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Jose F. Ortuño, un director a descubrir, nos habla de The Extraordinary Tale

14 febrero 2015 Deja un comentario

the-extraordinary-tale-of-the-times-table-547x600Ya has contado muchas veces que el germen de vuestra película fue una tentativa de catarsis personal, pero ¿por qué precisamente hablar de la paternidad-maternidad en clave de cuento?

Creíamos que contar una historia con ese desenlace, con ese clímax, o se contaba como cuento, envuelto en ese tono, o sería insoportable para el espectador. Esta misma historia contada de forma realista hubiera sido demasiado dura, o eso creemos nosotros. Además, nosotros somos muy fans de los cuentos clásicos.

La película habla también de la complejidad de hacer amigos, todo un acierto de guión expresarlo con la máquina de escribir como vehículo de comunicación, ¿cómo se os ocurrió? ¿Qué queríais expresar?

En efecto, cuando cuentas las cosas en forma de cuento te puedes permitir usar metáforas más o menos elaboradas. Hoy en día los medios de comunicación son infinitos, desde los móviles, a las tablets, chats, ordenadores, etc. ¿Cómo aunarlos todos en un sólo objeto simbólico y atractivo? Fue respondiendo a esta pregunta como se nos ocurrió la idea de la máquina de escribir “vintage”.

Es inevitable pesar en Jeunet y Caro al verla, pero no nos recuerda a Amelie (por mucho que se haya dicho) sino a Delicatessen y concretamente a al modo en el que allí se trataba la historia de amor, ¿qué piensas al respecto? ¿Qué influencias os han inspirado?

Tienes toda la razón. Jamás pensamos en Amelie durante el desarrollo de esta película (a mí personalmente no me entusiasma, la verdad), aunque luego todo el mundo la compara. Y sí, es cierto que Delicatessen es una película que nos fascina y aunque la usamos de referencia sobre todo en el tratamiento fotográfico, es inevitable que el tono burlesco con el que está contada esa historia (también muy oscura, por cierto) nos contagiase.

OrtuñoOtra de las preguntas inevitables, ¿por qué en inglés?

Una cosa que vimos durante el desarrollo de la historia es que queríamos que fuese universal, que no se ubicase en ningún lugar ni tiempo concretos. Por ello los personajes no tienen nombres, ni prácticamente nada lo tiene, ni siquiera la comida. Eso es también fruto de la influencia de los cuentos clásicos, donde los personajes no tienen nombres propios, sino que son “la abuela”, “el lobo”, “el sastrecillo valiente”, de manera que se convierten en símbolos universales de cualidades concretas o de ideas. Eso es lo que pretendíamos con esta historia. Lo mismo con la temporalidad, los cuentos clásicos no empiezan “el 14 de octubre de 1985…” sino con un sencillo “érase una vez”. Y claro, si la cuentas en castellano inmediatamente la estás ubicando, por eso elegimos el idioma más universal que hay. Y es que, nos guste o no, el inglés es el latín de nuestro tiempo.

The Extraordinary Tale es un filme notable, más siendo una ópera prima. Testimonia un elaborado proceso de composición, ¿cómo fue ese proceso? ¿cómo pudisteis rodarla en tan sólo dos semanas?

Aunque el rodaje duró solo dos semanas, nosotros llevábamos un año previo preparándola, detalle a detalle, plano a plano. Con los actores estuvimos ensayando casi tres meses, escena por escena, incluso hicimos que Aïda hiciese un listado de cada acción que llevaba a cabo su personaje, hasta la más mínima. Todo debía estar muy medido y estudiado para después poder rodar de cada plano una o dos tomas únicamente. De hecho, ya desde la escritura de guión se tuvo en cuenta la limitación de tiempo y presupuesto. Así pudimos llevarla a cabo en ese tiempo récord.

En vuestra obra está muy bien trabada la historia y la forma de rodarla, ¿cómo decidisteis expresar la evolución del relato a través del tratamiento del color? ¿y el paso de la cámara anclada a la cámara al hombro? ¿Qué emociones queríais provocar?

La película narra la evolución de una relación de pareja. Y en el cine creemos importante que todo lo que se transmite debe ser expresado a través del lenguaje cinematográfico. Así, si la relación va “de la luz a la oscuridad” eso debía ser expresado  través de todos los recursos posibles. Desde el uso del color, que evoluciona –como la relación- desde lo cálido a lo frío, al uso de la luz, que va de lo luminoso a lo oscuro. Así, si ves un fotograma cualquiera de la película casi puedes adivinar en qué momento se encuentra la relación entre los personajes. Igualmente, a medida que el personaje principal va perdiendo sus “puntos de apoyo” y está cada vez más inestable y desequilibrado, ¿qué hacemos con la cámara? Justo eso, cuanto más desequilibrada está ella, más lo está la cámara, de manera que cuando la relación está bien, estabilizada, la cámara se mueve siempre sobre maquinaria anclada y los movimientos de cámara son suaves. Y cuando pierde el control, usamos más “cámara al hombro” inestable y errática.

Ortuño 3

Se ha hablado del esperpento, pero a mí vuestra película me irradia mucha ternura, ¿cómo habéis conseguido ese equilibrio entre lo grotesco y lo tierno?

Eso debe decidirlo el espectador. Nosotros hemos trabajado muy duro, ensayado mucho con los actores para buscar ese tono que es tan difícil; afortunadamente contamos con actores fabulosos que lo dieron todo y se dejaron la piel ensayando y trabajando intensamente, tanto Ken como Aïda así como Mari Paz y Jane. Pero, como digo, es ahora el espectador el que debe decidir si hemos conseguido ese equilibrio o no.

Sin duda, el personaje mejor desarrollado es el de la chica (así sin nombre) ¿cómo lo fuisteis construyendo? ¿Qué queríais expresar con su vestirse con varias capas de ropa? ¿Por qué las tablas de multiplicar?

La historia es la de ella, todo está focalizado en ella y todo lo vemos a través de sus ojos (y su mente). De hecho, el espectador no ve ni sabe nada que ella no sepa. Por eso el rostro de él no lo mostramos hasta que ella lo ve por primera vez, por ejemplo. Fue complicado dar con la actriz adecuada para retratar a un personaje que, aunque tuviese esas rarezas, pudiese producir empatía en el espectador. Afortunadamente, tras ver cientos (literalmente) de pruebas, apareció Aïda Ballmann, que creímos perfecta para el personaje por su mezcla de candidez y oscuridad. El personaje tiene muchas características, como su ingenuidad o su miedo al contacto con otras personas (por eso no quiere saber nada de los “extraños”), eso está simbolizado con las “capas” que ella viste, como si fuera una cebolla (cuando su vida se descompone, de hecho, la vemos literalmente descomponiendo una cebolla). Estas capas la protegen y la separan de ese mundo exterior que tanto miedo le da. La tabla de multiplicar es su refugio, es el cuento que le contaba su madre y gracias a lo cual podía “descansar” de su “exceso de amor” y recurre a ella cuando quiere sentirse a salvo. Aunque no siempre le funcionará, como vemos en la película.

Aïda rodaje

A vueltas con el personaje femenino, ¿fue difícil el casting? ¿Cuántas pruebas hubo y qué os decidió por Aïda? ¿Cómo fue el trabajo con ella?

Fue complicadísimo. Abrimos el casting al mundo entero, y Laura, directora de casting de la película, tuvo que ver cientos de pruebas de actrices de todo el mundo. Pero no encontrábamos lo que buscábamos. Cuando estábamos a punto de tirar la toalla, e incluso se barajó suspender el rodaje, nos llegó el vídeo Aïda Ballmann. Pero era sólo un vídeo, subido a Youtube, con su nombre y una dirección de email. Por su acento pensábamos que tendríamos que traerla de Alemania o de Austria, y empezamos a echar cuentas de si podríamos permitírnoslo, ya que queríamos ensayar durante al menos dos meses. Pero como era la única actriz que se ajustaba a lo que queríamos y estábamos casi desesperados, decidimos hacer el esfuerzo y traerla de donde hiciera falta. Cuál sería nuestra sorpresa cuando finalmente contactamos con ella y descubrimos que justo en aquel momento estaba viviendo en nuestra misma ciudad. Estaba destinada a ser la protagonista de la película, sin duda.

Ese aspecto general de cartoon, caricaturesco, ¿es una forma de suavizar uno de los dos finales sugeridos?

Entre otras cosas. El tono que buscábamos era una mezcla de esperpento y de cuento tradicional. Y, como decía al principio, el objetivo principal era envolver de realismo mágico un relato que, de haber sido realista, hubiese podido ser insoportable de ver.

¿Ha sido difícil verla estrenada en España? ¿en cuántas salas se ha proyectado? ¿cómo ha respondido el público?

Cuando haces una película independiente sin ayudas ni subvenciones cada paso es una odisea. Por suerte, la película ha ido funcionando bien allí donde ha ido, lo cual ha ido allanando el camino de distribución de la película. Las críticas fueron muy positivas, y que grandes medios como el Hollywood Reporter la recomendaran hizo que distribuidoras de todo el mundo se interesaran en ella. Ortuño 4Así, conseguimos distribución en países como EEUU o Colombia, y eso ayudó a que en España pudiese llegar a los cines, y a partir de octubre a plataformas digitales como Filmin. Además, el año que viene se podrá ver en algunas televisiones. Por ahora está en pocas salas, pero lo bueno es que en las dos semanas que lleva en cartel en lugar de ir reduciéndose el número de copias (que suele ser lo habitual) se han ido aumentando ya que el público está respondiendo bien.

Vosotros mismos sois responsables del guion, la dirección y la producción, ¿cómo os decidisteis a hacerlo todo vosotros solos?  ¿Cuáles son los proyectos de futuro de Acheron Films?

Nosotros habitualmente trabajamos en proyectos de encargo o de otras productoras. Creamos Acheron Films precisamente por la necesidad que teníamos de contar nuestras propias historias, a nuestra manera, como esta película. En estos momentos estamos trabajando en el desarrollo de una serie que rodaremos en Canarias y que probablemente llevaremos a cabo con el mismo equipo de The Extraordinary Tale. Será muy diferente a la película, pues el género será el thriller de acción, pero sí será también una historia muy personal y contada a nuestra manera.

Ortuño 2

 
Categorías:VAMOS DE ESTRENO

Cameo edita ‘The Extraordinary Tale’, una de las sorpresas de 2014

98a82fd7-f934-4d49-9890-d88489e97bd1Encargarse de un blog de cine te abre las puertas a ver muchas películas, tantas que es difícil juzgarlas en sí mismas, porque, no nos engañemos, la mayoría no son obras maestras ni su absoluto contrario, malas hasta decir basta. Al final llegas a la conclusión de que, en verdad, sólo existen dos categorías: las que prefieres olvidar y las que deseas grabar en tu memoria salvándolas del marasmo de las medianías. Y, sin duda, sólo sobre las segundas apetece escribir. De modo que si estáis leyendo estas líneas es porque he querido que The Extraordinary Tale no se pierda en el mar del olvido, he querido grabarla en el recuerdo mediante la palabra escrita. La ópera prima de José F. Ortuño y Laura Alvea merece que le dedique este espacio.

Nacida como tentativa de catarsis personal, The Extraordinary Tale supone todo un ejercicio de estilo en el que destaca su arriesgada (y a la vez meditada) apuesta estética. Nos encontramos con dos únicos protagonistas (y apenas otros dos figurantes, más el bebé) cuya historia se dejaría resumir en el clásico “chico conoce a chica”, si no fuera por la extravagancia de los personajes y de la construcción narrativa de su peripecia. Tratamiento de los personajes que nos puede recordar a Wes Anderson cuya obra, sin  embargo, no era conocida por los directores antes de producir su película (vistos a posteriori sus filmes, admiten que la referencia es comprensible). También nos viene a la memoria el imaginario de Jeunet y Caro, pero no el de Amelie, como tanto se ha escrito, sino el de Delicatessen (más concretamente al modo que tenía esta de retratar la historia de amor), cuyo director de fotografía, Darius Khondji, sí fue tomado en cuenta por los realizadores sevillanos. Por su colorido y su tono burlesco se aproxima a los primeros trabajos de Javier Fesser, mientras que por su planteamiento temático su antecedente es Cabeza Borradora (y confesaban los autores que habían obligado a los actores a ver esa ópera prima de David Lynch para tomar el pulso de su historia). Y hasta aquí el listado de influencias buscadas (o no) por la película, sirven para situar su marco referencial, pero no la agotan, porque si algo define a The Extraordinary Tale es su carácter de obra personalísima.

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El ‘Tale’ que figura en el título no es un sustantivo elegido al azar, todo lo contrario, esta película pretende (y logra) desarrollarse al modo de los cuentos tradicionales con su atemporalidad y su no ubicación. Por ello los protagonistas no tienen nombre y hay un único decorado (construido en plató) sin ningún plano exterior. También hay que entender su elección del inglés, el latín del mundo contemporáneo, como idioma, en su versión original, en función de esta voluntad de construir una fábula. La exageración es su baza, para hablar del problema de las relaciones, las dificultades para alcanzar la felicidad y, sobre todo, el sentido de la paternidad, fuerza la situación esquemática hasta el esperpento (esa invención tan española). Así, nos enfrentamos a una joven solitaria que para hacer amigos escribe cartas mecanografiadas (todo un acierto de guión esa máquina de escribir que es una auténtica reliquia), unas cartas que nunca obtienen respuesta hasta que otro joven solitario como ella se decide a abrir el buzón (no lo había hecho antes porque no creía que nadie quisiera ponerse en contacto con él). Se conocen, se enamoran y… ella queda embarazada sin haberlo pretendido. El niño será un cuerpo extraño en esa morada y en esa relación. La existencia misma del bebé es la que convierte el idilio en distanciamiento y discordia. Este arco de transformación nos viene contado ya por la paleta de la fotografía y los movimientos de la cámara. Pasamos de la cámara anclada de los inicios del romance, a la cámara al hombro de los momentos de enfriamiento, con el correspondiente viaje de la placidez al desasosiego tanto en lo narrado como en la forma de hacerlo. Esa evolución de la ilusión a la frialdad, viene marcada igualmente por el color: en su arranque dominan los tonos cálidos y una iluminación casi cegadora, luego,  poco a poco van entrando los colores fríos y se va retirando la luz hasta llegar a un fundido en negro, fundido que marcará la elipsis argumental que introduce su final abierto e inquietante (y que no voy a contar porque debéis verlo).

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Capítulo propio merece la representación de Aïda Ballmann en el papel de la chica. Canaria de padres alemanes, la actriz vuelca su experiencia de acróbata e interprete teatral en la composición de su personaje al que dota de un aura de ingenuidad y ternura aún siendo como es un esperpento, una deformación de la realidad que paradójicamente Aïda logra hacernosla sentir como auténtica. Con pocas líneas de diálogo, el trabajo recae en la expresión corporal y facial, acercándose así la interpretación al arte de la mímica, arte que ha de dominarse bien si no quiere caerse en lo ridículo, cosa que no ocurre en esta cinta. Es virtud de la actriz conseguir que el personaje goce de un sinfín de matices, como lo es también que nos enternezca esa muchacha entusiasta, tremendamente tímida y poco avezada en las relaciones con los demás, que se refugia en las tablas de multiplicar (the time table) cuando una situación se le desborda. Aïda Ballmann es la artífice que hace posible que acompañemos al personaje en su conflicto y que nos llegue la reflexión sobre el problema de la paternidad al que está enfocada temáticamente la película.

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José F. OrtuñoLaura Alvea, además de compañeros de trabajo, son pareja y, como a muchos nos ha ocurrido, pasados los treinta y… todos en su entorno, familia, amigos, conocidos, les asaltaban con la pregunta sobre a qué esperaban para tener hijos. Esa cantinela demuestra que, muchas veces, se accede a la paternidad en un acto irreflexivo marcado por el calendario social (y también biológico).  A nuestra pareja de autores le pareció que era necesario hacer recapacitar sobre ello y pensaron que la mejor manera de hacerlo era llevando a cabo lo que mejor se les da: contar una historia. The Extraordinary Tale está pensada como una reflexión sobre el hecho de tener hijos alegremente sin pensar en las consecuencias y, sobre todo, sin calibrar nuestra capacitación para emprender una aventura tan relevante. Y medita sobre ello en tono de comedia del absurdo que por momentos llega a tener toques de humor negro. De paso, muchos otros temas vinculados a éste quedan igualmente reflejados: el peso de la soledad, la complejidad de las relaciones humanas, la falta de formación emocional, el difícil acceso a la felicidad. Todo ello sin perder nunca su ágil tono caricaturesco, no hay nada como el humor para abordar los temas más serios.

The Extraordinary Tale es una película atípica, quizás no del agrado de todos los paladares, pero que deleitará a quienes gusten de la singularidad narrativa. Intrépida y divertida, extravagante y cautivadora, pero sobre todo, sobre todo, inmensamente tierna. Una delicia que nos descubre el talento de José F. OrtuñoLaura Alvea y que Cameo edita con la calidad a la que nos tiene acostumbrados.

El DVD tiene unos interesantes extras que recorren todo el espectro del rodaje. De forma breve pero completa con imágenes del casting, ensayos, efectos visuales, rodaje y un pequeño making of. Puede disfrutarse tanto doblada, como en la más recomendable versión original. También cuenta el DVD con audiocomentario, en inglés y castellano, de los directores, además de tráiler y fichas. Material inédito y curiosidades que permitirán profundizar en una de las películas españolas más interesantes y premiadas. A  lo que desde Proyecto Naschy también contribuiremos entrevistando a uno de los directores, José F. Ortuño y a su estrella, Aïda Ballmann. Permanezcan atentos a sus pantallas.

