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Archive for 27 febrero 2020

VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 28 de febrero de 2020 *

27 febrero 2020 Deja un comentario

REINA DE CORAZONES (Dronningen, May El-Toukly, 2019)

Dinamarca/Suecia. Duración: 127 min. Guion: Maren Louise Käehne, May el-Toukhy Música: Jon Ekstrand Fotografía: Jasper Spanning Productora: Nordisk Film / Det Danske Filminstitut / Radio (DR) / SVT / Svenska Filminstitutet Género: Drama

Reparto: Trine Dyrholm, Gustav Lindh, Magnus Krepper, Frederikke Dahl Hansen, Diem Camille Gbogou, Preben Kristensen, Mads Wille, Elias Budde Christensen, Peter Khouri, Marie Dalsgaard, Ella Solgaard

Sinopsis: Annie (Trine Dyrholm) es una exitosa abogada que vive en una casa de estilo modernista con sus dos hijas y su marido Peter, un reputado físico. La aparición de Gustav, un hijo que pertenece a una relación previa de Peter, pone patas arriba la armonía que reina en la vida de Annie. Lo que en un principio parece ser un movimiento liberador para ella, pronto se convierte en una historia de poder y traición que tendrá consecuencias devastadoras en su vida.

PREMIOS Y FESTIVALES

  • Festival Internacional de Cine de Sundance 2019: Premio del Público.
  • Festival Internacional de Cine de Goteborg 2019: Premio del Público, Mejor Película y Mejor Actriz.
  • Festival Internacional de Cine de Rotterdam 2019: Nominada al Premio Firebird.
  • Premio del Cine Europeo 2019: Nominación a Mejor Actriz para Trine Dyrholm
  • Festival Internacional de Cine de Hong Kong 2019: Mejor Actor (Gustav Lindh)
  • Festival Internacional de Cine de Philadelphia 2019: Premio del Público
  • Festival Internacional de Cine de Transilvania 2019: Mejor Directora
  • Festival Internacional de Cine de Zurich 2019: Mejor Actriz (Trine Dyrholm)

Realmente nos tranquiliza el que esta película esté dirigida por una mujer, concretamente la cineasta danesa May el-Toukhy, y esto viene a cuento porque el personaje que interpreta la protagonista, una abogada y madre de familia con un buen éxito social no resulta demasiado positivo. De hecho miento, pues al principio sí que es un personaje que despierta nuestra simpatía al tratarse de una mujer que se da cuenta de que se está adentrando en una edad en la que va a dejar de despertar el deseo de los hombres y por ello, decide quemar un último cartucho, solo que lo hará sin pensar en las consecuencias, y es ahí cuando se convertirá en un ser odioso, déspota y egoísta. No deseamos destriparles la película, pues en Proyecto Naschy no somos amigos de hacerlo, pero el caso es que el personaje interpretado magistralmente por Trine Dyrholm, tomará una serie de decisiones cuyos resultados, tanto para ella como para su perfecta familia, terminarán teniendo consecuencias imprevisibles.

No es una película fácil, pero sin lugar a duda está repleta de verdad. Un trágico drama que muestra, una vez más, el egoísmo y la hipocresía de los poderosos. De como son capaces de manipular al débil a su antojo con tal de que, desde fuera, continúen siendo vistos como un dechado de virtud. Una perfección que desde el principio de la cinta dejará presagiar la tormenta que dejará  asolado -o no- ese aparente, casi aséptico, entorno perfecto.

Buenas actuaciones y escenas de riesgo para esta laureada película danesa.

CUERDAS (José Luis Montesinos, 2019)

España. Duración: 87 min. Guion: Yako Blesa, José Luis Montesinos Música: Arnau Bataller Fotografía: Marc Zumbach Productora: Bastian Films / Gaia Audiovisuals / Institut Valencià de Cultura / Numintec / Súbete al Tren / TV3 Género: Thriller

Reparto: Paula del Río, Miguel Ángel Jenner

Sinopsis: Un desgraciado accidente deja incomunicada a Elena, una joven tetrapléjica (Paula del Río), en una masía en el campo. Allí solo tiene a Athos, un perro especialmente adiestrado para ayudarla. Pero el que debería ser su mejor amigo, ha contraído una extraña enfermedad y se ha convertido en su peor enemigo.

Cuerdas es un viaje al dolor, a la impotencia y a la culpa. Elena culpa a su padre y se culpa a sí misma del accidente que causó la muerte de su gemela. El dolor que carga en su interior contrasta con la falta de sensibilidad que la condena a pasar el resto de sus días atada en una silla de ruedas. Sin sentir, sin poder apenas moverse.

Progresivamente iremos conociendo, conforme avanza la película, lo que ha sucedido. Sin necesidad de incómodos flashbacks, recurriendo el director en su lugar a metáforas y sueños, pesadillas protagonizadas por Elena que informarán al espectador de todos los hechos. Pistas que ayudarán a conocer mejor la tragedia por la que atraviesan los personajes.

Buen pulso, economía de medios, buena planificación, ambiente claustrofóbico y un tour de force interpretativo absoluto de su protagonista, Paula del Río, presente en el 99% del metraje y que llega a Cuerdas tras haberse ganado la confianza de Dani de la Torre participado en sus dos largometrajes (El desconocido y La sombre de la ley).

Eso si, la sombra de Stephen King planea sobre el guión de Cuerdas, reflejando ecos de Cujo, El juego de Gerald y Misery ¿mala cosa? no, es perfectamente loable fijarse en los mejores. Por lo pronto José Luis Montesinos ha demostrado con su ópera prima que es capaz de construir una ficción ajustándose a las limitaciones y salir airoso. Y eso no es poco.

 

THE GENTLEMEN: LOS SEÑORES DE LA MAFIA (The Gentlemen, Guy Ritchie, 2020)

USA. Duración: 113 min. Guion: Ivan Atkinson, Marn Davies, Guy Ritchie Música: Christopher Benstead Fotografía: Alan Stewart Productora: Miramax / STX Entertainment Género: Thriller

Reparto: Matthew McConaughey, Charlie Hunnam, Henry Golding, Michelle Dockery, Jeremy Strong, Colin Farrell, Hugh Grant, Eddie Marsan, Brittany Ashworth, Jason Wong, Jordan Long, Russell Balogh, Chidi Ajufo, Lyne Renee, Max Bennett, Eugenia Kuzmina, Togo Igawa, Serhat Metin, Christopher Evangelou, Eliot Sumner, Chloe Arrowsmith, Simon. R. Barker, Alex Batareanu

Sinopsis: Un capo de la droga con un marcado estilo británico intenta vender su imperio a una dinastía de multimillonarios procedentes de Oklahoma.

 

Guy Ritchie retoma aquí la senda de sus célebres Snatch, cerdos y diamantes Lock & Stockprofundizando en la historia de un traficante de marihuana que busca retirarse y “traspasar” el negocio. Y el director demuestra estar en muy buena forma, pues con The Gentleman ofrece un thriller, sí, pero ante todo una comedia muy bien construída y que captura la atención del espectador, que no podrá  alejar la vista de la pantalla ante los magníficos diálogos y los juegos ofrecidos por la trama.

Sus personajes están magníficamente diseñados, tanto los principales como los secundarios, destacando de entre estos últimos el coach que interpreta Colin Farrell y el detective canalla, auténtico motor de la historia, encarnado por Hugh Grant.

Otro de los muchos aciertos del guión es la acertada elección del punto de vista, pues todo nos es narrado desde la voz del detective como si de un guión cinematográfico se tratara. Y de hecho, en eso se convierte, en una parodia del mundo del cine desde dentro, y ese punto de vista permite exponer los mecanismos internos del film.

El reparto, encabezado por Matthew McConaughey, a los que se suman Henry Golding (Un pequeño favor), Charlie Hunnam (Rey Arturo: La leyenda de Excalibur, Pacific Rim) y Michelle Dockery (Downton Abbey, Anna Karenina), además de los mencionados Grant y Farrell, dan las sensación de habérselo pasado de miedo haciendo esta película, algo que consiguen contagiar al espectador. Violenta y divertida. Deliciosa.

 

ESPECIALES (Hors normes, Olivier Nakache y Eric Toledano, 2019)

Francia. Duración: 114 min. Guion: Olivier Nakache, Eric Toledano Música: Grandbrothers Fotografía: Antoine Sanier Productora: Gaumont / Quad Productions / Ten Films / Canal+ Género: Drama
Reparto: Vincent Cassel,Reda Kateb, Aloïse Sauvage, Hélène Vincent, Bryan Mialoundama, Alban Ivanov, Benjamin Lesieur, Marco Locatelli, Catherine Mouchet, Frédéric Pierrot, Suliane Brahim, Lyna Khoudri, Djibril Yoni, Ahmed Abdel Laoui, Darren Muselet, Sophie Garric, Christian Benedetti, Pierre Diot, Fatou-Clo, Manda Touré, Pauline Clément, Anne Azoulay
Sinopsis: La historia de Bruno y Malik, dos amigos que durante veinte años han vivido en un mundo diferente: el de los niños y adolescentes autistas. A cargo de dos organizaciones sin ánimo de lucro, forman a jóvenes para que sean cuidadores de casos extremos. De esta forma crean una asociación excepcional, fuera de los entornos tradicionales, para unas personas extraordinarias.
Especiales ofrece un necesario acercamiento al mundo del autismo desde una óptica realista y sin, como es habitual, quedarse tan solo en casos puntuales de enfermos que destacan por algunas facultades especiales.  Nos muestra el día a día de un equipo de educadores y acompañantes que pasan las horas con los casos más severos, los que la administración pública da por imposibles no proporcionando más que medicación y contención.
Conoceremos la problemática que sufren, ya no solo los enfermos, sino también sus familiares y cuidadores. Y los directores lo  harán de una manera amena, divertida y tierna, pero sin caer en sentimentalismos y poniendo el punto en el ámbito social, pues la historia está protagonizada por una asociación no legal y que trabaja con personal no cualificado, compuesto por jóvenes problemáticos que la sociedad también mantiene al margen y que con este trabajo adquieren valores y formación.
La película, que está protagonizada por la popular estrella del cine francés Vincent Cassel (“Cisne negro”“El odio”), y por Reda Kateb (“La noche más oscura“, “Lejos de los hombres”), se presenta en España tras clausurar la pasada edición del Festival de Cannes y pasar por el Festival de San Sebastián, donde se alzó con el Premio del Público.

 

LA FAMOSA INVASIÓN DE LOS OSOS EN SICILIA (La fameuse invasion des ours en Sicile, Lorenzo Mattotti, 2019)

Francia-Italia Duración: 82′ Productor: Valérie Schermann, Christophe Jankovic Guion: Thomas Bidegain, Jean-Luc Fromental, Lorenzo Mattotti Música: René Aubry Montaje: Nassim Gordji Tehrani, Sophie Reine. Animación

Reparto: Leila Bekhti, Thomas Bidegain, Jean Claude Carrière, Beppe Chierichi, Arthur Dupont, Thierry Hancisse de la Comédie-Française, Pascal Demolon, Jacky Nercessian, Boris Rehlinger

Sinopsis: Tonio, el hijo del Rey Oso, es capturado por un grupo de cazadores en las montañas sicilianas. Cuando el duro invierno amenaza a su pueblo con la inanición, el Rey decide invadir el reino en el que viven los hombres con la ayuda de su ejército. Logran encontrar a Tonio y, sin embargo, pronto descubren que los osos no están destinados a vivir en la tierra de los hombres.

