Archivo
VAMOS DE ESTRENO (esta sí) * Miércoles 12 de julio de 2017 *
LA GUERRA DEL PLANETA DE LOS SIMIOS (War for the Planet of the Apes, Matt Reeves, 2017)
USA. Duración: 142 min. Guion: Mark Bomback, Matt Reeves (Novela: Pierre Boulle) Música: Michael Giacchino Fotografía: Michael Seresin Productora: 20th Century Fox / Chernin Entertainment Género: Ciencia ficción.
Reparto: Andy Serkis, Woody Harrelson, Steve Zahn, Judy Greer, Gabriel Chavarria,Max Lloyd-Jones, Terry Notary, Sara Canning, Ty Olsson, Devyn Dalton
Para el lanzamiento de la película Superman (Richard Donner) del año 1978 se utilizó una afortunada frase publicitaria «Usted creerá que el hombre puede volar», pues no sería descabellado que esta saga, y particularmente esta tercera entrega, tuviera un reclamo tal que así, «Usted creerá que el mono puede hablar». Y es que esta tercera película de la nueva saga de El Planeta de los Simios es un portento tecnológico de esos que cuando salen en DVD hay que negarse categóricamente a ver los extras, pues toda la magia que se contempla en la pantalla, queda totalmente reducida a pantallas verdes y cosas muy extrañas que enturbian el impresionante resultado. Créanme, se lo que digo. Lo hice con los de Gravity y quiero olvidarlos, sepultarlos en mi memoria.
Hay que creer, pues el cine es lo que nos pide: que creamos en los vemos en la pantalla, todavía con ojos de niño pre-tecnológico. Pero para creer hay que ofrecer un producto bien realizado, con alma, y estos simios poseen alma y nos la trasmiten a través de sus miradas. Y Matt Reeves con su película.
Esta atinada conclusión de la serie de los simios de este nuevo milenio ofrece algunos guiños a la saga precedente. Un guiño para los veteranos. Veremos a Cornelius, estirpe de César; conoceremos a una pequeña humana que será bautizada como Nova; serán Alfa y Omega el objeto de destrucción como también lo fue en el feudo de los mutantes; y se contará con la presencia de simios crucificados, un símbolo que pondrá a los monos esclavizados en consonancia con la revuelta de los gladiadores de Espartaco, naturalmente vía Kubrick.
César ni quiso ni inició esa guerra de humanos contra simios, tan solo busca la libertad de su pueblo, pero cuando él sufra una importante pérdida, se convertirá en algo personal, llenando su semblante de ira hacia el Coronel, el humano que mató a sus seres queridos. Una furia ciega que le aleja de sus intereses hacia el pueblo que lidera. Y es que César tiene más humanidad que los humanos. Incluidos sus defectos, esos pequeños defectos que llevan al hombre a su destrucción. Además, el propio virus que ha dado cada vez más inteligencia a los simios, se la está arrebatando a los humanos. Y contra eso es contra lo que se rebela el Coronel, el villano de la función, que tiene un terrible pánico a perder a deshumanizarse. Lo que no sabe es que, hace tiempo, años, que dejamos de serlo.
¡Bad Ape!
Woody Harrelson está magnífico como ese sosias del Coronel Kurtz, que como aquel pierde la razón. Una similitud que se busca, en cierto modo, con esas pintadas en los túneles (‘Ape-calypse Now’), pero más allá de él, las estrellas de la película, y así se muestra en el reparto, son los actores que encarnan a los simios. Andy Serkis en los ojos de César, sí, pero también Karin Konoval como Maurice o Steve Zahn como ese Bad Ape, un pequeño reducto cómico en un personaje entrañable. Todos ellos actuando con sus ojos y gestos, expresando mucho más que con palabras. Mimo y vuelta a los orígenes del cine, cuando la mímica comunicaba todo lo que necesitábamos saber. Cuando el cine se llamaba Arte Mudo. Cuando el cine dejó, con la llegada del sonoro, de ser Arte. Y algo que, por cierto, hace que la cinta requiera ser parcialmente subtitulada incluso en su versión doblada, lo cual nos lleva a que nos cuestionemos si será posible que esa parte del público que es incapaz de dejarse llevar será capaz de soltar el móvil durante la proyección de la película y consiga centrarse en (¡Oh, diablos!) LEER los subtítulos de la pantalla. de esta cinta multigenérica. Multigenérica porque, de la guerra del título, tiene el inicio y parte de la conclusión, pero con un acto central que utiliza ingeniosamente el lenguaje de otros géneros y subgéneros como el western y el cine de evasiones.
Personalmente la saga original de El Planeta de los Simios forma parte de mi memoria sentimental. De niño compré muñecos Mego de la saga, jugué a las películas que vi en los cines de programa doble, y coleccioné hasta los comics Vértice. Esta nueva saga es diferente, no hay que comparar para evitar agravios, totalmente injustos para ambas partes. Es otra historia, con elementos en común, pero que pueden convivir. Una no anula a la otra. Añade. Suma y engrandece la historia original. Dos horas y veinte minutos de cine, de vida, bien invertidos. Por favor, no perdamos la capacidad de maravillarnos ante las posibilidades de la máscara (tecnológica, pero máscara) y la actuación eficaz. Algo que se ha dado desde el primero actor que prefirió ser anónimo ocultando su cara, para apoyar y añadir eficacia a su interpretación.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 7 de julio de 2017 *
TOM OF FINLAND (Dome Karukoski, 2017)
Finlandia / Suecia / Dinamarca / Alemania / USA. Duración: 115 min. Guion: Aleksi Bardy Música: Lasse Enersen, Hildur Guðnadóttir Fotografía: Lasse Frank Johannessen Productora: Helsinki Filmi Oy / Anagram / Fridthjof Film / Neutrinos Productions / Film and Music Entertainment (F&ME) Género: Drama
Reparto: Pekka Strang, Lauri Tilkanen, Seumas F. Sargent, Jessica Grabowsky,Taisto Oksanen, Jakob Oftebro, Niklas Hogner, Christian Sandström, Martin Bahne,Werner Daehn, Þorsteinn Bachmann, Jimmy Shaw, Kari Hietalahti, Jan Lindwall, Emanuel Claesson
Sinopsis: Tom of Finland, protagonizada por Pekka Strang, sigue los pasos de esta figura pionera de la cultura gay, que sufrió la opresión y la homofobia durante su juventud. Volvió como héroe de la Segunda Guerra Mundia, pero la vida en Finlandia en tiempos de paz no fue como esperaba. Perseguido por su homosexualidad, se encontró sumergido en relaciones secretas y presionado para casarse con una mujer. Encontró una válvula de escape a través de su arte, especialmente por sus dibujos homoeróticos con un estilo marcado por musculados cuerpos masculinos vestidos de cuero. Su fama llegó a ser revolución en Estados Unidos bajo su nombre artístico, Tom of Finland.
Tom de Finlandia es un correctísimo biopic sobre el influyente artista Touko Laaksonen, que fue conocido como Tom de Finlandia, todo un icono de la cultura gay y más concretamente de la estética Leather. La historia parte desde su experiencia desgarradora y heroica en la Segunda Guerra Mundial, donde descubre su homosexualidad y un submundo de lugares de encuentro clandestinos entre hombres. Pero tras la guerra tendrá que lidiar otra lucha en su propio país, pues en Finlandia la homosexualidad fue considerada delito desde 1894 hasta 1971. Así que Touko se refugia en su arte, liberador y centrado en dibujos eróticos y pornográficos de hombres musculosos y desinhibidos. Con el tiempo sus imágenes acabarán publicándose en Los Ángeles, donde será invitado a acudir por unos admiradores, descubriendo hasta que punto ha influido creando toda una estética basada en sus dibujos de modelos musculosos, cubiertos con cuero, uniformes… una parafernalia que lo llevará al éxito comercial en los años setenta y ochenta, viviendo también la eclosión del sida.
Dome Karukoski lleva a la gran pantalla la vida y obra de este artista contando con gran sensibilidad, con un buen diseño de producción, unos competentes intérpretes y sobre todo un magnífico guión que no cae en lo folklórico ni en lo más fácil, mostrando los colores apagados y los grises del Helsinki de los cincuenta y sesenta en contraste con la California multicolor de los setenta y ochenta, donde se desarrolla la segunda parte de la cinta. Una historia de rebeldía magníficamente retratada.
THE LOVE WITCH (Anna Biller, 2016)
USA. Duración: 120 min. Guion: Anna Biller Música: Anna Biller Fotografía: M. David Mullen Productora: Anna Biller Productions Género: Fantástico.
Reparto: Samantha Robinson, Gian Keys, Laura Waddell, Jeffrey Vincent Parise,Jennifer Ingrum, Lily Holleman, Dani Lennon, Stephen Wozniak, Bernard Bullen,Clive Ashborn, April Showers, Elle Evans, Robert Michael Anderson,Jacob Peacock, Giselle DaMier, Ron Kari
Sinopsis: Una joven bruja está empeñada en encontrar el amor a base de conjuros y pócimas que le permitan seducir a cualquiera. Cuando por fin encuentra al hombre de sus sueños, su deseo se convierte en desesperación, en locura y luego en… Con un estilo visual que homenajea los thrillers en Technicolor de los sesenta, The Love Witch explora las fantasías femeninas y las consecuencias del narcisismo exacerbado.
The Love Witch (Anna Biller, 1916) es una deliciosa fábula visual que reproduce la estética vintage e incluso los diálogos y la forma de actuar de los protagonistas del cine que rellenaba las sesiones golfas Grindhouse de los setenta. Repleta de encantamientos, sortilegios, modelitos psicodélicos y mucho, mucho color, resulta perfecta en su forma de reflejarlo, ya sea en cuanto a vestuario como en su cuidado diseño de producción. Pero no piensen que la acción se desarrolla a finales de los sesenta, no, si se fijan bien, verán ciertos anacronismos que por inesperados pueden, paradójicamente, pasar desapercibidos. Como que los protagonistas utilicen con toda naturalidad teléfonos móviles o incluso que se hable de realizar pruebas de ADN bastante antes de que este procedimiento fuese habitual. Su satanismo kitsch a lo Anton LaVey y su estética convierten esta película en toda una proeza, a pesar de carecer de una de las principales virtudes de aquellos nudies de los primeros setenta que tan bien reproduce: su ajustada duración. Aún así The Love Witch es una de las cintas más recordadas de la última edición del Festival de Sitges y toda una obra de orfebrería a tenor de lo declarado por su directora, «(…) una labor de amor total. Yo realicé todo el vestuario renacentista y el armario de Elaine, además de todo el atrezo, incluida una alfombra de pentagrama hecha a mano. Hice cientos de sketches del set y del vestuario y storyboards; hice pinturas y escribí partituras; pasé años escribiendo y reescribiendo el guion y trabajé mucho tiempo con mi actriz principal para desarrollar todas las capas del personaje.»
PREVENGE (Alice Lowe, 2016)
UK. Duración: 88 min. Guion: Alice Lowe Música: Pablo Clements, James Griffith, Toydrum Fotografía: Ryan Eddleston Productora: Gennaker / Western Edge Pictures Género: Terror.
Reparto: Alice Lowe, Kayvan Novak, Kate Dickie, Jo Hartley, Gemma Whelan, Tom Davis,Dan Renton Skinner, Mike Wozniak, Eileen Davies, Grace Calder, Tom Meeten,Leila Hoffman, Sara Dee, David Puckridge, Jacqueline Wright, Della Moon Synnott
Sinopsis: Una lunática mujer embarazada de varios meses escucha la voz de su hijo no nato, que le da instrucciones asesinas.
Prevenge supone el debut en la dirección de la actriz y guionista Alice Lowe, que dirige e interpreta esta comedia negra en 
su séptimo mes real de gestación. Es bien sabido que el embarazo puede desequilibrar y cambiar el metabolismo de la futura madre, pero quizás no de forma tan extrema como le sucede a la protagonista de Prevenge, cuyo hijo no-nato le dará órdenes para que vaya matando, cuanto más sangrientamente mejor, a varias víctimas que, por cierto, parecen merecerlo: ejecutivas implacables, abusadores de mujeres… un ramillete de personajes que como descubriremos están en su lista mortal por un motivo concreto.
¿Tenía Alice Lowe un embarazo complicado? a tenor de lo que explica, parece ser que sí: «El embarazo tradicionalmente es un mundo de color pastel. Pero yo experimentaba una inesperada intensidad. Una tristeza inexplicable. Transformaciones físicas milagrosas. No era nada parecido a los embarazos que había visto en pantalla. Por lo que creé una anti heroína, Ruth. Una mujer cuya furia la ha tomado por completo. Todo este mundo interior tomó la forma de un bebé no-nato dictador. El muñeco ventrílocuo que susurra en el oído de su madre diciéndole lo que tiene que hacer. Ruth como mujer embarazada era el conducto para explorar esta noción. Todo el mundo tiene que ser amable con una mujer embarazada. Pero Ruth es una vengadora, jurado y juez de los fallos de la sociedad.»
En la linea de la francesa y muy sangrienta Baby Blood (Alain Robak, 1990), destaca la utilización de las alucinantes escenas en blanco y negro pertenecientes a Crime Without Passion, una olvidada producción Paramount dirigida en 1934 por Ben Hecht, Charles MacArthur y Lee Garmes protagonizada por Claude Rains y la exótica Margo.
LLEGA DE NOCHE (It Comes at Night, Trey Edward Shults, 2017)
USA. Duración: 97 min. Guion: Trey Edward Shults Fotografía: Drew Daniels Productora: Animal Kingdom / A24 Género: Terror
Reparto: Joel Edgerton, Riley Keough, Christopher Abbott, Carmen Ejogo,Kelvin Harrison Jr., Griffin Robert Faulkner
Sinopsis: Travis (Kelvin Harrison, Jr.), un adolescente de 17 años, deberá enfrentarse, tras un cataclismo de enormes proporciones, a la existencia en una casa tan segura como desoladora con sus protectores padres (Joel Edgerton y Carmen Ejogo), siempre armados y vigilantes. Cuando una joven pareja desesperada (Christopher Abbott y Riley Keough) irrumpe con su hijo en busca de refugio y se vean obligados a acogerles, la familia se debatirá entre el miedo, la paranoia y la desconfianza, que se sumarán a los horrores del exterior.
Llega de noche no toma al público por tonto. Maneja muy bien la intriga midiendo lo que muestra al espectador y poniéndolo al corriente sin necesidad de parar a explicarlo, ya sea poniéndolo en boca de los personajes o mediante farragosos flashbacks. Va creando una intriga y la va desentrañando de manera inteligente, avanzando con el espectador, mientras uno va rogando que no se recurra a la aparición estelar de los tan manidos zombies. No, no hacen falta efectos tremebundos ni come-cerebros, aunque eso no significa que no se nos muestre continuamente el monstruo. Estamos ante una cinta apocalíptica en la que lo de menos es lo del exterior, la pandemia es un tan solo un macguffin que nos llevará a un homo hominis lupus al que en su día también nos llevó aquella Noche de los muertos vivientes de Romero, con la que Llega de noche, guarda elementos en común que no son, afortunadamente, los cadáveres andantes.
Llega de noche está protagonizada por el ascendente Joel Edgerton, un actor australiano protagonista de cintas tan dispares y eficaces como El regalo (que también escribió y dirigió) o Loving (Jeff Nichols, 2016), que se está construyendo una impecable carrera y al que veremos en importantes cintas actualmente en fase de post-producción, entre ellas su segunda película como director, Boy Erased, junto a Nicole Kidman y Russel Crowe. Mientras que a la londinense Carmen Ejogo hemos podido verla en Selma (Ava Duvernay, 2014) y Alien: Covenant (Ridley Scott, 2017). Llegan de noche, segundo largometraje de su director, es la confirmación de Trey Edward Shults, que con tan solo dos cortometrajes en su haber, convirtió el tercero, Krisha (2014) en un largometraje revelación de igual nombre rodado al año siguiente en tan solo nueve días en casa de su madre y protagonizada por su tía, la actriz Krisha Fairchild, para quien lo había escrito, y otros miembros de su familia.
Con una magnífica banda sonora que incrementa la tensión, con la percusión acompasando nuestras pulsaciones, aunque en algún momento caiga en el susto fácil demuestra que, sin ser con todo una obra maestra, Llega de noche es una digna e inteligente cinta de intriga bien narrada y que evita, en lo posible, repetir esquemas. Una grata sorpresa.
BABY DRIVER (Edgar Wright, 2017)
UK/USA. Duración: 115 min. Guion: Edgar Wright Música: Steven Price Fotografía: Bill Pope Productora: Big Talk Productions / Media Rights Capital / TriStar Productions / Working Title Films Género: Thriller
Reparto: Ansel Elgort, Lily James, Jamie Foxx, Jon Hamm, Kevin Spacey, Eiza González,Jon Bernthal, Ben VanderMey, Thurman Sewell, Allison King, Lance Palmer,Keith Hudson, Patrick R. Walker, Hudson Meek, Troy Faruk
Sinopsis: Baby (Ansel Elgort), un joven y talentoso conductor especializado en fugas, depende del ritmo de su banda sonora personal para ser el mejor en lo suyo. Cuando conoce a la chica de sus sueños (Lily James), Baby ve una oportunidad de abandonar su vida criminal y realizar una huida limpia. Pero después de ser forzado a trabajar para un jefe de una banda criminal (Kevin Spacey), deberá dar la cara cuando un golpe malogrado amenaza su vida, su amor y su libertad.
¿Un thriller? ¿Una comedia? ¿Un musical? Baby Driver es todo eso y mucho más. Es un exceso operístico en el que la omnipresente música es fundamental. Una coreografía de gestos y movimientos de los que ni la cámara se libra. ¿Sabían que la detonación de una pistola podría ser utilizada como instrumentos musical? Edgar Wright sí lo sabe y lo pone en práctica en un par de ocasiones en Baby Driver sin miedo al -y sin resultar- ridículo. Y todo ello al ritmo de las mejores -y menos manidas- grabaciones Soul de la Stax o de Chess, junto a The Tubes, Queen o Damned. Todo sirve para añadir ritmo a esta película, que de ningún modo decae.
El británico Edgar Wright lo ha vuelto a hacer tras las exitosas Zombies Party (Shaun of the Dead, 2004) o Bienvenidos al fin del mundo (The World’s End, 2013) cambiando de género, pero manteniendo siempre un pie dentro de la comedia y el exceso, menos evidente, pero presente en Baby Driver. Recurre a actores bien curtidos como Kevin Spacey, Jamie Foxx, Jon Hann o Jon Bernthal en contraste con los muy jóvenes protagonistas, Lily James (a la que vimos como la Cenicienta ideal o, más desmadrada y tirando de katana en Orgullo+prejuicio+zombies) y Ansel Elgort.
Un argumento bien engarzado y unos diálogos electrizantes completan este entretenimiento de primera, este desmadrado cuento de héroes y villanos en el que triunfará el amor con un final color de rosa como el del cartel original.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 30 de junio de 2017 *
COLOSSAL (Nacho Vigalondo, 2017)
USA/Canadá/España/Corea del Sur. Duración: 109 min. Guion: Nacho Vigalondo Música: Bear McCreary Fotografía: Eric Kress Productora: Voltage Pictures / Sayaka Producciones / Brightlight Pictures Género: Ciencia ficción.
Reparto: Anne Hathaway, Dan Stevens, Jason Sudeikis, Austin Stowell, Tim Blake Nelson,Agam Darshi, Hannah Cheramy, Christine Lee
Sinopsis: Gloria (Anne Hathaway) decide dejar Nueva York y regresar a su ciudad natal tras haber perdido su trabajo y su novio. Pero, cuando en las noticias informan de que un monstruo gigantesco está destruyendo la ciudad de Seúl, Gloria se va dando cuenta poco a poco de que, a través de su mente, está conectada de forma extraña con estos acontecimientos. Para evitar que la destrucción vaya a más tendrá que averiguar el papel de su insignificante existencia en un evento colosal que podría cambiar el destino del mundo.
Colossal de Nacho Vigalondo, es una película que no puede dejar indiferente a nadie. Con un argumento que se diría surgido en una larga y productiva noche de copas y producción mayoritariamente canadiense esta cinta, protagonizada por una radiante Anne Hathaway narra como su protagonista, bebedora empedernida que no sabe muy bien qué hacer con su vida, vuelve a su pequeña localidad de nacimiento y descubre que, cuando camina por cierta zona, se materializa como saurio gigante en Seúl, así que deberá controlar sus movimientos para no causar bajas y destrozos a la manera de los kaiju eiga japoneses.
Lo mejor de la función es la protagonista, que interpreta un papel que sin lugar a dudas es una proyección del propio director. Resulta muy saludable ver a una bella dama como es Anne Hathaway interpretando un papel que, en otras circunstancias habría interpretado un hombre, bordándolo hasta hacerlo totalmente suyo. En otro orden de cosas, uno se pregunta cómo se puede proponer a una productora (y ya puestos a la Hathaway) un guión tan descabellado y tener éxito en la propuesta. Y es que eso tan solo puede estar al alcance del locuaz director de Los Cronocrímenes, que no duda en colar algunos guiños personales, como referencias a su desastrosa relación con twitter o al anterior monarca español en una película de lo más divertida, original y refrescante que afortunadamente ha conseguido colarse en nuestras pantallas.
GRU 3. MI VILLANO FAVORITO (Despicable Me 3, Kyle Balda, Pierre Coffin, Eric Guillon, 2017)
USA. Duración: 90 min. Guion: Ken Daurio, Cinco Paul Música: Heitor Pereira Productora: Illumination Entertainment / Universal Pictures Género: Comedia de animación.
Sinopsis: Balthazar Pratt, un antiguo niño estrella obsesionado con el personaje que encarnó en los años ochenta, demuestra ser el peor enemigo al que Gru ha debido enfrentarse hasta la fecha.
No está en nuestro ánimo el decir que la fórmula en la que se sostiene esta serie esté agotada, pues esta tercera entrega tiene el suficiente humor y acción como para encantar a los niños, pero sí que muestra serios síntomas de cansancio. Y es que al villano Gru, que ya dejó de serlo, le pusieron descendencia, esposa y hasta sus secuaces, los Minions, se quejan de tanto buenismo. Por si todo esto fuera poco, ahora le ha salido un hermano ¿Qué queda por hacer? Pues por el bien de la serie un mutis por el foro, pues más vale dejar las cosas cuando se está en lo más alto que caer en picado. Y todo ello a pesar de que cuenta con un magnífico punto de arranque gracias a Batthazar Pratt, el villano de la función, que maneja referencias ochenteras dirigidas al público adulto que naturalmente a los pequeños se les escaparán y que ha sido doblado por Trey Parker (ganador de un Emmy, un Grammy y varios premios Tony, y cocreador tanto de South Park como del éxito de Broadway The Book of Mormon). Su personaje, Pratt, es un antiguo niño prodigio obsesionado con el papel que interpretaba en una serie de los 80, década en la que continúa anclado, habiéndose quedado con lo peor de esa época: hombreras, mullet y y la peor música Disco, con la que ameniza todos sus delitos. También las cucamonas de los Minions son de lo más celebrado. Pero la cinta en su segunda parte, conforme se aproxima el duelo final y la acción, se torna más frenética, cae en picado. Y no la salva ni el guiño a los hermanos Marx (Dru, el hermano de Gru vive en Freedonia, país imaginario de idéntico nombre al de Sopa de Ganso). En todo caso, repetimos, a los más pequeños les encantará y a fin de cuentas ese público infantil es al que va dirigida Gru 3- Mi villano favorito.
UNA NOCHE CON MI EX SUEGRO (All Nighter, Gavin Wiesen, 2017)
USA. Duración: 86 min. Guion: Seth W. Owen Música: Alec Puro Fotografía: Seamus Tierney Productora: Spring Pictures / American Film Productions / Wing and a Prayer Pictures Género: Comedia
Reparto: J.K. Simmons, Emile Hirsch, Analeigh Tipton, Kristen Schaal, Hunter Parrish,Shannon Woodward, Taran Killam, Jon Daly, Bojesse Christopher,Xosha Roquemore, Tina Grimm, Tom Waite, Michael Q. Schmidt, Laura Lea
Sinopsis: Un padre adicto al trabajo intenta visitar a su hija durante una escala en Los Ángeles, sólo para descubrir que ella ha desaparecido, viéndose obligado a formar equipo con su torpe ex novio para encontrarla, en la que será una noche transformadora.
El suegro, ese ser para el que el yerno nunca es lo suficientemente bueno para su pequeña, posee menos literatura que su versión femenina pero, en todo caso, es una figura que siempre ha ofrecido un magnífico juego en el cine. Y en Una noche con mi ex suegro también lo da, sobre todo porque está encarnado por un eficaz J.K. Simmons, que tendrá que recurrir al ex novio de su hija para localizarla. Juntos pasarán una larga noche en blanco por los peores garitos de Los Angeles, durante la cual podrán conocerse y comprenderse, todo ello en una agradable comedia apta para todos los públicos.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 16 de junio de 2017 *
SEÑOR, DAME PACIENCIA (Álvaro Díaz Lorenzo, 2017)
España. Duración: 93 min. Guion: Álvaro Díaz Lorenzo Fotografía: Valentín Álvarez Productora: Atresmedia Cine / Canal Sur Televisión / DLO Producciones / Maestranza Films Género: Comedia
Reparto: Jordi Sánchez, Megan Montaner, Eduardo Casanova, Antonio Dechent, Silvia Alonso, Paco Tous, Salva Reina, Diego París, Boré Buika, David Guapo,Rossy de Palma, Andrés Velencoso
Sinopsis: Cuando la mujer de Gregorio (Jordi Sánchez), un banquero muy conservador, del Madrid y muy gruñón, fallece repentinamente, éste se ve obligado a cumplir su última voluntad: Pasar un fin de semana con sus hijos y sus parejas en Sanlúcar de Barrameda para esparcir sus cenizas en el Guadalquivir. Aquí es donde empiezan los problemas para Gregorio, ya que su hija Sandra (Megan Fontaner) está casada con Jordi (David Guapo), un catalán muy culé al que no soporta. Su otra hija Alicia (Silvia Alonso), está saliendo con Leo (Salva Reina), un anti-sistema al que tampoco puede ni ver y Carlos (Eduardo Casanova), su hijo pequeño, con el que lleva seis meses sin hablarse desde que salió del armario, se presenta con su novio Eneko (Boré Buika), un vasco de origen senegalés.
Si bien los ánimos entre las diferentes particularidades nacionales de España están lejos de llevarse tan bien como termina reflejando esta comedia de Álvaro Díaz Lorenzo, o al menos así quieren los políticos que pensemos, se agradece esta loa a la diferencia y la familia y este esfuerzo por hacer humor riéndonos de nosotros mismos. De todos nosotros. Y con esto no queremos decir que Señor, dame paciencia nos haya parecido una obra redonda, que no, pero contiene algún gag agradecido, un optimismo y un reparto, encabezado por Jordi Sánchez, que a buen seguro la convertirán en una de las películas golosas de este fin de semana para un tipo de público que sabe lo que va a encontrarse, pues Señor, dame paciencia, no engaña a nadie: Jordi Sánchez hace un medley de los giros fachas, racistas y miserables que tanto éxito le han deparado en su papel como Antonio Recio en La que se avecina, convirtiéndose en la principal atracción de esta comedia que incluye mucho de reportaje turístico tipo Sanlúcar, qué hermosa eres, ya que recorreremos sus rincones más pintorescos con Sánchez y el resto del elenco al desarrollarse íntegramente la acción allí. Elenco, por cierto, que se completa con las correctas Megan Montaner y Silvia Alonso y los menos correctos Andrés Velencoso y David Guapo, mientras que Rossy De Palma y Eduardo Casanova hacen de lo suyo. Chascarrillos sobre negros, catalanes, mariquitas y equipos de fútbol, pero todo con un fondo blanco y conciliador apto para toda la familia.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 9 de junio *
CAPITÁN CALZONCILLOS: SU PRIMER PELICULÓN (Captain Underpants: The First Epic Movie, David Soren, 2017)
USA. Duración: 89 min. Guion: Nicholas Stoller (Libro: Dav Pilkey) Música: Theodore Shapiro Productora: DreamWorks Animation / Scholastic Entertainment Género: Comedia de animación
Sinopsis: Dos escolares traviesos hipnotizan al director del colegio para convertirlo en su héroe de cómic: Capitán Calzoncillos. Jorge y Berto son super buenos amigos y pasan sus días creando cómics y soñando con bromas. Un día, hipnotizan accidentalmente al ‘dire’ de su escuela, el Sr. Krupp, que a partir de entonces se cree que es el Capitán Calzoncillos, un superhéroe malhumorado cuyo traje consiste en ropa interior y una capa. Por si esto no fuera suficientemente malo, su nuevo maestro es un malvado científico malvado. Jorge, Berto y el Capitán Calzoncillos deberán entonces unirse para frustrar su malvado plan.
El Capitán Calzoncillos es una ya prolífica saga literaria infantil/juvenil creada por Dav Pilkey que basa su éxito en la simple y llana risa, con el añadido de contener el elemento escatológico, que tanta gracia termina haciendo a su lector (ahora público) más potencial. En su traslación a la pantalla, la obra no ha perdido ni un ápice de frescura manteniendo y divulgando el carácter terapéutico de la risa como parte de una vida que, tiempo tendrá para tomarse en serio a sí misma.
George y Harold, protagonistas del filme y tan rebeldes y creativos como el propio Pilkey, que creó a su personaje durante los ratos en los que era expulsado de clase, reivindican el tiempo libre para jugar, para crear y para la amistad, con la camaradería como elemento imprescindible de crecimiento. La historia contará, como es natural, con otros protagonistas que enriquecerán la trama, como el inefable y repelente chivato-pelota-empollón Gustavo Lumbreras o ese director de escuela que, a fin de cuentas, no deja de ser un pobre diablo solitario cuya existencia ha perdido una alegría y vitalidad que recuperará a cubetadas cuando George y Harold lo transformen en… El Capitán Calzoncillos.
La dirección del veterano de DreamWorks David Soren garantiza una magnífica animación, además de ritmo desencajado, gags divertidos aptos para toda la familia y un humor escatológico tan elemental como efectivo, que hacen del Capitan Calzoncillos: Su primer películón, una propuesta muy simpática para este fin de semana.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 26 de mayo de 2017 *
WILSON (Craig Johnson, 2017)
USA. Duración: 94 min. Guión: Daniel Clowes (Novela gráfica: Daniel Clowes) Música: Jon Brion Fotografía: Frederick Elmes Productora: Ad Hominem Enterprises Género: Comedia
Reparto: Woody Harrelson, Laura Dern, Isabelle Amara, Judy Greer, Cheryl Hines,James Saito, Chris Carlson, Chelsea Anne Lawrence, Bruce Bohne,Bobby E. Erickson, Andrew Hawtrey
Sinopsis: Harrelson interpreta a Wilson, un solitario, neurótico, divertido y honesto misántropo de mediana edad que se reconcilia con su mujer (Laura Dern), de la que se separó, y que recibe una nueva oportunidad para ser feliz cuando descubre que tiene una hija adolescente (Isabella Amara), a la que no conocía. De una manera bastante extravagante y retorcida, se propone conectar con ella.
Wilson nació de una experiencia del propio Clowes compartida con su personaje. “Mi padre estaba hospitalizado, víctima de un cáncer terminal, como le sucede a Wilson al principio de la película”, explica. “Yo estaba sentado junto a su cama con la mirada puesta en el infinito, y sólo quería estar en esa habitación con él. Me traje mi pequeño bloc de dibujo y comencé a garabatear una breves tiras cómicas, ligeras y divertidas, para evitar sentirme abrumado”. Al fin, un personaje comenzó a emerger; al principio, no era más que un muñeco hecho de palillos pero con la descomunal personalidad de un hombre que dice toda la verdad sin ambages, independientemente de que alguien quiera oírla o no. “Yo estaba tronchándome de la risa”, reconoce Clowes. “Wilson tiene algo de memo, pero también es un tipo solitario que intenta trazar su curso por la vida”.
Pero si la adaptación de Ghost World, que en 2001 dirigió Terry Zwigoff protagonizada por las dos entonces mocosas, Thora Birch y Scarlett Johansson, resultó ser un valor añadido a la novela gráfica de Clowes, no sucede lo mismo con este Wilson, que ofrece un resultado un tanto deslavazado que no parece aprovechar suficientemente la carga de cinismo que tiene el personaje, ese plasta amargado que no termina de resultar gracioso (ni simpático) en su esfuerzo por trascender, pese a que las situaciones lo permitirían. De modo que el arco de transformación del personaje, interpretado por un Woody Harrelson en su salsa, no queda suficientemente matizado.
Su narración, adaptada por el propio autor de la novela gráfica, parece desarrollarse a trompicones, como en tiras, por no abandonar el lenguaje secuencial, no del todo bien hilvanadas entre sí. Y no en vano, tal y como explica el propio Daniel Clowes, algo de eso hay: “Yo tenía millones de tiras cómicas que eran pequeños fragmentos de la vida y, finalmente, encontré un relato en medio de todo ello. Al llegar al proceso de creación del guión, tenía la sensación de que ya disponía de un gran boceto para la película”. Pero lo que funciona en su novela gráfica, no ofrece el mismo resultado en la pantalla. A pesar de todo ello, Wilson no resulta tediosa (sus 94 minutos ayudan a ello) y contiene algunos buenos momentos que nos retrotraen a lo mejor de Daniel Clowes, con algún personaje que parece salido casi directamente de sus viñetas.
PIRATAS DEL CARIBE: LA VENGANZA DE SALAZAR (Pirates of the Caribbean: Dead Men Tell No Tales, Joachim Rooning y Espen Sandberg, 2017)
USA. Duración: 129 min. Guion: Jeff Nathanson (Personajes: Ted Elliott, Terry Rossio Stuart Beattie, Jay Wolpert) Música: Geoff Zanelli Fotografía: Paul Cameron Productora: Walt Disney Pictures / Jerry Bruckheimer Films / Infinitum Nihil Género: Fantástico.
Reparto: Johnny Depp, Javier Bardem, Orlando Bloom, Geoffrey Rush, Brenton Thwaites,Kaya Scodelario, Keira Knightley, Kevin McNally, David Wenham,Stephen Graham, Adam Brown, Golshifteh Farahani, Martin Klebba,Goran D. Kleut, Jessica Green, Paul McCartney
Sinopsis: El capitán Jack Sparrow (Johnny Depp) se enfrentará a un grupo de piratas-fantasma comandados por una de sus viejas némesis, el terrorífico capitán Salazar (Javier Bardem), recién escapado del Triángulo de las Bermudas. La única posibilidad de Sparrow para salir con vida es encontrar el legendario Tridente de Poseidón, un poderoso artefacto que le da a su poseedor el control de los mares.
Se dice equivocadamente que la saga Piratas del Caribe representa el retorno del cine clásico de piratas. Nada tan falso: Ni El hidalgo de los mares (Captain Horatio Hornblower, R.N, 1951, Raoul Walsh), ni El temible burlón (The Crimson Pirate, Robert Siodmak, 1952), ni El cisne negro (The Black Swan, Henry King, 1952) por poner algunos ejemplos destacados, tienen nada en común con estos piratas más allá de que salen barcos y personajes disfrazados de pirata. Lo que ofrece la saga Piratas del Caribe es puro cine fantástico, bastante inofensivo, y de acción, basado, en su mayor parte, en dar cuerda a sus personajes para que permanezcan en movimiento perpetuo. Todo el mundo corre, dando incluso la sensación de que están pasando muchas cosas, pero realmente suceden muy pocas. Y tiempo hay, pues el director ha contado con dos horas para ello.
Pero con todo esto no queremos decir que Piratas del Caribe: La venganza de Salazar sea una mala propuesta, ni mucho menos. Es una cinta pensada para el público actual, de todas las edades (damos fe de que ha agradado a parte de la crítica más adulta -por edad- de Barcelona), como también agradará al espectador no demasiado exigente o que busque, sencillamente, una pantalla que le ofrezca buques fantasmales, aventuras, toques de comedia, zombis (qué sería de una pelicula 2.0 sin muertos andantes) y en general héroes y villanos, romance y una escena postcréditos con promesas de continuidad, y todo ello permitiéndole disponer de tiempo, entre escena y escena, para echar un vistazo a su móvil. Nunca parece haber la suficiente acción como para captar la atención durante dos horas de ciertos espectadores, pero no podemos decir que en este caso no lo hayan intentado con todas sus armas.
Y es que ahora todas las películas de acción parecen de superhéroes. Y estos Piratas del Caribe no dejan de ser y protagonizar también unas historias íntimamente unidas a las de los héroes Marvel/DC. Lo que no quita que, por ejemplo Carlos Bardem esté muy siniestro ¿Les hemos dicho que será la criatura del Dr. Frankenstein en la nueva vuelta de tuerca a los personajes que Universal planea? Sí, Universal va a remozar sus monstruos clásicos de siempre mediante películas de aventuras interconectadas entre sí abandonando, al parecer, la vertiente gótica del asunto y el terror, con grandes estrellas de por medio y acción. ¿Será cine de terror? Mucho nos sorprendería que así fuera ¿Esta es una película de piratas? ¡Pues claro que no, guapi!
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 19 de mayo de 2017 *
NO SÉ DECIR ADIÓS (Lino Escalera, 2017)
- España. Duración: 96 min. Guion: Lino Escalera, Pablo Remón Fotografía: Santiago Racaj Productora: Lolita Films / White Leaf Producciones Género: Drama
- Reparto: Nathalie Poza, Juan Diego, Lola Dueñas, Pau Durà, Miki Esparbé, César Bandera,Noa Fontanals, Marc Martínez, Emilio Palacios, Oriol Pla, Greta Fernández,Pere Brasó, Miguel Guardiola, Bruno Sevilla, Darien Asian, Xavi Sáez
- Sinopsis: Carla (Nathalie Poza) recibe una llamada de su hermana: su padre (Juan Diego), con el que hace tiempo que no se habla, está enfermo. Ese mismo día, Carla coge un vuelo a Almería, a la casa de su infancia. Allí, los médicos le dan a su padre pocos meses de vida. Ella se niega a aceptarlo y contra la opinión de todos, decide llevárselo a Barcelona para tratarle.
De las películas que hemos tenido ocasión de ver provenientes del Festival de Málaga, sin lugar a dudas No sé decir adiós ha resultado, hasta ahora, la mejor. Principalmente porque tiene la deferencia de no tratar al espectador como si fuera corto de mente. Lino Escalera, que debuta en la dirección de largometrajes con esta cinta, trata a sus personajes con dureza, pero ni los juzga ni los redime: los muestra. Y lo que nos cuenta lo hace de la forma más efectiva y eficaz. Con economía de movimientos de cámara y un apoyo importante, fundamental, en los diálogos de sus personajes, encarnados por tres actores que realizan una labor encomiable, algo declamatoria, teatral, sí, pero de lujo. Juan Diego hace ese papel que tan bien realiza. Fallecido Pepe Sancho, Juan Diego es el actor que mejor dice tacos. Nathalie Poza (¿Donde ha estado hasta ahora Nathalie Poza?) realiza una magnífica creación con Carla. Creíble, patética, triste, inmadura. Una mujer que ha luchado, que ha pasado por experiencias que no se cuentan, ni falta que hace, vivencias que la han vaciado de sentimientos y le han despojado de la confianza en los demás. Escarmentada de la vida, se negará a aceptar lo inevitable, lo inminente y mientras, maquillará sus días con cocaína y Gintónics. Blanca, la otra hermana (interpretada por la magnífica Lola Dueñas) se ha quedado en el pueblo, ha heredado la auto-escuela del padre, vive con un tipo que no la llena y su hija y siente que ha perdido algo por el camino. También está vacía. Como su hermana, que fue a Barcelona a buscarse y todavía no se ha encontrado. Todos están heridos, en el cuerpo y en el alma, y la cinta de Lino Escalera es una reflexión sobre las oportunidades perdidas, sobre el fin de la vida, que puede terminar incluso antes del fallecimiento físico, cuando se dejan de lado los sueños y las aspiraciones y se toma la vida como una obligación, dejando morir el alma día tras día. Es también una historia de seres normales, derrotados, sin redención, sin héroes ni villanos. Ni más ni menos que vidas. Y muertes.
-
Festival de Málaga 2017: Cuatro Biznagas de Plata en el Festival de Málaga (Premio Especial del Jurado, Premio al Mejor Guion, Premio a la Mejor Actriz- Nathalie Poza- y el Premio al Mejor Actor de Reparto -Juan Diego) y la Mención Especial del Jurado de la Crítica al trabajo actoral
GOODBYE BERLÍN (Tschick, Fatih Akin, 2016)
Alemania. Duración: 93 min. Guion: Hark Bohm, Lars Hubrich (Novela: Wolfgang Herrndorf) Música: Vince Pope Fotografía: Rainer Klausmann Productora: Lago Film Género: Comedia dramática.
Reparto: Tristan Göbel, Aniya Wendel, Justina Humpf, Paul Busche, Jerome Hirthammer,Max Kluge, Udo Samel, Anja Schneider, Nadine Dubois, Henning Peker,Uwe Bohm, Anand Batbileg, Katerina Poladjan, Sammy Scheuritzel
Sinopsis: Maik (Tristan Göbel), un muchacho de 14 años marginado por su clase, crece en el seno de una familia rica y disfuncional en Berlín. Durante las vacaciones veraniegas, su alcohólica madre ingresa de nuevo en rehabilitación mientras su padre se ausenta con su joven ayudante por un presunto viaje de negocios. Maik está solo en casa, en su piscina, hasta que un nuevo compañero de clase llamado Tschick, joven inmigrante ruso, aparece con un coche robado. Juntos se lanzan a la carretera sin plan aparente.
Una nueva aproximación a un periodo tan complicado como es la adolescencia, aunque en este caso está protagonizado por adolescentes auténticos (quizás debería decir reales) y realizado de manera muy inteligente y amena. Goodbye Berlín narra el relato iniciático de Maik (Tristan Göbel), un muchacho para el que un verano resultará ser el punto de inflexión que cambiará su modo de ver la vida. En el que una pequeña escapada a ninguna parte terminará siendo toda una lección de vida que irá mucho más allá de la gamberrada. Variará su escala de valores, conocerá la auténtica amistad y dejará atrás al niño. Y todo ello muy bien llevado por su director, que logrará un magnífico equilibrio en la narración, ofreciendo humor y demostrando cariño hacia sus personajes: “Leí la novela y me quedé enganchado” explica Akin (director de Contra la Pared, Al Otro Lado y Soul Kitchen entre otras) quien persiguió los derechos de la adaptación nada más leer la novela, cinco años antes de iniciar el rodaje.
De nuevo se tratará de un relato que, como el anterior que hemos comentado, respetará al público ofreciéndole una buena historia, con sus pequeñas tragedias y grandes descubrimientos. Tras ese viaje, ese verano, Maik dejará de pensar que es «un aburrido y un puto feo«, invisible para su soñada (y tan guapa como superficial) compañera de clase Tatiana (Aniya Wendel), que sin nunca saberlo habrá sido el detonante responsable de toda la huida, pues tanto Maik como Tschick (el raro de la clase, con una tragedia detrás que afortunadamente se nos evita) no son invitados a acudir a la fiesta de cumpleaños que la muchacha ofrece a (casi) todos sus compañeros. Y es que ellos no parecen importar a nadie (ni a sus padres ni a sus compañeros de clase), y ese verano tan solo se tienen el uno al otro y un coche (sinónimo de libertad) con el que saltarán a plantar cara a la vida.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 12 de mayo de 2017 *
ALIEN COVENANT (Ridley Scott, 2017)
USA/Australia/Nueva Zelanda/UK. Duración: 123 min. Guion: Michael Green Música: Jed Kurzel Fotografía: Dariusz Wolski Productora: Twentieth Century Fox Film Corporation / Scott Free Productions / Brandywine Productions Género: Ciencia ficción
Reparto: Katherine Waterston, Michael Fassbender, Demián Bichir, Danny McBride,Noomi Rapace, Billy Crudup, Carmen Ejogo, Jussie Smollett, Amy Seimetz,Callie Hernandez, Benjamin Rigby, Alexander England, James Franco
Sinopsis: Rumbo a un remoto planeta al otro lado de la galaxia, la tripulación de la nave colonial Covenant descubre lo que creen que es un paraíso inexplorado, pero resulta que se trata de un mundo oscuro y hostil cuyo único habitante es un “sintético” llamado David (Michael Fassbender), superviviente de la malograda expedición de Prometheus…
Una nueva epopeya conectada con el universo Alien y de nuevo con mucho en común con sus predecesoras: protagonismo del personaje femenino (aunque con los pies más en tierra, se permite el lujo de pasar miedo y reflejarlo con sus lágrimas); acción, intriga y por supuesto terror, ya que no faltan los diversos xenomorfos en sus diferentes fases (huevo, abrazacaras, revientapechos…) y en alguna variedad nueva como lo es aquella (de textura muy similar a las de Del Toro) tras la que adivinamos a nuestro Javier Botet.
Ridley Scott ha realizado un espectáculo in crescendo que añade nuevas pistas sobre el origen de esas terribles criaturas las cuales, al igual que sucedía en Prometheus (2012), no son las protagonistas de la función, pues ese papel está reservado para la inteligencia artificial y su conexión filosófica con su creador. Algo que enlaza la cinta directamente a Blade Runner (1982) del mismo Scott, -pues idénticas preguntas son las que se hacen los sintéticos- y, por descontado, con la simpática creación de la Señorita Shelley.
Si bien uno se alegra de que por una vez los héroes supervivientes de la función no sean unos bellos ejemplares hipermusculados, lo cierto es que Katherine Waterston no posee el suficiente carisma, en este caso, como para que su personaje y sus avatares nos hayan interesado en demasía. Aún así, se agradece la humanización de la heroína, que lejos de ser vocacional, le mueve el terror y el instinto de supervivencia, a pesar de que la tragedia ha truncado su futuro proyecto de vida.
Otro eslabón más en la saga Alien, quizás no uno de los más brillantes, pero lo suficientemente digno y que añade más información con la que llegar a esa tercera y última entrega de esta precuela. Qué raro suena todo esto ¡Qué tiempos nos han tocado vivir!
BAJO EL SOL (Zvizdan, Dalibor Matanic, 2015)
Croacia/Serbia/Eslovenia Duración: 123 min. Guion: Dalibor Matanic Música: Alen Sinkauz, Nenad Sinkauz Fotografía: Marko Brdar Productora: Kinorama / Gustav Film / See Film Pro Género: Drama
- Reparto: Tihana Lazovic, Goran Markovic, Nives Ivankovic, Mira Banjac, Slavko Sobin, Dado Cosic, Trpimir Jurkic, Lukrecija Tudor, Stipe Radoja
- Sinopsis: Tres décadas. Dos naciones. Tres historias de amor consecutivas entre una mujer serbia y un hombre croata dentro del corazón envenenado de los Balcanes.
- 1991. Jelena (Tihana Lazovic) e Ivan (Goran Markovic) están a punto de abandonar su pueblo natal para ir a Zagreb juntos. Ella es serbia y él croata y las primeras explosiones de odio étnico amenazan con dar al traste con su escapada.
- 2001. Tras la guerra, La joven serbia Natasa (Tihana Lazovic) vuelve con su madre a la casa en la que creció y en la que se abren las héridas profundas que ha sufrido. Ante (Goran Markovic), croata, se compromete a trabajar en el arreglo de la vieja casa. Ella no soporta su presencia.
- 2011. Luka (Goran Markovic), croata, vuelve a casa para una fiesta después de una larga ausencia. Visita a sus padres y lucha con la tentación de buscar a Marija (Tihana Lazovic), la joven serbia con la que tuvo algo más que una relación.
- Un canto a la vida que ha conmovido al jurado del Festival de Cannes. Bajo el sol nos cuenta tres historias diferentes, situadas en el mismo lugar, con diferentes personajes, los mismos actores y diez años de diferencia entre ellas. La primera se desarrollará en 1991, en ciernes del conflicto que romperá el país, familias y amistades. En un pequeño entorno en el que todos se conocen, comienzan a formarse los bandos. Ese es el campo de cultivo en el que se enamorarán la serbia Jelena y el croata Ivan.
- La segunda historia se desarrolla diez años después, tras la guerra, y nos mostrará un paisaje desolado, repleto de cicatrices causadas por la cruenta contienda. Se intentará reconstruir, volver a empezar. Y siempre con el lago como nexo común en todas las historias, como remanso de paz, Natasa y Ante cargarán con las heridas en su alma. Se palpa el odio, también el deseo. Pero el perdón es imposible.
- Finalmente, y ya en 2011, la vuelta al hogar y por fin la convivencia entre Serbia (Marija) y Croacia (Luka), imprescindible, pues hay un futuro en común representado por el hijo de ambos, al cual deben cuidar y sacar adelante.
Al igual que la reciente Hotel Europa, que también tenía como fondo el (¿eterno?) conflicto de los Balcanes, Bajo el sol evita, en lo posible, mostrar escenas bélicas o de violencia, demostrando Matanic un gran talento y mucha sensibilidad, así como un gran cuidado en el detalle sutil. Un magnífica película con buenas interpretaciones. Y una lección de humanidad sin caer en buenismos vacuos.
-
2015: Festival de Cannes: Premio Especial del Jurado («Un Certain Regard»)2015: Satellite Awards: Nominada a Mejor película de habla no inglesa2016: Premios del Cine Europeo: Nominada al Premio del Público
MARAVILLOSA FAMILIA EN TOKIO (Kazoku wa tsuraiyo, Yôji Yamada, 2016)
Japón Duración: 108 min. Guion: Yôji Yamada, Emiko Hiramatsu Música: Joe Hisaishi Fotografía: Shinji Chikamori Productora: Shochiku Company Género:Comedia
Reparto: Satoshi Tsumabuki, Yû Aoi, Yui Natsukawa, Kazuko Yoshiyuki,Masahiko Nishimura, Isao Hashizume, Tomoko Nakajima, Shozo Hayashiya
Sinopsis: El día de su cumpleaños, la mujer del pater familias de una tradicional familia de Tokio, le pide a su cascarrabias marido como regalo, el divorcio. Esta revelación no sólo chocará a su incrédulo marido, sino a toda la familia, quienes intentarán por todos los medios evitar la catástrofe familiar.
La nueva película de Yôji Yamada viene en forma de comedia familiar en la que el director vuelve a reunir a los 8 actores de Una familia de Tokio, ganadora de la Espiga de Oro en Valladolid en 2013, esta vez encarnando a la caótica familia Hirata, de la que algo más cabía esperar.
Esta película, su argumento, e incluso la interpretación del abuelo, su gran protagonista, nos retrotrae a los ejemplos más infames de las comedias protagonizadas por Paco Martínez Soria. Recuerda también a esa pretéritas cintas por el trato reservado hacia la mujer, bastante retrógrado fruto, posiblemente, del elemento cultural diferencial japonés, que también se acusa en un humor bastante primario, de porrazo, caída y tentetieso que uno ya daba por superado.
Y eso a pesar de que el punto de partida de la cinta resulta más que prometedor, pero no así su convencional conclusión, que resulta casi dramática por el mensaje que trasmite al espectador. Aunque sigue bajo la sombra de Ozu, en un momento del filme sus protagonistas verán en televisión Cuentos de Tokio, en esta ocasión no ha estado tan acertado como en su cinta de 2013. Eso sí, un desacierto de Yamada sigue valiendo más que los aciertos de muchos otros.
LE LLAMABAN JEEG ROBOT (Lo chiamavano Jeeg Robot, Gabrielle Mainetti, 2015)
- Italia. Duración: 112 min. Guion:Nicola Guaglianone, Menotti (Historia: Nicola Guaglianone) Música:Michele Braga, Gabriele Mainetti Fotografía: Michele D’Attanasio Productora: Goon Films / Rai Cinema / Ministero per i Beni e le Attività Culturali (MiBAC) Género: Drama fantástico
- Reparto: Claudio Santamaria, Luca Marinelli, Stefano Ambrogi, Maurizio Tesei, Ilenia Pastorelli, Francesco Formichetti, Daniele Trombetti, Antonia Truppo, Salvatore Esposito, Gianluca Di Gennaro
- Sinopsis: Enzo Ceccoti (Claudio Santamaria), un convicto, entra en contacto con una sustancia radioactiva. Tras el accidente descubre que tiene una fuerza sobrehumana, por lo que decide utilizar sus poderes para comenzar una carrera criminal. Todo cambia, no obstante, cuando conoce a Alessia (Ilenia Pastorelli, una chica que está convencida de que él es el héroe del manga Jeeg Steel.
Una muy atípica película de superhéroes. Violenta, con toques de humor y también drama, puede decirse que esta cinta, ópera prima de su director Gabrielle Mainetti, tiene de todo. Lo que comienza como una violenta historia con bandas de maleantes de segunda, comandados por Zíngaro (Luca Marinelli), un enloquecido capo que terminará enfrentándose directamente contra la mafia napolitana, se convertirá por azar, en una película con superhéroe y supervillano cuando Enzo (Claudio Santamaria), pura basura blanca, consumidor compulsivo de natillas y pornografía, tenga un accidente y su cuerpo sea impregnado por unos productos químicos que lo convertirán en un superhombre. Sórdida, violenta y no apta para menores, esta pesimista historia tendrá su parte lírica, y también tiernamente grotesca, en Alessia (Ilenia Pastorelli), una chica enloquecida que admirará a Enzo. Un alma cándida que entre tanta violencia servirá de contrapunto a todos estos matones.
Sin lugar a dudas una muy italiana y original forma de acercarse al superhéroe que ha sido muy bien recibida por la crítica, que la premió en su país con siete David di Donatello, entre ellos como mejor ópera prima, actor, actriz y secundarios. Y en el Festival de Sitges de 2016 como mejor película en la Sección Órbita.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 5 de mayo de 2017 *
PASAJE AL AMANECER (Andreu Castro, 2016)
España. Duración: 100 min. Guion: Andreu Castro Música: Diego Navarro Fotografía: Jordi Luengo, Bernardo Rossetti Productora: Art Media Producciones / La Fabrica de la tele Género: Drama
Reparto: Elvira Mínguez, Lola Herrera, Nicolás Coronado, Andrea Duro, Ruth Díaz, Carles Francino, Antonio Valero, Pol Monen, Iria Calero, Anett Duran,Sergi Méndez
Sinopsis: Noviembre de 2004. El joven foto periodista Javier (Nicolás Coronado) recibe una sugerente propuesta de la agencia de prensa en la que trabaja: viajar al cubrir la guerra de Irak a Faluya, donde se está librando la más sangrienta de las batallas del conflicto. Javier acepta, y debe emprender viaje en pocos días, el 30 de diciembre. Antes de partir, decide comunicar su decisión a su familia y su novia (Andrea Duro) en Nochebuena. La noticia consigue resquebrajar los cimientos familiares. La vida y las relaciones de todos sus miembros, que viajarán a sus propios infiernos personales, se verán modificadas para siempre.
El actor y director Andreu Castro debuta en el largometraje con este drama familiar rodado de manera muy clásica e intimista, que se echa a perder por una saturación de situaciones dramáticas que difuminan lo que en principio es el centro de la historia: el drama de los periodistas asesinados en conflictos bélicos. El guión, también de Castro, se lía de tal forma que termina siendo poco creíble y, lo que es peor, aburrido. Eterno. Colmado de unos diálogos grandilocuentes y forzados hasta el ridículo. Con interpretaciones hieráticas a pesar de contar con los talentos de Elvira Mínguez o Lola Herrera que, a pesar de que en sus solos interpretativos nos puede hacer pensar en teatro filmado, no llega siquiera a ello, quedándose este enredo de familia en un despropósito a la altura de Las furias.
LOS DEMONIOS (Les démon, Philippe Lesage, 2015)
Canadá. Duración: 118 min. Guion: Philippe Lesage Fotografía: Nicolad Canniccioni Productora: Les Films de L’Autre Género: Drama
Reparto: Édouard Tremblay-Grenier, Yannick Gobeil-Dugas, Vassili Schneider, Sarah Mottet,Mathis Thomas, Laurent Lucas, Pascale Bussières, Bénédicte Décary,Pier-Luc Funk
Sinopsis: Mientras una serie de secuestros de niños tiene lugar en Montreal, Félix, un niño de diez años, empieza a conocer el mundo adulto en el momento en que entra en la adolescencia. Imaginativo y sensible, como muchos niños, Félix le tiene miedo a todo: el posible divorcio de sus padres, que parecen atravesar una crisis; unos vecinos sospechosos, etc. Poco a poco, sus demonios imaginarios comienzan a reflejarse en el mundo verdaderamente inquietante que le rodea.
Que la infancia no es la mejor etapa de nuestra vida, ni la más feliz a pesar de nuestra memoria selectiva, no puede ya sorprender a nadie. Solemos recordar lo bueno, pero olvidar los muchos miedos por los que atravesamos. Miedos como los que pasa el protagonista de esta cinta. Algunos imaginarios, como ogros que se esconden bajo la cama; otros muy reales, como esos ogros, depredadores que buscan arrebatar de golpe esa inocencia que día a día vamos perdiendo. Y es que aunque esta cinta no cuente, durante la mayor parte de su metraje, hechos realmente dramáticos, no deja de trasmitir tristeza y desazón. Quizás porque toca fibras que todos conocemos. Esos pequeños descubrimientos, grandes dramas de un día, olvidados al siguiente. Leyendas urbanas frente a ogros. Huevos de cucaracha bajo la lengua contra un pederasta asesino que resulta ser el vecino de enfrente.
Cautivadora en su aparente sencillez e incluso deriva, Los demonios está muy bien dirigida e interpretada. Nos muestra los pequeños y grandes dramas de la niñez de manera brillante, sin esconder también momentos sórdidos y de puro horror, que su selecta banda sonora consigue hacer inolvidables. Y doblemente brillante al tratarse del primer largometraje dramático dirigido y escrito por su director, que contaba hasta entonces con cuatro documentales en su haber.
‘Herederos de la bestia’, un homenaje necesario
HEREDEROS DE LA BESTIA (Diego López y David Pizarro, 2016)
España. Duración: 80 min. Guion: Diego López, David Pizarro Fotografía: Albert Calveres Productora: Xevi Subinyà, Xavier Llorca, Xosé Veiga Género: Documental
Sinopsis: Imposible imaginar el cine español actual sin El día de la Bestia. Dos décadas después de su estreno, la película de Alex de la Iglesia sigue siendo el gran referente al que acudir si se quiere mezclar el fantástico más brutal con la tradición española del esperpento. Este documental entrevista al equipo responsable de esa obra maestra y calibra su aún vigente influencia.
Tanto Diego López como David Pizarro son don especialistas sobre cine de género, particularmente español y especialmente de terror. Han publicado libros conjuntamente sobre el tema y si su primer largometraje, el también documental Los perversos rostros de Víctor Isräel nos introducía, mientras repasaba la carrera de este recordado actor de carácter, en el mejor cine de género español de los setenta y en su decadencia durante los ochenta, con Herederos de la bestia nos muestran el renacer del cine fantástico español de los noventa, con lo que sin duda Alex de la Iglesia y particularmente El día de la bestia (1995) tienen mucho que ver. Así lo expresan durante el documental varios de los directores que se sintieron inspirados a dar el salto al largometraje de terror teniendo a Alex de la Iglesia como modelo y ejemplo: Jaume Balagueró, Paco Plaza, Nacho Cerdà, Pablo Berger o Enrique Urbizu.
López y Pizarro como es natural también entran, mediante entrevistas a sus protagonistas (técnicos, actores, y el propio director) en la gestación, rodaje e impacto de la película. De forma muy académica, los diferentes protagonistas explicarán vivencias y anécdotas, intercalando documentación gráfica, escenas de rodaje y unas tomas de transición rodadas por la noche en algunas de las localizaciones más emblemáticas del filme. Con un efectivo montaje que mantiene un hilo narrativo constante, puestos a ponerle un pero, opinamos que quizás las repercusiones del filme sobre toda aquella generación de directores posiblemente habría encajado mejor al final que al principio del documental, pero en cualquier caso deja claro el revulsivo que representó El día de la bestia como punto de partida del renacer del fantástico español.
Pero El día de la bestia es también una película que nos pertenece. Pertenece a esa generación que se educó a base de fanzines, escarbando entre pilas de películas, que se emocionó cuando, durante la décima ceremonia de los premios Goya de 1996, El día de la bestia y sus creadores no solo fueron tenidos en cuenta, tomados en serio, sino que además recibieron el reconocimiento ‘oficial’ recibiendo seis premios, algunos de ellos tan importantes como el de mejor dirección, mejor actor revelación, mejores efectos especiales, mejor dirección artística, mejor maquillaje y mejor sonido. Y no es que esos premios la hicieran más valiosa, pero fueron como una confirmación de que no se trataba únicamente de un asunto de freaks. Estábamos hablando de cine. De buen cine. Y Herederos de la bestia es el necesario homenaje a ese esperpento terrorífico, esa reivindicación de la cultura popular y el cine de género que fue El día de la bestia.
BCN Film Fest: Nagasaki, recuerdos de mi hijo; el poder sanador de la memoria
Rhapsody in Blue vio la luz en febrero de 1924, y fue interpretada por primera vez en la ciudad de Nueva York. George Gershwin es el padre de esta obra magistral que fue compuesta en apenas tres semanas, y cuyo gran mérito consiste en combinar elementos musicales típicamente estadounidenses, como el blues y el jazz, pero dotándolos de un estilo sinfónico sumamente elegante. La obra del americano hacía temblar de emoción a Koji Fukuhara. En 1945 se estrenaba el biopic del compositor de la mano de Irving Rapper que tituló su filme, precisamente, Rhapsody in blue. El 9 de agosto de 1945 Koji moría al instante. Estados Unidos lanzó ese día la segunda bomba atómica sobre la ciudad de Nagasaki. El mismo país en que nacía Gershwin, el mismo país capaz de alumbrar tanta belleza, era el portador del mayor horror y la mayor destrucción conocida hasta el momento.
«Los recuerdos de la guerra están desapareciendo rápidamente y esto me hace plantearme una vez más porque no insistimos más en recordar que Japón es el único país del mundo que ha sufrido bombardeos atómicos», declaraba Yoji Yamada poco antes de estrenar su octogésimo tercera película, Haha to kuraseba (Si viviera con mi madre) explotada internacionalmente con el título de Nagasaki, recuerdos de mi hijo. Era el año 2015, el setenta aniversario del horror atómico, y Yamada quiso cumplir el sueño del desaparecido dramaturgo japonés Hisashi Inoue (1934-2010) de completar una trilogía sobre los tres lugares del país que más padecieron durante la II Guerra Mundial (el archipiélago de Okinawa, donde se libró la batalla más cruenta del conflicto, Hiroshima y Nagasaki). Yamada aborda un tema todavía sangrante con un delicado relato de corte fantástico que no busca exacerbar sino recordar para sanar las heridas. La justicia poética ha querido que su película fuera elegida candidata al Óscar a la mejor película de lengua no inglesa en la edición de este año 2017, la película de Yamada se convierte así en todo un símbolo de la reconciliación de ambos países.
El filme arranca el día del bombardeo montando en paralelo dos acciones, los momentos previos al lanzamiento en el avión americano con un toque casi documental y una escena casi costumbrista en la que vemos la última vez en que Koji (Kazunari Ninomiya) desayunó con su madre. Un montaje eficaz para mostrar cómo la guerra siega vidas inocentes, personas con cuyo día a día podemos simpatizar pues sus sentimientos son los mismos que los nuestros. Esa primera escena termina con la expansión de la bomba segando la vida de Koji al instante. Tres años después, en el aniversario de su muerte, su madre (Sayuri Yoshinaga), una mujer de mediana edad, está decidida a seguir adelante mientras contempla la tumba de su hijo. Es el momento de cerrar el duelo y de aceptar la pérdida, de aceptar que nunca más volverá a ver a Koji. Todo cambiará el día en que, al volver del cementerio, encuentra a Koji esperándola en casa. Como si de un milagro se tratase, Koji volverá a menudo a visitar a su madre para poder recordar juntos a la familia, la guerra, y el pasado. Pero también hablarán del futuro, de cómo hay que recomenzar la vida pese al dolor, resumido ello en el porvenir de Machiko (Haru Kuroki), su prometida, que sigue respetando su fidelidad a él. Cuando Machiko dé el paso será el momento de marchar.
Yamada elige, pues, la fórmula del Kaidan eiga (cine de fantasmas) para traernos su visión de cómo hay que recordar para avanzar. Y lo hace rememorando el estilo del cine clásico japonés, con la elegancia de Mizoguchi y, sobre todo, la delicada intensidad y la esencial melancolía de Yasujiro Ozu. Su película emana una fuerte emotividad que, conciliada con buenas dosis de humor, nos pinta en los labios una agridulce sonrisa. La acendrada sensibilidad de la partitura de Ryuichi Sakamoto (que regresa con este score a la composición) acompaña esta cinta culminando en sus notas su espíritu dulcemente melancólico. Un canto a la importancia de no olvidar para poder sanar las cicatrices que dejó una guerra. Una guerra que podría ser cualquier otra, que podría serlas todas.
BCN Film Fest: Un italiano en Noruega, descubriendo a Checco Zalone
Algo a agradecer al recién nacido BCN Film Fest es que haya incluido a competición una sección dedicada a la comedia, género que ha dado grandes perlas al cine y que, en nuestra consideración, no ha recibido suficiente reconocimiento en los certámenes cinematográficos. Un género de amplio espectro, además, puesto que son muchos los registros que ha dado a lo largo de la historia. No vamos a esbozarlos porque eso requeriría un espacio del que no disponemos y nos distraería del objeto de este comentario, pero sí queremos señalar que entre los grandes momentos que nos ha dado destacan aquellos que nos llegaron desde Italia. La Commedia all’italiana, que se inició en la década de los cincuenta y se extendió hasta los primeros ochenta, heredaba del neorrealismo su carga de crítica social, pero para abordarla con una mirada más afilada y cáustica en el retrato satírico de la realidad, en el dibujo humorístico de los personajes y en la aguda ironía que podía aplicarse a los cambios de costumbres de la época. Y hablamos de la edad de oro de la comedia transalpina porque hay quienes han querido ver en Checco Zalone, protagonista de la película que comentamos, un heredero de aquella.
Checco Zalone todo un ídolo en su país gracias a su múltiple condición de cantautor, actor cómico y showman de TV, consolidaba su carrera con su incorporación al mundo del cine. Son cuatro las películas que componen su filmografía hasta el momento, todas ellas dirigidas por Gennaro Nunziante con quien Zalone coescribe los guiones. Su debut en el Séptimo Arte fue meteórico, su primer filme, Cado dalle nubi, fue el más taquillero a nivel local (pasando por delante de La Vita é Bella) a la par de ser la segunda película más vista en Italia teniendo sólo por delante el Avatar de James Cameron. Caricato en sus inicios, Zalone se ha convertido en uno de esos cómicos cuyo personaje es un trasunto de sí mismo (actor y personaje comparten de hecho el mismo nombre) como fuera el caso de Louis de Funes, Fernandel o Totó por poner otro ejemplo italiano en el que la identificación es tal que el alias del actor se extiende a su personaje. Su humor se asienta en la parodia de trazo grueso (sin llegar a caer demasiado en lo escatológico) y sus películas se definen por la acumulación de situaciones cómicas y chistes. Reputado en Italia es prácticamente un desconocido en nuestro país, su última película, Quo Vado? es la primera en llegar a nuestras salas, de la mano de A Contracorriente, bajo el título de Un italiano en Noruega.
¿Qué decir de Un italiano en Noruega? Lo primero que nos sugiere es que el Checco Zalone personaje viene a ser un equivalente a nuestro Torrente, esto es, un personaje que va a servir como denuncia de los más rancio del país, de los males inscritos en la idiosincrasia de un pueblo, exagerando hasta la náusea sus perfiles. Sin dejar de recurrir a los tópicos, ambos mantienen una vis crítica de los mismos buscando una cierta reflexión sobre el nosotros de cada país. Se parecen en su singularidad, una singularidad no totalmente exportable, sin embargo. Por eso, aunque trate temas que nos suenan afines, la indolencia de los burócratas, las corruptelas políticas e incluso la alusión al civismo (incivismo, mejor) mediterráneo, Checco Zalone no deja de resultarnos extraño, como extraño ha de resultar Torrente más allá de nuestras fronteras. Fuera de esto, Un italiano en Noruega, puede llegar a entretener por esa acumulación de situaciones cómicas de la que hablábamos en el párrafo anterior, pero en ningún momento brilla como esas comedias italianas de su época dorada, le falta causticidad en su diseño y a la vez su ironía carece de sutileza. Su trazo grueso la hace superficial e inocua. Si puede resultar algo punzante en su primer acto, esta condición se va diluyendo conforme avanza la película y va siendo dominada y domesticada por la trama romántica. Tampoco es una película despreciable pese a su desigual desarrollo, algunos de sus chistes harán reír al público y en general se saldrá del cine con la impresión de haber consumido un producto simpático. Nada más ni nada menos.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 21 de abril de 2017 *
A FONDO (À fond, Nicolas Benamou, 2015)
Francia/Macedonia Duración: 91 min. Guion: Nicolas Benamou, Frédéric Jardin, Fabrice Roger-Lacan Música: Maxime Desprez, Michael Tordjman Fotografía: Antoine Marteau Productora: Chic Films / La Petite Reine Género: Comedia
Reparto: José Garcia, André Dussollier, Caroline Vigneaux, Josephine Callies, Stylane Lecaille, Charlotte Gabris, Vincent Desagnat, Florence Foresti, Jérôme Commandeur, Vladimir Houbart
Sinopsis: Una familia sube en su nuevo monovolumen por la mañana temprano para evitar los atascos de tráfico de la salida de las vacaciones de verano. Tom, el padre (José Garcia), ajusta el control electrónico de velocidad en 130 km/h., en ese momento un nuevo enfado con su suegro (André Dussollier), que se ha auto invitado, lleva a Julia (Caroline Vigneaux) a pedirle que dé la vuelta. Tom se da cuenta de que él no puede controlar su vehículo. La electrónica no responde, la velocidad se ha bloqueado a 130 km/h. Todas las maniobras para frenar el coche no surten ningún efecto.
Un coche inteligente que por una avería no puede detenerse y que circula a 130 Km/h. por la autopista y no puede bajar de velocidad es, a priori, una situación prometedora como argumento de cine. Y más si se trata de una comedia. Sugiere emoción y diversión (que no originalidad, tan solo basta recordar Speed), así que resulta sorprendente que esta premisa se malogre mediante un encadenado de chistes sin gracia y situaciones nada cómicas, junto a unos personajes despreciables, con los que es imposible empatizar, en especial con ese abuelo, carne de geriátrico y culpable de casi todos los desmanes en este desfasado slapstick que demuestra que no todas las comedias francesas funcionan.
LA PROFESORA (Učiteľka, Jan Hrebejk, 2016)
- Eslovaquia/República Checa Duración: 102 min. Guion: Petr Jarchovský Música: Michal Novinski Fotografía: Martin Ziaran Productora: PubRes / Rozhlas a televízia Slovenska / Ceská Televize / Offside MEN Género: Drama
- Reparto: Zuzana Mauréry, Zuzana Konecná, Csongor Kassai, Tamara Fischer,Martin Havelka, Éva Bandor, Oliver Oswald, Peter Bebjak, Richard Labuda,Ina Gogálová, Monika Certezni, Peter Bartak, Jozef Domonkos, Judita Hansman
Sinopsis: Desde la llegada en 1983 de Maria Drazdechova (Zuzana Mauréry), una nueva profesora, a un colegio en un suburbio de Bratislava, la vida de padres y alumnos se altera enormemente. El comportamiento corrupto de la profesora y el intento de suicidio de uno de los estudiantes hacen que el director del colegio convoque a los padres a una reunión urgente. En ella se les pide que firmen una petición de traslado para la Srta. Drazdechova. Sin embargo, las altas conexiones de la profesora con el Partido Comunista hacen que todos se sientan amenazados.
Con un ingenioso montaje que mezcla presente y pasado, Hrebejk nos presenta los hechos y los diferentes personajes de manera eficaz. No esperen otra manida historia de profesores que doman a una clase de alumnos problemáticos, lo que nos muestra La profesora, es una historia bien diferente. Construye una intriga que mantiene el interés y nos transporta a unos años ochenta grises gracias a su magnífico diseño de producción, que la hicieron merecedora en Gijón de un premio en esa categoría.
Con una puesta en escena que recuerda a Doce hombres sin piedad, se trata de una interesante historia muy bien interpretada que nos ofrece un ejemplo de las corruptelas y los abusos de poder, en este caso, en antiguas repúblicas comunistas.
-
2016: Festival de Karlovy Vary: Mejor actriz (Zuzana Mauréry)2016: Festival de Gijón: Mejor BSO y dirección artística
AMAR (Esteban Crespo, 2017)
España Duración: 105 min. Guion: Esteban Crespo Música: Adolfo Núñez Fotografía: Ángel Amorós Productora: Avalon P.C. / Amar AIE / Filmeu / TVE / Netflix Género: Drama
Reparto: María Pedraza, Pol Monen, Natalia Tena, Antonio Valero, Gustavo Salmerón,Greta Fernández, Nacho Fresneda, Sonia Almarcha
Sinopsis: Laura y Carlos se aman como si cada día fuera el último, y quizá esa intensidad del primer amor es la que les separará un año después…
Planos cortos que casi atraviesan a los actores rodados a cámara en mano, nerviosa, que logra trasmitir la urgencia de la pasión adolescente. Angustiosamente vital. El enamoramiento con toda su desenfrenada pasión, las riñas, los ‘sustos’, los juegos… y también algunos diálogos sonrojantes. Todo forma parte de toda esa confusión que se mueve por universidades y discotecas de extraradio. Droga (poca), alcohol (poco) y mucho sexo, aunque pacato, casi para todos los públicos. Con ese azoramiento y pánico que padece el cine moderno por mostrar los cuerpos.
Ópera prima de Esteban Crespo, director de siete cortometrajes y con más de 200 premios a sus espaldas, entre los que destacan el Goya a Mejor Cortometraje y la nominación al Oscar en 2014 por Aquél no era yo, Crespo ya rodó en 2005, de forma más convencional, un cortometraje, Amar, que mostraba la anécdota inicial que se nos ofrece en este largometraje antes del título. María Pedraza se muestra muy competente en la que es su segunda película y su primer papel protagonista.
LA ALTA SOCIEDAD (Ma Loute, Bruno Dumont, 2016)
- Francia-Alemania Duración: 122 min. Guion: Bruno Dumont Fotografía: Guillaume Deffontaines Productora: 3B Productions / Arte France Cinéma / Scope Pictures / Twenty Twenty Vision Filmproduktion Género: Comedia
- Reparto: Fabrice Luchini, Juliette Binoche, Valeria Bruni Tedeschi, Brandon Lavieville, Raph,Didier Després, Cyril Rigaux, Jean-Luc Vincent, Laura Dupré, Thierry Lavieville,Caroline Carbonnier, Manon Royère, Lauréna Thellier, Maya Sarac, Noah Noulard,Julian Teiten
- Sinopsis: Verano de 1910. Varios turistas han desaparecido en las playas de Costa Canal, y los inspectores Machin y Malfoy descubren que el epicentro de estas misteriosas desapariciones es la Bahía Slack, lugar donde el río Slack y el mar se unen sólo durante la marea alta. Es en esa zona donde vive una pequeña comunidad de pescadores como la familia Bréfort, liderada por el padre al que apodan “El Eterno”, quién hace lo que puede con sus hijos, entre ellos Ma Loute. Por otro lado, en una mansión en lo alto de la bahía, vive la burguesa familia Van Peteghem, cuya traviesa sobrina Billie se ha enamorado de Ma Loute.
Personajes grotescos con actuaciones caricaturescas; dosis medidas de slapstick; situaciones estrafalarias; escenas pictóricas retratadas con una magnífica fotografía; dudosa comicidad; canibalismo… Sin duda una apuesta arriesgada la de La Aventura Audiovisual el traer esta rara avis a nuestras pantallas. Pero ya lo llevan en su nombre de empresa. Y es que La alta sociedad podrá desagradar y entusiasmar, siempre a un público avisado, pero no dejar indiferente. Naturalmente habrá quienes, sopesando el resultado, no les compensen ni el trabajo de los actores; ni su estrafalario humor; ni su magnífica fotografía que resalta como lienzos esas bellas localizaciones; ni los muy buenos momentos que sin duda posee la película. Es más que posible que no le compensen a muchos las dos horas de estupideces que nos ofrece Bruno Dumont, con un nada desdeñable trasfondo de crítica social. Y es que lo de comerse al burgués es una idea poderosa y sin lugar a dudas, muy atractiva en estos tiempos. Reminiscencia de aquel comerse a los ricos que tan buenos resultados ofreciera durante la Revolución Cultural.
En fin, sin lugar a dudas algo que debe ser visto, pues difícil se hace el contarlo ¿Lo mejor?: el golpe que con un enorme remo atizan en la cabeza a Juliette Binoche. ¿Lo peor?: Que su personaje no solo sobrevive, también empeora.
-
2016: Premios César: 9 nominaciones, inc. Mejor película, director y actor (Luchini)2016: Festival de Sevilla: Giraldillo de oro (mejor película) y Actriz (Raph)2016: Festival de Cannes: Sección oficial largometrajes a concurso
STEFAN ZWEIG, ADIÓS A EUROPA (Stefan Zweig: Farewell to Europe, Maria Shrader, 2016)
Austria-Alemania-Francia. Duración: 106 min. Guion: Maria Schrader, Jan Schomburg Música: Tobias Wagner Fotografía: Wolfgang Thaler Productora: X-Filme Creative Pool / Idéale Audience / Maha Productions Género: Drama
- Reparto: Tómas Lemarquis, Barbara Sukowa, Nicolau Breyner, Charly Hübner,Lenn Kudrjawizki, Ivan Shvedoff, Josef Hader, Harvey Friedman,Nahuel Pérez Biscayart, André Szymanski, Matthias Brandt,Nathalie Lucia Hahnen, Oscar Ortega Sánchez, Vincent Nemeth, João Cabral,Márcia Breia
Sinopsis: Biopic sobre el intelectual austriaco Stefan Zweig, centrado en los años de exilio del famoso escritor y activista social. Zweig fue uno de los personajes más irrepetibles del siglo XX. Como judío se vio obligado a huir de su país debido al régimen nazi. En su huida hacia adelante, se refugió en París primero y, más tarde, en Londres, pero Zweig acabó huyendo de Europa junto a su esposa a Sudamérica, instalándose finalmente en Brasil, donde acabará suicidándose en 1942 debido a su miedo a que el nazismo se extendiera por todo el mundo.-
“(…) uno necesita un punto estable de donde partir y a donde volver; nunca lo he sabido tan bien como hoy, cuando ya no deambulo por el mundo por propia voluntad sino porque me persiguen». Así se expresaba Zweig en El mundo de ayer: Memorias de un europeo (publicada póstumamente en 1942) poco antes de darse muerte por mano propia, junto a su segunda esposa, en Petrópolis (Brasil). Su alma dolorida no pudo, envuelta por la luminosidad del sur tropical como estaba, soportar la oscuridad que asolaba Europa hasta hacerla fenecer. Demasiada barbarie para un espíritu sensible que vio como sus esperanzas e ideales eran arrollados por el tren del nazismo. ¿Por qué Zweig no denunció desde el exilio las atrocidades de la Alemania Nazi? Por dos razones, porque es demasiado fácil posicionarse desde la distancia, libre del temor de las represalias, y porque él, pacifista radical, soñaba posible la creación de un círculo intelectual que derrotara la constrictora ideología de Hitler. El tiempo no le dio la razón, o al menos él no tuvo paciencia para esperarla.
María Schrader, en su tercera aventura tras las cámaras, ha querido capturar e ilustrar el sentimiento del vienés como advertencia para esta Europa de nuestros días en la que nuevamente parece cabalgar el fantasma del populismo y el odio. Su película rezuma luz, efervescencia sensorial e infausta melancolía a partes iguales. Retrata la sombría tristeza del viejo continente desde la exuberancia colorida del nuevo mundo. Su cámara se entretiene en los detalles, esa explosión de flores que llena la pantalla en su plano de apertura, en la composición casi geométrica de los encuadres y en hacer hablar a las imágenes sin subrayados innecesarios, ahí tenemos el elegante epílogo que recoge todo el drama de la muerte en un montaje interno que lo refleja sobre la luna de un armario. A través del arte de Schrader, Zweig se convierte en un epítome de la Europa ideal, la defensora de la racionalidad en la que lo violento parecía imposible, aquella que en cierta manera vio la luz en el último tercio del Siglo XIX y la que pareció volver a emerger tras la posguerra de la última gran contienda (la que ya no pudo atender el escritor), la misma que Schrader ve peligrar ahora. La suya es una delicada película que contiene una advertencia envuelta en el ropaje de ese escritor sutil que lideró las letras alemanas junto a Thomas Man: si no se frena la barbarie, volverá a morir la razón y la cultura, volverán a resurgir las ideologías del odio y Zweig volverá a suicidarse en Brasil. Europa volverá a suicidarse, eso es lo que parece decirnos Stefan Zweig, adiós a Europa.
-
2015: Premios del cine Alemán: Nominada a mejor director y actriz sec. (Sukowa)
RÍO ARRIBA (En amont du fleuve, Marion Hänsel, 2016)
Bélgica-Países Bajos-Croacia Guion: Hubert Mingarelli Música: Paul M. van Brugge Fotografía: Didier Frateur Productora: Man’s Films / SNG Film / Kinorama Género: Drama
Reparto: Olivier Gourmet, Sergi López, John Lynch
Sinopsis: Sigue la travesía que empiezan dos medio hermanos, dos completos extraños que han sido reunidos por la muerte del padre. Homer vivía con su madre, mientras Joe fue criado por su madre, lejos de su padre de quien no sabe nada, o casi nada. Ambos se embarcan en un pequeño barco y remontan un río de Croacia, en busca de su padre desaparecido. A lo largo del camino, se cruza en su camino Sean, un irlandés que solía trabajar con su padre, y que quizá sea capaz de guiarles un poco en su expedición que busca halla el lugar donde se encontró su cadáver.
El productor y director Marion Hänsel saca partido al estupendo entorno natural en el que se desarrolla la acción. También a sus protagonistas, dos estupendos actores que colmarán totalmente la pantalla durante la ajustada duración de la cinta, durante la que estos dos medios hermanos se conocerán el uno al otro mientras también profundizan en sí mismos. El suyo será un viaje al origen (literalmente al nacimiento de un río), que les permitirá conocer el fin, tanto en su sentido de final (ahí se suicidó su padre), como en su sentido de objetivo.
Lamentablemente la trama se pierde un poco hacia el final, con innecesarias intrigas de armas y grupos terroristas pero, aunque no llega a funcionar todo lo bien que podría, la química que hay entre Sergi López y Olivier Gourmet consiguen llevar a digno puerto esta historia.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Miércoles 12 de abril de 2017 *
ROSALIE BLUM (Julien Rappeneau, 2015)
Francia Duración: 95 min. Guion: Julien Rappeneau (Cómic: Camille Jourdy) Música: Martin Rappeneau Fotografía: Pierre Cottereau Productora: The Film / CG Cinéma / France 2 Cinéma / SND Films / Canal+ / Ciné+ / France Télévisions / Palatine Étoile 13 / Indéfilms 4 /Palatine Etoile 10 Développement / Apidev 4 / Région Bourgogne / Scope Pictures Género: Comedia
Reparto: Noémie Lvovsky, Kyan Khojandi, Alice Isaaz, Anémone, Philippe Rebbot, Sara Giraudeau, Camille Rutherford, Nicolas Bridet, Pierre Diot, Matthias Van Khache,Grégoire Oestermann, Jean-Michel Lahmi, Aude Pépin, Jaouen Gouevic, Vincent Colombe, Pierre Hancisse, Luna Picoli-Truffaut
Sinopsis: La vida de Vicente Machot transcurre entre su peluquería, su primo, su gato y su demasiado dominante madre. Un día, conoce por azar a Rosalie Blum, una misteriosa y solitaria mujer, y está convencido de que ya se ha encontrado con ella alguna vez. Intrigado, decide seguirla a todas partes, con la esperanza de saber más de ella.
Para su primer largometraje, Julien Rappeneau (hijo del legendario director francés Jean -Paul Rappeneau) ha recurrido a las aclamadas novelas gráficas de Camille Jourdy para inspirarse, y ha conseguido ofrecernos una divertida historia narrada desde tres puntos de vista complementarios. Vidas cruzadas, rotas, solitarias, incompletas, que alcanzarán su plenitud de la forma más casual. Con un montaje de lo más ingenioso, esta historia de soledad y liberación, narrada con sensibilidad y humor, nos hablará del misterio que escondemos las personas y de lo poco que sabemos unas de otras. Pocos personajes, pero muy marcados, compondrán un fresco que, con sus gotas de thriller y comedia, darán como resultado una recomendable cinta que cuenta, además, con tres competentes protagonistas como son Noémie Lvosvsky, Kyan Khojandi y Alice Isaaz.
LO TUYO Y TÚ (Dangsinjasingwa dangsinui geot, Hong Sang-soo, 2016)
Corea del Sur. Duración: 86 min. Guion: Hong Sang-soo Música: Dalpalan Fotografía: Park Hong-yeol Productora: Jeonwonsa Film Company Género: Comedia dramática
Reparto: Kim Joo-hyuck, Lee You-young, Kwon Hae-hyo, Yu Jun-sang, Kim Eui-sung
Sinopsis: Una noche Youngsoo y su novia Minjung discuten por el supuesto flirteo de la chica con un desconocido y ella termina marchándose de casa. Al día siguiente Youngsoo vaga por las calles con la esperanza de encontrarla; mientras tanto Minjung (o una chica idéntica a ella) tiene citas con distintos hombres que dicen conocerla.
Elegante y con un aire muy europeo, Lo tuyo y tú es una producción independiente que demuestra la versatilidad de un cine oriental que cada vez está más presente en nuestras carteleras.
Critica completa aquí
EL BEBÉ JEFAZO (The Boss Baby, Tom McGrant, 2017)
USA Duración: 97 min. Guion: Marla Frazee, Michael McCullers Música: Hans Zimmer Productora: DreamWorks Animation / 20th Century Fox Género: Comedia de animación
Sinopsis: Un peculiar bebé, que viste traje y corbata y lleva maletín, y su hermano Tim, de 7 años, tratarán de detener los malvados planes del director de la empresa Puppy Corporation.
NIEVE NEGRA (Martín Hodara, 2016)
Argentina/España Duración: 90 min. Guion: Martín Hodara, Leonel D’Agostino Música: Zacarías M. de la Riva Fotografía: Arnau Valls Colomer Productora: Pampa Films / Telefe / Directv / Tieless Media / Gloriamundi Producciones / Bowfinger / A Contracorriente Films Género: Thriller
Reparto: Ricardo Darín, Leonardo Sbaraglia, Laia Costa, Dolores Fonzi, Federico Luppi,Biel Montoro, Mikel Iglesias, Liah O’Prey, Andrés Herrera
Sinopsis: Acusado de haber matado a su hermano durante la adolescencia, Salvador (Ricardo Darín) vive aislado en medio de la Patagonia. Tras varias décadas sin verse, su hermano Marcos (Leo Sbaraglia) y su cuñada Laura (Laia Costa), llegan para convencerlo de vender las tierras que comparten por herencia. El cruce, en medio de un paraje solitario e inaccesible, hace reaparecer oscuros secretos del pasado.
Ópera prima de Martín Hodara, esta coproducción hispano-argentina cuenta con elementos que a priori parecían hacerla más que atractiva. El principal es su reparto, ya que por primera vez trabajan juntos dos grandes actores argentinos como son Ricardo Darín y Leonardo Sbaraglia, toda una garantía. Y más si se les suma el gran Federico Luppi y la prometedora Laia Costa, que tanto gustó en Victoria (Sebastian Schipper, 2015). Si a todo este innegable imán le incluimos el maravilloso paisaje montañoso del Pirineo catalán emulando La Patagonia y un guión intrigante debería, por fuerza, darnos como resultado una buena película. Pero lamentablemente no es así. Quien sabe si por la bisoñez del director o por la desgana que parecen mostrar los actores, la fórmula no cuaja. Sin olvidar algunos aspectos lingüísticos ilógicos que, en conjunto, dan como resultado una cinta floja y carente de interés. Toda una lástima.
UN GOLPE CON ESTILO (Going in Style, Zach Braff, 2017)
USA Duración: 96 min. Guion: Theodore Melfi Música: Rob Simonsen Fotografía: Rodney Charters Productora: MGM / New Line Cinema / Village Roadshow Pictures Género: Comedia
Reparto: Michael Caine, Morgan Freeman, Alan Arkin, Joey King, Matt Dillon, Ann-Margret, Maria Dizzia, Josh Pais, Katlyn Carlson, Nick Austin, Olli Haaskivi, Marlon Perrier,James Brickhouse, Marc Chouen, Joe Dolinsky
Sinopsis: Willie, Joe y Al, unos amigos de toda la vida que deciden rechazar la jubilación y desviarse del buen camino por primera vez en sus vidas cuando sus fondos de pensiones se convierten en humo como consecuencia de una crisis empresarial. Desesperados por pagar las facturas y seguir adelante con sus seres queridos, los tres lo arriesgan todo al atracar al mismísimo banco que se quedó con su dinero.
Si en la anterior cinta comentada, Nieve negra, la conjunción de buenos actores no es capaz de elevar el tono de la película, muy diferente es en el caso de Un golpe con estilo, comedia en la que sus protagonistas, Michael Caine, Morgan Freeman y Alan Arkin tienen unos papeles diseñados totalmente a su medida con los que lucirse y unos eficaces secundarios, pero también un guión que no por conocido o predecible deja de ser interesante, divertido y muy ágil, con una historia que pega un feliz puntapié en las posaderas de nuestro corrupto sistema bancario.
Una inofensiva pataleta que nos demuestra que todo puede dar pie a la comedia, incluso algo tan dramático como es lo que no narra Un golpe con estilo. Y no se puede pedir más, ya que tiene todo lo que debe de tener una buena comedia: un buen guión; aceptable número de gags; buenos actores con personajes empáticos; y, muy importante, buen ritmo, que a pesar de que en el tercer acto decae un poco, no afecta al óptimo resultado de esta agradable comedia, actualizado remake del filme de igual título de 1979 (y Melfi, director del remake, tiene a bien imitar el estilo setentero recurriendo, por ejemplo, a la pantalla partida) y, de contenido muy, muy similar a nuestra Los dinamiteros (Juan García Atienza, 1964).
‘Lo tuyo y tú’, la cantante era calva
Una noche Youngsoo y su novia Minjung discuten por el supuesto flirteo de la chica con un desconocido y ella termina marchándose de casa. Al día siguiente Youngsoo vaga por las calles con la esperanza de encontrarla; mientras tanto Minjung (o una chica idéntica a ella) tiene citas con distintos hombres que dicen conocerla de antes.
La nueva película escrita y dirigida por el maestro Hong Sangsoo, ganadora de la Concha de Plata al Mejor Director en la pasada 64ª edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián-Donostia y protagonizada por Kim Joohyuck (Like for Likes, The Beauty Inside) y Lee Youyoung (The Treacherous, Late Spring), continúa explorando las relaciones de pareja, verdadera constante de su cine como ya tuvimos ocasión de comentar en Antes no, ahora sí. Hong Sangsoo reflexiona en ella sobre los límites del conocimiento mutuo en el seno de una pareja y sobre el valor de la confianza del uno en el otro. Dividida en escenas separadas por fundidos en negro (fundidos que prácticamente juegan el mismo papel que el telón en el teatro), un mismo tema musical sirve de nexo entre ellas, un tema que, por su naturaleza desenfadada y vivaz, indica claramente que Lo tuyo y tú es una comedia.
¿Es una comedia? El coreano nos trae cuadros escénicos disparatados retratados en plano fijo (prácticamente sólo el uso de aparatosos zooms introduce movimiento) en los que los personajes declaman diálogos, que en ocasiones se antojan casi sin sentido, mientras beben, sobre todo beben. La ruptura de la ilación lógica es la que funciona aquí como vehículo del humor, a algunos les podrá provocar hilaridad, a otros sólo una sonrisa, no faltarán los que no capten la gracia, pero lo que vivirán todos es el extrañamiento. Y el extrañamiento es ese lugar en el que lo habitual se deforma y pierde su confortabilidad, algo semejante a las imágenes reflejadas en espejos distorsionantes. Eso es Lo tuyo y tú, una suerte de palacio de los espejos en el que nos veremos obligados a ver de otro modo nuestras propias vivencias sobre el amor, la (des)confianza, la capacidad de comprender al otro, en suma, la posibilidad y sentido de formar una pareja.
“Sólo el amor verdadero tiene valor, lo demás es comer y cagar” dice en un momento el protagonista, todo un trasunto del pensamiento del propio director: “el amor es lo único que importa en esta vida aparte de la cerveza. Si encuentras a una persona a la que puedas amar y con quien puedas compartir tu vida, que en el resto de facetas de tu vida seas un desastre carece de gravedad”. Sangsoo se autoproclama vago porque no está dispuesto a inventar nada más allá de lo que él mismo aprecia y vive, por eso en todas sus películas se bebe tanto y por eso hablan todas ellas de amor, “yo mismo no tengo más aficiones que beber. Hablo de lo que sé, punto. Jamás me plantearía contar la historia de, por ejemplo, un piloto de carreras vegano y aficionado a la pesca. No conozco a nadie que sea así, y soy demasiado torpe para inventármelo”. Pero igual que reconoce su pereza, es consciente de su honestidad, “casi nada en mi cine es intencionado, porque me gusta ponerme a merced de los accidentes. Tampoco comparo mis películas entre sí. Cada una de ellas es un reflejo de quién soy yo en el momento de hacerla, una instantánea de quién soy en diferentes épocas de mi vida. En ese sentido soy un director brutalmente honesto”. El coreano no escribe detalladamente sus guiones, juega a la improvisación, se burla amablemente de la prensa que en su juicio rebusca demasiado en sus obras (niega incluso que el cine de Rohmer sea una influencia consciente) y respira sinceridad en cada palabra, una sinceridad que impregna cada fotograma en el que vierte su pensamiento y su sentimiento. Romántico empedernido, no se cansa de dar argumentos sobre como el amor es lo único. Y nosotros podemos amarle por ello.
Serendipia
Proyecto Naschy 
Últimos comentarios