Archivo

Archive for 29 julio 2016

VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 29 de julio *

MILES AHEAD (Don Cheadle, 2015)

miles-ahead-posterUSA. Duración: 100 min. Guión: Steven Baigelman, Don Cheadle Música: Herbie Hancock Fotografía: Roberto Schaefer Productora: Bifrost Pictures / Crescendo Productions / Naked City Films Género: Drama biográfico.

Reparto: Don Cheadle, Ewan McGregor, Michael Stuhlbarg, Emayatzy Corinealdi, Lakeith Lee Stanfield, Morgan Wolk, Austin Lyon

No hay pérdida de tiempo en este biopic sobre el legendario músico de jazz Miles Davis. La acción se sitúa durante el parón de cinco años que sufrió el trompetista tras ser abandonado por su musa y esposa, Frances. Drogas, persecuciones, tiroteos, puñetazos y mucha música en una carrera desbocada por las calles oscuras y violentas de Cincinnati entre alucinógenos flash-backs. Magistralmente protagonizada por Don Cheadle, que también dirige y coescribe el guión, Miles Ahead no se detiene en lineales biografías del tipo de aquellas que al final nos cuentan qué fue de cada uno de los protagonistas, no,  prefiere fijarse en un punto concreto llegando a mezclar pasado y presente y ofreciendo un retrato del músico, así como una lección sobre la creación. Por su parte Ewan McGregor encarna eficazmente al ficticio Dave Braden, un periodista escocés de la revista Rolling Stone que haría (y hace) lo que sea por conseguir un buen artículo terminando, junto a Davis, montado en la noria desbocada que pondrá en marcha la desaparición de la primera grabación del músico en cinco años, que ha sido robada del hogar del músico.

 

MALAS MADRES (Bad Moms, Jon Lucas y Scott Moore, 2016)

USA. Duración: 106′ Guión: Jon Lucas, Scott Moore Productora: Block Entertainment / Merced Media Partners / PalmStar Media / STX Entertainment Género: Comedia

Reparto: Mila Kunis, Kristen Bell, Kathryn Hahn, Annie Mumolo, Jada Pinkett Smith, Christina Applegate, Eugenia Kuzmina, Emjay Anthony, Christina DeRosa, Jay Jablonski, Billy Slaughter, Mike R. Moreau, Hawn Tran

Sinopsis: Como la mayoría de las madres modernas, Amy cuida de todos menos de sí misma. Su vida es perfecta: un matrimonio feliz, hijos de sobresaliente, una casa preciosa y un pelo perfecto los 365 días del año. Colabora en todas las actividades de la escuela y asiste a cada reunión de padres y madres de alumnos, mientras mantiene su carrera profesional. Y, además, hace que todo parezca fácil. Pero todo esto es solo apariencia y Amy está a punto de estallar: sobrecargada de trabajo y de compromisos y demasiado cansada para aguantar una sola petición más, arrastra a otras dos madres a un atracón de locura, libertad, diversión y desenfreno. Pero accidentalmente se cruzan con la líder de la asociación de padres y madres, una devota del ideal de “madre perfecta”.

trailer-en-castellano-y-poster-de-malas-madres-con-mila-kunis-originalLeslie Jones, una de las nuevas cazafantasmas, abandonaba las redes el pasado lunes 18 tras ser víctima de un masivo ataque de comentarios racistas y sexistas. Ese es el reverso oscuro de los aires de cambio que han ido introduciéndose en los blockbusters en relación a las protagonistas femeninas. Cada vez hay más buenos papeles para las féminas en el cine comercial, menos chicas florero y más protagonistas. A esa tendencia parecen apuntarse Jon Lucas y Scott Moore, el tandem de guionistas de la aclamada Resacón en Las Vegas, con su última película. Porque Malas Madres es eso: poner la comedia petarda de colegas al servicio de las damas. Humor de trazo grueso apoyado, sobre todo, en el vocabulario zafio y la juerga alcohólica, la misma comedia que hemos visto funcionar como fórmula miles de veces, trasladada tal cual al gineceo. Ahí empieza y acaba el interés de este estreno veraniego.

Tiemblo cada vez que mi otro yo me dice aquello de “esta la haces tú sola que le sacas más jugo” y en esta ocasión más todavía, porque soy mujer y esta es una película para mujeres, luego, no soy su público potencial.

Malas Madres pone sobre la pantalla la figura de la superwoman, la mujer que trabaja fuera de casa pero sigue haciéndose cargo de todo lo doméstico y, sobre todo, que sigue siendo, o intentando ser, madre modélica. Así es Amy (Mila Kunis), su vida es la encarnación del estrés femenino en el que (imagino) muchas se verán reflejadas, es así hasta que en plena reunión del AMPA dice basta. Empieza ahí la comedia de malotes simpáticos que esta vez son malotas, las chicas se liberan de la carga de su autoexigencia de perfección y empiezan a comportarse como colegones de farra y desenfreno. Esto es, su liberación pasa por repetir la conducta gamberra que se recrimina a los varones. Así de superficial es la cosa.

Como comedia no deja de ser una más, con algún gag resultón y con buena vis cómica de sus guapas protagonistas, pero sin nada que la vaya a hacer verdaderamente memorable. Como alegato de  rebeldía femenina se limita a zurcir cuatro tópicos mal contados y a repetir los errores del cine comercial que busca hacerse con el favor de las mujeres. Así, por ejemplo, no hay un sólo personaje masculino que tenga más profundidad que la del folio en el que esté escrito, todos los hombres son gilipollas incluidos los hijos varones con la excepción del padre viudo buenorro, que no se libra por su inteligencia o su conducta, se libra porque es guapo y hábil en las artes amatorias.

Estamos ante una película que gustará, en gran parte porque llega a las carteleras en verano, la estación de la pereza y la huelga neuronal. Es un producto fresquito al que no se le puede buscar las vueltas. Pero es más perniciosa de lo que puede parecer a simple vista, porque llama a contentar  y a acallar nuestras conciencias. Nos puede hacer pensar que hemos ganado mucho en la batalla feminista, que casi le hemos dado la vuelta a la tortilla y ahora son ellas las que se desmelenan. Odio gastar aquí la frase de Lampedusa, pero lo haré: se trata de cambiar todas las cosas para que nada cambie en realidad. Después de todo, las chicas-chico de la película van a seguir siendo fundamentalmente madres y madres más ejemplares aún porque se han deshecho de su afán de perfección, han subido su autoestima y ahora sí están preparadas para afrontar el peso de educar en valores. Como debe ser.

 

ZIPI Y ZAPE Y LA ISLA DEL CAPITÁN (Oskar Santos, 2016)

España. Duración: 100 min. Guión: Oskar Santos, Jorge Lara (Comic: José Escobar) Productora: Zeta Cinema / Antena 3 Films Género: Aventuras

Reparto: Teo Planell, Toni Gómez, Elena Anaya, Iria Castellano, Máximo Pastor, Ana Blanco de Córdova, Fermí Reixach, Jorge Bosch, Carolina Lapausa, Goizalde Núñez, Juan Codina

Sinopsis: Llegan las navidades y Zipi y Zape la vuelven a liar parda. Esta vez la travesura es tan grande que son castigados sin vacaciones y obligados a acompañar a sus padres a lo que parece ser un aburrido viaje en barco. Para su sorpresa, el destino es una espectacular y remota isla. Una terrible tormenta les obliga a refugiarse en la mansión de la divertida señorita Pam, donde niños sin familia disfrutan de un paraíso sin reglas. Ayudados por Pipi, Maqui y Flequi, los hermanos descubren que la repentina desaparición de sus padres en medio de la noche guarda relación con el secreto que encierran la misteriosa isla y sus extraños habitantes…

null

Tras le exitosa Zipi y Zape y el club de la canica, cinta galardonada con el Premio a la Mejor Película en el Festival Internacional de Cine de Giffoni y la película española más taquillera de 2013, llega esta secuela con ganas de repetir éxito. De momento también ha participado en ese festival, el más importante de Europa dedicado al cine infantil y juvenil, obteniendo el segundo premio en las votaciones del jurado, compuesto por más de 4000 jóvenes de 50 países.

Esta nueva producción basada en personajes de Editorial Bruguera se suma a otras como las de Mortadelo y Filemón, Anacleto y la próxima dedicada a Súper López, cintas que en conjunto obtienen nota positiva. Naturalmente, los personajes de Escobar han pasado por un filtro que los ha actualizado, manteniendo parte de su carácter gamberro, sí gamberro, que no travieso, aunque todo con mucha corrección política y añadiendo aventuras ‘a la americana’, con buenos efectos especiales, aunque sin abusar de los mismos. Fantasmas, casas lúgubres, gorilas, aventuras y humor en esta película para toda la familia dirigida por Oskar Santos, que ya se encargó de la primera entrega hace tres años. También repite el guionista y el compositor, con una magnífica banda sonora, muy acorde con el tipo de aventura que se nos está narrando. Eso sí, han cambiado los dos protagonistas principales, que han pasado a ser interpretados por Teo Planell y Toni Gómez. El motivo nos lo explica el propio Oskar Santos: “Lo que teníamos claro es que no podía cambiar la edad y la personalidad de nuestros protagonistas. Zipi y Zape son niños que rondan los 11 o 12 años de edad. Lógicamente, los actores de ZIPI Y ZAPE Y EL CLUB DE LA CANICA tienen ya 15 o 16 años, así que hemos tenido que encontrar a dos nuevos Zipi y Zape, Teo Planell y Toni Gómez, que han sabido dar a los personajes toda la fuerza y la diversión que se merecen“.  También se incorporan  al reparto Jorge Bosch y Carolina Lapausa interpretando a los padres de los revoltosos hermanos, Don Pantuflo Zapatilla y Doña Jaimita Llobregat.

Con buen diseño de producción, que incluso se permite, entre otros, ciertos guiños a los clásicos de terror de la Universal, la película nos sitúa en una época atemporal, que mezcla la estética de principios del siglo XX  con la actual: el universo de la señorita Pam, interpretada por una atípica Elena Anaya. Como explica el productor, Fernando Bovaira, “la película nos sumerge en el mundo de Pam, gran aficionada a la lectura del género de aventuras. Todo su universo nos retrotrae a Verne, Wells, Barrie, Doyle… uno de los desafíos mas complejos de esta producción ha sido recrear y actualizar ese estilo visual en un universo que resulte atractivo para padres y niños de hoy en día“. Elena Anaya realiza con este personaje un registro muy diferente a cuantos nos tiene acostumbrados. Tal y como nos explica la propia actriz : “Pam ha construido en la Isla del Capitán un universo propio donde no hay lugar para nada malo. Para ella la libertad es absolutamente fundamental para el crecimiento el disfrute de los niños que viven en su hogar. Lo que ocurre es que la libertad sin medida puede tener un lado un tanto oscuro y ahí es donde esta película cuenta las consecuencias de no poner límites a los caprichos y por qué eso puede llegar a ser peligroso”. Esa es, sin ánimo de desvelarles nada más, la gran moraleja de Zipi y Zape y la Isla del Capitán, que nos parece un digno producto de género fantástico para toda la familia que, naturalmente, encontrará sus detractores, seguramente entre los adultos que tuvieron en sus lecturas de infancia las aventuras originales de estos personajes creados por Escobar. O los que no aceptan buen cine de género realizado en España.