El primer largo de Lorenzo Mattotti hará las delicias de los más pequeños, después de todo es un cuento para niños, pero serán los adultos los que disfrutarán descubriendo las muchas capas que contiene. No en vano es la adaptación del único relato para niños que escribió Dino Buzzati, uno de los más extraordinarios narradores que dio Italia en el siglo XX. Buzzati cultivo una literatura tan radicalmente imaginativa como de fuerte componente existencial, quizás eso haga que no sea conocido por todos los lectores. La adaptación de Mattotti le es fiel, respeta su atmósfera característica, que el dibujante reconoce como influencia en todo su trabajo, atraído, sobre todo, por esa forma de contar historias como si fueran leyendas o cuentos antiguos, siempre llenas de magia y misterio, con cierta oscuridad.

Esta historia fue escrita en 1945 y se puede sentir perfectamente que es sobre la guerra y la dictadura. Habla sobre muchas cosas. Buzzati lo publicó primero por fascículos en el Corrieri dei Piccoli. En algún momento creó una ciudad que fue censurada por parecerse mucho a Berlín y le pidieron cambiarla. No se llamaba La famosa invasión de los osos en Sicilia, solo La famosa invasión, luego pasó a ser La famosa invasión de Maremma, una región de Camargue en Francia. Cuando dejó de trabajar en el Corriere dei Piccoli empezó a pintar para su nieta. Un par de años después decidió escribir el libro añadiendo una segunda parte a lo que ya tenía. En el momento de su publicación provocó muchísimas preguntas: ¿Simbolizan a los comunistas los osos? ¿A los rusos? Sin embargo, no importa tanto identificarlo a un episodio concreto de la historia, la narración va más allá, se instala en el lugar de la leyenda y eso la hace universal, consigue que cada época la interpele con sus propios debates, sus propias disyuntivas.

Así, ante esta su adaptación al cine animado, no faltan voces de críticos que sugieren que es una metáfora sobre la apropiación cultural y la colonización. Y no está mal visto, pero hay que añadirle toda una reflexión sobre el poder, la soledad del gobernante, su alejamiento del pueblo al que guía, la aparición de la corrupción en quienes quieren afanarlo… Todo esto, además, envuelto con el sentido de contar historias, la necesidad de finales felices y cerrados que a veces son imposibles más allá de la mente del que lo narra. Para esto último, Mattotti y sus guionistas, introducen tres personajes que no están en el relato original, Gedeone, el cuentacuentos ambulante, la chica que le acompaña y el oso viejo con el que se encuentran en la noche, ellos serán la voz narrativa que planea sobre el relato. El concepto de estar contando la historia le permite entrar y salir en todos los tiempos. Es el narrador quien va de sitio en sitio, como un cantante histórico siciliano, y el viejo oso provee la libertad de elipsis.

Poderosa en su fondo, La famosa invasión de los osos en Sicilia destaca todavía más por su animación. El exiguo presupuesto hizo imposible trabajar en 3D, pero ese azar fortuito resultó una bendición, porque el 2D de la película es glorioso, en el que la tercera dimensión sigue estando presente gracias al trabajo en los espacios y las atmósferas, lo hace de una manera gráfica, poética. El dibujo de Mattotti toma su punto de partida en las ilustraciones del propio Buzzati, con esa falsilla huye del realismo y se sumerge en el mundo de un simbolismo que tiende puentes con el expresionismo y con la pintura metafísica de de Chirico. Usa colores llamativos sin miedo, tocados por la luz. Para Mattotti los colores son luz y las imágenes siempre se han creado usando efectos de luz. Los colores le dan vigor, nos transmiten la energía positiva que rezuma el relato. El resultado es una maravilla animada, visualmente elegante y rabiosamente moderna.

Seleccionada para la sección Un certain regard del Festival de Cannes, La famosa invasión de los osos en Sicilia es una cita obligada para los amantes de la animación, los lectores de cómic y novela gráfica, y los apasionados de Dino Buzzati. Pero, más allá, es una cinta recomendable para todo aquel espectador que busque universos distintos a los estrenos mainstream. Asequible y profunda a partes iguales.

Con una mención especial del Jurado y el Premio Europa Júnior del Festival de Sevilla, La famosa invasión de los osos en Sicilia se estrenará en cines el 28 de febrero de la mano de La Aventura.


Categorías:VAMOS DE ESTRENO

Filmin estrena, 60 años después, la versión sin censura de “El cochecito”, de Marco Ferreri

24 febrero 2020 Deja un comentario

Filmin estrena en exclusiva en España, el próximo viernes 28 de febrero, la versión recientemente restaurada de El cochecito (Marco Ferreri, 1960), que incluye el controvertido final original que escribió Rafael Azcona y que la censura franquista obligó a cambiar por otro más amable. El nuevo montaje se exhibió por primera vez el pasado mes de noviembre, en la última edición del Festival de Sevilla, en la que el productor de la película, Pere Portabella, recibió el Giraldillo de Honor en reconocimiento a su larga trayectoria en el cine español.

El cochecito supone, junto a El pisito (1958), el inicio de la prolífica colaboración entre el director italiano Marco Ferreri y el guionista español Rafael Azcona. Son, además, dos auténticas rarezas del cine español del franquismo, por sus tintes neorrealistas y su osadía al presentar una sociedad española alejada de la imagen complaciente que el régimen quería ofrecer del país. Protagonizada por el mítico Pepe Isbert, la película nos presenta a Don Anselmo, un anciano que, pese a gozar de una salud de hierro, se empeña en conseguir un vehículo con motor para inválidos para no ser menos que sus amigos de su misma edad. Para vencer la oposición de su familia, Don Anselmo estará dispuesto a traspasar todos los límites, llegando a planificar el asesinato de los suyos.

Al respecto de la censura del film, José Manuel Pérez Lozano reflexionó, en el primer número de la revista Cinestudio (mayo 1961) sobre los efectos adversos a la voluntad del censor que las operaciones de este tipo solían producir en las películas: “La versión original terminaba de modo distinto. Don Anselmo huye tras envenenar a los suyos. Ahora se le obliga a llamar por teléfono para que el arrepentimiento quede bien claro. ¿Es así mejor? ¿No es cierto que entonces el acto criminal de don Anselmo no obedece a un proceso demencial -con lo que la responsabilidad moral queda modificada-, sino a una venganza, moralmente culpable? Este final, creo que hace del loco don Anselmo un verdadero asesino.”

Categorías:TRAILERS RECOMENDADOS

Guerra Cívil y zombies en ‘Malnazidos’ de Javier Ruiz Caldera y Alberto de Toro

21 febrero 2020 Deja un comentario

El próximo onze de septiembre se estrenará en cines MALNAZIDOS, una película de acción y aventuras en la que un grupo de combatientes huidos de bandos rivales durante la Guerra Civil deben aliarse para hacer frente a un adversario común… ¡zombies! Para lograrlo, tendrán que dejar de lado el odio mutuo y así evitar convertirse en uno de ellos.

Codirigida por Javier Ruiz Caldera y Alberto de Toro y escrita por Jaime Marques Olarreaga y Cristian Conti a partir de la novela Noche de Difuntos del 38 de Manuel Martín Ferreras, la película cuenta con un reparto coral encabezado por Miki EsparbéAura GarridoLuis CallejoÁlvaro Cervantes, Jesús Carroza y María Botto.

MALNAZIDOS es una producción de TELECINCO CINEMACACTUS FLOWER PRODUCCIONESMALNAZIDOS AIELA TERRAZA FILMS e IKIRU FILMS, con la participación de MEDIASET ESPAÑA y MEDITERRÁNEO MEDIASET GROUP, y será distribuida en España por SONY PICTURES ENTERTAINMENT IBERIA.

 

SINOPSIS
Meses de sangrientos combates han dejado tras de sí miles de muertos en las trincheras. Jan Lozano, capitán de la quinta brigada, cae prisionero. La única posibilidad de escapar a la sentencia de muerte es hacer frente a una misión imposible en campo enemigo. Pero un peligro mayor del esperado obligará a los bandos rivales a unirse contra un nuevo y desconocido adversario. Tendrán que dejar de lado el odio mutuo y así evitar convertirse en zombis.

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Categorías:TRAILERS RECOMENDADOS

Novedades Cameo: abril 2020

21 febrero 2020 Deja un comentario


Tres nueva novedades de Cameo para el mes de abril: Polanski, zombis y Midway ¿quién da más?

Categorías:DVD / BLU-RAY

Novedades Astiberri: marzo de 2020

21 febrero 2020 Deja un comentario

Sunny Sunny Ann!

Miki Yamamoto

Blanco y negro. Rústica
200 páginas. 14,8 x 21 cm
15 euros
ISBN: 978-84-17575-87-8
A la venta el 5 de marzo

Ann duerme en su coche, toma vino al sol y se ducha en las gasolineras. Libre y liberada, va donde la lleve el viento, huyendo de cualquier tipo de rutina o ataduras. Este manga ganó el Premio Tezuka en la categoría de autores noveles en 2013 y formó parte de la selección oficial del festival de Angoulême en 2019

La cólera

Santiago García y Javier Olivares

Color. Cartoné
240 páginas. 21 x 28 cm
28 euros
ISBN: 978-84-17575-61-8
A la venta el 12 de marzo

La pareja ganadora del Premio Nacional en 2015 con Las meninas regresa con una obra mucho más ambicios. La cólera parte de la historia de Aquiles y la guerra de Troya para hablar sobre la situación de una Europa futura, pero muy parecida a la nuestra.

Ascender 1.La galaxia hechizada

Jeff Lemire y Dustin Nguyen

Color. Cartoné
136 páginas. 17 x 26 cm
18 euros
ISBN: 978-84-17575-98-4
A la venta el 12 de marzo

Jeff Lemire y Dustin Nguyen vuelven a unir fuerzas en Ascender. La galaxia hechizada para mostrar la vida diez años después de los acontecimientos narrados en la serie Descender. Las reglas han cambiado en esta nueva aventura y la magia ha sustituido a la maquinaria.

Claudio y Morino 1. La maldición

Adrien Albert

Color. Cartoné

72 páginas. 18 x 22,5 cm
14 euros

ISBN: 978-84-17575-81-6

A la venta el 19 de marzo

Esta historia de un joven toro y un esqueleto verde unidos por una maldición será la primera obra de nuestra nueva colección infantil. También en euskera y catalán.

Una laowai en Shanghái

 

Elisa Riera

Color. Cartoné

152 páginas. 24 x14 cm
17 euros

ISBN: 978-84-17575-77-9

A la venta el 26 de marzo

Neuras, risas y muchas horas de avión en esta nueva obra de Elisa Riera tras El futuro es brillante, en la que la autora confiesa sus anécdotas más peculiares en el gigante asiático

VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 21 de febrero de 2020 *

21 febrero 2020 Deja un comentario

DOMINO (Brian de Palma, 2019)

Dinamarca/Francia/España/Bélgica Duración: 89 min. Guion: Petter Skavlan Música: Pino Donaggio Fotografía: José Luis Alcaine Productora: Backup Films / Zilvermeer Productions / Mollywood / N279 Entertainment / Recalcati Multimedia / Schønne Film Género: Thriller

Reparto: Nikolaj Coster-Waldau,Carice van Houten, Guy Pearce, Younes Bachir, Mohammed Azaay, Eriq Ebouaney, Thomas W. Gabrielsson.

Sinopsis: Christian es un policía danés que se asocia con una oficial para localizar al asesino de su compañero. Lo que la pareja no sabe es que el individuo que persiguen trabaja en una operación especial de la CIA y sigue el rastro de una célula terrorista del ISIS en Europa.