 

Sitges 2018: ‘Ánimas’, inaugurando Noves Visions

Hay películas tan redondas en sus giros argumentales que lo mejor que puede decir el crítico de ellas es que son imposibles de comentar si se quiere preservar su magia. Ese es el caso de Ánimas. Así que deberíamos concluir este comentario aquí y dejar que el público la goce sin falsillas, que la goce como experiencia propia sin depender de otro criterio que el suyo. ¿Pero quién puede resistirse a hablar de una obra que nos ha calado hondo por su enorme poder de sugestión?

Hay mucho que decir sobre el segundo largo de ficción del tándem José Ortuño y Laura Alvea, pero hay que hacerlo con la precisión de un cirujano, con incisiones meticulosas que permitan separar sus tejidos sin malograr su cuerpo. Hablar de la maestría con la que se dirige su intriga, pero sin desvelar ni un solo ingrediente de su fórmula. Algo salta a la vista, la clara conciencia de sus autores de que el cine es fundamentalmente imagen, manejan un guion sólido (adaptan la novela del propio Ortuño), sin fisuras, en el que cada detalle está pensado, pero si funciona como película es por el esmero con el que traducen cada palabra en ítem visual.

Quienes sigan un poco la trayectoria de nuestros autores sabrán del trabajo docente de Acheron Films (su sello), de su dominio de la teoría, por tanto, algo que nos demuestra José Ortuño en sus lúdicos #ortuvideos (si no los conocen, ya están tardando en hacerse seguidores de su canal de Youtube), Ánimas confirma lo que ya demostraron con The Extraordinary Tales, que en su salto a la práctica todo ese conocimiento se convierte en oficio. En buen oficio. Cojamos un elemento como muestra: el tratamiento del color. En el arte en general, y en el cine en particular, el uso del color no es casual, es un recurso expresivo con el que el creador nos comunica un concepto, nos hace llegar sensorialmente (y casi sin darnos cuenta) la idea que sobrevuela su obra, por la carga simbólica que pesa sobre los colores y, sobre todo, por el matiz con el que los significa cada artista en particular. Esto es algo que Shyamalan, por ejemplo (un ejemplo brindado por el propio Ortuño), tuvo presente cuando dirigió El sexto sentido, tenía claro que quería asociar el rojo a todo lo que remitiese a lo sobrenatural, de modo que la simple paleta cromática ya transmitiera la atmósfera y el secreto que era clave en el filme. En Ánimas tres son las tonalidades dominantes, el rojo para algunas situaciones, el dorado asociado al personaje de Abraham y, sobre todo, el verde que tiñe todo lo que se refiere a la protagonista, Álex. El verde, con su abultada carga psicológica, tan presente en el cine y que, por el modo de emplearlo en la película de nuestros directores, nos evoca el Vértigo de Hitchcock.

Imposible no ver la alargada (o más bien oronda) sombra del mago del suspense posarse sobre Ánimas, la cinta no esconde, además, su filiación: entre los pósteres que atiborran las paredes de la habitación de Abraham, ocupa un lugar de honor el de Psycho, la película que hizo nacer el cine de terror moderno. No es una cita baldía, además. Ese póster está ahí como pista para el espectador, una pista inteligente, una de aquellas que se quedan en la retentiva y permiten que el espectador, una vez ha descubierto el juego, diga aquello de “¡Ah, claro!”. Todas las alusiones a clásicos del género, que las hay, son significativas. Funcionan como señuelos, nos atraen hacia la formulación de hipótesis que no siempre se cumplirán, pero también (y a la vez) son señales que aportan luz y nos guían por la intrincada gincana cinematográfica que es Ánimas. Como toda intriga que se precie, la de Ánimas se cimienta en capas envolventes y concéntricas, entre ellas no falta el macguffin, uno bien construido que tiene entidad suficiente como para crear una línea argumental desde la que un espectador puede interpretar la cinta; un soporte convenientemente alicatado que permite una lectura superficial perfecta que se basta por si misma para satisfacer al público menos crítico. Nada que envidiarle al uranio de Encadenados. El esqueleto que subyace es un viaje al fondo de la mente que nos lleva hasta allí donde se edifica la identidad, al nido mismo donde incubamos nuestra persona (ya saben, máscara en latín) para enfrentarnos a nuestros traumas. A nuestros temores. Definitivamente, al miedo. Y todo ello en clave de género, pero abordado este desde una perspectiva personal que demuestra que aún se puede innovar en el fantástico sin inventar nada nuevo, tan solo jugando con los recursos clásicos de una forma original.

Dirigir tiene mucho de saber coordinar un equipo, porque el cine es un arte que aglutina el trabajo de un colectivo de artífices movidos desde la batuta del director. Así Ánimas no sería la que es si no hubiera contado con las aportaciones de Fran Fernández Pardo al frente de la dirección de fotografía, de Isabela Pérez a cargo del diseño de vestuario y, por supuesto, de la excelente labor del departamento de efectos especiales. Pero una de las tareas fundamentales es la del casting, la selección de los actores, realizada por la propia Laura Alvea en compañía de Marichu Sanz. Nos cuenta la directora que en sus entrevistas con los actores el criterio para elegirlos era sentir que con ellos entraba el personaje, eso ocurrió con Clare Durant, en ella vieron encarnarse al protagonista, tanto que cambiaron el guion para que el personaje central fuera femenino, y no masculino como rezaba en el original. Y es que esta joven actriz, debutante en cine, tiene una presencia y un arte escénico que llena la pantalla, imposible no enamorarse de su interpretación que nos hace sentir la carnalidad de Álex y su rico universo psicológico. Dándole la réplica nos encontramos con el también debutante en cine Iván Pellicer, excelente en su composición del papel de Abraham, en él vemos materializarse los perfiles de ese adolescente retraído y amante del cine de terror que tiene en Álex su pilar de apoyo. Necesario es mencionar también la aparición de Ángela Molina en un papel secundario, pero de vital importancia dentro de la trama. La veterana demuestra que sigue siendo el mismo animal cinematográfico que era en Bearn o la sala de las muñecas de Jaime Chavarri, probablemente su interpretación más recordada.

Ánimas, una inauguración de gala para la sección Novas Visions del Festival de Sitges. Sin duda una inauguración de gala. Ánimas, una cinta que solo con rememorarla nos provoca el deseo de volver a verla. Y estamos seguros de que en cada nuevo visionado podremos descubrirle nuevos matices, captar nuevos guiños, apreciar mejor la reflexión que comporta. Como ocurre siempre con las grandes obras.

 

El 5 de octubre se estrena el thriller de terror psicológico ‘ÁNIMAS’

El próximo 5 de octubre se estrenará en cines, de la mano de Filmax, Ánimas, un thriller de terror psicológico escrito y dirigido por Laura Alvea y José Ortuño.

La película es una adaptación de la novela homónima escrita por José Ortuño y se adentra en la psique adolescente. Además fue el único proyecto español seleccionado en L’Atelier del Festival de Cannes 2016.
Ánimas está protagonizada por Clare Durant (serie TV ‘Centro médico’), Iván Pellicer(serie de TV ‘Fugitiva’), Luis Bermejo (Magical GirlFe de etarras, serie de TV ‘Amar es para siempre’), Liz Lobato (series de TV ‘La Zona’ y ‘Motivos personales’)Chacha Huang (El hombre de las mil carasPerdiendo el este) y Ángela Molina (Blancanieves, Carne Trémula, La mitad del cielo).

Ánimas es una coproducción hispano-belga de La Claqueta PC, Acheron Films, Tito Clint Movies, Ánimas AIE y Raised By Wolves con el apoyo de Eurimages, ICAA, Junta de Andalucía, Media, Ibermedia y la participación de Canal Sur TV.

Para los directores y guionistas Laura Alvea y José Ortuño “estrenar Ánimas es la culminación de un sueño que empezó hace casi veinte años. En ella se retrata de forma muy personal el paso de la adolescencia a la edad adulta y todos los temores que eso implica: el miedo a adquirir la responsabilidad de la vida o a tomar decisiones vitales y las riendas del propio destino. Por eso solemos decir que ésta no es una película de miedo, sino sobre el miedo. En este caso, a crecer”. 

El productor Olmo Figueredo señala que “quien vea esta película encontrará referencias internas al cine de terror slasher de los 70, a Hitchcock o a Lynch, pero la realidad es que “Ánimas” es la mejor representación del universo creativo de sus directores, Laura Alvea y José Ortuño. Y es que, como pasara con su anterior película, ambos nos han regalado una de las películas de terror más personales, psicológicas y originales de los últimos años que, sin duda, no dejará a nadie indiferente”.

Sinopsis
Álex es una chica segura de sí misma, con una fuerte personalidad y gran tenacidad. Está muy unida a su mejor amigo Abraham, a quien brinda constante ayuda y apoyo, ya que Abraham es un chico tímido, retraído e inseguro, principalmente debido a la compleja relación con sus padres.
Pero todo cambia cuando Daniel, el padre de Abraham, muere en un extraño accidente, cuya causa no está clara. A partir de este momento,  Álex caerá en un viaje alucinatorio que la llevará a un descenso al infierno, donde la línea entre la realidad y la pesadilla se volverá borrosa hasta el punto en el que Álex comenzará a cuestionar los fundamentos de su propia existencia.

LAURA ALVEA es una de las profesionales del audiovisual andaluz más activas de la actualidad.
Ha desarrollado su carrera, principalmente, como ayudante de dirección, aunque también ha trabajado en la producción de numerosas obras audiovisuales y es una reputada directora de casting.
Ha codirigido el documental Tebraa, retratos de mujeres saharauis (premiado con La Rosa del Desierto), cortometrajes como Relojes de Arena, y el premiado largometraje The Extraordinary Tale of the Times Table junto a José F. Ortuño.
Como ayudante de dirección, destaca su trabajo en los largometrajes Kiki el amor se hace, El autor, El mundo es nuestro, Carmina o revienta, Arde Madrid, La trinchera infinita, Juan de los Muertos, Carmina y Amén, Cenizas, Un mundo cuadrado, Asesinos inocentes, Flamenco, flamenco, de Carlos Saura, Colorado Avenue o el mediometraje El legado de Munt.
Ha sido directora de producción del largometraje Juan de los Muertos, de Alejandro Brugués, y ha participado en los castings de los filmes Grupo 7, Héctor y Bruno, La isla mínima, Un mundo cuadrado, Asesinos inocentes o Déjate caer, entre muchos otros.
JOSÉ ORTUÑO ha escrito y/o dirigido documentales como Ignacio Sánchez MejíasMás allá del toreo o Alcalá Zamora: la Tercera España. Mediometrajes como El legado de Muntpara Universal, largometrajes como El Sueño Logrado o Pleno al quince.
Como autor dramático ha escrito y dirigido más de un centenar de obras teatrales, que han sido estrenadas tanto en España como en el Royal Court Theatre de Londres. Su obra Atrapado se hizo con el Teatro, convocatoria en la que también se hizo con el segundo y tercer premio. En 2005, ganó el I Premio Jerry Goldsmith de Jóvenes Compositores Europeos a la Mejor Banda Sonora Europea por Palomita Mía y dos años después volvió a ser nominado por El árbol seco. Sus últimos trabajos han sido escribiendo y codirigiendo el largometraje The Extraordinary Tale of the Times Table y los documentales La Vida en llamasWay to Jerez Nacido en Siria.
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El Festival Isla Calavera anuncia la programación de su primera edición

4 noviembre 2017 Deja un comentario

El Festival de Cine Fantástico de Canarias – Isla Calavera presenta la programación de su primera edición, que tendrá lugar entre el 15 y el 19 de noviembre con el patrocinio de la Universidad de La Laguna, el Área Tenerife 2030 del Cabildo Insular y la Fundación Cine+cómics. La Sección Oficial de Largometrajes fuera de concurso incluirá el thriller psicológico de viajes en el tiempo Black Hollow Cage (2017), del director Sadrac González-Perrellón, quien asistirá como invitado al festival junto al productor Diego Rodríguez para presentar su película y participar en un coloquio posterior a la proyección. Premio del Jurado al Mejor Largometraje en el Festival Internacional de Cine Fantástico de Bucheon (Corea del Sur), Black Hollow Cage participó en sección oficial en los recientes festivales de Sitges y Nocturna Madrid, en el que logró una Mención Especial del Jurado.

También podrán verse dentro de la Sección Oficial de Largometrajes el thriller de terror y humor negro Mom and Dad (Brian Taylor, Estados Unidos), protagonizado por Nicolas Cage y Selma Blair; la épica Pilgrimage (Brendan Muldowney, Irlanda/ Bélgica/ Estados Unidos), con la estrella de Spider-man: HomecominTom Holland encabezando el reparto; y la cinta de ciencia ficción The Osiris Child (Shane Abbess, Australia).

Asimismo, se presentará la película Bajo la rosa (2017), Premio del Público a la Mejor Película en Nocturna Madrid, un original thriller protagonizado por Pedro Casablanc. Se trata del primer largometraje del realizador tinerfeño afincado en Madrid Josué Ramos, quien acudirá al Festival Isla Calavera para dar las claves sobre su opera prima.

De otro lado, se ofrecerá una sesión especial dedicada al largometraje de animación Extraordinary Tales, de Raúl García, primer animador español que ha trabajado en los estudios Disney y ganador de un Premio Goya al Mejor Largometraje de animación por El Lince perdido. Coproducción estadounidense, belga, luxemburguesa y española, Extraordinary Tales consiste en una antología animada de relatos de Edgar Allan Poe con voces de Christopher Lee, Roger Corman, Bela Lugosi y Guillermo del Toro, entre otros.

Estos títulos se suman a los ya anunciados: El Ataúd de Cristal, como película de apertura; The Maus, como película de clausura; el ciclo dedicado al maestro del terror John Carpenter (Christine, La Noche de Halloween y La Cosa); Depredador, con motivo del 30º aniversario de su estreno en cines; Wax, con la presencia de su director Víctor Matellano y los homenajeados, el actor Jack Taylor y el maestro de los efectos especiales y maquillaje Colin Arthur; y el documental ¡Zarpazos! Un viaje por el Spanish Horror, un recorrido histórico por el fantaterror español también dirigido por Matellano.

El programa se completa con la Sección Oficial de Cortometrajes a competición, que ofrecerá dos sesiones compuestas por siete cortometrajes cada una. Los títulos seleccionados son: Bye Bye Baby(Pablo S. Pastor), Cambio (Daniel Romero), Caronte (Luis Tinoco), El Desconcierto (Alberto Carpintero), El Gigante y la Sirena (Roberto Chinet), Fe (Juan De Dios Garduño), Hay algo en la oscuridad (Fran Casanova), Jules D. (Norma Vila), La Dama de sal (Mario Venegas Lucena), Nouvelle Cuisine (Manuel Reyes Halaby), Redemption (Vasni J. Ramos), Rewind (Rubén Pérez Barrena), RIP (Caye Casas y Albert Pintó) y Ven a mí (Marcos Muñoz Flores).

Las entradas ya se encuentran a la venta en las taquillas de Multicines Tenerife (C.C. Alcampo, La Laguna) y a través de la web www.multicinestenerife3d.com.

El Festival de Cine Fantástico de Canarias – Isla Calavera es una iniciativa de la asociación cultural Charlas de Cine, la publicación especializada TumbaAbierta y Multicines Tenerife, con el patrocinio de la Universidad de La Laguna, el Área Tenerife 2030 del Cabildo Insular y la Fundación Cine+cómics. Colaboran: Innova 7, Ksa Mario, el Aula de Cine de la Universidad de La Laguna, la Fundación de Diario de Avisos, la Tenerife Film Commission y el canal Dark, el único en España dedicado íntegramente al terror, en calidad de media partner.

Categorías:w Otros festivales

Terminó el rodaje de ‘Ánimas’ el nuevo thriller de terror de Laura Alvea y José Ortuño

20 septiembre 2017 Deja un comentario

Ángela Molina y Luis Bermejo forman parte del reparto junto con los debutantes Clare Durant, Iván Pellicer y Chacha Huang. Se trata del segundo largometraje del tandem andaluz Alvea/ Ortuño tras la notable repercusión de su ópera prima “The Extraordinary Tale”.

Tras seis intensas semanas de rodaje el pasado sábado terminó el rodaje Ánimas, un thriller psicológico de terror codirigido por Laura Alvea y José Ortuño con la producción de Olmo Figueredo González-Quevedo. La película ha sido rodada íntegramente en Sevilla y tiene previsto su estreno en 2018.

Jose Ortuño codirector, coguionista y coproductor de la película sobre Ánimas– “Aunque llevamos casi diez años desarrollando Ánimas, en realidad ésta es una película fruto de las vivencias de toda una vida. A través de esta historia sobre la madurez y el paso a la edad adulta hemos exorcisado muchos demonios y traumas de nuestra juventud, transformándolos en un thriller no de terror… sino sobre el terror. El terror a crecer.”

La película supone el debut interpretativo de Clare Durant, Iván Pellicer y Chacha Huang, que se verán arropados por Ángela MolinaLuis Bermejo (“Magical Girl”) y Liz Lobato (“El Alquimista Impaciente”).

Ánimas es el segundo thriller psicológico de terror de Laura Alvea y José Ortuño tras el éxito de su ópera prima The Extraordinary Tale, de la que tanto les hablamos aquí y que obtuvo, entre otros premios, la Biznaga de Plata Premio del Público en el Festival de Cine de Málaga, el premio a la Mejor Película en el Festival de Cine Independiente de Cardiff y Mejor Película de Terror Extranjera en el Atlanta Horror Film Festival.

