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Sitges 2015: ‘Parasyte’
PARASYTE (Kiseijuu, Takashi Yamazaki)
Esta cinta, dividida en dos partes, está basada en un popular manga de horror y ciencia ficción ilustrado por Hitoshi Iwaaki, que ya fue adaptado anteriormente en forma de anime. Narra una invasión ¿alienígena? de la Humanidad por medio de una especie de orugas que se adueñan de los cuerpos que parasitan introduciéndose en su cerebro por los diferentes orificios de la cabeza: nariz, orejas… pero a nuestro apocado protagonista Shin’Ichi (Shôta Sometani) el parásito, de nombre Migi, se le adueñará de la mano derecha, produciéndose la particularidad de que ambos convivirán compartiendo cuerpo.
Relatada en clave de comedia, aunque mezclando drama y terror, Parasyte es un buen divertimento que combina momentos divertidos junto al más desorbitado gore, ya que una vez toman el mando de un humano, los parásitos deben alimentarse de carne humana. Shôta Sometani, encarnando una especie de Peter Parker, muestra otra vez su capacidad para la comedia, cualidad que ya pudimos comprobar recientemente con su trabajo en Wood Job! (Shinobu Yaguchi, 2014), cinta que obtuvo el premio del público en la última edición de las Nits de Cinema Oriental de Vic.
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 16 de octubre *
SLOW WEST (John McLean)
My name is john Ford, I make westerns. Todo el mundo conoce esta concisa autopresentación del genial cineasta, escueta y contundente. Decir Western es pensar en Jonh Ford, porque casi todas las claves del género nacen en él y los mejores personajes, también. Ford es el padre de los arquetipos, a los que capturó en 
memorables escenas que darían para hacer toda una tesis sobre qué es el cine. Uno de los más memorables (y de los más queridos por mí) es el tío Ethan de Centauros del desierto (me gusta mucho más el poético título en español que el original en inglés). Ethan Edwards (de otro modo, John Wayne) es el solitario, el outsider que no pertenece a ningún grupo, con cierto toque de perdedor (estuvo en la batalla de El Álamo), pero que será vital en la reconstrucción del hogar, de un hogar del que nuevamente quedará ausente porque él no puede echar raíces, sólo actuar como catalizador y luego partir (ese emocionante plano final). Elegir un sólo momento del filme es casi un sacrilegio, pero quería hacer hincapié en uno de los más emblemáticos: aquel en el que Wayne alza al vuelo a Nathalie Wood (su sobrina raptada en la ficción) y vence su primer impulso (el mejor indio es el indio muerto y ella ya es casi una india) para acabar abrazándola tiernamente. Ahí está la redención del héroe, o mejor del antihéroe, y uno de los elementos más relevantes del relato.
Encabezar un artículo sobre Slow West hablando de Ford puede inducir a pensar que hemos elevado excesivamente el listón, pero es que la película de John Maclean es fiel a los cánones del género (para algunos hasta demasiado) y Fassbender se resuelve excelentemente en la encarnación de un personaje que en otro tiempo habría sido encargado a Wayne. Por otra parte Slow West comparte con Centauros su estructura de viaje de iniciación, de camino hacia el crecimiento de los personajes, y de historia de redención (con una interesante vuelta de tuerca en su final). El título se le 
ajusta a la película como un guante, porque vamos a encontrarnos ante un fresco que retrata el Oeste tomándose su tiempo, como si nos condujera a cámara lenta (sin usar ese recurso, no se me asusten) hacia un entorno mitológico poblado de seres casi fantasmales. Y a esta humilde comentarista le ha venido a la mente Dead Man, el clásico de culto de Jim Jarmusch, por ese abanico de personajes extravagantes, esas charlas en campamentos surreales y esa atmósfera casi onírica que se sostiene durante todo el filme .
Slow West tiene mucho de crepuscular, pero a la vez también de amanecer, porque después de todo nuestra mirada, pese a la voz en off de Silas (Fassbender), se vuelve cómplice de la de Jay, el adolescente escocés que ha cruzado medio mundo para recuperar a su amada, encarnado por Kodi Smit-McPhee (el niño de The Road que ya no es tan niño y empieza a perfilarse como promesa). Él es el noble, por nacimiento y por actitud, que es capaz de apreciar el lado bello de las cosas, por eso ante ese desfile de los rostros y tipos que pueblan el Oeste y que, como decíamos, se presentan como en un desfile sonámbulo, sólo él conserva la esperanza en su mirar. Jay es el héroe romántico en el sentido estricto del término quien, análogamente a lo que ocurre con Alférez Cristoph Rilke (nos referimos al protagonista del relato de Rilke), convierte Slow West en una canción de amor y de muerte de la que saldremos redimidos igual que el personaje interpretado por Fassbender. Podríamos decir que Slow West es una balada a la esperanza dentro del crepúsculo, que nos reconforta llenándonos de dulce melancolía.
¿Está esta cinta realmente en la órbita del fantástico tal como se nos presenta en el Festival de Sitges? Ya no sé qué respuesta dar a esta pregunta, más que pronunciar un titubeante tal vez (por su atmósfera onírica y sus personajes sonámbulos), cada vez veo menos claro cuáles son los contornos de los géneros. Lo que sí sé es que Slow West es un buen filme que no nos deja indiferentes tras su visionado.
Sitges 2015: ‘Slow West’ y ‘Hellions’. De órbitas lejanas y fantástico
SLOW WEST (John McLean)
My name is john Ford, i make westerns. Todo el mundo conoce esta concisa autopresentación del genial cineasta, escueta y contundente. Decir Western es pensar en Jonh Ford, porque casi todas las claves del género nacen en él y los mejores personajes, también. Ford es el padre de los arquetipos, a los que capturó en memorables escenas que darían para hacer toda una tesis sobre qué es el cine. Uno de los más memorables (y de los más queridos por mí) es el tío Ethan de Centauros del desierto (me gusta mucho más el poético título en español que el original en inglés). Ethan Edwards (de otro modo, John Wayne) es el solitario, el outsider que no pertenece a ningún grupo, con cierto toque de perdedor (estuvo en la batalla de El Álamo), pero que será vital en la reconstrucción del hogar, de un hogar del que nuevamente quedará ausente porque él no puede echar raíces, sólo actuar como catalizador y luego partir (ese emocionante plano final). Elegir un sólo momento del filme es casi un sacrilegio, pero quería hacer hincapié en uno de los más emblemáticos: aquel en el que Wayne alza al vuelo a Nathalie Wood (su sobrina raptada en la ficción) y vence su primer impulso (el mejor indio es el indio muerto y ella ya es casi una india) para acabar abrazándola tiernamente. Ahí está la redención del héroe, o mejor del antihéroe, y uno de los elementos más relevantes del relato.
Encabezar un artículo sobre Slow West hablando de Ford puede inducir a pensar que hemos elevado excesivamente el listón, pero es que la película de John Maclean es fiel a los cánones del género (para algunos hasta demasiado) y Fassbender se resuelve excelentemente en la encarnación de un personaje que en otro tiempo habría sido encargado a Wayne. Por otra parte Slow West comparte con Centauros su estructura de viaje de iniciación, de camino hacia el crecimiento de los personajes, y de historia de redención (con una interesante vuelta de tuerca en su final). El título se le ajusta a la película como un guante, porque vamos a encontrarnos ante un fresco que retrata el Oeste tomándose su tiempo, como si nos condujera a cámara lenta (sin usar ese recurso, no se me asusten) hacia un entorno mitológico poblado de seres casi fantasmales. Y a esta humilde comentarista le ha venido a la mente Dead Man, el clásico de culto de Jim Jarmusch, por ese abanico de personajes extravagantes, esas charlas en campamentos surreales y esa atmósfera casi onírica que se sostiene durante todo el filme .
Slow West tiene mucho de crepuscular, pero a la vez también de amanecer, porque después de todo nuestra mirada, pese a la voz en off de Silas (Fassbender), se vuelve cómplice de la de Jay, el adolescente escocés que ha cruzado medio mundo para recuperar a su amada, encarnado por Kodi Smit-McPhee (el niño de The Road que ya no es tan niño y empieza a perfilarse como promesa). Él es el noble, por nacimiento y por actitud, que es capaz de apreciar el lado bello de las cosas, por eso ante ese desfile de los rostros y tipos que pueblan el Oeste y que, como decíamos, se presentan como en un desfile sonámbulo, sólo él conserva la esperanza en su mirar. Jay es el héroe romántico en el sentido estricto del término quien, análogamente a lo que ocurre con Alférez Cristoph Rilke (nos referimos al protagonista del relato de Rilke), convierte Slow West en una canción de amor y de muerte de la que saldremos redimidos igual que el personaje interpretado por Fassbender. Podríamos decir que Slow West es una balada a la esperanza dentro del crepúsculo, que nos reconforta llenándonos de dulce melancolía.
¿Está esta cinta realmente en la órbita del fantástico tal como se nos presenta en el Festival de Sitges? Ya no sé qué respuesta dar a esta pregunta, más que pronunciar un titubeante tal vez (por su atmósfera onírica y sus personajes sonámbulos), cada vez veo menos claro cuáles son los contornos de los géneros. Lo que sí sé es que Slow West es un buen filme que no nos deja indiferentes tras su visionado.
HELLIONS (Bruce McDonald)
Lo que comienza como otra rutinaria cinta de terror con la festividad de Halloween como escenario, termina siendo una sorprendente pesadilla lisérgica. Un ejercicio de puro terror enmarcado en el más perfecto American Gothic. Un mal viaje en el que lo de menos es su argumento, y lo primordial la atmósfera, que consigue transmitir inquietud mediante el buen manejo de diferentes elementos como el sonido, la música, y sobre todo la luz, que desde la tarde al ocaso de una luna de sangre, juega con los colores consiguiendo trasmitir una atmósfera irreal a esta pequeña pieza de artesanía.
La acción, situada tal y como se ha comentado en Halloween, está protagonizada por la joven Chloe Rose, actriz que realiza un soberbio solo de interpretación enfrentándose a los diferentes miedos que la acosarán durante tan especial noche, especialmente unos siniestros niños, pero también sangrientas visiones. El filme también cuenta con Robert Patrick, que ustedes recordarán como el frío T-1000 de Terminator 2 (Terminator 2: Judgment Day, James Cameron, 1991) y Rossif Sutherland hijo, efectivamente, de Donald Sutherland y medio hermano de Kiefer en el papel de médico. En cuanto a Bruce McDonald, su prolífico director, ya pudo disfrutarse de su talento en Sitges durante la edición de 2009, cuando se proyectó Pontypool (2008),
En Hellions se entra o no se entra, pero sin duda no dejará indiferente al espectador. Una de las piezas interesantes de puro género que se han podido ver durante esta edición del festival aunque fuera de competición y relegada a la sección Panorama Fantàstic.
Sitges 2015: ‘Cop car’, ‘Strangerland’ y ‘Stung’
STRANGERLAND (Kim Farrant)
El cine australiano, tan caro de ver en nuestras pantallas, tiene siempre un punto de enigmático. Quizás porque la fiereza de algunos de sus paisajes hace nacer la convicción de que lo telúrico influye determinantemente en nuestra existencia. Picnic at The Hanging Rock sería uno de sus máximos ejemplos. Tampoco son pocas las cintas que manifiestan una especie de nihilismo fatigado, como si estuviera quemado por el sol, y que da pie a atmósferas pesadillescas cercanas al esperpento. Pensamos por ejemplo en Wake in fright, la pieza de culto dirigida por Ted Kotcheff . Y, además, siempre hay latente en el fondo una pugna entre el puritanismo y la voluptuosidad.
No he citado esos dos clásicos por casualidad, en Strangerland (el relato sobre unos padres, Catherine y Matthew, que ven con terror como sus dos hijos adolescentes han desaparecido en el desierto en plena tormenta de arena), está presente tanto el enigma, el peso de lo telúrico, como la atmósfera de pesadilla.
Estamos en el outback, el interior remoto y árido de Australia. Una tierra abonada para la proliferación de leyendas sobre deidades oscuras que pueden castigar a los hombres si no se las conjura. La debutante Kim Farrant sabe dónde poner la cámara para transmitirnos la credibilidad que el paisaje concede a esas supersticiones. Tanto es así que en sus manos la árida naturaleza que envuelve al relato juega como un personaje más. Un personaje que interactúa con los demás llevándoles a mantener conductas extremas, que los situa en el borde de la enajenación. Especialmente a Catherin, la madre doliente impecablemente interpretada por Nicole Kidman (su trabajo es de lo mejor del filme) que llegará a internarse ella misma en el desierto para volver al pueblo con el atavío de Lady Godiva, una escena de gran fuerza visual. Del retrato de la naturaleza cabe destacar también un plano aéreo que muestra cenitalmente la sinuosidad del cañón, una sinuosidad que nos desasosiega y a la vez nos seduce como el abismo puede llegar a atraernos.
Los montes parecen replegarse sobre sí mismos convirtiéndose en una espiral petrificada. Y la espiral es el símbolo por naturaleza para expresar la evolución del universo, para designar las formas cósmicas en lo que tienen de creadoras, pero también de destructoras. Se trata además de un símbolo que nos remite a la simbología de la serpiente (los montes del plano citado, de hecho, emulan a una serpiente enroscada). La serpiente designa a la energía a la fuerza pura y sola, al poder ciego de la naturaleza que pervive a costa de los individuos. Es vista, también, como el principio de la tentación y así se vincula a la sexualidad. No es casualidad, pues, que uno de los personajes (el patinador que mantiene relaciones con Lily, la adolescente desaparecida) lleve tatuada una serpiente. En esa tierra-serpiente la sexualidad exuberante de Lily se desboca todavía más, mientras que su padre (principio represor) parece extremar más aún su puritanismo. El choque de trenes es inevitable. Un choque que desestabilizará todo el entorno familiar y que será el detonante del drama.
Strangerland es una ópera prima ambiciosa que mezcla el drama familiar con el thriller psicológico y el relato de misterio. Ya hemos celebrado el trabajo de su protagonista, también Joseph Fiennes, en le papel de marido, le da perfectamente la réplica. Pero esta cinta australiana no es sólo una obra de actores, brilla con luz propia la fotografía de P.J. Dillon que es la que permite a Farrant crear esa atmósfera fatalista que respira toda la cinta. Una película abrasada por el sol, incómoda, que nos contagia su aridez, su asfixia. Pero también enigmática y fascinante. En suma, un filme que augura a su directora una prometedora carrera.
STUNG (Benni Diez)
La picadura (Stung) a la que hace referencia el título del filme es la que propinan las descomunales avispas mutantes que persiguen a los protagonistas del filme, Paul (Matt O’Leary) y Julie (Jessica Cook), empleado y jefa de un servició de catering durante la velada que organizan en una elegante mansión campestre. Un soplo, sino de originalidad, al menos de aire fresco ante los habituales y algo cansinos zombis e infectados. Aunque solo un poco, ya que a pesar de introducir bastante humor, la fórmula del filme se consume pronto y comienza a desinflarse tras la primera hora. Y eso que la historia recurre a la tensión sexual entre sus protagonistas y a cierta crítica social. Pero ni por esas.
Efectos especiales apañados con algunas secuencias pringosas y la siempre agradecida presencia de Lance Henriksen en esta coproducción entre Estados Unidos y Alemania, desigual ópera prima del alemán Benni Diez, un técnico especialista de efectos visuales y de animación con compañía propia aquí metido a director. Eso sí, cabe destacar la química y simpatía de su pareja protagonista y un tono general agradable.
COP CAR (Jon Watts)
Dos niños que han escapado de su hogar, encuentran un coche de policía abandonado que convertirán en su juguete. Pero el vehículo tiene dueño y su propietario, el sheriff Kretzer, que había salido a deshacerse de un cadáver, quiere que se lo devuelvan.
Este es el imponente punto de partida de este thriller perfectamente calibrado con unos ligeros toques de humor que no subvierten su pureza. Destaca en su narración la importancia del sonido, protagonista en un entorno desierto como es el que forma el escenario del filme, así como la actuación de los cinco personajes que conforman el reparto del filme, en especial los dos niños (James Freedson-Jackson y Hays Wellford), que lejos de resultar repelentes realizan un buen trabajo, recayendo sobre ellos el grueso del buen resultado artístico de la cinta; y el policía corrupto interpretado por un frío Kevin Bacon. Los tres protagonistas del juego que el azar convertirá en mortal.
Su director Jon Watts, que debutó el pasado año con Clown, filme en el que Eli Roth interpretaba a Frowny, el payaso asesino, será el responsable del nuevo reebot de Spider-man, que se estrenará en 2017.
Sitges 2015: ‘Maggie’, ‘Bound to Vengeance’ y ‘German Angst’
MAGGIE (Henry Hobson, 2015)
Esta nueva incursión en el popular, y quizás un tanto manido, universo zombie, tiene la novedad de que el peso de la historia recae en Maggie, una adolescente infectada, y su lento proceso de transformación a devorador de vivos, momento en el que los familiares deben llevar al infectado a cuarentena, que no es otra cosa que a practicarles la eutanasia. Y ahí está la baza de Maggie: ya que el filme profundiza en la angustia que sufre tanto la protagonista como su familia ante un hecho irremediable, mostrando la vida pretendidamente normal que quieren llevar, pero que continuamente les recuerda el avance del mal, así como el rechazo ante los infectados y la tortura del padre que debe escoger qué será lo mejor para su hija, que también vive una historia de amor sin esperanza.
La pérdida de personalidad, la muerte anunciada, la eutanasia, nos lleva a una lectura de la historia en la que los zombies tan solo son una excusa para preguntas más profundas sobre la propia existencia y la pérdida de la identidad. Una desoladora historia en un paisaje apocalíptico, gris en el que no hay lugar para la esperanza.
El filme se desarrolla con un ritmo pausado. A veces demasiado, brillando la actuación de un contenido y creíble Arnold Schwarzenegger y la de la protagonista Abigail Breslin, que a pesar de su juventud tiene una abultada carrera a sus espaldas, con un anterior encontronazo con los muertos vivientes en Zombieland (Ruben Fleischer, 2009).
Es de agradecer que ante tanto fantástico mainstream, orbital o con lectura a lo Noves Visions, la doble sesión Midnight Extreme que se nos ofreció ayer, nos proporcionara dos productos de lo más apetecibles pero que, lamentablemente pasarán desapercibidos al ser ofrecidos en un horario prohibitivo:
BOUND TO VENGEANCE (José Manuel Cravioto)
Un rape&revenge en toda regla coproducido entre Estados Unidos y México que va directo al hueso desde el minuto cero, ofreciendo otra vuelta de tuerca a este cruel subgénero pero sin deleitarse, como tiende a suceder en otros títulos, en los imaginativos modos de venganza, narrando de una forma elegante los antecedentes de la historia y dejando que descubramos, junto a la protagonista, a los culpables de su prolongado cautiverio. Manteniendo la intriga en todo momento y ofreciendo al espectador giros, volteretas e incluso algún salto mortal con un punto de perversión disfrutable si se disculpan las situaciones ilógicas y previsibles. Un buena actuación de su protagonista, la rusa Tina Ivlev, que como pueden imaginarse se pasa gran parte del metraje sufriendo, tanto en el papel de víctima como en el de verdugo. Por su parte, José Manuel Cravioto, su director, debuta en la pantalla grande con esta cinta.
GERMAN ANGST (Jörg Buttgereit, Michal Kosakowski y Andreas Marschall)
Cinta de episodios que reúne a tres talentos extremos del cine alemán, Jörg Buttgereit, Michal Kosakowski y Andreas Marschall, que nos ofrecen tres historias repletas de sangre, sexo y transgresión. De Büttgereit hay poco que podamos añadir más. De hecho ya le entrevistamos y pueden leer todas sus impresiones sobre su obra, incluido lo que pudo declarar en aquel momento sobre su German Angst, en este enlace. Los otros dos directores tienen cintas realmente interesantes en su filmografía, como Tears of Kali y Zero Killed, aunque ciertamente son más desconocidos para el aficionado español.
En todo caso el resultado obtenido con la mezcla de estos tres talentos es de lo más interesante. Paradójicamente Final Girl, el episodio de Büttgereit, es el más flojo de los tres, a pesar de su bienvenido feísmo formal, la buena utilización del sonido ambiental y las sugerencias de su argumento, que demuestran que el berlinés no ha perdido ni un ápice de su capacidad de perturbar.
Make a Wish, el segmento de Kosakowsky utiliza, en principio, una premisa sobrenatural para su historia sobre xenofobia, ofreciendo un resultado cercano a lo que sería un episodio ultra violento de Twiligh Zone.
Finalmente el tercer y último corto, que dirige Andreas Marshall, es el más introducido en la cultura germánica, pues nos lleva al mito de la Mandrágora, ampliamente reflejado en la literatura y cinematografía alemana como Alraune, una raíz vegetal a la que se le atribuyen propiedades mágicas, amén de afrodisíacas. Y no solo incide en el pasado fantástico alemán por ello, también con alguna referencia a Mabuse, uno de sus personajes clave. Guiño este que no deja de ser anecdótico para un desasogante relato de sexo extremo y clubs privados con momentos delirantes apoyados con un gore artesanal pero muy efectivo. En total, tres relatos en una cinta muy, muy interesante que conviene ver en buenas condiciones y, a ser posible, a mejor hora.
Esperemos que otros festivales la sepan valorar como es debido.
Sitges 2015: ‘The Boy’ y ‘Vulcania’
THE BOY (Craig William Macneill)
Dejenme que les hable del Bolero de Ravel. Sin duda conocerán la pieza, es una de las obras más reproducidas en todos los medios, considerada además como uno de los ejercicios más punteros de la música clásica del Siglo XX. Descrita más técnicamente, se trata de un movimiento orquestal inspirado en una danza española, se caracteriza por un ritmo y un tempo invariables, con una melodía obsesiva —un ostinato— en do mayor, repetida una y otra vez sin ninguna modificación salvo los efectos orquestales, en un crescendo que, in extremis, se acaba con una modulación a mi mayor y una coda estruendosa. Es todo un ejemplo de cómo componer para la orquesta al completo tratada como si fuera un instrumento en ella misma. La melodía es apenas una frase musical que se repite invariable mientras van incorporándose más y más instrumentos concluyendo en un tutti orquestal apoteósico.
¿Por qué he querido hablar de ello? Fácil, porque la estructuración narrativa de The Boy me hace pensar en la pieza de Ravel. El segundo largo de Craig William Macneill es también un crescendo construido con motivos que se repiten casi invariables, pero que cuyas ligeras modificaciones suponen toda una escalada de violencia, desde la casi inocua práctica de quemar insectos hasta el asesinato múltiple. Sin embargo, la película no obtiene el mismo resultado magistral de la composición con la que la comparo, porque su joven director parece desconfiar de sí mismo (o de la pericia del espectador) y dilata excesivamente la entrada del «pleno orquestal». Y es que si algo tiene bueno la cinta es la creación de la atmósfera y la intriga, ambas bien destiladas en esta película de largos silencios, hasta el punto de que nos hace comprender perfectamente la evolución que está siguiendo su protagonista infantil, el excesivo aplazamiento de la coda estruendosa provoca una bajada en el interés del espectador medio y el filme pierde fuelle. Podría decirse que, paradójicamente, la película naufraga en su propio acierto por un mal cálculo de su tempo.
No piense el lector que aún no haya visto la película que se trata de una obra totalmente fallida. Pese al defecto que enuncio (desde mi punto de vista) en el párrafo anterior, The Boy es uno de esos filmes inquietantes que nos incomodan por su violencia contenida, más cuando el sujeto que la ejecuta es un niño. A los nueve años de edad, Ted Henley (Jared Breeze) vive con su padre John (David Morse) en un apartado motel en medio de las montañas occidentales de Estados Unidos. Desde que la madre de Ted les abandonó, John es una sombra de sí mismo y es incapaz de cuidar de su hijo. Ted, que pasa el caluroso verano de 1989 machacando alimañas, entabla amistad con un misterioso forastero (Rainn Wilson) que se ha visto obligado a pernoctar en el motel por culpa del propio niño (prepara una trampa en la carretera en la que caerá un ciervo contra el que se estrella el forastero). El forastero vive envuelto en sus propios fantasmas, su mujer acaba de morir en un incendio, y sospechamos que la misma pareja lo provocó para cobrar el seguro (como parece que habían ido haciendo en diferentes puntos de la geografía estadounidense). Este huésped forzado va a sustituir a la figura paterna e involuntariamente dará alas al lado oscuro del infante.
The Boy bucea en los orígenes de la sociopatía, hace la autopsia al proceso que se habría de desarrollar en la mente de un niño para que acabara convirtiéndose en un asesino. Como ya se ha dicho, su recreación de la atmósfera que envuelve al proceso es impecable (y hay que elogiar también la actuación del pequeño), así nos ofrece un retrato convincente que habría resultado aterrador si hubiese calibrado algo mejor su ritmo. Un buen filme que lamentablemente no ha sabido cocinar bien su gran potencial dejándonos con un cierto regusto de decepción al finalizar la ingesta.
VULCANIA (José Skaf)
Vulcania es un noble intento de hacer cine de género tomándolo en serio, sin ninguna voluntad de parodia ni ironía brechtiana (aunque pueda contener humor), en la línea de Autómata (Gabe Ibáñez) o la televisiva El ministerio del tiempo, con la que comparte protagonista femenina (Aura Garrido en el papel de Marta). El ganador de un Goya por su cortometraje Regreso a Viridiana (2012), José Skaf, debuta en el largo de ficción con una distopía de manual (y no lo decimos en sentido peyorativo), un subgénero que parece estar disfrutando de un momento de esplendor.
¿Qué caracteriza a las distopias? Desde su trilogía fundacional (Un mundo feliz, 1984 y Fahrenheit 451) las distopías son representaciones imaginarias de una sociedad futura (o cuanto menos ubicada en un tiempo incierto) con características negativas que son causantes de alienación moral. A través de esa ficción lo que se busca es criticar lacras sociales del presente contemporáneo al autor, aunque también, y más allá, se trata de retratar los males inherentes al género humano. Así, 1984 (por tomar uno de los ejemplos citados) persigue cantar los males del totalitarismo (con especial hincapié en el stalinista), pero su denuncia sigue vigente en nuestro mundo híperconectado en el que las fronteras de lo público y lo privado parecen diluirse concediendo a los estados herramientas cada vez más eficaces para el control de los individuos.
De la imaginación de Skaf, que además de dirigir la cinta es coautor del guión, nace Vulcania una comunidad aislada entre altos montes en la que conviven dos clanes familiares opuestos que, sin embargo, permanecen unidos por un objetivo común: mantener vivo el fuego de la fragua (en su nombre hay una nada velada alusión al célebre cuadro de Velázquez). Un libro arcano recoge las sentencias que dan sentido a la vida en Vulcania, estableciendo los deberes y las tradiciones que deben respetarse para el bienestar común y el propio, así como la advertencia del insondable peligro que supondría atravesar la frontera. Una voz omnipresente preside las jornadas de los habitantes de Vulcania, aparentemente motivadora, alentadora, en verdad lo que busca es adoctrinar paternalmente a los habitantes del poblado. Ese gran padre es el Sr. Valoquia (interpretado por un siempre convincente José Sacristán), figura a la par afable e imponente, cuya presencia, aunque autoritaria, es balsámica hasta el punto de que nadie parece cuestionarse la realidad circundante. Entre los habitantes se encuentra Jonás (Miquel Fernández), quien tras la muerte de su familia acepta un peligroso trabajo que le hace desarrollar un sorprendente poder. Sin embargo, el conocer a Marta, perteneciente al bando contrario, y quien también parece guardar un secreto, hará que Jonás inicie una investigación para descubrir qué esconden los cimientos de esta comunidad cuyos oscuros líderes intentan que la verdad no salga a la luz.
Skaf no ha omitido ni un sólo detalle canónico: el aislamiento en un paraje agreste; los símbolos herméticos que proliferan por todo el poblado desde los dinteles de las casas a los brazaletes con los que cada miembro señala su pertenencia a uno u otro bando (con reminiscencia, además, de los signos masónicos); la figura del líder carismático; el misterio que se cierne sobre la comunidad advirtiendo del peligro indefinido que caerá sobre quienes no acaten las ordenanzas del libro sagrado y/o traten de ir más allá de los lindes del pueblo y su fundición; y, por supuesto, los rebeldes que acabarán subvirtiendo ese orden (auto)impuesto. De ahí que hayamos hablado de distopía de manual, el suyo es un tratamiento con sabor naif, pero esa ingenuidad se nos antoja un valor admirable porque es la que permite que su película sea fresca y desacomplejada. En un mundo en el que todos parecemos venir de vuelta es estimulante que aparezcan obras como esta, con sus aciertos (excelente el momento en que descubrimos que el Sr. Valoquia no es más que el mayordomo de los cabecillas de cada clan, alusión a que el estado es la primera víctima de los poderes fácticos) y sus defectos (algunos giros de guión añaden una truculencia innecesaria).
Sitges 2015: ‘Contracted Phase 2’, ‘Cooties’ y ‘Le Tout Noveau Testament’
CONTRACTED: PHASE 2 (Josh Forbes)
En Contracted, película que fue programada durante la edición del festival de 2013, la joven Samantha (Najarra Townshen), adquiría una enfermedad de transmisión sexual que le causaba unos molestos síntomas cercanos a la descomposición post-mortem: dolores abdominales, preocupantes salpullidos cutáneos, pérdida de uñas y cabello y copioso sangrado vaginal con aparición de gusanos. Algo que poco antes nos había contado el canadiense Éric Falardeau de forma más gráfica y beligerante y revestido con un trasfondo más profundo en su cinta Thanatomorphose (2012). En todo caso la cinta de Eric England resultaba simpática y tenía ciertos toques de humor macabro de lo más saludable a pesar de su anticlimático final que presagiaba una secuela ya encuadrada presumiblemente dentro del más manido cine zombie. Y más o menos así ha sido, aunque tomando todos los caminos posibles y no decantándose por ninguno en concreto. England sabiamente se ha apartado de la secuela de su película, recayendo la dirección en el debutante Josh Forbes y el trastabillante guión en el casi también novato Craig Walendziak, quienes lejos de ofrecernos un producto interesante y rompedor han evitado, a pesar de iniciarse la acción de esta segunda parte justo donde terminaba la anterior, repetir la historia de la primera entrega, mostrando subtramas con las que da erráticos pasos por el cine zombi, satánico y apocalíptico, dejando de lado la parábola sobre el sexo no seguro que mostraba el film original. Afortunadamente tiene un buen surtido de efectos especiales repugnantes y su duración es lo suficientemente ajustada como para no salir corriendo de la sala o dormirse durante la proyección pero… ¡Su final abierto amenaza al espectador con una nueva entrega…!
COOTIES (Cary Murnion y Jonathan Milott)
Cooties es la perfecta gamberrada para sesión de madrugada. Más comedia que cinta de terror, se vale de una mera excusa argumental para llenar la pantalla de vísceras y niños zombis devorando a sus profesores. Elijah Wood de nuevo apuesta en su faceta como productor por el cine fantástico. Así, tras presentar en ediciones anteriores el modélico remake Maniac (Franck Khalfound, 2012); la intrigante Grand Piano (Eugenio Mira, 2013); Una chica vuelve sola a casa de noche (I Girl Walks Home Alone at Midnight, Ana Lily Amirpour, 2014) y este año, The Boy (Craig William McNeill, 2015), ya merece ser reconocida su labor por el cine de género, con varios proyectos en cartera y este Cooties, cinta en la que además ejerce de protagonista interpretando a un escritor fracasado que vive con su madre y que tendrá que enfrentarse a esa horda de niños zombis infectados por nuggets de pollo en mal estado.
Sus directores debutan en el largo con esta cinta en la que intervienen, además de Elijah Wood, que se permite bromear sobre su pasado hobbit; la simpática Alison Pill, actriz canadiense a la que hemos podido ver en dos cintas de Woody Allen (A Roma con amor y Midnight in Paris), además de en la magnífica Rompenieves (Snowpiercer, Bong Joon Ho, 2013); Rainn Wilson, al que podemos ver también en The Boy, aquí como desquiciado profesor de gimnasia; o el ‘Lost’ Jorge García en un papel del todo descacharrante.
Con unos personajes que pecan de excesivos y un guión que, tal y como hemos indicado, no pasa de ser una excusa, no puede pedirse una obra maestra, pero es que el film no tiene más pretensión que hacernos pasar un buen rato. Y vaya si lo consigue.
Quizás lo más terrorífico de la cinta sea su inicio, en el que vemos el proceso de elaboración de los nuggets. Mejor no pensar mucho en lo que comemos.
LE TOUT NOVEAU TESTAMENT (Jaco Van Dormael)
Sitges 2015: ‘Turbo Kid’, ‘We Are Still Here’ y ‘Bloodsuking Bastards’
TURBO KID (François Simard, Anouk Whissell y Yoann-Karl Whissel)
En 1997 la humanidad ha sufrido un apocalipsis y los supervivientes luchan por conseguir agua, un bien escaso. Un adolescente, solitario y amante de los cómics books de Turbo Ryder, revuelve entre los escombros y la basura para encontrar algún objeto que canjear en el mercado negro a cambio del precioso líquido. Este es el punto de partida de esta coproducción entre Canadá y Nueva Zelanda que pretende (y consigue) tener la apariencia de haber sido rodada en los años ochenta, premisa totalmente conseguida ofreciendo una estética retro en la que tienen cabida cintas de cassette, cubos de rubick, VHS y vestuario delirante, además de unos efectos gore premeditadamente burdos y un argumento naif regado con una banda sonora a base de sintetizadores. Villanos de cuchufleta entre los que destacan Zeus, un enorme Michael Ironside, y Edwin Wright como su secuaz Skeletron.
Esta disparatada cinta está basada en el corto ‘T’ is for Turbo de los canadienses François Simard, Anouk Whissell y Yoann-Karl Whissel, pensado para formar parte de la antología A,B,C of Death que sus responsables han decidido alargar hasta los 93 minutos sin que por ello resulte pesada. Muy al contrario, se trata de un filme delicioso, entretenido y totalmente disfrutable que consigue su premisa de transportarnos a la edad de oro de los video-clubs.
WE ARE STILL HERE (Ted Geoghegan)
Esta opera prima dirigida por el productor metido a director Ted Geoghegan, cuenta con algunas bazas que a priori juegan a su favor: se trata de una historia de fantasmas con casa encantada. Algo que siempre resulta atractivo. Y además cuenta con la participación de dos actrices que a los amantes del fantástico nos gusta ver de nuevo en el candelero: Lisa Marie, que tras su idilio personal y laboral con Tim Burton andaba un tanto de capa caída hasta que Rob Zombie la sacó de su enclaustramiento incorporándola al elenco de The Lords of Salem (2012); y sobre todo Barbara Crampton, heroína de Re-Animator (1985) y Re-Sonator (1986), cintas de Stuart Gordon que convirtieron a la actriz en todo un icono del cine de terror. Espacio que parece estar recuperando de un tiempo a esta parte, concretamente desde que intervino en You’re The Next (Adam Wingard, 2011).
Así que, contando con estos elementos y sin dejar de ser un filme entretenido, uno esperaba algo mejor de esta cinta. A su favor hay que decir que sabe utilizar a la perfección la carta del suspense, creando una inquietante atmósfera. Pero por desgracia conforme avanza la acción, la película se va desinflando convirtiéndose en un trillado relato clasicote de aparecidos y posesiones ciertamente poco innovador con ciertas referencias a Lovecraft y, sobre todo, a Lucio Fulci y su Aquella casa al lado del cementerio (Quella villa accanto al cimitero, 1981) y El más allá (…E tu vivrai nel terrore! L’aldilà, 1981) ¿o me lo ha parecido a mí?
BLOODSUCKING BASTARDS (Brian James O’Connell)
Una empresa de tele-marketing contrata a un vampiro para que vampirice a sus trabajadores y así tener una plantilla perfecta: sin quejas, sin horarios, sin bajas, sin cobrar… vamos, el sueño de la patronal española. Si bien la premisa que se nos propone en Bloodsuking Bastards resulta atractiva, la verdad es que el resultado dista de ser interesante: como comedia no tiene maldita gracia y como película de terror menos, por lo que es, al menos, un magnífico somnífero para los maratones Midnight X-treme en los que ha sido programada. Lástima.
Paco Cabezas dirigirá dos episodios de la serie Penny Dreadful
Cabe destacar que estos capítulos se rodarán entre Dublín y Almería. “Penny Dreadful” es la primera vez que elige escenarios españoles para la serie. Almería, plató habitual de rodajes nacionales e internacionales desde hace seis décadas, y que últimamente, entre otros ha recibido los rodajes de “Exodus” de Ridley Scott o la exitosa “Juego de Tronos”, es la elegida para la trama de los episodios dirigidos por Paco. Un director español rodando en España una serie americana.
“Penny Dreadful”, producida por Sam Mendes y escrita por John Logan (guionista de “Gladiator” y “Skyfall” entre otros), está protagonizada por Eva Green, Timothy Dalton, Josh Artnett, Harry Treadaway y Reeve Carney entre otros. Actualmente Paco está trabajando en Dublín en la preproducción de la serie.
Paco Cabezas estará en el Festival Internacional de Cinema Fantastic de Catalunya, Sitges 2015 entre el 9 y el 11 de octubre presentando su nueva película “Mr. Right”.
Paco Cabezas (Sevilla, 1978) se lanza a la dirección cinematográfica con tan solo 17 años en el cortometraje de ciencia ficción “Invasión Travesti”, pero no es hasta 2005 cuando rueda el laureado cortometraje “Carne de Neón”. Lleva años desarrollando su labor creativa como guionista con películas como “Spanish Movie”, “Bon Appetit” o “Sexykiller”.
Tras rodar “Aparecidos” y la adaptación a largometraje de “Carne de Neón”, que tuvo una amplia acogida internacional, se le abren las puertas de Hollywood. Actualmente vive entre Madrid y Los Ángeles, donde rueda “Tokarev” (2014) con Nicolas Cage y acaba de finalizar “Mr. Right” con guión de Max Landis y protagonizado por Sam Rockwell,Anna Kendrick y Tim Roth. Actualmente se encuentra en Dublín preparando el rodaje de la serie “Penny Dreadful”
Finaliza el rodaje de ‘Cine basura: la película’
Cine Basura: la película, el filme español que más dinero ha recaudado por medio de crowdfunding en 2015, ha finalizado su rodaje tras un intenso mes de trabajo en distintas localizaciones de Madrid como Moratalaz, Alcalá de Henares o Pozuelo de Alarcón. Se trata de la primera comedia española que rinde homenaje al cine de serie Z y supone el salto a la gran pantalla de los creadores del programa de culto ‘CINE BASURA’ de CANAL + Xtra y de la webserie ‘VIDEOFOBIA’.
Aunque Cine Basura: la película es una declaración de amor al también llamado “cine cutre”, sus responsables
Paco Fox y Miguel Angel Aijon
no han querido filmar una película mala a propósito, sino todo lo contrario, como afirman los codirectores de la cinta, Paco Fox y Miguel Ángel Viruete. Ambos insisten en que se trata de un largometraje “rodado en condiciones, con una trama de verdad y no un festín de referencias y fantasmadas”.
En este sentido, Fox indica que el estilo del guión se inspira en el trabajo de los británicos Edgar Wright y Simon Pegg, responsables de comedias de culto como Zombies Party, Arma Fatal o Bienvenidos al fin del mundo. Como muestra de ello está la secuencia que se rodó para la campaña de crowdfunding, la cual puede visualizarse en la web http://www.cinebasura.es y permite hacerse una idea del tono que tendrá el filme.
El cine de serie Z es un fenómeno con legiones de seguidores que crece y crece en España. Algo que han confirmado, entre otros, el éxito del festival CUTRECON de Madrid o las sesiones de ‘Trash entre Amigos’.
COMBATIENDO EL “CINE CUTRE”
“CINE BASURA: LA PELÍCULA” narra la historia de dos videobloggers que se introducen por accidente en una película mala. Cuando salen, las constantes del cine ‘cutre’ han invadido el mundo: hay falta de raccord, los planos subjetivos se ven en otros formatos, los cromas son espantosos y hay zombis, punks y otros personajes típicos de este tipo de películas. Un entuerto que los protagonistas tratarán de resolver junto a una amiga realizadora.
El filme está producido por la empresa PECKER AUDIOVISUALES, Miguel Ángel Viruete, Paco Fox y David Gutiérrez Rubio, así como por diversos inversores privados que han participado mediante micromecenazgo.
EQUIPO TÉCNICO Y ARTÍSTICO
Los directores de la película son Miguel Ángel Viruete, autor de varios cortos premiados y realizador de la webserie ‘VIDEOFOBIA’, y Paco Fox (Francisco Rodríguez Prieto), Responsable de Selección de Cine Extranjero de CANAL +
Natalia Alvarez y Paco Fox
a nivel profesional, presentador de ‘CINE BASURA’ y articulista de humor a nivel artístico. El guión, sobre un tratamiento de ambos directores y del popular humorista web José Viruete, viene firmado por el debutante sevillano Fernando Hugo Rodrigo.
Los actores principales son Miguel Ángel Aijón, conocido por sus papeles en Una de Zombis e Isi/Disi: Alto Voltaje; Natalia Álvarez-Bilbao, actriz en alza con filmes como Gernika o Poveda pendientes de estreno; Maite Medina, modelo profesional que ha representado a España en el certamen Miss Mundo; Darío Frías, quien ha participaddo en series de televisión como “Mis adorables vecinos” y películas como Omnívoros; y el propio Paco Fox, que interpreta a uno de los protagonistas.
Asimismo, entre los numerosos papeles secundarios se hallan diversos y reconocidos cómicos profesionales como Agustín Jiménez (Paramount Comedy), Kikín Fernández (“Los Serrano”), Richard Salamanca (Central de Cómicos), Mayka Jurado (“Alegrías las justas”), Esther Gimeno (“Sopa de Gansos”) o Fernando Moraño (Central de Cómicos).
VAMOS DE ESTRENO ( o no) * Viernes 25 de septiembre *
EL DESCONOCIDO (Dani de la torre, 2015)
España-Francia. Duración: 102 min. Guión: Alberto Marini Música: Manuel Riveiro Fotografía: Josu Inchaustegui Productora: Atresmedia Cine / La Ferme! Productions / Televisión de Galicia (TVG) / Vaca Films Género: Thriller.
Reparto: Luis Tosar, Javier Gutiérrez, Goya Toledo, Fernando Cayo, Elvira Mínguez, Luis Zahera, Ricardo de Barreiro, María Mera, Antonio Mourelos.
Sinopsis: Carlos, ejecutivo de banca, comienza su rutinaria mañana llevando a sus hijos al colegio. Cuando arranca el coche, recibe una llamada anónima que le anuncia que tiene una bomba debajo de su asiento. La voz de un desconocido le comunica que tiene apenas unas horas para reunir una elevada cantidad de dinero; si no lo consigue, su coche volará por los aires.
Uno sigue pensando que el principal objetivo de un thriller es hacernos pasar un buen (mal) rato durante el cual la pantalla nos tenga totalmente embuídos en la acción. Pendientes del desarrollo de la historia y de las peripecias que atraviesan los personajes. Y si nos hace saltar de la butaca en algún momento con un buen sobresalto, pues mejor que mejor. Y eso es lo que ha conseguido Dani de la Torre con El desconocido, recurriendo a la tesis de Hitchcock de que una historia siempre tendrá más suspense si el público sabe desde el primer momento que debajo de la mesa hay una bomba, aunque añadiendo, eso sí, un trasfondo social en la trama que en cierto modo subvierte nuestro punto de vista respecto a quien es la víctima y quien el verdugo. Y es que El desconocido todos son víctimas y verdugos. Y aunque saber el (previsible) móvil que desata la venganza del desconocido supone un pequeño golpe bajo para el espectador, cómplice por un momento del verdugo transformado en víctima, siempre nos quedará el consuelo de la redención del protagonista para calmar nuestra culpable complicidad .
La humedad que nos trasmite la plomiza atmósfera gallega en la que nos vemos envueltos desde casi el primer fotograma y que no nos dejará hasta el último, es casi un personaje más en esta trama, tan bien respaldada por el duelo actoral entre dos de los mejores intérpretes actuales del cine español, gallegos ambos, Luis Tosar y Javier Gutiérrez, que añaden credibilidad con su sensibilidad a una historia que tiene sus pequeñas trampas de guión, sí, pero que quedan disculpadas por la tensión que trasmite la inquieta cámara en mano y el suspense, tan bien medido, que nos ofrece Dani de la Torre, que incluye asimismo algunos planos secuencia que añaden inmediatez al film.
Además de los dos protagonistas, el resultado no hubiera sido el mismo si no hubiera contado con la severidad y contención de Elvira Mínguez que interpreta a la jefa de los artificieros y los dos niños, en especial Paula del Río.
El guionista Alberto Marini ya nos contó en Mientras duermes (Jaume Balagueró, 2011) otra inquietante historia protagonizada también por Luis Tosar y fue responsable, en solitario o en colaboración, de los guiones de Para entrar a vivir (Jaume Balagueró, 2006) o Romasanta, la caza de la bestia (Paco Plaza, 2009). Summer Camp, filme de terror que se presentará durante la próxima edición del Festival de Sitges, representa el debut de Marini en la dirección. Por su parte Dani de la Torre debuta con esta cinta, que augura una carrera interesante.
Summer Camp, la última producción Filmax de terror, presente en los grandes festivales del género
SUMMER CAMP, de Alberto Marini, ha sido seleccionada para participar en la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, que se celebra entre los días 31 de octubre y 6 de noviembre.
La Semana de Terror de San Sebastián será el cuarto Festival al que acuda la película tras pasar con gran éxito de público y crítica por el FrightFest de Londres, por el Festival Internacional de Cine de Busan (BIFF )-Corea del Sur (1-10 octubre), y por el Festival Internacional de Cine Fantástico de Catalunya-Sitges (9- 19 octubre).
A continuación referimos alguna de las críticas que la película recibió en el FrightFest de Londres:
–TWITCHFILM (Anton Bitel): “El debut de Marini demuestra que es conocedor de las diferentes formas del terror […] Muy hábil en el ritmo y en la narrativa. Después de pasar años en la sombra del cine como productor y guionista, Marini emerge en la dirección como un tipo maduro, friki y muy divertido”.
–SCREAMHORRORMAG (Jon Dickinson): “Una de las películas de terror más divertidas que he visto en los últimos años […] Estoy impresionado por el esfuerzo de Marini en su ópera prima […] Recoge elementos de REC y los deja ir en un campamento de verano donde no falta el terror. Por momentos es necesario contener la respiración […] El elenco está muy bien y hacen un trabajo fantástico moviéndose entre la comedia y el horror […] Película muy fresca que contiene uno de los momentos más originales que he visto en el cine en mucho tiempo […] Marini sabe cómo mantenerte en suspense, cómo hacerte reír y cómo cogerte por sorpresa”.
–FLICKERINGMYTH (Luke Owen): “Una trama brillante que lleva a lo largo de toda la película a la perfección y concluye de forma épica […] Hemos visto muchas películas de zombis y de infecciones pero Marini le pone sal y pimienta a su Summer Camp consiguiendo un nuevo sabor […] La película tiene algunos momentos fabulosos”.
SUMMER CAMP sumerge al espectador en un auténtico festival de terror y adrenalina.
De los productores de [REC], Annabelle y Expediente Warren (The Conjuring), el proyecto está apadrinado por Jaume Balagueró, quien debuta con esta película en la producción.
Diego Boneta, Jocelin Donahue, Maiara Walsh y Andrés Velencoso protagonizan el filme.
Con SUMMER CAMP, Alberto Marini da el salto a la dirección de un largometraje. Marini se dio a conocer por ser el guionista de la exitosa Mientras Duermes (Jaume Balagueró). Recientemente se ha estrenado con éxito, Extinction (Miguel Ángel Vivas), película de la que es coguionista. También firma el guion de El Desconocido (Dani de la Torre) que se estrenará próximamente tras haber participado en la Mostra de Venecia y en el próximo Festival Internacional de Cine de San Sebastián.
Sinopsis:
En la búsqueda de diversión y nuevas experiencias, cuatro jóvenes se apuntan como monitores de un campamento.
La noche anterior a la llegada de los niños y sin motivo aparente, comienzan a atacarse furiosamente entre ellos. Algo les convierte temporalmente en seres enloquecidos y muy salvajes.
Empieza entonces un juego del gato y el ratón sin tregua, en el que tan pronto son cazadores como intercambian sus roles para ser cazados.
Para sobrevivir sólo tendrán una opción: encontrar el origen de la infección que les permita acabar con la terrible pesadilla.
La visita, un inteligente found footage
Antes de abordar este comentario debo establecer dos previas: me gusta el cine de M. Night Shyamalan, la primera; y soy una enamorada de los ejercicios de estilo. La visita tiene esas dos bazas, de modo que no podía dejar de agradarme. Confesado esto me siento libre, ya juzgará el lector el grado de objetividad que haya podido yo alcanzar, o mejor dicho, reconocerá el sesgo desde el que interpreto.
Me ha parecido pertinente esta aclaración porque Shyamalan es uno de esos directores que goza de acérrimos defensores y de detractores no menos acérrimos. La última vez que discutí sobre su cine en un foro fue en 2008, recién estrenada El incidente, una película que no deja de tener sus peros, allí se pretendía ya que Shyamalan había de ser considerado como un cineasta sobrevalorado puesto que tras El protegido no habría rodado ninguna obra redonda.
A mí se me antojaba, y se me antoja, un juicio precipitado: la valía de un director, muy probablemente, no puede certificarse hasta que éste ha abandonado las cámaras, sólo entonces, cuando disponemos del abanico global de toda su filmografía, es cuando podemos enjuiciar su talento. ¿Cuántas películas tuvo que dirigir Hitchcock hasta rodar Vértigo? Tampoco Sir Alfred estuvo igual de certero en todas sus cintas, pero ya nadie es capaz de negarle su condición de genio. No pretendo equipararles, pero ambos son autores que se definen por su capacidad de jugar con el público, el uno con su implacable uso del suspense, el otro con esa capacidad de llevar al espectador donde quiere para luego sorprenderle. Y Shyamalan es bueno en lo suyo.
Los giros de guión gustan a Shyamalan más que un saco de golosinas a un niño glotón. Por esa razón hay quienes le consideran un timador, un tramposo, sin reparar en que una mentira bien contada puede convertirse en obra de arte. Esas vueltas de tuerca tan características de su cinematografía las resuelve con distinto acierto según el filme, pero cuando logra perfilarlas bien, nos ofrece un auténtico prodigio. Un engaño, sí, pero un engaño bello. Y La visita es un ejemplo de buen uso del recurso. Como no podía ser de otro modo, su última cinta esconde un giro en la trama, en esta ocasión bien trabado, perfectamente coherente y que desencadena un desenlace vibrante. Pero hay más, y esto es un SPOILER, el giro verdaderamente interesante es el formal: sólo al final comprendemos que en verdad lo visto hasta ahí nunca fue metraje encontrado sino un auténtico (falso)documental FIN DEL SPOILER. Ya descubrirán ustedes porqué afirmo esto.
La visita es una producción modesta, sólo se han invertido cinco millones de dólares, pero tal como ocurre con otras producciones de la Bloomhouse es una obra correcta más allá de que satisfaga o no nuestros gustos. La cinta saca el mayor partido posible a su bajo presupuesto consiguiendo aunar en ella el terror (que irá subiendo de intensidad a lo largo del metraje), el drama familiar (calibrando bien el arco de transformación que llevará a los personajes a madurar y superar sus conflictos) y la comicidad (con un humor negrísimo en ocasiones). El acabado del filme nos deja la sensación de que se han seleccionado los elementos exactamente necesarios para dar vida a esta historia hasta el punto de que parece incluso un acierto más su modestia presupuestaria. Los efectos son los justos, su corrección reposa en un guión bien temperado con una evolución que no obliga nunca a suspender la incredulidad, unos actores que bordan sus interpretaciones y, por supuesto, una puesta en escena impecable en la que Shyamalan nos hace ver que hay otros usos posibles para el found footage cuando parecía que ya se había visto todo.
El found footage de Shyamalan no pierde en ningún momento su lógica (continuamente está justificado el punto de vista de los planos) y demuestra que rodar cámara en mano no tiene porqué implicar una sucesión de imágenes atropelladas, oscuras y de difícil visión. Para quien esto escribe, La visita es junto a The Sacrament de Ti West (sin desmerecer [REC]1) el mejor trabajo dentro de este estilo narrativo. Con el plus en este caso de que sirve al director para llevar a cabo todo un ejercicio de metacine. La excusa para acudir a este recurso es la voluntad de una joven adolescente de llevar a cabo un documental de su primer encuentro con sus abuelos a los que no ha conocido nunca. La quinceañera hace gala de tener un buen conocimiento de la teoría del lenguaje audiovisual de modo que Shyamalan a través de ella nos regala toda una lección de cómo hacer cine que se permite incluso hablarnos de la licitud de los reality televisivos. Como decía de buen principio La visita es todo un ejercicio de estilo, y nada hueco porque está puesto al servicio de la narración y su intriga. Para mí ese es el mayor valor de la cinta. Justo el que hace que, el último trabajo del director hasta el momento, sea la prueba de que Shyamalan se ha ganado por derecho propio un lugar de honor en el fantástico.
Lilting, una melodía ajena a la estridencia
Como los mundos ingrávidos y gentiles de Machado, Lilting es fundamentalmente un filme sutil. Tanto en su fondo como en su forma. Hong Khaou en su ópera prima compone un delicado poema con el que nos narra un drama intimista que apunta hacia la constatación de que el lenguaje de los sentimientos abre más puentes hacia la comunicación que el lenguaje verbal de las palabras. Nos lo cuenta cadenciosamente (como ya indica el título), haciendo hincapié en la línea melódica de la historia. Aborda temas universales (la soledad, el sentimiento de culpa, el choque entre culturas y, sobre todo, la necesidad de comunicarnos y amarnos), pero los muestra de forma liviana tal como si nos estuviera desgranando una sencilla balada. Su levedad es la que la hace profunda.
Junn (Pei-Pei Cheng) es una anciana chino-camboyana que lleva casi treinta años en Inglaterra pero que, y pese a que habla seis idiomas orientales, nunca ha aprendido el inglés. Richard (Ben Whishaw) es un joven sensible, amante de la cocina china que él mismo prepara, pero, aunque ha sido pareja de Kai (el hijo de Junn) durante cuatro años, no conoce la lengua de Junn. A ambos les une la trágica, por inesperada, muerte de Kai, pero a la vez están separados por kilómetros de convenciones sociales encorsetadas y conflictos interculturales, el principal de ellos recae sobre la dificultad de Kai (Andrew Leung) para hablar de su homosexualidad con su madre. Junn pasa sus días en una residencia para ancianos, allí vive su duelo y sigue su vida, incluso tiene una relación romántica con Alan, otro de los asilados; la barrera idiomática no parece ser un impedimento para vivir su romance. De pronto, su mundo es perturbado por la injerencia de Richard. El joven se siente impelido a ayudarla, no quiere que la madre de su amado termine sus días en la soledad del asilo, así que contratará a una traductora que permita que la mujer se comunique con Alan y con él mismo. Pero las paredes del infierno están alicatadas de buenas intenciones: lejos de facilitar la comprensión, entender las palabras del otro hace que la pareja se distancie. Hará falta que la incomunicación roce su límite para que ambos comprendan que están unidos por el dolor y que el lenguaje de los sentimientos fluye mejor lejos de las traducciones.
Lilting es una película que nos habla de la sensibilidad, de las emociones, y su valor de universal que va más allá de los condicionantes culturales y/o sociales. Y su mejor logro es defender esta tesis jugando la baza de la conmoción. Lilting nos conmueve, por su tema, pero también (y quizás sobre todo) por su puesta en escena. Hong Khaou se muestra hábil en el manejo de la sintaxis audiovisual, así con un simple contraplano a una cama vacía puede informarnos de la muerte del hijo en la secuencia inicial, montaje que por alguna razón nos lleva a recordar el magnífico travelling final de Los cuentos de la luna pálida. Comparar al joven realizador con el maestro Mizoguchi puede parecer exagerado, pero lo cierto es que comparten el buen uso del arte de la sutileza y el saber acercar al occidental el alma oriental. Lilting nos narra la tragedia de Kai mediante ágiles flashbacks que el camboyano introduce sin estridencias ni subrayados. Así un travelling puede acompañar a un personaje desde el pasado hasta el momento actual (o viceversa) sin necesidad de cortes y sin desorientar al espectador (que es lo más importante). Tal se diría que Khaou domina el arte de convertir en sencillo lo complejo. Porque su película fluye pausada como el agua de un arroyo en el final de su curso, cuando va a maridarse con el mar y de sus rápidos sólo queda el recuerdo.
De la importancia de los recuerdos también nos habla el filme. De los objetos físicos (Richard y Junn llegan a discutir sobre quién de los dos ha de conservar las cenizas del finado), claro está, pero sobre todo de las evocaciones que nuestra memoria hace a partir de ellos. Evocaciones que habrán de ser las que nos permitan resolver los duelos y dejarán que la vida siga adelante después de la paralización que supone toda muerte. Y la cámara se paraliza literalmente en un abrazo de los dos jóvenes antes de volver a la habitación de Junn para fundir a negro sobre la figura de la anciana. En esa secuencia se dan la mano la fuerza expositiva del filme, la dulce discreción del director a la hora de retratar las relaciones amorosas entre dos hombres (algo que todavía es menos normal de lo que debiera ser), y la sabiduría de sus actores principales que nos regalan unas interpretaciones ricas en matices sin caer en ningún tipo de histrionismos. Y su drama nos alcanza con su suave aroma de tristeza que, paradójicamente, nos reconforta.
Los 4 Fantásticos: ¿Crujir de dientes? ¿La película que hay que odiar?
Digamos que los puristas al cómic que inauguró la gran era Marvel de los súper héroes pueden salir del cine (si soportan hasta el final) un tanto airados. Pero es una suposición, claro. Yo mismo soy seguidor de Marvel Cómics, concretamente del arácnido y, la verdad, uno ya está curado de espantos. Y me he llevado unos cuantos.
Roger Corman fue el primero en atreverse con el cuarteto, pero una vez finalizado el filme, prefirió no estrenarla.
Por poner dos ejemplos: en cine los absurdos argumentos en contra y a favor de los lanzaredes orgánicos o inorgánicos. Y en cómic la saga del clon. Muchos han nacido con la imagen de Bruce Wayne encarnado por Michael Keaton, pero la verdad es que lo primero que pensaba uno al enterarse era que Tim Burton había cometido un irreparable error de casting. Así que la enésima adaptación de personajes Marvel a otro medio no debería hacer que perdiéramos los papeles. Y más si nos enteramos de que su versión en cómic se ha cerrado y sus personajes han sido reciclados en otras colecciones. Así que sí, digamos que los guionistas se han tomado ciertas libertades y 
la cuarta y última adaptación de los 4 Fantásticos convierte a sus protagonistas (y a su peor enemigo) en adolescentes. Cambia razas y transforma a Sue en científica también, apañando el guión por aquí y por allá con un corta y pega que complazca a los directores de marketing de los estudios que tienen los derechos de los personajes.
Y dicho esto vamos a la película, un filme que ya desde las redes ha estado escogida por algún gurú de la opinión como la cinta que debes odiar. Y hay que decir que no es para tanto. La nueva remodelación de la familia superheroica se adapta a lo que se supone que debe de gustar al público que acude especialmente a ver estas película: el más joven. Así que ¿qué tenemos que decir los carcamales que hemos leído sus historias desde los tiempos de Ediciones Vértice? Pues ver la película y pasarlo bien… O no. Y este cronista, que repito, está curado de espantos y no le gusta que le digan lo que le tiene que agradar o no, pues ha ido al cine como va siempre, con ganas de pasarlo bien. Y más o menos lo ha conseguido.
Los personajes son atractivos, su historia recalca (y recalcará más su secuela, de haberla) el valor de la amistad, de unir fuerzas para combatir las eventualidades. De no dejarse manipular. Del miedo a los cambios y saber adaptarse a ellos. En fin, los valores positivos y universales que los buenos siempre predican. Hasta bien avanzado el filme, puede verse como una película de ciencia ficción. Y el momento en el que el grupo comienza a luchar unido quizás es demasiado apresurado, como si se terminara el tiempo y hubiera que aligerar. Pero ese desenlace es precisamente el que mantiene la máxima fidelidad con los 4 Fantásticos del cómic, llevando la aventura al plano cósmico tan característico de las aventuras del cuarteto.
Naturalmente cabía esperar más, mucho más de Josh Trank, un director que con Chronicle (2012), su debut, nos ofreció la que posiblemente sea mejor película sobre los súper poderes (y de rebote de las mejorcitas sobre eso que se ha dado en llamar found footage). Pero uno está al corriente de ciertas presiones que el director ha recibido por parte de Fox que incluso no ha dejado que monte su película. En todo caso la película viene con el eco de un estrepitoso batacazo en taquilla que no beneficia para nada su carrera en nuestras pantallas. Por su parte los actores cumplen con su cometido y resulta (si se deja, repito, el cómic original de lado), atractivo el punto de partida con Ben y Reed comenzando su compincheo desde la infancia.
Sin duda una apuesta arriesgada que parece quedará en el saco de las buenas intenciones y que hace que nos preguntemos que tal habría sido si se hubiera dejado que su director hubiera creado el filme, tal y como tenía previsto, con un enfoque más oscuro.
Serendipia
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