Archivo

Archive for 28 febrero 2013

La ira del Señor: David Muñoz y Adrían Cardona nos hablan de Fist of Jesus

28 febrero 2013 Deja un comentario

548620_313292145448750_1266530277_n

David Muñoz y Adrián Cardona son dos relizadores que tienen el don de hacer milagros. No es broma. Tan solo basta ver algunos trabajos que han realizado para sorprenderse de que, con un presupuesto casi inexistente, pueden realizar lo que no dudamos en calificar de hazañas. ¿Qué decir de David, que realizó el corto Barcelona-Venecia por menos de un euro, con viaje a Italia incluído para el mínimo equipo necesario de personas? ¿O de los artesanales pero altamente eficaces efectos especiales que Adrián incluye en sus obras? Pero no se queden solo en eso, ya que también sus cortos rebosan ingenio y pasión por hacer lo que les gusta, aunque estos tiempos que nos han tocado vivir desanimen a cualquiera. Con la primera obra que firmaron ambos (junto a Rafa Dengrá), Brutal Relax, consiguieron uno de los cortos más populares y premiados en festivales y este Fist of Jesus promete seguir sus pasos, con el añadido de la posibilidad de que pase a ser un largometraje, Once Upon A Time in Jerusalem, lo que, visto el corto, nos llenaría de gozo a sus seguidores.

Con todos ustedes…Fist of Jesus:

 

Y aprovechando que queríamos compartir el enlace para que los pocos que no lo han visto pudieran disfrutar de sus piadosos 14.45 minutos de humor y gore, hemos hecho unas preguntas a sus creadores:

– ¿Cómo nace Fist of Jesus? ¿A quien se le ocurrió?

David: Se me ocurrió cuando tendría siete u ocho años, es lo que tiene ir a un colegio de curas y distraerse habitualmente dibujando en clase de religión. Con el tiempo esa historia loca que se me ocurrió, vi que daba para un corto y la escribí. Ahí quedó hasta que Adrián y yo decidimos juntarnos para una nueva locura.

– Por cierto, ¿el nombre hace referencia a Fist of fury (Furia oriental) de Bruce Lee?

Adrián:
Pues en cierto modo sí, toma por referencia todas esas pelis que tienen la palabra Fist en el título.

David: Fist of the North Star, Fist of Legend, y los muchos sucedáneos de Fist of Fury… Casi ninguna es de género, pero si que este tipo de título es ya como un sello que nos gusta a los fans del género. Ves una “Fist of algo” y ya quieres verla. Por eso lo elegimos. Lo mismo ocurre con “Once Upon a Time in Jerusalem”, es un tipo de título que ya nos suena a peli que querríamos ver.

– ¿Dónde fue el rodaje y cuanto duró? ¿Cuál fue su presupuesto y como lo habéis financiado? ¿Algún actor o colaborador se mostró reticente a tomar parte en el proyecto al saber su temática?

Adrián: El rodaje del corto fue en varias localizaciones de Ibiza durante 11 días entre Abril y Mayo del 2012. Entre ellos hubo días de trabajo muy intenso y otros en los que muy necesariamente recurríamos a rodajes más cortos para el resto del día preparar todo lo que aún nos faltaba para el próximo rodaje.  

Tuvimos un presupuesto de aproximadamente 1600 euros incluyendo viajes en avión a Ibiza, catering, etc… Evidentemente en esa cifra no está presupuestado el trabajo en horas y esfuerzo de todos los que estuvimos entregados a la causa.

David: El rodaje, como la mayoría era en una reserva natural en Ibiza, solo aparecían algunos turistas. Nos grababan y nos sacaban fotos, les dábamos nuestro email y en parte nos han hecho el making of. Otros más animados hasta se ofrecían a disfrazarse y actuar en el corto. Al día siguiente te los volvías a encontrar en la zona y se habían traído amigos. La gente que pasaba por allí nos ayudó mucho en el corto.

– ¿Que tal está funcionando en Festivales?

Adrián: En festivales está funcionando muy bien por el momento, pero en realidad casi acaba de empezar a moverse, aún es pronto. Creemos que de cara al público es como mejor puede funcionar en festivales debido al carácter gore-festivo y de comedia que tiene. Al fin y al cabo es un corto gamberro que tiene por objetivo divertir al personal.

(Aquí pueden ver la presentación del corto en  l’ Auditori de Sitges durante el pasado festival)

– ¿Habéis recibido alguna reprimenda de sectores religiosos o simplemente de alguien por la temática de Fist of Jesus?

Adrián: No hemos recibido ninguna reprimenda de nadie, tan sólo algún comentario aislado en youtube de alguien que por lo visto no han entendido realmente la naturaleza del corto. Hay de todo en la viña del Señor, el apoyo a Fist of Jesus es total y nos han llegado multitud de comentarios de gente creyente que ha disfrutado mucho con el corto, que no lo encuentran ofensivo y que piensan que hasta Jesús se reiría. La mayoría ha captado la esencia perfectamente, e incluso piden el largometraje.

 – ¿Va a ponerse a la venta? Y si es así, cuando. ¿Contendrá jugosos extras?

Adrián: El dvd se está gestando en estos momentos y obviamente tendrá extras jugosos ya que creemos que hay que ofrecer “algo más” hoy día para que una edición en dvd pueda resultar interesante.

– Por cierto, primero fue el Teaser ¿saldrá editado?

Adrián: El teaser que se rodó antes que el corto a modo de prueba para testearnos a todos, será editado y seguramente utilizado como promo para conseguir financiación para el largometraje, en breve saldrá y se moverá por Facebook y youtube, y posiblemente también acaben por acompañarlo otros divertidos teasers que tenemos escritos y están en el punto de mira para rodarlos de forma inminente.

Equipo, actores y figurantes tras el rodaje del teaser.

Equipo, actores y figurantes tras el rodaje del teaser.

– En cuanto al  largo Once upon a time in Jerusalem ¿Cómo está la cosa en cuanto a financiación?

David: Somos Adrián, Marc Velasco (Jesús) y yo haciendo todas las funciones de distribución del corto y preproducción del largo. La cosa va tan rápida como podemos, pero por lo pronto, el botón de donación de la web, los anuncios de youtube y los muchos fans que nos escriben ofreciendo servicios de diversas maneras nos están dando buenas alegrías.

– ¿Pensáis algún modo de financiación tipo crowdfunding, merchandising o mediante la venta del mismo corto?

Adrián: Lo estamos pensando todo buscando la mejor opción para llevar a cabo el largometraje. Tenemos intención de hacer crowdfounding si es que no conseguimos financiación por otras vías. En breve sabremos hacia donde dirigir el proyecto. En cuanto a merchandising ya hay muchas cosas en proceso como llaveros, colgantes, camisetas, figuras… Poco a poco irá saliendo todo a la luz.

188521_4644202699613_1813255316_n– ¿Además del largo, algún proyecto a corto plazo?

Adrián: Creo que ya vamos a tener bastante con todo lo que el largometraje acarrea. Sobretodo teniendo en cuenta que no podemos dedicar la 24 horas del día a este proyecto, habrá que trabajar para comer en algún momento, los milagros de ese tipo no están a nuestro alcance. Además pretendemos seguir moviendo el corto, lo hacemos nosotros mismos y también es una inversión muy grande de tiempo.

– ¿Cómo veis vuestro futuro como directores?

Adrián: Mal. De hecho no creo que yo tenga ningún futuro como “director”, pero sí creo que puedo llegar a ser muy cabrón y engendrar películas con gore y mala leche y dedicárselo a los que saben apreciar el género.

David: El futuro lejano ahora mismo ni me lo planteo, bastante faena tenemos con sacar esto adelante. Cuando se finiquite ya será momento de plantearse nuevos proyectos.

– ¿Sois conscientes de que vais a ir todos de cabeza al infierno por realizar semejante blasfemia? ¿Creéis que la renuncia Papal tiene algo que ver con vuestro corto?

Adrián: Esto no es ninguna blasfemia, es muy suavecito y está todo en su sitio y en clave de comedia, no tendría porque ofenderse nadie. Iré al Infierno seguramente por muchas otras cosas pero no por este corto inocente. Sobre el Papa no voy a decir nada, me da mucho miedo la cara que tiene.

– Pues nada, para terminar añadid lo que querais

Adrián: El mundo está muy mal.

David: Pero sin duda Jesús le pondrá remedio.

Por cierto, si quieren contribuir a que el largometraje se haga realidad, sepan que en la web del proyecto (www.fistofjesus.com),  disponen de un botón de donaciones y una cuenta bancaria. Por nuestra parte queda agradecer a Adrían Cardona y David Muñoz el haber contestado a nuestras preguntas, y a ustedes les invitamos a seguir muy de cerca el trabajo de ambos realizadores, si no ya saben…¡¡¡El martillo de herejes caerá sobre sus cabezas!!!
479925_328472353930729_132461380_n
 
Categorías:EN CORTO

Pere Koniec nos presenta Policromía

26 febrero 2013 Deja un comentario

Sabido es que en este blog nos gusta apoyar a las jóvenes promesas que están ahí al pie de la guerrilla tratando de abrirse camino en una carrera difícil como es el cine. Hoy queremos presentar un excelente mediometraje de 2010, Policromía, que hace del virado una herramienta narrativa, de la mano de su director Pere Koniec.

Policromía (Pere Koniec, 2010) from Pere Koniec on Vimeo.

Empecemos por el principio, y el principio eres tú:

¿Cuándo nace tu vocación por el cine? ¿Qué cineastas te han influido más? Si algo queda claro viendo Policromía es que dominas el oficio, ¿Cuál ha sido tu formación?

Escenas en el video club

La culpa fue del videoclub

Citando al amigo Naxo Fiol: la culpa fue del videoclub. La imagen de una estantería con aquellas carátulas de James Bond lo resume todo. Golfinger, La gran evasión, Los Bicivoladores y Locos al volante forman mi infancia. Mi adolescencia pasa por Reservoir Dogs, Carretera Perdida, un anticipo de Bergman (que rescataré cuando sea adulto), un poco de John Hughes, los comics de Toriyama y los primeros contactos con los libros de Bukowski y Henry Miller.

Es muy difícil autoanalizarse para detectar influencias, pero debo tener miles. Aunque es probable que ponga cara de circunstancia e incomprensión ante cualquier nombre que me cites. Cineastas favoritos: Brian de Palma, Martin Scorsese, Luis Buñuel, Ingmar Bergman, David Lynch, Tony Scott, Pasolini, Gaspar Noé, Clint Eastwood y Todd Solondz.

