo.es)

Esteso y Pajares durante la presentación del libro en la pasada Feria del libro de Madrid (foto:heraldo.es)

Novedades veraniegas de Vial of Delicatessens

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El sello Vial of Delicatessens en su afán por extender sus tentáculos en forma de formatos físicos, apuesta por los libros con una nueva referencia de “Vial Books” y se estrena en el mundo de la distribución musical con la edición de un “Splitz CD”, todo ello sin salirse de los estándares del Underground y de la temática cinematográfica.

Tras un primer libro dedicado al cine de Esteso y Pajares, del que ya les hablamos aquí, llega la segunda referencia de Vial Books:

CÓMO NO HACER UN CORTOMETRAJE De Naxo Fiol

frontal como no hacer un cortometrajeSe suele decir que no has de juzgar un libro por la portada. Bien, en el caso que nos ocupa ese refrán se traslada al título mismo. Sí, amigo -esperamos que- lector, estamos ante una vil falacia. De Cómo NO hacer un cortometraje lo último que debes esperar es un manual, o una guía o, mucho menos, nada que pretenda sentar cátedra. ¿Por qué?, porque Naxo Fiol, el autor –y “videoasta”-, simplemente no tiene ni puta idea de cómo se hace un corto ¡Pero le encanta hacerlos! ¡Le flipa jugar con cámaras y otros utensilios de semejante calibre! Y lleva facturándolos en vídeo, súper 8, 16 mm e incluso 35 mm desde el lejano año 1988. Y aunque cueste creerlo, tiene algunas cosillas formalmente editadas en dvd como Fernando Project (Manga Films, 2002) o A ritmo de Jess (La Aventura & Cameo, 2013).

En Cómo NO hacer un cortometraje Naxo Fiol te cuenta sus batallitas, aventuras y desmelenes como creador de lo que algunos llamarían “cine underground”, otros “cine casero” y los más “vídeos cutres de mierda”. Lo hace con humor, frescura, desparpajo y un puñado de fotos y cartelitos que sirven para retratar, desde bien adentro y por vez primera en este país de lerdos, el fascinante mundo del cine “amateur” más guerrillero y abracadabrante. Cuando termines de leer Cómo NO hacer un cortometraje, y con el principio de “si este paleto puede, yo más” bien aprendido, te entrarán unas ganas irrefrenables de hacer tu propia obra audiovisual… pero también de lavarte las manos. Con  prólogo de Ferran Herranz

DIRTY HARRYS/HUMPTY DUMPTY: SPLITTING IMAGE

Frontal splitting imagePunk original y maquetero en este “Splitz” CD, donde encontraremos las canciones de esos efímeros grupos que fueron Dirty Harrys y Humpty Dumpty. Hemos querido juntar en un CD sus cintas juntitas y revueltas como referencias underground de los noventa, y porque los vocalistas de ambos grupos pertenecen a la casa. En Dirty Harrys pone la voz Naxo Fiol, y en  Humpty Dumpty Aida García A.K.A Srta Calamidad.

19 cortes de puro punk en un CD de edición limitadísima de 50 copias que se venderá en exclusiva en la página web de Vial y no se encontrará en tiendas. P.V.P  4 Euros, gastos de envío incluidos.

Información y compras: http://vialofdelicatessens.blogspot.com

Propuestas: vialofdelicatessens@hotmail.com

 

 

Más novedades se suman a la programación de Sitges 2015

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Nuevos y sabrosos títulos se añaden a la parrilla del festival de Sitges, entre ellos el previsible Love, que confesamos tener ganas de ver, con la seguridad de que no nos escandalizaremos… ¿o quizás sí? También aprovechamos  para dar un repaso a todo lo que ya se sabe formará parte de un festival que contará con una importante presencia asiática.

La 48ª edición del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya continúa añadiendo títulos a su programación. Las esperadas Green Room, de Jeremy Saulnier, y Love, de Gaspar Noé, estarán en Sitges 2015.

El director de Blue Ruin, Jeremy Saulnier, causó impacto en Cannes con Green Room, una sangrienta batalla entre una banda punk y una de skinheads. Cine independiente norteamericano de ultraviolencia, protagonizado por el capitán Jean-Luc Picard, Patrick Stewart.

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Tras las transgresoras Irreversible Enter the Void, Gaspar Noé, director argentino afincado en Francia, cierra la trilogía con Love, un experimento de romanticismo pornográfico en 3D que creó controversia en Cannes. El film mantiene los ambientes claustrofóbicos de las cintas anteriores, aunque se adentra en el terreno del melodrama, centrado en la historia de un triángulo amoroso lleno de flashbacks, drogas, música y fluidos.

We-Are-Still-Here-posterEn la programación del Festival no podía faltar un subgénero con numerosos adeptos siempre fieles, el del terror de casas encantadas. En Sitges 2015 podrán disfrutar con We Are Still Hereopera prima de Ted Geoghegan, protagonizada por la mítica Barbara Crampton (Doble cuerpo, Re-Animator, The Lords of Salem, entre otros).

En una 48ª edición que mira con especial atención hacia Japón, tres producciones se añaden a  las nuevas propuestas, ya anunciadas, de Takashi Miike (Yakuza Apocalypse: The Great War of the Underworld), Sion Sono (Love & Peace) o las dos partes de Ataque a los Titanes. Se trata de la adaptación animada de estas últimas; Parasyte, adaptación del manga homónimo de Hitoshi Iwaaki, dirigido por Takashi Yamazaki, que también se verá en dos partes, y The Ninja War of Torakage, el retorno del director Yoshihiro Nishimura, que se aleja del gore de anteriores cintas como Tokyo Gore Police o Vampire Girl vs Frankenstein Girl.

parasyte-part-1Sin movernos de Asia, el Festival anuncia The Taking of Tiger Mountain, de Tsui Hark, una coproducción entre China y Hong Kong de temática bélica, y SPL 2: A Time for Consequences, dirigida por Pou-Soi Cheang, proveniente de Hong Kong.

Sitges 2015 –una edición centrada en el homenaje a Seven, de David Fincher, en el 20 aniversario de su estreno– ya ha anunciado uno de los premiados: el director Nicolas Winding Refn, que recibirá el Premio Màquina del Temps. Entre las películas más esperadas que cubrirán la parrilla destacan Victoria, de Sebastian Schipper; la última producción made in Blumhouse, The Gift, los niños zombies de Elijah Wood en Cooties, o el Schwarzenegger más dramático de Maggie. Por lo que se refiere a la producción catalana, el Festival presentará Segon origen, de Carles PortaEl cadáver de Anna Fritz, de Hèctor Hernández VicensVulcania, de José SkafSummer Camp, de Alberto MariniSacramento, de Carlos Cañeque.

Abonos y acreditaciones
Ya se ha iniciado la venta de abonos de Sitges 2015. Además de los abonos habituales, las novedades principales de esta edición son el Abono Butaca VIP Retiro y los packs temáticos para secciones: Pack Fantàstic, Pack Anima’t y Pack Noves Visions.
Categorías:Sitges Film Festival

I Spit on your Grave: Venganza de mujer

SINOPSIS

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La atractiva Jennifer Hills (Camille Keaton) llega a la retirada casa que ha alquilado en una tranquila población de Nueva Inglaterra con el objetivo de escribir una novela. Pronto se encontrará con Johnny (Eron Tabor), padre de familia, propietario de la gasolinera y líder de un pequeño grupo de perdedores que completan Stanley (Anthony Nichols), Andy (Gunter Kleemann) y Matthew (Richard Pace), un retrasado mental que trabaja en el colmado del pueblo. Los aburridos amigos, que opinan que las mujeres ‘están llenas de mierda’ y deseando ser montadas, fantasean con la recién llegada y con que Matthew pierda, por fin, su virginidad. A la recién llegada le profesarán un odio especial, ya que no solo es mujer, sino que también independiente y de ciudad. Así que los cuatro aburridos amigos no tardan en presentarse en casa de Jennifer, donde la agreden, humillan y es violada por Johnny. Tras huir desnuda  por el bosque volverá a ser alcanzada, golpeada y violada, esta vez analmente, por Andy. Abandonada, la ensangrentada Jennifer inicia un vía crucis hacia la casa, donde la esperarán de nuevo los agresores reiniciando el suplicio de forma aún más violenta. En esta ocasión Matthew saca coraje y consigue violar también a Jennifer, que no deja de suplicar por su vida ante el divertimento de todos: “Eso es lo que me gusta de una mujer, sumisión total”.  Al abandonar la casa, Johnny encarga a Matthew que mate a la joven con una navaja. Pero el idiota se ve incapaz y se limita a manchar la hoja con la sangre que brota de las numerosas heridas de la joven, dejándola con vida.

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Los días pasan y la normalidad retorna a la vida de los cuatro amigos, que extrañados porque no se haya hallado el cadáver de la joven, justifican el ataque contra Jennifer como una defensa: “No llevaba sujetador” y “Exhibió sus piernas caminando muy despacio, asegurándose de que las viese bien”. Mereciéndose lo sucedido porque  “Cualquier hombre habría hecho lo mismo”. Pero mientras,  Jennifer se recupera en soledad. Ya no tiene miedo y ejecutará su venganza: a Matthew lo ahorcará; Johnny será castrado y morirá desangrado y a los otros dos los exterminará también sin piedad ni remordimientos.

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ESA ESCENA TAN DESAGRADABLE

Descubrí tempranamente lo que era una violación. Siendo niño y antes de saber en lo que consistía propiamente el sexo. Con esto no quiero decir que lo sufriera en propia carne, no. La protagonista fue Rosetta (Eleonora Brown), hija adolescente de Cesira (Sophia Loren) en la estupenda película Dos mujeres (La Ciociara, Vittorio de Sica, 1960). En aquel film la frágil Rosetta se quedaba casi catatónica al ser violada, junto a su madre, por un grupo de soldados moros en las ruinas de una iglesia abandonada. Una escena muy gráfica y cruda. Totalmente realista a pesar de (o precisamente por) estar rodada en blanco y negro. Ese blanco y negro neorrealista que se siente en el estómago. No se me puede olvidar la tristeza que sentí cuando vi esta película y que experimento todavía hoy cuando la rescato en formato doméstico. Una sensación similar a la que percibí al ver, en un viejo cine de barrio (concretamente el barcelonés Maragall) una película en la que una adolescente era violada en el hediondo lavabo de un tren. No recuerdo el título ni la he vuelto a ver, pero incluso ya adolescente, continué experimentando esta repulsión hacia el sexo forzado tras ver ciertas escenas gráficas en Deliverance (John Boorman, 1972) y la británica Scum (Alan Clarke, 1977).

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Quizás esta extraña mezcla de repulsión y fascinación que no permiten apartar la vista de la pantalla se deba a lo que explica Joan Ripollés refiriéndose al subgénero ‘Rape & Revenge’ como: (…) “un subgénero sumamente incómodo para el espectador masculino, que se siente vivamente ofendido por lo que ve y –sobre todo- experimenta. (…) Algo se remueve en el bajo vientre y la conciencia del espectador, que vacila entre la excitación y la náusea[1]

Y si hay un título representativo de este subgénero, ese es sin lugar a dudas I Spit on your Grave.

GÉNESIS

cvUna de las películas más polémicas de la historia del cine nació durante los desplazamientos que Meir Zarchi realizaba en metro desde su casa a la oficina en Times Square en la que trabajó durante 25 años. Allí realizaba labores de producción y postproducción para películas, cortos, anuncios y documentales. La inspiración llegó al director y guionista tras ayudar a una joven que había sido violada. Para Zarchi “Es muy difícil imaginarse que alguien pueda ser violado, y más si es alguien que conoces. Penetrar el cuerpo de alguien contra su voluntad es el más violento de los crímenes. Es difícil comprender que suceda, pero en Estados Unidos hay una violación cada cinco minutos y por eso al público le cuesta ver algo tan realista. Resulta duro ver la película[2]

El cineasta, tal y como ha admitido, también se dejo influenciar por algunos films, entre ellos El justiciero de la ciudad (Death Wish, Michael Winner, 1974), El vengador sin piedad (The Bravados, Henry King, 1958) y El manantial de la doncella (Jungfrukällan, Ingmar Bergman, 1960), que como es bien sabido también sirvió de modelo para Wes Craven y su película La última casa a la izquierda (The Last House of the Left, 1972).

Así que con el guión bajo el brazo y un ajustadísimo presupuesto de 650.000 $, Zarchi contactó con unos jóvenes actores, novatos pero voluntariosos, y junto al resto del equipo se largaron en julio de 1977 a casa de Nouri Haviv, director de fotografía del film, en Kent (Connecticut). Un escenario que había descubierto Zarchi en sus visitas al técnico y que inevitablemente terminó influyéndole. Curiosamente esta misma  localización fue escogida tres años después para rodar la segunda entrega de la saga Viernes 13[3].

EL EQUIPO ARTÍSTICO

El film cuenta con un muy reducido elenco en el que, aparte de la víctima y los cuatro lugareños, el resto de papeles está compuesto por poco más que figurantes.

camille-keaton-autographPara el expuesto y exigente papel de Jennifer Hills se contactó con la dulce Camille Keaton, actriz nacida en Pine Bluff, Arkansas, lejanamente emparentada con el popular cómico Buster Keaton[4], cuya carrera se inició en Italia en 1972 protagonizando giallos como ¿Qué habeis hecho con Solange? (Cosa avete fato con Solange?, Massimo Dallamano, 1972) e interesantes films de terror como Trágica ceremonia en Villa Alexander (Estratto dagli archivi segreti della polizia di una capitale europea, Riccardo Freda, 1972). Day of the Woman fue la primera película que interpretó al retornar a Estados Unidos.

