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Entrevista a Tony Jiménez: “Amo el terror escrito gracias a King, y escribo terror gracias a King”.

28 septiembre 2016 Deja un comentario

Ya les hemos explicado cuanto nos ha agradado el libro que Tony Jiménez ha escrito (y Applehead Team ha editado) dedicado a la vida y, sobre todo obra, de Stephen King. El maestro de la narrativa terrorífica ha dejado huella en varias generaciones de lectores, de tal forma que muchos hemos tenido nuestra etapa King. Así que es todo un gozo repasar aquellos primeros terrores junto Tony en su libro. Pero, tan bien nos ha caído este escritor que hemos  querido hablar con él, saber más de su experiencia con el escritor de Portlan (Maine) y con el mundo de la escritura en general, así que Proyecto Naschy se enorgullece de presentarles a Tony Jiménez.

10847078_839796209395067_602640252_nTony Jiménez (Málaga, 1984). Comenzó a sentir la fiebre de la escritura muy joven, y desde entonces no ha parado de crear historias. Ganador y finalista de varios certámenes, seleccionador de compilaciones de relatos y jurado, ha participado en numerosas antologías como Antología Z: Volumen 4: Zombimaquia, Calabazas en el Trastero: Empresas, Pasos en la oscuridad, Epic. Antología de fantasía épica, Avengers: Poder absoluto, Body Shots, Historia se escribe con Z, Dejen morir antes de entrar, El viejo terrible y otros cuentos inquietantes, Invasores de mundos: Crónicas del Cosmos Vol. I, Los crímenes de la rue Morgue y más cuentos inquietantes, El idioma del miedo, ¡Zombifícalo!, Dimensión B, Imaginaria, Esta noche conectaremos con el infierno, Demonalia, Los papeles perdidos de Stephen King, Una utopía, por favor, Supermalia, El monasterio de Santa Dunia y La cosecha del arco iris entre otras. Es también autor de las antologías Actos de Venganza y Actos de Venganza: Edición definitiva, del ensayo Here´s Johnny! Las pesadillas de Stephen King, además de las novelas de terror Cinco tumbas sin lápida, Drácula vs. la momia: Batalla por Chicago, El que se esconde y Tormenta Sangrienta, resultando ésta última ganadora del Premio Ultratumba al Mejor Libro y finalista del premio Nocte a Mejor Novela Nacional en 2015.

 

Ante todo cómo entra Stephen King en tu vida y que influencia supone para ti

Stephen King entró en mi vida mucho antes de saber quién era Stephen King. Al ser hijo de los 80, me críe con numerosas películas de terror de aquella época, así que no sólo cayó alguna basada en las obras del de Maine, sino varias, formando automáticamente muchas de ellas parte de mi lista de cine de terror predilecto. Fue entre los 10-11 años que, ya como ávido lector de terror, me sumergí en las maravillosas páginas de los trabajos del Rey, concretamente con “Misery”. Resultó una experiencia embriagadora, transformando mi mundo como lector de terror y fantástico, no limitado precisamente, pero sí falto del autor que me llenara por completo, que no sólo consiguiera que me gustase ese tipo de literatura, sino que la amase. Stephen King lo logró. Era evidente que estaba esperándolo a él.

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Misery (1987) Primera edición americana

Llegados a este punto, imagínate la influencia que tiene en mí no sólo como lector, sino como autor. No es extraño que cada nuevo libro que escribo y publico, ya sea una novela o una antología, lleve un poco de él, a veces más y a veces menos, pero siempre hay del de Maine en ellos, y nunca verás que lo niegue, al contrario, me siento muy orgulloso de ser un Little King, un hijo de King. Precisamente, “Cinco tumbas sin lápida”, mi primera novela, era todo un homenaje al Rey de principio a fin, incluido el escritor bloqueado en un pueblo maldito. Si como lector King consiguió que amara la literatura de terror, como escritor hace que quiera provocar las mismas sensaciones en el lector que él, tratando de tocar todos los aspectos posibles del terror, el horror, el miedo y la psicología del ser humano, por luminosa u oscura que resulte. Amo el terror escrito gracias a King, y escribo terror gracias a King. ¿Existe mayor influencia que esa?

¿Piensas que a Stephen King se le toma peyorativamente como un escritor de best sellers?

No sólo es que lo piense, es que está más que demostrado, lamentablemente. A King siempre se le ha tomado poco en serio por eso de escribir terror, y cuando intentaba ir más allá ha provocado risas por parte de los críticos, por no hablar de que su consideración de escritor de best sellers siempre lo ha colocado en una posición sencilla para ser vilipendiado por todo aquel que piensa que cuando un artista vende mucho es que debe ser malo… ¡Cuando tendríamos que pensar todo lo contrario! Afortunadamente, con los años, el estatus de King ha cambiado bastante al respecto, y aunque es cierto que todavía existen críticos a su bibliografía (¿cuántos se meten con sus finales cuando tiene más de los buenos que de los malos?), son muchos los que se han quedado en el camino tras demostrar King que es un autor bastante más serio que lo que parecía en los 80, cuando todos los que lo despreciaban lo hacían porque, según ellos, sólo creaba historias truculentas, de monstruos, asesinos en serie y mucha sangre. “El pasillo de la muerte”, “Dolores Claiborne”, “Las cuatro estaciones” y “Misery”, entre muchos otros títulos, son algunos de los mejores ejemplos que ha ido dando el de Maine sobre su soltura a la hora de tratar temas que la crítica especializada (si es que existe eso) considera más serios que los vampiros, los fantasmas, los coches vivientes o los payasos devoradores de niños. Y no sólo es que King nos haya hablado acerca de la violencia machista, los malos tratos, la vejez o el paso de la adolescencia a la adultez, sino que lo ha hecho (y lo hace) con una maestría envidiable.

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En las reseñas que has realizado echo de menos un ingrediente que recuerdo bastante bien en la obra del escritor: el sexo.

Muy buen detalle el que me sacas, sin ánimo de peloteo, y completamente cierto, porque King es bastante “calentorro” a la hora de colocar escenas de sexo en sus novelas, ninguna de ellas forzada, y sí, pienso también en aquella tan controvertida de “It (Eso)” que no comentaré aquí para no reventar spoilers a quienes no se la hayan leído aún. A mi favor debo apuntar a que todavía queda por salir el segundo volumen del ensayo, y ahí puedo asegurarte que sí que habrá alguna mención a este tipo de escenas, aunque nada del otro mundo, porque si me tuviera que parar a analizarlas también tendría que hacerlo con, por ejemplo, las más sangrientas, y considero que a no ser que sean de vital importancia para la obra que se analice no conviene recrearse demasiado en ellas y sí en otros aspectos de tal o cual libro. También para evitar spoilers como decía antes, claro. Pero es cierto, en el primer volumen paso muy de puntillas sobre ellas, algo que no ocurre en el segundo. Lo prometo.

¿Eres consciente de que algunos comentarios sobre películas no coinciden con la opinión mayoritaria de algunos elementos que se niegan en ver virtudes en los remakes?

Si me permites, debo señalar que es otra gran pregunta ésta que me haces, y además bastante curiosa, en especial porque una de las reseñas más controvertidas que se han hecho sobre el primer volumen del ensayo señalaba que era demasiado conformista y amable con la mayoría de las novelas de King, e incluso con sus películas. Lo curioso es que, como dices, hay cosas donde prefiero las nuevas versiones cinematográficas de algunos de los libros que a las clásicas, lo que, sin duda, no coincide con la opinión mayoritaria de lectores constantes. En pocas palabras, con esos títulos me podría haber ido a lo fácil, mentir en cuanto a mi opinión personal y quedar bien, pero al final, mira, he decidido arriesgarme.

Centrándome más en la pregunta, sí, soy consciente de que hay elecciones que levantarán muchas ampollas a pesar de que deje claro que no es más que mi opinión, tan personal como subjetiva. Prefiero la nueva versión cinematográfica de “El misterio de Salem´s Lot” a la que hizo Tobe Hooper con ese nosferatu sacado directamente de los chinos, y hay escenas de la nueva versión de “Carrie” que me parecen mejor conseguidas aunque sea por el adelanto en los efectos especiales. Al César lo que es del César, hay adaptaciones que vi ya teniendo una edad, por lo que poco pudieron sorprenderme como sí hicieron con quienes las disfrutaron nada más estrenarse. Y al mismo tiempo creo que hay que admitir que hay clásicas películas King que han envejecido muy, muy mal.

En cuanto a los remakes, reconozco que es un tema que me apasiona, y que daría para un sinnúmero de entrevistas. Creo que existen demasiados prejuicios al respecto, en especial cuando hay remakes que son clásicos del cine como “El precio del poder” y “El cabo del miedo”, e incluso Alfred Hitchcock hacía remakes, por no hablar de John Carpenter. La gente protesta por los remakes porque resulta que un remake indica la falta de ideas de Hollywood. ¿Alguien considera a Hitchcock y a Carpenter personas faltas de ideas originales? Y peor es el argumento de que todos los remakes son malos. Que conste que no defiendo los remakes sistemáticamente, pero igual que los hay malos los hay buenos. No son un género en sí mismo, sino un tipo de películas que sacan los estudios, ni más ni menos. Hay espectadores que hablan de los remakes como si les hubieran violado a un familiar, o algo así.

Con respecto a King, deberíamos hablar de nuevas adaptaciones, en especial cuando las nuevas versiones se fijan más en el material original que en las películas ya hechas. Por ejemplo, ahí tenemos la miniserie televisiva de “El resplandor”, que dirigió Mick Garris, gran amigo de King, y donde el de Maine pudo meter mano para que se respetara su libro, cosa que Kubrick apenas hizo con su versión, y eso que luego le salió una de las mejores películas de terror de la historia. Con la nueva adaptación de “It (Eso)” se están basando más en el libro que en la miniserie televisiva. En cambio, la última de “Carrie” sí que está más cerca del remake, y aun así posee aspectos muy, muy interesantes.

¿Has tenido que volver a leer la biblioteca completa del autor para volver a introducirte en su universo?

1512855_811367752212098_921467656_nReconozco que no. Algún que otro libro he tenido que repasarlo, porque hacía bastante tiempo desde mis primeras lecturas y, lo admito, también para releerlo por puras ganas de hacerlo… ¡Que nadie me culpe! Ya de paso aprovechaba, ¿no? Por supuesto, no me olvido de los títulos nuevos, que esos sí que he tenido que catarlos por primera vez para tenerlos listos para el ensayo. Pero, en general, son pocos los que he tenido que leer, sobre todo los que ya llevaba años sin abrir. He releído tantas veces la bibliografía entera del de Maine que casi ni me hizo falta repasarla.

Dinos tus obras favoritas de King (aunque ya las nombras en el libro y coincido contigo: It, Cementerio de Animales y El misterio de Salem’s Lot -si no has cambiado de opinión-) y qué tienen para que lo sean.

Normalmente, cuando me hacen esta pregunta digo cinco, porque es cierto que las tres primeras es raro que varíen, y sí, son esas: “It (Eso)”, “Cementerio de animales” y “El misterio de Salem´s Lot”. Las dos que faltarían en mi lista principal cambian según el día, y suelen ser “Apocalipsis”, “La Torre Oscura”, “Christine”, “El resplandor”, “La mitad oscura”… No varío mucho entre ellas, pero me cuesta decidirme para finalizar el top five. Pero estamos hablando de King, ¡qué complicado es elegir sus mejores obras con la extensa bibliografía que tiene! Y más teniendo en cuenta que su etapa de los 70-80 es soberbia.

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    It (1986) Primera edición americana

En cuanto a lo que tienen esos títulos para que sean mis favoritos, me detendré sólo en los tres primeros, en los que me alegra mucho coincidir contigo, por cierto. Empezando de atrás adelante, “El misterio de Salem´s Lot”  me parece que contiene todos los buenos ingredientes que asociamos a la literatura de King, es decir, un escritor como protagonista, un pueblo maldito lleno de secretos, un escenario maligno en dicha localidad, una mezcla del mal humano con el mal sobrenatural en forma de vampiros en este caso, una estupenda cantidad de secundarios tan bien construidos como el protagonista y una crítica hacia las pequeñas comunidades norteamericanas. “Cementerio de animales” no se distancia demasiado de lo que he comentado acerca de “El misterio de Salem´s Lot”, sólo que introduce una carga de terror todavía más fuerte, siendo uno de los trabajos más pesadillescos de King, capaz de conseguir que lo leamos con la luz encendida, y aun así estemos mirando hacia atrás continuamente por miedo a que alguna de las criaturas del libro nos aceche. De “It (Eso)” no podría hablar de forma demasiado diferente, añadiendo que es todo lo que significa Stephen King, por dentro y por fuera, su imaginación al completo hecha libro, su universo entero transmutado en más de mil páginas de terror. “It (Eso)”, para mí, no es sólo la novela de terror definitiva, sino la obra definitiva de Stephen King, un título que significa pasear por la mente del escritor sin ninguna censura, acompañando a los Perdedores en su escalofriante enfrentamiento contra la criatura a la que conocen como Pennywise, la suma de todos los miedos del ser humano. Y sí, también contamos en la novela con un escritor de terror y un pueblo tan lleno de secretos como de horror. “It (Eso)” es el alma de Stephen King. ¿Cómo podría no ser mi obra favorita del maestro?

