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Archive for 27 enero 2017

VAMOS DE ESTRENO * Viernes 27 de enero de 2017 *

BALLERINA (Eric Summer y Éric Warin, 2016)

Francia/Canadá. Duración: 89 min. Guión: Éric Summer, Carol Noble, Laurent Zeitoun Música: Bruno Coulais Fotografía: Jericca Cleland Productora: Caramel Film / Quad Productions / Main Journey Género: Musical de animación.

fckSinopsis: Francia, 1879. Felicia es una chica huérfana con gran determinación y un único sueño, convertirse en bailarina. Para ello contará con la ayuda de su amigo Víctor, un joven inventor junto al que se fugará del orfanato y compartirá muchas y divertidas aventuras en la mágica París.

Magnífica cinta de animación que recuerda las mejores producciones Disney y que a los habituales mensajes positivos de este tipo de cintas (la recompensa por el esfuerzo, luchar por los sueños…) añade una muy eficaz animación, imprescindible para reproducir los momentos de danza con naturalidad y elegancia, consiguiendo que para nada resulten falsos o acartonados.

Ballerina es la primera incursión de la productora Quad en el mundo de las películas de animación y han trabajado con L’Atelier Animation y Theodore Ty  y su equipo, responsables de grandes éxitos como  Madagascar, Kung Fu Panda y Mulan. Coproducción entre Francia y Canadá de 32 millones de dólares de presupuesto,  llega a los cines en versión 2D y 3D. La película cuenta en su versión original con las voces de Elle Fanning (The Neon Demon), Dane Deehan, la bailarina Maddie Ziegler y la cantante Carly Rae Jepsen, y las coreografías son de Aurelie Dupont y Jeremie Belingard, embajadores mundiales de la Ópera de París. La música original es de Klaus Badelt y su banda sonora ha contado con Sia que interpreta la canción “Suitcase” y Carly Rae Jepsen que canta “Cut to the Feeling” y “Runaways”.

Un buen plantel de simpáticos personajes pueblan este excelente musical que contiene el humor preciso para no convertirlo en una cinta exclusivamente para niños. Todo ello conjuntado da como resultado una historia lo suficientemente atractiva como para olvidarse del mundo durante su hora y media de duración y salir, además, encantado del cine.

SOMNIA. DENTRO DE TUS SUEÑOS (Before I Wake, Mike Flanagan, 2016

USA Duración: 97 min. Guión: Mike Flanagan, Jeff Howard Música: Danny Elfman, The Newton Brothers Fotografía: Michael Fimognari Productora:Intrepid Pictures / Demarest Films / MICA Entertainment Género: Fantástico

Reparto: Kate Bosworth, Thomas Jane, Jacob Tremblay, Annabeth Gish, Dash Mihok,Scottie Thompson, Jay Karnes, Kyla Deaver, Lance E. Nichols, Courtney Bell,Justin Gordon, Ginger McNamara

Sinopsis: Jessie (Kate Bosworth) y Mark (Thomas Jane) deciden adoptar a Cody (Jacob Tremblay), un niño al que le aterroriza dormir. Inicialmente creen que el origen de dicha fobia está en el traumático pasado del chico. Pero pronto se dan cuenta de la verdad: los sueños de Cody se proyectan en la realidad, y muchas veces lo que se materializa son horribles y letales pesadillas. Para salvar a su familia, Jessie y Mark deberán descubrir qué se encierra bajo los sueños del pequeño.

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A Contracorriente continúa su loable labor de estrenar en nuestras salas algunos de los mejores títulos que pudimos ver durante el último Festival de Sitges. Somnia nos propone un siempre inquietante viaje al mundo de los sueños, que son vistos como un diálogo con nosotros mismos y nuestras aflicciones. También es una película sobre la difícil resolución del duelo. A Jessie y Cody les une el haber tenido una pérdida importante en sus vidas. Pero también tienen en común las noches en blanco, Jessie producto del insomnio y  Cody de forma voluntaria, mediante estimulantes, porque teme que le visite el Canker y devore a sus seres queridos. Esta inquietante intriga sobrenatural está muy bien planteada y resuelta. No resulta difícil pensar en otras pesadillas materializadas, con el mismo Freddy en cabeza, pero también en el viejo cuento La pata del mono de W. W. Jacobs,  con esos padres que desean que, a toda costa, retorne su hijo fallecido. Flanagan resolverá esta intriga mediante un ingenioso clímax que explicará de donde vienen los terrores que atenazan al niño  interpretado por Jacob Tremblay que brilla de forma especial, al igual que lo hizo en La habitación (Room, Lenny Abrahamson, 2015), cinta con la que se dio a conocer . De nuevo realiza una magnífica actuación que vaticina que, si no se trunca su carrera, nos encontramos ante una nueva estrella. El tiempo dirá.

LAS PLANTAS (Roberto Doveries, 2015)

Chile Duración: 93 min. Guión: Roberto Doveris Música: Violeta Castillo, Ignacio Redard Fotografía: Patricio Alfaro Productora: Patra Spanou Film Marketing, Consulting Género: Drama

Reparto: Violeta Castillo, Mauro Vaca, Ernesto Meléndez, Ingrid Isensee, Juan Cano, Simón Mercado, Marcela de la Carrera

Sinopsis: Florencia (Violeta Castillo), una joven de 17 años, se tiene que hacer cargo de su hermano que está en estado vegetativo. Su madre (Ingrid Isensee), internada en un hospital, la ayuda con un dinero que apenas les alcanza para vivir. Fan de los cómics y el anime, descubre casualmente en un trastero un cómic antiguo llamado “Las Plantas”, que narra una invasión de espíritus vegetales con poderes para poseer cuerpos humanos. Prácticamente sola, con la “compañía” de su hermano, Florencia trata de calmar su desamparo explorando su sexualidad con desconocidos a través de Internet.

las-plantas-posterRoberto Doveris debuta con esta película y el reto que se ha marcado es muy loable, pero ciertamente arriesgado: ha rodado una cinta cuya exhibición será bastante limitada, entre otras cosas, por las explícitas imágenes de sexos masculinos. Y es que en pleno siglo XXI siguen existiendo ciertos temas tabú cuya exhibición esta vetada dentro del cine más o menos comercial. Las Plantas presenta la mirada heterosexual femenina, entendiendo el cuerpo masculino como objeto de deseo cuando la protagonista quiere saber y experimentar lo que es la sensualidad y el erotismo. Aquí es el hombre objeto de la mirada de la mujer, lo que no es habitual en la mayoría de la películas. Es una cinta incomoda, además, por la situación que nos narra, un callejón sin salida en el que la sordidez asoma en el hogar, con ese hermano en estado vegetal, y en esos arriesgados encuentros con desconocidos. El film, que causa polémica allí por donde proyecta, provocó incluso altercados en el Festival de cine de Skhalin en Rusia, cuando el publicó se escandalizó por esas escenas. Y es que Violeta Castillo, que interpreta el personaje protagonista, Florencia, invita a desconocidos a través de internet  y les pide que se masturben mientras ella, vestida, observa la situación. El tratamiento explícito de los encuentros bastaron para causar la indignación.

El filme, que en el Festival de cine de Berlín obtuvo el Premio del Jurado a la Mejor Película en la sección Generation 14+, y una Mención Especial del Jurado Joven, incluye animación gráfica sobre la imagen y música instrumental compuesta por la propia Violeta Castillo, protagonista y cantante argentina, que recibió el premio Epicentre del Festival de Cine Independiente de Buenos Aires.

Sin lugar a dudas una cinta arriesgada, pero cuya existencia y exhibición demuestra que todavía quedan espacios alternativos de libertad y creadores comprometidos con su trabajo, aunque signifique el veto o la invisibilidad.

BILLY LYNN (Billy Lynn’s Long Halftime Walk, Ang Lee, 2016)

USA/UK/China  Duración: 110 min. Guión: Simon Beaufoy, Jean-Christophe Castelli (Novela: Ben Fountain) Música: Jeff Danna, Mychael Danna Fotografía: John Toll  Productora: Sony Pictures / TriStar Pictures / Bona Film Group / Dune Films / Film4 / Ink Factory / The Marc Platt Productions / Studio 8 Género: Bélico

Reparto: Joe Alwyn, Steve Martin, Kristen Stewart, Garrett Hedlund, Vin Diesel, Chris Tucker, Beau Knapp, Ben Platt, Deirdre Lovejoy, Bo Mitchell, Bruce McKinnon,Randy Gonzalez, Christopher Matthew Cook, Ricky Muse, Ric Reitz

billy-lynnSinopsis: El joven soldado de 19 años Billy Lynn (Joe Alwyn) y su patrulla sobreviven a una batalla en Iraq en la que son grabados por las cámaras, unas imágenes que hacen que sean tratados como héroes. Tanto, que cuando regresan a casa se les organiza una gira promocional antes de volver a la guerra…

Billy Lynn, que adapta una novela de Ben Fountain, es una lúcida reflexión sobre el heroísmo, la guerra  y el sacrificio y una ácida crítica al american lifestyle. Ang Lee se valdrá de un rico conjunto de texturas visuales y conceptuales que se unirán ofreciendo un retrato opresivo de la situación desde la mirada del protagonista. La acción se desarrolla durante el día que los soldados serán expuestos durante el intermedio de la Super Bowl , pasando a ser tan solo un número más junto a Destiny’s  Child y  las Cheerleaders de turno. Un espectáculo mediático en el que la guerra será tan solo otra ocasión de sacar a lucir la bandera. Hasta el amor en el que se inicia le será ofrecido al héroe, al mito, y no al hombre. Ante tanta hipocresía, el  grupo de soldados tan solo se tendrán a ellos mismos para resguardarse de un mundo que ha pasado a ser absurdo, ridículo y en el que ellos, que han olvidado ya por lo que luchan, serán lo único digno, real.

Una película desasosegante que nos coloca ante el abismo de la crisis de valores de nuestra agotada sociedad. Sin duda uno de los mejores títulos que llegan a nuestras pantallas este fin de semana y, probablemente, una de las mejores películas del año.

VIVIR DE NOCHE (Live By Night, Ben Affleck, 2016)

USA Duración: 129 min. Guión: Ben Affleck (Novela: Dennis Lehane) Música: Harry Gregson-Williams Fotografía: Robert Richardson Productora: Warner Bros. / Appian Way / Pearl Street Films Género: Thriller

Reparto: Ben Affleck, Sienna Miller, Zoe Saldana, Elle Fanning, Chris Cooper, Brendan Gleeson, Remo Girone, Robert Glenister, Matthew Maher, Chris Messina, Miguel J. Pimentel, Anthony Michael Hall, Titus Welliver, Chris Sullivan, Max Casella, Kristen Annese, Larry Eudene, Derek Mears

272846-jpg-r_1280_720-f_jpg-q_x-xxyxxSinopsis: Lo que siembras, recoges. Pero nunca recoges lo que imaginas. Aceptar consejos paternales no va con Joe Coughlin (Ben Affleck). De hecho, este veterano de la Primera Guerra Mundial es un autoproclamado delincuente antisistema, a pesar de ser hijo del superintendente adjunto de la policía de Boston. No obstante, Joe no es completamente malo; ni siquiera es lo suficientemente malo para la vida que ha elegido. A diferencia de los mafiosos con los que se niega a trabajar, él tiene cierto sentido de la justicia y un corazón amable, y ambas cosas le juegan malas pasadas que le hacen vulnerable una y otra vez, tanto en los negocios como en el amor. Joe, decidido a enmendar los errores cometidos contra sí mismo y contra los suyos, se adentra en un peligroso camino que va contra su educación y su propio código ético. Él y su osado equipo dejan atrás el frío invierno de Boston para acudir a la calurosa ciudad de Tampa. Allí Joe aprenderá que la venganza, aunque pueda resultar más dulce que la melaza con la que se produce el ron ilegal que vende, siempre tiene un precio.

Para su cuarta película Ben Affleck ha vuelto a recurrir a Dennis Lehane de quien también adaptó una novela en Adiós pequeña, adiós (Gone Baby Gone, 2007) y sigue demostrando muy buen pulso en la dirección, en especial para las escenas de acción, pero no tanto para las dramáticas en esta, su película posiblemente más floja. Y es una lástima, pues el guión resulta interesante y el desarrollo, con una magnífica puesta en escena, llega a capturar e incluso, en algún momento, entusiasmar, pero el trasfondo que nos quiere trasmitir queda desdibujado y por eso aún queda más postizo ese final múltiple que nos quiere demostrar, a puñetazos, la total redención del personaje protagonista. Junto a Affleck (interpretando un papel que se ofreció también a Leonardo DiCaprio), y que prosigue con el rictus severo que se le quedó tras encarnar al caballero oscuro, podemos ver a un sobresaliente Chris Messina; un, como es habitual, magnífico Brendan Gleeson; una correctísima Zoe Saldana y a Elle Fanning en un pequeño pero agradecido papel.

 LION (Garth Davis, 2016)

Australia/UK/USA. Duración: 120 min. Guión: Luke Davies (Novela: Saroo Brierley) Música: Volker Bertelmann, Dustin O’Halloran Fotografía: Greig Fraser Productora: See-Saw Films / Screen Australia / Sunstar Entertainment / Weinstein Company Género: Drama

Reparto: Dev Patel, Sunny Pawar, Nicole Kidman, Rooney Mara, David Wenham,Nawazuddin Siddiqui, Tannishtha Chatterjee, Deepti Naval, Priyanka Bose, Divian Ladwa
Sinopsis: El pequeño Saroo (Dev Patel), de cinco años, se pierde en un tren en el que recorrerá miles de kilómetros por la India, lejos de su casa y de su familia. Saroo tendrá que aprender a vivir solo en Calcuta, antes de que una pareja australiana lo adopte. Veinticinco años después, y contando tan sólo con sus recuerdos, una determinación inquebrantable y las posibilidades que le proporciona la herramienta de búsqueda Google Earth, comenzará a buscar a su familia perdida, para reencontrarse con ellos.

002_pPremios:

2016: Globos de Oro: 4 nominaciones, incluyendo Mejor película drama
2016: Premios BAFTA: 5 nom., inc. Mejor actor sec. (Patel) y Actriz sec. (Kidman)
2016: Festival de Toronto: 1ª finalista Mejor película
2016: Critics Choice Awards: 6 nominaciones, incluyendo Película y Actor sec. (Patel)
2016: Satellite Awards: 5 nominaciones, incluyendo Película y Guión adaptado
2016: Sindicato de Directores (DGA): Nominado a Mejor Director y Nuevo director
2016: Sindicato de Actores (SAG): Nominada actor sec. (Patel) y actriz sec. (Kidman
Tras su aclamado paso por Toronto, y cuatro nominaciones a los Globos de Oro, entre ellas a Mejor película, esta cinta de The Weinstein Company llega a nuestras pantallas. Basada en una  historia real, que se cuenta en el libro “Un largo camino a casa” (Ediciones Península), está dirigida por el nominado Garth Davis (Top of the Lake),  guionizada por Luke Davies (Candy, Life) y  protagonizada por Dev Patel (Slumdog Millionaire, El exótico hotel Marigold) junto a la la ganadora de un Oscar Nicole Kidman (Paddington, Las Horas), la nominada al Oscar Rooney Mara (Millenium: los hombres que no amaban a las mujeres) y David Wenham (Top of the Lake, 300).

Tras visionar un extenso tráiler que destripa el contenido casi íntegro de la película, nos esperábamos una historia mucho más lacrimógena y cercana a la pornografía sentimental que la que finalmente nos ofrece Lion. Correcta, interesante y bellamente rodada, sobre todo en su primera parte, que se desarrolla durante la niñez del protagonista en la India. Nos retrata este país como un lugar muy alejado de ese paraíso de espiritualidad que nos venden las modernas pseudo religiones New Age, mostrando en toda su cruel y mísera realidad algunos sórdidos episodios. Pero la acción decae en la segunda parte, en el hogar adoptivo del joven en Australia, desbordándose definitivamente en ese emotivo final.  La película cuenta con valiosas actuaciones, como la de Nicole Kidman como la madre adoptiva del joven Saroo, cuya encarnación infantíl, Sunny Pawar, realiza un sobresaliente trabajo.

 EL ÚLTIMO REY (Birkebeinerne, Nils Gaup, 2016)

Noruega Duración: 95 min. Guión: Ravn Lanesskog Fotografía: Peter Mokrosinski Productora: Paradox Film 3 Género: Aventuras

Reparto: Kristofer Hivju, Jakob Oftebro, Nikolaj Lie Kaas, Thorbjørn Harr, Pål Sverre Hagen,Benjamin Helstad, Stig Henrik Hoff, Anders Dahlberg, Thea Sofie Loch Naess, Ane Ulimoen Øverli, Adam Nemet, Torkel Dommersnes Soldal, Elg Elgesem

Sinopsis: Año 1206. Noruega ha sido devastada por una cruenta guerra civil. Mientras el Rey agoniza en su lecho de muerte, una nueva vida llega en el más absoluto de los secretos. Se trata del nacimiento de su hijo, Håkon, amenzado de muerte desde su primer suspiro de vida por los enemigos de su padre. Estos han puesto precio a la cabeza del bebé y un ejército se dispone a capturarlo. Pero no cuentan con que dos fieles soldados del rey, Skjervald y Torstein, estarán dispuestos a sacrificarlo todo para salvar a Håkon Håkonsen y convertirlo en el rey de Noruega.
“El Último Rey” es la historia de su huida, una extraordinaria aventura que puede cambiar la historia de Noruega para siempre.

El Último Rey se situó en el Top Ten de estrenos de mayor recaudación en 2016 en Noruega, con un Box Office de más de 3,5 millones de euros, superando a grandes estrenos norteamericanos como “Mascotas“, “El renacido” o “Jason Bourne“.

La película se basa en hechos reales acaecidos antes del reinado de Håkon Håkonsen, que se prolongó del 1217 hasta 1263 y que sirvió para poner fin al período de las Guerras Civiles que asolaban al país desde 1130. Su reinado se caracterizó por la paz y la consolidación de la monarquía. Pero El último rey no es sólo una película de recreación histórica, casi podría decirse que su remembranza es una excusa para adentrarse en el género de aventuras. Así la cinta de Nils Gaup nos ofrece un relato fiel a los estilemas de los cuentos tradicionales, con un héroe que se redime en el propio cumplimiento de su misión, tras ese episodio en el que la debilidad le hace traicionar a los suyos (la caída del héroe que habrá de purgar su falta). Entre paisajes nevados bellamente filmados, se nos sirve una aventura clásica muy disfrutable que cumple con creces su voluntad de entretener.

 

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‘Criando ratas’ un descenso al cine quinqui

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criando-ratas_-cartel-1Criando ratas es, sin lugar a dudas, una obra que merece respeto. Realizada con escasos medios, pero mucho tesón y trabajo y construida, a pesar de los problemas e inconvenientes que hubo durante el rodaje,  con pasión y buenos resultados, retrata a la perfección la sordidez de los barrios marginales de extrarradio, sus sonidos, su textura, sus protagonistas. Y todo desde dentro. Mojándose. Contando con una plantilla de actores extraídos de las calles, como antaño hacían Eloy de la Iglesia o José Antonio de la Loma y una vez en su salsa, introduciendo los ingredientes principales con los que contará la trama de Criando ratas: Droga, prostitución, violencia y pobreza en un barrio marginal que es como todos los barrios marginales: una bomba de relojería que apesta a realidad. A verdad.

Y a pesar de la falta de medios técnicos y humanos o de la participación de actores no profesionales, Criando ratas no es un trabajo amateur. Muy al contrario, mérito y muy grande es el de su artífice absoluto, Carlos Salado, pues muy claro hay que tener lo que se quiere hacer y cómo para conseguir los resultados artísticos que ha obtenido. Filmada de forma aparentemente descuidada, cercana a veces al documental tipo ‘Callejeros’, no se engañen, mirando más allá de la falta de medios puede apreciarse el cuidado con el que ha sido rodada y el gran trabajo de Salado para extraer los magníficos resultados que ha logrado de sus actores naturales, alguno de los cuales realiza un trabajo totalmente meritorio, desde su protagonista, Ramón Guerrero, pasando por los críos, tristemente maduros para su edad, y sin olvidar el memorable personaje de Mauri, que de manera tan veraz interpreta Mauricio  Manzano.  Un variopinto grupo de personajes que tienen en común llevar la ruina a cuestas.

Finalmente, a los medios humanos y de guión, hay que sumar un magnífico montaje y un eficaz acompañamiento musical que dan a la película ese crescendo/descenso tan bien marcado, tan intenso, que hace de Criando ratas una película muy entretenida y emocionante, tanto que no hemos dudado en ponernos en contacto con su responsable, Carlos Salado, para hablar de la gestación de este proyecto y de todo lo que rodeó al rodaje de esta auténtica epopeya de seis años de realización. Así que dejemos que sea él mismo quien lo cuente agradeciendo su tiempo y su gran amabilidad.

CARLOS SALADO: CRIANDO RATAS

Licenciado en Comunicación Audiovisual y tras dirigir seis cortometrajes y un mediometraje, Pecadores, se sumerge de lleno en Criando ratas, un proyecto que le llevará cuatro años rodar y para el que se recorrerá los barrios marginales de Alicante buscando a gente y lugares que den a su historia el verismo que quiere.  Compositor y director de publicidad, entre sus últimos trabajos destaca la publicidad social del Club Atlético de Madrid o de entidades como Ayuda En Acción, ONCE, Mensajeros de la paz, ONU, FEAPS Madrid y FIAPAS. Actualmente, ha ganado con el proyecto “Somos sus mayores fans” el premio a la “Mejor Campaña Social” en los premios ALCE y el premio a la “Mejor Campaña Social Interactiva” en el Publifestival 2015.

Estudié cine, la licenciatura de Comunicación Audiovisual, y durante todos esos años era gran consumidor de cine, casi todo de autor, independiente. Ese cine que aboga por las historias reales, por las historias íntimas. Y dentro de todo ese cine estaba el cine quinqui, que yo adoraba. Lo empecé a consumir muchísimo, empecé a comprar todas las películas de Eloy de la Iglesia, José Antonio de la Loma, Carlos Saura … al final mi estantería estaba llena de cine quinqui, y veía que después de 30 años no había en el cine español una película que reflejara de manera realista el mundo de la calle como lo hicieron antaño, en los ochenta, así que durante todos los años de carrera soñaba con hacer algún día una película quinqui.

Alicante 05/06/2013 Carlos Salada, director de la película "Criando Ratas" Foto Juan Carlos Soler archdc

Carlos Salado, director de  “Criando Ratas” (Foto Juan Carlos Soler)

Lo que me atrae de este género es mostrar una realidad de manera tan realista y tan veraz. Yo como cineasta cuando veo una película y no me la creo me siento estafado. Entonces para mí el objetivo primordial, aunque falle la iluminación, o el sonido se escuche mal, es que el  resultado sea realista. Un documento social que invite a la reflexión. Yo creo que el cine quinqui, sobre todo el de Eloy, invitaba muchísimo a la reflexión, al debate. Establecía líneas de discusión. Mi gran deseo como artista es trascender, conmover al espectador, que no sea algo banal, que no sea simplemente entretenimiento, que haga sentir. Y yo creo que el cine quinqui eso lo ha hecho siempre muy bien. España ha cambiado, los barrios periféricos ya no están tan alejados del casco urbano, el argot ha cambiado,  pero la delincuencia sigue existiendo en las calles. El menudeo sigue existiendo. El quinqui está en la calle.

Había dirigido cinco o seis cortos de temática de delincuencia,  tenía 23 añitos, poca experiencia pero un entusiasmo muy grande. Intenté probar con los cortos el estilo que luego descubrí en ‘Criando ratas’. Se podría decir que eran casi pruebas de cámara.  Así que en cuanto salí de la carrera tenía claro que quería hacer una película de género  quinqui. Y en cuanto tuve las herramientas y los conocimientos necesarios me puse a ello. Contacté con un productor que creía en mí y creía en la idea, cogí a un chaval en la cámara y otro en el sonido. Éramos cuatro técnicos para filmar una película.

el-equipo-foto-2Lo rodé en muchos barrios de Alicante. Fui a buscar esa estética callejera o marginal  por todo Alicante, está rodada desde Colonia Requena o Las 1000 viviendas al barrio José Antonio. Yo creo que Alicante, a diferencia de otras ciudades, es muy pequeña, no es como una gran metrópoli, como Barcelona, donde los barrios quedan más lejos. En Alicante yo creo que cualquier chaval que haya salido a la calle con quince años sabe lo que hay, solo hay que abrir los ojos, lo que pasa es que hay mucha gente que no quiere verlo, pero es una realidad que está ahí.

Con la gente del barrio nunca tuve problemas. Noté una predisposición total y absoluta. Con los actores e incluso con los vecinos. Desde prepararnos  bocadillos hasta hacernos la cena la madre de un actor. Y los actores una predisposición total en el sentido de que había mucho potencial en la calle. Había talento. Y muchos de ellos no lo sabían, es decir, en ‘Criando Ratas’ el 95% de la plantilla son gente de la calle. La premisa básica era ser de la calle, conocer el mundo del menudeo, de la droga de cerca, pero  eso no quita para que tuvieran talento. El proceso de selección fue muy duro y muy largo, seleccionando a esa persona que tuviera magia y que supiera interpretar de manera innata y natural.  Y poco a poco ellos,  pues imagínate, después de cada rodaje viéndose en la pantalla, intentando mejorar, intentando trabajar en su motivación, la dinámica de grupo. Siempre hemos notado mucha predisposición.

Yo siempre he pensado que el talento está en todas partes y en esas capas sociales está en abundancia lo que pasa es que hay que dar oportunidades, es decir, hay muchos chavales allí que les escuchas tocar la guitarra y es maravilloso y no han recibido una clase en su vida. O los ves dibujar… el talento está en todas partes y fue terapéutico en ese sentido. Descubrir una pasión, una motivación, desatar un potencial, ver como cada día se sacrificaban para hacerlo cada vez mejor. Fue un trabajo muy enriquecedor para ellos, muy positivo. 

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Al actor protagonista, Ramón Guerrero, lo conozco desde los trece años y es un chaval en el que yo siempre he confiado, que le veo carisma, un talento innato. Cuando camina por la calle o habla,  la gente lo escucha,  y eso lo ha tenido desde pequeño, eso no se enseña en ninguna universidad, lo tienes o no lo tienes, y creo que Ramón lo tiene. Por desgracia a Ramón lo encarcelaron un año, y aunque no se paralizó el rodaje, se cambió el guión, se hizo una película más coral. Se siguieron rodando las secuencias donde él no salía y yo, mientras, durante todo el año, todos los domingos iba al Centro Penitenciario de Fontcalent, en Alicante, a motivarle y a esperarle, pues no concebía ‘Criando ratas’ con otro protagonistas más que con Ramón Guerrero. Creo que es la cara visible de ‘Criando ratas’ y no concibo la película sin él, así que estuve allí todos los domingos estudiando el guión, preparando el personaje, soñando con el día que saliera. Y en el primer permiso carcelario se rodó la película y en el segundo se terminó. Terminamos la película en los permisos carcelarios.

Solo las chicas que interpretaban a las prostitutas y los que encarnaban a los dos policías eran actores profesionales.

Con la película en total hemos estado seis años. La empecé con 24 y tengo 30. Rodar, parar de rodar, volver a rodar… claro, al final los tiempos se dilatan mucho en una producción tan independiente. El cine convencional en dos meses se ha rodado, aquí no, aquí para preparar una secuencia la preproducción se alarga muchísimo y con eso todo. La música por ejemplo, que yo he compuesto, en una producción convencional tienes un departamento con siete personas, aquí yo he tenido que componer, grabar, orquestar, mezclar, producir, masterizar… absolutamente todo, y el proceso se alarga. Además, cualquier día de rodaje en ‘Criando ratas’ era un ir y venir de barreras, de obstáculos, de piedras en el camino, era muy complicado. Tanto el productor como yo llevamos cuatro años trabajando en publicidad. Hacemos campañas sociales para la ONU, Mensajeros para la paz, Ayuda en acción, ONCE, Atlético de Madrid… para un anuncio trabajamos con treinta personas, con Steadycams y cámaras de 50 mil euros. Es muy sencillos a día de hoy conseguir material, si quieres algo lo alquilas, pero en aquel entonces no, había que tener mucha cara dura para conseguir un bar donde rodar, o llamar al primo, o al hermano, o a un familiar para que conseguir cuatro coches de gama alta.  Imagínate, la producción de una película así son inconvenientes, aventuras y desventuras constantemente.

sinopsis-foto-2En ‘Criando ratas’ me ha influido todo el cine que he consumido. Como el cine Dogma, el Neorrealismo italiano, el Cinema Verité de los cincuenta o la Nouvelle Vague. De estilo mi película se empapa mucho de aquello, de intentar renegar de todo artificio para ver un tipo de cine en el que parezca que no hayan ni cámaras, que tú estés ahí dentro con ellos. Parece una docuficción, nada de lo que aparece está pasando pero parece que así sea. La cámara al hombro, no iluminar, no retocar el sonido, abogar por la improvisación en diálogos, creo que al final hay un decálogo  de cosas que se han repetido en la historia del cine y que ‘Criando Ratas’ vuelve ha renovar.  Ese cine independiente, al margen de la industria, ese cine anticonvencional, que se rodaba antaño con cámaras de 16 mm. , pues ahora tenemos cámaras digitales que nos dan otro tipo de fotografía, pero al final es coger ese estilo hiperrealista y convertir nuestra mierda en abono. Si no había más dinero para iluminar, pues mejor todavía, porque el estilo es más palpable. No hay dinero para conseguir tres micrófonos, da igual, mejor que se oiga así porque es más creíble todavía. Yo creo que ese  estilo tan carente de medios lo hace más valioso todavía.  

Lo más importante para mi también era no mojarme, no posicionarme. Por ejemplo, Eloy de la Iglesia se posicionaba, daba lecciones de moral y de ética y yo, sin embargo, he intentado no hacerlo, aunque creo que es tan lícito posicionarse como no hacerlo, la delincuencia es un mundo demasiado complejo como para opinar yo. Entonces he intentado ser más imparcial, he mostrado todo aquel mundo, lo he reflejado, y que ahora los políticos, los trabajadores sociales, los padres o los educadores se encarguen de buscar soluciones o culpables. Pero esa no es mi misión, mi misión era mostrarlo de una manera auténtica y generar esa línea de debate para que la gente hable y busque soluciones.

cine-quinquiDesde el primer día que se empezó a rodar teníamos nuestro plan de comunicación más que pensado y sabíamos lo que queríamos, hacia donde íbamos. Creo que al final hay muchos proyectos, películas y formatos distintos. Hay algunos que deben ir a salas de cine; hay otros que deben ir a festivales; otros que tienen que hacer taquilla y otros, como ‘Criando ratas’, son formatos para difundir online. Creo que en ese formato hay muchas oportunidades hoy en día, por ejemplo, lo que hizo ‘Malviviendo’ (1), o lo que ha hecho la película ‘Human’ (2), o lo que hacen muchos artistas jóvenes que ponen sus discos o videoclips por Youtube, creo que  hay que aprovecharlo. Que a día de hoy tengamos en una semana 150 mil visitas y nos escriba gente de toda España e incluso Latinoamérica… Es maravilloso que pueda llevarse a cabo. Producciones pequeñas que tienen una difusión tremenda sin invertir dinero.

Los medios la verdad es que están respondiendo muy bien. Están apoyando y creyendo en la valía de unos chavales que se comprometieron con un proyecto y emprendieron su aventura. Hemos salido en El Mundo, El País, El Español, Onda Cero, SER, COPE, en breve en TVE… la acogida de los medios ha sido muy grata, la verdad.

Estamos pensando en la segunda película. Estamos barajando varios guiones y buscando financiación con varias productoras a ver por qué guión  y por qué modelo nos decantamos ahora. Pero vamos a seguir haciendo cine, por supuesto, y después de la segunda película esperamos que venga la tercera. Al final como artista lo que quiero es seguir haciendo obras y si puede ser, cada vez con más presupuesto y en mejores condiciones, eso si, siempre respetando la autoría y luego intentando crear vanguardia o innovar o transgredir. Yo creo que ese es el objetivo final de cualquier cineasta o cualquier artista. Con más o menos presupuesto, el fin debe ser ese.

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(1) Malviviendo es una serie web producida por Diffferent dirigida por David Sainz. Fue estrenada el 24 de noviembre de 2008 y su éxito ha ido creciendo exponencialmente, llevándose muy buenas críticas por parte del público. Lleva tres temporadas con un total de 30 capítulos emitidos.
(2) Película documental de Yann Arthus-Bertrand que se estrenó en Francia en septiembre 2015 y desde entonces ha estado para ser visionada de forma libre en internet. En España, algunos cines de arte y ensayo han iniciado proyecciones públicas a mediados de agosto 2016. De todas maneras, lo importante es que el film está disponible en internet para ser visionado por cualquier persona.

Sinopsis: “El cristo”, conocido delincuente juvenil, tiene una deuda con uno los narcotraficantes más poderosos de su barrio. Bajo los efectos del consumo de sustancias estupefacientes e inmerso en un estado de desesperación, lleva a cabo todo tipo de actos delictivos para conseguir el dinero. Poco a poco, irá cometiendo errores que le harán ganarse muchos enemigos.  Paralelamente, la película muestra las aventuras y desventuras de tres chavales que están comenzando su carrera delictiva. Juntos sufrirán las consecuencias de su estilo de vida y comprenderán cuál es el precio a pagar.

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portada-el-buque-maldito-26Ya está a la venta el nuevo número del fanzine El Buque Maldito con gran parte de su contenido centrado en las crónicas de los certámenes Cryptshow Festival 2016, SITGES – 49º Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya y XXVII Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián.

 El reportaje del SITGES 2016 viene acompañado de las entrevistas a Rob Zombie & Sheri Moon (31The Lords of Salem), Luigi Cozzi (Blood on Méliès MoonContaminación: Alien invade la Tierra), A.D. Calvo (Sweet, sweet lonely girl), Jeremy Gillespie & Steven Kostanski (The Void), Victor Dryere (1974), Emiliano Rocha (Tenemos la carne), Anna Biller (The Love WitchViva), Barbara Crampton (Beyond the GatesRe-Animator) y Terele Pávez (El día de la bestiaLas brujas de Zugarramurdi).

 Al margen de la actividad de festivales se incluye otros artículos como The Void, elogio del terror artesanal, situado en el film de Jeremy Gillespie & Steven Kostanski, y El renacimiento del terror mexicano. La nueva dimensión del horror cósmico, acerca de la nueva eclosión del fantástico confeccionado en México.

Este nuevo número será presentado el sábado 4 de marzo a las 11h. en la librería Librerío de la Plata ( Sant Jaume, 8, Sabadell) dentro del marco de la sexta edición del Festival de Cine de Terror de Sabadell,

 PVP: 3,50€ + gastos de envío. 38 páginas.

 Pedidos y más información: elbuquemaldito_zine@hotmail.com

TAMBIÉN DISPONIBLE: FREAKS  C/. Ali Bei, nº10, Barcelona. ARKHAM COMICS C/. Xuclà, nº16, Barcelona CINEMASCOPE C/. Torrent de l’olla, 101, Barcelona

Nutritivas novedades ‘Vial of Delicatessens’ para calentar este enero

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Vial of Delicatessens lanza el miércoles 25 de enero de 2017 cuatro títulos en DVD: un pequeño clásico del terror europeo y tres propuestas que nos acercan, cada una a su manera, al underground estatal.

DVD PRENSADO Y A LA VENTA EN GRANDES SUPERFICIES Y WEB:

el-lago-de-satan-frontal-cameoEL LAGO DE SATÁN (The She Beast, Michael Reeves, 1966)

Vardella, una fiera bruja ajusticiada por los aldeanos de Transilvania en el siglo XVIII, vuelve en la persona de una atractiva y recién casada chica inglesa, Veronica (Barbara Steele). Su marido Phillip (Ian Ogilvy) intentará combatir a las fuerzas del mal ayudado por el sabio profesor Von Helsing (John Karlsen), descendiente del hombre que mató al conde Drácula.

La primera película del recordado Michael Reeves (Los brujos) estaba protagonizada por la musa del terror del momento, Barbara Steele. En una época en que el terror europeo era eminentemente gótico, Reeves añadió erotismo, comedia y elementos de la serie B americana a esta historia de brujería y posesiones que goza hoy de culto entre los aficionados al fantástico europeo.

De rara belleza y cautivador erotísmo

Slant Magazine

La presente edición incluye el tráiler de la película y tráilers de otros títulos.

 

poughkeepsie-frontal-cameoNUNCA HE ESTADO EN POUGHKEEPSIE (Ángel Sala, 2013)

Nunca he estado en Poughkeepsie es un relato en tres actos sobre un acontecimiento pasado o futuro que afecta a la vida de Dick Tremaine. La imposibilidad de reencontrarse con la esquiva Sharon es el punto  de partida de esta narración sin  ataduras acerca  de una ruptura sentimental.

Plagada de referencias a los autores más importantes del cine contemporáneo, la primera película de Ángel Sala, realizada bajo el manifiesto #littlesecretfilm, es una inquietante e inclasificable incursión en los fantasmas de nuestro tiempo que se edita, además con abundante material extra, como imágenes del rodaje, una entrevista al director o la home movie de los años 30 “Franklin D. Roosevelt en Poughkeepsie”.

Ángel Sala en Inland Empire: La película circula por la vía Lynchiana

Fotogramas

 

 

DVD EN EDICIÓN LIMITADA DE 100 EJEMPLARES Y A LA VENTA EXCLUSIVAMENTE EN LA WEB:

difuminado-frontalDIFUMINADO (Pere Koniec, 2014)

Existe un abuelo con un pasado oscuro. Existe un viaje y un sobre con dinero. Existe la posibilidad  de ordenar unos recuerdos llenos de coches clásicos, mujeres bellas y excesos de juventud.

Difuminado es una película independiente dirigida por Pere Koniec, del que ya les hemos hablado largo y tendido en Proyecto Naschy. Rodada en blanco y negro sin diálogos, con una misteriosa trama y un extrañísimo reparto, fue presentada en el festival de Sitges de 2014. Koniec, tras  L de Lorena, muestra en Difuminado la fascinación del automóvil como obra de arte, imágenes de infancia que marcan la trayectoria erótica, y recuerdos de aquellos amigos que fueron cayendo en una juventud politoxicómana.

La presente edición incluye el mediometraje Policromía, también de Koniec e igualmente seleccionado en el festival de Sitges en 2010, tráilers, álbum de rodaje, presentación en Sitges y entrevista con el director.

Un intrincado laberinto de pasiones con el fetichismo automovilístico y la mitomanía comiquera y cinéfila como ingredientes principales de su fórmula secreta

Jordi Costa

daimon-frontalDAÏMÔN (Javier Perea) 

En algunas culturas y tradiciones ancestrales, se usa el término Daïmôn para referirse a diferentes realidades que comparten los rasgos fundamentales de  lo que se denominan ángeles y demonios

La película, al estilo Found Footage, nos cuenta cómo al finalizar el rodaje de un cortometraje, unos amigos se disponen a realizar un viaje a un lugar pintoresco en plena naturaleza. Las condiciones de los caminos por donde transitan hacen que tengan que pasar la noche en un lugar desconocido. Una cita de vídeo encontrada en el barro es la prueba de lo ocurrido.

El espectador será testigo de unos hechos absolutamente espeluznantes.

La presente edición se acompaña de abundante material extra: Tráiler, Making of, Videoclip de Nocturnia, Videoclip de Exkissitos.

http://vialofdelicatessens.blogspot.com

 

Categorías:DVD / BLU-RAY

Abierto el periodo de inscripción de la 43ª edición de FILMETS Badalona Film Festival

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El plazo de inscripción finalizará el 30 de mayo de 2017

Ya se ha abierto el periodo de inscripción de cortometrajes para la sección oficial de la 43ª edición de FILMETS Badalona Film Festival, que se celebrará del 20 al 29 de octubre de 2017.

Se pueden presentar al festival todos aquellos cortometrajes de hasta 30 minutos de duración, de cualquier género y que se hayan realizado después del 30 de mayo de 2015.

El plazo de inscripción finalizará el 30 de mayo de 2017.

Podéis consultar las bases de FILMETS Badalona Film Festival en la página siguiente:

http://www.festivalfilmets.cat/es/bases/

Para inscribir vuestra película AQUÍ

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El 35 Salón del Cómic de Barcelona presenta su edición más ambiciosa

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El 35 Salón Internacional del Cómic de Barcelona, que se celebrará del jueves 30 de marzo al domingo 2 de abril en Fira Barcelona Montjuïc, ha presentado hoy en la Escola Joso un avance de su programa. Carles Santamaria, director del certamen, ha explicado que ésta “es su edición más ambiciosa por su programa de actividades, superficie ocupada y por la cantidad y calidad de los participantes y colaboradores”. El Salón ocupa un espacio de 50.000 metros cuadrados, un 10 por ciento más que el año pasado. En este acto también se ha presentado el cartel del certamen, obra del dibujante Jaime Calderón.

cartel_29x46_SC17_sinlogos_V3El programa de exposiciones incluye una muestra antológica dedicada a Will Eisner, el autor que creó la novela gráfica, y del que en 2017 se celebra el centenario de su nacimiento. “Un maestro del cómic muy querido por nosotros, que participó en diversas ediciones del Salón del Cómic de Barcelona, empezando por la primera edición, de 1981”, señaló Santamaria. El Salón del Cómic también celebra los 100 años de la revista TBO, a través de una gran muestra con 100 originales que descubrirá al público las mejores series y autores de la publicación, con un apartado dedicado a Josep Maria Blanco, ganador del Gran Premio del Salón de la pasada edición. El certamen producirá una exposición dedicada a la presencia de los aviones y los aviadores en el cómic, un género que cuenta con obras maestras como Steve Canyon, Buck Danny, Tanguy y Laverdure, Hazañas Bélicas, As de Pique o El piloto del Edelweiss. La espectacular escenografía contará con aviones reales de diferentes épocas que se enmarcarán dentro de los cómics a los que hacen referencia.

Los superhéroes también serán protagonistas con una muestra dedicada a aquellos personajes más pasados de vueltas. Superhéroes fuera de control es el título de la muestra que contará con 25 personajes que van desde Hulk a Harley Quinn, pasando por Masacre (popularizado como Deadpool por la película), Juez Dredd, la Máscara o Lobo. El director del certamen ha destacado también las muestras dedicadas a Fanhunter, la serie de cómic creada por Cels Piñol nacida en un fanzine y que también triunfa en los juegos de mesa; a los viajes de Tintín en colaboración con la Asociación 1001; la de Javi de Castro, ganador del premio al Autor Revelación de la pasada edición; y al fanzine Nimio. “Estamos trabajando en más exposiciones que iremos anunciando en las próximas semanas”, señaló Santamaría.

El dibujante Jaime Calderón, autor del cartel del 35 Salón internacional del Cómic de Barcelona, agradeció el encargo del cartel y la confianza depositada en él, explicando que, a partir del tema de la aviación, ya planteado de entrada, “he querido desligarlo un poco, a nivel gráfico, del contexto bélico, y darle un aire más épico, más aventurero. Pensé en la figura de las primeras aviadoras, como Amelia Earhart, y a partir de aquí fue cosa de buscar el encuadre y jugar con la escenografía del Salón del Cómic”.
 
Después de la intervención de Calderón, Josep Maria Polls, jefe de estudios de la Escola JOSO, presentó el programa de los talleres de cómic, animación e impresoras 3-D, la principal novedad de esta edición. Polls explicó que el objetivo de la Escuela, con esta colaboración, es acercar el arte a la práctica sencilla del público asistente. Respecto al taller de impresión en 3D, que se llevará a cabo con la colaboración de la empresa EntresD, comentó que “las clases se llevaran a cabo de manera que el público asistente pueda ver todo el proceso de creación de las animaciones en 3D hasta llegar a la impresión final”.

spirit-portadaEl presidente de FICOMIC, Patrici Tixis, destacó en su intervención que el objetivo es hacer “un Salón abierto para todos, que satisfaga a profesionales y aficionados, y que a la vez atraiga al gran público”. Patrici Tixis insistió que la finalidad última del Salón del Cómic “es la promoción del cómic para crear nuevos lectores”. Destacó en su intervención el crecimiento en el número de expositores, la incorporación de Nintendo como patrocinador, el apoyo del Ayuntamiento de Barcelona, la Generalitat de Catalunya y el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, así como la gran repercusión que tiene en los medios de comunicación y redes sociales.

Carles Santamaria, por su parte, también destacó la presencia de los autores extranjeros confirmados hasta el momento, que se irá ampliando en las próximas semanas: Bruno Gazzotti, Gina Alyse Wynbrandt, Kim Jung Gi, José Muñoz, Juan Padrón y Mauricio Vicent. Santamaria explicó que un año más, en la zona profesional, tendrán lugar los encuentros entre autores y editores extranjeros y nacionales. El director del certamen también destacó el hecho de que sea el Salón del Cómic de Barcelona el primer evento público donde se presente la consola Nintendo Switch. Nintendo es el patrocinador oficial del certamen. Otra novedad del Salón del Cómic es la incorporación del Taller de youtubers, donde el cómic y la cultura popular de masas tienen un lugar destacado. “La relación del cómic con el cine, la televisión y los videojuegos no para de crecer, porque los cómics son adaptados con gran éxito a diferentes medios, hecho que contribuye a su difusión”, concluyó Santamaria.

El 35 Salón Internacional del Cómic de Barcelona tendrá lugar del jueves 30 de marzo al domingo 2 de abril de 2017 en los Palacios 1, 2.1, 4 y Plaza Univers de Fira Barcelona Montjuïc.

La venta anticipada de entradas se iniciará el próximo 1 de febrero de 2017 exclusivamente desde www.ficomic.com.

Categorías:Cómic Barcelona

Talamanca de Jarama, escenario de fantasmagorías

156wtbnmapa-talamanca-3Existen algunos escenarios que se han repetido en diversas películas y que, a fuerza de verlos, se han convertido en familiares para el fan. En el cine de terror español, y particularmente en el de Paul Naschy, Talamanca es, sin ningún género de duda, el lugar donde localizó la mayor parte de sus películas, donde más ha vivido sus personajes, donde se han desarrollado esos míticos rodajes: “Talamanca ha sido para mí, mi casa cinematográfica preferida. Cuantas horas, cuantos días, cuantos meses he pasado en su bodega, en su desván, en sus escaleras, en sus  salas… En aquellos escenarios hice realidad muchos de mis sueños y mis guiones adquirieron vida.” (1)

Y es que Talamanca de Jarama, población situada a 45 Km. de Madrid, dispone de varios puntos que han servido de escenario para diversas películas, como la Iglesia de San Juan Bautista o el puente romano, pero todos van a remolque de la Cartuja, emblemática construcción religiosa destinada a la actividad agraria construida en el siglo XVII que, dotada de una extensión de 17.437 m2, dos plantas y un desván, ha sido testigo de más de 200 rodajes.

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Más de diez veces visitó Paul Naschy la Cartuja para rodar sus inolvidables cintas y actuar en las de otros directores. La marca del hombre lobo (Enrique López Eguiluz, 1968),  la primera aparición de Waldemar Daninsky no recurrió a este escenario, pero si tuvo días de rodaje en Talamanca, y pueden verse tanto el puente romano como la chopera, que está justo al lado. De hecho, los arcos del puente son testigos de la primera aparición de la bestia que inmortalizaría Paul Naschy. Después vinieron más películas: Dr. Jekyll y el hombre lobo (León Klimovsky, 1971), El espanto surge de la tumba (Carlos Aured, 1972), El gran amor del conde Drácula (Javier Aguirre, 1973), Los ojos azules de la muñeca rota (Carlos Aured, 1973), El mariscal del infierno (León Klimovsky, 1973) y Último deseo (León Klimovsky, 1975). Una vez que Naschy accede a dirigir sus propias películas, demuestra que la Cartuja es su escenario predilecto, ya que allí rueda su primera cinta tras las cámaras, Inquisición (1976), que es seguida por muchas más: El caminante (1979), El carnaval de las bestias (1980), Los cántabros (1980), La bestia y la espada mágica (1983) y, sobre todo, El retorno del hombre-lobo (1980), que está rodada casi enteramente en las distintas dependencias de la Cartuja.

Más allá de las cintas de y con Naschy, Talamanca, y particularmente su Cartuja, han sido escenario de muchas más películas desde que inició su actividad como plató cinematográfico en 1964 con el filme Los cien caballeros (I Cento Cavalieri) de Vittorio Cottafavi. Sus estancias han sido testigo (tan solo hablando de cine de terror), del rodaje de El monte de las brujas (Raúl Artigot, 1972),  La orgía nocturna de los vampiros y La saga de los Drácula (León Klimovsky, 1972), Una vela para el diablo (Eugenio Martín, 1973),  La cruz del diablo (John Gilling, 1975), El extraño amor de los vampiros (León Klimovsky, 1975), La noche de las gaviotas (Amando de Ossorio, 1975), Akelarre (Pedro Olea, 1983), La lengua asesina (Alberto Scimma, 1995), 99.9 (Agustín Villaronga, 1997) y El espinazo del diablo (Guillermo del Toro, 2001).

Por sus dependencias han deambulado actores como Marlon Brando (Cristóbal Colón, el descubrimiento, John Glen, 1992); Natalie Portman (Los fantasmas de Goya, Milos Forman, 2006); Arnold Swarzenegger (Conan, el bárbaro, John Milius, 1982) o Michael York, Oliver Reed y Richard Chamberlain (Los cuatro mosqueteros, Richard Lester, 1974), entre otros.

Siempre había sido un sueño personal pasear por ese escenario, sobre todo por su bodega. Finalmente en el verano de 2015 tuvimos ocasión de hacerlo y de entrevistar, además, a su actual propietario, José Carlos Rodríguez, que nos abrió gentilmente las puertas de la Cartuja gracias a la inestimable colaboración de nuestro amigo el escritor y director de cine Víctor Matellano, que nos puso en contacto con él.

ENTRANDO EN LA CARTUJA

DSC_0597Esto era de los frailes cartujos, y con la desamortización de Mendizábal (2), el Estado lo saca a subasta a particulares. Ha convergido en mi llegando de una tía abuela política de mi abuela y de mi madre, o sea, tres partes han muertos en mí, digamos. Mi madre murió en el 1998; mi abuela en los años setenta; y la señora en los años ochenta o así. Pero he sido testigo de la actividad que había en estas paredes desde mucho antes de heredar, porque estaba aquí mi padre y mi madre y yo he vivido aquí de pequeño. Luego me fui a estudiar a Madrid, pero venía aquí los veranos. Los primeros rodajes los firmaba mi padre, pero yo estuve en muchos y me he encargado de los rodajes y todo eso desde 1982, porque mi padre estaba muy mal. O sea, que llevo ya  unos años. Empezó a funcionar como plató en los años sesenta, en 1964, y ha habido, entre series, películas  y demás, más de 250 rodajes”.

PATIO DE ENTRADA

Lo primero que el visitante se encuentra al atravesar el portón de entrada es el patio. Una extensión que ha servido en muchas ocasiones para recrear calles y mercados medievales. José Carlos me comenta que “En la parte de atrás Paul Naschy hizo un cementerio”. Una ventana me resulta familiar y la identificamos como el lugar por el que se escapan María Kosty y  Víctor Petit de los Templarios en La noche de las gaviotas (Amando de Ossorio, 1975), aunque algo cambiada por el paso del tiempo: “Ahí donde está la casa de madera había una casa de barro que no tenía nada que ver con la casa original. La hizo un antepasado en 1900 para poner una máquina de vapor para una prensa de aceituna y se cargó el edificio”. Y es que su actual propietario no es partidario de conservar pegotes o partes que no fueran originales del edificio: “Yo tengo 63 años, lo que ves hundido, está hundido desde entonces, menos una fachada que se ha caído hace poco y que yo estaba deseando que se cayera. Sí, porque no era original  de la casa, era un pegote, pero si algún día tengo muchos cuartos, reharé el claustro, que el antepasado este que te digo también se lo cargó.”

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CUADRA

José Carlos echa mano de un enorme llavero y abre la puerta de un edificio. La primera estancia que visitamos es la cuadra, que consta de dos pisos unidos por una escalera de madera. “Esta cuadra se conserva prácticamente igual a como la dejaron los frailes. Lo último que se ha rodado aquí ha sido para ‘El Ministerio del Tiempo’. En los setenta había tantos rodajes que perdimos muchas películas porque no se  podían atender. Ahora está volviendo. Yo he tenido un contrato con la serie ‘Águila Roja’ cinco años, pero claro, si en esos cinco años no hubiera estado ‘Águila Roja’, pues habrían sido unas 30 películas”. Le pregunto por una secuencia que sé que se rodó en la cuadra, de Los ritos sexuales del diablo (1982) coprotagonizada por un macho cabrío. Y me señala el lugar a la primera, ya que él estuvo presente cuando se realizó: “Aquí se rodó la de Larraz. Larraz era muy duro (risas). Ha rodado aquí bastante. Fue concretamente en esa columna. La acción está aquí”.

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 CLAUSTRO

Salimos de la cuadra y entramos en un segundo edificio, la Cartuja en sí, en cuyo interior está el Claustro, ajardinado y en bastante mal estado, lleno de escombros. “El antiguo claustro se me ha hundido a mí, pero no tengo interés en arreglarlo. Como sabes un claustro se compone de cuatro partes iguales para que los monjes recen. Se cayó una parte, yo puse unas columnas y se fabricó ahí un pasillo, pero yo siempre estuve acojonado de que alguien pasara por allí y… Hace años lo tenía ya vallado y por fin se cayó, con lo cual me alegré mucho. Pero viene el bueno de Terry Gilliam, ve los escombros y todo el follón y quiere rodar aquí. Quiere ponerme al Quijote por aquí, por ahí arriba ¿Cómo voy a dejar yo, con los problemas de seguro que puede dar? Depende de si la productora se empeña. Esas columnas que tienen el plátano arriba son las originales, el resto las he puesto yo, incluidas las de arriba, porque sabía que tarde o temprano iba a caer”. El claustro puede verse claramente en, por ejemplo, Alatriste (2006) de Agustín Díaz Yanes.

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LA COCINA

Entramos en otra estancia de la Cartuja, la cocina, donde rápidamente José Carlos me localiza una escena de la película Polvos mágicos (1983), también de Larraz. Como veo que el aspecto es muy diferente, con las paredes pintadas, José Carlos me explica: “Hacer obra no puede hacerse, ya que esta casa  está protegida, es monumento, pero todo lo que sea poner pintura es proteger la pared, así que no tengo ningún problema. Luego tienen que dejar todo como estaba. Aquí también se rodó hace tiempo uno de los capítulos de ‘El Ministerio del Tiempo.’ Como rodaron con sonido directo colocaron unas guatas colgadas grapadas para que no hubiera eco”.

El propietario me dice que tanto Paul Naschy como Larraz han rodado en la cocina. Para comprobarlo tan solo hay que visionar, por ejemplo, El caminante (1979) de Jacinto Molina.

En una esquina hay unas hojas de guión utilizadas en un rodaje. Tienen anotados cambios en los diálogos. José Carlos intuye (y más tarde comprobé que así era), que pertenecían a lo último que se había hecho allí, un episodio de ‘Amar es para siempre’. Resulta ser un bonito souvenir y un testigo silencioso de la actividad en ese  escenario.

EL GRANERO

El granero está sobre la bodega y tiene una estructura similar a esta, como comprobaremos cuando bajemos. Encima está el desván. Al ser el granero una estancia bastante amplía y despejada, ejerce como estudio. Así que a José Carlos le vienen a la cabeza sus admirados decoradores, directores de arte y técnicos de efectos especiales: “El granero es donde más se rueda, pero queda irreconocible. Aquí se ha rodado de todo, desde escenas del oeste (Al este del oeste de Mariano Ozores), a series. Retocan los arcos, lo que haga falta. Mi amigo Gil Parrondo (3), el decorador, montó ahí el interior de un chalet que le decías ‘Oye Gil, déjamelo montado que  me quedo a vivir aquí’. Y ahí delante un bosque, pero un bosque con un forillo bestial, que lo hizo Julianín (4), que aquello era un monstruo. Te metías dentro del chalet, mirabas por la ventana y estabas en el bosque. Eso es arte. A Emilio (5) , el maquetista, yo lo he visto hacer una maqueta del Castillo de Loarre (6) que te quedabas patidifuso. Era una maquetita pequeña y luego lo veías proyectado en panorámica y no cantaba nada. Los cromas cantan más. Eso hoy en día no saben hacerlo. He conocido a gente de los clásicos, escayolistas, y esos para mí eran los verdaderos artistas. Tengo una anécdota de ‘El regreso de los mosqueteros’ (The Return of the Musketeers, Richard Lester, 1989): habían hecho un torreón alto. El día antes del rodaje viene mi cuñado que conoce bien la casa y me dice ‘¿Cómo te has dejado hacer esto aquí? Ya sé que es para la película pero…’  no se daba cuenta de que era escayola, no pensaba que lo fuera. Genial. Las calidades que yo he visto en películas de hace 20 años, no las he visto ahora. Y que me perdonen los técnicos de ahora, que también hay gente muy buena, pero como los de antes… Ahí detrás se hizo el pueblo de ‘Don Quijote’, la serie protagonizada por Fernando Rey (7) . Si no fuera porque picabas en el decorado y sonaba hueco, colaba. Repito, para mí esos eran los artistas”.

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‘El retorno del hombre lobo’. en esta imagen puede verse la escalera y la puerta del granero de fondo.

Hablamos sobre el respeto a la profesión y de ahí la conversación derivó hacia la conservación del patrimonio cinematográfico, algo que parece no se respeta tanto como se podría:

Hace 10 o 12 años empecé a coleccionar todas las películas y series que se habían hecho aquí. Habré llegado a conseguir una tercera parte, porque hay cosas que… mira, hablaba con Juanjo Puigcorbé, que lo conozco mucho y que ha rodado aquí la serie que hizo sobre Miguel Servet8, y le decía: ‘Juanjo, lo que daría por encontrar la serie esa en DVD’ y él me decía ‘Toma, y yo’. Esa serie ha desaparecido, no se sabe bien porqué, y era una buena serie, pero no queda nada. El Ayuntamiento de Talamanca organiza cada año la Semana del Cine y el penúltimo premiado fue Juanjo. Esa conversación fue aquí donde estamos. En este país pasa de todo. Yo conozco a uno que ha trabajado en Radio Exterior de España y estaba escandalizado: llegaron allí un día,  cogieron los archivos del NODO de no sé que año a que año, hicieron una pila y les prendieron fuego. No se dan cuenta de que eso es historia”.

También hablamos de las facilidades que Talamanca ofrece para rodar, tanto en cuanto a espacio e infraestructura como en cuanto a personal:

Si quieren meter 200 camiones detrás, los pueden meter, ya que hay espacio casi hasta el arroyo. El ayuntamiento aquí no pone pegas, al contrario. Tú dices que vas a rodar, vas al ayuntamiento, pagas un canon más o menos simbólico y te cortan la calle para que no tengas ruidos. Aquí tienen facilidades de rodaje. En la Cartuja hay habitaciones que son normales que se usan como oficinas de producción, vestuario…Y no solo ya el personal técnico, los actores también se sienten cómodos porque cuando paran, o no tienen que rodar, y van a tomar una cerveza vestidos de romano nadie les dice nada. Tú puedes entrar en un bar y ver a cinco legionarios romanos y a gente del pueblo y aquí no pasa nada. Así que los actores están muy relajados. Recuerdo… no sé… en ‘Águila Roja’ preguntó Francis Lorenzo: ‘¿Dónde podemos comer por aquí?’, y se fueron a comer Francis, el chaval que hace de Águila Roja (David Janer), y el ayudante (Javier Gutiérrez), no porque el catering estuviera mal, sino porque querían ellos tres… y se fueron vestidos de romano, y aquí no ha pasado nada. Aquí la gente está vacunada (risas). Mira, yo era joven y se rodaba la versión que se hizo de ‘La Celestina’9 para televisión con Gemma Cuervo, entonces contrataron figuración del pueblo. Yo estaba de vacaciones, venía de estudiar de Madrid y me apunté. Se pusieron unas mesas representando una tasca, un tugurio, y recuerdo que a mí me tocó con otros tres o cuatro en la mesa de al lado de los protagonistas y estuvimos ahí metidos cuatro o cinco días. Sin embargo, el resto de la gente del pueblo que estaba en las otras mesas no se veía en el plano , así que se marchaban a casa, cobrando claro, pero a mí me tocó el muerto… (risas). Ahora a casi toda la figuración la traen de Madrid, porque bueno, como la tienen que dar de alta en la Seguridad Social, pues con las compañías de figuración se apañan mejor, pero antiguamente la pedían aquí. Llegaban y decían ‘Mañana hay rodaje y se necesitan 30 hombres, 20 mujeres…” Entonces, no digo ya de mi edad, sino mucho más jóvenes, raro es el que no haya rodado alguna película”.

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EL DESVÁN

Estamos, ni más ni menos donde se instaló el laboratorio del Dr. Jekyll (Jack Taylor) en Dr. Jekyll y el hombre lobo (León Klimovsky, 1971); o en el mismo lugar donde se rodaron escenas de Brujas Mágicas (1981), cinta cómica ambientada en la Edad Media con Pajares, Antonio Ozores y, entre otras actrices, Azucena Hernández y Pilar Alcón. José Carlos me cuenta una anécdota de esa cinta. En un descanso del rodaje le pregunta Mariano Ozores, el director, a su hermano Antonio que va disfrazado de monje medieval ‘¿Tienes hora?’ y Antonio, con toda naturalidad, mira su reloj y le dice la hora, a lo que Mariano añade: ‘¿Ves como eres gilipollas?’. Esto viene a cuento de algunos gazapos que se colaban en los rodajes de aquellas épocas, muchos por culpa de los figurantes:

Cuando rodaron ‘La caída del Imperio Romano’ (Anthony Mann, 1964) o ‘55 Días en Pekín (Nicholas Ray, 1963)… las de Bronston, venían por estos pueblos con autobuses recogiendo gente para llevarla a los rodajes para hacer de extra. Les decían, ‘Dejen aquí su reloj’ y nada. Así que a la hora de la verdad en las películas se ven relojes, gafas…. Se ve de todo” (risas).

Y hablando de ver de todo: “Imagínate a un chico con 14 o 15 años que llega aquí cuando no había ni revistas de despelote ni nada y  veías a una docena de señoras desnudas caminando por la galería y cosas de esas… ¡Una sobredosis! (risas). Y eso que aquí a veces había temperaturas de 16 grados bajo cero. Yo creo que a las actrices las ponían ligeras de ropa para joder, con perdón. En invierno todas en bikini, por no decir otra cosa, y en verano con abrigo de visón” (risas).

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LA BODEGA

Finalmente bajamos a la bodega. Con sus arcos en el techo y sus columnas de las que tantas antorchas han colgado. Y sobre todo sus enormes tinajas, que como me cuenta José Carlos eran para el vino que hacían los Cartujos. Estamos donde volvieron a la vida Alaric de Marnac (Paul Naschy) y Mabille de Lancré (Helga Liné) en El espanto surge de la tumba; o donde, dentro de una tinaja, Judy Geeson descubría a las víctimas de las hermanas homicidas de Una vela para el diablo; o donde se celebraban los orgiásticos banquetes de El caminante, Último deseo y El mariscal del infierno. Por allí deambularon la condesa Elisabeth Bathory (Julia Saly) y sus huestes vampíricas salidas de El retorno del hombre lobo. También los templarios realizaron en la bodega de la Cartuja un sangriento sacrificio a su extraño ídolo en La noche de las gaviotas. Y este escenario fue testigo de terrores más contemporáneos, como los vividos en El espinazo del diablo (Guillermo del Toro, 2001) o Vampyres, de Víctor Matellano, hasta ahora la última cinta de terror que se ha rodado allí.

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Aquí finaliza nuestro itinerario. Al salir, José Carlos me cuenta que, gran aficionado a la fotografía, dispone de un archivo fotográfico de los distintos decorados y rodajes que guarda celosamente. Me indica el camino para llegar a la chopera y al puente romano, señalando que por el camino encontraré el paseo del cine, donde hay un homenaje a las distintas personalidades que han sido premiadas por el Ayuntamiento de Talamanca de Jarama durante su Semana del Cine. También me informa sobre un lugar en el que comer. Agradecido me despido de José Carlos. Todavía quedaban cosas por ver y momentos que vivir en Talamanca, pero marcho sabiendo que había pisado un escenario cinematográfico de leyenda. Pura historia del cine español.

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Fotos: Serendipia

NOTAS
1.- Naschy, P. ‘Epílogo’ en Un plató de siglos. Talamanca de Jarama, escenario cinematográfico. Ayuntamiento de Talamanca de Jarama, 2007.  Pág. 166
2.- Que en 1835 obligó a la Orden a vender todas sus posesiones y abandonar la zona. Por cierto, la Iglesia tomó la decisión de excomulgar tanto a los expropiadores como a los compradores de las tierras, lo que hizo que muchos no se decidieran a comprar directamente las tierras y lo hicieron a través de intermediarios o testaferros.
3.- El más importante director artístico del cine español con dos Oscar y cuatro premios Goya en su haber
4.- Julián Martín “Julianín” comenzó a trabajar con Francisco Prosper a finales de los años 50 y rápidamente aprendió el oficio de pintor trabajando entre otras en las películas de Samuel Bronston. Ha trabajado bajo las ordenes de Francisco Prosper y Francisco Asensio para directores de arte como Gil Parrondo o Enrique Alarcón. (http://efectosespecialescinespaniol. blogspot.com.es/2012_07_01_archive.html)
5.- Emilio Ruiz del Río era uno de los técnicos de efectos especiales del cine español más importantes. Su carrera abarca multitud de títulos entre finales de los años cincuenta hasta el momento de su fallecimiento en 2007. Ha trabajado con Piquer Simón e incluso con Guillermo del Toro.
6.- El castillo abadía de Loarre es un castillo románico situado en la localidad del mismo nombre, en la sierra de Loarre, en la provincia de Huesca  (Aragón)
7.- El Quijote, de Miguel de Cervantes (Manuel Gutiérrez Aragón, 1991-92) Serie de 5 episodios protagonizada por Fernando Rey y Alfredo Landa como Don Quijote y Sancho Panza respectivamente.
8.- Miguel Servet, la sangre y la ceniza (José María Forqué, 1989) Serie de 7 episodios protagonizados por Juanjo Puigcorbé, José Luis Pellicena y Pepe Soriano.
9.- La Celestina (Juan Guerrero Zamora, 1983) Mini-serie de tres episodios protagonizados por Gemma Cuervo, Miguel Ayones, Toñi Soler y Nuria Torray.

El espectacular arte de Kim Jung Gi deslumbrará en el salón del Cómic de Barcelona

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kim-jung-gi_autorretrato-hyunjinkimEl artista surcoreano Kim Jung Gi (Goyang-Si, Corea del Sud. 1975) se caracteriza por dibujar directamente en rotulador, sin referencias ni bocetos previos, unas creaciones gráficas extraordinarias.  No sólo es capaz de dibujar complejas escenas cotidianas o extrañas situaciones fantásticas, sino que dentro de esa gran mezcla de objetos y personajes, cada uno elemento es retratado con el más mínimo detalle. Su impecable técnica le permite jugar con imposibles perspectivas sin que ello perjudique al resultado final. Todo lo que dibuja surge de su mente en el mismo momento en que el rotulador hace contacto con el papel y sin necesidad de un boceto previo. Sus creaciones en vivo dibujando sobre una gran superficie de papel resultan espectaculares. Su participación en el 35 Salón Internacional del Cómic de Barcelona será todo un acontecimiento.

KimJung Gi tenía 19 años cuando ingresó en la Escuela de Bellas Artes donde se especializó en Arte y Diseño. Durante tres años estudió en Universidad Dong-Eui de Busan, famosa por sus cursos técnicos. Como todos los hombres en Corea del Sur también sirvió en el ejército durante más de 2 años, en la sección de fuerzas especiales, lo que le permitió memorizar un número asombroso de vehículos y armas. Funny Funny, la primera publicación de KJG, fue publicada en el manwha Young Jump. Luego vinieron varios cuentos y algunas exposiciones antes de que KJG comenzara a enseñar manwha en universidades y escuelas privadas.

Entre 2008 y 2010, dibujó los 6 volúmenes de TLT, Tiger the Long Tail adaptando una historia de Seung-Jin PARK. Esta historia apareció por primera vez como un webtoon (manwha en línea), posteriormente se publicó en forma impresa por la editorial CNC Revolution.

Entre 2007 y 2016, publicó 5 sketchbooks que reunieron cerca de 3.500 páginas de su arte. También ha publicado dos cómics: SpyGames, con guión del escritor francés Jean-David Morvan en 2014 (Ediciones Glénat) y McCurry, NYC, 9/11 en 2016 (Dupuis en francés y Caurette en inglés), una historia del mundialmente famoso fotógrafo Steve McCurry (responsable de la foto de la chica afgana de National Geographic) también escrita por Jean-David Morvan. También ha trabajado para Marvel y DC Comics realizando portadas para Civil War II o Flash, además de varias compañías de videojuegos.

Kim Jung Gi ha expuesto su obra en galerías y museos de diversos países. También entró en El libro Guinness de los récords en la categoría de ilustración por ‘el dibujo más largo realizado por una persona con Fisheye Art’. Actualmente, cuando no está trabajando para alguna empresa coreana en publicidad o con la gestión de AniChanga, su escuela de dibujo en Seúl, está viajando por el mundo para conocer a sus fans y obtener inspiración. Kim Jung Gi viene al Salón del Cómic gracias a la colaboración de la Escola de Còmic Joso. Podéis seguir a Kim Jung Gi en su perfil de Twitter @KimJungGiUS. Su página oficial es www.kimjunggi.net.

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El 35 Salón Internacional del Cómic de Barcelona se celebrará del jueves 30 de marzo al domingo 2 de abril en Fira de Barcelona Montjuïc.

La venta anticipada de entradas se iniciará el próximo 1 de febrero de 2017 exclusivamente desde www.ficomic.com.

Categorías:Cómic Barcelona

El cine en zapatillas: 39 Escalones edita, en edición especial, ‘Pi, fe en el caos’ de Darren Aronofsky

 

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Pi, fe en el caos. Edición Especial  (39 Escalones) DVD, Blu-ray

T.O: Pi: Faith in Chaos. País: USA. Año: 1998. Director: Darren Aronofsky. Guión: Darren Aronofsky. Historia: Darren Aronofsky, Sean Gullette y Eric Watson. Música: Clint Mansell. Fotografía: Matthew Libatique (blanco y negro). Productora: Harvest Filmsworks, Truth & Soul Pictures, Plantain Films, Protozoa Pictures. Formato: 16 mm. 1.66: 1. Blanco y negro. Dolby.

Reparto: Sean Gullette, Mark Margolis, Ben Shenkman, Pamela Hart, Stephen Pearlman, Samia Shoaib, Ajay Naidu, Kristyn Mae-Anne Lao, Lauren Fox.

Audios: Castellano 5.1/ Inglés 5.1  Subtítulos: Castellano Duración: 85 min. Formato imagen: Widescreen

Extras: Audiocomentarios de Darren Aronofsky y Sean Gullette; Tras las cámaras; Escenas eliminadas; Tráiler. (Todos los contenidos extras en VOSC)

3d-pi-dvdUn cohen o kohen, (en hebreo כּהן, “sacerdote”) tiene un estatus especial en el judaísmo. El Kohen Gadol (Sumo Sacerdote), una vez al año, se revestía con un peto ceremonial en el que había engastadas 12 piedras de distinta naturaleza (una por cada tribu de Israel), y penetraba solemnemente en el Sanctasantorum del Templo para pronunciar el Shem Shemaforash ante el Arca de la Alianza, en voz baja. El Shemhamphorasch (una corrupción del hebreo שם המפורש Sem-ha Mephorash) es un epíteto del nombre de Dios compuesto por 216 letras, que deriva de cabalistas medievales del Libro del Éxodo, mediante la lectura de las letras de tres versos en un orden específico. Cohen es el apellido del protagonista de Pi, fe en el caos que por un error informático descubrirá una serie de 216 dígitos (téngase presente que el alfabeto hebreo es a la vez un sistema numérico) ambicionada al mismo tiempo por una agencia bursátil y una secta judía. Nada está dejado al azar en la opera prima de Darren Aronofsky.

Max Cohen (Sean Gullette), contra las advertencias de su madre, miró directamente al sol cuando tenía seis años. Este primer ensayo de asaltar los cielos contraviniendo al orden (y tras recuperar la visión de la que el deslumbramiento le privó) le dejó como herencia las migrañas y la pericia matemática. Conocimiento y dolor quedarán asociados trágica e indisolublemente para este niño prodigio que publicó su primer artículo científico con dieciséis años y se doctoró con veinte. Iluminado sosias de Ícaro, Max no acepta que el conocimiento humano sea por naturaleza limitado, él está dispuesto a demostrar que el azar es aparente y que hasta el sistema más entrópico es reductible a patrones de regularidad. Porque para Max, igual que para Galileo, la naturaleza está escrita en lenguaje matemático, todo lo que nos rodea se puede entender y representar mediante números. Así, si se hace un gráfico con los números de un sistema se forman modelos y esos modelos están por todo lo existente, ahí, ocultos bajo el cálculo, delante de nuestros ojos. Su experimento crucial es hallar el patrón que necesariamente ha de regir los movimientos bursátiles.

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No busquen esta escena en ‘Pi’, ahora sabrán que fue cortada y porqué

“¿Qué es la Bolsa? Una inmensidad de números que representa la economía global. Millones de manos y de mentes trabajando, una red inmensa llena de vida; un organismo, un organismo natural”. Demostrar que la bolsa forma un sistema predecible es equivalente a probar que la verdad última del organicismo (el universo entendido como ser vivo) es el mecanicismo (el universo entendido como máquina), que la vida responde a un absoluto matemático calculable y, por ende, cognoscible. El empeño de Max es desentrañar ese código cifrado, se abandona (literalmente) a los cálculos de su macrordenador (al que llama Euclides) sin más relación social que las partidas de go que juega con su mentor Sol Robeson (Mark Margolis). Elegir el go tiene también significación narrativa dentro del filme, pues este juego de estrategia nacido en la China imperial es toda una parábola de cómo sobre la simplicidad de un universo euclidiano (el tablero y su cuadrícula), se sobrepone lo complejo e incalculable (las infinitas partidas posibles). La paradoja del go le sirve a Robeson para advertir a su alumno sobre la insensatez de su proyecto, el mundo no es reductible a cifra, a número, pretender lo contrario es abandonar el rigor científico, abandonar la matemática y caer en la falaz numerología. Pero Max sabe que lo que puede aparentar locura, puede ser genialidad en verdad y está dispuesto a demostrarlo, a pesar de que cada paso que avanza en ese terreno pantanoso le supone ataques de migraña cada vez más insoportables.

Aronofsky se adentra, así, en su opera prima, en el debatido problema de los límites del conocimiento humano. Hasta dónde es posible hacer ciencia sin caer en paradojas, contradicciones y falacias. Para ello usa la falsilla del espacio en el que la matemática roza la metafísica y se vuelve fascinante porque nos hace sentir que la aprehensión del absoluto es posible, que podemos descifrar el sentido de nuestra existencia. En palabras de Sergi Sánchez, “la inteligencia de ‘Pi’, la película, reside en su capacidad para traducir la angustia existencial del hombre ultramoderno -que es como decir del hombre primitivo- en una compleja trama que relaciona a un mismo nivel matemática, música electrónica, religión y economía”. El cineasta no pretende elaborar un ensayo matemático (por eso son absurdas ciertas críticas que hacen hincapié en la ausencia de rigor de sus conceptos) por más que sus imágenes se llenen de proporciones áureas (esas espirales que se retratan en la crema del café o en las volutas del tabaco y nos llevan a advertir que la espiral es la pieza clave de todas las figuras), lo que está en juego es otra cosa: la eterna pregunta sobre qué es el hombre y qué sentido tiene la vida inteligente y autoconsciente. Aronofsky se plantea la pregunta kantiana sobre qué podemos conocer y lo hace desde la perspectiva de la tragedia griega: el conocimiento es la causa del dolor (recuérdese el Edipo de Sófocles como ejemplo). Saber más no nos hará más felices, casi al contrario parece decirnos con su final, Max se lobotomiza a sí mismo para escapar de sus perseguidores y, sobre todo, para acabar con su enfermedad. El ansia desmesurada de conocimiento nos arranca la inocencia, nos aparta de la vida vista como cotidianidad plácida y nos aboca al abismo.

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Con un presupuesto de 60.000 dólares, recaudados con participaciones de cien entre amigos y familiares (el micromecenazgo antes de la eclosión del crowdfunding), Pi, fe en el caos es una propuesta compleja (y osada) en su concepto y arriesgada en su forma. Aronofsky se nutre de las bases del thriller para desarrollar su búsqueda existencialista: Max se convierte en el punto de mira de una feroz firma de Wall Street y una secta Kabbalah que pretende descifrar el concepto de Dios a través de la matemática, el acoso creciente de ambos grupos es tratado en clave de intriga, una intriga bien trabada que permite disfrutar de la cinta al margen de sus implicaciones filosóficas. Pero ahí termina su concesión al público más generalista. El neoyorquino opta por el blanco y negro trabajado con una fotografía que juega continuamente con el grano y una cierta saturación expositiva que hace desaparecer la gama de grises y quema el blanco. El resultado de esta elección es una atmósfera agobiante que nos instala en el interior de Max para sufrir su misma angustia, una asfixia vital que se ve reforzada por la reiteración de primeros planos y movimientos rápidos con auténtico valor de imágenes subliminales. A la experimentación visual hay que sumar la banda sonora de Clint Mansell, músico de cabecera del cineasta, una pieza de música electrónica generada únicamente por sintetizadores y computadores, sin la intervención de instrumento musical alguno. Formalmente, pues, Pi, fe en el caos es un viaje al corazón de la paranoia que nos mantiene en constante tensión y nos remite a la experiencia del abismo. Un valiente debut, el de Aronofsky, que le supuso alzarse con el premio al mejor director en el Festival de Sundance.

La magnífica edición que ha puesto a la venta 39 Escalones nos ofrece, además de una magnífica copia del filme, con todo su contrastado y granuloso blanco y negro, unos interesantes extras que incluyen dos audiocomentarios, uno de su director  y otro a cargo de su protagonista, Sean Gullette; cuatro escenas cortadas y comentadas por su director; y un documental rodado en video en el que podemos ver escenas del rodaje de Pi a color, comentadas también por el director y el actor. Una magnífica pieza y una oportunidad de revisar este filme con la calidad que se merece.

Loving, la lucha que no cesa

“Buen servicio, pero no damos propinas a los negros”, así rezaba la nota que dos clientes dejaron en la cuenta del  restaurante Anita’s de Ashburn (Virginia). Una pareja de treintañeros blanca que habían sido servidos por Kelly Carter, la camarera negra que lleva tiempo atendiendo a los parroquianos de ese restaurante con la fama de ofrecer un trato sin mácula (hay que aclarar que en EE. UU. el sueldo de los camareros debe ser completado con las propinas). “Me gustaría que regresasen –declaró Carter– y servirles de nuevo. Un comentario de odio no me hará cambiar”.

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No es el episodio racista más sangrante que ha tenido lugar en EE. UU. recientemente, pero hemos querido destacarlo, precisamente, porque nos habla de un segregacionismo más corriente, más como de andar por casa, al alcance de cualquiera. Un acto discriminatorio para el que no hace falta dejar de ser civilizado, incluso amable (la pareja se comportó con normalidad y hasta se les escuchó elogiar la comida). Es un racismo del gesto, del desaire, apenas violento, pero igual de dañino que los asesinatos. Si no más, porque es más sutil y aparentemente menos reprobable.  Casi anecdótico, es repulsivo porque da cuenta de cuánto ha permeado en la sociedad la lacra del odio racial.

Esto ocurre ahora, en el Siglo XXI, después de que la Casa Blanca haya albergado durante ocho años al primer presidente negro. Es desalentador. Quizás por ello el cine ha reaccionado y en los últimos tiempos nos ha ofrecido varios filmes que nos hablan del problema, remontándose al momento fundacional (The Birth of a NationNate Parker) o a mediados del Siglo XX cuando la lucha por los derechos civiles de la población negra en Norteamérica tomó protagonismo. Este último es el caso de las dos cintas que llegan ahora a nuestras salas, Figuras ocultas (Theodore Melfi) y el último trabajo de Jeff Nichols, Loving, ambas basadas en hechos reales, pero muy distintas en su planteamiento y concepción.

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Melfi usa la gran pantalla para sacar de la sombra el relevante papel de Katherine Johnson (Taraji P. Henson), Dorothy Vaughn (Octavia Spencer) y Mary Jackson (Janelle Monáe) en la carrera espacial, tres científicas superdotadas que tuvieron que luchar contra la segregación para ser consideradas, incluso dentro de la propia NASA. Su filme es el típico (¿tópico?) trabajo de autocrítica que busca en realidad la loa de los valores estadounidenses, un mea culpa que se sabe perdonado de antemano por sus propios méritos. Un ejercicio al gusto del americano medio que ve así tranquilizada su conciencia (lo analizamos con más detalle aquí). La mirada de Jeff Nichols es distinta, no está cortada por los patrones del cine académico y comercial, por eso su película vuela por otros espacios que no son los de la épica (de cartón) y el panegírico (huero). En Loving el drama se juega a ras de suelo, en la partida de un humanismo cercano y nada enfático, por eso nos alcanza a todos.

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Los hombres y las mujeres, a partir de la edad núbil, tienen derecho, sin restricción alguna por motivos de raza, nacionalidad o religión, a casarse y fundar una familia, y disfrutarán de iguales derechos en cuanto al matrimonio, durante el matrimonio y en caso de disolución del matrimonio. Así reza el artículo 16 de la Declaración de Derechos Humanos aprobada en las Naciones Unidas en 1948. Diez años más tarde  Mildred y Richard Loving eran sacados de la cama en su casa de Central Point (Virginia) y arrestados a las dos de la madrugada, ¿su delito? Haber contraído matrimonio. Un matrimonio interarracial considerado ilegal en el estado de Virginia. El país líder de los aliados, el abanderado de las libertades democráticas, escondía en su interior su propio negativo. Tuvieron que pasar diez años más para que el Tribunal Supremo dictaminara a su favor, declarando todas las leyes de uniones segregacionistas del país inconstitucionales. Las más de medio millón de parejas mixtas que existían en aquel tiempo les deben su libertad a los Loving. Sin embargo, ellos nunca quisieron verse como héroes, revolucionarios o meros activistas de la lucha por los derechos civiles. “No lo hacemos porque alguien tenga que hacerlo y queramos ser nosotros. Lo hacemos por nosotros, y porque queremos vivir aquí”.

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Mientras Melfi ofrece una dirección invisible e impersonal, Jeff Nichols aporta su visión particular al drama. La suya es una mirada de autor sobre una historia que le ha cautivado antes de llevarla a la pantalla. La apertura del filme, ese plano-contraplano cerrado y pausado en el que la joven anuncia su embarazo, ya nos indica que estamos ante una cinta diferente. Una película que va a saber exprimir la cara más íntima de la gesta. Nichols junto al gran trabajo de sus protagonistas, un irreconocible Joel Edgerton en el papel de Richard Loving y una Ruth Negga ajustada como un guante a la piel de Mildred, nos saben transmitir el espíritu de su batalla: fue su voluntad de luchar por ellos la que les impulsó a enfrentarse a todo un estado. La suya fue una revuelta por su derecho propio, igual al de tantos otros, a vivir en paz. Una revolución sin ánimo de protagonismo ni liderazgo surgida de su legítimo empecinamiento de amarse sin tenerse que ocultar ni renunciar a hacerlo en la tierra que les vio nacer.

Nichols nos habla desde los detalles, sin subrayados enfáticos, de una historia de amor que se trascendió a sí misma. Su puesta en escena destila sutileza y fluidez, anclada en lo cotidiano, nos informa de ese racismo a pie de calle que contamina a toda una sociedad. Pero su gran acierto reside en haberle imprimido a la cinta un ritmo y un tono de película de suspense. Porque nos parece tener más información que los protagonistas, estamos siempre a la espera de la gran conmoción, el gran y efectista episodio violento. Magistral, en este sentido, es el montaje de la secuencia que supone el punto de inflexión en el posicionamiento de los protagonistas, ese momento en el que uno de los hijos del matrimonio es atropellado. Un mero accidente, que Nichols cuenta a modo de acción paralela entre el recorrido del niño y el trabajo en la obra del padre. Una sacudida que nos toca por su cercanía. Esto no es Arde Mississippi (1988, Alan Parker), lo que les ocurre a los personajes puede sucedernos a todos y, sin embargo, de su historia corriente se derivó uno de los mayores logros del combate por la igualdad.

Porque se amaban. Porque todos podemos amarnos. Porque fueron cuestionados por su propio entorno de afines, como puede serlo todo aquel que se separa de lo habitual. Loving cala bien hondo porque nos habla de un segregacionismo más corriente, más como de andar por casa, al alcance de cualquiera.

VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 20 de enero de 2017 *

CALLBACK (Carles Torras, 2016)

España. Duración: 80 min. Guión: Carles Torras, Martin Bacigalupo Fotografía: Juan Sebastián Vásquez Productora: Zabriskie Films / TV3 / Glass Eye Pix Género: Thriller
Reparto: Martin Bacigalupo, Lilli Stein, Larry Fessenden, Timothy Gibbs, Rigoberto Garcia,Kathryn Kuhn, Paulina Simkin, Dave Bobb, Butch McCain
Sinopsis: Larry (Martin Bacigalupo) es un ferviente cristiano evangélico que trabaja como mozo de mudanzas, aunque su gran aspiración es convertirse en actor profesional de anuncios publicitarios. Vive inmerso en una solitaria rutina de traslados en casas ajenas, disputas con su jefe (Larry Fessenden) y continuos cástings, a la espera de una gran oportunidad. Su suerte parece cambiar el día que Alexandra (Lilli Stein) entra en su vida, sin embargo, pronto las cosas empezarán a torcerse, cada vez más.
257824-jpg-r_1280_720-f_jpg-q_x-xxyxxPremios
2016: Festival de Málaga: Mejor película, guión y actor (Martin Bacigalupo)
2016: Festival de Bruselas: Premio del Jurado
 
Carles Torras nos acerca a la cara oculta del sueño americano. Un sueño que se torna en pesadilla protagonizada por Larry de Cecco (un gran Martin Bacigalupo, coguionista también de la historia junto al director),  un tipo anodino, tóxico, que no puede despertar ninguna simpatía. Y toda una bomba de relojería. Un ‘Juan lanas‘ totalmente vacío que tiene mucho en común con el Henry de John McNaughton o el Travis de Scorsese. Perdedores, basura blanca que busca su lugar. Su momento de gloria.
De digestión reposada, Callback  no deja lugar para la esperanza. Sus personajes se ignoran unos a otros. Ni Dios puede salvarles. Ni está ni se le espera. El Dios que visita Larry está representado en la tierra por un predicador evangélico de medio pelo. Y  lo que cree que es amor lo encuentra espiando a su compañera de casa y olisqueando su ropa interior. Esos colores apagados, casi grises, no se iluminan mucho más cuando suena la triste Il Mondo, de Jimmy Fontana:

Gira, il mondo gira
Nello spazio senza fine
Con gli amori appena nati
Con gli amori già finiti
Con la gioia e col dolore
Della gente come me

Carles Torras, que ya sorprendió a propios y extraños con su película anterior, Open 24 h. (2009), sigue una carrera, ya de carácter internacional (está rodada en Nueva York con actores americanos) demostrando que, si bien quizás ya no hay historias nuevas que contar, sí que hay formas diferentes de hacerlo. Callback es una de ellas, elegante y que evita caer en fuegos de artificio.

 

SHIN GODZILLA (シン・ゴジラ Shin Gojira, Hideaki Anno y Shinji Higuchi, 2016) 

Japón. Duración: 120 min. Guión: Hideaki Anno Música: Shirô Sagisu Fotografía: Kosuke Yamada Productora: Toho Company / TFC Género: Ciencia ficción

Reparto: Satomi Ishihara, Hiroki Hasegawa, Yutaka Takenouchi, Akira Emoto, Kengo Kôra,Jun Kunimura, Ren Ohsugi, Mikako Ichikawa, Pierre Taki, Mark Chinnery

Sinopsis: Godzilla, fuerza destructiva insondable para el hombre, resucita en el Tokio de hoy en día para acosar de nuevo a la civilización. Un país aún atormentado por las secuelas de un desastre natural, experimenta de repente el horror catastrófico de Godzilla. Apremiado por la muerte y la desesperación, Japón deberá encontrar el poder para superar este desafío.

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Estamos ante la primera película de Godzilla realizada en Japón desde Godzilla: Final Wars (2004) de Ryuhei Kitamura. Dirigida por Hideaki Anno (“Evangelion”) y Shinji Higuchi (“Attack on Titan”) nos encontramos ante una película que muy difícilmente gustará a todos, pues nos hemos encontrado tanto ante los que, en vista del trailer, se han alegrado de que el protagonista de la misma no sea el saurio gigante; como ante los que se quejan, precisamente, del poco protagonismo que tiene el monstruo, en beneficio de interminables escenas de reuniones de gabinetes de crisis con cierto tono crítico ante la burocracia del gobierno japonés. Emula la ingenuidad de los Kaiju Eiga originales, utilizando la peripecia para analizar las coyunturas políticas del Japón actual, la injerencia americana y la ya nombrada burocracia, que mantiene el país inmovilizado mientras el monstruo va avanzando en poder destructivo. Sus personajes son esquemáticos, su historia de amor, tan blanca que se queda en intuida, e incluye un canto al orgullo nacional ante la dependencia a otras naciones. Incluye también chistes cinéfilos para fans de la serie e incluso la banda sonora original al final de la cinta, aunque definitivamente ya no son maquetas lo que destruye Godzilla, ni estas son pisoteadas por  un hombre dentro de un traje de monstruo. Tenemos un monstruo animado por elementos digitales, más temible, pero también mucho menos entrañable.

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FIGURAS OCULTAS (Hidden Figures, Theodore Melfi, 2016)

USA Duración: 127 min. Guión: Allison Schroeder (Novela: Margot Lee Shetterly) Música: Benjamin Wallfisch, Pharrell Williams, Hans Zimmer Fotografía: Mandy Walker Productora: Fox 2000 Pictures Género: Drama 

Reparto: Octavia Spencer, Taraji P. Henson, Janelle Monáe, Kirsten Dunst, Kevin Costner, Mahershala Ali, Glen Powell, Rhoda Griffis, Ariana Neal, Maria Howell, Alkoya Brunson, Jaiden Kaine, Wilbur Fitzgerald, Saniyya Sidney, Bob Jennings, Lidya Jewett, Ron Clinton Smith

Sinopsis: Narra la historia nunca contada de tres brillantes mujeres científicas afroamericanas que trabajaron en la NASA a comienzos de los años sesenta, en plena carrera espacial y también en mitad de la lucha por los derechos civiles de la gente de color, en el ambicioso proyecto de poner en órbita al astronauta John Glenn.

119187-jpg-r_1280_720-f_jpg-q_x-xxyxxEl adjetivo que debe recibir esta cinta es claramente el de bienintencionada. Pero, vaya usted a saber si es porque cada poco recibimos noticias de abusos policiales (incluidos tiroteos mortales) a ciudadanos estadounidenses afroamericanos desarmados; o porque los informativos hablan del frío que pasan los refugiados mientras esperan en tierra de nadie ser acogidos en Europa; o, quizás porque personalmente no andamos muy animados respecto al funcionamiento del mundo actual, el caso es que este dulcificado mea culpa no nos lo terminamos de creer. El que se abuse de los conocimientos de tres superdotadas intelectuales de raza negra en la NASA durante los sesenta a cambio de un trato insultante nos lo creemos, por supuesto, pero también resulta insultante el tono que tiene esta película, con un alegato a la bondad universal que haría palidecer de vergüenza ajena al mismísimo Mahatma Gandhi.

Vayamos por partes. En un escenario con la guerra fría como fondo; con dos potencias en lucha por ganar la carrera espacial; con la amenaza nuclear sobrevolando la vida cotidiana; y todo esto multiplicado por 1000 si se es mujer, y además, negra, resulta más que admirable, milagroso, que tres damas superdotadas en ciencias lograran sobresalir en un mundo tan de hombres y cerrado como la NASA. Y en los años sesenta. Y siendo mujeres. Y negras. El como se consigue es a base de aceptar tanta injusticia como el cuerpo aguante, y esto es parte importante de este ameno relato, que se edulcora con ciertas dosis de comedia a ritmo de un primerizo Soul. Todo bien, pero todo va tan bien y todos los personajes son tan maravillosos que, en algún momento la película comienza a resultar banal. Y es que, americanos blancos: si. Autocríticos: si, pero también, los buenos de la película, que viven en el mejor país del mundo, la tierra de las oportunidades. Y oigan, con tanta desigualdad social la cosa hoy por hoy no nos cuela. Se habla de estas mujeres negras porque consiguieron un objetivo. Nadie habla de los y las que quedaron por el camino. No. Así no. Sin lugar a dudas una interesante y poco conocida historia que, de haber caído en manos de, pongamos, Clint Eastwood, sin duda habría tenido unos resultados menos edulcorados que habrían causado menos sonrisas optimistas a la salida del cine, pero también habría resultado más solida y realista.

Y todo ello a pesar de la buena intención que ponen su actores. Desde las tres actrices protagonistas,  Octavia Spencer, Taraji P. Henson y Janelle Monáe; pasando por una irreconocible Kirsten Dunst realizando un papel de adulta; llegando a un correcto Kevin Costner (de lo mejor de la función, con ello les digo todo) y finalizando con un Jim Parsons encarnando  a un perfecto antepasado de Sheldon Cooper.

 

TONI ERMANN (Maren Ade, 2016)

Alemania Duración: 162 min. Guión: Maren Ade Fotografía: Patrick Orth Productora: Komplizen Film / Coop99 Filmproduktion / KNM Género: Comedia.

Reparto: Peter Simonischek, Sandra Hüller, Lucy Russell, Trystan, Hadewych Minis,Vlad Ivanov, Ingrid Bisu, John Keogh, Ingo Wimmer, Cosmin Padureanu, Anna Maria Bergold, Radu Banzaru, Alexandru Papadopol, Sava Lolov, Jürg Löw, Miriam Rizea

Sinopsis: Ines (Sandra Hüller),se encuentra trabajando para una importante empresa alemana fuera del país, concretamente en Budapest. Un día su padre Winfried (Peter Simonischek) aparece en la ordenada vida de Ines de imprevisto, ya que está completamente seguro de que su hija ha perdido el sentido del humor y busca sorprenderla con una serie de bromas que tiene preparadas para ella. Incapaz de darle una respuesta a la pregunta de si es feliz, la existencia de Ines cambiará para siempre gracias al imaginativo personaje de su padre: Toni Erdmann.

cartel_toni_erdmannDe entre todas las sinopsis que pueden encontrarse sobre esta multipremiada película, la que hemos escogido es quizás una de las más cercanas a lo que podemos ver en el film de Maren Ade, pero es tan solo un acercamiento a su trama. Vamos a ver,  se nos está intentando vender Toni Ermann como una comedia y aunque ciertamente contiene momentos hilarantes, conforme se va digiriendo  uno descubre que, ante todo, nos encontramos frente a un drama. Las cosas no tienen fácil solución, pero añadir de vez en cuando un gramo de locura, sin duda puede ayudar a sobrellevar la dura existencia. Pero Toni Erdmann no es un sabio, un ‘Pacomartinezsoria’ que viene a sanar la vida de su hija mostrándole los parabienes que ofrece detenerse a disfrutar del paisaje y evitar vivir con menos dramatismo. No, Winfried también posee una personalidad que lo convierte en un marginado. Con un extraño humor y unos métodos de pesadilla que incluso pueden perjudicar involuntariamente a sus semejantes. Al final ambos aprenderán la lección bebiendo el uno del otro. Pero lo que se dice cambiar, no cambiará nada en esa carrera de ratas que para algunos es la vida y que representa el día a día de Ines. Aunque puntualmente pueda contemplarse con unos dientes de pega puestos. Pero no tan solo nos hará pensar y nos dejará, en su conclusión, con un sabor agridulce, la cinta de Ade también deja ver una muy saludable e incisiva crítica al sistema capitalista y al sexismo.

Toni Ermann es la tercera película que ha dirigido por la directora y productora alemana Maren Ade. Se beneficia de unos muy  bien escogidos protagonistas: Sandra Hüller es una reputada actriz de teatro alemana  que con su debut cinematográfico en Requiem ( Hans-Christian Schmid, 2006) obtuvo el Oso de Plata en el Festival de Berlín y el Premio a la Mejor Interpretación Femenina en la Gala del Cine Alemán. Recientemente ha obtenido el galardón a Mejor Actriz en los Premios del Cine Europeo por su soberbia interpretación en Toni Erdmann.  Por su parte Peter Simonischek es un veterano actor alemán de cine, teatro y televisión que ha trabajado con prestigiosos directores como  Margarethe von Trotta, Hans Steinbichler, Felix Fuchssteiner, Dani Levy y Götz Spielmann entre otros.  Por su original trabajo en esta película  ha obtenido el galardón a Mejor Actor en los Premios del Cine Europeo.

Tras su participación en importantes festivales, Toni Erdmann ha dejado una estela de elogios que se han traducido en importantes premios y nominaciones, entre los que destacan: cinco premios del Cine Europeo (Película, Directora, Actriz, Actor y Guion), dos galardones en el Festival de Sevilla (Gran Premio del Público y  Premio Eurimages), el Premio Fispresci del Festival de Cannes,  el Gran Premio Fipresci de la Crítica a la mejor película del año y el Premio Lux del Cine Europeo. La película, que está preseleccionada  para los Premios Oscar, ha recibido recientemente una nominación a Mejor Película de Habla No Inglesa en los premios BAFTA.

Una interesante propuesta, no apta quizás para todo tipo de estómagos, pero sin duda original que si peca de algo, es quizás de jugar peligrosamente con nuestra vejiga dada su duración de casi tres horas.

LOVING (Jeff Nichols, 2016)

UK/USA Duración: 123 min. Guión: Jeff Nichols Música: David Wingo Fotografía: Adam Stone Productora: Big Beach Films / Raindog Films Género: Drama

Reparto: Joel Edgerton, Ruth Negga, Michael Shannon, Marton Csokas, Nick Kroll, Jon Bass, Bill Camp, David Jensen, Alano Miller, Sharon Blackwood, Chris Greene

Sinopsis: La historia real de Mildred y Richard Loving, una pareja que se casó en Virginia en 1958. Debido a la naturaleza interracial de su matrimonio, fueron arrestados, encarcelados y exiliados. Durante una década la pareja luchó por su derecho a regresar a casa.

(RESEÑA COMPLETA EN ESTE ENLACE)

 

 

Categorías:VAMOS DE ESTRENO

CUTRECON VI arranca el 25 de enero con los peores musicales de la historia

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CutreCon VI, el Festival Internacional de Cine Cutre de Madrid, da el pistoletazo de salida el próximo 25 de enero, donde a lo largo de cinco intensos días los espectadores que se acerquen hasta las distintas sedes del festival (Cine de la Prensa, Auditorio del Centro Cultural de la Casa del Reloj y la sala Artistic Metropol), verán una selección de los peores musicales de la historia del cine junto a otros títulos de referencia como ‘Troll 2′, la considerada peor/mejor película de la historia del cine, que contará con la presencia de su director, Claudio Fragasso, durante la proyección. En total, CutreCon VI ofrecerá 19 películas de todo tipo de géneros pero con uno de ellos como protagonista absoluto: el musical. Un género hoy más en boga que nunca gracias al reciente estreno de La La Land (‘La ciudad de las estrellas’ en España), “Pero que nadie espere ver algo remotamente parecido a ‘La La Land’ en CutreCon VI” advierte el director del festival, Carlos Palencia. “Los musicales que vamos a proyectar sólo han obtenido un premio: el de mayor vergüenza ajena.”

CINE BASURA: LA PELI

cutrecon-vi-poster-finalNo obstante, en CutreCon VI no todo van a ser películas donde se canta (mal) y se baila (peor), sino que también hay hueco para propuestas tan originales como CineBasura: La Peli, que será la encargada de inaugurar, por todo lo alto, esta sexta edición del festival el próximo miércoles 25 de enero a las 21:30 horas en el Cine de la Prensa de Madrid (C/ Gran Vía, 46). Dirigida por Paco Fox y Miguel Ángel Viruete, CineBasura: La Peli es el primer film español que homenajea al cine cutre, toda una “carta de amor” por la serie Z que sus creadores han convertido en una disparatada comedia. Y es que un argumento en el que dos videobloggers se meten por accidente en una mala película, y al salir se traen consigo todos los clichés que acompañan a ésta (micrófonos que aparecen de repente, fallos de raccord, monstruos de saldo y cromas de baratillo), no puede ser una película precisamente seria.  Proyectada en la pasada edición del Festival de Sitges, CineBasura: La Peli tenía que estar “obligatoriamente” en CutreCon VI, como afirma Carlos Palencia. “Que una película haga un homenaje al cine que se proyecta en este festival es como un sueño. Evidentemente, no la podíamos deja escapar”.

La proyección de CineBasura: La Peli contará con la presencia de su equipo artístico y técnico, donde destacan sus dos actores protagonistas junto al propio Paco Fox: Miguel Ángel Aijón y Natalia Álvarez-Bilbao. El film cuenta también con la presencia del cómico Agustín Jiménez y la estrella de cine porno Amarna Miller, entre otros rostros conocidos que la audiencia a buen seguro reconocerá en la pantalla. Y seguro que también por los altavoces, porque la inconfundible voz del famoso youtuber Zorman sonará en la que es la canción oficial del film, compuesta por él mismo.

CLAUDIO FRAGASSO, PREMIO ESLANG JESS FRANCO 2017

Si alguien ha dirigido a lo largo de su carrera casi 30 películas, merece un respeto. Si ese alguien además ha dirigido la que para muchos es la considerada peor/mejor película de todos los tiempos, merece un premio. Y ese alguien es Claudio Fragasso, cineasta italiano cuya prolífica y variada filmografía abarca desde el terror de bajo presupuesto como Zombi 3; westerns como Apache Kid o filmes dedicados a la mafia italiana como Camino sin retorno o La banda. Pero si una película destaca entre todas ellas es Troll 2 (1990), la que para muchos es la mejor peor cinta de todos los tiempos. Y es que se ha convertido, gracias a escenas como la famosa ‘Oh my God!’ (en Youtube se acerca ya a los seis millones de visionados y es un meme muy popular en Internet), en todo un título de culto venerado en todo el mundo por los fanáticos del cine cutre, cuya fiebre por esta película tuvo su culmen en Best Worst Movie (2009), documental que profundiza en el rodaje de la cinta y en las hordas de fanáticos que ha generado.

Con semejantes credenciales, los responsables de CutreCon VI tenían muy claro que este año el Premio ESLANG Jess Franco 2017 sería para Claudio Fragasso, quien vendrá a recoger su premio y a charlar con los espectadores el jueves 26 de enero a las 21:00 en el Cine de la Prensa, en la sesión doble dedicada al cineasta en la que se proyectará, claro, Troll 2 y la que fue su primera película como director (no acreditado), Apocalipsis caníbal.

Fragasso vendrá a Madrid acompañado de su esposa, Rossella Drudi, quien además es su pareja profesional, pues es guionista de casi todos sus títulos, incluyendo Troll 2, por lo que aquellos que se acerquen al Cine de la Prensa para disfrutar de esta sesión doble dedicada al realizador italiano, verán la película junto a sus dos máximos responsables creativos.

AUDITORIO DEL CENTRO CULTURAL DE LA CASA DEL RELOJ

El epicentro de CutreCon VI, al igual que en las pasadas cinco ediciones, será esta emblemática sede situada en el Matadero de Madrid (Paseo de la Chopera, 10). El Auditorio, que vio nacer al festival allá por 2011, será el encargado de ofrecer el grueso de la programación de CutreCon VI, proyectando hasta ocho películas en sesiones gratuitas.

Viernes 27

nudist-colony-of-the-deadEl viernes 27 de enero será la tarde de los zombies en CutreCon Vi, pues a las 17:00 horas abre la jornada Nudist colony of the dead un divertido musical donde hay muchos muertos vivientes… y casi ningún desnudo. Su engañoso título ya debería justificar su visionado, pero es que además sus números musicales y sus pegadizas canciones levantarán al público de sus asientos.

Y por si una buena ración de zombies bailarines no fuera suficiente, ahí está el programa #CineBasura de Movistar+ Xtra para saciar el apetito de los espectadores. El espacio, conducido por Paco Fox y Carlos Palencia (director de CutreCon VI) diseccionará en directo a las 20:30 horas, junto al mencionado youtuber Zorman, nada menos que el “clásico” House of the Dead, del controvertido director alemán Uwe Boll, quien recientemente ha anunciado, para alivio del séptimo arte y desgracia del público de CutreCon VI, su retirada del cine. House of the Dead es probablemente la peor adaptación de un videojuego de la historia (y ya es mucho decir), donde se combinan actores mediocres, un guion inexistente y una dirección tan demencial que se aconseja ver la película acompañado de una caja de Biodramina. Un título de culto que acompañado de los comentarios del trío Fox/Palencia/Zorman house_of_the_dead-813503364-largepromete pasar a la historia de CutreCon como una de sus sesiones más divertidas y memorables.

Sábado 28

El sábado 28 llega el día grande en CutreCon VI, pues a las 10:45 horas comienza el maratón de películas con la ya clásica sesión doble de cine infantil, donde los espectadores más madrugadores podrán descubrir dos “joyas” como La leyenda de los dinosaurios, todo un hito de la cinematografía, pues estamos ante la que es, sin ninguna duda, la peor película de dinosaurios jamás filmada; y Caperucita y Pulgarcito contra los monstruos, un despropósito mexicano en el que estos dos entrañables personajes de cuento cantarán y bailarán mientras se enfrentan a seres con disfraces ridículos y robots de cartulina.

A las 13:15, Zipi y Zape, los personajes del tebeo más queridos por varias generaciones de españoles (con permiso de Mortadelo y Filemón), toman la pantalla con su adaptación más demencial y descacharrante en Las aventuras de Zipi y Zape, un musical cuyo visionado sí que supone toda una aventura, pues sus canciones, diálogos y puesta en escena supondrán todo un castigo para el público, que se verá recompensado con el glorioso clímax final de la película.

Tras un pequeño descanso para comer, llega a las 16:30 horas Hard Rock Zombies, el musical zombie definitivo en el que un grupo de Heavy Metal resucita de entre los muertos para triunfar con su atronadora música en un pueblo de mala muerte de Estados Unidos. Rock duro y mucha desvergüenza, aunque no tanta como la que propone La isla de los pigmeos sangrientos, que a las 18:15 hará desfilar por la pantalla del Auditorio toda una serie de aberraciones que pretenden dar miedo, pero que provocarán un ataque de risa con sus efectos especiales caseros.

Y como colofón de la tarde, llega a las 20:25 horas una de las propuestas más exóticas y surrealistas que jamás se haya proyectado en CutreCon: BCN Knockout. Este film de artes marciales indio, con escenas de lucha coreografiadas por los responsables de la saga Ong Bak, tiene la particularidad de haber sido rodado íntegramente en Barcelona, con lo que no sólo podremos distinguir algunos de los monumentos más emblemáticos de la ciudad condal, sino que escucharemos como banda sonora algunos clásicos de la rumba catalana.

SESIONES GOLFAS

the-apple-posterPor si pasar todo un día viendo las peores películas que existen no fuera suficiente, CutreCon VI ofrece a los espectadores más valientes una sesión golfa al terminar las jornadas del viernes 27 y el sábado 28 respectivamente, a las 23:30 horas en el Cine de la Prensa.

La primera de ellas, el viernes 27, es el show Cine para Chicas y maricas, el espacio en el que Julián Almazán (TeenageThunder.com) y Jimina Sabadú (guionista de Faraday), rinden un sincero homenaje al cine dedicado al público femenino y homosexual con el que creció la generación de los 70 y los 80. Para celebrar la unión del espectáculo con CutreCon VI, Almazán y Sabadú han elegido el mítico musical The Apple, una horterada llena de melenas, cardados, vestuario chillón y mucha caspa, todo ello acompañado de números musicales ridículamente divertidos.

Pero sin duda, la propuesta más loca, desenfrenada, bizarra y absurda de CutreCon VI, y la sesión que puede hacer historia es Action jackson, que culminará la jornada del sábado. Este film de Bollywood, rodado con un presupuesto multimillonario, está protagonizado por Ajay Devgn, el conocido como “Chuck Norris indio”, toda una estrella de acción del país asiático. Tiroteos, persecuciones, acción delirante rodada con un sinfín de cámaras, artes marciales… junto a escenas de amor que hacen que un culebrón de sobremesa parezca escrito por Shakespeare. Y cómo no, entre patada y patada, una buena escena en la que los protagonistas cantan y bailan. Su tráiler no deja lugar a dudas: estamos ante un clásico instantáneo del cine, que CutreCon VI trae a Madrid gracias a la colaboración del Festival Nits de Cinema Oriental de Vic.

DOCUMENTRASH Y CASIOTÓN

La guinda de CutreCon VI la ponen en la jornada de clausura dos propuestas tan dispares como divertidas. Por un lado, tenemos Documentrash, sesión dedicada al cine documental en torno al cine cutre que tan buena acogida tuvo la pasada edición. Este año, llega a la sala Artistic Metropol (Calle de las Cigarreras, 6) a partir de las 11:30 con una sesión doble que los más cinéfilos no deben perderse.

En la premiere europea de Doomed! descubriremos los secretos del rodaje de Los 4 Fantásticos de Roger Corman. Basada en el cómic de Marvel, esta adaptación chapucera y filmada a toda velocidad sin ton ni son para que la productora no perdiera los derechos de la historieta, jamás fue estrenada en un cine, algo que sabían que ocurriría sus máximos responsables (incluido Corman), pero desconocían tanto el reparto como el equipo técnico de la película.

A las 14:30 horas, llega Remake, Remix, Rip-Off, que bucea en la industria del cine turco, que durante la década de los 70 y 80 del siglo pasado se dedicó a copiar sin escrúpulos (y sin derechos, claro), los grandes éxitos de Hollywood. Así, personajes como E.T., Rocky, Superman o la niña de ‘El exorcista’ tienen su alter ego turco, bastante más lamentable, pero mucho más divertido. El documental profundiza en el fenómeno de este cine, que en la actualidad tiene millones de adeptos que se reúnen a lo largo de todo el planeta para mofarse de estas versiones de saldo, cuyo culmen es Dunyayi Kurtaran Adam, la conocida como “el ‘Star Wars’ turco”, un film en el que se roban por la cara planos de la película original de George Lucas, mientras suena la banda sonora compuesta por John Williams… de Indiana Jones.

Cierra CutreCon VI la maratón final de cuatro películas, que como viene siendo habitual se desarrolla íntegramente en la sala Artistic Metropol. En esta sexta edición, el nombre que los responsables de CutreCon le han dado no podría ser más apropiado: Casiotón. Y es que los cuatro títulos que se van a proyectar tienen mucho Casiotone, el mítico teclado electrónico que hizo furor en la década de los 80 y del que el cine de serie Z es deudor.

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Abre la Casiotón el estreno europeo de El hombre excedente interplanetario y las mujeres amazonas del espacio exterior, el homenaje al cine de bajo presupuesto que Sam Firstenberg (Premio Jess Franco 2016), realizó a comienzos del siglo XXI para reivindicar un tipo de cine que ya no va a volver. Y la propuesta no podía haberle salido mejor, pues es todo un homenaje… y un despropósito. A ésta le sigue Cenicienta 2000, adaptación (demasiado) libre del clásico cuento, en lo que es un musical erótico que combina ciencia-ficción y escenas picantes, a cada cual más hilarante. Pero sin duda, la estrella de la Casiotón es Golimar: The Movie, film indio que, por primera vez, podrá verse en cine gracias a Trash-O-Rama Distribución, que ha proporcionado el remontaje internacional hasta ahora inédito en nuestro país. ‘Golimar’, protagonizada por Megastar Chiranjeevi, una de las mayores estrellas del cine indio, contiene la versión hindú del archiconocido videoclip ‘Thriller’ de Michael Jackson, cuyas visitas en Youtube se cuentan por millones. Por último, el Premio ESLANG Jess Franco 2017, Claudio Fragasso, pone el broche final de CutreCon VI con Monster Dog, una coproducción entre Estados Unidos y España rodada en Madrid protagonizada por la estrella de rock Alice Cooper, al que veremos enfrentarse a sanguinarios hombres lobo, acompañado de mitos del cine fantástico patrio como Victoria Vera y Emilio Linder.

ENTRADAS YA A LA VENTA
Las entradas para las distintas películas, maratones y sesiones de CutreCon ya están disponibles en los enlaces habilitados de la web oficial del festival, Cutrecon.com. Asimismo, las invitaciones para las proyecciones del Centro Cultural de la Casa del Reloj sólo podrán ser retiradas el mismo día en el propio recinto, tal y como se explica en cutrecon.com/entradas.
La CutreCon está organizada por los responsables de la web de cine y humor Cinecutre.com con el patrocinio de WTF?! Smart Sticker, el concesionario Autoback, la red de apartamentos Home Rentals Madrid, la editorial Applehead Team, el portal ESLANG.es, el pub El pez eléctrico (garito oficial del festival) junto con el apoyo del Distrito de Arganzuela de Madrid, así como con la colaboración de Cine de la Prensa, MOVISTAR+, el restaurante Jota Batela (restaurante oficial del festival), la distribuidora Trash-O-Rama, la sala de cine Artistic Metropol, la productora de comedia Conejornio Producciones, las tiendas Freakland y Trampantojo, la red Cortoespaña, la web Nanarland.com y el Festival Nits de Cinema Oriental de Vic.
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El Salón del Cómic de Barcelona dedicará una exposición al universo ‘Fanhunter’ de Cels Piñol

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Cels Piñol es el autor de Fanhunter, una obra ambientada en una Barcelona del futuro donde todas las expresiones de ocio, cultura y subcultura han sido prohibidas por un villano, Alejo I, que se ha autoproclamado Papa y ha conquistado medio planeta. Sus tropas de represión, Fanhunters y Macutes, destruyen toda aquello relacionado con los libros, los cómics, los juegos, la música, el cine, el teatro y cualquier expresión artística con el fin de sumir a la población en el tedio y la monotonía. Solo un grupo de luchadores se enfrentan al villano, fans, coleccionistas y mitómanos de todo tipo que utilizan sus conocimientos frikis para enfrentarse a la tiranía. La exposición Cels Piñol – Fanhunter: El futuro está en juego mostrará una completa retrospectiva a esta serie que ha ido más allá del cómic con exitosos juegos de mesa, novelas y merchandising.

cels-pinolCreado por Cels Piñol (Barcelona, 1970) hace 27 años, Fanhunter se ha convertido en un éxito de ventas que ha sido publicado por Planeta-DeAgostini y Panini Cómics, entre otras editoriales, durante tres décadas. Comenzó como un pequeño fanzine autoeditado y se convirtió en una de las franquicias más exitosas del país. Se han editado cómics, juegos, novelas, discos, miniaturas y todo tipo de merchandising. En la actualidad, Gigamesh Ediciones publica los cómics y novelas gráficas, mientras que Panini Books edita las novelas. Devir Iberia ha adquirido el resto de derechos de explotación internacional y publicará varios juegos de mesa inspirados en la marca y en los emblemáticos juegos de rol y tablero de Fanhunter que reinaron en las mesas de juego durante los años ’90 y que cuentan con una legión de seguidores en la actualidad, muchos de ellos fan-letalfans como los protagonistas de la obra… y ahora también sus hijos. En el Salón del Cómic se presentarán las últimas novedades editoriales y de juegos de Fanhunter.

Cels Piñol es guionista, ilustrador, escritor, editor, packager editorial, coleccionista y diseñador gráfico. Hasta hace poco gestionaba él mismo los derechos de su obra, pero ha decidido ceder esa tarea a Devir Iberia para dedicarse a su faceta creativa. Vive en Barcelona, con su mujer y sus dos hijas.

La exposición Cels Piñol – Fanhunter: El futuro está en juego repasa casi tres décadas de esta obra de “humor épico-decadente” que nos advierte sobre los peligros de un futuro donde la intolerancia y la falta de libertad están a punto de ganar la batalla a la cultura y al sentido común. La exposición se divide en cuatro partes: Presentación, que contiene muestras originales de las obras que Cels autoeditaba en formato fanzine; Nudo, que ofrece un repaso a sus creaciones en grandes editoriales como Planeta, Panini o Gigamesh; y Desenlace, donde se incluyen originales relacionados con el resurgimiento de los juegos basados en sus conceptos y la consolidación de Fanhunter como una obra global, incluidos los nuevos diseños de personajes y escenarios que se mostrarán al público por primera vez en esta edición del Salón del Cómic. En una cuarta sección, Continuará, se mostrarán ejemplares físicos de todas su obras, la mayoría de ellas agotadas desde hace años, y su evolución cronológica hasta la llegada de los nuevos lanzamientos que, como bien reza el título de la exposición, abren la obra a un futuro que, ahora más que nunca, está en juego.

El 35 Salón Internacional del Cómic de Barcelona se celebrará del jueves 30 de marzo al domingo 2 de abril en Fira de Barcelona Montjuïc.

La venta anticipada de entradas se iniciará el próximo 1 de febrero de 2017 exclusivamente desde www.ficomic.com.

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Categorías:Cómic Barcelona

Certamen literario Cryptshow-Males Herbes

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Cryptshow Festival comença a fer rodar la maquinària. L’1 de març, últim dia per presentar relats en català al Certament literari Cryptshow Males Herbes i ho fa presentant-vos la temàtica de la que serà l’onzena edició: els estats alterats. Però què entenem per “estats alterats”?
Hom escolta “estats alterats” i pensa en jonquis, artistes i científics bojos. Però avui, en una civilització de civilitzacions cada cop més complexa, les fronteres que delimiten els estats de la consciencia es difuminen i la moral que els jutja és posada en dubte.

Drogues com l’LSD o l’èxtasi, demonitzades durant anys, avui són utilitzades per alguns psicoterapeutes.

L’heroïna surt de les zones deprimides i atrapa joves de tots els estrats socials.

El xarop per a la tos ha arribat a ser la segona droga més consumida pels adolescents dels EUA.

Al Iemen, la majoria dels homes masteguen de manera ritual cat, un estimulant vegetal que provoca adició.

L’església Nativa Americana de Mèxic utilitza el peiot amb finalitats religioses.

L’estres s’ha convertit en una pandèmia, abocant-nos a un estat d’activació constant que provoca estats d’ànim alterats que somatitzen en trastorns físics.

Els millennials viuen enganxats als dispositius intel·ligents, en un dia a dia que confon les fronteres de la realitat, els somnis i el món virtual.

A Internet trobem fàcilment consells per assolir un estat alterat de la consciència sense necessitat de drogues: la privació de la son, la respiració holotròpica, els tancs d’aïllament sensorial o, simplement, dormir amb un braç alçat o mirar fixament els ulls d’una altra persona durant més de deu minuts en són alguns exemples.

Ja pot viatjar sense moure’s de casa.

BASES DEL CERTAMEN LITERARI CRYPTSHOW FESTIVAL/MALES HERBES 2017: ESTATS ALTERATS

1. Poden participar tots els autors amb una única obra original i inèdita, en llengua catalana.

2. El relat versarà sobre estats alterats. Els textos han de tenir una extensió d’entre 10 i 15 fulls a doble espai i en lletra Times New Roman, cos 12.

3. L’editorial Males Herbes publicarà els millors relats en un llibre que inclourà també obres de diversos autors convidats a participar en aquesta antologia. Tots els seleccionats rebran un exemplar del llibre i una entrada per al Cryptshow Festival 2017.

4. Es constituirà un jurat integrat per professionals vinculats a la literatura i els gèneres fantàstics que farà una selecció de les obres rebudes.

5. Les obres s’han d’enviar abans del dia 1 març 2017 a: obra@cryptshow.com. En el títol del missatge ha de figurar: CERTAMEN CRYPTSHOW MALES HERBES 2017. S’hauran d’enviar dos arxius adjunts nomenats segons el següent exemple: titoldelobra.doc i titoldelobraPLICA.doc. El primer document contindrà l’obra, en format .doc. El segon document contindrà la plica, és a dir: títol, nom i cognoms de l’autor, data de naixement, adreça postal completa, adreça de correu electrònic i número de telèfon, així com un text en el qual l’autor es comprometi a acceptar les bases del certamen.

6. Mitjançant la seva participació, tots els autors manifesten que l’obra és de la seva autoria i que els drets d’edició i/o reproducció d’aquesta no estan cedits a tercers. Així mateix, autoritzen a Cryptshow Festival i Males Herbes a publicar la seva obra i a utilitzar-la per a fins promocionals. La participació en aquest certamen implica l’acceptació sense reserves d’aquestes bases. Tota responsabilitat derivada de l’incompliment d’aquest punt recau directament sobre l’autor.

Cryptshow Festival
Del 5 al 9 de Juliol
Badalona

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Presentación Festival Nits de Cinema Oriental 2017

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Coincidiendo con la llegada del Año Nuevo chino, el año del Gallo, el Festival Nits de Cinema Oriental de Vic 2017 dará a conocer el sábado 28 de enero  el cartel y algunas novedades de la 14ª edición en rueda de prensa en la Sala José Romeu de la Biblioteca de Vic, a las 12 del mediodía. Intervendrán la concejala de Cultura del Ayuntamiento de Vic, Susagna Roura, y el director del certamen, Quim Crusellas.

A las 8 de la tarde se hará la premiere europea de Call of Heroes, uno de los filmes chinos más espectaculares de la temporada. La proyección será en el Cine Vigatà. A partir de las 11 de la noche, el Casino de Vic acogerá la presentación del grupo musical Zâo.

Más información en http://www.cinemaoriental.com

12.00 horas – Rueda de prensa Presentación Festival Noches 2017 Sala José Romeu – Biblioteca Joan Triadú de Vic C / Arzobispo Alemany, 5   Intervenciones confirmadas: Susagna Roura, concejala de Cultura del Ayuntamiento de Vic Quim Crusellas, director de Festival Noches de cine oriental
20.00 horas – Proyección de Call of Heroes. Cine Vigatà – c / Jacinto Verdeguer, 22   Reserva de entradas (5 euros) para la sesión a nits@cinemaoriental.com Las podréis recoger desde una hora antes de la proyección en las taquillas del Cine Vigatà
23.00 horas – Concierto de presentación del grupo Zâo. Casino de Vic – c / Jacinto Verdeguer, 5   Venta de entradas en el mismo Casino desde una hora antes del concierto
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