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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 7 de abril de 2017 *
EL OTRO LADO DE LA ESPERANZA (Toivon tuolla puolen, Aki Kaurismäki, 2017)
- Finlandia/Alemania Duración: 98 min. Guion: Aki Kaurismäki Fotografía: Timo Salminen Productora: Sputnik Género: Comedia dramática
- Reparto: Kati Outinen, Tommi Korpela, Sakari Kuosmanen, Janne Hyytiäinen, Ilkka Koivula,Kaija Pakarinen, Nuppu Koivu, Tuomari Nurmio, Sherwan Haji
- Sinopsis: Helsinki. El joven Khaled (Sherwan Haji) llega oculto en un barco de carga procedente de Siria. Mientras, un gris comercial llamado Wikström (Sakari Kuosmanen) decide poner fin a su matrimonio y a su negocio, y abrir un decadente restaurante. Sus caminos se cruzarán y Wikström ofrecerá a Khaled techo, comida y trabajo. Pero el sueño del chico es encontrar a su hermana, que también huyó de Siria.
- El otro lado de la esperanza es el último trabajo del director finés Aki Kaurismäki, recientemente galardonado con el Oso de Plata a Mejor director en el Festival de Berlín, certamen donde fue estrenada la película a nivel internacional. Kaurismäki nos mostrará la huida hacia adelante de dos personajes que, por diferentes motivos, quieren escapar de la encerrona en la que se ha convertido su vida. Ambas historias irán en paralelo hasta que colisionen, momento en el que ambos verán sus objetivos cumplidos, aunque con una suerte muy desigual. Todo ello narrado con el personalísimo estilo del director cuyo sello se define por un humor absurdo plagado de personajes y situaciones grotescas. Casi un paseo por los sueños de un sonámbulo, jalonado por las interpretaciones de viejos rockeros finlandeses.
- Es posible que no todo el mundo esté capacitado para entrar en este extraño humor de Kaurismäki, capaz de sacar una sonrisa al espectador con un tema tan serio como es la emigración, las trabas burocráticas para lograr el asilo y los encontronazos con la sinrazón, representada aquí por unos skins cabeza hueca. Y más allá incluso, porque El otro lado de la esperanza denuncia la idiotez y la hipocresía que todos, en mayor o menor medida, manifestamos respecto a este espinoso tema. Una denuncia sin moralina, pero con una agudeza tal que nos conmociona y nos mueve a reflexión. Esas situaciones ridículas y esos diálogos disparatados que los personajes viven (y los actores interpretan) con total seriedad, como aquellos personajes de Dario Fo que repetían a grito pelado «¡Viva la vida, alegre y divertida!», logran dejarnos una sonrisa, sí, pero una sonrisa que se congela, pues sentimos que lo que se desvela es lo vacua que puede llegar a ser la existencia. El otro lado de la esperanza es a la vez, bufa y amarga.
- Kaurismäki declaraba en una entrevista concedida a El mundo: «El cine no puede cambiar el mundo. Jean Renoir lloraba porque tras mostrar los desastres de la Primera Guerra Mundial en una obra maestra como La gran ilusión, nada impidió que llegara otra aún más brutal. El arte no cambia nada. El arte, de hecho, ya no es arte. Ahora, se ha transformado en simple entretenimiento. En cualquier caso, la naturaleza del cine es eso: entretenimiento. Y eso no es malo. Todo lo que signifique un alivio del sufrimiento necesario de la vida es objetivamente bueno.» Lúcido y satírico, a sus 60 años Kaurismäki hace gala de un pesimismo esperanzado, si se nos permite el oxímoron, y eso se traduce en su trabajo (que él cataloga de «mierda, pero con sentido»), no hay que cejar en la denuncia, el mundo es responsabilidad de todos, a sabiendas de que poco está en nuestras manos, pero sin reprimirnos ese lujo que es la comicidad. Como el Preston Sturges de Los viajes de Sullivan, el finlandés sabe que dar evasión a los desfavorecidos es en sí (y a la vez) el mayor honor que puede alcanzar un artista y la actitud más combativa posible ante nuestra realidad.
- El otro lado de la esperanza es la segunda entrega de una trilogía (que según el autor comprenderá solo dos partes) portuaria que el director inició con El Havre. Humor unido al profundo cariño hacia los más desfavorecidos que el director siempre ha mostrado en sus más de 20 trabajos como director, entre ellos pequeñas joyas como La Vida de bohemia (Premio Fipresci de la crítica, Berlín 1992), Nubes pasajeras, Un hombre sin pasado (Gran Premio del Jurado en Cannes 2002), Luces al atardecer o la ya nombrada, El Havre (Premio Fipresci de la crítica, Cannes 2011). Su amplia y meritoria filmografía fue reconocida en la pasada edición del Festival de Cannes donde recibió la Carroza de Oro por su sobresaliente trayectoria.
I AM NOT YOUR NEGRO (Raoul Peck, 2016)
- Francia/USA Duración: 93 min. Guion: Raoul Peck (Novela: James Baldwin) Música: Aleksey Aygi Fotografía: Henry Adebonojo, Bill Ross IV, Turner Ross Productora: Velvet Film Género: Documental
- En I Am Not Your Negro el director Raoul Peck reimagina Remember This House, la obra inacabada del activista por los derechos de los afroamericanos James Baldwin. Utilizando fragmentos extraídos del libro original narrados por Samuel L Jackson, así como filmaciones de sus discursos y entrevistas televisivas, y diverso material de archivo y cinematográfico, este documental aporta una visión genuina sobre el racismo en Estados Unidos contada a través de las vidas -y posteriores asesinatos- de tres amigos íntimos del autor: Martin Luther King Jr., Medgar Evers y Malcolm X. Pero ello no significa que estemos hablando del racismo en pretérito, ni mucho menos, el discurso de Baldwin continúa vigente y así se demuestra en este soberbio documental que también muestra, junto a palizas a manifestantes de los sesenta o linchamientos a negros en el sur, escenas recientes de palizas policiales o fotografías de víctimas de la violencia racista actual. Un repaso a la historia norteamericana y a su cultura, de la que se ha intentado excluir a los negros, cuando desde siempre han formado parte de esa civilización y han forjado ese país. Testigo de excepción de una época convulsa, James Baldwin fue amigo de los más importante activistas contra el racismo, Martin Luther King Jr., Medgar Evers, Malcolm X y Lorraine Hansberry, los cuales murieron antes de cumplir los 40 años, los tres primeros asesinados y Hansberry de cáncer, aunque como Baldwin afirmó: «es claro sospechar que lo que vio contribuyó a la tensión que la mató, porque el esfuerzo al que Lorraine estaba dedicada es más que suficiente para matar a un humano.» Asistiremos a su dolor. A su duelo y a su lucha frente a una sociedad hipócrita y enferma que, si bien muchos años después fue capaz de nombrar presidente a un ciudadano de piel negra, también lo ha sido de poner en la Casa Blanca a un personaje ridículo y demente como es Donald Trump.
- La tesis que nos muestra Baldwin es más compleja de lo que a priori pudiéramos esperar, no es el discurso de siempre aunque los datos sean los mismos y aunque la revisión de los hechos nos pueda avergonzar aun no siendo norteamericano. No, no se trata de eso, porque si así fuera se le podría contestar que los tiempos han cambiado mucho y que la lucha por los derechos civiles ha ganado muchas batallas. Para Baldwin el racismo en EE.UU no ha retrocedido, ni retrocederá hasta que se interiorice que el american lifestyle también incluye la realidad de aquellos a los que se les ha vetado el american dream. La realidad afroamericana, su condición y el dolor que han atravesado son parte de América, son América. No se trata de que haya un colectivo sojuzgado al que el otro colectivo puede liberar, se trata de asumir lo negro, su cultura y su dolor, el dolor que les ha infligido el blanco, como parte integrante de la realidad de un pueblo. Sólo cuando esto se haya interiorizado se podrá hablar de avance y fin del racismo.
- Inteligente e instructivo, este documental, que también ha sido aclamado por la crítica de su país, ha recibido múltiples galardones que han culminado en la nominación a los Oscars en la categoría de Mejor Documental.
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2016: Premios Oscar: Nominado a mejor documental2016: Festival de Toronto: Premio del Público (Mejor documental)2016: Premios Independent Spirit: Nominado a mejor largometraje documental2016: Críticos de Los Angeles: Mejor documental2016: Premios Gotham: Nominado a mejor documental2016: Sindicato de Directores (DGA): Nominado a Mejor director / Documental
EL HIJO DE JEAN (Le fils de Jean, Philippe Lioret, 2016)
Francia/Canadá Duración: 98 min. Guion: Natalie Carter, Philippe Lioret Música: Flemming Nordkrog Fotografía: Philippe Guilbert Productora: Fin Août Productions / Item 7 Género: Drama
Reparto: Pierre Deladonchamps, Gabriel Arcand, Catherine de Léan, Jean-Pierre Andréani,Christopher Atallah, Caroline Bizier-Brière, Tania Bolduc, Anne-Valérie Bouchard,Valerie Cadieux, Pierre-Yves Cardinal, Patricia Dorval, Emmanuelle Dupuy,Hubert Dupuy, Pierre-Luc Fontaine
Sinopsis: Mathieu (Pierre Deladonchamps) tiene 33 años y vive con la incógnita de no haber conocido a su padre. Su madre siempre le dijo que fue fruto de una aventura de una noche. Una mañana, en su apartamento de París, recibe una llamada de Canadá de un desconocido que dice ser amigo de su padre, que éste ha fallecido, y que le quiere enviar lo que aparentemente le ha dejado en herencia. También le dice que tiene dos hermanos. Movido por la curiosidad, decide viajar a Montreal para conocer a esa parte de su familia que vive allí, que no serán, ni mucho menos, los que Mathieu esperaba.
A pesar del constante peligro que amenaza a El hijo de Jean de terminar chapoteando en las lacrimógenas aguas del melodrama, la película, escrita y dirigida por Philippe Lioret e inspirada libremente en la novela de Jean-Paul Dubois Ci se livre pouvait me rapprocher de toi , se mantiene muy dignamente en la tesitura de lo sobrio hasta su perfecta conclusión. Construida con estructura de thriller, el director nos hará partícipes de que dos de los protagonistas tienen una bomba, bueno, una información que cambiará la vida de una familia completa, y no sabremos nunca en que momento se lanzará o como. Pero como en todo buen thriller habrá una emocionante, en todos los aspectos, sorpresa final.
Una de esas películas sutiles que no toma al espectador por tonto y que logra mantener el interés hasta el final. Rodada en distintas ciudades de Francia y Quebec, El hijo de Jean está magníficamente interpretada por Pierre Deladonchamps (El desconocido del lago) nominado a los Premios Lumière y a los César por su papel, Gabriel Arcand, también nominado al César a mejor secundario por su interpretación, Catherine de Léan y Pierre-Yves Cardinal .
ÚLTIMOS DÍAS EN LA HABANA (Fernando Pérez, 2016)
Cuba/España Duración: 92 min. Guion: Fernando Pérez, Abel Rodríguez Fotografía: Raúl Pérez Ureta Productora: Besa Films / Instituto Cubano del Arte e Industrias Cinematográficos (ICAIC) / Wanda Visión S.A Género: Drama
- Reparto: Jorge Martínez, Patricio Wood, Gabriela Ramos, Cristian Jesús, Coralita Veloz,Ana Gloria Buduen, Yailene Sierra, Carmen Solar
- Sinopsis: Centro Habana, el corazón de la Habana de hoy. Miguel (45 años) sueña con huir a New York. Mientras espera un visado que nunca llega, trabaja como lavaplatos en un restaurante particular. Diego (45 años) sueña con vivir. Postrado e inmóvil por el SIDA, libera toda su energía desde el estrecho camastro del cuarto más pequeño del solar. Mientras Miguel le da la comida a Diego, vamos descubriendo que ambos viven juntos como si fueran la noche y el día. Diego es gay, positivo, luminoso, Miguel es asexual, negativo, oscuro. Diego es el héroe, Miguel el antihéroe. Pero entre ambos existe una amistad contradictoria e indestructible, sostenida por un pasado compartido del que sólo ellos conocen sus secretos.
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2016: Festival de La Habana: Sección Oficial de largometrajes a concurso2017: Festival de Málaga: 3 Premios, incluyendo mejor película iberoamericana
Últimos días en la Habana nos ofrece, además de una emocionante trama, un retrato detallado de una Cuba de paredes desconchadas, de barandillas herrumbrosas, de muros repletos de fotografías pegadas con cinta aislante, de antiguas neveras con marcas de óxido, de jineteras y chaperos, de un calor abrasador, pegajoso. Pero también de una alegría fatalista, de la que canta mientras limpia y sueña con un paraíso que quizás no exista, pero cuya esperanza ya es, de por sí, un motivo para echar a andar. Con unas actuaciones realistas, naturales, los personajes, que dentro de su miseria nunca parecen perder la dignidad, ofrecen una lección de supervivencia.
Producida por José María Morales (Wanda Vision) y ICAIC el film, se presentó en la Sección Oficial del Festival de Cine de Málaga, tras haber recibido el Premio Especial del Jurado y el Premio a la Mejor Banda Sonora en el Festival Internacional de Cine de La Habana el pasado mes de diciembre.
SMOKING CLUB (129 NORMAS) (Alberto Utrera, 2017)
España Duración: 80 min. Guion: Alberto Utrera, Sergio Granda, Carlos Soria Fotografía: Miguel Ángel García Productora: MoA Studio Género: Comedia
Reparto: Rodrigo Poisón, Jimmy Castro, Natalia Mateo, Margarita Lascoiti, Edu Díaz,Ángela Chica, Clara Alvarado, Álvaro Lafora, Nuño Benito, Christian Reyes,Silvia Vacas, Marta Balón, Úrsula Gutiérrez
Sinopsis: Óscar (Rodrigo Poisón), es un hombre cerca de los cuarenta años que, tras una crisis vital, deja su trabajo de funcionario y a su novia para montar un club de fumadores de cannabis junto a un amigo de la universidad, el abogado Danny (Jimmy Castro), con una solo norma básica: «el club es un espacio de libertad», un lugar donde refugiarse del mundo y sentirse libre… Esta norma resulta ser algo ambigua, por lo que tienen que incluir 128 más que garanticen la libertad que tanto quieren ofrecer a sus clientes. El problema viene cuando desaparecen 3 kilos de hierba que no debían estar allí y a una de las clientas le da un patatús.
Smoking Club. 129 normas es una comedia de Alberto Utrera, que ha participado recientemente en el Festival de Málaga en la sección “Pases Especiales” con una cálida acogida por parte del público y la prensa.
Con guion de Carlos Soria, Sergio Granda y Alberto Utrera, Smoking Club. 129 normas está protagonizada por Rodrigo Poisón y Jimmy Castro, secundados por Natalia Mateo, Silvia Vacas, Angela Chica, Margarita Lascoiti y Alvaro Lafora, entre otros. Rostros que resultan bastante familiares sobre todo por su participación en series televisivas.
Según sus creadores, la historia «transcurre en un club cannábico porque era el lugar perfecto para reflexionar sobre la libertad y sus límites. También porque estos clubs son una realidad presente en la vida de muchos ciudadanos, de esos considerados “normales” a ojos de todos y que consumen de forma legal cannabis con la misma libertad que el que se toma una cerveza, un vino o una copa.» Y si bien su variopinto reparto coral y el espacio cerrado en el que se desarrolla la acción podría haber dado pié a una excelente comedia de haber caído en manos de, pongamos, un Azcona, un Berlanga o, por poner uno más próximo, Alex de la Iglesia, no sucede así a pesar de las buenas intenciones depositadas en ella. No resulta divertida en ningún momento y está repleta de diálogos y subtramas que no aportan nada y restan agilidad al filme. Y si a esto sumamos algunos diálogos que cuesta entender y una banda sonora que a veces está por encima de los diálogos, el resultado es desalentador. Seguro que sobre el papel la historia resultaba atractiva, con esos cruces entre los diferentes puntos de vista de sus protagonistas, pero a la práctica todo parece fallar: los actores actúan sin convicción y la película adolece de falta de ritmo, haciéndose cansina a pesar de su ajustada duración. Hay más voluntad que pericia.
Los últimos días en el desierto, primera tentación de Cristo
Entonces Jesús fue llevado por el Espíritu
al desierto para ser tentado por el diablo.
(Mateo, 4,1)
Leemos en el Evangelio que Cristo, antes de iniciar su ministerio, se retiró al desierto donde ayunó cuarenta días y cuarenta noches, cuando su cuerpo se debilitó y sintió hambre fue tentado por el demonio tres veces y no sucumbió ninguna. Este episodio es el punto de arranque de Los últimos días en el desierto donde la anécdota bíblica se noveliza al modo en que lo hiciera Kazantzakis en La última tentación de Cristo (adaptada al cine por Scorsese), pero insistiendo todavía más en el perfil humano del Nazareno, como declara el propio director: “No podía saber cómo era el lado divino, por lo que decidí tratar las predicaciones y problemas de Jesús de la misma forma que los de una persona normal”.
Poco versado en la doctrina (pese a haberse criado en un entorno eminentemente católico), la historia en la que Rodrigo García enmarca el episodio evangélico se le presentó de repente, después de decidir que lo que más le atraía del Hijo de Dios era justo eso, su condición de hijo. Así resume el director la trama: “en la niebla de un viaje espiritual encuentra a un padre, una madre y un hijo extraños los unos para los otros. El planteamiento se desarrolla en el clásico enfrentamiento entre la llamada divina del alma y el deseo individual de realización personal”. Mientras García trata las dinámicas familiares en el corazón de la película, decide añadir un personaje adicional: el Diablo. “En la Biblia se dice que el Diablo tentó a Jesús en el desierto. Yo he elegido que se le aparezca a Jesús con su propia apariencia. El Diablo cuestiona a Jesús si podrá resolver el problema de la familia satisfaciendo a todo el mundo.” En suma, Jesucristo y su travesía por el desierto son elegidos como contexto para explorar a un sujeto universal y su historia de crecimiento personal: un joven convirtiéndose en hombre, con el permiso de su padre o sin él.
El tratamiento de la figura de Jesús que nos brinda el colombiano ha sido considerado valiente y arriesgado, al estar alejado del que más habitualmente nos había dado el género en la pantalla. Un mundo desacralizado como es el nuestro agradece que se rescate el humanismo que respira lo cristiano apartándolo de las cuestiones de fe. Evidentemente esta secularización no ha satisfecho a todos y menos, sobre todo, a los sectores religiosos. De las filas de la Iglesia le han llegado las peores críticas de entre las cuales destacamos la de Monseñor Robert Barron, Obispo Auxiliar de la Arquidiócesis de Los Ángeles, por su tono sarcástico: “Con su última película, Últimos días en el desierto, Rodrigo García ha logrado algo verdaderamente destacable. Ha tomado un extracto de la vida de la persona más interesante que jamás ha vivido y lo convirtió en una película colosalmente aburrida. (…) Lo que sería realmente dramático y revelador sería una película que muestre convincentemente que el carpintero de Nazaret también es Dios.” En lo que no parecen querer reparar unos y otros es en que, no sabemos si de forma voluntaria, hay al menos una cuestión en la película de relevante interés teológico: la que afecta a la naturaleza del diablo.