Domino posee un prometedor comienzo repleto de acción calculada al milímetro, que se desarrolla a varios niveles y que deja lugar a varios reconocibles gadgest de su director. La intriga mezcla terrorismo islámico y CIA, pero la auténtica razón del ser de la historia es la venganza. Persecuciones por los tejados de Dinamarca y viajes por Bélgica, Holanda y España. Una pintoresca España, todo hay que decirlo. Y todo con el acompañamiento de un Pino Donaggio más Herrmann que nunca. Pero todo es un espejismo que acaba cayendo casi en la parodia,  que pierde la credibilidad. Sí tiene guiños a su propio estilo narrativo, pantalla partida incluida, pero la profundidad de los personajes es nula, y algunos elementos de suspense están excesivamente subrayados, como si De Palma no confiara en la inteligencia del espectador, que en algunos momentos de la narración tiene que suspender su incredulidad , todo lo cual no evita que llegue a provocar su hilaridad.

La película está protagonizada por Nikolaj Coster-Waldau (Mamá), junto a Carice van Houten (El libro negro) y Guy Pearce (Memento).

Francamente, esperamos y deseamos que Domino no sea el testamento cinematográfico de Brian De Palma.

EL PLAN (Polo Menárguez, 2019)

España. Duración: 79 min. Guion: Polo Menárguez (Obra: Ignasi Vidal) Música: Pablo Martín Caminero Fotografía: Alejandro Espadero Productora: Capitán Araña Género: Drama

Reparto: Raúl Arévalo, Antonio de la Torre, Chema del Barco

Sinopsis: Son las nueve de la mañana de un caluroso día de verano en el barrio madrileño de Usera. Paco, Ramón y Andrade, tres amigos que llevan en paro desde que cerró la empresa en la que trabajaban, han quedado para ejecutar un plan. Cuando por fin se reúnen, un contratiempo les impide salir de casa: el coche que necesitaban para trasladarse está averiado. Mientras buscan otra manera de llegar a su destino, se ven envueltos en una serie de incómodas discusiones que poco a poco derribarán sus muros y arrancarán sus máscaras.

Comedia de pequeño formato, muy deudora de su origen teatral, que se desarrolla en un único escenario contando con tan solo tres personajes, lo cual ofrece la oportunidad a los actores de lucirse, algo que bien aprovechan. Si de Antonio de la Torre y Raúl Arévalo ya podíamos esperarlo, destaca especialmente el personaje interpretado por Chema Del Barco, que es el responsable y motor del cambio de registro de esta comedia hacia el drama, que terminará  dejando en el espectador un regusto amargo.

Polo Menárguez en su segundo largo (el primero con recursos profesionales tras su debut en el Low Cost) nos narra la historia de tres perdedores, que con la excusa de poner en práctica un plan, se reúnen en casa de uno de ellos. A partir de ahí, y dada la torpeza de sus integrantes, todo llevará al espectador a tener la total seguridad de que el plan difícilmente arribará a buen puerto. Los imprevistos y giros que van surgiendo irán destapando las máscaras que cada uno lleva puesta, y el espectador asistirá a la crisis de un modelo de masculinidad que, lamentablemente, está resistiéndose a desaparecer.

Buen ritmo y una curva de interés que va in crescendo, hacen de El plan una película ágil, que nos atrapa en su red para llevarnos de la risa al escalofrío sin perder comba.

LAS GOLONDRINAS DE KABUL (Les hirondelles de Kaboul, Zabou Breitman y Eléa Gobbé-Mévellec, 2019)

Francia. Duración: 80 min. Guion: Zabou Breitman, Patricia Mortagne, Sébastien Tavel (Libro: Yasmina Khadra) Música: Alexis Rault Productora: arte France Cinéma / Les Armateurs Género: Drama

Sinopsis: Verano de 1998. Kabul es una ciudad en ruinas ocupada por los Talibanes. Mohsen y Zunaira son dos adolescentes que se han enamorado pese a vivir en un entorno repleto de violencia y miseria. Aunque van sobreviviendo día a día, un acto irresponsable de Mohsen cambiará sus vidas para siempre.

Las Golondrinas de Kabul es una cinta de animación para adultos en la linea de Persépolis o Vals con Bashir. Animada en rotoscopia pero dotando a su imagen de una rica apariencia de acuarela, su historia es un alegato contra el radicalismo islámico y todo un homenaje al papel desempeñado por la mujer, verdadera víctima potencial de un radicalismo religioso que la obliga a ocultarse, a desaparecer bajo un tupido burka. Cubierta con ellos, las mujeres de Kabul deambulan por las ruinas de la ciudad como fantasmas, añorando cines, librerías y escuelas y  secundados por los espectros de unos hombres que una vez fueron libres.

La acción se desarrolla en un Afganistán en ruinas por su situación de guerra perpetua. En Kabul la guardia talibán vigila que todos guarden el orden y las maneras y no se pierdan el rezo, pero en el interior de la casa de los protagonistas, una pareja de jóvenes profesores, se mantendrá un oasis de libertad en el que Zunaira brillará especialmente. Pronto se desatará una tragedia que demostrará hasta donde serán capaces de sacrificarse por amor.

Basada en el best seller de Yasmina Khadra (más de 600.000 ejemplares vendidos en Francia), Las golondrinas de Kabul tuvo su premiere mundial en la sección Un Certain Regard del Festival de Cannes 2019 y fue seleccionada en el festival de Sitges, siendo nominada recientemente a los Premios César de la academia de cine francés. También es la primera cinta que llega a las salas españolas de la nueva distribuidora Night Drive.

MONOS (Alejandro Landes, 2019)

Colombia-Argentina-Uruguay-Países Bajos (Holanda)-Alemania-Suecia. Duración: 102 min. Guion: Alexis Dos Santos, Alejandro Landes (Historia: Alejandro Landes) Música: Mica Levi Fotografía: Jasper Wolf Productora: Franja Nomo / Campo Cine / Film I Väst / Le Pacte / Lemming Film / Mutante Cine / Pandora Film / Snowglobe Films Género: Drama

Reparto: Julianne Nicholson, Moises Arias, Jorge Román, Sofia Buenaventura, Laura Castrillón, Sneider Castro

Sinopsis: En la cima de una imponente montaña, donde lo que a primera vista parece un campamento de verano, ocho niños guerrilleros apodados “Los Monos» conviven bajo la atenta mirada de un sargento paramilitar. Su única misión es clara: cuidar a la doctora (Julianne Nicholson), una mujer americana a la que han tomado como rehén. Cuando esta misión empieza a peligrar, la confianza entre ellos empezará a ponerse en duda.

Niños con pistolas.

Niños con pistolas comandados por un enano en una sima situada en el confín del mundo  ¡Cuánta energía desaprovechada! ¡Cuánto absurdo! Un microcosmos anómalo, casi sectario, habitado por monos con pistolas. Soldados sin ideal y con dos sencillas misiones: cuidar de una rehén y de la vaca Shakira, que les ha dejado el comandante antes de marchar para que tengan leche.

No harán nada bien, claro.

Sin nadie que les comande, que les controle, reinará el caos ante el más perfecto absurdo. Roces, suicidios y el despertar de los instintos más primitivos. Lucha por el caudillaje ante la pérdida de todo objetivo, de todo sentido. Monos con pistolas enfrentados entre sí.

Ecos de aquella historia que también hablaba de niños soldado manipulados, aquel El puente (Die Brücke, Bernhard Wicki, 1959) en donde también se manejaba a niños a los que antes se ha ‘educado’ en ideales, todo durante los últimos días del asedio a Berlín por los aliados. Monos manipulados. Niños con pistolas jugando a la guerra ¡Cuánta energía desaprovechada¡ ¡Cuánto absurdo!

 

 

 

 

Categorías:VAMOS DE ESTRENO

Toda la programación de OHLALÀ!
 Festival de cine francófono de Barcelona

20 febrero 2020 Deja un comentario

Hoy se ha presentado en rueda de prensa la tercera edición de Ohlalà! Festival de cine francófono de Barcelona que se celebra del 12 al 21 de marzo.
La presentación, en el Institut français, ha corrido a cargo de sus fundadoras, Mélody Brechet – Gleizes y Ana Belén Fernández. Junto a ellas ha estado el director del Institut français, Max Vasseur.

La programación de esta nueva edición contiene un total de 23 títulos. De ellos, 11 configuran la sección oficial a competición. Fuera de la sección oficial se podrán ver las películas de inauguración y clausura, un documental, dos películas musicales, dos largometrajes de animación y una retrospectiva de 5 títulos dedicada a la actriz francesa Nathalie Baye, madrina de esta ediciónquien además ofrecerá una clase magistral.

El Festival ofrece una programación más extensa que en las primeras ediciones, con más de la mitad de películas de jóvenes directoras y varias óperas primas de gran calidad. Asimismo toda la programación es una cuidada selección de títulos, algunos de los cuales han recibido numerosas nominaciones en la próxima edición de los Premios César (se entregan el 28 de febrero) o se han podido ver en alguno de los principales festivales del mundo. La mayoría  de títulos son inéditos en Cataluña y provienen de  diversos países de habla francesa: Francia, Bélgica, Suiza, Canadá, Argelia, Marruecos o Túnez, entre otros.

INVITADOS

Además de Nathalie Baye, también nos visitarán las directoras Mounia Meddour (Papicha), Romane Bohringer (Un acuerdo original- L’Amour Flou); Sarah Suco (Les Éblouis), y los directores, Philippe Rebot (Un acuerdo original- L’Amour Flou) y Antoine Russbach (Ceux qui travaillent).
La mayoría de las películas se podrán ver en el Institut français, sede principal del festival. Como novedad este año, la inauguración se celebrará el jueves, 12 de marzo a las 20h en la Sala Phenomena Experience (c/ Sant Antoni Maria Claret, 168).

Otra de las novedades nos lleva a la Filmoteca de Cataluña, donde se proyectará Una relación privada (Une liaison pornographique), uno de los títulos que se incluye dentro de la Retrospectiva dedicada a Nathalie Baye. Más de 20 años después de haber interpretado una de las parejas con más química de la historia del cine francés, Nathalie Baye y Sergi López volverán a presentar la película.

Todas las películas estarán subtituladas en castellano o catalán.

En cuanto a los premios, en esta edición se entregarán tres galardones:

– Premio del Jurado, compuesto por los siguientes profesionales  de diferentes ámbitos del sector cinematográfico: la directora Lucía Alemany (La inocencia); el guionista Marçal Cebrian (La hija de un ladrón); la directora de fotografía Maite Astiz (Blue Rai); el periodista Salvador Llopart,  y la productora Serrana Torres (documental “Oleg y las raras artes”).

-Premio del Jurado Joven, configurado, con la ayuda de Escena 25, por jóvenes de Barcelona entre los 18 y los 25 años

-Premio del Público, para el que votan todos los asistentes.

PROGRAMACIÓN

Estos son los 23 títulos que componen la programación de la 3ª edición del festival (puedes encontrar toda la información sobre cada uno de ellos a través de este enlace)

SESIÓN INAUGURAL (fuera de competición)

LA BELLE ÉPOQUE, de Nicolas Bedos (Francia).
Una comedia brillante que nos ofrece un viaje en el tiempo en busca del amor perdido.

La película, presentada fuera de competición en el Festival de Cannes y estrenada en Francia el pasado mes de noviembre, ha sido una de las películas más taquilleras del año, llegando a más de 1 millón de espectadores. Las 11 nominaciones a los Premios César la confirman como uno de los estrenos del año.
En España se estrena en cines el próximo 24 de abril de la mano de Diamond Films.
 
SESIÓN DE CLAUSURA (fuera de competición)

UN ACUERDO ORIGINAL (L’AMOUR FLOU)de Romane Bohringer y Philippe Rebbot. Entre fantasía pura y relato autobiográfico. Una feel good movie vibrante, divertida y tierna.

En España llegará a los cines el próximo 27 de marzo de la mano de Vercine.
Con la presencia de los directores Romane Bohringer y Philippe Rebbot

SECCIÓN OFICIAL A COMPETICIÓN

PAPICHA, de Mounia Meddour (Argelia, Francia, Bélgica, Qatar).
Un retrato feminista que seduce por su energía, su frescura y el carisma de su protagonista.
En España llegará a nuestras pantallas el próximo 22 de marzo de la mano de BTeam Pictures.
Con la presencia de Mounia Meddour

ADAM, de Maryam Touzani ( Marruecos, Francia, Bélgica)
Una ópera prima sutil y conmovedora sobre la necesidad de apoyarse entre las mujeres en una sociedad que no mira hacia ellas.
En España se estrenará en cines el próximo 27 de marzo de la mano de Karma Films.

ADORATION, de Fabrice du Welz (Bélgica, Francia)
Un relato onírico sobre el final de la inocencia, el amor y la locura.

ANTIGONE, de Sophie Deraspe (Canadá).
Una Antígona de los tiempos modernos: ¡Imprescindible!

CEUX QUI TRAVAILLENT, de Antoine Russbach (Suiza, Bélgica, Francia)
Una reflexión impactante sobre la sociedad actual con una interpretación magistral de Olivier Gourmet.
Con la presencia de Antoine Russbach

BIK ENEICH: UN FILS, de Mehdi Barsaoui (Túnez, Francia, Líbano, Qatar).
Un thriller intenso sobre un matrimonio y un país en crisis.

KUESSIPAN, de Myriam Verreault (Canadá).
Un relato sensible sobre la amistad y la identidad del pueblo Innu en Québec.

CAMILLE, de Boris Lojkine
(Francia).
Brillante y conmovedor relato de la historia de la joven fotógrafa francesa Camille Lepage.

LES ÉBLOUIS, de Sarah Suco (Francia).
Una ópera prima de inspiración autobiográfica, profunda y luminosa.
Contaremos con la presencia de la directora Sarah Suco

PERDRIX, de Erwan le Duc (Francia).
Una de las grandes óperas primas del cine francés de 2019.

C’EST ÇA L’AMOUR, de Claire Burger (Francia).
Un relato conmovedor sobre la paternidad y los cambios de la adolescencia.

MUSICAL (fuera de competición)

NOTRE DAME, de Valérie Donzelli (Francia).
Un cuento moderno lleno de fantasía homenaje a la Ciudad de la Luz y al cine de Jacques Demy.

GUY, de Alex Lutz (Francia).
Un falso documental muy logrado, divertido a la vez que lleno de ternura y de nostalgia.

DOCUMENTAL (fuera de competición)

DELPHINE ET CAROLE, INSOUMUSESde Callisto McNulty (Francia, Suiza)
Un documental sobre el encuentro entre la mítica actriz Delphine Seyrig y la videoartista Carole Roussopoulos que nos traslada al corazón del feminismo de los años 70.

ANIMACIÓN (fuera de competición)

ADAMA, de Simon Rouby (Francia)
Una película de animación potente y conmovedora premiada en el Festival de animación de Annecy.

GUS, PETIT OISEAU GRAND VOYAGE, de Christian De Vitta (
Francia)
Una perla de animación que mezcla relato de iniciación, ternura y sentido del humor para toda la familia

RETROSPECTIVA

Nathalie Baye es una de las grandes actrices del cine francés. Su carrera abarca más de 100 títulos en 47 años de profesión. Posee una carrera ecléctica donde se incluye cine de autor como cine más popular. Ha trabajado con autores como François Truffaut, Maurice Pialat, Claude Sautet, Jean-Luc Godard, Claude Chabrol, Steven Spielberg o Xavier Dolan.

En su palmarés figuran 4 premios César, el galardón más importante de la Academia del Cine Francés: Le Petit Lieutenant, 2005; La Balance (El Membrillo), 1982; Une étrange affaire, 1981; Sauve qui peut (la vida) 1980. Ha sido candidata a este premio en seis ocasiones más.
Tiene también una Copa Volpi a la Mejor Actriz en el Festival de Venecia  (Una relación privada,1999)  y una Concha de Plata a la Mejor Actriz en el Festival de San Sebastián (Mon fils à moi- Mi hijo), 2006).

Durante el festival se podrá ver una retrospectiva que incluye los 5 títulos siguientes:

UNA RELACIÓN PRIVADA (Une liaison pornographique), de Frédéric Fonteyne (Francia, 1999). Premio a la Mejor Actriz en el Festival de Venecia 1999
Con la presencia de Nathalie Baye y Sergi López

LE PETIT LIEUTENANT de Xavier Beauvois (Francia, 2004). Ganadora de 4 premios César:  Mejor Película, Mejor Guión, Mejor Director, Mejor Actriz.
Con la presencia de Nathalie Baye

LES SENTIMENTS de Noémi Lvovsky Francia, 2003)

SOLO EL FIN DEL MUNDO (Juste la fin du monde) de Xavier Dolan (
Canada, Francia, 2017)

LAS GUARDIANAS (Les gardiennes) de Xavier Beauvois 
(Francia, 2016)

Ohlalà! Festival de Cine Francófono de Barcelona es el primer festival de Barcelona dedicado al cine francófono y toma su nombre de la característica locución francesa que se utiliza para expresar sorpresa, nostalgia o alegría y alude a la magia del cine y a la variedad de emociones que este es capaz de evocar en el espectador.
En la primera edición del festival, apadrinada por el cineasta Cédric Klapisch (Una casa de locos), acudieron 2.500 espectadores en 15 sesiones. En la pasada edición del festival, apadrinada por la actriz, guionista y directora francesa Agnès Jaoui (Para todos los gustos), acudieron 3.100 espectadores, en 15 sesiones.
Ohlalà! Festival de Cine Francófono de Barcelona cuenta con el apoyo de Institut français de Barcelona, Consulado General de Francia en Barcelona, Wallonie Bruxelles international,  Oficina de Québec en Barcelona, Consulado general de Suiza en Barcelona, Unifrance, Ayuntamiento de Barcelona, Generalitat de Catalunya, Acción Cultural Española (AC/E), Eau thermale Avène, M&B Abogados, Pierre&Vacances, NuvoBarcelona, Hotel Majestic, Renfe-Sncf, Bande à part Escuela de cine , Veo Productions, Corporació Catalana de Mitjans Audiovisuals, Time Out, Equinoxe Radio,.

Para consultar toda la programación y horarios: http://www.ohlalafilmfestival.com

#ohlalafilmfestival @ohlalafilmfest

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Mike Wallace is in Filmin

17 febrero 2020 Deja un comentario

El documental Mike Wallas is here, que recientemente se ha estrenado en la plataforma Filmin, ofrece al espectador pura historia de la televisión norteamericana y nos explica como un actor radiofónico acomplejado con sus marcas de viruela llegó, en el mismo momento en el que la televisión se convertía en un influyente medio de comunicación, a convertirse en “el reportero más temido de Norteamérica”.Mike Wallace, creador de la entrevista directa, sin pactos con el entrevistado, es todo un modelo de una profesión que debería ser libre y no dedicarse a apoyar al gobierno de turno.

El film, brillantemente documentado con numerosas tomas de archivo, es un portento de montaje, pues nos lleva desde los inicios de Wallace en la radio como actor de seriales (Green Hornet), hasta su entrada en televisión en 1956, desde donde partió su carrera, también como actor de series y comerciales para poco después protagonizar sus primeras polémicas al entrevistar en sus programas Night Beat y The Mike Wallace Interview a todo un abanico de personajes que oscila desde un líder del Ku-Klux-Klan a políticos, actores, gagsters y colegas de profesión. Diversas demandas terminaron con su programa, pero en 1962 volvió a la carga como corresponsal de CBS News, viviendo aquellos convulsos tiempos durante los cuales realizó sobrecogedoras entrevistas a líderes de la talla de Martin Luther King Malcolm X o marchando a Vietnam, desde donde retransmitió la verdad, por dura que fuera.

En 1968 volvió al formato de programa de entrevistas y con el estallido del escándalo Watergate, puro entrevistar a todos los relacionados con el caso. Experimentará nuevos formatos y formas de obtener testimonios, ya sea con cámara oculta como con cebos, investigando temas polémicos a pie de calle como la prostitución infantil.

Historia del periodismo, Mike Wallace es respetado por sus colegas y veremos ampliamente su actividad profesional, pero también su trayectoria personal, marcada por el suicidio de su hijo y una larga depresión motivada por una millonaria denuncia interpuesta por un general retirado en al que se le acusaba de difamación. Una denuncia que, a pesar de que fue finalmente retirada, causó un efecto paralizador en la profesión que se trasmitió a los responsables de las cadenas.

Mike Wallace is Here es todo un monumento al buen periodismo durante el cual podremos ver infinidad de rostros conocidos como el de Bette Davis, Dalí, Oriana Fallaci, Emile Zola, Jomeini, Kirk Douglas o Donald Trump, entre muchos otros, puestos contra las cuerdas unos y sorprendiendo con sus respuestas, otros, en un ejercicio de libertad y verdad muy necesario en estos tiempos.

Novedades Diábolo febrero y marzo: monos, dinosaurios, recortables, Star Wars y… ¡Herbert West!

17 febrero 2020 Deja un comentario

 

Diábolo nos presenta sus novedades para febrero/marzo de 2020. Y como es habitual, entre ellas hay buen cómic, cine y cultura popular, puntos fuertes de la editorial. Entraremos en el mundo de Lovecraft con la adaptación al noveno arte de su relato más sangriento y, gracias al cine, popular: Herbert West: Reanimador dibujado por el argentino Edu Molina. El cine llega de la mano de un viejo conocido de Proyecto Naschy, Octavio López Sanjuán, del que hace bien poco comentábamos su incursión en el universo Halloween y que ahora vuelve a los dinosaurios con Hace un millón de años. El cine de dinosaurios (1914-1987). Sergio Reyes nos lleva de Viaje al mundo Digimon, mientras que José Gracia, gran especialista en la materia, nos pasea de nuevo por el universo Star Wars con La Guerra de las Galaxia Made in Spain Vol.1. ¡Quita tus patas de encima, mono asqueroso! es, por su parte, un completo repaso realizado por Jorge San Román del cine protagonizado por chimpacés, gorilas y orangutanes y, finalmente, y dentro del mundo de la nostalgia y la cultura popular, los especialistas Guillem Medina y Núria Simón nos descubrirán todo un mundo de muñecas recortables con Vestidas de papel De todo y para todos, ¿Qué más puede pedirse? 

 

El festival ‘Americana’ presenta su séptima edición

14 febrero 2020 Deja un comentario

Esta semana en La Casa del Cine se presentó la séptima edición del Festival Americana, con toda la programación y todas las novedades de este año. Los directores del fetival, Xavier Lezcano y Josep Maria Machado, explicaron un año más al público asistente las intenciones y líneas maestras de un festival  totalmente consolidado en nuestra ciudad.

La edición de este año se celebrará entre los días 3 y 8 de marzo. La inauguración será el martes 3 en la sala Phenomena el resto de las sesiones se proyectarán en las tres salas de los Cinemes Girona y en el Zumzeig. Además entre los días 3 y 6 de marzo, la Filmoteca de Catalunya hará cuatro sesiones de una retrospectiva del documentalista Steve James.

Como es sabido, el festival se divide, básicamente, en tres grandes secciones: TOPS, NEXT y DOCS, la sección LOST SESIONS y  los cortometrajes, además de la RETROSPECTIVA que se harán junto con la Filmoteca de Catalunya. Como novedad más destacable, en esta edición abren la selección de películas a todo el territorio norteamericano, más allá de los EE. UU., como se deduce por la imagen de este año, creación de  Glòria Bonet, en que conviven los tres idiomas que podremos escuchar durante el Americana 2020. Pero dejemos que los propios responsables nos presenten las películas seleccionadas en las diferentes secciones:

Empezamos desvelando la programación por la sección TOPS, con los nombres más consolidados y las películas que acumulan más premios este año: Matthias te Maxime, del gran director del Quebec Xavier Dolan, una historia de amor entre dos amigos que nos volverá a mostrar el gusto estético, musical y lleno de excesos de un director que nunca deja indiferente; Jay and Silent Bob Reboot, de uno de los directores indies americanos más importantes de los 90, Kevin Smith, que vuelve con dos de sus personajes más icónicos, rodeado de amigos y humor grosero; siguiendo con el cine del Quebec, podremos ver también Repertoire des villes disparues o Ghost Town Anthology del particular cineasta Denis Côté, una película presente en Berlin que mezcla el tono desencantado y extraño de su director con el fantástico poético; y desde México nos llega Chicuarotes, dirigida por Gael Garcia Bernal, una historia de supervivencia y delincuencia de jóvenes en barrios humildes que estuvo presente en Cannes y San Sebastián; en Honey Boy otro actor, Shia LaBeouf, participa en la película detrás de las cámaras (también la interpreta) escribiendo un guion de ficción sobre su vida, problemas y sueños en una cinta que acumula 32 nominaciones y 8 galardones con premio gordo en Sundance y nominaciones varías en los Independent Spirit Awards, dirigida por el Alma Har’lo, que ya estuvo presente en Americana hace unas ediciones con LoveTrue; la americana Saint Frances, ganadora del premio del público y del premio especial del jurado en SXSW, será la inauguración de este año (recordad, exclusivamente con invitaciones, que repartiremos por nuestras redes sociales), una comedia fresca, emotiva y políticamente incorrecta, sobre nuevas familias y nuevas maneras de ver la maternidad; y de la inauguración a la clausura con Seberg, una película inspirada en hechos reales de la vida del icono de la Nouvelle Vague francesa, Jean Seberg interpretada por Kristen Stewart, que se pone en la piel de otra actriz que luchó por la igualdad racial y la militancia feminista; también tendremos la alocada comedia Sorry to Bother You, una distopía con empresas y empleados de lo más delirantes que ha arrasado en premios los últimos meses, como por ejemplo el de mejor primera película en los Independent Spirit Awards, después de su paso por Sundance o Austin (donde ganó mejor guion) , entre otros muchos festivales y premios; Jim Cummings es uno de los directores por el que el festival ya lleva apostando los últimos años en nuestras sesiones de cortos, Thunder Road es su primero largo, a partir del corto que pudimos ver en el festival hace algunas ediciones y que consiguió estar presente en Cannes y hacerse con el Grand Prix del Jurado en SXSW; finalmente, otro director que no deja a nadie indiferente es Harmony Korine, que después de sorprender con la ya cinta de culto Spring Breakers, vuelve con otra historia de estética alucinada titulada The Beach Bum, con una interpretación memorable y pasadísima de vueltas del gran Matthew McConaughey.

En NEXT, un año más, apostaremos por cintas no tan conocidas de diferentes géneros, procedencias e intenciones. Las 10 seleccionadas de esta edición son: Mickey and the Bear, un coming of age protagonizado por Camila Morrone, que ha resultado ser una de las óperas primas revelación del año y que ha estado presente en festivales como Cannes o SXSW; Swallow, sobre una mujer rica y atormentada con una extraña adicción presente en el pasado festival de Sitges y que acumula más de 15 premios entre los que destaca el de mejor actriz en Tribeca por el espectacular papel de Haley Bennett; Greener Grass, la locura de este año en la Ia línea de Lemon o An Evening with Beverly Luff Linn, donde tiene un papel Janicza Bravo, directora de Lemon, como pista de por dónde irá la película; The Art of Self-Defense es otra comedia delirante pero punzante protagonizada por Jesse Eisenberg, Alessandro NivolaDavid Zellner, que fue uno de los invitados estrella de la última edición del festival; The Death of Dick Long vuelve a ser una comedia, salvaje y surrealista, en este caso dirigida por Daniel Scheinert, la mitad de los Daniels de Swiss Army Man y protagonizada por André Hyland, director de The 4th, que estuvo presente en Americana; la última comedia, con toques surrealistas pero ahora con trasfondo social será Give me Liberty, presente en Cannes, Sundance y con 4 nominaciones a los Independent Spirit Awards; y siguiendo en la línea social tendremos también la mexicana Mando de obra, ópera prima que escribe, produce y dirige David Zonana, una cinta muy pequeña que fue una de las sorpresas de la última edición del Festival de San Sebastián y que sorprendentemente tiene ciertas similitudes con una de las cintas del año, la coreana Parásitos; otra ópera prima es Burning Cane, del joven Phillip Youmans, que con tan solo 19 años se ha situado entre los directores más prometedores gracias a las dos nominaciones a los Independent Spirit Awards o a los 3 premios conseguidos en Tribeca, en una película cargada de dolor y buen cine con influencias de Terrence Malick que no parece estar dirigida por alguien tan joven; y seguimos con cine de autor para paladares exquisitos con The Sound of Silence, de Michael Tyburski interpretada por Peter Sarsgaard y la Rashida Jones en una extraña historia de medicina alternativa, estrés y soledad que estuvo presente en el último festival de Sundance; cierra la sección The Vast of Night, ganadora del premio del público en Slamdance y con una nominación a mejor primer guion en los Independent Spirit Awards, una joya del sci-fi retro inspirado en series como La dimensión desconocida y que encantará a los amantes del género.

Finalmente la tercera sección grande del festival, DOCS, presentará 7 espléndidas películas de género documental y que nos descubrirán historias reales pero también cargadas de talento cinematográfico: America to Me es una serie documental de diez horas (repartidas en cuatro sesiones en el cine Zumzeig) que nos explica lo que ocurre durante todo un año académico en una escuela pública de Chicago y que nos presentará Steve James, uno de los grandes invitados de esta edición, documentalista reputado, director entre otras de Life Itself Hoop Dreams, nominado en dos ocasiones a los Oscar y que se acompaña de directores de alto nivel para ayudarlo en la dirección del documental como por ejemplo Bing Liu, director de Minding the Gap, proyectada en la última edición de Americana; en 17 Blocks veremos como el documentalista Davy Rothbart captura durante 20 años el día a día de los Sanford, una familia afroamericana que sobrevive a 17 calles de la Casa Blanca, en un documental lleno de peligros, sueños y esperanzas condensados en hora y media de metraje; en el emotivo 5B, Paul Haggis, director de Crash, nos acerca a la creación del pabellón 5B del Hospital General de San Francisco, en plena epidemia del SIDA a principios de los 80, cuando abre como medida extraordinaria para combatir un virus desconocido y donde veremos a gente anónima que se presenta voluntaria para ayudar a los primeros pacientes de la enfermedad; y de nuevo desde México nos llega Midnight Family, un documental que nos enseña que la carencia de ambulancias en Ciudad de México hace que proliferen algunas de privadas, que harán lo posible para llegar antes que nadie al lugar de los accidentes para atender a los heridos, pero también para sacar rendimiento a su negocio, en un documental de factura impecable y muy sobrecogedor; The Projeccionist es la última película de Abel Ferrara, uno de los cineastas más importantes y personales de los últimos años, donde el director se deja llevar por Nueva York por Nicolas Nicolaou, un propietario de cines que nos explica cómo han cambiado las cosas en la metrópoli desde los años 70, en una sesión muy especial y cinéfila que se completará con el corto Last Interview Film of Jonas Mekas-version 1 de Chihiro Ito con la última entrevista filmada a Jonas MekasMartha: A Picture Story, es la biografía de la fotógrafa Martha Cooper, que en el Nueva York de los 70 capturó algunas de las primeras imágenes de grafitis justo en un momento en que la ciudad les había declarado la guerra y que décadas más tarde se ha convertido en la madrina espiritual del movimiento internacional del Street Art; finalmente veremos I Want my MTV, retrato imprescindible de la cadena nacida en 1981 y que se convierte en un símbolo de la cultura pop, haciendo un repaso al nacimiento, éxito y decadencia de la MTV narrado por las estrellas que hicieron posible su existencia.

Como decíamos antes, el festival se completará con dos películas más que formarán parte de The Lost Sesions, sección que empezamos la última edición y que pretende recuperar cintas poco conocidas u olvidadas por el espectador. En este caso veremos dos largos y dos cortos que dirigió uno de los pioneros del cine indie americano, el afroamericano Charles Burnett, que hizo sus mejores producciones entre finales de los 60 y principios de los 80, reivindicado con posterioridad, puesto que su cine realista de comunidades negras poco privilegiadas, no era a buen seguro ni un cine de masas, ni un cine cómodo para las clases acomodadas. Las cintas proyectadas serán Killer of Sheep My Brother’s Wedding, acompañadas de los cortos Several Friends y The Horse.

Y hablando de cortos ya sabéis que en Americana nos encantan. Este año volveremos a tener tres sesiones como en la última edición. Repetiremos el Sundance Short Film Tour, que nos traerá los mejores cortos del prestigioso festival en una sesión en que se proyectará el corto nominado al Oscar Brotherhood y las dos habituales sesiones con nuestra selección de lo mejor del año donde podremos ver desde el nuevo trabajo de Richard RaymondA Million Eyes, después de ganar el año pasado Americana con Souls of Totality a la nueva gamberrada de Bill PlymptonTrump Bites. Films que han pasado por festivales como Cannes, SXSW o Sundance compartiendo sesión con los nuevos talentos emergentes. Y finalmente podremos ver también en la Filmoteca de Catalunya, cuatro películas que formarán parte de una retrospectiva del director Steve James. Se proyectarán Hope DreamsLife ItselfAbacus: Small Enough to Jail y The Interrupters.

Un Steve James que será uno de nuestros invitados de esta edición, acompañado de Denis Côté (director de Repertoire des villes disparues), Jocelyn DeBoer y Dawn Luebbe (directoras, guionistas, productoras y actrices de Grener Grass), además nos visitarán Ben Epstein y Seth Epstein que vendrán junto con la directora de arte Kelly Phelps a presentar su corto Something like loneliness y  Brenden Hubbard que vendrá a presentar su corto The helping hand.
Finalmente durante el festival tendremos nuestras habituales sesiones para los más jóvenes en Young Americans con la proyección del film Human Naturedos sesiones profesionales, una sobre educación y cine con Steve James y otra para analizar el caso del éxito de las creadoras de Las del Hockey, que han pasado de trabajar en el bar de la Uni a hacerlo con Netflix y la Route 66 que llevará Americana a los cines de Manresa, Malgrat de Mar, Vic, San Sebastián, Gijón, Madrid o Sevilla, entre otros.

Como cada año el festival dispondrá del jurado joven Next, formado por alumnos de La casa del cine, y siguiendo con la colaboración del año pasado, el jurado de la crítica ACCEC que decidirá la mejor película de la sección Tops. Premios que se añadirán al habitual premio del público de largos y cortos.

El precio de las entradas será de 7 euros, con abonos compartibles de 6 entradas por 35 euros. Las sesiones de cortos tendrán un coste de 4 euros. Como ya hicimos el año pasado, la gestión de los abonos será completamente online, desde la propia web de Americana y sin ninguna comisión. La venta de entradas empezará mañana día 13 de febrero, al tiempo que se hará pública la parrilla. El periodo de acreditaciones de prensa ya está activo desde ahora mismo y hasta el 21 de febrero.

Para completar la información seguidnos por nuestras redes sociales o visitad nuestra web.

Categorías:Americana

¡Caramba! recopila en tomo ‘Eva hace lo que puede’ de Bea Tormo

14 febrero 2020 Deja un comentario

Eva hace lo que puede

Bea Tormo

Cartoné. Color
120 páginas. 24 x 17 cm.
15 euros

A la venta el 5 de marzo

La supervivencia cotidiana de una treintañera mientras lidia con el trabajo, el sexo, la familia y su compañera de piso

Eva hace lo que puede nació en la revista digital Orgullo y Satisfacción

Eva vive en un piso de mierda, solo encuentra curros de mierda y sus relaciones son todas una mierda. Lo que viene siendo una vida de mierda. Por suerte, Eva tiene también mala leche suficiente como para sobrellevar todas las situaciones a las que ha de hacer frente, poniendo de paso un poco de orden en el mundo. En el suyo, al menos. O en todo caso, eso es lo que intenta. Eva no hace lo mejor que podría hacer: Eva hace lo que puede.

Eva hace lo que puede incluye material inédito de esta serie e historietas publicadas por Bea Tormo entre 2015 y 2017 en la revista digital Orgullo y Satisfacción. Muchas de ellas han sido redibujadas para la ocasión.

Bea Tormo

Es ilustradora, dibujante de cómics y otras cosas que no recuerda. Nació en La Rioja y se fue a vivir a Barcelona para ganarse el pan a base de dibujar lo que le mandan y (a veces) lo que le da la gana. Ha trabajado para editoriales infantiles como Anaya y SM, ha dibujado en webcómics, ha hecho páginas para un montón de publicaciones colaborativas, se ha editado fanzines, ha formado parte de revistas como El Jueves y Orgullo y Satisfacción, y hoy en día sigue dibujando todo lo que le sea posible. Invierte un tiempo absurdo en barrer los pelos del perro/gato que tiene en casa. Y odia peinarse.

Categorías:Cómic y Manga

La Aventura/Cameo trae ‘Parásitos’ hoy a nuestros hogares

14 febrero 2020 Deja un comentario

Parásitos es una buena película y nos parece muy bien que se le reconozca. No entramos en si provocará interés real hacia el cine oriental, tan maltratado en nuestras pantallas, o si no pasará de moda efímera. Hoy mismo, que sale a la venta en formato doméstico de la mano del pequeño sello barcelonés La Aventura Audiovisual, vuelve Parásitos también a los cines, en los que su presencia era poco menos que testimonial, mientras el público acudía en masa a verla al día siguiente de haber obtenido las merecidas estatuillas.

PARÁSITOS (Gisaengchung, Bong Joon-ho, 2019) DVD/Blu-ray Editado por La Aventura Audiovisual/Cameo

Corea del Sur. Duración: 132 min. Guion: Bong Joon-ho, Jin Won Han Música: Jaeil Jung Fotografía: Kyung-Pyo Hong Productora: Barunson / CJ Entertainment / TMS Comics / Tokyo Movie Shinsha (TMS) / CJ E&M Film Financing & Investment Entertainment & Comics
Reparto: Song Kang-ho, Lee Seon-gyun, Jang Hye-jin, Cho Yeo-jeong, Choi Woo-sik, Park So-dam, Park Seo-joon, Lee Jeong-eun, Park Keun-rok, Hyun Seung-Min, Andreas Fronk, Park Myeong-hoon, Jung Hyun-jun, Ji-hye Lee, Joo-hyung Lee, Jeong Esuz, Ik-han Jung, Seong-Bong Ahn, Dong-yong Lee, Hyo-shin Pak

Características técnicas. Imagen: 2.35:1 1080p Audio: Coreano – DTS-HD Master Audio 5.1/Castellano – DTS-HD Master Audio 5.1 Coreano – DTS-HD Master Audio 2.0/Castellano – DTS-HD Master Audio 2.0 Subtítulos: Castellano

Extras: Featurette (5 min.)/Tráiler/Caja negra, libreto y carátula reversible

Sinopsis: Toda la familia de Ki-taek está en el paro y se interesa mucho por el tren de vida de la riquísima familia Park. Un día, su hijo logra que le recomienden para dar clases particulares de inglés en casa de los Park. Es el comienzo de un engranaje incontrolable, del cual nadie saldrá realmente indemne.

Premios:

2019: 4 Premios Oscar: Mejor película, director, película internacional y guion original
2019: Festival de Cannes: Palma de Oro al Mejor largometraje
2019: Globos de Oro: Mejor película de habla no inglesa. 3 nominaciones
2019: Premios BAFTA: Mejor película extranjera y guion original. 4 nominaciones
2019: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor película extranjera
2019: National Board of Review (NBR): Mejor película de habla no inglesa
2019: Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor película, director y actor sec.
2019: Festival de Toronto: 2ª finalista mejor película
2019: Critics Choice Awards: Mejor director (ex aequo) y película extranjera. 7 nomin.
2019: American Film Institute (AFI): Premio Especial AFI
2019: Premios Independent Spirit: Mejor película extranjera
2019: Sindicato de Productores (PGA): Nominada a mejor película
2019: Sindicato de Directores (DGA): Nominada a mejor director
2019: Sindicato de Guionistas (WGA): Mejor guion original
2019: Sindicato de Actores (SAG): Mejor reparto
2019: British Independent Film Awards (BIFA): Mejor película internacional
2019: Asociación de Críticos de Chicago: 4 premios, inc. Mejor película. 7 nom.
2019: Círculo de Críticos de San Francisco: 3 premios, incl. mejor director. 7 nom.
2019: Satellite Awards: Nominada a Mejor director, guion y película internacional
2019: Premios César: Nominada a mejor película extranjera
2019: Premios Guldbagge (Suecia): Mejor película extranjera

Existen las buenas películas, obras redondas que lo son por el perfecto engranaje de sus partes, guion, dirección, interpretación… Luego están las que directamente juegan en otra liga, elevadas por encima de la media porque han alcanzado el estatus de universales, de clásicos, desde el mismo momento de ser concebidas. Existen las mejores películas del año y luego está Parásitos. A primera vista nos enamora, las siguientes veces que vuelves sobre ella descubres que nunca se acaba, que cada visionado te permite descubrir otro matiz que la hace excepcional. Y eso solo pasa con las obras maestras.

Todo empieza con el suseok. Piedras que toman forma a partir de elementos naturales, como el viento y el agua, las más deseables son las piezas con forma de oleaje como la que recibe la familia Kim en la película. Se dice de ellas que atraen la fortuna, son un amuleto al que se le atribuye la capacidad de subir de estatus a quien la posea y de alcanzar el aire de sofisticación propio de las clases altas. Todo empieza a venirles de cara a los protagonistas cuando llega a sus manos, marca el pistoletazo de salida de su ascenso hacia la abundancia, pero termina siendo la herramienta que apresura el camino de violencia con la que culmina la cinta. Porque eso es Parásitos, un relato de ascenso y caída con el que Bong Joon-ho pinta un fresco despiadado sobre la sociedad coreana. Y más allá, aunque no le faltan pinceladas de color local, su pintura es extensible a toda sociedad capitalista, es por eso por lo que nos vemos representados en su excusa argumental.

Los Kim son una familia de baja condición, pero astutos e ingeniosos como los protagonistas de las novelas picarescas. Sus avatares despiertan nuestras simpatías, porque su pillería los hace entrañables y nos reímos con sus tretas para prosperar. Son como esos timadores que nos caen en gracia porque con sus artimañas no dejan de estar haciendo justicia poética, la catadura moral del timado tiene más miseria que la del embaucador. Frente a nuestros antihéroes está la familia Park, los adinerados que ejercen su dominación con la misma naturalidad con la que respiran. Y con la misma inconsciencia. Para ellos es tan sencillo aprovecharse de los demás que ni siquiera actúan con verdadera maldad. Simplemente están arriba sin preguntarse ni preocuparse por el efecto de sus demandas. Solo deambulan por su palacio de cristal ajenos a lo que ocurre más allá de sus dominios.

Si en grupo funcionan como concreción particular de un fenómeno global, tomados de uno a uno los personajes tienen la misma entidad. La pluma de Bong Joon-ho los dibuja con el detalle propio de las filigranas. Mientras Ki-woo (Woo-sik Choi) es ejemplo del entusiasmo del travieso, su hermana, Ki-jeong (So-dam Park), actúa con mayor perfidia, es más consciente de su indigencia y, en consecuencia, mueve sus fichas con la astucia del que sabe lo que se está jugando sobre el tablero. La madre, Chung-sook (Hye-jin Jang), es una mujer más cautelosa, con menos iniciativa, pero siempre dispuesta a secundar las decisiones del resto. Y sobre ellos Kim Ki-taek (Kang-ho Song), el patriarca que ha enseñado a los demás a moverse como peces en el agua en el mundo de la picaresca, aportando la seguridad de que todo está dominado y sujeto a un plan.  Del  lado de los Park nos encontramos con un plantel de caracteres que van desde el candor rayano a la bobería de la señora, Park Yeon-kyo (Yeo-jeong Jo), la altivez clasista del esposo, Park Dong-ik (Sun-kyun Lee), la hija, Da-hye (Ji-so Jung), se nos presenta como adolescente enamoradiza y, ocupando un papel destacado, está el hijo menor, Da-song (Hyun-jun Jung), un niño hipercativo y malcriado, que es el centro de toda la atención y acabará siendo determinante en el desenlace.

Parásitos parte de un guion consistente cuya solidez no recae exclusivamente en el esmerado diseño de personajes, sino también en el calibrado pormenor con el que se describen las situaciones.  Ello hace que los giros entren con naturalidad sin poner en ningún momento en riesgo la verosimilitud del relato, permitiendo, así, que el filme vaya cambiando de género sin fragmentarse. Y también el ritmo está bien medido. La curva de interés no decae en todo el metraje, ni sufre altibajos. Su tempo es ágil sin ser precipitado, consiguiendo que la acción se module y desarrolle con la precisión de un ingenio de relojería. Una armazón de la que solo podría derivarse lo que la cinta es, un ejemplo de narración vigorosa, calculada y deslumbrante pues, paradójicamente si se quiere, su planteamiento matemático es el que deja espacio a la sorpresa. Un texto al que se rinde nuestra atención desde su primera frase hasta su último punto.

Ahora bien, lo que hace grande al filme es la perfecta traducción de la palabra al lenguaje audiovisual. Si como guionista es hábil, como director, Bong Joon-ho, es sencillamente magistral. Nada chirría en la puesta en escena, en ningún momento cae en la aparatosidad, de modo que a primera vista se diría que la cámara es invisible, es en el análisis cuando descubrimos la inteligencia con la que cada movimiento está pensado. El coreano juega con los planos con la destreza de un prestidigitador, esconde el truco en su propia materialización. La composición del encuadre, el trabajo de la profundidad de campo, la decisión del punto de vista, el escalado, el ángulo, la iluminación, en suma, todos los elementos de la imagen cinematográfica, están presentes con una sutileza tal que logran evadir nuestra vigilancia y así nos fluye la historia como si entre ella y nosotros no estuviera la mediación del autor. Resulta difícil elegir un ejemplo concreto sin destripar el argumento, tal es su grado de implicación, por eso nos limitaremos a exponer el uso significativo de los escenarios.

Igual que la familia Kim se contrapone a la familia Park, sus residencias lo hacen también, y de un modo en que ambas cobran simbolismo narrativo. El semisótano de los Kim, un habitáculo de pocos metros en los que se acumulan de forma abigarrada sus pertenencias, describe ya su lugar y su actitud en el mundo. Casi siempre los vemos reunidos en el comedor, la única pieza que tiene luz exterior gracias a la ventana a ras de calle que se abre a la altura de su techo, los Kim contemplan el exterior como el espectador de un cine, en desigualdad (inferioridad) de condiciones, pero con una actitud de buen ánimo y curiosidad. Como si todo se abriera ante ellos como promesa de mejoría. La vivienda de los Park, en cambio, es una mansión de amplias dimensiones, nada se amontona, al contrario, todo ocupa el lugar justo aumentando la sensación de espaciosidad. Es una casa diseñada para extraer las mejores condiciones de comodidad, un enorme ventanal abre el salón a la luz exterior, pero no mira hacia la calle, sino que se abre a su propio jardín. Los Park usan el mundo casi sin mezclarse con él, ya están en la cima, si su vida fuera un cine, ellos serían los que lucen en la pantalla, siempre por encima de quienes los contemplan.

Parásitos recorre el camino de los Kim hacia el asalto de los Park, por eso más de su primera mitad nos muestra a los personajes o bien subiendo o bien contemplando la pendiente hacia arriba. Ese ascenso es servido a modo de comedia jovial hasta que los Kim están todo lo arriba que pueden estar en la cumbre, ocupando la casa de sus patrones en su ausencia de fin de semana. Pero la casa de los Park esconde un secreto, está toda ella construida sobre un búnker; cuando en pleno asalto, en medio de la tormenta se presente Moon-gwang (Jeong-eun Lee), la antigua ama de llaves que ha sido despedida gracias a las artimañas de nuestros protagonistas, quedará al descubierto una realidad ignorada, la de los desposeídos que ni siquiera son contemplados por los poco favorecidos. La realidad de aquellos que están tan al margen que viven en el subsuelo. Y ahí irrumpe el horror. La jovialidad da paso a la amargura y la cinta se convierte en una sátira negrísima que culminará en un apoteosis de violencia a la par cartoonesca y dolorosa.

La caída de los Kim se escenifica en su descenso, bajo la lluvia, desde la mansión al cuchitril. Uno de esos momentos cinematográficos que pasarán a las antologías. La lluvia, que sólo es un contratiempo en la zona alta, hace estragos cuanto más bajamos. Para los ricos el efecto de esta es la llegada de un nuevo día soleado más limpio que el anterior por el efecto del agua. Para los pobres supone la pérdida de sus existencias. El genio de nuestro director consiste en narrar este drama si caer en los tintes de lo dramático, la comedia se mantiene, aunque cambie su tono, y la risa es el mejor aliado de la toma de conciencia y la denuncia. Sin hacernos sentir culpables, Parásitos pone frente a nosotros toda la crueldad de nuestro sistema, una economía que no planifica, que no controla más variables que las del lucro, la oferta y la demanda, y que, para funcionar, necesita que exista la indigencia como mal inevitable.

Parásitos es una poderosa fábula satírica sin héroes ni villanos puros. Su enseñanza es que la distribución de la riqueza en los entornos capitalistas corrompe el entramado social en todas sus capas. En la cima de la pirámide están los Park, todos los Park del mundo, aislados en su opulencia, acostumbrados a ser servidos como si ese fuese el orden natural de las cosas, explotadores que lo son de nacimiento sin cuestionarse ni por asomo si de sus actos se desprende un sistema que se sostiene en la desigualdad. Conforme avanzamos hacia la base nos encontramos a los infortunados, en una gradación que llega hasta los desposeídos, hasta el lumpen, que vive más de su ingenio que de sus recursos. Desunidos e insolidarios, los pobres no aspiran a un mundo mejor sino a tocar a más parte del pastel, a medrar. Sin conciencia de clase, son buscavidas con la mirada puesta en su propia conveniencia. De un modo u otro, todos viven a costa de los demás, son los parásitos a los que alude el título. Pero algo hace que la relación de fuerzas no sea par, el abuso de los de arriba se manifiesta a modo de desprecio y humillación, de marcar distancias y establecer fronteras que no deben ser cruzadas ni siquiera por circunstancias involuntarias. Incluso el olor es límite que revela la inferioridad que hay que mantener a raya.

Y es que la pobreza huele. Un olor que une en los momentos más desesperados y moviliza una rabia que brota incontenible y ciega como un ajuste de cuentas. No cambia nada, pero al menos atisba una rebeldía momentánea que por un instante es subversiva. Sin final feliz, pero sin desesperanza.

VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 14 de febrero de 2020 *

14 febrero 2020 Deja un comentario

EL AMOR ESTÁ EN EL AGUA (Kimi to, Nami ni Noretara, Masaaki Yuasa, 2019)

Japón. Duración: 94 min. Guion: Reiko Yoshida Música: Michiru Ohshima Productora: Science SARU / Fuji TV / KDDI Corporation / Lawson Entertainment / Shogakukan-Shueisha Productions / Toho. Distribuida por: Toho Género:  Fantástico

Sinopsis: Tras entrar en la universidad, la joven Hinako se muda a una ciudad costera. Le encanta surfear y cuando cabalga las olas no tiene miedo de nada, aunque aún se siente insegura acerca de su futuro. Un día, un incendio siembra el caos en la ciudad y la joven surfista conoce a un bombero llamado Minato. Conforme surfean y pasan tiempo juntos, Hinako se siente atraída por el joven, que vive entregado a ayudar a los demás. Por desgracia, una inesperada tragedia arrebata la vida a Minato dejando a la muchacha completamente devastada. Incapaz incluso de mirar a su querido mar, un día, Hinako canta la canción de ambos y Minato se le aparece en forma de agua. Hinako está feliz de volver a tenerlo a su lado, pero, ¿podrán permanecer así juntos para siempre?
Premios:
2019: Festival Internacional de Shanghai: Mejor película de animación
2019: Sitges Film Festival: Mejor película de animación

No podría haberse escogido mejor fecha que San Valentín para estrenar esta película de Masaaki Yuasa, director de las premiadas Lu over the Wall (mejor película en el festival de Annecy) y Night is ShortWalk on Girl (Mejor película de animación en los Premios de la Academia Japonesa). El amor está en el agua, acertado nombre que ha otorgado la productora española al filme, es una historia de amor juvenil con toques de fantasía que obtuvo el premio al mejor largometraje de animación en la sección Anima’t del festival de Sitges.

Aunque en algunos momentos peligra nuestra integridad ante el riesgo de una subida de azúcar, esta historia de amor y pérdida tiene al agua como motor protagonista entre los dos jóvenes enamorados, destacando su presencia mediante lluvia, charcos, embotellada o en el mar, donde su protagonista vuela con ayuda de su tabla de surf. Cuando la tragedia llegue a su vida, ella creará una fantasía para superar la pérdida… ¿o no será fantasía? : deberán verla para averiguarlo.

SCIENCE SARU es un estudio de animación fundado en 2013 por Masaaki Yuasa y Eunyoung Choi cuyo objetivo no es sólo crear obras de gran calidad, sino también mejorar la productividad, y uno de sus métodos es la animación Flash, que ha supuesto un incremento productivo. Este hecho ha permitido al estudio crear un gran número de obras animadas en tan sólo seis años entre las que figuran películas, series y cortos. El amor está en el agua contiene una mezcla de animación 2D y 3D repleta de textura y magia.

EL HUEVO DEL DINOSAURIO (Öndög, Wang Quan’an, 2019)

Mongolia. Duración: 100 min. Guion: Wang Quan’an Fotografía: Aymerick Pilarski Género: Drama
Reparto: Dulamjav Enkhtaivan, Aorigeletu, Norovsambuu
Sinopsis: Una mujer es hallada asesinada en la estepa de Mongolia. Durante una noche, un policía joven e inexperto tiene que custodiar la escena del crimen. Dado que desconoce los peligros del lugar, le envían a una pastora lugareña para protegerle a él y al cadáver. Se trata de una resuelta mujer, de unos treinta y tantos años, que sabe cómo manejar un rifle y ahuyentar a los lobos. Ella se encarga de encender una hoguera para combatir el frío. El alcohol también ayuda a este propósito, así como la cercanía de los cuerpos que la mujer propicia.
Premios:
2019: Festival de Berlín: Sección oficial
2019: Festival de Valladolid – Seminci: Espiga de Oro mejor película, mejor fotografía

El huevo del dinosaurio (Öndög, Quan’an Wang, 2019) no es una película fácil, pero el director consigue levar al espectador donde quiere y como quiere. Aparece un cadáver y la víctima ha sido asesinada, pero no es un thriller. Hay un desierto, pero no hace calor. Hay una heroína, pero es totalmente atípica. Es una película extraña, pero también hipnótica. Es El huevo del dinosaurio y es totalmente inclasificable.

Rodada en la desolada estepa de Mongolia, el espectador será testigo de los hechos que se narran desde la distancia o a través de ventanas. Desde el otro lado. Una distancia que le permitirá admirar la inmensidad del paisaje, bello, marciano, pero también le ayudará a sentir la soledad de los personajes.

El cuerpo desnudo de la mujer en medio del campo es, sin duda, una anomalía en el paísaje, pero no desentona con la belleza general que desprende el plano. Casi llega a convertirse en un elemento natural más. En ese entorno vive la protagonista, apodada dinosaurio, posiblemente porque como aquellos, es una especie en peligro de extinción que se desenvuelve en un mundo raro, extraño, que está a punto de desaparecer algo que, como veremos, no será así pues la mujer, en íntimo contacto con la naturaleza y sus ciclos, tiene muy claro que entre ellos figura como uno de los principales el de perpetuar la especie.

Con esta séptima película, de las que tan solo había una estrenada en nuestras pantallas, La boda de Tuya (Tuya de hun shi, 2007), el director chino Wang Quan’an se posiciona como uno de los más interesantes e innovadores realizadores actuales.

SINÓNIMOS (Synonymes, Nadav Lapid, 2019)

Francia/Israel. Duración: 123 min. Guion: Nadav Lapid, Haim Lapid Fotografía: Shai Goldman Productora: SBS Films / arte France Cinéma / Pie Films Género: Drama

Reparto: Tom Mercier, Quentin Dolmaire, Louise Chevillotte, Uria Hayik, Olivier Loustau, Yehuda Almagor, Gaya Von Schwarze, Gal Amitai, Idan Ashkenazi, Dolev Ohana, Liron Baranes, Erwan Ribard, Yawen Ribard, Iman Amara-Korba, Sébastien Robinet, Damien Carlet, Ron Bitterman, Naor Nachmani, Yahalom David, Herut Cohen, Valentine Carette, Catherine Dénécy, Léa Drucker, Christophe Paou
Sinopsis: En París, las cosas no comienzan bien para Yoav. Un joven israelí que llega a la capital francesa con grandes expectativas, decidido a deshacerse de su nacionalidad lo más rápido posible. Para él, ser israelí es como un tumor que debe ser extirpado. Convertirse en francés, por otra parte, simplemente significaría su salvación. Para borrar sus orígenes, Yoav primero decide no hablar una sola palabra de hebreo. El diccionario se convierte en su mejor compañero. Las visitas a la embajada israelí le molestan. Pero el proceso también tiene sus trampas. Y la joven pareja francesa de la que se hace amigo tiene algunas ideas bastante extrañas sobre cómo ayudarlo… Basándose en sus propias experiencias, el director Nadav Lapid explora los desafíos de tratar de empezar en un nuevo país.
Premios
2019: Festival de Berlín: Oso de Oro (mejor película) y Premio FIPRESCI
2019: Festival de Sevilla: Mejor dirección

El principal defecto de la última obra de Nadav Lapid es su duración. Cinta episódica, con el inconveniente de que no todos los fragmentos lucen al mismo nivel, rompe con la línea dramática tradicional sin dejar de ser un relato que va de un inicio a un desenlace cronológico, su presentación es impecable, pero su desarrollo es digresivo y se enreda en la manifestación de conceptos que se repiten y se repiten hasta caer en el exceso. Pese a su buen arranque, su intensidad va decayendo hasta llegar con muy poco gas a su desenlace.

Y es que Lapid vuelve a armarse con los mimbres de su experiencia personal y ello da fuerza a su relato, pero su dilación a la hora de cerrarlo hace que pierda fuelle y el entramado se tambalee hasta casi desmoronarse. Si no lo hace totalmente es por la conjunción de dos elementos, su planteamiento y, sobre todo, su actor protagonista, un debutante Tom Mercier. Porque parte de la propia experiencia de Lapid, el director declaró “Me tomé un avión y aparecí en París, sin ningún plan ni amigos ni parientes ni nada. Lo único que sabía era que quería morir como israelí y renacer como francés. Y me puse a aprender el idioma, obsesivamente. Leía diccionarios, iba por la calle diciendo palabras en francés, buscándole sinónimos a las palabras”, justo la idea central de Sinónimos, con dos imágenes muy poderosas. De una parte, la de querer morir a la identidad de origen para renacer a una nueva forma de expresión, un renacimiento de uno mismo. Y así, su protagonista, Yoav se queda desnudo como un recién nacido a su llegada a París, todo un símbolo de su nueva encarnación. De otra, está ese bucear en el idioma, recorriéndolo a la vez que se recorre la ciudad que lo habla. Uno de los mayores aciertos de puesta en escena es esa cámara dinámica que nos trae el apresurado andar del personaje, casi subjetiva, con la “mirada” puesta en el suelo que se pisa, plasmando el afán por deshacerse de lo viejo para adherirse lo nuevo. Esas son las dos ideas fuerza que sostienen la acción, su doble punto de partida que se resume en la necesidad de readueñarse del mundo y de uno mismo bajo una piel distinta.

Imágenes intensas que son reforzadas por la intensidad de Mercier. El debutante demuestra ser capaz de pasar de cero a cien en décimas de segundo sin arrugarse. Una actuación a la altura de lo que exige un personaje tan extremo como traumatizado, como lo es el de Yoav, la versión amargada del director, un joven que tras cumplir el servicio militar abandona su país, en viaje a una nada a la que deberá llenar de contenido. Él es, con mucho, lo mejor de la función. Porque es cierto que Lapid sabe lo que quiere, pero le pierde su ambición, querrá decir tantas cosas en su filme que las palabras quedarán difusas, lamentablemente difusas.

Sinónimos, que mereció ser reconocida con el Oso de oro en la pasada Berlinale, no puede ser despachada con juicios precipitados, despectivos y categóricos. No se nos antoja una película redonda, como venimos argumentando, pero nos deja imágenes poderosas y algunas ideas dignas de ser enmarcadas. Siendo la historia de un joven israelita traumatizado por su paso por el ejército, es importante destacar cómo la cinta es crítica con el país de origen, pero también son denunciadas las carencias del país de acogida. La Francia real topa con la que había imaginado Yoav, pues no cumple los ideales que predica. Yoav es como un azote para ambas patrias, él plasma la denuncia del autor. Si este es su lado combatiente, a Sinónimos no le faltan reflexiones más poéticas sobre el cuerpo y la palabra. Un concepto guía es que todos tenemos un cuerpo que es a la vez erótico y tanático, responde al intento de Lapid de crear películas en las cuales la muerte esté tan presente como el sexo, a cada instante. Pero si algo singulariza a Sinónimos dentro de la producción del israelita es la defensa del carácter fílmico de la palabra. Las palabras tienen sentido y también tienen música, por eso considera el autor que ha de ser un elemento fundamental dentro del hecho cinematográfico, un recurso que nunca debe faltar.

Excesiva. Es la palabra que mejor define a Sinónimos, quiere decirnos tantas cosas que al final su discurso se vuelve confuso casi hasta el rechazo. Sin embargo, una cosa hay que reconocerle a Lapid, es un autor con voz propia y con una poderosa impronta que convierte a su cine en personal e intransferible.

Categorías:VAMOS DE ESTRENO

Astiberri lanza su nueva colección de cómic infantil y juvenil

12 febrero 2020 Deja un comentario

El próximo mes de marzo Astiberri publicará el primer título de su nueva colección de cómic infantil y juvenil. A lo largo del 2020 publicaremos media docena de obras de autores y autoras nacionales e internacionales pensadas especialmente para primeros lectores.

Durante casi 20 años, Astiberri ha sido una editorial orientada al público adulto, aunque en nuestro catálogo siempre han sido bienvenidas obras como Bone, de Jeff SmithLuces nocturnas, de Lorena Alvarez, o Wáluk, de Ana Miralles y Emilio Ruiz. Con esta nueva colección queremos ampliar la familia y hacerle más hueco al público joven.

Igual que hemos hecho siempre, seguiremos apostando por obras de autores y autoras nacionales al mismo tiempo que importamos títulos internacionales.

Los primeros cuatro títulos de la colección se publicarán simultáneamente en castellano, euskera y catalán.

EL CÓMIC INFANTIL UNA TENDENCIA EN ALZA

Tener una colección infantil era nuestra asignatura pendiente”, afirma Fernando Tarancón, editor y cofundador de Astiberri, “y, aunque siempre nos ha parecido muy importante, hasta ahora no le habíamos dedicado toda la atención que queríamos”.

Marion Duc, editora de la colección, explica que con esta línea “queremos transmitir las sensaciones que tuvimos cuando aprendimos a leer con cómics para niños. Por eso, casi sin darnos cuenta, nos hemos centrado en los primeros lectores en esta etapa inicial. Queremos que los lectores crezcan junto con la colección”.

El pasado mes de diciembre, el diario El País publicaba el reportaje La explosión del cómic infantil, donde se mencionaba que casi un tercio de las lecturas de los niños y niñas de primaria y primer ciclo de la ESO son novelas gráficas. “En estos últimos años en que las pantallas colonizan el ocio, los chicos han descubierto la ambición que puede esconder un cómic”, señalaba la periodista Tereixa Constenla en el texto. También Antònia Justicia apuntaba en La Vanguardia que “la novela gráfica infantil y juvenil está en plena fase de expansión”.

La combinación de dibujos y texto que se encuentra en el cómic se percibe como algo más lúdico, facilita la comprensión y fomenta el hábito lector. También por esa misma razón, estimula la creatividad y anima a los niños y las niñas a escribir y dibujar sus propias historias. Por eso puede ser un aliado para acercar a los niños a los libros y educarlos en la afición de leer.

TODO COMIENZA CON ‘CLAUDIO Y MORINO 1. LA MALDICIÓN’

A finales de marzo de 2020 saldrá el primer título de la nueva colección infantil: Claudio y Morino 1. La maldición.

Este cómic, recomendado para lectores y lectoras a partir de los 6 años, cuenta la historia de un joven toro que quiere pasar unas vacaciones tranquilas, pero despierta sin querer a un esqueleto que no le deja en paz durante su viaje a la costa. Es un título sorprendente, divertido y tierno que continuará en un segundo tomo que saldrá a la venta en 2021.

Otros títulos

UXÍO (Abril 2020)

El autor y director de animación Martín Romero se llevó el primer Premio Castelao de cómic infantil con las historias de Uxío, un niño pelirrojo travieso y soñador. Con colores vivos pero dulces, con narraciones cortas y lúdicas Martín Romero nos transporta en el día a día del imaginativo niño.

TIGRESA CONTRA PESADILLA (Mayo 2020)

El monstruo de debajo de la cama de Tigresa es su mejor amigo. De hecho ella le lleva siempre parte de la cena cuando se va a jugar antes de dormir. Pero lo que mejor hace Monstruo es asustar, así que todas las noches se pone a trabajar: ¡Asustando las pesadillas de la cachorro!

AVNI 1 (Junio 2020)

Avni es un nuevo alumno de la escuela de Animalia. Y al llegar la primera mañana, sus compañeros no paran de preguntarse qué es… ¿Un ratón? ¿Un osito? ¡Ni siquiera se parece a sus padres! Pero, con sus poderes, ¡lo seguro es que Avni es un amigo estupendo!

Con ‘Esferas’ vuelve el mejor cómic de ciencia ficción

ESFERAS. CIENCIA FICCIÓN PARA VIAJEROS ESPACIALES.

NÚMERO UNO

Fanzine de ciencia ficción creado y editado por César Saga y Paco Limón.

Enero 2020, Cartoné, 30×21, blanco y negro. 40 págs.

Desde los tiempos en que el hombre primitivo contemplaba el cosmos en la infancia de la humanidad, la visión de las estrellas ha estimulado la imaginación colectiva de la especie. Los Dioses y las leyendas surgieron de ellas. Se podría decir que fueron el detonante de todos nuestros mitos y de todas nuestras historias.

Esos pequeños puntos de luz en la oscuridad nos daban esperanza. No todo estaba perdido. La luz iba ganando la batalla a la noche y nos arropaban cuando estábamos rodeados por las tinieblas.

Hay quien no se siente arrebatado viendo un cielo nocturno y prefiere mirar el suelo y sus propios pies. Lo entendemos.

Pero este fanzine no es para ellos.

Con esta declaración de principios nacía la página de Facebook, Esferas 77, con la que los futuros editores de este cómic mostraban la filosofía y los avances que han llevado, finalmente, a esta primera entrega de Esferas, el cómic de ciencia ficción para viajeros espaciales.

Hacía tiempo que el cómic de ciencia ficción había abandonado a sus lectores tras estar, más o menos presente en los quioscos de manera continuada desde los años cincuenta. De Diego Valor a las aventuras y desventuras camp ilustradas por Boixcar en los años cincuenta; pasando por Dani Futuro de Carlos Giménez y Víctor Mora; hasta, hermanados con el terror, en las ediciones de españolas de Warren (Vampus, Rufus, Vampirella y Dossier Negro), la ciencia ficción gozó de buena salud y estuvo siempre presente en el mercado español, tanto como hemos visto, en forma de cómic, como en novela popular y publicaciones especializadas, caso de la mítica Nueva Dimensión. Pero volviendo al cómic de ciencia ficción, sus años dorados fueron los protagonizados por 1984, publicación que, editada por Toutain, llegó a los quioscos de 1978 a 1984, alcanzando los 64 números y que tuvo continuidad con Zona 84, que alcanzó los 96 números en 1992, año que marca su cierre y con él la decadencia y el fin del cómic de ciencia ficción en España.

Hasta ahora.

Y decimos hasta ahora porque ha llegado Esferas, una publicación abordada como fanzine pero con aspecto y contenido profesional. Cuatro historias componen el primer número, y todas ellas guardan cierto hilo en común, algo de lo que se han beneficiado al estar guionizadas por el mismo autor, Paco Limón, todo lo cual no significa que se trate de historias similares, muy al  contrario, son historias con un tono bien diferenciado, ilustradas por distintos dibujantes pero conectadas entre sí mediante esferas: cada esfera es un mundo y cada mundo tiene su historia.

Visitaremos universos muy parecidos al nuestro, como el protagonizado por el relato apocalíptico Obituario, dibujado por la detallista ilustradora argentina Carina Altonaga; o el del atípico relato de fantasmas Estática, realizado por Pedro Villarejo, autor de Los fabulosos Teikerman (¡Caramba!, 2012); o en el que se sitúa Doctor Sydon, que cuenta con dibujos del almeriense Claudio Sánchez Viveros y que es el único que tendrá continuidad en un próximo número. Pero también tendremos mundos habitados por otras especies evolucionadas,  como sucede en Errantes ilustrado por el cubano Ermitis Blanco, que además es director de cortos de animación.

Todo ello en una publicación editada a todo lujo, con una estupenda portada de María Ayuso Esteban y una calidad de papel y de impresión muy por encima de lo habitual y en la que destacan los guiones de Paco Limón, también cineasta, que recientemente ha presentado su excelente documental Sesión salvaje, dirigido junto a Julio César Sánchez y del que ya les hemos hablado aquí.

Tan solo queda desear larga vida a Esferas, de la que Serendipia se declara, desde ya, entusiasta seguidor.

Pedidos: Esfera 77

 

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