¿Para cuando la segunda entrega del libro sobre King? Y, por cierto, ¿a qué se debe el título Here´s Johnny!?

Si todo va bien y los retoques que le estoy dando no fallan, debería salir para finales de este 2016, es decir, para diciembre… ¡King para los Reyes Magos! Me ahorraré los juegos de palabras al respecto. Sin embargo, hay que tener precaución con todos estos temas editoriales, porque cualquier pequeño problema puede suponer un retraso de un par de meses como mínimo, pero en principio queremos que salga para diciembre de 2016, sí.

En cuanto al título, fue sugerencia de uno de los editores, y enlaza con la frase que suelta el Jack Torrance de Jack Nicholson en la famosa escena del hacha en “El resplandor” de Stanley Kubrick. Lo cierto es que la frase viene a su vez del programa de Johnny Carson, muy conocido en Estados Unidos; era el modo en el que se presentaba al propio Johnny. Here´s Johnny!!!!!!!! Uno de los editores de Applehead Team Creaciones pensó que sería un buen guiño que, además, lo diferenciaría de ensayos anteriores sobre la figura de King.

¿Qué autores de ficción modernos estarían en tu top personal?

Si me permites, voy a dividir esta respuesta en dos, para así poder hablar tanto de autores internacionales como de nacionales, lo cual creo justo en estos tiempos en los que vivimos un resurgir de la literatura fantástica y de terror bastante fuerte en nuestro país.

Clive Barker, Dean Koontz y Ramsey Campbell me parecen nombres que no pueden faltar en la lista del buen lector de terror y fantástico, al menos si hablamos de autores modernos, por supuesto. Y no se me olvida Joe Hill, nada más y nada menos que uno de los hijos de Stephen King, quien no tiene el bagaje de los mencionados, pero sí toda su calidad, como bien demuestran obras como “Fantasmas”, “El traje del muerto” y “Cuernos”. Atentos a Hill, porque fácilmente va a pasar del Príncipe del Terror a ser el nuevo Rey del género, sustituyendo a su padre. Y no exagero, no.

En cuanto al ámbito nacional, y espero que no se me olvide ninguno de los de mi top personal, y si es así que me perdonen, tenemos nombres tan interesantes como los de Miguel Córdoba, Israel Moreno, Toni R. Pons, Allan J. Arcal, Javier Herce, Miguel Aguerralde, Elio Quiroga, Víctor Conde, Cristian Blanco, Alicia Sánchez, Antonio Sánchez Vázquez… No se puede decir que en España no tengamos donde elegir a la hora de leer buen género.

Cuéntanos ¿Cómo ves el mercado literario español? ¿Qué opinión te merecen estas pequeñas editoriales que están saliendo por las facilidades de la impresión digital? ¿Qué tal te han tratado en Applehead Team Creaciones? ¿Han aportado sugerencias para tu ensayo?

batallaporchicagoportada_zps6d91b05dEl mercado literario español lo veo complicado, aunque reconozco que siempre soy de los que usan el optimismo como arma, no en clave de “podríamos estar peor”, pero sí en el hecho de que se están dando pasos correctos para que podamos estar mucho mejor. Eso sí, es un camino que se recorre muy despacio, quizá demasiado para lo rápido que vamos cuando surgen los escollos. Esta crisis que nos ha tocado sufrir, y que precisamente estamos pagando quienes menos culpa tenemos, nos está afectando en todos los ámbitos, y el mercado literario no es una excepción. Se dice que cada vez leemos menos, y a pesar de que salen numerosas encuestas que puede confirmar estas palabras, yo creo que los lectores son cada vez más fieles, y que hay que buscar a los nuevos que sustituyan a los que ni siquiera se han acercado habitualmente a los libros. ¿Qué veo mal? Los escritores y editores siguen cobrando muy poco para el trabajo que tienen entre manos, demasiadas buenas librerías cierran, la publicidad se queda siempre para las grandes editoriales y los autores ya bien posicionados… Pero insisto, soy de los que ven el vaso medio lleno, y cada día surgen nuevas editoriales con ganas de hacer las cosas bien y acertar donde las de siempre fallan, cada día surgen nuevos autores con ganas de renovar el mundillo literario y cada día el terror y el fantástico, géneros habitualmente minoritarios, se hacen más hueco en este difícil mercado.

En cuanto a mi opinión sobre las pequeñas editoriales, reconozco que soy muy, muy, muy fan de ellas. No es casualidad que con eqse1-211x300todas las que he publicado sean pequeñas o medianas, editoriales recién nacidas con las que ir creciendo como autor mientras ellas lo hacen a su vez como editoriales. Me parece una estupenda forma de aprender y evolucionar como escritor, al mismo tiempo que lo hacen los editores con los que uno trabaja. Sería ingenuo obviar que tienen sus puntos flacos, como por ejemplo, no poder llegar tan lejos como las editoriales grandes, pero igual que tienen sus puntos débiles también tienen muchos fuertes, como por ejemplo, menos miedo a la hora de apostar por nuevos autores y géneros considerados minoritarios, lo cual tiene gracia, porque los movimientos de las editoriales pequeñas deben hacerse con más cuidado porque que funcionen o no un par de títulos puede ser la diferencia entre cerrar o continuar publicando, un handicap con el que no cuentan las editoriales grandes. Las editoriales pequeñas llevan abriendo camino de un tiempo a esta parte. ¿Habría boom zombi en la literatura española de no haber sido por la apuesta de Dolmen? Permíteme que lo dude bastante. Las editoriales grandes, con todo su derecho por supuesto, apuestan por lo que saben que va a funcionar, mientras que las pequeñas abren camino, precisamente para que luego estas editoriales mayores puedan recoger algunos de sus éxitos y hacerlos más grandes todavía. Si tuviera que señalar más puntos fuertes de las editoriales pequeñas está, por supuesto, el trato que dispensan, mucho más familiar, cercano y personal con sus autores que las editoriales grandes. Más que ser dos mundos diferentes son las dos caras de una misma moneda.

tormenta-sangrientaEl trato por parte de Applehead Team Creaciones siempre ha sido excepcional. No tengo ninguna queja (y quienes me conocen saben que no soy famoso precisamente por morderme la lengua) de las tres editoriales con las que trabajo actualmente, es decir, Applehead Team Creaciones, El Transbordador y Dilatando Mentes, todo lo contrario, los halagos serían tantos que deberíamos dedicar dos entrevistas enteras a ellos. Con los manzanitos de Málaga, como llamo yo a los chicos de Applehead Team Creaciones, mi relación es de amistad incluso antes de publicarme, ya que Emilio Díez y yo, uno de los editores, nos conocíamos previamente. Él fue el que me invitó a formar parte de la editorial en calidad de autor, fueron ellos los que creyeron en proyectos como la extensa novela “Tormenta Sangrienta” y la reedición de “Actos de Venganza”. Mientras me sigan aguantando, seguiré colaborando con ellos en todo lo que pueda y quieran. Hay más que una relación profesional ahí, como me gusta mantener con los editores con los que suelo trabajar de forma cercana. Y sí que ofrecieron sugerencias para con el ensayo, en especial con el título, como he mencionado antes, aunque no muchas más. Me han dejado mucha libertad a la hora de escribirlo, lo cual es de agradecer. Eso sí, con las fotografías han sido mucho más estrictos.

Recomiéndanos un libro y una película.

Pues por un lado voy a intentar ser original, y por otro voy a ser tremendamente predecible, ja, ja, ja.

¿Un libro? “Ciudad de Heridas” de Miguel Córdoba, editada por El Transbordador. Atentos a este autor porque va a ser uno de los grandes de la literatura fantástica de nuestro país. Si os gusta King, Clive Barker, el surrealismo, la obra “Los Cantos de Maldoror”, la ciencia-ficción y la metaliteratura, debéis leer su primera novela sí o sí. Yo lo considero el Clive Barker español, así que creo que eso lo dice todo.

¿Una película? “Alien, el octavo pasajero”, uno de mis títulos fílmicos favoritos de todos los tiempos, y la que me parece una de las mejores cintas de terror de la historia, compitiendo de cerca con “El Exorcista” y “La Cosa”. Me parece una obra maestra, un gran ejemplo de cómo hacer buen cine más allá de su género y una historia terrorífica de principio a fin. Imprescindible para todo fan del fantástico y del terror, en especial, si te quieres dedicar a cualquier disciplina artística sobre el tema, sea escribir, dirigir…

Y finalmente, añade lo que quieras.

Pues ya que estamos hablando de “Las pesadillas de Stephen King”, voy a aprovechar para recomendar el libro desde aquí, aunque se me hace complicado hablar bien de él, ya que es algo que deberían hacer los lectores, no yo. Pero por probar no se pierde nada, ¿verdad? Tenéis aquí el primer ensayo en castellano sobre el de Maine completo al cien por cien, un volumen que creo disfrutarán tanto los lectores constantes de toda la vida como los recién llegados al universo del Rey. Es un título tan actualizado, trabajado y completo que hemos necesito dos volúmenes para meterlo todo, así que no os dejéis engañar por esos tomos unitarios donde supuestamente viene todo lo que se debe saber acerca de Stephen King, porque la información que se necesita para ello bien ocupa las mil páginas, así que cuidado con que os la cuelen. Curiosidades, análisis de todos los libros, anécdotas vitales, Richard Bachman sin secretos, colaboradores frikings de primera, Joe Hill, críticas de todas las adaptaciones audiovisuales, menciones a las obras no terminadas… “Las pesadillas de Stephen King” es TODO Stephen King. De verdad de la buena. ¿Os atreveréis a comprobarlo?

Un buen consejo: atreveos, porque os puedo garantizar que no os arrepentiréis. 

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Las lecturas de Serendipia: ‘Here’s Johnny! Las pesadillas de Stephen King’

28 septiembre 2016 Deja un comentario

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HERE’S JOHNNY! LAS PESADILLAS DE STEPHEN KING Vol. 1 (1974-1989)

Tony Jiménez (Tapa blanda, 366 páginas -con fotos en blanco y negro-, Applehead Team Creaciones)

Quien más quien menos se ha iniciado en esto de la literatura fantástica y de terror de la mano de Stephen King. En mi caso me inicié con Poe, pero no tardé en saltar a King gracias a un amigo que se compraba sus novelas conforme se publicaban, introduciendo al escritor de Portlan en mi imaginario literario junto a cómics, cine, música y el más desaforado onanismo. Así devoré en el momento de su publicación obras como La danza de la muerte, El fugitivo, Las cuatro estaciones, El ciclo del hombre lobo, que juntaba a King con uno de mis ilustradores favoritos, Bernie Wrightson, y sobre todo It y El cementerio de animales, entre muchas otras novelas anteriores y posteriores. Luego vino mi etapa Lovecraft y como que fui dejando de lado al de Portlan, vaya usted a saber porqué. Aunque eso no significa que no le echara un ojo de vez en cuando, por supuesto. Quien sabe, puede que el motivo de que no volviera a abrir uno de sus libros fuera la convicción de que, en caso de hacerlo, otra vez caería bajo el influjo del escritor y sería incapaz de soltarlo hasta que no lo terminara, junto con el resto de su obra. Todo un acto de posesión.