Ánimas fue el proyecto de ficción mejor valorado el año pasado por la comisión del ICAA y es el único proyecto internacional que ha pasado por las dos incubadoras de proyectos del Festival de Cannes: L’Atelier 2016 y Frontières Market 2017.  Ánimas está producida por La Claqueta PC y Acheron Films, en coproducción con Tito Clint Movies, Ánimas AIE y Raised by Wolves (Bélgica). Cuenta con el apoyo del ICAA, Junta de Andalucía, Media, Ibermedia, Belgium Tax Shelter, Canal Sur TV y Eurimages.

SINOPSIS:

Alex es la mejor amiga de Abraham. Ambos comparten estudios, confidencias, miedos y una larga y estrecha amistad. Cuando Abraham empieza a salir con Anchi, una compañera de instituto, comienza a comportarse de manera extraña y a distanciarse de Alex, quién vivirá un descenso a los infiernos en el que encontrará presencias fantasmales, pesadillas horrendas y situaciones límite que pondrán en peligro su vida.

 

LAURA ALVEA – CO-DIRECTORA Y CO-GUIONISTA
Laura Alvea es una de las profesionales del audiovisual andaluz más activas de la actualidad. Ha desarrollado su carrera, principalmente, como Ayudante de Dirección, aunque también ha trabajado en la producción de numerosas obras audiovisuales y es una reputada directora de casting. Además, ha codirigido el documental Tebraa, retratos de mujeres saharauis (premiado con La Rosa del Desierto) y, también, el cortometraje Relojes de Arena junto a José F. Ortuño.
Como Ayudante de Dirección, destaca su trabajo en los largometrajes Kiki el amor se hace, Asesinos Inocentes, El mundo es nuestro, Carmina o revienta, Juan de los Muertos, Carmina y Amén, Cenizas.
Ha sido Directora de Producción del largometraje Juan de los Muertos, de Alejandro Brugués, y ha participado en los castings de los filmes Grupo 7, Héctor y Bruno, La Isla Mínima, Un Mundo Cuadrado, Asesinos Inocentes o Déjate caer, entre muchos otros.
JOSÉ ORTUÑO – CO-DIRECTOR Y CO-GUIONISTA
José F. Ortuño ha escrito y/o dirigido documentales como Ignacio Sánchez Mejías: Más allá del toreo o Alcalá Zamora: la Tercera España, coescrito La vida en llamas y Nacido en Siria,  y ha realizado mediometrajes como El legado de Munt para Universal, largometrajes como KiaN o Pleno al quince y un largo etcétera.
Como autor dramático, ha escrito y dirigido más de un centenar de obras teatrales, que han sido estrenadas tanto en España como en el Royal Court Theatre de Londres. Su obra Atrapado se hizo con el Premio Miguel Romero Esteo del Centro Andaluz de Teatro, convocatoria en la que también se hizo con el segundo y tercer premio. En 2005, ganó el I Premio Jerry Goldsmith de Jóvenes Compositores Europeos a la Mejor Banda Sonora Europea por Palomita Mía y dos años después volvió a ser nominado por El árbol seco.
En 2011 escribe y codirige el largometraje de ficción The Extraordinary Tale y actualmente rueda su nueva cinta de ficción Ánimas.
OLMO FIGUEREDO – PRODUCTOR
Socio fundador y gerente de las productoras La Claqueta PC y Tito Clint Movies, ha producido películas documentales (Nacido en Siria, 2016), cortos documentales (El hombre que estuvo allí, 2014), y series factual (La Vida en Llamas, 2015). El año pasado produjo su primera TV-Movie (La Xirgu, 2016).
Seleccionado como “New Producer To Watch” por el Mip-TV 2013, ha sido nominado a los Latin Grammys (10 años con Bebe, 2015), los RealScreen Awards (Amazonas Clandestino, 2015), y los Premios Goya en cuatro ocasiones (30 años de oscuridad, 2012). Ha recibido además dos Premios Forqué y un Platino a Mejor Película Documental.

Es Licenciado en Comunicación Audiovisual, graduado MEGA, graduado EAVE y miembro de las Academias de Cine Española y Europea.

Hoy comienza el rodaje de ‘Ánimas’ el nuevo thriller de terror de Laura Alvea y José Ortuño

Hoy 7 de agosto ha comenzado el rodaje en Sevilla de Ánimas, un thriller psicológico de terror producido por La Claqueta PC y Acheron Films, en coproducción con Tito Clint Movies, Ánimas AIE y Raised by Wolves (Bélgica). Dirección y guion corren a cargo de Laura Alvea y José Ortuño y la producción por parte de Olmo Figueredo González-Quevedo en lo que supone su salto a la ficción tras ganar el Premio Platino y Premio Forqué por el documental Nacido en Siria.  El rodaje se extenderá durante 6 semanas, íntegramente en Sevilla y tiene previsto su estreno en 2018.

Los directores con los-protagonistas Clare Durant e Ivan Pellicer en el set.

La película supone el debut interpretativo de Clare Durant, Iván Pellicer y Chacha Huang, que se verán arropados por Ángela Molina (“Carne Trémula”, “Las Cosas del Querer”, “Blancanieves”), Luis Bermejo (“Magical Girl”) y Liz Lobato (“El Alquimista Impaciente”).

Ánimas es el segundo thriller psicológico de terror de Laura Alvea y José Ortuño tras el éxito de su ópera prima The Extraordinary Tale, que obtuvo, entre otros premios, la Biznaga de Plata Premio del Público en el Festival de Cine de Málaga, el premio a la Mejor Película en el Festival de Cine Independiente de Cardiff y Mejor Película de Terror Extranjera en el Atlanta Horror Film Festival.

Ánimas fue el proyecto de ficción mejor valorado el año pasado por la comisión del ICAA y es el único proyecto internacional que ha pasado por las dos incubadoras de proyectos del Festival de Cannes: L’Atelier 2016 y Frontières Market 2017. Cuenta con el apoyo del ICAA, Junta de Andalucía, Media, Ibermedia, Belgium Tax Shelter, Canal Sur TV y Eurimages.

SINOPSIS:
Alex es la mejor amiga de Abraham. Ambos comparten estudios, confidencias, miedos y una larga y estrecha amistad. Cuando Abraham empieza a salir con Anchi, una compañera de instituto, empieza a comportarse de manera extraña y a distanciarse de Alex, quién vivirá un descenso a los infiernos en el que encontrará presencias fantasmales, pesadillas horrendas y situaciones límite que pondrán en peligro su vida.

LAURA ALVEA – CO-DIRECTORA Y CO-GUIONISTA
Laura Alvea es una de las profesionales del audiovisual andaluz más activas de la actualidad. Ha desarrollado su carrera, principalmente, como Ayudante de Dirección, aunque también ha trabajado en la producción de numerosas obras audiovisuales y es una reputada directora de casting. Además, ha codirigido el documental Tebraa, retratos de mujeres saharauis (premiado con La Rosa del Desierto) y, también, el cortometraje Relojes de Arena junto a José F.
Ortuño.
Como Ayudante de Dirección, destaca su trabajo en los largometrajes Kiki el amor se hace, Asesinos Inocentes, El mundo es nuestro, Carmina o revienta, Juan de los Muertos, Carmina y Amén, Cenizas.
Ha sido Directora de Producción del largometraje Juan de los Muertos, de Alejandro Brugués, y ha participado en los castings de los filmes Grupo 7, Héctor y Bruno, La Isla Mínima, Un Mundo Cuadrado, Asesinos Inocentes o Déjate caer, entre muchos otros.

JOSÉ ORTUÑO – CO-DIRECTOR Y CO-GUIONISTA
José F. Ortuño ha escrito y/o dirigido documentales como Ignacio Sánchez Mejías: Más allá del toreo o Alcalá Zamora: la Tercera España, coescrito La vida en llamas y Nacido en Siria, y ha realizado mediometrajes como El legado de Munt para Universal, largometrajes como KiaN o Pleno al quince y un largo etcétera.
Como autor dramático, ha escrito y dirigido más de un centenar de obras teatrales, que han sido estrenadas tanto en España como en el Royal Court Theatre de Londres. Su obra Atrapado se hizo con el Premio Miguel Romero Esteo del Centro Andaluz de Teatro, convocatoria en la que también se hizo con el segundo y tercer premio. En 2005, ganó el I Premio Jerry Goldsmith de Jóvenes Compositores Europeos a la Mejor Banda Sonora Europea por Palomita Mía y dos
años después volvió a ser nominado por El árbol seco.
En 2011 escribe y codirige el largometraje de ficción The Extraordinary Tale y actualmente rueda su nueva cinta de
ficción Ánimas.

OLMO FIGUEREDO – PRODUCTOR
Socio fundador y gerente de las productoras La Claqueta PC y Tito Clint Movies, ha producido películas documentales (Nacido en Siria, 2016), cortos documentales (El hombre que estuvo allí, 2014), y series factual (La Vida en Llamas, 2015). El año pasado produjo su primera TV-Movie (La Xirgu, 2016).
Seleccionado como “New Producer To Watch” por el Mip-TV 2013, ha sido nominado a los Latin Grammys (10 años con Bebe, 2015), los RealScreen Awards (Amazonas Clandestino, 2015), y los Premios Goya en cuatro ocasiones (30 años de oscuridad, 2012). Ha recibido además dos Premios Forqué y un Platino a Mejor Película Documental.
Es Licenciado en Comunicación Audiovisual, graduado MEGA, graduado EAVE y miembro de las Academias de Cine Española y Europea.

Nocturna 2016: una edición con sabor agridulce

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Ya sabemos que hemos tardado en publicar esta crónica. Pero nos era necesario poner distancia antes de escribir sobre el Festival Nocturna. Necesario porque se han mezclado varios sentimientos contradictorios que han hecho que, por diferentes razones, esta edición haya resultado muy especial. Tanto en lo bueno, como en lo malo, pero superando, sin duda, lo bueno en la balanza.

Nocturna, que celebró su primera edición en 2013, ha ido progresivamente aumentando secciones e invitados. Entre los nombres célebres que han acudido al evento durante las tres ediciones anteriores figuran Dario Argento, Joe Dante, Lamberto Bava Mick Garris y Robert Englund, entre otros, ilustres invitados a los que este año se les ha sumado John Landis, añadiendo brillo al festival.

Las sedes del festival fueron las mismas que el pasado año: las sesiones cinematográficas en el cine Palafox y prensa e invitados en el Hotel Conde Duque. Lo que cambió fue la ubicación para las presentaciones y charlas, que este año tuvieron lugar en la sala Ámbito Cultural de El Corte Inglés de Callao.

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LAS PELÍCULAS

Para Serendipia lo principal de un festival son las películas. Naturalmente los invitados, charlas, presentaciones y eventos dan lustre y personalidad al certamen, pero la razón de ser es la selección de títulos. Y su calidad. Y aunque no pudimos disfrutar de todos los títulos que ofreció Nocturna 2016, si podemos decir que los que pudimos ver no no eran especialmente brillantes. Quizás gran parte de la responsabilidad en esta floja selección recaiga en la necesidad de ofrecer títulos recientes no proyectados (o adquiridos para programar) en otros festivales más veteranos. Así que cierto es que el público pudo asistir a premieres, tanto europeas como mundiales, pero algunos de los títulos simplemente no estaban a la altura.

SECCIÓN OFICIAL

Nacho Vigalondo

Nacho Vigalondo

Camino (USA, Josh C. Waller) es una producción norteamericana que cuenta en su reparto con Zoë Bell, actriz Tarantoniana y doble de acción de, por ejemplo, Uma Thurman en Kill Bill que, aquí como fotógrafo, descubre la verdad que esconde el guerrillero interpretado por Nacho Vigalondo. Con su acción desarrollada al completo en la jungla colombiana (recreada en Hawai, tal y como desveló Vigalondo), aunque “hay tiros y muere gente”, no llega a ser del todo convincente, en gran parte por la falta de carisma en la interpretación del cineasta cántabro. Tal se diría que estamos ante una mediana (casi mediocre) revisión de El corazón de las tinieblas, y es evidente que para ser el coronel Kurtz, o un sosias del mismo, hacen faltan muchas tablas. De todas formas quizá esta apreciación se deba a la excesiva oscuridad con la que pudo verse la copia proyectada durante la que fue su premier europea.

Cold Moon (USA, Griff Furst) fue una de estas premieres mundiales. Nos narra como una joven es asesinada y tirada a un río en un pequeño pueblo americano. A partir de ahí uno no sabe si la cosa va en serio o en broma, dado el mal rato que hace pasar, y no en el sentido de que su tratamiento del cine de terror resulte eficaz, sino por la ineptitud de todo el equipo. Actores que interpretan convincentemente bien el papel de borracho, otros que posiblemente son amigos del director, una chica bonita con función de florero (que el listo del director trajo al festival como acompañante) y un Christopher Lloyd que debería haberse evitado el disgusto. Cuesta creer que la misma persona que escribió Bitelchús (Beetlejuice, Tim Burton) haya escrito semejante sinsentido. Aunque quizás la novela sí lo tenga.

The Offering (Singapur/USA, Kelvin Tong) En premier europea, nos ofrece enfermedades hereditarias degenerativas, fenómenos sobrenaturales y referencias bíblicas en una inquietante cinta  que no fue de lo peor de Nocturna, a pesar de terminar con un más que forzado -y trillado- exorcismo.

La producción rusa Queen of Spades: The Dark Rite, dirigida por Svyatoslav Podgaevskaya, proyectada en premier española, demuestra que en todos los países del mundo tienen derecho a chocar con los lugares comunes y tópicos del género. Este Candyman del este comienza bien, apoyándose, como aquella, en leyendas urbanas como puertas de acceso al terror sobrenatural. Ambiente gélido para una historia que va sucumbiendo en el susto fácil y el tedio más absoluto, sobre todo después del giro de guión que inserta 45 minutos de desenlace durante el que se vuelve a caer en un recurrente exorcismo, agotador hasta para el público.

A nuestro juicio, la mejor cinta de esta sección oficial fue Summer Camp, y nos duele admitirlo, ya que como se puede leer en nuestro comentario, realizado a raíz de su estreno, el filme de Alberto Marini nos desagradó desde que lo vimos por primera vez durante el pasado festival de Sitges. Pero a pesar de todo, puestos a elegir entre los visionados, se nos antojaba como el favorito. Y así se lo pareció a la mayoría de los 30 blogs que lo votamos en los Blogos de Oro, donde resultó ganador.

OTRAS SECCIONES

Más interesantes nos resultaron algunas de las cintas seleccionadas en las otras dos secciones oficiales del festival.

La sección Oficial Madness nos ofreció un poco de todo: comedia y vísceras y la que ha quedado como favorita para Serendipia de todo Nocturna 2016. Pero vayamos por partes.

La producción canadiense The Hexecutioners (Jesse Thomas Cook) que se ofreció en premier española, desaprovecha una magnífica premisa argumental centrada en dos jóvenes que trabajan en un empresa dedicada a realizar eutanasias legales, un trabajo basura en el futuro cercano que nos muestra. Pero la historia va degenerando hasta convertirse en un batiburrillo de mansiones siniestras y cultos impíos. Todo bastante absurdo, a pesar de algunos interesante experimentos con el color.

También pudimos ver dos ejemplos bien diferentes de comedia terrorífica: I had a Bloody Good Time at House Harker (USA, Clayton Cogswell) tuvo su premier mundial durante este festival, lo que celebraron sus creadores viajando a Madrid. Unos tipos simpáticos que derrocharon buen humor. Todo el que le faltaba a su cinta. Más interesante resultó Night of the Living Deb (USA, Kyle Rankin) una comedia con zombies bastante bobalicona pero resultona, a pesar de cierto regusto, al igual que la anterior, ciertamente amateur.

Para Serendipia la británica The Lesson (Ruth Platt) fue, de largo, la mejor de las que vio durante el festival. Unos mozalbetes racistas, elitistas y maleducados, aprenderán en que consiste el dicho ‘La letra con sangre entra‘ y de la mejor manera, con la práctica, ya que su maestro de lengua les dará unas ilustrativas clases particulares a las que no podrán negarse. A destacar la interpretación de Robert Hands como maestro de expeditivos métodos en esta cinta con la que debuta como directora la actriz Ruth Platt.

La sección Oficial Dark Visions ofreció una interesante cinta producida entre Estados Unidos y Polonia. Embers, con la que Claire Carré debuta en el largometraje tras años realizando tareas de asistente de director y segunda unidad. Escrita por ella misma y el director y productor Charles Spano, la cinta cuenta con la participación de algún actor español, como Greta Fernández y Roberto Cots, que presentó el filme.

Ángel Gómez, director de Behind

Ángel Gómez, director de Behind

Algunos de los cortometrajes a competición que pudimos ver eran realmente brillantes: The Mill at Calder’s End (Kevin McTurk) es una delicia realizada con animación a base de marionetas donde revive al espíritu de Edgar Allan Poe. Sin olvidar su homenaje a Peter Cushing; el inquietante Madre de Dios (Gigi Saul Guerrero) es sucio, sencillo, directo y muy racial; y el magnífico Disco Inferno (Alice Waddington) puro delirio visual. Una fantasía satánica con Franjú de por medio. Se nos quedaron en el tintero, entre muchos otros, Behind youre-gonna-die-tonight-poster-final-weby You’re Gonna Die Tonight de nuestros amigos Ángel Gómez Hernández y Sergio Morcillo, respectivamente, que esperamos poder ver en otra ocasión. Mientras Behind recibió el premio del público como mejor cortometraje, You’re Gonna Die Tonight será distribuido por Yaq Distribuciones, cuyo copropietario y cofundador es Rául Cerezo, director del multipremiado cortometraje 8.  El cortometraje de Sergio forma parte de la selección del festival Cortos con K que organiza la web KlownsAsesinos.com, donde lo presentará junto al cocreador de la historia, Ismael de las Heras, y el padrino del mismo, el  director de cine Miguel Ángel Vivas el próximo 2 de Julio. Your’re Gonna Die Tonight también competirá como mejor corto en la nueva edición del festival Sant Cugat Fantàstic,  que se celebrará del 7 al 10 de Julio.

Dentro de la sección Panorama pudimos ver The Dead Room (Jason Stutter), una cinta sobre fenómenos paranormales en una granja de Nueva Zelanda que ya habíamos visto en el pasado Festival de Sitges, pero que DSC_0137resultó agradable recuperar de nuevo. Menos agradable resultó la soporífera Wind Walkers (USA, Russell Friedenberg), que echa a perder la leyenda del Wendigo.

Algunos de los mejores momentos del festival nos los depararían las sesiones retrospectivas. La presencia de John Landis hacía más que indicado el recuperar alguna de sus cintas. Y hablar de John Landis es, para el amante del cine de terror, hablar de Un hombre lobo americano en Londres (An American Werewolf in London, 1981), una de las grandes películas de los años ochenta. Innovadora por su mezcla entre humor y terror y sus magníficos efectos especiales que supusieron un merecidísimo Oscar para Rick Baker. La copia proyectada, aunque digital, tenía una muy buena calidad y fue todo un privilegio volverla a disfrutar en pantalla grande, comprobando que el tiempo no solo no ha perjudicado al filme, sino que además le ha sentado de maravilla. También se recuperó la, hasta ahora, última película del director, Burke & Hare (2010) una comedia negra sobre los tristemente célebres profanadores de tumbas que no dudaron en asesinar para proveer de cuerpos frescos las mesas de disección de los estudiantes de medicina en la Inglaterra del siglo XIX. Una cinta protagonizada por Andy Serkis y Simon Pegg, que tantas comedias terroríficas tiene en su haber. Por cierto, resultó curioso comprobar que Landis se quedó a verla.

TODAS LAS PELÍCULAS TIENEN ALGO

Aunque nuestras impresiones sean negativas ante la mayor parte de lo visionado, hemos de reconocerle a los programadores que todas (incluso las más nefastas) tenían algo que justificaba su presencia. Citemos algunos rasgos positivos como ejemplos: la premisa inicial de The Hexecutioners era un planteamiento de futuro cercano interesante, porque está claro que el tema de la muerte digna es uno de los que más nos inquietan como humanos, la posibilidad de que se llegue a regular profesionalmente es a la vez atractivo y acongojante; Queen of Spades: The Dark Rite nos traía a la pantalla la universalidad de las leyendas, la crueldad de los niños (todo empieza como una burla a la menor de las protagonistas) y el retrato de esa atracción por lo oscuro tan propio de la adolescencia, por eso es toda una pena que su director no supiera concluirla a tiempo y se enredara en un tercer acto que introducía de nuevo las posesiones infernales, y de un modo poco efectivo, además; hasta Camino, de haberse proyectado en mejores condiciones, habría resultado interesante en su revisión de los líderes carismáticos capaces de anular la voluntad de sus seguidores para convertirles en incondicionales borrégos sin espíritu crítico, algo que, sin llegar a los extremos que se plantean, no es ajeno a situaciones reales de nuestra actualidad.

embers-735764988-largeY, lo más importante, hubo un pequeño ramillete de propuestas sinceramente dignas e incluso atractivas. Así que cuando evoquemos esta edición será hacia ellas donde se encaminarán nuestros recuerdos. Auténticas perlas cuya presencia ya justifica el trabajo de los organizadores. Tres cintas ocupan nuestro podio de lo mejor: Embers, The Lesson y The Dead Room.

Embers es toda una distopía que nos mueve a reflexionar sobre uno de nuestros mejores bienes (tanto en lo individual como en lo colectivo): la memoria. En un futuro postapocalíptico la humanidad deambula víctima de una infección que ha arrasado el planeta. Hasta aquí nada novedoso, lo verdaderamente innovador es que los infectados no son los cansinos devoradores de cerebros a los que nos tiene acostumbrados este subgénero. No, lo que les ha arrebatado el virus aniquilador, es la memoria. Embers nos invita a recorrer las consecuencias de perder esa facultad fundamental a través de un conjunto de historias paralelas y simultáneas que van desde ese padre y esa hija que han evitado el desastre gracias a su refugio, hasta el niño que vaga solo hasta que un científico que investiga los modos de superar la enfermedad la acoge, pasando por la más tierna, el matrimonio que cada día vuelve a enamorarse porque cada día olvidan que ya son pareja. Una cinta modesta, pero con buen ritmo, buenas interpretaciones y excelentes localizaciones. A tener en cuenta.

The-Lesson.2015-304x456“Autorizo y abandono el derecho a gobernarme a mí mismo, a este hombre o a esta asamblea de hombres, con la condición de que tú abandones tu derecho a ello y autorices todas sus acciones de manera semejante”; esta es la verdadera fórmula del pacto según Hobbes. El inglés no es,  pues, padre del absolutismo como se afirma en The Lesson, pero esta imprecisión no empaña los resultados de la que se nos antoja mejor cinta del certamen. Un relato de denuncia social que se reconvierte en la versión terrorífica de Rebelión en las aulas. Robert Hands está soberbio en su construcción de Mr Gale, profesor vocacional que ve cómo su trabajo para llevar la cultura a los más marginados por el sistema choca con la propia degeneración de estos, que le convierten en el objeto de sus burlas y víctima de pesadas bromas vejatorias. Evan Bendall es Fin, un joven adolescente de clase baja que ha sido abandonado por sus padres y se ve obligado a vivir con su violento hermano que le desprecia y le maltrata, igual que abusa de su joven esposa, la única que parece comprender al adolescente. No todo está echado a perder en Fin, pero sus circunstancias y sus compañías le embrutecen y se deja llevar en la espiral de vejaciones al profesor protagonista. Cuando Mr. Gale enloquece y secuestra a sus burladores, la película coge alas y nos ofrece un espectáculo de violencia nada gratuita puesto que tiene perfecta lógica dentro del desarrollo de la trama. Evolucionado de víctima a verdugo, el profesor imparte su lección descarnada sobre la bondad o maldad por naturaleza del ser humano, mientras tortura a Fin vuelca sobre su mente un electrizante repaso a la filosofía social, desde Rousseau y su creencia en el buen salvaje hasta El señor de las bestias obra cumbre de William Golding y del pesimismo antropológico. Vibrante en sus diálogos, su ritmo y su construcción de los personajes, The Lesson fue la mejor experiencia cinematográfica de esta edición, aunque incomprensiblemente no recibiera ningún premio.

Incomprensible también es que la honesta The Dead Room fuera relegada a la Sección panorama, si alguna película merecía estar en Sección oficial, la consagrada al género en su estado más puro, es esta pieza de cámara neozelandesa. Arquetípica revisión del cine de casas encantadas, Jason Stutter nos ofrece una cinta de terror clásico que no se avergüenza de serlo. Es la historia de siempre (con un giro final bien traído) en cuanto a manifestaciones espectrales se refiere, pero  no se desmerece ni siquiera ante el hito que suponen los dos Expedientes Warren de James Wan, porque aprovecha al máximo sus modestos recursos y basa su efectismo en una meritoria puesta en escena, excelentemente rodad y convincentemente interpretada. Sin apenas efectos especiales, juega a la perfección la baza del sugerir frente al mostrar, con un buen dominio de la dosificación de sobresaltos y buen sentido del clímax. Lo único que nos consuela de no verla incluida en la sección que le hubiera permitido figurar en el palmares, como merecía, es que fue la encargada de cerrar el festival haciendo que en su conclusión el certamen se reconciliara con aquellos que acudimos a un evento de estas características sobre todo para ver buen cine.

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PELÍCULA DE CLAUSURA

A falta de haber podido ver The Hollow Point de Gonzalo López-Gallego, la película con la que se inauguró Nocturna, nos tuvimos que conformar con ver la de clausura, todo un plato de lujo, pues la cinta escogida fue la esperada The Conjuring 2 de James Wan, que tuvo en Nocturna su premiere mundial. Lo que nos parece esta estupenda muestra del mejor cine de terror, pueden ustedes leerlo en este enlace, pero poder disfrutar de esta película en absoluta premiere fue, sin lugar a dudas, otro de los mejores momentos que reservó Nocturna a los asistentes al festival. Como curiosidad cabe señalar que ambos filmes están protagonizados por Patrick Wilson.

INVITADOS Y ACTIVIDADES PARALELAS

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Luis Rosales, John Landis y Gerardo Santos Bocero

Las actividades paralelas, tal y como ya hemos señalado, se celebraron en la sala Ámbito Cultural de El Corte Inglés de Callao (muy cerca del Fnac de anteriores ocasiones). Hubo presentaciones y encuentros con el equipo de algunas de las cintas que se presentaban, así como series televisivas y cortometrajes. Naturalmente el momento más esperado por los fans fue el encuentro con John Landis. Y este no defraudó. Mucho humor y anécdotas sobre sus películas e incluso su estancia en España en los años setenta. Una charla animada y distendida que se unificó con la presentación del muy recomendable libro dedicado al director escrito por Gerardo Santos Bocero. Landis, al finalizar el acto, estaba dispuesto a firmar los objetos que el respetable había traído para la ocasión, pero ante la negativa de El Corte Inglés, por cuestión de tiempo, se hubo de posponer hasta unos días después y ya en el cine Palafox, donde los admiradores del director pudieron obtener su autógrafo. Lamentablemente la otra invitada de

John Tones, Nacho Vigalondo y Koldo Serra

John Tones, Nacho Vigalondo y Koldo Serra

honor, Victoria Price, no pudo asistir para festejar el 105 cumpleaños de su padre junto al público de Nocturna, que celebró la onomástica con una proyección de El pozo y el péndulo (The Pit and the Pendulum, Roger Corman, 1961).

También resultó muy interesante la mesa redonda que se organizó con el nombre El estado del Fantástico y que reunió al director del festival, Luis Rosales, a los dos directores de cine Koldo Serra y Nacho Vigalondo y al escritor y responsable de la web Canino, John Tones. Muchas cuestiones interesantes se trataron durante este debate abierto al respetable como la incidencia de la piratería en la industria o las nuevas formas de ver televisión que nos ofrecen plataformas como Netflix. Sin olvidar el cine tradicional, los DVD alegales o la previsible desaparición de los formatos físicos ante los contenidos digitales.

portada-librokronomonstruo-n-6Otro de los momentos más interesante de estas actividades paralelas fue el protagonizado por los creadores de fanzines. Se presentó la nueva publicación Obsesión Continua (de la que ya les hemos hablado aquí), así como los sextos números de Fantastic Film Neutrón y Kronomonstruo. También se presentó el documental El arte de Vampirela, de José Guerrero y el libro Tras las huellas del planeta de los simios, que recientemente ha editado Quarentena Ediciones y que recopila (corregido y ampliado) el contenido de los números 3 y 4 del fanzine Fantastic Film Neutrón. El acto contó con la presencia de José Mª Gil Gil, Carlos Díaz Maroto, José Luis Salvador Estébenez y Enrique Partal. También se presentó el libro Jack Mircala and The Art of Extraordinary Tales, acto que contó con la asistencia de su autor Jack Mircala.

Para hacerse con estas publicaciones, no duden en escribir a:

Kronomostruo: cinemacomicsmp@gmail.com

Fantastic Films Neutron: klandestine666@hotmail.es

Obsesión Contínua: obsesioncontinua@gmail.com

Tras las huellas del planeta de los simios

Jack Mircala and The Art of Extraordinary Tales

El arte de Vampirela

FANTATERROR EN NOCTURNA

El cine de terror español siempre ha mantenido un sitio de honor en el festival Nocturna, y en esta ocasión los diferentes eventos relacionados con el Fantaterror he preferido agruparlos en un artículo aparte que pueden ver clickando justo AQUÍ.

CONCLUSIONES Y PALMARÉS NOCTURNA 2016

En nuestra opinión esta cuarta edición del Festival Nocturna ha mantenido un equilibrio entre la calidad y el cine malo. Un frágil equilibrio que ha sido salvado por las retrospectivas, las actividades paralelas y otros eventos, especialmente los protagonizados por el invitado John Landis, sin olvidar la premier de The Conjuring 2: The Enfield Poltergeist. La Sección Oficial Fantástico ha sido claramente floja. Posiblemente la necesidad de presentar premieres ha pesado sobre la calidad de las películas a la hora de seleccionar, con el consiguiente bajón de calidad, pues muchas de las novedades más interesantes ya están acaparadas por otros festivales más veteranos. Es en el resto de secciones, Oficial Madness y Dark Visions donde, siempre en nuestra opinión, han podido verse mejores títulos.

Salvado esto, el trato de la organización ha sido siempre fantástico. Casi personalizado. Hubo ciertos problemas a la hora de reservar tickets de prensa, bastante molestos, pero todo se solventó de la mejor manera posible. Así que desde Proyecto Naschy queremos agradecer a esa organización la atención que han tenido con nosotros. A Luis Rosales, José Luis Alemán, su encantadora esposa, Raúl Gil y todo el personal de prensa. Sabemos que es complejo organizar un festival de la envergadura de Nocturna. Es un camino lleno de obstáculos y sinsabores en el que la tensión y los nervios están a flor de piel. Pero ya ha pasado. Nocturna 2016 ya es historia. Una historia, quizás, con sabor agridulce, pero historia. Con una organización volcada en ofrecer un buen festival. Que lo haya sido o no, ya no tiene importancia. Hay que valorar ese esfuerzo por el cine Fantástico.

Nocturna 2016 a muerto  ¡Larga vida a Nocturna!

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PALMARÉS NOCTURNA  2016

El jurado de nocturna compuesto por SECCIÓN OFICIAL: Jesús Ulled Nadal, Gerardo Herrero y Eduardo Casanova; SECCIÓN MADNESS: Borja Crespo, Manuel Romo y Benja de la Rosa; SECCIÓN DARK VISIONS: Alicia Montesquiu y John Tones han otorgado los siguientes premios de la edición 2016 del Festival Internacional de Cine Fantástico de Madrid, NOCTURNA.
SECCIÓN OFICIAL:
PREMIO NOCTURNA PAUL NASCHY MEJOR PELICULA: Polder de Julian M. Grünthal y Samuel Schwarz
PREMIO NOCTURNA MEJOR DIRECTOR: Julian M. Grünthal y Samuel Schwarz por Polder
PREMIO NOCTURNA MEJOR GUIÓN: Polder
PREMIO NOCTURNA MEJORES FX: Polder
PREMIO NOCTURNA MEJOR ACTRIZ: (ex aequo) Nina Fog (Polder) y Zoe Bell (Camino)
PREMIO NOCTURNA VINCENT PRICE MEJOR ACTOR: Christoph Bach (Polder)
DARK VISIONS:
PREMIO NOCTURNA MEJOR PELÍCULA: Patient de Jason Sheedy
MADNESS:
PREMIO NOCTURNA-BUZZ MEJOR PELÍCULA: Patchwork de Tyler MacIntyre
MENCION ESPECIAL JURADO NOCTURNA-BUZZ: I had a Bloody Good Time at House Harker de Clayton Cogswell por su apologia de la serie B y recuperar el espíritu de la troma
Categorías:Nocturna

Nocturna 2016: presentaciones y actividades paralelas

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Este año las actividades paralelas de NOCTURNA 2016 se realizarán en la sala AMBITO CULTURAL de El Corte Inglés de Callao, menos la presentación del festival que será en el Gran Hotel Conde Duque y la inauguración de la figura de Paul Naschy en el Museo de Cera de Madrid. Las actividades que realizaremos son:

LUNES 23 DE MAYO

Gran Hotel Conde Duque (Plaza Conde Valle de Suchil 5, Madrid)

18.00h: Bienvenidos a NOCTURNA 2016. Rueda de prensa con Luis Rosales y José Luis Alemán.

MARTES 24 DE MAYO

SALA AMBITO CULTURAL/EL CORTE INGLÉS CALLAO (Plaza de Callao 2 , 7ª planta)

11.00h: NOCTURNA presenta Fanzines 3.0. Con los fanzines Neutrón, El Kronomonstruo y Obsesión Continua. Con la asistencia de José Mª Gil Gil, Carlos Díaz Maroto, José Luis Estébenez y Enrique Partal.

13.00h: NOCTURNA presenta “Jack Mircala and The Art of Extraordinary Tales”. Con la asistencia de su autor Jack Mircala.

MIÉRCOLES 25 DE MAYO

SALA AMBITO CULTURAL/EL CORTE INGLÉS CALLAO

11.00h: NOCTURNA presenta Nocturna Next: Nuevas películas. Nocturna presentará alguna de las producciones de género que veremos en los próximos meses Maniac Tales, Remember Us y Behind. Con presencia de los equipos técnicos de las mismas.

12.00h: Rueda de prensa Patient de Jason Sheedy. Con la presencia de su director, el productor Kyle Steinike y Luis Rosales.

13.00h: Mesa redonda “El Estado del Fantástico”. Con la asistencia de los directores Koldo Serra, Nacho Vigalondo, el escritor y periodista Ruben Higueras y el distribuidor David Fernandez.

JUEVES 26 DE MAYO

SALA AMBITO CULTURAL/EL CORTE INGLÉS CALLAO

10.45h: Inauguración figura Paul Naschy en el Museo de Cera de Madrid (Paseo de Recoletos 41, Madrid). Con la asistencia de Sergio Molina, Victor Matellano y Luis Alberto de Cuenca.

12.00h NOCTURNA presenta “Los Semblantes del Fantaterror. Con la asistencia de su autor Carlos Benítez y Sergio Molina.

13.00h: NOCTURNA presenta Recordando a Vincent Price. Con la asistencia de su hija Victoria Price.

VIERNES 27 DE MAYO

SALA AMBITO CULTURAL/EL CORTE INGLÉS CALLAO

10.30h: Rueda de prensa The Open de Marc Lahore. Con la asistencia de su director y Luis Rosales.

11.30h: Rueda de prensa Summer Camp de Alberto Marini. Con la asistencia de su director y Luis Rosales.

12.30h: Presentación libro John Landis. Un Hombre Lobo en Hollywood y rueda de prensa de John Landis. Con la asistencia de John Landis, Gerardo Santos Bocero y Luis Rosales.

SÁBADO 28 DE MAYO

SALA AMBITO CULTURAL/EL CORTE INGLÉS CALLAO

11.00h: Rueda de prensa House Harker de Clayton Cogswell y Cold Moon de Griff Furst. Con la asistencia de sus directores, los actores Derek Haugen y Jacob Givens, el productor Adam Lee y Luis Rosales.

12.00h: NOCTURNA presenta En Serie: El Ministerio del Tiempo. Charla con los creadores de la serie e invitados especiales.

13.00h: NOCTURNA presenta En Serie: El Caso. Charla con los creadores de la serie e invitados especiales.

14.00h: Lectura palmarés NOCTURNA 2016. Con la asistencia José Luis Alemán y Luis Rosales.

También os informamos que tendremos el placer de ver en primicia el tráiler de Noctem, la nueva película de Marcos Cabotá el próximo miércoles 25 de mayo a las 22.00h en Palafox. Noctem, basada en hechos reales nos cuenta la historia de Adrián y Esteban, que llevan un año desaparecidos. La policía se encuentra en punto muerto a pesar de haber encontrado sus pertenencias en Cozumel, una isla a 20 kilómetros de la Rivera Maya. Álex, un amigo en común de ambos, consigue hacerse con sus teléfonos móviles. Los cuales utiliza para iniciar una investigación paralela. Los archivos audiovisuales que guardan los teléfonos mostrarán la cara más amable y divertida de ambos amigos. Una vida sociable que se verá truncada en el mismo instante que Adrián empieza a percibir la presencia de alguien en su casa. La película está protagonizada por Adrián Lastra, Esteban Piñero y Álex González.

El Festival Internacional de Cine Fantástico de Madrid, NOCTURNA 2016 se celebrará del 23 al 29 de mayo en los madrileños cines Palafox, y es una producción de La Cruzada Entertainment  con el patrocinio de Dark Souls III, el canal de televisión Buzz y De Angeles Films.

Categorías:Nocturna

‘Ánimas’, terror español en Cannes

Nos gustó mucho el primer largometraje  de Laura Alvea y José Ortuño, The Extraordinary Tale, así que recibimos con alborozo la noticia de que su segundo proyecto, Ánimas, será un film de terror y que ha sido seleccionado para participar en L’Atelier de la Cinèfondation del Festival de Cannes

Coproducido por La Claqueta PC y Acheron Films, Ánimas es el único proyecto español seleccionado este año en el evento galo. En los últimos 3 años sólo 5 proyectos españoles han participado. “Ánimas” se rodará en inglés y tiene previsto su rodaje para finales de año. Su reparto internacional será anunciado en las próximas semanas.

POSTER-ANIMAS-b-1L’Atelier de la Cinéfondation acoge este año su duodécima edición e invitará al Festival de Cannes a 16 directores cuyos proyectos de película han sido considerados especialmente prometedores para cerrar la financiación durante la celebración del Festival de Cannes. Acompañados por su productor, podrán reunirse con posibles socios, indispensables para finalizar su proyecto y pasar a la fase de realización de su película. L’Atelier abre a sus participantes las puertas a las coproducciones internacionales, lo que permite acelerar el proceso de finalización de la película.

Ánimas’ thriller de terror psicológico, está escrito por José Ortuño basado en su novela homónima. Olmo Figueredo (La Claqueta PC) es productor ejecutivo, la jefa de producción es Marichu Sanz (Acheron Films). ‘Ánimas’ ya fue seleccionado el pasado año entre los seis proyectos españoles de “Small is biútiful”, el prestigioso foro de coproducción celebrado en Paris, además de haber pasado por otros foros y mercados internacionales.

Sinopsis: Cuando su mejor amigo comienza a actuar de manera extraña, Alex -un joven de 18 años- comenzará a vivir un descenso a los infiernos en el que encontrará presencias fantasmales, pesadillas horrendas y situaciones límite que pondrán en peligro su vida. Investigará el origen de todo este tormento hasta lograr averiguarlo en un final tan sorprendente como impactante.

https://www.facebook.com/animasmovie/

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Sitges 2015: una edición que apuesta por lo novísimo sin olvidar lo clásico

La 48 edición de nuestro festival más emblemático ha sido presentada hoy en sociedad, con asistencia de las autoridades y de su director. Un acto protocolario, sí, pero también festivo y distendido, en el que hasta el conseller, Ferran Mascarell, pese a su aspecto de villano de cómic, se ha manifestado sonriente y complacido. Era día de enumerar cifras, dotaciones (la de la Generalitat ha aumentado en un 33%); butacas, que se ven ampliadas con una nueva sala, Tramuntana (en el mismo edificio del Melià) y con otros espacios para actividades puntuales; venta de localidades, con casi más volumen que el año anterior; y otros pormenores más o menos burocráticos.

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Nos interesan sobre todo las películas, ellas son (junto al público) las auténticas protagonistas. Este año en las secciones oficiales se verán 169 filmes de muy variado pelaje, con predominio de las cintas de terror (así lo afirmaba Ángel Sala), que han sido elegidas buscando entre lo más novedoso, tanto por lo que se refiere a directores noveles , como a cintas de recientísimo rodaje. Pero ello no ha sido óbice para contar con algunos de los directores de más recorrido y/o más clásicos (ahí están Miike o Sion Sono). Una edición, esta 48, que apuesta por mostrar piezas fieles al género pero con rasgos de autoría personal (The Witch, la inaugural, es el botón de muestra). El teaser de este 2015 (montado por Quim Crusellas) está plagado de imágenes intensas, con grandes dosis de violencia (a veces hilarante de tan extrema) y tensión, es sin duda una píldora que nos despierta el apetito, ya habrá tiempo para desilusionarse si se da el caso, pero de momento las expectativas son buenas (con un añadido, se está regresando a las duraciones “humanas”, aquellas que no rebasan los 90 minutos y no castigan nuestras vejigas).

Otro de los intereses del certamen son los invitados, como buenos fans nos alegra siempre saludar caras célebres, y hoy se ha hecho pública la lista definitiva. Aquí os va:

LISTA DE INVITADOS

Jurado Oficial Fantàstic

Jarod Neece (productor)

Kier La-Janisse (productora)

Carlos Areces (actor)

Javier Ruiz Caldera (director)

Fernando Ronchese (director)

Jurado Noves Visions

Evrim Ersoy (director)

Alexandre Philippe (director)

Toni Espinosa (productor)

Jurado Blood Window / Panorama

Tom Davia (productor)

Romain Roll (actor)

Nicolás López (director)

Jurado Meliès

Luis Rosales (crítico)

Uri Aviv (director)

Manuel Carballom (director)

Jurado Focus Àsia – Anima’t

Jongsuk Thomas Nam (director del Festival BIFan)

Pierce Conran (productor)

Me Me Lai (actriz)

Jurado Òrbita

Giorgio Gosetti (periodista)

Josep Parera (crítico)

Jurado Brigadoon

Mónica Murguía (maquilladora)

Víctor García (director)

Omar Parra (programador)

Jurado Phonetàstic

Can Evrenol (director)

Thierry Philips (director Festival Liège)

Domingo López (crítico)

Gran Premi Honorífic

Oliver Stone (director)

Premio Màquina del Temps

Nicolas Winding Refn (director)

Rick Baker (especialista F/X)

Andrzej Zulawski (director)

Sion Sono (director)

Terry Jones (director)

Premio Maria Honorífica

Simon Yam (actor)

Premio Nosferatu

Rossana Yanni (actriz)

La Bruja (The Witch)

Robert Eggers (director)

Anya Taylor-Joy (actriz)

Curt Nivel 7

Santiago Segura (director)

Enrique Villén (actor)

Baskin

Can Evrenol (director)

Muge Buyuktalas (productor)

The Hallow

Corin Hardy (director)

Joe Neurater (productor)

Knock Knock

Eli Roth (director)

Yakuza Apocalypse

Takashi Miike (director)

Misako Saka (productor)

Shigeji Maeda (productor)

Hideaki Iwamoto (productor)

Love

Gaspar Noé (director)

We are still here

Ted Geoghegan (director)

The Invitation

Karyn Kusama (directora)

Phil Hay (productor)

Le tout noveau testament

Jaco Van Dormael (director)

The Boy

Craig William Macneill (director)

Endorphine

André Turpin (director)

Luc Dery (productor)

Kim McGraw (productora)

The Devil’s Candy

Sean Byrne (director)

Vulcania

José Skaf (director)

José Sacristán (actor)

Aura Garrido (actriz)

Miquel Fernández (actor)

Ginés García Millán (actor)

Ana Wagener (actriz)

Sílvia Abril (actriz)

David Matamoros (productor)

Ángeles Hernández (productor)

Gerard Rodríguez (productor)

Bone Tomahawk

S. Craig Zahler (director)

Frankenstein

Bernard Rose (director)

Turbo Kid

François Simard (director)

Anouk Whissell (director)

Yoann-Karl Whissell (director)

Benoit Beaulieu (productor)

The Gift

Edu Grau (Director de Fotografía)

Ludo

Quashiq Mukherjee (director)

Victoria

Laia Costa (actriu)

What We Become

Bo Mikkelsen (director)

Louis Tisné (productor)

Troels Lyby (actor)

The Survivalist

Stephen Fingleton (director)

El cadáver de Anna Fritz

Héctor Hernández Vicens (director)

Xavier Atance (productor)

Albert Carbó (actor)

Alba Ribas (actriz)

Cristian Valencia (actor)

Bernat Samuel (actor)

Oriol Maymó (productor)

Alberto Aranda (productor)

Marta Carbó (productora)

Summer Camp

Alberto Marini (director)

Andrés Velencoso (actor)

Maiara Walsh (actriz)

Àlex Monner (actor)

Jaume Balagueró (productor)

Absolutely Anything

Terry Jones (director)

Bemn Timlett (productor)

Green Room

Jeremy Saulnier (director)

Cop Car

John Watts (director)

Martyrs

Kevin Goetz (director)

Michael Goetz (director)

Segon Origen

Carles Porta (director)

Oscar Rodríguez (productor)

Andrés Batista (actor)

Ibrahim Mané (actor)

Blood Red Carpet

Suzane Smith (directora càsting)

Juliette Ménager (directora càsting)

Vicky Luengo (actriz)

Laia Costa (actriz)

Alejo Saura (actor)

Álvaro Cervantes (actor)

Peter Vives (actor)

Godeliv Van der Brandt (actriz)

Into The Forest

Patricia Rozema (directora)

Niv Fichman (productor)

La próxima vez apuntaré al corazón

Cédric Anger (director)

Slow West

John McLean (director)

Mr. Right

Paco Cabezas (director)

Max Landis (guionista)

Jeruzalem

Rotem Levim (productor)

Nir Miretzky (productor)

Brand New U

Simon Pummell (director)

Janine Marmot (productora)

The Pack

Michael Robertson (productor)

El eslabón podrido

Valentín Javier Diment (director)

Sebastián Cortés (guionista)

Macarena García Lenzi (productora)

The Demolisher

Tianna Nori (actriz)

Los Parecidos

Isaac Ezban (director)

Alena

Daniel DiGrado (director)

Alexander Rönnberg (productor)

Amalia Holm (actriz)

Felice Jankell (actriz)

Rebecka Nyman (actriz)

Molly Nutley (actriz)

Kim W. Andersson (guionista)

Linda Jildmalm (montadora)

Inner Demon

Ursula Dabrowsky (directora)

Sarah Jeavons (actriz)

The Mind’s Eye

Joe Begos (director)

Nina Forever

Ben Blaine (director)

Chris Blaine (director)

The Shelter

John Fallon (director)

Night Fare

Julien Seri (director)

Pascal Sid (guionista)

Writer’s Retreat

Chris Fairbank (actor)

Robert Muston (productor)

Dan Lincoln (montador)

Goddess of Love

Alexis Kendra (actriz y guionista)

Smoke and Mirrors

Tom Savini (especialista F/X)

Lost Souls

Richard Stanley (actor)

I am Your Father

Toni Bestard (director)

Marcos Cabotá (director)

Paula Serra Magrané (productora)

Miquel Verd Cañellas (productor)

Diana de la Cuadra (directora de producción)

Dark Star: H.R. Giger’s World

Sandra Beretta (productora)

Entertainment / The Comedy

Rick Alverson (director)

Der Nachtmahr

AKIZ (director)

Blind Sun

Joyce A. Nashawati (directora)

Vincent Brançon (productor)

Lionel Gudej (productor)

Francesca

Luciano Onetti (director)

Nicolás Onetti (productor)

Juan María Onetti (actor)

Evangelina Goitia (actriz)

Ni le ciel ni la terre

Clement Cogitore (director)

Haruko’s Paranormal Laboratory

Lisa Takeba (directora)

Lace Crater

Harrison Atkins (director)

Evolution

Lucile Hadzihalilovic (directora)

Sacramento

Carlos Cañeque (director)

Maite Grau (directora artística)

Fermí Reixach (actor)

Tony Corvillo (actor)

Angelica

Mitchell Lichtenstein (directora)

Joyce Pierpoline (productora)

The Maidroid

No Zin-Soo (director)

La novia

Paula Ortiz (directora)

Leticia Dolera (actriz)

Imma Cuesta (actriz)

Alex Lafuente (productor)

Luisa Gavasa (actriz)

Anabel

Antonio Trashorras (director)

Extraordinary Tales

Raúl García (director)

The Thief & The Cobbler

Richard Williams (director)

Imogen Sutton (productor)

The Crimson Whale

Hyemi Park (director)

Dyke Hard

Bitte Andersson (director)

Ninja War of Torakage

Yoshishiro Nishimura (director)

Takumi Saito (actor)

Bite

Chad Archibald (director)

Christopher Giroux (productor)

Cody Calahan (productor)

Bite

Alberto Sciamma (director)

Deathgasm

Jason Lei Howden (director)

Sarah Howden (productora)

Sendero

Lucio AQ. Rojas (director)

Andrea García-Huidobro (actriz)

Stung

Benni Díez (director)

Bemnjamin Munz (productor)

German Angst

Michael Kosakowski (director)

Andreas Marschall (muntador)

Andrea Staerke (productor)

Darkside Witches

Gerard Diefenthal (director)

Simone Jacoella (productora)

Haman

Tetsuya Okabe (director)

Nonoka Baba (actriz)

Yumi Hasegawa (director de fotografía)

Soledad Miranda

Pepe Flores (director)

Paco Millán (director)

Francisco Prieto López (productor)

Point Zero

Arthur Cauras (director)

Cédric Hachard (productor)

Jirón

Christian Cueva (director)

Fury

Kevin A. McCarthy (director)

Freak Out

Boaz Armoni (director)

Amit Ginat (muntador)

Endtime

Yotam Ishay (actor)

The Simon’s Jigsaw

Luís Esquinas (director)

Ninja Eliminator 4

Mathieu Berthon (director)

Umbra

Brin Tilly (director)

Go to Sleep

Javier Barberá (director)

Alien Inside

Alfonso García López (director)

Djävulen

Francisco González Prada (director)

Javier González Prada (director)

Caradecaballo

Marc Martínez Jordán (director)

 La Hora del Baño

Eduardo Casanova (director)

Jealousy

David Barrera (director)

Silente

Paco Ruiz (director)

Secuestro

Blanca Portillo (actriz)

Así que ya tenemos al Festival puesto de largo y con todo preparado para despegar con ánimo de ratificarse como el certamen de cine fantástico más importante del mundo. Una pretensión en la que todos ponemos nuestro granito de empeño. Afán cosmopolita que algunos han tratado de empañar con reivindicaciones localistas, pero esa ya es otra historia a la que están dando exhaustiva cobertura los grandes medios, una historia que tiene poco que ver con nosotros y de la que desconectaremos totalmente en cuanto nuestros pies pisen la Blanca Subur.
Categorías:Sitges Film Festival

Aïda Ballmann, nueva estrella en el firmamento del cine

17 febrero 2015 Deja un comentario

Descrita por el crítico de La Vanguardia como pieza para coleccionistas, The Extraordinary Tale ha sido una de las sorpresas más gratas que han llegado a nuestra cartelera en este 2014 y que ahora Cameo ha puesto a nuestra disposición en DVD. Hablamos sobre ella en este blog y entrevistamos a uno de sus directores, Jose F. Ortuño, pero nuestro trabajo no estaría completo si no le dedicásemos un artículo completo a Aïda Ballmann su protagonista y auténtica estrella del filme. Aïda nos enamora en su interpretación de la chica (sin nombre en la película), ella es la auténtica alma del relato presente en casi todos los planos, todo un trabajo actoral de gran calado. Sin duda una actriz que se entrega totalmente a su papel, pero también una mujer interesante en sí misma, Aïda ha tenido la amabilidad de responder a nuestras preguntas, sus propias palabras son su mejor carta de presentación. Os dejamos con ella y sus interesantes respuestas, espero que disfrutéis de su entrevista tanto como lo ha hecho quien escribe.

aida_016Tu infancia transcurrió en el idílico paraje de El Hierro, en un ambiente propicio al arte y la cultura debido al trabajo de tus padres, ¿qué es lo que te marcó más de esa época?

La libertad para desarrollarme tal y como necesitaba, gracias a la educación recibida. Obviamente, no existe nada perfecto y todo tiene sus dificultades o decisiones erróneas que se toman frente a ciertas situaciones en la vida, pero todo depende de cómo uno se las toma: El mayor regalo de mis padres ha sido entender que soy responsable de mi realidad y que, frente a cualquier situación tengo la posibilidad de elegir mi postura (positiva, para encararla y superarla, o negativa y victimista).

Para mí, la sociedad representa muchas veces una cárcel donde las normas sociales, protocolos, etc. no te permiten ser como realmente eres y te tienes que adaptar. Mi infancia, sin embargo, ha sido todo lo contrario: Un camino de descubrimientos. Pude probar muchas disciplinas artísticas, viajar desde muy joven, conocerme, plantearme el por qué de la existencia, etc.

Pronto te revelaste como una auténtica trotamundos, ¿cuántos países has conocido? ¿tu condición de viajera te influyó en tu decisión de ser actriz?

Mis viajes se iniciaron desde muy pequeña con mis padres, a los trece años ya hacía algunos viajes sola a Alemania y por las Islas Canarias.

Al cumplir dieciocho años, necesité volar y descubrir mundo. Había crecido en un entorno muy seguro y paradisíaco, en El Hierro, pero sabía que eso no lo era todo. Cogí la mochila y, junto a mi hermana melliza, me fui a Iglaterra, Irlanda, Holanda e hice el Camino de Santiago. Luego cruzamos el charco y nos introdujimos en la cultura de los países latinos por los que pasábamos (íbamos sin rumbo fijo: Si un lugar concreto nos gustaba, nos quedábamos). Pasamos por Brasil, Paraguay, Chile, Argentina, Bolivia, Perú y México.

En ese año sabático, conocí de cerca ese gran monstruo que azota a gran parte del planeta: La pobreza. Las desigualdades e injusticias que compartí de cerca al integrarme en las diferentes formas de vivir distintos lugares por los que pasaba, me hicieron plantearme cuál podría ser mi misión en este mundo. Sentía la necesidad de aportar algo bueno a la humanidad. De ahí que decidí ser actriz: Mi ilusión es recrear realidades, llamar la atención sobre ellas y hacer que las personas vivan una catarsis a través de ellas, se hagan preguntas e, incluso, busquen sus propias soluciones a ellas.

Aïda primer plano

Nada más volver a España, me matriculé en Gijón en Arte Dramático pero el vicio de viajar no lo perdí nunca pues para mí es muy interesante observar la sociedad de cada cultura, compararla y sacar a relucir lo positivo de cada una. Es casi un defecto profesional el inspirarme en la gente gracias a la observación y el análisis.

Así que, mientras estudiaba o trabajaba, me escapaba siempre que podía a descubrir algún rincón del mundo, como Japón, Colombia, Chile, Perú, Suiza, Estados Unidos, Portugal, Francia, etc.

Espero hacerme un buen mapamundi en mi cabeza antes de morir y entender a la humanidad… Me encanta la diversidad, hace que cada lugar y persona sea único e irrepetible, pero en el fondo todos somos muy parecidos en nuestros funcionamientos. Actuamos por motivación, por amor, por búsqueda de aprecio, por autosuperación, por supervivencia, por curiosidad,… En cualquier caso: Todos merecemos y necesitamos amor.

a004Estudiaste arte dramático en Asturias y Sevilla, tus primeros trabajos, sin embargo, fueron en los espectáculos de Isla Mágica, donde te formaste como acróbata. ¿Cómo conjugaste tu formación teórica y tu experiencia práctica? ¿Cómo han influido tus conocimientos circenses en tu oficio de actriz? ¿Está todo relacionado?

Mis primeros pasos en el mundo laboral fueron realmente en Gijón con la compañía de teatro infantil La sonrisa del lagarto, donde la comicidad y el teatro gestual fueron los pilares de expresión. Ahí me di cuenta de que, aunque con los estudios se aprende mucho, la mejor profesora es la experiencia.

Una vez que comencé a trabajar en Isla Mágica, la mayor parte de la teoría acumulada en mi mente durante años, me sirvió de muy poco para enfrentar un público demandante y cambiante con cada día que pasaba.

Por otro lado, viví la rutina en el arte, la mayor muerte para éste. Pasé por el proceso de convertir mi interpretación en algo mecánico a romperlo de nuevo y recuperar su frescura. Perfilé el arte del engaño a la manera de Al Pacino cuando dice: “Siempre digo la verdad, incluso cuando miento”. Es decir, daba igual cómo me sentía en mi vida personal, al espectador le tenía que transmitir lo que le ocurre al personaje con la mayor veracidad posible, aunque para ello tenga que recurrir a técnicas de interpretación. (Considero difícil hablar sobre técnicas, para mí se trata más bien de buscar caminos para expresar algo y estos “caminos” se pueden analizar y desmenuzar para convertirlo en una expresión consciente. En ese sentido, los cuatro años que me pasé formándome en la escuela, fueron más bien para descubrirme las herramientas que tengo, mis virtudes y defectos y aprender a canalizarlos hacia el resultado deseado).

VueloIsla-Magica

A nivel personal, opino que una persona es más completa cuanto más cosas sabe ya sea a nivel general o en relación a su profesión. Este pensamiento lo llevo a mi trabajo como actriz: Cuantas más disciplinas y habilidades domine, más herramientas tengo para enriquecer mi interpretación. Por suerte, he empezado a desarrollar estas facetas desde muy joven de manera autodidacta. Mientras estudiaba, seguía formándome en cursos puntuales que me interesaban y, durante los años que trabajé en el parque temático, seguía practicando mucho. Pude probar casi todo lo que aprendía con el público… Hasta que llegó el momento en el que me comencé a aburrir porque no sabía qué más hacer para seguir creciendo… Y fue entonces cuando apareció “The extraordinary tale” en mi vida.

Tu primer papel protagonista te llega de la mano de The Extraordinary Tale of the Time Table. ¿Qué te llamó la atención del proyecto? ¿Fue duro el casting?

El casting lo hice como uno más de los muchos que solía hacer, sin esperar ser seleccionada, casi como si formara parte de mi entrenamiento interpretativo. Después de unos meses, me llamaron para un segundo casting junto al que sería mi compañero de reparto, Ken Appledorn.

Tengo que decir que odio los casting, suelo pasarlo fatal porque no me gusta que me analicen de arriba a abajo. Pero en esta ocasión, decidí disfrutarlo y dar lo mejor de mí. Si les gustaba mi trabajo, bien, si no, tampoco perdía nada. Y resultó que les gusté y que decidieron confiar en mí con este gran proyecto.

Cuando leí el guión no entendí mucho: Era un mundo raro en el que sólo alcanzaba visualizar algunas imágenes de escenas concretas. Pero me atrapó y, en los primeros ensayos comencé a vislumbrar el camino a seguir.

aida_018Tu personaje en el filme apenas usa la palabra oral, se comunica escribiendo y, sobre todo, con sus expresiones faciales. ¿Tenías conocimientos sobre el arte de la mímica? ¿Cómo te ayudó tu condición de acróbata en la interpretación?

Sobre el arte de la mímica sabía lo justo que había aprendido en la escuela de arte dramático. Aunque siempre me gustó expresarme con el cuerpo, creía que mi gestualidad era poco precisa y que no transmitía con suficiente claridad el mundo interior de mi personaje. Me obsesioné con esa idea: Durante dos meses no hacía más que pensar en detalles a mejorar en la película desde que me levantaba y hasta que me acostaba y , aunque seguía trabajando en el parque temático, éste dejó de importarme. Lo mismo pasó con mis amistades. Pobres, qué paciencia.

La acrobacia no fue más que un suplemento que introduje aquí y allá en algunas escenas para darle más color al personaje y resultó que calzó muy bien.

Es imposible ver The Extraordinary Tale y no salir enamorado de tu actuación. ¿Cómo preparaste el papel? ¿Hubo alguna escena que te pareciera especialmente complicada? Hay un momento en el filme en el que caes al suelo desde los hombros de tu compañero, ¡¡hace daño verlo!! ¿Fue tan real la caída como lo parece?

La caída fue un accidente. Como rodamos en 13 días no hubo tiempo para la improvisación: Tuve que llevar cada escena ensayada al dedillo para no equivocarme. Pero ésta fue la última que rodamos y me permitieron improvisar. Me dio tiempo de decirle a Ken: “Me voy a subir a tus hombres, me tienes que agarrar de los tobillos y caminar”, no tuve tiempo para decirle más nada porque en medio de los “¿qué, quéeee?” de Ken, escuchamos el “¡acción!” y me subí a sus hombros. Ken hizo todo como ordenado, pero empezamos a tambalearnos. Ken, asustado, no me soltó los tobillos en ningún momento, un compañero muy protector; hizo lo que cualquiera que nunca hubiera hecho acrobacia… Lo correcto hubiera sido que me soltara los pies para saltar, pero, en lugar de ello, fueron mis rodillas lo primero que tocaron el suelo. Me di tal golpe que estuve cojeando durante dos meses. Por supuesto, le resté importancia: Tocaba celebrar el final del rodaje y no tener a todo el mundo preocupado por mi, por mi falta de noción del peligro: Me gusta rozar los límites para que éstos se expandan. Pero ese riesgo a veces supone pequeños accidentes.

El papel me lo preparé de la siguiente forma: Cogí el guión y, tras leerlo varias veces, apunté con un verbo cada acción del personaje. Cuando ensayábamos, uno de los directores me iba leyendo los verbos, yo los iba ejecutando (sin objetos, normalmente, sólo el gesto) neutralmente y el otro director me iba grabando. Luego recibía correcciones y lo repetía hasta dos o tres veces más, empapando cada vez más estas acciones con las emociones y pensamientos del personaje. De ahí fue surgiendo su particular manera de expresarse y de moverse.

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Una vez terminado el ensayo, apuntaba hasta el mínimo detalle lo que había hecho para releerlo y practicarlo yo sola.

Prepararme las escenas fue relativamente fácil una vez que entendí cómo era y cómo se expresaba el personaje. En los ensayos tuve tiempo de probar y de desechar lo que no funcionaba. De esta manera, en el rodaje iba a tiro hecho. Pero sí que hubo dos escenas que se me atravesaron: Una en la que Ken y yo nos besamos por primera vez donde, entre el agotamiento y la cara de éste, no podía parar de reírme. Cada vez que giraba la cara hacia él, me quería morir. Verlo tan manchado de chocolate a las cinco de la mañana y con esa cara de inocente era demasiado para mí.

La otra escena que se repitió más veces de la cuenta (normalmente íbamos a toma única o dos tomas) fue aquella en la que recojo la ceniza de mi madre del suelo y la voy colocando en vasos en el borde del fregadero mientras hablaba. La escena en sí no tenía gran dificultad para mí pero o fallaba yo o lo hacía el cámara: Nos costó ponernos de acuerdo para la toma buena.

Zancos1Jose-Wela¿Cómo fue tu relación con la pareja de directores? Rodasteis en apenas dos semanas, ¿Fueron duras las sesiones? ¿Qué anécdotas divertidas nos puedes contar?

Ser dirigida por dos artistas fue sublime: Odio sentirme perdida como actriz con falta de indicaciones. En este caso y, aunque ambos caminaban en la misma dirección, ambos me enriquecían desde su perspectiva.  Generalmente, Laura me daba muy buenas notas sobre el mundo interior del personaje mientras que Ortuño era más técnico.

El rodaje fue duro por las largas jornadas (la primera semana rodamos de noche y la segunda de día) pero, como estaba haciendo lo que más me gusta, se me hizo muy ameno. Una vez finalizado el rodaje, me di cuenta del enorme desgaste que supuso para mí: Lo di todo y me quedé vacía. Durante el rodaje, no me permitía fallar, fueron muchas horas de máxima concentración, tenía que tener la energía justa que requería cada escena aunque mi cuerpo no podía más (durante la primera semana, encima, trabajaba de día en el parque temático), etc.

A todo esto, se sumó una ola de calor. Esto supuso que en plató, hiciera de cincuenta grados para arriba, por los focos. Había que evitar ver los chorros de sudor en cámara y salir a la calle a los 48 grados era “coger el fresco”.

Recuerdo con mucho cariño la noche en que me vistieron de novia para casarme con Ken. Él tenía que cogerme en brazos, conseguir meterme por la puerta de la casa y darme un beso. No lo lograba, me quedaba atascada golpeando con los pies la pared de la casa y haciendo que temblase entera. Ken se fue poniendo nervioso y, en una de esas, me dio un beso con más intensidad de la esperada y mi labio empezó a sangrar con tal ímpetu que me tuvieron que proteger del vestido para no mancharlo.

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Del rodaje hay poco que contar porque iba todo sobre ruedas y no podíamos perder el tiempo. Pero rodar con el niño de dos años fue una experiencia muy dura: Cada vez que me veía se echaba a llorar y salía corriendo, así que no pudimos grabar juntos casi nada. Al final, optaron por hacerle jugar sólo en plató y, cuando hacía algo que cuadraba con la escena, me lo contaban y yo reaccionaba ante cámara como si lo tuviera delante.

The Extraordinary Tale es toda una prueba de fuego en la que se ve todo el talento que posees, ¿Qué vendrá ahora? Cuéntanos tus proyectos de futuro.

Ahora mismo tengo tres proyectos de películas a rodar de aquí a un año y una serie: Protagonizaré “Muerte Súbita” de Domingo Doreste, así como “El Sendero Bimbache” de Iván López y haré un secundario en Uno de Alejandro Marcos. La serie es “The Holy Fountain” de José F. Ortuño y Laura Alvea.

No puedo imaginarme en otra profesión, así que espero poder seguir desarrollándome como actriz e investigando sobre mis limitaciones para romperlas: Desde la incomodidad y el suelo inestable salen las mejores sorpresas.

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Categorías:PIN UP, VAMOS DE ESTRENO

Cameo: Novedades en DVD y Blu- ray para febrero.

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Cameo anuncia unas suculentas novedades para febrero de 2015. Entre ellas una de las películas que más nos sorprendió el año pasado: la deliciosa y perversa The Extraordinary Tale of the Times Table. Pero también un gran clásico que cumple treinta añitos, Sangre fácil de los hermanos Coen, de la que Cameo nos ofrece su Director’s Cut. También más que documentales sobre música, danza y la más terrible actualidad con 20.000 Días en la tierra, Five Days to Dance y Confesiones de un banquero. Sin olvidar el mejor cine europeo y español con títulos como Ida, En un patio de París o Magical Girl.  Todo ello como es habitual editado con los extras disponibles y, por supuesto, opción a disfrutarlo en V. O. subtitulada.

NOVEDADES 4 / 2 / 2015

The extraordinary tale of the times table (DVD)

Fantástico. España, 2014, José F. Ortuño. Con Aïda Ballmann; Ken Appledorn; Mari Paz Sayago
Tras su estreno en EE.UU. y España el pasado verano, The Extraordinary Tale debutó en Filmin, la plataforma de video bajo demanda líder en cine independiente en España, en el puesto número 1. Lo que son excelentes noticias para una película financiada con capital privado y sin subvenciones públicas durante su rodaje. Además, la película será reestrenada en Estados Unidos en la primavera del 2015 tras su  estreno “limited” el pasado verano.   

 The Extraordinary Tale es una comedia negra, “un cuento de hadas macabro” como lo definen sus directores Laura Alvea y José F. Ortuño que ya fueron seleccionados con su cortometraje Relojes de Arena en el Festival de Venecia. Es una película dirigida a un público internacional rodada en inglés y ambientada en ningún lugar concreto del mundo. Por ello, los autores se rodearon de un reparto internacional, empezando por la protagonista, Aïda Ballmann, de origen alemán y el actor norteamericano  Ken Appledorn. 

Sinopsis: Un oscuro cuento de hadas en la que “chico conoce chica, chico se enamora de chica, chica sufre un transtorno obsesivo compulsivo, chico y chica tienen un chiquitín, chicho y chica se deshacen del chiquitín y Chico y  viven felices y comen perdices”.

Extras: Tráiler, casting, efectos visuales, el doblaje, ensayos, imágenes de rodaje, making of, ficha artística, ficha técnica; audio comentario de los directores en versión inglesa y castellana
Sangre fácil (Blood Simple) (DVD)
Thiller, USA, 1984. Joel y Ethan Coen. Con  John Getz, Frances McDormand, Dan Hedaya,  M. Emmet Walsh
Sinopsis: En el corazón de Texas, una joven esposa, guapa y seductora, cae en brazos de Ray, uno de los empleados de su marido. Convencido por un detective de la infidelidad de su mujer y obsesionado por el engaño, Julian se decide a preparar el asesinato de Ray. Desde ese momento, todo se complica y sus planes se truncan. Lo que podía haber sido un asesinato perfecto se vuelve una auténtica pesadilla: el propio detective se convierte en la víctima y los infortunados amantes el blanco de un desesperado y calculador asesino.

20.000 Días en la Tierra (20,000 Days on Earth) (DVD)
Documental, UK, 2014. Ian Forsyth y Jane Pollard. Con  Nick Cave, Susie Cave, Warren Ellis, Darian Leader, Ray Winstone, Blixa Bargeld, Kylie Minogue, Arthur Cave, Earl Cave
Ficción y realidad se combinan en 24 horas en la vida de Nick Cave, músico e icono cultural internacional. Con sorprendentes hallazgos y un íntimo retrato del proceso artístico, 20.000 días en la Tierra examina lo que nos hace ser lo que somos y celebra el poder transformador del espíritu creativo.
Winter Sleep -Sueño de invierno- (Kis uykusu) (DVD)
Drama, Turkía, Francia y Alemania, 2014.  Nuri Bilge Ceylan. Con Haluk Bilginer; Melisa Sözen; Demet Akbag; Ayberk Pekcan
Sinopsis: Aydin, un antiguo actor, regenta un pequeño hotel en Anatolia central con la ayuda de su joven esposa Nihal, de la que se ha distanciado sentimentalmente, y de su hermana Necla, que acaba de divorciarse. A medida que el invierno avanza y la nieve recubre la estepa, el hotel se convierte en un refugio, pero también en un lugar sin salida que sirve para avivar los resentimientos.

Confesiones de un banquero (Der Banker: Master of the universe) (DVD)
Documental, Austria / Alemania. 2013. Marc Bauden.
Sinopsis: Los verdaderos amos del universo no son ni los políticos, ni los ejércitos, ni los gobiernos. Los verdaderos amos del universo son los bancos de inversiones. Un poderoso banquero alemán nos ofrece una inquietante visión de sus emociones, motivaciones y predicciones, mientras nos desvela un universo paralelo de ingresos desorbitados y presión despiadada. Descubrimos un sistema que aísla los banqueros del resto del mundo y los convierte en incapaces de reflexionar sobre su propio trabajo.

Five Days To Dance (DVD)
Documental, España / Alemania, 2014. Rafa Molés y Pepe Andreu.
Sinopsis:Una pareja de bailarines aparece una mañana en el aula de un instituto. Es lunes y anuncian a un grupo de adolescentes que tienen cinco días para subirse a un escenario y bailar. Una semana para cambiar las cosas. Un pequeño plazo pero un gran reto: mover a las personas cuando el mundo nos paraliza. La danza obliga a esos jóvenes a romper sus roles justo en el momento de sus vidas en el que los roles sociales se están forjando. El líder deja de ser el más admirado, el tímido da un paso adelante… Bailar les obliga a tocarse. Se comunican, se igualan. Alguno no se liberará hasta el último instante.

NOVEDADES 18/02/15

Frank (DVD)

Comedia, USA/Irlanda/UK, 2014. Lenny Abrahamson. Con Michael Fassbender, Maggie Gyllenhaal, Domhnall Gleeson, Shane O’Brien, Scoot Mcnairy
Sinopsis: Jon es un joven aspirante a músico que se une a un grupo pop vanguardista liderado por el misterioso y enigmático Frank: un genio excéntrico que se esconde bajo una enorme cabeza postiza.

Extras: Tráiler, Entrevistas, Ficha artística y Ficha técnica
Zombis nazis 2: Rojos Vs. muertos (Dead Snow 2) Disponible en DVD y Blu-ray
Comedia de terror, Noruega/Irlanda/USA/UK, 2014. Tommy Wirkola. Con Vegar Hoel, Ørjan Gamst, Martin Starr, Jocelyn DeBoer, Ingrid Haas
Sinopsis: La amenaza de los zombis nazis es todavía mayor, pero en esta ocasión las fuerzas aliadas contarán con la ayuda de un comando norteamericano especializado en exterminar muertos vivientes.
 
Magical Girl (Disponible en DVD y Blu-ray)
Drama, España, 2014. Carlos Vermut. Con Bárbara Lennie, José Sacristán, Luis Bermejo
Sinopsis:Alicia, una niña enferma, sueña con el vestido de la serie japonesa “Magical Girl Yukiko”. Luis, su padre, hará todo lo que esté en su mano para conseguirlo. Su destino se cruza con el de Bárbara, una atractiva joven con desórdenes mentales, y con el de Damián, un profesor retirado de todo menos de su tormentoso pasado. Luis, Bárbara y Damián quedarán atrapados en una red de oscuros chantajes, en la que instintos y razón se debatirán en una trágica lucha.

Extras: Tráiler, Making of, ¿Qué es Magical Girl?, Producir en España, Toros, coplas y anime, Ficha artística, Ficha técnica
En un patio de París (Dans la cour) (DVD)
Comedia/Drama, Francia, 2014, Pierre Salvadori. Con Catherine Deneuve, Gustave Kervern, Pio Marmaï
Sinopsis: Antoine es un músico de unos 40 años que de pronto decide abandonar su carrera. Tras deambular sin rumbo durante varios días, lo contratan para que se encargue del mantenimiento de un edificio de pisos. Mathilde, una jubilada que acaba de mudarse, descubre una grieta en la pared del salón y es víctima del pánico. Poco a poco nace una amistad torpe, aunque sólida, entre Antoine y Mathilde.

Betibú (DVD)
Thriller, 2014, Miguel Cohan. Con Alberto Ammann; Daniel Fanego; Jose Coronado
Sinopsis: En una exclusiva urbanización de las afueras de Buenos Aires, el poderoso empresario Pedro Chazarreta es hallado muerto. Para dar cobertura a lo que, sin duda, será la noticia del año, el director del periódico de mayor tirada del país convoca a la prestigiosa novelista Betibú para escribir una serie de columnas sobre el caso. La escritora se involucrará poco a poco en la investigación y, con la ayuda de dos periodstas más, descubrirá que la muerte del empresario es solo el primer eslabón de una serie de asesinatos de hombres poderosos que comparten un oscuro pasado común.

Extras: Tráiler, making of, ficha artística y técnica
Alguien a quien amar (En du elsker) (DVD)
Drama, Dinamarca/Suecia, 2014. Pernille Fischer Christensen. Con Mikael Persbrandt; Trine Dyrhom; Birgitte Hjort Sørensen; Sofus Rønnov; Eve Best
Sinopsis: Thomas Jacob, un cantautor de fama mundial, vive en Los Ángeles. Después de una ausencia de años, regresa a Dinamarca para grabar un nuevo albúm y se reencuentra con la hija de la que se distanció. Esta le presenta a Noa, su hijo de 11 años. A pesar de no conocer al niño, a Thomas no le queda más remedio que cuidar de él. Poco a poco, la música hará que los dos conecten y Thomas se verá obligado a tomar una decisión que cambiará su vida para siempre.
Ida (Sister of Mercy) (Blu-ray)
Drama, Polonia/Dinamarca/Francia/UK,2014. Pawel Pawlikowski. Con Agata Kulesza, Agata Trzebuchowska, Joanna Kulig, Dawid Ogrodnik, Jerzy Trela, Adam Szyszkowski, Artur Janusiak, Halina Skoczynska, Mariusz Jakus
Sinopsis: Anna es una guapa jovencita de 18 años que se prepara para convertirse en monja en el convento donde vivió desde que quedó huérfana de niña. Un día descubre que tiene una pariente viva a la que debe visitar antes de tomar los votos, su tia Wanda. Ambas se embarcan juntas en un viaje de descubrimiento sobre ellas mismas y de su pasado común. Ida, que en realidad es como se llama Anna, deberá elegir entre su identidad natal y la religión que le salvó de las masacres de la ocupación nazi de Polonia. Y Wanda deberá enfrentarse a las decisiones que tomó durante la Guerra, cuando eligió la fidelidad a la causa antes que a la familia.
Extras: Tráiler, entrevista al director

 

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Categorías:DVD / BLU-RAY

VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 10 de mayo de 2019 *

EL INCREÍBLE FINDE MENGUANTE (Jon Mikel Caballero, 2019)

España. Duración: 93 min. Guion: Jon Mikel Caballero Música: Luis Hernáiz Fotografía: Tânia da Fonseca Productora: Montreux Entertaiment / Trepamuros Producciones Género: Drama fantástico

Reparto: Iria del Río, Adam Quintero, Nadia de Santiago, Jimmy Castro, Adrián Expósito,Irene Ruiz, Luis Tosar

Sinopsis: Alba (Iria del Río) acaba de cumplir 30 años y se dispone a disfrutar de un fin de semana en una casa de turismo rural con sus amigos. Sus planes de fiesta pronto se ven frustrados cuando su novio Pablo (Adam Quintero) la deja.
Alba se ve entonces atrapada en un bucle temporal donde los hechos del fin de semana comienzan a repetirse una y otra vez.
Pero algo es diferente, cada repetición dura una hora menos que la anterior. ¿Es el bucle una oportunidad para solucionar sus problemas o un castigo? ¿Qué pasará cuando el tiempo se consuma? ¿Qué pasará cuando todo acabe definitivamente?

Una película pequeña, de poco presupuesto, pero convincente. Buena dirección, buenos actores, buena narración con un guión ingenioso y unas bonitas localizaciones. Su director, Jon Mikel Caballero, demuestra haber tomado buena nota de los diversos trabajos que ha realizado para J. A. Bayona o Kike Maíllo y tras dos cortometrajes, Hibernation (2013) y Cenizo (2016) que suman 55 premios y 300 selecciones internacionales, dirige su primer largo con pulso firme y las ideas muy claras. El increíble finde menguante es un drama fantástico con toques de comedia que no puede negar su clara inspiración en Atrapado en el tiempo y otras cintas con bucles temporales en las que todo se repite una y otra vez pero, en este caso, con una cuenta atrás de por medio: cada repetición se acorta una hora, restando tiempo a la protagonista para resolver sus asuntos pendientes y su atasco vital.  Un tiempo que se acaba, que caduca, como se termina la loca juventud de la joven protagonista, que treintañera, parece no darse cuenta de que hay que madurar y comenzar a plantearse lo que uno desea hacer con el resto de su vida.

Con algunos bonitos detalles, como el de las cápsulas del tiempo enterradas por una Alba niña en el bosque, o el que la pantalla se vaya comprimiendo conforme el tiempo se va acortando, lo que añade urgencia y ahogo a la historia, junto a una excelsas localizaciones naturales, hacen que la película sea algo más que una aventura, una enorme broma de jóvenes borrachos descontrolando en el bosque, a pesar de que Caballero comience su película como si de un clásico slasher se tratara, con los protagonistas llegando a la casa en la que se disponen a pasar un fin de semana etílico que resultará más largo de lo esperado, al menos para su protagonista, encarnada por Iria del Río, que realiza un magnífico trabajo, al igual que el resto del elenco en el que destaca Nadia de Santiago, una de nuestras debilidades, pero también Adam QuinteroJimmy Castro, Irene Ruiz y Adrián Expósito. Sin olvidar la participación de Luis Tosar, como padre de la protagonista.

Por todo ello nos ha convencido El increíble finde menguante, cinta que participó recientemente  en el Festival de Cine de Málaga y en el Festival de Cine Fantástico de Bilbao- FANT, donde se ha llevado los premios al mejor  guión y director. Buen comienzo.

DE LA INDIA A PARÍS EN UN ARMARIO DE IKEA (The Extraordinary Journey of the Fakir, Ken Scott, 2018) 

Francia/USA/Bélgica/Singapur/India Duración: 92 min. Guion: Luc Bossi (Novela: Romain Puertolas) Música: Nicolas Errèra Fotografía: Vincent Mathias Productora: Brio Films / Little Red Car Films Género: Comedia

Reparto: Dhanush, Bérénice Bejo, Erin Moriarty, Barkhad Abdi, Gérard Jugnot,Sarah-Jeanne Labrosse, Seema Biswas, Abel Jafri, Uwamungu Cornelis,Mar Sodupe, Gandharv Dewan, Hearty Singh, Daniele Nisi, Amruta Sant,Omkar Ketkar, Pauline Maréchal, Edwin Gillet

Sinopsis: Aja, un joven que sobrevive en la India gracias a su ingenio y pillería, emprende un viaje a Francia para cumplir un sueño de su madre. En París, con pocos recursos económicos, decide pasar la noche en un IKEA donde conocerá a Marie. Pero sus esperanzas sentimentales se desvanecen cuando queda atrapado dentro de un armario que es enviado al extranjero, iniciando un viaje que cambiará su vida para siempre.

Basada en el best seller de Romain Puértolas “El increíble viaje del faquir que se quedó atrapado en un armario de Ikea”, obra que fue traducida a 37 idiomas, el filme de Ken Scott, a pesar de la inequívoca buena voluntad puesta en él, no termina de ofrecer, bajo nuestro punto de vista, un producto satisfactorio. Si bien se trata de un cuento, una parábola sobre las cosas realmente importantes de la vida mostrado mediante una serie de casualidades y pequeños desastres que transformarán la vida del protagonista, así como su percepción de la existencia, el resultado, que podría haber resultado sanamente delirante, a la manera del realismo mágico, con denuncia incluida a los graves desequilibrios sociales entre clases y las reticencias hacia la emigración del tercer mundo, se queda a medio camino, con mucho de propaganda de Ikea y de recorrido turístico por Europa, ofreciendo de paso un mensaje un tanto equívoco y en ocasiones ofensivo lleno de tópicos. En todo caso no deja de ser un entretenimiento inofensivo, con algún buen gag y que posiblemente funcionará bastante mejor en su versión escrita, pues no en vano su autor ha publicado recientemente su continuación “Las aventuras de un faquir en el país de Ikea”.

LA TRAGEDIA DE PETERLOO (Peterloo, Mike Leigh, 2018)

UK/USA. Duración: 154 min. Guion: Mike Leigh Música: Gary Yershon Fotografía: Dick Pope Productora: BFI Film Fund / Film4 / Thin Man Films. Distribuida por: Amazon Video Género: Drama

Reparto: Rory Kinnear, Maxine Peake, David Bamber, Marion Bailey, Kieran O’Brien,Adam Long, Tim McInnerny, Leo Bill, Nico Mirallegro, Teresa Mahoney, Karl Johnson

Sinopsis: La tragedia de Peterloo’ es la representación épica de los hechos ocurridos en la Masacre de Peterloo de 1819, en la que una manifestación pacífica a favor de la democracia en Manchester se convirtió en uno de los episodios más sangrientos y notorios de la historia británica. Las fuerzas del gobierno británico cargaron contra una multitud de más de 60.000 personas que se habían reunido para exigir una reforma política y para protestar contra el aumento de los niveles de pobreza. La tragedia de Peterloo fue un momento decisivo en la democracia británica y fue el inicio de la fundación del periódico The Guardian.

Minucioso documento, de impecable ambientación y vestuario en el que los diferentes personajes parecen haber sido escogidos uno a uno para ofrecer la máxima verosimilitud con el fin de retratar la época y las costumbres de la Inglaterra de principios del siglo XVIII. El reputado director ingles, Mike Leigh, se toma su tiempo con la acción, cuidando cada una de las tomas, algunas de verdadera calidad pictórica inspiradas en Vermeer. El resultado es delicioso, su acción lenta, se toma su tiempo para llevar al espectador y a los diferentes personajes hasta el clímax. Un clímax que, aún sabido, enerva por lo familiar que resulta. Por mostrar como las guerras las ganan los políticos y los generales y siempre las pierden los trabajadores. Trabajadores que son obligados a pagar precios abusivos por los productos de primera necesidad que venden los terratenientes británicos. La cinta también muestra el comienzo de la industrialización y los inicios del movimiento obrero, y lo hace sin panfletismos ni soflamas. De manera sutil, casi documental. Sin embellecerlo ni magnificarlo. Un tipo de cine que, nos tememos, está condenado a desaparecer más allá del circuito de festivales.

Con un magnífico reparto, en el que no destacan grandes estrellas, La tragedia de Peterloo se presentó en la pasada edición del Festival Internacional de Cine de Venecia, y en la  sección oficial de la reciente tercera edición del Festival Internacional de Cine de Barcelona-Sant Jordi (BCN Film Fest), donde obtuvo el premio Educacine.

STEVE BANNON, EL GRAN MANIPULADOR (The Brink, Alison Klayman, 2019)

USA Duración: 93 min. Música: Ilan Isakov, Dan Teicher Fotografía: Alison Klayman Productora: RYOT Films. Distribuida por Magnolia Pictures Género: Documental

Sinopsis: Crónica sobre la vida personal y la carrera profesional de Steve Bannon, el estratega político responsable de la campaña electoral de Donald Trump, que se marcó como propósito extender por el país y el mundo el nacionalismo ultraderechista.

El que fuera asesor y jefe de estrategia de Donald Trump durante la campaña que le llevó a la Casa Blanca y los primeros meses de su mandato, así como artífice e ideólogo del brexit, ha dedicado los últimos dos años a erigirse en el referente aglutinador de las diversas fuerzas neofascistas que aspiran, este mes de mayo, a entrar con fuerza en el Parlamento Europeo.

Alison Klayman muestra al objeto de su estudio en su salsa: reuniones, entrevistas, conferencias… pero también en la trastienda, devorando comida basura y consumiendo continuamente bebida energética, así como haciéndose multitud de fotografías con “las dos espinas a los lados y la rosa en el medio” (o sea, la mujer entre dos hombres). Steve Bannon, que se considera, textualmente, señalado por la  Divina Providencia, es socarrón, casi simpático. Y vende su proyecto bajo el nombre de nacionalismo económico. Pero no nos engaña: a pesar de que en varios momentos del documental se invita a la directora a salir de diversas reuniones, para que su contenido no transcienda, se incluyen pequeñas y no tan pequeñas muestras de lo que en verdad está sucediendo. Tanto a él como a sus colaboradores se les escapan pequeñas perlas, pistas que retratan la catadura moral y política del personaje. Y es que la referencia que el mismo Bannon hace sobre Leni Riefenstahl no es gratuita, aunque su forma de adecuar su discurso, acomodando en el mismo cuando le conviene la mentira, nos recuerda mucho más a Goebbels. Y es que  Steve Bannon es un alumno aventajado del jerifalte nazi, que tanto sabía sobre el poder de la propaganda sobre la población. Y se comprende que cuando no se está destrozando la salud con bebidas energéticas, Bannon esté siempre pendiente de su teléfono móvil, herramienta que no deja de consultar.

Alison Klayman, Pepito Grillo del ex-asesor muestra sus contactos, además de con líderes ultraderechistas europeos como el ministro del interior italiano Matteo Salvini o el ex líder del UKIP británico Nigel Farage, con políticos pro-brexit, millonarios chinos e incluso sus antiguos compañeros de Goldman Sachs, el banco que gobierna el mundo. Todo lo cual ayuda a desenmascarar al gran manipulador.

Y provocar bastante desazón. 

Pues narra como Bannon y todos esos dirigentes ultraderechistas europeos pretenden dinamitar la Unión Europea. Lo que traman, lo que nos cuenta el documental, es inminente. Por eso nos parece fenomenal y muy oportuno que Filmin, en colaboración con #ConUnPack Distribución, lo estrene antes de las elecciones europeas, objetivo primordial de todas estas maquinaciones -no tan- en la sombra.

La película, que tuvo su premier en la reciente edición del Festival de Sundance, ha recibido el aplauso unánime de la crítica estadounidense y constituye una seria advertencia sobre lo que estamos viviendo, con el resurgir de la ultraderecha en países como Francia, Italia, Hungría, Polonia, Bélgica y, nosotros añadimos, España. Fuerzas que Steve Bannon planea aglutinar con objetivos que, más allá de terminar con la Unión Europea, todavía están por aclarar, pero que se adivinan peligrosos y respaldados por poderosos intereses. Un magnífico documental que debería pasarse en todas las televisiones públicas en horario de máxima audiencia. Quizás todavía estemos a tiempo de pararlo. 

 

 

 

Categorías:VAMOS DE ESTRENO

III BCN Film Fest: un festival comprometido con su ciudad

Se celebró con gran éxito de crítica y público la tercera edición del Festival Internacional de Cine de Barcelona-Sant Jordi (BCNFILMFEST) de nuevo en el incomparable marco de los Cines Verdi del barrio de Gràcia. Si la primera edición se caracterizó por estar realizada con cierta improvisación, obligada en parte por haberse adelantado en un año la fecha prevista de puesta en marcha; y la segunda por un trabajo bien orquestado y afianzado; esta tercera edición ha sido la de la puesta de largo de un renovado equipo comandado por la nueva directora del certamen, la crítica Conxita Casanovas, nombrada en noviembre del pasado año y con los objetivos claros: “teniendo a la literatura como compañera de viaje, hacer una programación de calidad para un público amante de la cultura que, además de divertirse, quiera aprender con el cine”.

El resultado ha sido un serio incremento en los títulos exhibidos: 55 en lugar de los 37 de la edición anterior, repartidos entre Sección Oficial (18); Cinema amb Gràcia (5); Zona oberta (8 largometrajes, además de series de TV y cortometrajes); Art al Cinema (4); Imprescindibles, que en esta ocasión homenajeaba a Charles Chaplin y Buster Keaton (8), y una sección dedicada a las recientes directoras del cine italiano, Femení Plural, que constó de 12 largometrajes. Títulos que se ofrecieron en sesiones populares, a 2,90 euros la entrada cuando no gratis, como fue el caso de las cintas italianas, entre otras. Todo lo cual ha repercutido en la asistencia de público, que incluso en las sesiones matinales se animó a conocer las propuestas de BCN Film Fest, consiguiendo así lo que su directora se proponía: “la consolidación como un festival de referencia en la primavera barcelonesa”.

Demos un somero repaso a lo que ha dado de sí esta tercera edición del BCN Film Fest:

INAUGURACIÓN / CLAUSURA

Para los actos de gala se han escogido dos películas tan diferentes como indicadas. Por un lado la inauguración contó con la producción catalana Litus, de  Dani de la Orden, una comedia que fue presentada por el equipo con todo el glamour, belleza y juventud que muchos buscan en un evento de estas características. Diferente y más interesante resultó la oportunidad de poder ver en pantalla grande La balada de Buster Scruggs (The Ballad of Buster Scruggs), última cinta de los hermanos Cohen que tras su estreno, en plataformas digitales, ha podido disfrutarse en pantalla grande.

SECCIÓN OFICIAL

La sección oficial constó de 18 películas: 12 de ellas ofrecidas en rigurosa première en España; 4 en première catalana y 2 como estreno mundial. Cinco de ellos fuera de competición.

De entre las propuestas ofrecidas en la sección oficial destacó con brillo propio El secreto de las abejas (Tell it to the Bees, UK, 2018), cinta de Annabel Jankel que aborda con inusitada delicadeza una historia de amor entre dos mujeres que se desarrolla en una pequeña ciudad escocesa a inicios de los cincuenta. Jankel retrata el asfixiante ambiente industrial, con su gris arquitectura, así como la sensación de culpabilidad que sufren ambas mujeres, que contrasta con la hipocresía imperante entre los habitantes de esa pequeña población, que con sus habladurías y rumores acusan a ambas mujeres de estar haciendo algo ‘antinatural’. Tan bien rodada como predecible, la película se beneficia de la participación de sus dos magníficas protagonistas, Anna Paquin y Hollyday Grainger.

Por su parte el biopic El bailarín (The White Crow, UK/FRA, 2018), se centra en un momento muy concreto de la vida de Rudolf Nureyev, cuando tras su estancia en París, junto a los otros miembros del ballet soviético, decidirá pedir asilo político. Dirigida por Ralph Fiennes, que también se reserva un papel como pusilánime maestro del divo, refleja muy bien la época que retrata: inicios de los sesenta en plena Guerra Fría, un escenario en el que se moverá el protagonista, Oleg Ivenko, interpretando convincentemente al temperamental y rebelde bailarín, entre escenas de su pasado, que ayudarán a completar el puzzle que conformará su compleja personalidad. Si algo se echa en falta en la cinta de Fiennes es, precisamente, alguna buena escena de baile, que sin duda hubieran añadido belleza a la propuesta.

Nacido rey, superproducción realizada entre Inglaterra, Francia, España y Arabia Saudita, es una epopeya histórica que se centra, al igual que la cinta de Fiennes, en un punto concreto de la vida del protagonista, en esta caso del príncipe Faisal, hijo menor del que será primer rey de Arabia Saudí, Abd-al-Aziz Ibn Saüd, cuando viaja a Inglaterra en busca de apoyos, por lo que deberá entrevistarse con el rey George V, Wiinston Churchill y Lord Curzon. Deliciosa, cinematográficamente perfecta, denota el amplio presupuesto con el que ha contado, aunque el resultado, con su aroma a cuento de hadas, delata su naturaleza de encargo, que Agustí Villaronga lleva adelante de manera eficiente pero impersonal. Una historia que contiene intrigas y choque cultural, pero también que también muestra las relaciones entre un padre y su hijo pequeño, que sabrá ganarse el respeto de su progenitor mediante el camino de la diplomacia.

Une Intime Conviction (FRA/BEL, Antoine Raimbault, 2018) es, por su parte, un drama judicial basado también en hechos reales,  aunque se ha introducido un personaje, precisamente el de la protagonista, Nora (Marina Fois), que la dota de dramatismo, pero también de irrealidad, al mostrar una obsesión hacia el caso que resulta un tanto fuera de lugar.

El británico Mike Leigh, ganador del Premio a Mejor Director en el Festival de Cannes por Secretos y Mentiras y responsable de películas como El secreto de Vera Drake o Mr. Turner, visitó el BCN FILM FEST para presentar La tragedia de Peterloo (Peterloo)una reconstrucción fiel y dinámica de la violenta represión policial vivida en Manchester el 19 de agosto de 1819. También durante el festival se presentó el debut en la dirección de Rupert Everett, La importancia de llamarse Oscar Wilde (The Happy Prince), un biopic en el que también se encarga de interpretar al escritor y retratar sus últimos días en Francia. El resultado es algo lento y Rupert Everett, uno de los invitados al BCN Film Fest, finalmente no pudo estar por cuestiones de trabajo.

Sí se contó con la presencia en Barcelona de otros cinco directores, que presentaron su opera prima, con la que  participaban en la Sección Oficial: Agustina Macri, con Soledad (2018), que narra la vida de un icono del movimiento anarquista italiano; el joven dramaturgo Alexis Michalik con Cartas a Roxane (Edmond), que recrea la gestación y escritura de Cyrano de Bergerac; Salvador Simó, que presentó la película de animación Buñuel en el laberinto de las tortugas, que adapta el cómic de Fermín Solís, que versa sobre el rodaje de Las Hurdes, tierra sin pan, mítica y polémica película del director aragonésLaura Jou, que adapta en La vida sense la Sara Amat, la conocida novela de Pep Puig; y Víctor Cabaco, que junto a la actriz Ruth Díaz presentó Vitoria 3 de marzo, una de las más interesantes propuestas que explica los hechos de la masacre del 3 de marzo de 1976 en Vitoria. Entre el resto de la Sección Oficial, destaca la presencia de un único documental, La mirada de Orson Welles (The Eyes of Orson Welles, Mark Cousins).

OTRAS SECCIONES

CINEMA AMB GRÀCIA

Esta sección, dedicada a un género tan poco tratado en festivales como es el de la comedia contó, como en la anterior edición, con cinco títulos: Como pez fuera del agua (Come un gatto in tangenziale, ITA, Riccardo Milani, 2017); De la India a París en un armario Ikea (The Extraordinary Journey of the Fakir, FRA/USA/BEL/SING/INDIA, Ken Scott, 2018); Dulcinea (USA/ESP, David Hebrero, 2018); La biblioteca de los libros rechazados (Le mystère Henri Pick, FRA/BEL, 2019, Rémi Bezançon) y Lola y sus hermanos (Lola et ses Frères, FRA, Jean-Paul Rouve). Como vemos una pequeña pero diversa muestra de como se trata este género en el mundo.

ZONA OBERTA

Esta sección, auténtico cajón de sastre dentro del festival, contó con largometrajes autóctonos como Barcelona, la rosa de foc (2019), de Manuel Huerga, que se ofreció de manera gratuíta y Staff Only (Neus Ballús, 2019), que fue presentado por su directora y el actor Sergi López. También se proyectó la producción polaca Un atardecer en la Toscana (Dolce Fine Giornata, Jacek Borchuch, 2019) y En los 90 (Mid90’s, USA, Jonah Hill, 2018). Así como los  documentales Varda by Agnés (Varda par Agnés, FRA, Agnés Varda, 2019) auténtico testamento de la recientemente fallecida directora; y An Accidental Studio (UK, Bill Jones, Kim Leggatt y Ben Timlett, 2018), dedicado a la productora cinematográfica del ex-Beatle, George Harrison, sin la que no se hubiera rodado La vida de Brian, mítica película de Monty Python. El evento contó con uno de sus directores, Kim Leggatt. En sesión golfa se proyectó la copia restaurada de Tommy (1975) la mítica ópera Rock de The Who que Ken Russell llevó a su particular universo.

Con presencia de sus directores, se mostraron las primeras imágenes de sus próximos filmes, Intemperie (Benito Zambrano, 2019) y Madre (Rodrigo Sorogoyen, 2019), así como La filla d’algú, proyecto dirigido por 11 alumnos de l’Escac protagonizado por Aina Clotet que se presentó recientemente en el Festival de Málaga. También, como celebración de los 25 años de l’Escac, se ofreció una sesión con seis cortometrajes dirigidos por antiguos alumnos como Juan Antonio BayonaJavier Rúiz Caldera y Kike Maíllo, entre otros, que comentaron sus obras.

Aina Clotet y los directores de ‘La filla d’algú‘ (Foto: http://www.elpunt.cat)

El BCN Film Fest tampoco ignora la importancia capital que están adquiriendo las series y los productos dirigidos directamente a televisión como paradigma de entretenimiento entre toda una generación de espectadores y ofreció, de manera gratuita, la serie  de seis episodios (300 minutos), El día de mañana (Mariano Barroso, 2018)

ART AL CINEMA

Esta sección ofreció al espectador tres acercamientos a la vida y obra de tres importantes artistas mediante los documentales: El joven Picasso (Young Picasso, UK, Phil Grabsky, 2019); Klimt & Schiele, eros y psique (Klimt & Schiele, Eros and Psyche, ITA, Michelle Mally, 2018) y Leonardo. V Centenario (Leonardo. Cinquecento, ITA, Francesco invernizzi, 2019). Pero el evento más importante relacionado con el festival, y con esta sección en particular, llegó con Pintores y reyes del Prado (The Prado Museum, ITA, 2019) un documental de Valeria Parisi realizado con motivo del 200 aniversario de la fundación de la pinacoteca nacional conducido por el actor Jeremy Irons y que contó con la presencia de ambos, que además de presentar la película, ofrecieron una rueda de prensa durante su estancia en Barcelona. También los directores de El joven Picasso y Leonardo. V Centenario, estuvieron en el BCN Film Fest presentando su película.

IMPRESCINDIBLES
El BCN Film Fest otorga una importancia capital a la sección retrospectiva, ofreciendo algunos de los clásicos más incontestables del cine. Si en las anteriores edición se centró en cineastas europeos, como René Clément, Jacques Becker, Robert Bresson, Max Ophüls e Ingmar Bergman, en esta ocasión se ha posado la mirada en dos grandes pioneros del cine: Charles Chaplin y Buster Keaton. Del primero se proyectaron La quimera del oro (The Gold Rush, 1925), El gran dictador (The Great Dictator, 1940) y Candilejas (Limelight, 1952). Mientras que de El Gran Cara de Palo se exhibieron El maquinista de la General (The General, 1926), Siete ocasiones (Seven Chances, 1925) y El moderno Sherlock Holmes (Sherlock Jr., 1925), así como el documental El gran Buster (The Great Buster), dirigido en 2018 por Peter Bogdanovich con el que ganó el premio al mejor documental en el pasado Festival de Venecia.
FEMENÍ PLURAL. EL NOU CINEMA ITALIÀ
Como novedad de este año, el festival programó una retrospectiva de 12 piezas de cine italiano contemporáneo dirigidos por mujeres que incluyó los títulos Amori che non sanno stare al mondo (Francesca Comencini), Assolo (Laura Morante), Dove cadono le ombre (Valentina Pedicini), Fiore Gemello (Laura Luchetti), Il cratere (Silvia Luzi i Luca Bellino), Latin Lover (Cristina Comencini), Le meraviglie (Alice Rohrwacher), Le ultime cose (Irene Dionisio), Miele (Valeria Golino), Nico 1988 (Susanna Nicchiarelli), Saremo giovani e bellissimi (Letizia Lamartire), Vergine giurata (Laura Bispuri).
II JORNADA DE GUIONISTAS
Un año más, el festival contó con interesantes actividades paralelas y coloquios. La Jornada de Guionistas se organizó alrededor de dos ejes temáticos: “Las mujeres guionistas en el mundo de la ficción audiovisual” −que contó con la participación de Ángeles González-Sinde, Anaïs Schaff, Isabel Peña, Carmen Abarca, Marta Buchaca y Carmen Fernández como moderadora−y “El compositor como parte de la narración cinematográfica”, con la presencia de Benito Zambrano, Rodrigo Sorogoyen, Xavi Capellas, Arnau Bataller, Toni M. Mir y Conrado Xalabarder como moderador.
El festival también organizó una charla para el público con Mike Leigh; dos coloquios, uno sobre Buster Keaton
y otro sobre la relación entre las plataformas, el cine, los festivales y las academias.
PALMARÉS Y CONCLUSIONES

Éste es el palmarés de la III Edición del Festival Internacional de Cinema de Barcelona-Sant Jordi, otorgado por su jurado compuesto por la actriz Nora Navas, la escritora Pilar Eyre y el dramaturgo Josep Maria Miró.

Premio a la Mejor Película

SOLEDAD de Agustina Macri
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Premio de la Crítica ACCEC

LA VIDA SENSE LA SARA AMAT de Laura Jou

*Mención Especial: LA MIRADA DE ORSON WELLES de Mark Cousins

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Premio del Público, con el apoyo de TV3, a la Mejor Película Catalana

LA VIDA SENSE LA SARA AMAT de Laura Jou
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Premio Festival Castell de Peralada a la Mejor Música

EL SECRETO DE LAS ABEJAS (compositora: Claire M. Singer)

*Mención Especial: LA TRAGEDIA DE PETERLOO (compositor: Gary Yershon)

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Premio del Público a la Mejor Comedia

DE LA INDIA A PARÍS EN UN ARMARIO DE IKEA de Ken Scott
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Premio EDUCACINE

LA TRAGEDIA DE PETERLOO de Mike Leigh

 

En conclusión, esta tercera edición ha estado mejor organizada y ha contado con más títulos, así como con una mayor afluencia de público, lo cual consolida el BCN Film Fest como evento cultural barcelonés que, coincidiendo siempre con la festividad de Sant Jordi, volverá el próximo año con su propuesta de maridar cine y literatura. Así que ya pueden reservar esas fechas en el calendario, pues tienen una cita con la cultura, el entretenimiento, la diversión y el mejor cine en el BCN Film Fest, “donde la película es tan buena como el libro”.

 

Categorías:BCN Film Fest
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