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Lilting, una melodía ajena a la estridencia
Como los mundos ingrávidos y gentiles de Machado, Lilting es fundamentalmente un filme sutil. Tanto en su fondo como en su forma. Hong Khaou en su ópera prima compone un delicado poema con el que nos narra un drama intimista que apunta hacia la constatación de que el lenguaje de los sentimientos abre más puentes hacia la comunicación que el lenguaje verbal de las palabras. Nos lo cuenta cadenciosamente (como ya indica el título), haciendo hincapié en la línea melódica de la historia. Aborda temas universales (la soledad, el sentimiento de culpa, el choque entre culturas y, sobre todo, la necesidad de comunicarnos y amarnos), pero los muestra de forma liviana tal como si nos estuviera desgranando una sencilla balada. Su levedad es la que la hace profunda.
Junn (Pei-Pei Cheng) es una anciana chino-camboyana que lleva casi treinta años en Inglaterra pero que, y pese a que habla seis idiomas orientales, nunca ha aprendido el inglés. Richard (Ben Whishaw) es un joven sensible, amante de la cocina china que él mismo prepara, pero, aunque ha sido pareja de Kai (el hijo de Junn) durante cuatro años, no conoce la lengua de Junn. A ambos les une la trágica, por inesperada, muerte de Kai, pero a la vez están separados por kilómetros de convenciones sociales encorsetadas y conflictos interculturales, el principal de ellos recae sobre la dificultad de Kai (Andrew Leung) para hablar de su homosexualidad con su madre. Junn pasa sus días en una residencia para ancianos, allí vive su duelo y sigue su vida, incluso tiene una relación romántica con Alan, otro de los asilados; la barrera idiomática no parece ser un impedimento para vivir su romance. De pronto, su mundo es perturbado por la injerencia de Richard. El joven se siente impelido a ayudarla, no quiere que la madre de su amado termine sus días en la soledad del asilo, así que contratará a una traductora que permita que la mujer se comunique con Alan y con él mismo. Pero las paredes del infierno están alicatadas de buenas intenciones: lejos de facilitar la comprensión, entender las palabras del otro hace que la pareja se distancie. Hará falta que la incomunicación roce su límite para que ambos comprendan que están unidos por el dolor y que el lenguaje de los sentimientos fluye mejor lejos de las traducciones.
Lilting es una película que nos habla de la sensibilidad, de las emociones, y su valor de universal que va más allá de los condicionantes culturales y/o sociales. Y su mejor logro es defender esta tesis jugando la baza de la conmoción. Lilting nos conmueve, por su tema, pero también (y quizás sobre todo) por su puesta en escena. Hong Khaou se muestra hábil en el manejo de la sintaxis audiovisual, así con un simple contraplano a una cama vacía puede informarnos de la muerte del hijo en la secuencia inicial, montaje que por alguna razón nos lleva a recordar el magnífico travelling final de Los cuentos de la luna pálida. Comparar al joven realizador con el maestro Mizoguchi puede parecer exagerado, pero lo cierto es que comparten el buen uso del arte de la sutileza y el saber acercar al occidental el alma oriental. Lilting nos narra la tragedia de Kai mediante ágiles flashbacks que el camboyano introduce sin estridencias ni subrayados. Así un travelling puede acompañar a un personaje desde el pasado hasta el momento actual (o viceversa) sin necesidad de cortes y sin desorientar al espectador (que es lo más importante). Tal se diría que Khaou domina el arte de convertir en sencillo lo complejo. Porque su película fluye pausada como el agua de un arroyo en el final de su curso, cuando va a maridarse con el mar y de sus rápidos sólo queda el recuerdo.
De la importancia de los recuerdos también nos habla el filme. De los objetos físicos (Richard y Junn llegan a discutir sobre quién de los dos ha de conservar las cenizas del finado), claro está, pero sobre todo de las evocaciones que nuestra memoria hace a partir de ellos. Evocaciones que habrán de ser las que nos permitan resolver los duelos y dejarán que la vida siga adelante después de la paralización que supone toda muerte. Y la cámara se paraliza literalmente en un abrazo de los dos jóvenes antes de volver a la habitación de Junn para fundir a negro sobre la figura de la anciana. En esa secuencia se dan la mano la fuerza expositiva del filme, la dulce discreción del director a la hora de retratar las relaciones amorosas entre dos hombres (algo que todavía es menos normal de lo que debiera ser), y la sabiduría de sus actores principales que nos regalan unas interpretaciones ricas en matices sin caer en ningún tipo de histrionismos. Y su drama nos alcanza con su suave aroma de tristeza que, paradójicamente, nos reconforta.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 21 de agosto *
CUT BANK (Matt Shakman, 2014)
Duración: 92 min. Guión: Roberto Patino Música: James Newton Howard Fotografía: Ben Richardson Productora: A24 / Kilburn Media Género: Drama.
Reparto: Liam Hemsworth, Teresa Palmer, Billy Bob Thorton, John Malkovich, Bruce Dern, Michael Stuhlbarg, Oliver Platt, Sonya Salomaa.
Sinopsis: Dwayne (Liam Hemsworth), un joven que fue atleta estrella en el instituto y que ahora trabaja como mecánico, sueña con irse de la pequeña población de Cut Bank, Montana -la ciudad más fría de los Estados Unidos- y mudarse a la gran ciudad, llevándose consigo a su novia Cassandra (Teresa Palmer), que sueña con ser modelo. Pero su plan para para marcharse se complica por una serie de eventos que involucran al joven en una investigación policial que lleva a cabo el Sheriff Vogel (John Malkovich), que por otro lado es lo más cercano que Dwayne tiene a una figura paterna…
La sombra de Fargo (Joel y Ethan Coen, 1996), y en menor medida de la saga Twin Peaks, se hace notar en esta cinta de Matt Shakman, director proveniente del medio televisivo en la que un pequeño pueblo se verá envuelto en el primer asesinato de su historia, un crimen que resultará ser un montaje que desencadenará toda una serie de desastres que es mejor que vean por sí mismos. White Trash, un sheriff con el estómago delicado interpretado por el camaleónico John Malkovich y un misterio envolvente en el que tendrá cabida incluso un sosias de Ed Gein. Buen thriller que cuenta además con la intervención de los siempre agradecidos Bruce Dern y Billy Bob Thorton.
MR. HOLMES (Bill Condon, 2015)
USA/UK. Duración: 104 min. Guión: Jeffrey Hatcher (Novela: Mitch Cullin) Música: Carter Burwell Fotografía: Tobias A. Schliessler Productora: AI-Film / See-Saw Films / Archer Gray Género: Intriga.
Reparto: Ian McKellen, Laura Linney, Milo Parker, Hiroyuki Sanada, Frances de la Tour, Roger Allam, Philip Davis, Hattie Morahan, Patrick Kennedy, Gioacchino Jim Cuffaro, Shina Shihoko Nagai, Paul Blackwell.
Sinopsis: En 1947, Holmes vive retirado en una remota granja de Sussex con un ama de llaves y el hijo de ésta. Cumplidos los 93 años, su memoria y su capacidad intelectual empiezan a deteriorarse. Su rutinaria vida se limita al cuidado de su colmena, a la escritura de su diario y a la lucha contra su pérdida de facultades. Pero hay un último caso, el que hizo que se retirara, que busca resolver.
Bill Condon tiene en su haber una de las cintas favoritas de Serendipia, Dioses y monstruos (Gods and Monsters, 1998), así que solo por ello ya le merecía especial atención Mr. Holmes, la última propuesta del director. Un director que nos llevó al corazón de la Tamla Motown con Dreamgirls (2006) y luego se metió de cabeza en el universo lánguido de la saga Crepúsculo que pocos de los que la critican han visto.
Mr. Holmes tiene muchos de los elementos que hicieron de Dioses y monstruos un filme inolvidable: ambas cuentan con una magnífica interpretación de Ian McKellen, actor harto conocido ahora pero que hasta entonces no había tenido oportunidad de lucirse en la gran pantalla como merecía. Muchos lo descubrimos en ese filme interpretando un papel, el de un decadente James Whale, que también guarda similitudes con el venerable y cascarrabias Holmes que encarna con idéntica eficacia en este filme. Ambas muestran los últimos días de sus protagonistas, y en ambas tienen un objetivo, el último, que cumplir, recurriendo a los seres que tienen más a mano. En las dos historias el servicio de la casa tiene un papel primordial: la sirvienta y el jardinero en la primera y la sirvienta y su hijo en la segunda. Las dos historias ponen un gran cariño y respeto hacia sus personajes y funcionan como un reloj suizo, con final agridulce y regado todo ello con la música del compositor de cabecera de Condon, Carter Burwell.
Mr. Holmes tiene, como no podría ser de otra manera, un gran misterio a resolver, un último caso para un Holmes afectado de senilidad. También es un relato sobre la soledad del individuo. Pero sobre todo una magnífica lección de interpretación por parte de sus actores, ya no solo por el estupendo actor inglés, sino también por la contenida Laura Linney y el pequeño Milo Parker, que es todo un descubrimiento.
4 FANTÁSTICOS (Fant4stic, Josh Trank, 2015)
USA. Duración: 100 min. Guión: Simon Kinberg, Jeremy Slater (Historia: Josh Trank. Personajes: Stan Lee, Jack Kirby) Música: Marco Beltrami, Philip Glass Fotografía: Matthew Jensen Productora: 20th Century Fox Género: Fantástico.
Reparto: Miles Teller, Kate Mara, Michael B. Jordan, Jamie Bell, Toby Kebbell, Tim Blake Nelson, reg E. Cathey, Lance E. Nichols, Mary Rachel Dudley, Tim Bell, Ronnie Hooks, Jodi Lyn Brockton.
Sinopsis: Cuatro jóvenes inadaptados se teletransportan a un peligroso universo alternativo, lo que les confiere extraños poderes. Cuando sus vidas cambian de forma drástica e irremediable, deben aprender a controlar sus nuevas habilidades y trabajar en equipo para salvar al mundo de un viejo conocido que ahora se ha convertido en un temible enemigo. Adaptación contemporánea del equipo de superhéroes de Marvel.
Comentario aquí.