HERES-JOHNNY-VOL-1-PORTADAEl caso es que  Here’s Johnny! Las pesadillas de Stephen King personalmente me llega en un momento en el que me apetece recordar aquellas lecturas y aquellas películas. Digo recordar porque este primer tomo (de dos) repasa gran parte de lo que he tenido el placer de leer y ver en relación con Stephen King que es,  no nos engañemos, lo mejor de su producción: desde Carrie a La mitad oscura. Quince años en la carrera de este prolífico escritor que representan hablar de 28 libros y un buen número de películas basadas en ellos y en su particular universo. Y todo esto nos llega, en mi opinión, de la mejor forma posible. De la mano de un escritor, Tony Jiménez,  al que no tengo el placer de conocer, pero que demuestra pasión por el cine. Pero que sobre todo es escritor de ficción, especialmente de terror, así que sabe de lo que habla, dándonos un buen punto de vista sobre la obra del Rey y sobre el arte y los resorte necesarios para dar miedo mediante la escritura. Gran admirador de la obra del de Portlan, ya desde el principio Tony Jiménez nos trata de tú a tú. En tono cercano. Sabedor de que está hablando con alguien que, como él, ama la obra del escritor americano. De fan a fan. Derrochando pasión y como todo buen escritor, contagiando las ganas de volver a sumergirse en la lectura de aquel libro que tanto te atrapó o probar a leer alguno pendiente. De meterse de nuevo en aquellas envolventes tramas y acompañar a aquellos personajes que llegaban a convertirse casi en amigos junto a los que sufrías los peligros que King les/nos tenía preparados. Tony nos descubre cosas que no conocíamos: se adentra en la biografía del autor y nos rebela sorprendentes conexiones entre algunas obras del escritor; sus problemas con las drogas y el alcohol; su opinión sobre las adaptaciones cinematográficas; los proyectos no publicados; las adaptaciones que no pudieron ser. Y todo ello sin recurrir a ese mal endémico de nuestro tiempo que es la nostalgia. Tony, (y permítanme que le tuteé, pues después de leer este libro uno parece que conozca al autor, pues hay mucho de él en esas páginas), escribe las reseñas de las películas de modo realista, sin que los recuerdos de la infancia le hagan ver obras de arte donde tan solo hay resultones telefilmes y algunos de ellos, por cierto, bastante perjudicados por el paso del tiempo. Y eso resulta refrescante, aunque sin duda le supondrán alguna colleja virtual de la mano de esa parte cenutria del fandom que no quiere ver lo evidente: que no todo lo de antes era magnífico y no todo lo de ahora es basura.

Estemos o no de acuerdo con su opinión, la sinceridad que destilan las páginas de este libro nos agrada mucho. Resulta muy agradable. Así Here’s Johnny! Las pesadillas de Stephen King ha sido, para el que todo esto les cuenta, como un reencuentro con un viejo amigo al que hacía tiempo que no veía, pero al que de vez en cuando recordaba con cariño. Y encontrarlo bien, gozando de buena salud. Y aunque es inevitable recordar con él algunas de nuestras antiguas batallitas, como nuestro viaje lisérgico a cierto cementerio de animales con la novela de King todavía caliente en nuestra memoria, es magnífico encontrarlo renovado, liberado y con ganas de mirar hacia adelante. Yo, por mi parte estoy deseando leer esa segunda parte. Saber qué pasó después de que dejáramos de vernos y ¿por qué no? echar un vistazo a lo nuevo que durante mi ausencia ha ofrecido King al público, un escritor peyorativamente definido como hacedor de Best Sellers pero en mi opinión todo un creador de un universo personal, que sabe tocar en la fibra de los lectores de literatura fantástica de todo el mundo.  Pero eso será cuando llegue esa segunda parte que Tony está ultimando y que, al menos este que esto les cuenta, ando ya impacientemente esperando. Por cierto, si se han quedado con ganas de conocer más a fondo la obra y motivación de Tony Jiménez, aquí, les ofrecemos una extensa e interesante entrevista.

Concretando: Bien por el trabajo de Tony Jiménez y también por el de Applehead Team, que si lanzar libros en estos tiempos puede definirse como acto heroico, más aún lo es si se trata de ofrecer una obra en dos tomos.

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http://appleheadteam.com/

 

 

Presentación en Madrid y Barcelona de ‘Deshacer las Américas’ de Hernán Migoya

27 septiembre 2016 Deja un comentario

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Hernán Migoya, el autor de Todas putas y Quítame tus sucias manos de encima, presenta su última novela el próximo 8 de octubre en Madrid y el 20 de octubre en Barcelona. Escrita como una novela libertina moderna, Deshacer las Américas es un viaje hacia la deconstrucción del hombre contemporáneo y una obra imprescindible y provocadora, de un alto voltaje carnal.

 

portada_americaMadrid, 8 de octubre, 19:30 h
Conducida por Elvira Lindo
Librería Lé. Paseo de la Castellana, 154
28046 Madrid

Barcelona, 20 de octubre, 19 h
Conducida por Víctor Amela y Llucia Ramis
La Central del Raval. Calle de Elisabets, 6
08001 Barcelona

 

Sinopsis
Destrozado por el fracaso de una relación sentimental, un torturado escritor llamado H abandona España y se instala en un destino sudamericano donde reina el nivel exacto de anarquía necesario para pasar los días acorde con su sentido dionisíaco y crápula de la vida. Desde su llegada, utiliza las redes sociales para conocer y acostarse con decenas de mujeres. Seducir muchachas latinas impresionables y despreciadas por el machismo local es su principal actividad en una América donde se siente como pez en el agua.

Erigido en una suerte de D. H. Lawrence español, el protagonista decide buscarse a sí mismo en un viaje sin retorno que le llevará a extraviarse en un paraíso perdido. Vacío y hastiado de manipular psiques femeninas, H llevará su huida hacia adelante hasta las últimas consecuencias…

Biografía del autor
hernan_migoyaHernán Migoya (Ponferrada, 1971) es escritor, guionista de cómics, periodista y director de cine. Posee una de las carreras más originales y corrosivas del panorama artístico español. Tras su sonado debut literario hace diez años con Todas putas, escribió la novela a todo color Observamos cómo cae Octavio, muy bien acogida por la crítica; Quítame tus sucias manos de encima, trepidante aventura inspirada en sus años vividos en el Perú; Una, grande y zombi, hilarante y terrorífica visión de la crisis española; y su segundo libro de cuentos satíricos, Putas es poco. Como guionista de cómics, es autor de más de una veintena de álbumes y novelas gráficas de éxito. Entre otros, ha obtenido el premio al mejor guion del Salón Internacional del Cómic de Barcelona y su obra ha sido editada en Estados Unidos, Francia y Alemania. Es el único guionista español que ha publicado en las míticas revistas estadounidenses Heavy Metal y Mome. También ha sido director de la legendaria revista El Víbora. Como periodista, ha colaborado con numerosos medios de la prensa española, como El Mundo, Rock de Lux, Primera Línea, etc. Como director de cine, ha dirigido el filme ¡Soy un pepele!, y fue el primer profesional del sector en atreverse a denunciar públicamente las estafas cometidas por algunos productores al falible sistema de subvenciones del Ministerio de Cultura.

Sobre la obra
Deshacer las Américas nos ofrece una interesante miscelánea de un continente alejado de toda protección estatal, una tierra de oportunidades y un espejo que puede transformar a un europeo engreído en otra persona.

Esta novela de ficción pone de manifiesto el talento directo y desacomplejado de un autor de principios irreductibles, un escritor que se crece en su propio sarcasmo y saca lo mejor de sí mismo como ariete contra tabús e hipocresías.

Título: Deshacer las Américas
Autor: Hernán Migoya
Editorial Hermenaute. Colección Atenea (Panorama narrativa)
Encuadernación: Rústica con solapas
ISBN: 978-84-944902-4-8
Páginas: 234
PVP: 17,00 euros
Fecha de publicación: 29 de septiembre de 2016

Más información y entrevistas:
http://www.hermenaute.com

Sobre Editorial Hermenaute
Hermenaute es una editorial fundada y dirigida por el escritor, editor y articulista Lluís Rueda en 2015. Ideada como una editorial independiente con sede en Badalona (Barcelona), nuestra línea de trabajo está comprometida con la búsqueda de obras singulares y atractivas. A través de géneros populares nuestra vocación es proponer autores que aportan matices nuevos al panorama literario de la Península y la búsqueda de obras inéditas en el panorama internacional.

Novedades Vial: Maestros tullidos de Karate y monstruos imposibles con dos cabezas

27 septiembre 2016 Deja un comentario

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LOS MAESTROS TULLIDOS (Tian Kan di Que, Joe Law, Hong-Kong/Taiwan, 1979)

el lisiado-maestros-frontal¡Un film mítico de artes marciales, por primera vez en España!

¡Donde no llegó El luchador manco llegan… Los maestros tullidos!

Dos luchadores de kung-fu, Lee Ho y Chan Tsu Chang, son traicionados y ajusticiados por su líder, el sádico Li Chen Kung. Al primero le cortan los brazos, y al segundo le inutilizan las piernas con ácido. Ambos consiguen sobrevivir, y son acogidos por un viejo maestro que los entrenará con el objetivo de vengarse del sanguinario villano. Uno de los fenómenos del cine de artes marciales de los 70, LOS MAESTROS TULLIDOS fue uno de los títulos favoritos de toda una generación de estadounidenses que asistían a las delirantes proyecciones ‘grindhouse’ en la calle 42 de Nueva York. Un film mítico en su género que, incomprensiblemente, nunca llegó a España, algo que remedia la presente edición.

Audio: V.O. Inglés 2.0 | Subtítulos: Castellano | Imagen DVD: 1.85:1 – 16/9 | Duración: 83 min aprox. / Extras: Tráilers, Créditos alternativos, Cortometrajes. Duración extras: 40’| PAL. Zona 2 EDICIÓN DVD PRECIO: 11,95 €

CRÍTICAS

“Una de las películas que te dejará con los ojos más abiertos en tu vida”   DVD Drive-In
“El sueño de cualquier fan del kung-fu”   The Video Vacuum

EL MONSTRUO DE DOS CABEZAS (The MansterGeorge P. Breakston, Kenneth G. Crane, USA/Japón, 1959)

¡Un clásico de culto de la ciencia-ficción y el terror!

la manster-FrontalUn periodista estadounidense es enviado a Japón para entrevistar a un excéntrico científico local, que lleva a cabo extraños experimentos en su laboratorio en la montaña. Cuando el doctor se da cuenta de que el pobre corresponsal será un excelente sujeto para su próximo experimento, le inyecta un suero que lo convertirá gradualmente en un monstruo asesino con dos cabezas. EL MONSTRUO DE DOS CABEZAS (“The Manster”) es una de las pocas coproducciones conocidas entre Estados Unidos y Japón, que surgió como una respuesta a los kaiju eiga, el cine de monstruos gigantes, a la vez que desarrollaba una línea argumental muy característica de la serie B americana, con ‘mad doctor’ incluido. Sam Raimi la homenajeó en El ejército de las tinieblas y hoy es un título de culto, pionero en su fusión de ciencia-ficción y terror.

Audio: V.O. Inglés 2.0 | Subtítulos: Castellano | Imagen DVD: 1.78:1 – 16/9 | Duración: 72 min aprox. Extras: 50’: Tráiler, cortometrajes | PAL. Zona 2 EDICIÓN DVD PRECIO: 11,95 €

CRÍTICAS
“Un clásico en su género” All Movie Guide
“Una película oscura y erótica, con momentos memorables”. Foster On Film

Categorías:DVD / BLU-RAY

Te ofrecemos el spot de Sitges 2016. Una evocación a la fe universal en ‘Star Trek’

27 septiembre 2016 Deja un comentario

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El esperado spot publicitario de 49ª edición del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya ya circula. Un año más, la agencia China ha realizado un trabajo emotivo y elegante, que evoca  al universo de la saga Star Trek, motivo central del Festival de este año, a través de una lectura humana e integradora. 

En palabras de Rafa Antón, director creativo ejecutivo de la agencia China y responsable de la campaña publicitaria del Festival desde el año 2002: “Si existe un fenómeno de culto en el mundo, ese es el movimiento trekkie. Algunos hablan, incluso, de una religión. Tal vez no llegue a tanto, pero lo cierto es que lo que empezó como una simple serie de televisión hace 50 años ha conseguido trascender y convertirse en toda una filosofía basada en el entendimiento y el respeto por las diferencias. Una creencia compartida por millones de personas a lo largo y ancho del planeta, por muy distintas que sean. Es bonito que la ciencia ficción pueda conseguir algo así, ¿no?”

Bajo el lema “50 años de Star Trek. 50 años de algo en lo que todos podemos creer”, el spot de Sitges 2016 contiene un bello mensaje que recoge de forma delicada el espíritu de la saga, contado a través de la legión de seguidores que ha cosechado a lo largo de la historia. La pieza muestra seguidores de diferentes culturas, unidos bajo el espíritu de Star Trek.

El spot, que lleva por título Algo en lo que creer, ha sido realizado por Eivind “Salmon” Holmboe y como director de fotografía cuenta con Albert Roigé. La pieza ha sido producida por Fish y como productores han participado Sergio Martínez, Marce Molero y Ana de Ancos. En la edición y postproducción se encuentran respectivamente Jose Ramón Lorenzo y Loïc Grobéty junto a José T. Álvarez. El equipo creativo de China está formado por Rafa Antón y Miguel Ángel Duo.

El spot es una de las piezas centrales de la campaña del Festival y se proyectará en televisiones, cines y a través de los canales de internet.

