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Las lecturas de Serendipia: Godzilla y compañía pisotean Tokio
LUCHA DE GIGANTES. Godzilla, Gamera, Mothra y otros monstruos enormes de Japón
Juan Luis Sánchez y Luis Miguel Carmona (Tapa dura, 234 págs. Diábolo Ediciones)
Ahora que en breve retornará Godzilla a las pantallas protagonizando una superproducción y que se avecinan encuentros entre el saurio japonés y King-Kong, el entrañable gorila, es un buen momento para echar un profundo vistazo al Kaiju eiga, un subgénero que inundó las pantallas del mundo de actores en traje de monstruo pisoteando detalladas maquetas de Tokio. En España los niños que crecieron durante los años sesenta y sobre todo setenta, pudimos ver cintas como La batalla de los simios gigantes, King-Kong se escapa o Gorgo y Superman se citan en Tokio, películas que desataron nuestra fantasía desde los cines de barrio. Este subgénero, heredero del terror atómico que perduró en el pueblo japonés tras los innecesarios lanzamientos de las bombas en Hiroshima y Nagasaki, dio pie a un buen número de películas con monstruo gigante que, partiendo en 1954 con Godzilla y Japón bajo el terror del monstruo (Gojira, Ishirô Honda) ha llegado hasta nuestros días. Juan Luis Sánchez y Luis Miguel Carmona recopilan en este ameno libro un buen puñado de datos sobre las películas, cómics, merchandising y en general todo lo que ha generado el mundo del Kaiju a su alrededor, con especial dedicación a Godzilla, el primero y más popular de todos ellos, pero dando un repaso a otro populares seres como Mothra, Gamera, Megalon o Rodan y sus respectivas sagas. Los autores, a pesar de declararse fan absolutos de estas cintas, aceptan la pobreza de medios de algunos de estos títulos, que no dudan en calificar como pésimos. Y esa objetividad se agradece.
Gracias a este libro el neófito podrá saber que el Kaiju se divide en de tres épocas: Showa (1954-75), Heisei (1984-1995) y Millennium (1999-2004), cada una de ellas con sus propias características, además de otros datos sorprendentes ¿Saben lo que es el Jumping Shie? o ¿han oído hablar sobre la leyenda de los dos finales de King-Kong contra Godzilla? ¿Sabían que en una de las películas de la saga Godzilla habla? ¿Conocen al ridículo hijo de Godzilla? ¿Y sabían que tanto el padre como el hijo mueren en una de las cintas y que tuvieron que revivirlos ante el fracaso del filme de Emmerich? Pues todas estas cuestiones y muchas otras de más calado encuentran respuesta en las paginas de Lucha de gigantes, sin olvidar las versiones americanas de estas cintas, muchas con diferentes bandas sonoras y duración reducida.
Pero los autores, además de detallar el universo Godzilla, repasando los títulos que protagonizó el lagarto atómico en las tres épocas del Kaiju eiga, se detienen, tal y como ya hemos indicado, en otros derivados como Ultraman y sus kaijus televisivos; el merchandising que ha invadido el planeta de muñecos, cómics o video-juegos; y las filmografías de Godzilla y otros monstruos japoneses, todo ello ilustrado con llamativos posters originales y fotografías a todo color.
Sin lugar a dudas resulta una lectura amena con la que introducirse en el apasionante y pintoresco mundo de los Kaiju eiga.
AL HABLA CON JUAN LUIS SÁNCHEZ: «Conforme pasan los años, los Kaiju adquieren nuevos significados»
Juan Luis Sánchez es uno de los autores de Lucha de gigantes. Nacido en Madrid en 1972, es Licenciado en Ciencias de la Información y redactor y crítico de decine21.com. Ha formado parte de la plantilla de medios como diario Ya, Gaceta de los negocios, Estrenos de cine y Época, entre otros. Ha escrito Audrey Hepburn: Icono de la gran pantalla (Ed. Jaguar) y, junto a Luis Miguel Carmona, Peter Jackson: de Mal gusto a El hobbit (Ed. Jaguar), Tim Burton y sus mundos de fantasía (Ed. Jaguar) y De Perdidos a Star Wars, J. J. Abrams: un hombre y sus sueños, también para Diábolo Ediciones.
¿Por qué has escogido escribir sobre los Kaiju eiga?
Siempre ha sido mi placer culpable. Es decir, los críticos de cine ‘serios’ aseguran que en general tienen baja calidad. Pero no puedo evitar que me encanten, y me recuerden la fascinación que sentía por ellos de niño. Compartía esa pasión por Luis Miguel Carmona, y ahora que está de moda todo lo japonés, y que salía otra versión nipona de Godzilla era el momento genial para lanzar un libro.
¿No te parece que el Kaiju nació en una época y con un mensaje muy concreto que se ha ido diluyendo conforme ha evolucionado en sus tres etapas?
Nació en plena época del terror nuclear, cuando los japoneses todavía estaban conmocionados por la bomba atómica de Hiroshima y Nagasaki. A lo largo del tiempo este mensaje se ha quedado anticuado, ya no tenemos el mismo miedo que entonces, pero seguimos teniendo pánico a que nos destruyan nuestra casa, y a quedarnos sin nada, por lo que conforme pasan los años, los kaiju adquieren nuevos significados.
¿Piensas que el kaiju puede ser bien adaptado por otros países que no sean asiáticos?
Las asíáticas, no sólo las japonesas, sino también sobre todo las coreanas tienen un encanto especial. Pero ha habido excelentes cintas occidentales, destaco sobre todo Gorgo, de 1961, una producción británica dirigida por Eugéne Louirié, rodada con amplio presupuesto y que es realmente buena.
¿Cuál es tu opinión sobre las adaptaciones americanas, en concreto esta última y los proyectos que hay en camino?
En la peli de Gareth Edwards, las escenas de monstruos son brillantes, pero los humanos dejan mucho que desear, cuando dejan de salir los personajes de Bryan Cranston y Juliette Binoche, el film hace aguas. Pero es mucho mejor que la de Roland Emmerich, de 1998, una sucesión absurda de destrucciones que no acaba de funcionar.
¿Para ti cual sería la mejor película con monstruo gigante?
Me quedo con Japón bajo el terror del monstruo (1954), de Ishiro Honda, porque inventó el género, en lugar de abusar de imágenes del monstruo, sugiere mostrando partes del mismo, y compone una atmósfera muy sugerente en blanco y negro. Además, me encantó Gamera 3, la venganza de Iris, de Sushuke Kaneko, menos conocida, pero estupenda.
¿Recuerdas cual fue el primer Kaiju que viste?
Gorgo y Superman se citan en Tokio, en una proyección en el colegio, con los compañeros. Primero fue decepcionante porque no era el Superman que conocíamos, sino un robot gigante que se llamaba en realidad en el original Jet Jaguar, Gorgo no era el monstruo británico, sino Godzilla, y para colmo de males… ¡jamás llegan a Tokio! Pero al final acabamos fascinados por esos monstuos gigantes que nos atemorizaban, pero nos encantaban.
Es vuestro cuarto libro en colaboración ¿De qué forma os repartís la tarea? ¿Os habéis repartido las películas a la hora de comentarlas?
La verdad es que somos un poco caos, pero básicamente nos reunimos mucho para hablar de lo que vamos a poner, y nos repartimos los capítulos. Cuando cada uno acaba de escribirlo, el otro le añade retoques.
¿Por qué habéis dado al libro un lenguaje tan coloquial?
Creemos que así resulta más ameno y accesible a todo el mundo. Ya existen otros libros de cine que pretenden sentar cátedra, con un tono más sesudo, pero creemos que se hace más divertido si lo hacemos más distendido, sin perder la rigurosidad en la documentación y los datos. Hasta ahora nos ha funcionado muy bien en los libros de Diábolo.
Novedad Applehead Team: ‘Héroes de papel y celuloide Vol. 1’ de Alex Medina
De un tiempo a esta parte, los cómics suponen una de las principales fuentes de inspiración de Hollywood, nutriendo a las superproducciones más espectaculares de héroes y villanos que forman parte de una mitología arraigada con fuerza en el imaginario 
colectivo. Sin embargo, lo de adaptar viñetas al celuloide no es algo tan reciente como podríamos pensar, presentándose esta relación entre ambos medios casi desde los orígenes de los mismos. Así, la cantidad de adaptaciones cinematográficas o televisivas de historias nacidas en los cómics puede parecer inabarcable para cualquier lector o espectador que se atreva a investigar sobre ello. Para hacer esta aventura más fácil, Héroes de papel y celuloide, de Alex Medina, desglosa alfabéticamente todas las historietas que han sido trasladadas al medio audiovisual, relatando los orígenes de cada personaje y analizando todas y cada una de sus adaptaciones en imagen real.