El resto del reparto no tenía ni tendría posteriormente más contacto con el mundo del cine, a excepción de Eron Tabor (Johnny) que con anterioridad había colaborado en la música del film nudie Candy Stripe Nurses (Alan Holleb, 1974). Y es que es posible, tal y como admite el director, que la mala prensa que recibió el film fuera responsable de que ninguno de sus actores hicieran fortuna en el cine: “Cuando la película se estrenó en 1978 como Day of the Woman, la gente no sabía de qué iba. Ahora ya la ha visto un montón de gente, pero pienso que causó algún efecto negativo sobre el reparto, puede que fuera demasiado fuerte. Ella (Camille Keaton) es una gran actriz y ha hecho alguna otra película, pero con varios años entre sí. Quizás si la hubiera hecho ahora el mundo vería el film de otra manera. Veamos que sucede a Sarah Butler con el remake”[5].

Zarchi también recurrió a sus hijos, Tammy y Terry para interpretar pequeños papeles, así como a miembros del equipo como William Tasgal o Ronit Haviv, esposa del director de fotografía. Un elenco no muy distinguido cuya inexperiencia posiblemente añadió credibilidad al film.

El equipo técnico tampoco era muy experimentado. Su director de fotografía, Nouri Haviv, había colaborado con anterioridad en tres películas nudies, entre ellas Double Agent 73 (Doris Wishman, 1974), protagonizada por la muy neumática Chesty Morgan, en el papel de una agente secreto que deja K.O. a sus contrincantes golpeándoles con sus enormes pechos. En cuanto a Meir Zarchi, tan solo volvería a dirigir y escribir otra película, Don’t Mess With My Sister (1985), aunque coproduciría Holy Hollywood (1999) que dirigiría su hijo Terry,  y sería director ejecutivo del remake de I Spit on your Grave (2010) y de su secuela de 2013, I Spit on your grave 2.

EL RODAJE

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El film se realizó en pleno verano y ningún actor contó con doble, lo que ocasionó más de un disgusto. Camille recuerda que “Fue agotador. Una vez durante una de las escenas de violación recibí un golpe. Pero es que los chicos eran actores, no especialistas”[6].  Tampoco ellos las tenían todas consigo. En la escena final en la que Anthony Nichols y Gunter Kleemann están sumergidos en el lago, con Camille dirigiéndose hacia ellos en el fueraborda “Uno de los chicos tenía realmente miedo de que no fuera capaz de maniobrar la barca a motor, ya que aprendí en un día”[7]. Richard Pace (Matthew) comenzó a tener convulsiones mientras interpretaba, ahorcado,  la secuencia de su muerte. Zarchi pensó que el actor lo hacía para dar más credibilidad a la escena, pero notó que algo no marchaba bien y es que, si bien Pace no se estaba ahogando, sí que tenía vértigo y estaba sufriendo un ataque de pánico.

El equipo también tuvo que luchar contra la naturaleza: “Los únicos problemas que tuvimos fue con los mosquitos. Aunque era zona de serpientes nadie fue mordido, pero estábamos muy preocupados y rastreamos la zona para estar seguros de que no hubiera sorpresas. Cuando Camille camina por el pantano después de ser violada en la roca, lo hacía por aguas enlodadas habitualmente inundadas de serpientes, pero las habíamos cazado antes. Rodamos rápido, lo más  rápido que pudimos. En el bosque Camille fue picada por cientos de mosquitos. Tanto que tuvo que ser hospitalizada. Estuvo ausente dos días y cuando volvió continuamos rodando…”[8].

Camille Keaton contribuyó al personaje aportando su propio vestuario y no tuvo problema con los desnudos, posiblemente por su experiencia en Italia, pero sí por andar y correr descalza por el bosque. También hubo momentos divertidos. Zarchi contó que mientras rodaba la violación “quería un ángulo más de ella desde arriba con su cabeza golpeando el tronco del árbol y Camille dijo ‘Te desnudas y la haces tú’. La hice, golpeé mi cabeza contra el tronco y entonces ella aceptó a continuación rodar la escena”[9].

Camille muestra en una convención los shorts que lució durante el film y que todavía conserva (Foto: kitleyskript.com)

Camille muestra en una convención los shorts que lució durante el film y que todavía conserva (Foto: kitleyskript.com)

Al igual que con el vestuario, la actriz también aportó al personaje la cicatriz que luce en la parte izquierda de su cara, ya que es real y se la produjo en un accidente de coche. El maquillador la suavizó al principio y al final de la película y la realzó cuando su personaje está magullado.

Dos técnicos abandonaron el rodaje: “Un tipo, electricista y muy competente, después de que rodáramos la primera toma del hombre sodomizando a Camille, dijo ‘No puedo soportarlo más’ y renunció. La maquilladora (…) tras rodar la escena de violación en la casa confesó que había sido víctima de una violación múltiple y también marchó[10].

El magro presupuesto se dejó notar en la parte técnica. Pocas repeticiones, efectos especiales artesanales y zoom a base de poner la cámara en un carrito de supermercado. Por no haber no había ni para banda sonora, así que Zarchi intentó añadir música de archivo. Pero afortunadamente no encontró ninguna apropiada, así que la única música que escuchamos es incidental y proviene del órgano de la iglesia; de la harmónica de Andy; de la radio en una tienda y de un disco que escucha Jennifer mientras Johnny se desangra: ‘Sola, perduta, abbandonata’ de la ópera Manon Lescaut de Giacomo Puccini. Todo un acierto.

Un rodaje tan exigente y duro tuvo también su parte tierna, ya que al finalizar, Zarchi y Camille contrajeron matrimonio.

REPERCUSIONES

001La película se estrenó en 1978 como Day of the Woman pasando casi totalmente desapercibida. El 23 de mayo se presentó en Cannes, acudiendo Zarchi y Camille en plena luna de miel. También se proyectó en el Miami Film Festival donde durante la escena en que la chica corta el pene del  hombre en la bañera, dos mujeres salieran corriendo de la sala. Asimismo formó parte de la sección oficial del Festival de Sitges provocando que “algunas señoras sufrieran desmayos en la sesión inaugural motivados por el impacto de las imágenes de Day of the Woman o bien por la incomodidad de los vestidos de noche[11], obteniendo Camille Keaton una merecida Medalla Clavel de Plata de Ley a la mejor actriz, galardón concedido por un jurado presidido por el entrañable Forrest J. Ackerman. Al siguiente año ella misma sería la encargada de presidir el jurado  del certamen.

El público español tuvo que esperar hasta marzo de 1980 para poder ver la película en cines. Estrenada como La violencia del sexo…el día de la mujer y distribuida por American-European Films, compañía tras la que parece ser estaba Julio Pérez Tabernero, hombre orquesta (actor, director, productor…) y responsable de películas tan psicotrónicas como Terror Caníbal (1980) o Las alegres vampiras de Vögel (1975). El film, eso sí, se estrenó con una ‘S’ bien visible, clasificación que advertía que por el contenido podía herir la sensibilidad del espectador. El cartel reproducía fielmente el americano y las frases publicitarias no tenían desperdicio: ‘Por primera vez en la historia cinematográfica se aborda en la pantalla la batalla de los sexos con tanta franqueza y realismo, que los hombres no volverán a ser lo mismo…. Porque llegó El día de la mujer… el día más aterrador’ o ‘Quien piense que una mujer es frágil e indefensa…¡¡Se equivoca!!’ y ya para rematar: ‘Todo había terminado… pero ella esperó… ¡y comenzó una venganza del único modo que solo la mujer puede hacerlo!’.

Imaginativa carátula alemana.

Imaginativa carátula alemana.

Mientras, en su país de origen tras ser exhibida también como I Hate Your Guts y The Rape and Revenge of Jennifer Hills, fue redistribuida en 1980 como I Spit on your Grave,[12] por Jerry Gross, un distribuidor de cintas exploitation responsable de llevar a las pantalla estadounidenses títulos del calado de Mondo Cane o I Drink your Blood.  El nuevo título no gustó especialmente a Zarchi, que insistió siempre que en los pósters y carátulas se incluyera también el título original, pero sin duda contribuyó al éxito de la película, que paradójicamente recibió el espaldarazo publicitario definitivo cuando fue duramente atacada por los críticos Rogert Ebert y Gene Siskel:

“Una basura llamada I Spit on your grave se proyecta en los cines de Chicago esta semana. Es un film enfermo (…) que me cuesta creer que se exhiba en salas respetables como el Plitt’s United Artists. Pero así es. Fui testigo de una de las experiencias más depresivas de mi vida[13]. Tras detallar algunas de las imágenes del film, Ebert pasa a describir las reacciones del público asistente: “¿Cómo reaccionó la audiencia ante todo esto? Un hombre maduro de pelo blanco que estaba dos butacas delante de mí, por ejemplo, dijo en voz alta tras la primera violación: ‘Eso ha sido bueno’. Después de la segunda: ‘Eso la enseñará’. Y al finalizar la tercera: ‘Las otras estaban bien, pero esta es la mejor’. Cuando las tornas cambian y la mujer comienza su venganza, una mujer gritó desde atrás: ‘¡Córtasela, hermana!’ En las escenas en las que los otros tres hombres intentan animar al retrasado para que viole a la chica, hubo carcajadas y gritos de apoyo entre la audiencia”[14].

También el crítico Gene Siskel puso especial atención en la audiencia:

Lo más chocante de este film no fue nada comparado con el shock que recibí mientras la veía el sábado por la tarde (…) El cine estaba medio lleno, y al menos 30 preadolescentes se encontraban en la sala con sus padres. Me sorprendió, primero, que algún padre llevara a sus hijos a ver una película llamada I Spit on your Grave; y segundo, que no abandonaran el cine tan pronto como comenzara la primera escena de violación. Pero todas las familias permanecieron durante las violaciones, el ahorcamiento y la castración[15]

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El resultado no se hizo esperar y tras publicarse ambos órdagos, el responsable de la cadena de cines Plitt’s declaró: “Después de leer las críticas, pienso que lo mejor es dejar de exhibir el film”, así que a seis días de su estreno, se retiró de las salas que estaban bajo su responsabilidad.

Como vemos, la misma película que se había estrenado dos años antes pasando de puntillas por las carteleras, gracias a estas dos críticos se encontró en el centro del huracán despertando la curiosidad de otros medios como el Manhattan East, que calificó I Spit on your Grave como “Un trabajo inmensamente serio de un talentoso escritor y director llamado Meir Zarchi, remarcablemente bien interpretada por Camille Keaton, como la superviviente de la violación”[16].

Otro de los factores que sin duda contribuyeron a hacer tan popular este film fue su edición en video. Conviene no olvidar que nos encontramos a principios de los ochenta y en pleno despegue de la era del Home Video, cuando una auténtica avalancha de títulos luchaban por llamar la atención de los espectadores desde las estanterías de los video clubs, así que las  distribuidoras pusieron especial cuidado en reclamar esa atención del público con llamativas, y en muchos casos engañosas, carátulas con las que vestir sus productos. Para el lanzamiento en video de I Spit on your Grave se creó un nuevo cartel que es el que ha transcendido hasta nuestros días mostrando a  una chica de espaldas ligera de ropa portando un cuchillo. Sobre la identidad de la joven, que obviamente no es Camille Keaton, existe una curiosa teoría:

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En 1981, antes de embarcarse en Empire y Full Moon Pictures, Charles Band adquirió los derechos de distribución en video de I Spit on your Grave a través de su compañía Wizard Video, que fue la encargada de realizar el nuevo cartel. Por entonces Band estaba rodando una película de ciencia-ficción de bajo presupuesto llamada Parásito (Parasite, 1982) protagonizada por una joven Demi Moore, con la que se rumoreaba que Band tenía un romance. Cuando hubo que escogerse modelo para el póster, Band seleccionó a Demi Moore, que tenía por entonces 19 o 20 años y que, antes de dedicarse a la interpretación (de hecho Parásito es su segunda película), había realizado trabajos de modelo. El dato nunca ha sido confirmado por la propia actriz, pero tanto Band como sus colaboradores aseguran que el bonito trasero que decora la carátula de tantas ediciones mundiales,  primero en videocasete y ahora en Blu-ray, de I Spit on your Grave,  pertenece a Demi Moore.

El deliciosamente exploit cartel italiano.

El deliciosamente exploit cartel italiano.

Para terminar lo referente al cartel, cabe destacar que en la frase promocional que puede leerse en el mismo, se descontaron en el número de agresores y en los medios utilizados para la venganza: “Esta mujer ha cortado, troceado, roto y prendido fuego a cinco hombres pero ningún jurado de America sería capaz de condenarla”. Como se sabe los agresores son cuatro y ninguno de ellos es achicharrado…

Lamentablemente esta película también protagonizó otra agria polémica. En el verano de 1983 el británico Daily Mail urgió en su editorial al reelegido gobierno Thatcher para que plantara cara a las películas violentas, clasificándolas como pervertidoras de la juventud y altamente adictivas. En 1985 el gobierno tomó cartas en el asunto declarando que los productores y distribuidores de ese material no eran mejores que los traficantes de droga, y que merecían un trato legal similar. Y si para la justicia estos films equivalían a droga, I Spit on your Grave era la más tóxica. Astra Video, sello encargado de distribuir el título en el Reino Unido,  recibió la orden judicial de dejar de hacerlo y destruir master, cubiertas, más de 200 copias localizadas, pósters y todo el material promocional. I spit on your Grave recibía así la categoría de ‘Nasty movie’, siendo incluida en la tristemente célebre lista de películas prohibidas en Inglaterra. Pero todo se complicó aún más cuando, aprovechando la psicosis contra este tipo de películas, la Sra. Austin las culpabilizó directamente de provocar que su hijo Martin, de 18 años, violara a dos mujeres. Escribió una carta sobre el tema a la primer ministro de Inglaterra, Margareth Thatcher, manifestando que si su hijo “no hubiera sido corrompido por los videos, él nunca habría atacado a esas pobres mujeres”. La polémica llevó a que el propio Meir Zarchi fuera invitado por el programa televisivo Friday Live para hablar sobre el tema en septiembre de 1983, contando también con la Sra. Austin, que declaró: “su película convirtió a mi hijo en un doble violador”. Zarchi, padre a su vez de dos hijos adolescentes, se defendió como pudo y en contra de las expectativas congenio con la señora, que llegó a confesarle que su ‘angelito’ ya había tenido problemas con la justicia mucho antes de ver I Spit on your Grave o de aficionarse a las ‘nasty movies’. La Sra. Austin justificó su actitud ante Zarchi: “lo que hizo no tuvo nada que ver con la película, pero soy su madre y tengo que hacer lo posible para disculpar y salvar a mi hijo”.

