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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 25 de agosto de 2017 *
EN EL LUGAR DEL SR. STEIN (Un profil pour deux, Stéphane Robelin, 2017)
Francia/Bélgica/Alemania Duración: 99 min. Guion: Stéphane Robelin Fotografía: Priscila Guedes Productora: Ici et Là Productions / La Compagnie Cinématographique / Detailfilm / Gasmia Film / MMC Movies / Panache Productions Género: Comedia
Reparto: Pierre Richard, Yaniss Lespert, Fanny Valette, Stéphanie Crayencour,Stéphane Bissot, Macha Méril, Gustave Kervern, Pierre Kiwitt, Anna Bederke
Sinopsis: Pierre, viudo y jubilado, no sale de su casa desde hace dos años. Descubre los placeres de Internet gracias a Alex, un joven contratado por su hija para enseñarle los rudimentos de la informática. En una web de citas, una joven encantadora, Flora63, seducida por el romanticismo de Pierre, le propone una primera cita. Enamorado, Pierre revive. Sin embargo, en su perfil ha puesto una foto de Alex en lugar de la suya. Pierre debe convencer al joven para reunirse con Flora en su lugar.
Mis recuerdos sobre Pierre Richard se inician y terminan en los setenta, hace pues bastantes años. Por entonces era un niño y tuve que sufrirlo, pues nunca me hizo gracia, en películas como El gran rubio con un zapato negro (Le grand blond avec une chaussure noire, Yves Robert, 1972) o La mostaza se sube a la nariz (La moutarde me monte au nez, Claude Zidi, 1974), comedias en las cuales este cómico bastante físico quedaba en mal lugar al compararlo con contemporáneos con Gene Wilder, Marty Feldman o el propio Woody Allen de entonces, con los que físicamente guardaba ciertas similitudes. Los años han pasado y han hecho más justicia a Richard que a mí mismo. Ahora es un atractivo anciano, un actor que no ha parado de hacer películas en su país, aunque llevábamos muchos sin verlo en nuestras pantallas: cinco ocasiones en más de 20 años.
Con un humor, como es natural, menos físico (la edad manda) Richard sale muy bien parado en su interpretación de este viudo algo cascarrabias que se siente inconsolablemente solo tras el fallecimiento de su esposa y que descubre la fantasía y la ilusión del amor vía Internet, aunque sea mediante una imagen falsa en una web de citas. Y es que aunque su corazón es joven, no lo es su aspecto, así que hace una pequeña trampa al subir la imagen al perfil del portal, utiliza la de Alex, su treintañero profesor de informática, al que responderá una atractiva joven belga. Cuando la muchacha toma la decisión de irle a visitar, Alex se verá obligado a suplantar al anciano. Y a partir de ahí, esta actualización 2.0 del Cyrano de Bergerac, se desarrolla como comedia de equívocos. Un vodevil ágil que juega con la habitual trama de engaños propia del género, mientras nos hace plantearnos temas tan importantes como si todo vale en la seducción, si lo que importa es el físico o si, al contrario, el amor nace cuando dos almas afines entran en contacto. El desarrollo de la idea argumental (y su consiguiente subtexto) conducirá al cambio del vodevil por la comedia romántica en su tercer acto. Esta evolución la singulariza y la llena de encanto.
En el lugar del señor Stein tiene momentos de gran comicidad, pero nos deja un regusto agridulce al salir del cine. Después de todo, hemos asistido a un relato sobre la soledad, el dolor de la pérdida y la reclusión en uno mismo que esta conlleva. La película nos invita, sin embargo, a no sucumbir ante ello, los personajes descubren (y nosotros con ellos) que la vida es demasiado volátil como para malgastar nuestro tiempo, que es necesario siempre aferrarse a la esperanza de salir adelante y de hacerlo, además, con el mejor humor posible.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 11 de agosto de 2017 *
EMOJI: LA PELÍCULA (The Emoji Movie, Tony Leondis, 2017)
USA. Duración: 86 min. Guion: Eric Siegel, Anthony Leondis Música: Patrick Doyle Fotografía: Animation Productora: Sony Pictures Género: Comedia de animación.
Sinopsis: Los protagonistas habitarán la misteriosa tierra de Textopolis, donde todos los emojis favoritos de la gente cobran vida, mientras esperan ser seleccionados por el usuario del teléfono. Todos los personajes tienen una sola expresión facial a excepción de Gen (TJ Miller), un emoji que nació sin filtro y se llena de múltiples expresiones. Para lograr ser normal, Gen se embarcará en una aventura o “app-ventura”, junto a sus amigos Hi-5 (James Corden) y Jailbreak (Ilana Glazer). Pero pronto, una gran amenaza hará que el destino de estos personajes dependa de los tres amigos, teniendo que salvar su mundo antes que sea borrado por completo.
Hoy llega a nuestros cines Emoji, la película, y lo hace precedida por los sangrantes comentarios de la crítica estadounidense que ha llegado a soltar perlas como las que recogemos aquí:»The Emoji Movie es un gran y humeante montón de mierda (…) Muestra lo bajo que puede caer Hollywood para conseguir dinero fácil» (New York Daily News); «Emoji apesta (¡cara triste!) (…) Por favor, restaura mis ojos a la configuración de fábrica (…) Un nuevo ejercicio de marketing sin alma, dirigido principalmente a niños pequeños» (New York Post); «Carece de humor, ingenio, ideas, estilo visual, actuaciones convincentes o cualquier otra característica distintiva que la convierta en algo que no sea una completa pérdida de tiempo«(The Wrap). Así las cosas, uno acude al cine con las más bajas expectativas posibles y, ya se sabe, se cumple la paradoja de que no te parece tan mal como para haberse merecido semejantes calificativos. Es cierto que la idea, animar los emojis, habría dado para más, que la animación no es muy brillante y la trama (subtexto incluido) no es demasiado original, pero sus 86 minutos pasan rápidos y su colorido la hará atractiva para los más pequeños. Uno tiene que recibirla con la mente de un niño de seis años para apreciarla, pero eso también es válido. Y es verano, y hace mucho calor, y los peques se ponen muy pesaditos, así que tenerlos concentrados durante hora y media es muy de agradecer, después de todo los valores que transmite no les van a resultar nocivos.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 4 de agosto de 2017 *
ATÓMICA (Atomic Blonde, David Leitch, 2017)
USA Duración: 115 min. Guion: Kurt Johnstad (Novela gráfica: Antony Johnston) Música: Tyler Bates Fotografía: Jonathan Sela Productora: Focus Features / 87Eleven / Closed on Mondays Entertainment / Denver and Delilah Productions / Sierra / Affinity Género: Thriller
Reparto: Charlize Theron, James McAvoy, Sofia Boutella, John Goodman, Eddie Marsan,Toby Jones, Bill Skarsgård, Roland Møller, Attila Árpa, Sam Hargrave,Jóhannes Haukur Jóhannesson
Sinopsis: Año 1989, el muro de Berlín está a punto de caer. Un agente del MI6 encubierto aparece muerto y la espía Lorraine Broughton (Charlize Theron) debe encontrar por todos los medios una lista que el agente estaba intentando hacer llegar a Occidente, y en la que figuran los nombres de todos los agentes encubiertos que trabajan en Berlín oriental. Lorraine no se detendrá ante nada para conseguir dar con esa lista, enfrentándose a varios asesinos y sumergiéndose en un mundo en el que nadie parece ser quien dice ser.
Atómica es una cinta de espionaje basada en un cómic, concretamente en The Coldest City, una novela gráfica escrita por Antony Johnston y dibujada en contrastado blanco y negro por Sam Hart que ha dado pié a una muy violenta película con una heroína encarnada por una Charlize Theron que es puro Hard Boyled: luchas realistas, contusiones duraderas y unas gotas de cine negro que encajan a la perfección en esta película de espionaje ambientada en los días previos a la caída del muro de Berlín. Charlize Theron es cool y no teme a nada. Realizando una notable interpretación en la que mezcla glamour con dureza, sin evitar unos agradecidos desnudos exigidos por el guión, en los cuales no se esconde tras una doble de cuerpo, que ya está bien de tanta corrección política. Anima la cinta una magnífica banda sonora compuesta por hits de la época, entre ellos Under Pressure de Queen y David Bowie, 99 Luftballons de Nena o el tema principal de Cat People (Paul Schrader, 1989) que, compuesto por Giorgio Moroder e interpretado por Bowie. Encaja a la perfección con esta rubia atómica, bebedora de vodka y amiga de ganar las peleas aunque no sea de forma muy limpia. Theron, protagonista absoluta, está respaldada por James McAvoy, John Goodman y la ascendente Sofia Boutella. Fresca, divertida y violenta. Una entretenidísima pieza para estos días de canícula.
REPARAR A LOS VIVOS (Réparer les vivants, Katell Quillévéré, 2016)
Francia/Bélgica. Duración: 103 min. Guion: Katell Quillévéré, Gilles Taurand (Novela: Maylis De Kerangal) Fotografía: Tom Harari Productora: Les Films Pelléas / Frakas Productions / France 2 Cinéma / Les Films du Bélier Género: Drama
Reparto: Emmanuelle Seigner, Tahar Rahim, Anne Dorval, Alice Taglioni, Monia Chokri, Bouli Lanners, Finnegan Oldfield, Dominique Blanc, Alice de Lencquesaing,Karim Leklou, Kool Shen, Camille Tillier, Andranic Manet
Sinopsis: Todo comienza de madrugada en un mar tempestuoso con tres jóvenes surfistas. Unas horas más tarde, en el camino de vuelta sufren un accidente. En el hospital Havre, la vida de Simón (Gabin Verdet) pende de un hilo. Mientras tanto, en París, una mujer (Anne Dorval) espera un trasplante providencial que le pueda prolongar su vida. Thomas Remige (Tahar Rahim), un especialista en trasplantes, debe convencer a unos padres en estado de shock de que ese corazón podría seguir viviendo en otro cuerpo. Y salvar, tal vez, una vida.
Un inicio intenso, bellamente rodado con magníficas tomas submarinas. La pasión de la juventud, la vitalidad de existir. Del mar al metal del coche y al gris del macro hospital de las afueras, que comparte espacio con almacenes y fábricas. Naturalezas muertas, a pesar de palpitar. La muerte colándose en la estancia, inesperada. Los padres, Emmanuelle Seigner y Kool Shen con la desolación de la tragedia inesperada como solo ellos pueden vivirla. Galatéa Bellugi, mostrando la profunda tristeza ante la pérdida de un amor que justo comenzaba, tan intenso como solo se vive a los 17 y como solo puede representar la actriz revelación de 9 meses (Keeper, Guillaume Senez, 2015). Pero también el impacto en el entorno del hospital. En los médicos, experimentados profesionales pero también humanos. Mortales. Y finalmente y en su segunda parte sobre el receptor del corazón del joven. Todavía latiendo.