Héroes de papel y celuloide es el resultado de un proceso que se ha prolongado durante quince años y que toma forma ahora en publicación impresa a través de la editorial Applehead Team Creaciones, dividida en dos volúmenes debido a la longitud del estudio. En esta primera parte, el autor se centra principalmente en DC Comics, casa de la que han emergido titanes como Batman, Superman, The Flash o Wonder Woman, repasando desde los primeros seriales que daban vida a esos personajes hasta las más recientes producciones cinematográficas y televisivas.
Pero, aunque el grueso del libro esté dedicado a DC, hay hueco también en este primer volumen para tratar las adaptaciones surgidas de cómics de otras editoriales: Archie, Avatar, Boom, Los Comex, Condé Nast, Dark Horse, Darkstorm, EC, Event, Fantagraphics, First, Fleetway o Harris, de las que han surgido El Cuervo, La Máscara o Juez Dredd, entre muchos otros. El segundo volumen, de próxima aparición, se ocupará de Marvel y de otro grupo de editoriales anglosajonas.
Héroes de papel y celuloide es una guía imprescindible para cualquier aficionado a los cómics y especialmente para aquellos interesados en profundizar en su traspaso a las imágenes en movimiento.
Más información:
Samara ha vuelto… ‘Rings’ de Javier Gutiérrez: Tráiler y póster
En esta entrega de la saga de culto de terror Ring, que se estrenará el 2 de diciembre, una joven angustiada por su novio, que investiga la oscura subcultura que rodea una misteriosa cinta de video, de la que se dice que asesina a sus espectadores a los siete días de haberla visto, decide sacrificarse para salvarle, y al hacerlo, un descubrimiento le hiela la sangre: hay una «película dentro de la película» que nadie ha visto jamás…
Dirigida por el español F. Javier Gutierrez (“Tres días”) supone su debut cinematográfico en la meca del cine, dirigiendo a actores como Matilda Lutz, Alex Roe, Johnny Galecki, Aimee Teegarden, Bonnie Morgan y Vincent D’Onofrio.
Fimucité presenta el spot y el cartel de su décima edición
Los ejes temáticos del Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife, la música de Howard Shore y las space operas, se dan la mano en su póster oficial.
El spot publicitario de la décima edición del Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife (FIMUCITÉ) y su cartel promocional ya están disponibles. La sugerente pieza audiovisual del festival, que tendrá lugar entre el 23 de septiembre y el 1 de octubre con el patrocinio del Cabildo Insular de Tenerife, el Gobierno de Canarias y el Ayuntamiento de Santa Cruz, ha sido realizada por Vasni Ramos y recuerda el paso por la isla de numerosos compositores que forman parte del Olimpo de la música de cine, renombrados directores de orquesta y otros destacados invitados que han protagonizado momentos estelares en estos diez años. El spot cuenta con imágenes cedidas por I Love Santa Cruz.
De otro lado, FIMUCITÉ celebra la participación en su décimo aniversario del oscarizado autor de las bandas sonoras de las trilogías de “El Señor de los Anillos” y “El Hobbit” Howard Shore dedicándole el cartel de este año. El concierto programado para la Gala de Clausura del festival, que acogerá el 1 de octubre el Auditorio de Tenerife “Adán Martín”, recorrerá la filmografía de Shore con la interpretación de piezas pertenecientes a «El Silencio de los Corderos», «Se7en» y «El Aviador», entre otras películas, por parte de la Orquesta Sinfónica de Tenerife, bajo la batuta de Diego Navarro, el Tenerife Film Choir y el Coro de Voces Blancas del Conservatorio de Santa Cruz de Tenerife.
Obra de Guillermo de la Peña López, el póster rinde también homenaje de forma especial al cine de ciencia ficción y al subgénero de las space operas, que centrarán el concierto del viernes 30 de septiembre que será dirigido por Christian Schumann en la ejecución de la música escrita por John Williams, Jerry Goldsmith, Michael Giacchino, Eric Serra, Hans Zimmer o Steven Price para acompañar las historias y aventuras de los personajes de sagas como “Star Wars” y “Star Trek” y otros títulos imprescindibles del género como «El Quinto Elemento», “Interstellar” o “Gravity”.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 26 de agosto de 2016 *
EXPERIMENTER: LA HISTORIA DE STANLEY MILGRAM (Experimenter, Michael Almereyda, 2015
USA. Duración: 90 min. Guión: Michael Almereyda Música: Bryan Senti Fotografía: Ryan Samul Productora: BB Film Productions / FJ Productions / Intrinsic Value Films Género: Drama biográfico
Reparto: Peter Sarsgaard, Winona Ryder, Taryn Manning, Kellan Lutz, Anton Yelchin, John Leguizamo, Dennis Haysbert, Lori Singer, Josh Hamilton, Anthony Edwards, Jim Gaffigan, Vondie Curtis-Hall
Sinopsis: En 1961, Stanley Milgram llevó a cabo una serie de experimentos sobre la obediencia en la Universidad de Yale. La investigación, planteada a raíz del juicio a Adolf Eichmann (el criminal de guerra nazi que alegó obediencia debida en su defensa durante su juicio en Israel), pretendía dilucidar la relación de las personas con la autoridad. Pronto el doctor comenzó a comprobar ciertos aspectos del comportamiento humano que no habían sido descubiertos, lo que provocará una de las polémicas más impactantes del siglo XX. La violencia del experimentos hizo que Milgram fuera, además, tildado de sádico.
Estrenada en el festival de Sundance, esta película pudimos verla en el Festival de Sitges, en el que fue proyectada dentro de la Sección Órbita. Dirigida por el director de Nadja (1995), cinta que nos ofrecía una visión ultracool del vampirismo a todo blanco y negro, esta película nos propone una atípica y experimental mirada a varios experimentos que dieron pie a teorías que el triunfo de Pokemon Go! y la adicción al móvil en general han confirmado años después: que el humano es fácilmente influenciable y que cuestiona poco o nada la autoridad, a pesar de tener libertad de acción. Va por donde le mandan y adopta con suma facilidad posiciones borreguiles. Y todo ello Almereyda nos lo muestra de forma poco o nada convencional. Sino ¿Qué explica la presencia de niños verdes, elefantes y el continuo hablar a cámara del protagonista? Todo forma parte de esta interesante extravagancia que, lamentablemente, resulta a momentos aburrida y que cuenta con Peter Sarsgaard (al que hemos visto recientemente en El caso Fischer), interpretando a Stanley Milgram y una recuperada Winona Ryder.
HEIDI (Alain Gsponer, 2015)
Alemania/Suiza. Duración: 106 min. Guión: Petra Biondina Volpe (Novela: Johanna Spyri) Música: Niki Reiser Fotografía: Matthias Fleischer Productora: Claussen Wöbke Putz Filmproduktion / Zodiac Pictures International / Schweizer Radio und Fernsehen (SRF) Género: Drama
Reparto: Bruno Ganz, Katharina Schüttler, Jella Haase, Anuk Steffen, Maxim Mehmet, Peter Lohmeyer, Rebecca Indermaur, Hannelore Hoger, Isabelle Ottmann, Quirin Agrippi, Michael Kranz, Heinrich Giskes, Anna Schinz, Monica Gubser, Peter Jecklin, Markus HeringS
Sinopsis: La huerfanita Heidi (Anuk Steffen) pasa los días más felices de su infancia junto a su solitario abuelo, el Viejo de los Alpes (Bruno Ganz), aislado en una modesta cabaña de los Alpes, en las montañas Bündner. Junto a su amigo, Pedro (Quirin Agrippi), cuida de las cabras del abuelo y disfruta de la libertad en las montañas. De repente los días felices llegan a su fin, cuando su tía Dete (Anna Schinz) se la lleva a Frankfurt. Allí, en la familia del adinerado señor Sesemann (Maxim Mehmet), se convierte en la inseparable amiga de Clara (Isabelle Ottmann), una jovencita paralítica que debe aprender a leer y a escribir bajo la supervisión de su estricta institutriz, la señorita Rottenmeier (Katharina Schüttler). A pesar de que las dos niñas se hacen amigas pronto y de que la abuela de Clara (Hannelore Hoger) despierta en Heidi la pasión por leer y escribir, la añoranza por sus queridas montañas y el abuelo es cada día mayor…
Bruno Ganz cambia de registro y pasa de un papel tan extremo como el de Adolf Hitler a otro bien diferente, el del duro, pero de corazón de oro, abuelo de Heidi en esta cinta que adapta la inmortal obra de Johanna Spyri que los niños de mi generación vimos en forma de anime. Así que es inevitable no comparar a los personajes con los recordados caracteres de la serie de animación japonesa. Pero dejando aparte comparaciones, esta cinta es verdaderamente notable. Contiene bellos paisajes de las montañas, pues ha sido rodado en Sufers, Splügen y Bergün, en el Cantón de los Grisones. Pero además muy buenas actuaciones, no tan solo del siempre brillante Bruno Ganz, sino también de la sorprendente Anuk Steffen, actriz de 9 años que resultó seleccionada de entre 500 competidoras en un casting y que interpreta a Heidi a la perfección gracias a su alegría e inocencia. Lo único es que, el recuerdo de la serie hace que las cosas parezca que sucedan más rápido en el filme. Pero ya se sabe, el formato es el formato, y el filme tiene que introducir a todos los personajes, tomando forma física, además del abuelo y Heidi, Clara, Pedro o la Señorita Rottenmeier.