Por todas estas razones I Spit on Your Grave no solo no se estrenó en cines en Inglaterra, sino que además desde que fue prohibida en video en 1984 no se editó hasta 2002, aunque con su metraje aligerado en 7 minutos, especialmente en las escenas de la violación, que parecen ser las más molestas. Habría que esperar a la lujosa  edición especial  editada en DVD en 2010 por 101 Films, que prometía ser ‘la versión más completa editada en UK’ y que podría  haber sido asimismo la más espectacular editada en todo el mundo al incluir un libreto de 24 páginas, una reproducción del póster,  numerosos extras y… también dos minutos amputados en su metraje.

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Y todo y con ello aún se prohibió su comercialización en Irlanda.

Pasan los años pero los guardianes británicos de la moral no descansan.

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Han pasado los años para el film y sus protagonistas. Zarchi y Keaton se divorciaron en 1982, tres años después de casarse. Mientras el director tan solo dirigió una película más y se centró en la producción, tal y como ya hemos señalado, Camille volvió a casarse en 1993 tumblr_n7ug9bnDue1qk5el2o1_1280con el empresario norteamericano Sidney Luft, exmarido de Judy Garland con el que se llevaba 32 años de diferencia de edad y del que enviudó en 2005. Su carrera cinematográfica, tras unos prometedores inicios en Italia, se estancó después de rodar I Spit on Your Grave, limitándose a intervenciones en productos de serie Z e incluso en un, según Alex Zinéfilo, “casposo” remake del film de Zarchi, Savage Vengeance (Donald Farmer, 1993) “que no llega ni a la suela de los zapatos de la original, ni merece ninguna atención[17]”. Es con el nuevo milenio cuando la actriz ha vuelto a ser reclamada por nuevos directores y revalorizada precisamente por ser la protagonista del film de Zarchi. Camille, todavía una mujer muy bella, se deja querer en convenciones de fans e interpretando pequeños cameos en películas como The Butterfly Room (Jonathan Zarantonello, 2012).

Meir Zarchi, que responde “absolutamente si” cuando le preguntan si merecen los violadores terminar como acaban en su film, se muestra satisfecho de haber rodado I Spit on Your Grave: “Por supuesto que estoy orgulloso. Yo lo financié y es uno de los más famosos films de terror de culto de todos los tiempos. El público es libre de escoger ver o no una película, y en todo el mundo la repercusión ha sido importante, lo cual no está mal”[18]. Respecto a la acción de la censura, el director también lo tiene claro: “Nadie debe ser censurado. Ya somos

Camille Keaton y Zarchi durante el rodaje del documental Grow Up with I Spit on your Grave.

Camille Keaton y Terri Zarchi durante el rodaje del documental Growing Up with I Spit on your Grave.

suficientemente mayores como para decidir por nosotros mismos lo que queremos ver. No vivimos en la época de Mussolini (…) ¿Alguien debe decirte que ver y que no? Es humillante para el público que se le diga qué y qué no debe de ver[19], y confiesa que todavía hoy se sorprende de lo que lee sobre su film: “Recuerdo críticas online y comentarios de Internet en Amazon y uno decía ‘Hay que matar a este hombre, ¿Cómo ha podido hacer una película como esta?’ No sé si tomarlas en serio o no[20].

Por su parte Terry, el hijo de Zarchi que aparece brevemente en el film de su padre, también se ha dedicado al cine dirigiendo Holy Hollywood (1999), en la que Camille Keaton interpreta un pequeño papel. Actualmente se encuentra rodando Growing Up with I Spit on your Grave, un documental sobre el film que estamos tratando que promete ser más que interesante.

Indudablemente la obra de Zarchi también ha servido de modelo para otras películas, como es el caso de la comentada Savage Vengeance y de una ultra casposa adaptación turca, Intikam Kadini (Naki Yurter, 1979), que hay que ver para creer. Asimismo inspiró al director Steven R. Monroe, responsable en 2010 de un correcto remake y de su innecesaria secuela, de las que hablamos más adelante.

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Y es que I Spit on your Grave es un film que aún hoy no deja indiferente. Una carga de profundidad que golpea en el bajo vientre, muy cerca de las tripas, vísceras encargadas más que el cerebro de decidir si la actitud de la protagonista contra sus atacantes es la correcta. Si es la justa. Si hay que celebrar esa sangrienta venganza al margen de la ley. No en vano el título que recibió la película en Francia fue Oeil pour oeil (ojo por ojo) y en Argentina, Tomar revancha.  La obra nos enseña en toda su crudeza y mediante la violación más larga de la historia del cine (cerca de 25 minutos) que la mujer no disfruta siendo forzada, algo que el cine parecía haber popularizado en cientos de escenas en las que, tras reducir el galán a la mujer con una fuerte bofetada, pasa a besarla, encadenando la rendición de la mujer con un significativo fundido a negro. Hay que domarlas para que no se desmanden y Jennifer, la protagonista tan bien encarnada por Camille Keaton, no solo tiene el delito de ser mujer atractiva, sino que también es independiente, cultivada, de ciudad. Delitos todos ellos por los que debe de ser reducida brutalmente y volver a ser únicamente un sexo al servicio del varón. Controlada, en este caso, por  la violencia del sexo.

I Spit on Your Grave es un film que más que visionarse se experimenta. Que se siente en las tripas, a menos que no se tenga un mínimo de sensibilidad. Y que el tiempo lo ha puesto en su lugar como un film valiente y para nada misógino. Si en su momento fue considerado como uno de los peores ejemplos de explotación de la mujer, posteriormente su protagonista ha sido vista por ciertos sectores feministas como un modelo, llegando la feminista británica Julie Bindel, que se manifestó inicialmente en contra del film, a considerar I Spit on your Grave un ‘film feminista’. Sobre esto, Camille Keaton declaró: “Me hace sentir bien, me gusta escucharlo, pero pienso que un montón de gente también adora el film por lo que es: un film exploitation[21].

It’s Only Rock & Roll but… I like it

I SPIT AGAIN: DE REMAKES Y SECUELAS

Escupir_sobre_tu_tumba_Dulce_venganza-595506370-largeEn esta época de revisión de títulos más o menos recientes, a base de remakes actualizados de films señeros como Evil Dead o La última casa a la izquierda, era inevitable que le llegara el turno a I Spit on your Grave. Una empresa llevada a cabo con bastante dignidad Steven R. Monroe.

Neoyorquino de nacimiento, Monroe, que comenzó su carrera como auxiliar de cámara, debutó como director con The Contract (1999). Ha trabajado para el canal SyFy y su filmografía incluye It Waits (2004), Storm Cell (2007) y Mongolan Death Worm (2009), pero tenía una deuda adquirida con Meir Zarchi desde que vio su film a los 17 años y le dejó marcado: homenajearlo realizando un remake. Para ello contó con el propio Zarchi en funciones de producción ejecutiva y también se rodeó con un elenco de jóvenes talentos como Sara Butler, que interpreta muy dignamente a una Jennifer Hills sin miedo al reto físico y sin mojigaterías en las escenas de desnudos, tan presentes y necesarias, y un Rodney Eastman bastante irreconocible por el tiempo transcurrido desde que interpretó a Joey, el chico mudo y con la testosterona muy alta en la tercera y cuarta entrega de la saga Pesadilla en Elm Street.

La historia que nos narra Monroe no guarda grandes variantes respecto a su modelo, aunque no se limita a calcar el guión original, ya que ofrece nuevos giros argumentales y cinco atacantes en lugar de cuatro. También ‘corrige’ uno de los temas que llamaron la atención del

La atractiva Sarah Butler.

Sarah Butler, la atractiva Jennifer Hills de 2010.

film original: hubo quien no consideraba responsable de sus actos a Matthew, el retrasado del grupo de violadores, por lo que no veía correcto que este personaje estuviera incluido en la venganza de Jennifer, así que Monroe suavizó la situación poniendo su muerte en manos de uno de sus propios compinches.

Se introduce asimismo la figura del Sheriff como representación de la autoridad, figura que, no solo no servirá de consuelo para la joven, sino que también se sumará al ataque siendo el más feroz de todos: la justicia (su agente) sodomizará a la joven y llevará además el mando de la situación. Finalmente la escena en la que Jennifer acude a una iglesia y pide perdón por lo que va a hacer, incluida en la versión original y que algún crítico tildó de innecesaria, no se incluye en la película de Monroe, aunque como podemos ver revisando los extras del DVD, se grabó una similar que terminó siendo desechada.

La película está rodada con una cámara muy inquieta para añadir tensión a lo que se narra, y su color, al contrario que en la original, es apagado y a base de grises, a tono con su sórdida trama. Monroe también añade elementos found fotage mediante la cámara de uno de los atacantes, obsesionado, como tantos, en grabar todo lo que sucede. Otro punto de vista visual que enriquece el film otorgándole más verosimilitud.

Sarah Butler presentando I Spit on your Grave en el cine Retiro durante el Festival de Sitges.

Sarah Butler presentando I Spit on your Grave en el cine Retiro durante el Festival de Sitges.

Con todo el film de Monroe es un más que correcto remake que respeta la película original aportando quizás una venganza más ‘vistosa’, ya que es la parte violenta la que el director resalta en detrimento de la sexual, con un fundido en negro incluido que nos ‘ahorra’ dos violaciones evitando así lo que más incomoda al espectador, lo que lo posiciona ‘justificando’ la sangrienta venganza de Jennifer Hills, precisamente la crudeza y brutalidad de la violación.

Aún así, y como estos tiempos parece ser que tampoco están para echar cohetes, existen dos versiones del film, una de 108 minutos y otra con tres minutos menos, lo que no ha impedido que la edición en DVD haya sido prohibida en Nueva Zelanda.

¿Y qué opinan los artífices de la original de este remake? Pues Camille Keaton está encantada: “Me impactó, me sorprendió y finalmente me halagó. La imitación es la mayor forma de halago[22]. Mientras que para Meir Zarchi “No es necesario. Nadie necesita una nueva versión de Mona Lisa o de la 6ª Sinfonía de Tchaikovsky, pero el cine es un negocio y querían hacer dinero con el remake. La cuestión es ¿Es buena? ¿Es fiel a la original? En parte si y en parte no. Debe de ser la audiencia quien decida”[23]. A nivel anecdótico, ya que su crítica no ha tenido el peso específico que tuvo en su momento la que realizó de la original, Rogert Ebert calificó el film de “despreciable remake del despreciable film de 1978” algo que, en vista de las circunstancias, debe ser tomado como un halago.

mezarinatukurecegimi_spit_on_your_grave_two_ver2_xlgNo sé si por éxito obtenido, por compromisos adquiridos o por terminar de quemar el tema, Monroe dirigió una innecesaria secuela, I Spit on your Grave 2 en 2013, que mezcla en su guión elementos de la historia original condimentados con altas dosis de trata de blancas en países de la Europa del Este, concretamente Bulgaria, que será donde será llevada la protagonista tras ser secuestrada y donde será torturada, prostituída y finalmente enterrada en vida. Aunque, claro, sobrevivirá y planeará una venganza con la que demostrará una destreza en la tortura digna de Ilsa, la loba de las SS.

El film resulta más brutal y violento que su predecesor, pero no alcanza el nivel de perturbación del original. A pesar de su decepcionante resultado, CineTel Film estuvo en Cannes buscando preventas para una tercera entrega de la serie que todavía no tiene director ni escritor, pero sí un guión bastante disparatado a priori y ya totalmente alejado del espíritu del film original. También, y formando parte de un proyecto totalmente ajeno a Cinetel y Anchor Bay, responsables del remake y su secuela, Zarchi ha escrito una continuación directa de su film titulada I Spit on your Grave – Deja-vu, que piensa dirigir con Camille Keaton como protagonista y producción de Chad Ferrin y Terry Zarchi. El argumento sería el que sigue: Jennifer Hills publica un best seller en el que narra la traumática experiencia que vivió y el controvertido juicio en el que fue acusada de tomarse la justicia por su cuenta. En la pequeña ciudad en la que fue violada brutalmente, los familiares de los cuatro asaltantes están furiosos desde que la declararon inocente y buscan vengarse.

Otra vuelta de tuerca que sin lugar a dudas puede resultar, cuanto menos, curiosa.

