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Archive for 30 agosto 2016

Las lecturas de Serendipia: Godzilla y compañía pisotean Tokio

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LUCHA DE GIGANTES. Godzilla, Gamera, Mothra y otros monstruos enormes de Japón

Juan Luis Sánchez y Luis Miguel Carmona (Tapa dura, 234 págs. Diábolo Ediciones)

lucha_portadaAhora que en breve retornará Godzilla a las pantallas protagonizando una superproducción y que se avecinan encuentros entre el saurio japonés y King-Kong, el entrañable gorila, es un buen momento para echar un profundo vistazo al Kaiju eiga, un subgénero que inundó las pantallas del mundo de actores en traje de monstruo pisoteando detalladas maquetas de Tokio. En España los niños que crecieron durante los años sesenta y sobre todo setenta, pudimos ver cintas como La batalla de los simios gigantes, King-Kong se escapa o Gorgo y Superman se citan en Tokio, películas que desataron nuestra fantasía desde los cines de barrio. Este subgénero, heredero del terror atómico que perduró en el pueblo japonés tras los innecesarios lanzamientos de las bombas en Hiroshima y Nagasaki, dio pie a un buen número de películas con monstruo gigante que, partiendo en 1954 con Godzilla y Japón bajo el terror del monstruo (Gojira, Ishirô Honda) ha llegado hasta nuestros días. Juan Luis Sánchez y Luis Miguel Carmona recopilan en este ameno libro un buen puñado de datos sobre las películas, cómics, merchandising y en general todo lo que ha generado el mundo del Kaiju a su alrededor, con especial dedicación a Godzilla, el primero y más popular de todos ellos, pero dando un repaso a otro populares seres como Mothra, Gamera, Megalon o Rodan y sus respectivas sagas. Los autores, a pesar de declararse fan absolutos de estas cintas, aceptan la pobreza de medios de algunos de estos títulos, que no dudan en calificar como pésimos. Y esa objetividad se agradece.

Gracias a este libro el neófito podrá saber que el Kaiju se divide en de tres épocas: Showa (1954-75), Heisei (1984-1995) y Millennium (1999-2004), cada una de ellas con sus propias características, además de otros datos sorprendentes ¿Saben lo que es el Jumping Shie? o ¿han oído hablar sobre la leyenda de los dos finales de King-Kong contra Godzilla? ¿Sabían que en una de las películas de la saga Godzilla habla? ¿Conocen al ridículo hijo de Godzilla? ¿Y sabían que tanto el padre como el hijo mueren en una de las cintas y que tuvieron que revivirlos ante el fracaso del filme de Emmerich? Pues todas estas cuestiones y muchas otras de más calado encuentran respuesta en las paginas de Lucha de gigantes, sin olvidar las versiones americanas de estas cintas, muchas con diferentes bandas sonoras y duración reducida.

Pero los autores, además de detallar el universo Godzilla, repasando los títulos que protagonizó el lagarto atómico en las tres épocas del Kaiju eiga, se detienen, tal y como ya hemos indicado, en otros derivados como Ultraman y sus kaijus televisivos; el merchandising que ha invadido el planeta de muñecos, cómics o video-juegos; y las filmografías de Godzilla y otros monstruos japoneses, todo ello ilustrado con llamativos posters originales y fotografías a todo color.

Sin lugar a dudas resulta una lectura amena con la que introducirse en el apasionante y pintoresco mundo de los Kaiju eiga.

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AL HABLA CON JUAN LUIS SÁNCHEZ: “Conforme pasan los años, los Kaiju adquieren nuevos significados”

Juan Luis Sánchez es uno de los autores de Lucha de gigantes. Nacido en Madrid en 1972, es Licenciado en Ciencias de la Información y redactor y crítico de decine21.com. Ha formado parte de la plantilla de medios como diario Ya, Gaceta de los negocios, Estrenos de cine y Época, entre otros. Ha escrito Audrey Hepburn: Icono de la gran pantalla (Ed. Jaguar) y, junto a Luis Miguel Carmona, Peter Jackson: de Mal gusto a El hobbit (Ed. Jaguar), Tim Burton y sus mundos de fantasía (Ed. Jaguar) y De Perdidos a Star Wars, J. J. Abrams: un hombre y sus sueños, también para Diábolo Ediciones.

13244054_10209096868966103_3514428853910522753_o (2)¿Por qué has escogido escribir sobre los Kaiju eiga?

 Siempre ha sido mi placer culpable. Es decir, los críticos de cine ‘serios’ aseguran que en general tienen baja calidad. Pero no puedo evitar que me encanten, y me recuerden la fascinación que sentía por ellos de niño. Compartía esa pasión por Luis Miguel Carmona, y ahora que está de moda todo lo japonés, y que salía otra versión nipona de Godzilla era el momento genial para lanzar un libro.

¿No te parece que el Kaiju nació en una época y con un mensaje muy concreto que se ha ido diluyendo conforme ha evolucionado en sus tres etapas?

Nació en plena época del terror nuclear, cuando los japoneses todavía estaban conmocionados por la bomba atómica de Hiroshima y Nagasaki. A lo largo del tiempo este mensaje se ha quedado anticuado, ya no tenemos el mismo miedo que entonces, pero seguimos teniendo pánico a que nos destruyan nuestra casa, y a quedarnos sin nada, por lo que conforme pasan los años, los kaiju adquieren nuevos significados.

¿Piensas que el kaiju puede ser bien adaptado por otros países que no sean asiáticos?

Las asíáticas, no sólo las japonesas, sino también sobre todo las coreanas tienen un encanto especial. Pero ha habido excelentes cintas occidentales, destaco sobre todo Gorgo, de 1961, una producción británica dirigida por Eugéne Louirié, rodada con amplio presupuesto y que es realmente buena.

 ¿Cuál es tu opinión sobre las adaptaciones americanas, en concreto esta última y los proyectos que hay en camino?

En la peli de Gareth Edwards, las escenas de monstruos son brillantes, pero los humanos dejan mucho que desear, cuando dejan de salir los personajes de Bryan Cranston y Juliette Binoche, el film hace aguas. Pero es mucho mejor que la de Roland Emmerich, de 1998, una sucesión absurda de destrucciones que no acaba de funcionar.

¿Para ti cual sería la mejor película con monstruo gigante?

Me quedo con Japón bajo el terror del monstruo (1954), de Ishiro Honda, porque inventó el género, en lugar de abusar de imágenes del monstruo, sugiere mostrando partes del mismo, y compone una atmósfera muy sugerente en blanco y negro. Además, me encantó Gamera 3, la venganza de Iris, de Sushuke Kaneko, menos conocida, pero estupenda.

56833527¿Recuerdas cual fue el primer Kaiju que viste?

Gorgo y Superman se citan en Tokio, en una proyección en el colegio, con los compañeros. Primero fue decepcionante porque no era el Superman que conocíamos, sino un robot gigante que se llamaba en realidad en el original Jet Jaguar, Gorgo no era el monstruo británico, sino Godzilla, y para colmo de males… ¡jamás llegan a Tokio! Pero al final acabamos fascinados por esos monstuos gigantes que nos atemorizaban, pero nos encantaban.

Es vuestro cuarto libro en colaboración  ¿De qué forma os repartís la tarea? ¿Os habéis repartido las películas a la hora de comentarlas?

La verdad es que somos un poco caos, pero básicamente nos reunimos mucho para hablar de lo que vamos a poner, y nos repartimos los capítulos. Cuando cada uno acaba de escribirlo, el otro le añade retoques.

¿Por qué habéis dado al libro un lenguaje tan coloquial?

Creemos que así resulta más ameno y accesible a todo el mundo. Ya existen otros libros de cine que pretenden sentar cátedra, con un tono más sesudo, pero creemos que se hace más divertido si lo hacemos más distendido, sin perder la rigurosidad en la documentación y los datos. Hasta ahora nos ha funcionado muy bien en los libros de Diábolo.

http://www.diaboloediciones.com/

Novedad Applehead Team: ‘Héroes de papel y celuloide Vol. 1’ de Alex Medina

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De un tiempo a esta parte, los cómics suponen una de las principales fuentes de inspiración de Hollywood, nutriendo a las superproducciones más espectaculares de héroes y villanos que forman parte de una mitología arraigada con fuerza en el imaginario heroes-de-papel-y-celuloidecolectivo. Sin embargo, lo de adaptar viñetas al celuloide no es algo tan reciente como podríamos pensar, presentándose esta relación entre ambos medios casi desde los orígenes de los mismos. Así, la cantidad de adaptaciones cinematográficas o televisivas de historias nacidas en los cómics puede parecer inabarcable para cualquier lector o espectador que se atreva a investigar sobre ello. Para hacer esta aventura más fácil, Héroes de papel y celuloide, de Alex Medina, desglosa alfabéticamente todas las historietas que han sido trasladadas al medio audiovisual, relatando los orígenes de cada personaje y analizando todas y cada una de sus adaptaciones en imagen real.

Héroes de papel y celuloide es el resultado de un proceso que se ha prolongado durante quince años y que toma forma ahora en publicación impresa a través de la editorial Applehead Team Creaciones, dividida en dos volúmenes debido a la longitud del estudio. En esta primera parte, el autor se centra principalmente en DC Comics, casa de la que han emergido titanes como Batman, Superman, The Flash o Wonder Woman, repasando desde los primeros seriales que daban vida a esos personajes hasta las más recientes producciones cinematográficas y televisivas.

Pero, aunque el grueso del libro esté dedicado a DC, hay hueco también en este primer volumen para tratar las adaptaciones surgidas de cómics de otras editoriales: Archie, Avatar, Boom, Los Comex, Condé Nast, Dark Horse, Darkstorm, EC, Event, Fantagraphics, First, Fleetway o Harris, de las que han surgido El Cuervo, La Máscara o Juez Dredd, entre muchos otros. El segundo volumen, de próxima aparición, se ocupará de Marvel y de otro grupo de editoriales anglosajonas.

Héroes de papel y celuloide es una guía imprescindible para cualquier aficionado a los cómics y especialmente para aquellos interesados en profundizar en su traspaso a las imágenes en movimiento.

Más información:

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Samara ha vuelto… ‘Rings’ de Javier Gutiérrez: Tráiler y póster

En esta entrega de la saga de culto de terror Ring, que se estrenará el 2 de diciembre, una joven angustiada por su novio, que investiga la oscura subcultura que rodea una misteriosa cinta de video, de la que se dice que asesina a sus espectadores a los siete días de haberla visto, decide sacrificarse para salvarle, y al hacerlo, un descubrimiento le hiela la sangre: hay una “película dentro de la película” que nadie ha visto jamás…

Dirigida por el español F. Javier Gutierrez (“Tres días”) supone su debut cinematográfico en la meca del cine, dirigiendo a actores como Matilda Lutz, Alex Roe, Johnny Galecki, Aimee Teegarden, Bonnie Morgan y Vincent D’Onofrio.

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Categorías:TRAILERS RECOMENDADOS

Fimucité presenta el spot y el cartel de su décima edición

Los ejes temáticos del Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife, la música de Howard Shore y las space operas, se dan la mano en su póster oficial.

FIMUCITÉ-CARTEL_webEl spot publicitario de la décima edición del Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife (FIMUCITÉ) y su cartel promocional ya están disponibles. La sugerente pieza audiovisual del festival, que tendrá lugar entre el 23 de septiembre y el 1 de octubre con el patrocinio del Cabildo Insular de Tenerife, el Gobierno de Canarias y el Ayuntamiento de Santa Cruz, ha sido realizada por Vasni Ramos y recuerda el paso por la isla de numerosos compositores que forman parte del Olimpo de la música de cine, renombrados directores de orquesta y otros destacados invitados que han protagonizado momentos estelares en estos diez años. El spot cuenta con imágenes cedidas por I Love Santa Cruz.

De otro lado, FIMUCITÉ celebra la participación en su décimo aniversario del oscarizado autor de las bandas sonoras de las trilogías de “El Señor de los Anillos” y “El Hobbit” Howard Shore dedicándole el cartel de este año. El concierto programado para la Gala de Clausura del festival, que acogerá el 1 de octubre el Auditorio de Tenerife “Adán Martín”, recorrerá la filmografía de Shore con la interpretación de piezas pertenecientes a “El Silencio de los Corderos”, “Se7en” y “El Aviador”, entre otras películas, por parte de la Orquesta Sinfónica de Tenerife, bajo la batuta de Diego Navarro, el Tenerife Film Choir y el Coro de Voces Blancas del Conservatorio de Santa Cruz de Tenerife.

Obra de Guillermo de la Peña López, el póster rinde también homenaje de forma especial al cine de ciencia ficción y al subgénero de las space operas, que centrarán el concierto del viernes 30 de septiembre que será dirigido por Christian Schumann en la ejecución de la música escrita por John Williams, Jerry Goldsmith, Michael Giacchino, Eric Serra, Hans Zimmer o Steven Price para acompañar las historias y aventuras de los personajes de sagas como “Star Wars” y “Star Trek” y otros títulos imprescindibles del género como “El Quinto Elemento”, “Interstellar” o “Gravity”.

Categorías:w Otros festivales

VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 26 de agosto de 2016 *

EXPERIMENTER: LA HISTORIA DE STANLEY MILGRAM (Experimenter, Michael Almereyda, 2015

USA. Duración: 90 min. Guión: Michael Almereyda Música: Bryan Senti Fotografía: Ryan Samul Productora: BB Film Productions / FJ Productions / Intrinsic Value Films Género: Drama biográfico

Reparto: Peter Sarsgaard, Winona Ryder, Taryn Manning, Kellan Lutz, Anton Yelchin, John Leguizamo, Dennis Haysbert, Lori Singer, Josh Hamilton, Anthony Edwards, Jim Gaffigan, Vondie Curtis-Hall

experimenter-149134736-largeSinopsis: En 1961, Stanley Milgram llevó a cabo una serie de experimentos sobre la obediencia en la Universidad de Yale. La investigación, planteada a raíz del juicio a Adolf Eichmann (el criminal de guerra nazi que alegó obediencia debida en su defensa durante su juicio en Israel), pretendía dilucidar la relación de las personas con la autoridad. Pronto el doctor comenzó a comprobar ciertos aspectos del comportamiento humano que no habían sido descubiertos, lo que provocará una de las polémicas más impactantes del siglo XX. La violencia del experimentos hizo que Milgram fuera, además, tildado de sádico.

Estrenada en el festival de Sundance, esta película pudimos verla en el Festival de Sitges, en el que fue proyectada dentro de la Sección Órbita. Dirigida por el director de Nadja (1995), cinta que nos ofrecía una visión ultracool del vampirismo a todo blanco y negro, esta película nos propone una atípica y experimental mirada a varios experimentos que dieron pie a teorías que el triunfo de Pokemon Go! y la adicción al móvil en general han confirmado años después: que el humano es fácilmente influenciable y que cuestiona poco o nada la autoridad, a pesar de tener libertad de acción. Va por donde le mandan y adopta con suma facilidad posiciones borreguiles.  Y todo ello Almereyda nos lo muestra de forma poco o nada convencional. Sino ¿Qué explica la presencia de niños verdes, elefantes y el continuo hablar a cámara del protagonista? Todo forma parte de  esta interesante extravagancia que, lamentablemente, resulta a momentos aburrida y que cuenta con Peter Sarsgaard (al que hemos visto recientemente en El caso Fischer), interpretando a Stanley Milgram y una recuperada Winona Ryder.

 

HEIDI (Alain Gsponer, 2015)

Alemania/Suiza. Duración: 106 min. Guión: Petra Biondina Volpe (Novela: Johanna Spyri) Música: Niki Reiser Fotografía: Matthias Fleischer Productora: Claussen Wöbke Putz Filmproduktion / Zodiac Pictures International / Schweizer Radio und Fernsehen (SRF) Género: Drama

Reparto: Bruno Ganz, Katharina Schüttler, Jella Haase, Anuk Steffen, Maxim Mehmet, Peter Lohmeyer, Rebecca Indermaur, Hannelore Hoger, Isabelle Ottmann, Quirin Agrippi, Michael Kranz, Heinrich Giskes, Anna Schinz, Monica Gubser, Peter Jecklin, Markus HeringS

Heidi_poster_goldposter_com_2Sinopsis: La huerfanita Heidi (Anuk Steffen) pasa los días más felices de su infancia junto a su solitario abuelo, el Viejo de los Alpes (Bruno Ganz), aislado en una modesta cabaña de los Alpes, en las montañas Bündner. Junto a su amigo, Pedro (Quirin Agrippi), cuida de las cabras del abuelo y disfruta de la libertad en las montañas. De repente los días felices llegan a su fin, cuando su tía Dete (Anna Schinz) se la lleva a Frankfurt. Allí, en la familia del adinerado señor Sesemann (Maxim Mehmet), se convierte en la inseparable amiga de Clara (Isabelle Ottmann), una jovencita paralítica que debe aprender a leer y a escribir bajo la supervisión de su estricta institutriz, la señorita Rottenmeier (Katharina Schüttler). A pesar de que las dos niñas se hacen amigas pronto y de que la abuela de Clara (Hannelore Hoger) despierta en Heidi la pasión por leer y escribir, la añoranza por sus queridas montañas y el abuelo es cada día mayor…

Bruno Ganz cambia de registro y pasa de un papel tan extremo como el de Adolf Hitler a otro bien diferente, el del duro, pero de corazón de oro, abuelo de Heidi en esta cinta que adapta la inmortal obra de Johanna Spyri que los niños de mi generación vimos en forma de anime. Así que es inevitable no comparar a los personajes con los recordados caracteres de la serie de animación japonesa. Pero dejando aparte comparaciones, esta cinta es verdaderamente notable. Contiene bellos paisajes de las montañas, pues ha sido rodado en Sufers, Splügen y Bergün, en el Cantón de los Grisones. Pero además muy buenas actuaciones, no tan solo del siempre brillante Bruno Ganz, sino también de la sorprendente Anuk Steffen, actriz de 9 años que resultó seleccionada de entre 500 competidoras en un casting y que interpreta a Heidi a la perfección gracias a su alegría e inocencia. Lo único es que, el recuerdo de la serie hace que las cosas parezca que sucedan más rápido en el filme. Pero ya se sabe, el formato es el formato, y el filme tiene que introducir a todos los personajes, tomando forma física, además del abuelo y Heidi, Clara, Pedro o la Señorita Rottenmeier.

Por cierto, no sale el perro Niebla ¡Cáscaras!

 

Categorías:VAMOS DE ESTRENO

VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 19 de agosto *

SECUESTRO (Mar Tarragona, 2016)

España. Duración: 105′ Guión: Oriol Paulo Música: Marc Vaillo Fotografía: Sergi Bartoli Productora: Rodar y Rodar Cine Género: Thriller

Reparto: Blanca Portillo, José Coronado, Antonio Dechent, Macarena Gómez, Vicente Romero, Nausicaa Bonnín, José María Pou, Marc Domenech

Secuestro_-_Cartel_Final.jpg_cmykSinopsis: Patricia es una abogada que ve su vida trastornada cuando su hijo Víctor desaparece del colegio. Cuando el chico regresa a casa, asegura que un hombre ha intentado secuestrarlo y lo reconoce en una rueda de identificación. Pero como las pruebas no son definitivas, el sospechoso queda en libertad. Temerosa de que algo pueda pasarle a su hijo, Patricia decide quebrantar los principios y tomarse la justicia por su mano, lo que acabará teniendo consecuencias imprevisibles.

Mar Targarona, directora fraguada en televisión, no puede escapar de lo peor de esa factura con este thriller que se queda en el camino sin alcanzar otros productos mejor acabados como No habrá paz para los malditos o La isla mínima. Nadie está convincente en su papel, y los personajes no están bien perfilados, no consiguiendo que empaticemos con ellos en ningún momento. La intriga no está lo suficientemente bien asentada, de modo que el giro final no resulta siquiera verosímil al estar tan mal trazada la coherencia interna del relato.

Y es una lástima, ya que en Secuestro se reencuentran tres de los protagonistas de la memorable serie Padre Coraje (Beníto Zambrano, 2002), Antonio Dechent, siempre convincente como policía, Macarena Gómez y Vicente Romero, un muy eficaz actor en papeles lumpen que aquí ejerce en el lado de la ley.

 

STAR TREK: MÁS ALLÁ (Star Trek Beyond, Justin Lin, 2016)

USA. Duración: 120 min. Guión: Simon Pegg, Doug Jung, Roberto Orci, John D. Payne, Patrick McKay (Personajes: Gene Roddenberry)Música: Michael Giacchino Fotografía: Stephen F. Windon Productora: Paramount Pictures / Bad Robot / Skydance Productions Género: Ciencia ficción.

Reparto: Chris Pine, Zachary Quinto, Zoe Saldana, Karl Urban, Simon Pegg, Anton Yelchin, John Cho, Idris Elba, Sofia Boutella, Joseph Gatt, Deep Roy, Lydia Wilson, Joe Taslim, Adam DiMarco, Ashley Edner, Christian Sloan, Jodi Haynes

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Sinopsis: El USS Enterprise, la nave insignia de la Flota Estelar liderada por el capitán James T. Kirk (Chris Pine), vuelve a surcar el universo para asegurarse de la protección de la Tierra y del resto de planetas aliados. Pero la tranquilidad durará poco y el peligro acecha. La primera etapa de su misión les llevará a un territorio desconocido, y su travesía de vigilancia pronto se convertirá en una carrera por la supervivencia espacial cuando se enfrenten a un nuevo y fiero enemigo, Krall (Idris Elba), una especie alienígena avanzada. Para frenar sus siniestros planes, Kirk deberá reunir a su equipo y usar todo sus recursos para resolver los desafíos a los que se enfrentarán. A la vez que intentan encontrar el modo de volver a la Tierra, su misión será proteger el futuro de la raza humana y preservar la armonía entre especies…

Esta entrega de la nueva saga de Star Trek es la más floja de las tres, pero eso no significa que nos parezca mala o aburrida. Ni mucho menos. Casi desde el principio no da respiro al espectador, ofreciendo acción desbocada y humor en un espectáculo pirotécnico que, de acuerdo, tiene un argumento muy básico que podría ser el de alguno de los episodios originales. Tan bien arropado y desarrollado como exento de trascendencia. Los personajes han conseguido conquistarnos, hemos empatizado con ellos y tras su climax de impacto dejan al espectador con ganas de más. Bien, de nuevo, por la tripulación del Enterprise y por esta emocionante y bien construida Space Opera a la que se ha incorporado la atractiva Sofia Boutella, actriz a la que ya vimos en acción (y con menos maquillaje) en Kingsman (2014) y a la que volveremos a disfrutar encarnando a la momia en la producción del mismo nombre que está ultimando Alex Kurtzman.

 


LA ESTACIÓN DE LAS MUJERES (Parched, Leena Yadav, 2015)

India. Duración: 116 min. Guión: Supratik Sen, Leena Yadav Música: Hitesh Sonik Fotografía: Russell Carpenter Sachdeva Productora: Ashlee Films / Blue Waters Motion Pictures / Brillstein Entertainment Partners Género: Drama

Reparto: Adil Hussain, Radhika Apte, Surveen Chawla, Tannishtha Chatterjee, Sayani Gupta, Sumeet Vyas, Mahesh Balraj, Lehar Khan, Chandan Anand, Riddhi Sen, Farrukh Jaffar, Tanya

427961.jpg-r_1280_720-f_jpg-q_x-xxyxxSinopsis: En un pequeño pueblo del estado de Gujarat, en la India actual, cuatro mujeres se atreven a oponerse a los hombres y a las tradiciones ancestrales que las esclavizan. Alentadas por su amistad entre ellas y su deseo de libertad, se enfrentan a sus demonios y sueñan con el amor y otro mundo.

La directora Leena Yadav, que debutó con un drama musical protagonizado por la súper estrella femenina Aishwarya Rai y más tarde realizó un thriller con el Teem Patti (juego de cartas indio) y Ben Kingsley como protagonistas, se ha decantado con esta, su tercera cinta, por abordar de forma muy optimista algo que no deja de ser un drama: la condición femenina en la India. Consigue ese optimismo a base de poner, con gran ingenio,  mucho humor y una contagiosa vitalidad en las protagonistas de unas historias de mujeres aplastadas por la religión, la tradición y el varón. La estación de las mujeres es un canto a la rebeldía femenina en la que se denuncian ritos y tradiciones ancestrales como el matrimonio concertado, tradiciones que resultarán aún más chocantes para el espectador occidental cuando vea como la misma madre que negocia una esposa para su hijo, responde a una llamada con el móvil que acaba de comprar. La modernidad no borra por ella misma las lacras de la costumbre ancestral, pero sí le introducen ironía, una ironía que al final sí acabará siendo subversiva.

Una prostituta, una mujer maltratada, una viuda joven y una esposa comprada. Mujeres que creen a pies juntillas (o sólo comienzan a pensar que, a lo mejor, no es cierto) el dicho de que “las mujeres que leen no son buenas esposas”, protagonizan esta película independiente que muestra una realidad muy diferente a la que nos narra la industria cinematográfica de Bollywood. Destacan las magníficas actuaciones de las protagonistas, así como el tono de auto denuncia que tiene el filme, en el que esas mujeres heridas, maltratadas, encontrarán su momento de libertad y paz gracias a la amistad.

Una magnífica cinta que hay que ver, no tan solo por lo que narra, sino por como lo narra.

 

LOS CABALLEROS BLANCOS (Les chevaliers blancs, Joachim Lafosse, 2015)

Bélgica/Francia Duración: 112 min. Guión: Zélia Abadie, Bulle Decarpentries Fotografía: Jean-François Hensgens Productora: Versus Production / Les Films du Worso Género: Drama

Reparto: Vincent Lindon, Louise Bourgoin, Valérie Donzelli, Reda Kateb, Yannick Renier, Stéphane Bissot, Tatiana Rojo, Philippe Rebbot, Tibo Vandenborre, Jean-Henri Compère

Sinopsis: Jacques Arnault, presidente de la ONG ‘Move for kids’, planea una gran operación: él y su equipo piensan sacar del Chad a 300 huérfanos, víctimas de la guerra civil, y entregarlos a parejas francesas que han tramitado solicitudes de adopción. La periodista Françoise Dubois los acompaña para cubrir la información. Inmersos en la brutal realidad de un país en guerra, los miembros de la ONG empiezan a desmoralizarse y empiezan a preguntarse cuáles son los límites de una intervención humanitaria.

201815.jpg-r_1280_720-f_jpg-q_x-xxyxxEl director, Joachim Lafosse,  se ha apoyado en un suceso real (conocido como el caso del Arca de Noé)  para desarrollar esta narración que trata sobre el relativismo moral y las difusas fronteras entre el bien y el mal. “Me apasiona el tema del infierno lleno de buenas intenciones”, explica el director, quien se vio muy interesado por una historia  en la que personas con buenos propósitos terminan por llevar a cabo actos inmorales. Como sigue explicando Lafosse, “Con Los caballeros blancos deseé ponerme del lado de los africanos que ignoran totalmente las intenciones reales de los humanitarios franceses. Les dicen que se harán cargo de huérfanos hasta la edad de 15 años, que les alimentarán, alojarán e instruirán… y se lo creen. Algunos llegan a entregar a sus hijos con la muy loable intención de ponerles a salvo y alejarles de la miseria. Su actitud está dictada por la necesidad y no tiene nada que ver con la de los supuestos profesionales del humanitarismo, que planean llevarse a esos niños porque unas familias francesas desean adoptarlos, partiendo del principio de que su futuro será  mejor en Francia que en un país en guerra”. Algo muy similar a lo que nos mostró, en clave de terror, el francés Pascal Laugier en su incomprendida El hombre de las sombras (The Tall Man, 2012), aunque enmarcado dentro de un conflicto clasista.

Protagonizada por Vincent Lindon, actor al que vimos recientemente en la fantástica La ley del mercado, da vida a Jacques Arnault, el principal responsable de la misión ‘humanitaria’. Tal y como explica el director: “Vincent aporta al personaje la dimensión necesaria para que el espectador se adhiera a la idea: no es un hombre interesado, es generoso, y si se ha dejado llevar por una acción moralmente inaceptable, ha sido de forma inconsciente. Para él, “salvar a los niños” basta para justificar las mentiras y la realidad: el rapto de niños. Al contrario de su compañera Laura, interpretada por Louise Bourgoin, que tiene fe en la misión – casi parece sacada de “Los justos”, de Albert Camus -, el personaje de Arnault, a fin de cuentas, solo cree en sí mismo. Él es lo sagrado, él es la ley. No habría podido hacerlo sin Vincent Lindon, me ofreció su inteligencia”.

El peliagudo tema de las ONG’s visto en clave negativa, reflejando la relación del primer mundo con los dramas del tercero y el papel mesiático adoptado por estos salvadores de pacotilla occidentales que lo único que buscan finalmente es, como siempre, el expolio y el robo, en este caso de niños. Con la acción ubicada en Chad pero rodada en Marruecos, el director ha querido darle un aire documental, por lo cual ha prescindido de banda sonora optando también por un rodaje cámara en mano, directo y de aspecto descuidado para dar verosimilitud a su cinta, algo que sin duda ha convencido ya que el director se hizo con la Concha de Plata al mejor director en el Festival de cine de San Sebastián.

 

Categorías:VAMOS DE ESTRENO

‘Inside’, de Miguel Ángel Vivas, inaugurará Sitges 2016

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La producción catalana es un remake de la cinta francesa ‘À l’intérieur’, escrito por Jaume Balagueró y Manu Díez, con reparto internacional y rodado en inglés

El Festival de Sitges levantará el telón de su 49ª edición con la première europea de la terrorífica Inside, una cinta dirigida por Miguel Ángel Vivas (SecuestradosExtinction), con guión de Jaume Balagueró y su colaborador habitual Manu Díez, y protagonizada por Rachel Nichols y Laura Harring. Se trata de una producción de Adrián Guerra y Núria Valls (Nostromo Pictures).

Los peores temores de la audiencia cobrarán vida en Inside, película inaugural de la 49ª edición del Sitges – Festival Internacional de insideCinema Fantàstic de Catalunya, que tendrá lugar del 7 al 16 de octubre. El certamen apuesta, una vez más, por la producción autóctona en su gala de apertura, reafirmando su compromiso con el cine catalán.

La historia de Inside sigue los pasos del film en que se basa, À l’intérieur, dirigido por Alexandre Bustillo y Julien Maury, que impactó el público en Sitges 2007 y se ha convertido en una cinta de culto. Así, una joven viuda, embarazada y deprimida, intenta reconstruir su vida después del fatídico accidente de tráfico en el que perdió a su pareja y su oído de manera parcial. Ahora, a punto de dar a luz, vive en una casa aislada de un suburbio cuando, una noche de Navidad, recibe la visita inesperada de otra mujer con un objetivo demoledor: arrebatarle el bebé que lleva dentro. Pero la furia de una madre para proteger a su hijo nunca puede ser subestimada. Rachel Nichols (The LoopTokarevCuatro Fantásticos) y Laura Harring (Mulholland DriveInland EmpireEl amor e n los tiempos del cóleraThe Punisher) interpretan los dos papeles principales en esta lucha cuerpo a cuerpo, brutal y sangrienta.

Inside está producida por Nostromo Pictures, una compañía con base en Barcelona que ha estado detrás de los films de Rodrigo Cortés Buried y Red LightsGrand Piano, que inauguró el Festival de Sitges en 2013 o el éxito de taquilla Palmeras en la nieve. Tiene en marcha los thrillers El guardián invisible y Contratiempo.

Categorías:Festival de Sitges
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