 

 

 

 

 

 

 

Categorías:VAMOS DE ESTRENO

Sitges 2016 celebra el 50 aniversario de Star Trek

2016_premsa_newsletter_03

Con motivo del estreno en España de la última película de la saga, ‘Star Trek: Más allá’ (‘Star Trek Beyond’), os recordamos que el espíritu trekkie sobrevolará la 49ª edición del Festival, que programará diferentes proyecciones y actividades relacionadas

La celebración del 50º aniversario de la serie original Star Trek será el leit motiv del próximo Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, que tendrá lugar del 7 al 16 de octubre. La saga, creada por Gene Roddenberry en 1966, se ha convertido en un auténtico fenómeno de culto que cuenta con una infinita legión de fans, que tendrán la oportunidad de encontrar en Sitges la génesis y manifestaciones de la galaxia trekkie.

El universo Star Trek tendrá como figura visible en Sitges 2016 el personaje de Chekov de la serie original, interpretado por Walter Koenig, que visitará el Festival y recibirá un premio Màquina del Temps. El documental For the Love of Spock, dirigido por Adam Nimoy, una aproximación por parte del hijo de Leonard Nimoy al punto de vista de su padre, el mítico Mr. Spock, estará también en el Festival. El cartel de Sitges 2016 toma como referencia, precisamente, Star Trek. Ha sido realizado, un año más, por la agencia China, con Rafa Antón como director creativo ejecutivo.

Los trekkies están de enhorabuena, porque Sitges 2016 celebrará la Star Trek Walk, un desfile por las calles de Sitges en honor a la saga de culto, el miércoles 12 de octubre. El Festival cuenta con la colaboración de la Asociación Club Star Trek.

Star Trek también protagonizará dos exposiciones en Sitges, que se distribuirán entre el Edificio Miramar y el Palacio de Maricel. La primera estará compuesta por todo tipo de materiales provenientes de colecciones privadas: figuras, cómics, maquetas, fotografías autografiadas, libros y merchandising variado. La segunda será una recopilación de ilustraciones creadas por diferentes artistas españoles, que rinden homenaje al universo de la saga.

La franquicia Star Trek se compone de cinco series de televisión, una serie de animación en 2D y doce películas, además de una docena de videojuegos, diferentes juegos de rol, cientos de novelas y relatos de ficción.

Categorías:Festival de Sitges

Sitges 2016 pone a la venta los abonos y packs para la 49ª edición

2016_premsa_newsletter_03

Las principales novedades de este año son los abonos Auditorio Parte I y Parte II, nuevos packs y la venta de entradas para las galas de inauguración y clausura

Ya se ha iniciado la venta de los abonos para la próxima edición del Sitges – Festival Internacional de Cine Fantástico de Catalunya. El Festival vuelve a poner a disposición del público los pases habituales que mantienen los mismos precios que la edición anterior. Es el caso del Abono Matinée (99 euros) válido para acceder a todas las sesiones del Auditori de la mañana hasta las 15 horas, el Abono Butaca VIP Auditori (350 euros) y el Abono Butaca VIP Retiro (275 euros), que dan acceso a todas las sesiones en el Auditori o en el Retiro, respectivamente, con asiento reservado en la mejor zona.

El Abono Auditori Completo (250 euros) renueva las condiciones de anteriores ediciones, con acceso a todas las sesiones del Auditori durante el Festival y presenta nuevas opciones. Este año se han creado los nuevos abonos Auditori Parte I (160 euros) y Auditori Parte II (130 euros), que permiten acceder a todas las sesiones del Auditori del 7 al 12 de octubre y del 12 al 16 de octubre, respectivamente.

Todos los abonos dan acceso al periodo de preventa, se pueden adquirir hasta el 2 de octubre y no incluyen las Maratones del 16 de octubre ni las sesiones de inauguración y de clausura (a excepción de los abonos Butaca VIP). Como novedad, las entradas para las galas de inauguración y clausura también se pueden adquirir “a ciegas” el mismo día 21 de julio.

Esta edición presenta el nuevo Ticket Extra (9 euros), y versiones mucho más flexibles de los packs de entradas de años anteriores como el Pack Fan 10 (85 euros), el Pack Súper Fan 20 (150 euros) y el Pack de Culto 30 (215 euros). Estos pases permiten canjear entradas a escoger entre las sesiones de tarifa regular, Despertador, Sitges Classics, sesiones de cortos, 3D, maratones y programas dobles, y también dan acceso a la preventa.

Además de estas opciones, el Festival vuelve a poner a la venta el Pack Anima’t, que da derecho a cuatro sesiones diferentes de la sección Anima’t, incluidas las sesiones Anima’t Curts y 3D.

Consulta toda la información aquí.

Categorías:Festival de Sitges

El Salón del Manga ofrecerá un concierto de Taiko a cargo de Shogo Yoshii

170922_2990-11e6-ba22-0050569a455d_logo_salonXXII_manga-01

El taiko es una de las manifestaciones más espectaculares de la música tradicional japonesa, en la que se toca con gestos precisos y coreografiados un tambor que puede alcanzar grandes dimensiones. El XXII Salón del Manga de Barcelona contará con la participación del reconocido artista Shogo Yoshii, que ofrecerá el lunes 31 de octubre al mediodía un taller de taiko en el auditorio del Palacio de Congresos y por la tarde un concierto en el gran escenario cubierto de Plaza Univers. En la actuación le acompañará su ayudante, el percusionista Kazunari Abe. La participación de ambos invitados en el certamen tiene lugar gracias a la colaboración del Consulado General de Japón en Barcelona.

Shogo YoshiiShogo Yoshii es un artista integral que crea y expresa de manera completa música japonesa, entendiéndola como un arte folclórico. Su carrera se inició en el grupo Kodo ofreciendo anualmente 110 conciertos de media tanto en Japón como en el extranjero. A lo largo de cerca de ocho años en este grupo llegó a dar unos 800 conciertos aproximadamente, hasta que en 2013 se independizó de Kodo. Shogo Yoshii también se ha dedicado a la composición y a la dirección. En el año 2010 participó en Babel-words, coreografiado por Sidi Larbi Cherkaoui y Damien Jalet, que ganó varios galardones como el Premio Olivier. Fue el director musical, compositor e intérprete en Flamenco Dojoji, ofrecido por Arte y Solera. También dirigió Earth Celebration 2012 y en 2014 participó en el Ballet Spirit de Gotemburgo. Además compuso e interpretó Fractus, obra creada para el cuadragésimo aniversario de Pina Bausch Dance Company. Al año siguiente compuso la música de Pluto del Theatre Cocoon. También fue el creador y presentador de la obra teatral Judas, Christ with Soy dirigida por Ella Rothschild, con Mirai Moriyama como protagonista, en el Teatro Uchiko-za de la Prefectura de Ehime.

En el año 2016 organiza y dirige el concierto para celebrar los 15 años de trayectoria de la violinista Ikuko Kawai en el Orchard Hall de Tokyo. Este mes de julio ha participado en el prestigioso Festival de Avignon y actualmente es uno de los integrantes de la gira mundial del bailarín Sidi Larbi Cherkaoui con su obra Fractus V.

El XXII Salón del Manga de Barcelona se celebrará del sábado 29 de octubre al martes 1 de noviembre en Fira de Barcelona Montjuïc.

La venta anticipada de entradas se realiza exclusivamente desde www.ficomic.com.

13 Festival Nits de Cinema Oriental de Vic: álbum fotográfico

Ya les hemos contado casi todo lo referente al cine que pudo disfrutarse durante las Nits en nuestra anterior entrada, pero ya les decimos y les repetimos  como un mantra que las Nits son mucho más, mucho más, mucho más, mucho más, mucho más…

DSC_0294

DSC_0001

DSC_0022

DSC_0032

DSC_0035

DSC_0037

DSC_0084

DSC_0111

DSC_0062

DSC_0081

DSC_0149

DSC_0161

DSC_0200

DSC_0227

DSC_0246

DSC_0266

DSC_0309

DSC_0286

DSC_0305

DSC_0282

DSC_0209

DSC_0210

DSC_0342

DSC_0353

DSC_0379

DSC_0310

DSC_0398

             Fotos: Serendipia                   Acceso artículo

Categorías:FANTATERROR

13 Festival Nits de Cinema Oriental de Vic: la crónica

26 julio 2016 1 comentario

a282ac51-9dda-4605-aaff-30ca978f4331El farolillo Hikari, realizado por Xevidom,  ilustrador de cabecera del festival, ha acompañado e iluminado nuestro camino durante la decimotercera edición de las Nits de Cinema Oriental que se ha celebrado en Vic. Las Nits son uno de nuestros festivales predilectos, cita obligada por la magnífica selección de películas y por su buen ambiente, gracias al amable y entregado equipo que consigue que tanto el público de Vic, como los que nos desplazamos para acudir a esta ineludible cita, pasemos unos días fantásticos, distendidos y divertidos, aprendiendo a valorar y disfrutar de unas cinematografías y de unas culturas poco o nada conocidas en occidente.

Demos pues un vistazo a lo que dieron de sí estas seis Nits.

PELÍCULAS

SECCIÓN OFICIAL

Este año las Nits de Cinema Oriental han dotado por primera vez a su festival con tres categorías de premio: premio del jurado, premio de la crítica y el habitual premio del público.

Las cintas que han tenido acceso a estos premios han sido, como también es casi norma en este festival, de todo género: de locuras made in Bollywood a comedias descocadas sin olvidar las artes marciales de Hong-Kong. Descubriéndonos mundos ignorados en occidente. Y esa variedad es precisamente la que hace tan atractiva la oferta que nos ofrecen las Nits, todo tiene cabida y todo está cuidadosamente seleccionado para satisfacer a todo tipo de paladar cinéfilo. Tan solo hay que dar un vistazo a la variopinta sección oficial para constatarlo:

cl_2comencemos por el país anfitrión, Japón que participó con seis películas.  Su andadura en la sección competitiva se inició con The Case of Hana & Alice, una deliciosa cinta de animación por rotoscopia dirigida por Shunji Iwai que nos ofrece amistad, adolescencia, unas gotas de misterio y mucho sentimiento de culpa. Iwai ya realizó en 2004 Hana & Alice, una especie de precuela de esta, pero en imagen real.

Mohican Comes Home nos narra el retorno del hijo pródigo a su hogar en la isla de Hiroshima donde habrá de enfrentarse a la enfermedad terminal de su padre. Tras formar en Tokio una banda Death-Metal y dejar a su compañera embarazada, el mohicano del título, con su llamativa cresta de colores, se hará cargo de su progenitor durante sus últimos días, haciendo realidad todos sus deseos, por descabellados que estos sean. Una magnífica comedia no pierde su tono de humor en todo su metraje sin dejar de mostrar la degradación del enfermo de la que no ahorra ningún detalle al espectador. Tras la interesante Wood Job, cinta  de Shuichi Okita que pudimos ver en la edición de las Nits del pasado año, con Mohican Comes Home  el director vuelve a realizar un canto a la vida sencilla, en tono de comedia agridulce en la que destacan el veterano Akira Emoto y la encantadora Etsuko Maeda, como la inocente novia del protagonista.

No Longer Heroine es, por su parte, una comedia estudiantil con estructura mangaka, que no en vano adapta uno de los más populares entre los adolescentes nipones. Muy loca y con exágeradas expresiones de su protagonista, Mirei Kiritane, que llega a dirigirse directamente a cámara (al espectador) en lo que es todo un ejercicio metalingüístico sobre los roles típicos de toda narración (la heroína, el villano, etc.). La película va decayendo conforme el romance se va asentando, llegando a un punto que, de puro edulcorado, roza la parodia (y el público la diabetes).

P-BLOODY-CHAINSAW-GIRLZ Island ofreció las primeras dosis de sangre, kárate, colegialas, comedia loca, yakuzas y (claro) zombis, de las Nits. Esta cinta petarda, pero en la que todos los elementos del guión están cuidados con esmero de modo que no hay detalle que no vaya a cumplir una función narrativa en algún momento del metraje, inauguró las sesiones golfas y se complementó con los interesantes cortos Hada (2015) de Tony Morales y The Yellow Ribbon (2012) de Carles Marques-Marcet, galardonado con el premio TAC en 2013.

Bloody Chainsaw Girl , película basada también en un popular manga, ofreció al espectador más dosis de sangre, gore, colegialas (con su complejo erotismo), ninjas, ciborgs y motosierras (lo que no puede faltar en toda muestra de cine japonés que se precie), durante la segunda sesión golfa. Aunque sean mejores el trailer y el cartel que la película en sí, no defrauda a los amantes del despiporre más descarado y sangriento, los cuales, si no tuvieron bastantes gotas de demencia con la primera, pudieron terminar de enloquecer con la recopilación de cortometrajes The Best of Tetsudon.  El pase de esta última trajo algunos de los momentos más divertidos e interactivos del festival al contar con la presencia de uno de los productores del invento, Reji Hosino. La velada se completó con dos desquiciados cortometrajes japoneses, Am I too Big? (2014) de Tomohiko Iwasaki y Gigantic Heroine Infinite (2016) de Kanzo Matsuura.

China no puede faltar nunca en el festival. De ese país nos llegó la primera cita con las artes marciales: The Master, una cinta producida por Wong Kar-Wai y dirigida por Xu Haofeng, guionista de The Grandmaster (2013) la hasta ahora última película de Wong Kar-Wai. Con un magnífico diseño de producción, nos ubica en una occidentalizada China en los años 30, la cinta es rica en

Michelle Wang

Michelle Wang

elaboradas y nada fantasiosas luchas de Wing-Chum, aunque por desgracia la trama resulta liosa, confusa más que compleja, y acaba haciendo que el espectador se pierda.

Mucho mejor resultó Old Stone, de Johnny Ma, una pesimista narración que se desarrolla en la China contemporánea. Una China saturada de población pero sin un rastro de humanidad, en la que el protagonista se derrumbará por haber cometido el “error” de salvar una vida. Rodada de forma realista, casi feísta (esa fotografía con grano) y sin banda sonora (apenas música incidental), este drama concluye con una moraleja tan real como sangrante (el inhumano sistema político contagia a toda la sociedad). Cinta prohibida en el Festival de Cine de Hong-Kong por su dura crítica al sistema sanitario chino, obtuvo el premio de la crítica en esta decimotercera edición de las Nits de Cinema Oriental.

Beijing Carmen, de la coreógrafa y bailarina Michele Wang es, tal y como deja adivinar su título, una versión de la ópera Carmen que se desarrolla en la China actual. El pase, que contó con la presencia de la directora, tuvo la mala fortuna de tener lugar en un día atipicamente frío para las fechas, lo que hizo desistir a gran parte de los espectadores que se reunieron en la Bassa dels Hermanos.

La última representante del gigante país chino fue Chongqing Hot Pot (Yang Qing), una ingeniosa mezcla de comedia, acción y drama social que nos habla de amistad incondicional y dignidad con el fondo de un delirante atraco. Chongqing Hot Pot es toda una muestra de lo que es el cine comercial de oriente: la oriental es una cinematografía desacomplejada que se caracteriza por la ingenuidad de sus historias y la  frescura de sus estructuras narrativas. Una inocencia que se ha perdido en Occidente y que tanto nos gusta ver en las Nits. El de Yang Qing fue uno de los filmes más redondos de la muestra, aunque suponga para nosotros aparcar el cinismo occidental durante toda su proyección.

Desde Corea llegaba The Deal (Son Yong-ho), un relato policial con asesino en serie realmente violento. Un thriller de alto voltaje, oscuro, pesimista, intenso, sofocante y pasado por agua, pues el asesino solo actúa cuando llueve. The Deal muestra como la tragedia puede cambiar radicalmente la vida de los que sobreviven, con una intriga magníficamente construida mediante dos subtramas que tienen, a pesar de no parecerlo, mucha relación entre sí.

Hubo representación de Nepal de la mano de Serdhak, The Golden Hill de Rajan  Kathet , director presente en las Nits que presentó su película, repleta de la belleza natural de la zona de Mustang.

Office fue uno de los títulos más marcianos de las Nits. Un musical que se desarrolla en el mundo de los negocios dirigido por Johnnie To. Cotilleos de oficina, ironía, despidos, ascensos, la paradoja del vivir para trabajar que no trabajar para vivir se dan la mano en este musical de estructura clásica con unos decorados magníficos de corte vanguardista. El desplome de las bolsas asiáticas causadas por la caída de Lehman Brothers es el telón de fondo de un relato que cuenta con la presencia, siempre agradecida, de los veteranos  Chow Yun-Fat y Sylvia Chang, autora también del guión.

Office junto a Ip Man 3 fueron las cintas encargadas de representar la cinematografía de Hong-KongIp Man 3 (2015) de Wilson Yip vuelve a narrar las peripecias del que fuera maestro de Bruce Lee, aunque poco antes de entrenarlo. El argumento es bastante básico pero ofrece el atractivo de las magníficas luchas de Wing-Chun, así como el innegable carisma de Donnie Yen y la breve aparición (casi un guiño) de Bruce Lee. Sin olvidar, claro está, el enfrentamiento de Yen con Mike Tyson.

Y para finalizar la sección oficial no nos olvidamos de otra de las filmografias más esperadas y celebradas por el público de las Nits, la india, que ofreció tres interesantes títulos. Por un lado el documental más que interesante For the Love of a Man, que muestra la pasión que despierta el actor Rajinkanth en la región Tamil Nadu. Una devoción difícil de comparar con nada que conozcamos  que sirve para darnos también un contexto histórico, político y social de la zona  donde un auténtico ejército de fieles fans profesan al actor la devoción de un dios, y cuyas películas son esperadas y celebradas efusivamente en las calles y en los propios cines. Documentales como este nos demuestran la gran ignorancia que tenemos en occidente sobre estas cinematografías y la forma de asimilar el cine por el público oriental.

Y claro, el cine de Bollywood, con dos ejemplos recientes y contundentes: Baaghi (Rebel) y 24. La primera nos presenta a todo un héroe de acción, Tiger Shroff, que con esta, su segunda película, se revela como un actor a tener en cuenta, además de un buen luchador que, sin necesidad de doble, realiza todas las proezas que pueden verse en pantalla. Tortas como panes, lugares paradisíacos, humor chusco, danza, canciones, lucha y, por supuesto, romance  con la actriz Shraddha Kapoor, de una belleza realmente sobrenatural. Por cierto, la próxima cinta que podremos ver protagonizada por Tiger Shroff, y que ya desde aquí abogamos para que sea exhibida en las Nits, será encarnando el papel de súper-héroe volador. Nos declaramos pues, fans instantáneos. En cuanto a 24, es una comedia fantástica retrofuturista, que juega con los viajes en el tiempo añadiendo mucha acción, humor, melodrama y todo lo que nos gusta del mejor cine filmado en Bollywood. Una superproducción repleta de espectáculo.

RETROSPECTIVA

Siendo Japón país anfitrión, las Nits de Cinema Oriental quisieron hacer un homenaje al Kaiju Eiga (ese subgénero del cine fantástico basado en señores con traje de monstruo pisoteando maquetas de Japón) mediante una magnífica retrospectiva que contó con cuatro representativos títulos, entre los cuales no podía faltar el Godzilla original de Ishiro Honda de 1954 que inició este género y este ciclo. También pudimos disfrutar en la pantalla del Cine Vigatà de la respuesta de los estudios Toei al Godzilla de la Toho, la tortuga Gamera, que protagonizó Los monstruos del fin del mundo, segunda aparición en el cine del Kaiju y primera en color en la que deberá enfrentarse al temible Barugon. Mucho más divertida resultó El monstruo que amenaza el mundo, realizada por los estudios Nikatsu y protagonizada por el monstruo Gappa y su señora, unos gallinosaurios  la mar de graciosos que pisotean Tokio para recuperar a su cría. ¿Lo mejor?: todo. Pero si hay que destacar algo sería el tema principal, el twist Daikyoju Gappa interpretado por Katsuhiko Miki, que pueden escuchar en este enlace (pínchenlo, no sean vagos, que es todo un descubrimiento):

También hubo una muestra de Kaiju más moderno con Gamera, el guardián del universo (Shusuke Kaneko, 1995), que representa un gran paso adelante en cuanto a efectos especiales pero varios hacia atrás en cuanto a divertimento e ingenuidad. Cinta que llegó a estrenarse en nuestras pantallas de la mano de Filmax. Y finalmente  hubo un Kaiju Eiga venido de Hong-Kong, El grandioso hombre de Pekín (Ho Meng-Hua, 1977), película que hace tiempo teníamos ganas de ver y que, desde luego, no nos defraudó. Una mezcla de King-Kong con Sheena a la manera de los P-EL-GRANDIOSO-HOMBRE-001estudios Shaw con, naturalmente, mucha, mucha, acción. La copia que se presentó tenía el doblaje castellano de la época, lo que añadió diversión y encanto gracias a sus descacharrantes diálogos. También gracias a este doblaje pudimos saber qué escenas fueron cortadas por la censura española, al ofrecerse estas en su versión original.  Delatoras transparencias, actores de saldo, extras con cara de no entender nada y un final devastador, exento de la poética del King-Kong original. A destacar (y mucho) la joven que interpreta al interés romántico del gorila Goliathon, la actriz rusa Evelyne Kraft, que interpretó películas de derribo por medio mundo, incluida la alemana Lady Drácula (Franz Josef Gottlieb, 1977) y cuya búsqueda iniciamos desde ya mismo.

Finalmente, durante la última jornada se pudo ver la saga completa Ataque a los titanes, que dirigidas por Shinji Higuchi se proyectaron también durante la última edición del Festival de Sitges y que editará en formato doméstico Mediatres Estudio.

SESIONES INFANTILES MATINALES

DSC_0256

Tres jóvenes Nitòmans

Resulta muy atractivo comenzar el día con dibujos animados o alguna cinta dirigida al público infantil, pero indicadas también para adultos. En esas sesiones  pudimos disfrutar de Anime con Lupin III Vs. Detective Conan (Japón, Hajime Kamegaki, 2013) y Khuda-Yana (España/Corea del Sur, José L. Ucha Enriquez, 2012-2015); de marionetas y animación digital con la fascinante The Arti: The Adventure Begins (Taiwan, Huang Wen-chang, 2015) que contiene interesantes toques retrofuturistas y ecologistas; de imagen real y animación con Monster Hunt (China/Hong-Kong, Raman Hui, 2015), la segunda película más taquillera en China con unos efectos digitales realizados por los mismos estudios que dieron vida a Schreck y a toda su parentela y que inundan la pantalla con magia, luchas espectaculares, humor y canciones.  También hubo otro tipo de cintas, como Killa (India, Avinash Arun, 2015), que aborda la problemática del mobbing. Y finalmente un poco de  Sentai (porque hablar de Japón es hablar también de Sentai) con Japan Local Heroes Great Battle (Eiji Kamikura, 2016).

SESIONES GOLFAS Y ESPECIALES

DSC_0009

Como ya hemos comentado, los trasnochadores tuvimos oportunidad de disfrutar del más disparatado cine oriental con zombis, motosierras, yakuzas y sangre, mucha sangre con Z Island, Bloody Chainsaw Girl The Best of Tetsudon, sesiones que se completaron con cortometrajes, refrigerios varios y sorteos. Buenos e inolvidables momentos cinéfagos reservados para los más gamberros y desprejuiciados.