(Publicado originariamente en el fanzine Klowns Horror Fanzine nº4: Rape & Revenge)

NOTAS:

[1] Ripollés, J. Ven y mira. El cine fantástico y de terror en la zona prohibida. Coordinado por Rubén Lardín. Ed. Semana de cine Fantástico y de Terror de San Sebastián. Donosti, 2011. Pág. 121

[2] http://www.gorepress.com/2010/09/21/meir-zarchi-interview/

[3] Friday the 13th Part 2, Steve Miner, 1982.

[4] Se ha dicho de todo respecto a este tema, preferentemente que es nieta o bisnieta, pero realmente era prima segunda o tercera y nunca llegó a conocer al genial cómico.

[5] http://www.gorepress.com/2010/09/21/meir-zarchi-interview/

[6] Tweedle, Sam: She Spat On Our Grave: A Conversation with Camille Keaton (http://popcultureaddict.com/interviews/camillekeaton/)

[7] Ibidem

[8] Meir Zarchi entrevistado por Gavin C. Schmitt (http://framingbusiness.net/archives/1315)

[9] http://www.gorepress.com/2010/09/21/meir-zarchi-interview/

[10] Ibidem.

[11] 25 Anys Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Sitges. Ed. Patronato Municipal per a l’organització del Festival. Octubre 1992. Pág. 116

[12]  Título ‘inspirado’ en el de la película francesa J’irai cracher sur vos tombes (Michel Gast, 1959) que en Estados Unidos se distribuyó, precisamente, como I Spit on Your Grave en 1962 y que está basado en la obra del mismo título escrita por Boris Vian en 1946.

[13]   Ebert, R. en Chicago Sun Times. 15 de Julio de 1980.

[14] Ibidem.

[15] Siskel G. en Chicago Tribune. 14 de Julio de 1980.

[16]Stan C. y Boyajian M. en Manhattan East, 13 de enero de 1982.

[17] Zinéfilo, A. La noche de los sexos violentos. Glénat. Biblioteca Dr. Vértigo 22. Barcelona 1998. Pág. 197.

[18] http://www.gorepress.com/2010/09/21/meir-zarchi-interview/

[19] Ibidem

[20] Ibidem

[21] Tweedle, Sam. Opus Cit.

[22] Tweedle, Sam. Opus cit.

[23] http://www.gorepress.com/2010/09/21/meir-zarchi-interview/

Categorías:CINE CLUB, HOMENAJES

No moriré sola, venganza en Argentina

nomoriresolacov2Adrián García Bogliano es un autor que ha ido madurando con cada nuevo filme, lejos de encorsetarse, a lo largo de su obra ha ido recorriendo los distintos subgéneros del terror y los ha ido abordando, además, desde diversas narrativas y estilos cinematográficos. Empezaba su carrera en el largometraje con Habitaciones para turistas, una ópera prima que revisaba los principios del slasher y mostraba un futuro prometedor para el cineasta, con ese arriesgado blanco y negro que nos llevaba a la Argentina más rural y oscura. Ese mismo paisaje lo visita de nuevo en No moriré sola, su cuarta película, esta vez ensayando una nueva lectura del subgénero dado en llamarse rape&revenge el cual se caracteriza por narrar los hechos en dos actos: el primero es la exposición del ultraje sexual padecido por la (aquí las) víctima, cargado de violencia y de humillación; el segundo es su reverso, la víctima se convierte en verdugo y da caza a sus agresores de la forma más sangrante posible. Es una exploración, pues, de los mecanismos de la venganza que pone al público en la tesitura de valorar si ejercerla después de haber sufrido una agresión feroz es o no de justicia. No moriré sola respeta fielmente este esquema, pero no es un ejercicio académico, Adrián (que firma el guion junto a su hermano Ramiro) deja en la película una impronta personal que se da más en la forma de narrar que en lo narrado.

El argumento es típico. En la zona más desolada del partido de La Plata, atravesando carreteras secundarias, cuatro jóvenes viajan en coche de vuelta a sus casas tras un periodo vacacional. Escena cotidiana que se verá truncada cuando descubran en el arcén a una muchacha gravemente herida de bala. Tras una breve deliberación, las cuatro amigas deciden subirla al auto y llevarla hasta la comisaría de policía más cercana. Una de las jóvenes identifica a lo que parece ser un grupo de cazadores furtivos muy cerca del lugar donde encontraron a la chica herida. Mientras están presentando declaración vemos, en profundidad de campo y a través de una ventana, llegar el coche de los cazadores; descubrimos a la par que las muchachas que el cabecilla de ese grupo vandálico es el jefe de policía. A partir de aquí empezará su odisea. Una intriga que parte de los lugares comunes de la exploitation, pero para abordarlos desde una perspectiva que tiene mucho de experimental.

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Efectivamente, Adrián toma la decisión de darle al sonido una relevancia narrativa que no es siempre habitual en este subgénero. La secuencia de la violación múltiple es la más cruda de la cinta. Ocupó ella sola dos de los nueve días de rodaje, pero la pericia del director hace que nos parezca estar asistiendo a ella en tiempo real. Tiene una duración de casi doce minutos, la cámara se toma su tiempo para ir retratando la acción dejando al fuera de campo sólo lo que, de incluirse, habría dado lugar a sexo explícito, lo suficiente para que lo no visto golpeé todavía más que lo mostrado. Y es que ese fuera de campo está rellenado por los jadeos, las súplicas, los gemidos, los sollozos… que llegan a nuestros oídos como si estuviésemos en el mismo lugar de los hechos. Nos incomoda porque nos hace testigos del sufrimiento exhalado por las chicas, en contraste además con los tranquilos rumores del bosque. Lo que violenta NO MORIRÉ SOLA 2dado dentro de la calma, ese contraste agudiza la brutalidad del acto, una brutalidad estomagante que nos hace revolvernos.

Esa utilización del sonido y ese sostener los planos, dan a la película un efectivo naturalismo. De hecho el realismo es la mejor baza de la cinta. No hay pirotecnia de efectos, cosa que nos obliga a no distanciarnos de lo visto, no nos permite evadirnos. También el segundo acto, la venganza, está retratada con los mismos tintes. Vemos a las jóvenes sumidas en la desolación, se mueven como sonámbulas por el bosque, apenas se cruzan palabras entre ellas, no actúan según un plan, tan sólo se dejan llevar. Tras la violación llegarán las muertes, unas muertes que no tendrán nada de espectacular, la revancha es fruto de la rabia del momento, no hay premeditación. Bogliano quiere alejarse del triunfalismo ochentero norteamericano y aproximar su película a la sobriedad de las fundadoras del subgénero. A nuestras protagonistas las impele tan sólo la necesidad de liberar la energía violenta con la que sus agresores las han cargado. Por eso no hay coreografías esmeradas en No moriré sola, la inercia es la que preside, por eso también no habrá muertes bellas que luzcan en la pantalla; las chicas reaccionan como podría haberlo hecho cualquiera en circunstancias reales. Todo es verista y sucio.

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No moriré sola es una película incomoda porque no nos lleva a una verdadera catarsis. La secuencia que acompaña a los créditos, un travelling de seguimiento de la carretera por la que circula el vehículo de las protagonistas acompañado por la música de Hernan Penner (Putas y Pastillas es el título de la canción) ya nos marca el tono de abandono que va a acompañarnos hasta que la película se cierre con un travelling de alejamiento de la misma carretera (un auténtico ejercicio de simetría). Los personajes son dejados a su suerte y junto a ellos el espectador. El cierre no nos consuela ni nos conforma. Sólo vemos una violencia que engendra violencia sin solución de continuidad. La revancha es inevitable pero insatisfactoria, no hay redención alguna, el daño queda hecho y nada va a aliviarlo.

(Publicado anteriormente EN PAPEL en Klowns Horror Fanzine Nº4)

Categorías:CINE CLUB

VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 17 de julio *

DEL REVÉS (INSIDE OUT) (Peter Docter y Ronaldo del Carmen, 2015) *****

USA. Duración:94 min. Guión: Michael Arndt (Historia: Pete Docter) Música: Michael Giacchino Productora: Pixar Animation Studios / Walt Disney Pictures Género: Animación.

Sinopsis: Hacerse mayor puede ser un camino lleno de obstáculos. También para Riley, que debe dejar su vida en el 650_1200Medio Oeste cuando su padre consigue un nuevo trabajo en San Francisco. Como todos nosotros, Riley es guiada por sus emociones: Alegría, Miedo, Ira, Asco y Tristeza. Las emociones viven en Cuarteles Generales, el centro de control dentro de la cabeza de Riley, desde donde la ayudan y aconsejan a lo largo de su día a día. Riley y sus emociones intentan adaptarse a su nueva vida en San Francisco, pero el caos se instala en los Cuarteles Generales. Aunque Alegría, la emoción principal y más importante de Riley, intenta mantener una actitud positiva, las emociones chocan a la hora de decidir cómo actuar en una nueva ciudad, un nuevo hogar y una nueva escuela

Desde un viaje en globo por encima de las nubes a una metrópoli habitada por monstruos, el director Pete Docter, ganador del Oscar® por Monstruos, S.A. y Up ha llevado a los espectadores a lugares únicos y desbordantes de imaginación. En Del revés, nos conducirá al lugar más extraordinario de todos: el interior de la mente.
(Comentario y crítica completa aquí)

ETERNAL (Selfless, Tarsem Sing, 2015) *****

USA. Duración: 116 min. Guión: David Pastor, Àlex Pastor Música: Dudu Aram, Antonio Pinto Fotografía: Brendan Galvin Productora: Focus Features / Endgame Entertainment / FilmDistrict / Ram Bergman Productions Género: Ciencia Ficción.

Reparto: Ryan Reynolds, Ben Kingsley, Matthew Goode, Natalie Martines, Victor Garber, Derek Luke, Michelle Dockery, Teri Wyble, Sandra Ellis Lafferty.

Sinopsis: A un poderoso millonario, enfermo de cáncer (Ben Kingsley), le ofrecen la posibilidad de someterse a un procedimiento médico radical para transferir su conciencia al cuerpo de un hombre más joven (Ryan Reynolds). Al principio la operación va bien y el hombre disfruta de su renovada juventud, pero todo se complica cuando empieza a descubrir los detalles en torno a la procedencia de su nuevo cuerpo.

Con un prometedor comienzo, elegante e intrigante, Eternal posee un impecable punto de partida que, lamentablemente se desinfla conforme avanza la trama, a pesar de los esfuerzos que ponen sus principales interpretes, eternal-spentre ellos un Ben Kingsley que llena la pantalla y al que echaremos de menos durante el resto del metraje, puesto que ese segmento inicial interpretado por él es lo mejor de la película; un correcto Ryan Reynolds; y finalmente el magnífico Matthew Goode, actor que parece estar especializándose en papeles de villano frío y cínico. Los españoles Álex y David Pastor (Infectados, Los últimos días) firman el guión de la película, que llamó la atención del director Tarsem Singh tras aparecer en la prestigiosa «Lista Negra de los mejores guiones de cine no producidos» que se elabora cada año con los guiones mejor valorados por productores y ejecutivos de estudios americanos. En esta lista han figurado películas como El discurso del Rey, La red social, Los juegos del hambre, El francotirador y Django Desencadenado entre muchas otras. Ambientada en Nueva Orleans, y mostrando todos los tópicos turísticos que puedan imaginarse, este guión de los hermanos Pastor estoy seguro que podría haber tenido un tratamiento más satisfactorio al partir de una premisa muy perturbadora, por las lecturas paralelas que puede tener y que no han sido explotadas, optándose por derivar el filme hacia el thriller y el melodrama. Una oportunidad perdida

 

AMY (Asif Kapadia, 2015) *****

UK. Duración: 127 min. Música: Gabriel Ferreira, Dudu Aram Productora: Playmaker Films / Universal Music Género: Documental.

Sinopsis: Documental sobre la famosa cantante Amy Winehouse, que cuenta con imágenes inéditas de archivo y entrevistas con la malograda estrella, que murió en julio del 2011 a los 27 años de edad.

Amy-Winehouse-posterAmy es un fiel, sentido y respetuoso retrato de los últimos años en la fugaz carrera de la prodigiosa cantante Amy Winehouse. El director realiza la cinta  montando  imágenes provenientes de diferentes fuentes, con sus consiguientes calidades y texturas: declaraciones de televisión, entrevistas, filmaciones íntimas recogidas con móvil  e imágenes de conciertos y de paparazzis, entre las que priman las digitales y que sirven para mostrarnos las 1000 texturas de  un mismo ser, un ser sensible en busca de amor, de alguien que controle su vida, sus excesos. Que la cuide, la ame y no permita que, como finalmente ocurrió, tire la toalla. Sorprende, pero se comprende, que la vida de alguien tan joven esté tan provista de imágenes. Los móviles han pasado a ser elementos cotidianos que permiten guardar momentos a tiempo real. Confidencias que han sobrevivido al tiempo y que ayudan a que nos adentremos en la compleja joven que tenía el alma adulta y la voz negra.

No es necesario un narrador para este documental, el enorme puzzle de imágenes y voces impecablemente montadas que componen Amy, nos relatan las vicisitudes de su vida: De sus principios como diva del jazz al éxito multitudinario como reina de Soul; de sus depresiones adolescentes combatidas gracias a su amor por la música; de su huida del hogar materno; de su bulimia no tratada; de su nuevo hogar en Candem y sus nuevos ambientes; de la presión de la industria, que reclama más y más grabaciones; de su destructiva relación con su novio Blake, cuya primera ruptura le ofrecerá inspiración para su obra maestra, Back to Black, que la llevará a lo más alto de la fama y de allí a la locura, al terror, al fin. De la admiración al ridículo mediático con el secreto a voces de que su muerte era tan solo cuestión de tiempo. Una muerte anunciada. De los parásitos que surgen en el seno de su propia familia, responsables en gran parte de su caída. De su primera sobredosis causada por un cóctel de cocaína, heroína, crack y alcohol y sus primeros escenarios en falso; las giras anuladas que culminan con su espantada en Serbia. Un derrumbe que será la antesala de su fin.

Pero también hay momentos buenos y dulces, muchos. Su dúo con su admirado Tony Bennet; sus actuaciones en locales pequeños; el cariño de sus amigos de siempre y el amor, amor desesperado hasta la muerte. Una colección de imágenes que pese a la admiración del director hacia la biografiada, no permite que se ahorre ni oculten  sus peores momentos. Frágil. Genial. Portentosa. Amy Winehouse ya es leyenda y esta película la retrata fielmente durante dos horas que pasan tan fugaces como la vida de la  última gran diva del Soul.

 

 

Categorías:VAMOS DE ESTRENO

Del revés (Inside out), el valor de la tristeza

del revés pósterCuando era yo enana como un piojo me explicaba las afecciones humanas como si fuesen manchas de colores en mi interior (creo que ni siquiera había desarrollado el concepto de alma); así la sed era verde, el hambre naranja, el sueño lila y recuerdo especialmente la culpa porque era negra, de un negro que la hacía abominable. Estoy por pensar que Pete Docter compartió conmigo esta especie de abstracción rudimentaria, porque bien podría haber sido ese el punto de partida de esta excepcional obra que es Del revés (inside out). Docter, que ya nos había llevado a una metrópolis habitada por monstruos (Monstruos, S.A.)  y nos había invitado a volar por encima de las nubes en un globo (Up), nos lleva ahora al lugar más fascinante posible: el interior de la mente.

Del revés (inside out) se mueve entre dos planos de realidad. De una parte, la vida externa de Riley, una niña de once años que se ve obligada a dejar atrás su vida en el Medio Oeste americano porque su padre encuentra un nuevo trabajo en San Francisco. De otra, la complejidad del funcionamiento de su mente con el predominio de sus emociones. Una doble peripecia en la que lo interior es lo que se externaliza hasta lograr el absoluto protagonismo de la narración, ese es el significado del Inside Out de su título (con la voz ‘Del revés’ se pierde un poco la profundidad del concepto). Dos historias enlazadas y autónomas simultáneamente (si se nos permite el oxímoron), plasmadas con diferente paleta cromática, colores básicos y luminosos para el mundo de lo emocional, tonos más tenues para la cotidianidad de Riley. Con esta utilización del color Docter logra que nos parezca casi imagen real la vida de la niña y un mundo dibujado el interior de su mente. Y es que la animación de Del revés (inside out) es un verdadero prodigio.INSIDE OUT

Esta, la última, producción de Pixar es quizás su trabajo más excepcional. En ella se compone un imaginario poderoso, y visualmente impecable, en el que se desarrolla al máximo el valor narrativo de la animación. Hay que destacar especialmente la secuencia en la que Alegría y Tristeza, las dos emociones protagonistas, deben atravesar el núcleo de la reflexión abstracta todo un brillante repaso de la historia de la abstracción en el arte de la pintura, mostrado mediante la exposición inversa de la evolución de los dibujos animados, desde la actual tridimensionalidad hasta la descomposición en líneas. Es un momento que nos hace pensar en Fantasía, el tercer largometraje de los estudios Disney estrenado en 1940 y que fue la más experimental de sus producciones, carácter éste que comparte Del revés (inside out), pero integrado (y eso es novedad) en la estructura clásica de los cuentos infantiles, el viaje del héroe, el personaje cómico (aquí el antiguo amigo imaginario de la niña), el compañero antitético del protagonista (Tristeza y Alegría, respectivamente), y la resolución feliz del conflicto. Es por ello que hasta los más pequeños podrán disfrutarla aunque no lleguen a comprender su riqueza conceptual.

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Si elaboradísima es la animación, no lo es menos el concepto al que sirve. De entrada es toda una lección sobre el funcionamiento de nuestro cerebro, desde el poder central de las emociones, por encima incluso de la razón (y esto es ya una tesis de la película), hasta la estructuración de la memoria, pasando por la explicación de los distintos niveles de la mente (la imaginación y el pensamiento abstracto; el sueño y la vigilia; la conciencia y el subconsciente… ). Simplemente genial es, por destacar sólo un aspecto, la plasmación en imágenes de los archivos de la memoria a largo plazo, un laberinto multicolor en el que se almacenan y conservan los recuerdos (y del que se eliminan tan sólo los que han quedado en desuso, tarea de la que se ocupan los olvidadizos, unos personajes de los que nos gustaría saber más). Pero no se queda aquí, en la ilustración de los conocimientos científicos que tenemos de la mente, Del revés (inside out) es también una reflexión sobre el valor dialéctico de la existencia humana.

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No es gratuito que la auténtica heroína de la cinta sea Alegría, sólo teniendo ella el protagonismo se podía enunciar, como lo hace, el valor de la tristeza. A bote pronto todos podríamos pensar que la alegría es nuestra emoción más saludable, cuando ella nos inspira nos cargamos de positivismo y nos sentimos capaces de todo. Pero pensar así no sería más que hacerlo de una manera simplista. Cuando hacemos introspección y reflexionamos, nos damos cuenta de que nuestra vida no sería igual sin sus contrastes y reversos. Apreciamos el estar alegres porque somos capaces de entristecernos. Al contrario de lo que podría parecer, la tristeza nos permite un conocimiento de nosotros mismos y de nuestros límites que no tendríamos si careciéramos de tal emoción, un conocimiento, además, muy útil adaptativamente hablando porque reconocer nuestros límites es lo que nos da la dimensión exacta de nuestras fuerzas. Sin alegría seríamos incapaces de actuar, pero sin la tristeza sería imposible superarnos. Del revés (inside out) nos pone cara a cara con la lucha de contrarios de Heráclito, según la cual un opuesto no puede ser sin el otro, que es casi tanto como decir que uno es el otro. Alegría y tristeza han de ir de la mano para que podamos enfrentar nuestro propio mundo. Este es el aprendizaje que nos deja la película como poso.

del revés

Del revés (inside out) es una obra madura destinada a convertirse en un hito. Habrá de marcar un antes y un después en las producciones Pixar porque su exquisita excelencia ha puesto el listón muy alto (los diez minutos de ovación cerrada en Cannes la avalan). Una grande dentro de las grandes de la animación y, más allá, del cine mismo.

VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 10 de julio *

LA MIRADA DEL SILENCIO (The Look of Silence, Joshua Oppenheimer, 2014)*****

Dinamarca / Finlandia / Indonesia / Francia / UK. Duranción: 99 min. Guión: Joshua Oppenheimer. Música: Seri Banang, Mana Tahan. Fotografía: Lars Skree. Productora: Final Cut for Real. Género: Documental

the_look_of_silence_1Tras el golpe de estado militar de 1965, el general Suharto ocupó el poder en Indonesia con el beneplácito de  Estados Unidos y su política de erradicación del comunismo. A continuación llegó el genocidio: miles de comunistas, reales o presuntos, fueron asesinados por los escuadrones de la muerte. Los habitantes de pequeñas poblaciones tuvieron que aprender a convivir con sus asesinos y hubo un acuerdo tácito de olvidar. The Act of Killing (2012)  Joshua Oppenheimer permitía que los propios asesinos se jactaran y se pusieran en evidencia relatando los detalles de sus tropelías, sintiéndose héroes al recordar y representar sus crímenes, ofreciendo un sobrecogedor retrato de la maldad humana sin ningún tipo de concesión hacia el espectador, testigo mudo de toda esa crueldad. Precisamente mientras se rodaba esa película, en la que se pone nombre a una de las víctimas, Ramli, su  familia descubrió cómo fue asesinado su hijo.  El hermano más joven de la víctima, Adi, decide romper el silencio y el miedo con el que viven los supervivientes, enfrentándose así a a los responsables del asesinato de su hermano – algo inimaginable en un país donde los asesinos permanecen en el poder.

En el título de este nuevo documental, La mirada del silencio,  se encuentran los dos factores fundamentales del mismo: La mirada acusadora de una víctima, que hace las veces de entrevistador, a los verdugos de su hermano. En un cara a cara silencioso, sin palabras. Sin apartar la vista. Regalando momentos incómodos para el verdugo, que desea marchar, mirar hacia otro lado, desaparecer, amenazando incluso, antes que enfrentarse a esa mirada limpia y digna que quiere romper con el silencio con el que se ha intentado enterrar el pasado. Ni víctimas ni verdugos parecen querer recordar. Ahora viven en una democracia, y si quieren que no se repitan los hechos del pasado, hay que enterrar y olvidar ese pasado. A pesar de que muchos de los responsables de esas matanzas continúan en el poder.

Si The Act of Killing nos rebelaba como seres humanos, esta mirada del silencio nos consuela en parte al permitir que, por medio de Adi, las víctimas puedan enfrentarse a sus verdugos. Mirarles cara a cara. Pero La mirada del silencio es mucho más, es un testimonio sobre la vida y la muerte. La justicia y la falta de ella. Y sobre el ser humano y la falta de humanidad. Sobre nuestra ceguera en este mundo en el que cualquier noticia entierra la anterior en segundos. La sobreinformación que paradójicamente produce silencio y ceguera.

Un documental sobrecogedor e imprescindible.

(En este enlace pueden leer un interesante y revelador artículo escrito por el propio director Joshua Oppenheimer sobre porqué decidió rodar estos documentales, como lo consiguió y las consecuencias de hacerlos hecho. Vean y escuchen)

TERMINATOR GÉNESIS (Terminator Genisys, Alan Taylor, 2015)*****

USA. Duración: 126 min. Guión: Laeta Kalogridis, Patrick Lussier Música: Christophe Beck Fotografía: Kramer Morgenthau Productora: Paramount Pictures / Annapurna Pictures / Skydance Productions Género: Ciencia Ficción.

Reparto: Emilia Clarke, Arnold Schwarzenegger, Jason Clarke, Jai Courtney, J. K. Simmons, Dayo Okeniyi, Lee Byiung-Hun. Matt Smith.

Sinopsis: Año 2032. La guerra del futuro se está librando y un grupo de rebeldes humanos tiene el sistema de inteligencia artificial Skynet contra las cuerdas. John Connor (Jason Clarke) es el líder de la resistencia, y Kyle Reese (Jai Courtney) es su fiel soldado, criado en las ruinas de una postapocalíptica California. Para salvaguardar el futuro, Connor envía a Reese a 1984 para salvar a su madre, Sarah (Emilia Clarke) de un Terminator programado para matarla con el fin de que no llegue a dar a luz a John. Pero lo que Reese encuentra en el otro lado no es como él esperaba…

TerminatorPoster_oficialDejando aparte el interesante punto de arranque, (SPOILER) con ese Terminator de los ochenta y el T-1000, dos sorprendentes guiños a las anteriores entregas de la serie (a falta de la Terminatrix de la tercera)(FIN DEL SPOILER) el film se torna casi soporífero. Invadiendo en todo momento la sensación de que lo que acontece en la pantalla ya lo hemos visto antes. Incluido el final. El Terminator ‘bueno’ de Schwarzenegger se ha vuelto la sombra de la amenaza que era en anteriores filmes, cargando tintas los guionistas en su intención de hacerlo entrañable. El ‘abualeitor’ ya está un poco chocho y se le nota, llegando a sentir algo parecido al instinto paternal. Y es que solo las múltiples explosiones, efectos especiales de última generación, efectivos pero poco sorprendentes,  y la acción a raudales evitan que entremos en fase REM. Es posible que la historia no de más de sí; o que hubiera necesitado un guión más elaborado  y sorprendente. No lo sé. Pero no cautiva esta entrega de Terminator que si bien parece cerrar anteriores ciclos, también amenaza con iniciar uno nuevo ya con Terminator/Schwazenegger actualizado con la tecnología T-1000.

Eso sí, si de algo puede presumir este filme es de ser pudoroso hasta ofender. Quizás habría que explicar a los guardianes de la moral norteamericana que, si quieren que la película sea clasificada para todos los públicos, bien está que a pesar de toooooda la violencia latente, no haya muertes. Vale. Pero no creemos, la verdad, que sea necesario tanto cuidado para no mostrar la más mínima parte de la epidermis de los actores. De acuerdo, mucho se ha abusado del desnudo por ‘exigencias del guión’ en el pasado, pero lo que se hace para evitarlo en Terminator Génesis, sobrepasa el ridículo más absoluto. En pleno siglo XXI a nadie puede ofender un pudoroso desnudo.

LOVE & MERCY (Bill Pohlad, 2014)  *****

USA. Duración: 121 min. Guión: Oren Moverman, Michael A. Lerner Música: Atticus Ross Fotografía: Robert D. Yeoman  Productora: John Wells Productions / River Road Entertainment Género: Drama biográfico.

Reparto: Paul Dano, John Cusack, Elizabeth Banks, Paul Giamatti, Jake Abel, Joanna Going, Kenny Wormald, Dee Wallace, Erin Darke, Max Scheneider, Nikki Wright, Claudia Graf, Paige Diaz.

Sinopsis: Biopic sobre el músico y compositor Brian Wilson, fundador de los Beach Boys, sobre su influencia en la música, y sus problemas nerviosos que propiciaron su relación con el controvertido terapeuta Dr. Eugene Landy.

Lejos de ser un aburrido y gris biopic al uso, Love & Mercy  resulta ser un acertado retrato de la enfermedad mental narrada (y oida) desde dentro de la cabeza del propio músicolove-and-mercy-poster-640x949. Y dirigido de forma muy agil por su director, que por lo pronto renuncia a la cronología y apuesta por hacer avanzar la historia yendo de los sesenta a los noventa y viceversa utilizando dos actores para realizar el mismo papel: Paul Dano como el joven líder de los Beach Boys obsesionado con reproducir los sonidos que oye en su cabeza; y John Cusack, que encarna al maduro músico totalmente roto y manipulado por su terapeuta, papel que interpreta impecablemente el siempre eficaz Paul Giamatti.  Dos escenarios y dos épocas que el director también filma de diferente forma, la de los sesenta, más  excitante, de una forma casi documental, como queriéndonos hacer formar parte de la historia. Y la de los noventa mucho más convencional, casi hasta la exasperación. Somos testigos del ascenso de los Beach Boys y del nacimiento de Pet Sounds, la respuesta de Wilson al Sgt. Peppers y uno de los álbumes clave de la historia de la música del siglo XX; y del descenso a los infiernos de Brian Wilson; así como de la frustrada creación de Smile, disco iniciado en los años sesenta y finalizado en 2004. Y todo está tan bien relatado que uno recupera la fe en los buenos biopics. Y por ende, en el buen cine.

EL MUNDO SIGUE (Fernando Fernán Gómez, 1963) *****

España. Duración: 115 min. Guión: Fernando Fernán Gómez (Novela: Juan Antonio Zunzunegui) Música: Daniel J. White Fotografía: Emilio Foriscot (B&W) Productora: Ada Films Género: Drama.

Reparto: Lina Canalejas, Fernando Fernán Gómez, Gemma Cuervo, Milagros Leal, Francisco Pierrá, Agustín González, José Morales, José Calvo, Fernando Guillén, María Luisa Ponte, Pilar Bardem.

Esta es una de esas película que sin duda incomodaron al Régimen. Estrenada dos años después de realizarse y casi de tapadillo, esta agria historia sobre dos hermanas, que obsesionadas cada una a su manera por la riqueza, se profesan mutuamente un profundo odio, muestra una España alejada de los parámetros felices que a toda costa El_mundo_sigue-273711292-largese nos quería mostrar. Prostitución, aborto, violencia, pobreza, desigualdades sociales… vidas viles en las que el único valor es el del dinero, que Fernán Gómez retrata en un blanco y negro repleto de grises y una banda sonora conformada por los sonidos de la calle, de los vecinos, de los transistores. Pero también del jazz de Daniel J. White, amiguete de saraos nocturnos del propio Fernán Gómez y de Jesús Franco (de quien también fue músico de cabecera)  en el interminable Madrid nocturno de los cincuenta. A pesar de estar rodada en 1963, El mundo sigue mantiene la estética de los años cincuenta, y resulta ser un film tan bien fotografiado y repleto de detalles, que sus imágenes narran más de como fue esa época gris que cualquier documental. Entre sus protagonistas destacan las dos hermanas, una Lina Canalejas en estado de gracia y una bella y eficaz Gemma Cuervo. También realiza una interpretación genuina Milagros Leal como la abnegada madre de ambas jóvenes. Asímismo el Faustino que encarna Fernando Fernán-Gómez es una brillante composición de marido machista, jugador empedernido (hoy lo llamaríamos ludópata) y canalla. Tan brillante como está en la interpretación, Fernán Gómez, lo está también detrás de las cámaras. Como director se permite innovar a la hora de narrar en imágenes: con encuadres rabiosamente modernos, planos fijos bien sostenidos por los actores, brillantes flash-backs que se introducen sin solución de continuidad dentro de la trama, como el magistral momento en el que, mientras Luisita sube las escaleras, se van intercalando planos de ella de niña subiendo (su infancia inocente) y su escalada en su presente en el que se ha convertido en una mantenida que acude al hogar paterno intentando ser perdonada y aceptada (cosa que conseguirá por sus generosos regalos). Puede decirse que, como director,  se avanza a su época. El único pero que podría ponerse a esta obra es su fidelidad al texto literario que la inspira, consecuencia de lo cual hay ocasiones en que el registro lingüístico de los diálogos es poco coloquial.

El mundo sigue se ha querido incluir formando parte en  una especie de trilogía del director junto a La vida por delante (1958) y La vida alrededor (1959), pero  no debería ser así, ya que las dos primeras son comedias y comparten personajes, mientras que El mundo sigue es una historia trágica totalmente ajena a las otras dos.

 

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Joshua Oppenheimer habla sobre La mirada del silencio (The Look of Silence)

Puede hablarse y mucho sobre este magnífico documental, pero este texto, escrito por el propio director e incluido en el dossier de prensa del filme, nos parece un documento fundamental para entender y valorar en su totalidad la obra de Oppenheimer, por lo que hemos decidido incluirlo íntegro. 

Mientras que en The Act of Killing buscaba exponer las consecuencias de construir nuestra realidad cotidiana sobre una base de terror y mentiras, La mirada del silencio explora la vida de los supervivientes que viven en esa realidad. Sin lugar a dudas, hacer una película sobre los supervivientes de un genocidio es adentrarse en un campo minado de clichés que, en su mayoría, nos presentan a un protagonista heroico, si no santo, con el que podemos identificarnos, ofreciéndonos así el falso consuelo de que, en la catástrofe moral de la atrocidad, distamos mucho de parecernos a los asesinos.

Sin embargo, mostrar una imagen santificada de los protagonistas con el fin de convencernos de nuestra bondad es usarlos para engañarnos y un insulto a la experiencia de los supervivientes, sin contar con que no ayuda en absoluto a entender lo que significa sobrevivir a la atrocidad, llevar una vida hecha añicos por la violencia en masa y vivir silenciado por el terror. Así pues, para surcar este campo minado de clichés, hemos tenido que explorar el silencio en sí.

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El resultado, La mirada del silencio, es, espero, un poema sobre el silencio que nace del terror y de la necesidad de acabar con él, pero también sobre el trauma que implica romperlo. Puede que sea un homenaje al silencio, un recordatorio de que, a pesar de que intentemos seguir adelante, mirar hacia otro lado y pensar en otras cosas, nada reparará por completo lo que ya se ha roto, igual que nada resucitará a los que ya han muerto. La mirada del silencio es una invitación a detenernos, a pensar en las vidas que han sido destruidas y a esforzarnos por escuchar el silencio que viene después.

LA MIRADA DEL SILENCIO. HISTORIA DE LA PRODUCCIÓN

La primera vez que visité Indonesia fue en 2001. Fui a ayudar a los trabajadores de las plantaciones de palma de aceite a hacer una película que documentara y pusiera en valor globalizationtapessu lucha por organizar un sindicato tras la caída de la dictadura de Suharto —apoyada por Estados Unidos— durante la cual, las uniones sindicalistas eran ilegales. En aquel entonces, en las remotas aldeas agrícolas de Sumatra septentrional, a duras penas se notaba que ya habían pasado tres años desde el fin de la dictadura militar.

Las condiciones en las que vivía este pueblo eran deplorables. Las mujeres que trabajaban en las plantaciones se veían obligadas a rociar herbicida sin ropa de seguridad. Así, el spray les entraba en los pulmones y llegaba a su torrente sanguíneo, destruyéndoles el tejido hepático. Como consecuencia, las mujeres enfermaban, y muchas morían antes de llegar a los cincuenta años. Si se quejaban de estas condiciones, la empresa, dirigida por belgas, contrataba matones paramilitares para amenazarlas e incluso agredirlas físicamente.

El miedo era el mayor obstáculo en su camino para organizar un sindicato, y era la razón por la que la empresa belga podía envenenar a sus empleados y salir impune. Pero pronto comprendí la raíz de dicho temor: los trabajadores de la plantación habían tenido un gran sindicato hasta 1965, año en el que sus padres y abuelos fueron acusados de simpatizar con el comunismo por pertenecer a éste. Fueron enviados a campos de concentración, explotados como esclavos y, finalmente, asesinados por el ejército y los escuadrones de la muerte.

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En 2001, los asesinos no solo gozaban de impunidad total sino que, junto a sus protegidos, seguían dominando todos los estratos del gobierno, desde la aldea de la plantación hasta el Parlamento. Los supervivientes vivían bajo el temor de que una nueva masacre pudiera desatarse en cualquier momento.

Una vez terminada la película (The Globalisation Tapes, 2002), los supervivientes nos pidieron que volviéramos lo más pronto posible para hacer una nueva cinta sobre la raíz de su miedo, es decir, sobre lo que se siente al vivir rodeado y gobernado por los hombres que asesinaron a sus seres queridos.

Volvimos casi de inmediato, a principios de 2003, y comenzamos a investigar uno de los asesinatos de 1965 del que los trabajadores de la plantación hablaban muy a menudo. La víctima se llamaba Ramli, y su nombre se usaba casi como un sinónimo de los asesinatos en general.

Pronto entendí lo que hacía que ese asesinato en particular se mencionara con tanta frecuencia: hubo testigos. No había forma de negarlo. A diferencia de los cientos de miles de víctimas que desaparecieron en mitad de la noche de los campos de concentración, la muerte de Ramli había sido pública. Y no solo hubo testigos de sus últimos momentos, sino que los asesinos abandonaron su cuerpo en medio de la plantación de palma de aceite, a menos de tres kilómetros de la casa de sus padres. Años después, furtivamente, la familia pudo erigir una tumba en su nombre, aunque solo podían visitarla a escondidas.

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Tanto supervivientes como ciudadanos indonesios en general hablaban de “Ramli”. Supongo que porque su muerte fue la triste evidencia de lo que sucedió con las demás víctimas y con toda una nación. Ramli fue la prueba de que los asesinatos, por muy tabú que fueran, habían ocurrido. Su muerte confirmó a los aldeanos todos los horrores que el régimen militar les había obligado a fingir que nunca habían ocurrido pero que, sin embargo, había amenazado con desatar de nuevo. Hablar de “Ramli” y de su asesinato era ese pellizco necesario para volver a la realidad, era un recordatorio de la verdad, una conmemoración del pasado y una advertencia para el futuro. Para los supervivientes y otras personas de la plantación, recordar a “Ramli” era reconocer la raíz de su miedo y, por consiguiente, el primer paso para superarlo.

Cuando regresé a principios de 2003, fue inevitable que se hablase a menudo del caso de Ramli. Los trabajadores de la plantación no tardaron en buscar a la familia del chico, y fue así como conocí a Rohani, la distinguida madre de Ramli, a Rukun, su anciano padre, aunque bromista, y a sus hermanos, incluyendo a Adi, el menor, oculista de profesión y nacido después de los asesinatos.

Rohani buscó en Adi un sustituto de Ramli. Lo tuvo para superar su pérdida y poder seguir viviendo, y Adi ha vivido con esa carga toda su vida. Como los hijos de supervivientes a lo largo de toda Indonesia, Adi creció en una familia tildada oficialmente de “políticamente sucia”, empobrecida por décadas de extorsión por parte de los oficiales de las fuerzas armadas locales y traumatizada por el genocidio.

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Adi, al haber nacido después de los asesinatos, no tenía miedo de hacerse escuchar y exigir respuestas. Me atrevería a decir que mi proceso de rodaje le ayudó a entender lo que había sufrido su familia, el rodaje se convirtió en un medio para expresar y superar un terrorismo que todo su entorno se había negado a reconocer por miedo.

Adi y yo nos hicimos amigos inmediatamente, y juntos comenzamos a contactar con otras familias de supervivientes de la región. Se reunían y contaban sus historias mientras nosotros grabábamos. Para muchos de ellos, ésta era la primera vez que hablaban públicamente de lo que había pasado. En una ocasión, una superviviente llegó a casa de los padres de Ramli temblando de miedo, aterrorizada pensando que si la policía descubría lo que estábamos haciendo, la arrestarían y la obligarían a trabajar como esclava, como habían hecho durante los años de dictadura. Aun así, asistió a la reunión decidida a dar su testimonio. Cada vez que pasaba una moto o un coche, parábamos de grabar y escondíamos todo el equipo que pudiéramos. Debido a las décadas de apartheid económico, los supervivientes apenas podían permitirse una bicicleta, por lo que el sonido de un motor significaba la visita de un desconocido.

El ejército, que tiene bases en todas las aldeas de Indonesia, no tardó en enterarse de lo que estábamos haciendo y amenazó a los supervivientes, incluyendo a los hermanos de Adi, para que no participaran en el rodaje. Los supervivientes me rogaron: “Antes de que te rindas y vuelvas a casa, intenta grabar a los culpables. Quizá te cuenten cómo mataron a nuestros familiares”. No sabía si era seguro acercarme a los asesinos, pero al hacerlo descubrí que la mayoría presumía de sus acciones. No dudaron en relatarme —a menudo con una sonrisa en los labios y delante de sus familias, de sus nietos incluso— los macabros detalles de los asesinatos. Viendo este contraste entre los supervivientes forzados a guardar silencio y los asesinos jactándose con historias mucho más incriminatorias que cualquier relato de los supervivientes, sentí que había aterrizado en Alemania cuarenta años después del Holocausto solo para encontrar que los nazis seguían en el poder.