Por cierto, no sale el perro Niebla ¡Cáscaras!
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 19 de agosto *
SECUESTRO (Mar Tarragona, 2016)
España. Duración: 105′ Guión: Oriol Paulo Música: Marc Vaillo Fotografía: Sergi Bartoli Productora: Rodar y Rodar Cine Género: Thriller
Reparto: Blanca Portillo, José Coronado, Antonio Dechent, Macarena Gómez, Vicente Romero, Nausicaa Bonnín, José María Pou, Marc Domenech
Sinopsis: Patricia es una abogada que ve su vida trastornada cuando su hijo Víctor desaparece del colegio. Cuando el chico regresa a casa, asegura que un hombre ha intentado secuestrarlo y lo reconoce en una rueda de identificación. Pero como las pruebas no son definitivas, el sospechoso queda en libertad. Temerosa de que algo pueda pasarle a su hijo, Patricia decide quebrantar los principios y tomarse la justicia por su mano, lo que acabará teniendo consecuencias imprevisibles.
Mar Targarona, directora fraguada en televisión, no puede escapar de lo peor de esa factura con este thriller que se queda en el camino sin alcanzar otros productos mejor acabados como No habrá paz para los malditos o La isla mínima. Nadie está convincente en su papel, y los personajes no están bien perfilados, no consiguiendo que empaticemos con ellos en ningún momento. La intriga no está lo suficientemente bien asentada, de modo que el giro final no resulta siquiera verosímil al estar tan mal trazada la coherencia interna del relato.
Y es una lástima, ya que en Secuestro se reencuentran tres de los protagonistas de la memorable serie Padre Coraje (Beníto Zambrano, 2002), Antonio Dechent, siempre convincente como policía, Macarena Gómez y Vicente Romero, un muy eficaz actor en papeles lumpen que aquí ejerce en el lado de la ley.
STAR TREK: MÁS ALLÁ (Star Trek Beyond, Justin Lin, 2016)
USA. Duración: 120 min. Guión: Simon Pegg, Doug Jung, Roberto Orci, John D. Payne, Patrick McKay (Personajes: Gene Roddenberry)Música: Michael Giacchino Fotografía: Stephen F. Windon Productora: Paramount Pictures / Bad Robot / Skydance Productions Género: Ciencia ficción.
Reparto: Chris Pine, Zachary Quinto, Zoe Saldana, Karl Urban, Simon Pegg, Anton Yelchin, John Cho, Idris Elba, Sofia Boutella, Joseph Gatt, Deep Roy, Lydia Wilson, Joe Taslim, Adam DiMarco, Ashley Edner, Christian Sloan, Jodi Haynes
Sinopsis: El USS Enterprise, la nave insignia de la Flota Estelar liderada por el capitán James T. Kirk (Chris Pine), vuelve a surcar el universo para asegurarse de la protección de la Tierra y del resto de planetas aliados. Pero la tranquilidad durará poco y el peligro acecha. La primera etapa de su misión les llevará a un territorio desconocido, y su travesía de vigilancia pronto se convertirá en una carrera por la supervivencia espacial cuando se enfrenten a un nuevo y fiero enemigo, Krall (Idris Elba), una especie alienígena avanzada. Para frenar sus siniestros planes, Kirk deberá reunir a su equipo y usar todo sus recursos para resolver los desafíos a los que se enfrentarán. A la vez que intentan encontrar el modo de volver a la Tierra, su misión será proteger el futuro de la raza humana y preservar la armonía entre especies…
Esta entrega de la nueva saga de Star Trek es la más floja de las tres, pero eso no significa que nos parezca mala o aburrida. Ni mucho menos. Casi desde el principio no da respiro al espectador, ofreciendo acción desbocada y humor en un espectáculo pirotécnico que, de acuerdo, tiene un argumento muy básico que podría ser el de alguno de los episodios originales. Tan bien arropado y desarrollado como exento de trascendencia. Los personajes han conseguido conquistarnos, hemos empatizado con ellos y tras su climax de impacto dejan al espectador con ganas de más. Bien, de nuevo, por la tripulación del Enterprise y por esta emocionante y bien construida Space Opera a la que se ha incorporado la atractiva Sofia Boutella, actriz a la que ya vimos en acción (y con menos maquillaje) en Kingsman (2014) y a la que volveremos a disfrutar encarnando a la momia en la producción del mismo nombre que está ultimando Alex Kurtzman.
LA ESTACIÓN DE LAS MUJERES (Parched, Leena Yadav, 2015)
India. Duración: 116 min. Guión: Supratik Sen, Leena Yadav Música: Hitesh Sonik Fotografía: Russell Carpenter Sachdeva Productora: Ashlee Films / Blue Waters Motion Pictures / Brillstein Entertainment Partners Género: Drama
Reparto: Adil Hussain, Radhika Apte, Surveen Chawla, Tannishtha Chatterjee, Sayani Gupta, Sumeet Vyas, Mahesh Balraj, Lehar Khan, Chandan Anand, Riddhi Sen, Farrukh Jaffar, Tanya
Sinopsis: En un pequeño pueblo del estado de Gujarat, en la India actual, cuatro mujeres se atreven a oponerse a los hombres y a las tradiciones ancestrales que las esclavizan. Alentadas por su amistad entre ellas y su deseo de libertad, se enfrentan a sus demonios y sueñan con el amor y otro mundo.
La directora Leena Yadav, que debutó con un drama musical protagonizado por la súper estrella femenina Aishwarya Rai y más tarde realizó un thriller con el Teem Patti (juego de cartas indio) y Ben Kingsley como protagonistas, se ha decantado con esta, su tercera cinta, por abordar de forma muy optimista algo que no deja de ser un drama: la condición femenina en la India. Consigue ese optimismo a base de poner, con gran ingenio, mucho humor y una contagiosa vitalidad en las protagonistas de unas historias de mujeres aplastadas por la religión, la tradición y el varón. La estación de las mujeres es un canto a la rebeldía femenina en la que se denuncian ritos y tradiciones ancestrales como el matrimonio concertado, tradiciones que resultarán aún más chocantes para el espectador occidental cuando vea como la misma madre que negocia una esposa para su hijo, responde a una llamada con el móvil que acaba de comprar. La modernidad no borra por ella misma las lacras de la costumbre ancestral, pero sí le introducen ironía, una ironía que al final sí acabará siendo subversiva.
Una prostituta, una mujer maltratada, una viuda joven y una esposa comprada. Mujeres que creen a pies juntillas (o sólo comienzan a pensar que, a lo mejor, no es cierto) el dicho de que «las mujeres que leen no son buenas esposas», protagonizan esta película independiente que muestra una realidad muy diferente a la que nos narra la industria cinematográfica de Bollywood. Destacan las magníficas actuaciones de las protagonistas, así como el tono de auto denuncia que tiene el filme, en el que esas mujeres heridas, maltratadas, encontrarán su momento de libertad y paz gracias a la amistad.
Una magnífica cinta que hay que ver, no tan solo por lo que narra, sino por como lo narra.