Para representar al demonio, al maligno padre de la mentira, García huye de la iconografía clásica, nada de cuernos, alas o tridentes, también al diablo le da una apariencia humana, y no una apariencia cualquiera, como decíamos más arriba nos lo presenta como doble exacto del propio Jesús (reto doble, pues, para Ian McGregor que ha de interpretar al hombre más santo y a su reverso). En un primer acercamiento a esta decisión deberíamos concluir que esta elección viene dada por esa voluntad de dar a la historia un tratamiento humano: que sea su doble podría hacernos pensar que quizás se trate tan solo de una alucinación provocada por el mismo agotamiento de la estancia en el desierto. Sin embargo, si tomamos distancia de cuáles han podido ser las intenciones del autor, nos encontramos con que la cinta nos brinda la ocasión de reflexionar sobre la relación entre el bien y el mal. Más allá del filme, la tradición establece que el Nazareno es el verdadero Hijo de Dios, de un Dios que es uno y trino, así que Cristo es Dios; si el diablo es el doble del Hijo, estamos estableciendo que las dos potencias antagónicas comparten esencia. Dios y el diablo serían las dos caras de una misma moneda y con ello estaríamos estableciendo un mismo origen para el bien y para el mal absolutos, cuestión que obligaría a revisar todo el sistema de creencias y que podría considerarse una aberración teológica, pero también una inquietante proposición que explicaría porqué puede ser compatible la promesa del Cristo al buen ladrón de estar mañana con Él en la casa del Padre cuando la profecía había establecido que tras la muerte en la cruz descendería a los infiernos durante tres días. Si el diablo y Dios son el mismo, cielo e infierno sólo serían dos nombres para referirse a lo mismo y no habría salvación posible.
Las derivaciones teológicas de una elección probablemente inocente son mera especulación y divertimento intelectual, pero se habrá de reconocer que tirar del hilo de los recursos de García para contar su historia nos llevan a una interesante paradoja. Y la paradoja persiste hasta cierto punto aunque no pensemos en la naturaleza divina del Cristo. Aún manteniéndonos dentro de una caracterización meramente humana, la visión dialéctica del bien y el mal sigue persistiendo. Entre ambos polos se daría una relación de opuestos complementarios, un opuesto necesitaría al otro para definirse, extremando la reflexión habría de concluirse que un contrario es el otro en su eterna rivalidad. El diablo de García es el reverso socarrón del Hijo, él mismo es hijo de Dios como lo es cualquier criatura y la razón de haberse rebelado contra el Hacedor habría sido la arrogancia extrema de este último. Y esto sí se dice de forma expresa en el filme. Si no nos remontamos especulativamente por encima de la película, nos queda aún una caracterización del demonio que lo haría semejante al Satán de Milton. Se presenta como un personaje carismático y persuasivo. Un ser curioso, insumiso, contradictorio, humano, en suma, que a veces parece capaz de amar. Casi parece ofrecerle la única mano amiga al Cristo agotado por el desierto y por el peso de haber de atravesar la muerte para cumplir con el mandato del Padre.
Últimos días en el desierto no es, pues, una película aburrida, aunque sí resulte contemplativa y lírica en la mayor parte de su metraje. No deja de ser una interesante visión alternativa a lo que ha dado el género, que nos permite reflexionar sobre el humanismo, sobre el bien y sobre el mal. Todo ello envuelto por la fotografía del triplemente oscarizado Emmanuel Lubezki (El Renacido, Birdman, Gravity) que obra un milagro al convertir la luz natural y el paisaje desértico en magia para la mirada.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 31 de marzo de 2017 *
DAVID LYNCH-THE ART LIFE (Jon Nguyen, Rick Barnes, Olivia Neergaard-Holm, 2016)
USA/Dinamarca Duración: 90 min. Música: Jonatan Bengta Fotografía: Jason S. Productora: Duck Diver Films / Hideout Films / Kong Gulerod Film Género: Documental
Sinopsis: Viaje íntimo a la etapa formativa de la vida del David Lynch, acompañados por el propio protagonista.
Magnífico retrato biográfico del joven Lynch, desde su niñez hasta que decidió que quería ser artista. Su serio compromiso con la pintura, la búsqueda de un estilo propio, la paternidad prematura, su vida en el ambiente artístico de Filadelfia y su traslado a Los Angeles cuando obtiene una beca para estudiar en el American Films Institute. Todo, hasta llegar justo a Cabeza borradora (Erasherhead, 1977), la película con la que despegaría la carrera cinematográfica de este visionario del cine. Y todo contado por el propio David Lynch, que aporta a su excelente narración dosis de intriga y misterio. Humor y creatividad mientras le vemos trabajando en sus obras, pintando, creando, jugando con su hija pequeña en un inteligente documental en el que se ha evitado recurrir a bustos parlantes. No vemos hablar a Lynch, único y absoluto protagonista del documental, pero no dejamos de oír su voz. Rememorando su vida, escenas que parecen salidas de sueños, experiencias que forjaron su personalidad, mientras que los directores consiguen rodear esta narración de un catálogo de imágenes fascinantes, que mezclan con fotografías personales y películas familiares de Lynch. Y es que, nadie mejor que Lynch para hablar de Lynch, para desvelar el enigma de Lynch. Un enigma que para nada encuentra solución, muy al contrario, se incrementa, aumenta la fascinación por el personaje. Despierta la creatividad. Una creatividad que le llevó al cine de manera inconsciente, rodando sus primeros experimentos artísticos, The Alphabet (1968) y The Grandmother (1970), que derivaron en Cabeza borradora en 1977, momento en el cual el documental abandona al creador y lo deja trabajando. Eternamente experimentando. Sin dejar de fumar.
ÚLTIMOS DÍAS EN EL DESIERTO (Last Days in the Desert, Rodrigo García, 2015)
USA. Duración:95 min. Guion: Rodrigo García Música: Danny Bensi, Saunder Jurriaans Fotografía: Emmanuel Lubezki Productora: Mockingbird Pictures Género: Drama
Reparto: Ewan McGregor Ayelet Zurer, Ciarán Hinds, Susan Gray
Sinopsis: En medio de un árido paisaje, ante la fatiga y alucinaciones, el hombre santo tiene un encuentro con el Diablo, quien está más que ansioso de tentar al exhausto viajero.
(Ver reseña completa aquí)
GHOST IN THE SHELL: EL ALMA DE LA MÁQUINA (Ghost in the Shell, Rupert Sanders, 2017)
USA Duración: 120 min. Guion: William Wheeler (Manga: Masamune Shirow) Música: Clint Mansell Fotografía: Jess Hall Productora: DreamWorks SKG / Grosvenor Park Productions / Seaside Entertainment Género: Ciencia ficción
Sinopsis: En un Japón futurista, Scarlett Johansson interpreta a La Mayor, una agente especial ciborg, que lidera la Sección 9, un cuerpo policial de élite. El objetivo de esta unidad de operaciones encubiertas es luchar contra el ciberterrorismo y los crímenes tecnológicos. Gracias a su cuerpo artificial, La Mayor es capaz de realizar hazañas sobrehumanas especialmente requeridas para su labor. Entrenada para detener a los criminales y extremistas más peligrosos, La Mayor se enfrentará a un fanático terrorista, capaz de hackear mentes, cuyo único objetivo es acabar con los avances de Hanka Robotic en la tecnología cibernética. Pronto la agente ciborg se verá inmersa en una serie de intrigas y secretos de estado para encontrar al misterioso terrorista.
(Ver reseña completa aquí)
BELLA DURMIENTE (Belle Dormant, Adolfo Arrieta, 2016)
Francia/España. Duración: 82 min. Guion: Adolfo Arrieta Música: Benjamin Esdraffo, Ronan Martin Fotografía: Thomas Favel Productora: Paraïso Productions / Pomme Hurlante Films Género: Fantástico
Reparto: Niels Schneider, Agathe Bonitzer, Mathieu Amalric, Serge Bozon, Ingrid Caven,Tatiana Verstraeten, Andy Gillet, Vladimir Consigny
Sinopsis: Año 2000. Egon es el príncipe del reino de Litonia y pasa la mayor parte del tiempo tocando la batería. Sin embargo, lo que más desea en el mundo es ir al reino de Kentz, inmerso en el siglo XIX y romper el hechizo que envuelve a la bella durmiente. Su padre, no obstante, se opondrá firmemente a esa idea, creyendo que sólo se trata de un cuento de hadas.
Una vez vista la única cinta en la que Arrieta ha contado con un presupuesto decente, podría decirse que este no ha hecho más que perjudicarle. Bella durmiente carece del carácter experimental o underground que impregna toda su obra. Es una nueva versión del cuento realizada de forma muy libre, desde luego, pero que se enmarca perfectamente dentro del cine comercial–o más accesible para todos los públicos–y alejada de todo carácter experimental, convirtiendo esta película en un objeto mainstream de lo más inocente y carente de gracia, perfectamente delimitado dentro del fantastique más heterodoxo. Vetusta y no demasiado brillante, todo hay que decirlo. Así que el que quiera reencontrarse con el Arrieta de Le jouet criminel, Les intrigues de Sylvia Couski y Flammes, piedras angulares del cine experimental de los años 70, tendrá que esperar a otra ocasión.
Bellamente rodada en los preciosos parajes de las afueras de la ciudad de Rennes, en la campiña bretona, “la única región de Francia que podría albergar una auténtica historia de príncipes y princesas”, según el realizador, cuenta entre sus protagonistas con atractivo Niels Schneider, Agathe Bonitzer y la debutante Tatiana Verstraeten, además de grandes estrellas europeas como el ganador del César, Mathieu Amalric, el actor y director Serge Bozon y la musa de Fassbinder, Ingrid Caven.
Bella durmiente se presentó en el SEFF (Festival Europeo de Sevilla) pasando más tarde por el festival de cine independiente de Belfort, el Festival REC de Tarragona, el festival Mar de Plata y el Festival de Rotterdam 2017. Próximamente, la película se proyectará en el Febiofest Bratislava, en el Spirit of fire International Film Festival de Rusia y el festival internacional de Jeonju de Corea del sur.
LOS PITUFOS: LA ALDEA ESCONDIDA (Smurfs: The Lost Village, Kelly Asbury, 2017)
USA. Duración: 89 min. Guion: Stacey Harman, Karey Kirkpatrick, Chris Poche, Pamela Ribon, David Ronn, Jay Scherick (Cómic: Peyo) Música: Christopher Lennertz Productora: Columbia Pictures / Kerner Entertainment Company / Sony Pictures Animation Género: Comedia de animación
¿Qué es la Pitufina? ese es el punto de partida de esta nueva aventura de los pequeños duendes azules que cuenta con todos los personajes entrañables, Gargamel, Asrael, Papá Pitufo, los diferentes pitufos y… nuevos personajes que aparecerán en esa aldea escondida a la que se refiere el título en esta correcta película de animación dirigida a los más pequeños, de nuevo con el manido argumento de fondo de que todos somos diferentes pero todos tenemos nuestro lugar en el mundo.
Creados por el dibujante belga Peyo en 1958, Les Schtroumpfs, pues tal es su nombre original, se han mantenido en vigencia durante todos estos años gracias al mundo del cómic, siendo editadas sus aventuras en todo el mundo. Pero su popularidad se incrementó gracias a la televisión con la serie que Hanna-Barbera produjo con estos personajes entre 1981 y 1990, una de las más extensas realizadas por este estudio de animación y una de las series animadas estadounidenses de las que más episodios se han realizado, siendo superada únicamente por Los Picapiedra, Scooby Doo y Los Simpson. Y sin olvidar el cine, medio en el que Los Pitufos cuentan ya con cuatro títulos estrenados. Casi 60 años de unos personajes que no dan señales de agotamiento y que retornan más animados que nunca.
Ghost in the Shell: Prometeo desencadenado
GHOST IN THE SHELL: EL ALMA DE LA MÁQUINA (Ghost in the Shell, Rupert Sanders, 2017)
USA Duración: 120 min. Guion: William Wheeler (Manga: Masamune Shirow) Música: Clint Mansell Fotografía: Jess Hall Productora: DreamWorks SKG / Grosvenor Park Productions / Seaside Entertainment Género: Ciencia ficción
Sinopsis: En un Japón futurista, Scarlett Johansson interpreta a La Mayor, una agente especial ciborg, que lidera la Sección 9, un cuerpo policial de élite. El objetivo de esta unidad de operaciones encubiertas es luchar contra el ciberterrorismo y los crímenes tecnológicos. Gracias a su cuerpo artificial, La Mayor es capaz de realizar hazañas sobrehumanas especialmente requeridas para su labor. Entrenada para detener a los criminales y extremistas más peligrosos, La Mayor se enfrentará a un fanático terrorista, capaz de hackear mentes, cuyo único objetivo es acabar con los avances de Hanka Robotic en la tecnología cibernética. Pronto la agente ciborg se verá inmersa en una serie de intrigas y secretos de estado para encontrar al misterioso terrorista.
Aunque resulta difícil calibrar hasta que punto es fiel esta obra a su origen Manga sin haberlo leído, pensamos que no resulta necesario ser un fan de su original en papel (o de los muchos Animes derivados), para poder disfrutar de esta adaptación a imagen -más o menos- real. Por lo pronto no deja de resultar significativo que el cerebro que es introducido en el -magnífico- cuerpo cyborg sea el de una refugiada cuyo barco ha sido hundido por terroristas. Estamos utilizando términos que lejos de situarnos en el futuro, parece que hayan sido extraídos de los titulares de prensa. Como más adelante veremos, no todo será lo que parece, entrando también en el terreno de los antisistema y la resistencia pero, mejor vean la película para saber de qué diablos les estamos hablando. Aquí tan solo les contaremos lo que hemos visto y lo que nos ha parecido este nuevo Prometeo, que como Frankenstein, el hijo que inspiró, también terminó rebelándose contra su hacedor.
La ciudad futurista e hiper tecnificada que nos ofrece el universo de Ghost in the Shell, no tiene mucho que la diferencie del Tokio actual. Con un diseño innegablemente influido por Blade Runner (ya salió), pero mucho más rico. Y no me crucifiquen por mentar palabras mayores, resulta portentoso, muy imaginativo. Y no solo la ciudad. También sus habitantes multiraciales que poseen partes postizas de su cuerpo, que se han hecho evoluciones, mejorando así las partes humanas. Al igual que nuestras folklóricas con su nariz o sus ojos saltones, pero sin arrugas, un personaje de la cinta presume sobre su nuevo hígado tecnológico, con el que será capaz de cerrar más bares que nadie. Algo así como aquel cyberpunk y aquella Nueva carne que en los ochenta y noventa revolucionaron el cine y la literatura, mezclando máquina y carne, gasolina y sangre, solo que como un sencillo Prêt-à–porter, como en la actualidad con los implantes de silicona o el ‘rejuvenecedor’ botox. En este futuro-no tan-lejano, los humanos también tienen implantes con los que interactuar con los ordenadores. Y este será el campo de cultivo en el que el cerebro de una humana será introducido en un cuerpo mecánico. Despojándose al cerebro de casi todos sus recuerdos anteriores. Será la primera operación que tendrá éxito y al resultado se le dará un destino como policía de élite, convirtiéndola en una fría máquina de acción, pero que en la intimidad se enfrentará con diversas dudas existenciales ¿será más ser humano que máquina?
Además de ese paisaje visualmente arrollador, de una riqueza de detalles apabullante, Scarlett Johansson resulta muy convincente (y sexy, tenía que decirlo), como La Mayor, que durante gran parte del metraje luce un look Skingirl que abarca desde su corte de pelo, pasando por la chaqueta Pilot y terminando por sus botas militares (a lo Martins). Una imagen atractiva y una actuación memorable que cuenta con el apoyo de un reparto internacional, entre los que destacan el japonés Takeshi Kitano, la francesa Juliette Binoche, el danés Pilou Asbæk, el singapurense Chin Han, la inglesa de origen kurdo Danusia Samal, el australiano Lasarus Ratuere, la rumana Anamaria Marinca (a la vimos en Melanie, the Girl with all the Gifts)… además de Michael Pitt (al que vimos recientemente en La comunidad de los corazones rotos), muchos de los que, en vista del final del filme, podrían garantizar una secuela. Y es que Ghost in the Shell es una ensalada cultural, predominantemente oriental, pero a la que se ha querido cubrir de multiculturalidad. También es posible que su final resulte algo familiar. Similar a, por ejemplo, el de la conclusión de la saga Resident Evil, pero es que este histórico Manga, creado por Masamune Kirow y publicado por primera vez en 1989 ha influido mucho en la estética y la filosofía de, por ejemplo, la saga Matrix, tanto de hecho que sus creadores, las hermanas Wachowski, terminaron reconociéndolo en una entrevista. De ver y repetir para dejarse imbuir de una nueva concepción del cine de acción compuesto por más que solo tiros y explosiones.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 24 de marzo de 2017 *
UN HOMBRE LLAMADO OVE (En man som heter Oveaka, Hannes Holm, 2015)
- Suecia Duración: 116 min. Guion: Hannes Holm (Novela: Fredrik Backman) Fotografía: Göran Hallberg Productora: Film i Väst / Nordisk Film / Nordsvensk Filmunderhallning / Sveriges Television (SVT) / Tre Vänner Produktion AB Género: Comedia dramática
- Reparto: Rolf Lassgård, Bahar Pars, Filip Berg, Ida Engvoll
- Sinopsis: Ove (Rolf Lassgard) es el gruñón de la urbanización. Un hombre solitario y obsesionado por las normas, que lleva de cabeza a todo el vecindario. Su mal humor empeora cuando es forzado a jubilarse de la empresa en la que ha trabajado toda su vida. Pero su vida da un giro cuando la iraní Parvaneh (Bahar Pars) y su familia se convierten en sus nuevos vecinos.
Una comedia naif y para toda la familia que se las ingenia, de camino, para denunciar la intolerancia hacia emigrantes, homosexuales e incluso gatos. Aunque ya desde el principio sabemos que el mezquino y cascarrabias Ove terminará siendo un ángel para sus vecinos en lugar del molesto vigilante obsesionado con las normas de convivencia de la urbanización. Ser anticipable no le resta interés a la cinta, que se ve con agrado y algo de placer culpable ante el exceso de buenismo que derrocha.
Humor blanco por mucho que la historia arranque con el intento de suicidio del protagonista. De hecho, resulta muy ingenioso como el director introduce los flashbacks durante los diferentes intentos de Ove de quitarse la vida. Mediante estas visitas al pasado sabremos los motivos que llevaron a Ove a alcanzar y perfeccionar ese grado de mezquindad que le ha convertido en persona non grata en todo el vecindario.
Basada en la novela ‘En man som heter Ove‘, ópera prima del escritor sueco Fredrik Backman que ha sido publicada en más de 30 países, tiene, como casi todas las primeras novelas, mucho de autobiográfico: si en la novela uno de los personajes clave es una emigrante iraní y parte de la acción se desarrolla en Palma de Mallorca, en la vida real la esposa del escritor es de origen iraní y una gran enamorada de Barcelona.
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2016: Premios Oscar: Nominada a mejor película de habla no inglesa y maquillaje2016: Premios del Cine Europeo: Mejor comedia europea2016: Satellite Awards: Nominada a Mejor película de habla no inglesa2015: 3 Premios Guldbagge, incluyendo mejor actor (Lassgård). 6 nominaciones
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LA CURA DEL BIENESTAR (A Cure for Wellness, Gore Verbinski, 2016)
USA/Alemania Duración: 156 min. Guion: Justin Haythe, Gore Verbinski Música: Benjamin Wallfisch Fotografía: Bojan Bazelli Productora: New Regency Productions / Blind Wink Productions / Studio Babelsberg Género: Thriller
- Reparto: Dane DeHaan, Jason Isaacs, Mia Goth, Susanne Wuest, Celia Imrie, Lisa Banes,Adrian Schiller, Ivo Nandi, Natalia Bobrich, Johannes Krisch, Jason Babinsky,Judith Hoersch, Jeff Burrell, Eric Todd, Godehard Giese, Craig Wroe
- Sinopsis: Un joven y ambicioso ejecutivo de empresa (Dane DeHaan) es enviado para traer de vuelta al CEO de su compañía, que se encuentra en un idílico pero misterioso «centro de bienestar», situado en un lugar remoto de los Alpes suizos. El joven pronto sospecha que los tratamientos milagrosos del centro no son lo que parecen. Cuando empieza a desentrañar sus terribles secretos, su cordura será puesta a prueba, pues de repente se encontrará diagnosticado con la misma y curiosa enfermedad que mantiene allí a todos los huéspedes, deseosos de encontrar una cura.
La cura de bienestar es una magnífica propuesta de cine de terror, con aires muy clásicos pero desarrollada en pleno siglo XXI. Mad doctors que descubren su rostro desfigurado como Erik, el fantasma de la ópera; sectas siniestras; un balneario con aspecto de castillo tenebroso ubicado en la cima de una montaña (Hohenzollern, Alemania); lúgubres laboratorios con instrumental del siglo XIX … Un entorno inmejorable y un argumento que construye una interesante intriga la cual se desarrolla con una cadencia casi onírica, mezcla de realidad y alucinación, creando un universo irreal, misterioso. Pero… lamentablemente tropezamos con un pero.
Para un sector de la crítica, la más especializada en cine fantástico y de terror, y un sector del público, el amante del género, esta cinta resultará una exquisitez. Digresiva y desmesurada, pero también estimulante y arriesgada. Una anomalía hollywoodiense destinada a convertirse en filme de culto. Y advertirán en las redes sociales, a otros que saben iguales a ellos, que se apresuren en verla sin dilaciones porque la cinta durará poco en cartel. Seguramente les asista la razón y es que, ahí va el pero prometido, La cura del bienestar es imperfecta por su exceso, por no saber renunciar a referencias (¡hasta hay un celador que lee La Montaña Mágica!), por no saber renunciar a ninguna imagen sugerente aunque eso suponga que su guión vaya teniendo más y más aristas. Es desmesurada pero no sublime. Será de culto, pero unos cuantos toques de tijera aquí y allá podrían haberla convertido en una buena película.
Rodada con gran preciosismo y un cuidado especial en el detalle, cuenta con Dane DeHaan, un prometedor actor desde que lo descubriéramos en Chronicle (Josh Trank, 2012), y la dulce y enigmática Mia Goth, que le prestan su belleza y juventud como contrapunto a ese universo enfermo que desgrana. Con sus inconvenientes, que la harán de difícil aceptación por el público más generalista, no deja de ser una propuesta interesante, de las que apetece volver a revisar con más detenimiento. Si la película fuera un buen vino, la nota de cata rezaría: persistente en la memoria.
RARA (Pepa San Martín, 2016)
- Chile/Argentina. Duración: 93 min. Guion: Pepa San Martín, Alicia Scherson Música: Ignacio Pérez Marín Fotografía: Enrique Stindt Productora: Manufactura de Películas / Le Tiro Cine Género: Drama
- Reparto: Julia Lübbert, Emilia Ossandón, Mariana Loyola, Agustina Muñoz, Daniel Muñoz,Coca Guazzini, Sigrid Alegría, Micaela Cristi
- Premios
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2016: Festival de San Sebastián: Mejor película latinoamericana
REDENCIÓN (Southpaw, Antoine Fuqua, 2015)
USA/Hong-Kong Duración: 124 min. Guion: Kurt Sutter Música: James Horner Fotografía: Mauro Fiore Productora: Escape Artists / Fuqua Films / Riche Productions Género: Drama
Reparto: Jake Gyllenhaal, Forest Whitaker, Rachel McAdams, Oona Laurence, Victor Ortiz,Naomie Harris, Curtis ’50 Cent’ Jackson, David Whalen, Caitlin O’Connor,Dominic Colón, Rita Ora, Miguel Gómez, Malcolm M. Mays, Adam Ratcliffe,Jeremy Longa
Sinopsis: Billy “El Grande” Hope, campeón del mundo de los pesos semipesados de boxeo (Jake Gyllenhaal) lo tiene todo: una impresionante carrera, una hermosa y enamorada esposa Maureen Hope (Rachel McAdams), una hija adorable (Oona Lawrence) y un estilo de vida con todo tipo de lujos. Pero cuando su esposa muere tras un altercado con Miguel Escobar, un bravucón boxeador que lo está retando, perderá la custodia de su hija, su casa y le abandonarán todos, incluido su mánager y amigo de toda la vida Jordan (50 Cent) que pasará a entrenar Escobar. Hope tocará fondo, pero gracias a su perseverancia y su trabajo en el gimnasio de Willis (Forest Whitaker), Billy tendrá su oportunidad de redención y de recuperar la confianza de los que ama.
Hope es la palabra inglesa que se traduce por esperanza. Esperanza por una vida mejor, ganada a puñetazos, para su esposa y su hija. Esperanza de Maureen, su esposa, por controlar la ira de Billy, carne de orfanato y de presidio hasta que con ella encontró la redención. Esperanza, tras la tragedia y su consiguiente descenso al infierno, de tener de nuevo su segunda redención, que le permita recomponer la vida. Esto es lo que nos narra Antoine Fuqua, en este drama pugilístico que, lamentablemente cae una y otra vez en los tópicos más predecibles, no aporta nada nuevo a la temática ni a su tratamiento, a la vez que sus dosis de drama a veces están al borde de despertar la vergüenza ajena.
Con todo, esta película fórmula contiene algunos elementos valiosos que hacen aceptarla como entretenimiento digerible: las actuaciones y la química de Jake Gyllenhaal y Forest Whitaker, y los emocionantes combates, en los que puede apreciarse el trabajo de Gyllenhaal y la pericia de Fuqua al rodarlos, casi podemos sentir los puñetazos en carne propia.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 17 de marzo de 2017 *
LOCAS DE ALEGRÍA (La pazza gioia, Paolo Virzi, 2016)
Italia/Francia Duración: 111 min. Guion: Francesca Archibugi, Paolo Virzì Música: Carlo Virzì Fotografía: Vladan Radovic Productora: Lotus Productions / Manny Films / Rai Cinema Género: Comedia dramática
Reparto: Valeria Bruni Tedeschi, Micaela Ramazzotti, Anna Galiena, Valentina Carnelutti,Elena Lietti, Tommaso Ragno, Bob Messini, Carlotta Brentan, Francesca Della Ragione, Roberto Rondelli
Sinopsis: Beatrice (Valeria Bruni Tedeschi) es una condesa charlatana y millonaria que está convencida de encontrarse entre los círculos íntimos de los líderes políticos mundiales. Por su parte Donatella (Micaella Ramazzotti) es una joven tatuada, vulnerable e introvertida, envuelta en su propio halo de misterio. Ambas son pacientes de Villabiondi, una delirante institución psiquiátrica.
Paolo Virzi nos introduce en el microcosmos que conforma la institución mental, de entre cuyos pacientes destaca la parlanchina Beatrice, interpretada por Valeria Bruni Tedeschi, una noble enloquecida a la que nadie cree ni hace el mínimo caso. Cuando ingresa en la institución la barriobajera Donatella, Beatrice la acogerá bajo su tutela, dos seres diferentes, diametralmente opuestos, cuya unión, contra todo pronóstico, será beneficiosa para ambas, a partir de ese momento quedarán unidas y resultarán tan inseparables como complementarias.
Y es que ambas han perdido la salud, pero no la cordura, como quedará demostrado en su evasión del centro, durante la cual se irá recomponiendo el puzzle de sus vidas y sabremos el porqué han terminado internadas. La suya es una fuga hacia adelante en la que irán recuperándose ambas en un mundo que es mucho más insensato que ellas mismas que son consideradas locas con certificado. Una historia de amistad y redención servida bajo el fondo musical de Senza Fine, la exquisita canción compuesta por Gino Paoli (uno de los grandes nombres de la canción italiana) y que se hizo más célebre por formar parte del score de la inolvidable Avanti de Billy Wilder.
Comedia agridulce, no exenta de cierta sordidez y con un trasfondo trágico, está escrita y dirigida por Paolo Virzi, que ya contó en su anterior trabajo, El capital humano, con Valeria Bruni Tedeschi, que realiza una magnífica creación como la vital Beatrice y a la que pudimos ver recientemente formando parte del reparto coral de la produccion francesa La comunidad de los corazones rotos (Asphalte, Samuel Benchetrit, 2015). Por su parte a Micaela Ramazzotti, esposa de Virzi, la vimos en la fantástica El nombre del bambino (Il nome del figlio, Francesca Archibugi ,2015).
Una lección de vida además de una oda a la amistad, a veces divertida, otras triste, pero siempre vital.
EL BALCÓN DE LAS MUJERES (Ismach Hatani, Emil Ben-Shimon, 2016)
Israel Duración :96 min. Fotografía: Ziv Berkovich Productora: Pie Films Género: Comedia
Reparto: Avraham Aviv Alush, Yafit Asulin, Orna Banai, Itzik Cohen, Sharon Elimelech, Evelin Hagoel, Igal Naor, Einat Saruf, Herzl Tobey, Haim Zanati
Sinopsis: Un accidente durante una celebración religiosa provoca una disputa en una comunidad ortodoxa en Jerusalén. Cuando el balcón de las mujeres de la sinagoga se derrumba, dejando a la esposa del rabino en un estado de coma, al rabino en shock y perdiendo las mujeres de aquella pequeña y tranquila congregación su sitio dentro del edificio, la comunidad entra en crisis. Un joven y carismático rabino aparece para ser el salvador de la comunidad tras el accidente, pero pronto descubrirán su realidad conservadora y misógina. Lo peor llega cuando la reconstrucción comienza y no hay planes para volver a colocar el balcón en su sitio. Esto pone a prueba la amistad de las mujeres y provoca una ruptura entre las mujeres y los hombres de la comunidad.
Una curiosa comedia israelí que introduce al profano en los usos y costumbres del pueblo judío ultraortodoxo. Unos hábitos, cuanto menos, pintorescos y que difieren bastante poco de los usos religiosos de los musulmanes: comida khoser frente a halal; cabello femenino cubierto en ambos casos; predominio de la religión en la vida diaria y separación de las mujeres y los hombres en los lugares de oración. Precisamente esta es una de las trabas con las que se enfrenta la comunidad que protagoniza El balcón de las mujeres cuando, debido al accidente que tiene lugar en su sinagoga, llega un nuevo rabino que pretende imponer sus creencias jaredíes dividiendo a la hasta entonces feliz comunidad. Las mujeres se resistirán a perder su espacio en la sinagoga aunque ello signifique discutir con sus maridos.
De carácter muy localista, se nos antoja extraño que esta producción haya llegado a nuestras pantallas. No es que lo que nos cuente no sea interesante, que desde luego lo es, pero el tema y el tono quizás nos queda tan lejano como, por ejemplo, podría resultar para el público israelí Los Bingueros. No nos atreveríamos a recomendarla fuera de la programación de un festival especializado, por su valor antropológico, o ante otro tipo de público que el que puede acudir a una sala cinematográfica.
LA BELLA Y LA BESTIA (Beauty and the Beast, Bill Condon, 2017)
USA Duración: 130 min. Guion: Stephen Chbosky (Novela: Jeanne-Marie Leprince de Beaumont) Música: Alan Menken Fotografía: Tobias A. Schliessler Productora: Walt Disney Pictures / Mandeville Films Género: Musical Fantástico
Reparto: Emma Watson, Dan Stevens, Luke Evans, Emma Thompson, Ewan McGregor, Ian McKellen, Kevin Kline, Josh Gad, Audra McDonald, Gugu Mbatha-Raw, Stanley Tucci, Hattie Morahan, Adrian Schiller, Chris Andrew Mellon
Sinopsis: Un joven príncipe, víctima de un sortilegio que le ha dado forma de bestia, sólo puede ser liberado por el verdadero amor. Lo que puede ser su única oportunidad llega cuando se encuentra con Belle, la primera y única mujer que visita el castillo desde que quedó encantado.
El clásico de Disney nominado a mejor película en 1991 (cuando sólo eran cinco las nominadas y no había categoría independiente para la animación), adquiere forma humana, con una mitología ampliada y un reparto de estrellas a todo lujo que adapta hasta en el vestuario a los personajes de la cinta de animación obteniendo un resultado sencillamente espectacular: buen diseño de producción; magníficos números musicales, con homenaje al musical americano (Busby Berkeley, Gene Kelly, Esther Williams…) y deliciosas canciones y coreografías. En esta versión nos encontraremos con piezas que no sonaron en la original, pero sobre todo es ejemplar en su emulación de la cinta animada, algunos números casi se reproducen plano a plano, aunque no es nada despreciable cuando inventa. Bill Condon se confirma como magistral conductor de musicales (por si a alguien le quedaba duda después de Dreamgirls), su talento brilla especialmente en la composición coreográfica y puesta en escena de la pieza Be our guest (que ya mereció como canción su nominación al Óscar en 1991), una secuencia que está por encima de la original y compitiendo en su propio terreno, puesto que son los objetos animados quienes la protagonizan.
Una fantasía especialmente disfrutable cuando se adentra en el territorio de la bestia, tenebroso y frío al principio y cálido conforme Belle conquista el corazón de la bestia y el de los diferentes objetos animados, a los que prestan su voz los prestigiosos actores Ewan McGregor (Lumiere), Emma Thompson (Mrs. Potts) y el gran Ian McKellen, actor fetiche del director Bill Condon como Ding Dong. También intervienen Luke Evans (Gaston) y Kevin Kline como Maurice, padre de Belle, encarnada por la deliciosa Emma Watson.
En la historia se han introducido personajes de raza negra, así como dos homosexuales, pruebas inequívocas de la diversidad y modernidad que pretende ofrecer Disney en sus productos, aunque en el caso de uno de los gays (Josh Gad) se trate de un personaje obeso y cómico y de que, a pesar de que se clame que la belleza está en el interior, la protagonista se llame Belle, sea una joven y hermosa Emma Watson, y la bestia se transforme en un apolíneo príncipe azul con castillo y corte incluida. En fin, dejemos que hable la fantasía, suene la música y maravillémonos ante esta espectacular cinta ya que ¿Es necesario pedir explicaciones a un cuento de hadas?
LOS HOLLAR (The Hollars, John Krasinski, 2016)
USA Duración: 89 min. Guion: James C. Strouse Fotografía: Eric Alan Edwards Productora: Groundswell Productions / Sunday Night / Sycamore Pictures Género: Comedia
Reparto: Anna Kendrick, John Krasinski, Margo Martindale, Richard Jenkins, Mary Elizabeth Winstead, Josh Groban, Sharlto Copley, Mary Kay Place, Ashley Dyke, Yvonne Angulo, Jennifer Pierce Mathus, Nancy Nave
Sinopsis: John Hollar (John Krasinski), aspirante a dibujante de comics, debe salir de su cómoda vida en Nueva York y alejarse de Rebecca (Anna Kendrick), su hermosa, embarazadísima y rica novia para regresar a su ciudad natal del medio oeste cuando le informan que su madre (Margo Martindale) necesita una cirugía cerebral. Allí tendrá que lidiar con un hermano divorciado (Sharlto Copley) que vive en casa de sus padres; un padre con necesidades monetarias (Richard Jenkins); y Gwen, su antiguo amor de la escuela (Mary Elizabeth Winstead).
Una interesante comedia dramática independiente que se asienta, principalmente, en las magníficas interpretaciones de sus actores veteranos, Margo Martindale y Richard Jenkins, dos grandes actores de carácter, secundarios de lujo que brillan especialmente en esta cinta. Pero el resto del reparto también es remarcable, Sharlto Copley interpreta un papel bastante atípico en él, demostrando su versatilidad y Jennifer Pierce Mathus, presente en Swiss Army Man (Dan Kwan y Daniel Scheinert, 2016) y protagonista absoluta de Calle Cloverfield 10 (10 Cloverfield Lane, Dan Trachtenberg, 2016) se conforma con un pequeño pero agradecido papel. La película, que tendrá un tono mayoritariamente de comedia esperpéntica durante su primera parte, con diferentes situaciones embarazosas que se deben principalmente al personaje encarnado por Sharlto Copley, irá progresivamente subiendo en su aspecto dramático adoptando un tono más convencional durante su tercer acto, con un marcado exceso de melaza que en parte echará a perder el excelente punto de partida de esta reflexión, y a ratos celebración, de la vida, la muerte, el amor y la familia.
INCERTA GLÒRIA (Agustí Villaronga, 2017)
España Duración: 115 min. Guion: Agustí Villaronga, Coral Cruz (Novela: Joan Sales) Fotografía: Josep M. Civit Productora: Massa d’Or Produccions Género: Drama
Reparto: Marcel Borràs, Núria Prims, Bruna Cusí, Oriol Pla, Juan Diego, Terele Pávez, Fernando Esteso, Luisa Gavasa
Sinopsis: Plena Guerra Civil Española, en el frente de Aragón, año 1937. Lluís, un joven oficial republicano, destinado a un puesto temporalmente inactivo en un páramo desierto, conoce a una enigmática viuda.
Basada en la novela del mismo título de Joan Sales, Incerta Glòria, que toma su título de un verso de William Shakespeare de la obra Los dos caballeros de Verona, donde se dice: «incierta gloria de una mañana de abril», fue publicada por primera vez en septiembre de 1956 y ampliada en las sucesivas ediciones posteriores hasta la edición definitiva en 1971. La obra, como la película, no contiene ningún mensaje político ni se abandona a una fácil exaltación partidista.
Triste relato con la guerra civil española de fondo, ubicado en el frente de Aragón que permanece inactivo pero con el gris pesimismo del que sabe que la guerra está perdida. Mientras unos, inútilmente, son entrenados para matar por un joven teniente barcelonés que nunca ha matado, Lluis (Marcel Borràs), otros van preparando el terreno para cuando entren las tropas fascistas.
Entre las ruinas, entre cadáveres y objetos abandonados de vidas que ya no están, hay también supervivientes, como La Carlana (Núria Prims), joven y viuda, objeto de deseo de muchos, que atraerá hacia su red (como nos muestra el director con una torpe metáfora visual) a ese joven oficial, para que le ayude a conseguir sus objetivos. Como ya ha hecho antes con otros. Sobrevivir es el objetivo y, más allá, resarcirse de la vergüenza de un padre abusador (conocido como el cagorcio), vengarse del señorito que le ha engendrado dos bastardos y empoderarse frente a todos los que la han menospreciado. El personaje de La Carlana, potenciado por Villaronga en la película más que en la novela que adapta, merece codearse con las Fortunata y Jacinta de Galdós y la Ana Ozores de Clarín, mujeres de carácter todas ellas que marcan un hito en la construcción de psicologías femeninas en la literatura y el cine.