Soy autodidacta, lo cual te permite estudiar con los mejores, solo tienes que fijarte en sus películas y sacar tus propias conclusiones. Recuerdo comprender la planificación de una escena quitándole el sonido a cualquier película que pillara de madrugada. Luego está la práctica, la paciencia, un poco de entusiasmo y una absoluta vocación por el medio.

Cuéntanos algo sobre tus primeros trabajos.

Mi primer corto fue El Reto de NBK (1995), lo rodamos en el instituto para intentar ganar un concurso de la tele. No ganamos pero nos dio fuerzas para empezar a rodar películas descerebradas sobre adolescentes pajilleros metidos en dramas tales como que se te rompa una cinta de video dentro del reproductor de video. Nada que ver con la realidad. Tras varios cortos y proyectos frustrados, me asalta la sensación de que quizá muera joven, así que escribo un largometraje para rodar antes de los 25 años. Hay que ser previsor. Tras dos años de delirante trabajo nace L de Lorena (2003), una película sobre el amor y el desamor adolescente, recuperando viejos amigos de la infancia como actores y seleccionada en el Sitges de 2003. Creyeron que éramos una productora profesional y eso fue el mejor premio para una cinta rodada por un crío de 21 años.

L de Lorena (Pere Koniec, 2003) from Pere Koniec on Vimeo.

¿Cuál es tu proyecto actual? ¿Puede avanzarse alguna cosilla?

No puedo avanzar nada, no por vanidad o arrogancia, sino por miedo a que el proyecto se gafe por el mero hecho de nombrarlo. ¡Créeme, eso ocurre! Como ya te comenté tendrá apariciones de maravillosos humanos, estaré muy bien acompañado y espero que se materialice con salud y buen rollo. Pero para no quedar como un borde nombraré cuatro pelis, cuya suma daría (quizá) una idea de las intenciones: Car Crash (Antonio Margheriti) + La violencia del sexo (Meir Zarchi) + Doble cuerpo (Brian de Palma) + El marido de la peluquera (Patrice Leconte).

Pasemos ya a Policromía:

¿Cómo nace la idea de usar el virado a color como elemento narrativo?

Nace de un recuerdo de adolescencia. En Japón se edita el Shonen Jump, una inmensa revista parecida a una guía telefónica en la que se publican varias series de manga. De ahí salieron Dragon Ball y tropecientos cómics más. La calidad del papel es muy mala pero cada serie se diferencia de la otra con la impresión en un solo color (azul, naranja, rojo) Esa imagen del Shonen Jump y la idea de situar a un mismo personaje en tres épocas distintas, sin recurrir a los viajes en el tiempo, quizá daría el origen de Policromía.

La película nos cuenta una historia de malos tratos domésticos, ¿te lo planteaste como una denuncia? ¿Qué emociones quieres transmitirnos?

policromia_pere_koniecNo, no, no hay intención alguna de denunciar nada. Al menos de forma consciente. Para eso hay medios más serios. Policromía sólo es una película de ficción, precisamente sobre el uso de la ficción como vía de escape de una realidad jodida. Espero que nunca la proyecten junto cintas de denuncia social, nada que ver ni en fondo ni en forma. Otra cosa es que, cuando estás pensando la historia y el argumento, un conflicto familiar y cotidiano te ayude a explicar el origen de un personaje que huye de su realidad. Pero el conflicto del que hablas no se presenta hasta muy empezada la historia y de hecho me estás haciendo ahora mismo un spoiler! (risas digitales). ¿Sobre intenciones y emociones? me gusta mucho lo que decía Sam Fuller en Pierrot, el loco: “Una película es como un campo de batalla. Hay amor, odio, acción. En una palabra, emoción”.

¿Cómo ha funcionado en festivales? ¿Por qué has tomado la decisión de difundirla on lina?

Fue seleccionada en el ciclo ComiCine del Salón del Cómic y se proyectó a la misma hora en que el gran Moebius impartía una masterclass en la sala de al lado. Aún así tuvimos mucho público! Ese mismo año se proyectó en varios centros culturales y fue seleccionada en el Brigadoon del Festival de Sitges 2010. Ahora está disponible de forma gratuita desde Vimeo porque el proyecto nació desde la plena libertad y quiero que conserve esa libertad hasta el final. Estará gratis en internet hasta que Michael Bay me compre los derechos para un remake que la mejoraría substancialmente si le añade algún Transformer o Pontiac Trans.

Policromía es una historia con pocos personajes, casi todo el peso recae sobre la actriz principal, ¿Ya escribiste el guión pensando en ella?

Sí, sí, el guión está escrito expresamente para Laia Masó, con la que ya trabajé en el corto Efímero 87 (2006).  No me canso de decir que sin ella hubiera sido imposible rodar Policromía.

Efímero 87 (Pere Koniec, 2006) from Pere Koniec on Vimeo.

Cuéntanos alguna anécdota del rodaje.

La sinopsis decía: Verde en el bosque, Rojo en la huida y una realidad de color gris para un conflicto familiar. Aunque se podría decir: Mosquitos asesinos y calor brutal en el bosque, una intimidatoria escopeta real que nos trajo algunos sustos en el color rojo y un placer rodar en blanco y negro a Cristian Sánchez, uno de los mejores skaters del país.

En una de las escenas de rojo, encontramos un cameo de Rubén Lardín, escritor y cinéfilo que dará un tiro de gracia a la protagonista para que toda la historia rojiza se libere. También hay otro detalle relacionado con los cómics con la aparición de “Dossier negro”, aquellas míticas revistas cuyas viñetas tienen mucha importancia para entender algunos aspectos de la trama.

Policromía provocó The Polychromy Drawing Project, que como dice el título, se trataba de proponer a varios dibujantes una interpretación de la cinta. Tuvimos a Marcos Prior con su ilustración sobre el cameo de Lardín, Carla Berrocal con un maravilloso cartel ilustrado, el cortometrajista y dibujante Néstor F y su dibujo de Nana (que aunque nunca se nombre en la película, así es como se llama la protagonista), las brutales acuarelas de Daniel Castro o la fantástica serigrafía que llegó desde Brooklyn, de manos de la ilustradora Michele Rosenthal.

Muchas gracias a todas las personas que colaboraron en Policromía y naturalmente muchas gracias a Proyecto Naschy por este espacio!.

Categorías:EN CORTO

El Buque Maldito proyecta una interesante selección de cortos

25 febrero 2013 Deja un comentario
El Buque Maldito presenta una nueva proyección, en este caso centrada en cortometrajes, y ha escogido una muy buena selección: Fist of Jesus, la última barrabasada de David Muñoz y Adrían Cardona; Oscuro resplandor de Rafa Dengrá; el multipremiado 8 de Raúl Cerezo; Zona de caza de Jordi O. Romero (ganador del premio Brigadoon Paul Naschy en Sitges 2012); y Yellow de Ryan Haysom. Una fantástica muestra repleta de sangre, vísceras y sobre todo buen hacer por parte de sus directores.
Como siempre habrá presencias interesantes, en este caso de parte de los realizadores: David Muñoz, Rafa Dengrá y Jordi O. Romero.
La cita el sábado 9 de marzo a las 18 horas en L’Espai Jove Garcilaso. C/ Garcilaso, nº 103. Barcelona.  Entrada gratuita. www.elbuquemaldito.com
65980_600862619939297_1325640827_n
Categorías:EN CORTO

Concurso Paul Naschy: Gana el libro Lágrimas de papel dedicado

25 febrero 2013 8 comentarios

El libro Lágrimas de papel es toda una curiosidad y un acto de amor hacia Paul Naschy. Ángel Gómez Rivero escribió la historia en la que se basó el guión, y más tarde el corto que rodó su hijo, Ángel Gómez Hernández, que interpretó el mismo Naschy. En este libro se cuenta como se gestó todo,  reuniendo tanto la novela, como el guión. Pero además de muchas fotografías del rodaje, incluye el resultado de todo ello, un DVD con el propio corto bien repleto de interesantes extras. Ángel Gómez Hernández ha cedido cinco ejemplares que enviará dedicado a los cinco ganadores de este sencillo concurso.

Así que ya saben, los cinco primeros que acierten a tan sencilla pregunta y dejen su contestación en el blog serán obsequiados con el libro Lágrimas de papel dedicado. Suerte a todos:

¿Cual fue el título en España de esta película?

!CEgs)RQ!2k~$(KGrHqYOKk!E0f5BWpDMBNSGuryql!~~_3

Categorías:Paul Naschy

El documental Olaria nos mostrará el universo particular de Juan Carlos Olaria

25 febrero 2013 Deja un comentario

“Es un error calificar “El hombre perseguido por un OVNI” como cine Trash. Pero entonces, ¿qué es? La respuesta fácil es considerarla uno de los enigmas secretos más jugosos de nuestro cine. Gracias a Dios, este documental podría darnos una respuesta mejor.”

Nacho Vigalondo.