Cuando les mostré estos testimonios a los supervivientes que quisieron verlos, incluyendo a los demás hermanos de Adi y Ramli, todos me dijeron algo parecido a: “Tienes algo valiosísimo entre manos. Sigue grabando a los culpables, pues cualquiera que vea esto, se verá obligado a reconocer lo podrido que está el corazón del régimen que estos asesinos han construido”. A partir de ese momento, sentí que la comunidad de supervivientes y derechos humanos me había confiado una tarea que para ellos era imposible de realizar sin poner sus vidas en riesgo: grabar a los asesinos. Todos mostraron mucho entusiasmo al invitarme a los lugares donde habían cometido los crímenes y caían en demostraciones espontáneas sobre cómo los habían llevado a cabo. Al terminar, se quejaban de que no se les había ocurrido llevar un machete de atrezo o a algún amigo que interpretara el papel de la víctima. Un día, a principios del proyecto, conocí al líder del escuadrón de la muerte de la plantación en la que habíamos grabado The Globalisation Tapes. Él y otro verdugo me invitaron a visitar un claro a las orillas del “Río de la Serpiente” en el que habían ayudado a asesinar a 10.500 personas. De repente, me di cuenta de que me estaba contando cómo había matado a Ramli. Me había topado con uno de sus asesinos.

TORONTO, ON - SEPTEMBER 11:  Director Joshua Oppenheimer and subject Adi Rukun of "The Look of Silence" pose for a portrait during the 2014 Toronto International Film Festival on September 11, 2014 in Toronto, Ontario.  (Photo by Maarten de Boer/Getty Images)

TORONTO, ON – SEPTEMBER 11: Director Joshua Oppenheimer and subject Adi Rukun of “The Look of Silence” pose for a portrait during the 2014 Toronto International Film Festival on September 11, 2014 in Toronto, Ontario. (Photo by Maarten de Boer/Getty Images)

Hablé con Adi sobre este encuentro, y tanto él como otros miembros de la familia me pidieron ver la grabación. Fue así como conocieron los detalles de la muerte de Ramli.

Durante dos años, desde 2003 hasta 2005 y desde el campo hasta la ciudad, grabé a cada uno de los asesinos que pude encontrar en Sumatra septentrional, visitando a cada escuadrón de la muerte hasta poder acceder a los superiores en la línea de mando. Anwar Congo, quien se convertiría en el personaje principal de The Act of Killing, fue el cuadragésimo primer asesino al que filmé.

Dediqué los cinco años siguientes a la grabación de The Act of Killing y, a medida que avanzaba el proceso, Adi me pedía ver el material filmado. Veía todo lo que le podía enseñar en el tiempo que podía sacar para él. Estaba anonadado.

Al ser grabados, los autores de genocidios de tal magnitud suelen negar las atrocidades que han cometido o disculparse por ellas, pues cuando los cineastas los contactan, ya han sido expulsados del poder y sus acciones han sido condenadas y expiadas. En este caso, los homicidas a los que estaba filmando habían salido victoriosos, habían construido un régimen terrorista basado en la celebración de un genocidio y seguían estando al mando. Nunca tuvieron que admitir sus errores, y es por esto que The Act of Killing no es un documental sobre un genocidio ocurrido hace 50 años, sino el desenmascaramiento de un régimen actual fundado en el terror. Tampoco es una narrativa histórica, es una película sobre la historia misma, sobre las mentiras que los vencedores cuentan para justificar sus acciones y sobre los efectos de dichas mentiras; sobre un pasado traumático sin resolver que sigue atormentando al presente.

Desde el principio de mi travesía, supe que había otra película que debía realizar con igual urgencia, una sobre el presente también. En The Act of Killing reinan las víctimas ahora ausentes, los muertos. Prácticamente cada uno de los pasajes tristes termina abruptamente con una página de silencio y angustia, con un paisaje vacío y a menudo en ruinas habitado por una única y solitaria figura. El tiempo se detiene. Hay una ruptura en el punto de vista de la película, un cambio abrupto al silencio, una conmemoración de las víctimas y de las vidas destruidas sin justificación. Sabía que haría otra película en la que entráramos a esos espacios lúgubres para sentir desde lo profundo de nuestro ser lo que sienten los supervivientes obligados a vivir ahí y a construir sus vidas bajo la mirada vigilante de quienes asesinaron a sus seres queridos y aún siguen en el poder. Esa película es La mirada del silencio.

the_look_of_silence_1Además del material grabado entre 2003 y 2005 que Adi pudo ver, grabamos La mirada del silencio en 2012, después de editar The Act of Killing pero antes de estrenarla, tras lo cual sabía que ya no podría volver a estar a salvo en Indonesia. Trabajé muy de cerca con Adi y sus padres, quienes, junto a mi equipo indonesio anónimo, se habían convertido en una nueva parte de mi familia.

Adi pasó años estudiando las grabaciones de los genocidas. Las veía con una mezcla de conmoción, tristeza e indignación; quería entenderlas. Mientras tanto, sus hijos estaban en el colegio aprendiendo que todo lo que les había pasado —la esclavitud, las torturas, los asesinatos, las décadas de apartheid político— era culpa de ellos mismos, doctrina que buscaba instigar un sentimiento de culpa en los hijos de los supervivientes. Adi quedó sumamente afectado e indignado por la arrogancia de los oficiales, el trauma y miedo causado a sus padres y el lavado de cerebro al que estaban expuestos sus hijos. En vez de proponerme continuar desde donde lo habíamos dejado en 2003, reuniendo supervivientes para que nos contaran su experiencia, Adi decidió que quería conocer a los hombres implicados en el asesinato de su hermano. Tenía la esperanza de que, al presentárseles como el hermano de la víctima, se vieran obligados a reconocer sus crímenes.

En Indonesia, que una víctima confronte a un criminal es algo inconcebible, como puede apreciarse en The Act of Killing. Se trataba de un proyecto sin precedentes: hacer una película en la que víctimas confrontaran a asesinos mientras estos seguían al mando. Los enfrentamientos eran peligrosos; cuando nos reuníamos con los peces más gordos, iba solo con Adi y mi equipo danés: el cámara Lars Skree y el productor Signe Byrge Sørensen. Adi venía sin identificación. Borrábamos todos los números de nuestros teléfonos móviles y llevábamos un segundo coche al que pudiéramos cambiarnos minutos después de habernos ido, para así huir más fácilmente en caso de que los oficiales enviaran a la policía o a sus matones a seguirnos. Pero ninguno de los enfrentamientos acabó violentamente, en gran medida gracias a la paciencia y la empatía de Adi y al hecho de que los homicidas no sabían muy bien cómo reaccionar, dado que ya me habían conocido unos años atrás.

Aun así, los encuentros fueron tensos. Una y otra vez, Adi verbalizaba lo que nunca se había dicho, permitiendo al público sentir lo que es sobrevivir a un genocidio y percibir las sombras de un silencio opresivo nacido del miedo.

IMPACTO DE THE ACT OF KILLING

The Act of Killing tuvo el impacto que los supervivientes esperaban cuando me animaron a grabar a los autores del genocidio. Ha sido proyectada miles de veces en Indonesia y está disponible en línea gratuitamente para todos los habitantes del país, lo que ha ayudado a catalizar una transformación en la forma en que Indonesia entiende su pasado. Ahora, tanto los medios como el público pueden, por primera vez y sin temor, investigar el genocidio como lo que fue, un genocidio, y hablar de los vínculos entre la catástrofe moral que representaron las masacres y la catástrofe moral que es el régimen actual constituido y aún presidido por los asesinos.

En octubre de 2012, la revista más importante de Indonesia, Tempo Magazine, publicó una edición especial doble dedicada a The Act of Killing que incluía 75 páginas de las prepotentes declaraciones de los genocidas entrevistados en toda Indonesia. El editor de la revista recopiló estos testimonios para demostrar que la película pudo haber sido realizada en cualquier parte de Indonesia, que hay miles de estos temidos criminales gozando de impunidad en todo el país y que los problemas de corrupción y gansterismo son sistémicos. Esta edición especial significó el fin de los 47 años de silencio sobre el genocidio en los principales medios de comunicación.

La Comisión Nacional de Derechos Humanos de Indonesia emitió sus declaraciones sobre el documental: “Si queremos transformar Indonesia en el país democrático que dice ser, los ciudadanos deben reconocer el terrorismo y la represión sobre los que ha sido construida nuestra historia contemporánea. Ninguna película u obra artística al respecto ha logrado eso de manera tan efectiva como The Act of Killing. Es de visionado obligatorio para todos nosotros”.

Durante mucho tiempo, el gobierno indonesio ignoró The Act of Killing con la esperanza de que desapareciera. Cuando el documental fue nominado a un premio de la Academia, el portavoz del presidente indonesio reconoció que el genocidio de 1965 había sido un crimen contra la humanidad y que Indonesia necesitaba un período de reconciliación, pero a su propio ritmo. Si bien esto no significó que aceptase el documental, sí fue un avance significativo, pues representó un cambio radical por parte del gobierno que, hasta ese entonces, aseguraba que los asesinatos habían sido gloriosos y heroicos.

Hay una escena en The Act of Killing en la que acuso a uno de los asesinos de haber cometido crímenes de guerra, y él responde denunciando la hipocresía de Occidente, recordando que Estados Unidos masacró a los nativos americanos. De hecho, y más concretamente, los Estados Unidos y el Reino Unido ayudaron a maquinar el genocidio indonesio y, durante décadas, apoyaron de muy buena gana la dictadura militar que ascendió al poder tras la masacre.

Cuando The Act of Killing recibió un premio BAFTA, usé mi discurso de aceptación para recalcar que ni el Reino Unido ni los Estados Unidos de América podrán tener una relación ética con Indonesia –ni con muchos otros países del hemisferio Sur- hasta que reconozcamos los crímenes del pasado y el papel que jugamos al apoyar, participar en y, en última instancia, ignorar dichos crímenes.

Un documental no puede cambiar el panorama político de un país. No obstante, como el niño en El traje nuevo del Emperador, puede propiciar un espacio en el que la gente dispuesta a reaccionar pueda tratar los problemas más desgarradores e importantes de la nación por primera vez y sin temor.

Es justamente ahí, en ese espacio, donde entra en juego La mirada del silencio.

SITUACIÓN POLÍTICA ACTUAL DE INDONESIA

En julio de 2014 se eligió, por primera vez en Indonesia, a un presidente sin orígenes elitistas, que no es un oligarca enriquecido a través de la corrupción y el saqueo de los recursos del Estado ni un general del ejército llegado al poder a través de una dictadura militar.

El presidente electo Joko Widodo, comúnmente conocido como “Jokowi”, ha demostrado una preocupación real por la difícil situación en la que se encuentran los indonesios y no ha tenido pelos en la lengua para denunciar la necesidad de reconocer las violaciones de los derechos humanos perpetradas por las fuerzas militares. Sin embargo, entre sus partidarios se encuentran generales del ejército rodeados de asesinos y sus compinches, incluyendo a los generales ya retirados Hendropiyono y Wiranto, ambos responsables de unas de las peores masacres en la historia de la dictadura militar del Nuevo Orden. Como si fuera poco, Jokowi eligió como compañero de tándem a Jusuf Kalla, el vicepresidente, quien aparece en The Act of Killing en un mitin paramilitar diciendo que, básicamente, se necesitan matones para apalear al pueblo y conseguir resultados.

No obstante, también es cierto que el contrincante de Jokowi, Prabowo Subianto, oligarca y antiguo jefe de las tan criticadas fuerzas especiales del país, fue la encarnación del lado más oscuro de la política indonesia. Prabowo es tristemente célebre por haber urdido la desaparición, tortura y ejecución de estudiantes activistas en 1998, las masacres de etnias chinas en 1998 y las matanzas de Timor Oriental.

Durante la campaña electoral, su equipo de campaña amenazó con arrestar a los periodistas críticos, avivó las llamas del extremismo religioso y declaró que Indonesia no estaba lista para una democracia electoral. Su derrota, aunque por un margen mínimo, fue un gran alivio para los supervivientes de abuso de los derechos humanos, minorías étnicas y religiosas y cualquiera implicado en la lucha por la democracia legítima de Indonesia.

Los pulquérrimos antecedentes de Joko Widodo como gobernador de Yakarta y el rechazo al antiguo régimen mostrado por el electorado son, al fin, motivo de esperanza para Indonesia.

CONTEXTO HISTÓRICO:
Masacres de 1965 – 1966 en Indonesia
Editado a partir de los comentarios sobre las masacres, sus consecuencias e implicaciones, del historiador John Roosa (Profesor de Historia de la Universidad de Columbia Británica; autor de Pretext for Mass Murder: The September 30th Movement and Suharto’s Coup D’Etat in Indonesia (Pretexto para el asesinato masivo: el Movimiento del 30 de septiembre y el golpe de estado de Suharto en Indonesia).
Comentarios iniciales y finales adicionales escritos por Joshua Oppenheimer.
En 1965, el gobierno de Indonesia fue derrocado por las fuerzas armadas. Sukarno, el primer presidente de Indonesia, fundador del Movimiento de Países no Alineados y líder de la revolución nacional contra el colonialismo holandés, fue destituido y remplazado por el general de derechas Suharto. El Partido Comunista Indonesio (PKI), que siempre había tenido un papel fundamental en la lucha contra el colonialismo holandés y que había apoyado firmemente al presidente Sukarno —a pesar de no ser comunista— fue prohibido de inmediato.
La víspera del golpe, el PKI era el partido comunista más grande del mundo fuera de un país comunista. Estaba oficialmente comprometido a llegar al poder a través de elecciones y entre sus aliados se encontraban todos los sindicatos y cooperativas para campesinos sin tierras de Indonesia. Sus principales temas de campaña incluían una reforma agraria y la nacionalización de las empresas mineras, petroleras y forestales extranjeras. Con esto, buscaban emplear los vastos recursos naturales de la nación en beneficio del pueblo indonesio que, tras 300 años de explotación colonial, vivía, en su mayoría, en la pobreza extrema.
Tras el golpe militar de 1965, cualquiera que se opusiera a la nueva dictadura militar podía ser acusado de ser comunista. Esto incluía a sindicalistas, campesinos sin tierras, intelectuales y etnias chinas, así como a cualquiera que hubiera luchado por la redistribución de la riqueza tras el fin del colonialismo. En menos de un año, y con la ayuda directa de gobiernos occidentales, más de un millón de estos “comunistas” fueron asesinados. En Estados Unidos, la masacre fue celebrada como una “gran victoria sobre el comunismo” y recibida, ampliamente, como una buena noticia. La revista Time reseñó: “La mejor noticia sobre Asia que Occidente ha recibido en años”, mientras que en el New York Times se leyó el titular: “Un rayo de esperanza para Asia” y se aprovechó para felicitar al gobierno por su buena labor escondiendo su participación en los asesinatos. (Cabe acotar que la inculpación de las etnias chinas, que habían llegado a Indonesia en los siglos XVIII y XIX, fue fomentada por el servicio de inteligencia estadounidense, que buscaba crear divisiones entre el nuevo régimen indonesio y la República Popular China. Asimismo, la masacre de los miembros aldeanos del PKI y sus sindicatos y cooperativas también fue incitada por Estados Unidos, quien temía que sin una “política de tierra quemada”, el nuevo régimen indonesio pudiera llegar a acoger, en algún momento, la base del PKI).
En muchas regiones de Indonesia, el ejército reclutó civiles para que cometieran los asesinatos. Se les organizó en grupos paramilitares y se les garantizó un entrenamiento básico (con un importante respaldo militar). En la provincia de Sumatra Septentrional, como en otras provincias, los paramilitares fueron reclutados, en su mayoría, de pandillas de gánsteres o “preman”. Desde las masacres, el gobierno indonesio ha celebrado “el exterminio de los comunistas” como una lucha patriótica, y ha ensalzado a paramilitares y matones al estatus de héroes, premiándolos con poder y privilegios.
Desde entonces, estos hombres y sus protegidos han ocupado posiciones clave en el poder que han usado para oprimir y perseguir a sus opositores. El pretexto usado para el genocidio de 1965 – 1966 fue el asesinato de seis generales del ejército la noche del 1 de octubre de 1965.
1 de octubre de 1965: El movimiento 30 de septiembre (Gerakan 30 September o G30S), conformado por subalternos descontentos de las Fuerzas Armadas de Indonesia, asesinó a seis generales del ejército en un golpe de estado frustrado y abandonó sus cuerpos en un pozo al sur de la ciudad. Al mismo tiempo, las tropas del Movimiento se apoderaron de la emisora de radio nacional para anunciar su intención de proteger al presidente Sukarno de los generales de derecha del ejército que atentaban con tomar el poder. El Movimiento 30 de septiembre fue derrotado incluso antes de que la mayoría de los indonesios supiera de su existencia. El teniente general Suharto, experimentado comandante del ejército, sobrevivió al atentado y no tardó en contraatacar y sacar de Yakarta a las tropas del Movimiento en un solo día.
Suharto acusó al Partido Comunista de Indonesia (PKI) de haber organizado el Movimiento y, posteriormente, orquestado el exterminio de simpatizantes del partido. El ejército de Suharto acorraló a más de un millón y medio de personas, acusándolas de estar involucradas con el Movimiento. En uno de los peores baños de sangre del siglo XX, cientos de miles de individuos fueron masacrados por el ejército y sus grupos paramilitares asociados, principalmente en Java Central, Java del Este, Bali y Sumatra Septentrional entre finales de 1965 y mediados de 1966. Suharto aprovechó este clima de emergencia nacional para usurpar, progresivamente, la autoridad del presidente Sukarno y para marzo de 1966 ya se había instaurado como presidente de facto y se había atribuido el poder de nombrar y despedir ministros.
Las masacres fueron totalmente desproporcionadas con su causa aparente. El Movimiento fue una conspiración a baja escala organizada por unas pocas personas y, en total, dejó un saldo de 12 muertos. Suharto exageró su magnitud hasta darle la forma de una conspiración continua y a nivel nacional para cometer asesinatos en masa. Todos los millones de personas asociados al PKI, incluyendo a campesinos analfabetos de aldeas remotas, fueron tachados de asesinos y de responsables colectivos del Movimiento.
Ni el gobierno indonesio ni los oficiales militares, hasta el fin del régimen de Suharto en 1998, dudaron en invocar al fantasma del PKI como respuesta ante cualquier disturbio o señal de discrepancia. La frase clave en cada argumento del régimen era: “El peligro latente del comunismo”. La erradicación incompleta del PKI fue, en el sentido estricto de la palabra, la razón de ser del régimen de Suharto. El instrumento jurídico original bajo el que el régimen gobernó Indonesia más de 30 años fue la orden presidencial de Sukarno del 3 de octubre de 1965, en la que autorizaba a Suharto a “restaurar el orden”. Se trataba de una orden de emergencia. Pero para Suharto, la emergencia nunca acabó.
En su intento de construir una ideología que legitimara su dictadura, Suharto se presentó como el salvador de la nación por haber derrotado al Movimiento. Su régimen usó todos los medios y métodos de propaganda estatal a su alcance para grabar el evento en las mentes de los habitantes: libros de texto, monumentos, nombres de calles, películas, museos, rituales conmemorativos y fiestas nacionales. El régimen de Suharto justificó su existencia ubicando al Movimiento en el centro de su narrativa histórica y promoviendo la imagen del PKI como la de un mal inefable. Con Suharto, el anticomunismo se convirtió en la religión de estado, con sus propios lugares sacros, rituales y fechas.
Es impresionante lo mal que ha sido entendida la violencia anti-PKI, teniendo en cuenta la escala de su magnitud. Sin lugar a dudas, el hecho de que los autores de las masacres fueran tanto militares como civiles, ha empañado las responsabilidades. No obstante, por lo poco que se conoce, es evidente que el ejército tuvo la mayor parte de la responsabilidad y que los asesinatos fueron un ejemplo de violencia planeada y burocrática, no espontánea y popular. A través del estricto control de los medios y a base de inventar historias falsas sobre el Movimiento, el grupo de oficiales de Suharto manipuló a los civiles y les inculcó la sensación de que el PKI estaba sediento de sangre. De no haber existido esta deliberada provocación por parte de los militares, el pueblo no habría creído que el PKI era una amenaza mortal, pues este se había mantenido en términos de paz tras los actos del 30 de septiembre. A partir de principios de octubre de 1965, el ejército trabajó sin cesar para despertar el odio del pueblo en contra del PKI, y el gobierno de Estados Unidos incitó activamente a la milicia indonesia a perseguir a cada comunista de a pie. Incitó a los grupos de civiles paramilitares a actuar, les garantizó impunidad y les brindó apoyo logístico.
En contra de la creencia popular, fueron muy pocos los casos de violencia desatados por los aldeanos. Por lo general, el ejército de Suharto prefería las desapariciones misteriosas a las ejecuciones públicas. El ejército y sus grupos paramilitares solían cometer sus masacres a larga escala en secreto: sacaban a los prisioneros de sus cárceles por la noche, los llevaban a lugares alejados, los ejecutaban y luego enterraban sus cuerpos en fosas comunes sin ninguna identificación o los echaban a los ríos.
La tragedia de la historia moderna de Indonesia yace no solo en las masacres organizadas por el ejército en 1965 – 1966, sino también en la ascensión al poder de los asesinos, de las personas que percibían las matanzas y la guerra psicológica como formas normales y legítimas de gobierno. El mismo régimen que se legitimó a sí mismo señalando la fosa común del pozo y jurando: “Nunca más”, dejó un sinfín de fosas comunes a lo largo de todo el país, desde Aceh en el extremo oeste hasta Papúa en el extremo este. La ocupación de Timor Oriental desde 1975 a 1999 también dejó decenas, si no centenas, de miles de muertos, muchos enterrados anónimamente. Cada fosa común en el archipiélago es una señal del ejercicio de poder arbitrario y no declarado vivido en el país.
La obsesión con un hecho relativamente insignificante (el Movimiento) y el tachón de un acontecimiento de la historia mundial (las masacres de 1965 – 1966) han eliminado el sentimiento de empatía por las víctimas y por los familiares de los hombres y mujeres desaparecidos. Mientras un monumento señala el pozo en el que las tropas del Movimiento abandonaron los cuerpos de los seis generales del ejército el 1 de octubre de 1965, no hay nada que señale las fosas comunes en las que yacen los cientos de miles de personas asesinadas en nombre de la erradicación del Movimiento.
Concentrarse en quién mató a los generales el 30 de septiembre de 1965 ha funcionado como un fetiche para desviar la atención del asesinato de más de un millón de supuestos comunistas en los meses siguientes. El régimen de Suharto produjo un sinfín de propaganda sobre los despiadados comunistas implicados en el asesinato de los generales, e incluso actualmente la gran mayoría de los debates sobre el genocidio se concentran en eso. Y esto es cierto también en la mayoría de las fuentes en inglés.
En mi opinión, participar en un debate sobre quién mató a los generales sería grotesco, es por eso que no lo incluyo en The Act of Killing. El genocidio de Ruanda se desató cuando el presidente de Ruanda Juvénal Habyarimana (un hutu) murió tras un atentado a su avión mientras este se aproximaba a Kigali. Concentrarse en quién derribó el avión (¿habrán sido los extremistas tutsi? ¿O quizá los extremistas hutu buscando agitar al pueblo?) en vez de en el asesinato de 800.000 tutsis y hutus a lo largo de los siguientes 100 días sería inadmisible.
Asimismo, saber quién incendió el Reichstag es irrelevante para entender el Holocausto. Preguntarse si los oficiales descontentos involucrados en el asesinato de los seis generales contaron o no con el apoyo del líder del PKI es plantearse una pregunta completamente errónea, pues juega el papel pernicioso de desviar la atención de un genocidio de relevancia mundial. Imagínense si, en Ruanda, la pregunta más importante sobre los acontecimientos de 1994 fuera “¿Quién derribó el avión presidencial?”. Eso solo sería concebible si los asesinos siguieran en el poder.

JOSHUA OPPENHEIMER

Joshua Oppenheimer, as shot by Daniel Bergeron

Joshua Oppenheimer, as shot by Daniel Bergeron

Nacido en 1974, en EEUU, Joshua Oppenheimer reside en Copenhague, Dinamarca, donde es socio de la compañía productora Final Cut for Real. Durante más de una década, Oppenheimer ha trabajado con grupos paramilitares, escuadrones de la muerte y sus víctimas para explorar los vínculos entre la violencia política y el imaginario colectivo. Graduado de Harvard y Central Saint Martins, su primer largometraje fue The Act of Killing (2012). Entre sus obras anteriores se encuentran The Globalisation Tapes (2002, producida con Christine Cynn), The Entire History of the Louisiana Purchase (1998), These Places We’ve Learned to Call Home (1996) y otros cortometrajes.

Oppenheimer es el director artístico del Centro Internacional del Documental y Cine de Autor de la Universidad de Westminster.

Filmografía

The Act of Killing (159 minutos, 117 minutos, 95 minutos – ganadora de 72 premios internacionales incluyendo el Premio del Cine Europeo 2013, el Premio BAFTA 2014, el Asia Pacific Screen Award 2013, el Premio del Público de la Berlinale (Sección Panorama) 2013 y el Guardian Film Award 2014 por Mejor Película; nominada a los Premios de la Academia 2014 como Mejor Documental; estrenada en cines en 30 países; proyectada en innumerables festivales de cine incluyendo el Festival de Cine de Telluride, el Festival de Cine Internacional de Toronto, el Festival New Directors/New Films y el Festival de Cine Internacional de Berlín.

The Globalisation Tapes (documental, producido con Christine Cynn, 2002).

The Entire History of the Louisiana Purchase (50 minutos, 1997; Hugo de Oro, Chicago, 1998; Festival de Cine de Telluride, 1997).

These Places We’ve Learned to Call Home (cortometraje, 1997; Aguja de Oro, San Francisco, 1997).

La mirada del silencio. Premios

2014 Festival de Venecia – Premio del Jurado

2014 Festival de Venecia – Premio de la Crítica (FIPRESCI) – Mejor Película

2014 Festival de Venecia – Premio de la Crítica Europea (FEDEORA) – Mejor Película

Europea y Mediterránea

2014 Festival de Venecia – Mejor Película – Premio Crítica Online (Mouse d’Oro)

2014 Festival de Venecia – Human Rights Nights Award

2015 Premio de la Academia Danesa – Mejor Documental (Robert Prize)

2015 Premio de la Asociación de Críticos Daneses – Mejor Documental (Bodil Prize)

2015 Festival Internacional de Berlín – Peace Film Prize

2014 Festival Internacional de Busan – Mejor Documental (Cinephile Prize)

2015 SXSW Film Festival – Premio del Público – Mejor Película – Festival Favorites –

2015 Festival Internacional de Goteburgo – Mejor Documental – Dragon Award

2015 Festival d’Angers – Premio del Público – Mejor Película –

2014 CPH:DOX Gran Premio (DOX Award)

2014 Premio Consejo Danés de las Artes

2015 True/False Film Festival – True Life Fund Recipient

2015 Festival de Cinéma Valenciennes – Grand Prix du Jury –

2015 Festival de Cinéma Valenciennes – Premio de la Crítica

2015 Festival de Cinéma Valenciennes Prix Étudiants

2015 Festival Internacional de Sofía – Mejor Documental

2015 Prague One World Film Festival – Mejor Película

2014 Festival de Cine de Denver – Mejor Documental

2015 Tromsø Festival Internacional – Premio Don Quixote

2015 Victoria Film Festival – Mejor Documental

 

 

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