En cuanto a los masculinos, aunque el protagonista sea el teniente Lluís de Brocà, el que nos guardaremos en nuestra colección de personajes predilectos será el de su amigo, Juli Soleràs (Oriol Pla). Contradictorio, cínico, escéptico, impenetrable, pero lúcido agitador de espíritus, Soleràs es la encarnación del héroe romántico, aquel que va a la guerra a sabiendas de que puede perderse. Y más aún, el que sabe que, en verdad, la derrota es la que da la grandeza, porque es desde la comprensión en carne propia de la finitud y futilidad de lo humano que podemos remontarnos y afirmar la importancia del viaje (no del destino) que es la vida.
Destaca la labor de sus interpretes, especialmente las femeninas, con la ya nombrada Núria Prims y la dulce Bruna Cusí, así como la participación en pequeños pero significativos roles de Juan Diego, Terele Pávez, Luisa Gavasa y un Fernando Esteso que despierta siempre la sonrisa, necesaria, pues Incerta Glòria nos hará salir del cine con un sabor amargo en la boca.
Ruinas, bombardeos, una Barcelona en guerra magníficamente retratada, y tristeza, mucha tristeza, en esta historia de pasiones fatales y fatalistas. De héroes y supervivientes, de intrigas y pasiones, venganza y ambición, en una magnífica cinta en la que de nuevo Agustí Villaronga nos traslada a la guerra civil tras su gran éxito Pà negre (2010) y en la que refleja un dolor que sobrevive a la propaganda de cualquiera de las dos facciones.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 10 de marzo de 2017 *
LAND OF MINE. BAJO LA ARENA (Under Sandet, Martin Zandvliet, 2015)
Dinamarca / Alemania. Duración: 100 min. Guión: Martin Zandvliet Fotografía: Camilla Hjelm Productora: Amusement Park Films / Nordisk Film Género: Drama
- Reparto: Roland Møller, Louis Hofmann, Mikkel Boe Følsgaard, Laura Bro, Joel Basman,Oskar Bökelmann, Emil Buschow, Oskar Buschow, Leon Seidel, Karl Alexander Seidel, Maximilian Beck, August Carter
- Sinopsis: La guerra no acaba cuando se firma la paz. Cuando Alemania se rindió en 1945, en la costa occidental danesa comenzó otra dura batalla: la de los jóvenes soldados alemanes que fueron obligados a retirar miles de minas plantadas en la arena por el ejército nazi. Zandvliet muestra el maltrato infligido a esos prisioneros, un oscuro episodio de posguerra poco conocido.
Inspirada en hechos reales, descubre una historia muy poco conocida de uno de los momentos más trágicos y crueles sucedidos tras la Segunda Guerra Mundial en Dinamarca. Martin Zandvliet, es el guionista y director de una película narrada con muy buen pulso acentuado por sus momentos de tensión. Su tema, su punto de partida resulta lo suficientemente cruel como para saber que vamos a pasar un rato descorazonador y repleto de momentos tensos, duros y violentos. Más cuando vemos que el pelotón ‘enemigo’ está compuesto por adolescentes recién salidos de la niñez. Soldados a los cuales el uniforme les va muy grande y que son traídos desde Alemania para desempeñar esa peligrosa labor. Considerados poco menos que basura, cargarán con el odio y rechazo que se tiene por el país invasor. Su misión será desactivar 45.000 minas en una ruleta rusa mortal de la que sobrevivirán unos pocos.Land of Mine. Bajo la arena tuvo su presentación mundial en el Festival de Toronto, continuó su periplo de festivales por Londres, Roma, Dubái y Sundance, y se ha alzado con los siguientes premios:
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2016: National Board of Review (NBR): Mejores películas extranjeras del año2016: Premios del Cine Europeo: Mejor fotografía, vestuario y maquillaje2015: Festival de Gijón: Premio del público2015: Academia de Cine Danés: Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guión Original, Mejor Fotografía, Mejor Montaje y el Premio del Público2016: Festival de Rotterdam: Premio del público y del jurado joven2016: Afi Fest de los Angeles: Premio del público2016: Festival de Tokio: Premio al mejor actor2016: Festival de Pequín: Premio al mejor actor2015: Festiva lde Göteborg: Premio a la mejor película2016: Película preseleccionada en la shortlist a los Oscar en la categoría de Mejor Película de Habla No Inglesa en representación de Dinamarca.
EL FUNDADOR (The Founder, John Lee Hancock, 2016)
USA Duración: 115 min. Guion: Robert D. Siegel Música: Carter Burwell Fotografía: John Schwartzman Productora: FilmNation Entertainment / The Combine; Distribuída por The Weinstein Company Género: Drama
Reparto: Michael Keaton, Laura Dern, Nick Offerman, Linda Cardellini, Patrick Wilson, B.J. Novak, John Carroll Lynch, Lauren Denham, Catherine Dyer, Ric Reitz, Wilbur Fitzgerald, Valeri Rogers, David Silverman, Abbey Ferrell, Tracy Goode, Franco Castan
Sinopsis: En los años 50, un vendedor de Illinois llamado Ray Kroc conoció a los hermanos Richard y Maurice McDonald que llevaban una hamburguesería al sur de California. Impresionado por la velocidad del sistema de cocina de su hamburguesería de San Bernardino, Kroc visualizó el potencial de la franquicia y hábilmente se fue posicionando para arrebatárselo a los hermanos y crear el hoy imperio de un billón de dólares. Así nació McDonald’s.
El Fundador es una historia de usurpación. De cómo la carencia de escrúpulos tiene premio y puede otorgar el billete de acceso a ese tan cacareado ‘sueño americano.’ Un magnífico ejemplo del tipo de valores que han tenido su cenit en el mismísimo presidente Trump. Se nos narra la historia de los triunfadores. Mostrando los cadáveres que reposan en los arcenes. Los McDonald’s llegan a perder hasta el apellido ante el depredador Ray Kroc. Al igual que los creadores de Superman, que hasta hace bien poco no obtuvieron reconocimiento (ni réditos) por su personaje; como Steve Ditko por diseñar a Spider-man; o incluso el propio creador de Kukuxumusu, todos ellos víctimas de triquiñuelas legales tras las que se encuentran sabandijas sin ningún tipo de moral. Es una historia sobre estos tiempos en los que los valores son los del dinero. Una historia de nuestros tiempos, que ha rodado John Lee Hancock con muy buen pulso y un impecable ritmo, al igual que lo hizo en su anterior trabajo, Al encuentro de Mr. Banks (Saving Mr. Banks, 2013) en el cual también se adentraba en los ‘hechos reales’ que rodearon, en esa ocasión, al rodaje de Mary Poppins y la intensa relación entre Walt Disney y la escritora P. L. Travers. Pero lo que allí era una anécdota, aquí es una reflexión nada estridente sobre lo que se entiende como triunfo y éxito en la vida. Una historia totalmente diferente, opuesta de la que nos contaba su guionista, Robert Siegel (por cierto, apellidado igual que uno de los creadores del hombre de acero) en El luchador (The Wrestler, Darren Aronofsky, 2008) de cuyo guión también es responsable. Allí su personaje era un hombre íntegro. Noble. Aquí un hipócrita sin escrúpulos. Allí muere antes que ceder. En la miseria, pero no claudica. Aquí muere de viejo, rico y con una mujer usurpada también, cual derecho de pernada.
Michael Keaton interpreta al inconformista Ray Kroc, mientras Nick Offerman y John Carroll Lynch (al que hemos visto recientemente en Jackie), encarnan a Dick y Mac, los innovadores hermanos McDonald. El reparto lo completan Laura Dern, en el papel de la primera mujer de Ray Kroc y Linda Cardellini, en el de la mujer de uno de los primeros franquiciados. Pero El Fundador es una película de un solo actor, ya que Keaton, al igual que hiciera en Birdman (A. G. Iñárritu, 2014) carga con todo el peso de la acción y, al igual que en la cinta de Iñárritu, lo hace de forma magistral.
LA COMUNIDAD DE LOS CORAZONES ROTOS (Asphalte, Samuel Benchetrit, 2015)
Francia Duración: 100 min. Guion: Samuel Benchetrit Música: Raphaël Fotografía: Pierre Aïm Productora: La Caméra Deluxe / Máje Productions / Single Man Productions / Emotions Films UK / Jack Stern Prouctions / Film Factory / Orange Cinéma Séries Género: Drama
Reparto: Isabelle Huppert, Gustave Kervern, Valeria Bruni Tedeschi, Jules Benchetrit,Tassadit Mandi, Michael Pitt
Sinopsis: Un ascensor averiado. Tres encuentros improbables. Seis personajes insólitos. Un grandullón intratable y la frágil enfermera del turno de noche. Jeanne, una actriz en crisis y su joven vecino abandonado. Un astronauta americano perdido y la entrañable Sra. Hamida. Todos ellos seres solitarios unidos por un gran sentimiento de ternura, respeto y compasión.
Surtsey Films nos presenta esta fabulosa adaptación de la novela semi-biográfica Crónicas del asfalto, de Samuel Benchetrit, que también la ha dirigido. Un itinerario por la miseria y la estupidez humana, pero sobre todo por la soledad, que narrada en clave de saludable comedia, merecería no pasar desapercibida entre el maremágnum de los estrenos de esta semana. Ambientada en un gris bloque de pisos ubicado en el extrarradio de una ciudad anónima francesa, sus protagonistas, interconectados entre sí, serán objeto de venganzas del destino y momentos delirantes cargados de humor negro e ironía. Pero también de ternura y compasión por unos personajes que podrían habitar en la puerta de enfrente de nuestra casa. O ser nosotros mismos.
Entre sus protagonistas destaca la siempre eficaz Isabelle Huppert; el norteamericano Michael Pitt, cuyo físico permanece inalterable en la memoria del espectador por su papel en la versión americana de Funny Games (2007) de Haneke, y al que veremos pronto como protagonista de Ghost in the Shell; y Valeria Bruni-Tedeschi, de la que pudimos ver recientemente El capital humano.
YO NO SOY MADAME BOVARY (Wo bu shi Pan Jin Lian, Feng Xiaogang, 2016)
China Duración: 128 min. Guion: Liu Zhenyun (Novela: Liu Zhenyun) Música: Wei Du Fotografía: Luo Pan Productora: Sparkle Media / Huayi Brothers Género: Comedia
- Reparto: Fan Bingbing, Dong Chengpeng, Fan Wei, Guo Tao, Li Zonghan, Zhang Yi, Liu Hua, Zhang Jiayi, Yu Hewei, Zhao Lixin
- Sinopsis: Li Xuelian organiza un falso divorcio con el fin de conseguir un segundo apartamento, pero su marido se vuelve a casar de forma inesperada. Tras recurrir al juzgado sin éxito y ser acusada por su marido, Li se embarca en un absurdo viaje de diez años para restaurar su reputación.
El título chino original del filme, que se traduciría como Yo no soy Pan Jinlian, hace referencia a un personaje mítico que conspiró con su amante para asesinar a su marido. Todavía hoy, en China la gente se refiere a las mujeres “promiscuas” como Pan Jianlian. Para su título internacional, Yo no soy Madame Bovary, se ha escogido un nombre que simbolizó en Occidente el arquetipo de la “mala mujer y esposa. “ Y la película, de lo que trata, es de una mujer que lo que busca es justicia y recuperar el honor mancillado por su ex-marido, que la acusa de ser una Pan Jinlian. Para narrarlo, el director compone una deliciosa fábula que funciona como un cuento animado, al que ha otorgado también una estética innovadora: la obra se presenta dentro de un marco circular, creando una sensación de distancia y alienación. Pero también, gracias a la fotografía de Luo Pan, es toda una delicia para los sentidos.La idea original del marco circular fue de su director, Feng Xiaogang. “Las pinturas de Literati durante la dinastía Song eran a menudo paisajes representados en rollos. Con una historia tan potentemente china, necesitábamos contarla de una manera muy china.” Cuando Feng fue a buscar localizaciones, los lugares que encontró a menudo carecían de carácter: “La composición de muchos lugares era simplemente desordenada, mal organizada, sin divisiones, algo que, como director y antiguo pintor, me molestaba”. Al encuadrar cada escena en un círculo, podía eliminar muchos elementos no deseados de cada escena, y hacer que el público se centre en los personajes. Cuando explicó su idea por primera vez a Luo Pan, el director de fotografía, se mostró realmente emocionado. “¡Si haces una película así, los directores de fotografía te amarán para siempre!” Y sin lugar a dudas se nota el amor con el que Pan se ha tomado su trabajo, al que otorgado una belleza sublime.
Curiosamente, el escritor de la novela en la que se basa la película, Liu Zhenyun, estuvo inicialmente en contra de la idea de encuadrar la acción en un círculo, creyendo que la tensión dentro de la historia de su novela era bastante fuerte por sí misma sin recurrir a tal innovación visual. Después de una larga negociación, Feng acordó rodar la película de las dos maneras, circular y 1: 1,66. Pero fue difícil porque la mentalidad necesaria para un marco circular es completamente diferente. El marco circular no sólo refleja la composición de las pinturas tradicionales chinas, sino que también proporciona un agujero para el público. Puesto que algo está ocurriendo claramente dentro del círculo, algo también debe estar pasando fuera de la vista. Esto abre muchas posibilidades creativas. Tanto los personajes como el público se pierden, con información incompleta, al igual que la propia Li Xuelian.
- Con tono de comedia satírica, la cinta de Xiaogang es una delicada pieza de orfebrería cinematográfica. De estética impecable, no desecha realizar una crítica social, mostrando las corruptelas políticas y de partido que viven los personajes y reflejando el estilo de Feng de revelar la verdad subyacente bajo la superficie de todas las cosas.
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2016: Festival de San Sebastián: Mejor película y actriz (Fan Bingbing)2016: Festival de Toronto: Premio FIPRESCI (sección «Special Presentations»)
9 MESES (Keeper, Guillaume Senez, 2015) (BÉLGICA/SUIZA/FRANCIA, 2015)
Bélgica/Suiza/Francia. Duración: 95 min. Guion: David Lambert, Guillaume Senez Música: Marianne Roussy Fotografía: Denis Jutzeler Productora: Iota Production / Magellan Films / Mollywood Género: Drama
Reparto: Kacey Mottet-Klein, Galatéa Bellugi, Laetitia Dosch, Corentin Lobet, Sam Louwyck,Catherine Salée
Sinopsis: Maxime (Kacey Mottet-Klein) y Melanie (Galatéa Bellugi) tienen 15 años. Se quieren. Juntos exploran su sexualidad con entusiasmo y torpeza. Hasta el día en que Melanie descubre que está embarazada. Maxime no acepta bien la nueva noticia, pero después se mentaliza y convence a Melanie para tenerlo.
Realista, emotiva y temperamental, con los sentimientos a flor de piel, tal y como corresponde a un amor adolescente, con esta cinta Guillaume Senez nos introduce en un mundo de inconsciencia, redes sociales, teléfonos móviles y videojuegos, a lo que se les sumará, sin pretenderlo, el misterio de la gestación. Niños teniendo niños. Y todo será realizado de una forma realista, casi traumática, pero también muy inteligente. Sin posicionarse ni posicionarnos, Senez nos muestra los hechos prescindiendo de mensajes, denuncia o lección moral.
Director de tres cortometrajes vistos en prestigiosos festivales (Squaring, In Our Blood, UHT), Guillaume Senez gestó su primer largo, 9 meses, a partir de la idea de querer reflejar la adolescencia tal y como es, en toda su belleza y complejidad. Senez quería transmitir la alegría del amor adolescente y a su vez, su fragilidad, haciendo honor a los sentimientos que imperan en esa etapa de la vida. Con un estilo realista, el director apostó por seguir muy de cerca a los personajes, (al chico, Maxime, en particular), y ver cómo se desenvolvían en cada situación, dejando cierto margen a los actores para improvisar y explorar. Senez nunca les dió un guión escrito pues antes que nada, buscaba la honestidad pura en las interpretaciones.
KONG: LA ISLA CALAVERA (Kong: Skull Island, Jordan Vogt-Roberts, 2017)
USA/Vietnam Año: 2017 Duración: 120 min. Guion: Dan Gilroy, Max Borenstein Música: Henry Jackman Fotografía: Larry Fong Productora: Warner Bros. Pictures / Legendary Pictures Género: Fantástico
Reparto: Tom Hiddleston, Brie Larson, Samuel L. Jackson, John Goodman, John C. Reilly,Toby Kebbell, Thomas Mann, Corey Hawkins, Jason Mitchell, Shea Whigham, John Ortiz, Eugene Cordero
Sinopsis: Un equipo de exploradores y militares es reunido para aventurarse en el interior de una isla del Pacífico que no aparece en los mapas, sin saber que están invadiendo los dominios del mítico King Kong.
De nuevo el viejo Kong despierta de su letargo y lo hace, afortunadamente, con una cinta que merece todos los elogios. Ingeniosa, bien estructurada, con un guión muy bien hilvanado, la acción muy medida y, lo que es mejor, ofrecida de tal forma que puede disfrutarse, lejos de esa moda que parece imperar en las cintas de acción norteamericanas en las cuales todo es tan fugaz, tan rápido, que no nos permite apreciar lo que está sucediendo en pantalla. Espectacular, colosal, esta brillante cinta de aventuras es de las que se disfrutan con asombro y maravilla. Con la boca abierta
Ambientada en los años setenta, coincidiendo con el final de la guerra de Vietnam, una expedición de científicos, acompañada de militares provenientes precisamente de Vietnam (al mando del coronel Packard, interpretado por un sobreactuado Samuel L. Jackson), se internarán en la Isla Calavera, un lugar invisible en los mapas pero ubicado en algún lugar del Pacífico. Allí tendrá lugar la acción, mucha acción, tensión sexual incluida, entre James Conrad, el duro rastreador que interpreta Todd Hidleston y Mason Weaver, la fotógrafo de prensa que encarna la muy convincente Brie Larson. Weaver, como no podría ser de otra forma, también se ganará el afecto del enorme gorila, aunque este espinoso tema se ha enfocado de una manera más casta que en otras versiones: ella sabrá ver la soledad que encierra la triste mirada del fiero Kong.
El único personaje femenino del grupo, junto con una científica japonesa que está poco más que de adorno, no se limitará a chillar y correr delante de los monstruos para ser rescatada por el héroe, muy al contrario, luchará activamente e incluso será la que salve el pellejo del galán. Y es que, afortunadamente, los tiempos han cambiado y, no en vano tras su aventura en Isla Calavera, Brie Larson se calzará las mallas de la Capitana Marvel para participar en la próxima aventura de Los Vengadores.
Y Kong. Sobre todo Kong que, con una imagen más cercana a la del gorila original de 1933, resulta ser toda una fuerza de la naturaleza que nos llegaremos a creer junto a las arañas, saurios y búfalos gigantescos que inundan la pantalla, en la que habrá lugar también para un guiño a Ruggero Deodato y su Holocausto Caníbal, Infierno en el Pacífico y Apocalipsis Now, ya desde el cartel original. Todo lo que, junto a una magnífica selección de temas Rock de la época que parecen sonar mejor que nunca, y unos personajes muy bien perfilados, completarán esta convincente propuesta cinematográfica.
Finalmente conviene aclarar para los que, como servidor, no estaban muy al tanto de esta película, que no guarda ningún tipo de continuidad con la que Peter Jackson dirigió en 2005. Su director Jordan Vogt-Roberts (de aspecto muy hipster, no se puede ser perfecto) con tan solo un largometraje más en su haber, ha realizado un muy competente trabajo que deja altas las expectativas respecto a las nuevas entregas que se sumarán a este Monsterverse, del que Kong: La Isla Calavera es un nuevo comienzo. Como podrán ver los espectadores que vean la totalidad de los créditos finales del filme, esta cinta tendrá una continuidad que enlazará con los populares Kaiju Eiga japoneses, concretamente con Godzilla, Mothra, Rodan y King Ghirodah, que protagonizarán, presumiblemente, Godzilla, King of Monsters, cinta que tiene anunciado su estreno para dentro de dos años y que precederá al esperado encuentro entre Kong y Godzilla. Una entente americano-japonesa que, en vista de los resultados obtenidos con este Kong: La Isla Calavera, nos atrevemos a decir que será realmente emocionante.
El viajante, la venganza produce monstruos
De la tramoya a la escena y de la escena a la vida, la cámara de Asghar Farhadi circula con elegancia ese espacio real pero (sobre todo) metafórico. Mientras representan Muerte de un viajante y tras enfrentar una experiencia traumática el matrimonio de Emad (Shahab Hosseini) y Rana (Taraneh Alidoosti) hace aguas. La elección de la pieza de Arthur Miller no es azarosa, como el propio director confiesa: «Leí ‘Muerte de un viajante’ siendo estudiante. Me marcó profundamente, quizá por sus reflexiones sobre las relaciones humanas. Es una obra teatral muy rica, que ofrece lecturas múltiples. La dimensión más importante me parece la crítica social de un periodo histórico en el que la rápida transformación de la América urbana destruyó a una clase social. Toda una categoría de personas que no supieron adaptarse a la inesperada modernización fueron literalmente aplastadas. En ese sentido, la obra guarda muchos paralelismos con la situación actual en mi país. Las cosas cambian a la velocidad del rayo y no queda más remedio que adaptarse o morir. La crítica social que forma el núcleo de la obra sigue siendo válida en Irán. Otra dimensión de la obra es la complejidad de las relaciones sociales en el seno de la familia, sobre todo en la pareja formada por el viajante y Linda, su mujer. En la obra hay una fuerte atracción emocional, y eso hace que además de conmovedora, también obligue al público a reflexionar sobre temas muy sutiles. En cuanto decidí que los personajes de la película estarían en una compañía teatral y que prepararían una obra, pensé que el drama de Miller era muy interesante porque me permitía establecer un paralelismo con la vida personal de la pareja en el centro de la historia. En el escenario, Emad y Rana hacen los papeles del viajante y de su mujer. En la vida real, sin saberlo, se encontrarán con el viajante y su familia, y deberán decidir su destino«. En esta respuesta Farhadi condensa todo el sentido de su último y multipremiado filme. Y es que una vez más el cineasta iraní atropella la comodidad de una joven pareja de clase media para enfrentarse a una situación dramática, hundiéndonos de lleno en la complejidad humana.
El viejo Irán se hunde, como la vivienda que se ve obligada a abandonar la joven pareja en el inicio del filme, y hay que encarar esta situación y sus consecuencias. En su nueva residencia Rana es asaltada en su intimidad por un cliente de la antigua inquilina (de cuya «profesión» no fueron advertidos), episodio que hará tambalear su cómoda existencia de clase media. Un choque de trenes que da cuenta de la complejidad de un mundo en el que la realidad de sus mujeres define los recovecos más disfuncionales de la sociedad iraní. Así, El viajante puede ser leída en forma de retrato social (un retrato crítico además), pero a la vez funciona como fábula moral. La agresión a Rana será vista como una afrenta al honor familiar, mancha que sólo podrá expurgarse tomando cumplida venganza.
El cine siempre ha sido una ventana privilegiada desde la que asomarse a otros mundos y culturas. A través del séptimo arte recibimos noticia de los rasgos particulares que las definen, pero, más allá de ello, lo que alcanzamos a descubrir es la universalidad de los sentimientos y aflicciones. El viajante cumple totalmente con esta premisa. La situación de la mujer es más opresiva en Irán (en ningún momento vemos el cabello de las actrices, por citar un ejemplo llamativo), pero no dejamos de comprender sus reticencias a denunciar lo sucedido ante el temor de ser criminalizada en vez de apoyada. También podemos sentirnos en la piel de Emad, lesionado en su amor propio y sediento de reparación de su honor mancillado, mucho más obsesionado que la propia Rana, que en verdad se irá sintiendo acosada por la incapacidad de su esposo para recuperar la normalidad. Pero, sobre todo, es universal la enseñanza de la película: la persecución y consumación de la venganza nos convierte en monstruos. La venganza no repara nada, lejos de ello nos sume en la inmundicia y nos degrada ante nosotros y ante los demás. Impagable el plano final en el que comprendemos que todos los puentes entre marido y mujer se han hundido irreversiblemente.
Como de costumbre, Asghar Farhadi propone una película humanista, sencilla y poderosa, en la que el drama familiar se sirve bajo fórmula de thriller, con un guion implacable en el que cada pieza encaja sin que el espectador se dé cuenta, sin que los personajes midan las consecuencias en su existencia.
La carrera del doblemente oscarizado, cuya formación fue en dirección escénica y teatro, se ha desarrollado de forma inmejorable. Con siete largometrajes en su filmografía, Farhadi se ha convertido en un importante referente del cine iraní contemporáneo. Tras realizar exitosos y reconocidos títulos como A propósito de Elly y Nader y Simin, una separación (con la que obtuvo el Oscar en 2012), también ha cultivado su proyección internacional, lo que le llevó a rodar en Francia El pasado, y actualmente a desarrollar posiblemente su próximo proyecto en España.
Asghar Farhadi fue representado en la última gala de los Oscars por Anousheh Ansari, una ingeniera conocida por ser la primera mujer turista espacial, y Firouz Naderi, un reputado científico que trabajó para la NASA, ambos iraníes-estadounidenses. A pesar de no haber asistido a la ceremonia -en respuesta a las restrictivas políticas migratorias que Estados Unidos ha aplicado recientemente, Asghar Farhadi ha manifestado sus sentimientos de agradecimiento a través del discurso que Anousheh Ansari leyó en su nombre: “Es un gran honor recibir este valioso premio por segunda vez. Me gustaría agradecer a los miembros de la academia» (…) “Siento no estar con vosotros esta noche. Mi ausencia se debe al respeto hacia la gente de mi país y de otros 6 países que han sido humillados por la inhumana ley que prohíbe la entrada de inmigrantes a Estados Unidos”(…) “Dividir el mundo entre las categorías de ‘nosotros’ y ‘nuestros enemigos’ crea miedo y una lamentable justificación para la agresión y la guerra» (…) “Los cineastas pueden emplear sus cámaras para captar cualidades humanas comunes y romper estereotipos sobre sus nacionalidades y religiones, crear empatía entre ´nosotros’ y ´otros’, una empatía que necesitamos hoy más que nunca”.
2016: Premios Oscar: mejor película de habla no inglesa2016: Globos de Oro: Nominada a mejor película de habla no inglesa2016: Festival de Cannes: Mejor actor (Shahab Hosseini) y mejor guión2016: National Board of Review (NBR): Mejor película de habla no inglesa2016: Critics Choice Awards: Nominada a mejor película de habla no inglesa2016: Festival Internacional de Valladolid – Seminci: Sección oficial2016: Satellite Awards: Mejor película de habla no inglesa
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 3 de marzo de 2017 *
LOGAN (James Mangold, 2017)
USA Duración: 135 min. Guion: David James Kelly (Cómic: Mark Millar, Steve McNiven) Música: Cliff Martinez Fotografía: John Mathieson Productora: 20th Century Fox / Donners’ Company / Marvel Entertainment / TSG Entertainment Género: Fantástico
Sinopsis: Ha pasado un año tras los eventos de «X-Men: Days of Future Past«. Logan ha decidido no volver a usar sus poderes ni sus garras, pero cuando una malvada organización liderada por Nathaniel Essex intenta utilizar al resto de mutantes que quedan en el mundo, convirtiéndolos en armas para usar en su beneficio, Logan se verá obligado a volver a ser ‘Wolverine’ una vez más…
Tercera película protagonizada por Lobezno, basada en la miniserie Wolverine: Old Man Logan, escrita por Mark Millar e ilustrada por Steve McNiven en 2008 y 2009 y que nos muestra a un Logan desencantado, avejentado, sin uniforme y ubicado en el futuro inquietante y apocalíptico en el que los mutantes han sido exterminados y no nacen más niños con ese gen especial. Pero en la vida de Logan se introducirá un niña que despertará, a patadas, el instinto paternal del mutante de las garras. Más salvaje que el mismo Logan, Laura (Dafne Keen) , el experimento X-23 tendrá mucho en común con él, que se verá obligado a ejercer de protector de la pequeña salvaje.
Una crítica realizada en caliente por un profesional desde Berlín, y publicada en un periódico de gran tirada decía de esta nueva entrega del universo X que «Sus escenas de acción son poquísimas y tediosas, sus efectos visuales son una chapuza» y nada puede estar más alejado de la realidad. Las escenas de acción de Logan son las más salvajes y sangrientas de toda la franquicia mutante en particular y de Marvel en general (con excepción de las cintas dedicadas a Blade) y no solo eso, los efectos especiales también son más que correctos. Totalmente eficaces. Sí que hay un momento, hacia el final del tercer acto, en el que la cinta decae, pero pronto se recupera la acción con esa lucha final, al parecer, definitiva. Por tanto, es posible que dicho crítico no hubiera tenido un buen día. O hubiera visto una copia de trabajo. O definitivamente no simpatice con los personajes.
Destaca la participación de la pequeña Dafne Keen Fernández, actriz británico-española conocida por interpretar el papel de Ana «Ani» Cruz Oliver en la serie de televisión Refugiados y que aquí nos ofrece una muy salvaje y también carismática X-23 / Laura. Uno, que ya está muy escarmentado de ver como, a veces, los niños echan a perder películas de acción o terror, infantilizando la trama, no ha podido menos que sacarse el sombrero ante este personaje, la niña más salvaje de la pantalla desde Hit Girl.
No sabemos si estos pequeños mutantes darán para una nueva saga. Pistas, al menos, no se nos han ofrecido en forma de escena postcréditos, pero lo que es seguro es que, para nosotros, Logan es, pese a no ser una cinta redonda, de largo la mejor de las dedicadas a Lobezno, que a pesar de su carisma, no ha tenido mucha suerte en sus aventuras en solitario, funcionando en la pantalla mucho mejor en equipo junto al resto de los X-Men.
EL SR. HENRI COMPARTE PISO (L’étudiante et Monsieur Henri, Ivan Calbérac, 2016)
Francia Duración: 95 min. Guion: Ivan Calbérac (Obra: Ivan Calbérac) Música: Laurent Aknin Fotografía: Vincent Mathias Productora: Mandarin Films / StudioCanal / France 2 Cinéma / Les Belles Histoires Productions / Canal+ / Orange Cinéma Séries / France Télévisions / Angoa-Agicoa Género: Comedia
Reparto: Claude Brasseur, Guillaume de Tonquédec, Noémie Schmidt, Frédérique Bel,Thomas Solivéres, Valérie Kéruzoré, Stéphan Wojtowicz, Antoine Glemain
Sinopsis: El señor Henri acepta a regañadientes la idea de su hijo de alquilar una habitación para así no estar solo a su edad. La elegida es una joven estudiante, pero lejos de caer bajo el encanto de la chica, Henri la utilizará para crear un verdadero caos familiar.
Suelo disentir de quienes ven a los ancianos, tan solo por la condición de serlo, como niños a los que ver con ternura, necesitados de ayuda y cariño. Pienso que, en muchos casos, son unos mezquinos egoístas e insufribles vanidosos que, tan solo por su ventaja numérica en el contador de edad, piensan que son más sabios. Sí, cumplir cumplen más años, pero no por ello han vivido más ni saben más de todo. Y El Sr. Henri (Claude Brasseur) que nos presenta Ivan Calbérac (cuya obra de teatro él mismo ha adaptado al cine y se ha encargado de dirigir) cumple a la perfección con eso: una existencia frustrada que parece haberle otorgado años y años de mala leche enquistada con el deseo de arruinar la felicidad de su inofensivo hijo al que, por cierto, también ha arruinado sus aspiraciones en la vida haciéndole heredar su oficio de contable.
De luciferinas cejas e inquietante parecido con Paco Martínez Soria, el Sr. Henri se servirá de la necesidad de apartamento en París que tiene la joven estudiante Constance (Noémie Schmidt) para que, a cambio de alquilarle el piso más barato, colabore para que su hijo y su esposa se separen. Algo que está al alcance de esta joven de aspecto postadolescente y encantador semblante. Tan encantador que, claro, extraerá de lo más profundo de la mezquina alma del Sr. Henri, lo poco de ser humano que le queda. Como vemos, un argumento manido, que trae a la memoria a los viejos gruñones que caen rendidos a los pies de la pizpireta Marisol en sus primeras cintas (irremediablemente interpretados por Julio Sanjuán); al abuelo de Heidi o, rizando el rizo, al insoportable viejo de la maravillosa gema semioculta, Un buen día lo tiene cualquiera, en la que Santiago Lorenzo narra, casi en clave de horror, la imposible convivencia entre ese anciano y su joven protagonista. Pero la química funciona perfectamente. El Sr, Henri comparte piso es una tan divertida y agradable como también previsible comedia. Ingeniosa, magníficamente adaptada para la pantalla, y muy bien interpretada por el histórico actor Claude Brasseur, que borda su cascarrabias personaje, y Noémie Schmidt, que da el salto al largometraje con paso firme. Ambos protagonistas están secundados por Frédérique Bel y Guillaume de Tonquédec como la pareja que Constance deberá desestabilizar.
LA CHICA DESCONOCIDA (La Fille Inconnue, Jean Pierre y Luc Dardenne, 2016)
Bélgica / Francia Duración:113 min. Guion: Jean-Pierre Dardenne, Luc Dardenne Fotografía: Alain Marcoen Productora: Les Films du Fleuve Género: Drama
Reparto: Adèle Haenel, Jérémie Renier, Olivier Gourmet, Thomas Doret, Fabrizio Rongione,Christelle Cornil
Sinopsis: Jenny (Adèle Haenel), una joven médico de familia, se siente culpable por no haber abierto la puerta de su consulta a una chica a la que encuentran muerta poco después. Al saber que la policía no tiene forma de identificarla, Jenny tiene un solo empeño: descubrir el nombre de la joven para que no sea enterrada anónimamente y desaparecer como si no hubiera existido nunca.
Un gesto, una acción automática, sin pensar. Una frase. Todo puede causar, sin que seamos conscientes de ello, un hecho importante y definitivo. Incluso una tragedia. Esto es lo que nos quiere trasmitir este argumento de los hermanos Dardenne, que, muy juiciosamente, han traducido su guión en imágenes rodadas de forma muy realista, con economía de planos y sin aspavientos. Apoyándose en el verismo para contar esta historia de culpa. Una culpa compartida, pero que en la Dra. Jenny, que interpreta contenida y convincentemente Adèle Haenel, se convertirá en una obsesión tan apremiante que se traducirá en una renuncia al éxito y a la vida. Haenel, que tuvo un debut tan brillante como sonado con Los diablos (Les diables, Christophe Ruggia, 2002), prosigue su ascendente carrera como protagonista absoluta en esta brillante cinta de los hermanos Dardenne.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 24 de febrero de 2017 *
ES POR TU BIEN (Carlos Therón, 2016)
España. Duración: 99 min. Guion: Manuel Burque, Josep Gatell Productora: Telecinco Cinema / Quexito Films Género: Comedia
Reparto: José Coronado, Javier Cámara, Roberto Álamo, Pilar Castro, Carmen Ruiz, Silvia Alonso, Georgina Amorós, Andrea Ros, Miki Esparbé, María Pujalte
Sinopsis: La peor pesadilla que un padre puede tener con una hija es que ésta crezca y llegue el día en que le presente a su novio, y que éste sea un tipo despreciable que busca una sola cosa de su preciada y amada niñita. Y ese día es precisamente el que les llega a tres padres, a Arturo, Poli y Chus: sus dulces hijas han decidido tirar su futuro a la basura echándose tres novios abominables. Así que la única solución es aunar fuerzas para librarse de ellos como sea. ¡Es la guerra!
El viejo tema de la reacción del padre ante la mayoría de edad de su niña y la llegada de ese yerno que nunca es lo suficientemente bueno para ella, situación tan bien retratadal por Vincente Minelli en el clásico El padre de la novia (Father of the Bride, 1950), vuelve a ser revisada en esta comedia española con el añadido del cuñadismo, tan en boga en la actualidad, como mal entendido. Para ello se ha recurrido a un equipo irresistible como es el formado por José Coronado, Javier Cámara y Roberto Álamo, que prácticamente realiza una parodia del papel que le ha supuesto el Goya en Que Dios nos perdone (Rodrigo Sorogoyen, 2016). Un trío de protagonistas que interpretan tres tipologias totalmente diferentes de padre, todos cuñados entre sí, que tendrán en común un odio profundo hacia el chico que sus hijas han escogido para casarse. Bien respaldados por actores y actrices eficaces como Miki Esparbé, Luis Callejo, María Pujalte o Carmen Ruíz, esta película ofrece al espectador el resultado que cabe predecir: resulta un producto digno, entretenido y con algún buen gag. Coronado está bastante bien y Cámara hace de Javier Cámara en posición on cómico. Así que, en nuestra opinión, quien acuda al cine a ver Es por tu bien con la intención de pasar un buen rato, puede darse por satisfecho con lo que ofrece este guión de Josep Gatell (guionista de José Mota y Andreu Buenafuente, entre otros) y del cómico Javier Burque (que también realiza un pequeño papel).
Buena factura y algún gag bien traído, nos ponen ante una cinta para todos los públicos. Entretenida sin ser memorable.
LA VIDA DE CALABACÍN (Ma Vie De Courgetteaka, Claude Barras, 2016)
Suiza / Francia Duración: 66 min. Guion: Morgan Navarro, Céline Sciamma, Germano Zullo (Novela: Gilles Paris) Música: Sophie Hunger Productora: Rita Productions / Blue Spirit Animation / Gébéka Films Género: Drama de animación Stop Motion
Sinopsis: Calabacín es un niño valiente que después de perder a su madre tiene que ingresar en un hogar de acogida, con otros niños huérfanos de su edad. En un primer momento se esfuerza por encontrar su lugar en este nuevo medio hostil. Sin embargo, con la ayuda de sus nuevos amigos, Calabacín aprende a confiar, encuentra el verdadero amor y una nueva familia.
Sabida es la importancia de la primera frase en una novela o un relato, menos atención ha merecido la decisiva función de la primera secuencia en un filme, y, sin embargo, ha de ser cuidada con el mismo esmero que los encabezamientos literarios. La primera secuencia debe dar la mayor información posible sobre lo que vamos a ver pero sutilmente, de un modo que sólo descubrimos cuando la revisamos una vez vista. Se me ocurre como ejemplo esa almohada marrón hollada que encabeza Mulholland Drive y que a su término reconocemos como pista de que lo que vamos a ver después es en verdad un sueño. La vida de calabacín se inicia con un plano de un cielo levemente nuboso, poco más de una hora sabremos que ese es el espacio en el que vuelan las cometas. Y que las cometas elevan con ellas los momentos de felicidad soñados que queremos alcanzar y retener.
La vida de Calabacín no es, ni mucho menos un producto alegre, amable y repleto de canciones a pesar de tratarse de una cinta de animación. La historia del niño Ícaro (que prefiere que le llamen Calabacín) y sus compañeros en el hospicio no es paradisíaca. Padres alcohólicos, drogadictos, abusadores… hacen que la infancia de estos niños quede hibernada. Congelada. Demostrando que, desde luego, la idealizada niñez no es ni mucho menos esa época tan idílica de lo que la memoria selectiva de los adultos se esfuerza en volver, una y otra vez, a compartir. Sin caer en dramas tan profundos como los de los protagonistas, todos, junto a maravillosos descubrimientos positivos, también nos enfrentamos a cambios, muerte, complejos, violencia y, sobre todo, a los otros, que no siempre figuras bondadosas, para encontrar nuestro lugar. Algunas cosas son demasiado duras para expresarlas con actores reales y se hace necesario recurrir a otros medios. Y esto es lo que nos ofrecen estos personajes de grandes y tristes ojos, con los que expresan mucho más de lo que es posible decir con palabras. Y todo ello con muy pocas lágrimas. Las justas. Tras seis cortos de animación más, Claude Barras realiza su primer largometraje, que con su poca duración (66 minutos) consigue hacerse corto, algo atípico en estos tiempos de desmedida en la duración de los largometrajes. La vida de Calabacín vuela alto, tanto como la cometa que representa la esperanza de esos niños a los que nadie quiere, tanto como la belleza de esa paciente animación. Y llega directa al corazón.
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2016: Premios Oscar: Nominada a Mejor película de animación2016: Globos de Oro: Nominada a Mejor película de animación2016: Premios César: 3 nominaciones, incluyendo Mejor film de animación2016: Premios Annie: Nominada a mejor director, film independiente y guión2016: Festival de Annecy: Mejor película y Premio del público2016: Festival de San Sebastián: Premio del público – mejor film europeo2016: Premios del Cine Europeo: Mejor film de animación europeo2016: Satellite Awards: Mejor largometraje de animación
FENCES (Densel Washington, 2016)
USA Duración: 139 min. Guion: August Wilson (Obra: August Wilson) Música: Marcelo Zarvos Fotografía: Charlotte Bruus Christensen Productora: Paramount Pictures / Scott Rudin Productions Género: Drama
- Reparto: Denzel Washington, Viola Davis, Mykelti Williamson, Russell Hornsby, Saniyya Sidney, Stephen Henderson, Jovan Adepo, Toussaint Raphael Abessolo, Mark Falvo, Christopher Mele, Phil Nardozzi, Dontez James, Terri Middleton, Malik Abdul Khaaliq, Chris McCail
- Sinopsis: La historia de Fences tiene lugar en la década de 1950 y gira en torno a una antigua estrella del béisbol americano que por circunstancias se ve obligado a trabajar recogiendo basura.
- Fences, tercer largometraje dirigido por Denzel Washington, que también lo protagoniza, es la adaptación cinematográfica de la obra de teatro escrita por August Wilson en 1983, ganadora del Premio Tony a la Mejor Obra de Teatro y galardonada también con el Premio Pulitzer al Mejor Drama. Denzel Washington y Viola Davis vuelven a retomar los papeles que ya interpretaron en 2010 cuando llevaron la obra, una vez más, a Broadway, y por la que recibieron ambos el Premio Tony. Si bien el reto actoral se cumple a la perfección en su versión cinematográfica, con largos monólogos (algunos cargantes) a cargo de Denzel Washington, no se cumple la premisa de convertir esta obra teatral en cine. Fences no puede ocultar su origen teatral por culpa de una puesta en escena y una dirección que mantienen el lenguaje teatral, escapando de su único escenario en contadas ocasiones y contando las acciones sin mostrarlas, aferrándose a las limitaciones del teatro por lo que, más que convertir la acción en cinematográfica, lo que hace es transformar esta obra de teatro en un híbrido que no termina de funcionar. Quizás si se hubiera limitado a ofrecernos, sin complejos, teatro filmado, la química hubiera funcionado mejor, pero Fences queda en tierra de nadie. Carece de momentos cinematográficos pero en ella abunda el lucimiento de sus estrellas, en especial de su director y protagonista, cuyo Troy Maxson, lejos de despertar simpatía resulta ser, además, un perfecto cretino.
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2016: Premios Oscar: 4 nominaciones incluyendo mejor película y actor (Washington)2016: Globos de Oro: Mejor actriz de reparto (Viola Davis)2016: Premios BAFTA: Nominada a mejor actriz secundaria (Viola Davis)2016: American Film Institute (AFI): Top 10 – Mejores películas del año2016: Critics Choice Awards: Mejor actriz secundaria (Viola Davis). 6 nominaciones2016: Satellite Awards: 4 nominaciones incluyendo mejor película y director2016: Sindicato de Productores (PGA): Nominada a Mejor película2016: Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a Mejor guión adaptado2016: Sindicato de Actores (SAG): Mejor actor (Washington) y actriz sec. (Davis)
- PSICONAUTAS, LOS NIÑOS OLVIDADOS (Pedro Rivero y Alberto Vázquez, 2015)
- España Duración: 76 min. Guion: Alberto Vázquez, Pedro Rivero (Cómic: Alberto Vázquez) Productora: Zircozine / Basque Films / Abrakam Estudio / La Competencia Género: Drama postapocalíptico de animación
- Sinopsis: Tras una terrible catástrofe ecológica en la isla en que habitan, Birdboy y Dinki perdieron a sus padres. Hubo un tiempo en que afrontaron juntos su dolor, pero Birdboy vive ahora aislado en el bosque, consumiéndose, y ajeno a que Dinki ha decidido emprender un arriesgado viaje en busca de un lugar mejor. Birdboy tendrá que luchar contra sus demonios interiores si quiere unirse a Dinki a tiempo de ayudarla en su aventura y salvarse a sí mismo.
Psiconautas, los niños olvidados es una parábola postapocalíptica de animación para adultos. Tiene momentos de comedia pero, sobre todo, los tiene de terror y desolación ante una hecatombe medioambiental. Catástrofe que convertirá esa isla, en la que habitan todos sus personajes, en un lugar irrespirable e inhabitable invadido por la basura. Poblada por un completo catálogo de personajes atractivos que conformarán un universo particular en el que tendrán cabida las drogas (legales e ilegales), la violencia institucional y la persecución del diferente, todo ello con grandes dosis de crítica social perfectamente combinadas con otras tantas de delicadeza y ternura. Sin embargo, peca de ofrecer un resultado muy denso, y ello a pesar de su ajustada duración (o quizás precisamente por ello). Tanto que cuesta asimilarla en conjunto, siendo necesario un segundo visionado para poder apreciarla en todos sus detalles. Y eso no es del todo positivo, porque a veces menos es más.
Y no es que resulte ininteligible, pues una vez se desbroza de sus múltiples ramificaciones, su trama es bien sencilla, positiva y clara, pero la acumulación de subtramas paralelas, como las protagonizadas por el despertador, el cerdo pescador y su madre drogadicta, abre la posibilidad de que el espectador se pierda en algún vericueto. Juzgándola tras un único visionado, nos hace plantearnos si no es posible que en su formato original, como cómic, funcionara mejor. La lectura ofrece más tiempo para asimilar lo leído y observado, incluso tenemos la oportunidad de volver atrás y repasar, algo que el cine, un arte mucho más instantáneo y fugaz, no lo permite en la misma medida. Con todo, Psiconautas no es en absoluto una mala película. Muy al contrario, es digna de todos los reconocimientos, premios y nominaciones que ha recibido. Y lo que es más, habría merecido que los medios se hicieran mayor eco de sus éxitos. Pesa sobre ella el ancestral problema de la animación: luchar contra el prejuicio de ser considerada como un género menor por una buena parte de la crítica.
Psiconautas, los niños olvidados supone la culminación de un camino iniciado con el cortometraje Birdboy, que basado igualmente en la novela gráfica del mismo título de Alberto Vázquez, obtuvo en 2012 el Goya al Mejor cortometraje de animación, siendo preseleccionado para los Premios Oscar en su categoría. Ahora han repetido parte de la hazaña con el largometraje, que ha sido igualmente premiado con un merecido Goya a la mejor película de animación.
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2016: Premios Goya: Mejor película de animación2016: Premios del Cine Europeo: Nominada a mejor film de animación europeo2016: Festival de Annecy: Sección oficial a competición2015: Festival de Gijón: Sección oficial largometrajes de animación
T2: TRAINSPOTTING (Danny Boyle, 2017)
UK Duración: 117 min. Guion: John Hodge (Novela: Irvine Welsh) Música: Rick Smith Fotografía: Anthony Dod Mantle Productora: Film4 / TriStar Pictures / Sony Pictures Entertainment Género: Drama
Reparto: Ewan McGregor, Robert Carlyle, Jonny Lee Miller, Ewen Bremner, Kelly Macdonald, Shirley Henderson, Steven Robertson, Anjela Nedyalkova, Irvine Welsh
Sinopsis: Primero hubo una oportunidad… después una traición. Han pasado 20 años.
Muchas cosas han cambiado, pero otras muchas siguen igual. Mark Renton (Ewan McGregor) vuelve al único sitio que considera su “casa”. Allí le esperan: Spud (Ewen Bremner), Sick Boy (Jonny Lee Miller), y Begbie (Robert Carlyle). Otros viejos amigos también le esperan: pena, fracaso, alegría, venganza, odio, amistad, amor, deseo, miedo, remordimiento, diamorfina, autodestrucción y peligro mortal, todos ellos alineados para darle la bienvenida, preparados para unirse al baile.
Todos tenemos amigos que podríamos haber sido nosotros. Que nos recuerdan lo fácil que hubiese sido acabar como ellos de haber seguido caminando por el filo. Unos han sabido zafarse a tiempo; otros, siguen en su linea; y algunos han fallecido. Buenos amigos. Queridos. En esta secuela de Traisnpotting los cuatro ya no jóvenes protagonistas de aquella vuelven a unirse veinte años después. Mark Renton vuelve, como le dice un amigo, de turismo a su juventud. Todo ha cambiado durante los veinte años que ha estado en Ámsterdam gastando el dinero que estafó a sus mejores amigos, y durante ese tiempo todo ha evolucionado: la ciudad, la familia, los amigos… ¿los amigos? veremos en T2 si así ha sido. Seremos invitados de excepción al reencuentro de esos cuatro diablos en una narración repleta de humor, violencia, drogas y un poco de terror, pues todo tiene cabida en esta cinta que sabe dosificar las cuotas de nostalgia ofreciendo un final maravilloso que, por si solo, parece justificar el que se haya rodado este filme.
Danny Boyle ha basado su película en Porno, la siguiente novela de Irvine Welsh, aunque no ha querido que el guión de John Hodge siga fielmente el libro. La jugada ha quedado fina, pues no cae en vendernos la misma historia pero actualizada. Tampoco propina una reprimenda a los personajes ni una lección moral al público advirtiéndole de los peligros de la vida al límite. Tan solo nos hace partícipes de ese reencuentro, unas veces entrañable, otras doloroso. Siempre entretenido y con un resultado relevante. Notable. Es como si Ewan McGregor volviera a su hogar, al barrio. Ese barrio de bloques gigantes y grises, para ver a los viejos compañeros que dejó en Edimburgo cuando marchó a poner en marcha su exitosa carrera al otro lado del charco. Y vuelva para saldar una deuda con esos compañeros, ese director y con ese público que a partir de Trainspotting aupó al actor hacia el éxito internacional ¿Secuelas?: así si.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 17 de febrero *
LO QUE DE VERDAD IMPORTA (The Healer, Paco Arango, 2016)
USA/Canadá / España Duración: 107 min. Guión: Paco Arango Música: Nathan Wang Fotografía: Javier Aguirresarobe Género: Comedia
Reparto: Oliver Jackson-Cohen, Camilla Luddington, Jonathan Pryce, Jorge García, Kaitlyn Bernard
Sinopsis: Alec (Oliver Jackson-Cohen) es un ingeniero mecánico inglés incapaz de poner en orden su vida. Cuando su tienda de reparación de aparatos electrónicos “El curandero” está a punto de quebrar por su afición al juego, un familiar que nunca supo que tenía se ofrece a solucionar sus problemas a cambio de que se traslade un año a Canadá, el lugar de origen de sus antepasados. Allí descubrirá que a su alrededor comienzan a suceder las cosas más incomprensibles. Enfrentarse a sí mismo, a su pasado, a su vida y, sobre todo, al don que nunca supo que tenía, inspirará a las personas que le rodean a creer en algo más allá de lo que se puede explicar.
Con este argumento poco más cabe añadir. Lo que comienza como una agradable comedia no demasiado inspirada va adentrándose en el fantástico más increíble y de ahí al piadoso mundo de los milagros. Todo de forma más bien increíble y con un epílogo que termina de poner la puntilla a esta cinta. Generoso presupuesto para un director con tan solo una en su haber (Maktub, 2011) y el dudoso honor de haber creado dos de las series más psicotrónicas de la televisión (¡Ala…Dina! y El inquilino), cuenta con actores como Jonathan Price y Jorge García que interpretan pequeños papeles junto a algunos actores bregados en series televisivas, como García y el propio director. De hecho, la película tiene un importante tufillo televisivo. Y no del mejor, precisamente. Pero al menos el objetivo de Lo Que De Verdad Importa es más que loable, ya que toda la recaudación se destinará íntegramente a la red de campamentos para niños enfermos SeriousFun Children’s Network, que fundó Paul Newman, con la que la Fundación Aladina (presidida por Arango) colabora estrechamente.
MANUAL DE UN TACAÑO (Radin!, Fred Cavayé, 2016)
Francia Duración: 89 min. Guión: Fred Cavayé, Nicolas Cuche, Laurent Turner (Idea original: Olivier Dazat) Fotografía: Laurent Dailland Productora: Jerico / TF1 Films Production / Mars Films Género: Comedia
Reparto: Dany Boon, Laurence Arné, Noémie Schmidt, Patrick Ridremont, Christophe Favre
Sinopsis: François Gautier (Dany Boon) es un tacaño. Ahorrar le produce alegría. Su vida gira con el único fin de no gastar nada, pero un día todo cambiará cuando se enamora de una compañera de trabajo, Valérie (Laurence Arné) y descubre que tiene una hija de 16 años, Laura (Noémie Schmidt) producto de una preservativo caducado y de la que no conocía su existencia. Obligado a mentir para ocultar su terrible defecto, esto será el comienzo de todos sus problemas.
Un conjunto de gags magníficamente hilvanados en esta ingeniosa comedia interpretada por el competente cómico Dany Boon y dirigida por Fred Cavayé, un director cuya carrera se había desarrollado hasta ahora en el campo del thriller y que demuestra que se desenvuelve muy bien también con la comedia.
Acertado ritmo, buen diseño de situaciones y buena construcción del personaje central, ese tacaño extremo llevado voluntariamente a la caricatura. Manual de un tacaño no ocupará un lugar de honor dentro de la comedia francesa, pero tiene una puesta en escena más que digna y es muy eficaz en su propósito de hacernos pasar un buen rato.
JACKIE (Pablo Larraín, 2016)
Chile/Francia/USA Duración: 95 min. Guión: Noah Oppenheim Música: Mica Levi Fotografía: Stéphane Fontaine Productora: LD Entertainment / Fabula / Protozoa Pictures Género: Drama
- Reparto: Natalie Portman, Peter Sarsgaard, Greta Gerwig, Billy Crudup, John Hurt, Richard E. Grant, Max Casella, Beth Grant, Caspar Phillipson, John Carroll Lynch, Julie Judd, Sara Verhagen, Sunnie Pelant, Hélène Kuhn, Deborah Findlay, Corey Johnson
- La (breve) estancia de Jackie Kennedy (Natalie Portman) y su marido John, el presidente de los Estados Unidos, en la Casa Blanca son rememoradas por su compungida, pero muy digna, viuda durante una entrevista que le realiza un periodista (Billy Crudup) una semana después del atentado que conmocionó al mundo en noviembre de 1963. La narración nos lleva por el pasado más inmediato de la pareja, su llegada a Dallas; su reacción al atentado; el traslado del cadáver; y el entierro. Además de, por supuesto, el magnicidio. Y todo nos lo muestra Larraín de una forma muy elegante. Firme. Contando con una actriz que realiza eso tan difícil de ver últimamente: actuar. Y es que Natalie Portman deja de ser esa magnífica actriz y se convierte en una convincente e intensa Jackie. Altiva, digna, carne de leyenda. Cubriendo toda la narración con total protagonismo y mínimamente respaldada por eficaces actores como John Carroll Lynch, Peter Saarsgard y, sobre todo, John Hurt, cuyo reciente fallecimiento aporta un nuevo sentido a su papel de sacerdote, que dará comprensión y apoyo espiritual a Jackie tras la pérdida de su esposo.
La música de Mica Levi, muy juiciosamente nominada a un premio Oscar ilustra, con una partitura protagonizada por la sección de cuerda, el desgarro de la protagonista y conecta con el concierto de Pau Casals ante la pareja protagonista y su séquito, evento que se recuerda en un momento de la cinta.
Pero repito, si algo destaca por encima de todo es la madura actuación de Natalie Portman, en opinión de este comentarista, posible próxima poseedora de una estatuilla por su brillante interpretación como ese icono de siglo XX. Contenida, digna, en una película que deja reconocer también la labor del Pablo Larraín que nos conquistó con su otro acercamiento a un personaje histórico en Neruda (2016). Aquí como allí sitúa la acción en un momento muy concreto de la biografía del protagonista. Y también como en la maravillosa Ed Wood (Tim Burton, 1994), se huye del biopic al uso y se recoge un momento concreto. Ni nos interesa el antes, ni el después de Jackie, tan solo ese momento en el que nace la leyenda, el icono de la dama presidencial que se ha mantenido hasta hoy y que no se repetirá. Ese momento en el que existió Camelot.
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Premios
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2016: Premios Oscar: Nominada a mejor actriz (Portman), banda sonora y vestuario2016: Globos de Oro: Nominada a mejor actriz-drama (Natalie Portman)2016: Premios BAFTA: 3 nominaciones, incluyendo Mejor actriz (Natalie Portman)2016: Festival de Venecia: Mejor guión (Noah Oppenheim)2016: Premios Independent Spirit: Nom. película, director, actriz (Portman) y montaje2016: Críticos de Los Angeles: Nominada a mejor banda sonora2016: Critics Choice Awards: Mejor actriz (Portman), vestuario y maquillaje. 6 nomin.2016: Premios Gotham: Nominada a mejor actriz (Natalie Portman)2016: Satellite Awards: Mejor vestuario. 5 nominaciones2016: Sindicato de Actores (SAG): Nominada a mejor actriz (Natalie Portman)
Jackie, algunas gotas brillan
Theodore H. White escribía en 1978, en su obra In Search of History: A Personal Adventure, especie de memorias de sus tiempos como periodista político, que su comparación de la presidencia de JFK a Camelot fue «una lectura errónea de la historia La Camelot mágica de John F. Kennedy nunca existió». Pero eso fue después. Mucho después. Cuando la historia quiso poner fin a la leyenda.
Con la pantalla en negro como fondo, se precipitan sobre nosotros los primeros acordes de la música de Mica Levi. Un encadenado de cuerdas que descienden como olas imitando el ritmo de una respiración muy profunda, de una exhalación de suspiros de duelo. La banda sonora se sustantiva en una serie de temas con propósitos no tanto narrativos como dramáticos, un conjunto de leitmotiv que resaltan la turbación y quiebro del personaje, su desquiciamiento y sus heridas internas. Es una banda sonora que, como un jarrón de cristal hecho añicos, se forma con piezas musicales quebradas.
Así es la música, así es el retrato de la primera dama que nos trae Pablo Larraín: un puzle construido con los fragmentos del dolor que siguió inmediato al magnicidio. El chileno, igual que con Neruda, dibuja el perfil psicológico de su personaje centrándose en el momento más decisivo de su biografía. Detalles breves relatados con flashbacks y flashforwards que rompen la serie cronológica lineal y forman una cascada de situaciones esenciales, de instantes cinematográficos intensos, que jalonan la narración impactando en nosotros que acompañamos el sentimiento de la viuda. Sirva como ejemplo ese plano en el que la vemos reflejada en el espejo lavando la sangre y visceras que han impregnado su rostro y su ropa, mientras las gotas de agua salpican la superficie reflectante como si fueran lágrimas ensangrentadas.
La cámara busca constantemente la cara de Jackie/Natalie Portman, su semblante de esfinge que nos recuerda la expresión de la Monalisa, que nos trae a la memoria la indescifrable faz de Greta Garbo en La reina Cristina de Suecia. Una interpretación soberbia la de Portman que justifica sobradamente su nominación al Óscar. La vemos controlar su aflicción consciente de la responsabilidad que ha caído sobre sus hombros como imagen visible que es del sentir de todo un pueblo, de una nación que ha sido sacudida en sus raíces por el asesinato del líder luminoso que era entonces JFK para la mayoría. Sobre ella descansa la labor de dar consuelo a ese mundo que ha resultado conmocionado por el magnicidio, de ella depende la construcción del mito al que asirse, por eso el presente de la obra se centra en la entrevista concedida a Theodore H. White (tan solo una semana después del atentado) en la que la viuda de América convirtió en idílica la era Kennedy. El corto mandato de JFK habría sido un nuevo Camelot, un paraje lleno de gloria en el que, por breve duración, reinó la paz y la armonía.
Como en un juego de muñecas rusas, mientras asistimos a la creación de la leyenda que envolvió a Kennedy de manos de Jackie, Larraín la convierte en leyenda a ella misma. Igual que nos mostraba a Delia del Carril en Neruda, convirtiendo al poeta en mito y dándose voluntariamente a sí misma un papel secundario, borrando ambas su huella en favor del hombre al que elevan a la inmortalidad.
Así el trabajo de Larraín no es una mera hagiografía, lo que le interesa reflejar en sus peculiares biopics es la importancia del mito para los pueblos. Sus retratos no escatiman la plasmación de los perfiles oscuros de sus héroes, Jackie confiesa al entrevistador que su matrimonio no pasaba por el mejor momento mientras enciende un cigarrillo con otro, pero, como le advierte, ella no fuma, igual que reconocerá después ante ese sacerdote encarnado por John Hurt que sí recordaba los detalles que ha negado conocer. Las debilidades deben ser omitidas en la versión oficial porque lo que importa es el legado, el regalo de un icono que trasciende al hombre (y a la mujer que lo recrea).
Poco importa la historia porque el espacio de la leyenda es el verdadero taller donde se confecciona el sentido. La mentira genera una verdad más amplia a la que podrán recurrir incluso las generaciones venideras. La sonoridad apesadumbrada de Levi tiene su contrapunto en la música de Loewe y la letra de Lerner para la última canción de su musical artúrico. Un interludio de luz entre las sombras que introduce el matiz melancólico en la trama. Tal como dice el confesor, aunque la noche traiga el quebranto de nuestra fortaleza hasta desear la muerte, cada mañana volveremos a tomar nuestro café como si nada. Todos somos apenas gotas en la inmensidad de un mar soleado, pero nos gusta imaginar que algunas brillan y que su destello nos toca como una ilusión de esperanza.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 10 de febrero de 2017 *
MOONLIGHT (Barry Jenkins, 2016)
- USA Duración: 111 min. Guión: Barry Jenkins (Historia: Tarell McCraney) Música: Nicholas Britell Fotografía: James Laxton Productora: A24 / Plan B Entertainment / Upload Films Género: Drama
- Reparto: Trevante Rhodes, André Holland, Janelle Monáe, Ashton Sanders, Jharrel Jerome,Naomie Harris, Mahershala Ali, Shariff Earp, Duan Sanderson, Edson Jean
- Sinopsis: Chiron es un joven afroamericano con una difícil infancia y adolescencia que crece en una zona conflictiva de Miami. A medida que pasan los años, el joven se descubre a sí mismo y encuentra el amor. Al mismo tiempo, tiene que hacer frente a la incomprensión de su familia y a la violencia de los chicos del barrio.
Uno, que no es nada dado a ver trailers o leer mucho (ni poco) sobre las películas que va a ver, se maravilla ante películas como Moonlight, con las que el director consigue, ya desde la primera escena, que nos interese y nos intrigue lo que sucede en la pantalla, metiéndonos en la historia con una cámara que no sabe estarse quieta, que persigue a los diferentes personajes, que nos mete de lleno en la acción. También, este mismo, da especial valor a que ciertos temas (bulling, homosexualidad nada asumida, droga, soledad…) sean tratados de forma realista, pero sin caer en fáciles sentimentalismos, que restarían valor a esta cinta, a la que si hay que darle un pero, este sería para la corrección política con la que se han redactado los subtítulos, que adulteran unos diálogos que no deberían ofender a nadie, ya que la cinta está dirigida por un afroamericano, Barry Jenkins, que a la vista está que promete mucho, y más teniendo en cuenta que su tercera cinta, de salir adelante el proyecto, será Contract with God, basada en la maravillosa novela gráfica de Will Eisner.
Pero esta cinta no sería igual si no contara con el magnífico reparto en el que destacan los actores que interpretan las tres edades del protagonista, Chiron /Little, que consiguen darle una continuidad a sus gestos a sus miradas, manteniéndolo totalmente reconocible a pesar de sus cambios físicos, alguno de ellos realmente radical. La cámara se encargará también de trasmitir las emociones que el tímido y cohibido Chiron, víctima de los abusos de sus compañeros y de su sexualidad reprimida, será incapaz de exhibir. Conviene destacar también al magnífico Mahershala Ali, que encarna a Juan, un personaje que, a pesar de dedicarse al negocio de la droga, representará a uno de los personajes más positivos de la historia junto con su compañera Teresa, una deliciosa Janelle Monàe a la que también hemos visto recientemente en Figuras ocultas (Hidden Figures, Theodore Melfi, 2016).
Recientemente premiada con el Globo de Oro a Mejor Película (drama), Moonlight es una película atípica quizás en una ceremonia de los Oscar, independiente y emotiva, sin ser lacrimógena, deja un poso de melancolía en el espectador y demuestra que puede hacerse cine reivindicativo y sensible sin caer en los viejos tópicos. A destacar también el cartel escogido, con el rostro de Chiron formado por retazos de los tres actores.
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2016: Premios Oscar: 8 nominaciones incluyendo mejor película y director2016: Globos de Oro: mejor película drama. 6 nominaciones inc. mejor director2016: Premios BAFTA: 4 nominaciones, incluyendo Mejor película2016: American Film Institute (AFI): Top 10 – Mejores películas del año2016: National Board of Review (NBR): Mejores 10 pel., director y actriz sec. (Harris)2016: Premios Independent Spirit: Mejor reparto. 6 nom. incl. película y director2016: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor director, actor sec. y fotografía2016: Críticos de Los Angeles: Mejor película, director, actor sec. y fotografía2016: Círculo de Críticos de San Francisco: 6 premios, inc. mejor película y director2016: Festival de Mar del Plata: Mejor actor (Mahershala Ali)2016: Premios Gotham: Mejor película, guión y reparto2016: Critics Choice Awards: Mejor reparto y actor sec. (Mahershala Ali). 10 nomin.2016: Sindicato de Productores (PGA): Nominada a Mejor película2016: Sindicato de Directores (DGA): Nominada a mejor director/película2016: Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a Mejor guión original2016: Sindicato de Actores (SAG): Mejor actor secundario (Mahershala Ali)2016: British Independent Film Awards (BIFA): Mejor película internacional2016: Satellite Awards: Mejor actriz sec. (Harris) y guión original. 7 nominaciones
BATMAN LA LEGO PELÍCULA (The LEGO Batman Movie, Chris McKay, 2016)
USA / Dinamarca Duración: 104 min. Guion: Seth Grahame-Smith Música: Lorne Balfe Productora: Vertigo Entertainment / Warner Animation Group / Warner Bros. Género: Comedia de animación
Sinopsis: Spin-off de «La LEGO Película», protagonizado por Batman. En esta ocasión, el irreverente Batman, que también tiene algo de artista frustrado, si quiere salvar a la ciudad de la hostil conquista de El Joker, puede que tenga que dejar de actuar en solitario, intentar trabajar con otros y, tal vez, aprender a relajarse.
Un festival de irónicas referencias a todas las versiones de Batman que han sido en cómic, televisión, seriales y cine, así como a otras cinefílias ya que podemos ver entre los enemigos del cruzado enmascarado desde a los monstruos de Universal, a los Gremlins, King-Kong, la bruja de El mago de Oz y sus monos alados y hasta al mismísimo Saurón, todo ello en un recorrido sin frenos y a toda velocidad repleto de humor, ironía y el tan inevitable como eterno mensaje común a casi todas las películas de animación para toda la familia: trabajo en equipo. No resulta tan redonda como La Lego Película, que nos ofreció el mismo director, Chris McKay hace dos años, pero el buen rato está más que asegurado, sobre todo durante la primera hora. Nos sigue pareciendo toda una proeza que con juguetes tan horribles como los Lego pueda hacerse estas cintas tan arrolladoras y eso pensamos que se consigue gracias al humor gamberro que desbordan los guionistas de Batman, la Lego película y su predecesora.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 3 de febrero de 2017 *
EL DÍA MÁS FELIZ EN LA VIDA DE OLLI MÄKI (Hymyilevä mies, Joho Kuosmanen, 2016)
Finlandia /Suecia / Alemania Duración: 92 min. Guión: Mikko Myllylahti Música: Laura Airola, Joonas Haavisto, Miika Snåre Fotografía: Jani-Petteri Passi (B&W) Productora: Aamu Filmcompany / ONE TWO Films / Tre Vänner Produktion AB Género: Drama
- Reparto: Jarkko Lahti, Eero Milonoff, Oona Airola, Joonas Saartamo, Olli Mäki, Mika Melender, Raija Mäki, Joanna Haartti, Niklas Hyvärinen, Pia Andersson,Deogracias Masomi, Jarmo Kiuru, Marko Wilskman, Shamuel Kohen, Antti Naakka
- Sinopsis: En el verano de 1962, Olli Mäki (Jarkko Lahti) tiene la oportunidad de hacerse con el título de campeón del mundo de boxeo en la categoría de peso pluma. Desde la campiña finlandesa hasta las intensas luces de Helsinki, todo está preparado para su fortuna y gloria. Lo único que Olli debe hacer es perder peso y concentrarse. Pero hay un problema: se ha enamorado de Raija (Oona Airola).
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Finlandia, bello poema sinfónico de apenas ocho minutos con dos partes bien diferenciadas, una introducción lenta (andante) y un allegro, mediadas por un pequeño pasaje de transición. Trágica y solemne se inicia Finlandia para mutar hasta su victorioso final. Durante casi toda su extensión se desarrolla un ritmo y estilo turbulentos, con gran carga orquestal, simbolizando la opresión y lucha del pueblo finés, finalizando en un himno de esperanza.
Sibelius como cantor del alma finesa de la que pocas manifestaciones llegan a nuestra Europa meridional. Por eso debemos estar agradecidos a Surtsey Films por acercarnos esa exquisita opera prima que es El día más feliz en la vida de Olli Mäki bien definida en Variety como: «una fábula que celebra la sencillez por encima de la ambición, la recompensa emocional por encima del botín de la Victoria».Finlandia, país de los mil lagos; ver danzar una piedra sobre sus aguas cristalinas equivale a acariciar con las yemas la paz de las emociones compartidas. Locus amoenus con connotaciones de Edén, a través de Olli (Jarkko Lahti) y Raija (Oona Airola) accedemos al remanso del alma en el que todavía creemos en la inocencia y cuestionamos las nociones de éxito y fracaso que baraja nuestra sociedad. La derrota puede ser una victoria si nos alcanza por haber priorizado la paz íntima por encima de la fama en nuestras vidas. El día más feliz en la vida de Olli Mäki es un canto a la humildad y la armonía simbolizadas por el pequeño pueblo de Kokkola (por alguna razón en nuestro interior este debut en el largo nos hace recordar Mi dulce pueblecito de Jirí Menzel) frente al mundo frívolo de las apariencias simbolizado por la capital.
El sucio blanco y negro (esa fotografía con grano que le concede textura de documento) de la película de Kuosmanen nos sitúa magníficamente en el gris de esa época (1962) y de ese lugar (Helsinki). Con actores que se desenvuelven de manera muy natural, sencilla, retratando a esos dos seres enamorados que tan solo quieren vivir un vida normal en su pueblo, donde él es panadero y no deportista de élite. Con saludables y simpáticos apuntes de comedia, esta exótica cinta nos narra un relato de boxeo exento de todo el dramatismo (y más aún del triunfalismo), al que nos tiene acostumbrados el cine norteamericano. Un relato que trasciende su propio argumento para llevarnos a interrogarnos sobre los valores que deben regir nuestras vidas.
PremiosFestival de Cannes: Mejor película (Un Certain Regard)Premios del Cine Europeo: Premio FIPRESCISatellite Awards: 2 nominaciones incluyendo mejor película de habla no inglesa -
URBAN HYMN (Michael Caton-Jones, 2015)
UK Duración: 114 min. Guión: Nick Moorcroft Música: Tom Linden Fotografía: Denis Crossan Productora: Eclipse Films / Powder Keg Pictures Género: Drama
Reparto: Shirley Henderson, Letitia Wright, Isabella Laughland, Ian Hart, Steven Mackintosh,Shaun Parkes
Sinopsis: Enmarcada en los disturbios ocurridos en el Reino Unido durante el verano de 2011, Urban Hymn narra las vivencias de una problemática adolescente de color que debe elegir si en el futuro quiere seguir metida en problemas junto a su mejor amiga o si, por el contrario, decide hacer caso a su asistenta social e iniciar una prometedora carrera musical.
En todos lados nos encontramos arrabales, extrarradios de los que nadie se ocupa, pero en los que a veces, tan solo poniendo un poco de cuidado, pueden hallarse perlas. Tan solo hace falta buscarlas y una vez encontradas, sacarles brillo. Eso es lo que intenta en esta producción británica Kate (Shirley Henderson), con la problemática Jamie (Letitia Wright), una adolescente que ha perdido a su madre víctima de una sobredosis de heroína. Amante del Northern Soul, legado musical heredado de su madre, Jamie encontrará en esos viejos discos y en la música la válvula de escape de una sociedad que acepta cuidarla hasta la mayoría de edad, aunque ignorando sus intereses. Catón-Jones, director con la mayoría de su producción realizada en Hollywood, hace un alto para volver a su país natal y dirigir esta pequeña pero eficaz cinta. Cercana en algún momento al folletín, pero alejándose de mensajes musicales triunfistas, Urban Hymn tiene su grandeza en sus actrices. Carentes de glamour, que no de encanto. Gente normal, que no es poco, que quiere superar sus pérdidas, trascender por encima de sus problemas. La prolífica Shirley Henderson borda una magnífica actuación y Letitia Wright consigue ofrecernos un personaje repleto de facetas, posiblemente más de las que tendrá ocasión de ofrecernos en la próxima cinta Marvelita, Black Phanter.
HOTEL EUROPA (Smrt u Sarajevu, Danis Tanovic, 2016)
Francia/Bosnia Herezegovina Duración: 85 min. Guión: Danis Tanovic (Obra: Bernard-Henri Levy) Música: Mirza Tahirovic Fotografía: Erol Zubcevic Productora: Margo Films / SCCA/pro.ba Género: Drama
Reparto: Snezana Markovic, Izudin Bajrovic, Vedrana Seksan, Muhamed Hadzovic, Faketa Salihbegovic, Edin Avdagic Koja, Jacques Weber, Aleksandar Seksan
Sinopsis: En el hotel Europa, uno de los más grandes de Sarajevo, van a recibir a una delegación de diplomáticos europeos para conmemorar el centenario del atentado que inició la Primera Guerra Mundial. En las cocinas se prepara una huelga de los trabajadores, que llevan dos meses sin cobrar. Mientras tanto, una periodista filma un programa de televisión en la azotea y un hombre ensaya un discurso en su habitación.
Otra nueva e intensa visión al eterno conflicto de los Balcanes, como en su día lo fue la incomprendida A Serbian Film (Srpski film, Srdjan Spasojevic, 2010), situando en esta ocasión a los peones en un hotel cercano a donde se produjo el atentado de Sarajevo que dio origen a la Primera Guerra Mundial. Tanovic dará mucha vitalidad a la cinta mediante largos planos secuencia en los que la cámara perseguirá alternativamente a los dos personajes que pasearán por todo el hotel, de la terraza a los sótanos y por todas las secciones: el gerente y la gobernanta.
Las diferentes entrevista a historiadores de ambos bandos que realizará una periodista intentarán situarnos en la problemática que ha movido a enfrentarse periódicamente a estas zonas europeas. También demostrarán que la herida sigue dolorosamente abierta y no dejará mucho lugar a la esperanza (¿dónde estará el Palacio de invierno en nuestro convulso ahora?), solo a perpetuar los errores. Los horrores.
RESIDENT EVIL: EL CAPÍTULO FINAL (Resident Evil: The Final Chapter, Paul W. S. Anderson, 2016)
FRANCIA/ALEMANIA/CANADÁ/AUSTRALIA, Duración: 106 min. Guión: Paul W.S. Anderson Música: Paul Haslinger Fotografía: Glen MacPherson Productora: Screen Gems / Capcom Company / Capcom Entertainment / Constantin Film International Género: Terror.
Sinopsis: La humanidad está agonizando tras la traición sufrida por Alice (Milla Jovovich) a manos de Wesker. Alice deberá regresar a donde la comenzó la pesadilla -Raccoon City-, ya que allí la Corporación Umbrella está reuniendo fuerzas antes de un último ataque a los últimos supervivientes del apocalipsis. En una carrera contra el tiempo, Alice tendrá que unir fuerzas con viejos y con un inesperado aliado en una batalla contra hordas de zombis y nuevos monstruos mutantes. Será la aventura más difícil de Alice para salvar a la humanidad, que está al borde de la extinción.
Una vuelta a casa, al origen de la saga Residen Evil para ¿despedirse?, bueno, digamos que eso quedará un tanto en el aire, aunque desde luego esta sexta entrega cerrará varias subtramas heredadas de anteriores episodios. Pero no se alarmen si no tienen las otras películas todo los frescas que podrían, o incluso si no las han visto, pues Paul W. S. Anderson pondrá al día al espectador en un prólogo previo a la acción, situada en un mundo en ruinas, apocalíptico, en el que Alice (la siempre estupenda Milla Jovovich), tendrá que sobrevivir y luchar contra horribles mutaciones que irá encontrando en su viaje a ninguna parte. Lo peor de estos seres y estas luchas es que se desarrollan a tal velocidad que no se nos permite verlas todo lo bien que nos gustaría. Un mal desgraciadamente común en el último cine de acción y que echa a perder magníficos maquillajes, efectos y coreografías. Anderson vuelve a repetir con Resident Evil, saga de la que ha realizado todos sus guiones y dirigido cuatro, todas protagonizadas por su esposa Milla, pieza imprescindible en esta simpática saga que ha logrado algo tan difícil como es trascender sobre el video juego en el que se basa mediante acción, mucha acción, monstruos putrefactos y fabulosas patadas voladoras. Para incondicionales de la saga y para pasar un buen rato. No engaña a nadie.
VAMOS DE ESTRENO * Viernes 27 de enero de 2017 *
BALLERINA (Eric Summer y Éric Warin, 2016)
Francia/Canadá. Duración: 89 min. Guión: Éric Summer, Carol Noble, Laurent Zeitoun Música: Bruno Coulais Fotografía: Jericca Cleland Productora: Caramel Film / Quad Productions / Main Journey Género: Musical de animación.
Sinopsis: Francia, 1879. Felicia es una chica huérfana con gran determinación y un único sueño, convertirse en bailarina. Para ello contará con la ayuda de su amigo Víctor, un joven inventor junto al que se fugará del orfanato y compartirá muchas y divertidas aventuras en la mágica París.
Magnífica cinta de animación que recuerda las mejores producciones Disney y que a los habituales mensajes positivos de este tipo de cintas (la recompensa por el esfuerzo, luchar por los sueños…) añade una muy eficaz animación, imprescindible para reproducir los momentos de danza con naturalidad y elegancia, consiguiendo que para nada resulten falsos o acartonados.
Ballerina es la primera incursión de la productora Quad en el mundo de las películas de animación y han trabajado con L’Atelier Animation y Theodore Ty y su equipo, responsables de grandes éxitos como Madagascar, Kung Fu Panda y Mulan. Coproducción entre Francia y Canadá de 32 millones de dólares de presupuesto, llega a los cines en versión 2D y 3D. La película cuenta en su versión original con las voces de Elle Fanning (The Neon Demon), Dane Deehan, la bailarina Maddie Ziegler y la cantante Carly Rae Jepsen, y las coreografías son de Aurelie Dupont y Jeremie Belingard, embajadores mundiales de la Ópera de París. La música original es de Klaus Badelt y su banda sonora ha contado con Sia que interpreta la canción «Suitcase» y Carly Rae Jepsen que canta «Cut to the Feeling» y «Runaways».
Un buen plantel de simpáticos personajes pueblan este excelente musical que contiene el humor preciso para no convertirlo en una cinta exclusivamente para niños. Todo ello conjuntado da como resultado una historia lo suficientemente atractiva como para olvidarse del mundo durante su hora y media de duración y salir, además, encantado del cine.
SOMNIA. DENTRO DE TUS SUEÑOS (Before I Wake, Mike Flanagan, 2016
USA Duración: 97 min. Guión: Mike Flanagan, Jeff Howard Música: Danny Elfman, The Newton Brothers Fotografía: Michael Fimognari Productora:Intrepid Pictures / Demarest Films / MICA Entertainment Género: Fantástico
Reparto: Kate Bosworth, Thomas Jane, Jacob Tremblay, Annabeth Gish, Dash Mihok,Scottie Thompson, Jay Karnes, Kyla Deaver, Lance E. Nichols, Courtney Bell,Justin Gordon, Ginger McNamara
Sinopsis: Jessie (Kate Bosworth) y Mark (Thomas Jane) deciden adoptar a Cody (Jacob Tremblay), un niño al que le aterroriza dormir. Inicialmente creen que el origen de dicha fobia está en el traumático pasado del chico. Pero pronto se dan cuenta de la verdad: los sueños de Cody se proyectan en la realidad, y muchas veces lo que se materializa son horribles y letales pesadillas. Para salvar a su familia, Jessie y Mark deberán descubrir qué se encierra bajo los sueños del pequeño.
A Contracorriente continúa su loable labor de estrenar en nuestras salas algunos de los mejores títulos que pudimos ver durante el último Festival de Sitges. Somnia nos propone un siempre inquietante viaje al mundo de los sueños, que son vistos como un diálogo con nosotros mismos y nuestras aflicciones. También es una película sobre la difícil resolución del duelo. A Jessie y Cody les une el haber tenido una pérdida importante en sus vidas. Pero también tienen en común las noches en blanco, Jessie producto del insomnio y Cody de forma voluntaria, mediante estimulantes, porque teme que le visite el Canker y devore a sus seres queridos. Esta inquietante intriga sobrenatural está muy bien planteada y resuelta. No resulta difícil pensar en otras pesadillas materializadas, con el mismo Freddy en cabeza, pero también en el viejo cuento La pata del mono de W. W. Jacobs, con esos padres que desean que, a toda costa, retorne su hijo fallecido. Flanagan resolverá esta intriga mediante un ingenioso clímax que explicará de donde vienen los terrores que atenazan al niño interpretado por Jacob Tremblay que brilla de forma especial, al igual que lo hizo en La habitación (Room, Lenny Abrahamson, 2015), cinta con la que se dio a conocer . De nuevo realiza una magnífica actuación que vaticina que, si no se trunca su carrera, nos encontramos ante una nueva estrella. El tiempo dirá.
LAS PLANTAS (Roberto Doveries, 2015)
Chile Duración: 93 min. Guión: Roberto Doveris Música: Violeta Castillo, Ignacio Redard Fotografía: Patricio Alfaro Productora: Patra Spanou Film Marketing, Consulting Género: Drama
Reparto: Violeta Castillo, Mauro Vaca, Ernesto Meléndez, Ingrid Isensee, Juan Cano, Simón Mercado, Marcela de la Carrera
Sinopsis: Florencia (Violeta Castillo), una joven de 17 años, se tiene que hacer cargo de su hermano que está en estado vegetativo. Su madre (Ingrid Isensee), internada en un hospital, la ayuda con un dinero que apenas les alcanza para vivir. Fan de los cómics y el anime, descubre casualmente en un trastero un cómic antiguo llamado “Las Plantas”, que narra una invasión de espíritus vegetales con poderes para poseer cuerpos humanos. Prácticamente sola, con la «compañía» de su hermano, Florencia trata de calmar su desamparo explorando su sexualidad con desconocidos a través de Internet.
Roberto Doveris debuta con esta película y el reto que se ha marcado es muy loable, pero ciertamente arriesgado: ha rodado una cinta cuya exhibición será bastante limitada, entre otras cosas, por las explícitas imágenes de sexos masculinos. Y es que en pleno siglo XXI siguen existiendo ciertos temas tabú cuya exhibición esta vetada dentro del cine más o menos comercial. Las Plantas presenta la mirada heterosexual femenina, entendiendo el cuerpo masculino como objeto de deseo cuando la protagonista quiere saber y experimentar lo que es la sensualidad y el erotismo. Aquí es el hombre objeto de la mirada de la mujer, lo que no es habitual en la mayoría de la películas. Es una cinta incomoda, además, por la situación que nos narra, un callejón sin salida en el que la sordidez asoma en el hogar, con ese hermano en estado vegetal, y en esos arriesgados encuentros con desconocidos. El film, que causa polémica allí por donde proyecta, provocó incluso altercados en el Festival de cine de Skhalin en Rusia, cuando el publicó se escandalizó por esas escenas. Y es que Violeta Castillo, que interpreta el personaje protagonista, Florencia, invita a desconocidos a través de internet y les pide que se masturben mientras ella, vestida, observa la situación. El tratamiento explícito de los encuentros bastaron para causar la indignación.
El filme, que en el Festival de cine de Berlín obtuvo el Premio del Jurado a la Mejor Película en la sección Generation 14+, y una Mención Especial del Jurado Joven, incluye animación gráfica sobre la imagen y música instrumental compuesta por la propia Violeta Castillo, protagonista y cantante argentina, que recibió el premio Epicentre del Festival de Cine Independiente de Buenos Aires.
Sin lugar a dudas una cinta arriesgada, pero cuya existencia y exhibición demuestra que todavía quedan espacios alternativos de libertad y creadores comprometidos con su trabajo, aunque signifique el veto o la invisibilidad.
BILLY LYNN (Billy Lynn’s Long Halftime Walk, Ang Lee, 2016)
USA/UK/China Duración: 110 min. Guión: Simon Beaufoy, Jean-Christophe Castelli (Novela: Ben Fountain) Música: Jeff Danna, Mychael Danna Fotografía: John Toll Productora: Sony Pictures / TriStar Pictures / Bona Film Group / Dune Films / Film4 / Ink Factory / The Marc Platt Productions / Studio 8 Género: Bélico
Reparto: Joe Alwyn, Steve Martin, Kristen Stewart, Garrett Hedlund, Vin Diesel, Chris Tucker, Beau Knapp, Ben Platt, Deirdre Lovejoy, Bo Mitchell, Bruce McKinnon,Randy Gonzalez, Christopher Matthew Cook, Ricky Muse, Ric Reitz
Sinopsis: El joven soldado de 19 años Billy Lynn (Joe Alwyn) y su patrulla sobreviven a una batalla en Iraq en la que son grabados por las cámaras, unas imágenes que hacen que sean tratados como héroes. Tanto, que cuando regresan a casa se les organiza una gira promocional antes de volver a la guerra…
Billy Lynn, que adapta una novela de Ben Fountain, es una lúcida reflexión sobre el heroísmo, la guerra y el sacrificio y una ácida crítica al american lifestyle. Ang Lee se valdrá de un rico conjunto de texturas visuales y conceptuales que se unirán ofreciendo un retrato opresivo de la situación desde la mirada del protagonista. La acción se desarrolla durante el día que los soldados serán expuestos durante el intermedio de la Super Bowl , pasando a ser tan solo un número más junto a Destiny’s Child y las Cheerleaders de turno. Un espectáculo mediático en el que la guerra será tan solo otra ocasión de sacar a lucir la bandera. Hasta el amor en el que se inicia le será ofrecido al héroe, al mito, y no al hombre. Ante tanta hipocresía, el grupo de soldados tan solo se tendrán a ellos mismos para resguardarse de un mundo que ha pasado a ser absurdo, ridículo y en el que ellos, que han olvidado ya por lo que luchan, serán lo único digno, real.
Una película desasosegante que nos coloca ante el abismo de la crisis de valores de nuestra agotada sociedad. Sin duda uno de los mejores títulos que llegan a nuestras pantallas este fin de semana y, probablemente, una de las mejores películas del año.
VIVIR DE NOCHE (Live By Night, Ben Affleck, 2016)
USA Duración: 129 min. Guión: Ben Affleck (Novela: Dennis Lehane) Música: Harry Gregson-Williams Fotografía: Robert Richardson Productora: Warner Bros. / Appian Way / Pearl Street Films Género: Thriller
Reparto: Ben Affleck, Sienna Miller, Zoe Saldana, Elle Fanning, Chris Cooper, Brendan Gleeson, Remo Girone, Robert Glenister, Matthew Maher, Chris Messina, Miguel J. Pimentel, Anthony Michael Hall, Titus Welliver, Chris Sullivan, Max Casella, Kristen Annese, Larry Eudene, Derek Mears
Sinopsis: Lo que siembras, recoges. Pero nunca recoges lo que imaginas. Aceptar consejos paternales no va con Joe Coughlin (Ben Affleck). De hecho, este veterano de la Primera Guerra Mundial es un autoproclamado delincuente antisistema, a pesar de ser hijo del superintendente adjunto de la policía de Boston. No obstante, Joe no es completamente malo; ni siquiera es lo suficientemente malo para la vida que ha elegido. A diferencia de los mafiosos con los que se niega a trabajar, él tiene cierto sentido de la justicia y un corazón amable, y ambas cosas le juegan malas pasadas que le hacen vulnerable una y otra vez, tanto en los negocios como en el amor. Joe, decidido a enmendar los errores cometidos contra sí mismo y contra los suyos, se adentra en un peligroso camino que va contra su educación y su propio código ético. Él y su osado equipo dejan atrás el frío invierno de Boston para acudir a la calurosa ciudad de Tampa. Allí Joe aprenderá que la venganza, aunque pueda resultar más dulce que la melaza con la que se produce el ron ilegal que vende, siempre tiene un precio.
Para su cuarta película Ben Affleck ha vuelto a recurrir a Dennis Lehane de quien también adaptó una novela en Adiós pequeña, adiós (Gone Baby Gone, 2007) y sigue demostrando muy buen pulso en la dirección, en especial para las escenas de acción, pero no tanto para las dramáticas en esta, su película posiblemente más floja. Y es una lástima, pues el guión resulta interesante y el desarrollo, con una magnífica puesta en escena, llega a capturar e incluso, en algún momento, entusiasmar, pero el trasfondo que nos quiere trasmitir queda desdibujado y por eso aún queda más postizo ese final múltiple que nos quiere demostrar, a puñetazos, la total redención del personaje protagonista. Junto a Affleck (interpretando un papel que se ofreció también a Leonardo DiCaprio), y que prosigue con el rictus severo que se le quedó tras encarnar al caballero oscuro, podemos ver a un sobresaliente Chris Messina; un, como es habitual, magnífico Brendan Gleeson; una correctísima Zoe Saldana y a Elle Fanning en un pequeño pero agradecido papel.
LION (Garth Davis, 2016)
Australia/UK/USA. Duración: 120 min. Guión: Luke Davies (Novela: Saroo Brierley) Música: Volker Bertelmann, Dustin O’Halloran Fotografía: Greig Fraser Productora: See-Saw Films / Screen Australia / Sunstar Entertainment / Weinstein Company Género: Drama
- Reparto: Dev Patel, Sunny Pawar, Nicole Kidman, Rooney Mara, David Wenham,Nawazuddin Siddiqui, Tannishtha Chatterjee, Deepti Naval, Priyanka Bose, Divian Ladwa
- Sinopsis: El pequeño Saroo (Dev Patel), de cinco años, se pierde en un tren en el que recorrerá miles de kilómetros por la India, lejos de su casa y de su familia. Saroo tendrá que aprender a vivir solo en Calcuta, antes de que una pareja australiana lo adopte. Veinticinco años después, y contando tan sólo con sus recuerdos, una determinación inquebrantable y las posibilidades que le proporciona la herramienta de búsqueda Google Earth, comenzará a buscar a su familia perdida, para reencontrarse con ellos.
Premios:
- Tras su aclamado paso por Toronto, y cuatro nominaciones a los Globos de Oro, entre ellas a Mejor película, esta cinta de The Weinstein Company llega a nuestras pantallas. Basada en una historia real, que se cuenta en el libro “Un largo camino a casa” (Ediciones Península), está dirigida por el nominado Garth Davis (Top of the Lake), guionizada por Luke Davies (Candy, Life) y protagonizada por Dev Patel (Slumdog Millionaire, El exótico hotel Marigold) junto a la la ganadora de un Oscar Nicole Kidman (Paddington, Las Horas), la nominada al Oscar Rooney Mara (Millenium: los hombres que no amaban a las mujeres) y David Wenham (Top of the Lake, 300).
Tras visionar un extenso tráiler que destripa el contenido casi íntegro de la película, nos esperábamos una historia mucho más lacrimógena y cercana a la pornografía sentimental que la que finalmente nos ofrece Lion. Correcta, interesante y bellamente rodada, sobre todo en su primera parte, que se desarrolla durante la niñez del protagonista en la India. Nos retrata este país como un lugar muy alejado de ese paraíso de espiritualidad que nos venden las modernas pseudo religiones New Age, mostrando en toda su cruel y mísera realidad algunos sórdidos episodios. Pero la acción decae en la segunda parte, en el hogar adoptivo del joven en Australia, desbordándose definitivamente en ese emotivo final. La película cuenta con valiosas actuaciones, como la de Nicole Kidman como la madre adoptiva del joven Saroo, cuya encarnación infantíl, Sunny Pawar, realiza un sobresaliente trabajo.
EL ÚLTIMO REY (Birkebeinerne, Nils Gaup, 2016)
Noruega Duración: 95 min. Guión: Ravn Lanesskog Fotografía: Peter Mokrosinski Productora: Paradox Film 3 Género: Aventuras
Reparto: Kristofer Hivju, Jakob Oftebro, Nikolaj Lie Kaas, Thorbjørn Harr, Pål Sverre Hagen,Benjamin Helstad, Stig Henrik Hoff, Anders Dahlberg, Thea Sofie Loch Naess, Ane Ulimoen Øverli, Adam Nemet, Torkel Dommersnes Soldal, Elg Elgesem
Sinopsis: Año 1206. Noruega ha sido devastada por una cruenta guerra civil. Mientras el Rey agoniza en su lecho de muerte, una nueva vida llega en el más absoluto de los secretos. Se trata del nacimiento de su hijo, Håkon, amenzado de muerte desde su primer suspiro de vida por los enemigos de su padre. Estos han puesto precio a la cabeza del bebé y un ejército se dispone a capturarlo. Pero no cuentan con que dos fieles soldados del rey, Skjervald y Torstein, estarán dispuestos a sacrificarlo todo para salvar a Håkon Håkonsen y convertirlo en el rey de Noruega.
«El Último Rey» es la historia de su huida, una extraordinaria aventura que puede cambiar la historia de Noruega para siempre.
«El Último Rey« se situó en el Top Ten de estrenos de mayor recaudación en 2016 en Noruega, con un Box Office de más de 3,5 millones de euros, superando a grandes estrenos norteamericanos como «Mascotas«, «El renacido» o «Jason Bourne«.
La película se basa en hechos reales acaecidos antes del reinado de Håkon Håkonsen, que se prolongó del 1217 hasta 1263 y que sirvió para poner fin al período de las Guerras Civiles que asolaban al país desde 1130. Su reinado se caracterizó por la paz y la consolidación de la monarquía. Pero El último rey no es sólo una película de recreación histórica, casi podría decirse que su remembranza es una excusa para adentrarse en el género de aventuras. Así la cinta de Nils Gaup nos ofrece un relato fiel a los estilemas de los cuentos tradicionales, con un héroe que se redime en el propio cumplimiento de su misión, tras ese episodio en el que la debilidad le hace traicionar a los suyos (la caída del héroe que habrá de purgar su falta). Entre paisajes nevados bellamente filmados, se nos sirve una aventura clásica muy disfrutable que cumple con creces su voluntad de entretener.
Serendipia
Proyecto Naschy 
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