Un magnífico trabajo de presentación de personajes que el director nos muestra en tan solo dos pinceladas, sin embargo, luego no obtienen el recorrido esperado. Pasan como jirones de vidas. Como olas. Efectos colaterales mientras el tono de la película va girando, de la desolación, del vacío, a la esperanza. De la muerte a la vida. Del final abrupto del amor al reinicio de un nuevo romance. Como cada minuto, cada hora, cada día. Como siempre.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 21 de julio *
SIETE DESEOS (Wish Upon, John R. Leonetti, 2017)
USA. Duración: 90 min. Guion: Barbara Marshall Música: Toby Chu Fotografía: Michael Galbraith Productora: Broad Green Pictures / Busted Shark Productions. Distribuida por Orion Género: Terror
Reparto: Sherilyn Fenn, Joey King, Ryan Phillippe, Elisabeth Röhm, Shannon Purser,Ki Hong Lee, Sydney Park, Alice Lee, Daniela Barbosa, Michelle Alexander,Raegan Revord, Sean Jones, Natalie Prinzen-Klages, Josephine Langford,Mitchell Slaggert, Alexander Nunez
Sinopsis: Clare Shannon (Joey King), de 17 años, sobrevive como puede al infierno que es el instituto junto a sus amigas Meredith (Sydney Park) y June (Shannon Purser). Cuando su padre (Ryan Phillippe) le regala una vieja caja de música con una inscripción que promete conceder los deseos de su dueño, ella piensa que no tiene nada que perder. Clare pide su primer deseo y, para su sorpresa, se hace realidad. En poco tiempo lo tiene todo: dinero, popularidad y el chico de sus sueños. Todo parece perfecto hasta que las personas más cercanas a ella empiezan a morir de manera espantosa y retorcida.
Después de la fallida Anabelle (2014), John R. Leonetti vuelve a adentrarse por los derroteros del subgénero de terror asociado a objetos malditos. Siete deseos tiene puesta su mira en el sector adolescente del público, sin embargo, se trata de una película muy correcta y suficientemente inteligente como para agradar a un público más amplio. Pésimo favor se hace, pues, a esta cinta promocionándola en relación con aquella de 2014. Siete deseos brilla más que el filme que la precede, pues no deja de ser terror mainstream, pero con una premisa atractiva y que podríamos resumir como la exposición del lado perverso de la lámpara de Aladino.
De entrada, Leonetti se aleja de las fórmulas manidas del slasher para abordar los eternos conflictos de la adolescencia, la necesidad de reconocimiento del grupo, las rivalidades entre pandillas, la popularidad y el rechazo, el valor de la amistad y los devaneos sentimentales; aunque sus personajes jueguen los roles usuales tienen la suficiente entidad psicológica como para no ser meros clichés, ni mucho menos carnaza. Está lejos de las repetitivas zombie movies e incluso de las películas de fantasmas con susto fácil. Tampoco se enfrentarán sus protagonistas a ningún psicópata, lo que está en juego es la propia ambición, el mal está en la resbaladiza ambivalencia de los deseos: un bien para nosotros puede comportar serios contratiempos para otros. Y todo ello se canaliza mediante el recurso a un objeto maldito, en esta ocasión una caja de música de la antigua china que le brinda siete deseos a quien la posea, pero advirtiéndole que lo pagará con sangre. Una advertencia que no se descubrirá hasta bien entrada la película, cuando la trama ya condena a la protagonista a no poder controlar el poder que ha despertado, cosa que la llevará al inapelable desenlace con el que se cierra (bien) el filme.
Leonetti recurre a usos narrativos que ya había ensayado en Anabelle, la tensión construida mediante planos detalle de los elementos que rodean una acción jugando con la distinta información que posee el espectador respecto al personaje que protagoniza la secuencia, pero lo que allí se dilataba hasta el punto de que cuando llegaba la resolución no se conseguí el efecto, aquí, en Siete deseos, se pauta en un tiempo mesurado que dota a la acción del tempo perfecto para sus pretensiones. Leonetti, pues, ha corregido sus excesos y sus defectos y se nos muestra ahora como un diestro arquitecto del suspense. Es muy probable que en esta cinta haya trabajado con más libertad que en la anterior, del mismo modo que el guion de Barbara Marshall (responsable del de Viral) le ofrece mejores mimbres que tejer de los que disponía en Anabelle. Si aquella fue un decepcionante spin off de un título mayor (Expediente Warren: The Conjuring), la cinta que llega ahora a nuestras salas es un pequeño ejercicio, pero muy eficiente, que puede verse sin rubor.
Dentro del acertado reparto destaca la joven y ascendente protagonista, Joey King, que a pesar de su juventud tiene una extensa carrera a sus espaldas. Para el fan del terror resultará familiar desde bien pronto, pues con nueve años interpretó a la salvaje niña zombie, Briana, en la versión americana de [Rec], Quarantine (John Erick Dowdle, 2008); o a Christine en Expediente Warren: The Conjuring (James Wan, 2013). Aunque también la hemos podido ver recientemente en otro registro totalmente diferente en Un golpe con estilo (Going in Style, Zach Braff, 2017). Por otra parte, resulta agradable encontrarse con un rostro, todavía tan bello, como es el de Sherilyn Fenn.
Siete deseos nos ofrece una cinta de terror adolescente consumible por toda la familia, con un guion sólido, un buen reparto, y una acertada dirección. Divertirá haciéndoselo pasar mal a muchos, por ese uso preciso del suspense que ya indicábamos, pero también por las ingeniosas muertes que perlan el relato, totalmente alejadas de esa casquería a la que nos tienen acostumbrados los productos dirigidos al mismo público que esta tiene como objetivo. Sin ser brillante es más que correcta, un producto que se sale de la media que, sin ser absolutamente original, juega bien las bazas del terror sin tener que recurrir siquiera al abuso del jump scare. Digna, muy digna.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 14 de julio de 2017 *
CARS 3 (Brian Fee, 2017)
USA. Duración: 109 min. Guion: Kiel Murray, Bob Peterson, Mike Rich (Historia: Brian Fee, Ben Queen, Eyal Podell,Jonathon E. Stewart) Música: Randy Newman Fotografía: Jeremy Lasky Productora: Pixar Animation Studios Género: Comedia de animación.
Sinopsis: Sorprendido por una nueva generación de corredores ultrarrápidos, el legendario Rayo McQueen queda relegado repentinamente del deporte que tanto ama. Para retomar su carrera, va a necesitar la ayuda de una joven mecánica de carreras, Cruz Ramírez, que tiene su propio plan para ganar, además de la inspiración del fallecido Fabuloso Hudson Hornet y un par de giros inesperados. ¡Y para probar que el nº95 no está ni mucho menos acabado, el campeón tendrá que poner a prueba su valía en el gran circuito de la Copa Pistón!
Dotar de vida y sentimientos a automóviles es una idea que personalmente se me antoja absurda incluso en un campo tan abierto como es el de la animación. Me valen juguetes, animales o monstruos de peluche, pero coches… Sin embargo Pixar lo ha vuelto a conseguir con esta nueva entrega de Cars, una tercera parte que ofrece varias lecciones de vida, algunas de ellas dirigidas a los adultos. Pues si ya nos enseñó que con perseverancia y trabajo puede obtenerse o ser todo aquello que se desea, en esta ocasión se nos muestra, entre otras cosas, que no tan solo está la satisfacción de participar sino que, una buena retirada a tiempo es una victoria cuando arriba el inevitable relevo generacional (en muchos casos arrasando) ante el que hay que saber adaptarse a base de reinventarse.
En Cars 3 tenemos de nuevo como protagonista a Lightning McQueen, que con su apellido realiza un simpático homenaje al actor Steve McQueen y su conocida afición de participar en carreras automovilísticas, pero también a otros conocidos de la primera entrega, a la que hace referencia en diversos flashbacks, sin que por ello se haga imprescindible haberla visto, pues los temas que trata Cars 3 son tan universales que hasta pueden ponerse en boca de coches, motos o incluso actores. Son verdades como puños que, bien interpretadas y narradas, llegan siempre a nuestro corazón. Y todo ello sin olvidar algo que Pixar sabe también hacer muy bien: divertir y entretener.
Eso sí, esta tercera entrega es un muy digno telón para la serie, que aunque ha pasado el relevo a una nueva generación de autos, debería ya centrarse en otros nuevos personajes si no quiere hacerse repetitiva.
EN LA VÍA LÁCTEA (On the Milky Road, Emir Kusturika, 2016)
Serbia/UK/USA. Duración: 125 min. Guion: Dunja Kusturica, Emir Kusturica Música: Stribor Kusturica Fotografía: Martin Sec Productora: BN Films / Pinball London Género: Drama
Reparto: Monica Bellucci, Emir Kusturica, Sergej Trifunovic, Miki Manojlovic, Bajram Severdzan, Maria Darkina
Sinopsis: Primavera en tiempos de guerra. Cada día, un lechero (Emir Kusturika) atraviesa el frente en burro, esquivando las balas para llevar su preciada mercancía a los soldados. Bendecido por la suerte en su misión, amado por una hermosa aldeana (Maria Darkina), un futuro apacible parece esperarle… hasta que la llegada de una misteriosa mujer italiana da un vuelco a su vida (Mónica Bellucci). Así comienza una historia de amor prohibido y apasionado que sumergirá a ambos en una serie de aventuras fantásticas y peligrosas. El destino los ha unido, y nada ni nadie parece poder detenerlos…
Con esta película, basada en una idea originalmente explorada por el cineasta en el cortometraje que hizo para la película de episodios Words with Gods (2014), Emir Kusturika regresa a la escena cinematográfica tras 7 años desde su último largometraje para traernos un emocionante cuento de hadas moderno protagonizado por una radiante Mónica Bellucci junto al propio director.
El director vuelve a reincidir en temas que le son conocidos: el sinsentido de la guerra servo-croata (y en general de todas) que tan marcado le dejó; la naturaleza protectora, ya sea en forma de serpiente o en forma de tormenta; y la vital importancia de la música en su cine. También reincide en el disparate, el surrealismo, para narrar emociones muy reales: «He dirigido un cuento de hadas moderno y, al mismo tiempo, ha sido tan emocionante como todas las películas que he realizado. En esta película, descubrí la belleza, y descubrí mundos intensos, humanos. En la vía láctea nace de numerosas capas de mi propia vida».
En tono de comedia loca, con elementos absurdos entremezclados junto a otros de un lirismo desbordante e incluso de acción e intriga, Kusturika demuestra que sigue gozando de muy buena salud tras su larga pausa, sin lugar a dudas.
Como protagonista absoluto de la película junto a la Bellucci, resulta toda una gozada el poder ver juntas a estas dos bestias pardas del cine europeo, que realizan una inolvidable actuación ya sea bajo las bombas o bajo la lluvia, para Kusturika, «un hombre y una mujer que se enamoran y están dispuestos a sacrificarse en la naturaleza» lo es todo, pues, como bien dice uno de sus personajes, «lo único que tiene sentido es amar a alguien.»
UN MINUTO DE GLORIA (Slava, Kristina Grozeva, Petar Valchanov,2016)
Bulgaria/Grecia. Duración: 101 min. Guion: Kristina Grozeva, Petar Valchanov, Decho Taralezhkov Música: Hristo Namliev Fotografía: Krum Rodriguez Productora: Abraxas Film / Graal S.A. / Screening Emotions / Aporia Filmworks Género: Drama satírico.
Reparto: Stefan Denolyubov, Margita Gosheva, Milko Lazarov, Kitodar Todorov,Ana Bratoeva, Nadejda Bratoeva, Nikola Dodov, Stanislav Ganchev, Mira Iskarova,Hristofor Nedkov, Dimitar Sardzhev, Ivan Savov, Tanya Shahova,Dr. Georgi Stamenov, Deyan Statulov, Decho Taralezhkov
Sinopsis: Cuando Tsanko Petrov (Stefan Denolyubov), un trabajador del ferrocarril, se encuentra un millón de levs en las vías del tren, decide devolver la totalidad del importe a la policía. El Estado le recompensa por ello con un nuevo reloj de pulsera… que pronto deja de funcionar. Mientras tanto, Julia Staikova (Margita Gosheva), jefa de relaciones públicas en el Ministerio de Transporte, pierde su viejo reloj. Así comienza la lucha desesperada de Petrov para que le devuelvan no sólo su viejo reloj, sino también su dignidad.
Segunda obra del tándem búlgaro Kristina Grozeva y Petar Valchanov, autores de La lección (Urok, 2014), una suerte de parábola moral que, bajo su superficial historia sobre bienes robados, escondía una potente reflexión sobre las relaciones de poder y la ética perniciosa de la Europa de nuestros tiempos y que supuso para sus directores el premio Nuevos Realizadores en el Festival de San Sebastián. Esta temática la retoman con Un minuto de gloria segunda parte de una trilogía en la que sus directores quieren denunciar, en forma de crítica ácida no exenta de humor negro, las pérfidas relaciones entre las instituciones deshumanizadas y las personas devoradas por sus engranajes, con mirada irónica pero humana sobre héroes anónimos aplastados por el sistema. Soberbio tour de force final que dejará a los espectadores sin aliento, como ocurrió en el Festival de Gijón de 2016 donde consiguió los premios de Mejor Película, Premio de la Crítica y Mejor Guion.
Sus directores han recurrido para Un minuto de gloria a parte del elenco de La lección, contando con Margita Gosheva y Stefan Denolyubov, que como protagonista realiza una encomiable labor.
Rodada cámara en mano y de forma verista, esta historia de decencia en tiempo de corruptelas, refleja la miserable sociedad en la que vivimos aliviando, muy ligeramente, el tono con leves toques de comedia negra. Muestra al espectador una situación que seguramente no desagradaría a Berlanga y Azcona por su patetismo: funcionarios imbéciles y avinagrados; políticos necios (¿hay de otros?); teléfonos que siempre comunican ofreciendo, en tiempo de espera; exasperantes tonadillas; burocracia inútil e inhumana… todo en una sociedad de ascopena que estos realizadores búlgaros han retratado con milimétrica exactitud.
VAMOS DE ESTRENO (esta sí) * Miércoles 12 de julio de 2017 *
LA GUERRA DEL PLANETA DE LOS SIMIOS (War for the Planet of the Apes, Matt Reeves, 2017)
USA. Duración: 142 min. Guion: Mark Bomback, Matt Reeves (Novela: Pierre Boulle) Música: Michael Giacchino Fotografía: Michael Seresin Productora: 20th Century Fox / Chernin Entertainment Género: Ciencia ficción.
Reparto: Andy Serkis, Woody Harrelson, Steve Zahn, Judy Greer, Gabriel Chavarria,Max Lloyd-Jones, Terry Notary, Sara Canning, Ty Olsson, Devyn Dalton
Para el lanzamiento de la película Superman (Richard Donner) del año 1978 se utilizó una afortunada frase publicitaria «Usted creerá que el hombre puede volar», pues no sería descabellado que esta saga, y particularmente esta tercera entrega, tuviera un reclamo tal que así, «Usted creerá que el mono puede hablar». Y es que esta tercera película de la nueva saga de El Planeta de los Simios es un portento tecnológico de esos que cuando salen en DVD hay que negarse categóricamente a ver los extras, pues toda la magia que se contempla en la pantalla, queda totalmente reducida a pantallas verdes y cosas muy extrañas que enturbian el impresionante resultado. Créanme, se lo que digo. Lo hice con los de Gravity y quiero olvidarlos, sepultarlos en mi memoria.
Hay que creer, pues el cine es lo que nos pide: que creamos en los vemos en la pantalla, todavía con ojos de niño pre-tecnológico. Pero para creer hay que ofrecer un producto bien realizado, con alma, y estos simios poseen alma y nos la trasmiten a través de sus miradas. Y Matt Reeves con su película.
Esta atinada conclusión de la serie de los simios de este nuevo milenio ofrece algunos guiños a la saga precedente. Un guiño para los veteranos. Veremos a Cornelius, estirpe de César; conoceremos a una pequeña humana que será bautizada como Nova; serán Alfa y Omega el objeto de destrucción como también lo fue en el feudo de los mutantes; y se contará con la presencia de simios crucificados, un símbolo que pondrá a los monos esclavizados en consonancia con la revuelta de los gladiadores de Espartaco, naturalmente vía Kubrick.
César ni quiso ni inició esa guerra de humanos contra simios, tan solo busca la libertad de su pueblo, pero cuando él sufra una importante pérdida, se convertirá en algo personal, llenando su semblante de ira hacia el Coronel, el humano que mató a sus seres queridos. Una furia ciega que le aleja de sus intereses hacia el pueblo que lidera. Y es que César tiene más humanidad que los humanos. Incluidos sus defectos, esos pequeños defectos que llevan al hombre a su destrucción. Además, el propio virus que ha dado cada vez más inteligencia a los simios, se la está arrebatando a los humanos. Y contra eso es contra lo que se rebela el Coronel, el villano de la función, que tiene un terrible pánico a perder a deshumanizarse. Lo que no sabe es que, hace tiempo, años, que dejamos de serlo.
¡Bad Ape!
Woody Harrelson está magnífico como ese sosias del Coronel Kurtz, que como aquel pierde la razón. Una similitud que se busca, en cierto modo, con esas pintadas en los túneles (‘Ape-calypse Now’), pero más allá de él, las estrellas de la película, y así se muestra en el reparto, son los actores que encarnan a los simios. Andy Serkis en los ojos de César, sí, pero también Karin Konoval como Maurice o Steve Zahn como ese Bad Ape, un pequeño reducto cómico en un personaje entrañable. Todos ellos actuando con sus ojos y gestos, expresando mucho más que con palabras. Mimo y vuelta a los orígenes del cine, cuando la mímica comunicaba todo lo que necesitábamos saber. Cuando el cine se llamaba Arte Mudo. Cuando el cine dejó, con la llegada del sonoro, de ser Arte. Y algo que, por cierto, hace que la cinta requiera ser parcialmente subtitulada incluso en su versión doblada, lo cual nos lleva a que nos cuestionemos si será posible que esa parte del público que es incapaz de dejarse llevar será capaz de soltar el móvil durante la proyección de la película y consiga centrarse en (¡Oh, diablos!) LEER los subtítulos de la pantalla. de esta cinta multigenérica. Multigenérica porque, de la guerra del título, tiene el inicio y parte de la conclusión, pero con un acto central que utiliza ingeniosamente el lenguaje de otros géneros y subgéneros como el western y el cine de evasiones.
Personalmente la saga original de El Planeta de los Simios forma parte de mi memoria sentimental. De niño compré muñecos Mego de la saga, jugué a las películas que vi en los cines de programa doble, y coleccioné hasta los comics Vértice. Esta nueva saga es diferente, no hay que comparar para evitar agravios, totalmente injustos para ambas partes. Es otra historia, con elementos en común, pero que pueden convivir. Una no anula a la otra. Añade. Suma y engrandece la historia original. Dos horas y veinte minutos de cine, de vida, bien invertidos. Por favor, no perdamos la capacidad de maravillarnos ante las posibilidades de la máscara (tecnológica, pero máscara) y la actuación eficaz. Algo que se ha dado desde el primero actor que prefirió ser anónimo ocultando su cara, para apoyar y añadir eficacia a su interpretación.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 7 de julio de 2017 *
TOM OF FINLAND (Dome Karukoski, 2017)
Finlandia / Suecia / Dinamarca / Alemania / USA. Duración: 115 min. Guion: Aleksi Bardy Música: Lasse Enersen, Hildur Guðnadóttir Fotografía: Lasse Frank Johannessen Productora: Helsinki Filmi Oy / Anagram / Fridthjof Film / Neutrinos Productions / Film and Music Entertainment (F&ME) Género: Drama
Reparto: Pekka Strang, Lauri Tilkanen, Seumas F. Sargent, Jessica Grabowsky,Taisto Oksanen, Jakob Oftebro, Niklas Hogner, Christian Sandström, Martin Bahne,Werner Daehn, Þorsteinn Bachmann, Jimmy Shaw, Kari Hietalahti, Jan Lindwall, Emanuel Claesson
Sinopsis: Tom of Finland, protagonizada por Pekka Strang, sigue los pasos de esta figura pionera de la cultura gay, que sufrió la opresión y la homofobia durante su juventud. Volvió como héroe de la Segunda Guerra Mundia, pero la vida en Finlandia en tiempos de paz no fue como esperaba. Perseguido por su homosexualidad, se encontró sumergido en relaciones secretas y presionado para casarse con una mujer. Encontró una válvula de escape a través de su arte, especialmente por sus dibujos homoeróticos con un estilo marcado por musculados cuerpos masculinos vestidos de cuero. Su fama llegó a ser revolución en Estados Unidos bajo su nombre artístico, Tom of Finland.
Tom de Finlandia es un correctísimo biopic sobre el influyente artista Touko Laaksonen, que fue conocido como Tom de Finlandia, todo un icono de la cultura gay y más concretamente de la estética Leather. La historia parte desde su experiencia desgarradora y heroica en la Segunda Guerra Mundial, donde descubre su homosexualidad y un submundo de lugares de encuentro clandestinos entre hombres. Pero tras la guerra tendrá que lidiar otra lucha en su propio país, pues en Finlandia la homosexualidad fue considerada delito desde 1894 hasta 1971. Así que Touko se refugia en su arte, liberador y centrado en dibujos eróticos y pornográficos de hombres musculosos y desinhibidos. Con el tiempo sus imágenes acabarán publicándose en Los Ángeles, donde será invitado a acudir por unos admiradores, descubriendo hasta que punto ha influido creando toda una estética basada en sus dibujos de modelos musculosos, cubiertos con cuero, uniformes… una parafernalia que lo llevará al éxito comercial en los años setenta y ochenta, viviendo también la eclosión del sida.
Dome Karukoski lleva a la gran pantalla la vida y obra de este artista contando con gran sensibilidad, con un buen diseño de producción, unos competentes intérpretes y sobre todo un magnífico guión que no cae en lo folklórico ni en lo más fácil, mostrando los colores apagados y los grises del Helsinki de los cincuenta y sesenta en contraste con la California multicolor de los setenta y ochenta, donde se desarrolla la segunda parte de la cinta. Una historia de rebeldía magníficamente retratada.
THE LOVE WITCH (Anna Biller, 2016)
USA. Duración: 120 min. Guion: Anna Biller Música: Anna Biller Fotografía: M. David Mullen Productora: Anna Biller Productions Género: Fantástico.
Reparto: Samantha Robinson, Gian Keys, Laura Waddell, Jeffrey Vincent Parise,Jennifer Ingrum, Lily Holleman, Dani Lennon, Stephen Wozniak, Bernard Bullen,Clive Ashborn, April Showers, Elle Evans, Robert Michael Anderson,Jacob Peacock, Giselle DaMier, Ron Kari
Sinopsis: Una joven bruja está empeñada en encontrar el amor a base de conjuros y pócimas que le permitan seducir a cualquiera. Cuando por fin encuentra al hombre de sus sueños, su deseo se convierte en desesperación, en locura y luego en… Con un estilo visual que homenajea los thrillers en Technicolor de los sesenta, The Love Witch explora las fantasías femeninas y las consecuencias del narcisismo exacerbado.
The Love Witch (Anna Biller, 1916) es una deliciosa fábula visual que reproduce la estética vintage e incluso los diálogos y la forma de actuar de los protagonistas del cine que rellenaba las sesiones golfas Grindhouse de los setenta. Repleta de encantamientos, sortilegios, modelitos psicodélicos y mucho, mucho color, resulta perfecta en su forma de reflejarlo, ya sea en cuanto a vestuario como en su cuidado diseño de producción. Pero no piensen que la acción se desarrolla a finales de los sesenta, no, si se fijan bien, verán ciertos anacronismos que por inesperados pueden, paradójicamente, pasar desapercibidos. Como que los protagonistas utilicen con toda naturalidad teléfonos móviles o incluso que se hable de realizar pruebas de ADN bastante antes de que este procedimiento fuese habitual. Su satanismo kitsch a lo Anton LaVey y su estética convierten esta película en toda una proeza, a pesar de carecer de una de las principales virtudes de aquellos nudies de los primeros setenta que tan bien reproduce: su ajustada duración. Aún así The Love Witch es una de las cintas más recordadas de la última edición del Festival de Sitges y toda una obra de orfebrería a tenor de lo declarado por su directora, «(…) una labor de amor total. Yo realicé todo el vestuario renacentista y el armario de Elaine, además de todo el atrezo, incluida una alfombra de pentagrama hecha a mano. Hice cientos de sketches del set y del vestuario y storyboards; hice pinturas y escribí partituras; pasé años escribiendo y reescribiendo el guion y trabajé mucho tiempo con mi actriz principal para desarrollar todas las capas del personaje.»
PREVENGE (Alice Lowe, 2016)
UK. Duración: 88 min. Guion: Alice Lowe Música: Pablo Clements, James Griffith, Toydrum Fotografía: Ryan Eddleston Productora: Gennaker / Western Edge Pictures Género: Terror.
Reparto: Alice Lowe, Kayvan Novak, Kate Dickie, Jo Hartley, Gemma Whelan, Tom Davis,Dan Renton Skinner, Mike Wozniak, Eileen Davies, Grace Calder, Tom Meeten,Leila Hoffman, Sara Dee, David Puckridge, Jacqueline Wright, Della Moon Synnott
Sinopsis: Una lunática mujer embarazada de varios meses escucha la voz de su hijo no nato, que le da instrucciones asesinas.
Prevenge supone el debut en la dirección de la actriz y guionista Alice Lowe, que dirige e interpreta esta comedia negra en 
su séptimo mes real de gestación. Es bien sabido que el embarazo puede desequilibrar y cambiar el metabolismo de la futura madre, pero quizás no de forma tan extrema como le sucede a la protagonista de Prevenge, cuyo hijo no-nato le dará órdenes para que vaya matando, cuanto más sangrientamente mejor, a varias víctimas que, por cierto, parecen merecerlo: ejecutivas implacables, abusadores de mujeres… un ramillete de personajes que como descubriremos están en su lista mortal por un motivo concreto.
¿Tenía Alice Lowe un embarazo complicado? a tenor de lo que explica, parece ser que sí: «El embarazo tradicionalmente es un mundo de color pastel. Pero yo experimentaba una inesperada intensidad. Una tristeza inexplicable. Transformaciones físicas milagrosas. No era nada parecido a los embarazos que había visto en pantalla. Por lo que creé una anti heroína, Ruth. Una mujer cuya furia la ha tomado por completo. Todo este mundo interior tomó la forma de un bebé no-nato dictador. El muñeco ventrílocuo que susurra en el oído de su madre diciéndole lo que tiene que hacer. Ruth como mujer embarazada era el conducto para explorar esta noción. Todo el mundo tiene que ser amable con una mujer embarazada. Pero Ruth es una vengadora, jurado y juez de los fallos de la sociedad.»
En la linea de la francesa y muy sangrienta Baby Blood (Alain Robak, 1990), destaca la utilización de las alucinantes escenas en blanco y negro pertenecientes a Crime Without Passion, una olvidada producción Paramount dirigida en 1934 por Ben Hecht, Charles MacArthur y Lee Garmes protagonizada por Claude Rains y la exótica Margo.
LLEGA DE NOCHE (It Comes at Night, Trey Edward Shults, 2017)
USA. Duración: 97 min. Guion: Trey Edward Shults Fotografía: Drew Daniels Productora: Animal Kingdom / A24 Género: Terror
Reparto: Joel Edgerton, Riley Keough, Christopher Abbott, Carmen Ejogo,Kelvin Harrison Jr., Griffin Robert Faulkner
Sinopsis: Travis (Kelvin Harrison, Jr.), un adolescente de 17 años, deberá enfrentarse, tras un cataclismo de enormes proporciones, a la existencia en una casa tan segura como desoladora con sus protectores padres (Joel Edgerton y Carmen Ejogo), siempre armados y vigilantes. Cuando una joven pareja desesperada (Christopher Abbott y Riley Keough) irrumpe con su hijo en busca de refugio y se vean obligados a acogerles, la familia se debatirá entre el miedo, la paranoia y la desconfianza, que se sumarán a los horrores del exterior.
Llega de noche no toma al público por tonto. Maneja muy bien la intriga midiendo lo que muestra al espectador y poniéndolo al corriente sin necesidad de parar a explicarlo, ya sea poniéndolo en boca de los personajes o mediante farragosos flashbacks. Va creando una intriga y la va desentrañando de manera inteligente, avanzando con el espectador, mientras uno va rogando que no se recurra a la aparición estelar de los tan manidos zombies. No, no hacen falta efectos tremebundos ni come-cerebros, aunque eso no significa que no se nos muestre continuamente el monstruo. Estamos ante una cinta apocalíptica en la que lo de menos es lo del exterior, la pandemia es un tan solo un macguffin que nos llevará a un homo hominis lupus al que en su día también nos llevó aquella Noche de los muertos vivientes de Romero, con la que Llega de noche, guarda elementos en común que no son, afortunadamente, los cadáveres andantes.
Llega de noche está protagonizada por el ascendente Joel Edgerton, un actor australiano protagonista de cintas tan dispares y eficaces como El regalo (que también escribió y dirigió) o Loving (Jeff Nichols, 2016), que se está construyendo una impecable carrera y al que veremos en importantes cintas actualmente en fase de post-producción, entre ellas su segunda película como director, Boy Erased, junto a Nicole Kidman y Russel Crowe. Mientras que a la londinense Carmen Ejogo hemos podido verla en Selma (Ava Duvernay, 2014) y Alien: Covenant (Ridley Scott, 2017). Llegan de noche, segundo largometraje de su director, es la confirmación de Trey Edward Shults, que con tan solo dos cortometrajes en su haber, convirtió el tercero, Krisha (2014) en un largometraje revelación de igual nombre rodado al año siguiente en tan solo nueve días en casa de su madre y protagonizada por su tía, la actriz Krisha Fairchild, para quien lo había escrito, y otros miembros de su familia.
Con una magnífica banda sonora que incrementa la tensión, con la percusión acompasando nuestras pulsaciones, aunque en algún momento caiga en el susto fácil demuestra que, sin ser con todo una obra maestra, Llega de noche es una digna e inteligente cinta de intriga bien narrada y que evita, en lo posible, repetir esquemas. Una grata sorpresa.
BABY DRIVER (Edgar Wright, 2017)
UK/USA. Duración: 115 min. Guion: Edgar Wright Música: Steven Price Fotografía: Bill Pope Productora: Big Talk Productions / Media Rights Capital / TriStar Productions / Working Title Films Género: Thriller
Reparto: Ansel Elgort, Lily James, Jamie Foxx, Jon Hamm, Kevin Spacey, Eiza González,Jon Bernthal, Ben VanderMey, Thurman Sewell, Allison King, Lance Palmer,Keith Hudson, Patrick R. Walker, Hudson Meek, Troy Faruk
Sinopsis: Baby (Ansel Elgort), un joven y talentoso conductor especializado en fugas, depende del ritmo de su banda sonora personal para ser el mejor en lo suyo. Cuando conoce a la chica de sus sueños (Lily James), Baby ve una oportunidad de abandonar su vida criminal y realizar una huida limpia. Pero después de ser forzado a trabajar para un jefe de una banda criminal (Kevin Spacey), deberá dar la cara cuando un golpe malogrado amenaza su vida, su amor y su libertad.
¿Un thriller? ¿Una comedia? ¿Un musical? Baby Driver es todo eso y mucho más. Es un exceso operístico en el que la omnipresente música es fundamental. Una coreografía de gestos y movimientos de los que ni la cámara se libra. ¿Sabían que la detonación de una pistola podría ser utilizada como instrumentos musical? Edgar Wright sí lo sabe y lo pone en práctica en un par de ocasiones en Baby Driver sin miedo al -y sin resultar- ridículo. Y todo ello al ritmo de las mejores -y menos manidas- grabaciones Soul de la Stax o de Chess, junto a The Tubes, Queen o Damned. Todo sirve para añadir ritmo a esta película, que de ningún modo decae.
El británico Edgar Wright lo ha vuelto a hacer tras las exitosas Zombies Party (Shaun of the Dead, 2004) o Bienvenidos al fin del mundo (The World’s End, 2013) cambiando de género, pero manteniendo siempre un pie dentro de la comedia y el exceso, menos evidente, pero presente en Baby Driver. Recurre a actores bien curtidos como Kevin Spacey, Jamie Foxx, Jon Hann o Jon Bernthal en contraste con los muy jóvenes protagonistas, Lily James (a la que vimos como la Cenicienta ideal o, más desmadrada y tirando de katana en Orgullo+prejuicio+zombies) y Ansel Elgort.
Un argumento bien engarzado y unos diálogos electrizantes completan este entretenimiento de primera, este desmadrado cuento de héroes y villanos en el que triunfará el amor con un final color de rosa como el del cartel original.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 30 de junio de 2017 *
COLOSSAL (Nacho Vigalondo, 2017)
USA/Canadá/España/Corea del Sur. Duración: 109 min. Guion: Nacho Vigalondo Música: Bear McCreary Fotografía: Eric Kress Productora: Voltage Pictures / Sayaka Producciones / Brightlight Pictures Género: Ciencia ficción.
Reparto: Anne Hathaway, Dan Stevens, Jason Sudeikis, Austin Stowell, Tim Blake Nelson,Agam Darshi, Hannah Cheramy, Christine Lee
Sinopsis: Gloria (Anne Hathaway) decide dejar Nueva York y regresar a su ciudad natal tras haber perdido su trabajo y su novio. Pero, cuando en las noticias informan de que un monstruo gigantesco está destruyendo la ciudad de Seúl, Gloria se va dando cuenta poco a poco de que, a través de su mente, está conectada de forma extraña con estos acontecimientos. Para evitar que la destrucción vaya a más tendrá que averiguar el papel de su insignificante existencia en un evento colosal que podría cambiar el destino del mundo.
Colossal de Nacho Vigalondo, es una película que no puede dejar indiferente a nadie. Con un argumento que se diría surgido en una larga y productiva noche de copas y producción mayoritariamente canadiense esta cinta, protagonizada por una radiante Anne Hathaway narra como su protagonista, bebedora empedernida que no sabe muy bien qué hacer con su vida, vuelve a su pequeña localidad de nacimiento y descubre que, cuando camina por cierta zona, se materializa como saurio gigante en Seúl, así que deberá controlar sus movimientos para no causar bajas y destrozos a la manera de los kaiju eiga japoneses.
Lo mejor de la función es la protagonista, que interpreta un papel que sin lugar a dudas es una proyección del propio director. Resulta muy saludable ver a una bella dama como es Anne Hathaway interpretando un papel que, en otras circunstancias habría interpretado un hombre, bordándolo hasta hacerlo totalmente suyo. En otro orden de cosas, uno se pregunta cómo se puede proponer a una productora (y ya puestos a la Hathaway) un guión tan descabellado y tener éxito en la propuesta. Y es que eso tan solo puede estar al alcance del locuaz director de Los Cronocrímenes, que no duda en colar algunos guiños personales, como referencias a su desastrosa relación con twitter o al anterior monarca español en una película de lo más divertida, original y refrescante que afortunadamente ha conseguido colarse en nuestras pantallas.
GRU 3. MI VILLANO FAVORITO (Despicable Me 3, Kyle Balda, Pierre Coffin, Eric Guillon, 2017)
USA. Duración: 90 min. Guion: Ken Daurio, Cinco Paul Música: Heitor Pereira Productora: Illumination Entertainment / Universal Pictures Género: Comedia de animación.
Sinopsis: Balthazar Pratt, un antiguo niño estrella obsesionado con el personaje que encarnó en los años ochenta, demuestra ser el peor enemigo al que Gru ha debido enfrentarse hasta la fecha.
No está en nuestro ánimo el decir que la fórmula en la que se sostiene esta serie esté agotada, pues esta tercera entrega tiene el suficiente humor y acción como para encantar a los niños, pero sí que muestra serios síntomas de cansancio. Y es que al villano Gru, que ya dejó de serlo, le pusieron descendencia, esposa y hasta sus secuaces, los Minions, se quejan de tanto buenismo. Por si todo esto fuera poco, ahora le ha salido un hermano ¿Qué queda por hacer? Pues por el bien de la serie un mutis por el foro, pues más vale dejar las cosas cuando se está en lo más alto que caer en picado. Y todo ello a pesar de que cuenta con un magnífico punto de arranque gracias a Batthazar Pratt, el villano de la función, que maneja referencias ochenteras dirigidas al público adulto que naturalmente a los pequeños se les escaparán y que ha sido doblado por Trey Parker (ganador de un Emmy, un Grammy y varios premios Tony, y cocreador tanto de South Park como del éxito de Broadway The Book of Mormon). Su personaje, Pratt, es un antiguo niño prodigio obsesionado con el papel que interpretaba en una serie de los 80, década en la que continúa anclado, habiéndose quedado con lo peor de esa época: hombreras, mullet y y la peor música Disco, con la que ameniza todos sus delitos. También las cucamonas de los Minions son de lo más celebrado. Pero la cinta en su segunda parte, conforme se aproxima el duelo final y la acción, se torna más frenética, cae en picado. Y no la salva ni el guiño a los hermanos Marx (Dru, el hermano de Gru vive en Freedonia, país imaginario de idéntico nombre al de Sopa de Ganso). En todo caso, repetimos, a los más pequeños les encantará y a fin de cuentas ese público infantil es al que va dirigida Gru 3- Mi villano favorito.
UNA NOCHE CON MI EX SUEGRO (All Nighter, Gavin Wiesen, 2017)
USA. Duración: 86 min. Guion: Seth W. Owen Música: Alec Puro Fotografía: Seamus Tierney Productora: Spring Pictures / American Film Productions / Wing and a Prayer Pictures Género: Comedia
Reparto: J.K. Simmons, Emile Hirsch, Analeigh Tipton, Kristen Schaal, Hunter Parrish,Shannon Woodward, Taran Killam, Jon Daly, Bojesse Christopher,Xosha Roquemore, Tina Grimm, Tom Waite, Michael Q. Schmidt, Laura Lea
Sinopsis: Un padre adicto al trabajo intenta visitar a su hija durante una escala en Los Ángeles, sólo para descubrir que ella ha desaparecido, viéndose obligado a formar equipo con su torpe ex novio para encontrarla, en la que será una noche transformadora.
El suegro, ese ser para el que el yerno nunca es lo suficientemente bueno para su pequeña, posee menos literatura que su versión femenina pero, en todo caso, es una figura que siempre ha ofrecido un magnífico juego en el cine. Y en Una noche con mi ex suegro también lo da, sobre todo porque está encarnado por un eficaz J.K. Simmons, que tendrá que recurrir al ex novio de su hija para localizarla. Juntos pasarán una larga noche en blanco por los peores garitos de Los Angeles, durante la cual podrán conocerse y comprenderse, todo ello en una agradable comedia apta para todos los públicos.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 16 de junio de 2017 *
SEÑOR, DAME PACIENCIA (Álvaro Díaz Lorenzo, 2017)
España. Duración: 93 min. Guion: Álvaro Díaz Lorenzo Fotografía: Valentín Álvarez Productora: Atresmedia Cine / Canal Sur Televisión / DLO Producciones / Maestranza Films Género: Comedia
Reparto: Jordi Sánchez, Megan Montaner, Eduardo Casanova, Antonio Dechent, Silvia Alonso, Paco Tous, Salva Reina, Diego París, Boré Buika, David Guapo,Rossy de Palma, Andrés Velencoso
Sinopsis: Cuando la mujer de Gregorio (Jordi Sánchez), un banquero muy conservador, del Madrid y muy gruñón, fallece repentinamente, éste se ve obligado a cumplir su última voluntad: Pasar un fin de semana con sus hijos y sus parejas en Sanlúcar de Barrameda para esparcir sus cenizas en el Guadalquivir. Aquí es donde empiezan los problemas para Gregorio, ya que su hija Sandra (Megan Fontaner) está casada con Jordi (David Guapo), un catalán muy culé al que no soporta. Su otra hija Alicia (Silvia Alonso), está saliendo con Leo (Salva Reina), un anti-sistema al que tampoco puede ni ver y Carlos (Eduardo Casanova), su hijo pequeño, con el que lleva seis meses sin hablarse desde que salió del armario, se presenta con su novio Eneko (Boré Buika), un vasco de origen senegalés.
Si bien los ánimos entre las diferentes particularidades nacionales de España están lejos de llevarse tan bien como termina reflejando esta comedia de Álvaro Díaz Lorenzo, o al menos así quieren los políticos que pensemos, se agradece esta loa a la diferencia y la familia y este esfuerzo por hacer humor riéndonos de nosotros mismos. De todos nosotros. Y con esto no queremos decir que Señor, dame paciencia nos haya parecido una obra redonda, que no, pero contiene algún gag agradecido, un optimismo y un reparto, encabezado por Jordi Sánchez, que a buen seguro la convertirán en una de las películas golosas de este fin de semana para un tipo de público que sabe lo que va a encontrarse, pues Señor, dame paciencia, no engaña a nadie: Jordi Sánchez hace un medley de los giros fachas, racistas y miserables que tanto éxito le han deparado en su papel como Antonio Recio en La que se avecina, convirtiéndose en la principal atracción de esta comedia que incluye mucho de reportaje turístico tipo Sanlúcar, qué hermosa eres, ya que recorreremos sus rincones más pintorescos con Sánchez y el resto del elenco al desarrollarse íntegramente la acción allí. Elenco, por cierto, que se completa con las correctas Megan Montaner y Silvia Alonso y los menos correctos Andrés Velencoso y David Guapo, mientras que Rossy De Palma y Eduardo Casanova hacen de lo suyo. Chascarrillos sobre negros, catalanes, mariquitas y equipos de fútbol, pero todo con un fondo blanco y conciliador apto para toda la familia.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 9 de junio *
CAPITÁN CALZONCILLOS: SU PRIMER PELICULÓN (Captain Underpants: The First Epic Movie, David Soren, 2017)
USA. Duración: 89 min. Guion: Nicholas Stoller (Libro: Dav Pilkey) Música: Theodore Shapiro Productora: DreamWorks Animation / Scholastic Entertainment Género: Comedia de animación
Sinopsis: Dos escolares traviesos hipnotizan al director del colegio para convertirlo en su héroe de cómic: Capitán Calzoncillos. Jorge y Berto son super buenos amigos y pasan sus días creando cómics y soñando con bromas. Un día, hipnotizan accidentalmente al ‘dire’ de su escuela, el Sr. Krupp, que a partir de entonces se cree que es el Capitán Calzoncillos, un superhéroe malhumorado cuyo traje consiste en ropa interior y una capa. Por si esto no fuera suficientemente malo, su nuevo maestro es un malvado científico malvado. Jorge, Berto y el Capitán Calzoncillos deberán entonces unirse para frustrar su malvado plan.
El Capitán Calzoncillos es una ya prolífica saga literaria infantil/juvenil creada por Dav Pilkey que basa su éxito en la simple y llana risa, con el añadido de contener el elemento escatológico, que tanta gracia termina haciendo a su lector (ahora público) más potencial. En su traslación a la pantalla, la obra no ha perdido ni un ápice de frescura manteniendo y divulgando el carácter terapéutico de la risa como parte de una vida que, tiempo tendrá para tomarse en serio a sí misma.
George y Harold, protagonistas del filme y tan rebeldes y creativos como el propio Pilkey, que creó a su personaje durante los ratos en los que era expulsado de clase, reivindican el tiempo libre para jugar, para crear y para la amistad, con la camaradería como elemento imprescindible de crecimiento. La historia contará, como es natural, con otros protagonistas que enriquecerán la trama, como el inefable y repelente chivato-pelota-empollón Gustavo Lumbreras o ese director de escuela que, a fin de cuentas, no deja de ser un pobre diablo solitario cuya existencia ha perdido una alegría y vitalidad que recuperará a cubetadas cuando George y Harold lo transformen en… El Capitán Calzoncillos.
La dirección del veterano de DreamWorks David Soren garantiza una magnífica animación, además de ritmo desencajado, gags divertidos aptos para toda la familia y un humor escatológico tan elemental como efectivo, que hacen del Capitan Calzoncillos: Su primer películón, una propuesta muy simpática para este fin de semana.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 26 de mayo de 2017 *
WILSON (Craig Johnson, 2017)
USA. Duración: 94 min. Guión: Daniel Clowes (Novela gráfica: Daniel Clowes) Música: Jon Brion Fotografía: Frederick Elmes Productora: Ad Hominem Enterprises Género: Comedia
Reparto: Woody Harrelson, Laura Dern, Isabelle Amara, Judy Greer, Cheryl Hines,James Saito, Chris Carlson, Chelsea Anne Lawrence, Bruce Bohne,Bobby E. Erickson, Andrew Hawtrey
Sinopsis: Harrelson interpreta a Wilson, un solitario, neurótico, divertido y honesto misántropo de mediana edad que se reconcilia con su mujer (Laura Dern), de la que se separó, y que recibe una nueva oportunidad para ser feliz cuando descubre que tiene una hija adolescente (Isabella Amara), a la que no conocía. De una manera bastante extravagante y retorcida, se propone conectar con ella.
Wilson nació de una experiencia del propio Clowes compartida con su personaje. “Mi padre estaba hospitalizado, víctima de un cáncer terminal, como le sucede a Wilson al principio de la película”, explica. “Yo estaba sentado junto a su cama con la mirada puesta en el infinito, y sólo quería estar en esa habitación con él. Me traje mi pequeño bloc de dibujo y comencé a garabatear una breves tiras cómicas, ligeras y divertidas, para evitar sentirme abrumado”. Al fin, un personaje comenzó a emerger; al principio, no era más que un muñeco hecho de palillos pero con la descomunal personalidad de un hombre que dice toda la verdad sin ambages, independientemente de que alguien quiera oírla o no. “Yo estaba tronchándome de la risa”, reconoce Clowes. “Wilson tiene algo de memo, pero también es un tipo solitario que intenta trazar su curso por la vida”.
Pero si la adaptación de Ghost World, que en 2001 dirigió Terry Zwigoff protagonizada por las dos entonces mocosas, Thora Birch y Scarlett Johansson, resultó ser un valor añadido a la novela gráfica de Clowes, no sucede lo mismo con este Wilson, que ofrece un resultado un tanto deslavazado que no parece aprovechar suficientemente la carga de cinismo que tiene el personaje, ese plasta amargado que no termina de resultar gracioso (ni simpático) en su esfuerzo por trascender, pese a que las situaciones lo permitirían. De modo que el arco de transformación del personaje, interpretado por un Woody Harrelson en su salsa, no queda suficientemente matizado.
Su narración, adaptada por el propio autor de la novela gráfica, parece desarrollarse a trompicones, como en tiras, por no abandonar el lenguaje secuencial, no del todo bien hilvanadas entre sí. Y no en vano, tal y como explica el propio Daniel Clowes, algo de eso hay: “Yo tenía millones de tiras cómicas que eran pequeños fragmentos de la vida y, finalmente, encontré un relato en medio de todo ello. Al llegar al proceso de creación del guión, tenía la sensación de que ya disponía de un gran boceto para la película”. Pero lo que funciona en su novela gráfica, no ofrece el mismo resultado en la pantalla. A pesar de todo ello, Wilson no resulta tediosa (sus 94 minutos ayudan a ello) y contiene algunos buenos momentos que nos retrotraen a lo mejor de Daniel Clowes, con algún personaje que parece salido casi directamente de sus viñetas.
PIRATAS DEL CARIBE: LA VENGANZA DE SALAZAR (Pirates of the Caribbean: Dead Men Tell No Tales, Joachim Rooning y Espen Sandberg, 2017)
USA. Duración: 129 min. Guion: Jeff Nathanson (Personajes: Ted Elliott, Terry Rossio Stuart Beattie, Jay Wolpert) Música: Geoff Zanelli Fotografía: Paul Cameron Productora: Walt Disney Pictures / Jerry Bruckheimer Films / Infinitum Nihil Género: Fantástico.
Reparto: Johnny Depp, Javier Bardem, Orlando Bloom, Geoffrey Rush, Brenton Thwaites,Kaya Scodelario, Keira Knightley, Kevin McNally, David Wenham,Stephen Graham, Adam Brown, Golshifteh Farahani, Martin Klebba,Goran D. Kleut, Jessica Green, Paul McCartney
Sinopsis: El capitán Jack Sparrow (Johnny Depp) se enfrentará a un grupo de piratas-fantasma comandados por una de sus viejas némesis, el terrorífico capitán Salazar (Javier Bardem), recién escapado del Triángulo de las Bermudas. La única posibilidad de Sparrow para salir con vida es encontrar el legendario Tridente de Poseidón, un poderoso artefacto que le da a su poseedor el control de los mares.
Se dice equivocadamente que la saga Piratas del Caribe representa el retorno del cine clásico de piratas. Nada tan falso: Ni El hidalgo de los mares (Captain Horatio Hornblower, R.N, 1951, Raoul Walsh), ni El temible burlón (The Crimson Pirate, Robert Siodmak, 1952), ni El cisne negro (The Black Swan, Henry King, 1952) por poner algunos ejemplos destacados, tienen nada en común con estos piratas más allá de que salen barcos y personajes disfrazados de pirata. Lo que ofrece la saga Piratas del Caribe es puro cine fantástico, bastante inofensivo, y de acción, basado, en su mayor parte, en dar cuerda a sus personajes para que permanezcan en movimiento perpetuo. Todo el mundo corre, dando incluso la sensación de que están pasando muchas cosas, pero realmente suceden muy pocas. Y tiempo hay, pues el director ha contado con dos horas para ello.
Pero con todo esto no queremos decir que Piratas del Caribe: La venganza de Salazar sea una mala propuesta, ni mucho menos. Es una cinta pensada para el público actual, de todas las edades (damos fe de que ha agradado a parte de la crítica más adulta -por edad- de Barcelona), como también agradará al espectador no demasiado exigente o que busque, sencillamente, una pantalla que le ofrezca buques fantasmales, aventuras, toques de comedia, zombis (qué sería de una pelicula 2.0 sin muertos andantes) y en general héroes y villanos, romance y una escena postcréditos con promesas de continuidad, y todo ello permitiéndole disponer de tiempo, entre escena y escena, para echar un vistazo a su móvil. Nunca parece haber la suficiente acción como para captar la atención durante dos horas de ciertos espectadores, pero no podemos decir que en este caso no lo hayan intentado con todas sus armas.
Y es que ahora todas las películas de acción parecen de superhéroes. Y estos Piratas del Caribe no dejan de ser y protagonizar también unas historias íntimamente unidas a las de los héroes Marvel/DC. Lo que no quita que, por ejemplo Carlos Bardem esté muy siniestro ¿Les hemos dicho que será la criatura del Dr. Frankenstein en la nueva vuelta de tuerca a los personajes que Universal planea? Sí, Universal va a remozar sus monstruos clásicos de siempre mediante películas de aventuras interconectadas entre sí abandonando, al parecer, la vertiente gótica del asunto y el terror, con grandes estrellas de por medio y acción. ¿Será cine de terror? Mucho nos sorprendería que así fuera ¿Esta es una película de piratas? ¡Pues claro que no, guapi!
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 19 de mayo de 2017 *
NO SÉ DECIR ADIÓS (Lino Escalera, 2017)
- España. Duración: 96 min. Guion: Lino Escalera, Pablo Remón Fotografía: Santiago Racaj Productora: Lolita Films / White Leaf Producciones Género: Drama
- Reparto: Nathalie Poza, Juan Diego, Lola Dueñas, Pau Durà, Miki Esparbé, César Bandera,Noa Fontanals, Marc Martínez, Emilio Palacios, Oriol Pla, Greta Fernández,Pere Brasó, Miguel Guardiola, Bruno Sevilla, Darien Asian, Xavi Sáez
- Sinopsis: Carla (Nathalie Poza) recibe una llamada de su hermana: su padre (Juan Diego), con el que hace tiempo que no se habla, está enfermo. Ese mismo día, Carla coge un vuelo a Almería, a la casa de su infancia. Allí, los médicos le dan a su padre pocos meses de vida. Ella se niega a aceptarlo y contra la opinión de todos, decide llevárselo a Barcelona para tratarle.
De las películas que hemos tenido ocasión de ver provenientes del Festival de Málaga, sin lugar a dudas No sé decir adiós ha resultado, hasta ahora, la mejor. Principalmente porque tiene la deferencia de no tratar al espectador como si fuera corto de mente. Lino Escalera, que debuta en la dirección de largometrajes con esta cinta, trata a sus personajes con dureza, pero ni los juzga ni los redime: los muestra. Y lo que nos cuenta lo hace de la forma más efectiva y eficaz. Con economía de movimientos de cámara y un apoyo importante, fundamental, en los diálogos de sus personajes, encarnados por tres actores que realizan una labor encomiable, algo declamatoria, teatral, sí, pero de lujo. Juan Diego hace ese papel que tan bien realiza. Fallecido Pepe Sancho, Juan Diego es el actor que mejor dice tacos. Nathalie Poza (¿Donde ha estado hasta ahora Nathalie Poza?) realiza una magnífica creación con Carla. Creíble, patética, triste, inmadura. Una mujer que ha luchado, que ha pasado por experiencias que no se cuentan, ni falta que hace, vivencias que la han vaciado de sentimientos y le han despojado de la confianza en los demás. Escarmentada de la vida, se negará a aceptar lo inevitable, lo inminente y mientras, maquillará sus días con cocaína y Gintónics. Blanca, la otra hermana (interpretada por la magnífica Lola Dueñas) se ha quedado en el pueblo, ha heredado la auto-escuela del padre, vive con un tipo que no la llena y su hija y siente que ha perdido algo por el camino. También está vacía. Como su hermana, que fue a Barcelona a buscarse y todavía no se ha encontrado. Todos están heridos, en el cuerpo y en el alma, y la cinta de Lino Escalera es una reflexión sobre las oportunidades perdidas, sobre el fin de la vida, que puede terminar incluso antes del fallecimiento físico, cuando se dejan de lado los sueños y las aspiraciones y se toma la vida como una obligación, dejando morir el alma día tras día. Es también una historia de seres normales, derrotados, sin redención, sin héroes ni villanos. Ni más ni menos que vidas. Y muertes.
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Festival de Málaga 2017: Cuatro Biznagas de Plata en el Festival de Málaga (Premio Especial del Jurado, Premio al Mejor Guion, Premio a la Mejor Actriz- Nathalie Poza- y el Premio al Mejor Actor de Reparto -Juan Diego) y la Mención Especial del Jurado de la Crítica al trabajo actoral
GOODBYE BERLÍN (Tschick, Fatih Akin, 2016)
Alemania. Duración: 93 min. Guion: Hark Bohm, Lars Hubrich (Novela: Wolfgang Herrndorf) Música: Vince Pope Fotografía: Rainer Klausmann Productora: Lago Film Género: Comedia dramática.
Reparto: Tristan Göbel, Aniya Wendel, Justina Humpf, Paul Busche, Jerome Hirthammer,Max Kluge, Udo Samel, Anja Schneider, Nadine Dubois, Henning Peker,Uwe Bohm, Anand Batbileg, Katerina Poladjan, Sammy Scheuritzel
Sinopsis: Maik (Tristan Göbel), un muchacho de 14 años marginado por su clase, crece en el seno de una familia rica y disfuncional en Berlín. Durante las vacaciones veraniegas, su alcohólica madre ingresa de nuevo en rehabilitación mientras su padre se ausenta con su joven ayudante por un presunto viaje de negocios. Maik está solo en casa, en su piscina, hasta que un nuevo compañero de clase llamado Tschick, joven inmigrante ruso, aparece con un coche robado. Juntos se lanzan a la carretera sin plan aparente.
Una nueva aproximación a un periodo tan complicado como es la adolescencia, aunque en este caso está protagonizado por adolescentes auténticos (quizás debería decir reales) y realizado de manera muy inteligente y amena. Goodbye Berlín narra el relato iniciático de Maik (Tristan Göbel), un muchacho para el que un verano resultará ser el punto de inflexión que cambiará su modo de ver la vida. En el que una pequeña escapada a ninguna parte terminará siendo toda una lección de vida que irá mucho más allá de la gamberrada. Variará su escala de valores, conocerá la auténtica amistad y dejará atrás al niño. Y todo ello muy bien llevado por su director, que logrará un magnífico equilibrio en la narración, ofreciendo humor y demostrando cariño hacia sus personajes: “Leí la novela y me quedé enganchado” explica Akin (director de Contra la Pared, Al Otro Lado y Soul Kitchen entre otras) quien persiguió los derechos de la adaptación nada más leer la novela, cinco años antes de iniciar el rodaje.
De nuevo se tratará de un relato que, como el anterior que hemos comentado, respetará al público ofreciéndole una buena historia, con sus pequeñas tragedias y grandes descubrimientos. Tras ese viaje, ese verano, Maik dejará de pensar que es «un aburrido y un puto feo«, invisible para su soñada (y tan guapa como superficial) compañera de clase Tatiana (Aniya Wendel), que sin nunca saberlo habrá sido el detonante responsable de toda la huida, pues tanto Maik como Tschick (el raro de la clase, con una tragedia detrás que afortunadamente se nos evita) no son invitados a acudir a la fiesta de cumpleaños que la muchacha ofrece a (casi) todos sus compañeros. Y es que ellos no parecen importar a nadie (ni a sus padres ni a sus compañeros de clase), y ese verano tan solo se tienen el uno al otro y un coche (sinónimo de libertad) con el que saltarán a plantar cara a la vida.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 12 de mayo de 2017 *
ALIEN COVENANT (Ridley Scott, 2017)
USA/Australia/Nueva Zelanda/UK. Duración: 123 min. Guion: Michael Green Música: Jed Kurzel Fotografía: Dariusz Wolski Productora: Twentieth Century Fox Film Corporation / Scott Free Productions / Brandywine Productions Género: Ciencia ficción
Reparto: Katherine Waterston, Michael Fassbender, Demián Bichir, Danny McBride,Noomi Rapace, Billy Crudup, Carmen Ejogo, Jussie Smollett, Amy Seimetz,Callie Hernandez, Benjamin Rigby, Alexander England, James Franco
Sinopsis: Rumbo a un remoto planeta al otro lado de la galaxia, la tripulación de la nave colonial Covenant descubre lo que creen que es un paraíso inexplorado, pero resulta que se trata de un mundo oscuro y hostil cuyo único habitante es un “sintético” llamado David (Michael Fassbender), superviviente de la malograda expedición de Prometheus…
Una nueva epopeya conectada con el universo Alien y de nuevo con mucho en común con sus predecesoras: protagonismo del personaje femenino (aunque con los pies más en tierra, se permite el lujo de pasar miedo y reflejarlo con sus lágrimas); acción, intriga y por supuesto terror, ya que no faltan los diversos xenomorfos en sus diferentes fases (huevo, abrazacaras, revientapechos…) y en alguna variedad nueva como lo es aquella (de textura muy similar a las de Del Toro) tras la que adivinamos a nuestro Javier Botet.
Ridley Scott ha realizado un espectáculo in crescendo que añade nuevas pistas sobre el origen de esas terribles criaturas las cuales, al igual que sucedía en Prometheus (2012), no son las protagonistas de la función, pues ese papel está reservado para la inteligencia artificial y su conexión filosófica con su creador. Algo que enlaza la cinta directamente a Blade Runner (1982) del mismo Scott, -pues idénticas preguntas son las que se hacen los sintéticos- y, por descontado, con la simpática creación de la Señorita Shelley.
Si bien uno se alegra de que por una vez los héroes supervivientes de la función no sean unos bellos ejemplares hipermusculados, lo cierto es que Katherine Waterston no posee el suficiente carisma, en este caso, como para que su personaje y sus avatares nos hayan interesado en demasía. Aún así, se agradece la humanización de la heroína, que lejos de ser vocacional, le mueve el terror y el instinto de supervivencia, a pesar de que la tragedia ha truncado su futuro proyecto de vida.
Otro eslabón más en la saga Alien, quizás no uno de los más brillantes, pero lo suficientemente digno y que añade más información con la que llegar a esa tercera y última entrega de esta precuela. Qué raro suena todo esto ¡Qué tiempos nos han tocado vivir!
BAJO EL SOL (Zvizdan, Dalibor Matanic, 2015)
Croacia/Serbia/Eslovenia Duración: 123 min. Guion: Dalibor Matanic Música: Alen Sinkauz, Nenad Sinkauz Fotografía: Marko Brdar Productora: Kinorama / Gustav Film / See Film Pro Género: Drama
- Reparto: Tihana Lazovic, Goran Markovic, Nives Ivankovic, Mira Banjac, Slavko Sobin, Dado Cosic, Trpimir Jurkic, Lukrecija Tudor, Stipe Radoja
- Sinopsis: Tres décadas. Dos naciones. Tres historias de amor consecutivas entre una mujer serbia y un hombre croata dentro del corazón envenenado de los Balcanes.
- 1991. Jelena (Tihana Lazovic) e Ivan (Goran Markovic) están a punto de abandonar su pueblo natal para ir a Zagreb juntos. Ella es serbia y él croata y las primeras explosiones de odio étnico amenazan con dar al traste con su escapada.
- 2001. Tras la guerra, La joven serbia Natasa (Tihana Lazovic) vuelve con su madre a la casa en la que creció y en la que se abren las héridas profundas que ha sufrido. Ante (Goran Markovic), croata, se compromete a trabajar en el arreglo de la vieja casa. Ella no soporta su presencia.
- 2011. Luka (Goran Markovic), croata, vuelve a casa para una fiesta después de una larga ausencia. Visita a sus padres y lucha con la tentación de buscar a Marija (Tihana Lazovic), la joven serbia con la que tuvo algo más que una relación.
- Un canto a la vida que ha conmovido al jurado del Festival de Cannes. Bajo el sol nos cuenta tres historias diferentes, situadas en el mismo lugar, con diferentes personajes, los mismos actores y diez años de diferencia entre ellas. La primera se desarrollará en 1991, en ciernes del conflicto que romperá el país, familias y amistades. En un pequeño entorno en el que todos se conocen, comienzan a formarse los bandos. Ese es el campo de cultivo en el que se enamorarán la serbia Jelena y el croata Ivan.
- La segunda historia se desarrolla diez años después, tras la guerra, y nos mostrará un paisaje desolado, repleto de cicatrices causadas por la cruenta contienda. Se intentará reconstruir, volver a empezar. Y siempre con el lago como nexo común en todas las historias, como remanso de paz, Natasa y Ante cargarán con las heridas en su alma. Se palpa el odio, también el deseo. Pero el perdón es imposible.
- Finalmente, y ya en 2011, la vuelta al hogar y por fin la convivencia entre Serbia (Marija) y Croacia (Luka), imprescindible, pues hay un futuro en común representado por el hijo de ambos, al cual deben cuidar y sacar adelante.
Al igual que la reciente Hotel Europa, que también tenía como fondo el (¿eterno?) conflicto de los Balcanes, Bajo el sol evita, en lo posible, mostrar escenas bélicas o de violencia, demostrando Matanic un gran talento y mucha sensibilidad, así como un gran cuidado en el detalle sutil. Un magnífica película con buenas interpretaciones. Y una lección de humanidad sin caer en buenismos vacuos.
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2015: Festival de Cannes: Premio Especial del Jurado («Un Certain Regard»)2015: Satellite Awards: Nominada a Mejor película de habla no inglesa2016: Premios del Cine Europeo: Nominada al Premio del Público
MARAVILLOSA FAMILIA EN TOKIO (Kazoku wa tsuraiyo, Yôji Yamada, 2016)
Japón Duración: 108 min. Guion: Yôji Yamada, Emiko Hiramatsu Música: Joe Hisaishi Fotografía: Shinji Chikamori Productora: Shochiku Company Género:Comedia
Reparto: Satoshi Tsumabuki, Yû Aoi, Yui Natsukawa, Kazuko Yoshiyuki,Masahiko Nishimura, Isao Hashizume, Tomoko Nakajima, Shozo Hayashiya
Sinopsis: El día de su cumpleaños, la mujer del pater familias de una tradicional familia de Tokio, le pide a su cascarrabias marido como regalo, el divorcio. Esta revelación no sólo chocará a su incrédulo marido, sino a toda la familia, quienes intentarán por todos los medios evitar la catástrofe familiar.
La nueva película de Yôji Yamada viene en forma de comedia familiar en la que el director vuelve a reunir a los 8 actores de Una familia de Tokio, ganadora de la Espiga de Oro en Valladolid en 2013, esta vez encarnando a la caótica familia Hirata, de la que algo más cabía esperar.
Esta película, su argumento, e incluso la interpretación del abuelo, su gran protagonista, nos retrotrae a los ejemplos más infames de las comedias protagonizadas por Paco Martínez Soria. Recuerda también a esa pretéritas cintas por el trato reservado hacia la mujer, bastante retrógrado fruto, posiblemente, del elemento cultural diferencial japonés, que también se acusa en un humor bastante primario, de porrazo, caída y tentetieso que uno ya daba por superado.
Y eso a pesar de que el punto de partida de la cinta resulta más que prometedor, pero no así su convencional conclusión, que resulta casi dramática por el mensaje que trasmite al espectador. Aunque sigue bajo la sombra de Ozu, en un momento del filme sus protagonistas verán en televisión Cuentos de Tokio, en esta ocasión no ha estado tan acertado como en su cinta de 2013. Eso sí, un desacierto de Yamada sigue valiendo más que los aciertos de muchos otros.
LE LLAMABAN JEEG ROBOT (Lo chiamavano Jeeg Robot, Gabrielle Mainetti, 2015)
- Italia. Duración: 112 min. Guion:Nicola Guaglianone, Menotti (Historia: Nicola Guaglianone) Música:Michele Braga, Gabriele Mainetti Fotografía: Michele D’Attanasio Productora: Goon Films / Rai Cinema / Ministero per i Beni e le Attività Culturali (MiBAC) Género: Drama fantástico
- Reparto: Claudio Santamaria, Luca Marinelli, Stefano Ambrogi, Maurizio Tesei, Ilenia Pastorelli, Francesco Formichetti, Daniele Trombetti, Antonia Truppo, Salvatore Esposito, Gianluca Di Gennaro
- Sinopsis: Enzo Ceccoti (Claudio Santamaria), un convicto, entra en contacto con una sustancia radioactiva. Tras el accidente descubre que tiene una fuerza sobrehumana, por lo que decide utilizar sus poderes para comenzar una carrera criminal. Todo cambia, no obstante, cuando conoce a Alessia (Ilenia Pastorelli, una chica que está convencida de que él es el héroe del manga Jeeg Steel.
Una muy atípica película de superhéroes. Violenta, con toques de humor y también drama, puede decirse que esta cinta, ópera prima de su director Gabrielle Mainetti, tiene de todo. Lo que comienza como una violenta historia con bandas de maleantes de segunda, comandados por Zíngaro (Luca Marinelli), un enloquecido capo que terminará enfrentándose directamente contra la mafia napolitana, se convertirá por azar, en una película con superhéroe y supervillano cuando Enzo (Claudio Santamaria), pura basura blanca, consumidor compulsivo de natillas y pornografía, tenga un accidente y su cuerpo sea impregnado por unos productos químicos que lo convertirán en un superhombre. Sórdida, violenta y no apta para menores, esta pesimista historia tendrá su parte lírica, y también tiernamente grotesca, en Alessia (Ilenia Pastorelli), una chica enloquecida que admirará a Enzo. Un alma cándida que entre tanta violencia servirá de contrapunto a todos estos matones.
Sin lugar a dudas una muy italiana y original forma de acercarse al superhéroe que ha sido muy bien recibida por la crítica, que la premió en su país con siete David di Donatello, entre ellos como mejor ópera prima, actor, actriz y secundarios. Y en el Festival de Sitges de 2016 como mejor película en la Sección Órbita.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 5 de mayo de 2017 *
PASAJE AL AMANECER (Andreu Castro, 2016)
España. Duración: 100 min. Guion: Andreu Castro Música: Diego Navarro Fotografía: Jordi Luengo, Bernardo Rossetti Productora: Art Media Producciones / La Fabrica de la tele Género: Drama
Reparto: Elvira Mínguez, Lola Herrera, Nicolás Coronado, Andrea Duro, Ruth Díaz, Carles Francino, Antonio Valero, Pol Monen, Iria Calero, Anett Duran,Sergi Méndez
Sinopsis: Noviembre de 2004. El joven foto periodista Javier (Nicolás Coronado) recibe una sugerente propuesta de la agencia de prensa en la que trabaja: viajar al cubrir la guerra de Irak a Faluya, donde se está librando la más sangrienta de las batallas del conflicto. Javier acepta, y debe emprender viaje en pocos días, el 30 de diciembre. Antes de partir, decide comunicar su decisión a su familia y su novia (Andrea Duro) en Nochebuena. La noticia consigue resquebrajar los cimientos familiares. La vida y las relaciones de todos sus miembros, que viajarán a sus propios infiernos personales, se verán modificadas para siempre.
El actor y director Andreu Castro debuta en el largometraje con este drama familiar rodado de manera muy clásica e intimista, que se echa a perder por una saturación de situaciones dramáticas que difuminan lo que en principio es el centro de la historia: el drama de los periodistas asesinados en conflictos bélicos. El guión, también de Castro, se lía de tal forma que termina siendo poco creíble y, lo que es peor, aburrido. Eterno. Colmado de unos diálogos grandilocuentes y forzados hasta el ridículo. Con interpretaciones hieráticas a pesar de contar con los talentos de Elvira Mínguez o Lola Herrera que, a pesar de que en sus solos interpretativos nos puede hacer pensar en teatro filmado, no llega siquiera a ello, quedándose este enredo de familia en un despropósito a la altura de Las furias.
LOS DEMONIOS (Les démon, Philippe Lesage, 2015)
Canadá. Duración: 118 min. Guion: Philippe Lesage Fotografía: Nicolad Canniccioni Productora: Les Films de L’Autre Género: Drama
Reparto: Édouard Tremblay-Grenier, Yannick Gobeil-Dugas, Vassili Schneider, Sarah Mottet,Mathis Thomas, Laurent Lucas, Pascale Bussières, Bénédicte Décary,Pier-Luc Funk
Sinopsis: Mientras una serie de secuestros de niños tiene lugar en Montreal, Félix, un niño de diez años, empieza a conocer el mundo adulto en el momento en que entra en la adolescencia. Imaginativo y sensible, como muchos niños, Félix le tiene miedo a todo: el posible divorcio de sus padres, que parecen atravesar una crisis; unos vecinos sospechosos, etc. Poco a poco, sus demonios imaginarios comienzan a reflejarse en el mundo verdaderamente inquietante que le rodea.
Que la infancia no es la mejor etapa de nuestra vida, ni la más feliz a pesar de nuestra memoria selectiva, no puede ya sorprender a nadie. Solemos recordar lo bueno, pero olvidar los muchos miedos por los que atravesamos. Miedos como los que pasa el protagonista de esta cinta. Algunos imaginarios, como ogros que se esconden bajo la cama; otros muy reales, como esos ogros, depredadores que buscan arrebatar de golpe esa inocencia que día a día vamos perdiendo. Y es que aunque esta cinta no cuente, durante la mayor parte de su metraje, hechos realmente dramáticos, no deja de trasmitir tristeza y desazón. Quizás porque toca fibras que todos conocemos. Esos pequeños descubrimientos, grandes dramas de un día, olvidados al siguiente. Leyendas urbanas frente a ogros. Huevos de cucaracha bajo la lengua contra un pederasta asesino que resulta ser el vecino de enfrente.
Cautivadora en su aparente sencillez e incluso deriva, Los demonios está muy bien dirigida e interpretada. Nos muestra los pequeños y grandes dramas de la niñez de manera brillante, sin esconder también momentos sórdidos y de puro horror, que su selecta banda sonora consigue hacer inolvidables. Y doblemente brillante al tratarse del primer largometraje dramático dirigido y escrito por su director, que contaba hasta entonces con cuatro documentales en su haber.
‘Herederos de la bestia’, un homenaje necesario
HEREDEROS DE LA BESTIA (Diego López y David Pizarro, 2016)
España. Duración: 80 min. Guion: Diego López, David Pizarro Fotografía: Albert Calveres Productora: Xevi Subinyà, Xavier Llorca, Xosé Veiga Género: Documental
Sinopsis: Imposible imaginar el cine español actual sin El día de la Bestia. Dos décadas después de su estreno, la película de Alex de la Iglesia sigue siendo el gran referente al que acudir si se quiere mezclar el fantástico más brutal con la tradición española del esperpento. Este documental entrevista al equipo responsable de esa obra maestra y calibra su aún vigente influencia.
Tanto Diego López como David Pizarro son don especialistas sobre cine de género, particularmente español y especialmente de terror. Han publicado libros conjuntamente sobre el tema y si su primer largometraje, el también documental Los perversos rostros de Víctor Isräel nos introducía, mientras repasaba la carrera de este recordado actor de carácter, en el mejor cine de género español de los setenta y en su decadencia durante los ochenta, con Herederos de la bestia nos muestran el renacer del cine fantástico español de los noventa, con lo que sin duda Alex de la Iglesia y particularmente El día de la bestia (1995) tienen mucho que ver. Así lo expresan durante el documental varios de los directores que se sintieron inspirados a dar el salto al largometraje de terror teniendo a Alex de la Iglesia como modelo y ejemplo: Jaume Balagueró, Paco Plaza, Nacho Cerdà, Pablo Berger o Enrique Urbizu.
López y Pizarro como es natural también entran, mediante entrevistas a sus protagonistas (técnicos, actores, y el propio director) en la gestación, rodaje e impacto de la película. De forma muy académica, los diferentes protagonistas explicarán vivencias y anécdotas, intercalando documentación gráfica, escenas de rodaje y unas tomas de transición rodadas por la noche en algunas de las localizaciones más emblemáticas del filme. Con un efectivo montaje que mantiene un hilo narrativo constante, puestos a ponerle un pero, opinamos que quizás las repercusiones del filme sobre toda aquella generación de directores posiblemente habría encajado mejor al final que al principio del documental, pero en cualquier caso deja claro el revulsivo que representó El día de la bestia como punto de partida del renacer del fantástico español.
Pero El día de la bestia es también una película que nos pertenece. Pertenece a esa generación que se educó a base de fanzines, escarbando entre pilas de películas, que se emocionó cuando, durante la décima ceremonia de los premios Goya de 1996, El día de la bestia y sus creadores no solo fueron tenidos en cuenta, tomados en serio, sino que además recibieron el reconocimiento ‘oficial’ recibiendo seis premios, algunos de ellos tan importantes como el de mejor dirección, mejor actor revelación, mejores efectos especiales, mejor dirección artística, mejor maquillaje y mejor sonido. Y no es que esos premios la hicieran más valiosa, pero fueron como una confirmación de que no se trataba únicamente de un asunto de freaks. Estábamos hablando de cine. De buen cine. Y Herederos de la bestia es el necesario homenaje a ese esperpento terrorífico, esa reivindicación de la cultura popular y el cine de género que fue El día de la bestia.
Serendipia
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