LOS CABALLEROS BLANCOS (Les chevaliers blancs, Joachim Lafosse, 2015)
Bélgica/Francia Duración: 112 min. Guión: Zélia Abadie, Bulle Decarpentries Fotografía: Jean-François Hensgens Productora: Versus Production / Les Films du Worso Género: Drama
Reparto: Vincent Lindon, Louise Bourgoin, Valérie Donzelli, Reda Kateb, Yannick Renier, Stéphane Bissot, Tatiana Rojo, Philippe Rebbot, Tibo Vandenborre, Jean-Henri Compère
Sinopsis: Jacques Arnault, presidente de la ONG ‘Move for kids’, planea una gran operación: él y su equipo piensan sacar del Chad a 300 huérfanos, víctimas de la guerra civil, y entregarlos a parejas francesas que han tramitado solicitudes de adopción. La periodista Françoise Dubois los acompaña para cubrir la información. Inmersos en la brutal realidad de un país en guerra, los miembros de la ONG empiezan a desmoralizarse y empiezan a preguntarse cuáles son los límites de una intervención humanitaria.
El director, Joachim Lafosse, se ha apoyado en un suceso real (conocido como el caso del Arca de Noé) para desarrollar esta narración que trata sobre el relativismo moral y las difusas fronteras entre el bien y el mal. “Me apasiona el tema del infierno lleno de buenas intenciones”, explica el director, quien se vio muy interesado por una historia en la que personas con buenos propósitos terminan por llevar a cabo actos inmorales. Como sigue explicando Lafosse, «Con Los caballeros blancos deseé ponerme del lado de los africanos que ignoran totalmente las intenciones reales de los humanitarios franceses. Les dicen que se harán cargo de huérfanos hasta la edad de 15 años, que les alimentarán, alojarán e instruirán… y se lo creen. Algunos llegan a entregar a sus hijos con la muy loable intención de ponerles a salvo y alejarles de la miseria. Su actitud está dictada por la necesidad y no tiene nada que ver con la de los supuestos profesionales del humanitarismo, que planean llevarse a esos niños porque unas familias francesas desean adoptarlos, partiendo del principio de que su futuro será mejor en Francia que en un país en guerra». Algo muy similar a lo que nos mostró, en clave de terror, el francés Pascal Laugier en su incomprendida El hombre de las sombras (The Tall Man, 2012), aunque enmarcado dentro de un conflicto clasista.
Protagonizada por Vincent Lindon, actor al que vimos recientemente en la fantástica La ley del mercado, da vida a Jacques Arnault, el principal responsable de la misión ‘humanitaria’. Tal y como explica el director: «Vincent aporta al personaje la dimensión necesaria para que el espectador se adhiera a la idea: no es un hombre interesado, es generoso, y si se ha dejado llevar por una acción moralmente inaceptable, ha sido de forma inconsciente. Para él, «salvar a los niños» basta para justificar las mentiras y la realidad: el rapto de niños. Al contrario de su compañera Laura, interpretada por Louise Bourgoin, que tiene fe en la misión – casi parece sacada de «Los justos», de Albert Camus -, el personaje de Arnault, a fin de cuentas, solo cree en sí mismo. Él es lo sagrado, él es la ley. No habría podido hacerlo sin Vincent Lindon, me ofreció su inteligencia».
El peliagudo tema de las ONG’s visto en clave negativa, reflejando la relación del primer mundo con los dramas del tercero y el papel mesiático adoptado por estos salvadores de pacotilla occidentales que lo único que buscan finalmente es, como siempre, el expolio y el robo, en este caso de niños. Con la acción ubicada en Chad pero rodada en Marruecos, el director ha querido darle un aire documental, por lo cual ha prescindido de banda sonora optando también por un rodaje cámara en mano, directo y de aspecto descuidado para dar verosimilitud a su cinta, algo que sin duda ha convencido ya que el director se hizo con la Concha de Plata al mejor director en el Festival de cine de San Sebastián.
‘Inside’, de Miguel Ángel Vivas, inaugurará Sitges 2016
La producción catalana es un remake de la cinta francesa ‘À l’intérieur’, escrito por Jaume Balagueró y Manu Díez, con reparto internacional y rodado en inglés
El Festival de Sitges levantará el telón de su 49ª edición con la première europea de la terrorífica Inside, una cinta dirigida por Miguel Ángel Vivas (Secuestrados, Extinction), con guión de Jaume Balagueró y su colaborador habitual Manu Díez, y protagonizada por Rachel Nichols y Laura Harring. Se trata de una producción de Adrián Guerra y Núria Valls (Nostromo Pictures).
Los peores temores de la audiencia cobrarán vida en Inside, película inaugural de la 49ª edición del Sitges – Festival Internacional de 
Cinema Fantàstic de Catalunya, que tendrá lugar del 7 al 16 de octubre. El certamen apuesta, una vez más, por la producción autóctona en su gala de apertura, reafirmando su compromiso con el cine catalán.
La historia de Inside sigue los pasos del film en que se basa, À l’intérieur, dirigido por Alexandre Bustillo y Julien Maury, que impactó el público en Sitges 2007 y se ha convertido en una cinta de culto. Así, una joven viuda, embarazada y deprimida, intenta reconstruir su vida después del fatídico accidente de tráfico en el que perdió a su pareja y su oído de manera parcial. Ahora, a punto de dar a luz, vive en una casa aislada de un suburbio cuando, una noche de Navidad, recibe la visita inesperada de otra mujer con un objetivo demoledor: arrebatarle el bebé que lleva dentro. Pero la furia de una madre para proteger a su hijo nunca puede ser subestimada. Rachel Nichols (The Loop, Tokarev, Cuatro Fantásticos) y Laura Harring (Mulholland Drive, Inland Empire, El amor e n los tiempos del cólera, The Punisher) interpretan los dos papeles principales en esta lucha cuerpo a cuerpo, brutal y sangrienta.
Inside está producida por Nostromo Pictures, una compañía con base en Barcelona que ha estado detrás de los films de Rodrigo Cortés Buried y Red Lights; Grand Piano, que inauguró el Festival de Sitges en 2013 o el éxito de taquilla Palmeras en la nieve. Tiene en marcha los thrillers El guardián invisible y Contratiempo.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 12 de agosto *
EL CASO FISCHER (Pawn Sacrifice, Edward Zwick, 2014)
Algo que a priori podría resultar (al menos para algunos) soporífero, como es un campeonato de ajedrez, se convierte en una emocionante intriga gracias a una perfecta conjunción de elementos. Y es que el magnífico guión de Stephen Knight (Promesas del Este) y la acertada dirección de Edward Zwick no habrían tenido tan buen resultado de no contar con dos protagonistas de peso, como son Tobey Maguire, como el jugador americano Bobby Fischer, y Liev Schreiber como Boris Spassky, jugador ruso a quién ganarle representará toda una obsesión para Fischer. Una partida de ajedrez que será mucho más que eso: será el objeto de la vida del americano. Schreiber, que por cierto, interpreta todo su papel expresándose en ruso, realiza un perfecto trabajo en esta cinta magníficamente medida. Y lo mejor es que no se trata de una película para forofos del ajedrez, muy al contrario, las jugadas no serán mostradas, pero sabremos, por las expresiones de los actores, el grado de dificultad o la maestría demostrada por el contrincante. Seremos testigos de la paranoia que persigue al jugador americano y que finalmente le hace perder la cabeza. Y es que la linea divisoria entre la genialidad y la locura es, muchas veces, muy delgada. Pero todo esto queda en segundo plano. El biopic, al igual que hiciera Tim Burton con su obra maestra Ed Wood, deja al biografiado en su momento más dulce, evitando narrar su caída.
CAZAFANTASMAS (Ghostbusters, Paul Feig, 2016)
Reparto: Melissa McCarthy, Kristen Wiig, Leslie Jones, Kate McKinnon, Cecily Strong, Chris Hemsworth, Andy Garcia, Michael Kenneth Williams, Neil Casey, Matt Walsh, Nate Corddry, Mark Burzenski, Pat Kiernan, Nick Austin, Bill Murray, Ernie Hudson, Sigourney Weaver
Sorteamos dos entradas dobles para el preestreno de ‘Nunca apagues la luz en’ Barcelona
«una película de terror sorprendentemente maternal que confía tanto en unos conflictivos lazos emocionales como en el suspense sobrenatural para crear tensión (…) Un sólido debut para el director sueco David F. Sandberg»
The Hollywood Reporter
Proyecto Naschy y Blogos de Oro sortean dos entradas dobles para el estreno terrorífico de este verano.
¿Qué has de hacer para venir con nosotros al preestreno de Nunca apagues la luz el próximo jueves 18 a las 20h en los Cines Bosque de Barcelona? Sencillo:
- Pon ‘Me gusta’ en: https://www.facebook.com/BlogosDeOro/?fref=ts
- Responde bajo esta entrada a la siguiente pregunta: ¿Cuál fue el primer cortometraje dirigido por James Wan?
Las dos primeras personas en contestar en esta entrada del blog tendrán a su disposición dos invitaciones dobles para el preestreno en Barcelona de ‘Nunca apagues la luz’, que tendrá lugar el jueves 18 de agosto a las 20 horas en los cines Bosque.
¡¡Gracias por participar!!
Sinopsis: Hace tiempo que Rebecca se fue de casa. La joven estaba convencida de haber dejado atrás sus miedos de la infancia, al fin y al cabo, ¿qué niño no ha temido la oscuridad y lo que en ella puede ocultarse? Pero ahora Martin, su hermano pequeño, está experimentando los mismos escalofriantes sucesos que casi le hicieron perder la cordura a ella. Ambos ven amenazada su seguridad al ser perseguidos por una extraña y peligrosa criatura que solo aparece cuando reinan las sombras.
Sitges 2016 se prepara con dos sesiones de cortos fantásticos al aire libre
Faltan menos de dos meses para la 49ª edición del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya y, para hacer más agradable la espera, el Festival organiza dos sesiones de cortometrajes en el Port de Sitges – Aiguadolç y en la Piscina Municipal, los próximos días 14 y 19 de agosto.
Esta iniciativa se celebra desde hace cuatro años. En esta ocasión, se proyectarán doce cortos de género fantástico seleccionados por responsables del comité de programación del Festival, que presentarán las sesiones. También se contará con la presencia de algunos de los realizadores.
Programa
Domingo, 14 de agosto, a las 23 horas
Port de Sitges – Aiguadolç (Moll de Llevant)
Entrada gratuita
Duración total: 67 minutos
Madre de Dios, de Gigi Saul Guerrero. Una mujer se despierta atada en un altar totalmente indefensa y es transformada en una estatua por un par de viejos brujos, los cuales tienen el propósito de consumar un conjuro para invocar al Anticristo. (7 minutos)
Marta Juega sola, de Carlos Molinero. Diana y su madre llegan a una casa nueva. Una casa con mucha luz, con un pasillo enorme y con alguien que lleva demasiado tiempo jugando sola. (12 minutos)
Vamp, de Denise Castro. Vamp y Vlad, dos vampiros enamorados, huyen de la destrucción de su planeta natal, viajando a través de la galaxia hasta un planeta abandonado, pero… ¿qué harán cuando se acaben las reservas de sangre? (10 minutos)
Disco inferno, de Alice Waddington. Una funcionaria infernal tiene la misión de rescatar a su superior. Pero el Diablo está dispuesto a volver a su rutina diaria… (12 minutos)
Sirena negra, de Elio Quiroga. Adaptación de la obra teatral de Vanessa Montfort, esta es la historia de la Sirena Negra, que vive oculta en las cloacas, bajo la gran ciudad. (18 minutos)
Caradecaballo, de Marc Martínez. Thriller, terror, comedia, ciencia ficción y drama con veinte euros de presupuesto y protagonizado por el director y su abuela. (8 minutos)
Viernes, 19 de agosto, a las 22 horas
Piscina Municipal (Camí de la Fita, s/n)
Entrada Gratuita
Duración total: 59 minutos
They Will All Die in Space, de Javier Chillon. El transbordador espacial Tantalus viaja a la deriva. (15 minutos)
El encendedor cuántico, de Pau Escribano. Una pareja está en un bar. Cuando él vuelve del baño le dice que no es él, que viene del futuro, y le pide que haga algo que ella no habría pensado nunca que tendría que hacer. (5 minutos)
Restart, de Olga Osorio. Andrea está atrapada en un bucle temporal. ¿Conseguirá romperlo? (15 minutos)
Djävulen, de K. Prada, J. Prada. El diablo. (4 minutos).
Formas de jugar, de Gemma Blasco. En una habitación de hotel aparece un cadáver. Durante los minutos anteriores y posteriores al descubrimiento del muerto, cuatro personajes han estado muy cerca. Un juego de pistas que busca la verdad. (11 minutos)
Silente, de Paco Ruiz. Anori es un esquimal que vive en el planeta Silent. Un día se ve sorprendido por un artefacto caído del cielo. (9 minutos)
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 5 de agosto *
MASCOTAS (The Secret Life of Pets, Chris Renaud, 2016)
USA. Duración: 90 min. Guión: Ken Daurio, Cinco Paul Música: Alexandre Desplat Productora: Universal Pictures / Illumination Studios / Illumination Entertainment Género: comedia de animación
Sinopsis: En un edificio de apartamentos de Manhattan, la vida de Max como mascota favorita corre peligro cuando su dueña trae a casa a otro perro llamado Duke, con quien Max pronto tiene sus diferencias. Pero ambas mascotas tienen que dejar atrás su rivalidad cuando se enteran de que un adorable conejito blanco llamado Snowball esta reclutando a un ejército de animales domésticos que han sido abandonados, decididos a vengarse de todos los animales domésticos felices y de sus dueños.
En 1995 Pixar revolucionó el panorama de la animación con Toy Story, la primera cinta animada completamente por ordenador. No es exagerado decir que hay un antes y un después de ese primer largometraje. Tras la estela de Pixar otros estudios se sumaron a la animación 3D CGI hasta convertirla en la más usual a día de hoy, con productos de mayor o menor fortuna. Entre las propuestas de mayor acierto se encuentran las de Illumination Entertainment que entraba pisando fuerte en 2010 con Gru, mi villano favorito que conocería su segunda parte en 2013 y en 2015 una precuela / spin-off de estas, Minions, criaturitas amarillas que se han convertido en presencias habituales en nuestro imaginario más reciente. La tercera entrega de Gru está programada para 2017, pero antes de esa secuela la productora nos vuelve a sorprender con un simpático repertorio de personajes (tanto los héroes como los villanos) en Mascotas.
La premisa es sencilla, ¿qué hacen nuestras mascotas el tiempo en qué están solas? A partir de ella se construye una entretenida comedia de acción trepidante. Esquemáticamente la trama es cercana a la de Toy Story, Max, la mascota de Katie, se ve obligado a compartir el amor de su dueña con Duke el nuevo perro adoptado por ella, la rivalidad está servida; pero cuando ambos animales se pierdan y se vean enfrentados al “ejército” de mascotas abandonadas, descubrirán que juntos forman el mejor equipo (tal como pasaba con el vaquero Woody y el astronauta Buzz Lightyear). Dos héroes a la fuerza, un equipo de amigos en su búsqueda y un grupo de villanos entrañables (marca de la casa como ya hemos visto) dan para noventa minutos de diversión asegurada, con set pieces excepcionales (todas) y hasta delirantes algunas (memorable, sin duda, la secuencia en el “paraíso” de las salchichas). Se le agradece que no caiga excesivamente en moralejas y que se deje llevar por el ritmo de su humor fresco y un tanto gamberro.
Diversión para todos los públicos (no aburrirá a los más pequeños ni hará sonrojarse a los adultos que les acompañen) que, aunque todavía no esté en el mismo pedestal que las facturadas por Pixar, cumple su cometido con creces. Hay que añadir en su favor los datos de su estreno en Estados Unidos, record de taquilla en ese país, con 103 millones de dólares, para una película que no es secuela o remake o reboot, sino una idea original. El récord lo tenía Del revés (Inside Out), de Pixar, que en 2015 se lo había arrebatado a Avatar (James Cameron, 2009).
EL VERANO DE MAY (May in the Summer, Charien Dabis, 2013) ORDANIA/QATAR/ESTADOS UNIDOS, 2013)
Jordania/Quatar/USA. Duración: 99 min. Guión: Cherien Dabis Música: Fred Avril Fotografía: Brian Rigney Hubbard Productora: Displaced Pictures / Durga Entertainment Género: Drama
Reparto: Cherien Dabis, Hiam Abbass, Bill Pullman, Alia Shawkat, Nadine Malouf, Alexander Siddig, James Garson Chick, Alaadin Khasawneh, Elie Mitri, Ritu Singh Pande, Nasri Sayegh, Laith Soudani
Como una balsa de aceite. Así es esta película de y para mujeres (si es que existe algo así). Una cinta muy políticamente correcta que quiere y desea denunciar, a veces de forma muy sutil, las problemáticas que hay cerca de nuestras protagonistas, que forman parte de una privilegiada familia de Amán. La protagonista vive y trabaja en Nueva York, y el motivo de su viaje es casarse con su novio estadounidense y musulmán. Diversidad. Que no falte. Y conciencia. Que desde el lujoso spa donde May celebra la despedida de soltera puede verse la costa de Palestina, pues nombran a los Palestinos y los problemas que tienen, los pobres. Así, como de pasada. Que May se encuentra, cada día que va a hacer footing con que hombres feos la miran pasar de forma lasciva, pues aprovechamos para dar un puyazo al machismo religioso que hace ir a sus mujeres, tal y como ellas misma comentan, como ninjas. Así flotan los problemas en El verano con May. Como de pasada. La madre tiene un amante (un totalmente fuera de lugar Bill Pullman); la hermana pequeña sospecha que es lesbiana (ya tenemos el factor homosexual cubierto, faltaría más); y lo principal, la protagonista, guionista y directora de la cinta, Cherien Davis, defendiendo ante su madre católica el casarse con un musulmán para descubrir, una vez que acepta su matrimonio, que tiene dudas , ya que a pesar de que su novio es, según le dice ella misma a sus hermanas, perfecto (la apoya en todo; le trae el desayuno a la cama y le hace las tortitas como nadie. ¡Como echa de menos sus tortitas!) tiene dudas, no sabe si casarse con él. De echo, es tan ideal que…
El verano de May es una película que, como sus personajes, da gato por liebre. Todo es tan correcto y toca temas tan ‘profundos’, que cierta parte del publico puede pensar que es muy interesante. El tipo de cinta para esa inmensa minoría que no se conforma con acudir a ver los blockbusters de turno. Pero no.
REGRESO A CASA (Guilai, Zhang Yimou, 2014)
China. Duración: 111 min. Guión: Zhou Jingzhi (Novel: Yan Geling) Música: Chen Qijang Fotografía: Zhao Xiaoding Productora: Le Vision Pictures Género: Drama
Reparto: Gong Li, Chen Daoming, Huiwen Zhang, Tao Guo, Ni Yan, Chun Li, Jia-yi Zhang, Peiqi Liu, Jiali Ding, Bai Qing Xin, Feng Zu, Xiaoyi Chen
Sinopsis: Sinopsis: Lu Yanshi y Feng Wanyu forman una pareja muy unida, pero deben separarse cuando detienen a Lu y le mandan a un campo de trabajo como preso político justo cuando su esposa tiene un accidente grave. Al ser liberado al final de la Revolución Cultural, regresa a casa y descubre que su amada esposa sufre de amnesia y apenas recuerda nada del pasado. No reconoce a Lu y sigue esperando el regreso de su marido. Convertido en un extraño en el seno de su familia, Lu decide hacer resurgir el pasado y despertar la memoria de su esposa.
Regreso a Casa-Coming Home es casi una pieza de cámara, tres protagonistas, pocos (pero relevantes) secundarios y un escenario limitado, le bastan para tejer una historia sólida, rica en matices y repleta de aciertos visuales. Yimou maneja la cámara con la maestría de los clásicos, con pleno dominio de los encuadres precisos y llenos de significado, y una utilización de la iluminación que imprime lirismo a su relato. Para la historia quedará el último plano con los dos protagonistas, recortados por la verja de la estación que les deja cerrados en un afuera que es un claustro en el que los traumas del maoísmo más virulento perviven, aunque haya llegado la hora del perdón.
“Ella espera que él vuelva. Él espera que ella recuerde.” Así reza la frase promocional, resumiendo la esencia de una trama que se inicia como retrato de una situación colectiva y termina como un cuento de amor, un cuento delicado que vuelve centrales a los detalles. La película parte del contexto sociopolítico de la Revolución Cultural China (1966- 1976) para desembocar en una historia de sentimientos, en la que el pasado se presenta como un elemento que condiciona enormemente las relaciones familiares del presente.
El pasado estuvo ahí como drama de una nación y como enjambre de muchos dramas íntimos, esto es algo sobre lo que Yimou ya nos ha hablado en anteriores filmes, ahora regresa a su constante, pero lo hace con variaciones. Yimou habla de los retos que ha de enfrentar China desde el drama familiar de Lu Yanshi. Deportado por el régimen y delatado diez años más tarde por su propia hija, regresa a casa para encontrarse a su amada esposa, Feng Wanyu, sumida en una amnesia psicológica (provocada por esa delación) que impide que ella le reconozca. Lu Yanshi no escatimará esfuerzos para reconstruir su familia, un trabajo que pasará por reconciliar a madre e hija liberando a esta última de su culpa: todos cometieron errores, no es momento de rencor ni de venganza, es la hora del perdón. Un perdón que ha de ser individual, pero también colectivo. La culpa no conduce a nada.
El gran trabajo de dirección es respaldado por las brillantes interpretaciones de sus protagonistas. Chen Daoming, en el papel del padre, borda su personaje dándole una esmerada profundidad humanista. La joven Zhang Huiwen, encarnando a la hija, ha sido galardonada como mejor actriz revelación en los Premios del Cine Asiático por su trabajo en esta película. Y sobre ellos planea la interpretación de Gong Li, con su rostro de muñeca y esa inmensa sensibilidad que le permite dibujar todos los registros de los sentimientos de su personaje.
Regreso a Casa-Coming Home es un cuidado melodrama y una parábola política en la que el tono belicoso de sus primeros trabajos se reconduce hacia una suavidad que pueda servir de consuelo a los afligidos.
Excelentemente acogida por la crítica internacional, participó en la Sección Oficial del Festival de Cine de Cannes y optó al premio a mejor película en la Semana Internacional de Cine de Valladolid.
HELLO, MY NAME IS DORIS (Michael Showalter, 2015)
Una comedia del todo atípica en la que se masca la tragedia continuamente pero que al final…, bueno, mejor la ven, porque esta cinta, que cuenta con una protagonista extravagante que tiene un algo de Mr. Chance y un Diógenes subido, interpretada por un magnífica Sally Field, nos ha resultado toda una sorpresa por sus gags, por sus diálogos y situaciones. La premisa que nos propone la historia, una casi jubilada enamorada de un jovencito, no nos parecería extraña si en la pareja fuera el varón el mayor. Así a botepronto se nos ocurren dos ejemplos, cercanos a la ciencia ficción, como son los protagonizados por Humphrey Bogart y Audrey Hepburn en Sabrina (1954) de Billy Wilder; o Gary Cooper y, de nuevo, Audrey Hepburn en Ariane (Love in the Afternoon, 1957) también de Wilder, para ver que eso siempre se ha visto como lo más normal. Nos los creemos. Cuelan. Sin embargo, no dejan de ser dos clarísimos casos de gerontofilia. Pero en el argumento de Hello se barajan otras situaciones y circunstancias para las que este enamoramiento, de una manera u otra, servirá como catalizador y punto de partida hacia una nueva forma de ver la vida.
ESCUADRÓN SUICIDA (Suicide Squad, David Ayer, 2016)
Estos «Doce del patíbulo» versión DC no me parecen ni mejor ni peor que otros de los títulos basados en los universos súper-heroicos aunque las críticas leídas y escuchadas tras la proyección sean desoladoras. Posiblemente sea porque, realmente, las películas de súper-héroes ya comienzan a cansar un poco (y porque el guión tiene verdaderas incongruencias, y porque se abusa de los flashbacks, y porque…). Batman Vs Superman ya nos pareció un espectáculo francamente aburrido, así que nos esperábamos lo peor de este Escuadrón suicida, que parece apoyarse únicamente en la sexy Harley Quinn encarnada por Margot Robbie. Pero este espectáculo pirotécnico resulta entretenido, a pesar de que estos terribles villanos parezcan redimir sus pecados y convertirse en héroes por un día. Rock & Roll para los chicos malos, en esta secuela directa del filme de Snyder que anuncia su condición de anticipo de esa Liga de Justicia que, no les engaño, apetece muy poco. Homenajes al ilustrador Alex Ross con esa pareja de lunáticos formada por Harley y el Joker y apariciones de Batman y Flash para animar un poco este espectáculo en el que, sorprendentemente, destaca también Cara Delevingne como una Encantadora que, en la parte final del filme, remite visualmente a la bruja del Metrópolis de Fritz Lang. Will Smith, Jared Leto y el retoño de Clint Eastwood, Scott, semi oculto entre la soldadesca, completan este pequeño despropósito veraniego e intento de alcanzar a Marvel en sus adaptaciones de cómics, algo que, de momento y vistos los resultados, están lejos de conseguir.
Cryptshow 2016: renovando ilusiones
¡¡¡10 AÑOS DE CRYPTSHOW!!!