32484918Y ciértamente no es fácil de calificar. El  hombre perseguido por un O.V.N.I. es una de esas películas ante las que uno no sabe a que atenerse ya que sobrepasa los parámetros del cine de serie B (aunque no sabría decirles hacia que lado, juzguen ustedes), pero lo que es seguro que sí destila sinceridad, ganas y pasión. Olaría consiguió estrenar su película en salas (aunque no en Madrid y Barcelona, tal y como él mismo indicó) e incluso contó con un fantástico y a la vez descacharrante cartel y su film, lejos de quedar en el olvido, ha sido editado lujosamente en un DVD acompañado de fantásticos extras por L’Atelier.
Entonces…¿Qué es El hombre perseguido por un O.V.N.I? y ¿Quien es Juan Carlos Olaria?
Algunos lo llaman el “Ed Wood catalán”, otros dicen que fue el primero en realizar una película sobre extraterrestres en España. Este  director de cine apasionado de la ciencia-ficción, en la década de los 50 y 60 realizó varios cortometrajes con un regusto adorablemente naif en Super 8 abordando su propia visión del género, culminando en 1976 con la finalización de El Hombre Perseguido por un O.V.N.I., largometraje que lo convertiría, hasta hoy en día, en una figura representativa del cine de género de bajo presupuesto de nuestro país.
Actualmente, Juan Carlos quiere realizar la secuela de su primer film, a la que va a llamar El Hijo del Hombre Perseguido por un O.V.N.I. .
OLARIA, EL DOCUMENTAL
tumblr_mgl8tplhDy1s3r5h7o2_r1_1280Todo este imaginario es el que quieren recoger los directores Manel Bocero y Néstor F. en el documental Olaria, que actualmente está en crowdfunding mediante la plataforma Verkami. El deseo de los directores es mostrar cómo Juan Carlos se va a enfrentar a las pruebas y preproducción de su nuevo largometraje, ingeniando nuevos trucajes y efectos que ha de actualizar respecto a los utilizados hace más de tres décadas, así como acompañarle en su día a día, compartir su gusto y pasión por el cine, y ayudarle a superar algunos temores que ha sufrido a lo largo de su vida, como el miedo al estreno de su segundo largometraje, El Diario Rojo (1982), una película misteriosa que se resiste enseñar a nadie.
“Nuestro documental trata de la necesidad de Olaria de hacer cine por encima de todo. De hacer un cine con ideas e imágenes propias, alejadas de todo tipo de convencionalismos y necesidades de estandarización. De hacerlo sin ningún tipo de vergüenza ni de necesidad de sentirla. De hacerlo a pesar de la opinión ajena, de las vicisitudes e impedimentos que surjan a lo largo de la realización de sus ideas. Pero también de cómo estas cosas afectan a la sensibilidad de Olaria e interfieren en el devenir de su carrera como director, condicionándole y frenándole en según qué aspectos. Mucha gente quiere contar historias y hacer cine a su manera, motivados por la pasión que le tienen a cierto tipo de cine que se considera minoritario; como es el cine de ciencia ficción de serie B. Juan Carlos Olaria es el paradigma de todos ellos. Un hombre que decidió tomar ese camino en una época y un país mucho menos dispuestos a entender este tipo de filmes. Junto a él podremos ver cómo de necesario es equilibrar las ilusiones e ideales de uno mismo con la realidad que vive, de equilibrar nuestros temores con la necesidad de emprender nuestro proyectos y enfrentarnos al público”.
EL DIARIO ROJO
“Es un drama en blanco y negro que Juan Carlos filmó en 1982. El filme reflexiona sobre el machismo y las consecuencias que conlleva cuando va relacionado con una infertilidad masculina mal llevada. Nunca ha sido exhibido a causa de la inseguridad de Juan Carlos de poder hacer un estreno que promocione el film tal y como cree que ha de hacerse. Uno de los puntos culminantes que están previstos para este documental es la organización de una presentación del filme para que Olaria pueda enfrentarse a parte de las cosas que teme, una de ellas, la reacción del público. Puede que asistan amigos y compañeros de profesión de Juan Carlos, conocidos, y gente que participó en el film como parte del reparto o el equipo técnico. Para aquellos que hagan aportaciones igual o superiores a 100 € está previsto obsequiarles (además de las recompensas correspondientes) con una invitación doble al evento, en caso de que éste pueda llegar a ser posible, dado el carácter y disposición variable de Juan Carlos a acceder a tal cosa. Si finalmente se hace posible la presentación, tampoco podemos asegurar la calidad de la copia de proyección a causa del recelo con el que protege actualmente la película Juan Carlos”.
tumblr_mhulhslwrw1s3r5h7o1_1280
Esperamos poder ver pronto este proyecto materializado. En todo caso sepan que pueden contribuir a hacerlo realidad aportando desde 2 a 3000 euros, con jugosas recompensas para los mecenas.
Olaria (Presentación del proyecto) from Olaria La Película on Vimeo.

El Buque maldito edita Terror Caníbal en DVD

21 febrero 2013 Deja un comentario

El fanzine El Buque Maldito, tras recuperar en estos últimos años a través de sus páginas a directores estatales ya olvidados y títulos malditos de nuestra cinematografía, inicia ahora una nueva andadura dando el salto a la distribución en DVD con la intención de rescatar y editar, con la mayor calidad posible, películas españolas realizadas en décadas pasadas dentro del género fantástico, de terror y similares.

Terror_Canibal2Y su primera referencia no podía ser más celebrada: Terror Caníbal de Julio Pérez Tabernero. El director, que inició su carrera en el cine como actor de cine y teatro, se decantó por la dirección debutando con la muy reivindicable, Sexy Cat (1973), puro pop con trama de misterio que fue seguida por otros títulos de lo más variopinto, como la comedia sexy Las alegres vampiras de Vögel (1975), y este Terror Caníbal (1980), tras el que vinieron dos films eróticos de elocuente título: Con las bragas en la mano (1982)  y Bragas calientes (1983).

Pero para los amantes más sanguinarios, estará en el podium Terror Caníbal. Y es que hay pocas películas tan repulsivas, baratas y… divertidas que Terror Caníbal, un sinsentido derivado de la ya por sí enloquecida moda del cine canibal, que nos legó joyitas que todos ustedes conocen de sobra, con Holocausto Caníbal y Canibal Ferox en cabeza, que si bien no fueron las primeras, dieron pié a otros subproductos simpáticos para estómagos duros. Pero… aún había cosillas por escarbar. Selvas en bosques mediterraneos de Benidorn y Alicante; “actores” reclutados entre miembros  de la raza romaní para caracterizarlos de caníbal (busquen bambas y calzoncillos debajo de los taparrabos); la presencia agradecida siempre de Antonio Mayans y Silvia Solar  y, sobre todo carne,  mucha carne fresca (o no) directa de los más infectos mataderos de la zona. Sin olvidar algunos agradecidos desnudos y un papagayo, que dan colorido a la cosa dando como resultado una película  irresistible, que por primera vez en España estará disponible en formato DVD para que tiren a las cloacas esas copias quemadas en VHS (o las sepulten definitivamente en el armario).

Terror caníbal (1981), producida conjuntamente por Titanic  Films (España) y la mítica Eurociné (productora francesa comandada por Marius Lesoeur), es una de las primeras películas españolas relacionadas con las cannibal movies, tan en boga por aquellos años en tierras italianas. Si bien el tema caníbal no ha dejado grandes piezas en España, basta recordar algunas olvidables incursiones del Tío Jess en el tema, el film de Tabernero es ciértamente simpático y puede amenizarnos la espera hasta que llegue a las pantallas la nueva de Eli Roth, The Green Inferno, también centrada en esta indigesta temática.

Así que, ¿A que esperan?

Por primera vez en nuestro país en su versión íntegra con todo el gore y los desnudos suprimidos hasta la fecha. Un DVD en edición limitada y numerada de 100 unidades con interesantes extras.

TERROR CANÍBAL – EBM 001

Director: Julio Pérez Tabernero
Intérpretes: Silvia Solar, Tony Fontaine, Pamela Stanford, Olivier Mathot, Antonio Mayans
Duración: 93 minutos
Año: 1981
Nacionalidad: España, Francia
Idiomas: Castellano, alemán e inglés (Stereo)
Subtítulos: No
Imagen: Color, Widescreen, 16:9
Formato: DVD
Región: 0
Lanzamiento: 18/02/2013
PVP: 7,50€

CONTENIDO EXTRA:

-Entrevista a Julio Pérez Tabernero (10 minutos)
-Fotocromos originales
-Trailer internacional
-Filmografías

PEDIDOS

elbuquemaldito_zine@hotmail.com

TAMBIÉN DISPONIBLE

FREAKS
C/. Ali Bei,
nº10.
BARCELONA

El Terror Tiene Forma

Categorías:DVD / BLU-RAY

Ralf König y Gilbert Shelton participarán en el Salón del Cómic

14 febrero 2013 Deja un comentario

El cómic provocador y alternativo tendrá una destacada presencia en el 31 Salón Internacional del Cómic de Barcelona con la participación de Ralf König y Gilbert Shelton, que vendrán al certamen gracias a la colaboración de Ediciones La Cúpula. Su presencia muestra la diversidad de estilos y géneros que están presentes en un certamen abierto y sin fronteras de ningún tipo.

Ralf König es un autor muy apreciado en nuestro país gracias a su obra repleta de narizones, de conflictos en las relaciones de pareja (principalmente homosexuales) y con tintes autobiográficos, todo ello aderezado con el peculiar y provocador sentido del humor del autor alemán. Algunas de sus obras han sido adaptadas con éxito en el cine, como es el caso de El Condón Asesino, que supuso en su época una auténtica conmoción.

Gilbert Shelton, creador de los Freak Brothers y de Fat Freddy’s Cat, es uno de los autores más representativos del cómic underground norteamericano, que lleva dibujando más de cincuenta años. Inaccesible al desaliento y fiel a sí mismo, Shelton continúa en activo con una serie sobre un grupo de rockeros pasados de vueltas. A continuación os facilitamos las biografías de los dos nuevos invitados:

1351008901012RALF KÖNIG (Soest, Alemania. 1960)

Ralf König hizo en Westfalia sus estudios de carpintero a finales de los setenta y al mismo tiempo de su salida del armario; luego empezó dibujo libre en la Academia de Bellas Artes de Düsserldorf. Poco después, se convirtió en el dibujante de cómics más famoso del ambiente gay, que en aquella época tenía todavía mucho por luchar y poco de cómico. En 1987 irrumpió con éxito con el título El hombre deseado, con el que se dio a conocer más allá de su público inicial. Los libros de Ralf König están hoy en día traducidos a varios idiomas y su tirada total es de millones de ejemplares. Sus cómics han servido de modelo para adaptaciones cinematográficas (El hombre deseado, El condón asesino, Como conejos, Lisístrata), obras de teatro (Retazos de la vida, Lisístrata). Ha obtenido múltiples distinciones como mejor dibujante de cómics alemán e internacional en varios salones del cómic (la última fue en el Salón Internacional del Cómic de Erlangen 2006, Alemania, donde obtuvo el premio especial del jurado por su artística toma de posición respecto al litigio sobre las caricaturas de Mahoma). Ralf vive hoy haciendo de dibujante y autor freelance en Colonia. Ediciones La Cúpula ha publicado todos sus títulos traducidos al castellano y además hay un estupendo documental sobre su figura, Ralf Kónig, rey de los cómics.

freak_brothersGILBERT SHELTON (Houston, Texas. 1940)

El talento de Gilbert Shelton comenzó a despuntar bien temprano, con la aparición por primera vez en 1959 de Superserdo (Wonder Wart-Hog) en una revista universitaria. Su devastadora parodia de la figura del superhéroe se convertiría con el tiempo en un clásico que a día de hoy sigue reeditándose en todo el mundo, sólo superado por Los fabulosos Freak Brothers (The Fabulous Furry Freak Brothers) y su gato Freddy, publicados por primera vez en 1969 y consolidados como uno de los baluartes del underground norteamericano. A través de los años, Shelton ha seguido creando cómics donde el sentido del humor corrosivo y la acción supersónica se dan la mano. A día de  hoy, afincado en París y en estrecha colaboración con el historietista francés Pic, Shelton sigue trabajando incansable en Not Quite Dead, una serie de historietas cortas sobre un trasnochado grupo de rock que viene apareciendo en diversas publicaciones de cómic de todo el mundo.

Categorías:Cómic Barcelona

7 psicópatas: la (de)construcción de un guión

14 febrero 2013 Deja un comentario

Si quieren disfrutar plenamente de la película, dejen de leer en este punto. Y no porque vayamos a hacerle una crítica negativa, todo lo contrario, pero es que 7 psicópatas (Martin McDonagh) es de esas películas que se gozan todavía más cuando acudimos a verlas como tábula rasa, desde la virginidad que da no tener datos previos.

¿Qué decir del argumento? Si acudimos a Google, además de encontrar la habitual proliferación de resúmenes idénticos, y de sospechar que algunos han escrito sin haber visto el filme, descubriremos que pretender resumir la trama es harto difícil. Nos encontramos por un lado con Marty (Colin Farrell), un guionista que no acaba de encontrar la inspiración para escribir un guión titulado, precisamente, 7 psicópatas. Por otro lado, está Billy (Sam Rockwell) su mejor amigo, actor en paro que se gana la vida secuestrando perros junto a su socio Hans (Christopher Walken).  Billy está empeñado en ayudarle a toda costa a terminar ese guión. Todo va a complicarse cuando secuestren a Bonny, el perro de un mafioso sin escrúpulos que idolatra a su mascota (Woody Harrelson). Pero este bosquejo no le hace plena justicia porque lo que distingue al argumento de 7 psicópatas es cómo se va construyendo mientras se va desarrollando el guión de Marty, en un ejercicio de metareferencialidad que es casi un enlace de Möebius.

El arranque del último trabajo de Martin McDonagh (Perdidos en Brujas) se ampara bajo la estela de Tarantino, ya saben esos largos y exóticos diálogos entre matones (salvo que esta vez no es una hamburguesa sino la muerte por penetración en el globo ocular) que culmina en un acto de violencia extrema y pulp. Desde su inicio, pues, declara su intención de adentrarnos en el mundo de la comedia de acción con un humor radicalmente negro, propio de la raíz irlandesa del director. Delirio será la palabra que se instalará en nuestra mente porque hay mucho de ello en este ejercicio de cine dentro del cine que se va a caracterizar por los constantes giros de guión expuestos desde la ironía en su sentido propio, esa actitud de distanciamiento de la obra que nos permite mostrar su anverso y su reverso.  En ella tienen cabida los gangsters enamorados de sus mascotas; los psicópatas que crían conejos blancos y se pasean con uno bajo el brazo; el actor metido a dar carne real al asesino-personaje para que el guionista encuentre material para su trabajo en la prensa; los anuncios por palabras; los efectos del peyote; los polacos, tan blancos, que son cuáqueros y se casan con negras; la inquietud por el más allá; las prostitutas que leen a Chomsky; y la necesidad de los sueños. Y lo vamos viendo surgir desde el guión que se escribe en la película, que bien podría ser el guión de la propia película.

Prostitutas que leen a Chomsky es la broma con la que se denuncia el escaso papel que tienen las mujeres en el cine de acción, en muchas de ellas son meros elementos decorativos en apariciones fugaces y sin peso en el desarrollo del filme. Así 7 psicópatas se burla de sí misma a la vez que es crítica con todo un género, a la vez que denuncia deficiencias de una sociedad como la nuestra, menos igualitaria de lo que desearía, a la vez que se cuestiona la razón de escribir historias, a la vez que va más allá y se plantea (nos hace plantearnos) qué sentido nos espera a nosotros mismos en nuestras vidas, la gran pregunta por el sentido a secas, si se quiere. Caja china o muñeca rusa, la película juega a muchos niveles, pero si funciona es porque parece no tomarse en serio a sí misma, es un juego de ingenio que puede decaer en algún momento pero que se rehace en su apelación continúa al absurdo, en su juego con el dentro y el afuera de la historia.

La película funciona también gracias al acertado trabajo de todo su elenco. Colin Farrell, que repite con el director, construye con efectividad su personaje, ese alcoholizado escritor que persigue una idea y se enreda vitalmente en ella.  “De cuando en cuando, las palabras le van a la perfección a un actor. Es el caso de este guión.Te ofrece un remojo, un puntapié en las nalgas y un paseo inolvidable. Entonces, sin ninguna duda, no puedes rechazarlo”, se entusiasma el intérprete irlandés. El mismo entusiasmo por los diálogos de McDonagh muestra Cristopher Walken:  “Usted sabe, que los actores adoran los diálogos cincelados, y Martin escribe diálogos formidables”; por su parte Walken encarna el más tierno de los personajes, paradójicamente tierno dado que descubriremos que él es uno de los siete psicópatas,  “Es solo un tipo que roba perros y que los devuelve a cambio de una recompensa”, explica sobriamente el actor. Representante de la fe y sus dudas, la interpretación del veterano actor es posiblemente la más matizada. Encarnando a Billy nos encontramos con Sam Rockwell (a quien recordarán por su papel protagonista en Moon de Duncan Jones) muy convincente en su rol, esa réplica del guionista que nos recuerda al Chazz Palmintieri de Balas sobre Broadway (Bullets Over Broadway, 1994, Woody Allen). Cerrando el reparto de actores principales tenemos a Woody Harrelson dando cuerpo al mafioso adorador de su perro Bonny, a él debemos algunos de los episodios más hilarantes del filme.

Seven

Pero, obviamente, si 7 psicópatas resulta ser la película que es, es por la impronta indeleble que imprime en ella Martin McDonagh. McDonagh inició su carrera en el teatro especializándose en comedias negrísimas en las que ya se encuentra presente su universo abigarrado. Su salto al cine no pudo haber sido dado con mejor pie, su primera incursión fue el cortometraje Six Shooter y con él obtuvo el Óscar de 2005 en esa categoría, (puede verse completo en este enlace). Su debut en el terreno del largo vino con Escondidos en Brujas (In Bruges, )que quienes la hayan visto la recordarán también por su barroquismo (visual y formal) y su humor delirante (marciano, en coloquial), características que se encuentran presentes en esta su última obra hasta el momento. 7 psicópatas resulta difícil de calificar, es comedia, pero también película de acción, cine dentro del cine y hasta cierto punto es incluso fantástica (no en vano pudo verse en el último Sitges); habrá quienes resuelvan optar por resumirlo incluyéndola dentro de esa categoría difusa cine de autor.

Cine de autor, curiosamente Serendipia (que no había leído nada sobre la película y no sabía qué iba a ver) discutía entre sí sobre qué significa justo eso, cine de autor, y lo  primero que asoció a tal denominación fue la de todo tipo de filmes extravagantes y plúmbeos (sobre todo cuando se dice así, en francés, auteur). Se podría considerar que denominamos así a toda producción que se presente como ajena a cualquier género (y de hecho en ese sentido se oye aplicar el término), pero eso sería una memez porque, ¿ acaso Ford, Hitchcock, o Wilder (por mencionar sólo algunos) no imprimían inconfundibles rasgos de autoría en sus películas por mucho que la práctica totalidad pusiera adscribirse a algún género (y en su pureza, además)? Digamos que sólo aceptamos pulpo como animal de compañía si por cine de autor se entiende aquellas obras que con sólo empezar a verlas ya sabemos quién está tras su dirección aunque lo desconociéramos antes de entrar. Si es así, sí, aceptamos que 7 psicópatas es también cine de autor.

Categorizaciones al margen, de lo que no nos cabe duda es de que quienes vean esta cinta la recordarán (algunos para odiarla) porque es un producto que se aparta de la media, tiene vida propia, ése alma que es tan difícil que posean las películas. Quien esto escribe intuye que 7 psicópatas estará entre sus diez películas favoritas vistas en este  año que acaba en 13. Y si no, al tiempo.

Hemos hablado con Pablo Maqueda fundador de #littlesecretfilm

13 febrero 2013 Deja un comentario

 

DIE, LERA, DIE, DIE, DIE!!!! Esta frase nos sigue resonando muy adentro, mucho después de ver Manic Pixie Dream Girl. Se nos antoja un resumen de los males que lacran las bondades de la red de redes. Pablo Maqueda, su director, reflexiona sobre ello en un filme que repasa el mundo de los vbloggers y nos hace pensar sobre cómo puede llegar a afectar el cíberacoso, los trolls, los fakes, la creación esquizoide de multipersonalidades… todo ello para plantearnos una pregunta que seguro nos hemos hecho en alguna ocasión: ¿Seríamos más felices sin Internet?

Manic Pixie Dream Girl se adscribe al proyecto #littlesecretfilms del que el propio Maqueda es fundador. Se trata de un filme valiente que apuesta por una puesta en escena arriesgada en la que nos vamos a encontrar ante una sucesión de planos fijos en los que Rocío León (Diamond Flash) da cuerpo a diferentes Vloggers y su ídolo Roma Rises (una cantante pop que se ha labrado su éxito gracias a la red). Imagen fija y mucho diálogo, apriori podría hacernos pensar que nos va a dar como resultado una película falta de ritmo y de tensión dramática, muy al contrario, pues, este repaso de la red, sus posibilidades (proporcionarnos nuestro warholiano cuarto de hora de fama) y sus defectos, es un filme vibrante que construye una metáfora que nos engulle.

Hemos tenido la oportunidad de hablar con Pablo Maqueda, así que, ¿qué mejor que escuchar sus palabras para saber más sobre su película y todo lo que envuelve a #littlesecretfilm

Después de ver Manic Pixie Dream Girl, la primera pregunta viene impuesta: ¿Seríamos más felices sin Internet?

¿Lo seríamos? Yo sinceramente, no. Las redes sociales, la prensa online y la comunicación instantánea forman parte de mí. No me imagino la vida sin ellas. Sin embargo, plantear a través de la ficción un breve pero intenso cuento alrededor de ello era algo que me obsesionaba desde hacía ya mucho tiempo.

Pero seamos ordenados. En primer lugar hablanos de ti:

Manic Pablo

¿Cuándo nace tu vocación por el cine? ¿Qué cineastas te inspiraron?

Muy temprano. Como espectador ni lo no recuerdo, la verdad. El cine siempre ha formado parte de mí. A través del engaño que articulaba mediante la planificación fue cuan. Como realizador sería a los doce años al descubrir Psicosis de Alfred Hitchcock A través del engaño que articulaba mediante la planificación fue cuando comencé a descubrir lo que conseguía un director de cine. Emocionar, engañar, divertir, asustar a espectadores de todo tipo mediante la fuerza de una imagen y un sonido. Poco a poco, año tras año, realizadores como Woody Allen, Stanley Kubrick, Jaime Rosales, Michael Haneke, Pedro Almodóvar o Wes Anderson han ido modelando mi visión cinematográfica. Soy muy referencial cuando escribo y desarrollo cine, me encanta permearme de la mayor cantidad de referencias, copiar mucho para luego adaptar toda esa cantidad de referencias estéticas visuales y sonoras a mis propias obras con una entidad propia que permita disfrutar al espectador.

Ibas a debutar con un corto, pero se convirtió en largo (Billy Freud´s Last Night ( Todo en una semana, 2005) ¿cómo fue el proceso?

billyySí, la productora nos animó a desarollar la idea como un largometraje. Tenía veinte años en aquel momento junto a Pedro Román, dirijimos la película juntos e hicimos un homenaje al cine de instituto americano, que tanto disfrute nos había dado y continúa dándonos. Es aún uno de mis géneros favoritos. Fue un gran aprendizaje realizar una película tan colectiva, con un reparto coral de 20 personas, casi 70 personas de equipo técnico. Una gran experiencia dirigir comedia, es un placer siempre el plantearte cómo hacer reír. Un reto constante.

Pronto te interesas por Internet como ámbito de expresión. Con All the Women te embarcas en un proyecto de 366 días online. ¿Cómo fue esa experiencia? ¿Qué repercusión tuvo?

womanhAll the women es un largometraje documental homenaje a la mujer del siglo XXI que camina por las calles de las grandes ciudades del planeta. El proyecto nace de un reto. Registrar una premisa tan ambiciosa y con tantos viajes alrededor del mundo (Londres, Madrid, Nueva York, Paris y Tokyo) en la más absoluta intimidad. Vivir el proceso de producción y posproducción de una manera más personal, ser el único miembro del equipo técnico. Productor, realizador, editor y distribuidor. Crear un nuevo formato de distribución en internet, que denominé “Film experience” distribuyendo la película exclusivamente en internet a modo de experiencia cinematográfica diaria. Un largometraje compuesto por 366 videos, distribuidos día a día a lo largo del año 2012. El largometraje no pudo tener mejor repercusión online: 24.000 plays, centenares de tweets, referencias en pequeños blogs, reportajes sobre el nuevo formato en medios nacionales e internacionales como The New York Times, Indiewire, El Pais, Fotogramas, Antena 3 TV o Radio Nacional de España. Con el estreno exclusivo online de All the women intenté plantar la semilla de lo que en #littlesecretfilm acabaría germinando. Dignificar internet como ventana de distribución cinematográfica. Podéis disfrutar el largometraje completo a través de su web  www.allthewomenfilm.com y su canal de Vimeo.

En 2009 entras a formar parte de la industria trabajando para Avalon ¿Cómo fue ese trabajo? ¿Cómo se percibe Internet desde la industria?

Tres años muy intensos de aprendizaje como coordinador de contenidos extras de DVD/Bluray, así como coordinador de materiales de la distribuidora.  He aprendido mucho sobre cómo plantear un proyecto y su preproducción pensando en su difusión, comunicación y distribución. Lo vital que es plantear la producción de un largometraje teniendo en cuenta previamente su estretegia de distribución. Lo bueno y malo de Internet es que aún se trata de un campo vírgen para la producción y distribución cinematográfica. Aún debemos de aprender sobre cómo monetizar nuestros proyectos en internet. A día de hoy los modelos de negocio cinematográficos se encuentran en las vías más tradicionales.

2013 llegamos a #littlesecretfilm ¿Cómo se gesta la idea? ¿Redactas tú el manifiesto o tienes colaboraciones?

Al igual que All the women, cuando pienso en un nuevo proyecto siempre parto de retarme a mí mismo como realizador e intentar abrir nuevos caminos. Ponérmelo difícil desarrollando pequeños ejercicios de innovación. Quiero seguir aprendiendo, replantear lo hecho hasta ahora, y fallar, fallar y fallar para corregir errores. De ahí el reto de #Littlesecretfilm como un modelo de producción basado en el riesgo, el azar y las ganas de hacer cine. Nace como un experimento de cara a improvisar con las actrices de mi nuevo largometraje Viva la Sangre, pero poco a poco comienzo a pensar en ello como un juego a plantear a mis amigos y red de contactos del audiovisual. Redacto el manifiesto y comparto el proyecto en secreto durante varios meses. La entrada posterior de la productora de Manic Pixie Dream Girl, Haizea G. Viana a codirigir #littlesecretfilm y gestionar la comunicación de la iniciativa hizo todo muy fácil. Me encuentro muy cómodo trabajando junto a ella desarrollando proyectos creativos. La respuesta fue muy positiva, estoy muy agradecido a todos los profesionales que han apoyado generosamente la idea realizando tantas películas para el disfrute de los espectadores.

#littlesecretfilm no pretende ser una escuela ni un movimiento, ¿Cómo lo definirías entonces?

Como un modelo aplicable para producir y estrenar cine. Unas reglas para jugar haciendo cine y estrenar gratis un lagometraje en internet. Lo definiría como un regalo a los espectadores, un acto de amor al cine.

Manic 2

En el manifiesto no se excluye ningún tipo de estética, pero sí restricciones sobre la producción y el rodaje, ¿esas restricciones funcionan como la contrainte oulipiana? ¿Crees que incentiva la creación? ¿De qué modo?

El manifiesto únicamente propone restricciones en cuanto a la producción y distribución de la película. Imponer criterios estéticos o temáticos habría sido un error, no beneficiaría la creación. Esperamos que se unan muchos creadores a la iniciativa y disfruten de la experiencia. No conocía el movimiento Oulipo hasta que Jordi Costa me habló de él en uno de sus primeros emails confirmando su participación en #littlesecretfilm. Sí. Las restricciones y el riesgo como estímulo para que la ficción seduzca e impacte han sido el principal objetivo. Ofrecer al espectador el riesgo de sentir a un equipo de profesionales contra las cuerdas para realizar el mejor largometraje en el menor tiempo posible.

Una de las condiciones es que el trabajo de preproducción se lleve en secreto, sin poder acudir a las redes sociales para su promoción. ¿Cuál es la finalidad?

Una imposición más romántica que formal. En un tiempo en que se sabe tanto sobre cada esteno cinematográfico, en ocasiones ¡Antes de que comience a rodarse! me parecía muy bonita la idea de proponer hacer cine clandestinamente, ocultando cualquier tipo de detalle a la prensa, las redes sociales o amigos y familiares. El secretismo del centenar de profesionales de la industria espeñola que apoyaron el estreno colectivo de #littlesecretfilm el 1 de febrero ha sido ejemplar. La sorpresa de la iniciativa ha basado su efectividad en el secreto, estamos muy agradecidos por haber respetado la magia que el proyecto proponía.

Se apuesta (y se exige) por el formato digital, ¿Piensas que ese soporte revolucionará al cine? ¿De qué modo?

Ya lo ha revolucionado, ¿no? El digital ha favorecido la creación musical, literaria, cinematográfica… a niveles estratosféricos. Solo se necesita una buena idea, y presupuesto para llevarla a cabo. Ya no hay excusas para no dirigir cine hoy en día.

¿Por qué la exigencia de rodar durante 24 horas seguidas?

Para animar a la instantaneidad de la creación y poner una restricción tan extrema para la producción de un largometraje. Como una norma que anime a la producción y al visionado de las obras por el riesgo que todo ello conlleva.

Una de las normas es no trabajar con guión dialogado previo para favorecer la improvisación y el azar. ¿Cómo se enriquece la creatividad gracias a ello?

Manic 1Mediante dinámicas de improvisación con los actores y actrices. En mi caso, con mi #littlesecretfilm Manic Pixie Dream Girl, basé el desarrollo de la historia en una escaleta y una trama muy estrictas para luego jugar a la libertad total de reacción y diálogos improvisados por parte de Rocío León. La improvisación es un campo tan abierto, podemos jugar con ella mediante infinitas posibilidades. Creación de historias a medida que avance la trama, creación de personajes, diálogos… el objetivo principal era abogar por un hiperrealismo en las interpretaciones, libre de cualquier encorsetamiento de guión.

Sin ánimo de lucro, los films deben estrenarse online y adscribirse a una licencia creative commons, ¿Es esto una apuesta por la cultura gratis? ¿La ausencia de incentivos económicos no limita el perfil de quienes puedan participar en estos tipos de iniciativa (gozar de ingresos que te permitan trabajar por amor al arte)? ¿Acaso la no remuneración es un estímulo para la creación (se oyen voces que lo niegan rotundamente)?

En ningún momento #littlesecretfilm aboga por la cultura libre o el ‘todo gratis”. La mayoría de realizadores de #littlesecretfilm tenemos otros proyectos en la industria cinematográfica tradicional (Producción, distribución, exhibición) o en internet que sí intentamos monetizar. Sin embargo, aparte de ellos, también queríamos regalar una obra a los espectadores, una obra que no busque rentabilidad económica sino una rentabilidad emocional, basada en el número de visionados, el número de personas que disfrute con tu película. Hacer partícipes a los espectadores de la producción de un largometraje no basada en pre-ventas, patrocinios, apoyos o subvenciones. ¿Limitar la creación? Al contrario, en mi opinión creo que la financiación privada fomenta la creación ya que iguala a todos los realizadores a producir su obra sin ninguna ayuda o beneficio de estatus de acceso a patrocinadores.

Hay muchos profesionales que ven Internet como una amenaza al propio cine. ¿Qué les dirías? ¿Cómo se puede coordinar la explotación comercial con el trabajo libre en la red?

Internet es una perfecta ventana para distribuir cine pero debemos de encontrar fórmulas para rentabilizarla. A los espectadores nos encanta ver películas en una pantalla grande, en DVD o en internet. No se tratan de ventanas de distribución antagónicas, sino paralelas. Con nuestras películas y proyectos hemos de crear modelos de negocio para cada una de ellas. No se excluyen unas a las otras. En definitiva se trata de consumir audiovisual.

Manic 3

El 1 de febrero se lanzaron 15 largometrajes simultáneamente ¿Sabían los participantes de los otros proyectos? ¿Hubo algún intercambio o colaboración?

Sí, creíamos imprescindible la transparencia con todos ellos. A cada nueva incorporación clandestina de cara al estreno colectivo íbamos informando al resto de realizadores. Diversas colaboraciones e intercambios fueron sucediéndose entre proyectos de ciudades afines. De esta manera, desde septiembre de 2012 creamos un sentimiento de unión en todos nosotros, un secreto colectivo que sería desvelado el 1 de febrero de 2013.

Tú mismo participas con el largometraje, Manic Pixie Dream Girl, ¿Cómo fue la experiencia? Cuéntanos alguna anécdotas del rodaje.

La experiencia fue muy intensa. Después de tanto tiempo centrado en el documental, volvía de nuevo a la fición de una manera tan extrema. Por suerte tenía una actriz y un equipo técnico que han hecho que la película que podéis disfrutar a día de hoy sea la que tenéis ante vuestros ojos. Me encuentro muy satisfecho con el resultado. Les estoy muy agradecido. 21 horas de rodaje ininterrumpidas y muchos meses de esfuerzo. Los 3500 visionados a día de hoy que la película registra son el mejor regalo para todos nosotros.

Manic Pixie Dream Girl demuestra las grandes capacidades de Rocío León, ¿Cómo pensaste en ella para el film? ¿Cuál fue su contribución a la historia?

Manic Pixie Dream Girl es Rocío León. Desarrollando su personaje, Aurora, en mi próximo largometraje Viva la Sangre comencé a dar vueltas a la idea de trabajar con ella en solitario explotando todas sus facetas que conocía bien por tantas conversaciones juntos preparando el personaje. Por ello quise plantear MPDG como una película con/por/para ella como único personaje.  Un largometraje en que ambos creáramos al mismo nivel en la historia, sus referencias, sus matices… Su contribución interpretativa es evidente, la historia y diálogos han sido todos contrastados con ella, su excelente dominio para la canción interpretando las canciones de Roma Rises… trabajar con Rocío siempre es un placer.

Tu mismo compones la música, cuéntanos cómo fue esa labor, ¿Eres consciente de hasta qué punto es pegadiza la canción principal?

Manic RomaCrear atmósferas y estéticas visuales es la razón por la que nació mi vocación por el cine. Es un objetivo que ha llegado ha llamar más mi atención incluso que el contar una historia. Y Manic Pixie Dream Girl pretende reflejar una estética que todos conocemos muy bien, demasiado: Internet, lo digital, la generación videoblogger, Youtube. Y en este caso me sentía capaz de complementar esas atmósferas musicalmente con mi proyecto musical en solitario “Little Toys”, en el que compongo con mucho sintetizador, instrumentos de juguete, ukeleles… El Score de la película pretende reflejar la infancia y lo digital, lo adolescente del mundo vlogger, y a su vez rendir tributo a muchos compositores con espíritu infantil, fantástico e inocente. Desde composiciones y ritmos asiáticos similares a los de Studio Ghibli o compositores como Katsuhiko Maeda o Joe Hisaishi hasta composiciones más electrónicas pop como las de Michael Andrews o Mark Mothersbaugh, a más intimistas y acústicas como las de Jon Brion o  Gustavo Santaolalla. La idea de crear una electropop star de la actualidad, con su EP propio, portada, videoclip, posters, canal de twitter…. era una idea muy atractiva como para dejarla pasar en esta película. Con Roma Rises he pretendido rendir homenaje al pop naif de cantantes como Katy Perry o Robyn. El primer single de Roma Manic Pixie Dream Girl se había convertido en un hit, la canción más escuchada en Youtube de todos los tiempos. ¡Su pegadizo estribillo debía de estar a altura de la trama! Podéis escuchar al completo la BSO de la película y el ep de Roma Rises en la web de la película www.mpdgfilm.tumblr.com

Vayamos al trasfondo. Tu película incide sobre varios males de la red, la multiplicación de personalidades, los trolls, los fakes, el cyberbullyng. ¿Son males endémicos? ¿No reducen, hasta cierto punto, al absurdo la web 2.0? ¿Qué modelo de Web te gustaría?

Tenemos un modelo web que se ajusta a cada país, al igual que la TV que posee cada país. Lo precioso y destructor a la vez de la red es que se trata de un espacio de libertad (¿Si o no? El debate es amplio), en ocasiones usado amoralmente, y en muchas otras para el beneficio común.

Manic 4

En tu película, Internet se ve casi como asesino social que hay que detener, sin embargo con #littlesecretfilm tu te decantas por la red como vía de expresión y difusión. Explícanos la paradoja.

Sí. Es una contradicción muy evidente. Simplemente se trata de contar una historia que espero apasione a los espectadores por su crudeza y el realismo mágico que plantea la película con la vocce sensibile y el fin de internet. #littlesecretfilm no pretende acotar temáticamente ninguna historia, la paradoja es algo anecdótico.

Paul Mockapetris, uno de los padres de la red y creador del DNS, sostenía en una entrevista que las redes van a ir sustituyendo el cultivo del ego por la utilidad. ¿Estás de acuerdo? ¿No va un poco en esa línea #littlesecretfilm?

Sí, bastante. De hecho, internet ha llevado el pragmatismo al extremo a nuestros hogares. Las ideas son desechadas con una rapidez pasmosa. Esperamos que #littlesecretfilm no sea devorado por la rapidez y las modas de la red y poco a poco construya un modelo de producción sólido y continuo en el tiempo con un amplio carácter evolutivo.

Y acabamos, ¿Qué aceptación ha tenido #littlesecretfilm? ¿Cuál esperas que sea su continuidad y alcance?

Desde hace apenas diez días #littlesecretfilm ya registra más de 20.000 visionados, estamos muy satisfechos con la aceptación de los espectadores. Que disfruten con las películas es nuestro objetivo y el feedback en twitter con el hastagh #littlesecretfilm, en prensa y críticas no podía ser más positivo. Estamos muy agradecidos. El alcance y la continuidad del modelo depende de que sea apoyado por los cineastas españoles e internacionales. Por ello hemos estrenado quince películas de todo tipo, para presentar el modelo pragmáticamente y de ese modo animar a la comunidad cinematográfica española y mundial a disfrutar del cine estrenando en la red. ¿Os animáis?

Categorías:CINE CLUB

Cinephone Film Fest llega a su segunda edición

11 febrero 2013 Deja un comentario

Las nuevas tecnologías están revolucionando el mundo del cine, lo veíamos con #littlesecretfilm hace unos días. Hoy queremos presentaros otra iniciativa rompedora: Cinephone Film Fest, el primer festival patrio que apuesta por la grabación de cortometrajes con telefonía móvil. Os remitimos a su nota de prensa:

cinephone-2013-300x113

2a edición de Cinephone con la colaboración de la UOC y presentación en el MWC 

Se ha abierto el periodo de recepción online de cortometrajes para la segunda edición del Festival  Internacional Cinephone que finaliza el mes de septiembre.

Cinephone es un festival de cortometrajes realizados con teléfono móvil que pertenece al nuevo segmento de festivales de cine basados en soluciones tecnológicas online 2.0.

Este año Cinephone cuenta con el respaldo de colaboradores tecnológicos consolidados en el territorio catalán con proyección mundial como los estudios de Multimedia y Telecomunicaciones de la UOC y difusión mediante Mosaic, su revista digital.

La característica principal de Cinephone es el uso del teléfono móvil, hecho que ha propiciado que el Festival cuente con representación en la exposición de contenido audiovisual que se organiza en el Mobile World Centre, sede de la Mobile World Capital, edificio situado en Plaza Cataluña de Barcelona orientado al mundo de la movilidad y la transformación social que este implica.

La segunda edición fue presentada públicamente el 26 de enero en FNAC Illa Diagonal de Barcelona por su director, David Cornadó, en un acto que duró 2 horas y que contó con una gran afluencia de público del sector audiovisual y tecnológico,  dónde se dieron a conocer los premios de Cinephone:

1r y 3r premio del jurado, dotados económicamente con 800 y 200 euros respectivamente, 2o premio Red de 400 euros y cuatro menciones especiales al mejor guión, fotografía, BSO e interpretación.

La novedad mundial que ofrece Cinephone este año la proporciona la firma navarra Engineea y su cámara Scubo 3D presentada en diciembre del pasado año, accesorio que permite registrar imágenes en 3D con un iPhone.

En el portal http://www.cinephone.org se pueden encontrar las bases de participación.

DSC_0169

Categorías:w Otros festivales

Caltiki ediciones presenta: Juan Piquer Simón. Un titán en el confín de la Tierra

3 - JUAN ..Tras una pertinaz sequía sobre la vida y obra del director Juan Piquer Simón, hemos tenido la suerte de que se hayan editado dos magníficas obras sobre su figura: Juan Piquer Simón, mago de la serie B, editado por Fantcast, libro del que ya les hablamos aquí y esta otra monumental obra, Juan Piquer Simón. Un titán en el confín de la Tierra que presentamos ahora y con la que se conmemora el 2º aniversario de la desaparación del director valenciano.

Este nuevo libro, en edición muy limitada y numerada de 60 copias,  constituye un apasionante recorrido  por el cine fantástico y de aventuras del valenciano Juan Piquer Simón. Dicho director fue una figura inusual dentro de las coordenadas del cine comercial español de la década de los ochenta y noventa, y todo un icono de culto fuera de nuestras fronteras. Profesional emprendedor en proyectos de bajo presupuesto que lograron recaudar beneficios sustanciales y éxito de público.

El abultado volumen, de más de 600 páginas profusamente ilustradas, está repleto de entrevistas con el director recuperadas para la ocasión, así como con otras a colaboradores y actores. Entre ellos: Lone Fleming, Jack Taylor, José Luis Ayestarán, Pilar Alcón, Ana Obregón o Frank Braña , entre muchos otros. También contiene un gran número de artículos pormenorizados sobre su obra, película a película y otros aspectos como los efectos especiales, los cómics o el merchandising.

Este homenaje a uno de los directores españoles más internacionales del fantaterror ha contando con un prólogo de José Ortega y la colaboración de diversos críticos especializados: Alfonso y Miguel Romero, David García, Diego Morán, Jesús Bernal, José Luis Salvador Estébenez, Manuel Valencia, Miki Martínez, Toni Junyent y el que esto les cuenta, Carlos Benítez Serrano, entre otros.

Es importante también remarcar la valiente labor, en estos tiempos que corren,  de José Luis Alonso que además de coordinar el libro, pone con él en funcionamiento Caltiki ediciones S.L., una nueva editorial especializada en libros de cine oscuro que seguramente  dará más alegrías en el futuro a todos los amantes del fantástico.

Lo dicho, una obra monumental en edición limitada que no pueden dejar escapar. Para conseguir los pocos ejemplares que quedan pueden dirigirse a caltiki@gmail.com o visitar su página web caltikiediciones.blogspot.com.es

4 - JUAN ..

Apostando por el cine de bajo presupuesto, llega #littlesecretfilm

Los libros de historia del futuro pondrán un epíteto con el que definir la época que nos está tocando padecer. Una crisis que ya ha cumplido casi siete años y a la que no se le ve fin. Y es que es más que una crisis económica, es la crisis de todo un modelo. La tecnología ha tenido su parte en la función obligando a reconvertir no pocos sectores, entre ellos el cine. La facilidad con la que podemos ver cine sin pasar por los circuitos tradicionales es cada vez mayor de ahí que se hayan oído muchos lamentos por parte de la industria empeñada en destacar lo negativo y omitir deliberadamente los aspectos positivos que ello puede tener.

Entre los aspectos que han cambiado en la nueva era tecnológica está el hecho de que hacer cine cada vez está al alcance de más gente con el abaratamiento que le ha supuesto todo lo digital. No hace falta siquiera recurrir a cámaras profesionales ni a programas de edición complejos para obtener brillantes resultados, véase el siguiente vídeo como ejemplo (no me sean perezosos y denle al play que vale la pena):

Transformers from repey815 on Vimeo.

Lo que pueden ser malos tiempos para el mercado son buenos para el desarrollo de la creatividad. Así lo han entendido los promotores del proyecto #littlesecretfilm. ¿En qué consiste tal proyecto? Se pretende un impulso al cine basado en un decálogo, como tantas otras veces ha ocurrido, la diferencia es que aquí no se ponen cortapisas a la libre elección de recursos expresivos (como si ocurría con el Dogma) sino que las premisas aluden a la  creación y distribución de las obras que se acojan a esta empresa. Es pues un proyecto que apoya a una nueva producción según diez normas para alentar a todos a adentrarse en el mundo de la realización cinematográfica. No pretende convertirse en escuela o movimiento sino que impulsa un nuevo modelo no comercial de producir filmes basado en el riesgo, la improvisación y el azar frente al largo proceso convencional. Apuestan por Internet como ventana de distribución gratuita (lo que no quiere decir que se apuesta por la cultura del todo gratis) amparando las obras a una licencia creative commons. Rodados mediante cámaras HD, sin guión dialogado previo, con un equipo reducido (máximo 10 personas) se rodarán durante 24 horas consecutivas. #littlesecretfilm se manifiesta como un acto de amor al cine, de apreciación del arte por el arte como respuesta alternativa a la industria lucrativa.

Puede parecer algo de locos, se podría sospechar que interesará a pocos (todos tenemos que comer), pero el reto está ahí y desde el primer día de este mes ya podemos disfrutar de las primeras 16 obras colgadas en la página web del proyecto. Serendipia se ha adentrado en el visionado de algunos de estos filmes, como es Piccolo grande amore dirigida por el crítico de cine Jordi Costa.

cartel costaJordi Costa parte de su amor por la cultura popular, concretamente acude al fenómeno de la canción italiana, y por el giallo, para ofrecernos una cinta plagada de frases brillantes con formato de cine experimental sobre la fuerza que nos rige: el amor (y según reza en la sinopsis esto es lo peor que podría habernos pasado). Dos acciones paralelas desarrollan la trama: por una parte asistimos a una reunión de tres amigas que acuden a una particular quedada de su grupo de Internet formado a partir de la afición a la canción italiana; por otra, vemos a un personaje, que podría ser el sosias del Monsieur Merde de Carax, contándole a un niño lo que cree son las intenciones de estas tres nornas, estas tres brujas de Macbeth, en definitiva de estas tres madres de Argento. Ni que decir tiene que los momentos más hilarantes del film vienen de la mano de este indigente interpretado por un excelente Ignatius Farray, especialmente cuando analiza el vídeo de Dyango y Pimpinela, para aplaudir. En la película de Costa encontramos muchos de los tópicos que definen nuestro presente, la llamada cultura del apocalipsis, el efecto de la red de redes en nuestras relaciones interpersonales, nuestra vivencia del amor, el sentido de nuestros actos que empiezan a morir justo cuando nacen, la dialéctica entre lo masculino y lo femenino etc. Todo ello hacen de este experimento algo digno de tener en cuenta. Si hubiésemos de ponerle un pero, sería el de que la acción de las tres mujeres parece más teatro filmado que auténtico lenguaje cinematográfico.

Si Costa viene a hablarnos del poder destructivo del amor su compañera en Mondo Bruto, Jimina Sabadú, nos habla, en su pequeño film secreto La pájara, de  la mezquindad, la gente que vende cosas por Internet, los enfermos que abusan de su condición, y las personas que aman a todo el mundo menos a quien tienen más cerca.

Jimina

Una historia realista, pero con muñecos, así la define su sinopsis, La pájara está narrada al modo de los cuentos infantiles. Esa estructura de por sí ya abre paso a la narrativa fantástica y se afianza aún más en lo fantástico por su humor de absurdo y surreal que la pone en referencia con ese film de culto que es Amanece que no es poco. Como en la película de Cuerda los diálogos son su mejor baza, evidencian la formación literaria de su directora y acaban de abundar en sus aires de fábula grotesca. No dejéis de disfrutarla y seguid buscando al hada de las albóndigas: http://www.vimeo.com/58176529

Si Jordi Costa y Jimina Sabadú han optado por el humor, Álex Mendíbil (aka Álex Zinéfilo) apuesta por el drama para hablarnos del cine, de los caprichos de la percepción, del poder de las imágenes. Mendíbil, en su pequeño film secreto, Undo Infinito, nos ofrece todo un brillante ejercicio de cine dentro del cine en el que hace de la interpolación textual un arte.

UNDO INFINITO from Álex Mendíbil on Vimeo.

Como argumento nos cuenta la peripecia de Marta, una editora de vídeo, que tras sufrir un accidente de amargas consecuencias, se encierra en su trabajo hasta la obsesión, de tal modo que deja de distinguir entre lo que ha visto o vivido analógicamente y lo meramente digital. La historia de Marta y su esposo avanza a golpe de diálogos en plano fijo que con sutiles indicios nos va mostrando la degradación de la pareja tras el accidente. La vida de Marta (¿la real?) se nos cuenta desde la deconstrucción del tiempo diegético, del presente de la acción pasamos a momentos pasados sin solución de continuidad entre el ahora y el antes. Pero Undo Infinito va mucho más allá de contarnos una anécdota argumental, lo más interesante del filme es cómo se van interpolando diferentes textos audiovisuales, desde la película de serie B que está preparando para su edición hasta el vídeo doméstico, pasando por imágenes documentales. El cine, esa imágen con duración, ya no requiere de soporte físico todo es código binario, la ausencia de película diluye la diferencia entre original y copia y, más lejos aún, ya no permite distinguir entre lo captado en un instante con lo que ha sido manipulado digitalmente; basta con dar un paso más para apelar a qué va a quedarse fijado en nuestra memoria. Sumergidos como estamos a la presencia constante de imagen, la ilusión óptica va viéndose magnificada hasta el punto de que perdemos conciencia de qué hemos experimentado y qué conocemos sólo por su imago virtual. Así nos lo va contando Mendíbil con su inteligente puesta en escena, la confusión de Marta queda expuesta ya desde la primera escena en la que hábilmente se coloca en el punto de fuga la imagen de vídeo que está revisando, nuestra vista se proyecta constantemente hacia él, la inteligencia del plano nos obliga a tomar una actitud reflexiva ante esta propuesta visual. Ironía Brechtiana bien entendida, Undo Infinito, funciona bien en todos los niveles de lectura que se plantea, es una obra de muy buena factura tanto en sus aspectos artísticos como técnicos. Para verla y revisarla.

Valgan estas tres breves reseñas como presentación de lo mucho bueno que nos ha traído #littlesecretfilm. Es todavía pronto para valorar el alcance que puede tener esta iniciativa, de momento lo que nos consta es que tuvo muy buena acogida por el público en su lanzamiento. Más de 10.000 visionados habían apoyado su estreno el fin de semana pasado, llegando a convertirse en trending tópic en la ciudad de Madrid. Lo que está claro es que estamos ante el trabajo de los pioneras del siglo XXI en el que el lenguaje audiovisual está llamado a renovarse. Larga vida al proyecto.

Mamá: nueva vuelta de tuerca

“Cuando despertó, el dinosaurio aún estaba ahí”. El relato de Monterroso incluido en Obras Completas y otros cuentos, es el más breve que se haya escrito nunca. Puede parecer que se trata de una boutade, pero la mínima obra del guatemalteco resume toda la teoría del cuento. El cuento como género literario se distingue por ser un nudo narrativo en el que transcurre una acción de la que se intuye un antes y un después, en Monterroso tenemos un tiempo que alude a un pretérito en el que un sujeto tuvo su pasado, un momento presente en el que transcurre una acción y un futuro suspendido (¿Por qué estaba allí el dinosaurio? ¿Qué pasará después cuando se mantiene su presencia?). La misma lógica del cuento es la que rige en el cortometraje como género cinematográfico. Andrés Muschietti conocía bien esa lógica de la brevedad cuando en 2008 dirigió su corto Mamá, una de las piezas más breves que ha dado la historia del terror que en su concisión ofrece un relato sugestivo y aterrador de gran factura técnica:
Si el cuento es proporcional al cortometraje, un largometraje lo es a la novela. En la estructura de una novela (más allá de que dinamite o no la secuencia temporal) se ha de dar un inicio que introduce el conflicto que se expone en toda su amplitud en el nudo y concluye en el desenlace (se juegue o no al final abierto). Muschetti, de la mano de Guillermo del Toro, ha sabido adaptar su pieza breve a la lógica del largometraje, arropando a esas dos hermanas que huyen entre susurros con una trama que explica su miedo y que muestra el final de su historia. Y su adaptación a un nuevo metraje la ha resuelto con éxito, un éxito que explica su afortunada recepción por la taquilla en EE.UU.
Mamá, el largo, es un relato sobre las dimensiones del pánico y, como antes hizo Henry James, presenta una nueva vuelta de tuerca al tomar como protagonistas a dos niñas. Victoria y Lilly son secuestradas por su padre homicida en una oleada de terror colectivo, cuando el padre muere por causas extrañas las dos niñas quedan abandonadas en una cabaña perdida en el bosque, estarán allí durante cinco años cuando las rescaten se descubrirá que han sobrevivido gracias a su imaginación. Son encontradas gracias a la contumacia de su tío paterno que acabará adoptándolas gracias a un programa psiquiátrico destinado a estudiar fenómenos como los de niños salvajes. En ese marco se presenta la extraña comparecencia que las lleva a huir. Así el argumento del corto se convierte en motivo del largo.
Guionizada y dirigida por el propio Muschetti en colaboración con su hermana, la película queda amparada por la larga sombra de Guillermo del Toro quien como productor vuelve a apostar por un joven talento. Igual que en la ópera prima de J. A. Bayona (El orfanato, 2007) la presencia de del Toro se hace notar en el tono oscuro de una fotografía creadora de atmósferas como antes lo había hecho como director (en concreto evocábamos a Mimic, 1997). Porque Mamá es una película de ambiente, la opresión de esa fotografía pende sobre toda la cinta y dota de una profundidad dramática una historia que en el fondo juega con las convenciones decimonónicas del género.
El tono de relectura de lo gótico asoma desde los títulos de créditos que se suceden al prólogo (y cuánto nos gusta que se cuide de los créditos iniciales tan olvidados hoy en día) dibujos infantiles que cubren mohosas paredes como si fueran pinturas rupestres, o cómo la inocencia puede dar pavor. Y la música de Fernando Velázquez pone el resto, compone una banda sonora que juega a dos niveles que se entrecruzan: los temas breves que buscan la impresión del espectador cuando la imagen introduce el sobresalto; y los otros más desarrollados que acompañan esa atmósfera que hemos descrito, que no se ocupan de generar impresiones emocionales inmediatas sino de recrear espacios y ambientes también terroríficos, destinados a engrandecer y multiplicar el poder del peligro que amenaza a los personajes.
Todo el arranque se aparece como un cuento tradicional, con el bosque, el lago y la cabaña escondida, como figuras narrativas. Después volvemos al plano real, la recuperación de las niñas, salvajes ya después de su largo extravío, con la extraña fuerza que las acompaña y que el psiquiatra explica como fruto de su imaginación mezclada con el afán de supervivencia. Instaladas a medio camino entre la sociedad y el aislamiento, el comportamiento de las niñas introduce la inquietud, sobre todo para Annabel (una soberbia Jessica Chanstain), la compañera del tío paterno, a la que esta maternidad le viene impuesta contra su instinto. Sólo la mayor, Victoria, ha conservado el lenguaje, la pequeña, Lilly (que sólo tenía un año cuando desapareció) está prácticamente tomada por la ferocidad de la naturaleza, pronto se verá que la dialéctica entre socialización y bestialidad generan distintas reacciones ante lo que sobrepasa los límites de lo empírico, que es casi tanto como los límites de la cordura.
El filme, pues, revisa los cimientos de la enajenación, pero será para llevarlos a la conexión con lo fantástico. Tal vez nuestra razón lúcida no cubre todo el espectro de lo existente. Así, lo que en principio se diagnóstica como personalidad disociada es sustituido por la convicción de que el monstruo es real; siguiendo esa evolución de planteamientos, se nos irá desvelando la imagen de la presencia aterradora. Nuevamente la música de Velázquez se convierte en pauta con la que leer la profundidad de esas emociones, con un tema principal a la par bello y siniestro con el que logra explicar lo que de otra manera sería difícilmente explicable: las razones de la bestia. Si somos naturaleza, parece decirnos, seremos pulsión y nos dejaremos llevar por los instintos más básicos sin vacilar en causar dolor si es necesario para nuestras apetencias. En cambio, si nos quedamos del lado de la palabra conseguiremos reconducir los sentimientos hacia la positividad (ese lado bueno de las cosas que es motivo central en la película de David O. Russell). Contrastan de ese modo las dos madres, Annabel la mujer que no desea hijos, que no tiene la marca del instinto, frente a la mujer aparecida que sigue buscando alguien a quien llevar a su regazo aunque sea llevándoselo al reino de la muerte. La segunda es una máscara de la maternidad más asilvestrada, más salvaje, que no repara en nada, en cambio la primera es fuente de domesticación y apaciguamiento. El final salomónico parece decirnos que ambos rostros de la figura materna tienen razón de ser, mientras la música nos permite empatizar con el monstruo en su melancolía.
Terror protagonizado por niños, es inevitable pensar en Clayton y su adaptación del relato de James, como inevitable es tener la sensación de que The innocents (1961) puso el listón tan alto que ninguna otra película podrá estar a la altura. Sin embargo, esta ópera prima tiene buen pulso. Mamá es un filme con un ritmo creciente que nos lleva de la mano manteniendo nuestro interés hasta el clímax final al que no le sobrevendrá ningún epílogo. Tal vez la excelencia del corto no está en esta adaptación al largo, pero la cámara de Muschetti sigue siendo igual de inteligente jugando con las presencias y las ausencias, los travellings imprescindibles y los planos secuencia como pilares de su ritmo pausado y firme a la vez. Buen cine de terror que no se aparta de los cánones de los relatos de fantasmas,  lo que nos ofrece Mamá es una película eficaz sobre todo en su atmósfera de inocencia, melancolía e instinto. Esa misma atmósfera que nos acompañará al salir del cine junto al buen sabor de boca.

 

Primera imagen de Thor, el mundo oscuro

El próximo 31 de octubre llegará a los cines la segunda parte de la adaptación al cine de Thor, el héroe Marvel. La primera entrega, dirigida por el shakespeariano Kenneth Branagh, no fue muy bien recibida ni por el público ni por la crítica, nosotros, en cambio, rompimos una lanza a su favor en el que ha sido uno de nuestros artículos más populares. Nos dejó un agradable sabor de boca por su colosalismo y su humor, así que estamos encantados de que el personaje vuelva de nuevo a nuestras pantallas.

chris-hemsworth-thor-and-natalie-portman

Esta segunda entrega ha sido dirigida por Alan Taylor quien ya está familiarizado con la fantasía épica por haber dirigido seis episodios de Juego de Tronos. Se presenta como la continuación en la gran pantalla de las aventuras de Thor, el Poderoso Vengador, en su lucha por salvar la Tierra y los Nueve Reinos de un oscuro enemigo que es anterior al mismísimo universo. Después de Thor y Los Vengadores, Thor lucha por restablecer el orden en todo el cosmos… pero una antigua raza liderada por el vengativo Malekith regresa para volver a sumir al universo en la oscuridad. Thor se enfrenta a un enemigo al que ni siquiera Odín y Asgard pueden hacer frente y deberá embarcarse en su viaje más peligroso y personal. En este viaje se reunirá con Jane Foster y deberá sacrificarlo todo para salvar el mundo.

Protagonizada por Chris Hemsworth, Natalie Portman, Tom Hiddleston, Stellan Skarsgård, Idris Elba, Christopher Eccleston, Adewale Akinnuoye-Agbaje, Kat Dennings, Ray Stevenson, Zachary Levi, Tadanobu Asano, y Jaimie Alexander, junto a Rene Russo y Anthony Hopkins como Odin, Thor, El Mundo Oscuro está producida por Kevin Feige, a partir de una historia de Don Payne y guión de Christopher Yost , Christopher Markus y Stephen McFeely. Está basada en Thor, el clásico Superhéroe de Marvel que apareció por primera vez en el cómic Journey into Mystery (Viaje al misterio) nº 83, en agosto de 1962.

Para ir abriendo boca nos llega la primera imagen del rodaje, que no revela mucho pero que ya nos pone en alerta:

TM-08824_R.jpg_cmyk

El Salón de Cómic de Barcelona rinde tributo a Ambrós con una exposición

Ambrós_El..

El Salón Internacional del Cómic de Barcelona producirá una gran exposición dedicada a la trayectoria artística de Miguel Ambrosio Zaragoza ‘Ambrós, uno de nuestros grandes clásicos de la historieta. De esta manera el certamen quiere rendir un homenaje a este autor clave del cómic español en el centenario de su nacimiento. La exposición contará con una gran selección de páginas originales del autor, concentrada en personajes tan populares como El Jinete Fantasma, Chispita, El Capitán Trueno o El Corsario de Hierro, además de otras de sus obras. La muestra cuenta con la colaboración de Ediciones B, que cederá páginas originales para la muestra. Asimismo, se dispondrá de diversos originales y objetos de merchandising de sus series procedentes de coleccionistas.

Miguel Ambrosio Zaragoza ‘Ambrós (1913-1992) empezó a publicar historietas en 1945, colaborando para editoriales como Rialto, Valenciana y Fantasio. En 1947, y junto al guionista Federico Amorós, crea la serie de cuadernillos El Jinete Fantasma, que se convertirá en su primer gran éxito. Ligada a esta aparece Chispita, que Ambrós dibujó entre 1951 y 1955, y que estaba protagonizada por el hijo del Jinete Fantasma. En 1954 inicia su colaboración con Editorial Bruguera. Tras realizar algunas historietas del Oeste y un tomo de la colección Historias, recibe el encargo de dibujar las aventuras de un nuevo personaje creado por Víctor Mora: El Capitán Trueno. Así, en 1956 se inicia esta popular colección apaisada, cuyo éxito generará la presencia de este personaje en revistas como Pulgarcito o El Capitán Trueno Extra. Decidido a convertirse en pintor, Ambrós abandona la serie en 1960, aunque volverá a dibujar al Capitán Trueno posteriormente en algunas historietas sueltas.

Tras volver momentáneamente a colaborar con Bruguera (ilustrando libros de colecciones como Héroes o Historias), en 1965 se concentra en trabajar para Editorial Valenciana, en la que dibujará series como Los colonos o Héroes del deporte, esta última con guiones de Pedro Quesada. En 1970 Ambrós retorna a Bruguera, donde de nuevo junto a Víctor Mora crea otro personaje de gran fuerza estética y literaria, El Corsario de Hierro, que realizará entre 1970 y 1981, año de su retiro de la profesión. En 1989 el Salón Internacional del Cómic de Barcelona le concedió el Gran Premio del certamen como reconocimiento a la labor de toda su vida.

El 31 Salón del Cómic de Barcelona se celebrará del jueves 11 al domingo 14 de abril de 2013 en el palacio nº 8 de Fira de Barcelona en Montjuïc.

Categorías:Cómic Barcelona
A %d blogueros les gusta esto: