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Archive for 30 marzo 2012

Llega la II edición del Atlántida Film Fest

Seremos muchos los que recordaremos las palabras de Álex de la Iglesia al despedirse de la presidencia de la Academia, porque igual que él estamos convencidos de que Internet es el futuro próximo del cine. Donde algunos se empeñan en ver incompatibilidad, otros vemos vemos lazos de interacción al servicio de lo importante: la difusión de las obras fílmicas. Así lo ha sabido ver Filmin el primer portal español de videoclub on line. Aunque los números no sean todo lo óptimos que desearíamos el número de espectadores se multiplica en progresión. Ahora, por segunda vez, la plataforma impulsa el Atlántida Film Fest, el primer festival on line de cine inédito, festival que nace con la voluntad de estrechar los puentes entre dos modelos de negocio teniendo siempre en mente la mejor voluntad para los creadores. Jaume Ripoll, director de este festival, expone así la filosofía del mismo: Con esta nueva edición del Atlántida Film Fest queremos reafirmar nuestra voluntad de potenciar Internet como ventana de prestigio para el estreno de largometrajes. Del mismo modo que la música, el videojuego o la literatura y al igual que el mundo del corto y de las series, es necesario que los largometrajes también encuentren en la distribución online el aliado que les permita superar las dificultades de un estreno en salas de cine, un lanzamiento en dvd o un pase en televisión. El Festival nace con voluntad de complementar a todos aquellos festivales tradicionales en los se han proyectado la gran mayoría de películas que podrán verse los próximos días en filmin. Internet no es enemigo ni amenaza, es un complemento, un aliado, una plataforma de lanzamiento tan válida como cualquier otra. Ese es el objetivo, nuestra misión. 

Atlántida Film Festcelebra su 2ª edición con novedades en su planteamiento: la Sección Oficial a Competición mantiene su composición, 12 largometrajes rodados en los dos últimos años en los territorios de habla hispana que permanecen inéditos en nuestro país. Los films ganadores del Premio del Jurado y el Premio del Público tendrán asegurado un estreno en salas de cine y el lanzamiento del film en dvd. A la Sección Oficial este año le ha salido una hermana, la Sección Atlas, formada por 14 largometrajes internacionales inéditos en nuestro país que podrán verse  por primera vez a través de filmin durante los 30 días que durará el certamen.

Dentro de la Sección Atlas podrán verse por primera vez en nuestro país películas como The Swell Season, continuación de la oscarizada OnceDragonslayer gran triunfadora del Festival SXSW, definida como un cruce entre el cine de Gus van Sant y Terrence Malick; la última película de Ed-Glass Donnelly, considerado el heredero de los hermanos Coen, Small town murder songs, o el film animado sobre la revolución de Irán The green wave, animación para adultos en la línea de Persépolis o Arrugas.

También formarán parte de la Sección Atlas una serie de películas que han sido proyectadas con éxito en Festivales como Sevilla, Sitges o Gijón pero que no han tenido estreno comercial, como el gran film de ciencia ficción del año en Estados Unidos, Bellflower; la comedia revelación de la temporada Submarinela nueva película del director de CaninoUnmade Bedsensalzada por la crítica internacional como un cruce entre Las vírgenes suicidas y Bande a part

La Sección Oficial contará con la presencia de títulos que han triunfado en festivales como Sundance (Zona Sur), Toulouse (Lucía), Bafici (Antes), Toronto (Las marimbas del infierno), La Habana (Del amor y otros demonios), Valladolid (Terrados), Málaga (Crebinsky), Sevilla (La roca), San Sebastián (Puzzled Love) y Sitges (Amanecidos). Todas ellas competirán por el Premio del Público y el Premio del Jurado que, como en la pasada edición, facilitará el estreno en salas y la distribución en dvd y bluray a los films ganadores.  

Atlantida Film Festival 2012 (Trailer) from Simone Golinelli on Vimeo.

El abono del Festival tendrá un coste de 15€, que incluye el visionado de todos los films a través de cualquiera de los dispositivos en los que está presente filmin: pc, mac, ipad, iphone, playstation 3 y android. Los suscriptores a filmin podrán abonarse al Atlántida Film Fest pagando sólo 7€.  Todas las películas de la Sección Oficial estarán disponibles desde el día 4 de abril, mientras que las de la Sección Atlas se irán estrenando a lo largo del mes. 

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[Rec] 3 Génesis: un comentario a cuatro manos

30 marzo 2012 1 comentario

No es ninguna novedad el resaltar que [Rec] es una franquicia que ha dado un soplo de aire fresco al cine fantástico español, mezclando sin ningún tipo de complejo gore, satanismo, zombies  y, sobre todo ingenio, tal y como demostró esa primera parte tan magra en presupuesto y abundante en beneficios. Un ejercicio que no dejó a nadie indiferente surgido de la mente de dos jóvenes cineastas unidos por su amor al cine fantástico, Paco Plaza y Jaume Balagueró, que ya pagaron factura teniendo que dirigir al unisono un encargo tan poco grato como el film OT:La película (2002). Afortunadamente su peaje fue recompensando con un  justo premio y el posterior proyecto conjunto, la película que inaugura la saga, obtuvo pingües beneficios en taquilla.

Si bien la segunda parte daba más de lo mismo, aunque complicando la trama e introduciendo el factor adolescente por medio, la cosa no iba a terminar ahí, tal y como adelantaron los directores, que propusieron dos títulos más, aunque dirigidos en solitario: este [Rec] 3 Génesis y el próximo [Rec] 4 Apocalipsis.

El secretismo ha estado presente desde el principio durante la producción de esta película que por otra parte ha protagonizado una potente campaña en Internet. Si bien uno pensaba que esta génesis nos explicaría el origen de todo ello, no ha sido así. Todo entraba en las intenciones de su director Paco Plaza: “Cuando pasas del dos al tres, abandonas el territorio de la secuela e inauguras el de la saga. Por ello tienes que ser respetuoso con el original y al mismo tiempo aportar algo novedoso. En esta tercera entrega se incorporan elementos del cine de aventuras, manteniendo el tono terrorífico y recuperando gran parte del humor negro que impregna la saga desde el principio.

La película narra cómo el momento más feliz de tu vida puede verse destruido y puedes perder en un instante todo aquello que te importa, donde los héroes son personas normales en una situación que les supera y les obliga a convertirse en la mejor versión de sí mismos. Una película de zombies en un banquete nupcial, donde una novia con motosierra se niega a que unas criaturas sobrenaturales echen a perder “su día”.

De la mano de Luiso Berdejo construimos una historia que esperamos os sorprenda y os haga disfrutar. Disculpad que no ofrezcamos muchas pistas, pero creo que es importante tener la menor información posible para dejarse arrastrar y seducir por la película.”

Plaza ha cuidado especialmente la elección de la pareja protagonista: poco puede decirse de  Leticia Dolera, una actriz que se reviste de fragilidad, una fragilidad tendente a estallar en cualquier momento, como demuestra de sobras en esta [Rec] 3 demostrando que, tal y como dice su director “a la maldad siempre se la derrota con amor”… o no.

Por su parte Diego Martín no tiene un papel tan agradecido como Leticia, pero como Koldo, el  novio, demuestra de nuevo su profesión después de habernos conquistado con Un buen día lo tiene cualquiera, (2007) ese film maldito del más maldito de los directores, Santiago Lorenzo.

Apartado especial se merece la banda sonora, que recurre a viejos temas estándar de Tino Casal y sobre todo Gabilán o paloma de Pablo Abraira, que protagoniza un momento importante del film.

POLI BUENO: He disfrutado como un enano, y eso es raro que suceda con un film que el que esto les cuenta esperaba como agua de mayo. Ya saben, las expectativas. Pues bueno, si bien no han sido cubiertas en algunos frentes: léase respuestas a ciertas cuestiones sobre la dichosa Niña Medeiros, o  si todo va de satanismo, o de “ande” sale todo este desaguisado, hay que indicar que por otro lado me lo he pasado francamente bien con este híbrido. ¿Porqué híbrido? Pues porque juega a dos barajas en varios frentes, ya que, por una parte la forma de rodar la película ya no se basa enteramente en lo de camaritas subjetivas (¡¡Gracias a Dios!!) y por otra parte juega a barajar terror y comedia sin ningún tipo de complejo. A veces resulta molesto, pero una vez uno entra en el juego solo se trata de dejarse llevar.

Lo importante es que también disocia el tándem Plaza/Balagueró, lo que también está bien, ahora vemos una visión totalmente diferente de una saga que, por otra parte, nos deja a la espera del final apocalíptico que nos propondrá Balagueró y que, uno está más que seguro de que no será tan desenfadado como este. Ya saben, más oscuro.

A estas alturas estaría bien que las preguntas suscitadas en las otras entregas tuvieran ciertas respuestas aunque,  por otra parte ¿Para qué? cuando hay un montón de carnaza, diversión, romanticismo y costumbrismo (si alguien que lee esto se ha casado comprenderá la pesadilla que representa la primera parte del film), además de unas interpretaciones del todo correctas, con matrícula para  Leticia Dolera, que está grande en su papel y que transmite lo que se ha llegado a divertir estando embadurnada de vísceras y sangre. Su diversión se contagia. Nos lo transmite y se convierte con este film, junto con Macarena Gómez, en otra de las santas matronas del terror español actual. ¡Que bien sufren las dos! El film tendrá presumiblemente el éxito que se merece en nuestras pantallas, aunque algunos se rasgarán las vestiduras tachándolo de intrascendente. Puede que lo parezca pero, a estas alturas, el pasar una velada divertida en el cine ya va siendo tarea difícil y este poli bueno les asegura que lo ha pasado muy bien, aunque eso sí, esperando el Apocalipsis.

POLI MALO: Jugar el papel de la contra cuando todos tus allegados celebran con entusiasmo, genera una especie de pesado tedio y te confirma que tu espacio vital no puede ser otro que el de la tebaida de la misantropía como llamaba Josep Pla a ese estado anímico de asco condescendiente con el resto de la humanidad. No puedo por más que ejercer de outsider porque a mí los dioses me negaron la mirada inocente que les permite a otros el disfrute ingenuo, que les permite empatizar con el fondo e ignorar la forma. ¿Pero en qué queda el fondo sin la forma? En un trazo desdibujado ante el que sólo cabe el me gusta sin raciocinio, de entrada, pero es que además sin forma no hay universalidad ni arte. Y si atendemos a la forma la película de Plaza se nos muestra fallida, un híbrido deforme que no se define ni decanta valientemente por A o por B, es cómica en muchos de sus segmentos, pero no es una comedia porque no es una cinta independiente sino que se escuda en la excusa de retratar el origen de [Rec] (¿quién se interesaría por ella de no ser así?) y además busca justificar ese giro de la segunda entrega hacia la posesión, los endemoniados y demás gaitas en vinagre. Allí, en la segunda entrega, todo fueron críticas hacia ese giro, ahora, mira, cuela porque me lo paso irreflexivamente bien (y porque parece que tenía que gustar para ser cool, para estar in), donde había peros ahora hay aplausos. ¿Aplausos? Esperen que sólo la mitad de la platea aplaudió, otros nos mantuvimos escépticos y gélidos. Espero que el público quede tan dividido como quedó la crítica. No es una comedia, ni un drama romántico, ni una cinta de terror, aunque pretenda aglutinarlo todo. La indecisión sobre el tono lleva a [Rec] 3 Génesis a quedar como media tinta que no podrá satisfacer a los paladares más exigentes.

Pesa sobre ella además una voluntad de entonar toda una declaración de principios sobre cómo debe ser el arte cinematográfico y de hasta dónde le está permitido colarse en el dolor, es por ello que Plaza abandona la cámara subjetiva tras el prólogo y nos cuela la objetiva porque sí, porque él lo vale y usa productos L’Oreal. La cámara objetiva es al cine lo que el narrador omnisciente a la narración, pretendiendo una postura neutral no es más que artificio, otro artificio distinto al que representa la cámara subjetiva. Parece decirnos que ya está bien de veleidades y que es hora de volver a lo clásico, cosa que podría aplaudir siempre y cuando esa petición de principio quedara justificada en la forma, supusiera un mecanismo de relojería donde todo quedará encajado y no fuera mas que mera burla (ese personaje tan poco trazado que nos hace reírnos del cinema verité sin la menor perspectiva histórica); cuando una petición de principio no queda amparada por la argumentación formal que la sigue se queda en mera pretenciosidad. Leticia Dolera es muy guapa y queda muy bien ante la cámara, hasta tiene un momento agradecidísimo dentro de la trama (el único dentro del film, por otra parte), pero su personaje navega dentro de la carencia de tensión dramática; como la película ni es serio ni es cómico. [Rec] 3 Génesis se me antoja como un pegote dentro de una franquicia que no debió ser (¿por qué narices había de dársele continuidad a [Rec], la primera, cuando las siguientes entregas no han hecho más que desleír sus aciertos, su investigación de la esencia filmíca?). ATENCIÓN SPOILER DE NARICES: la falta de unidad que conduce a la decepción se puede ejemplificar con el desenlace, como broma macabra se aparece el  beso arrancalengua del final, ¿cómo creer después de eso en la verosimilitud de esas manos que se toman, como en una tragedia griega, para entrar en la eternidad de la muerte? FIN DEL SPOILER. No creo que vaya a ser mi voz la única que entona el lamento de la decepción, seguramente seremos muchos los que nos mantendremos a la expectativa de qué hará Balagueró en su entrega, esperando que este despropósito de Génesis quede como mera anécdota olvidable y olvidada.

Craig Thompson participará en el Salón del Cómic

Craig Thompson, uno de los más destacados representantes de la novela gráfica estadounidense, estará presente en el 30 SALÓN INTERNACIONAL DEL CÓMIC DE BARCELONA. El autor se dio a conocer con Adiós, Chunky Rice (1999), su primera novela gráfica que obtuvo el premio Harvey al autor revelación ese mismo año. La obra inspirada en su marcha del hogar familiar, ganó el beneplácito de la crítica y varios galardones destacados. Ese cómic tuvo continuación en los mini cómics Bible Doodles (2000) y Doot Doot Garden (2001).

Poco después de la publicación de Chunky Rice, Thompson comenzó a trabajar en el álbum autobiográfico Blankets (2003), donde relata su infancia y adolescencia,  aclamado inmediatamente por la crítica internacional. Ganó numerosos premios y nominaciones, entre ellos el Premio Harvey 2004 en las modalidades de Best Cartoonist, Best Artist y Best Graphic album of Original Work; fue elegido como mejor novela gráfica de 2004 por el Library Journal, YALSA (Asociación americana de bibliotecarios) y Time Magazine. Además de ser elegida por la revista Time como una de las 10 mejores novelas gráficas de todos los tiempos y obtener el Premio del público a la Mejor Obra Extranjera en el Salón Internacional del Cómic de Barcelona 2005.

Otras de sus obras son Cuaderno de Viaje, un relato de su viaje por Europa y Marruecos, y Habibí, una historia de amor entre dos esclavos, nominada este año como obra extranjera de los premios del Salón. Asimismo, Thompson colabora regularmente con pequeñas historias para Nickelodeon Magazine. Thompson ha recibido cuatro premios Harvey, dos Eisner y dos Ignatz, los galardones del sector más prestigiosos de su país. Craig Thompson visita el Salón del Cómic con la colaboración de la editorial Astiberri.

Categorías:Cómic Barcelona

A propósito de Rec: llega el cómic de la mano de Glénat

Coincidiendo con el estreno de [Rec] 3 Génesis, nos llega el cómic [Rec]: Historias inéditas, que reúne en un único volumen de 96 páginas a todo color cinco historias pertenecientes al universo [Rec]. Presentadas por Paco Plaza y Jaume Balagueró, creadores de la terrorífica saga, en ellas se intentará rellenar tramas que quedaron sueltas en las películas.

Adaptadas por Hernán Migoya al formato cómic, las ilustran 5 dibujantes: Andrea Jen, Xoan Marín, Feliciano García Zecchín, Salvador Sanz y Álvaro Ruilova venidos de diversos lugares del mundo. Con la colaboración de Alejandro Colucci en la impresionante  portada y contraportada, además de otras ilustraciones de grandes dibujantes del mundillo que podrás descubrir en su interior.

Categorías:Cómic y Manga

Juan Piquer Simón, Mago de la serie B: Un emocionante homenaje

26 marzo 2012 2 comentarios

Juan Piquer Simón, Mago de la serie B representa todo un monumento a un director que basó toda su carrera en realizar el sueño de hacer el tipo de cine que le gustaba ver. Un cine de evasión basado en los parámetros del cine USA y realizado sin ningún tipo de complejo, en un momento en el que fue tachado de visionario o, simplemente, de loco. De paso el libro es todo un homenaje a esos esforzados cineastas que tanto nos gustan y que lucharon por exportar sus obras mucho antes de que la visión de un director o un actor  de cine español en la entrega de los oscars nos resultara algo habitual.

El libro es un elaborado homenaje salido directamente del corazón de su coordinador, Jorge Juan Adsuara, director del prestigioso festival Fantcast, que ha reunido una buen número de colaboradores con los que cubre varios frentes para explicar en que consistieron la vida y, puede hablarse de milagros, que hacen que Juan Piquer Simón figure en nuestra memoria para siempre. Los colaboradores, tal y como nos cuenta el propio Adsuara, “se ofrecieron encantados al proyecto. Ten en cuenta que el cine Juan tiene muchos fans y era prácticamente un desconocido“.

Javier G. Romero, editor de Quatermass nos ofrece un completo perfil biográfico del director y de su obra;  Rubén Higueras Flores analiza el cine del realizador como espectáculo; Jesús Parrado, José Luis Salvador EstébenezSalvador Sainz  detienen su mirada en la obra de Piquer Simón, respectivamente en Supersonic Man, la trilogía Verne y La Grieta; David García, editor de Monster World nos explica la estrecha vinculación del director con el mundo del cómic y Juan Ángel Saiz analiza las bandas sonoras de sus films.

También tenemos un amplio apartado de entrevistas, que incluyen dos realizadas al director. Una  por Miguel Ángel Plana en  1994 para el excelente monográfico que la revista Flash Back dedicó al Fantaterror español,  que es recuperada para la ocasión, así como otra de Mirek Lipinsky centrada en Mil gritos tiene la noche. Estas entrevistas se complementan con otras a amigos, colaboradores y actores que trabajaron junto a Piquer Simón como Llorenç Soler, Juan Mariné, el recientemente fallecido Frank Braña, Larry Ann Evans (su secretaria durante once años), Domingo Lizcano y Antonio Garcinuño (artistas de efectos especiales), entre otros, una labor que recae sobre el propio Adsuara. El que esto escribe se siente orgulloso de haber contribuido al volumen con una entrevista a Emilio Linder, otro actor habitual en los rodajes del director.

Jorge Juan Adsuara junto al actor Manuel Puchades, que interpretó al malvado Silkins en LA ISLA DEL DIABLO (1994).

En la parte final del libro, varios colaboradores y “alumnos” del realizador rememoran los rodajes en los que tomaron parte, siendo en esta parte donde el libro alcanza los momentos más emotivos, con aportaciones de Alberto González Lorente, Vicente J. Martín o Sergio Blasco.

Javier G. Romero también aporta una completa filmografía del director, así como una atractiva maquetación repleta de imágenes que hacen de este libro una obra que se lee del tirón, además de una pieza imprescindible en nuestra biblioteca. La incorporación de Javier fue fundamental para el resultado final: “Si bien en un principio el diseño no era satisfactorio. Gracias a la incorporación de Javier G. Romero, que es uno de los mejores maquetadores de España, se ha presentado un libro muy visual y agradecido”.

El libro forma parte de una nueva estrategia dentro del festival Fantcast: “Hasta la pasada edición sólo publicábamos catálogos dedicados a los ciclos y homenajeados en la Muestra (…). Es la primera vez que editamos un libro. Ha sido una empresa difícil y laboriosa, pero el esfuerzo ha valido la pena. A partir de esta octava edición, sólo publicaremos libros. Siempre resisten mejor el paso del  tiempo y son mucho más completos (…) A pesar de la coyuntura económica actual, la ilusión no decae y el FANTCAST continuará otra edición más “.

La obra  está teniendo una respuesta positiva de crítica y público ” No existen críticas negativas sobre el libro,  cosa que es muy de agradecer. Ha sido un año dedicado por completo al mismo y el trabajo ha dado sus frutos“. La presentación del libro se produjo durante la última edición del festival, en el que Adsuara fue respaldado por varios invitados: “Estuve en la mesa junto a Miguel Ángel Plana, Rafa Gassent y Salvador Sáinz. Proyectamos también el “Making of” del rodaje de La Isla del diablo (1994), que era inédito hasta ahora. Luego el documental Los mundos de Juan Piquer  (2012), que incluye las entrevistas durante el rodaje de esa película a Emilio Ruiz, Carlo de Marchis y el propio Piquer. Fue emocionante ver entre el público a parte del equipo técnico y artístico de la película. Todos maravillados con el recuerdo de aquellos días y con la presentación del libro. A Juan todos lo querían mucho”.

Presentación del libro durante el último Fantcast: Adsuara junto a Miguel Ángel Plana, Rafa Gassent y
Salvador Sáinz

Unicamente nos queda recomendar  encarecidamente este libro, un valioso documento, además de dar las gracias a Jorge Juan Adsuara por responder a nuestras preguntas, aportar las imágenes para este artículo y , sobre todo, contar con nosotros para homenajear a Piquer Simón. Lo dicho, un orgullo.

El huerto del francés: de la realidad a la ficción

25 marzo 2012 2 comentarios

El huerto del Francés es uno de los films más valorados de Paul Naschy y también, paradójicamente uno de los más difíciles de ver y disfrutar en condiciones.

Poco antes del fallecimiento del actor, pudieron recuperarse varios de sus títulos más emblemáticos en formato DVD de mano de Vellavisión, ediciones que contaron con introducción del propio actor/director. En aquella serie se pudieron ver dignamente varios de los films más buscados y queridos por el propio Naschy, como El caminante (1979) o La bestia y la espada mágica (1983) pero no fue posible conseguir El aullido del diablo (1987) o el que vamos a tratar.

Con una historia perfectamente representada y ambientada que parte de un caso extraído de la crónica negra que, como en la mayoría de ocasiones  no logra superar la ficción,  El huerto del francés es  una película deudora de una época. Con el dictador recién enterrado, el país entró en un momento de desasosiego y esperanza ante unos tiempos en los cuales se comenzaban a reconquistar ciertas libertades, que hicieron posible el poder mostrar los violentos hechos acaecidos en Peñaflor con toda su crudeza, además de con un generoso número de desnudos femeninos, señales todas ellas de esos cambios.

La película, una de sus obras más redondas según Naschy y  una de las 100 imprescindibles del fantástico español para Ángel Sala, surge “porque siempre había tenido curiosidad por saber cual era el significado de la frase: ‘Te voy a llevar al huerto’ ” (1)

Veamos que sucedió en ese huerto, un viaje para el que contaremos con dos colaboraciones de lujo: la de Ángel Gómez Rivero y la de Sergio Molina.

LOS CRÍMENES DEL HUERTO DEL FRANCÉS

La investigación nace a resultas de la  desaparición de Miguel Rejano en noviembre de 1904, momento en el que su primo Juan Mohedano a petición de la esposa del desaparecido investiga sobre su paradero, lo que le lleva a Sevilla, donde contacta con Laureano Rodríguez, un ex policía que se meterá de lleno en la investigación y que será vital para el esclarecimiento de los hechos.

En la fonda donde se hospedó Rejano, informan a Mohedano de que la primera noche este recibió la visita de José Muñoz Lopera, vecino de Peñaflor, con el que se ausentó, marchando definitivamente y pagando la cuenta al día siguiente, acompañado de un tal Borrego.

La investigación le lleva a Peñaflor, un pueblo cercano a Sevilla donde habla con José Muñoz Lopera, que le dice que estuvo en contacto con Rejano con la intención de venderle una ruleta.

Todo le parece sospechoso al primo del desaparecido. Poco después, el ex policía Laureano Rodríguez le comunica que ha localizado a José Borrego, la última persona con la que se vio a su primo. Borrego es, como Rejano, un jugador con el que estaba al tanto de una importante partida que se celebraría pronto y en la que estaba también implicado Lopera, que era el que se dedicaba a organizar partidas clandestinas. Cuando las organiza en Peñaflor, las hace en el Huerto del Francés, un lugar alejado del pueblo.

En vista de que las investigaciones, puestas en manos del Gobernador Civil marchaban lentas, el ex policía Rodríguez decide publicar en un periódico dos cartas dando datos sobre los hechos, lo que despierta la expectación y hace que el juez de Lora ordene interrogar a José Muñoz Lopera y a Juan Andrés Aldije Monmejá “el Francés” de 54 años, propietario del huerto y natural de Egen (Gascuña). Ambos quedan en libertad tras declarar.

Un hecho fortuito hace avanzar la investigación cuando la esposa de Rejano recibe dos anónimos en los que se le ofrece información a cambio de 50 duros. Al poco recibe la visita de una persona a la que no puede identificar que le informa de que su marido está enterrado en el huerto del francés en Peñaflor. Parece ser que esta persona era Borrego, que al no permitírsele participar en la timba, queda en el exterior y escucha como es asesinado Rejano. Incluso puede escucharle decir lastimeramente “¡Ay, mare de mi arma!”

Para cuando se intenta localizar a Aldije este ya ha desaparecido. Por lo que Mohedano, junto a un guardia Civil inician una sencilla investigación en el huerto consistente en hundir varillas de hierro en la tierra y olerlas para detectar algún hedor sospechoso, investigación que el 14 de diciembre da sus frutos al desenterrar una primera calavera, que es seguida  de otros cinco cadáveres, uno de ellos el de Rejano.

El juez inmediatamente dicta auto de prisión contra José López Lopera y busca y captura contra Juan Andrés Aldije, entre otros encausados que luego se demostraría que no tenían nada que ver en el asunto, como la segunda esposa de Aldije, Elvira Meléndez, su hijo mayor o el hermano de Lopera.

El desaparecido Aldije, suspende la fuga que tenía planeada a Brasil al leer en la prensa que su esposa y su hijo estan detenidos,  por lo que vuelve a Peñaflor y se entrega.

En confesión se puede averiguar que los crímenes se cometieron entre 1898 y 1904, además del método empleado para asesinar a sus víctimas: Lopera encontraba a jugadores dispuestos a desplumar al francés, que se hacía pasar por rico, en partidas clandestinas a celebrar en la casa de Peñaflor. Una vez allí, aprovechando la noche y caminando en fila india por un estrecho camino de acceso a la finca en la que siempre ocupaba el último lugar Aldije, este decía la contraseña “cuidado  con la cañería”, que además de conseguir distraer a la víctima, servía para avisar a su cómplice de que era el momento en el que propinaría un contundente golpe en la cabeza al desdichado con una tubería a la que denominaba ”el muñeco”, rematándolo a continuación con un martillo y robando las pertenencias del  incauto, tras lo que enterraban su cadáver en el huerto.  Naturalmente, ambos detenidos se acusaron mutuamente de ser los autores materiales de los crímenes.

A pesar de que Lopera iniciase una huelga de hambre y Aldije culpara de todo a su compinche, eso no evitó que fueran condenados a 6 penas de muerte, una por víctima, subiendo al patíbulo el 31 de octubre de 1906 a la 7 de la mañana en el patio de la cárcel del Pópulo de Sevilla.  Separados los dos patíbulos con una cortina negra, ambos reos pidieron perdón en público por sus crímenes. Pero también  ambos tuvieron mala suerte con sus verdugos: el de la Audiencia de Sevilla, José Caballero Quintana y el de la de  Madrid, Áureo Fernández Carrasco que acudió para asistirle.  Fueron los dos verdugos bastante chapuceros con el manejo del garrote vil. El primero en ser ajusticiado fue Lopera, a las ocho y doce por el verdugo de Sevilla, falleciendo entre  terribles convulsiones por la deficiencia del aparato, seguido por “el Francés”, que al notar el corbatín en su cuello le dijo al verdugo de la audiencia de Madrid: “Aprieta sin miedo”. Pero  ante la nefasta faena del ejecutor, que estaba ensayando un nuevo corbatín para agarrotar al reo, añadió “¿No te dije que apretaras fuerte?

Áureo Fernández realizó con esta una de sus últimas faenas, ya que falleció tres años después.

EL HUERTO DEL FRANCÉS DE JACINTO MOLINA

Cartel argentino del film.

La película, segunda dirigida por el realizador tras Inquisición (1976), está escrita por Jacinto Molina y Antonio Fos, un sólido guionista y colaborador de, entre otros, Eloy de la Iglesia en los guiones de varios de sus primeros films como Cuadrilátero (1970), El techo de cristal (1971), La semana del asesino (1973) o Una gota de sangre para morir amando (1973), además de otros grandes títulos del fantaterror como Una vela para el diablo (Eugenio Martín, 1973), Joven de buena familia sospechosa de asesinato (Alfonso Brecia, 1972), La orgía nocturna de los vampiros (León Klimovsky, 1974) o  de nuevo junto a Paul Naschy, Latidos de pánico (1983).

Rodada en Algete (Madrid), además de en escenarios reales en Peñaflor y Sevilla, cuenta con un reparto que mezcla jóvenes actrices de la época, como María José Cantudo, Ágata Lys, Silvia Tortosa y Julia Saly junto a  reputados veteranos como José Calvo, José Nieto o Carlos Casaravilla.

Aunque el film no es del todo fiel al caso, ya que se toma las lógicas licencias dramáticas, la cinta está perfectamente ambientada ya que, no en vano Jacinto Molina investigó en el lugar de los hechos aprovechando escenarios naturales para dar más credibilidad a lo narrado. Algo que curiosamente no fue tarea fácil para el director, ya que buscando donde se encontraba el huerto original se encontró con que “cuando yo preguntaba a los lugareños sobre el siniestro lugar nadie sabía nada. Nunca había existido tal sitio en Peñaflor. Notaba que el huerto era totalmente tabú” (2)

Gracias a la colaboración del párroco del lugar pudo tener acceso  a documentación valiosa y acceso al huerto, del que quedaban únicamente las tapias. Así, “gracias al cura pude rodar la fachada del domicilio auténtico de Juan Andrés Aldije, aparte de las verdaderas tapias del huerto, la iglesia donde contrajeron matrimonio el terrible asesino en serie y la guapa Elvira – interpretada por Julia Saly – y, decorándolo, un mesón que perteneció a Muñoz Lopera“. (2)

También pudo rodar en el lugar real donde se ajustició a los culpables en Sevilla, convertido en un establo que tuvo que ser limpiado.

Todo ello rodado con una oscura fotografía en interiores que añade suciedad y sordidez. “Es una especie de cuadro de Julio Romero de Torres  ensangrentado, que reconstruye satisfactoriamente la época (principios de siglo XX). El clímax es perfecto y posee una profunda carga social que refleja aquella torva España negra, la Andalucía profunda”. (3)

Interiores sucios y oscuros como los tipos humanos que nos muestra el director en ese hábitat, en oposición con la luminosidad del cielo andaluz, de sus campos y del personaje interpretado por Julia Saly. Un contraste presente en el mismo rostro del asesino, que su director ensombrece súbitamente en algunos planos para mostrar su siniestra doble vida. Su lado oscuro.

En opinión de Ángel Sala, este Naschy en estado de gracia “conseguía un triplete difícil de superar, pues El huerto del francés  es posiblemente el mejor guión firmado por Molina (con una impecable descripción dela España profunda y primitiva de principios del siglo pasado, con sus cuotas de superstición, pobreza, dejadez moral, represión sexual y odios comunales), su mejor interpretación y, a la postre, su mejor película como realizador, con una sobriedad escalofriante y una narración poderosa, sin efectismos y coherente con el ambiente y la veracidad de la historia” (4)

El papel del protagonista, Juan Andrés Aldije apodado el  Francés, se lo reserva el mismo Naschy en la que es una de sus mejores interpretaciones, “Un serial-killer patrio con sabor a tortilla de patatas acompañado por el rasgueo  de las guitarras, pero más espeluznante  que cualquier american-psicho. (…) la interpretación de Naschy hiela la sangre de los espectadores” (3), mientras que José Calvo hará de su cómplice, José Muñoz Lopera.

Como estrellas femeninas, el film cuenta con dos muy populares actrices de los setenta: María José Cantudo y Agata Lys.

María José, que se hizo muy popular por protagonizar el primer desnudo frontal en el cine español con La trastienda (Jorge Grau, 1976), tiene una prolongada carrera a sus espaldas, siendo una de las pocas actrices que ha sobrevivido a la etapa del destape manteniendo su popularidad.

Nacida en (Andújar) Jaén en un año inconcreto (pero en los años cincuenta), comienza su carrera como modelo publicitaria y de fotonovela, pasando pronto a televisión y dando el salto al cine, carrera que precisamente inicia con El espanto surge de la tumba (Carlos Aured, 1973), con Paul Naschy de protagonista. Su siguiente film también entra en el género fantástico, Autopsia (Juan Logar, 1973). Volvió a coincidir con Naschy en Secuestro (León Klimovsky) e intervino en la comedia de terror sexy Las alegres vampiras de Vögel (1975, Julio Pérez Tabernero) junto a Ágata Lys.  Tras una prolongada carrera cinematográfica en la que no consigue avanzar, decide centrarse en la revista y el teatro, donde obtiene mayor reconocimiento.

Su papel en El huerto del Francés es el de una pobre ingenua embarazada por Aldije que descubrirá toda la trama de los asesinatos mientras está convaleciente tras un sórdido aborto clandestino al que es obligada por él.

La vallisoletana Ágata Lys (Margarita García Sansegundo) es una bestia de la pantalla. Buque insignia del destape patrio intervino en un gran número de películas en las que mostró generosamente su rotunda anatomía, como es el caso de El huerto del francés, donde hará de dura prostituta amante de Aldije. Desperdiciada su carrera en el cine en películas donde el reclamo era precisamente su físico, decide centrarse en el teatro y abandonar su teñido rubio, que tanta popularidad le había dado, cortándose ella misma la larga melena. Con una voz muy personal, Ágata ha participado en pocas películas de terror. Intervino como protagonista en Las alegres vampiras de Vögel (Pérez Tabernero), y junto a Paul Naschy en El transexual (José Jara,  1977) en el valiente papel de la protagonista. Después demostró su casta con buenos papeles en Los santos inocentes (Mario Camús, 1984) y Familia (Fernando León de Aranoa, 1996).

Pero parece ser que la relación entre las dos divas no fue muy buena, tal y como cuenta Paul Naschy: “se llevaban a matar, con peleas y celos, y me amargaron el rodaje, sobre todola Cantudo. En una de sus trifulcas, arrojó un plato a la Lys que, sin embargo, hirió al maquillador Ángel Luis de Diego. Otro día no se le ocurrió mejor idea que desgarrar el vestuario de la otra. (…) El asunto se enconó cuando ambas debían rodar una verdadera pelea. Las advertí que si se producía algún hecho que pusiera en peligro el rodaje iban a tener la pelea conmigo. Recuerdo que el marido de María José Cantudo, Manolo Otero, que presenciaba el rodaje, me decía al oído: ¡Déjalas que se zurren bien! Te quedará una escena cojonuda”. A pesar de los problemas, el director reconoce que  “Tanto la Lys como la Cantudo rayaron a gran altura” (1)

En el elenco también destaca la barcelonesa Silvia Tortosa, otra de esas actrices veteranas cuya carrera y reconocimiento gozan de buena salud. Ha realizado mucha televisión y bastante cine, teniendo en su filmografía una de las perlas del Fantaterror español: Pánico en el Transiberiano (Eugenio Martín 1972), donde comparte reparto con Christopher Lee, Peter Cushing y Telly Savalas. También, dentro del género fantástico intervino en Las garras de Lorelei (Amando de Ossorio, 1974) y  El enigma del Yate (Carlos Aured, 1983), además de en reputadas series de televisión como Historias para no dormir (Episodio Freddy, 1982) o La huella del crimen (El caso de Carmen Broto, Pedro Costa, 1991). En El huerto del francés hace un papel contenido y dulce que contrasta con el personaje duro interpretado por Ágata Lys.

La cuarta actriz a destacar es Julia Saly, bailaora conocida como La Pocha que unió su carrera a la de Paul Naschy en muchos títulos como Muerte de un quinqui (León Klimovsky, 1975), Inquisición (Jacinto Molina, 1976), Comando Txikia (José Luis Madrid, 1976 ), Último deseo (León Klimovsky, 1976), además de en Madrid al desnudo (1979), Los Cántabros (1980), El carnaval de las bestias (1980), Latidos de pánico (1983), El último kamikaze (1984), Mi amigo el vagabundo (1984) y Operación Mantis (1985), realizando la que será mejor actuación como Condesa Báthory en El retorno del hombre lobo (1981), todos ellos dirigidos por Jacinto Molina. Fue productora ejecutiva de Dálmata Films y Acónito Films.  También con él interpretó varias series de televisión producidas en Japón y prácticamente toda su filmografía se puede engrosar en el fantaterror, ya que también figura en dos títulos de Amando de Ossorio: La noche de las gaviotas (1975) y  La endemoniada (1975).

En El huerto del Francés interpreta a la segunda esposa del protagonista, una santa en contraste con las prostitutas y amantes que tiene el personaje interpretado por Naschy.

El reparto está repleto de reputados actores que enriquecen el film, muchos de ellos secundarios con prolongadas carreras, entre ellos: Carlos Casaravilla, que ya había compartido reparto con Naschy en dos ocasiones antes, en La marca del hombre lobo (López Eguiluz, 1968) y El francotirador (Carlos Puerto, 1978), siendo este el último trabajo de su vida. José Nieto, un histórico de la cinematografía española que comenzó su carrera en la época del cine mudo, pasando a rodar películas hispanas para los estudios de Hollywood en los años treinta y manteniendo una estable y prolongada carrera en el cine español hasta su fallecimiento en 1982, habiendo actuado en otro título de Naschy, La marca del hombre lobo (López Eguiluz, 1968), además de en La perversa caricia de Satán (Jordi Gigó, 1976). Manuel Pereiro además de formar parte del reparto de El extraño amor de los vampiros (León Klimovsky, 1974) o Escalofrío (Carlos Puerto, 1978) y ser habitual de Juan Piquer Simón, se convirtió a raíz de este film en una presencia frecuente en los repartos de  Naschy como demuestra su intervención en Madrid al desnudo (1979), El caminante (1979), Los Cántabros (1980), El carnaval de las bestias (1980) y  El retorno del hombre lobo (1981). Víctor Iregua, también coincidió con Naschy en dos films de José Luis MadridJack el destripador de Londres (1971) y  Los crímenes de Petiot (1973), además de intervenir en Mil gritos tiene la noche (Juan Piquer Simón, 1982) .Luis Ciges en el papel de verdugo es el encargado de agarrotar a los dos criminales. Mucho antes de convertirse en ese entrañable actor que popularizaron primero José Luis Cuerda y más tarde Fesser, era un esforzado secundario que  había colaborado con Naschy en otros films, como en El espanto surge de la tumba (Carlos Aured, 1974) (donde rebanaba el cuello de, precisamente, María José Cantudo), La rebelión de las muertas (León Klimovsky, 1973), Los ojos azules de la muñeca rota (Carlos Aured, 1974), Los Cántabros (Jacinto Molina, 1980), El carnaval de las bestias (Jacinto Molina,1980), y otros memorables films fantásticos como La saga de los Drácula (León Klimovsky, 1973), La noche de las gaviotas (Amando de Ossorio, 1975), ¿Quién puede matar a un niño? (Ibañez Serrador, 1976) o Arrebato (Iván Zulueta, 1980). Antonio Ramís, actor también de prolongada carrera,  ha compartido reparto con Naschy en films como Jack el destripador de Londres (José Luis Madrid, 1971), El jorobado de la morgue (Javier Aguirre, 1973) y  Muerte de un quinqui (León Klimovsky, 1975). Antonio Orengo intervino, entre otros títulos, en La marca del hombre lobo (López Eguiluz, 1968), La noche del terror ciego (Amando de Ossorio, 1972) y El mariscal del infierno (León Klimovsky, 1974). Alfonso Castizo tiene varias coincidencias en su filmografía con Naschy: Jack el destripador de Londres (José Luis Madrid, 1971), Comando Txikia (José Luis Madrid, 1976), El caminante (Jacinto Molina, 1979) y Operación Mantis (Jacinto Molina, 1985).

Además de Yolanda Ríos, con la que Naschy volvió a contar en Madrid al desnudo (Jacinto Molina, 1979).

El huerto del francés se estrena en diciembre de 1977, produciéndose un error tipográfico en la cartelería del film, ya que su nombre no figura en el reparto como actor (sí como director) lo que obliga a colocar unas etiquetas adhesivas sobre las lobby cards,  además de rehacer los carteles (arriba pueden verse los dos modelos). Por si esto fuera poco, cuando se lanza la edición en video de la película, el encargado de realizar la carátula consulta una revista de la época, Nuevo Film Sex, en la que se narraba el argumento novelizado de este y de otro film, El vicio y la virtud, por lo que mezcla los nombre del reparto de ambos films señalando a Teresa Gimpera y Juan Ribó como protagonistas y, lo que es peor, cambiando el director y dando la autoría de El  huerto del Francés a Francisco Lara Polop, realizador de El vicio y la virtud. Todo un despropósito que puede verse en la imagen de arriba, mientras que la revista en cuestión podemos verla también en las dos ilustraciones incluídas. De momento, y si nadie lo evita, este film espera su turno para ser editado de forma

EN TORNO AL HUERTO DEL FRANCÉS  Por Ángel Gómez Rivero

            A menudo me habló mi amigo de esta película suya tan extraña, tan atípica en su filmografía y, no obstante, tan personal y tan sentida. Porque el argumento se sustenta en una historia que lo intrigó desde tiempo atrás; un relato basado en un caso real acontecido un siglo atrás en Peñaflor, pueblo sevillano a medio camino entre Sevilla y Córdoba, en el que un posadero, de nombre Juan Andrés Aldije y apodado El Francés, ayudado por un socio, asesinó sin piedad alguna a los pobres viajeros y jugadores que accedían al mesón, con el único móvil de robarles. Paul, al que siempre le fascinó y estremeció la entereza y frialdad de algunos asesinos a la hora de afrontar su suerte final, vio en este sórdido relato la materia prima para elaborar uno de los papeles más difíciles de su carrera, el del asesino en serie. Rodado in situ, Paul es responsable del guión, de la puesta en escena y del papel principal, y lega aquí una descriptiva minuciosa del universo particular de este asesino en serie tan estremecedor, alejado de los estereotipos excedidos del cine estadounidense de la época. Ajustándose, por lo demás, a la realidad histórica de una etapa oscura e incierta. Es en el desenlace donde más se ilustra la sangre fría del personaje ante su propia ejecución, ofreciendo un cierre de película tan potente como conmovedor.

            El huerto del francés es un filme de lo más inspirado en la filmografía de Paul. Nos lega un ambiente sórdido de principios del siglo XX, de la España negra y profunda, de los asesinatos de pueblo, en los que se mezclan las pasiones carnales con los intereses económicos. Es una fábula de corte real y rural donde la guitarra española llora el dolor de los crímenes en tablaos flamencos que ocultan la espantosa y cruda verdad, y en la que la insensibilidad del asesino —excelente Paul, en uno de sus más completos y complejos papeles, en este caso no fantástico— deviene en un final que enlaza con las primeras imágenes, al desarrollarse la trama mediante un perfecto y descomunal flashback. Un desenlace con el garrote vil como estrella invitada, que siega la túrbida vida de un asesino olvidado por todos y disimulada su negra existencia, tal vez por misericordia o tal vez por miedo, en los acordes de una vieja y perdida conseja andaluza.

            Sólo por el inmenso interés que Paul mostró siempre por desenterrar esta película del olvido, sueño con la divulgación de la misma en formato digital. Sería una hermosa manera de volver a rendir a su autor el tributo que merece. Porque su sombra sigue siendo alargada y su recuerdo ineludible.

            Jamás te olvidamos Viejo Lobo.

Y UN COLOFÓN DE ORO: SERGIO MOLINA SOBRE EL HUERTO DEL FRANCÉS

Queriendo contar con un comentario sobre el film de una de las personas más cercanas al cineasta, pedimos una pequeña colaboración al hijo del realizador, Sergio Molina, que sirve como broche de oro, o de lujo más bien, para este artículo.

“Hablar de “El huerto del francés” me produce un sentimiento contradictorio y me explico. Mi padre la tenía considerada como una de sus mejores películas y la poca gente que la ha podido ver en buenas condiciones así lo piensa. Para mi es una abigarrada historia de un asesino despiadado y sin escrúpulos que elimina a sus víctimas valiéndose de bajos instintos mezclando prostitución y juego en una espiral cuasi diabólica donde Juan Andrés Aldije juega el papel de un Mefistófeles de hoz y algarroba. Es una película dura, fría y sin concesiones. Yo la vi hace ya bastantes años en un pase que Tve realizó a altas horas de la madrugada, y quedé impresionado. Todos los actores están soberbios, aunque destaco a Pepe Calvo que borda el papel de Muñoz Lopera, una especie de trasunto del Igor del Dr. Frankenstein que ayuda a su “jefe” en sus tropelías, aunque en este caso un arrepentimiento silencioso se refleja en su mirada y en sus acciones. Recuerdo la secuencia de la ejecución con el contraste entre la frialdad más absoluta del asesino y el derrumbe emocional de su ayudante. La película es un flashback tremendo y oscuro que me dejó noqueado durante bastante tiempo. Digo que el sentimiento es contradictorio porque es una pena que esta película no se pueda ver en buenas condiciones, me consta que en la filmoteca existe una copia que reluce como el primer día, pero al existir un problema con los derechos parece ser que dormirá el sueño de los justos. Para mi padre era una gran frustración no poder ver editada esta película y aunque lo intentamos, no conseguimos que estuviera presente en las ediciones que salieron en 2009, una semana antes de que nos dejara. Lo que espero es que el interés de los aficionados y la labor de gente como Proyecto Naschy y otros muchos blogs y páginas web permita que estas películas, que también son patrimonio del cine español, puedan verse de forma digna ya que al fin y al cabo es parte de un legado y de una aportación que como dijo Paul hace un tiempo “puede que haya sido pequeña, pero ahí está” Un saludo, Sergio Molina”.

Un soberbio trabajo de ambientación y fidelidad: compárese esta imagen con la real reproducida más arriba.

(1) Flash-Back nº 3, 1994.

(2) Paul Naschy en  Memorias de un hombre lobo (Paul Naschy, Alberto Santos Editor, 1997)

(3) Profanando el sueño de los muertos, Ángel Sala, Scifiworld 2010.

(4) Adolfo Camilo y Luis Vigil en Memorias de un hombre lobo (Paul Naschy, Alberto Santos Editor, 1997)

Categorías:Paul Naschy

Tyrannosaurus Entertainment amplía su catálogo de exhibición y distribución

Los catálogos de Blue Heron, TVM y Troma se gestionarán a través de Tyrannosaurus Entertainment

Apenas hace una semana T.E. firmó varios acuerdos que le ha permitido aumentar considerablemente su catálogo de cine exploit, underground y de serie Z, así como sumar algún título documental relevante a nivel internacional. El primero de los acuerdos lo firmaron con la productora estadounidense Blue Heron y permite a Tyrannosaurus Entertaiment distribuir el multipremiado documental sobre la II Guerra Mundial “Safe Haven: The Warsaw Zoo” (2009). Una historia conmovedora sobre la familia Zabinski,cuidadores del zoo de Varsovia, que consiguieron refugiar en el zoo y mantener a salvo del exterminio nazi a más de 300 judíos.

Dentro de la vertiente más underground y de serie Z destaca la adquisición de los derechos de la mayor parte de la filmografía del mítico exploiter Ted V. Mikels, en manos de TVM Global Entertainment. Mikels, actor, director, guionista, cámara, mago… es responsable de la saga de culto “Astro Zombies” o “The Corpse Grinders”. Con él han trabajado actores como John Carradine o Tura Satana y participó como productor en títulos tan reconocidos como “La noche de los muertos vivientes 2”. Entre los títulos adquiridos se encuentran auténticas joyas de este cineasta que van desde sus primeros trabajos a mediados de los 60 y 70 como “The Doll Squad” o “The Corpse Grinders” hasta su más reciente y aún inédita “Astro Zombies M4” (2012).

Tyrannosaurus Entertaiment también gestiona los derechos de explotación comercial de la productora neoyorkina independiente Troma Entertainment, capitaneada por los míticos Lloyd Kaufman y Michael Herz desde 1974. Entre las cintas de su catálogo se encuentran “El vengador Tóxico”, “El día de la madre”,“ Sargento Kabukiman”, “El monstruo en el Armario”, la saga “Class of Nuke’em High” o “Poultrygeist” entre muchas otras. Recientemente se ha sumado su más reciente título “Father’s Day”, dirigido por el colectivo Astron-6, aún inédito en España; se trata de una película repleta de acción, humor negro y gore aderezada con el espíritu psicotrónico de las producciones Grindhouse más atrevidas que hará las delicias de los fans de Troma.

La adquisición de estos derechos incluye TV, home cinema y exhibición en España, Andorra y Portugal de los tres catálogos: Blue Heron, TVM y Troma, que Tyrannosaurus pone a disposició de todas aquellas distribuidoras y plataformas interesadas desde este mismo mes de marzo. Puede consultarse el listado completo de títulos (a los que se irán añadiendo más progresivamente) en: http://tyrannosaurus.es/films/index.php/films/distribucion

Un gran paso para Tyrannosaurus Entertainment que proyecta a medio plazo convertirse en distribuidora de otros títulos indie y cintas de culto sin distribución en España, tanto nacionales como internacionales.

Sobre Tyrannosaurus Entertaiment

Tyrannosaurus Entertainment es una productora audiovisual creada por Marc Gras y José M. Rodriguez, ambos provenientes del mundo del celuloide con más de 15 años de experiencia, fundada en 2011 como extensión de la editorial Tyrannosaurus Books & Cards. Tyrannosaurus Entertainment está volcada, principalmente, en la producción de documentales y largometrajes de ficción, siendo algunos de sus próximos proyectos “Class of Nuke ‘Em High Part IV”, en co-producción con Chaparra Entertainment (España) y Troma Entertainment (USA), que será dirigida por Marc Gras y Dani Moreno; “Josmar, the Movie”, en co-producción con Geromax Music (España); o el documental “El Jueves. Poca Broma”, celebrando el 35 aniversario de la mítica revista satírica; aunque también realiza videoclips, making off, extras para ediciones de DVD y da soporte a producciones nacionales e internacionales como segunda unidad de rodaje, entre otras.

Además, Tyrannosaurus Entertainment gestiona todo el catálogo de las productoras Fester Entertainment y Mushnik’s Entertainment, incluyendo documentales como “Troma is Spanish for Troma” (dirigido por Marc Gras), de gran éxito en circuitos underground de todo el mundo, distribuido comercialmente en España por Friki Films en 2011 y en el resto del mundo por Troma Entertainment en 2012 y nominado a los premios Scifiworld 2012 como mejor producción de ficción/documental indie.

Categorías:DVD / BLU-RAY

Amplía presencia de autoras en el Salón del Cómic

La participación de tres prestigiosas autoras de cómic extranjeras en el Salón enfatiza el creciente protagonismo de la mujer en la historieta. Julia Wertz, autora que debuta en nuestro país con su obra biográfica Whiskey & Nueva York, es uno de los nuevos valores de la novela gráfica en Estados Unidos. Aude Picault es una autora francesa que relata con maestría hechos cotidianos, muchos de ellos de carácter autobiográfico. En el Salón presentará su obra Charanga, que tiene que ver con su faceta musical. Por su parte, la guionista de cómics de superhéroes Jen Van Meter es una autora bien conocida por los aficionados del género gracias a sus colaboraciones con Marvel y DC en títulos como JSA Clasificado y Asombroso Spiderman presenta: Gata Negra, ésta última con dibujos del artista español Javier Pulido. Todas ellas forman parte de una nueva generación de autoras con un estilo muy personal que impregna sus creaciones.

 A continuación tenéis las biografías de las nuevas invitadas.

 Julia Wertz (San Francisco, EE.UU. 1982)

Cuando descubre que sus sueños de convertirse en espeleóloga no van a cumplirse debido a su claustrofobia y su aversión por las universidades tradicionales, Julia Wertz decide convertirse en dibujante de cómics. Actualmente vive en Greenpoint, Brooklyn, Nueva York, donde pasa el tiempo dibujando, escribiendo, buscando autocaravanas y haciendo bromas sobre los cerdos buscadores de trufas. También forma parte del estudio Pizza Island. Con Whiskey & Nueva York, publicado por Alter Comics, Julia Wertz nos presenta bajo la forma de un diario de abordo su primer año en Nueva York. Julia Wertz visita el Salón del Cómic con la colaboración de la editorial Alter Comics. Su web oficial es www.juliawertz.com.

 Jen Van Meter (Fresno, EE.UU.)

Jen Van Meter es una guionista de cómics conocida principalmente por la serie nominada al Eisner Hopeless Savages de Oni Press, que presenta las aventuras de una pareja de casi jubilados músicos punk y sus excéntricos hijos. También ha escrito varias miniseries para Dark Horse, DC y Marvel Comics, incluyendo Rayo Negro: Año Uno, JSA Clasificado y Asombroso Spiderman presenta: Gata Negra, esta última junto al dibujante español Javier Pulido. Actualmente se encuentra realizando la miniserie Avengers: Solo protagonizada por el Vengador Ojo de Halcón. Jen recibió un Master en Lengua Inglesa del Vassar College y un Máster en Estudios Folclóricos y literatura en inglés de la Universidad de Oregón. Jen reside en Portland, Oregón con su esposo, el escritor Greg Rucka, y sus hijos. Su web oficial es www.jenvanmeter.com.

Aude Picault (Francia. 1979).

Estudió Artes Decorativas en París. Es una joven diseñadora e ilustradora, que trabaja tanto en prensa como en el sector de la literatura infantil. También tocó el trombón en el grupo de música funk Les Quiches Lorraines. En España, de la mano de la editorial Sin Entido, ha publicado Papá, inspirada en una experiencia personal, el suicidio de su padre; Rollos míos, Más rollos míos , un diario de sus pensamientos más íntimos y Travesía, un relato también autobiográfico, centrado en su experiencia veraniega a bordo de un velero entre gentes nómadas y sin ataduras. Aude Picault presentará en el Salón del Cómic su último trabajo: Charanga, que cuenta uno de los grandes festivales de música de los universitarios en Francia, en el que la propia Aude ha participado en alguna ocasión. La autora asiste al Salón del Cómic en colaboración con la editorial Sin Entido. Su web oficial es www.audepicault.com.

Categorías:Cómic Barcelona

Este viernes 23 nueva edición de Cine Basura, ¡¡Llega el metal!

¿Piensas que la crisis impide disfrutar del fin de semana? Pues nuevamente llegan los chicos de Cine Basura dispuestos a amenizarnos la noche del viernes. Ya puedes avisar a tus amigotes, comprar birra de oferta y prepararte para la diversión.

Black Roses será el clásico del cine fantástico, de poco presupuesto y escaso gusto, que se emitiá dentro del espacio Cine Basura que conducen @pacofox y @viruete. La película será destrozada por sus comentarios y también por los de los internautas, que podrán disfrutarla en www.canalplus.es/Cine-Basura y en Canal + Xtra.

El poder del heavy metal monstruoso dirigido por John Fasano en 1988 fue uno de los productos cinematográficos de la curiosa simbiosis entre la música y el satanismo. En Black Roses un grupo de metal hipnotiza a su audiencia para que haga el mal en su pueblo. Los resultados: poco terror y mucha comedia involuntaria.

Junto a Viruete y Paco Fox, hará los comentarios en directo Angel Carmona, el conductor del programa de Radio 3 Hoy Empieza Todo.

Lo tiene todo: música atroz, interpretaciones lamentables, desnudos gratuitos y por su puesto laca. Mucha laca. Un plato ideal para el programa de cine más irreverente de la historia.

La sesión de Cine Basura con Black Roses se emitita en Canal+ Xtra , a partir de las 23 horas, y en streaming a través de  www.canalplus.es/Cine-Basura a las 22.45, esperando la participación de la audiencia con sus comentarios en la web y y en twitter a través de #cinebasura.

Y mientras tanto un anticipo de lo que nos espera:

Categorías:Z CAJÓN DESASTRE

David Lloyd, dibujante de V de Vendetta presentará su nueva obra en Ficomic

David Lloyd es uno de los autores de cómic de referencia de los últimos años gracias a su brillante trabajo en V de Vendetta (1982), con guión de Alan Moore. Su diseño del revolucionario anarquista oculto tras una máscara de Guy Fawkes ha sido reproducido en multitud de objetos y ha servido de inspiración a numerosos movimientos contestarios. Lloyd presentará en el Salón del Cómic Materia oscura, su último libro de relatos cortos, publicado en España por 001 Ediciones. Un libro que recopila diferentes historias del género fantástico y del terror a cargo de autores de la talla de Robert J. Curran, Peter Milligan, Josef Rother, Stephen R. Bissette, Ramsey Campbell y el mismo David Lloyd.

David Lloyd lleva en activo desde 1977. Tras pasar unos años en el mundo de la ilustración publicitaria, comenzó a trabajar para Marvel UK dibujando las aventuras de Night Raven, personaje de género negro muy influenciado por los pulp de los años treinta. En 1982 dibujó V de Vendetta, inicialmente serializada en las páginas de la innovadora revista británica Warrior, que luego sería continuada y terminada en DC Comics. El cómic sería adaptado al cine en el año 2006. Desde su publicación, V de Vendetta conquistó a la crítica y al público, convirtiéndose en una obra seminal, tanto dentro del cómic como en el imaginario mundial. Por algo la máscara de Guy Fawkes es desde hace unos años una presencia constante en muchas manifestaciones sociales y es el símbolo del grupo de hackers “Anonymous”, conocido por sus ataques cibernéticos a corporaciones e instituciones oficiales.

Entre las numerosas obras en las que ha trabajado destacan Hellblazer y War Stories para DC Comics, Global Frequency para WildStorm, Aliens: Glass Corridor y The Territory para Dark Horse, y su participación en el libro Raymond Chandler’s Phillip Marlowe: The Graphic Novel para Ibooks. También participó con otros notables dibujantes en el libro Astérix y sus amigos, editado en 2007 para conmemorar el ochenta cumpleaños de Albert Uderzo. En 2005 escribió y dibujó el thriller de género negro Kickback, y en 2008 ilustró una guía personal de la ciudad de Sao Paulo por encargo de la editora brasileña Casa 21. Actualmente dedica sus esfuerzos a Cartoon Classroom (www.cartoonclassroom.co.uk), página Web que busca concentrar toda la información disponible sobre cómic e ilustración de Gran Bretaña e Irlanda, y planea la creación de una revista de cómic mensual online. Puede encontrarse más información en su página Web www.lforlloyd.com, en Deviantart y en su perfil de Facebook. 001 Ediciones colabora para que David Lloyd participe en el 30 Salón del Cómic.

Por otra parte, lamentamos informar que Sergio Aragonés ha tenido que cancelar su visita al Salón del Cómic de Barcelona por motivos de salud. Guy Delisle, por otro lado, ha variado su agenda y ha adelantado su visita a Barcelona a los días 19 y 20 de abril para participar en unas jornadas organizadas por el Instituto Francés de Barcelona y no estará presente en el certamen.

El 30º SALÓN INTERNACIONAL DEL CÓMIC DE BARCELONA se celebrará del jueves 3 al domingo 6 de mayo en el palacio número 8 de Fira de Barcelona.

Los límites de la ciencia: Splice

“No se debe abandonar la generación de homúnculos; en efecto, hay cierta verdad en esta materia, aunque durante mucho tiempo fue vista como muy oculta y secreta. Largamente algunos filósofos antiguos discutieron y dudaron si sería posible, por la naturaleza y por el arte, engendrar un hombre fuera del cuerpo de la mujer y de una madre natural. A lo cual yo respondo que esto no repugna para nada al arte espagírico ni a la naturaleza; es más, se trata de algo muy posible. Para lograrlo se procede así: Encierre durante cuarenta días en un alambique licor espermático del hombre, que allí se pudra y continúe a componerse en un recipiente lleno de estiércol de caballo, hasta que comience a vivir y moverse, lo cual es fácil de reconocer. Después de ese tiempo aparecerá una forma parecida a la de un hombre, pero transparente y casi sin sustancia. Si, luego de esto, se alimenta todos los días este joven producto, prudente y cuidadosamente, con sangre humana secreta (es decir una preparación alquímica roja), y se lo conserva durante cuarenta semanas a un calor constantemente igual al del vientre del caballo, este producto viene a ser un verdadero y viviente niño, con todos sus miembros como el nacido de la mujer, pero sólo más pequeño y al que llamamos un homúnculo. Es necesario educarlo con gran esmero y cuidados hasta que crezca y comience a manifestar la inteligencia. Es éste uno de los mayores secretos que Dios haya revelado al hombre mortal y pecador (… ). Aunque dicho secreto haya estado siempre ignorado por los hombres, fue conocido en la remota antigüedad por los Faunos, las Ninfas y los Gigantes, seres que asimismo se originaron de esa forma.” Así formulaba Paracelso (1493-1541) la receta para crear un hombre por métodos artificiales.  Ser creador de vida ha sido uno de los sueños perseguidos desde siempre por la humanidad, vencer así las limitaciones, emular a los dioses y sustituirles.  Paracelso se basaba en los principios de la alquimia, la concepción del universo como un ser orgánico que podía ser interconectado mediante la magia, por eso se le pone en relación con nigromantes como Cornelio Agrippa y Alberto Magno.  La alquimia, por su parte guarda relación con la cábala y dentro de la tradición cabalística nos encontramos con una de las primeras leyendas sobre la posibilidad de crear vida, el Golem.

Golem significa materia y la leyenda praguense refiere que el rabino Judah Loew Bezalel en el Siglo XVI habría logrado animar una figura humanoide de arcilla para defender el gheto judío, sin embargo, su creación se habría rebelado y habría acabado convirtiéndose en un problema mayor que el que se intentaba solucionar con él.  El Golem lograba animarse escribiendo en su frente el nombre secreto de Dios, Emeth (verdad) y para destruirle había que borrar la primera letra quedando la palabra Meth (muerte). La tradición hebraica, pues, introducía ya la alerta sobre las consecuencias negativas de jugar a ser dioses, Mary Shelley también le dio a su obra, Frankenstein o El Moderno Prometeo  Encadenado, esa misma orientación moral, salvo que en su caso no sólo se juzgan las concepciones antiguas sino las de la moderna ciencia recién nacida que empezaba a dar tintes de posibilidad real a lo que había sido sólo un sueño.  Mary concluía que la ciencia conducía a una insensata curiosidad y sus creaciones traían más complicaciones que soluciones.  Como en el grabado de Goya , para ella el sueño de la razón sólo produce monstruos.  Pero pese a las reticencias morales el avance de la ciencia ha sido imparable y si bien no se ha logrado engendrar humanos sin el concurso de lo natural, cada vez parece más próximo, ahí está la clonación y todos los debates bioéticos que genera y hace apenas unos meses nos despertábamos con la noticia de que se había podido crear la primera célula sintética. El proceso para su creación no fue nada sencillo. Para empezar, los científicos tuvieron que fabricar unidades básicas con síntesis químicas, cuando se consiguió, el siguiente paso era encajarlas como si de una compleja maqueta se tratase. Después de muchos intentos, lo consiguieron utilizando una célula de levadura para que se diera la fusión en su interior sin más complicaciones. Lo siguiente era depositar esa configuración en otra bacteria a la cual se le había extraído, con anterioridad, su ADN, y colocarle entonces la secuencia de ADN artificial, formado por computadora.  Cuando Vincenzo Natali concibió la idea de la trama de Splice hace doce años no imaginaba lo cerca de la realidad que iba a estar aquello que entonces sólo le parecía ficción.

Si la creación de la primera célula sintética es la mayor noticia que nos ha traído este 2010 la investigación genética, hace quince años, en 1995 fue la fotografía de un ratón al que le habían injertado algo que parece una oreja humana la que dio la vuelta al mundo. La oreja fue cultivada en la cubeta de un laboratorio por investigadores del Centro Médico de la Universidad de Massachusetts en Worcester y luego fue injertada en la espalda de un ratón.
El éxito del experimento abría nuevas posibilidades a los trasplantes, la falta de órganos podría compensarse con el cultivo de órganos artificiales.  Siendo científico nos hace pensar en una película de ciencia ficción recientemente estrenada, Repo Men (2009, Miguel Sapochnick), no es, pues, extraño que el pequeño ratón freak estimulara la imaginación de Vincenzo Natali.  Escribió el guión de un cortometraje que se llamaría Mutants, tres años después, arropado por el éxito mundial de su ópera prima, Cube (1997), le mostró al productor Steve Hoban el guión de ese corto y ese fue el germen de Splice. El proyecto atrajo el interés de Robert Lantos, que acababa de dejar Alliance Atlantis y de fundar Serendipity Point films, Splice era aspirante a ser la película inaugural de la productora, no obstante, fue desbancada por Men with Brooms.  En verdad la realización de la película estuvo en punto muerto durante años, debido en gran medida a que, según Natali, los efectos especiales necesarios para la creación de Dren en la época superaban con mucho el presupuesto de la película. 2005 fue el año decisivo, Hoban y Natali habían trabajado juntos en Nothing, antes por su cuenta Natali realizó Cipher, y Hoban terminaba la trilogía de Ginger Snaps así como el cortometraje Ryan, dirigido por Chris Landreth y ganador de un Óscar.  A ambos hombres les pareció el momento para conquistar definitivamente Hollywood y volvieron a Splice, después de revisar y rehacer el guión con la colaboración del escritor Doug Taylor comprobaron que había valido la pena el retraso porque la tecnología por fin permitía lo que siete u ocho años antes era si no imposible si laborioso y costosísimo como, por ejemplo, el alargamiento de los ojos de Dren, la criatura, que en el guión remodelado se presentaba ya como una criatura de Frankenstein moderna y tremendamente atractiva. La creación imaginada por Natali no podía ser confiada a la animación por ordenador que había tenido a Gollum ( El Señor de los Anillos) como producto más sofisticado, lo que Natali quería hacer era mucho más avanzado que eso y sólo a partir de 2006 se hizo posible el ensamblaje perfecto entre imagen real e imagen digital necesario para darle a Dren ese aspecto entre montruoso e inmensamente tierno.  Así Splice vio la luz once años después de haber sido concebida y se había convertido en un parto muy esperado.  Se estrenó mundialmente en el Festival de Sitges 2009 donde obtuvo el Premio a los Mejores Efectos Especiales, pero la acogida del público fue más bien tibia y algunas críticas fueron poco elogiosas. Esa recepción se debió en gran medida a la expectación que se había creado en torno al film, ya que durante esos más de diez años que estuvo en proceso se habían filtrado muchas imágenes en la red a la vez que Natali, también gracias a la red, se había convertido en director de culto para buena parte del fandom. Y el fandom a veces puede ser muy cruel.

A Natali la pasión por el cine, como a muchos otros, le llegó ya en la infancia, su primera cámara, súper 8, la tuvo entre manos con once años.  Natali llama a esa étapa ” Época de plastilina”, ya había asistido a un curso infantil de animación de stop motion y rodaba sus primeras películas plagadas de monstruos que asolaban ciudades.  Recuerda Natali que los monstruos le obsesionan desde que tiene uso de razón, sus películas favoritas ya en la infancia fueron los clásicos de terror de la Universal, especialmente las de James Whale y sus recreaciones de Frankenstein.  Ya decíamos al principio de este artículo que la novela de Mary Shelley reflexiona sobre los límites de la acción humana, de la posibilidad de rebelarnos contra el destino haciéndonos creadores de vida.  Probablemente eso es lo que caló en la imaginación del niño Natali, la pregunta por el sentido y así su ópera prima nos presentaba un universo surrealista, deudor del teatro del absurdo y la imaginería kafkiana, en el que bajo la apariencia de problema matemático se nos hace reflexionar sobre nuestros propios esquemas de convivencia, esquemas que se ha fabricado el hombre moderno de cara a los demás, meras apariencias  que en situaciones límite, donde entra en juego la supervivencia, caen como falsos decorados saliendo a la luz la verdadera naturaleza humana. El infierno son los otros, al modo sartreano, parecía decirnos Natali en 1997 cuando dio a luz Cube. Se trata de una inquietante historia en la que seis personas desconocidas entre sí, despiertan un día y se encuentran atrapadas en una prisión extraña y surrealista. Seis personas, atrapadas en un laberinto sin fin de habitaciones cúbicas dotadas de trampas mortales. A no ser que entre todos cooperen para descubrir el secreto de su mortal encierro, es seguro que ninguno de ellos saldrá con vida. Pronto descubren como cada uno de ellos posee, en cierta medida, una “clave” para descifrar tan diabólico plan.  Los conflictos de personalidad y las luchas por el poder estallarán de inmediato entre todos ellos.    Su presupuesto fue de 900.000 dólares, una cifra no demasiado alta que forzó a suplir con ingenio la escasez de recursos, su mejor baza es el ritmo narrativo acompañado de los efectos de sonido, la luz y la desnudez de los escenarios, elementos que logran sumergirnos en un ambiente opresivo e intrigante.  Natali se confirmaba como director de atmósferas, tal como ya se había manifestado en su primer trabajo, el premiado corto Elevated. Estrenada en España el 12 de noviembre de 1998 y calificada como “no recomendada menores de 13 años”,  exhibida exclusivamente en V.O CUBE fue vista por más de veintinueve mil espectadores, llegando a recaudar cerca de veintiún millones de pesetas. Fue el boca oreja el que permitió este resultado que no puede más que calificarse de exitoso dadas las condiciones en que se estrenó.  Desde el primer momento Cube fue recibida como obra de culto y al rededor de Natali se creó un colectivo de seguidores que le veían como un director revelación.  Con todo el espaldarazo comercial, no le sonrió su segundo largometraje, Cipher (2002), de nuevo una cinta de ciencia ficción que nos sitúa en un futuro donde el poder se lo disputan dos compañías informáticas que rivalizan para dominar el mercado, marco en el que se inserta una trama de espionaje, no llegó a 

España hasta 2004, con dos años de retraso y con menos publicidad aún de la que tuvo Cube, en parte debido al fracaso de Cube 2: Hperycube (2002) que no fue dirigida por Natali sino por el también canadiense Andrzej Sekula.   Se había podido ver ya en el mismo 2002 en los dos festivales más importantes de cine fantástico de la península: el Festival de Sitges y en la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, alzándose en Sitges con el Premio al Mejor Actor para Jeremy Northam, no llegó, pues, a estar a la altura de Cube que en 1998 había obtenido en ese mismo certámen el Premio a Mejor Película, pero sí dejó muy buen sabor de boca.  El segundo largometraje de Vincenzo Natali es una historia de espionaje industrial que sirve como vehículo ideal para plantear cuestiones de actualidad como la alienación del individuo, la incapacidad de decisión, la puesta en duda de un concepto trascendental en la historia del pensamiento occidental como el libre albedrío, o el hastío rutinario.  Y a todos los aficionados les recordó el universo del fabuloso Philipp K. Dick.
Natali seguía siendo visto por los aficionados al fantástico como un director al que no se debía perder la pista, pero las distribuidoras no tenían el mismo interés, Nothing (2003) no se estrenó en España siquiera en DVD.  Con su tercera película el canadiense se introducía por los caminos de la comedia pero sin abandonar el terreno de lo fantástico. ¿Qué ocurre cuando a dos perdedores se les da el poder de hacer desaparecer de la faz de la tierra las cosas que no les gustan? Esa es la premisa de Nothing, un viaje hacia la nada de dos perdedores y de la pesadilla daliniana que ellos mismos crean de manera inconsciente.  Internet es quien permite que siga creciendo el culto en torno a Natali, de Nothing sólo se tiene noticias en foros y blogs especializados los cuales se encargan de hacer circular los pocos enlaces de descarga que existen.  Hubo que esperar hasta 2006 para poder ver en pantalla grande a Natali, esta vez dirigiendo uno de los dieciocho cortos (tantos como departamentos tiene la ciudad) que componen la película colectiva Paris je t’aime.  Natali se encarga de ilustrar el episodio dedoicado al Barrio de La Madeleine con una historia romántica de vampiros con estética gótica que tiene como protagonista al tolkiniano Elijah Wood.

En 2006, como hemos dicho Vincenzo Natali estaba ya trabajando en Splice, se empezaban a filtrar imágenes y noticias y las expectativas creándose.  Después vino la decepción de los fans, pero el espectador medio no siempre se deja llevar por el criterio de los expertos.  Estrenada tan sólo en 77 salas en todo el país, consiguió colarse en el Top Ten y recaudar en su primer fin de semana 133.000 euros.  Y es que es cierto que en Splice hay deficiencias porque podríamos calificarla de película cóctel:  es un cóctel de referencias cinematográficas especialmente a las monsters movies de los 50 ¿Recuerdan La Bestia de Otro Planeta (20 Millions milles to earth, 1957, Nathan Juran)?

Aunque allí el monstruito que crece es alienígena,  los piesecicos son idénticos a los de la nínfulamonstruo, mezclado con algo de Estoy Vivo, e incluso con la alargada sombra de Aliens cuando la criatura nace, más otras referencias más evidentes como sería el caso de Species. Todo un cóctel de géneros: monsters movies, como ya he dicho, sci-fi, terror (y gótico además), melodrama familiar, algunos dicen que thriller, e indie, pues hay voluntad de autoría. Y los cócteles es lo que tienen, si no los agitas bien, en vez de un combinado  lo que obtienes es una emulsión en fase dispersa (como cuando se mezcla agua y aceite y se deja en reposo). A Natali le falla el pulso y se va perdiendo el tono a lo largo del film para acabar precipitándose hacia un final operístico (o de opereta, si lo prefieren). Ahora bien, hay que calibrar esas críticas, porque, con todos sus fallos (incluida la napia del Brody) entretiene, pero sobre todo porque sus virtudes superan a sus defectos: los efectos especiales son dignos merecedores del premio con el que se alzaron en la edición de Sitges de 2009; la construcción sintáctica de los planos y secuencias es mucho más que correcta, Natali mueve la cámara de forma interesante, con exceso de barroquismo en ocasiones pero con muy buen tino en otras muchas (el arranque donde rueda el parto en cámara subjetiva, el uso narrativo de la angulación, los fundidos a blanco y a negro aunque sean más tópicos); y, quizás, la iluminación sea uno de sus mayores logros, ese azul metalizado que vira los colores crea atmósfera y es la atmósfera la que evita la total fractura del film, es en la atmósfera donde se da la continuidad porque es la que va acompañando la trama profunda. Bajo la superficie de la acción se va desarrollando un hilo interno que es el que no se quiebra pese a las mezclas que comentábamos, no ya por lo que se refiere a las subtramas, sino, sobre todo, al tema de reflexión para el que el argumento es excusa: la pregunta por cuáles son, o debieran ser, los límites de la ciencia. Veamos más despacio todas estas virtudes enumeradas.

Comentábamos que en buena medida el proceso de creación de Splice se dilató tanto en el tiempo a causa de los efectos especiales, la verdad es que valió la pena esperar.  Para lograr que Dren, la criatura, tenga ese aspecto a la vez seductor y pavoroso, se hizo necesario combinar imagen digital e imagen real.  De los CGI se encargó la compañía canadiense, tristemente desaparecida el pasado marzo de 2010, C.O.R.E., recordada por su trabajo en Mimic (1997, Guillermo del Toro), que ya había colaborado con Natali en Cube, Cypher y Nothing.   Si la Dren bebé es 100% digital, la Dren niña (Abigail Chu)  lo es en un 50%, mientras que la adolescente ya sólo lo es en un 30%, el 70% restante corresponde a la actriz Delphine Chanéac, auténtica alma de la criatura. C.O.R.E se ocupó de añadir una sección extra a las patas de Dren para que tuvieran tres articulaciones, ensamblarle una cola (que es 100% digital para la Dren adulta y 80% digital para la Dren niña), prescindir del cuarto dedo de ambas manos y del ombligo (dado que no nace de un útero) y colocarle alas. Sin embargo, el trabajo más importante respecto a estos Efectos Visuales fueron los ojos,  declaraba  Bob Munroe, responsable de C.O.R.E. : “Estamos ensanchando los ojos de Delphine excediendo ligeramente las proporciones humanas y luego, sustituiremos los ojos de la Dren niña por los de Delphine haciendo uso de una técnica ideada por el supervisor de imagen digital Terry Bradley, que es algo que no he visto nunca.” Además de los CGI fueron necesarios, por supuesto, efectos de maquillaje, de los cuales se encargó el oscarizado Howard Berger quien  leyó el guión de Splice a instancias de Guillermo del Toro (productor ejecutivo, que ha dejado su huella claramente impresa en el film).  Para del Toro la presencia de Berger era una garantía de obtener los resultados deseados, y no se equivocó. La directriz principal de Berger era el realismo y decidió conseguirlo dedicando un esfuerzo exhaustivo a los detalles, tales como la piel, los ojos y la cola.

La fórmula que Berger encuentra más eficaz es la combinación pormenorizada de los efectos prácticos y digitales llevados a cabo por C.O.R.E. “Es un truco de magia. Dren es realmente el patito feo que comienza siendo algo poco definido y evoluciona en algo bello.” Para diseñar los ojos de Dren, Berger creó diez versiones diferentes de la cuales Natali escogió una a la que posteriormente se añadieron unas pupilas en forma de cruz. Para este fin, Berger creó para Chanéac unas lentes de contacto esclerales que cubrían todo el globo ocular.  El resultado fue más que brillante, pero todo este ingenio de magia cinematográfica no habría producido el mismo impacto de no haber podido contar con Delphine Chanéac, el propio Berger así lo declaraba: “En general, los animales son peligrosos e impredecibles. Eso es lo que hace que Dren sea genial. Delphine ha puesto toda la carne en el asador. Este personaje no existiría sin ella. Todo en ella es muy específico, desde su aspecto hasta sus movimientos, creados por ella misma. Ella es como un pajarito y al mismo tiempo un auténtico depredador. Incluso los sonidos que hace son invención de Delphine. Su agilidad y su resistencia son impresionantes. Vincenzo creó este personaje en sus sueños, pero Delphine le ha dado vida.”

Así como Dren, la criatura, es la pieza fundamental del film, la mejor interpretación es la que nos regala la joven parisina.  La carrera de Delphine Chanéac antes de Splice se había desarrollado fundamentalmente en TV, medio en el que empezó a actuar con tan sólo 16 años.  Su inclusión en el reparto llegó de manos de la casualidad, cuando Natali y Hoban se dirigían a las oficinas de la Gaumont para iniciar el casting para Dren, la vieron en la acera fumándose tranquilamente un cigarrillo (en 2007 la santa cruzada contra los fumadores todavía no alcanzaba las cotas actuales, aunque ya los talibanes antitabaco se estaban haciendo con el poder de dominar la opinión pública) y tuvieron claro que el papel había de ser para ella.  Vieron a otras aspirantes pero ya ninguna les pareció capaz siquiera de rozar el listón de Delphine.  La actriz elegida era determinante para dar carácter a la criatura, dado que sólo se iba a digitalizar en una mínima parte, Dren le debe más a Delphine que a los efectos especiales, ella describía así su impresión sobre el personaje: “Para mi, ésta es una historia de amor. Dren quiere amar y ser amada, pero, al mismo tiempo, se la mantiene apartada por no ser normal. Es bastante sensible y pura, como un niño, pero al mismo tiempo, se comporta de un modo agresivo. Me encantan estos sentimientos ya que yo soy un poco así. Tuve que concentrarme muchísimo para transmitir estas emociones debido a las duras exigencias físicas.”  Esas exigencias físicas eran acostumbrarse  a patas de tres articulaciones, tres dedos, una cola y alas. Pero la penetración psicológica fue obra de la actriz, ella fue la que ideó su propio lenguaje de ronroneos y gorjeos para comunicar un amplio abanico de emociones.

Completan la tríada protagonista Sarah Polley y Adrien Brody interpretando a los científicos “padres” del monstruo. En el nombre de sus personajes, Natali rendía homenaje a La Novia de Frankenstein (The Bride Of Frankenstein, 1935, James Whale), Brody es en la ficción Clive Nicoli, clara alusión a Colin Clive, actor que interpretó a Víctor Frankenstein en la película de Whale, y el personaje que interpreta Sarah se llama Elsa Cast homenaje a Elsa Lanchester, que interpretó a Mary Shelley (además de a la novia de la criatura) en la misma película.  Clive y Elsa son un matrimonio de científicos consagrados a la ingeniería genética que no se detendrán a la hora de dar el salto a crear vida incluyendo ADN humano, auténticos mad doctors, la diferencia que introduce en ellos Natali respecto a la tradición es que les dota de profundidad piscológica, los hace humanos y no simples fanáticos.  Eso es lo que más indignó al fandom, que se mezclara en la trama tintes de drama de pareja y se entretuviera en retratar los conflictos internos que se pueden presentar al chocar los intereses por el éxito profesional con la creación de una familia. Elsa supedita la maternidad a su carrera para luego sublimar ese instinto en su consagración a Dren; por su parte Clive se deja plegar a la voluntad de Elsa tanto en lo profesional como en lo familiar aunque vea lo insano de sus actitudes. Igual que este giro hacia el melodrama fue lo que más disgustó a la crítica especializada, también las actuaciones de Adrien y Polley fueron las más denostadas.  No comparte esa opinión quien esto escribe. Brody y Polley componen un retrato del científico alejado de los tópicos con los que nos ha sido presentado siempre, se meten perfectamente en la piel del nerd casi afectado por el Síndrome de Asperger y nos transmiten sus contradicciones y la gama de emociones que les generan su comportamiento y sus deseos.  Splice no es una película de mad doctors más, va más allá porque impregna de realismo a la historia y a los personajes sin renunciar, por ello, a lo fantástico.

¿Qué es en definitiva lo que nos cuenta Natali en Splice? El argumento (que ya iba siendo hora de que lo contásemos) nos sitúa ante Clive y Elsa Kast, dos jóvenes que trabajan en el campo de la genética. No sólo son un equipo, sino también pareja. Trabajan de manera conjunta en la creación de Fred y Ginger (más homenajes), dos animales híbridos totalmente funcionales, una combinación de vertebrado e invertebrado, algo totalmente innovador que les ha brindado gran reconocimiento público. Intoxicados por su éxito, pero obstaculizados por la decisión de Newstead de cerrar su proyecto (para centrarse en el aislamiento de la proteína CD-356, que tiene un potente valor medicinal para el ganado y constituye una mina de oro en potencia para la compañía), deciden crear en secreto una nueva criatura: Dren, una combinación de ADN humano y animal. Concretamente, Elsa inocula su propio ADN: la criatura resultante es a la par su obra y su descendiente. Llevado en secreto su experimento, al principio todo es satisfactorio, pero pronto se verán los aspectos menos positivos. 
Elsa vive entregada a su creación, en parte como científca, en parte como mujer que está sublimando sus instintos maternales, todo bajo la alarma de Clive, mucho más consciente de los peligros de haber trasgredido los límites, intenta deshacerse de la criatura, pero no puede consumar un acto que en parte sería como asesinar a un humano. Si al principio Elsa y Clive vivían su relación y su investigación bajo el mismo signo pasional, la química entre ellos va viéndose deteriorada por la evolución de sus distintos planteamientos ante lo científico, la película avanza como un drama de pareja a la par que como reflexión bioética. El crecimiento de Dren, la criatura, es más acelerado que el de los humanos, cuando llega a la adolescencia los problemas se ven agravados, como híbrido de humano y bestia, despierta a la vez a sus ansias de libertad y aceptación y a sus instintos depredadores, en su ontogenia se resume toda la filogenia de lo vivo desde lo más primario a lo más refinado, desde la conducta fiera a la conciencia moral, desde los impulsos animales hasta el deseo de ser amada.

Y ese anhelo de ser amada regirá las relaciones creador-criatura, Dren vive la soledad del monstruo y buscará amar al propio creador. Desde su propio nombre ella es el reverso simétrico de sus creadores (Dren, leído al revés nos da la palabra nerd, y Elsa y Clive lo son), por tanto es lo contrario del conocimiento, esto es, ella es la fuerza de la naturaleza, por eso resume en sí los dos principios, el bien y el mal. Así, bajo su forma femenina las alas la aproximan icónográficamente a los ángeles, pero cuando su metamorfosis la lleve a convertirse en un ser masculino su belleza se eclipsa y esas alas, entonces, se convierten en un eco de la imaginería  con la que los humanos representan al demonio. Resume pues los dos polos antagónicos asociándolo a lo femenino (la ternura) y a lo masculino (la agresividad), como fémina hará el amor con Clive, quien hasta entonces ha hecho las veces de padre (relación incestuosa, pues) y como macho violará a Elsa que es en verdad su madre biológica. Este es uno de los elementos que diferencian a Splice de otras películas de mad doctors, supone una vuelta de tuerca de lo que había planteado Mary Shelley, lo natural y lo científico pueden vivir un idilio pero también una relación de antagonismo extremo en la que se impondrá  el poder de la naturaleza: el hombre no puede dominar plenamente lo natural, por eso si sigue agrediendo el equilibrio ecológico del planeta se verá abocado a su propia destrucción.

Natali denuncia lo que de negativo tiene la ciencia, no sólo por su afán de transgresión, sino especialmente por su dimensión de hipocresía cuando se convierte en aliada de la industria y antepone los intereses económicos a los éticos. Es portavoz de la sospecha de que no todo avance sale a luz pública y, por tanto, no queda sometido a la revisión de sus límites pudiendo poner en riesgo a los propios humanos. El mensaje de la cinta acaba teñido de pesimismo, el principio destructor es insoslayable por mucho que los humanos ansíen únicamente crear.


Ganadores de los premios Scifiworld 2012

Y los ganadores de los premios Scifiworld de Fantasía, Terror y Ciencia Ficción son…

Mejor Película de Género Fantástico: EVA

Mejor Director de Género Fantástico: JAUME BALAGUERÓ

Mejor Actor de Género Fantástico: LUIS TOSAR

Mejor Actriz de Género Fantástico: ELENA ANAYA

Mejor Guionista de Género Fantástico: ALBERTO MARINI

Mejores FX: EVA

Mejor Edición en DVD o Blu Ray: HARRY POTTER (PACK SAGA)

Mejor Film Independiente o Documental: DIAMOND FLASH

Mejor Libro o Novela de Ficción: NOCHES DE SAL DE DAVID MATEO

Mejor Libro de Ensayo: TEORÍA DE LA LITERATURA DE CIENCIA FICCIÓN DE FERNANDO A. MORENO.

Mejor Relato Corto: EL BOSQUE DE VICENTE HERNANDIZ

Mejor Ilustración: ALBERTO COLUCCI POR LOS CAMINANTES

Mejor Cómic: LOS MUERTOS REVIVIENTES DE JOSÉ FONOLLOSA

Mejor Dibujante o Guionista: PACO ROCA

Mejor Blog: URULOKI

Mejor Fanzine: MINATURA

Mejor Evento o Actividad Fan: LA GUARIDA DEL SITH (PODCAST)

Felicidades a todos y a la organización por tan interesante propuesta.
Categorías:Z CAJÓN DESASTRE

El Buque Maldito proyectará La semana del asesino de Eloy de la Iglesia.

Gracias a El Buque Maldito tenemos ocasión de ver otro de los grandes films de terror español, velada que contará además con la  presencia de una de sus protagonistas, Emma Cohen, participante además de otras películas capitales del Fantaterror como El espanto surge de la tumba (1973, Carlos Aured), El extraño amor de los vampiros (1977, León Klimovsky) o El techo de cristal (1971, Eloy de la Iglesia).

La semana del asesino (1973) es sin duda uno de los films más incómodos del cine español y de los más castigados por la censura, que le propinó 62 cortes e impuso al director un final que tuvo que rodar a posteriori. Eloy de la Iglesia hizo una película incómoda, que destila suciedad por todos lados, pero en la que consigue que sintamos cierta simpatía por Marcos, su protagonista, un acertado Vicente Parra que va de mal en peor tal y como le ocurre al protagonista de Detour (1945, Edgar G. Ulmer). Lo que comienza de una forma accidental  se va tornando en inevitable huida hacia adelante en la que los únicos pasajes de calma son los compartidos con su vecino Néstor (Eusebio Poncela), momento en el que De la Iglesia aprovecha para reivindicar su condición gay combativa, segmentos que fueron cruelmente estirpados por la censura, que sí permitió muertes de lo más gráficas, con un hedor que parece salir de la pantalla y una sensación de asfixia que queda reflejada en el sudor que continuamente exuda el personaje interpretado por Vicente Parra.

Del film se conocen dos versiones: la inglesa (Cannibal Man)  y la estrenada en el mercado español, que muestra abiertamente las escenas en el matadero donde trabaja Marcos y que fueron, precisamente, las que molestaron fuera de nuestras fronteras, por lo que fueron aligeradas en la versión  inglesa, aunque no lo fueron las escenas de intimidad de la pareja protagista, Marcos y Paula (Emma Cohen) que son más prolongadas, así como la relación entre los dos vecinos, Marcos y Néstor.

De una forma u otra, La semana del asesino sigue siendo una magnífica película que todavía espera una edición definitiva a pesar de que tal y como dijo el propio director, se trata de una labor casi imposible.

LA PRIMERA BODA ZOMBIE DE NUESTRAS VIDAS!!

Pues sí, los zombies de Barcelona se van de boda el próximo miércoles día 28 coincidiendo con la premier de Rec 3. Y sortean entradas para ser los primeros en ver la última de Paco Plaza si os animáis a participar, por supuesto disfrazados de zombies. La misma organización nos lo cuenta así:

Nos vamos de Boda!!!
LA PRIMERA BODA ZOMBIE DE NUESTRAS VIDAS!! ...
No podemos faltar…nunca se rechaza una invitación … y menos cuando todos los asistentes son caminantes…sería un feo muy feo…

Aprovechando el estreno de REC 3 GÉNESIS, Filmax nos invita a montar una ZombieWalk por todo lo alto! …

PLANNING:
Tendremos abierta nuestra FABRICA DE ZOMBIES A PARTIR DE LAS 17.00 donde zombificaremos como siempre a todo el que quiera.
Una vez maquillados, en metro hacia PLAZA ESPANYA donde a las 20.30 empezaremos la ZombieWalk hasta llegar a GRAN VÍA 2.

1 /TODO EL QUE VAYA ZOMBIFICADO RECIBIRÁ UN REGALITO .
Si vas de gala para la boda … TU REGALO SERÁ MÁS ESPECIAL…
Y si vas DE NOVIA o DE NOVIO …ALGO MUY MUY ESPECIAL!!…así que…SACAD DEL ARMARIO LA ROPA DE VUESTRA BODA Y USADLA UNA VEZ MÁS!!!…

Estamos pendientes de saber cuantas entradas para el pre-estreno habrá, pero será IMPRESCINDIBLE el maquillaje. Tendremos prensa y TV para cubrir el evento…así que , a currarse los disfraces!!!…

DÍA: 28 DE MARZO
HORARIOS:
17.00 FÁBRICA DE ZOMBIES EN AIRBAR POBLENOU / PECATA MINUTA.
20.00 PLAZA ESPANYA…PUNTO INICIO ZOMBIEWALK.
22.00 GRAN VÍA 2…PRE-ESTRENO REC 3 GÉNESIS.

No podéis faltar!!!!

Categorías:Z CAJÓN DESASTRE

EL COLUMPIO NEGRO. Una novela de ciencia ficción y suspense

Después del ensayo Monstruos eléctricos dedicado a los grandes clásicos de la Universal, Luis Rueda se adentra por los senderos de la literatura de ficción con la novela de la que os traemos noticia: EL COLUMPIO NEGRO, una novela de ciencia ficción y suspense. El autor  ejerce como crítico cinematográfico y guionista. Es creador de Judex, revista online dedicada al cine fantástico.  Ha colaborado como crítico de cine y articulista cultural en diversos medios de comunicación.

Luis Ruida presentando Monstruos Eléctricos en el último Sitges

El columpio negro procura un retrato de una China distópica que ha cambiado su fisonomía a causa de los flujos migratorios provenientes de Estados Unidos y de Europa, pero que también ha sufrido radicales cambios tecnológicos, éticos y sociales auspiciados por corporaciones como Endurance. ACRAN, la ciudad sin techo, es el máximo exponente de una sociedad en que los sintéticos se utilizan como mano de obra gratuita, los humanos están abocados al consumismo y cuerpos de élite como La Guardia de Quianmen garantizan una convivencia gestionada con herramientas del futuro y convicciones procedentes de una tradición milenaria. Katsina Hogwood, la muñeca de compañía Ah-Sung o la cazadora de sintéticos Arizona Risso son algunos de los personajes femeninos claves a través de los cuales el autor formula un thriller trepidante en el que nadie es quien dice o parece ser y en el que el horólogo Wu Xiang, el científico más buscado de Asia, es la piedra angular sobre la que gira todo el mecanismo del relato.

Inspirada en la tradición literaria pulp y en un buen puñado de clásicos de la ciencia ficción cinematográfica, a los que homenajea sin rubor, la novela apuesta por el entretenimiento y la acción, aunque también se permite abordar temas relacionados con la ética científica y conjeturar con el espacio-tiempo a diferentes niveles narrativos.

¿Vais a resistiros a leer una novela que se presenta con tan buenos mimbres? Pues ya estáis adquiriéndola aquí. No os defraudará.

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