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La bruja, con el infierno en el interior
LA BRUJA (The Withch, Robert Eggers, 2015)
USA/UK/Brasil/Canadá. Duración: 92 min. Guión: Robert Eggers Música: Mark Korven Fotografía: Jarin Blaschke Productora: A24 / Code Red Productions / Pulse Films / Scythia Films / Rooks Nest / Maiden Voyage Pictures / Mott Street Pictures Género: Terror
Reparto: Anya Taylor-Joy, Ralph Ineson, Kate Dickie, Harvey Scrimshaw, Lucas Dawson, Ellie Grainger, Julian Richings, Bathsheba Garnett, Sarah Stephens, Jeff Smith
Sinopsis: Nueva Inglaterra en el año 1630. Una familia de colonos cristiana, formada por un matrimonio y sus cinco hijos, vive cerca de un bosque que, según las creencias populares, está controlado por un mal sobrenatural. Cuando su hijo recién nacido desaparece y los cultivos no crecen, los miembros de la familia se rebelan los unos contra los otros. Más allá de sus peores temores, un mal sobrenatural les acecha en el bosque cercano.
Con La bruja, su director Robert Eggers debutaba en el cine y obtenía el premio a la mejor dirección en el último Festival de Sundance. Basada en un guion suyo y ambientada en Nueva Inglaterra (lugar de origen de Eggers), en el siglo XVII, nos narra como una familia que vive sola en el bosque es pasto de lo que en principio parecen ser supersticiones: un bebé desaparece, una cabra comienza a dar sangre en lugar de leche… Todo situado en un ambiente inquietante, el bosque como lugar donde habita el mal, acompañado de la sobrecogedora banda sonora de Mark Korven y una bella fotografía plagada de colores lavados y sombras marcadas que nos llevan a pensar directamente en el tratamiento de las sombras y luces de Rembrandt, pero cruzado con la imaginería de Gustavo Doré. La trama se desarrolla como una sucesión de tableaux vivants separados entre sí por intermitentes fundidos en negro, convirtiéndola casi en una narración dividida en capítulos. A través de esa estructura pictórica y capitular se consigue un progreso in crescendo de la tensión dramática, en la que la atmósfera va haciéndose cada vez más lóbrega y opresiva.
Basada en varias leyendas de la Nueva Inglaterra del siglo XVII, La bruja es un extraño cruce de cuento folklórico de terror y tragedia familiar. En el origen del conflicto está la soberbia del padre (Ralph Inneson); de creencias más estrictas que la de los mismísimos puritanos, es expulsado (y con él su familia) de la comunidad. Fanático hasta la médula, contagia a los suyos la obsesión por la condición empecatada de todo mortal, nadie nace libre de la mácula ni nadie sabe qué tendrá dispuesto para él el Señor. Su fervor religioso le hace inútil para dar calor y consuelo a su familia incluso en los momentos más críticos. Igual de ineficaz se muestra en las tareas de la granja, le intuimos responsable de su marcha a la colonia (le obsesionaba predicar el Evangelio) dejando atrás el confort de su casa en Inglaterra (un cáliz de plata es testimonio de su mejor vida), y una vez se ven aislados en los límites del bosque es incapaz de asegurar a la familia el sustento más básico (sólo descarga compulsivamente su impotencia cortando leña). Por su empecinamiento, la familia vive en condiciones cada vez más infrahumanas, mezclada esa escasez con la severidad religiosa, la circunstancia que les envuelve es cada vez más aterradora, hasta los juegos de los niños cobran una apariencia perturbadora. Los temores delirantes que van adueñándose de la familia (especialmente de la madre) serán proyectados sobre la hija mayor a la que llegan a encerrar en el establo para ser juzgada como bruja. Así van trenzándose los hilos de la trama para acabar convirtiendo la crónica de una devastación familiar en una cinta de terror sin ninguna concesión a los tópicos del género.
La película tiene más de una lectura: funciona como retrato de la superstición e ignorancia que explica todo mal como producto del diablo; también como parábola de una nación, la americana, que está naciendo envuelta por la obsesión por la culpa; pero además, y quizás sobre todo, es una crítica a los males del patriarcado que relegan a la mujer a un papel pasivo de sumisión y a verlas como fuente de condenación si osan tener mayor protagonismo, es por eso que el final puede (es más, debe) interpretarse como el acto de liberación de la feminidad de la protagonista. ¿Y lo sobrenatural? Eggers da el mismo trato realista a las fugaces apariciones de seres siniestros que a los personajes principales, no puede descartarse el carácter de alucinación, el argumento y la evolución de los personajes permiten pensar así, pero la película siembra también la inquietud sobre la posibilidad de la existencia de un mal autónomo en sí mismo que se cierne sobre los protagonistas. Esa ambivalencia de interpretaciones es una de las mayores bazas de este filme de bajo presupuesto que está llamado a ser uno de los mejores títulos de género que veremos en nuestras pantallas comerciales este 2016.
Cinta inaugural en el Festival de Sitges 2015, sin duda La bruja es una de esas cintas que dejan poso, que apetece volver a revisar, algo en lo que también influye la actuación de sus protagonistas, especialmente el trabajo de, la también debutante, Anya Taylor-Joy en el papel de hija mayor.
Novedades sobre ‘Cine Basura: la película’
El músico Chuck Cirino, luminaria del cine de serie B/Z gracias a sus trabajos para producciones de culto de Roger Corman como Deathstalker 2, Chopping Mall o El regreso de la cosa del pantano, compondrá la banda sonora de Cine Basura: la película , la primera comedia española que rinde homenaje al llamado “cine cutre”.
Un fichaje de lujo que supone un gran valor añadido para el filme y que sin duda pondrá los dientes largos a los aficionados a esta clase de largometrajes. Y es que Cirino es uno de los compositores más célebres del cine estadounidense de bajo presupuesto de los años 80, a la altura de otros artistas tan apreciados como Richard Band (Re-Animator, Ghoulies).
Natalia Alvarez y Paco Fox
No en vano, ha trabajado a los órdenes de famosos directores de cine “trash” como Fred Olen Ray (Alienator, Evil Toons) o Jim Wynorski, figura imprescindible de la factoría Corman. En la actualidad compone música para películas directas a vídeo y televisión, entre las que destacan filmes de monstruos gigantes emitidos en el Canal Syfy como Cobragator o Dinocroc VS Supergator.
Paco Fox, codirector del filme, indica que «muchas películas que homenajean al cine de serie B de los 80 escogen a músicos jóvenes para que hagan pastiches de los sonidos de esa época”. En este sentido, los responsables de Cine Basura: la película, han decidido que “lo mejor es ir a la fuente original, a quien estaba en activo en la industria del bajo presupuesto y ayudó a definir el tipo de música que relacionamos con el cine cutre«.
UN HOMENAJE AL “CINE MALO”
Con 27.500 euros obtenidos, “CINE BASURA: LA PELÍCULA” es el filme español que más dinero recaudó por medio de crowdfunding en 2015. Actualmente en proceso de posproducción y con un estreno previsto para 2016 pero sin fecha definida, este largometraje supone el salto a la gran pantalla de los creadores del programa de culto ‘CINE BASURA’ de CANAL + Xtra y de la webserie ‘VIDEOFOBIA’.
Aunque “CINE BASURA: LA PELÍCULA” es una declaración de amor al también llamado “cine cutre” o “trash”, sus responsables no han querido filmar una película mala a propósito, sino todo lo contrario, como afirman los codirectores de la cinta, Paco Fox y Miguel Ángel Viruete.
Ambos insisten en que se trata de un largometraje “rodado en condiciones, con una trama de verdad y no un festín de referencias y fantasmadas”. En este sentido, Fox indica que el estilo del guión se inspira en el trabajo de los británicos Edgar Wright y Simon Pegg, responsables de comedias de culto como Zombies Party, Arma Fatal o Bienvenidos al fin del mundo. Como muestra de ello está la secuencia que se rodó para la campaña de crowdfunding, la cual puede visualizarse en la web http://www.cinebasura.es y permite hacerse una idea del tono que tendrá el filme.
El cine de serie Z es un fenómeno con legiones de seguidores que crece y crece en España. Algo que han confirmado, entre otros, el reciente éxito de la quinta edición del festival CUTRECON de Madrid o las sesiones de ‘Trash entre Amigos’ de Nacho Vigalondo.
Agustín Jiménez
COMBATIENDO EL “CINE CUTRE”
“CINE BASURA: LA PELÍCULA” narra la historia de dos videobloggers que se introducen por accidente en una película mala. Cuando salen, las constantes del cine ‘cutre’ han invadido el mundo: hay falta de raccord, los planos subjetivos se ven en otros formatos, los cromas son espantosos y hay zombis, punks y otros personajes típicos de este tipo de películas. Un entuerto que los protagonistas tratarán de resolver junto a una amiga realizadora.
El filme está producido por la empresa PECKER AUDIOVISUALES, Miguel Ángel Viruete, Paco Fox y David Gutiérrez Rubio, así como por diversos inversores privados que han participado mediante micromecenazgo.
EQUIPO TÉCNICO Y ARTÍSTICO
Los directores de la película son Miguel Ángel Viruete, autor de varios cortos premiados y realizador de la webserie ‘VIDEOFOBIA’, y Paco Fox (Francisco Rodríguez Prieto), Responsable de Selección de Cine Extranjero de CANAL + a nivel profesional, presentador de ‘CINE BASURA’ y articulista de humor a nivel artístico. El guión, sobre un tratamiento de ambos directores y del popular humorista web José Viruete, viene firmado por el debutante sevillano Fernando Hugo Rodrigo.
Los actores principales son Miguel Ángel Aijón, conocido por sus papeles en Una de Zombis e Isi/Disi: Alto Voltaje; Natalia Álvarez-Bilbao, actriz en alza con filmes como Gernika o Poveda pendientes de estreno; Maite Medina, modelo profesional que ha representado a España en el certamen Miss Mundo; Darío Frías, quien ha participado en series de televisión como Mis adorables vecinos y películas como Omnívoros; y el propio Paco Fox, que interpreta a uno de los protagonistas.
Asimismo, entre los numerosos papeles secundarios se hallan diversos y reconocidos cómicos profesionales como Agustín Jiménez (Paramount Comedy), Kikín Fernández (“Los Serrano”), Richard Salamanca (Central de Cómicos), Mayka Jurado (“Alegrías las justas”), Esther Gimeno (“Sopa de Gansos”) o Fernando Moraño (Central de Cómicos).
‘Ánimas’, terror español en Cannes
Nos gustó mucho el primer largometraje de Laura Alvea y José Ortuño, The Extraordinary Tale, así que recibimos con alborozo la noticia de que su segundo proyecto, Ánimas, será un film de terror y que ha sido seleccionado para participar en L’Atelier de la Cinèfondation del Festival de Cannes
Coproducido por La Claqueta PC y Acheron Films, Ánimas, es el único proyecto español seleccionado este año en el evento galo. En los últimos 3 años sólo 5 proyectos españoles han participado. “Ánimas” se rodará en inglés y tiene previsto su rodaje para finales de año. Su reparto internacional será anunciado en las próximas semanas.
L’Atelier de la Cinéfondation acoge este año su duodécima edición e invitará al Festival de Cannes a 16 directores cuyos proyectos de película han sido considerados especialmente prometedores para cerrar la financiación durante la celebración del Festival de Cannes. Acompañados por su productor, podrán reunirse con posibles socios, indispensables para finalizar su proyecto y pasar a la fase de realización de su película. L’Atelier abre a sus participantes las puertas a las coproducciones internacionales, lo que permite acelerar el proceso de finalización de la película.
Ánimas’ thriller de terror psicológico, está escrito por José Ortuño basado en su novela homónima. Olmo Figueredo (La Claqueta PC) es productor ejecutivo, la jefa de producción es Marichu Sanz (Acheron Films). ‘Ánimas’ ya fue seleccionado el pasado año entre los seis proyectos españoles de “Small is biútiful”, el prestigioso foro de coproducción celebrado en Paris, además de haber pasado por otros foros y mercados internacionales.
Sinopsis: Cuando su mejor amigo comienza a actuar de manera extraña, Alex -un joven de 18 años- comenzará a vivir un descenso a los infiernos en el que encontrará presencias fantasmales, pesadillas horrendas y situaciones límite que pondrán en peligro su vida. Investigará el origen de todo este tormento hasta lograr averiguarlo en un final tan sorprendente como impactante.
https://www.facebook.com/animasmovie/
‘Difuminado’ de Pere Koniec se proyectará en la Universidad de Barcelona
Este próximo marzo, el film Difuminado de nuestro amigo Pere Koniec participa en el ciclo “Road Movies: Camins de llibertat i rebel·lió”, organizado por la Universidad de Barcelona junto a otros compañeros de ciclo como Fellini, Pasolini, Hopper o Adlon. Ahí es nada.
Del anterior proyecto de Pere, Policromía, ya les hablamos largo y tendido en este artículo, pero… ¿Qué es Difuminado? A continuación vamos a intentar saber más sobre este largometraje que nos habla de un misterioso abuelo y un oscuro pasado formado por coches clásicos, mujeres bellas y excesos de juventud y que incluye apariciones sorpresa de Aina Clotet, Dolo Beltrán o Agustí Villaronga, escritores como Javier Pérez Andújar o Sergi Puertas…y dibujantes como Isidre Monés o Josep M. Beà.
EL PROYECTO DIFUMINADO
Difuminado (2014) es una película independiente rodada en blanco y negro sin diálogos con una misteriosa trama y un extrañísimo reparto lleno de arte.
La trama de Difuminado, que conviene no desvelar, habla de la fascinación por un automóvil como obra de arte, imágenes de infancia que marcan la trayectoria erótica y recuerdos de aquellos amigos que fueron cayendo en una juventud politoxicómana.
Armonizan el proyecto las suaves notas de Sergei Prokofiev, la nostalgia de King Crimson y el impulso suicida de Stereolab.
EL EXTRAÑO REPARTO
“Uno de los principales placeres de rodar Difuminado (2014) fue poder contar con una multitud de artistas que irradiaron el proyecto de buena energía. El director Agustí Villaronga aparecía en Perros Callejeros (1979) o Petit Indi (2009) y en nuestra cinta nos regala un mini-prólogo como declaración de principios. Juan Carlos Olaria, que en los 70 facturó la hoy de culto El hombre perseguido por un Ovni (1976), protagoniza un emotivo encuentro con una joven. Y recuperamos a Carmen Serret, que en la época de Iquino y compañía firmó varias cintas como Carla Dey. El título del film, como mi anterior cinta Policromía (2010), remite a una técnica gráfica relacionada con la ilustración. En un instante del film, todos los personajes atracados en un túnel subterráneo son dibujantes en la vida real. Es el caso de Marcos Prior (Potlatch), Raquel Garcia Ulldemolins (Canallades) y Clara-Tanit Arqué (Wassalon). Dos veteranos de la viñeta como Isidre Monés y Josep M. Beà nos ayudan a completar el reparto artístico. Y de las viñetas pasamos a la letras con las breves apariciones de Joan Ripollès Iranzo (Quemar el cielo), Sergi Puertas (Cómo destruir ángeles) o Javier Pérez Andújar (Los príncipes valientes). La cantante y actriz Dolo Beltrán protagoniza un emotivo segmento, el gran Lluís Marco toma el relevo del protagonista vía Henry Miller y la actriz Aina Clotet cierra brillantemente esta película independiente rodada sin permisos y con mucho amor difuminado”.
EL DIRECTOR
Pere Koniec (Varsovia, 1980) es diseñador gráfico y cineasta independiente. En 2003 dirigió su ópera prima L de Lorena estrenada en el Festival de Sitges y recibido como la sorpresa barcelonesa del año. Ha dirigido el frenético cortometraje Efímero 87 (2006) y el mediometraje Policromía (2010), en la que ensayaba su particular estilo alejado de todo diálogo y apoyado únicamente en el lenguaje cinematográfico como motor de la narración. Difuminado (2014) es su última película.
PROYECCIÓN
Lunes 14 de marzo a las 18,30h
Universidad de Barcelona
Gran Vía 585, Barcelona
Entrada gratuita. Aforo limitado.
FICHA TÉCNICA
TÍTULO: Difuminado
DURACIÓN: 53 minutos
GENERO: Drama / Suspense
NACIONALIDAD: España
IDIOMA: Sin diálogos
FORMATO: 16:9
COLOR: Blanco y Negro
GUIÓN Y DIRECCIÓN: Pere Koniec
DIRECTORA DE FOTOGRAFÍA: Miranda Cruz
PRODUCTOR: Pere Koniec
EFECTOS VISUALES: Adam Alsina
MÚSICA: Sergei Prokofiev, King Crimson, Stereolab
EDITOR: Pere Koniec
‘Red Earth’ una película de Carlos Violadé
Mañana jueves 17 de diciembre comenzará en Coria del Río (Sevilla) el rodaje del teaser de «Red Earth», el salto al largometraje del director y guionista Carlos Violadé tras su exitosa experiencia en los cortometrajes.Este teaser supone el primer paso en la realización de un proyecto, ambientado en el primer viaje con seres humanos a Marte, con un marcado carácter internacional y que ha sido presentado en mercados cinematográficos como el del pasado Festival de Toronto.
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Mañana jueves 17 de diciembre comienza el rodaje del teaser de «Red Earth», película que supondrá el salto al largometraje del productor, guionista y director Carlos Violadé. El sevillano se ha labrado un exitoso nombre como cortometrajista, con trabajos tan laureados como «Tres» y «No tiene gracia». «Red Earth», aun en fase de desarrollo, es un proyecto largamente acariciado por Carlos Violadé y La Balanza Producciones, productora creada en 2006 por el arquitecto y cineasta y Julio Vergne, conocido por sus labores como fotofija en títulos como «La Isla Mínima», «Gordos» o «Grupo 7», entre muchos otros. El proyecto de «Red Earth» comenzó a despegar en octubre de 2013, tras una invitación de The Sundance Institute, la fundación de apoyo al cine independiente internacional creada por Robert Redford. El Instituto mostró interés en el trabajo de Carlos Violadé tras el premio concedido meses antes a «No tiene gracia» en el Palm Springs Short Film Festival. Poco tiempo después, en febrero de 2014, «Red Earth» participaba como único proyecto europeo en el taller de guión celebrado en Oaxaca, México, con la colaboración de The Sundance Institute. Así, cineastas y profesionales de la talla de Laura Esquivel («Como agua para chocolate»), Jeremy Pikser («Bulworth»), Beatriz Navarro («Danzón») y Lawrence Konner («The Sopranos») realizaron labores de consultoría en el borrador del libreto de «Red Earth». En septiembre de 2014, Zachary Sklar, co-guionista de «JFK» junto a Oliver Stone, se unió al proyecto como script-doctor. En estos momentos aun en desarrollo, «Red Earth» cuenta -incluyendo asimismo en este teaser que servirá como carta de presentación del largometraje- con un equipo técnico de impecable trayectoria, entre los que hallamos al director de arte Pepe Domínguez y al director de fotografía Álex Catalán, últimos ganadores del Goya en sus respectivas categorías por «La Isla Mínima». Asimismo, y dado el argumento del filme y el interés internacional que ha despertado, «Red Earth» ha dispuesto desde su inicio con el asesoramiento de reconocidos y prestigiosos profesionales en diferentes ámbitos de la ciencia. De esta manera, el psicólogo colaborador en la ESA (European Space Agency) Gabriel González de la Torre, un experto en Biodiversidad en condiciones extremas como Felipe Gómez, el astronauta Eduardo Lurueña (actualmente en plena preparación para ser el segundo español en viajar al espacio) y el ingeniero aeronáutico con una destacada participación en el programa Apollo desarrollado por la NASA Keith M. Wright, entre otros, se han unido al proyecto. Cabe destacar que aunque la acción de «Red Earth» se desarrolla en el espacio, el filme no puede catalogarse dentro del género de la ciencia-ficción. El interés de Carlos Violadé radica más en las relaciones entre los miembros de un viaje interestelar y los factores psicológicos que rodean una proeza de tales características. Como bien avisa la breve sinopsis que han podido conocer ya citas como el pasado TIFF – Toronto International Film Festival, la premisa de «Red Earth» surge más de la exploración del mundo interior de sus protagonistas que del espacio exterior que les rodea: «Cinco astronautas. Una nave. Y el espacio exterior. Pero el mayor viaje de sus vidas no será a Marte, sino al interior de sus mentes». El rodaje del teaser de «Red Earth» tendrá lugar desde mañana jueves 17 de diciembre y hasta el próximo domingo 20 en las instalaciones de Plató Coria (Coria del Río, Sevilla), con un reparto encabezado por la actriz sevillana Tamara Arias («Tu vida en 65′») y un elenco de actores internacionales formado por Luka Peros («Mar de plástico»), Akihiko Serikawa («Menú degustació»), Claudia Coelho («Historias de Lavapiés») y Adrián Buffuna. Sigue los pasos de «Red Earth» a través de: |
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 11 de diciembre *
LA NOVIA (Paula Ortiz, 2015)
España / Alemania. Duración: 95 min. Guión: Javier García, Paula Ortiz (Obra: Federico García Lorca) Música: Shigeru Umebayashi Fotografía: Migue Amoedo Productora: Get In The Picture Productions / Mantar Film / TVE (Televisión Española) Género: Drama romántico.
Reparto: Inma Cuesta, Asier Etxeandía, Álex García, Manuela Vellés, Consuelo Trujillo, Leticia Dolera, Carlos Álvarez Novoa, Luisa Gavasa.
Sinopsis: Desde pequeños, Leonardo (Álex García), el novio (Asier Etxeandia) y la novia (Inma Cuesta), han formado un triángulo inseparable. Sin embargo, las cosas se han complicado mucho últimamente: el novio y la novia se van a casar, pero entre ella y Leonardo siempre ha habido algo más que una amistad. La tensión entre ambos cada vez es mayor, como un hilo invisible que no pueden explicar, pero tampoco romper.
Bodas de sangre y de nuevo Lorca en esta ocasión tratado de una forma excesivamente esteticista. La directora se recrea tanto en los planos que uno se siente expulsado de la narración. Con un inicio que recuerda a un western mediterráneo, no carece de buenos momentos, pero la preocupación de la directora por la plasticidad de las escenas juega en contra del filme, en especial porque tampoco olvida recurrir a la cámara lenta (ese recurso tan peligroso). El desierto de los Monegros y sus localizaciones en ruinas; la mezcla de vehículos y vestuario de toda época para dar atemporalidad a la historia; la cálida fotografía de interiores; y las bonitas tomas en un lugar tan mágico como Cappadoccia (Turkía), no consiguen que quien esto les cuenta entre en la historia. Y cuando lo hace, es expulsado a golpe de plano e incluso por algún molesto momento video-clip.
Los actores y actrices están todo lo bien que pueden, destacando la protagonista, Inma Cuesta (fantástica en ‘Tres bodas de más’ de Javier Ruiz Caldera) y Leticia Dolera, con un papel diferente al registro al cual nos tiene acostumbrados. La pobre Manuela Vellés consigue pasar casi desapercibida. Sin olvidar a María Alfonsa Rosso y Luisa Gavasa, dos veteranas impecables siempre en su labor.
UN PASEO POR EL BOSQUE (A Walk in the Woods, Ken Kwapis, 2015)
USA. Duración: 104 min. Guión: Michael Arndt, Bill Holderman (Libro: Bill Bryson)Música: Nathan Larson Fotografía: John Bailey Productora: Route One Films / Surefire Entertainment Capital / Wildwood Enterprise Género: Comedia
Reparto: Robert Redford, Emma Thompson, Kristen Schaal, Nick Nolte, Mary Steenburgen, Nick Offerman, Sandra Ellis Lafferty, Derek Krantz, Linds Edwards, Andrew Vogel, Hayley Lovitt, John Kap, Walter Hendrix III, R. Keith Harris, Alex Van
Sinopsis: Tras pasar dos décadas en Inglaterra, Bill Bryson (Robert Redford) regresa a los Estados Unidos con el fin de emprender la gran aventura de su vida: escalar el sendero de los Apalaches y sus más de 3.500 kilómetros de longitud, atravesando algunos de los paisajes más bellos del continente. Aunque para ello tenga que alejarse de su familia y de Catherine (Emma Thompson), su esposa. En este viaje contará con la ayuda de su viejo amigo Stephen Katz (Nick Nolte) quien, después de toda una vida confiando en su ingenio para escabullirse de sus deudas, es el único loco dispuesto a acompañarle en su espectacular viaje. El problema es que los dos tienen una definición muy distinta de la palabra «aventura»… Adaptación de las memorias de Bryson, un conocido escritor de libros de viajes.
Definida acertadamente como una versión geriátrica de Alma salvaje (Wild, Jean-Marc Valleé, 2014), Un paseo por el bosque es eso, un respetuoso y agradable paseo por el monte con dos entrañables actores que, por desgracia, no ofrecen muy buena química conjunta, aunque por separado gane Nolte por goleada a un Redford un tanto frío. La cinta nos cuenta la necesidad que tienen ambos hombres de marcarse un reto con el que sentirse vivos y luchar contra lo ineludible; loable, pero el resultado es un tanto superficial y tópico. Agradable de ver, es muy posible que guste al espectador medio.
SITGES TOUR A CONTRACORRIENTE:
TURBO KID/ THE SALVATION / LA PRÓXIMA VEZ APUNTARÉ AL CORAZÓN/ BLOOD SUCKINGBASTARDS
Al igual que se hizo el año anterior, A contracorriente, con la colaboración del Festival de Sitges, ofrece cuatro de los títulos proyectados durante el certamen, que se ofrecerán por tiempo limitado en varias salas españolas. En esta ocasión puede decirse que el nivel de las cintas escogidas es alto y muy heterogéneo. Un menú variado para todos los paladares.
TURBO KID (François Simard, Anouk Whissell y Yoann-Karl Whissel)
Canadá. Duración:89 min. Guión: Anouk Whissell, François Simard, Yoann-Karl Whissell Música: Jean-Philippe Bernier, Jean-Nicolas Leupi, Le Matos Fotografía: Jean-Philippe Bernier Productora: EMA Films / Timpson Films Género: Ciencia ficción.
Reparto:Munro Chambers, Laurence Leboeuf, Michael Ironside, Edwin Wright, Aaron Jeffery, Romano Orzari, Orphée Ladouceur, Steeve Léonard, Yves Corbeil
En 1997 la humanidad ha sufrido un apocalipsis y los supervivientes luchan por conseguir agua, un bien escaso. Un adolescente, solitario y amante de los cómics books de Turbo Ryder, revuelve entre los escombros y la basura para encontrar algún objeto que canjear en el mercado negro a cambio del precioso líquido. Este es el punto de partida de esta coproducción entre Canadá y Nueva Zelanda que pretende (y consigue) tener la apariencia de haber sido rodada en los años ochenta, premisa totalmente conseguida ofreciendo una estética retro en la que tienen cabida cintas de cassette, cubos de rubick, VHS y vestuario delirante, además de unos efectos gore premeditadamente burdos y un argumento naif regado con una banda sonora a base de sintetizadores. Villanos de cuchufleta entre los que destacan Zeus, un enorme Michael Ironside, y Edwin Wright como su secuaz Skeletron.
Basada en el corto ‘T’ is for Turbo de los canadienses François Simard, Anouk Whissell y Yoann-Karl Whissel, en principio se rodó para formar parte de la antología A,B,C of Death , ahora sus responsables han decidido alargar hasta los 93 minutos sin que por ello resulte pesada. Muy al contrario, se trata de un filme delicioso, entretenido y totalmente disfrutable que consigue su premisa de transportarnos a la edad de oro de los video-clubs.
BLOODSUCKING BASTARDS (Brian James O’Connell)
USA. Duración: 86 min. Guión: Ryan Mitts Música: Anton Sanko Fotografía: Matt Mosher Productora: Fortress Features / MTY Productions Género: Comedia terrorífica.
Reparto: Fran Kranz, Pedro Pascal, Emma Fitzpatrick, Joel Murray, Yvette Yates, Joey Kern, Patricia Rae, Parvesh Cheena, Zabeth Russell, Neil W. Garguilo, Kyran Danaher, Marshall Givens, Justin Ware, Sean Cowhig
Sinopsis: Evan es un empleado obediente y sobrecargado de trabajo, atrapado en una empresa que le explota, al igual que a su novia Amanda y a su holgazán mejor amigo Tim. El frágil mundo de Evan termina de desmoronarse cuando su jefe, Ted, le concede su ansiado ascenso a su némesis en la empresa, Max. Pero todo eso no será nada comparado con el secreto que está a punto de descubrir y que pondrá su vida y la de sus compañeros en peligro. Y es que la empresa de tele-marketing contrata a un vampiro para que vampirice a sus trabajadores y así tener una plantilla perfecta: sin quejas, sin horarios, sin bajas, sin cobrar… vamos, el sueño de la patronal española. Si bien la premisa que se nos propone en Bloodsuking Bastards resulta atractiva, la verdad es que el resultado dista de ser interesante: como comedia no tiene maldita gracia y como película de terror menos. Lástima.
THE SALVATION (Kristian Levring, 2014)
Dinamarca. Duración: 92 min. Guión: Anders Thomas Jensen, Kristian Levring Música: Kasper Winding Fotografía: Jens Schlosser Productora: Zentropa Productions Género: Western.
Reparto: Mads Mikkelsen, Eva Green, Jeffrey Dean Morgan, Michael Raymond-James, Sivan Raphaely, Douglas Henshall, Mikael Persbrandt, Jonathan Pryce, Eric Cantona, Alexander Arnold, Nanna Øland Fabricius, Toke Lars Bjarke
Sinopsis: Estados Unidos. 1870. Al matar al hombre que asesinó a toda su familia, John despierta la furia del cabecilla Delarue.
Que el western es un género universal debería estar más que claro, pero uno no puede evitar sentir cierta extrañeza cuando se topa ante uno proveniente de Dinamarca. ¡Pues craso error! The Salvation realiza una convincente recreación del salvaje oeste en Sudáfrica y además cuenta con un reparto tan heterogéneo como eficaz compuesto por Mads Mikkelsen, actor de afilado rostro que igual interpreta al villano en un filme de Bond que al mismísimo Aníbal Lecter en la exitosa serie televisiva. De Eva Green, que interpreta con la mirada por ser mudo su personaje, no echaremos nada en falta su voz cuando veamos sus enormes y bellos ojos verdes encendidos de furia. Jeffrey Dean Morgan (al que podemos recordar como el Comediante de los Watchmen) resulta totalmente convincente en su papel de villano sin escrúpulos, mientras que el británico Jonathan Pryce (que también fue villano de Bond y cuyo papel más recordado es el de protagonista de Brazil), es un sosia del mismísimo Walter Brennan.
La película, que se presentó en los festivales de Cannes, Sitges y Gijón, tiene un ritmo absolvente y un tono violento, duro y tenso que hará disfrutar tanto a los que añoran el western clásico americano, como los incondicionales de Sergio Leone. Ah, y por una vez no estamos ante un western crepuscular.
LA PRÓXIMA VEZ APUNTARÉ AL CORAZÓN (La prochaine fois je viserai le coeur, Cédric Anger, 2014)
Francia. Duración: 111 min. Guión: Cédric Anger (Novela: Yvan Stefanovitch)Música: Grégoire Hetzel Fotografía: Thomas Hardmeier Productora: Sunrise Films / Les Productions du Trésor / Mars Films Género: Thriller
Reparto: Guillaume Canet, Ana Girardot, Jean-Yves Berteloot, Patrick Azam, Arnaud Henriet, Douglas Attal, Pierick Tournier, Alexandre Carrière, François-Dominique Blin, Franck Andrieux, Arthur Dujardin, Alice de Lencquesaing, Cédric Le Maoût
Sinopsis: Durante varios meses entre 1978 y 1979, los habitantes de una tranquila comarca de la perifería de París vivieron aterrorizados por culpa de un maníaco que se dedicaba a asesinar muchachas. Sorprendentemente, el asesino escapa con suma facilidad de las redadas y las trampas que le tiende la policía.
Un frío asesino en serie que a la vez investiga sus propios crímenes, pues pertenece al cuerpo de gendarmes de París. Distante, carente de emociones, el director nos muestra las acciones y parte de sus motivaciones, pero evita entrar totalmente en la psique del personaje o en los motivos que le llevan a la necesidad de matar a mujeres jóvenes. Muy bien interpretada por Guillaume Canet (nominado al Premio César como Mejor Actor), la cinta, de la que es el protagonista absoluto, logró más de 500.000 espectadores en su estreno en Francia.
Un notable film que se acerca a la figura del asesino en serie de forma realista y huyendo de las truculencias con las que suele abordarlo el cine norteamericano.
EL CUENTO DE LOS CUENTOS (Il racconto dei racconti, Matteo Garrone, 2015)
Italia / Francia. Duración: 125 min. Guión: Matteo Garrone, Edoardo Albinati, Ugo Chiti, Massimo Gaudioso (Libro: Giambattista Basile) Música: Alexandre Desplat Fotografía: Peter Suschitzky Productora: Archimede / Le Pacte Género: Drama fantástico.
Reparto: Salma Hayek, Vincent Cassel, Toby Jones, John C. Reilly, Alba Rohrwacher, Bebe Cave, Shirley Henderson, Hayley Carmichael, Stacy Martin, Jessie Cave
Tras su paso por el Festival Internacional de Cine de Cannes y el Festival de Cine Europeo de Sevilla, la película de Matteo Garrone, llega a nuestras pantallas. Inspirada en los famosos relatos cortos del escritor del siglo XVII, Giambattista Basile, editados en España por SIRUELA bajo el título de PENTAMERON, El cuento de los cuentos es una fascinante epopeya cinematográfica ambientada en el Barroco que narra, con tintes fantásticos, la historia de tres reinos y sus respectivos monarcas. Desde la amarga búsqueda de la Reina de Longtrellis (Salma Hayek) que renuncia a la vida de su marido (John C. Reilly) por su obsesión por la maternidad; a dos misteriosas hermanas que encienden la pasión del Rey de Strongcliff (Vincent Cassel); y de ahí al Rey de Highhills (Toby Jones), obsesionado con una pulga gigante, lo que le lleva a romper el corazón de su joven hija. Todas estas historias mezclan lo fabuloso con lo grotesco creando una obra asombrosa y absolutamente original repleta de monstruos, conjuros, ogros y encantamientos, todo con una belleza cromática de inequívoca inspiración pictórica y una partitura exquisita de Alexandre Desplat al servicio de unas historias en las que cabe el humor y el horror, la magia y la picaresca, en una cuidada producción que no evita mostrar la crueldad de los cuentos clásicos.
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VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 4 de diciembre*
LANGOSTA (The Lobster, Giorgos Lanthimos, 2015)
Irlanda, Reino Unido, Holanda, Francia, Grecia, Estados Unidos Duración: 118 min. Guión: Efthymis Filoppou, Giorgos Lanthimos Fotografía: Thimios Bakatakis Productora: Coproducción A Film4 / Irish Film Board / Eurimages / Netherlands Film Fund / Greek Film Center / British Film Institute / Element Pictures / Scarlet Films / Faliro House / Haut et Court / Lemming Film Género: Ciencia Ficción / Distopía
Reparto: Colin Farrell, Rachel Weisz, Ben Whishaw, Olivia Colman, Léa Seydoux, John C. Reilly, Roger Ashton-Griffiths, Ashley Jensen, Michael Smiley, Jessica Barden, Ariane Labed, Aggeliki Papoulia, Rosanna Hoult.
Sinopsis: Relato de una historia de amor no convencional, ambientada en un mundo distópico, en un futuro cercano, en el que de acuerdo a unas reglas determinadas los solteros son arrestados y enviados a un lugar donde se les obliga a encontrar su pareja antes de 45 días. Un relato sobre los efectos de la soledad, el temor a morir solo, a vivir solo, y también al temor a vivir con alguien.
La cultura es inabarcable en su totalidad, nuestros día son finitos y nuestras creaciones, paradójicamente, parecen no tener límite. Así que no debemos afligirnos si no conocemos más que una pequeña porción de cada una de las artes. Nunca podremos leer todas las novelas ni podremos ver todas las películas. Sirva esta previa como excusatio por confesar que no hemos seguido la filmografía de Lanthimos.
Canino y Alps, las películas más célebres (y celebradas) del cineasta griego, figuran en la larga lista de películas pendientes de visión. De modo que este comentario está escrito sin referentes con los que analizar en comparación su nuevo filme. Pero acercarse virginal a una obra también tiene un aspecto positivo: la ausencia de prejuicios y expectativas. Vista así, Langosta se nos revela como una propuesta singular que manifiesta un rico imaginario personal, tanto por la trama como por el tono desde el que se aborda el relato. Lanthimos nos enfrenta en su atípica distopía a algunos de nuestros interrogantes más cercanos, el sentido de la vida en pareja y la presión social que se ejerce sobre nosotros cuando, llegada cierta edad, parece que una parte de nuestro entorno nos exige emparejarnos como síntoma de pertenencia a la sociedad. Aunque el término ‘solterón’ haya caído en desuso, nunca faltan parientes y otros agentes sociales que nos señalen como inadaptados si no fundamos una familia propia. Lanthimos extrapola y extrema esta presión social hasta convertirla en aparato represor del estado (si le tomamos prestada la terminología a Althusser) en un mundo futuro en el que los solteros son separados de la sociedad y confinados en un centro en el que dispondrán de 45 días para evitar que se les desvista de su humanidad para convertirlos en el animal que hayan escogido.
Hemos calificado a Langosta como distopía atípica porque Lanthimos la narra en clave de comedia, registro poco habitual en este tipo de relatos. Y lo cierto es que logra gags verdaderamente hilarantes en toda su primera parte, la que el protagonista pasa en el centro de reclusión. Obviamente no faltan los rebeldes que se enfrentan a este aparato represor, los solteros que sobreviven en libertad, lejos de la urbe, escondidos en el bosque y siempre en riesgo de ser cazados (literalmente) por los reclusos del centro (cada soltero cazado le supone al recluso un día más de plazo para alcanzar su objetivo). Ahora bien, la novedad que nos aporta el cineasta griego es que estos rebeldes no son próceres que salvaguardan la libertad humana, al contrario, viven bajo un régimen paramilitar que les exige mantenerse solteros y no tender lazos amorosos con ningún otro miembro de la comunidad.
Cuando David, el protagonista interpretado por Colin Farrell, logra evadirse del centro es «salvado» por los rebeldes, pero lejos de acabarse sus penurias podríamos decir que consigue salirse del fuego para caer en las brasas. Porque se enamorará de una de las prófugas (Rachel Weisz) y ambos se verán obligados a vivir su amor en la clandestinidad. También podemos leer esta parte de la trama en clave de crítica social, y es que en nuestro mundo moderno condenado a la anomía (como bien expuso Durkheim), a una fuerza de presión le corresponde otra contraria con el mismo grado de aceptación y exigencia que la primera. Así hay también un sector que abomina de la institución de la pareja y predica la bondad de la soltería, los 
singles por convicción (así en inglés que da más lustre). Lanthimos nos habla de un mundo que recela del amor, de las relaciones interpersonales y que bandea entre exaltar o denostar la soledad. No hay un modelo claro para pautar las conductas y los individuos se ven abocados a la dificultad de apelar a lo común para fijar sus objetivos (esa es la anomía de la que hablábamos más arriba).
El griego es hábil en su disección de esta dicotomía, sin embargo la segunda parte del filme no brilla con el mismo esplendor que la primera. La comicidad pierde ritmo y tono, como si fallara la inspiración y el metraje se alarga sin justificación. No podemos por más que hacer nuestra la conclusión del crítico del ABC: «Yorgos Lanthimos sobreexpone la excelente idea inicial (…) Y en esa sobreexposición se pierde la gracia, el frescor de la idea y algunas cosas más«.
Original, interesante, pero no redonda, permite que Canino no caiga de la lista de películas por revisar, pero tampoco la hace avanzar más puestos. Y es que, lo repito, los días son finitos y las creaciones inagotables.
EL PUENTE DE LOS ESPÍAS (Bridge of Spies, Steven Spielberg, 2015)
USA / India / Alemania. Duración: 141 min. Guión: Matt Charman, Ethan Coen, Joel Coen Música: Thomas Newman Fotografía: Janusz Kaminski Productora: DreamWorks SKG / Fox 2000 Pictures Género: Thriller.
Reparto: Tom Hanks, Mark Rylance, Amy Ryan, Alan Alda, Scott Shepherd, Sebastian Koch, Billy Magnussen, Eve Hewson, Peter McRobbie, Austin Stowell, Domenick Lombardozzi, Michael Gaston
Sinopsis: Durante el momento más tenso de la Guerra Fría, el FBI detiene a Rudolf Abel (Mark Rylance), un agente soviético que reside en Nueva York. Acusado de enviar mensajes cifrados a la URSS, Abel es 
interrogado pero se niega a cooperar con los agentes y rehúsa traicionar a su país, entonces es recluido en una prisión federal a la espera de juicio.
El gobierno, urgido por la necesidad de un abogado independiente que asuma la defensa de Abel, contacta con James Donovan (Tom Hanks), un abogado de Brooklyn experto en seguros. Pronto se establecerá entre ambos hombres un estrecho vínculo basado en el respeto del uno hacia el otro, puesto que ambos son fundamentalmente hombres de honor. Donovan, poniendo en juego su reputación y la seguridad de su propia familia, libra a Abel de la pena de muerte insinuándole al juez encargado del caso que podría ser interesante conservarlo con vida para poderlo intercambiar si un espía estadounidense cayera en manos de los soviéticos.
Cuando haya que negociar la liberación de un piloto (Austin Stowell) estadounidense capturado por la Unión Soviética, James Donovan se verá implicado de lleno en la Guerra Fría.
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ARDOR (El Ardor, Pablo Fendrick, 2014)
Argentina/México/Brasil/Francia Duración:90 min. Guión: Pablo Fendrik Fotografía: Julián Apezteguía Productora Magma Cine / Bananeira Filmes / Participant Media/ Canana / Manny Films / Telefe / Aleph Media Género: Drama sobrenatural.
Reparto: Gael García Bernal, Alice Braga, Chico Díaz, Claudio Tolcachir, Jorge Sesán, Lautaro Vilo, Julián Tello
Sinopsis: Un joven chamán vagabundo (García Bernal), que vive en la selva argentina, va a parar a una plantación de tabaco donde vive un hombre con su hija (Alicia Braga). Ese mismo día, unos mercenarios deforestadores, que llevan tiempo acosándoles, irrumpen en la granja y asesinan al padre ante los ojos de la joven, a la que secuestran.
El Ardor, que pudo verse en el festival de Sitges 2014 dentro de la SECCIÓ OFICIAL FANTÀSTIC ESPECIALS, es una denuncia ecologista a los estragos que el hombre perpetra en la selva amazónica. Para narrarnos la venganza de Kaï (Gael García Bernal, productor también de la cinta) contra unos violentos mercenarios, el director no duda en utilizar el lenguaje del spaguetti western homenajeando, concretamente, a Sergio Leone y ofreciendo como resultado un film entretenido con la nota fantástica puesta en Kaï, como supuesto espíritu protector.
L’ARTÈRIA INVISIBLE (Pere Vilà i Barceló, 2015)
España. Duración: 119 min. Guión: Pere Vilà i Barceló, Laura Merino Fotografía: Santiago Racaj Productora: Televisió de Girona / DDM Visual / Manium Produccions Género: Drama
Reparto: Nora Navas, Àlex Brendemühl, Joana Vilapuig, Àlex Monner, Francesc Garrido
Sinopsis: Vicenç, un político con aspiraciones a alcalde, es falsamente acusado de abusos sexuales. Su mujer, Carme, vive obsesionada con tener un hijo y aburrida de la vida que tiene. La aparición de un joven que quince años atrás estuvo a punto de formar parte de sus vidas activará un proceso que destruirá a Vicenç profesional y personalmente.
L’Artéria invisible es una película que nace con voluntad de ser degustada por una minoría, una opción bien legítima. Por eso opta por una puesta en escena arriesgada a base de largos planos fijos, montajes internos, encuadres que nos permiten ven las acciones paralelas de dos personajes en el mismo plano sin necesidad de recurrir al Split screen. Recursos todos ellos muy marcados que le confieren un aspecto plenamente experimental.
El argumento narra dos historias paralelas y en principio inconexas. Tendremos que esperar casi una hora para saber qué tendrán ambas en común además de que ninguna de las dos historias respire felicidad. Con esta excusa argumental el filme nos habla de la incomunicación de la pareja, de la obsesión y la mala relación entre padres e hijos. No es una visión optimista ni compasiva del ser humano, al que retrata como un ser insatisfecho y mezquino. Por eso habrá muchos que la califiquen de historia dura y espinosa por momentos sórdida. La sordidez viene, sobre todo, de la mano del personaje de la joven Joana Vilapuig que ejerce la prostitución para mantener a su pareja. Las escenas de sexo son punzantes por la naturalidad con las que son abordadas, una naturalidad que da a esas escenas un tono amargo por verista. El trabajo actoral ayuda a remarcar la desnudez de la historia, destaca, especialmente, la gran labor de los siempre eficaces Nora Navas y Àlex Brendemühl.
Hasta aquí todo es correcto, el problema, porque lo tiene, es que la presencia del director tiene excesivo protagonismo dentro del filme. Nos es imposible ver la película (que quizás peca de exceso de metraje) sin darnos cuenta de las decisiones que adopta Pere Vilà en cada plano. Este manierismo juega en contra de la proyección del espectador sobre lo narrado, pone difícil al público el hacer suya la historia, pues no es fácil empatizar con los personajes porque la puesta en escena es tan marcada que nos los hace lejanos. L’arteria invisible dejará fría a buena parte de la platea.
Con todo no es una propuesta despreciable porque reúne los suficientes valores como para resultar de interés. Eso sí, lo que es claramente elogiable es que haya exhibidores que se arriesguen a proyectar este tipo de cine. Lo minoritario también merece ser apoyado.
EN EL CORAZÓN DEL MAR (In the Heart of the Sea, Ron Howard, 2015)
USA. Duración: 121 min. Guión: Charles Leavitt, Rick Jaffa, Peter Morgan, Amanda Silver (Novela: Nathaniel Philbrick) Música: Roque Baños Fotografía: Anthony Dod Mantle Productora: Warner Bros. / Village Roadshow Pictures / Cott Productions / Enelmar Productions / A.I.E. / Imagine Entertainment / Roth Films / Spring Creek Productions Género: Aventuras
Reparto: Chris Hemsworth, Benjamin Walker, Cillian Murphy, Tom Holland, Ben Whishaw, Brendan Gleeson, Michelle Fairley, Charlotte Riley, Joseph Mawle, Jordi Mollà, Andrew Crayford, Jamie Sives, Donald Sumpter, Paul Anderson, Frank Dillane
La película narra las aventuras de la tripulación del Essex, que en el invierno de 1820 sobrevivió en alta mar en durísimas condiciones después de que el barco fuera arrollado por un enorme cachalote, «blanco como el alabastro«. Esta historia real, que sirvió de inspiración a Herman Melville para escribir el famosa novela ‘Moby Dick’, se nos muestra en forma de relato narrado por uno de los marineros supervivientes (Brendan Gleeson) al propio escritor (Ben Whishaw). No puede evitarse que el guión se tome ciertas licencias en cuanto al punto de vista narrativo se refiere, ya que al estar contada por un narrador testigo, no podría conocer aquellos hechos que no se han producido en su presencia. Pero esto es algo que resulta bastante frecuente. Impecablemente ambientada y con una fotografía cubierta siempre de una ligera neblina gris, este magnífico relato de aventuras enfrenta dos formas de vivir el mar: la que proviene de linaje familiar, representada por el capitán Pollard (Benjamin Walker ); y la que se basa en la experiencia y el trabajo, encarnada por Owen Chase, primer oficial interpretado por Chris Hemsworth.
El relato consta de dos partes bien diferenciadas: lo que se inicia como una cinta de aventuras clásicas, se tornará, conforme avance la trama, en una negra historia con tintes de monster movie que se centrará en los terribles 90 días pasados por parte de los supervivientes a la deriva.
Buen cine de género que debe gran parte de su impacto y belleza a los efectos digitales que permiten rodar de forma verosímil la bravura del mar y las tormentas. Pero también debe mucho a su capital humano, pues el elenco realiza un impecable trabajo. Desde Chris ‘Thor’ Hemsworth, pasando por los ciertamente desaprovechados Brendan Gleeson y Ben Whishaw o el prometedor Tom Holland, al que pronto veremos con las mallas de Spider-Man.
La película de Howard es fiel al sentido aventurero que acabará teniendo la novela de Melville, pero no es capaz de hacerse eco del fondo metafísico que posee Moby Dick. Si bien es cierto que lleva a los personajes a surcar lo que está más allá del límite racional, enfrentándolos a las supersticiones, no es capaz de ver en esto la aventura del conocimiento humano siempre en pos de buscar el fundamento absoluto que dé sentido a nuestra existencia y a la dialéctica entre el bien y el mal. Solamente está recogido en la primera frase que pronuncia el propio Melville dentro del filme: «¿Cómo podemos conocer lo incognoscible?«
‘Disco Inferno’ de Alice Waddington: cuando Judex encontró al diablo
Disco Inferno es el primer cortometraje escrito y dirigido por Alice Waddington (1990). Asistente de fotografía de Kike López (‘Sótano’ 2008, ‘Ander’ 2009) desde los 16 años. Con 18 pasa a la fotografía y dirección de fashion film (Harpers Bazaar, Neo 2, Pearls for the Swine). Y con 20 y durante tres años es creativa publicitaria, asistente de producción y editora en las agencias Leo Burnett y Social Noise. Con el capital reunido viaja por todo el mundo para conseguir financiación para el que será su primer corto, Disco Inferno, que producido por Yadira Ávalos y la propia Alice, contiene un imaginario fascinantemente fotografiado en un elegante blanco y negro que mezcla la Francine Vergé del Judex de Franju con el diablo, que como no podría ser de otra forma es una mujer, encarnada por una maravillosa Aitana Sánchez-Gijón, muy bien acompañada en el reparto por Ana Rujas y Olivia Baglivi.
Actualmente y gracias al apoyo de un muy notorio director del cine de terror actual, Alice Waddington se prepara para rodar el que será su primer largometraje, adscrito a la ciencia ficción y el horror con un cásting diverso de protagonistas femeninas, Paradise Hills, del que todavía no podemos desvelar más.
Disco Inferno.
Sinopsis:Una funcionaria infernal tiene la misión de rescatar a su jefa. Pero el Diablo no está dispuesto a volver a su rutina diaria.
Actualmente seleccionado en más de 20 festivales a nivel mundial desde España hasta Japón pasando por Suecia, hasta la fecha ha cosechado un premio en cada uno. Entre ellos:
– Mejor cortometraje en Sitges, categoría Noves Visions.
– Mejor Dirección en Fantastic Fest, categoría Shorts with Legs, de Austin, Texas
– Mejor Cortometraje de Terror en Post Mortem Fest, México
– Segundo mejor proyecto de largometraje en el Fantastic Market de Austin, Texas.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 27 de noviembre *
THE DIARY OF A TEENAGE GIRL (Marielle Heller, 2015)
USA. Duración: 102 min. Guión: Marielle Heller Música: Nate Heller Fotografía: Brandon Trost Productora: Caviar Films / Cold Iron Pictures Género: Drama
Reparto: Bel Powley, Alexander Skarsgard, Kristen Wiig, Christopher Meloni, Margarita Levieva, Madeleine Waters, Abby Wait, Quinn Nagle, Austin Lyon, Miranda Bailey, Natalie Stephany Aguilar
Sinopsis: San Francisco, años 70. Minnie Goetze (Bel Powley) es una chica de 15 años que aspira a ser artista de cómics. Con una insaciable curiosidad por el mundo que le rodea, es una adolescente bastante típica, pero con un despertar sexual algo complicado, ya que decide que sea el novio de su madre quien la desvirgue.
Contundente ópera prima de la directora, guionista y actriz Marielle Heller. Una historia de iniciación repleta de frescura que recrea magníficamente los kitsch años setenta contraculturales. Minnie está influida por el cómic underground americano, así que algunos dibujos cobrarán vida mezclándose con la imagen real, decorando el estrepitoso despertar de los sentidos de la joven, sobresalientemente encarnada por la aniñada Bel Powley, una actriz británica que, no teman, había sobrepasado los veinte años cuando interpretó su personaje. Todo destaca en esta película, otro clavo en la tumba para aquellos que se quejan de que las carteleras están repletas de cintas anodinas. Lenguaje directo, historia salvaje y la inevitable lección moral que cabe esperar pero que no empaña esta historia inusual. Por cierto Monroe, el objeto de deseo e iniciador sexual de Minnie, está interpretado por el sueco Alexander Skarsgård, el próximo Tarzán cinematográfico.
LA CALLE DE LA AMARGURA (Arturo Ripstein, 2015)
México / España. Duración: 99 min. Guión: Paz Alicia Garciadiego Fotografía: Alejandro Cantú (B&W) Productora: Productora 35 / Wanda Visión / Equipment & Film Design / Cinema Maquina / Alebrije Cine y Video Género: Drama
Reparto: Patricia Reyes Spíndola, Nora Velázquez, Silvia Pasquel, Arcelia Ramírez, Alejandro Suárez, Emoé de la Parra, Greta Cervantes, Alberto Estrella, Eligio Meléndez
Sinopsis: De madrugada, dos putas de mediana edad vuelven a sus cuchitriles. No están cansadas de trabajar. Están cansadas de no hacerlo. Una tiene problemas con una hija adolescente y un marido travestido. La otra tiene que enfrentarse a la soledad. Pero esa noche van a ir a celebrar la victoria en el ring de dos luchadores enanos. En el hotel, para desvalijar a los hombres, los narcotizan. Pero están tan asustadas y confusas que cometen toda clase de errores.
Tras inaugurar el Festival de Cine de Gijón se estrena este melodrama mexicano habitado por putas viejas y luchadores enmascarados enanos (o liliputienses, como especifica uno de ellos), fotografiado en un maravilloso blanco y negro repleto de grises. Pura orfebrería visual y todo un homenaje al cine mexicano, excesivo ya desde sus inicios, en su retrato de la miseria y la canallesca, aunque manteniendo la distancia con los personajes y añadiendo gotas de ironía y humor. Un fatalismo que puede recordar al que destilaban los personajes de Los olvidados (1950), y es que no en vano, Ripstein fue amigo personal de Luis Buñuel, iniciando sus pinitos en el cine trabajando para él. Incluso el cartel parece basarse en los clásicos, muchos de ellos ilustrados por Clavé. Poética de la sordidez donde las prostitutas son llamadas ‘sexo servidoras’ con la tragedia y el fatalismo tan caro a una cultura mexicana que escoge convivir con la muerte en su fiesta de difuntos.
‘Vienes, nos echamos unos tragos y odiamos a todo y a todos’.
Se rueda: Expedicionarios. Explore the Darkness
Las cinco reglas de la exploración urbana:
# 1. No ser visto al entrar
# 2. No forzar un acceso
# 3. No robar
# 4. No revelar la ubicación
# 5. No ser visto al salir
¿Entrarías en un edificio abandonado marcado por un pasado de horror?
¿Te embarcarías en una aterradora aventura para salvar a un amigo?
¿Crees qué en la oscuridad y las tinieblas hay algo más?
Todo esto y mucho más plantea Expedicionarios. Explore the Darkness, una película de horror y aventuras, protagonizada por exploradores urbanos. Pero dejemos que sea su director el que cuente su proyecto, F. Carlos Campillos:
“Expedicionarios es una película de terror y aventuras ‘como las de antes’. En el terror, porqué como en aquellas películas de los años 70, primaba antes crear una atmósfera y como último recurso el susto fácil. En el cine de aventuras, porqué en aquellas maravillosas películas de los años 40 y 50, la aventura no era un simple espectáculo vacío. La aventura era la amistad, los valores, perseguir una utopía sin leyes.
También queremos romper con el cine de terror español de estos últimos años, que no es más que una fotocopia del americano. Pensamos que en España tenemos una Historia y cultura propias muy rica, única, que por sí sola es suficientemente atractiva.
Con la experiencia ganada en el mundo del documental, del cual provengo, la idea es rodar con poco equipo técnico, que nos permita filmar con agilidad, sin estar atados a las restricciones y ataduras habituales de un rodaje. Pensamos que el cine es movimiento, y además nos encantaría experimentar, intentar no hacer lo habitual.
Pero a pesar de todo lo que aquí menciono, nuestra idea no es filmar un Mockmumentary (falso documental), sino con la elegancia de directores de género, hoy considerados maestros, como Terence Fisher, o John Carpenter.
Otro de los elementos que más nos atrajo del guión fue integrar una afición muy desconocida como el Urbex, o la exploración de lugares abandonados. Tema que conozco bien, ya que estuve filmando durante 2 años una película documental en 5 países de Europa, siguiendo a los exploradores urbanos. Por desgracia, en el cine se ha tocado poco y mal, de manera muy superficial, sin llegar a las motivaciones de estos modernos exploradores. Además, estos lugares tienen una luz y sonidos únicos, que los hacen muy especiales. Captar toda esa magia es una de nuestras ideas.
En el apartado fotográfico nuestros referentes son la nómina de excepcionales directores de fotografía con los cuales contó la Hammer: Arthur Grant, Michael Reed o Jack Asher. La utilización expresionista de las sombras. Sus colores no realistas.
La música, apoyada por la atmósfera sonora, ha de transportar al espectador a otro mundo, el de la exploración urbana. La película ha de ser un viaje para el espectador, que una vez lo atrapa, no le deja respirar hasta que aparezcan los títulos de crédito finales.
Gran parte del presupuesto se ha conseguido gracias a patrocinadores e inversores privados. Llevamos dos meses de campaña, y el próximo mes de Diciembre iniciamos el crowfunding en Indiegogo para conseguir el poco dinero que nos falta para comenzar a rodar».
F. Carlos Campillos. Director de EXPEDICIONARIOS Explore the darkness
SINOPSIS:
Sebastián Mateus (Rondador Nocturno), explorador urbano de renombre, recibe la inesperada visita de Blanca, quien le pide ayuda para rescatar a su hermano, antiguo compañero de Sebastián, atrapado en un edificio al que sólo alguien como él es capaz de acceder.Tras una larga y amarga separación, Sebastián reunirá y liderará por última vez al mejor grupo de Urbex (Exploración Urbana) en Europa
http://l.facebook.com/l/-AQEMkBktAQFC2ByRTKAmtMstDnET_JZgDjGGIi3Hw_FZSQ/expedicionariosmovie.com/
Amor Tóxico, lo último de Norberto Ramos, se estrena en SEFF
Amor Tóxico, la nueva comedia no tan romántica del director independiente Norberto Ramos del Val (Summertime, Faraday) se estrenará en la sección Resistencias del SEFF, el Festival de Cine Europeo de Sevilla, cuya duodécima edición tendrá lugar del 6 al 14 de noviembre de 2015. Protagonizada por Ann Perelló (Otel-lo) y Edu Ferrés (La Final, Faraday), esta pesimista comedia narra la primera e incómoda cita de dos jóvenes un tanto peculiares, mostrando una desesperanzada e incluso terrorífica visión sobre las relaciones humanas en la actualidad. Así, el director carga contra la epidemia del “distanciamiento irónico” tras el que se protegen cada vez más y más personas, “incapaces de vivir la vida de verdad”. Se trata de la primera película confirmada para la sección Resistencias, un apartado del festival que apuesta por el cine español “más estimulante y combativo”, como señalan desde la organización de un evento “comprometido con la producción cinematográfica independiente española”. Asimismo, el premio de esta sección está otorgado por un jurado FIPRESCI.
Como avance del filme ahora se presenta el videoclip del tema “Starless”, una versión del clásico de los King Crimson grabada para la banda sonora de la película por el músico Caballero Reynaldo y que puede visualizarse en el siguiente enlace: https://www.youtube.com/watch?v=Tdp23LzBxd8 Caballero Reynaldo es un artista que en los últimos tiempos ha enfocado su carrera a reescribir el cancionero de grupos tan diversos como Zappa, Motörhead, King Crimson o Yes, y aporta a la película varias más de sus versiones.
La cinta, con vocación de película generacional y escrita por los guionistas Pablo Vázquez y Toni Junyent, narra la histora de Toni (Edu Ferrés), un chico de unos veintipocos años, ni más guapo ni más feo que otros, que no comprende a las mujeres. Se esfuerza por quedar con ellas de todas las formas posibles, pero sólo obtiene desencuentros que no hacen más que subrayar su fragilidad y lo solo que está en el mundo. Pero las cosas van a cambiar cuando conozca por Internet a Irene (Ann Perelló, premio mejor actriz en el European Independent Film Festival de París), una mujer de armas tomar que se lo va a hacer pasar muy mal durante una noche terrible, imprevisible y progresivamente irrespirable. Irene cambiará de ángel a demonio constantemente, mostrándose a ratos como una chica chispeante y encantadora, y en otros momentos como una desquiciada que le va a hacer sudar sangre y que desmontará todos sus prejuicios e ideas preconcebidas sobre las mujeres. Todo ello en la que va a ser la peor cita de su vida, entre las angostas paredes de un bar semidesierto, con las nada agradables interferencias de un camarero entrometido (Daniel Castro), una ex violenta, el enloquecido novio de ésta y la atónita mirada de un grupo de clientes asustados.
Tras varios años en el circuito del cortometraje en 35mm con varios cortos de éxito en la década de los 90, el director Norberto Ramos del Val consiguió estrenarse en el largometraje en el 2004 con Muertos Comunes, thriller protagonizado por Javier Albalá y Ernesto Alterio, que inauguró el Festival de Cine Mediterráneo de Montpellier y pasó después por el Festival de Málaga entre otros. En 2009 publicó su pionero serial web Hienas y dos años después filmó El último fin de semana, un thriller con tintes fantásticos protagonizado por Irene Rubio, Alba Messa y Marian Aguilera, con el que consigue buenas críticas y pasa por festivales internacionales como el Buenos Aires Rojo Sangre o el BUTFF de Breda. Fue en 2012 cuando produjo y dirigió Summertime, la película española más rentable de aquel año, protagonizada por Ana Rujas y Alba Messa, que recibió críticas muy favorables en revistas especializadas y pasó por festivales como el Cineuropa o el Fancine de Málaga. Al año siguiente, tras diversos proyectos como la serie web Obi o un videoblog para Fotogramas, volvió al largo con Faraday, comedia fantástica protagonizada por Javier Bódalo y Diana Gómez, que se estrenó en el Festival de Sitges en la sección Nuevas Visiones.
King Kong, Godzilla y otros míticos monstruos gigantes unidos en una nueva franquicia
KONG: SKULL ISLAND confirmada para 2017, GODZILLA 2 para 2018, GODZILLA VS. KONG para 2020
Tras el éxito de Legendary y Warner Bros. Pictures en 2014 con la reinvención mundial de la franquicia Godzilla, las compañías se han unido para crear de manera conjunta una nueva y épica franquicia cinematográfica. Los todopoderosos monstruos se convierten en importantes héroes para una nueva generación, revelando una mitología que une a Godzilla y el King Kong de Legendary en un ecosistema de otras súper-especies de gigantes, tanto clásicas como nuevas. Monarch, la organización humana que descubrió a Godzilla en la película de 2014, ampliará su misión a través de múltiples estrenos.
La continuación de la reinvención de monstruos fue anunciada por el director ejecutivo de Legendary, Thomas Tull, y Kevin Tsujihara, presidente y director ejecutivo de Warner Bros. El trío inicial de películas es el siguiente: KONG: SKULL ISLAND en 2017; GODZILLA 2 en 2018; y más adelante, GODZILLA VS. KONG, que llegará a los cines en 2020. Mientras que Legendary mantiene su nuevo hogar en Universal Pictures, las películas de GODZILLA permanecen en colaboración con Warner Bros., que ahora también distribuye KONG como parte de esta franquicia. La producción de KONG: SKULL ISLAND comienza el 19 de octubre.
Warner Bros. y Legendary anunciaron Godzilla en mayo de 2014 y acordaron estrenar Godzilla 2 el 8 de junio de 2018. La organización humana Monarch está presente en ambas películas. Poco después del acuerdo entre Legendary y NBC Universal, Legendary adquirió los derechos sobre los personajes clásicos adicionales a partir del universo Godzilla de Toho, incluyendo a Rodan, Mothra y el Rey Ghidorah. Esto sentó las bases para desarrollar una franquicia centrada alrededor de Monarch y anclada por Godzilla, King Kong y otras criaturas famosas.
Cuando Legendary anunció las películas centradas en Godzilla y Kong, los fans de todo el mundo supusieron que estos dos personajes se encontrarían algún día en la misma película. Los clásicos monstruos de Toho incluyendo al Rey Ghidorah, Mothra y Rodan, tal y como se anunció en Comic-Con 2014, podrían en adelante unirse también al panteón del caótico monstruo gigante de Legendary. “El público reaccionó de verdad ante Godzilla” -declaró Tull- “Hoy, me emociona revelar que la película es solo el principio de un nuevo y épico universo de entretenimiento. Como fan de toda la vida de estos personajes, siempre he querido ver el enfrentamiento definitivo, y hoy estamos encantados de anunciar esto y más”.
“Trabajando con nuestros socios en Legendary, disfrutamos de un enorme éxito creativo y comercial con Godzilla” dijo Tsujihara. “Es genial poder retomar estos personajes y ayudar a crear una franquicia con tantas posibilidades creativas para los productores cinematográficos. Los fans adoran estas grandes y mundiales películas icónicas y no se podría haber hecho de mejor forma”.
Sobre las Producciones:
KONG: SKULL ISLAND está protagonizada por Tom Hiddleston, Sam Jackson, Brie Larson, John Goodman, Tian Jing, Corey Hawkins, Jason Mitchell, John Ortiz, Shea Whigham y Toby Kebbell. Está dirigida por Jordan Vogt-Roberts y escrita por Max Borenstein, John Gatins, Dan Gilroy y Derek Connolly. KONG: SKULL ISLAND sumergirá por completo al público en el misterioso y peligroso hogar del rey de los simios cuando un equipo de exploradores se aventura en las profundidades de la traicionera y primordial isla. Thomas Tull, de Legendary, y Jon Jashni producirán. Warner Bros. distribuirá esta película en 3D e IMAX 3D el 10 de marzo de 2017.
GODZILLA 2 será escrita por Max Borenstein y dirigida por Gareth Edwards. Legendary produce con Mary Parent y Alex Garcia es el productor ejecutivo. El estreno de la película está previsto para el 8 de junio de 2018 por Warner Bros.
GODZILLA VS. KONG se estrenará en 2020.
‘Stop Over in Hell’: Víctor Matellano apuesta por el western
Víctor Matellano sigue imparable con el cine de género tras Wax y Vampyres, apostando en esta ocasión por el western. Como siempre, desde Proyecto Naschy le deseamos toda la suerte con este nuevo proyecto.
El western regresa al cine español. En décadas pasadas se llegaron a rodar en España centenares de películas de vaqueros, indios y pistoleros, films producidos desde aquí en solitario o con la participación de otros países europeos, que supusieron un gran éxito.
Stop Over in Hell es el título provisional del western cuyo rodaje ha comenzado, producido por Andrés Acevedo para las productoras La bala que dobló la esquina y Parada en el Infierno A.I.E. Se trata de la tercera película de ficción dirigida por Víctor Matellano, contando en esta ocasión con un reparto que incluye a uno de los padres del eurowestern, el actor y director Enzo G. Castellari, autor de la mítica Keoma, y mentor de Quentin Tarantino.
El rodaje de Stop Over in Hell ha sido presentado en el Almería Western Film Festival que se celebra en Tabernas, el único europeo de su especialidad.
La película, rodada en inglés y escrita por Juan Gabriel García y Antonio Durán junto al propio Matellano, centra su argumento en el asalto de un cargamento de oro. Será un planteamiento moderno y actualizado de los viejos mitos del cine del oeste, sin escatimar acción, violencia y gran tensión.
Junto a Castellari, el reparto de carácter internacional incluye a Tania Watson, Pablo Scola, Veki Velilla, Denis Rafter, Maarten Dannenberg, Armando Buika, Víctor Vidal Tábata Cerezo o Andrea Bronston, hija del mítico productor Samuel Bronston. También participaciones especiales en papeles destacados de Manuel Bandera, Nadia de Santiago, Ramón Langa o Guillermo Montesinos.
En la ilustre nómina de técnicos, destacar la participación en los efectos especiales de Colin Arthur, autor de los efectos de La historia interminable o el western La leyenda de Bill Doolin. También de un clásico de la decoración western, José Luis Galicia, artífice de Por un puñado de dólares o Las petroleras, aquí como Art Consultant.
A pesar del carácter de los anteriores largometrajes de ficción de Matellano, Wax y Vampyres, en esta ocasión el realizador se aparta del género fantástico y de terror, siendo este proyecto un western moderno pero con las claves propias del género.
Stop Over in Hell se rueda íntegramente en España, como tiempos atrás hiciese Sergio Leone, en localizaciones de Manzanares el Real, Titulcia, Almería, Granada y, especialmente, en un decorado construido en Colmenar Viejo, lugar de rodaje de westerns míticos como El bueno, el feo y el malo de Leone o Django de Corbucci.
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Primeras imágenes de ‘Cien años de perdón’ el nuevo thriller de Daniel Calparsoro
CIEN AÑOS DE PERDÓN, una producción de Vaca Films y Morena Films para Telecinco Cinema dirigida por Daniel Calparsoro presenta sus primeras imágenes. Los responsables de El Niño y Celda 211 -títulos con una gran acogida de público y crítica- han reunido en este thriller a un extraordinario elenco en el que destacan Luis Tosar (El Desconocido, El Niño), Raúl Arévalo (La Isla Mínima), José Coronado (No habrá paz para los malvados, El Príncipe), Patricia Vico (Rabia, Hospital Central), Marian Álvarez (La Herida) y los actores argentinos Rodrigo de la Serna (Diarios de Motocicleta), Joaquín Furriel (Entre Caníbales) y Luciano Cáceres (Carne de Neón). Twenty Century Fox estrenará la película en cines a principios de 2016.
Daniel Calparsoro vuelve a la gran pantalla con un guión escrito por Jorge Guerricaechevarría. Para su director, CIEN AÑOS DE PERDÓN “es uno de los guiones más entretenidos y a la vez más comprometidos. Es un thriller de robos y una historia de amistad y gente al límite. Una película de alto voltaje con una rica galería de personajes de todos los ámbitos sociales donde el puro entretenimiento da paso a una reflexión más profunda sobre la condición humana”.
Sinopsis: Una mañana lluviosa. Seis hombres disfrazados y armados asaltan la sede central de un banco en Valencia. Lo que parecía un robo limpio y fácil pronto se complica y nada saldrá como estaba planeado. Esto provoca desconfianza y el enfrentamiento entre los dos líderes de la banda, El Uruguayo y El Gallego. Pero ¿qué es exactamente lo que buscan los atracadores?
Serendipia
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