Categorías:Festival de Sitges

Cardoterror XI: Toda la programación

27 septiembre 2016 Deja un comentario
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La 11ª edición de Cardoterror estará dedicada a las CRIATURAS MONSTRUOSAS, con una selección de títulos de todos los tiempos como La mujer y el monstruo, The GorgonLa isla de las almas perdidas, Jeepers Creepers, Gremlins, The Descent o Humanoides del abismo, entre otras. Todo un surtido de espantosos seres para haceros disfrutar del terror clásico y moderno.
cartel-2016El cine de terror más actual también tendrá cabida en Cardoterror con el pase de Train to Busan, la última sensación del cine de zombis y todo un fenómeno de taquilla en Corea del Sur. Se trata de un estreno que consolida la buena relación de Cardoterror con el Festival de Sitges, dando continuidad a una colaboración que empezó el año pasado
Este año contaremos con la presencia como invitada especial de María Kosty, actriz española que ha trabajado en todo tipo de géneros, entre ellos el terrorífico. Cardoterror le otorgará el trofeo Audrey en reconocimiento a su carrera.
Como es habitual, la vocación de acto cultural y de fiesta del fantástico de Cardoterror, hará que la retrospectiva cinematográfica, que tendrá lugar en El Esbarjo, venga acompañada de otros actos previos y paralelos ubicados en diferentes espacios de Cardedeu, como exposiciones, presentación de libros, pase de cortometrajes, confección de murales artísticos, la 2ª muestra de escaparates, el mercado del cine, una fiesta a cargo de los Djs Sopranos y la presentación de la cerveza Sant Jordi Cardoterror 2016.
Dentro de los actos del festival, también se hará entrega de los premios TAC a cortos de producción catalana, que cuenta con las categorías de mejor corto, mejor actor/actriz y mejores efectos especiales o maquillajes. Estos premios son otorgados por el TAC, la federación catalana de festivales de terror de la cual Cardoterror forma parte.
Nos complace presentaros nuestra programación, que puede estar sujeta a cambios.

PROGRAMACIÓN

Viernes 30 de Septiembre (acto previo)
19:00 h. Pla de la Calma: Inauguración de la exposición Criaturas Monstruosas y presentación de la cerveza Sant Jordi Cardoterror 2016. Exposición del 30 de septiembre al 1 de noviembre.
Miércoles 18 de Octubre (acto previo)
19:00 h. Ermita de Sant Corneli: Inauguración de la exposición Historia de los cines de Cardedeu. Exposición del 18 al 31 de octubre.
Jueves 20 de Octubre (acto previo)
22.00 h. Tarambana Espai Cultural i Gastronòmic:  Presentación de la onceava edición de  Cardoterror.
22.15 h. Tast de Curts: Pase de cortometrajes cedidos por Cryptshow Festival.
Del 24 al 30 de Octubre (acto paralelo)
En Vil·la Paquita: Confección de un mural sobre la historia del cine a cargo de Graffic Impact.
Del 24 al 31 d’Octubre (acte paral·lel)
2ª Muestra de escaparates decorados con motivo del Cardoterror en diferentes comercios de Cardedeu.
CARDOTERROR 2016 PROYECCIONES
Jueves 27 de Octubre
21.00 h. Presentación de Cardoterror XI: Especial Criaturas Monstruosas.
21.30 h. Proyección de un episodio de la serie The Twilight Zone.
22.00 h. Proyección de la película La leyenda de Vandorf (The Gorgon, Terence Fisher, 1964) Duración: 83’. Pase en 35 mm.
00.00 h. Cierre de puertas.
 
Viernes 28 de Octubre
18.30 h. Llibreria Badallibres: Presentación del libro Kaiju! Cuaderno de campo.
19.30 h. Proyección del documental El arte de Vampirella (José Guerrero, 2016) Duración: 70′. Acceso libre.
22.00 h. Proyección de la película Jeepers Creepers (Victor Salva, 2001) Duración: 90’.
00.00 h. Proyección de la película Humanoides del abismo (Humanoids from the Deep, Barbara Peeters y Jimmy T. Murakami, 1980) Duración: 80’.
01.45 h. Cierre de puertas.
Sábado 29 de Octubre
A partir de las 10:00 h y hasta las 22 h. 3er. Mercado del Cine.
10.00 h. Apertura de puertas, con chocolate y coca para los asistentes.
10.30 h. Proyección de la película La isla de las almas perdidas (Island of Lost Souls, Erle C. Kenton, 1932, 70’).
12.00 h. Proyección de la película La mujer y el monstruo (Creature from the Black Lagoon, Jack Arnold, 1954) Duración: 80’.
15:00 h. Proyección de la película Yokai Monsters: Guerra de monstruos (Yôkai Daisensô, Yoshiyuki Kuroda, 1968) Duración: 79´. Acceso libre.
17:00 h. Sesión familiar: Proyección de la película Gremlins (Joe Dante, 1984) Duración: 111’. Sesión doblada.
19.30 h. Proyección de los 5 cortometrajes finalistas que optan a los premios TAC (Terror Arreu de Catalunya) a los mejores cortos de producción catalana. Acceso libre.
21.00 h Entrega de los premios TAC (Terror Arreu de Catalunya) a los mejores cortos de producción catalana. Acceso libre.
21.30 h Proyección de la película The Descent (Neil Marshall, 2005) Duración: 100’.
23.30 h Proyección de la película Feast: Atrapados (John Gulager, 2005) Duración: 88’.
A partir de las 23.00 h En la Sala Sarau: Fiesta Precastañada a cargo de los Djs Sopranos.
Domingo 30 de Octubre
11:00 h. Obertura portes
12.00 h. Sesión infantil cortometrajes (+3 anys).
17:00 h. Proyección de la película La noche de las gaviotas (Amando de Ossorio, 1975) Duración: 89′
18:30 h. Coloquio y entrega del trofeo Audrey en reconocimiento a la su trayectoria a María Kosty. Acceso libre.
19.30 h. Sesión Especial Sitges: Proyección de la película Train to Busan (Busanhaeng, Sang-ho Yeong, 2016) Duración: 118’.
22:00h Clausura.

Categorías:Cardoterror

Samsung Sitges Cocoon lleva la realidad virtual al Festival de Sitges

27 septiembre 2016 Deja un comentario

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Los espectadores podrán desde sumergirse en un manicomio, una casa encantada y una jaula llena de zombis a viajar por el espacio gracias a la realidad virtual

Samsung y Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya se han unido para ofrecer a los espectadores una nueva sala en la que se podrá disfrutar de impactantes y terroríficas experiencias inmersivas gracias a los contenidos audiovisuales de Samsung Gear VR. Cada espectador dispondrá de una butaca, un dispositivo Samsung Gear VR con Galaxy S7 y unos auriculares que le permitirán explorar nuevos mundos y sumergirse de lleno en la acción, decidiendo dónde quiere dirigir su mirada en cualquier momento del relato.

La tecnología de realidad virtual está transformando los aspectos básicos de la narrativa fílmica y tiene cada vez un mayor protagonismo en sectores como el del cine y los grandes espectáculos culturales y deportivos. “La realidad virtual ofrece a los creadores una nueva forma de contar historias y conectar con el público. Desde nuestra posición como innovadores y referentes en el desarrollo de esta tecnología, para Samsung supone una enorme satisfacción unirnos al festival de cine fantástico de Sitges en esta nueva aventura de cine inmersivo, distinto a todo lo que conocían los espectadores hasta ahora”, declara Celestino García, Vicepresidente Corporativo de Samsung España.

La sala Samsung Sitges Cocoon ofrece una selección de experiencias artísticas y tecnológicas de corte fantástico que han cautivado ya a públicos de todo el mundo. Estará ubicada en el exterior del Auditori Meliá Sitges, sede oficial del Festival, y permanecerá abierta entre el 7 y el 15 de octubre. El acceso al espacio será libre, con una variada programación de cortos a lo largo del día.

La realidad virtual sumerge al espectador de cine fantástico en plena acción

fotonoticia_20160927144531_680La selección de cortos programados abarcará los distintos campos del género fantástico, desde el terror más clásico a piezas de animación de corte familiar. Después de arrasar en el SXSW de Austin, Catatonic llega a Sitges como un viaje de inmersión en un manicomio en el que el público se somete a un paseo sensorial terrorífico e impactante. El paciente, equipado con el dispositivo de realidad virtual Samsung Gear VR sincronizado a una silla de ruedas médica creada ad hoc, vive en un entorno virtual todo el peso de la locura a su alrededor.

Por su parte, Penrose Studios ofrece The Rose and I, una historia para todos los públicos sobre la amistad, el amor y la pérdida que evoca “El Principito” de Saint-Exupéry. Sisters es otra escalofriante pieza de animación 3D que incluye todos los elementos típicos de las casas encantadas. A pesar de su sencillez formal, los sustos y botes en la butaca están garantizados para los amantes de lo sobrenatural. En cuanto a Zombie Cage, es una escalofriante pieza de acción real en la que el espectador experimentará la sensación de estar atrapado en una jaula rodeado de zombis. Por último, en Sonar, el espectador será el comandante de una nave espacial que viaja por las profundidades y la superficie rocosa de un asteroide desconocido, con un fin al de viaje inesperado.

Evolution of Verse es un viaje a la creación de la vida a través de unas imágenes sensoriales y poéticas que, técnicamente, rayan la perfección. Sus ecos al 2001 de Kubrick han convertido esta maravilla en el hype en realidad virtual del año. La serie de televisión Mr. Robot, que se emite en exclusiva en Movistar+, ha producido esta pieza inmersiva que desvela alguno de los secretos del pasado de su protagonista. Por último, los capítulos de realidad virtual de la serie Halcyon complementarán narrativamente los interrogantes que pueda dejar la serie en su versión para televisión.

En paralelo a las proyecciones de la sala, el Festival producirá una serie de reportajes en realidad virtual que complementarán la percepción que el público tiene del Festival. Serán piezas temáticas que se publicarán cada día en redes sociales y que permitirán acceder a presentaciones de películas o eventos como la Sitges Zombie Walk en un entorno de realidad virtual. La producción de estos contenidos irá a cargo de la productora especializada en realidad virtual, Mr. Fogg.

Además, el sábado 8 de octubre se realizará una mesa redonda dentro del marco del Festival en la que diferentes profesionales vinculados al ámbito de la realidad virtual expondrán su propia experiencia a la hora de trabajar y desarrollar proyectos con esta tecnología ante profesionales y productores de la industria cinematográfica presentes en el Festival.

Con la implementación en Sitges de esta área dedicada al universo de la realidad virtual y el cine inmersivo y 360º, el Festival de Sitges da un paso adelante en su compromiso por mostrar a su público lo último y más avanzado en formatos de producción y exhibición audiovisual, situándose a la vanguardia en la evolución de la narrativa de ficción en el campo del cine, la animación y el documental”, declara Ángel Sala, director del Festival de Sitges.

Programación de los cortos en realidad virtual disponible aquí

Sobre Samsung Electronics

Samsung Electronics Co. Ltd., inspira al mundo y construye el futuro con ideas y tecnologías transformadoras. La compañía está redefiniendo el mundo de los televisores, smartphones, wearables, tablets, cámaras, electrodomésticos, impresoras, equipamientos médicos, sistemas de redes, semiconductores y soluciones LED. Para más información, por favor, visite la web Samsung Newsroom news.samsung.com

Categorías:Festival de Sitges

Sitges 2016 ofrecerá ‘Herederos de la Bestia’ el esperado documental de Diego López y David Pizarro

27 septiembre 2016 Deja un comentario
Herederos de la bestia, un film documental en homenaje a la obra cinematográfica de Álex de la Iglesia  El día de la Bestia, se presentará en el festival de Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya ,el 11 de Octubre en el cine Retiro a las 20:15 horas.
En la premiere mundial del documental centrado en la película que cambió el género fantástico nacional estarán presentes los directores y guionistas Diego López y David Pizarro junto a la actriz Terele Pávez.
Cartel diseñado por Jordi Baltasar
El documental, compuesto de diversas presencias a modo de entrevistas, desde todos aquellos que hicieron posible la mítica película de Álex de la Iglesia, Santiago Segura, Terele Pávez, Arri & Biaffra, Saturnino García, Jorge Guerricaechevarría, y el propio director bilbaíno, hasta directores que han sido influenciados por ésta, como Jaume Balagueró o Paco Plaza, entre otros.
Sinopsis
“Herederos de la bestia” en una pieza documental, donde a base de testimonios de una serie de personalidades relacionadas directamente con la película de Álex de la Iglesia, también de otras figuras indispensables de nuestro cine, fotografías e imágenes de archivo, se pretende reivindicar una de las obras primordiales del fantástico español contemporáneo,  “El día de la bestia”, cuya longeva sombra llega a nuestros días debido a la influencia que ha ejercido sobre diversos realizadores.
La composición musical corre a cargo de la banda Buio Mondo.

Herederos de la Bestia será distribuida por España por LA AVENTURA.

TerrorMolins 2016 ofrecerá Gueopic, sesión de cortos infantiles solidarios

27 septiembre 2016 Deja un comentario

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Después del éxito del año pasado, el Festival de Cine de Terror de Molins de Rei vuelve a repetir sesión infantil de cortos y la transforma en una sesión solidaria, ya que servirá para recoger fondos para la asociación sin ánimo de lucro Gueopic que trabaja para las persones con autismo y problemas comunicativos.
La sesión se realizará en el teatro de La Peni el sábado 12 de noviembre a las 16.30h.

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Karl Freund, Zita Johann y las imágenes cortadas de ‘La momia’ (1932)

26 septiembre 2016 Deja un comentario

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Director: Karl Freund. Producción: Carl Laemmle Jr. Guión: Nina Wilcox Putnam, Richard Schayer y John L. Balderston. Fotografía: Charles J. Stumar. Montaje: Milton Carruth. Música: James Dietrich (sin acreditar). Efectos especiales: John P. Fulton. Maquillaje: Jack P. Pierce (sin acreditar).

Reparto: Boris Karloff, Zita Johann, David Manners, Arthur Byron, Edward Van Sloan, Bramwell Fletcher, Noble Johnson, Kathryn Byron, Leonard Mudie, James Crane.

ARGUMENTO: El sumo sacerdote de Karnak, Im-Ho-Tep (Boris Karloff) es condenado a ser momificado en vida por el sacrilegio de pretender resucitar a su amada princesa Anck-es-en-Amon (Zita Johann) con el pergamino de Thoth. En 1921 su tumba es hallada por una expedición del Museo Británico y su momia resucita al ser leído el pergamino, que se lleva consigo. Once años después un misterioso egipcio, Ardath Bey, da la pista a una nueva expedición para que descubran la tumba de Anck-es-en-Amon. Bey resulta ser Im-Ho-Tep, que encontrará a la reencarnación actual de la princesa y querrá convertirla en inmortal como él, pero sus planes serán frustrados por el Dr. Muller (Edwar Van Sloan) y Frank Whemple (David Manners)

vqmn4jLa momia es ante todo una historia de amor. Una fantasía romántica que trasciende el tiempo y el espacio. Hay quien ve ciertas similitudes con el Drácula de Tod Browning que un año antes inauguró el ciclo terrorífico de Universal, al que se adscribe también este título. Con Drácula no solo comparte un par de actores, sino que también estos realizan el mismo papel que en aquella: Edward Van Sloan se enfrenta al vampiro como el Dr. Van Helsing, mientras que aquí, como el Dr. Muller, luchará contra Im-Ho-Tep. Por su parte David Manners encarna en ambos títulos al insulso galán de turno que terminará arrebatando la chica a su fascinante rival, que en ambos casos habrá caído bajo el hipnótico influjo de la parte oscura.

Rodada por Karl Freund, el hombre detrás de la cámara en míticos títulos como Metrópolis (1927 Fritz Lang) o El último (Der Letzte Mann, 1924 F. W. Murnau), en esta ocasión toma la batuta y dirige su primer film americano. Lamentablemente alguien decidió aligerar metraje, así que quizás una de las partes más fascinantes del film se quedó en el suelo de la sala de montaje, quedando perdida para siempre y únicamente dejando como testigo de su existencia unas pocas fotos y el testimonio de la actriz que la protagonizó, Zita Johann. Ese metraje sigue al momento en el que Ardath Bey le muestra a la reencarnación de su querida princesa Anck-es-en-Amon el acto de amor que hizo que le condenaran a ser momificado en vida: el intentar resucitarla leyendo el pergamino de Thoth con el que Isis devolvió la vida a Osiris.  A continuación Karl Freud rodó tres escenas, que

Todo parece marchar bien entre Freund y Zita Johann

Todo parece marchar bien entre Freud y Zita Johann

son las que se han perdido, que mostraban la muerte trágica de la princesa en tres reencarnaciones sucesivas: en la edad media; suicidándose como princesa sajona ante la invasión de una horda de bárbaros; y como cristiana devorada por los leones en Roma. Unos finales tan trágicos como la relación que tuvo Zita Johann con Karl Freund. Zita, actriz teatral de origen húngaro que no guardaba especial cariño por el mundo del cine y que tenía un gran carácter, era amiga de decir las cosas claras y no se llevó en ningún momento bien con Freud, que no dudó en torturarla hasta el límite, situación que llegó a causarle  incluso desmayos durante el rodaje. Todo culminó con la escena de Roma, que, según contó la actriz al historiador cinematográfico y escritor Greg Mank, se rodó con el equipo y el director protegidos tras los barrotes de una jaula mientras que ella tuvo que caminar entre unos leones que, afortunadamente, no se interesaron por la actriz. Con esa escena finalizó el rodaje de La momia, momento en el que la actriz aprovechó para comunicar personalmente al mandamás de Universal, Carl Laemmle Jr., que rechazaba la opción de seguir contratada con el estudio.

Tres años después dejó el mundo del cine.

LAS IMÁGENES PERDIDAS

 

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Suicidándose como princesa sajona ante la mirada de los bárbaros…

Como dama medieval, antes de ser ejecutada...

Como dama medieval, antes de ser ejecutada…

... y en estas dos imágenes, como cristiana antes de ser echada a los leones como merienda. Estas son las únicas imágenes que se conocen, pues no se ha encontrado (de momento, que uno es hombre de fe) metraje.

… y en estas dos imágenes, como cristiana antes de ser echada a los leones como merienda. Estas son las únicas imágenes que se conocen, pues no se ha encontrado (de momento, que uno es hombre de fe) metraje.

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Categorías:TERROR UNIVERSAL

El dia que King Kong llegó a España

23 septiembre 2016 Deja un comentario

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Sí, Kong llegó y bastante puntual, por cierto. Pero no piensen que el gran mono lo tuvo fácil cuando desembarcó en nuestro país Aquí hubo opiniones de todo tipo y la crítica no se lo puso del todo fácil al enamoradizo primate. Y eso que la situación en España entonces, al igual que ahora, no estaba para echar cohetes y lo que hacía falta era eso, puro entretenimiento. Pero bueno, el respetable sí que parece que se rindió al gran Kong, La 8ª maravilla del mundo,  ya desde su desembarco en el madrileño cine Avenida de Madrid el 9 de octubre de 1933 (siete meses más tarde que en USA) y después, el 20 de  noviembre en el Tivoli de Barcelona. Y no crean que destaco estas dos plazas por sectarismo, sencillamente lo hago por tratarse de los dos lugares de los que he podido recabar información.

Programa de cine español (gran formato troquelado)

Programa de cine español (gran formato troquelado)

La llegada de Kong, al igual que sucedió en todo el mundo, fue anunciada en España con bastante  antelación al estreno. En un artículo acertadamente titulado “Una extraña película” publicado en La Vanguardia del 13 de diciembre de 1932 se hablaba del rodaje, casi secreto, de King-Kong en los estudios RKO. Se aseguraba que se trataría de una película que daría ocasión de presenciar trucos técnicos y efectos fotográficos jamás vistos en el cine, y se aprovechaba  para  narrar detalladamente el argumento del film. Se desbarataba la historia, si, pero no solo eso ya que, a pesar de que el autor indicaba que: “Nadie conoce aún cómo es ni como aparecerá ‘Kong’ sobre la pantalla. Cada uno lo imagina a su manera, y en ello está uno de los grandes secretos que mantienen la curiosidad popular en torno a esta producción extraña…”[1]. No le tembló el pulso cuando en un momento de la narración describía a Kong como “una especie intermedia entre el hombre y el mono, de una estatura no menor a siete metros, de una fuerza y una agilidad de acuerdo a su tamaño[2].

Un mes antes del estreno se publicaron más notas en la prensa española, en este caso provenientes de la prensa argentina, en cuyo diario, La Razón, se alabó la impresionante factura técnica de la producción, aderezando el texto con unas gotas un tanto políticamente incorrectas. Pongan acento porteño y lean un extracto de la reseña:

Reviviendo la fábula de «La bella y la bestia», los directores de «King Kong» aprovecharon la idea para convertirla en una cinta de grandes vuelos. «King Kong», el monstruo gorila que había desafiado los siglos, soberano absoluto en su milenario reinado, vencedor de épicas luchas con otros seres prehistóricos no menos gigantescos y feroces que él, es derrotado por una delicada mujercita. Juguete en sus descomunales garras. «King Kong» no había visto en su prodigiosa vida más que las negras hijas de la tribu, que compartían con él la existencia en la fantástica isla. La expedición de los hombres blancos, los primeros de esta raza que hollaron aquel reino desconocido, trajo la única arma que podía vencer definitivamente al monstruoso animal, una mujer rubia y blanca, encarnada por la gentil Fay Wray. Fascinado por aquella visión, siente brotar en su pecho gigantesco una pasión que lo domina y lo vence. Y cuando en pleno centro civilizado, en pleno Nueva York, «King Kong» huye con la bella, las escenas más emocionantes, más audaces, de más atrevida técnica se suceden colocando a esta cinta en una situación tan elevada que dudamos que durante mucho tiempo la cinematografía pueda producir una obra mecánica comparable con «King Kong»”[3].

Suena adorable eso de “obra mecánica” ¿no les parece?

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Programa de mano español gran formato

Ya con el inminente estreno del film en Madrid, se realizó un pase privado que despertó gran entusiasmo entre los asistentes:

“Hace unos días, en la sala de pruebas que posee la casa S. I. C. E.,  distribuidores en España del material R. K. O., ha sido pasada de prueba a varios empresarios la producción «King-Kong». Cuantos han asistido a dicho acto comentan favorablemente los muchos valores que contiene esta cinta, y han declarado que es una de las películas más excepcionales que se presentarán durante esta temperada. La técnica que ha sido preciso desarrollar en este film, para la reconstrucción de los monstruos antediluvianos, es de un perfeccionamiento que asombra, y su acción dinámica, repleta de una emoción difícil de igualar, tiene en suspenso el ánimo del espectador hasta la última escena, en la que el enorme gorila destruye a uno de los aeroplanos que han salido en su persecución, resulta de un efecto tan fantástico que bastaría ella sola para catalogar a esta película como una de las producciones más grandes que ha realizado el cinematógrafo”[4].

El ambiente estaba perfectamente caldeado y preparado para la llegada del gran Kong. A la información que la prensa diaria dedicó a la película se sumó la de las numerosas revistas sobre cine que se publicaban en la  España de la época.  Pero nada daba una idea de las colosales proporciones de la película que se avecinaba.

Poco después se produjo el estreno en Madrid, tal y como hemos mencionado, el día 9 de octubre de 1933, despertando elogios inmediatos:

“(…) La Radio Pictures nos presenta una nueva modalidad cinematográfica con la magia de la técnica mecánica puesta al servicio de una fábula impresionante y dramática que nos recuerda la encantadora obra de Jonathan Swift «Viajes de Gulliver».

(…)El viaje a la isla desconocida y misteriosa, las ceremonias de sus habitantes, la cacería para capturar a la bestia, la huida de ésta en la ciudad civilizada, sembrando el pánico y el terror por todas partes y por último su ascensión a la torre del Empire para depositar en la cornisa de su remate a la muñeca de carne y hueso que le fue arrebatada para caer en su poder de nuevo, son episodios de «King Kong» de una gran novedad artística, de una fantasía cinematográfica digna de la admiración de los entusiastas y de los profanos de la pantalla, lo mismo que de la ovación con que fue recibida por el público”[5].

4-programa-sencillo-gran-formato-reverso1Cuarenta y dos días después también la crítica y el público de Barcelona pudieron ver por si mismos el film que tanto interés estaba suscitando.

Pero provocó opiniones encontradas:

“Todo lo que ocurre aquí es sencillamente inverosímil. Lo sabemos tan de antemano que cuando ante el espectador desfilan las primeras escenas, el que se retarde la presencia de lo absurdo le sienta como una desilusión. No importa; porque lo maravilloso se prodiga tanto y tanto en «King-Kong» que la impaciencia se vuelve fácilmente en obsesión. No es nuevo jugar con animales antediluvianos—en algunas partes hemos leído «antidiluvianos»—en la pantalla (…) En «King-Kong» esos animales forman el fondo o el ambiente de un puñado de escenas de interés, en que vemos desfilar aparatosos y solemnes, una porción de reconstrucciones animales prehistóricas: desde los «tricepatops» hasta el «pterodáctylo», pasando por el impresionante «diplodocus», a los que quita intensidad emotiva la casi familiaridad con que el público se los mira.

Pero hay una novedad decisiva en «King Kong», que constituye, por cierto, el eje de la obra: es ese «King Kong», ese simio gigante o lo que sea, digno de la imaginación de un Julio Verne un poco más atormentado que el de «Los hijos del capitán Grant» y, sobre todo, de la técnica americana del cinema.

(…) Todo en esta película es grandioso, imponente, y cae sobre el espectador como una pesadilla en la que la fuerza ciega de la naturaleza luchase a brazo partido con el hombre y con su civilización.

Novela editada en la época del estreno

Novela editada en la época del estreno

El tema es ya de por si interesante, y no es otra cosa que esa lucha. Y la película es, de verdad, un alarde de técnica, con sus defectos graves y con sus aciertos definitivos. Hay momentos en que King-Kong nos descubre, por sus sacudidas bruscas, lo artificioso de su contextura; pero a pesar de todo, logra impresionar puesto en acción, más que por él mismo, por su significado de fuerza ciega e indomable. Hay que destacar como bien realizadas las escenas del asedio aéreo, que tienen su emoción, y, en general, a los protagonistas de la obra -Fay Wray, Robert Armstrong y Bruce Cabot—así como la sonorización, que era difícil y que aparece bien realizada.

«King Kong» es seguido por el público con un singular interés y emoción[6].

Aunque el responsable de la crónica se muestra bastante exigente con los trucajes, en general deja más que bien una película que, dos días después, todavía hace correr ríos de tinta a más de un crítico maravillado ante lo visto en la pantalla del barcelonés cine Tivoli:

“No nos engañaba la prensa americana cuando nos aseguraba que esta temporada sería pródiga en avances cinematográficos. El film (…) es un paso de gigante en el orden de la técnica; «King Kong», es un alarde asombroso de como la técnica del cinema puesta al servicio de la fantasía, puede realizar los milagros más increíbles.

(…)Toda la riqueza escenográfica, toda la riqueza de conjuntos se ponen a contribución para la pintoresca presentación del pueblo primitivo que bastaría para ambientar una espléndida aventura cinematográfica. Pero esto no es más que un brillante prólogo. Lo insólito es la seudo reconstrucción de la vida en el planeta tal y como debió ser antes de que el hombre hiciese en él su aparición. Los bosques de plantas colosales, las lagunas sin límites, saurios y reptiles de monstruosas dimensiones y espantable aspecto aparecen ante la asombrada vista del espectador como algo alucinante…

En estos dominios vive «King Kong» el descomunal gorila, al que los salvajes del cercano poblado rinden el tributo de las más bellas mujeres. Fuera flaco servicio para el lector revelarle el desenlace de la extraordinaria aventura de la bella Fay Wray, baste decir que «King Kong» siguiendo a su adorable y leve presa, destruye el poblado de los indígenas y que más tarde en Nueva York, siembra el espanto, destruyendo coches, aviones y edificios como si fuesen para el simio gigante lo que para nosotros castillos de naipes. Al final el monstruo es vencido más que por la fuerza por la belleza. ¿Qué más podría fingir y cómo lo fingirá mejor el cinematógrafo? Hasta ahora lo que en «King Kong» crea y alienta es un milagro insuperable”[7].

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Pese a no querer revelar el desenlace de la historia, el responsable de la anterior crítica casi llega a desvelarlo en su totalidad movido por el entusiasmo. Y si entusiastas fueron las críticas positivas, también lo fueron las negativas, basadas sobre todo en defectos técnicos, pero también en la supuesta falta de cierta verosimilitud para una historia que a fin de cuentas es pura fantasía. Tampoco puede evitar algún crítico, como sigue sucediendo ahora, ver este tipo de cine desde una supuesta superioridad intelectual. Sebastià Roig en su magnífica obra, Els malsons dels nostres avis (Las pesadillas de nuestros abuelos) recogió algunas de estas reseñas. Disfruten de lo caducas que han quedado en su mayor parte:

“(…) una técnica prodigiosa puesta al servicio de unos temas que, de tan refinadamente pueriles, naufragan en la extravagancia (…) Y es que todas esas aventuras fantásticas y extravagantes (…) no dan en ningún momento la sensación de realidad. Todo hace olor a estudio. La trampa se mastica constantemente. Todos esos monstruos no son otra cosa que muñecos mecánicos. Sus movimientos bruscos son como de dibujos animados mediocres. Y se adivina fácilmente que estos monstruos, como los personajes de los dibujos, se mueven gracias a la yuxtaposición de imágenes, cada una de las cuales es la fase de un gesto”.

“(…)Los espectadores cultivados  no encontrarán en King Kong  (…) el matiz, el detalle que se busca en una obra artística. Todos estos trucos (…) solo les harán sonreír en lugar de emocionarlos. Una película así solo puede satisfacer e impresionar a un público popular y fácil. Le auguramos mucho éxito en cines de barrio y pueblos, donde encontrará la calurosa acogida que el teatro Tivoli le niega”. [8].

“King Kong tiene, al igual que una fábula clásica, su moraleja. Es la bestia vencida por la bella. No es este el aspecto más verosímil de un film tan cargado de cosas inverosímiles La verdad, entre King Kong y Fay Wray hay una diferencia de tamaño tan enorme, que la posibilidad de darse una pasión, digamos extática, por no decir erótica, aparece como un máximo reto al más elemental sentido común”

“(…) King Kong gesticula de una manera inconfundiblemente mecánica que delata la presencia de un autómata allí donde se necesitaría una bestia para hacerlo creíble[9].

“En King Kong se tiene la sensación de encontrarse en la entrada de un nuevo mundo cinematográfico, repleto de posibilidades, pero como en la infancia de todo nuevo mundo, imperfecto y, en cierta manera, rudimentario[10].

“El movimiento de los monstruos y especialmente de Kong, la brusquedad de su caminar, dejar entrever claramente su construcción mecánica, y por consiguiente es muy natural que el público no pueda sentir la emoción si el truco está tan claro”[11].

Programa español gran formato.

Programa español gran formato.

Un crisol de críticas de todo tipo para una película que continuó circulando en salas hasta el inicio de la contienda que azotaría España y que dejaría su propio rastro de destrucción muy pocos años después. Durante esos años previos a la guerra civil, King-Kong se exhibiría como único plato, pero también compartiendo programa doble acompañada en muchos casos de  otra producción R.K.O., Los gángsters del aire (Parachute Jumper, 1933 Alfred E. Green), un film de aventuras para lucimiento de Douglas Fairbanks Jr., en el  que fue secundado por una ascendente Bette Davis.

Pero no había abandonado King-Kong todavía las carteleras cuando se informó que el enorme gorila tenía descendencia, tal y como pudo leerse, muy apropiadamente, en la sección “Chismorreo Hollywudense” de La Vanguardia: ¿Sabían ustedes que Kong tuvo un hijo?… ¿No?… Pues le verán en la nueva película de aventuras, «El hijo de Kong», en la que aparecerá el retoño del formidable gorila, pero en vez de Fay Wray la heroína será Helen Mack. Robert Armstrong, Frank Reicher y el «chinito», continúan interpretando los mismos papeles que iniciaron en la sensacional cinta «King Kong»”[12]

Y en enero de 1935 el albino vástago de Kong asomó su cabeza por España, aunque parece ser que sin conseguir que el público olvidara a su añorado padre, como demuestra esta crítica publicada al día siguiente de su estreno en Barcelona, en la que incluso el autor se permite descubrirnos sus conocimientos de boxeo (o de su jerga). Toda una delicia:

«El hijo de Kong» es un remedo, en menor escala, y resuelto de distinta manera, de la anterior cinta (…) La primera mitad del film no deja adivinar, por lo vacilante y vulgar, la forma que toma la acción en el resto del film, es decir, desde que ésta transcurre en la isla polinésica—made in Hollywood—donde mora «el hijo de Kong» y una serie de animales antidiluvianos, diseñados y construidos en los estudios. A partir de este momento, el film cobra un tono irónico (de no haberse hecho adrede hubiera podido ocurrir lo propio), que constituye un evidente acierto. Los monstruos se acometen con «uppercuts» y «swings» y por último un terremoto sepulta la isla en el océano, pereciendo el hijo de Kong y dejando ya al director del film definitivamente imposible, por falta de descendencia, para una tercera edición sobre el mismo tema.

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Estas películas fueron tan populares que se adaptaron en forma de popular tebeo

Buen film en su aspecto técnico”[13].

Y nos quedamos sin Kong durante una larga temporada, ya que aunque tras la guerra civil es posible que circulara alguna copia por salas, no hay constancia de que se reestrenara hasta mediados de los años sesenta, concretamente en 1965, año en el que Rey Soria Films puso en circulación de nuevo en cine King Kong, pero cometiendo el agravio de utilizar, por aquello de modernizar la cosa, el cartel de una película británica que se basaba (por no decir que plagiaba) a nuestro inmortal simio: Konga (1961, John Lemont). Eso sí, al cartel se le realizaron unos sutiles cambios, siendo el más significativo el de sustituir el emblemático Bing Beng por el Empire State Building, pero dejando los característicos autobuses ingleses de dos pisos.

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6-00cartel-de-kongaLa reposición fue recibida con cierto cariño:

“«King Kong» es una de las películas «de miedo» cuyo interés ha sobrevivido al paso de los años. En el «Ciclo de cine del terror» proyectado en el último Festival de San Sebastián, fue una de las que llamaron más poderosamente la atención. Ya unos meses atrás la película había sido extraída de los archivos y vuelta a proyectar en las pantallas comerciales de diversos países, al parecer con éxito. (…) El guión está realizado hábilmente, y para llevarlo a cabo se ha empleado una enorme cantidad de recursos técnicos, muchos de los cuales todavía sorprenden por su audacia y perfección. Aun cuando la película fue realizada en 1933, conserva todavía incentivos que la hacen estimable. Naturalmente que este género de cine requiere no ser demasiado exigente y aceptar lo convencional con una relativa manga ancha. De todos modos, lo importante es que la película continúa interesando”[14].

Y hubo más reestrenos en salas comerciales (como el de 1982, posiblemente el último) pero el filme, que muchos en su momento ya disfrutamos y descubrimos en televisión,  reclamaba su lugar en filmotecas caseras,   primero en forma de cinta VHS (cuando no en Súper-8) y más tarde en formato digital.

De lo que no hay duda es que la película King-Kong es pura historia del cine y su personaje un icono del siglo XX. Y sí, aunque el tamaño hacía imposible “la posibilidad de darse una pasión, digamos extática, por no decir erótica” entre el simio y la chica, la historia y el puro espectáculo que representó y sigue representando,  ha resultado ser inmortal e inolvidable y motivo de culto entre varias generaciones de amantes del cine.

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NOTAS
[1] “Una extraña película” en La Vanguardia del día 13 de diciembre de 1932. Pág. 17.
[2]  Íbidem. Pág. 16-17.
[3] “Ecos y noticias” en La Vanguardia del día 5 de mayo de 1933. Barcelona,  Pág. 17
[4] “Los comentarios que ha suscitado ‘King-Kong’” en La Vanguardia del día 11 de octubre de 1933. Barcelona, Pág. 11.
[5] Crítica de El Heraldo, citado en  “La prensa madrileña, sobre el estreno de King Kong” en La Vanguardia del día 7 de noviembre de 1933. Pág. 18.
[6] “King-Kong. Una fantasía cinematográfica de la R.K.O” por J. Ruiz de Larios en La Vanguardia del martes 21 de noviembre de 1933. Pág. 15.
[7] La Vanguardia, 23 de noviembre de 1933. Pág. 12.
[8] Sebastià Gasch en L’Opinió citado por ROIG, S. Els malsons dels postres avis. Ed. Dux, Barcelona 2006. Pag. 60-61-62-63.
[9] Josep Palau en Mirador, citado por ROIG, S. en Opus cit. Pag. 60-61-62.
[10] Àngel Ferran en La Publicitat, citado por ROIG, S. en Opus cit. Pág. 61.
[11] El de la fila 12 en La Humanitat, citado por ROIG, S. en Opus cit. Pág. 62.
[12] La Vanguardia, miércoles 24 de enero de 1934. Pág. 13.
[13] S. M. en La Vanguardia del martes, 29 de enero de 1929. Pág. 17.
[14] A.M.T en La Vanguardia del sábado 6 de noviembre de 1965. Pág. 51.

Arranca el décimo Fimucité

23 septiembre 2016 Deja un comentario

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El Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife (FIMUCITÉ) alcanza en 2016 su décima edición y presenta un intenso programa, que tendrá lugar entre el 23 de septiembre y el 1 de octubre gracias al patrocinio del Cabildo Insular de Tenerife, el Gobierno de Canarias y el Ayuntamiento de Santa Cruz. Las dos líneas temáticas del festival, representadas en el cartel oficial, son las más importantes producciones de ciencia ficción, desde “Star Wars” a “Star Trek”, bajo el título genérico de “Space Opera: La música de las estrellas”, y la obra de Howard Shore, creador de la banda sonora de las trilogías de “El Señor de los anillos” y “El Hobbit”.

FIMUCITÉ cumple diez años en los que ha logrado posicionarse en el calendario internacional como evento referente dentro del género de las bandas sonoras cinematográficas.

El concierto inaugural “Lalo Schifrin’s Jazz Goes to Hollywood” se ofrecerá el viernes 23 de septiembre, a las 20:30 horas, en el Auditorio Infanta Leonor de Los Cristianos. La Big Band de Canarias, con el prestigioso saxofonista Kike Perdomo al frente, realizará un sensacional recorrido a través de las obras del músico argentino creador de la reconocible banda sonora de la serie de televisión “Misión Imposible”.

El sábado 24 de septiembre, el Teatro Guimerá de Santa Cruz de Tenerife acoge una nueva entrega de la exitosa propuesta de The Pop Culture Band, un espectáculo en el que las mejores canciones del cine de los años 70 serán esta vez protagonistas: “That 70s show”. La banda canaria liderada por Gonzalo de Araoz ofrecerá un repertorio en el que no faltarán piezas como “Disco Inferno” o “Staying Alive”, de la película “Fiebre del Sábado Noche”, un medley con lo mejor de la banda sonora de “Grease” o el tema principal de la serie de televisión “Vacaciones en el mar”. Hay dos funciones programadas de este evento, la primera a las 19:00 horas y la segunda a las 22:00 horas.

El domingo 25 de septiembre, a las 19:30 horas, el Paraninfo de la Universidad de La Laguna acoge la proyección de la película “El Ladrón de los guantes blancos”, considerada el primer largometraje canario. Con motivo del 90º aniversario de su rodaje, con la colaboración de Filmoteca Canaria se proyectará la película en una sesión con música en directo a cargo de la pianista Sophia Unsworth.

Además, FIMUCITÉ legitima e impulsa en su décima edición su colaboración con el Conservatorio Profesional de Música de Santa Cruz de Tenerife con la programación de varios conciertos dedicados a las populares series de animación de los estudios Warner Bros., que serán interpretados por la Banda Sinfónica y la Orquesta Sinfónica del centro en el Teatro Guimerá de la capital tinerfeña los días 28 y 29 de septiembre, a las 20:00 horas. El primero será “Homenaje a Shirley Walker”, la primera mujer compositora en hacerse un nombre en Hollywood, y el segundo estará dedicado a los “Héroes animados de la Warner”.

En ambos conciertos participarán los reconocidos compositores Lolita Ritmanis, Kristopher Carter y Michael McCuistion, componentes del colectivo Dynamic Music Partners, prolíficos discípulos de Walker. Varias de las piezas serán dirigidas en directo por estos magníficos compositores.

El viernes 30 de septiembre, a las 20:00 horas, el Auditorio de Tenerife “Adán Martín” acogerá el concierto “Space Opera: La Música de las estrellas”, que contará con el destacado director de ópera, música contemporánea y música de cine de origen alemán Christian Schumann, quien se pondrá al frente de la Orquesta Sinfónica de Tenerife (OST) en la interpretación de piezas de películas como “Dune”, “Perdidos en el espacio”, “El Quinto elemento”, “Galactica, estrella de combate”, “Starfighter: La aventura comienza”, “Interstellar”, “Flash Gordon”, “Gravity” y “Star Trek”, entre otras.

Asimismo, los compositores Óscar Navarro y Federico Jusid, que visitarán este año FIMUCITÉ para recoger los Premios de la Crítica Especializada 2016 de Scoremagacine que les han sido otorgados, dirigirán a la OST al inicio del concierto del viernes 30 en la interpretación de sus obras. Así, el alicantino Óscar Navarro, galardonado en la categoría de mejor score nacional presentará el estreno mundial de la suite de la música del documental premiado con un Goya “Sueños de sal”. El argentino Federico Jusid, premiado como mejor compositor español o afincado en España, presentará su música para las series de televisión “Isabel” y “Carlos, Rey Emperador” y el largometraje “Misconduct”.

Finalmente Howard Shore, el autor de la música de la trilogía de “El Señor de los Anillos” y compositor indispensable para cineastas como David Cronenberg o Martin Scorsese, será el protagonista de la Gala de Clausura del sábado 1 de octubre que dará inicio a las 19:30 horas. Shore, a quien estará dedicado el concierto que dirigirá Diego Navarro, recibirá el premio FIMUCITÉ – Antón García Abril. Además, el compositor dirigirá a la OST en algunas piezas.

El otro galardón honorífico FIMUCITÉ – Antón García Abril de esta décima edición se otorgará, a título póstumo, a Shirley Walker.

ACTIVIDADES PARALELAS

De otro lado, son numerosas las actividades paralelas al programa de conciertos que tendrán lugar en el marco de FIMUCITÉ 10.

Nace este año la Fimucité Film Scoring Academy (Academia Fimucité para Compositores Audiovisuales) dirigida a estudiantes y profesionales que quieran recibir formación especializada. Se ofrecerá un taller para músicos impartido por Lolita Ritmanis, Kristopher Carter y Michael McCuistion, y un seminario para compositores del sector audiovisual y estudiantes de composición a cargo de Richard Bellis. Asimismo, dentro de esta iniciativa, los conciertos que tendrán lugar el 28 y el 29 de septiembre en homenaje a la compositora Shirley Walker y a los héroes animados de la Warner Bros. respectivamente, contarán los mismos días con funciones matinales, a las 10:30 horas, para el público escolar en el Teatro Guimerá. FIMUCITÉ apuesta de este modo por fomentar la cultura entre los más jóvenes y por promover la creación de nuevos públicos, amantes de la música y el cine en este caso.

Y por cuarto año consecutivo, el Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife ofrece su sección oficial a concurso FIMUCINEMA, donde se premia el apartado de composición musical tanto para largometrajes de ficción, documentales y cortometrajes y que se desarrollará de manera paralela al festival. Las proyecciones tendrán lugar en TEA Tenerife Espacio de las Artes entre el lunes 26 y el jueves 29, a partir de las 17.00 horas, con entrada gratuita previa retirada de invitación en taquilla. FIMUCINEMA contará también con la participación del Aula de Cine de la Universidad de La Laguna, Charlas de Cine y Multicines Tenerife, que acogerán la proyección inaugural de “Playing Lecuona” el sábado 24 de septiembre y la apertura de la sección a concurso el domingo 25, además de la proyección final de las películas ganadoras el domingo 2 de octubre tras ser anunciado el palmarés durante el concierto del viernes 30 en el Auditorio de Tenerife “Adán Martín”.

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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 23 de septiembre de 2016 *

23 septiembre 2016 Deja un comentario

BASKIN (Can Evrenol, 2015)

Turkia Duración: 97 min. Guión: Ogulcan Eren Akay, Can Evrenol, Cem Ozuduru, Ercin Sadikoglu Música: Ulas Pakkan Fotografía: Alp Korfali Género: Terror

Reparto: Muharrem Bayrak, Mehmet Akif Budak, Fadik Bülbül, Mehmet Cerrahoglu, Elif Dag, Mehmet Fatih Dokgoz, Aslihan Erguvan, Mümin Kaar, Gorkem Kasal, Sevinc Kaya, Serhat Mustafa Kiliç, Ergun Kuyucu .

Sinopsis: Un escuadrón de policías desprevenidos cruzarán una puerta al infierno cuando se topan con una misa Negra en un edificio abandonado.
db_posters_37124Baskin, esa pesadilla lyncheana (con sabor a Clive Barker) a la turca, no resiste un segundo visionado. Así de rotundo (casi categórico) es mi juicio tras volverla a ver.

Aciertos tiene: la atmósfera insana de ese inframundo al que desciende la patrulla, con su gore a lo Fulci y que tiene su clímax con la salida a escena de ese enano-maestro de ceremonias infernal; el intento de construir un relato en el que el plano de lo onírico se confunde con el plano de lo real, para acabar manifestándose como narración de un auténtico bucle temporal; la escena casi costumbrista en la que se nos presenta a los protagonistas (y que a mí, llaménme rara, es lo que más me interesa del filme)… Pero (uno de esos peros en los que uno se apoya en la sílaba tónica para alargarlo hasta el infinito) no, la película es un no.  Y lo es porque no puede ocultar que su origen es un corto que aquí se ha hinchado con planos innecesarios, escenas alargadas a fuerza de utilizar la cámara lenta y episodios inconexos que poco aportan, hasta conseguir unos escasos noventa minutos que puedan hacerlo pasar por un largo. Escaso sentido del ritmo, una intriga que se apoya en la acumulación y no en la tensión dramática, mera suma de momentos más que trabazón narrativa, son lastres que empañan el resultado cuanto menos cuando ya conoces el argumento. Baskin es una de esas películas que es disfrutable en el marco de un certamen, pero que vista en solitario, y sin el cansancio eufórico que arrastra el espectador durante un festival, no tiene solidez suficiente como para funcionar por ella misma.

Un debut justito el de Can Evrenol y cuidado que ya está trabajando en la secuela. No sé si nos quedarán ganas.

NERUDA (Pablo Larraín, 2016)

Chile/España/Francia. Duración: 107 min. Guión: Guillermo Calderón Música: Federico Jusid Fotografía: Sergio Armstrong Productora: AZ Films / Fabula / Funny Balloons / Participant Media / Setembro Cine / TELEFE Género: Drama biográfico

Reparto: Luis Gnecco, Gael García Bernal, Mercedes Morán, Alfredo Castro, Pablo Derqui, Marcelo Alonso, Alejandro Goic, Antonia Zegers, Jaime Vadell, Diego Muñoz, Francisco Reyes, Michael Silva, Victor Montero

Sinopsis: En 1948, el senador y escritor Pablo Neruda acusa al gobierno chileno de traicionar a los comunistas en el congreso. El presidente González Videla lo desafuera y ordena su captura. El poeta emprende la huida del país junto a su mujer. Mientras es perseguido por el prefecto de la policía, Neruda comienza a escribir “Canto general” y se convierte en símbolo de la libertad y leyenda literaria.

neruda-608834388-largePablo Larraín no ha querido hacer un biopic al uso, él mismo declaraba tras su estreno en Cannes, que la suya “más que una película sobre Neruda, es una película nerudiana”. Larraín toma la figura del poeta y construye un relato poético más cercano a la obra que a un prosaíco documento sobre el autor de la Canción desesperada. El suyo es un retrato ficcionado que juega a mostrarnos la construcción del mito, sin dejar de entrar para ello en su cara oculta, en la húmeda intimidad gástrica como la llamaba Sartre (no es baladí que la película arranque en los lavabos del senado chileno con los políticos discutiéndo allí).

Tomando la falsilla de un momento concreto de la vida de Neruda, el período en el que por la ilegalización del Partido Comunista se vio forzado a la clandestinidad, primero, y al exilio, después, Larraín penetra en el Neruda hombre, con su complejidad y sus contradicciones: mujeriego, megalómano, aburguesado en ocasiones, pero también entrañable, idealista y generoso en otras. Y así nos irá desgranando el reverso de su imagen idealizada y lírica. Pero el director chileno no se limita a ello, si se hubiese limitado a desvelar el lado antiheroíco, su cinta habría sido un retrato plano más, lo que dimensiona el filme del autor de No es haber introducido en la trama la figura del perseguidor, así lo emparenta con el género policíaco pero para llevarlo mucho más allá. La voz narrativa se entreteje con el objeto a narrar y aporta un punto de vista que permitirá la digresión y el metadiscurso.

Al frente de la trama nos encontramos con una tríada protagonista, el poeta, el comisario encargado de detenerlo (de cuya existencia real sólo se conserva el nombre, Óscar Peluchonneau), que pone la voz en off como narrador en primera persona, y la “hormiguita”, Delia del Carril, segunda esposa de Neruda y auténtica artífice de su pátina legendaria. Lo humano y lo mítico se entremezclan en este juego de enfrentamiento entre el poeta y su antagonista, un juego entre gato y ratón que nos trae dos personajes que acaban confundiéndose en uno solo, pues ambos se necesitan para existir (como Los duelistas de Conrad adaptados al cine por Ridley Scott). La primera persona insertada en el filme permite auténticos juegos con el adentro de la ficción narrada y una estancia metadiscursiva en la que se cuece el afuera. No son pocas las escenas en la que este desdoblamiento se plasma con un cambio de eje que nos saca del decorado de la trama para instalarnos en el espacio de la metaficción más universal que la ficción misma. Desde ahí se introducen los hilos de la reflexión sobre el crear mismo que convierte a la cinta de Larraín en un ejercicio que es a la vez de antibiografía y de digresión literaria. Lo importante no es sólo alejarse de la descripción romántica de Neruda, lo verdaderamente significativo es analizar cómo se tejen los mitos, cómo se construyen los iconos y dilucidar quién es el verdadero autor del autor, quién escribe a quién y reparte los roles. En este sentido la secuencia más relevante es la que relata el encuentro (supuesto) entre Peluchonneau y Delia del Carril, secuencia en la que se ponen las cartas narrativas sobre la mesa y viene a concluir que poco importa la historia porque el espacio de la leyenda es el verdadero taller donde se confecciona el sentido. Neruda es también, así, la historia de un sacrificio, el de la esposa del poeta que se busca secundaria para contribuir a que el mito prevalezca, un mito en el que ella ha sido creadora activa pero del que borra su huella porque el vate es el que ha de pasar a la historia como dador de nombre y constructor de épica. Sólo de ese modo se da esperanza a los hombres.

FLORENCE FOSTER JENKINS  (Stephan Frears, 2016)

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Reparto: Meryl Streep, Hugh Grant, Simon Helberg, Nina Arianda, Rebecca Ferguson, Neve Gachev, Dilyana Bouklieva, John Kavanagh, Jorge Leon Martinez, Danny Mahoney, Paola Dionisotti, David Menkin, Tony Paul West, Philip Rosch, Sid Phoenix

Sinopsis: Narra la historia real de Florence Foster Jenkins, una mujer que, al heredar la fortuna de su padre, pudo cumplir su sueño de estudiar para ser soprano. El problema era que carecía de talento, pero la gente acudía a sus recitales para comprobar si de verdad era tan mala cantante como decían los críticos.

florence-foster-jenkins-poster-meryl-streepHace bien poco, concretamente a principios de abril de este mismo año, les hablábamos de Madame Marguerite, una producción europea que abordaba, en clave de ficción, el caso de una millonaria que desea, a pesar de hacerlo nefastamente, cantar ópera en público. Y realiza su sueño, siendo adoptada por unos divertidos anarquistas que harán de ella una figura que podría formar parte de un circo de fenómenos. La historia estaba basada en la de Florence Foster Jenkins, una adinerada norteamericana, y esa historia es la que ha dirigido Stephan Frears en lo que ha resultado ser una coincidencia que podría haber sido desafortunada y, sin embargo, no lo es porque ambas cintas tienen su valor y son dos modélicas producciones (cada una en su estilo y enfoque) que no tienen porque ser comparadas. Si acaso la más ficticia incide más en lo trágico e universal de la anécdota, pero ambas tratan a la imposible soprano con gran tacto, consiguiendo que el espectador ría, pero también sienta, a la vez, lástima y simpatía por ella. Ambas hacen gala de una extrema ternura.

En esta, Meryl Streep encarna a la protagonista con la solvencia que la caracteriza, consiguiendo meterse en el personaje y realizando casi una transformación física a la altura de las de Lon Chaney; mientras que Hugh Grant demuestra que, a pesar de que ya no es aquel joven galán que vivió tan buenos momentos en los años noventa, sigue manteniendo el encanto de antaño y continúa siendo el mejor para interpretar a esos bribones simpáticos que tan bien sabe encarnar. Nos gana con su encanto y su clase. Sin olvidar a Simon Helberg, el tercero en discordia. Popular por ser uno de los protagonistas de la popular serie Big Bang Theory, escapa de su encasillamiento interpretando al pianista que acompaña a la Jenkins. También destaca la banda sonora de Alexandre Desplat.

Comedia agridulce pero, ante todo comedia, Florence Foster Jenkins es una magnífica y refinada propuesta cinematográfica compatible con Madame Marguerite, pues las dos cintas son lo suficientemente diferentes como para convivir e incluso soportar un programa doble conjunto.

EL HOMBRE DE LAS MIL CARAS (Alberto Rodríguez, 2016)

España Duración: 123 min. Guión: Alberto Rodríguez, Rafael Cobos (Libro: Manuel Cerdán) Música: Julio de la Rosa Fotografía: Alex Catalán Productora: Zeta Cinema / Atresmedia Cine / Atípica Films / Sacromonte Género: Thriller

Reparto: Eduard Fernández, José Coronado, Carlos Santos, Marta Etura, Emilio Gutiérrez Caba

Sinopsis: Francisco Paesa (Eduard Fernández), ex agente secreto del gobierno español, responsable de la operación contra ETA más importante de la historia, se ve envuelto en un caso de extorsión en plena crisis de los GAL y tiene que huir del país. Cuando regresa años después está arruinado. En tales circunstancias, recibe la visita de Luis Roldán (Carlos Santos), ex Director General de la Guardia Civil, y de su mujer Nieves Fernández Puerto (Marta Etura), que le ofrecen un millón de dólares si les ayuda a salvar 1.500 millones de pesetas sustraídos al erario público. Paesa ve entonces la oportunidad de vengarse del gobierno español, llevando a cabo una magistral operación con la colaboración de su inseparable amigo Jesús Camoes (José Coronado).

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El Hombre de las Mil Caras es la historia del hombre que engañó a todo un país. Inspirada en el libro periodístico de Manuel Cerdán Paesa, el espía de las mil caras, es un thriller ambientado en los años 90 que gira en torno a la vida del agente secreto español Francisco Paesa y su determinante papel en la fuga y posterior entrega del entonces jefe de la Guardia Civil, Luis Roldán. Pero es mucho más, es la confirmación de Alberto Rodríguez como un magnífico director de thriller, algo que ya demostró con La isla mínima (2014) y que corrobora ahora con esta mezcla de ficción y realidad, espionaje y corrupción. José Coronado, el actor mejor y peor aprovechado del cine español, realiza un magnífico papel como testigo y narrador de todos los acontecimientos en los cuales el principal protagonista es el súperespía español Paesa, magistralmente interpretado por Eduard Fernández, personaje para el cual los demás serán tan solo piezas del tablero a la espera de la jugada maestra.

El director mantiene la tensión durante las dos horas de duración de la cinta (que en este caso resultan justificadas) con el concurso imprescindible de la magnífica banda sonora de Julio de la Rosa, que acompasa el pulso de nuestro corazón con el vertiginoso ritmo de la narración hasta su desenlace. Algunos comentarios cuestionan la utilización de la voz en off, pero su compañía resulta necesaria, de entrada, si no queremos perdernos en la complejidad que en algunos momentos tiene la trama. Pero hay más argumentos en favor de ese recurso, la utilización de la primera persona para narrar nos mete más de lleno en la acción haciéndola más cercana al espectador e imprimiéndole aún mayor fuerza.

Saliendo de ver otra producción española, un crítico afirmaba que en España no se sabía hacer cine de género de calidad, yo defendí entonces (y defiendo ahora) lo contrario, poniendo como ejemplo destacado, precisamente, La isla mínimaEl Hombre de las Mil Caras está nuevamente a la altura de las mejores producciones que ha dado el thriller: sabiamente narrada, con un sentido del ritmo del que sólo las mejores producciones hacen gala, más que meritoria en la construcción de personajes y destilación de la intriga, atenta a los detalles sin olvidar esos toques de humor que imprimen carácter a la trama y la hacen aún más ágil. Es cine corazón, cine con garra, pero también cine de preciosista factura y sabia puesta en escena, con unas interpretaciones sobresalientes y una dirección de pulso perfecto. El Hombre de las Mil Caras, impecable ejercicio de crónica política ficcionada, es cine. Cine de ese que puede escribirse con mayúsculas y perdurar en la historia.

Los ganadores de la WCS (World Cosplay Summit) invitados al Salón del Manga

21 septiembre 2016 Deja un comentario

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El XXII Salón del Manga de Barcelona contará con los mejores cosplayers del mundo. Si ya habíamos anunciado la presencia de TWIN cosplay, los cosplayers mejicanos que ganaron la edición de 2015 del World Cosplay Summit, ahora nos toca anunciar otro galardonado dúo. Rian CYD y Frea Mai son la pareja de cosplayers que acaban de ganar World Cosplay Summit 2016 celebrado en Nagoya, el concurso de cosplay más importante frea-maidel mundo. La pareja sorprendió al público asistente, no solo por la calidad y el detalle de sus trajes si no por su espectacular presentación. Rian CYD y Frea Mai son originarios de Indonesia. CYD es cosplayer desde 2009 y Maidesde 2006. Ambos se hicieron con el principal galardón del WCS ataviado con trajes del manga de Trinity Blood. Rian CYD iba de Cain Knightlord y Frea Mai de Seth Nightlord. El equipo de Indonesia se proclamó vencedor entre los 30 equipos participantes. Un día antes, en la semifinal de la competición, ya se hicieron con el favor del público gracias a su espectacular actuación y sus llamativos efectos visuales.

Rian CYD y Frea Mai participarán en diversos actos del XXII Salón del Manga de Barcelona. Podéis seguirlos en sus respectivas cuentas de Facebook:www.facebook.com/riancydcosplay y www.facebook.com/fairymagicosmaker.

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El XXII Salón del Manga de Barcelona se celebrará del sábado 29 de octubre al martes 1 de noviembre en Fira de Barcelona Montjuïc.

La venta anticipada de entradas se realiza exclusivamente desdewww.ficomic.com.

Bruce Lee The Game of Death

21 septiembre 2016 Deja un comentario

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Director: Robert Clouse. Producción: Raymond Chow. Guión: Robert Clouse. Fotografía: Godfrey A. Godar. Montaje: Alan Pattillo. Música: John Barry. Efectos especiales: Anthony Matt.

Reparto: Bruce Lee, Colleen Camp, Dean Jagger, Gig Young, Robert Wall, Dan Inosanto, Kareen Abdul-Jabbar, Mel Novak.

ARGUMENTO: Billy Lo (Bruce Lee) sufre un intento de asesinato por parte de unos mafiosos. Todos lo creen muerto, así que de esa forma podrá vengarse de todos ellos, no sin antes enfrentarse a varios especialistas en diferentes artes marciales.

613852Muchos de los que éramos niños en los setenta nos quedamos huérfanos cuando murió Bruce Lee tras solo protagonizar cuatro películas de acción. Por muchos imitadores de nombres tan exóticos como Bruce Li o Dragón Lee que nos pusieran delante no nos podían engañar. Había muerto el mejor.

Las productoras intentaron aprovechar el tirón desempolvando y estrenando en salas viejas series como The Green Hornet, con la que en los sesenta se intentó renovar el éxito obtenido por la serie Batman, en este caso con Bruce como Kato, ayudante/sirviente del héroe Britt Reid (Van Wiliams), junto al que luchaba contra el crimen dando algunas patadas voladoras e incluso luciendo un, por entonces, exótico nunchaku.

Pero nada nos podía consolar.

Game of Death debía haber sido la segunda película dirigida por Bruce Lee tras El furor del Dragón, film muy recordado por contener el épico combate contra un por entonces imberbe Chuck Norris en un Coliseum reproducido en los estudios de Hong-Kong. Sin duda Game of Death era su proyecto más ambicioso, ya que enfrentaría su arte de lucha, el Jeet Kune Do, contra otras artes marciales tradicionales. Pero decidió interrumpir el rodaje cuando recibió una oferta que no pudo rechazar proveniente de Warner Bros: El rodaje de Operación Dragón, film con el que por fin apostaban los grandes estudios de Hollywood por él como protagonista.

Y Operación Dragón fue un gran éxito en todo el mundo, aunque poco ante de su estreno Bruce Lee falleció.

Murió el hombre y nació la leyenda.

Pero no olvidemos que quedaba un poco de material rodado para Game of Death: tres combates coreografiados y dirigidos por el mismo Bruce. Un material al que tras añadirle un nuevo guión, remontarlo chapuceramente y completar el metraje con un doble, fue lanzado a bombo y platillo en 1978 como la nueva película “del auténtico” Bruce Lee. Una cinta que corrimos a ver pero que en general defraudó.

Excepto cuando salían esos tres combates. Entonces la pantalla (y la platea) estallaba en llamas.

Así que cuando en el año 2000 John Little recopiló las extensas anotaciones realizadas por el actor y director y con acceso a todo el material rodado hizo un montaje tal y como lo había pensado Bruce Lee, uno no pudo menos que emocionarse por haber visto un fragmento real de la auténtica Game of Death, tal y como su creador la había concebido.

El resultado es posiblemente el más importante documento sobre el arte de la lucha que nunca se haya rodado.

 

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