Dentro de la nueva sección Ruta Marco Polo, dedicada a aquellas producciones o coproducciones occidentales que versan sobre Asia, se nos han ofrecido cortometrajes como Alma, de Rubén Ventura, una obra profundamente japonófila, o Songokumanía, un largometraje de Oriol Estrada que habla del impacto que tuvo la serie Dragon Ball en los espectadores de los noventa. Y es que, sin lugar a dudas, Son Goku y sus amigos de Bola de Drac fueron en gran parte culpables de que esa generación de los noventa descubriera un nuevo mDSC_0011 (2)undo, y una cultura, la asiática, que despertó aficiones e inquietudes. Fue la Songokumanía la que facilitó la entrada y el éxito del Manga y el Anime en nuestro país. Algo que queda demostrado por la gran afluencia de público al Salón del Manga que, precisamente el próximo mes, celebra su edición número 22.

El documental está basado principalmente en los bustos parlantes de protagonistas y fans. Desde el programador de TV3 que compró el paquete que incluía Dragon Ball, Oleguer Sarsanedas, quien desde luego no sabía lo que tenía entre manos ni lo que se le venía encima; pasando por los responsables de Cómics Fórum, que se encargaron de editarlo en España como Antonio Martín, Pere Olivé y Montserrat Samón; o los entonces niños y jóvenes Cels Piñol, Óscar Valiente (ahora en Norma Editorial) y Manu Guerrero (actualmente en Selecta Visión). Todos ellos nos hablan del impacto que les causó la llegada de la serie en un documental muy bien montado, con un magnífico y fluido hilo narrativo.

Songokumanía se transformará en libro  después del verano (coincidiendo con el Salón del Manga) de la mano de Edicions Xandri.,

OTRAS ACTIVIDADES

DSC_0178

Carlos Gañarul (ilustrador), Domingo López (coordinador y maquetador) y Eduard Terrades (autor) presentando ‘Kaijû! Cuanderno de campo’, el libro de las Nits 2016.

Como ya saben, o deberían saber ustedes a tenor de lo pesados que nos hemos llegado a poner con este festival, las Nits ofrecen mucho, pero mucho más que películas. Kaijû, cuaderno de campo es el segundo libro que edita el festival y en el tenemos toda la información necesaria para hablar sobre este tema sin quedar en ridículo. Los orígenes de este subgénero con la trayectoria de Godzilla y los más característicos compañeros de fatigas hasta la actualidad; su traslación al manga; el merchandising que ha ocasionado; y sus bandas sonoras, TODO tiene cabida en este lujoso tomo repleto de imágenes a todo color ideal para iniciarse en este apasionante tema. Sin olvidar la cultura japonesa en la que se basa y  a la que ha influido hasta convertirse en un símbolo del Japón moderno.

El duende también estuvo en las Nits

El duende también estuvo presente en las Nits

También las Nits ha editado y presentado este año un cuento para los más pequeños, Les aventures de Maneki-Neko, escrito por Robert Jové e ilustrado por Jaume Salés que dependiendo de la respuesta que obtenga, será el primero de una serie.

Además de cine y literatura hubo otras actividades para pequeños y grandes: exhibiciones de Taichí, artes marciales y danza -incluso flamenco con Aina Núñez-, a lo que se sumó el concierto de White Noise. Actividades que amenizaron las sabrosas cenas de la Bassa dels Hermanos, dedicadas en jornadas consecutivas a las cocinas japonesa, cantonesa, china, india y nepalí.

Entre las exposiciones destacó la dedicada a los Maneki-nekos, los gatos de la suerte chinos, que 16 artistas pintaron y transformaron libremente de la forma más imaginativa.

CONCLUSIÓN Y PALMARÉS

Las Nits poco a poco va configurándose como el gran festival de cine asiático que sin duda es. Como hemos comentado, esta edición, que ha contado con la presencia de  9.000 espectadores,  ha concedido por primera vez tres premios: el del jurado, el de la crítica y el tradicional ‘Gato de la Suerte’ del público. Además del apoyo de la ciudadanía, que participa en el festival acudiendo principalmente a las proyecciones y cenas en la Bassa dels Hermanos, el certamen tiene el respaldo del consistorio, que con su presencia valora la impecable labor que este equipo de jabatos realiza anualmente y que camina, paso a paso, con cautela, pero con paso firme, hacia la profesionalización.

Las triunfadoras en esta decimotercera edición de las Nits de Cinema Oriental han sido:

PREMIO DEL JURADO compuesto por los directores Reji Hosino y Kyu-jun Cho,  para la agridulce comedia generacional japonesa The Mohican Comes Home.

PREMIO DE LA CRÍTICA, otorgado por todos los medios acreditados en el festival, para el drama social chino Old Stone, una crítica a los servicios públicos chinos que fue prohibida en el Festival de cine de Hong Kong.

PREMIO DEL PÚBLICO:  Para la tercera entrega de la historia del maestro de Bruce Lee, Ip Man 3

Sin duda para Proyecto Naschy es una festival muy especial, obligado en nuestra agenda por la calidad de la selección de los títulos y por sus atractivas actividades paralelas, pero sobre todo por el calor y cariño que recibimos por parte del magnífico equipo que compone las Nits, que afronta la agotadora tarea con alegría, convirtiendo el festival en uno de los eventos más distendidos y divertidos en los que tenemos el placer de participar. Por todo esto y mucho más…

¡¡¡NOS VEMOS EN EL FESTIVAL NITS DE CINEMA ORIENTAL 2017!!!

DSC_0386

Fotos: Serendipia

Acceso álbum fotográfico

 

 

 

 

 

FIRE!!: mucho cine y diversidad en la 21 edición de este festival

Logo-FIRE-Medium

FIRE!! 2016: Liberté, égalité, diversité

Bajo este lema de innegable raigambre revolucionaria se celebró en Barcelona la edición numero 21 de este festival que del 30 de junio al 10 de julio ofreció cintas interesantes en varios espacios, siendo su principal pantalla la del Institut Francés de Barcelona, que proyectó la mayoría de los  15 largometrajes de ficción, 7 documentales y 30 cortometrajes en riguroso estreno en España, que componían la muestra. Se ofrecieron películas e historias de todo pelaje y calidad, pero siempre con los lemas del festival como bandera.

FIRE2016-imagen-graficaFIRE!! 2016: PELÍCULAS DESTACADAS

Aunque nos fue imposible por coincidencia con otro festival asistir a todos los pases que se ofrecieron y visionar todos los títulos, pudimos ver un buen número de ellos, resultando un balance muy positivo en cuanto a selección, calidad de los mismos y presencia de un participativo público, más numeroso, curiosamente, durante las sesiones que pudimos ver los días laborables. Participaron películas de Chile, Lituania, Japón, Suecia, Kenia, México, Estados Unidos, Austria, Filipinas y España, que ofrecieron un amplio espectro de temáticas y formas de ver el cine. Demos pues un itinerario por los títulos que pudimos ver, deteniéndonos en los que llamaron más nuestra atención.

La producción francesa Un amor de verano (La Belle Saison, 2015) de Catherine Corsini, inauguró con todos los honores este festival con la presencia de su directora. Como las producciones de temática lésbica tienen menos presencia, ya no solo en el Fire!!, sino en la cinematografía mundial en general, es remarcable Un amor de verano por su innegable calidad y por tratarse de uno de los pocos títulos exhibidos durante Fire!! que tiene carrera comercial en nuestras salas.

Un amor de verano es una película con mujeres, en torno al movimiento feminista, con una historia de amor entre dos mujeres. Estamos en los años 70, el movimiento feminista está en alza, los nuevos aires traídos por el mayo francés han hecho salir a la calle las reivindicaciones por los derechos humanos, es el momento de la revolución sexual y la liberación de la mujer, pero hay mucho camino por recorrer, la normalización de los anticonceptivos es todavía algo por conquistar, igual que la despenalización del aborto o la igualdad salarial. Catherine Corsini, la directora, ha querido traernos un retrato solar, fresco, de esas mujeres luchadoras poniéndolas en su contexto, pero a la vez atemporalizándolas pues el camino todavía no ha sido recorrido plenamente. Una escena es decisiva para captar el tono que la autora ha querido darle a su relato, la reunión de mujeres en el anfiteatro de La Sorbona: “Me apetecía mucho rodar esa escena, reunir a todas las mujeres, verlas hablar, discutir. Claro que gritaban, porque para una mujer que nunca ha hablado no es fácil tomar la palabra y hacerse oír. Más aún, rehusaban que alguien dirigiera los debates y pusiera orden. Pero la energía que desprende el grupo es bella, alegre e iconoclasta. También debemos recordar que su actitud militante era muy arriesgada. A menudo acababan en comisaría“. Vivacidad juvenil  y mucho desenfado para hablar de una lucha que todavía reviste gravedad, es la forma que emplea la directora para hacernos tomar conciencia de un movimiento que sigue siendo el nuestro.

Al retrato social se le teje el relato íntimo. Se trataba de mostrar las contradicciones: cómo era posible comprometerse políticamente, hacer prueba de valor hacia los demás y tener dificultades en defender “su propia causa” en la vida privada. Ahí es donde entra en juego la historia de amor entre Delphine, hija de campesinos, que va a París para huir del yugo familiar y conseguir emanciparse económicamente, y Carole, la mujer parisina del momento, que vive con un activista de izquierdas y defiende activamente los principios del feminismo.

null

La suya será una historia de descubrimiento, cada una le abre a la otra nuevas perspectivas de sí mismas, descubren sus sentimientos, su sexualidad y sus propios cuerpos. “Jugar con la desnudez casi formaba parte de la lógica y de la escritura de esos años. De pronto, era normal mostrar la desnudez, el vello en las axilas (…) En cierto modo, Cécile me llevó hacia la idea con su encarnación de Carole. Me encantaba su look con la melena rubia loca. Luego decidimos que no usaría sujetador, y empezó a dibujarse el personaje de una parisina liberada que se siente cómoda con su cuerpo, que se pasea desnuda por el piso. Cécile me dio una libertad que me parece muy bella y que encajaba a la perfección con el personaje de Carole, una chica valiente, sin tabúes (…)  al contrario de Delphine, que no se siente cómoda con su cuerpo, quizá porque aún no asume su homosexualidad”. Polos opuestos destinados a encontrarse y complementarse, a abrirse un mundo y a marcarse sus trayectorias para siempre.

Un amor de verano es la primera película de Catherine Corsini en la que trata abiertamente la homosexualidad, un tema necesario porque, aunque la gente se esconde mucho menos, sigue siendo doloroso para algunos vivir y pregonar su homosexualidad. La cinta de Corsini, en su frescura, nos hace tomar conciencia de lo que supone vivir una sexualidad fuera de los roles tradicionales, las dificultades con las que todavía se tiene que luchar (a veces la propia censura de los implicados, como en el caso de Delphine). Sin corsés ni clichés, totalmente cercana y verosímil, la historia de estas dos mujeres tiene mucho de nuevo comienzo, así la veía su autora y así nos lo transmite.

null

Una película que habla de mujeres que no están contra los hombres (los papeles masculinos no son en absoluto planos) sino que están por ellas, que están buscando su protagonismo y reivindicando su propia voz. Dos actrices en estado de gracia nos conducen por la complejidad de sus personajes, de la época que les tocó vivir, de lo difícil que era (y aún es) vivir su amor en ciertos círculos (magistral ahí haber localizado parte de la historia en un medio rural) y nos transmiten su energía, sus ganas de luchar y sobre todo de vivir según sus propios valores. Absolutamente vigente y necesaria.

That’s not Us (USA, 2015) de William C. Sullivan muestra la relación de tres parejas de amigos (una heterosexual, otra gay y otra lésbica) durante un fin de semana. Una exploración de los sentimientos íntimos de cada una de ellas rodado con una cámara inquieta, nerviosa, que nos muestra cercanos y naturales a los jóvenes protagonistas, sin artificios. De un modo cercano al documental la cinta nos mostrará momentos divertidos y las dudas, tensiones e inseguridades por las cuales atraviesan las tres parejas.  Firmada en tan solo ocho días y con mucho de improvisación MV5BMTkxNzY3ZjgtNzUyNi00MGI5LWEyYTQtNjIzNjA3YWNjMzM4XkEyXkFqcGdeQXVyMjIzODgzMjQ@._V1_SY1000_SX700_AL_que añade frescura a la propuesta. Algo más experimental en su forma de narrar, Like you Mean It (USA, 2015), dirigida por su también guionista y protagonista Philipp Karner, retrata la crisis de madurez de su protagonista y la desintegración de su relación de pareja. Una película un tanto irregular que no acaba de comunicarnos las emociones que pretende. Mucho más interesante fue la argentina Mariposa, todo un what if? que nos desarrolla en paralelo los dos posibles destinos de una misma historia, exponiendo como simples decisiones azarosas puede llevar a muy distintas resoluciones. Con sutiles gotas de humor, veremos que muchas circunstancias son inmutables como si en nuestro existir además del azar actuase la predestinación. Así, el deseo y el amor entre los protagonistas será el mismo, aunque en una de las realidades se hayan criado juntos como hermanos. El simple aleteo de una mariposa puede conducir a la tragedia o al final feliz.  Un filme muy bien narrado por el experimentado Marco Berger  que se hizo con el premio Sebastiane Latino en el festival de San Sebastián y en la que destaca la gran interpretación de la pareja protagonista, Ailín Salas y Javier de Pietro, quienes construyen su doble destino con solvencia y convicción.

Those People (USA, 2015), película escrita y dirigida por Joey Kuhn y con la que debuta en el largo  no es más que un melodrama carente de interés, de esos que pueden protagonizar la sobremesa de un comatoso domingo, sin llegar siquiera a la dignidad de muchos productos televisivos menores. Con una relación adictiva y el Upper East Side de Manhattan como telón de fondo, la acción se desarrolla en un ambiente de pintorescos petimetres por los que es difícil sentir simpatía.

MV5BNjU1ODYyMjU1MF5BMl5BanBnXkFtZTgwMDU0NzA3MzE@._V1_El documentalista Randall Wright, que ya se había adentrado en el universo de David Hockney en 2002, ofrece con su documental Hockney (UK, 2014), un tratamiento en profundidad de la vida y obra del pintor inglés. Ha contado con el beneplácito del artista, que ha dejado al director entrar en su archivo de fotografías y filmaciones, que sin duda enriquecen este exhaustivo análisis de su obra y su biografía. Los archivos del pintor se suman al profuso material de archivo proveniente de entrevistas televisivas y realizadas por Wright a amigos, familia y colaboradores. El documental  se aleja  de ser la mera sucesión de bustos parlantes en la que otros, por falta de derechos o material, terminan cayendo. Dinámico, bien montado, nada aburrido, interesa incluso a los que no conozcan la obra y figura del protagonista, quien además de dejarse entrevistar, demuestra que todavía hoy, a sus 77 años, sigue pintando y, sobre todo, investigando y experimentando con las nuevas tecnologías. Viviendo el color intensamente, podría ser el lema resumen de la vida y obra de Hockney, y el documental sabe transmitírnoslo muy bien.

Enmarcada dentro del cine fantástico está la muy interesante producción sueca Girls Lost (Pojkarna, Alexandra-Therese Keining), que si bien no llega a ser una creación redonda   (pierde en su segunda parte el pulso del relato, hasta entonces impecable) resulta saludable por su ingenioso argumento. Girls Lost es una fantasía lisérgica sobre la vivencia de la diferencia durante la siempre difícil adolescencia. Posiblemente (y sería de desear por su interés) podrá verse en nuestras pantallas de la mano de Surtsey Films. Con un punto de partida casi de película de terror, cuenta la historia de tres adolescentes lesbianas, Kim (Tuva Jagell), Bella (Wilma Holmén) y Momo (Louise Nyvall), que sufren bullying en su escuela y que, por medio de la sabia de una extraña planta, cambian, cual  Jekyll y Hyde, de sexo. Una historia con bastante de fábula en la que no todas las muchachas saludarán el cambio de rol de igual forma. De la diversión y la liberación que ello representa,  pasarán a tomar partido incluso por el mal (como el propio Hyde) convirtiéndose en toda una adicción que incrementará la confusión, en especial, de Kim.

Por su osadía y singularidad, terminamos este repaso con la ya estrenada en circuito comercial Theo & Hugo, París 5:59  (Théo et Hugo dans le même bateau, Francia, 2016).

París, la ciudad con más epítetos del mundo, puede no enamorarnos a primera vista, pero a poco que deambulemos por sus calles y nos dejemos llevar por su especial atmósfera, acabará calándonos como lluvia fina para quedarse impregnada en nuestra piel. París nunca se acaba y siempre termina haciendo suyos a los que la viven. Olivier Ducastel y Jacques Martineau en Theo & Hugo, París 5:59  (Théo et Hugo dans le même bateau, Francia, 2016), nos retrata como si fuera un personaje más ese París que, aunque sea el que no sale en las guías turísticas, lo envuelve todo como un regazo, una ciudad anónima que cobija la independencia de sus habitantes. Todo es posible en París.

Sobre esas calles filmadas con angular para darles aún más grandiosidad, se despliega el viaje de Theo y Hugo. Un viaje que va desde el final de la noche celiniano al amanecer, desde las tinieblas de un cuarto oscuro a la luminosidad de un nuevo día. Rodado en tiempo real, su trayecto es un camino de peregrinación y descubrimiento. Ducastel y Martineau nos muestran las criaturas de la noche de la mano de los dos jóvenes mediante leves pinceladas de retrato social, por sus fotogramas transitan el personal de urgencias nocturnas, el turno menos codiciado al que son relegadas fundamentalmente las mujeres, inmigrantes que cumplen horarios inhumanos como peaje para su endeble integración, trabajadores que no pueden retirarse por la parquedad de su cotización… Y en medio de todo ello Theo y Hugo van theo_et_hugo_dans_le_meme_bateau-267551339-largedescubriendo sus sentimientos, van trenzando sus destinos a partir de un fogonazo de pasión e imprudencia. Estamos ante una historia de amor revertida, tiene su inicio en el descubrimiento del cuerpo y concluye cuando se conocen las mentes, una historia atípica que va desde la práctica del sexo a la comunión de las almas.

Con cierto aire de Higiene Film, esta película ganadora del Premio del Público Teddy Award en la pasada Berlinale recuerda a aquellas cintas exploitation americanas que, aprovechando el mensaje (ya fuera para prevenir enfermedades de transmisión sexual, como embarazos no deseados o evitar caer bajo la influencia de las drogas), se permitían mostrar lo que estaba ‘prohibido’ en las pantallas aprovechando, de paso, para mostrar imágenes nada habituales en las pantallas comerciales. La sombra del sida es alargada y los directores orquestan un relato casi didáctico que parte del temor de haber contagiado y haberse contagiado para exponer los protocolos a seguir después de una práctica de riesgo. Pero no es este rasgo el que la identifica y la hace especial, lo que la particulariza es el pulso que los cineastas tienden al público en su acto inicial.

El arranque del filme es de impacto (curiosamente el antro donde se conocen los protagonistas recibe ese nombre, Impacto). La cinta se abre con una secuencia inicial de veinte minutos en la que se nos muestra de forma bastante explícita qué ocurre en el cuarto oscuro de un local de contactos. Una auténtica marea de cuerpos desnudos entregados a la práctica sexual orgiástica y desenfrenada entre hombres, que puede atacar al pudor de los más pacatos e incluso de más de un liberal bienpensante. Una secuencia sin diálogos, además, que nos obliga a mirar lo que quizás no quisiéramos ver. No hay romanticismo en ese entorno, sólo procacidad que se agota en sí misma, y ahí es donde se pone en marcha el barómetro para detectar el grado de tolerancia real de la audiencia.

Ducastel sabe dónde poner la cámara para no perder detalle de ese punto de partida sin mostrar más que lo justo. Episodio sin texto, el cineasta hace hablar a la cámara y la iluminación para hacer creíble lo que parece imposible.  Bastan unos pocos planos para construir a esos dos personajes condenados a encontrarse, el tímido neófito que está viviendo su primera experiencia y el asiduo desinhibido con su frescura casi insultante. Polos opuestos llamados a abigarrarse por la ley de la atracción entre contrarios. Y el director obrará la magia de la luz para capturar brillantemente el punto exacto del flechazo: un foco de luz cegadoramente blanca les aísla del rojo tenebroso del cuarto oscuro, rodeados por todos están perfectamente solos el uno con el otro. El suyo será un amor inoculado a primer contacto carnal, esa es la propuesta trasgresora que rompe voluntariamente con toda lógica. El amor es una fuerza que no entiende de verosimilitudes ni las necesita para existir y ser contado.

THB3-600x400

Theo&Hugo, París 5:59 es todo un ejercicio de provocación desarrollado desde la insolencia y la desvergüenza, que es tanto como decir que supone un soplo de frescura y originalidad en el trillado camino de las películas románticas. Una provocación, un saltarse los límites desde la festividad, que tanta falta le hace a nuestro cine occidental, cada vez más timorato y encorsetado por la corrección política. Ducastel, desde la ligereza, se aproxima a cineastas como Fassbinder, Pasolini, Waters, o nuestro Eloy de la Iglesia, todos ellos homosexuales, todos ellos rompedores con la moral dominante. Se diría que la discriminación, la represión (sí, todavía), da alas a la rebeldía y concita la voluntad de abrir nuevos caminos a la libertad de expresión. La salud del arte sale fortalecida por el trabajo de estos francotiradores que, cada uno en su estilo, han sumado su obra a la lucha por hacer visible una forma de entender la sexualidad que todavía demasiados quisieran ver censurada.

No sólo de largomentrajes vive el cine. En Fire!! también hubo una buena muestra de cortometrajes que se presentaron como complemento a los largos. Danza en Feeling a Little Blue (D. Cuní y R. Rodríguez, España, 2016) y Wind (Adam Kalderón, Israel, 2015). O pequeñas viñetas cotidianas, entre las que destacó Partners (Joey Ally, USA, 2015), siete minutos  sobre la relación entre dos chicas repletos de humor y cotidianidad que fue financiado por crowdfunding y escrito e interpretado por sus protagonistas, Jen Tullock y Anna Pearl Hutt protagonistas, por cierto, de la serie Disengaged (2015-16) en la que también encarnan a una pareja lesbiana.

PALMARÉS Y CONCLUSIÓN

Los premios honoríficos de la dirección del festival FIRE!! 2016 han ido a las siguiente películas:

– Mejor largometraje: La Belle Saison

– Mejor documental: Suited

– Mención Especial: Flores de Mazapán

Los premios del público FIRE!! 2016 han sido:

– Mejor largometraje: Stories of Our Lives, de Jim Cuchu

– Mejor documental: Hockney, de Randall Wright

Inmejorable ambiente y una importante participación de público, hizo del Fire!! un más que correcto festival.  Una interesante selección de títulos que, además de las proyectadas en el Instituto Francés (su sede principal) además de en el Zumzeig Cinema y, las propuestas venidas de Asia,  en los Cines Girona (en colaboración del Fire!! con Casa Asia)se completaron con proyecciones en salas de Terrassa, La Garriga y Sabadell .