Sion Sono recibirá el premio Màquina del Temps en Sitges 2015
El cine japonés tiene en Sion Sono uno de los máximos exponentes actuales. Reconocido y galardonado internacionalmente, el cineasta y poeta visitará la 48ª edición de Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya para recoger el premio Màquina del Temps a su trayectoria y, presentar tres de sus últimos films: Tag, Love & Peace y The Virgin Psychics.
Sion Sono (Toyokawa, 1961) se ha convertido en uno de los nombres imprescindibles del cine asiático moderno, un irreverente director de culto que ha conseguido crear un lenguaje fílmico muy personal a lo largo de su carrera, donde la juventud, la muerte o la religión aparecen como obsesiones recurrentes. Su éxito se inició con la impactante Suicide Club (2002) y se consolidó con la multipremiada Love Exposure (2008), una cinta épica de cuatro horas de duración que supuso una crítica radical a los valores juveniles. También destacan los títulos Why Do not You Play in Hell? (2013) y Tokyo Tribe (2014). Con una creatividad sin límites y más en forma que nunca, Sion Sono tiene previsto estrenar hasta cinco filmes durante este año 2015.
El fascinante director es un habitual del Festival, donde presentó en 2010 Cold Fish, ganadora del Premio Casa Asia, Guilty of Romance y Himizu en 2011 y Bad Film en 2013. Dos de sus últimas locuras, Tag y Love & Peace, recientemente han obtenido el premio a la mejor película y actriz, y el premio del público, respectivamente, en el Festival Fantasía de Montreal.
Tag es una película sangrienta, explosiva y divertida en la que un grupo de colegialas se enfrenta a una amenaza sin forma que las ataca brutalmente. Se trata de una adaptación de la novela Riaru Onigokko, de Yusuke Yamada. Love & Peace, en cambio, enlaza dos tramas que se inician con un gris y aburrido oficinista, aspirante a estrella de la música que, en un arrebato, lanza su mascota, una tortuga, por el inodoro. Y en contraste con el horror psico-sobrenatural de Tag y la fábula socio-fantástica y piro-musical de Love & Peace, llega The Virgin Psychics, comedia erótica y fantasía juvenil sobre una imposible revolución sexual en el corazón de Japón. Tres propuestas con el inimitable sello de Sion Sono que prometen grandes dosis de delirio en Sitges 2015.
Los 4 Fantásticos: ¿Crujir de dientes? ¿La película que hay que odiar?
Digamos que los puristas al cómic que inauguró la gran era Marvel de los súper héroes pueden salir del cine (si soportan hasta el final) un tanto airados. Pero es una suposición, claro. Yo mismo soy seguidor de Marvel Cómics, concretamente del arácnido y, la verdad, uno ya está curado de espantos. Y me he llevado unos cuantos.
Roger Corman fue el primero en atreverse con el cuarteto, pero una vez finalizado el filme, prefirió no estrenarla.
Por poner dos ejemplos: en cine los absurdos argumentos en contra y a favor de los lanzaredes orgánicos o inorgánicos. Y en cómic la saga del clon. Muchos han nacido con la imagen de Bruce Wayne encarnado por Michael Keaton, pero la verdad es que lo primero que pensaba uno al enterarse era que Tim Burton había cometido un irreparable error de casting. Así que la enésima adaptación de personajes Marvel a otro medio no debería hacer que perdiéramos los papeles. Y más si nos enteramos de que su versión en cómic se ha cerrado y sus personajes han sido reciclados en otras colecciones. Así que sí, digamos que los guionistas se han tomado ciertas libertades y 
la cuarta y última adaptación de los 4 Fantásticos convierte a sus protagonistas (y a su peor enemigo) en adolescentes. Cambia razas y transforma a Sue en científica también, apañando el guión por aquí y por allá con un corta y pega que complazca a los directores de marketing de los estudios que tienen los derechos de los personajes.
Y dicho esto vamos a la película, un filme que ya desde las redes ha estado escogida por algún gurú de la opinión como la cinta que debes odiar. Y hay que decir que no es para tanto. La nueva remodelación de la familia superheroica se adapta a lo que se supone que debe de gustar al público que acude especialmente a ver estas película: el más joven. Así que ¿qué tenemos que decir los carcamales que hemos leído sus historias desde los tiempos de Ediciones Vértice? Pues ver la película y pasarlo bien… O no. Y este cronista, que repito, está curado de espantos y no le gusta que le digan lo que le tiene que agradar o no, pues ha ido al cine como va siempre, con ganas de pasarlo bien. Y más o menos lo ha conseguido.
Los personajes son atractivos, su historia recalca (y recalcará más su secuela, de haberla) el valor de la amistad, de unir fuerzas para combatir las eventualidades. De no dejarse manipular. Del miedo a los cambios y saber adaptarse a ellos. En fin, los valores positivos y universales que los buenos siempre predican. Hasta bien avanzado el filme, puede verse como una película de ciencia ficción. Y el momento en el que el grupo comienza a luchar unido quizás es demasiado apresurado, como si se terminara el tiempo y hubiera que aligerar. Pero ese desenlace es precisamente el que mantiene la máxima fidelidad con los 4 Fantásticos del cómic, llevando la aventura al plano cósmico tan característico de las aventuras del cuarteto.
Naturalmente cabía esperar más, mucho más de Josh Trank, un director que con Chronicle (2012), su debut, nos ofreció la que posiblemente sea mejor película sobre los súper poderes (y de rebote de las mejorcitas sobre eso que se ha dado en llamar found footage). Pero uno está al corriente de ciertas presiones que el director ha recibido por parte de Fox que incluso no ha dejado que monte su película. En todo caso la película viene con el eco de un estrepitoso batacazo en taquilla que no beneficia para nada su carrera en nuestras pantallas. Por su parte los actores cumplen con su cometido y resulta (si se deja, repito, el cómic original de lado), atractivo el punto de partida con Ben y Reed comenzando su compincheo desde la infancia.
Sin duda una apuesta arriesgada que parece quedará en el saco de las buenas intenciones y que hace que nos preguntemos que tal habría sido si se hubiera dejado que su director hubiera creado el filme, tal y como tenía previsto, con un enfoque más oscuro.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 14 de agosto *
Y DE REPENTE TÚ (Trainwreck, Judd Apatow, 2015) *****
USA. Duración: 125 min. Guión: Amy Schumer Música: Jon Brion Fotografía: Jody Lee Lipes Productora: Apatow Productions / Universal Pictures Género: Comedia.
Reparto: Amy Schumer, Bill Hader, Tilda Swinton, Brie Larson, Colin Quinn, Vanessa Bayer, John Cena, Ezra Miller, Barkhad Abdi.
Sinopsis: Desde pequeña, Amy (Amy Schumer) ha oído a su padre (Colin Quinn) decir que la monogamia no es un estado realista. La periodista vive de acuerdo con las creencias de su padre, disfrutando de una vida sin ataduras, libre de aburridas promesas románticas. Sin embargo, ha llegado a un punto muerto. Cuando descubre que se está enamorando del hombre al que dedica un artículo, un encantador y exitoso médico deportivo llamado Aaron Conners (Bill Hader), Amy se replantea sus creencias y su estilo de vida.
Nuestra crónica y crítica AQUÍ
EXTINCTION (Miguel Ángel Vivas, 2015) *****
España/Francia/USA/Hungría. Duración: 110 min. Guión: Alberto Marini, Miguel Ángel Vivas (Novela: Juan de Dios Garduño)Música: Sergio Moure Fotografía: Josu Inchaustegui Productora: Vaca Films / La Ferme! Productions / Ombra Films / Telefonica Studios/ Laokoon Filmgroup Género: Terror.
Reparto: Matthew Fox, Jeffrey Donovan, Ahna O’Reilly, Clara Lago, Quinn McColgan.
Sinopsis: Nueve años después de que una infección convirtiese a gran parte de la humanidad en criaturas salvajes, Patrick, Jack y Lu, una niña de nueve años, sobreviven en aparente tranquilidad en Harmony, un rincón olvidado, cubierto por nieves perennes. Sin embargo, algo terrible ocurrió entre Patrick y Jack y un odio profundo pervive entre ellos. Cuando las criaturas vuelven a aparecer, Patrick y Jack deberán dejar atrás el rencor para proteger lo que más quieren.
De nuevo el ya manido apocalipsis zombie, todo un subgénero dentro del cine de terror, pero desde el punto de vista de dos supervivientes aislados, con serios problemas entre ellos, y una niña que terminará sirviendo de nexo entre ambos, símbolo de continuidad y objeto de supervivencia. Todo ello en mundo desolado y helado en el que nuestros protagonistas deberán buscar sustento mientras se protegen de los veloces y mutados infectados. Miguel Ángel Vivas juega bien la carta del suspense en pequeños espacios y con pocos jugadores, como ya demostrara en su magnífica Secuestrados (2010). El film, que no puede ser catalogado como serie B, cuenta con la participación de Matthew Fox, recordado protagonista de la serie Perdidos (Lost, J. J. Abrams, J. Lieber y Damon Lindelof, 2004-2010), Jeffrey Donovan y la niña Quinn McColgan, posiblemente recomendada por Jaume Collet-Serra, uno de los productores de Extinction, pues ya participó en su película Non-Stop (sin escalas) el pasado año. También participa la popular Clara Lago.
Para esta parte de Serendipia el filme funciona. Pero la otra parte no opina igual. Pueden leer porqué opina así AQUÍ.
OPERACIÓN U.N.C.L.E. (The Man From U.N.C.L.E., Guy Ritchie, 2015) *****
USA. Duración: 116 min. Guión: Scott Z. Burns, David C. Wilson (Serie: Sam Rolfe) Música: Daniel Pemberton Fotografía: John Mathieson Productora: Warner Bros. Pictures Género: Thriller
Reparto: Henry Cavill, Armie Hammer, Alicia Vikander, Elizabeth Debicki, Hugh Grant, Jared Harris, Christopher Sciueref, Susan Gillias, Luca Calvani, Nicon Caraman.
Sinopsis: Narra las aventuras de dos agentes secretos, uno ruso y otro estadounidense, durante el periodo de la guerra fría. Comienzos de los años 60. El agente de la CIA Napoleon Solo y el agente de la KGB Illya Kuryakin se parecen entre sí mucho más de lo que creen. Obligados a apartar sus diferencias, ambos se unen para formar un equipo que llevará a cabo una misión conjunta para intentar poner fin a una misteriosa organización criminal internacional que pretende desestabilizar el frágil equilibrio de poder resultante de la proliferación de armas y tecnología nuclear.
Operación U.N.C.L.E. adapta la popular serie de los años sesenta The Man from U.N.C.L.E. (1964-1968) que aquí comenzó a emitirse en 1966 como El agente de CIPOL. La serie unía, en plena guerra fría, a dos agentes: el americano Napoleón Solo (Robert Vaughn) y el soviético Ilya Kuryakin (David McCallum) que luchaban espalda con espalda contra un enemigo común. Algo bastante inaudito pero esperanzador que en España pudimos disfrutar con aquel doblaje en español neutro que tanta risa nos da ahora, mientras que nuestras hermanas mayores se enamoraban instantáneamente del rubio que para siempre pasó a ser Kuryakin, aunque interpretara al mismísimo Judas Iscariote en La historia más grande jamás contada (The Greatest Story Ever Told, George Stevens, 1965). El actor, escocés por cierto, junto a su socio Robert Vaughn traspasaron la pequeña pantalla interpretando ocho largometrajes, retornando en 1983 para protagonizar una tv movie.
Ahora el director británico Guy Ritchie retoma esos personajes y esa época convulsa para ofrecernos un filme realmente interesante repleto de acción, humor, glamour 60’s y espionaje, con grandes dosis de buddy movie donde el sibarita y cool Napoleón Solo interpretado por Henry (Superman) Cavill y Armie Hammer como Kulyakin, frío en apariencia, deberán unir sus fuerzas a pesar de las suspicacias que tienen el uno hacia el otro. Secundados por la diminuta Alicia Vikander, actriz sueca que nos encandiló por su papel en Ex Machina (Alex Garland, 2015) y que aquí encarna a un personaje creado exprofeso para el filme. Además de un talludito Hugh Grant interpretando a Waverly, jefe de los tres que en la serie interpretaba el actor Leo G. Carroll. Esta mezcla, que en otras manos podría naufragar, funciona a las mil maravillas embellecida por su impecable ambientación y recreación de los primeros años sesenta: grises en Berlín y brillantes en Roma. A lo que hay que sumar una magnífica banda sonora. Elementos que dan al filme la apariencia y el sabor de las cintas de espionaje europeas de los años sesenta, pero sin caer en el plagio ni en la parodia y dando como resultado una magnífica película con la que hacer frente a la segunda mitad de este caluroso verano.
La trama de Operación U.N.C.L.E se asemeja a un minucioso mecanismo de relojería, repleta de acciones paralelas sincronizadas al milímetro, y Guy Ritchie no podría haber estado más acertado en la puesta en escena. El británico no duda en echar mano a todos los recursos posibles para montar en paralelo las peripecias de los personajes, por su imitación de la atmósfera de los filmes sesenteros acude a la pantalla partida, tan de moda entonces; pero también repasa toda la sintaxis clásica y así podremos disfrutar de deliciosos montajes internos (ahí luce la secuencia de la huida del complejo de los villanos, donde vemos simultáneamente a los dos espías gracias al reflejo en un parabrisas) y de inteligentes usos de la profundidad de campo (el momento torturador torturado destacando). No estamos pues tan sólo ante un fresco film veraniego, asistimos también a toda una lección de buen cine. Probablemente el mejor estreno de este fin de semana.
Extinction, mi decepción personal
Han pasado cinco años desde que Secuestrados fuera la película revelación de Sitges (aplauso de público y crítica que no fue recogido por el palmarés). Escribí entonces sobre ella en contraste con A Serbian Film y este fue mi juicio: “En verdad, Secuestrados es mucho más extrema que A Serbian Film, la experiencia del espectador es mucho más sangrante, porque los personajes de la cinta española son nuestros semejantes, cada uno de nosotros sabe que podría pasarle lo mismo a él y todos los mecanismos de transferencia se encienden: sufrimos el mismo miedo y la misma angustia que ellos padecen. Esa empatía se da gracias al enfoque que da Vivas quien busca ponernos cara a cara con el terror en directo porque más que historia hay acción y nosotros podríamos ser sus sujetos. (…) Con Secuestrados gozamos sufriendo”. Pura acción, con ritmo envidiable y jugando al verismo en todo momento, el segundo largo de Miguel Ángel Vivas le confirmaba como un director al que habría que seguirle la pista, un director del que esperar grandes cosas.
Tras su paso por televisión (Cuéntame un cuento:los tres cerditos), Vivas vuelve a ponerse detrás de las cámaras de cine conExtinction. Basada en la novela Y pese a todo de Juan de Dios Garduño, la película que nos ocupa se mueve casi en las antípodas deSecuestrados. Si allí lo que primaba era mostrar unos acontecimientos terroríficos, en esta nueva película el drama pasa por delante de la acción durante todo su cuerpo central. Este cambio de registro no es, sin embargo, el que hace que no se alcance el listón de Secuestrados, el eclecticismo no es un mal (ni quien escribe esto es una a fanática del horror), al contrario muchas veces de la mixtura de géneros nacen obras excepcionales que lo son especialmente por su carácter de híbrido. El problema es otro.
“Bastará decir que soy Juan Pablo Castel, el pintor que mató a María Iribarne”, así de rotundo es el principio de esa pequeña joya que es El Túnel de Ernesto Sabato. No es la primera vez (ni será la última) que hablo sobre la importancia vital de la primera frase de un relato: de su contundencia depende el interés que va a despertarnos la obra. La primera frase se nos ha de quedar grabada con fuego y ha de hacernos sentir la imperiosa necesidad de saber más sobre la historia. Es en ella donde el relato se juega su capacidad de conmovernos. De una película post-apocalíptica que va a contarnos la difícil supervivencia de quiénes no han perecido víctimas de la infección letal, esperamos que nos impacte su prólogo, sobre todo si viene de la mano de Vivas. Y ahí está el principal defecto deExtinction, su primera escena, aunque sea de acción, no nos arrebata, no nos pega a la silla con la respiración entrecortada. Dicen los expertos en novela negra que el punto de partida ha de ser poner un cadáver sobre la mesa, o, lo que es lo mismo, un golpe seco al estómago. Y Vivas dilata la presentación, no desmesuradamente, pero sí con la suficiente demora que nos lleva a desentendernos de los personajes.
No entramos en el juego, eso es lo que lastra a Extinction, y es un lastre fatal para una película que va a entretenerse minuciosamente en el drama íntimo de sus personajes. No empatizamos con ellos lo suficiente como para que nos interese su conflicto. Así que el esfuerzo por construir unos caracteres con un mínimo de profundidad psicológica, cae en saco roto. De poco sirve que la intriga sobre qué ocurre entre ellos este correctamente llevada, que la cámara se entretenga en planos preciosistas o que el concept art de sus monstruos sea visualmente efectivo. La película no remonta, no nos contagia la mayor o menor desesperación de los protagonistas, al contrario conforme avanza nos van importando todos menos.
En el lado negativo del filme, al no totalmente logrado prólogo, hay que sumarle el bache que se produce tras el punto de inflexión de las relaciones narradas. Una ligera pérdida de ritmo que hará que resulte un tanto forzada la llegada del clímax final. Clímax que es sin duda el mejor segmento del filme. Porque no todo es fallido en la película, además de aprobar la resolución del tercer acto, es acertado su reparto en el que destaca especialmente la pequeña Quinn McColgan sobre la que recae el núcleo de la trama y es la fuerza motriz que desencadena el arco de transformación del resto de personajes. Sus pocos años no le impiden soportar ese peso y nos regala la actuación más convincente de la cinta. Vivas se muestra más inspirado en la dirección de actores y eso salva la dignidad del filme.
En conclusión, y pese a sus inconvenientes, Extinction no es una película despreciable, pero a quien esto escribe se le antoja que da menos de lo esperado. Es meritorio tratar de alumbrar un punto de vista distinto a las casi clónicas películas de infectados, pero no acaba de cuajar su intento de mostrarnos un mundo post-apocalíptico desde los ojos de sus supervivientes y su dramas íntimos. La sombra de The Road (John Hillcoat, 2009), que partía de la excelente novela homónima de Cormac McCarthy, se asoma entre nuestros referentes y eso es algo que aún pone de mayor relieve las insuficiencias de la obra de Vivas. Sobre Extinction se extiende, pues, el pesado manto de la película que pudo haber sido y no fue.
Y de repente tú, una comedia amable
Y de repente tú es una elegante comedia romántica con un Nueva York de fondo que, si bien no es un personaje más, sí que es un marco referencial que nos ayuda a situarnos ante el tipo de humor que cabe esperar del filme (todo un guiño que en un momento de la película se haga un chiste sobre Woody Allen). Amy Schumer debuta en el guión cinematográfico (después de haber trabajado en el medio televisivo también en este campo) con una propuesta dedicada a explotar su propia vis cómica como actriz, se regala a sí misma con un personaje sólido que le cuadra como un guante y que llena completamente la pantalla. El suyo es el personaje principal que sostiene toda la trama. Probablemente lo más original del filme sea el ser fiel al punto de vista femenino construyendo a partir de él un rol que, tradicionalmente, solemos asociar más a los protagonistas masculinos. Por lo demás esta comedia se ajusta al esquema más clásico del género: presentación del personaje central y del conflicto; ascensión del protagonista coincidiendo con el despliegue de la máxima comicidad; punto de inflexión y descenso con la introducción del intermedio dramático; y un tercer acto que resuelve el conflicto a modo de final feliz. Una obra canónica que logra tener luz propia por la acertada dirección de Judd Apatow quien ha conectado plenamente con el espíritu del guión.
“La monogamia no es realista” ese es el eslogan que desde el prólogo (todo un acierto el tratamiento granulado de la imagen que le da un aire de video casero y un cierto toque documental) regirá los actos de Amy (Amy Schumer). Amy es una mujer inteligente, no demasiado guapa, pero con cierto atractivo (así la define otro personaje) que vive su sexualidad, casi voraz, sin ataduras ni falsas promesas amorosas. Fiel a la enseñanza de su padre y alejada de los valores burgueses, representados en la película por su hermana Kim (Brie Larson), toda una antagonista de la heroína del filme. Todo iba bien hasta que, escribiendo un artículo sobre las razones por las que el deporte es odioso (esa es la línea editorial del magazine en el que trabaja), conoce a Aaron Conners (Bill Hader) médico que conjuga su trabajo como cirujano de deportistas de élite con su colaboración en Médicos sin Fronteras. La aparición de Aaron (un hombre casi perfecto), por una parte, y la muerte de su padre, por otra, hará que se tambaleen sus creencias, Amy ve como su mundo descarrila (de ahí el título original, Trainwreck ) y se habrá de cuestionar todas sus actitudes ante la vida.
Recorrida por un suave cinismo desde su planteamiento hasta su nudo, Y de repente tú, acaba resolviéndose con un giro hacia la defensa de la bondad de los valores convencionales. Se le perdona, sin embargo, este giro porque ya desde el guion, pero también en la puesta en escena y la interpretación de su reparto, se construye a unos personajes enternecedores, sin caer en lo cursi ni en lo sentimentaloide, para los que deseamos lo mejor. La película resulta una comedia dinámica y amable (en toda la polisemia del término), con buenos gags e ingeniosos diálogos; su único pecado sería haber sobrepasado la frontera de los noventa minutos, cosa que hace que algunas veces decaiga el ritmo. Una sana apuesta por lo canónico que llega a provocar carcajadas en la sala y que nos deja todavía una sonrisa cuando salimos del cine.
Novedades Cameo para agosto y septiembre
Cameo anuncia un auténtico aluvión de novedades para estos dos meses, entre los que hay cabida para todo tipo de género y nacionalidad, desde maravillosos films de animación como La chica satélite y el chico vaca, hasta comedias españolas como Murieron por encima de sus posibilidades o Negociador. También cintas agridulces como Pride, magníficos documentales como Everyday Rebellion y clásicos inmortales como 8 y medio.
A LA VENTA 19 DE AGOSTO:
DIFRET (Zeresenay Berhane Mehari) DVD
Con Meron Getnet; Tizita Hagere; Haregewine Assefa; Brook Sheferaw
En un lugar a tres horas de Adís Abeba, Hirut, una niña de 14 años, regresa caminando de la escuela cuando un grupo de hombres a caballo intentan secuestrarla. Raptar a una joven para casarse con ella es una práctica habitual en su pueblo y una antigua tradición en toda Etiopía. Hirut mata a sus raptores y consigue escapar. A pesar de haber actuado en defensa propia, ahora puede ser condenada a la pena de muerte, ya que en la Etiopía rural sigue existiendo el “telefa” o matrimonio por rapto. Meaza Ashenafi, una abogada que lucha por los derechos de la mujer, la defenderá.
THE EICHMANN SHOW (Paul Andrew Williams) DVD/Blu-ray
Esta es la extraordinaria historia de cómo el juicio fue televisado, de la conmoción que causó al mundo la primera retransmisión global y del equipo humano que la hizo posible.
LA CASA DEL TEJADO ROJO (Chiisai ouchi, Yoji Yamada) DVD
MURIERON POR ENCIMA DE SUS POSIBILIDADES (Isaki Lacuesta) DVD
A ESCONDIDAS (Mikel Rueda) DVD
Rafa, un chico español de 14 años, entra corriendo en el lavabo de una discoteca. No puede más. Los nervios le están jugando una mala pasada.Fuera se encuentra Marta, una chica que espera de él más de de lo que él mismo se cree capaz de aportar.
Las vidas de estos dos chicos está a punto de cruzarse.
EN BUSCA Y CAPTURA (Persecuted, Daniel Lusko) DVD
50 A 1 (50 to 1, Jim Wilson) DVD
Basada en la inspiradora historia real de la leyenda de las carreras de caballos Mine that Bird
RED SKY (Mario Van Peebles) DVD
SELMA (Ava DuVernay) DVD/Blu-ray
peligrosa y terrorífica campaña que se cerró con una larga marcha desde la ciudad de Selma hasta la de Montgomery,
en Alabama, y que llevó al presidente Johnson a firmar la ley sobre el derecho al voto en 1965.
A LA VENTA 9 DE SEPTIEMBRE:
PRIDE (Matthew Warchus) DVD
EL VISIONARIO (The Forecaster, Marcus Vetter) DVD
EVERYDAY REBELLION (Arash T. Riahi, Arman T. Riahi) DVD
OCHO Y MEDIO (Otto e Mezzo, Federico Fellini) Blu-ray
Con Marcello Mastroianni;Claudia Cardinale;Anouk Aimée
UNA PALOMA SE POSÓ EN UNA RAMA PARA REFLEXIONAR SOBRE LA EXISTENCIA (En duva satt på en gren och funderade på tillvaron, Roy Andersson) DVD
NEGOCIADOR (Borja Cobeaga) DVD
HIPÓCRATES (Thomas Lilti) DVD
A LA VENTA 23 DE SEPTIEMBRE:
THE WALKING DEAD. QUINTA TEMPORADA COMPLETA. 5 DVD/Blu-ray
REGRESO A ÍTACA (Retour à Ithaque, Laurent Cantet) DVD
EL TEATRO DEL MÁS ALLÁ, CHAVÍN DE HUÁNTAR (José Manuel Novoa) DVD
El centro ceremonial de Chavín de Huántar aparece en el actual Perú hace unos 3300 años. En él una clase de sacerdotes se erigen en gobernantes teocráticos. Allí representaban el teatro del más allá. Ponían en escena una compleja liturgia, reforzando su poder ante los peregrinos que acudían en busca de respuestas. Usaban sustancias alucinógenas y todo tipo de efectos sonoros, olfativos y acústicos para manipular las percepciones que experimentaban los neófitos. Todo estaba en función de una elaborada estrategia de convencimiento. Ahí se consolidó la desigualdad y el desequilibrio social gracias al cual esta casta de sacerdotes se colocó en la cima de la pirámide social, manteniendo su autoridad durante 800 años, sin necesidad de ejército alguno.
GUADALQUIVIR (Joaquín Gutiérrez Acha) Blu-ray
LA CHICA SATÉLITE Y EL CHICO VACA (The satellite girl and milk cowChang Hyung-yun) DVD/Blu-ray
Álbum fotográfico de las Nits 2015
No todo es cine en el Festival Nits de Cinema Oriental, ni mucho menos. También están presentes los colores, los sabores, el arte, los sonidos y, en general, toda la sensibilidad del continente asiático, con los que el público asistente se deja envolver, convirtiendo esas jornadas en una auténtica fiesta.
(Fotos: Serendipia) (enlace a la crónica del festival)
Sabores de la India en las Nits de Cinema Oriental de Vic 2015
De nuevo Serendipia estuvo en Vic para celebrar de la mejor manera la llegada del verano: atiborrando sus sentidos con la gastronomía, la música, la danza y sobre todo el mejor cine asiático. Cine de todo pelaje en el que ha brillado con mayor intensidad la India, país homenajeado durante esta duodécima edición que pasamos en compañía de la cobra india Naja Naja y el pavo real Nayu, las mascotas creadas por Xevi Domínguez.
SECCIÓN OFICIAL A COMPETICIÓN
¡Necesitamos luchar para salir de nuestras jaulas personales! (Bang-Bang)
Como es habitual, las Nits ofrecieron en su sección oficial un amplio espectro del cine que se realiza en el continente asiático, abarcando casi la totalidad de los géneros. Comedia, acción, artes marciales, drama, thriller, con la única ausencia del terror, se dieron cita en los tres espacios que conforman el festival: L’Espai ETC para matinales (retrospectivas, infantiles y especiales); Cine Vigatà (sesiones de tarde / golfas) y Bassa dels Hermanos, gran espacio al aire libre para las sesiones nocturnas y actuaciones en su escenario. Demos pues un amplio repaso a lo que dio de sí la sección oficial que, mediante votación popular, otorgó el Premio Gat de la Sort a la mejor película de las Nits, la japonesa Wood job. Comencemos por el país homenajeado, la India, que contó con cuatro films a competición:
Quissa (Anup Singh, 2014) coproducción con Alemania que nos narra como la obsesión de un padre por tener un hijo varón le llevará a criar a su cuarta hija como tal, negándole su sexualidad. Una historia narrada casi como una fábula en cuatro actos con resolución sobrenatural incluida que, bajo nuestro punto de vista, no termina de funcionar, especialmente durante su último acto. Aunque tal vez lo percibimos así al haber sido presentada la cinta como una reivindicación de la identidad de género, cuando lo cierto es que la película va mucho más allá hasta una reflexión en torno al yo político, social y psicológico. La identidad sexual es sólo una de las puntas de un iceberg que hunde sus raíces en aspectos más profundos. En todo caso se trata de un filme valiente que denuncia el machismo imperante en la sociedad india con un leve contenido lésbico, aunque más sugerido que mostrado.
Detective Byomkesh Bakshy (Dibakar Banerjee, 2015). Filme 
policiaco ambientado en los años cuarenta y protagonizado por un detective observador e intuitivo a la manera de Sherlock Holmes. De tono paródico y con múltiples homenajes estilísticos al cine negro americano, femme fatale incluida, la película tiene humor y una deliciosa fotografía, aunque a veces su guión se torna un tanto confuso entre nombres y pesquisas detectivescas que afortunadamente el director va refrescando en nuestra memoria mediante fugaces flashbacks. La cuidada ambientación de las calles de Calcuta en 1943 pasa por incluir carteles de films de esa época como The Ox-Bow Incident (William A. Wellman), La sombra de una duda (Shadow of a Doubt, Alfred Hitchcock) o The Outlaw (Howard Hughes y Howard Hawks). Su final abierto nos vaticina franquicia, sobre todo porque el detective Byomkesh Bakshy es una figura popular en la cultura literaria india.
La correcta cinta policíaca Badlapur (Sriram Raghavan, 2015) nos 
demuestra que la venganza es un plato que se toma frío. O si no que se lo digan a su protagonista, que se toma 15 años para cazar a los asesinos de su familia. Así que no es de extrañar que cuando por fin pueda tomar su revancha, lo haga de forma especialmente virulenta, como marcan los cánones. Por destacar algo, queremos centrarnos en la llegada al hogar del protagonista tras el fortuito asesinato de su esposa y su hijo, comprendemos su profunda tristeza, el hondo calado de su tragedia, viendo a través de sus ojos los objetos de su vida cotidiana repartidos por la casa tal como los habían dejado, como si fueran a seguir usándose como de costumbre (algunos juguetes del niño, el último guiso de la madre) y que ahora sólo evidencian la traumática soledad que espera al protagonista. En el haber de los contras habría que incluir el precipitado desarrollo del tercer acto que hace resultar forzada la transformación del asesino, quien pasa de ser un cínico mentiroso a redimirse cargando con las culpas del protagonista en un abrir y cerrar de ojos.
Y Bang-Bang (Siddharth Anand, 2014) fue la nota Bollywood de la 
sección oficial, con todo lo que de un filme de estas características cabe esperar: acción, colorido, canciones, bellas localizaciones y danza durante las casi tres horas de duración de este filme, que adolece quizá de demasiado romanticismo con los correspondiente números cursis y ñoños. Es posible que sea por estar dirigido especialmente para el público femenino: su protagonista, Harleen (Katrina Kaif), es un oficinista bancaria que ve como su monótona vida se transforma al conocer en una cita a ciegas a un aventurero de increíbles ojos y musculatura (Hrithik Roshan) que la llevará por medio mundo viviendo increíbles aventuras y que al final, altar mediante, le dará lo suyo. Lo que resulta más que curioso y exótico para la mentalidad occidental es la alegría y naturalidad con la que se habla de los matrimonios concertados. Y es que conviene no olvidar que este tipo de unión no solo no es nada extraño en la India, sino que representa la gran mayoría de los matrimonios realizados en esa zona. Definitivamente no nos acabó de convencer del todo este Bollywood. Aunque afortunadamente, y ya fuera de competición, llegó Action Jackson para poner las cosas en su sitio. Pero no adelantemos acontecimientos y continuemos nuestro repaso a la sección oficial de las Nits con lo que nos ofreció la cinematografía cantonesa.
El cine de Hong-Kong, que vive uno de sus mejores momentos con 51 títulos estrenados durante 2014, fue el protagonista absoluto de la jornada del jueves, dedicada íntegramente a esa cinematografía, que dentro de la sección oficial contó con cuatro títulos:
From Vegas to Macau 2 (Wong Jing, Aman Chang, 2014). Lujo, juego, riquezas, acción, chicas en bikini y Chow Yun-Fat en esta parodia repleta de chistes chuscos y guiños presuntamente cómicos para los que conocen este tipo de cintas, dejando perplejos a los que no. Así que, como sabiamente dijo la parte más sabia (valga la redundancia) de Serendipia, no nos consideramos capaces de juzgar esta cinta por carecer de los valores contextuales suficientes para hacerlo.
Gangster Payday (Lee Po-Cheung, 2014) es el retrato simpático de 
un grupo de la Tríada y concretamente de su líder Ghost (un magistral Anthony Wong), que busca retirarse y dedicarse a negocios legales. La cinta, sazonada con altas dosis de romanticismo y humor, resulta casi una apología nostálgica de esos clanes mafiosos que «Son como niños».
La acción y las artes marciales llegaron con Kung Fu Jungle (Teddy Chen, 2014) una magistral cinta, si no en su argumento, si en las magníficas coreografías de luchas, realistas y espectaculares sin recurrir a artificios inverosímiles. Con trasfondo policíaco, la cinta narra como un luchador tullido y desequilibrado movido por la venganza quiere luchar y eliminar a los mejores luchadores de kung fu utilizando con cada uno de ellos la técnica en la que son especialistas. Todo un festival de artes marciales con homenaje a grandes personalidades del cine de Hong Kong, que desfilan por la pantalla en forma de cameos, incluidos Bruce Lee y Jackie Chan, que hacen aparición en un cartel y en la pantalla de un televisor, respectivamente.
Finalmente la nota más terrorífica llegó de la mano de Guilty (Jil Wong, 2015), drama romántico y perverso que narra la historia de un asesino a sueldo de rostro desfigurado que se enamora de una prostituta cruel. Una de esas cintas extrañas y atmosféricas que encantan a Serendipia con las que el cine oriental nos sorprende de vez en cuando. Repleta de sordidez y suciedad, Guilty ofrece una buena ración de imágenes perturbadoras difíciles de olvidar y que bien podrían figurar en una antología de la poética de lo sórdido.
Por su parte China compitió con tres cintas, dos de ellas (The Continent y Uncle Victory) con los cambios que está sufriendo el ‘paraíso socialista’ como telón de fondo:
La road movie The Continent (Han Han, 2014) abrió las Nits. Intimista y con toques de humor, narra el viaje de sus protagonistas por China tras verse obligados a abandonar la pequeña isla en la que viven. Las experiencias que vivirán durante el viaje marcarán su vida y su futuro de distinta forma: mientras uno de ellos llegará a una conclusión pesimista de la existencia; el otro crecerá por su capacidad de encontrar lo positivo en la adversidad. Apadrinado por Jia Zhangke, el director más premiado del nuevo cine chino, The Continent es una de las películas más taquilleras de 2014 y toda una metáfora de la China moderna.
En Uncle Victory (Zhang Meng, 2014) Chen (Huang Haibo), tras diez años en prisión, busca reintegrarse en la sociedad haciéndose cargo de un jardín de infancia para niños pobres. Un filme con toques de western 
crepuscular en el que los paisajes industriales apocalípticos irán iluminándose conforme el protagonista va redimiendo los pecados de un pasado que volverá para acosarle.
La tercera aportación de China a les Nits, Brotherhood of Blades (Lu Yang, 2014), fue más convencional. Un wuxia en toda regla muy bien ambientado y repleto de épica, honor, venganza pero con unas escenas de acción que se han rodado desde tan cerca (planos muy cortos y de montaje acelerado), tan desde dentro, que no permiten apreciar los detalles y la fisicidad de los combates. Algo ya detectado en el último cine de acción americano y, visto lo visto, contagiado a algunas cintas orientales (o viceversa).
El cine japonés trajo el humor a las Nits con sus dos aportaciones: Wood Job! y Judge!
La primera, dirigida por Shinobu Yaguchi, narra las vicisitudes de un estudiante, Yuki (Shota Sometani), que decide dejar la ciudad y viajar a un pequeño pueblo para trabajar de ingeniero forestal junto a los naturales del lugar, lo que producirá un choque cultural en el joven, quien finalmente se adaptará y aprenderá a amar tanto el entorno natural y como a sus compañeros. Una cinta que debe su comicidad, narrada casi a ritmo de un anime, a su joven protagonista. Ideal para una proyección al aire libre, hizo las delicias del público de la Bassa.
Y si Wood Job! fue la gran triunfadora de las Nits, no quedó muy atrás Judge! (Akira Nagai, 2014), parodia del mundo de los festivales, en este caso de publicidad. Unas veces sangrante, otras amable, esta deliciosa comedia muestra las luchas intestinas de unos y otros por hacerse con el premio al mejor comercial. Con unas situaciones y personajes que delatan cierta influencia de Frank Capra, tanto en la dignidad insobornable de su protagonista, cercano a los Lonfellow Deeds o los Jefferson Smith de Capra; o en la activa y resolutiva heroína, sosias de los personajes femeninos que interpretara para Capra especialmente Jean Arthur. Así como en la manera de dividir la habitación de hotel que encuentra la pareja mediante una manta que separa las camas, equivalente a la solución que hallan los protagonistas de Sucedió una noche (It Happened one Night, 1934) y sus «Murallas de Jericó». Y finalmente en el discurso final del protagonista, que terminará conquistando a todos y llevándolos a su terreno. Sin duda Judge! fue otro de los filmes más celebrados de las Nits.
Por su parte dos, y bien distintas, fueron las aportaciones de Corea del Sur:
La producción independiente Somehow (Cho Kyu-jun, 2015), otra de las favoritas de Serendipia, narra la historia de Suji (Lee Suji) una madre soltera adolescente cuyo hijo es dejado, sin su consentimiento, al cuidado de unos monjes. Un drama enfocado desde el principio budista de que toda acción conlleva una reacción, que todo acto recibirá una respuesta narrado de forma realista, casi documental y cuyo estreno mundial se produjo en Vic contando con la presencia de su director, Cho Kyu-jun, su dulce protagonista Lee Suji, y el responsable de la banda sonora, el osonense Guillem Ramisa. Tanto el director como la protagonista nos advirtieron antes de la proyección del estigma que representa en Corea, todavía hoy, el ser madre soltera, circunstancia que no hace tanto tiempo también lo era en nuestra sociedad. El filme contiene una dura escena, la muerte accidental del hijo de Suji y el posterior ocultamiento del cadáver, momento sórdido y terrible que su director ha sabido captar de forma cruda y realista, pero también, paradójicamente, bella.
En las Antípodas de Somehow está The Pirates (Lee Seok-hoon, 2014), espectacular cinta comercial de aventuras con combates preciosistas, honor, épica y momentos de humor en los que la sombra de Jack Sparrow y sus compinches de correrías se torna cercana. Recibida con buena respuesta del público en la Bassa, el único ‘pero’ que se le puede encontrar es que quizás peca de exceso de metraje (130 minutos).
El resto de la sección oficial estaba compuesto por la malaya KL Gangster 3 (Syafiq Yusof, 2014) spin-off de esta saga protagonizado por el personaje cómico de la serie, interpretado por Zizan Razak, con un guión bajo mínimos que sirve de excusa para un recital de zurriagazos en clave de parodia. Una cinta ideal para golfear en las Nits que fue seguida por la tailandesa Vengeance of an Assassin (2014) película póstuma de Panna Rittikrai, uno de los responsables de Ong Bak (Prachya Pinkaew, 2003) y uno de los mejores coreógrafos de acción de Asia. Pero el escaso sentido común que nos quedaba nos recomendó partir, ya que comenzaba a las dos y media de la madrugada y Serendipia ya va teniendo una edad…
Para terminar de reseñar esta sección oficial de las Nits, no nos olvidamos del magnífico documental Garuda Power: The Spirit Within, producido por Indonesia y Francia que nos introduce en el desconocido cine exploitation que se rodó en Indonesia prácticamente desde los inicios de su cinematografía: vampiros de pega, tarzanes de pacotilla, artes marciales autóctonas, James Bond de baratillo y claro, más de un Bruce Lee de mercadillo. Desde los años 30 hasta el bombazo The Raid (Gareth Evans, 2011) todo tiene cabida en este documental que se programó en forma de sesión doble junto a uno de los más desquiciados ejemplos del cine de aquel lugar: Lady Terminator, o lo que es lo mismo: Pembalasan ratu pantai selatan (¡¡…!!) ¡De verlo para creerlo!
SESIÓN RETROSPECTIVA
«Esto es una pistola, no una trompeta» (Forajidos de Siam)
«Me llamo Dakota, ladrón de profesión, vagabundo por afición»
(Lee Van Cleef en El kárate, el colt y el impostor)
Como ya venimos diciendo desde hace tiempo, las Nits han publicado su primer libro conjuntamente con la editorial Tyrannosaurus Books Wild Wild East, del curry wéstern al soja wéstern . Un libro único en su especie escrito por el especialista en cine asiático Domingo López y otras firmas invitadas que nos adentra en un terreno prácticamente inexplorado como es el del western asiático. Y es que este género gozó de tanta popularidad en todo el continente que, adaptado al paladar del consumidor local, ofreció algunas de las mejores obras del cine popular asiático. Completando el ameno texto, el libro cuenta con cientos de coloristas imágenes de carteles y fotogramas de rarísimas películas, así como con ilustraciones originales de Xevi Domínguez, artista oficial de las Nits que para esta ocasión ha realizado una magníficas acuarelas.
José Miguel Rodríguez, Domingo López y Xevi Domínguez durante la presentación de Wild, Wild East (foto: Serendipia)
Y precisamente a esta temática ha estado dedicada la interesante retrospectiva, que ha contado con títulos emblemáticos como Sholay (Ramesh Sippy, 1975), la película más famosa del cine indio; Forajidos de Siam (Winai Patoomboon, 2007), un neo-western tailandés repleto 
de pintorescos bandidos, villanos voladores y otros elementos sobrenaturales de los que nadie parece cuestionar su verosimilitud. Con exquisita fotografía y ambientación, el resultado formal es cercano al western americano, con Sam Peckinpah y su Grupo Salvaje (The Wild Bunch, 1969) propinándose codazos cómplices; Dr. Wong en América, (Sammo Hung, 1997), sexta entrega de las aventuras de Wong Fei-Hung no podrían faltar en esta muestra retrospectiva, así como uno de los híbridos que se perpetraron en los años setenta y que hicieron las delicias, sobre todo, del sector más viejuno del respetable (en el que Serendipia se incluye): El karate, el colt y el impostor (Antonio Margheriti, 1975) es un film rodado en Almería en régimen de coproducción entre Hong Kong, Italia y España. El karate lo ponía Lo Lieh, protagonista de la primera cinta de artes 
marciales que llegó a nuestras pantallas, De profesión: Invencible (Chang Ho Cheng, 1972). El colt lo desenfundaba Lee Van Cleef, estrella del spaguetti western. Y aunque ignoramos quien era el impostor del título, resulta pintoresca la presencia de populares actores europeos del cine de género como Patty Shepard, Erica Blanc, Julián Ugarte y Ricardo Palacios, juntos y revueltos en este despropósito dirigido por Anthony M. Dawson (o lo que es lo mismo, Antonio Margheritti) que funciona aún hoy de las mil maravillas gracias a sus dosis de comedia, western y en menor medida, karate. Impagable resulta la escena final con Lee Van Cleef pisoteando su leyenda de tipo duro, así como algunos diálogos hoy involuntariamente divertidos gracias a su incorrección política y racismo. Lo cierto es que Lee Van Cleef y Lo Lieh formaba una simpática pareja.
Finalmente, se pudo disfrutar, y mucho, con el clásico moderno de Johnnie To, Exiled (2006). Una historia pesimista, con mafiosos crepusculares que toma elementos de neo-western situando la acción en la actualidad y añadiendo notas de humor a una historia cuyo final es, no por previsible, menos emocionante. De exquisita planificación con una construcción geométrica de sus encuadres (unas composiciones de carácter totalmente pictórico) y cierto regusto europeo, no en vano el lugar donde se desarrolla la acción se asemeja a un pueblo mediterráneo, un escenario en el que evolucionará su impresionante plantel de actores, entre los que figura la crème de la crème del cine de Hong Kong: Anthony Wong, Francis Ng y Simon Yam. Excelente.
SESIÓN INFANTIL
«Desde aquel día me convertí en una vaca lechera. Y como soy una vaca, siempre me persiguen» (La chica satélite y el chico vaca)
Como va siendo habitual, los más pequeños tuvieron también su cita con las Nits, cita que también incluyó a los incondicionales del cine de animación. Este año la sesión matinal infantil constó de cuatro títulos:
La chica satélite y el chico vaca (Chang Hyun-yun, 2014) es una fantasía naif que se hizo el pasado año con el premio a la mejor cinta de animación en el Festival de Sitges y que editará Cameo en DVD y Blu-ray en septiembre. Llena de imaginación y con fuerte 
influencia japonesa, esta surrealista cinta coreana de amor y desamor fue celebrada por el público, mayoritariamente infantil, que acompañó las canciones con palmas, rió cuando correspondía y aplaudió sonoramente al terminar la película. Como debe de ser. Con esa deliciosa compañía también pudo disfrutarse de Dragon Blade: La Llegenda de Lang (Hong Kong, 2005), la primera película cantonesa realizada íntegramente con técnicas de animación 3D. Un cuento mágico con muchas artes marciales y un personaje, Bali, introducido para satisfacer a los más pequeños. La india Hawaa Hawaai (Amole Gupte, 2014), cuento de hadas protagonizado por un niño sin recursos que persigue un sueño: convertirse en un gran patinador. Y finalmente dos mediometrajes japoneses nos adentraron en el universo tokusatsu (ya saben, personajes tipo Power Rangers): Gaion Sigma (Motoharu Takuji, Bueno, 2014) y Yatsurug! (Eiji Kamikura, 2014).
SESIÓN ESPECIAL
-«Ahora todos han muerto y estoy sola.”
-“Tranquila. Todo lo verás mejor por la mañana.”
(Lady Terminator)
Las Nits ofrecieron también un buen grupo de títulos fuera de competición y no enmarcados en otras categorías:
Como complemento al magnífico documental Garuda Power, se ofreció Lady Terminator (H. Tjut Djalil, Indonesa, 1989), un 
descabellado film protagonizado por un Terminator femenino de derribo con algunas de las escenas más alucinantes de todo el cine fantástico indonesio, y me atrevo a decir que mundial: actuaciones atroces, tetas, cintas en el pelo, hombreras, defectos especiales, calentadores, ¿guión? y diálogos absurdos, niebla artificial, laca, neón, percusión electrónica y olor a video club rancio. Una película que, aunque parezca mentira y a pesar de las carcajadas que provoca, está hecha en serio. Verla para creerla ¿Qué no me creen? Pues aprovechen para pedírsela a los amigos de Trashorama, que les quedan muy pocas.
Crows 3 (2014), dirigida por Toshiaki Toyoda (I’m Flash) y protagonizada por Masahiro Higashide (Parasyte), Taichi Saotome (Zatoichi) y Kyôsuke Yabe (Crows Zero), es la tercera entrega de la saga empezada en 2007 por Takashi Miike basada en el popular manga y anime creado por Hiroshi Takahashi a mediados de 
los 90, del cual se llegaron a vender más de 30 millones de ejemplares en Japón. Crows 3 nos devuelve a Suzuran, el peor instituto para jóvenes conflictivos. Por cierto, tanto esta tercera entrega como un pack con la trilogía completa, estarán disponibles en Blu-ray a partir del 9 de septiembre editadas por Mediatres Estudio.
Los nostálgicos pudieron echar un vistazo al nuevo universo Mazinger con Mazinkaiser (Masahiko Murata, 2003). También hubo tiempo para documentales como Boundless (2013), en el cual Ferris Lin repasa la carrera del director cantonés Johnnie To entre los años 1996 y 2012. Y no faltaron momentos golfos y locos con la japonesa Girl’s Blood, y las indias BCN Knockout 2 y Action Jackson.
Más amena y entretenida de lo que en principio cabía esperar, Girl’s Blood (Koichi Sakamoto, 2014) contiene un conjunto de jovencitas muy atractivas, erotismo lésbico de lo más delicado, peleas muy bien coreografiadas y muchas alegrías para los amantes de las 
lolitas japonesas y del bondage . Todo ello en un filme que sortea el ridículo convirtiéndose en un placer culpable que en Vic pudimos disfrutar en su versión íntegra, veinte minutos más larga que la exhibida en Japón.
Por desgracia BCN Knockout 2 (Surender Reddy, 2015) fue toda una desilusión. Quienes disfrutaron de la desquiciada primera entrega durante la edición del pasado año, quedaron encantados con esa película puramente Bollywood, y por tanto repleta de peleas espectaculares, tiroteos, canciones, danzas y una historia de amor que se desarrollaba en las calles de Barcelona. Así que, aunque ya estábamos avisados de que lo único que de Barcelona tenía esta segunda entrega estaba en el título, nos esperábamos algo más de esta supuesta secuela que lamentablemente tan solo fue un filme soporífero y sin gracia ninguna en el que el continuo y monótono tono de voz del protagonista acabó invitándonos a salir corriendo despavoridos de la sala.
Afortunadamente al día siguiente nos rescató Action Jackson (Prabhu Deva, 2014). Y Action Jackson sí que fue el Bollywood perfecto: Puñetazos que rivalizarían con los de Bud Spencer; chistes chuscos; estereotipos trillados; canciones y bailes espectaculares; hombres de granito; mujeres con el pelo azabache y curvas generosas y humor, mucho humor en este festival del mejor cine de acción indio. Encomiable es la inocente desfachatez de los guionistas quienes se saltan alegremente todos los requisitos de la coherencia interna de un relato y que, por el contrario, se sacan de la manga soluciones argumentales de las que no tienen la menor intención de dar justificaciones. Todo es una gran fiesta. Gran telón final para unas sesiones cinematográficas heterogéneas y con gran nivel de calidad que conformaron la duodécima edición de las Nits de Cinema Oriental de Vic.
OTRAS ACTIVIDADES
El público en la Bassa dels Hermanos saboreando los menús asiáticos (foto: Serendipia)
Al igual que en otras ocasiones, las sesiones matinales se hicieron en l’ Espai ETC, un centro cívico que cuenta con una auténtico cine; las de tarde y golfas en el Cine Vigatá, todo un lujo. Y finalmente las sesiones nocturnas tuvieron lugar al aire libre en La Bassa dels Hermanos, un gran parque con pantalla y escenario (que este año estrenaba carpa en la zona de mesas). Allí tienen lugar la cenas dedicadas cada día a un país diferente, el mismo al que pertenece el filme que se proyecta a continuación. Antes de la película, en el escenario se ofrecen actuaciones, ya sea de artes marciales o de danzas tradicionales. Este año no ha sido una excepción y hemos podido disfrutar de espectaculares y coloristas espectáculos: danza Bollywood, Tai-Chi, Taekwondo, BoxKarate,
Una de las instantáneas del fotógrafo Miquel Pérez.
Jiu Jitsu y el arte del kimono, entre otras demostraciones que amenizaron la cena, dedicada el primer y último día a la India y el resto de jornadas a Japón, Hong-Kong y Corea sucesivamente.
En el apartado musical, los más fiesteros no se perdieron el tradicional concierto de Guillem Roma i la CampingBandOrchestra en la Jazz Cava y, en colaboración con la Embajada India en Madrid, pudo disfrutarse en esta edición de un concierto de santoor, instrumento de cuerda de origen persa, ofrecido por uno de sus intérpretes más virtuosos, Sandip Chatterjee.
Hubo dos exposiciónes fotográficas: la colectiva Mirades i perspectivas. La Xina des d’Espanya y Rajasthan Suite de Miquel Pérez. Sin olvidar una lectura de cuentos para los más pequeños y las II Jornadas empresariales Horitzó Àsia.
Como vemos un conjunto de actividades que cumplimentaban las proyecciones y dejaban muy poco tiempo para reponer fuerzas al Nitóman. Todo lo resumimos en imágenes en nuestro álbum fotográfico.
PALMARÉS Y CONCLUSIONES
Este año las Nits han crecido como festival con la edición de su primer libro. Y aunque siga reinando el espíritu de aquellas primeras proyecciones populares que originaron lo que hoy es el festival, el objetivo de las Nits de Cinema Oriental debe de ser profesionalizar el certamen y contar con un jurado que decida las películas ganadoras, lo cual no está reñido con seguir otorgando el premio popular del público.
Las actividades, cenas y proyecciones al aire libre han aumentado en asistencia de público, así como el resto de sesiones, que han tenido un ligero incremento respecto al pasado año. Cerca de 9.000 espectadores han disfrutado de la programación del festival este año, un 10% más que en 2014.
El que las proyecciones de La Bassa dels Hermanos sea el evento más popular y con mayor asistencia de público, quizás sea el motivo de que cuatro de las cinco cintas más votadas por el público se hayan proyectado allí: Wood Job!, The Pirates, Bang, Bang! y Kung Fu Jungle. Resultando Wood Job! la ganadora de El Gato de la Suerte por votación popular, seguida muy de cerca por Judge! Resultado que refleja la buena química entre el público y el humor japonés.
Quim Crusellas, director del festival, la alcaldesa de Vic, Ana Erra y Maitrey Kulkarni, agregado cultural de la embajada india (foto: Serendipia)
Liu Ya, la guionista del film Uncle Victory (Foto: Serendipia)
Algunas proyecciones fueron patrocinadas y presentadas por diferentes asociaciones y fundaciones. La representante de la Hong Kong Economic and Trade Office que patrócino, por cuarto año consecutivo, el día dedicado a la cinematografía de ese país, se dirigió al público desde el escenario de la Bassa, al igual que Maitrey Kulkarni, agregado cultural de la embajada india, que junto a la alcaldesa de Vic, Anna Erra, intervinieron durante la última jornada del festival. El Consejo de Cooperación de Vic y la Asociación Talcomsom organizaron un interesante cinefórum tras la proyección del film Qissa en el propio cine Vigatà. Y se contó con invitados como el director Cho Kyu-jun, la actriz Lee Suji y el músico Guillermo Ramisa, que presentaron su film Somehow, así como con la guionista del film Uncle Victory, Liu Ya, una cinta prohibida en su país y que a través de la sátira, el humor absurdo y la crítica subterránea se adentra en la pérdida del paraíso socialista que, teóricamente, representa China. Quizás se echó en falta una charla de estos invitados contando entresijos de sus filmes, tal y como sucedió durante la pasada edición. Algo que nos habría permitido conocerlos mejor.
Cho Kyu-jun, el músico Guillermo Ramisa y la actriz Lee Suji presentaron el filme Somehow (Foto: Serendipia)
En todo caso felicitamos a los responsables de las Nits de Cinema Oriental de Vic por habernos ofrecido la ocasión de ver un buen lote de películas de difícil visionado fuera del circuito de festivales. Películas ignoradas por el mercado español y que solo unos pocos y valientes sellos videográficos como Issan, Cameo, Selecta Vision, Mediatres o A Contracorriente se atreven a poner a nuestra disposición, y de forma muy parcial. También felicitamos al equipo de las Nits por su trabajo, su amabilidad y su entrega sin los cuales el certamen no sería posible ni alcanzaría ese valor entrañable que tanto disfrutamos.
Las Nits hacen posible la unión de culturas muy diversas gracias al que sea posiblemente el único lenguaje universal: el cine. Pero es que, además, el Festival es mucho más que un simple conjunto de proyecciones. Es todo un evento que imprime experiencias y recuerdos imborrables a sus asistentes. Y toda una muestra de la idiosincrasia del continente asiático. La acertada selección de filmes abre nuestro apetito por saber más de la historia y las coyunturas (políticas, sociales, filosóficas) de esos países tan lejanos y que tan próximos nos hacen sentir. Las Nits son un umbral que nos invita a adentrarnos con ojos de explorador en el continente asiático. Todo un encuentro de referencia.
¡Nos vemos en el XIII Festival Nits de Cinema Oriental de Vic!
(Foto: Serendipia)
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 7 de agosto *
BERNIE (Richard Linklater, 2011) *****
USA. Duración: 99 min. Guión: Richard Linklater, Skip Hollandsworth Música: Graham Reynolds Fotografía: Dick Pope Productora: Castle Rock Entertainment / Collins House Productions / Deep Freeze Production Género: Comedia negra.
Reparto: Jack Black, Shirley MacLaine, Matthew McConaughey, Rick Dial, Gary Teague, Tommy G. Kendrick, Mona Lee Fultz, Wendy Crouse, Grant Crouse, Grant James.
Sinopsis: En Carthage, un tranquilo y pequeño pueblo de Texas, Bernie Tiede (Jack Black), un enterrador muy querido por todos los vecinos, traba amistad con una adinerada y malvada viuda (Shirley MacLaine).
Esta comedia negra basada en un hecho real, está dirigida por el aclamado director de Boyhood y Antes del anochecer, Richard Linklater, e interpretada por un sorprendentemente contenido Jack Black -quien consiguió con esta interpretación una nominación a los Globos de Oro como Mejor Actor de Comedia- respaldado por Matthew McConaughey y la legendaria Shirley MacLaine. Sin duda unos elementos que resultan lo suficientemente atractivos e interesantes pero que una vez conjugados no terminan de cuajar. Con estructura de falso documental, la acción avanza a base de los recuerdos y opiniones de los habitantes del pueblo, algo que finalmente termina haciéndose cansino, toda una lástima en vista del interesante dilema que el film propone.
MISIÓN IMPOSIBLE. NACIÓN SECRETA (Mission: Impossible – Rogue Nation, Christopher McQuarrie, 2015) *****
USA. Duración: 131 min. Guión: Christopher McQuarrie (Historia: Christopher McQuarrie, Drew Pearce; Personajes: Bruce Geller)Música: Joe Kraemer Fotografía: Robert Elswit Productora: Paramount Pictures / Skydance Productions Género: Thriller
Reparto: Tom Cruise, Rebecca Ferguson, Sean Harris, Alec Baldwin, Jeremy Renner, Paula Patton, Simon Pegg, Ving Rhames, Simon McBurney, Jingchu Zhang.
Sinopsis: Con la FMI disuelta y Ethan Hunt (Tom Cruise) abandonado a su suerte, el equipo tiene que enfrentarse contra el Sindicato, una red de agentes especiales altamente preparados y entrenados. Estos grupos están empeñados en crear un nuevo orden mundial mediante una serie de ataques terroristas cada vez más graves. Ethan reúne a su equipo y une sus fuerzas con la agente británica renegada Ilsa Faust (Rebecca Ferguson), quien puede que sea o no miembro de esta nación secreta, mientras el grupo se va enfrentando a su misión más imposible hasta la fecha…
Tras comenzar como un fenómeno de culto en la televisión de los años sesenta, “Misión Imposible” se ha convertido en un fenómeno cultural del siglo XXI, un evento cinematográfico que traspasa continuamente esa frontera donde a la intriga del clásico drama de los espías contra los espías se le unen creativas secuencias de acción que se han hecho legendarias. Desde que en 1996 Brian de Palma inaugurara la franquicia cinematográfica un rasgo central ha definido las set pieces de las sucesivas entregas: la fisicidad que rezuma la acción. Misión Imposible nos retorna algo que en el cine actual se ha perdido, el trabajo de dirección clásico gracias al cual vemos las acciones como si sucedieran ante nuestros ojos. Nada de planos cortos y montajes frenéticos, al contrario, tempo preciso y una planificación que nos muestra la totalidad de la escena, acciones paralelas inclusive. Así resulta magistral la secuencia en el Palacio de la Ópera vienés, donde llegamos a estar pendientes de tres francotiradores y cinco líneas de narración, nunca habían lucido tan bien en pantalla la tramoya de un teatro desde que la rodara Hitchcock en Pánico en la escena. Sin duda es una secuencia candidata a ser recordada en las antologías de soluciones fílmicas inteligentes utilizando escenarios y bambalinas, como lo son las imágenes de La Dama de Shangai.
Otro acierto de la franquicia es la construcción del héroe encarnado por Tom Cruise (y nunca mejor empleado ese verbo, porque el actor seguirá siendo el referente del personaje incluso cuando llegue el momento en que no pueda interpretarlo). El actor combina la interpretación y la acción de manera extraordinaria. Hace él mismo el cien por cien de sus escenas peligrosas, porque considera que ese es el único modo de crear plenamente su personaje como un agente que ha aprendido a sobrevivir al límite. De esta quinta entrega se comentará especialmente la set piece inicial. Mucha gente creyó que la escena peligrosa con la que empieza la película era tan rematadamente imposible que solo se había podido crear de manera digital. Pero, fiel al espíritu de “Misión: Imposible”, la escena se rodó cien por cien en directo, ofreciéndole al público unas sensaciones que no se pueden imitar. Aunque cada vuelo aumentaba el riesgo y helaba la sangre de Cruise, repitió ocho veces esa escena que desafiaba a la gravedad para garantizar que McQuarrie tuviera toda la cobertura que necesitaba. J.J. Abrams (productor) dice que la mera existencia de una escena peligrosa como esta es algo que no tiene precio en el mundo del cine. “Resulta totalmente creíble porque Tom voló de verdad sobre el lateral de ese avión,” señala. “Es una idea estimulante porque vivimos en un mundo de artificios. Todo lo que se ve últimamente no resulta verdaderamente creíble así que se trata de que es Tom quien hace en realidad esas escenas, sin los efectos visuales que usarían probablemente los demás, y eso hace que la película se convierta en un evento aún más grande.”
Junto al trabajo de Cruise hay que valorar también el de en la piel de uno de los mejores villanos que nos ha dado el cine en los últimos tiempos: Solomon Lane, un antiguo espía británico que se ha pasado al lado oscuro del espionaje con su formación, el Sindicato. De todos los villanos de todas las películas de “Misión”, puede que sea el único que pueda estar a la altura de Ethan Hunt. “Una de las cosas más divertidas de la película es que este villano es realmente capaz de ir a la par con Ethan,” dice Abrams. “El sindicato es una especie de anti-FMI, unos agentes que han sido entrenados igual que los de la FMI, pero para trabajar para el mal.”
Otra gran revelación es Rebecca Ferguson en el papel de Ilsa, la mujer fatal que vuelve del revés los esquemas de Hunt. Personaje exquisito que nos recordará a otras elegantes agentes dobles, como lo es Audrey Hepburn en Charada, pero con auténticas dotes de atleta. Se agradece encontrar un personaje femenino con tanta centralidad y carácter porque no suele ser lo habitual en el cine de acción. Ambigua y envolvente a partes iguales incluye un elemento de interés romántico (casto, castíiiisimo) que enriquece la tensión del filme.
Acción realista, interpretaciones efectivas y convincentes, ritmo envidiable, Misión Imposible. Nación Oculta, tiene todavía otro ingrediente que la hace aún más redonda: el humor. Una de las grandes sorpresas de esta película para el público es lo divertida que es y lo llena de comicidad que está, sin perder seriedad, la cinta está repleta de guiños cómicos que pueden llegar a arrancar carcajadas al espectador.
En suma, impresionante quinta entrega de la saga Misión Imposible. Acción vertiginosa decorada con humor, belleza, intriga y bellos escenarios. Con esta quinta entrega, la franquicia demuestra que goza de muy buena salud y que la fórmula está lejos de agotarse.
EL APÓSTOL (L’ apôtre, Cheyenne Carron, 2014) *****
Francia. Duración: 117 min. Guión: Cheyenne Carron Música: Patrick Martens Fotografía: Prune Brenguier Productora: Carron Production Género: Drama.
Reparto: Norah Krief, Fayçal Safi, Salah Sassi, Brahim Tekfa.
Sinopsis: Akim es un joven musulmán que vive en Francia con su familia. Todos esperan de él que sea un Imán, como su tío. Pero ocurre algo en su interior que le lleva a cambiar de vida: se convierte al Cristianismo. Akim tendrá que enfrentarse a su familia, sus amigos y especialmente a su hermano que se niega a aceptar su conversión.
Controvertido tema tratado de manera inteligente por una directora que ya ha tocado en anteriores filmes, como Extase (2009), el tema de la fe religiosa. Rodada con una inquieta cámara y una naturalidad en las actuaciones que buscan la verosimilitud, quizás el film peca de exceso de metraje. Dejando aparte este posible defecto, hay que reconocer a la cinta su mensaje esperanzador sobre la convivencia y la cooperación en paz entre las diferentes creencias.
CIRCUITO CERRADO (Uklad Zamkniety, Ryszard Bugajski, 2013) *****
Polonia. Duración: 100 min. Guión: Miroslaw Piepka, Michal Pruski Música: Shane Harvey Fotografía: Piotr Sobocinski Jr. Productora: Filmicon / Kino Swiat Género: Thriller político.
Reparto: Janusz Gajos, Kazimierz Kaczor, Wojciech Zoladkowicz, Robert Olech, Przemyslaw Sadowski, Magdalena Kumorek, Monika Kwiatkowska, Monika Kwiatkowska, Beata Scibakówna.
Sinopsis: A principios del año 2000, en la ciudad polaca de Gdansk, tres empresarios crearon una exitosa empresa, la cual alcanzó un rápido crecimiento, llamada Navar. La empresa y los beneficios generados atrajeron un gran interés de un número de ciudadanos prominentes y codiciosos. A través de una alianza secreta entre ellos, pudieron expulsar a los hombres de negocios fuera de su propia compañía, acusándolos de blanqueo de capitales, los encerraron en la cárcel y se 
hicieron cargo de la empresa como accionistas. El honor de los tres hombres fue destruido; fueron tratados como delincuentes peligrosos y tuvieron que enfrentarse a condiciones inhumanas en la cárcel. Finalmente, comenzó una lucha en contra de la corrupción administrativa local entre los que tiran de las cuerdas en las sombras y otros que defienden la libertad, a fin de descubrir la verdad y restablecer su reputación.
Intriga política basada en vergonzosos hechos reales acaecidos en la República de Polonia que demuestra que aunque los sistemas cambien, siempre hay quien se perpetúa en las altas esferas del poder para continuar ejerciendo su corrupta tarea. Circuito cerrado es una de esas películas de intriga que no permite la distracción. Una historia dura e indignante.
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El Salón del Manga de Barcelona recordará el bombardeo de Hiroshima
La Segunda Guerra Mundial tuvo un epílogo apocalíptico. El 6 de agosto de 1945 el bombardero norteamericano B-29 Enola Gay lanzó la primera bomba atómica sobre Hiroshima. Tres días más tarde, el B-29 Bock’s Car lanzaba un segundo artefacto nuclear sobre Nagasaki. La devastación de ambos ataques atómicos sobre estas ciudades japonesas fue absoluta, provocando unas 250.000 muertes y unas terribles consecuencias, por los efectos de la radiación nuclear, que durarían décadas. Tras estos dos bombardeos, Japón finalmente capitulaba ante los aliados.
Para conmemorar el 70 aniversario de estos bombardeos atómicos, el XXI Salón del Manga de Barcelona le dedicará una exposición titulada Mangas nucleares y diversas actividades como conferencias, actividades para grupos escolares y proyecciones audiovisuales. El certamen tiene la colaboración del Hiroshima Peace Memorial Museum, un centro ubicado a unos metros del epicentro de donde impactó la bomba, que lleva décadas explicando las terribles consecuencias de la bomba atómica sobre la población.
El Salón contará con la participación de un superviviente del ataque nuclear en Hiroshima. A estos supervivientes se les conoce por el nombre de hibakusha, y llevan muchos años explicando por el mundo su terrible experiencia. Por otra parte, el Ayuntamiento de Granollers, ciudad hermanada con Hiroshima y Nagasaki, colabora con el certamen. Su alcalde, Josep Mayoral, es vicepresidente de la ONG de ámbito internacional Mayors for Peace (Alcaldes por la Paz), que preside el propio alcalde de Hiroshima, y que tiene por objetivo la desaparición total de las armas nucleares y la lucha por la paz mundial.
La exposición Mangas nucleares mostrará algunas obras claves centradas en el ataque nuclear de 1945. Destaca el manga Pies descalzos, una historia de Hiroshima de Keiji Nakazawa, publicado en 
España por Random House. El autor, superviviente del bombardeo de Hiroshima, retrata con realismo descarnado y un claro anti-militarismo lo sucedido en la ciudad japonesa. Este manga fue adaptado al anime en dos largometrajes titulados Hiroshima I e Hiroshima 2. Yoshihiro Tatsumi, el gran maestro del género gekiga o manga para adultos, retrató en Infierno (Ediciones La Cúpula) su propia visión sobre Hiroshima. El trauma de las bombas atómicas ha calado en muchos los ámbitos de la cultura japonesa. Por ello, una parte de la exposición mostrará la llamada cultura post-nuclear de Japón, que se ha traducido en todo tipo de películas, mangas o animes que nos han mostrado los peligros y las consecuencias de la energía nuclear y los conflictos armados en general. Figuras como la de Godzilla o mangas como Akira no se acaban de entender si no se tiene en cuenta el eco de Hiroshima y Nagasaki que todavía resuena, y actualmente con mucha más fuerza tras el desastre de la central nuclear de Fukushima.
El XXI Salón del Manga de Barcelona se celebrará del 29 de octubre al 1 de noviembre en Fira Barcelona Montjuïc.
Serendipia
Proyecto Naschy 
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