Tomàs Pladevall, Iglesias Bonns y Toni Benages. La foto de rodaje que hay entre Iglesias Boons y Pladevall pasó a formar parte, firmada por ambos y por Pérez Giner, de la colección Serendipia. (Foto: ¿?)
Proyecto Naschy inició su andadura en octubre de 2009, así que nuestra presencia en la edición del Cryptshow de 2010 fue poco menos que testimonial. Un acercamiento. Se celebró en Sant Adrià de Besós y nos pasamos por l’Ateneu para ver qué se cocía por allí y ver al homenajeado de ese año con la Sierra Circular, Miguel Iglesias Bonns, director al que tuvimos el placer de conocer durante uno de los pases organizados por Diego López y su fanzine El buque maldito. Me resultó maravilloso comprobar que el entrañable director, no tan solo se acordaba de mí, sino que el hombre me abrazó al verme. Se proyectó su película La maldición de la bestia, y se realizó una pequeña charla. Tuvimos ocasión de conocer, en persona, a Marta Torres y Lluis Rueda, por entonces responsables de la revista web Judex, ahora lustrosos editores, con los que habíamos entablado conversación virtual. Así que nuestra entrada ‘oficial’ en el universo Crypt fue a partir de 2011, primera ocasión en la que el festival se celebraba en el Teatre El Círcol de Badalona, su actual, y esperamos que definitiva, ubicación. A partir de ahí conocimos y entablamos amistad con todos los componentes de la organización, compartiendo noches etílicas en, no tan solo El Círcol, sino especialmente en el entrañable bar, La alegre comadreja. Durante estos seis años que hemos compartido con Cryptshow hemos disfrutado con su cariño por el cine, tanto con los terrores clásicos como más actuales, algunos exhibidos en colaboración con el festival de Sitges o las Nits de Cinema Oriental, además de, por supuesto, con su cuidada selección de cortometrajes. Pero Cryptshow es mucho más que un festival de cine, es la experimentación pura de nuevas formas de expresión del fantástico. Otorgando especial cuidado a la literatura, ya sea editando trabajos propios como presentando ajenos; el arte, por medio de exposiciones colectivas dedicadas a la temática escogida en cada edición; y el cómic. El buen cómic. Así que el Cryptshow es, ante todo, un evento cultural. Pero muy lúdico.
Quizás el presupuesto del que dispone Cryptshow no haya dado para contar con invitados internacionales, pero eso no significa que se haya prescindido de contar con presencias de auténtico lujo, que han estado cercanas con el público y que se han dejado llevar por las buenas vibraciones que desprende el festival, de las que no son ajenas la cercanía del mar y del verano. Además de Iglesias Bonns, recuerdo a un José Ramón Larraz, repleto de vitalidad, que no quiso perderse la pequeña juerga nocturna; o la simpatía de Colin Arthur y su esposa Sarah Pooley, que obsequiaron al público asistente a su magnífica clase magistral con escamas y pelo auténtico del dragón Fújur; o al caballeroso Jack Taylor, al que tuve ocasión de entrevistar gracias a Cryptshow; al igual que a Montserrat Prous y Howard J. Ford, responsable junto a su hermano John del díptico The Dead; sin olvidar a Éric (Thanatomorphose) Falarneau, y los ilustradores Juan Giménez y Josep María Beà.
Solos, pillados infraganti, apartados del mundanal ruido… A la pareja que hay delante nuestro, hoy entrañables amigos nuestros, los conoceríamos también en Cryptshow, pero en la edición de 2011. (Foto: ¿?)
Personalmente Proyecto Naschy, los ‘Serendipios’, siempre hemos sido muy bien tratados en Cryptshow. Hemos visto, bebido y reído todo lo que hemos podido. Hemos presentado un DVD y un libro y lo hemos, realmente, pasado muy bien. Cryptshow representa para nosotros un punto de arranque de los festivales (y del verano) y se coge con muchas ganas.
Así que el que este festival celebre su décimo aniversario es un hito para todos. El que el Teatre El Círcol no vaya a ser derruido, tal y como se temía, es algo a celebrar. Y que el que el ayuntamiento apoye al festival facilitando la labor de la organización, es una gran noticia. Ya decíamos el año pasado, en nuestro comentario a la novena edición, que se oteaban cambios en el horizonte. Y los ha habido: menos largometrajes y más actividades ‘extraescolares’, además de potenciar el cómic.
Diez años. Seis en Badalona. Un montón de películas y cortometrajes, tantos que nos quedó el trasero machacado por las no demasiado cómodas butacas del Círcol; conversaciones sin fin; proyectos que nacen y mueren; infinidad de cervezas en el Círcol, en La alegre comadreja, en el Cor de la Marina y otros locales de la playa; buenas cenas en Can Frai; miles de risas y emociones. Muchos amigos y buenos momentos. Diez años ya. Y la cosa no tiene visos de agotarse en vista de que varios reconocidos componentes de la organización del festival han tomado la decisión de reproducirse, así que sus crías pronto se sumarán al compacto grupo que compone la organización del Cryptshow.
¡Va por ustedes!
¡Salud y Feliz décimo aniversario!
CRYPTSHOW 2016
TERROR EN LARGO
Aunque tal y como les hemos comentado la proyección de largometrajes en Cryptshow tiende a reducirse edición tras edición, hemos tenido ocasión de disfrutar de algunas buenas cintas en la presente edición. Celebramos que se vuelva a repetir la experiencia que inicidada en 2012 de proyectar películas mudas con musica en directo. Si en aquella ocasión tuvimos en la pantalla del Círcol Garras Humanas (The Unknown, 1927), con el acompañamiento de TenebraEh!; y el pasado año La carreta fantasma (Körkarlen, Victor Sjöstrom, 1921) con Agustí Busom y su grupo, este año hemos podido disfrutar con el clásico de ciencia ficción soviético, Aelita (1924), de Yakov Protazanov, con el que repitió Agustí Busom, convirtiendo el pase del filme en toda una experiencia. Este clásico, un tanto descabellado con ese tercer acto en el que los protagonistas provocan una revolución comunista en Marte, resulta especialmente inolvidable por las escenas que recrean un Marte inspirado en el arte cubista, con un vestuario y unos decorados tan extremos como brillantes. Pura experimentación que lamentablemente no tuvo continuidad. El evento, que inauguraba el festival, fue precedido por el apocalíptico cortometraje Graffiti, dirigido por el barcelonés Lluís Quílez. Un magnífico y atmosférico corto ejemplarmente narrado y con buenas localizaciones en Ukrania que se ofreció fuera de competición por exceder la duración tope que aceptan los estatutos del festival, pero que Cryptshow no quiso perder la ocasión de proyectar.
L’ Illa de Toth (Héctor Morgan y Félix D’Ax, 2010) es una producción de terror catalana que se proyectó como homenaje al, entre otras cosas, director, escritor y actor Josep M. Bendicho. La cinta nos cuenta como Jesús va a Cadaqués, dejando atrás una vida sórdida de drogadicción en la ciudad y pronto descubre que la paz bucólica que aparentemente se respira ha sido alterada por la misteriosa desaparición de varias personas en oscuras circunstancias. The Simon’s Jingsaw. Un viaje al universo de Juan Piquer Simón, es un documental del que ya les hemos hablado en Proyecto Naschy, pues hemos vivido de cerca parte del rodaje del mismo. Así que les instamos a dar un vistazo a la larga entrevista que realizamos al director del mismo, Luis Esquinas. Soutbound (2015) es una película de episodios producida y dirigida por los responsables de la saga VHS, aunque contando con un mayor presupuesto y que, tal y como comenta el director Gonzalo López, colaborador de Cryptshow, «funciona como una cinta de Moebius donde el terror no tiene principio ni final, es constante y está conectado por sus personajes y situaciones«. Pee Mak (Banjong Pisanthanakun, Tailandia, 2013) contiene un humor/horror ingenuo a lo Abbott & Costello con tintes surrealistas gracias al uso del color y la iluminación. Un grupo de soldados vuelven de la guerra y uno de ellos se reúne con su mujer y su hijo, de los que los vecinos sospechan que son fantasmas. Cual clásicos klowns, los actores hacen el papel de ‘augustos’ miedosos, mientras que el ‘carablanca’ -nunca mejor dicho- está encarnado por el propio espectro de la amada. Autoparódica, con toques anacrónicos y pese a todo final feliz, se trata de la película tailandesa más taquillera en su país. Finalmente, tras la gala de clausura se ofreció Southern Comfort (1981) de Walter Hill, una violenta epopeya que se desarrolla en los pantanos de Luisiana con un escuadrón de la guardia nacional en lucha consigo mismo y con los habitantes del lugar. Sin lugar a dudas, un buen colofón.
TERROR EN CORTO
La lectura del palmarés por el jurado, fue un espectáculo en sí mismo
Cincuenta cortos a competición (diez menos que el pasado año) distribuidos en ocho bloques, dos de ellos matinales dirigidos (o mejor dicho, aptos) para el público infantil y juvenil, en dos sesiones patrocinadas por Eduvic, una cooperativa de iniciativa social y sin ánimo de lucro que trabaja con la infancia, la adolescencia y la juventud en riesgo social, son una buena muestra de la buena salud de la que gozan estas pequeñas piezas que, provenientes de todos los rincones del mundo y con la fantasía y el terror como punto en común, han competido por el premio Serra Circular al mejor cortometraje. Y por si este número de cortos fuera poco, se proyectaron tres más fuera de competición, el mencionado Graffiti, El Harmonicista (Brian Bomby) y Zero, un corto rodado en Los Ángeles escrito y dirigido por el joven manresano David Victori, con producción ejecutiva de Michael Fassbender y Ridley Scott.
PALMARÉS CRYPTSHOW 2016
El público y el Jurado de Cryptshow Festival’16 formado por Rubén Lardín, Gloria Fernández, Riccardo Plaisant, Javier Rueda y Bibiana Schönhöfer, ha otorgado los siguientes premios en esta décima edición:
—Premio Sierra Circular Mejor cortometraje: Arcana (Jerónimo Rocha)
—Mención Del público: El Ours Noir (Meryl Fortunate-Rossi y Xavier Seron)
–Mejor Animación: We can not live without Cosmos (Bronces Konstantine)
—Mejor Director: Alex Pachón (You will fall again)
—Mejor Guión: Sebastian Vanicek por (May Day)
—Mejor Actor: Bjorn Melhus (Freedom and Independence)
—Mejor Actriz: Iris Cayate (Arcana)
—Mejor Banda sonora: François Liétoot (L’appel.)
—Mejores Efectos especiales: Joao Rapaz (Arcana)
—Mejores Efectos visuales: Florian Hirschmann (Metube2: August signs Carmina Burana)
—Mejor Fotografía: Luis Fuentes (They will die in the space)
—Mención Especial: El modelo Pickmann (Pablo Ángeles Zumón)
OTRAS ACTIVIDADES
Criptshow literario
Este año las presentaciones de libros y fanzines cambiaron, para bien, de ubicación, realizándose en un lujoso espacio, l’Espai Betúlia, un lugar idóneo en el que se presentó 10 Relats Ecofuturistas, libro editado por Males Herbes y el propio festival que sustituye a los 
antiguos Cryptonomikon reuniendo en sus páginas el relato ganador del certamen, los finalistas y otros escritos por plumas invitadas abordando todos ellos el ecofuturismo, la temática del festival en esta ocasión. Javier Pueyo, que ya participara en la edición anterior del Cryptshow presentando su cortometraje Diario íntimo de una actriz, presentó su libro Lucio Fulci, autopsia de un cineasta (Tyrannosaurus Books). Marta Torres de Editorial Hermenaute presentó la nueva edición de El libro de Satán. Todo sobre el culto al diablo (Carlos Aguilar y Frank G. Rubio). Yo mismo presenté Los semblantes del Fantaterror, libro del que ya les hemos hablado largo y tendido (faltaría más). Finalmente, Diego López presentó el último número de El buque maldito. Tras las presentaciones, todos los asistentes remojaron el gaznate, que falta hacía, y pudieron hacerse con ejemplares de todos los títulos presentados en el Cor de la Marina.
Nemini parco, omnia moriría. Necroantologia de poesía badalonesa. Recital poético
(Foto: Cristina Raso)
Yendo un paso más allá en la vertiente literaria del festival, este año se optó por la novedosa experiencia de organizar un recital de poemas y relatos cortos de género fantástico y de terror en el cementerio del Santo Cristo de Badalona, dadas sus peculiaridades arquitectónicas. Se trató de una experiencia nocturna que corrió a cargo de Marçal Font i Espí, acompañado por el saxofonista Fernando Besalduch.
Concurso de bandas sonoras a cargo de “The OST s”
Cryptshow Festival, caracterizado por ser un certamen multidisciplinar, aborda el género fantástico y el terror desde diferentes disciplinas y este año incluye la música en la variada lista de actividades con “The OST s”, que presentaron un repertorio de bandas sonoras de películas de terror y ciencia ficción en forma de concurso.
GALA DE CLAUSURA
Juan Antonio García y Josep María Beà momentos antes de degollar con sus sierras a Toni Benages
La última tarde del festival estuvo dedicada al invitado homenajeado durante esta edición del Cryptshow, Josep María Beà, un 
magnífico ilustrador catalán nacido en 1942 al que Serendipia descubrió en los lejanos tiempos del Vampus, que es el nombre con el que se publicó en la España de los setenta Creepy, una revista de historietas de terror para adultos heredera de los siempre reivindicados comics de EC, publicada por la norteamericana editorial Warren, y que reunía en sus páginas a un buen número de ilustradores y dibujantes que ahora son auténticas leyendas: como Richard Corben, proveniente del cómic underground; los propios dibujantes de EC o a un grupo de exóticos artistas españoles como José Ortiz, Esteban Maroto, Sanjulián, Pepe González o el propio Beà, de cuyas páginas mi tierna infancia se nutrió. De todos ellos, Beà era uno de los más estrambóticos y sorprendentes ¿Cómo olvidar aquella historieta en la que el tío Vampus (Creepy) aparecía con barretina? O ‘El cuadro de la muerte’ en la que el protagonista terminaba dentro de un horrible cuadro repleto de personajes fugados de las pesadillas de El Bosco. Y es que Beà fue el primer dibujante español que en Estados Unidos ilustró sus propios guiones. 
A principios de los ochenta llegaron sus Historias de la taberna galáctica en las páginas de 1984, que mostraba la gran evolución que había sufrido su estilo. Más tarde, tras la caída en picado de aquellos cómics, Beà tuvo que buscarse la vida de diversas formas, aunque principalmente haciendo lo que mejor sabe, dibujar, aunque fuera firmando como Norton o Sánchez Zamora.
Durante el último Graf, que se celebró en marzo, se organizó una charla/entrevista entre Beà y Rubén Lardín, en el que el primero recordó muchísimas anécdotas sobre su carrera en el mundo del cómic. Una amenísima y divertida charla que presenció el director del 
Festival Cryptshow, y quiso llevar a su festival, aunque, en ese caso, enfocando la conversación hacia el cine. Como homenaje al dibujante se realizó un enorme mural que reproduce la obra que sirvió como portada para el álbum Historias de la Taberna Galáctica. Un trabajo colectivo realizado bajo la dirección de Juan Antonio García, padre del director J. A. Bayona y uno de aquellos artistas que decoraban las fachadas de los cines. Cryptshow aprovechó asimismo el acto para ofrecer un homenaje a García, otorgándole también una Serra Circular Honorífica.
Y Beà contó un buen puñado de vivencias con el cine como fondo. Su presencia como colaborador en el primer festival de cine fantástico de Sitges, con Luis Vigil traduciendo las películas en directo y a viva voz; los avatares que sufrió un proyecto de serie basada en sus Historias de la Taberna Galáctica que nunca se realizó; sus recuerdos de ‘el innombrable’, o lo que es lo mismo, el productor Josep Antón Pérez Giner para el que realizó un diseño de monstruo para Pà d’Àngel (1984), de Francesc Bellmunt… un puñado de historias deliciosamente divertidas con las que Beà deleitó al público del Círcol en una memorable velada con la que Cryptshow celebraba su décimo aniversario, un evento que se completó con la proyección de todos los spots de las ediciones anteriores, así como un secreto muy bien guardado, para el que han hecho falta diez años para ponerlo en conocimiento del público: antes de crear Cryptshow, los organizadores lo intentaron con una serie de humor que, vista durante la gala, explica perfectamente y por si sola porqué se dedicaron a otra cosa.
Desde Proyecto Naschy felicitamos a Cryptshow en su décimo aniversario. Sin duda uno de los festival, si no el más, innovador que podemos encontrar dentro de su temática. Abierto a todo tipo de disciplina relacionada con lo que une a la organización del festival y su público: el fantástico y el terror.
¡¡¡Nos vemos en Cryptshow 2017!!
Todas las fotos: Serendipia (menos las indicadas)
Serendipia
Proyecto Naschy 
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