No faltaron actividades paralelas como exposiciones (una fotográfica en el mismo Institut Francés), mesas redondas, espectáculos y  fiestas. Todo lo que hace del Fire!! un festival asentado (que no apalancado). Un certamen que merecería más presencia de  medios generalistas, ya que de lo que se trata es de cine, sobre todo de cine.

 

Categorías:FIRE!!

VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 22 de julio *

LOLO (Julie Delpy, 2016)

Francia. Duración: 99 min. Guión: Julie Delpy, Eugénie Grandval Fotografía: Thierry Arbogast Productora: The Film / France 2 Cinéma / Mars Films Género: Comedia

Reparto: Julie Delpy, Dany Boon, Vincent Lacoste, Karin Viard, Georges Corraface,Christophe Vandevelde, Julie Tristant

Sinopsis: Violette (Julie Delpy), parisina y profesional de la moda, de 45 años, pasa unos días en un spa de Biarritz con su mejor amiga (Karin Viard) cuando conoce a Jean-René (Dany Boon), un modesto informático recién divorciado. Después de años de soledad, se deja seducir. Jean-René se traslada a París e intenta adaptarse al microcosmos en el que ella se mueve. Pero no había contado con Lolo (Vincent LaCoste), el adorado hijo de Violette, dispuesto a todo con tal de destruir a la pareja en ciernes y conservar su puesto de favorito absoluto.

lolo-cartel-6953Otra agradable comedia francesa en nuestras carteleras y, de nuevo, ambiente sofisticado para narrar las retorcidas tramas del odioso y mimado Lolo para evitar, en un arranque edípico, que su madre encuentre pareja. Buenas actuaciones entre las que destaca la de Julia Delpy, que demuestra su innegable vis cómica. Y es que no en vano la actriz y directora ha declarado que la comedia es su género favorito. Sorprenden de manera agradable ciertos diálogos entre las amigas, que demuestran que las mujeres cuando hablan de hombres no lo hacen tan solo refiriéndose a su humor o elegancia.

Esta es la sexta película de Julie Delpy como directora, quien, desde Dos días en París (su segundo largometraje) protagoniza todas sus películas. Además de escribir, dirigir y actuar, también es compositora, pero Lolo es la primera película en la que ha contado con el trabajo de otro compositor, Mathieu Lamboley. Asimismo, trabaja por primera vez con el director de fotografía Thierry Arbogast. Meticulosa con cada aspecto de sus películas, la realizadora y actriz admite que prepara exhaustivamente cada plano, pero no duda en dejarse orientar cuando alguien le propone algo interesante. “El cine es un trabajo en equipo de principio a fin” declaraquien desde el principio tenía claro quiénes serían los actores ideales para Lolo: escribió expresamente el papel de Lolo para Vincent Lacoste y el de Ariane para Karin Viard; igualmente, reconoce que siempre había imaginado a Dany Boon para el papel de Jean-René.

No estamos, sin embargo, ante un filme totalmente redondo, su premisa es interesante pero el chiste se alarga y pierde fuelle.

LA LEYENDA DE TARZÁN (The Legend of Tarzan, David Yates, 2016)

USA. Duración: 109 min.Guión: Stuart Beattie, Craig Brewer, John Collee, Adam Cozad (Novela: Edgar Rice Burroughs) Música: Rupert Gregson-Williams Fotografía: Henry Braham Productora: Warner Bros. Pictures / Jerry Weintraub Género: Aventuras

Reparto: Alexander Skarsgård, Margot Robbie, Christoph Waltz, Samuel L. Jackson, Djimon Hounsou, John Hurt, Ella Purnell, Cali, Simon Russell Beale, Madeleine Worrall, Laurence Spellman, Lasco Atkins, Matthew William Jones, Casper Crump, Guy Potter

Sinopsis: Ya han pasado varios años desde que Tarzán (Alexander Skarsgård) abandonara la jungla africana para llevar una vida aburguesada como John Clayton III, Lord Greystoke, junto a su amada esposa Jane (Margot Robbie), pero ahora le han invitado a que vuelva al Congo para ejercer de embajador de comercio en el parlamento. En realidad, todo forma parte de un plan ideado por el capitán belga Leon Rom (Christoph Waltz), pero los responsables de esta estrategia no tienen ni idea de lo que se les viene encima.

leyenda-tarzan-cartel22233Este nuevo retorno del rey de la selva a las pantallas no hará olvidar, ni de lejos, a Johnny Weissmuller y la serie de películas que durante los años treinta y cuarenta nos llegó de la mano de Metro-Goldwyn-Mayer primero, y RKO más tarde.  Su punto de partida, con un Lord Gresystoke de vuelta a la ‘civilización’, casado con Jane y que deberá volver a la selva para desbaratar los planes de los despiadados traficantes de esclavos resulta novedoso y evita, en parte, narrar de nuevo el origen de Tarzán, que se nos ofrecerá, si, pero mediante flash-backs.

En esta ocasión Tarzán no se enfrentará solo a los villanos ya que contará con un Samuel L. Jackson como contrapunto cómico que se desenvolverá en la selva como si se encontrara en el corazón de Harlem, Motherfuckers. También destaca la atractiva  pareja protagonista, en especial Margot Robbie, a la que  no nos sacamos de la cabeza desde que la viéramos en El lobo de Wall Street. Los efectos digitales resolverán que Tarzán conviva con cierta  naturalidad con los gorilas, evitando los ridículos trajes de mono, pero resultando a veces muy poco naturales, como en la escena de la avalancha. Además, el tratamiento del hombre mono y sus movimientos acusan  a veces similitudes con el de un súper-héroe.

Es entretenida, sí, y como todas las cinta dedicadas al rey de la selva es apta para todos los públicos, pero no creemos que represente el primer episodio de un fructífero retorno del rey de la selva a las pantallas (le falta sentido de la aventura y la maravilla, y le sobra mensaje y seriedad). Al tiempo.

 

Categorías:VAMOS DE ESTRENO

Howard Shore, Óscar Navarro y Federico Jusid serán algunos de los invitados a Fimucité X

fimucite_anillos

El alicantino Óscar Navarro y el argentino Federico Jusid recogerán los galardones al inicio del concierto que se celebrará el 30 de septiembre en el Auditorio de Tenerife “Adán Martín”.

  • El ganador de un Premio Emmy Richard Bellis impartirá un taller dirigido a jóvenes compositores dentro del programa de actividades paralelas.

 

El Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife (FIMUCITÉ), que celebra este año su décima edición con el patrocinio del Cabildo Insular de Tenerife, el Gobierno de Canarias y el Ayuntamiento de Santa Cruz, contará entre sus

Oscar Navarro

Óscar Navarro

invitados con los compositores Óscar Navarro y Federico Jusid. Los músicos recogerán en el marco del festival los Premios de la Crítica Especializada 2016 de Scoremagacine, que les han sido otorgados en las categorías de mejor score nacional y mejor compositor nacional (o afincado en España) respectivamente.

El alicantino Óscar Navarro ha sido galardonado por su trabajo en el documental premiado con un Goya “Sueños de Sal”, mientras que el argentino Federico Jusid ha logrado el reconocimiento gracias a sus partituras para las series de televisión “Carlos, Rey Emperador” y “Teresa”, y para el largometraje “Felices 140”.

El programa previsto para el concierto sinfónico que se celebrará el viernes 30 de septiembre en el Auditorio de Tenerife “Adán Martín” dará así comienzo con la entrega de estos galardones y con la interpretación por parte de la Orquesta Sinfónica de Tenerife y el Tenerife Film Choir de una suite con los trabajos de Óscar Navarro y Federico Jusid premiados en esta duodécima edición de los premios que convoca anualmente la publicación Scoremagacine. En la premiere mundial de la suite de “Sueños de Sal” de Óscar Navarro participará además el Coro de Voces Blancas del Conservatorio Profesional de Música de Santa Cruz de Tenerife, dirigido por Juan Ramón Vinagre.

Isabel Segunda temporada. Federico Jusid y la Orquesta y Coro de RTVE

Isabel Segunda temporada. Federico Jusid y la Orquesta y Coro de RTVE

Asimismo, la décima edición de FIMUCITÉ suma a su plantel de invitados al compositor Richard Bellis, quien ofrecerá un Taller para Jóvenes Compositores los días 30 de septiembre y 1 de octubre. Bellis ha impartido formación especializada en música para el cine y la televisión en la Universidad de California en Los Ángeles (UCLA) y la Universidad del Sur de California, y logró en 1991 un Premio Emmy por la banda sonora de la miniserie de televisión “It”, basada en la novela de Stephen King. Los asistentes al taller, cuyos contenidos serán ampliados próximamente, recibirán un certificado oficial de ASCAP, la Sociedad Americana de Compositores, Autores y Editores.

FIMUCITÉ X tendrá lugar entre el 23 de septiembre y el 1 de octubre de 2016 y contará también con otros invitados estelares como el compositor de la música de la trilogía de “El Señor de los Anillos”, Howard Shore, a quien estará dedicado el concierto de la gala de clausura.

Las entradas para los conciertos sinfónicos de FIMUCITÉ que acogerá el Auditorio de Tenerife “Adán Martín” ya se encuentran a la venta en taquilla y en la página web http://www.auditoriodetenerife.com. Los interesados en asistir a sendos eventos podrán disfrutar de un descuento de 5 € (disponible en venta en taquilla y telefónica para localidades situadas en zonas A o B).

Categorías:w Otros festivales

Sorteo ‘La historia interminable’

20 julio 2016 9 comentarios

Ya les avisamos desde Proyecto Naschy de que volvía a los cines La historia interminable. La espera ya ha terminado y desde este mismo viernes pueden disfrutarla en la lista de cines que publicamos. Pero hay más, 39 Escalones y Proyecto Naschy lo celebra con un sorteo la mar de sencillo con el que obtendrán una pieza de merchandising exclusivo. Tan solo tienen que responder a la pregunta que tienen al final de esta entrada.

Los tres primeros en responder correctamente en los comentarios a esta entrada (no en Facebook) obtendrán: El primero una camiseta (talla L); el segundo una camiseta (talla M) y el tercero un medallón  ¡SUERTE A TODOS!  

image

¿QUIÉN FUE EL ESPECIALISTA DE FX ENCARGADO DE CREAR AL DRAGÓN FUJUR?

DSC_0405Sorteo válido para residentes en España

Más títulos: Sitges 2016 se llenará del cine de género más actual e innovador

 2016_premsa_newsletter_03Las últimas incorporaciones a la programación incluyen films que señalan las nuevas tendencias del fantástico

La 49ª edición del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya sigue sumando títulos. El director del certamen, Ángel Sala, anunció ayer algunas de las nuevas incorporaciones en Sitges 2016 en una charla mantenida con el público en la Fábrica Moritz de Barcelona. Films de terror, acción y thrillers recién salidos del horno se añaden a la programación, en una edición marcada por el 50 aniversario de Star Trek.

El cine asiático sigue dando alegrías a los amantes del género con las confirmaciones en Sitges 2016 de cuatro films procedentes de Japón, Corea y China. El primero de ellos es Creepy, un thriller psicológico dirigido por el nipón Kiyoshi Kurosawa, un habitual del Festival con filmes como Journey to the ShoreCure Seventh Code. Un policía retirado vuelve a la investigación cuando un ex colega le pide ayuda para resolver la desaparición de una familia. Uno de los cómics manga más violentos de la historia, Gantz, tendrá una nueva y esperada adaptación (en este caso, de la historia del arco de Osaka), que se podrá ver en Sitges bajo el título de Gantz: O, dirigida por Yasushi Kawamura. Desde Corea del Sur llega The Tunnel, de Kim Seong-Hun, la segunda película del director de A Hard Day, vista también en Sitges. Este drama de catástrofes tiene como protagonista a un hombre que queda atrapado dentro de un túnel derrumbado. En un tono completamente opuesto, el film chino The Mermaid, dirigido por Stephen Chow, es una propuesta llena de humor absurdo y delirante que ha sido récord de taquilla en su país, superando por primera vez el medio billón de dólares de recaudación.

De Estados Unidos llega la producción de terror independiente Anguish, opera prima de Sonny Mallhi. Un film que ha sido comparado con It Follows, no por su argumento sino por su punto innovador y sofisticado, que abre nuevos caminos en el cine de género. Un drama angustioso que gira alrededor de una adolescente de dieciséis años que padece un trastorno de personalidad múltiple. También norteamericano es Rupture, un thriller de ciencia ficción dirigido por Steven Shainberg (Retrato de una obsesión) y protagonizado por Noomi Rapace, que interpreta a una madre soltera que intenta liberarse de una misteriosa organización que la tiene secuestrada.

Más terror psicológico con la británica The Autopsy of Jane Doe, dirigida por André Øvredal, director noruego que presentó Troll Hunter en Sitges 2011. Dos médicos forenses –padre e hijo, interpretados respectivamente por Brian Cox y Emile Hirsch– reciben el cuerpo de una joven que ha sido asesinada en circunstancias desconocidas. Durante la investigación descubrirán indicios cada vez más extraños, que los conducirán a conocer terribles secretos.

Por último, y directa desde la Quincena de Realizadores de Cannes, se confirma Psycho Raman, la cinta india de Anurag Kashyap que sigue la vida del serial killer Ramanna en el Bombay de hoy en día, inspirado por el asesino real de la década de los sesenta, Raman Raghav. Un policía adicto a las drogas investiga el caso.

Sitges 2016 –una edición centrada en el 50 aniversario de la saga Star Trek– ya ha anunciado algunos de sus principales premiados: el veterano actor Max von Sydow recibirá el Gran Premio Honorífico; Bruce Campbell, Paul Schrader, Walter Koenig y Barbara Crampton serán reconocidos con el premio Màquina del Temps, y Dolph Lundgren con la María Honorífica. Entre las películas más esperadas que llenarán la parrilla destacan 31, de Rob Zombie, que visitará Sitges con Sheri Moon Zombie; The Neon Demon, de Nicolas Winding Refn; The Girl with All the Gifts, de Colm McCarthy; The Handmaiden, de Park Chan-wook;Proyecto Lázaro, de Mateo Gil; Tenemos la carne, de Emiliano Rocha, o Hell or High Water, de David Mackenzie, entre más de cuarenta títulos ya anunciados.
Categorías:Festival de Sitges

La Big Bang de Canarias rinde tributo a Lalo Schifrin en la apertura de Fimucité X

fimucite_anillos.jpg

El viernes 23 de septiembre da comienzo la décima edición del Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife con un concierto que tendrá lugar en el Auditorio Infanta Leonor de Los Cristianos.

Santa Cruz de Tenerife, 19 de julio de 2016.- La noche del 23 de septiembre abre sus puertas la décima edición del Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife (FIMUCITÉ) con el concierto “Lalo Schifrin’s Jazz Goes to Hollywood” en el Auditorio Infanta Leonor de Los Cristianos. La Big Band de Canarias, con el prestigioso saxofonista Kike Perdomo al frente, realizará un sensacional recorrido a través de las obras del músico argentino creador de la reconocible banda sonora de la serie de televisión “Misión Imposible”.

El repertorio que sonará en el concierto inaugural de FIMUCITÉ X abarca otras piezas compuestas por Schifrin para clásicos del cine como “The Cincinnati Kid” (1965), “La Leyenda del Indomable” (1967), “Bullit” (1968) u “Operación Dragón” (1973), la última película que protagonizó Bruce Lee. El recital contará con la participación destacada de la solista Alba Serrano.

Lalo_Schifrin

Las localidades para este primer concierto del programa previsto para la décima edición de FIMUCITÉ, que cuenta con el patrocinio de la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Arona, saldrán muy pronto a la venta y podrán conseguirse en el Centro Cultural Los Cristianos y en la taquilla del teatro. Información en http://www.arona.org/auditorio. El concierto “Lalo Schifrin’s Jazz Goes to Hollywood” dará comienzo a las 20.00 horas.

Desde la sexta edición de FIMUCITÉ, la Big Band de Canarias ha contado con un espacio importante en el programa del festival. Así, la peculiar formación liderada por el saxofonista Kike Perdomo y el guitarrista Yul Ballesteros ha ofrecido al público recitales dedicados al cine negro y a otros compositores míticos como Henry Mancini (“La Pantera Rosa”, “Peter Gunn”) y Elmer Bernstein (“Los Siete Magníficos”, “Matar a un Ruiseñor”). Precisamente a finales de 2014, el renombrado sello Varèse Sarabande editaba “Elmer Bernstein: The Wild Side”, un disco que recoge toda la música que fue interpretada en el inolvidable concierto de la Big Band de Canarias que tuvo lugar en la séptima edición de FIMUCITÉ y que contó con la participación de la solista Esther Ovejero y la flautista Sara Andon.

El X Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife (FIMUCITÉ) cuenta con el patrocinio del Cabildo Insular de Tenerife, el Gobierno de Canarias y el Ayuntamiento de Santa Cruz.

Lalo Schifrin

Lalo Schifrin nació en Buenos Aires en junio de 1932 y comenzó a tocar el piano a los 6 años. Su carrera como músico le ha llevado a compartir escenario con artistas como Dizzy Gillespie, Quincy Jones y Ella Fitzgerald, entre otros, y a trabajar como arreglista con Xavier Cugat y los Tres Tenores, José Carreras, Placido Domingo, y Luciano Pavarotti. Como autor de música de cine, ha sido nominado al Oscar en seis ocasiones.

VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 15 de julio *

THEO & HUGO, PARÍS 5:59 (Théo et Hugo dans le même bateau, Olivier Ducastel y Jacques Martineau, 2016) 

Francia. Duración: 97 min. Guión: Olivier Ducastel, Jacques Martineau Música: Gaël Blondet, Pierre Desprats, Kuntur, Karelle Kuntur, Victor Praud Fotografía: Manuel Marmier Productora: Ecce Films / Epicentre Films Género: Drama

Reparto: Geoffrey Couët, François Nambot, Georges Daaboul, Mario Fanfani, Elodie Adler, Bastien Gabriel, Claire Deschamps, Miguel Ferreira, Arthur Dumas, Jeffry Kaplow, Éric Dehak, Marief Guittier, Patrick Joseph

Sinopsis: En un club de sexo, los cuerpos de Theo y Hugo se encuentran y se mezclan en un apasionado abrazo. Más allá de la furia del deseo y la emoción de ese primer momento, los dos jóvenes, sobrios ya en las calles vacías de vida del París nocturno, se enfrentan a su amor en ciernes.

theo_et_hugo_dans_le_meme_bateau-267551339-large

París, la ciudad con más epítetos del mundo, puede no enamorarnos a primera vista, pero a poco que deambulemos por sus calles y nos dejemos llevar por su especial atmósfera, acabará calándonos como lluvia fina para quedarse impregnada en nuestra piel. París nunca se acaba y siempre termina haciendo suyos a los que la viven. Olivier Ducastel nos retrata como si fuera un personaje más ese París que, aunque sea el que no sale en las guías turísticas, lo envuelve todo como un regazo, una ciudad anónima que cobija la independencia de sus habitantes. Todo es posible en París.

Sobre esas calles filmadas con angular para darles aún más grandiosidad, se despliega el viaje de Theo y Hugo. Un viaje que va desde el final de la noche celiniano al amanecer, desde las tinieblas de un cuarto oscuro a la luminosidad de un nuevo día. Rodado en tiempo real, su trayecto es un camino de peregrinación y descubrimiento. Ducastel nos muestra las criaturas de la noche de la mano de los dos jóvenes mediante leves pinceladas de retrato social, por sus fotogramas transitan el personal de urgencias nocturnas, el turno menos codiciado al que son relegadas fundamentalmente las mujeres, inmigrantes que cumplen horarios inhumanos como peaje para su endeble integración, trabajadores que no pueden retirarse por la parquedad de su cotización… Y en medio de todo ello Theo y Hugo van descubriendo sus sentimientos, van trenzando sus destinos a partir de un fogonazo de pasión e imprudencia. Estamos ante una historia de amor revertida, tiene su inicio en el descubrimiento del cuerpo y concluye cuando se conocen las mentes, una historia atípica que va desde la práctica del sexo a la comunión de las almas.

Con cierto aire de Higiene Film, esta película ganadora del Premio del Público Teddy Award en la pasada Berlinale recuerda a aquellas cintas exploitation americanas que, aprovechando el mensaje (ya fuera para prevenir enfermedades de transmisión sexual, como para prevenir embarazos no deseados o evitar caer bajo la influencia de las drogas), se permitían mostrar lo que estaba ‘prohibido’ en las pantallas. La sombra del sida es alargada y Ducastel orquesta un relato casi didáctico que parte del temor de haber contagiado y haberse contagiado para exponer los protocolos a seguir después de una práctica de riesgo. Pero no es este rasgo el que la identifica y la hace especial, lo que la particulariza es el pulso que el cineasta tiende al público en su acto inicial.

theo

El arranque del filme es de impacto (curiosamente el antro donde se conocen los protagonistas recibe ese nombre, Impacto). La cinta se abre con una secuencia inicial de veinte minutos en la que se nos muestra de forma bastante explícita qué ocurre en el cuarto oscuro de un local de contactos. Una auténtica marea de cuerpos desnudos entregados a la práctica sexual orgiástica y desenfrenada entre hombres, que puede atacar al pudor de los más pacatos e incluso de más de un liberal bienpensante. Una secuencia sin diálogos, además, que nos obliga a mirar lo que quizás no quisiéramos ver. No hay romanticismo en ese entorno, sólo procacidad que se agota en sí misma, y ahí es donde se pone en marcha el barómetro para detectar el grado de tolerancia real de la audiencia.

Ducastel sabe dónde poner la cámara para no perder detalle de ese punto de partida sin mostrar más que lo justo. Episodio sin texto, el cineasta hace hablar a la cámara y la iluminación para hacer creíble lo que parece imposible.  Bastan unos pocos planos para construir a esos dos personajes condenados a encontrarse, el tímido neófito que está viviendo su primera experiencia y el asiduo desinhibido con su frescura casi insultante. Polos opuestos llamados a abigarrarse por la ley de la atracción entre contrarios. Y el director obrará la magia de la luz para capturar brillantemente el punto exacto del flechazo: un foco de luz cegadoramente blanca les aísla del rojo tenebroso del cuarto oscuro, rodeados por todos están perfectamente solos el uno con el otro. El suyo será un amor inoculado a primer contacto carnal, esa es la propuesta trasgresora que rompe voluntariamente con toda lógica. El amor es una fuerza que no entiende de verosimilitudes ni las necesita para existir y ser contado.

THB3-600x400

Theo&Hugo, París 5:59” es todo un ejercicio de provocación desarrollado desde la insolencia y la desvergüenza, que es tanto como decir que supone un soplo de frescura y originalidad en el trillado camino de las películas románticas. Una provocación, un saltarse los límites desde la festividad, que tanta falta le hace a nuestro cine occidental, cada vez más timorato y encorsetado por la corrección política. Ducastel, desde la ligereza, se aproxima a cineastas como Fassbinder, Pasolini, Waters, o nuestro Eloy de la Iglesia, todos ellos homosexuales, todos ellos rompedores con la moral dominante. Se diría que la discriminación, la represión (sí, todavía), da alas a la rebeldía y concita la voluntad de abrir nuevos caminos a la libertad de expresión. La salud del arte sale fortalecida por el trabajo de estos francotiradores que, cada uno en su estilo, han sumado su obra a la lucha por hacer visible una forma de entender la sexualidad que todavía demasiados quisieran ver censurada.

 

INFIERNO AZUL (The Shallows, Jaume Collet-Serra, 2016)

USA. Duración: 87 min. Guión: Anthony Jaswinski Música: Marco Beltrami Fotografía: Flavio Martínez Labiano Productora: Columbia Pictures / Ombra Films / Weimaraner Republic Pictures Género: Thriller

Reparto: Blake Lively, Óscar Jaenada, Brett Cullen, Sedona Legge

Sinopsis: Nancy (Blake Lively) es una joven que trata de superar la pérdida de su madre. Un día está haciendo surf en una playa solitaria cuando se queda atrapada en un islote a apenas unos metros de la costa y, aunque está a solo 100 metros de la salvación, para alcanzarla tendrá que tirar de todos sus recursos y su voluntad, pues un enorme tiburón blanco se interpone entre ella y la costa.

nt_16_Infierno-Azul-interior1Con un reducido reparto y un único escenario, Collet-Serra consigue una magnífica y refrescante cinta ideal para este caluroso verano. No vamos a caer en, tan odiosas como imposibles, comparaciones, Infierno azul es una muy digna cinta de género, emocionante de principio a fin y con la que se pasa mal, como debe ser. Nos gusta el trabajo de este director barcelonés especializado en películas de género. Nos parecen trepidantes y realizadas de forma muy competente. Tan solo hace falta ver las magníficas imágenes subacuáticas o las evoluciones de los protagonistas sobre sus tablas de surf en tan bello entorno, para ver que el director ha sabido sacar todo el partido posible. Con un presupuesto de 16 millones de dólares que se recuperaron durante la primera semana de estreno, Infierno azul, que se rodó en su mayor parte en localizaciones de Australia, transmite perfectamente la inquietud y la soledad de su joven protagonista, interpretada por Blake Lively, una bella sirena cuya iniciativa y valentía resultan decisivas en su enfrentamiento con el escualo y que surfea de infarto, además. Supervivencia con algunas gotas de humor en el que sin duda podría ser uno de los más saludables estrenos de este verano, una cinta en la que lo único que chirría es ese epílogo, posiblemente una concesión estipulada en contrato. Por cierto la música que suena al principio es de Albert Pla, si. Y la gaviota, que tiene un papel importante en la trama, figura en el reparto con el nombre de Sully ‘Steven‘ Seagall.

Finalmente, si, ese personaje que se parece a Óscar Jaenada, ES Óscar Jaenada.

 

 

 

Categorías:VAMOS DE ESTRENO

VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 8 de julio *

MONEY MONSTER (Jodie Foster, 2016)

USA. Duración: 98 min. Guión: Alan DiFiore, Jim Kouf, Jamie Linden (Historia: Alan DiFiore, Jim Kouf) Música: Dominic Lewis Fotografía: Matthew Libatique Productora: Allegiance Theater / Smokehouse Pictures / Sony Pictures / TriStar Pictures Género: Thriller

320073_jpg-c_215_290_x-f_jpg-q_x-xxyxxReparto: George Clooney, Julia Roberts, Jack O’Connell, Caitriona Balfe, Dominic West,Giancarlo Esposito, Dennis Boutsikaris, Darri Ingolfsson, Christopher Denham,Anthony DeSando, Jennifer Dong, Ivan Martin, Cliff Moylan, Vernon Campbell,Joseph Oliveira

Sinopsis: Lee Gates (George Clooney), un famoso presentador de televisión, es conocido por ser uno de los gurús de Wall Street. Pero cuando el joven Kyle Budwell (Jack O’Connell) pierde todo el dinero de su familia en una mala inversión por consejo de Gates, decide secuestrar al periodista durante su emisión en directo del programa

Intrigas financieras a toda velocidad protagonizadas por los agradecidos rostros de George Clooney y Julia Roberts y dirigidas, con envidiable ritmo, por Jodie Foster en la que es su cuarta película tras las cámaras. Con una acción magníficamente construida, Foster demuestra que domina el medio desde el primer momento, narrando una historia que, si bien es algo predecible, no por ello deja de ser eficaz. No hay tiempos muertos en esta trama en la que el aparente villano resulta ser las víctima, una víctima que representa a todos los que hemos sido manipulados por este corrupto sistema, que roba y criminaliza al más inocente sin dudar en construir una atracción de feria en riguroso directo. Unos dramas, por cierto, que interesan tan solo el tiempo justo antes de ser cubiertos por otros contenidos. Y es que lo peor es que parece que todo nos da lo mismo.

 

MI AMIGO EL GIGANTE (The BFG (The Big Friendly Giant), Steven Spielberg, 2016)

UK, USA, Canadá. Duración: 115 min. Guión: Melissa Mathison (Cuento: Roald Dahl) Música: John Williams Fotografía: Janusz Kaminski Productora: Amblin Entertainment / DreamWorks SKG Género: Fantástico

Reparto: Mark Rylance, Ruby Barnhill, Penelope Wilton, Jemaine Clement, Rebecca Hall, Bill Hader, Rafe Spall, Adam Godley, Matt Frewer, Ólafur Darri Ólafsson, Haig Sutherland, Michael Adamthwaite

Sinopsis: Adaptación del cuento de Roald Dahl sobre una niña que une fuerzas con la Reina de Inglaterra y con un gigante bonachón, conocido como el BFG, para detener una invasión de malvados gigantes que se preparan para comerse a todos los niños del país.

Mi_amigo_el_gigante-104543595-largeDe lo fantástico y maravilloso que se conjuga en las primeras imágenes de Mi amigo el gigante, pasamos a una narración que lamentablemente se torna gris y algo aburrida. Spielberg no consigue emocionarnos ni trasmitirnos los valores que Roald Dahl ofrece en su exitosa narración infantil y que sí nos trasmitía por ejemplo, Danny DeVito en su tratamiento de Mathilda (1996). Los apabullantes efectos especiales y esa magnífica escena inicial con el gigante caminando por la ciudad a oscuras, no consiguen levantar esta cinta, cuyo target de público se antoja también difícil. Y todo ello contando con Mark Rylance que repite con Spielberg tras su fantástica interpretación en El puente de los espías (2015) en la que se comía crudo a Tom Hanks.

Lo mejor de la cinta es haber recreado una localización de la trama en una Inglaterra reconocible, pero tocada por el don de ser convertida en un espacio fantástico que arropa a la narración permitiéndole situarse en el universo atemporal de las fábulas.

 

 

Categorías:VAMOS DE ESTRENO

El Salón del Manga de Barcelona volverá a batir récord de espacio y actividades

170922_2990-11e6-ba22-0050569a455d_logo_salonXXII_manga-01

Este jueves 7 de julio, se ha presentado el XXII Salón del Manga de Barcelona, en la Escola Joso. La nueva edición tendrá lugar del sábado 29 de octubre al martes 1 de noviembre en los palacios 1, 2, 4 y 5 y en la  Plaza Univers de Fira Barcelona Montjuïc.

El acto ha contado con la presencia del director de estudios de la Escuela Joso, Centro de Cómic y Artes Visuales, Josep Maria Polls; el Product Manager de Nintendo 3DS, Manuel Curdi; el director del Salón del Manga de Barcelona, Carles Santamaria; la subdirectora de Fundación Japón en España, Keiko Ozaki, y la cónsul general en funciones del Japón en Barcelona, Akiko Sagano.

Carles Santamaría ha explicado que la autora del cartel, Belén Ortega, no ha podido desplazarse, pero ha querido estar presente con un video en la que la artista ha dicho sobre su cartel que ¨quiero que invite a la asistencia, que la gente cuando lo vea le apetezca venir al Salón”. Santamaría ha señalado que Belén Ortega, cuya carrera va muy ligada al Salón del Manga como ella misma ha admitido, es “una referencia del cómic de la estética manga y una dibujante de gran talento¨.

05
Carles Santamaría avanzó los primeros detalles del XXII Salón del Manga de Barcelona, “el más grande de la historia”. Y es que por quinto año consecutivo, aumenta su espacio expositivo hasta los 70.000 metros cuadrados, así como el número de actividades y expositores. “El crecimiento del certamen en visitantes, compañías participantes y actividades así lo ha requerido”, concretó Santamaría, quien destacó también la ampliación de horarios y el hecho de que la edición coincida con un puente, “circunstancia que, en otras ocasiones, se ha traducido en una buena asistencia los cuatro días del certamen”.

En cuanto a la distribución de los espacios, el XXII Salón del Manga volverá a ocupar la Plaza Univers con el Gran Escenario. El Palacio 1 albergará la zona gastronómica, que tendrá en la repostería japonesa su gran protagonista con talleres y una exposición. La Planta Baja del Palacio 2 albergará exposiciones, expositores, el espacio infantil, una sala de actos y el espacio de videojuegos de Nintendo.Santamaría ha explicado que la exposición Los orígenes del manga explora sus ancestros de hace mil años hasta llegar a Osamu Tezuka.

Carles Santamaría destacó también la ampliación de actividades del espacio El Espíritu de Japón, dedicado a la cultura, tradiciones y espiritualidad japonesas que está ubicado en la planta superior del Palacio 2. Allí se encontrará la exposición sobre la literatura japonesa, uno de los ejes del certamen, además de los talleres de japonismo, macrobiótica, el espacio de kimono, la sala de meditación, la sala de té y una segunda sala de actos, entre otras actividades. El Palacio 4 albergará cinco talleres con nuevas actividades: de manga, de anime, de cosplay, de videojuegos y de youtubers. Por último, el auditorio del Palacio 5, albergará proyecciones de anime, así como representaciones teatrales, encuentros con conocidos autores y actuaciones musicales.
01
“Crecemos en espacios, en actividades, en colaboraciones con creadores y entidades, en sinergias empresariales y, sobre todo, seguimos creciendo en ilusión”, ha expresado el director del Salón del Manga.

El Product Manager de Nintendo 3DS, Manuel Curdi ha explicado el interés de Nintendo en el XXII Salón del Manga de Barcelona tanto “cuantitativamente como cualitativamente”. La compañía prepara cuatro lanzamientos importantes de licencia, entre ellos Yo-kai Watch, un título número uno en ventas que será el principal protagonista de la edición, pues guarda relación con la temática principal, la literatura japonesa. Con todo, aseguró que será el montaje de Nintendo “más japonés que se ha realizado nunca.

Por su parte, la subdirectora de la Fundación Japón en España, Keiko Ozaki,  ha anunciado la presencia de Banana Yoshimito y Mitsuyo Kakuta, dos autoras japonesas de renombre. “Se trata de dos puntos de vista distintos, pero que nos ayudan a profundizar mucho más en la cultura japonesa”, ha explicado.

Por último, la cónsul general en funciones del Japón en Barcelona, Akiko Sagano, ha agradecido a la organización y entidades colaboradoras su labor por difundir la cultura japonesa en el certamen. “Este Salón del Manga entiende que la cultura pop japonesa y el manga es un magnífico vehículo para dar a conocer la cultura japonesa”, ha dicho.

Carles Santamaría ha concluido indicando que, durante las próximas semanas, se irá completando la lista de autores invitados y el resto de la programación.

02

El XXII Salón del Manga de Barcelona se celebrará del sábado 29 de octubre al martes 1 de noviembre en Fira de Barcelona Montjuïc.

La venta anticipada de entradas se iniciará el próximo lunes 11 de julio de 2016exclusivamente desde www.ficomic.com.

A %d blogueros les gusta esto: