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Luis Esquinas nos habla de ‘Simon’s Jigsaw’ su documental sobre Juan Piquer Simón
Durante el pasado Festival Fantasti’CS de Castellón, Serendipia tuvo el placer de ser entrevistado para el documental dedicado al director Juan Piquer Simón, ‘Simon’s Jigsaw’, que está ultimando su director Luis Esquinas, junto a otros de los escritores que participaron en el libro que Fantcast editó en 2011 sobre el cineasta, Juan Piquer Simón, Mago de la Serie B. Así que ahora le toca a él responder a nuestras preguntas en esta entrevista, con la que podemos hacer boca hasta que podamos disfrutar del magnífico homenaje en forma de documental, realizado por Luis Esquinas desde la admiración y la pasión.
JUAN PIQUER Y EL PORQUÉ DE ESTE DOCUMENTAL
¿Por qué Piquer Simón? ¿Qué es lo que te atrae principalmente de este cineasta?
Llevo años, muchos años, enseñando a mis alumnos cine, así que un buen día decidí abordar la realización de un documental sobre un director de cine español, para quitarme un poco las
Luis Esquinas junto a Colin Arthur en su taller (Archivo L. Esquinas)
telarañas del aula. La verdad es que mi pasión por el cine viene desde niño. En mi casa, siempre se ha visto mucho cine porque mi padre trabajaba como carpintero de rodaje y decorador. Era habitual, que se encontrara trabajando en el poblado del Oeste de Almería o en alguna superproducción en estudios de cine en Madrid. Todavía me acuerdo de como me contaba como se habían rodado algunas secuencias de las películas de Simbad o de Doctor Zhivago. En aquella época Almería era centro neurálgico, por lo que tuvimos que trasladarnos largas temporadas a la capital andaluza. Aún me acuerdo cuando era niño pasearme por aquellos decorados.
Pero ¿Por qué Juan Piquer?, pues porque para mí representa la figura del cineasta del fantástico a la española. Él intentó ,sin duda, siempre hacer un cine con proyección internacional, para lo que construyó un lenguaje de cine fantástico a la americana, pero traducido al español. Aún recuerdo ver con la ilusión de un niño su película Viaje al Centro de la Tierra y pensar ‘¡No, no puede ser española!’, la firmaba un tal J.P.SIMON. Pero sí, ¡era español y muy español!, ¡Valenciano para más señas! y había podido hacer un película al estilo fantástico más clásico, pero con técnicos de efectos especiales españoles. La huella palpable de un mítico Emilio Ruiz, o de un genio de la cámara como Juan Mariné, quedaba clara. Y fui descubriendo con los años que además nos había dejado joyas de la talla de Mil Gritos tiene la noche o Slugs, que aún valoro como joyas del cine de terror al más puro estilo americano. Y no es que no me guste el Fantaterror español, del cual soy un auténtico fan. Qué decir de nuestros Amando de Ossorio, Paul Naschy, Jesús Franco, Jordi Grau, León Klimovsky, etc. Sin duda un cine de fantástica factura, porque lo sabemos hacer
El director Juan Piquer Simón.
muy bien, aunque haya sido siempre incomprendido desde la crítica que una y otra vez se ha cebado con este tipo de obras, algunas de la cuales ya han pasado a ser consideradas de culto. Pero es que Juan Piquer se atrevió incluso con un Superman a la española, o con una película de aventuras subacuáticas como La Grieta.
Se trata de un cine que posee ese “ojo americano”, cinemascope, poco habitual en nuestro cine. Además siempre tuvo claro que tenía que rodar en inglés. Pero además:
- Es muy buen realizador, es decir, la factura de sus películas es impecable, seguramente fruto de su experiencia en el mundo publicitario. En todo momento controla el ritmo de las secuencias. Hay un detalle que deja palpable eso, y es que Juan Piquer rodaba sin combo. Sabía exactamente lo que iba a obtener en la pantalla.
- Sabe sacar petróleo de unos presupuestos ajustados, obteniendo, a base de dedicación y trabajo, aparte de talento, unos resultados nunca vistos hasta entonces en en el Fantástico español.
- Tiene ese punto de Exploitation que a mí me gusta. Sabe utilizar elementos que tienen tirón en cada momento para atraer al público. Fue un maestro. Sabe crear productos derivados de sus películas, creando a su alrededor un merchandising, inédito en nuestro cine.
- La relación de su obra con la literatura fantástica y el cómic. Era un voraz lector y conocedor de este tipo de literatura.
- Pero quizás una de los aspectos más relevante del cine de Piquer, son los efectos especiales. Hasta la llegada de sus películas nadie había pensado en un cine fantástico y de terror a lo grande. Es decir con efectos especiales de extrema calidad en un mundo analógico, añorado por muchos de nosotros, sin duda un poco hartos de tanto efecto digital que inunda nuestras retinas pero sin contenido ni justificación. Todos los técnicos de efectos especiales que han trabajado con él insisten en varias cuestiones. La primera es que Juan, siempre sabía lo que quería y la segunda, es que rodaba para los efectos especiales, adecuando la realización a la obtención del mejor efecto posible. Y además era comprensivo, es decir, que sabía hasta donde se podía llegar con los medios de los que se disponía. Siempre intentaba sacar un poco más de todo el equipo, pero siempre desde la comprensión.
- Otro aspecto a destacar de su cine es que siempre intenta controlar la factura de sus películas de principio a fin. No por casualidad, crea unos Estudios propios en Pradillo y más tarde adquiere los estudios de Daganzo MADRID70. La única manera de controlar todo el proceso es hacerlo todo tú y tener a los mejores trabajando para tí (Colin Arthur, Paco Prósper, Basilio Cortijo, Carlo de Marchis, Emilio Ruiz, Juan Mariné, etc) y en su cine esto se nota.
¿De entre sus películas cual escogerías, y por qué?
Es una pregunta muy difícil de contestar, pero de entre aquellos que considero mis preferidos: Pieces, La Grieta, Slugs y Viaje al Centro de la Tierra, me quedo sin duda alguna con esta última, ya que representa desde mi punto de vista al Juan Piquer original, fascinado por el mundo del cine, embebido por la literatura fantástica y con la frescura de un niño.
Se nota en este filme la pasión de Juan por el Cine, a pesar de las dificultades que tuvo para poder realizarla. Pero al fin realizó su viaje y nos dejó esta joya del cine español.
De un tiempo a esta parte parece que se está reivindicando la figura de Piquer Simón, con dos libros dedicados a él ¿A que crees que es debido? ¿Crees que es importante que así sea?
Me parece genial que se esté reivindicando la figura de Juan. Sin duda se lo merece. Me imagino que al igual que yo he tenido mis razones para hacer este documental Jorge Adsuara y José Luis Alonso, han tenido las suyas para hacer sus libros, fantásticos por cierto. Yo soy de la creencia de que a lo largo de la historia, diferentes personas se ponen a trabajar en un determinado tema. Quizás sea casualidad, suerte o destino. Lo que si creo es que sean cuales sean la razones de este interés por el cine de Juan Piquer, es sin duda merecido. Yo creo que hacen falta iniciativas en nuestro país para reivindicar, no ya la figura de Juan, sino la de muchos otros realizadores y técnicos, que han sido ninguneados, no sé por que razón. Algunos parecen avergonzarse de este tipo de cine porque es poco intelectual o porque es de baja calidad. Cualquiera que se aventura en la
Colin Arthur ojeando el libro editado por Fantcast (Archivo Fantcast)
realización de una película sabe de las dificultades de llevar un proyecto a buen fin. Sólo la pasión por el CINE, puede ser la energía para que la cultura avance. Y no hablo de una cultura elitista, más propia de otros tiempos, hablo de una Cultura de todos, y si nos gusta este tipo de cine, hay que darle su sitio, porque sin duda lo tiene. Hace poco cayó en mis manos, regalo de mi amigo Manuel López Villegas, un especial de la revista Quatermass, “Antología del Cine Fantástico Español”. Me lancé a leer las críticas de las películas de Juan Piquer. Me quedé un poco perplejo, no las ponían muy bien, pero en este especial de otoño de 2002 (Nº 4-5), había unas páginas dedicadas a las cifras del cine español, clasificadas por años y en ellas podemos ver:
Año 1977 película más taquillera Viaje a centro de la Tierra, lo curioso es que la segunda es Escalofrío de Carlos Puerto, pero producida por Almena Films, productora de Juan Piquer.
Año 1979 película más taquillera Supersonic Man.
Año 1981 segunda película más taquillera Misterio en la Isla de los Monstruos.
Año 1982 película más taquillera Mil Gritos tiene la Noche.
Año 1988 segunda película más taquillera Slugs, muerte viscosa
Año 1989 película más taquillera La Grieta.
Yo creo que esto deja palpable que el gusto del espectador va por un camino, y el de los críticos por otro.
Por lo tanto creo que es muy importante todo aquello que se haga para recordar a directores como Juan, que tanto ha hecho por el cine fantástico y de terror español. Aprovecho esta entrevista para reivindicar este tipo de cine. Creo que se puede seguir haciendo en España, porque es un género que conocemos y que se nos da muy bien.
EL DOCUMENTAL
¿Cómo nace el proyecto del documental sobre Piquer Simón?
Como ya te contaba, fue un intento de poner en práctica una ilusión que me rondaba por la cabeza hace tiempo. Hacer mi propio documental. El cine documental es uno de mis preferidos y era el momento de emprender esta aventura.
¿Qué es lo que nos encontraremos en tu documental? Cuéntanos en qué consiste
El documental tiene un concepto de obra CORAL, es decir veremos y oiremos la opinión y las experiencias de gente relacionada con el cine de Juan Piquer:
Expertos en su obra, Actores, Productores, Técnicos, Colaboradores y amigos. Encontraremos una estructura en bloques temáticos que tocarán diversos aspectos de la obra de Juan Piquer, encadenados por una licencia dramática como hilo conductor, aunque prefiero mantener un poco la sorpresa.
Yo creo que se trata de un trabajo profundo sobre Juan Piquer como Director y como persona. Conoceremos su trabajo en primera persona a través de los protagonista que vivieron su cine junto a él.
¿Habías rodado antes más documentales? ¿Ha sido muy complicado?
Es mi primer documental como realizador. he participado en otros proyectos de documentales pero siempre como técnico, ya sea realizando las labores de operador de cámara o de montaje. De hecho en estos momentos puedes ver el último trabajo en el que he colaborado Diego Galán, un toledano en Estambul de los directores Manuel López Villegas y Esteban Estepanian Taracido. También hemos producido el concierto del 30 aniversario del mítico grupo TDK (https://www.youtube.com/watch?v=3p9gEJ5l-sw). Actualmente nos encontramos en la pre-producción de un cortometraje de terror basado en una idea original de Lone Fleming, y mayo produciremos el Making Off del cortometraje El Último Guión de David García. En fin, que no paramos.
Has podido entrevistar a todas las personas que deseabas? ¿Cuál se ha quedado en el tintero?
Luis Esquinas rodando junto a Lone Fleming (Archivo L. Esquinas)
He entrevistado a la mayoría de las personas en las que había pensado en principio, aunque siempre hay entrevistas que por diversas circunstancias no has podido hacer. Prefiero no decir nombres.
¿A que personas has entrevistado?
Es una larga lista de pero creo que conviene citarlos a todos:
Antonio Garcinuño, Antonio Mayans, Basilio Cortijo, Carlos Benítez, Carlos Puerto, Collin Arthur, David García, Domingo Lizcano, Emilio Linder, Gabi Cortijo, Hector Caño, Hilda Fucks, Jack Taylor, Jorge Adsuara, Jose L. Salvador, Juan Mariné, Lone Fleming, Manuel Puchades, Manuel Valencia, María Rubio, Marisa Pino, Miguel A. Plana, Pedro del Rey, Reyes Abades, Rosa Mateu, Sergio Blasco, Teresa Sancho y Victor Matellano.
¿Has podido acceder a los archivos de imágenes que querías? ¿Te lo han puesto muy difícil?
Todas las personas que disponían de imágenes de los rodajes las han puesto a mi disposición, y además he podido utilizar material de Filmoteca Española, que tenía la familia de Emilio Ruiz en depósito y que ha cedido amablemente. Quiero aprovechar esta ocasión para agradecerles a todos su ayuda desinteresada y el apoyo que me han prestado. Seguro que me dejo a alguien pero quiero agradecer a Elena Cervera (Filmoteca) su ayuda; a Juan Mariné y a Concha Figueras por las fotos y las imágenes en vídeo de su cámara personal; a Jorge Adsuara por el ingente volumen de material fotográfico cedido; a Sergio Blasco por prestarme imágenes y una entrevista en vídeo que realizó a Juan Piquer; a Gabriela Cortijo por sus fotos del rodaje; a Carlos Puerto por el materia de Escalofrío; a Andrés Santana por sus imágenes de la comida entre Emilio Ruiz, Juan Mariné y Juan Piquer, etc.
Realizando la entrevista a Miguel A. Plana (Archivo Fantcast)
¿Has podido tener acceso a material inédito o especialmente interesante?
Yo creo que las imágenes con mayor valor testimonial son las que muestran a Juan Piquer en plena salsa, dirigiendo escenas en Slugs o en La Grieta (cedidas por Juan Mariné). Alguna de las fotografías, tampoco han sido vistas nunca, por lo que cobran una especial relevancia. Podremos ver guiones manuscritos de Juan Piquer, Story Boards realizados por Emilio Ruiz. En fin, yo creo que a nivel de aportaciones inéditas, la experiencia promete.
En cuánto a material original de las películas, a fecha de hoy me ha sido imposible obtener los permisos para utilizar las imágenes. Mi producción tiene más voluntad que presupuesto, y el tema de derechos de autor pone este aspecto muy difícil, pero estoy seguro que aquellos que vean el documental no las echarán en falta.
Sandra Alberti en una imagen del documental (Archivo L. Esquinas)
¿Cuándo estará listo para verse?
Si todo marcha según lo previsto, podrá verse a finales de 2015 y en festivales el año próximo. Una vez se estrene, también habilitaré una página web con todas las entrevistas montadas para que se puedan ver íntegras. Y si obtengo permiso de sus propietarios, los materiales gráficos relacionados con el documental.
¿Algún nuevo proyecto en cartera? ¿Relacionado con el fantástico?
Siempre hay proyectos en una cabeza como la mía. Me gustaría abordar una serie de documentales sobre otras figuras del fantaterror español.
Pues ya está, si quieres añadir algo más
Para terminar me gustaría decir a todos aquellos que me han ayudado, qué llegué sin nada más que ilusión en mis bolsillos y un sueño, y que gracias a ellos este sueño va a hacerse realidad. Pero no solo me han dado su ayuda, también me han dado su cariño y lo más importante, su AMISTAD. Este mundo está lleno de gente fantástica y yo he tenido la suerte de conocer a muchos de ellos. Seguro que seguiremos nuestra amistad en el futuro. Desde aquí gracias a todos y espero que el documental os guste, porque he puesto en él mi alma.
Y hasta aquí esta entrevista que agradecemos encarecidamente a Luis Esquinas, al que deseamos toda la suerte con su documental.
Patrick Jusseaume se suma a la lista de invitados del Salón del Cómic
El autor de la mítica serie Tramp, Patrick Jusseaume, estará presente en el 33 Salón Internacional del Cómic de Barcelona. El dibujante se suma así a la larga lista de invitados internacionales del certamen.
Conocido principalmente por Tramp, cuyo segundo integral se presentará en el Salón del Cómic, Jessaume inició su andadura como profesor de arte, pero se sintió atraído por la viñeta muy pronto. Entre su producción destacan sobre todo los diarios de viaje, como el que hizo en colaboración con el guionista Serge Le Tendre, con quien firmó Mission Vietnam. Su última obra, Escala en el pasado, narra las marítimas y exóticas aventuras de Yann Calec.
Patrick Jusseaume (Abidján, Costa de Marfil, 1951)
Diplomado en la escuela de Bellas Artes de Rouen (Francia), al principio orienta sus pasos hacia la educación y ejerce como profesor de arte durante varios años. Tras publicar unas tiras de cómic para las ediciones ID Program en 1982, se estrena oficialmente en 1985 en la revista Vécu, editada por Glénat. En colaboración con el guionista Daniel Bardet, realiza Crónica de la casa Quéant. Esta serie histórica, que narra las aventuras del joven Baptiste Le Quéant entre Francia y África a mitad del siglo XIX, será́ publicada en seis tomos por la editorial Glénat a partir de 1986. A partir de 1990, colabora con la revista Je bouquine y hace las ilustraciones de clásicos de la literatura como El retrato de Dorian Gray. En 1991, lanza, junto con Jean-Charles Kraehn, la saga marítima Tramp. El primer tomo, titulado La Trampa, aparece dos años más tarde. En 1998, participa para la editorial Petit à petit en una obra colectiva dedicada a Boris Vian. Al año siguiente, la misma editorial le dedica un monográfico titulado Tramp. Sur le pont avec Jusseaume (texto de Olivier Cassiau). En 2003, viaja a Vietnam con Kraehn y el guionista Serge Le Tendre para dibujar Mission Vietnam, un cuaderno de viaje realizado para una asociación humanitaria y publicado por Glénat. En 2001, tras ilustrar los cuatro tomos del primer ciclo (reunidos en un integral), comienza La ruta de Punta Negra, primer capítulo de un díptico al que seguirá́ La senda de Kibango. Con Escala en el pasado, se lanza al dibujo del tercer ciclo de las marítimas y exóticas aventuras de Yann Calec. Patrick Jusseaume presentará el segundo integral de Tramp en el 33 Salón del Cómic. Autor invitado en colaboración con Ponent Món
Nocturna 2015: Homenaje a El día de la Bestia y más novedades
El cine español no podía faltar en las celebraciones de los diferentes aniversarios que homenajea NOCTURNA 2015. Por ello el Festival entregará, el sábado 30 de mayo, uno de sus premios Maestro del Fantástico a Alex de la Iglesia (Bilbao, 1965) por su dilatada trayectoria y su decisiva aportación al cine fantástico español. Ese mismo día y con motivo de su 20 aniversario se proyectará El Día de la Bestia, película con la que se alzó con el Goya a la Mejor Dirección, y que servirá a su vez como homenaje al tristemente desaparecido protagonista del film, el grandísimo actor Álex Angulo.
AMPLIA PRESENCIA DEL CINE ESPAÑOL EN NOCTURNA
VAMPYRES, la revisión del film de José Ramón Larraz, Las Hijas de Drácula, que dirige Victor Matellano con un reparto encabezado por Caroline Munro, junto a Anthony Rotsa, Veronica Bacorn, Alina Nastase, Luis Hacha, Marta Flich y Almudena León entre otros, sigue conteniendo sensualidad, truculencia, descaro y una atmósfera malsana, pero en un tono más sofisticado que ofrece más acción, más terror y más gore en consonancia con los tiempos actuales. La historia se centra en dos vampiras que habitan en una oscura mansión donde atraen a hombres a los que les ofrecen orgías de sexo que terminan siendo orgías de sangre. Hasta aquel lugar llegan, unos jóvenes excursionistas con ganas de fiesta, y un hombre joven que esconde un oscuro pasado. Para ir haciendo boca puedes leer la amplia entrevista que hicimos a su director y protagonistas.
DON’T SPEAK, el film dirigido por de Amadeu Artasona que participará en la sección oficial Dark Visions, y que nos cuenta como un grupo de jóvenes que celebra una fiesta en un barco sufrirán un percance que les obligará a pedir ayuda en un extraño pueblo cercano en el que pronto comenzarán a suceder cosas extrañas.
NATALIE NET, dirigida por el conocido blogger El Chico Morera, y protagonizada por Sara G, se presentará en la sección Panorama. Una película Low Cost, cuya producción se ha desarrollado durante tres años, que nos narra los avatares de su protagonista, una joven internauta que comienza a desarrollar las cualidades de una computadora.
SECCIÓN OFICIAL DARK VISIONS
La sección más indie de NOCTURNA 2015 anuncia otras dos incorporaciones que cierran nuestra sección oficial:
THE MIDNIGHT SWIM, un film dirigido por Sarah Adina Smith, que ha pasado por festivales tan renombrados como el Fantasia de Canada, el AFI Fest en el que se alzó con el premio del público o el Festival de Ithaca donde se alzó con el galardón a la mejor película. The Midnight Swim nos traslada al inusualmente profundo Spirit Lake, un lugar del que ningún buceador ha logrado alcanzar el fondo. La doctora Amelia Brooks desaparece durante una inmersión y sus hijas se reúnen para poner en orden sus asuntos y sumergirse en los misterios del lago.
Desde el Reino Unido llega AFTERDEATH, un film dirigido por Gez Medinger y Robin Schmidt, en el que cinco jóvenes despiertan cerca de una casa abandonada en una noche perpetua. Pronto descubren que están muertos y comienzan a experimentar explosiones de dolor, y la aparición de una demoniaca criatura que les hacen pensar que se encuentran en el mismísimo infierno.
THE MIDNIGHT SWIM y AFTERDEATH se suman a las ya anunciadas anteriormente DON’T SPEAK, III, HELLMOUTH, y ANOTHER completando así el programa de la Sección Oficial Dark Visions.
SECCIÓN OFICIAL MADNESS
Junto a las ya anunciadas FEAR CLINIC, LOST AFTER DARK y HEADLESS, además de la inclusión de VAMPYRES, la Sección Oficial Madness se completa con la irreverente historia de BUNNY THE KILLER THING, un film dirigido por Joonas Makkonen que nace del cortometraje del mismo título que cosechó un gran éxito en diversos festivales internacionales. En el film un grupo de finlandeses e ingleses pasan un fin de semana en una cabaña cuando una extraña criatura, que parece ser mitad hombre mitad conejo, persigue todo aquello que recuerda a los genitales femeninos al grito de “Pussy”.
La película australiana CHARLIE’S FARM, dirigida por Chris Sun y protagonizada por Tara Reid, Bill Moseley y Kane Hodder, nos contará como con la intención de hacer algo diferente, cuatro amigos se meten en la Australia profunda para explorar la granja de Charlie, el lugar donde una familia murió violentamente a manos de una muchedumbre enfadada. A pesar de todas las advertencias, ellos continúan en su aventura en busca del terror…
Otro de los films que podrán verse en Madness es WE ARE MONSTERS, el nuevo e intenso trabajo de Sonny Laguna y Tommy Wiklund, ganadores de NOCTURNA 2013 con Wither, que esta vez nos ofrecen una vuelta de tuerca al género del rape & revenge presentándonos a Emma, una joven australiana que tras llegar a los Estados Unidos será secuestrada y torturada por un trío de psicópatas. ¿Hasta dónde estará dispuesta a llegar para escapar de sus captores?
Ocho directores mexicanos se unen para ofrecernos MÉXICO BÁRBARO, una antología de historias inspiradas en las tradiciones y leyendas mexicanas, en las que se dan cita duendes, fantasmas, criaturas extrañas, sacrificios aztecas, el día de los muertos y muchas cosas más.
Aquí os dejamos todos los carteles de las películas seleccionadas: http://bit.ly/CartelesMadnessyDarkVisions
El Festival Internacional de Cine Fantástico de Madrid, NOCTURNA 2015, se celebrará en los Cines Palafox de Madrid del 25 al 31 de mayo.
Víctor Olid y El descacharrante cine de Pajares y Esteso
Vial of Delicatessens, sello videográfico que inicialmente nació para dar alternativa a un tipo de cine y de obras que difícilmente podrían verse publicadas fuera de la autoedición, poco a poco ha ido incrementando su radio de acción y ahora se pasa a la edición de libros. Entre sus primeros y variopintos lanzamientos, la editorial adelanta títulos como La españolada en 100 películas (José Luis Salvador Estébanez y Víctor Olid), Cómo hacer un cortometraje (Naxo Fiol) y Michael Haneke: El cirujano fílmico de la realidad, de José Ángel de Dios. Pero la rama literaria del sello se ha estrenado con El descacharrante cine de Pajares y Esteso, un detallado y extenso repaso a la filmografía de este dúo de humoristas, tanto juntos como por separado. Un librazo de 384 páginas escrito por el ideólogo de Vial of Delicatessens, Víctor Olid.
No puedo ocultar que desde que supe de este proyecto, suspiré esperando tenerlo en mi poder, así que en cuanto se abrió la veda, me hice con él. Este libro está escrito por un fan total de estos actores y se nota. Al igual que otros intentan hacernos creer que descubrieron el cine con Mizoguchi o Bergman, Víctor confiesa y admite, sin ánimo de justificarse (ni falta que hace) que él lo hizo, como tantos, viendo las películas de estos dos populares cómicos. Disfrutándolas lejos de modas vintage, petardas o bizarras. Y esa admiración ha continuado e incluso incrementado, cuando Víctor ha sabido reconocer en las películas, principalmente bajo la batuta de Mariano Ozores, cine bien hecho, eficaz y competentemente interpretado por sus protagonistas y secundarios de lujo, ofreciendo con toda la información que ha podido hallar, un libro escrito desde la pasión y el cariño a ese cine que ya nunca volverá.
No busquen chismes de la vida privada de sus protagonistas, eso quedará para otro libro y otro escritor ya que Víctor prefiere ignorar e incluso despreciar a esa prensa rosa. Por mi parte no negaré que si sale, también lo compraré, pero con la total seguridad de que en cuanto al cine y las películas de Fernando Esteso y Andrés Pajares, ya tengo EL LIBRO.
Víctor Olid mantiene la libertad, la rebeldía, y parte del léxico combativo y de trinchera de los fanzines. Tono del que algunos parecen huir a la primera de cambio a base de diccionario de sinónimos. Lo importante es la actitud. Y Víctor deja claro lo que le gusta y lo que no en todo momento. Unas veces de forma más respetuosa y otras menos, desmenuza no tan solo las intervenciones de los protagonistas, sino también de todo el entorno casi familiar de Pajares y Esteso, compuesto por el director y guionista de la mayoría de sus films, Mariano Ozores, además de esos secundarios imprescindibles como son Antonio Ozores y Juanito Navarro, entre otros, y sin olvidar, naturalmente, a las damas que tanto nos inspiraron en nuestra niñez y adolescencia, como Adriana Vega, Loreta Tovar o Azucena Hernández y sus poblados sexos. Sin dejar de tener en cuenta a otras agradecidas figuras, muchas de ellas 
por desgracia no solo olvidadas, sino enterradas, como si no hubieran existido para el cine español. Y es que todo este magnífico personal, al que parece que hubiera que olvidar, ofreció muchas alegrías al público llano que llenaba las salas para simplemente reír y pasarlo bien con estas cintas. Y también dio muchos dividendos a la industria cinematográfica española. Así que, para que conste y para recordarlo, aquí está Víctor Olid para decir bien alto que, no solo existieron esas películas, que fueron un buen número, sino que, ¡Qué diablos!, que eran buenas películas. Que cumplían su cometido a la perfección y eran las más taquilleras de la época, gustando a un amplio espectro de público, entre los que había también numerosos niños que adoraban a esta pareja de cómicos desde que entraron a formar parte de su imaginario sentimental por medio de la televisión. Y es que, un programa de nochevieja no era un programa de Nochevieja si no contaba con Pajares y/o Esteso entre sus invitados.
Yo por mi parte hacía tiempo que no devoraba un libro en tan poco tiempo, ni lo pasaba tan bien recordando esas películas. Tanto que entran ganas de volverlas a revisar. Y es que, no lo duden, atesoro todas las películas que hicieron juntos estos dos en mi colección. Sin ningún complejo ni rubor.
Un libro para cinéfilos y cinéfagos desprejuiciados editado con una bonita portada (a tono con la cartelería de la época) e ilustraciones interiores en blanco y negro. Una nueva propuesta de Vial of Delicatessens que agradecemos y apoyamos desde este, nuestro humilde blog.
Eso sí Víctor, no estoy para nada de acuerdo con que Padre no hay más que dos sea una de las mejores películas de Esteso/Pajares … ¡No hijo, no!
Ya está a punto el Salón del Cómic más fantástico
Patrici Tixis ha destacado que “Crecemos tanto en expositores como metros cuadrados”, asegurando que éste es uno de los salones “más importantes” para el gremio de editores catalán “por lo que supone para el fomento de la lectura”. “El cómic es una fuente inagotable de contenidos que hoy en día alimentan a otras industrias”, ha añadido.
En ese sentido, Jaume Ciurana ha apuntado que la del Salón del Cómic es año tras año, “una apuesta por el talento, la creatividad, la industria y los lectores que ha contribuido a la proyección de Barcelona como capital editorial”, ha asegurado el teniente de alcalde, que ha recordado que el próximo lunes Barcelona presenta su candidatura a Ciudad Literaria de la UNESCO, algo a lo que el Salón del Cómictambién contribuye.
Por su parte, Ferran Mascarell, conseller de Cultura, ha considerado que puesto que ya lleva 33 ediciones, “alguien debería estudiar el impacto que el Salón del Cómic ha tenido en dos generaciones”. Ha demostrado en este tiempo, que “este es también un país capaz de crear contenidos, ser puntero en creación de imaginarios colectivos”. El conseller se ha mostrado convencido de que la edición de este año “desbordará todas las previsiones”.
Preguntado sobre el futuro del Museo del Cómic y la Ilustración, el conseller ha asegurado que todo sigue en marcha y que se está partiendo de la creación de un fondo en el que trabaja actualmente el periodista Vicent Sanchís. “Creemos que ahora mismo es lo más importante. Una vez tengamos la idea de cómo será el museo, y de su viabilidad, decidiremos el resto”, ha señalado Mascarell.
Por su parte, Antoni Guiral ha detallado parte del contenido de la 33 edición delSalón Internacional del Cómic de Barcelona. Ha recordado que la exposición principal estará dedicada a la fantasía heroica y de ciencia ficción, y contará con 400 originales de autores de todo el mundo. Vinculadas a esta temática se desarrollarán actividades de divulgación científica y sobre el mundo de las leyendas, y de algunos clásicos contemporáneos como Juego de tronos. El certamen contará con un total de 19 exposiciones, incluidas las de los ganadores de la pasada edición, y también la de los superhéroes, este año, villano y superhéroes, pues The Spirit, Capitán América y el Joker cumplen 75 años. El personaje de Manuel Vázquez, Anacleto, agente secreto, también contará con su propia muestra, que incluirá 25 originales, y la presencia del director de la película de inminente estreno, así como del Anacleto de carne y hueso, Imanol Arias.
Entre los autores extranjeros que estarán presentes en el Salón del Cómic figuran desde Milo Manara hasta el clásico de los superhéroes José Luis García López,Scott McCloud, Frederik Peeters, David Finch, los creadores del cómic Hora de Aventuras, Branden Lamb, Shelli Paroline y Ryan Nort. También estará presente, en el apartado de conferencias, David Saltzberg, asesor científico de la serie de televisión The Big Bang Theory y Tania Sánchez, que hablará de su pasión por Juego de tronos.
Por su parte, Carles Santamaria ha recordado que el inicio del Salón del Cómic coincide este año con el de la Star Wars Celebration, que se abrirá con una videoconferencia de J.J. Abrams, el director de la última película de la saga, que podrá verse en el Cinesa Diagonal de Barcelona. Las invitaciones para asistir a este evento se entregarán en un bus turístico galáctico custodiado por stormtroppers situado en el exterior del recinto el jueves 16 de abril a partir de las 12.00 horas. Se dará una invitación por persona hasta que se agoten las entradas disponibles.
Vial of Delicatessen lanza dos películas inéditas de Jesús Franco
Vial of Delicatessens lanza al mercado internacional el día 13 de Abril de 2015, dos de las referencias que Jess Franco dejó inéditas. Por primera vez las películas La Cripta de las Condenadas y La Cripta de las Condenadas II salen a la venta:
LA CRIPTA DE LAS CONDENADAS
Un grupo de mujeres, quizá fantasmas, quizá demonios, se encuentran encerradas en la cripta de un cementerio, condenadas por una vieja maldición. Esta especie de súcubos, lascivos y perversos, no parecen sin embargo lamentar demasiado la maldición y pasan los años entregándose a todo tipo de placeres sexuales.
Una de las películas más buscadas de Jess Franco, inédita comercialmente hasta ahora y vista sólo en festivales como Sitges, Pantalla Fantasma o el BUTT Film Fest de Núremberg, “La Cripta de las condenadas” fue definida por un crítico alemán como “la primera película rodada en coñorama”. Sexo lésbico, terror y videoarte se dan la mano en este experimento a la altura del genio de la vanguardia que fue Franco.
Formato 1.85:1 anamórfico. Idiomas: DD 2.0 en castellano. Subtítulos: inglés, francés, italiano, alemán.
La película se hace acompañar de los siguientes Extras:
– Entrevista con Jess Franco.
– Cortometraje “Los condenados de la cripta” de JJS.
LA CRIPTA DE LAS CONDENADAS II
Cien años más tarde, las condenadas siguen en su cripta entregadas a sus juegos y placeres. Ignoran la presencia de un ángel exterminador enviado por el Señor, que quiere acabar con tanta desvergüenza aplicándoles un castigo ejemplar: destruirlas para siempre.
Jess Franco cierra su díptico sobre los súcubos lésbicos con esta inigualable película, a medio camino entre el sexploitation y el cine de vanguardia, repleta de planos que exploran la sexualidad de la mujer hasta lo más profundo. ¡Ni el doctor Beltrán llegaba tan adentro con su cámara!
Formato 1.85:1 anamórfico. Idiomas: DD 2.0 en castellano. Subtítulos: inglés, francés, italiano, alemán.
La película se hace acompañar d elos siguientes Extras:
– Escenas eliminadas.
– Lina Romay tras la cámara.
– Cortometraje “The Phallus Killer” de Naxo Fiol.
El precio de cada película es de 5, 99 € mas gastos de envío.
Además de venderlas por separado, Vial of Delicatessens pone estas películas en OFERTA EXCLUSIVA Y POR TIEMPO LIMITADO junto con “Al Pereira Vs. Alligator Ladies” referenciadas como “Trilogía Jess Franco” al precio de 17,99 € GASTOS DE ENVÍO INCLUÍDOS.
Una oportunidad única de completar tu colección.
Los DVDs pueden adquirirse a través del site del sello http://vialofdelicatessens.blogspot.com y unos días después, también en tiendas especializadas.
Nota: La oferta “Trilogía Jess Franco” solo está disponible a través de de la web.
Planeta presentará los cómics más fantásticos durante el Salón del Cómic
De entre las muchas y variadas novedades que presentará Planeta Cómic durante el Salón del Cómic, hemos destacado una selección de sus más fantásticas y terroríficas propuestas, entre las que destacan las relacionadas con las sagas Star Wars y Juego de tronos. Pero si hay un libro que brilla con especial luz, es el magnífico tomo de historias de Edgar Allan Poe ilustradas por el gran Richard Corben, un dibujante por el que tenemos un especial cariño y del que pronto tendrán un artículo en este, su blog de cabecera en el que analizaremos este tomo, así como su pasada obra.
SCOTT MCCLOUD: EL ESCULTOR
Libro cartoné, 496 págs. Bitono | 150 x 215 | 35€ | 978-84-15866-99-2 | 10034932 | Entrega única |
Edición original: The Sculptor
Gracias a un trato con la Muerte, este joven escultor consigue cumplir su gran deseo de la infancia: ser capaz de esculpir, únicamente con las manos, cualquier cosa que imagine. Pero ahora, con solo 200 días de vida por delante, decidir qué crear le está resultando más difícil de lo que pensaba. Y encontrar a su alma gemela en el último momento no va a hacerlo más sencillo.
Esta es la historia de un deseo llevado más allá de los límites de la razón. Es un relato sobre los torpes y frenéticos pasos del amor incipiente. También es un retrato exuberante y urbano de la ciudad más grandiosa del mundo. Pero, por encima de todo, es un canto a esos pequeños, cálidos y humanos momentos que nos ofrece la vida cotidiana…y a las enormes fuerzas que se
JASON AARON, JOHN CASSADAY: STAR WARS 1
Libro grapa, 56 págs. Color | 168 x 257 | 1€ | 978-84-16244-08-9 |10117520 | Serie abierta | Edición
original: Star Wars
La aventura espacial más grande de todos los tiempos regresa a Marvel. Luke Skywalker y la variada banda de rebeldes que lucha contra el Imperio acaban de salir de su mayor victoria hasta la fecha (la destrucción de la estación estelar conocida como La Estrella de la Muerte). Pero el Imperio aún no ha sido derrocado. Luke, Leia, Han Solo, Chewbacca, C-3PO, R2-D2 y el resto de la Alianza Rebelde siguen luchando por la libertad contra las fuerzas oscuras de Darth Vader y su amo, el Emperador.
Esta es la saga de Star Wars que solo Marvel podría hacer. Durante 2015 llegarán también de la mano de Marvel dos nuevas series: Darth Vader (mayor) y Princesa Leia (junio), con guionistas de renombre como Jason Aaron (Scalped, Thor), Mark Waid (Kingdom Come) y dibujantes como Salvador Larroca y Pepe Larraz, ambos españoles. Todo ello para preparar el estreno en diciembre del nuevo episodio cinematográfico: El Despertar de la Fuerza.
STAR WARS CÓMO SE HIZO EPISODIO IV: UNA NUEVA ESPERANZA
Libro cartoné, 362 págs. Color |285 x 260|50€|978-84-16090-64-8|10099809|Entrega única|Edición
original: SW Making of SW
Hace unos décadas, un joven George Lucas deseaba una película de fantasía espacial diferente a cualquier otra producida antes. Lucas visualizó una saga de ciencia ficción con espadachines inspirada en los seriales de Flash Gordon, en los clásicos del Oeste, en el cine épico del autor japonés Akira Kurosawa y en los héroes mitológicos. Su título original: The Star Wars. El resto es historia, y cómo llegó a realizarse es una historia tan entretenida y emocionante como la película que ha fascinado a millones de personas durante 38 años.
Utilizando su acceso sin precedentes a los Archivos de Lucasfilm y el filón que encontró allí de entrevistas nunca antes publicadas, fotos, notas de producción, datos curiosos y anécdotas, el experto en Star Wars, J. W. Rinzler, permite echar un vistazo único entre bastidores a la cruzada de casi una década que George Lucas y sus principales colaboradores llevaron a cabo para realizar la “”pequeña”” película que se convertiría en un fenómeno.
*Esta edición en tapa dura incluye 48 páginas de materiales extras exclusivos, entre los que se incluyen storyboards jamás vistos y las primeras descripciones del Universo Expandido a cargo de George Lucas.
ROBERT KIRKMAN, PAUL AZACETA: PARIA (OUTCAST)
Libro rústica, 160 págs. Color | 168 x 257 | 15,95€ | 978-84-16090-69-3 | 10099814 |Serie abierta| Título original: Outcast # 1-5
Llega a España la nueva serie del creador de Los Muertos Vivientes (The Walking Dead). Kyle Barnes ha sido perseguido por las posesiones demoníacas toda su vida y ahora necesita respuestas. Desafortunadamente, lo que descubre a través de su búsqueda puede ocasionar el fin de la vida en la Tierra, tal y como la conocemos ahora…
Outcast será llevado a la televisión como serie en 2015.
GEORGE R.R. MARTIN, DANIEL ABRAHAM, TOMMY PATTERSON: JUEGO DE TRONOS 4
Libro cartoné, 192 págs. Color | 168×257 | 14,95€ | 978-84-16090-70-9 | 10099815 | Última entrega | Título original: A Game of Thrones # 19-24
Este volumen cierra la adaptación de Juego de tronos, la primera parte de la saga bestseller en todo el mundo que ha ocupado los primeros cuatro volúmenes de esta serie de novelas gráficas. La colección gestada por George R.R. Martin es una mezcla genial de fantasía épica, traiciones sorprendentes, familias enfrentadas, personajes ricos en matices y giros inesperados, que atrapa al lector en una hipnotizante y peligrosa encrucijada.
RICHARD CORBEN: LOS ESPÍRITUS DE LOS MUERTOS
Libro cartoné, 216 págs. Color | 200 x 276 | 30€ | 978-84-16244-21-8 | 10118623 | Entrega única |
Edición original: Edgar Allan Poe’s Spirits of the Dead
Esta es la colección completa de las obras clásicas del escritor insignia de los relatos de terror, Edgar Allan Poe, adaptadas por el brillante ilustrador Richard Corben, uno de los principales representantes del género en el mundo del cómic.Corben siempre ha guardado devoción por el genio literario americano y ha adaptó varias de sus obras durante su larga estancia en Warren. En esta etapa afronta las historias The Conqueror Worm, The Fall of the House of Usher #1–#2, The Raven and the Red Death, Morella and the Murders in the Rue Morgue y muchos más.
“Richard Corben ofrece algo nuevo, único y hermoso que ningún otro artista puede igualar. No necesita colocar su firma en su trabajo, su trabajo es su firma distintiva.” Comics Bulletin
ED BRUBAKER, MICHAEL LARK: LA ESCENA DEL CRIMEN
Libro cartoné, 128 págs. Color | 183 x 276 | 16,95 € | 978-84-16090-55-6 | 10099799 | Entrega única |
Edición original: Scene of the Crime Deluxe Edition
El investigador privado Jack Herriman ha visto demasiados cadáveres, pero esa es la maldición familiar, porque su tío es el más famoso fotógrafo de escenas del crimen desde Weegee.
Recuperándose de un caso con mal final, Jack se lanza resolver el asunto de una persona desaparecida que tendría que ser fácil, pero que en cambio conduce directamente a los secretos y las mentiras de una extraña secta sexual.
SATOSHI KON: OPUS 2
Libro cartoné, 178 págs. BN | 148×210 | 14,95 € | 978-84-16090-61-7 | 10099806 | 2 entregas | Edición
original: OPUS 2
El departamento de investigaciones especiales asigna a Satoko el caso de unas misteriosas desapariciones en serie. En el transcurso de la investigación descubre la existencia de una enigmática secta que se dedica a sintetizar una popular droga, llena de mensajes subliminales…
Esta es la trama de la obra en la que trabaja Chikara Naigai, un mangaka de manual, y en la que acabará siendo transportado mágicamente. Realidad y ficción se confundirán con el magistral estilo de Kon….
Satoshi Kon, prematuramente fallecido en 2010, era considerado como un referente en la realización de películas de anime (algunas han servido de inspiración para Christopher Nolan o Steven Spielberg).
Cryptshow 2015 calienta motores con libros y conciertos
El Festival Cryptshow de Badalona, que se celebrará del 1 al 5 de julio en el Teatre Círcol, presenta su primera novela, y además calienta motores con un concierto de Motörhits, banda tributo a Motörhead.
Cryptshow Festival presenta No estoy aquí ahora, la ópera prima de David G. González, que después de cosechar un notable éxito en la red (más de 13.000 lecturas entre su propio blog y la plataforma digital Wattpad) salta al papel en una edición revisada y ampliada.
G. González comenzó a publicar No estoy aquí ahora en 2012. Se trataba de un ejercicio folletinesco, en el que el autor escribía y publicaba en la red a medida que el lector avanzaba en la lectura. Además, la trama se veía marcada por los acontecimientos que iban sucediéndose en la vida real (desde el proceso soberanista catalán hasta el argumento del último número de Superman publicado por DC), mezclando así personajes ficticios y (aparentemente) reales.
Con No estoy aquí ahora, G. González ha querido rendir homenaje a la literatura popular por antonomasia (el folletín, el pulp, el penny dreadful, el bolsilibro…). Una propuesta que, en su aparente complejidad, en realidad no exige nada más al lector que la predisposición de dejarse llevar a ciegas en un viaje alocado y divertido.
Esta edición en papel, además, incluye la novela breve Plan de Fuga, que hará las delicias de los seguidores más fieles, ya que, en un ejercicio metaliterario, David G. González nos ofrece también la novela que aparece dentro de la trama de No estoy aquí ahora.
IMPULSO A LA SECCIÓN LITERARIA
El Cryptshow Festival apuesta este año más que nunca por al literatura, no solo presentando la novela de David G. González, sino también dando un nuevo impulso al certamen de relatos. Este año, el viejo Cryptonomikon pasa a mejor vida, dando paso a una nueva colección de libros que será temática y que incluirá los textos de los participantes del certamen y también los de una selección de escritores invitados expresamente por el festival. Cryptshow Festival: Distopías, será el primero de lo que esperamos que sea una larga lista de títulos en los que se den la mano autores consagrados, nuevas promesas y escritores aficionados.
El libro de relatos se presentará en el marco del vermut literario del Cryptshow, otra de las apuestas del festival que cada año cosecha un mayor éxito de asistencia. No estoy aquí ahora también se presentará en el marco del Cryptshow Festival 2015. Pero de momento, ya se puede adquirir por correo postal en:
Amazon España (y en el resto de delegaciones nacionales), Create Space, y en versión Kindle también en Amazon España
ROAD TO CRYPTSHOW: CONCIERTO DE MOTÖRHITS
Los festivales Cryptshow y Cardoterror presentan en concierto a Motörhits, banda tributo a Motörhead el viernes 15 de mayo en Cardedeu. Un concierto que sirve para calentar motores y prepararse para estos dos festivales que se celebrán en julio y octubre respectivamente y en los que tendremos ocasión de disfrutar de los mejores cortometrajes y películas, tanto clásicas como recientes. Dos citas ineludibles para los amantes del género.
Viernes 15 de mayo. Casal Popular (Passeig Paul Casals, 14, Cardedeu)
VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 10 de abril de 2015 *
EL CAPITAL HUMANO (Il Capitale Umano, Paolo Virzi, 2013) *****
Italia / Francia. Duración: 109 min. Guión: Paolo Virzì, Francesco Bruni, Francesco Piccolo (Novela: Stephen Amidon). Música: Carlo Virzì. Fotografía: Jérôme Alméras, Simon Beaufils. Indiana Production Company. Género: Drama social.
Reparto: Valeria Bruni Tedeschi, Fabrizio Bentivoglio, Valeria Golino, Fabrizio Gifuni, Luigi Lo Cascio, Giovanni Anzaldo, Matilde Gioli, Guglielmo Pinelli.
Sinopsis: En la víspera del día de Navidad, un ciclista topa de noche con un lujoso todoterreno. El desgraciado accidente cambiará el destino de dos familias: la del millonario Giovanni Bernaschi, un gran especulador de las finanzas, creador de un fondo que promete un 40 por ciento de interés anual atrayendo y esquilmando a los crédulos inversores, y la de Dino Ossola, un ambicioso agente inmobiliario cuya empresa está al borde de la quiebra.
Mostrando la misma acción narrada desde los tres puntos de vista que confluyen en ella, deconstruyendo el tiempo, Virzi nos ofrece una certera radiografía en forma de parábola de la crisis actual. Quienes acaban pagando los platos rotos por los poderosos, irremediablemente, son las capas más bajas; los servidores de esos privilegiados, que no solo causan esa crisis, a costa de las clases humildes, sino que no dudan en obtener beneficios de la situación, en la que se mantienen totalmente permeables. Una elegante denuncia, no exenta de humor, que deja un pequeño resquicio de esperanza en forma de historia de amor.
- Premios
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2013: 7 Premios David di Donatello, incluyendo mejor película2014: Festival de Tribeca: Mejor actriz (Valeria Bruni Tedeschi)2014: Premios del Cine Europeo: Nominada a mejor director y actriz (Bruni)2014: Festival de Sevilla: Premio del Público
AGUAS TRANQUILAS (Still the Water/Futatsume no Mado, Naomi Kawase, 2014) *****
Japón / España / Francia. Duración: 121′. Guión: Naomi Kawase. Música: Hasiken. Fotografía: Yutaka Yamazaki.
Reparto: Nijiro Murakami Jun Yoshinaga, Makiko Watanabe, Hideo Sakaki, Tetta Sugimoto, Miyuki Matsuda, Jun Murakami, Fujio Tokita. Drama rural.
Sinopsis: Los habitantes de la isla de Amami, viven en armonía con la naturaleza, para ellos en cada árbol, cada piedra y cada planta vive un dios. Durante la noche de las danzas tradicionales de luna llena del mes de agosto, el joven de 16 años Kaito (Nijiro Murakami) descubre un cadáver flotando en el mar. Su amiga Kyoko (Jun Yoshinaga) trata de ayudarle a desentrañar este misterioso descubrimiento. Juntos, Kaito y Kyoko aprenderán a ser adultos experimentando los ciclos entrelazados de la vida, la muerte y el amor.
«La mer, la mer, toujours recommencé». Un mar encabritado y majestuoso deja paso en el siguiente plano al degüello de un cordero, la cámara de Naomi Kawase se entretiene en los detalles retratados con una fotografía preciosista. Estamos ante el espectáculo de la naturaleza, un espectáculo que provoca temblor. El temblor de la fascinación y el sobrecogimiento. La naturaleza es desafío y templo. Y el hombre se mueve entre la aceptación y la extrañeza.
Kyoko fluye en el mar, ha nacido en sus orillas; Kaito, trasplantado desde la ciudad por la ruptura de sus padres, ve el mar como un espacio hostil. Los dos adolescentes enfrentarán juntos la muerte que les envuelve, el misterioso cadáver flotante, la enfermedad terminal de la madre de la joven. Están madurando, dejando atrás la niñez, su amor naciente les habrá de conducir hacia el descubrimiento de como aceptar la muerte es tanto como afirmar la vida.
Kawase aborda este relato de crecimiento desde el lirismo, su película es una canto a las emociones y los sentimientos. En sus manos la naturaleza toma carácter de personaje, el más omnipresente, además; aquel que soporta todo el entramado dramático, pues es el contrapunto de las evoluciones del resto. Es en la escena del fallecimiento de la madre de Kyoko donde la película alcanza su cénit y la estrategia narrativa se muestra más patente, con esa grúa que se eleva desde la casa hasta la copa de los árboles que la envuelven como si quisiera señalarnos que la muerte no es más que un paso hacia la integración con el cosmos. Nada termina, todo es fluir constante. Como esas olas, como ese mar eternamente recomenzado.
EL ÚLTIMO LOBO (Wolf Totem, Jean Jacques Annaud, 2014) *****
China / Francia. Guión: John Collee, Lu Wei, Jean-Jacques Annaud (Novela: Jiang Rong). Música: James Horner. Fotografía: Jean-Marie Dreujou. Productora: China Film / Beijing Forbidden City Film / Reperage. Género: Drama.
Reparto: Feng Shaofeng, Shawn Dou, Ankhhyam Ragchaa, Yin Zhusheng, Basen Zhabu.
Sinopsis: Narra la historia de un joven estudiante de Beijing llamado Chen Zhen que, en 1967, es enviado por el régimen a vivir entre los pastores nómadas de Mongolia Interior. Chen 
tiene mucho que aprender sobre la vida en esta tierra infinita, hostil y vertiginosa, sobre la noción de comunidad, de libertad y de responsabilidad, y sobre la criatura más temida y venerada de las estepas: el lobo. Seducido por la compleja y casi mística relación entre estas criaturas sagradas y los pastores, capturará una cría de lobo con la idea de domesticarlo. Pero el modo de vida tradicional de la tribu se verá amenazada cuando la avaricia del hombre despoje a los lobos de su alimento.
El último lobo tiene mucho en común con otro de los filmes del director francés: El oso (L’ours, 1988), con la que comparte belleza y mensaje ecologista. En ambas el hombre es el gran depredador de la naturaleza, aunque en El último lobo no sale tan mal parado, ya que distingue entre la dignidad y pureza de los componentes de las tribus mongolas y los egoistas chinos de la ciudad: Los sabios nómadas saben que han de respetar el hábitat si no quieren que el lobo acabe vengándose y buscando alimento en sus poblados; mientras que el necio funcionariado chino coloniza el terreno sin respetar el milenario equilibrio. Pero más allá de la lección ecologista, el filme es el relato de crecimiento de su protagonista, el estudiante idealista que proveniente de la ciudad adoptará un lobo y se adaptará al modo de vida de los últimos mongoles, todo ello en un escenario de gran belleza plástica que, por si solo, ya justifica el disfrute de este filme como simple espectáculo visual.
LA DAMA DE ORO (Woman in Gold, Simon Curtis, 2015) *****
UK / USA. Duración: 107 min. Guión: Alexi Kaye Campbell. Música: Martin Phipps, Hans Zimmer. Fotografía: Ross Emery. Productora: BBC Films / Origin Pictures. Género: Drama.
Reparto: Helen Mirren, Tatiana Maslany, Ryan Reynolds, Charles Dance, Katie Holmes, Antje Traue, Max Irons, Daniel Brühl, Elizabeth McGovern, Jonathan Pryce, Tom Schilling.
Sinopsis: El filme relata la lucha de Maria Altmann (Helen Mirren), una mujer judía que tras huir de Viena durante la Segunda Guerra Mundial, emprende un viaje para reclamar las posesiones que los nazis confiscaron a su familia, entre ellas la célebre obra de Gustav Klimt ‘Retrato de Adele Bloch-Bauer I’. El joven abogado Randy Schoenberg (Ryan Reynolds) la acompañará en esta lucha.
Esta historia verídica tiene un muy buen arranque y un tono en el que tiene mucho que ver la química alcanzada entre los dos actores protagonistas, Helen Mirren y Ryan Reynolds, pero la magia se va deshinchando conforme la trama se va enredando en lugares comunes buscando siempre el sentimentalismo y consiguiendo que, progresivamente, vayamos perdiendo el interés, lo que es toda una lástima, ya que el punto de partida resulta atractivo.
LA CASA DEL TEJADO ROJO (Chiisai Ouchi, Yôji Yamada, 2014)*****
Japón. Duración: 136 min. Guión: Yôji Yamada, Emiko Hiramatsu (Novela: Kyoko Nakajima)Música: Joe Hisaishi. Fotografía: Masashi Chikamori. Género: Drama.
Reparto: Takako Matsu, Haru Kuroki, Hidetaka Yoshioka Satoshi Tsumabuki, Chieko Baisho, Takataro Kataoka.
Sinopsis: La historia comienza cuando Takeshi encuentra una colección de diarios que escribió su difunta tía Taki Nunomiya. A través de esos íntimos escritos, tanto el joven Takeshi como el espectador van conociendo la realidad que vivió la familia antes del estallido de la II Guerra Mundial.
La historia, pues, transcurre en dos épocas. La primera empieza en 1935 y acaba inmediatamente después de la II Guerra Mundial, y la segunda, entre 2000 y 2009. Va y viene entre ambas en un relato tan extenso como realista. El primer periodo podría describirse como “Showa moderno”, un tiempo único y lleno de colorido durante la era Showa (1926-1989), en la que la cultura japonesa asimiló numerosas influencias occidentales. Se oía jazz y canciones francesas; el art déco y el art nouveau fueron importados de Estados Unidos y adoptados con entusiasmo. El cine pasó de mudo a sonoro, y empezaba la era dorada de Hollywood. Mientras tanto, en segundo plano, detrás de aquellos días de paz y brillantez, la sombra militarista crecía al tiempo que Japón escogía el camino de la guerra.
El cineasta japonés Yoji Yamada, que nos ha entregado notables obras durante su larga carrera, se aventura en un terreno desconocido para él en su 82ª película como director. El guion está basado en la novela superventas de Kyoko Nakajima, Chiisai ouchi, ganadora del Premio Naoki en 2010. Hace cincuenta años que Yoji Yamada describe las relaciones familiares en sus películas, pero esta vez toca un tema nuevo: los secretos de familia. Con esa perspicaz mirada suya que tanto le ha servido, se adentra en el corazón humano con la esperanza de mostrar qué esconde.
Delicadeza y una forma de narrar como tan solo podemos hallar en el cine japonés. Una obra notable.
- Premios
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2014: Festival de Berlín: Mejor actriz (Haru Kuroki)
La semana del asesino: descubriendo la versión más completa
Hace unas semanas el escritor y especialista en cine extremo, Álex Mendíbil, dio la pista en facebook sobre la existencia de una nueva edición, en este caso alemana, de Cannibal Man, nombre con el que se conoce en el extranjero a La semana del asesino, gran película de merecido culto del director Eloy de la Iglesia (1944-2006). Esa pista nos llevó al blog inglés ‘Krimi in the pocket giallo on the brain’ [1] donde se nos pusieron los dientes largos con las capturas de algunas imágenes nunca vistas. Fue suficiente para que nos pusiéramos manos a la obra. Pero antes revisemos…
LA SEMANA DEL ASESINO
Art: Oscar Alarcón
El film narra como, de forma casi accidental, Marcos (Vicente Parra) mata a un taxista (Goyo Lebrero) mientras acompaña a su novia Paula (Emma Cohen) a casa. Cuando esta le amenaza con denunciar la muerte, Marcos la estrangula, ocultando su cuerpo en el dormitorio. A partir de ahí Marcos entrará en una espiral de asesinatos para evitar que se descubran sus cada vez más numerosos crímenes, llevándose parte de los cuerpos a la empresa cárnica donde trabaja para hacerlos desaparecer con la máquina trituradora. Paralelamente su vecino Néstor (Eusebio Poncela), que sabe sus secretos, le descubrirá un nuevo mundo.
La semana del asesino es una de las piezas más interesantes del cine español de los setenta realizada por Eloy de la Iglesia, un director que tuvo la osadía de vivir y rodar bajo una dictadura siendo comunista y homosexual, circunstancias personales que no dejó de reflejar en sus películas. Pienso que no exagero si lo veo como nuestro Pasolini particular, con un buen número de cintas a sus espaldas ciertamente incómodas, tanto en la época, como ahora. Películas valientes y descaradas como ya no se ruedan en las que el director abría en canal sus sentimientos, algo que no tenía reparo en admitir: “Mi vida y mis películas son las caras de una misma moneda.”
Rodada tras El techo de cristal (1971) esta, su quinta película, fue, según De la Iglesia, la cinta que más le desgastó psíquica y físicamente de su filmografía. La semana del asesino abordaba el cine de terror con mucho contenido social y gotas de homosexualidad. Un terror cotidiano enmarcado en el barrio, el bar de comidas caseras, la casucha donde malvive el protagonista, las botellas retornables apiladas encima de la nevera, el fútbol de los domingos incesante por radio y televisión, los descampados donde los chavales juegan, la fábrica, los bloques cercanos… toda una arquitectura de pesadilla que es la de nuestra infancia de los setenta, el reverso tenebroso de ‘Yo fui a EGB’. En resumen, el escenario de esa huida hacia delante que, paradójicamente, liberará a Marcos, el protagonista, de su represión sexual.
La semana del asesino representa también la primera aproximación del director al mundo de la homosexualidad. Un acercamiento que no se limitará a mostrar al típico mariquita gracioso tolerado en el cine español (en esta ocasión el dependiente de la droguería), sino de una forma
Fotocromo original
más real y cercana, que a pesar de las múltiples mutilaciones de censura, quedó bastante palpable. Algunas de las frases promocionales del filme sorprendentemente incidían en ello: “¿Qué clase de amistad une a Marcos y Néstor?”, “¿Por qué no denunció Néstor a Marcos siendo el único testigo de sus crímenes?” Y la más absurda: “¿Es Vicente Parra un paranoico o comprendió perfectamente al personaje de Marcos?” Pero si Néstor es para Marcos el descubrimiento de su propia sexualidad, este para Néstor representará la atracción por el abismo. Sabe que es un asesino, pues desde la ventana de su bloque le ha espiado con unos prismáticos y deja patente en varias ocasiones que ha sido testigo de los asesinatos que Marcos ha cometido. Pero desde su posición acomodada tiene una atracción homosexual por el lumpen, por el elemento suburbial, que compartía el propio De la Iglesia y que llevó al director al abismo de la droga. Como a Pasolini a la tumba. También la casa (y concretamente el dormitorio) de Marcos, puede ser visto como un armario repleto de esqueletos. Un lugar cada vez más claustrofóbico y que cada vez apesta más. Con esas moscas y ese olor que parece atravesar la pantalla. Peste fétida, fluidos y carne: la sangre salpica el piso de Marcos; la de las reses sacrificadas riega los suelos del matadero. El sudor impregna el cuerpo de Marcos. Y la carne. Carne femenina en el lecho de Marcos y en los pósters de sus paredes, con los que en una escena parece masturbarse, siendo observado desde arriba. Y carne también en el plato de comida que le sirve Rosa (Vicky Lagos), carne que, en un tétrico ciclo, proviene de la trituradora con la que Marcos trabaja en la fábrica.
Inicialmente Eloy de la Iglesia quería que el personaje de Marcos fuera interpretado por un joven de 18 años. Esa inexperiencia explicaría su torpeza, su huida hacia delante al no saber como salir del lío en el que se había metido. Tenía más sentido con un actor más joven. Y el personaje de Néstor se aproximaría también más al pervertidor que Simón Andreu interpretó en la posterior Los placeres ocultos (1977). Pero Vicente Parra estaba seriamente interesado en el papel, no dudando incluso en entrar en la producción del filme. En todo caso, el Marcos que interpreta Vicente Parra resulta igualmente efectivo. Un obrero sin salida en un Madrid desarrollista y condenado a una vida que le resulta inaceptable. Proletario hasta en la forma de matar, perpetrando sus asesinatos con lo que tiene más a mano: piedras, herramientas y cuchillos de cocina, cuando no con sus propias manos. Pero a pesar de sus crímenes, Marcos no puede ser visto con odio por el espectador. Ni siquiera cae mal. Es un pobre diablo condenado por la fatalidad y la mala suerte, una víctima más. Un asesino cañí que desmenuza cuerpos a ritmo de pasodoble, transportando esos trozos a su puesto de trabajo con una bolsa cada vez más fétida en la que reza el deportivo lema ‘Contamos contigo’.
Marcos tan solo vive momentos de paz cuando está con Néstor paseando, en su casa o en la piscina, instantes tras los cuales retorna a su apestosa realidad, una realidad con fondo de guitarra española y el lema ‘Dios guarde esta casa’ en la puerta. Una casa que es un prodigio de realidad fabricada, ya que se construyó ex profeso en un descampado de pesadilla que, al igual que toda la ambientación del filme, es obra de Santiago Ontañón[2]. Una pieza fundamental en la arquitectura de la cinta junto a la acertada música de Fernando García Morcillo.
Eloy de la Iglesia no evita incluir con todo este transfondo social, un mensaje político: “Es mi primera película explícitamente ideológica. En las otras podía haber una postura ética o moral, pero aquí hay ya una dimensión política, casi militante”[3]. Desde la ironía que encierra el discurso del Jefe de personal de la fábrica, hasta la escena en la que la policía, tras identificar a Marcos, deja a Néstor en paz por su diferente clase social (vive en los bloques nuevos). Desde el guiño en el nombre que tiene el boxer de Néstor, Trotsky, hasta esa hedionda casa llena de secretos que es toda una alegoría de la España de entonces.
Néstor, Marcos y Trotsky (fotocromo original)
La semana del asesino se estrenó antes en Estados Unidos y Alemania que en España, a cuyas pantallas llegó en 1974. Allí tuvo el equívoco título de Cannibal Man, aunque en Italia recibió el no menos absurdo de L’appartamento del 13º piano. Vicente Parra recibió el premio del Círculo de Escritores Cinematográficos por su trabajo, y la película fue presentada fuera de concurso en el Festival de Berlín, donde según su director “daban unas bolsitas para vomitar, como las de los aviones[4]”. La cinta fue incluida, junto a otras 72, en la lista de Video Nasties (películas prohibidas) que se promulgó durante la etapa Thatcher en Inglaterra. Cannibal Man es una cinta de culto en todo el mundo, que ha sido editada y reeditada lujosamente en todos los formatos domésticos.
LA SEMANA DEL ASESINO VS. CANNIBAL MAN
A pesar de que el director recuerda que Juegos de amor prohibidos fue mucho más cortada, La 
semana del asesino fue una de las cintas más masacradas por la censura española, entonces en manos del feroz censor Alfredo Sánchez Bella, un supernumerario del Opus Dei que en su incansable búsqueda de elementos subversivos, no dudó en cerrar el diario Madrid. Ya cuando el director presentó el guión, fue prohibido, y una vez rodado obtuvo el dudoso honor de sufrir 62 cortes y la obligación de rodar un nuevo final en el que la ley castigara al culpable: “El final de la película no es mío, es una imposición de la censura, e incluso lo rodamos meses después, cuando ya había copia standard[5]”. Un final con el que el 
director no estaba de acuerdo “Es estúpido que el personaje, así por las buenas, llame a la policía para entregarse”[6].
Es bien sabido que existen dos versiones diferentes de La semana del asesino. Por un lado la que se exhibió en las salas españolas, de la que sobre todo se pretendió suprimir (sin conseguirlo) todo el trasfondo homosexual suavizando, de paso, el gore y el sexo; y la versión internacional, Cannibal Man, que conservó planos reveladores de la mentada relación entre los dos vecinos sacrificando, entre otras, algunas escenas desarrolladas en la fábrica donde trabaja Marcos.
Comparando ambas versiones sin duda sale ganando, a pesar de sus importantes mutilaciones, la estrenada en España, que llamaremos a partir de ahora para diferenciarla de la versión para exportación, La semana del asesino. Esta contiene rótulos con los días de la 
semana, justificando así el título del filme y dándole más dramatismo, ya que Marcos realiza un crimen cada día, desde la noche del domingo que sale con su novia Paula y mata accidentalmente a un taxista, hasta la noche del siguiente sábado, día en el que ya al amanecer se entrega a la policía tras haber perpetrado cinco crímenes más y uno, el de Néstor, en tentativa. La semana del asesino también conserva las siguientes escenas, suprimidas en la versión para exportación que denominaremos Cannibal Man:
– El Jefe de personal del matadero (Ismael Merlo) comunica a Marcos su cambio de puesto de trabajo, poniéndolo a cargo de una nueva y moderna máquina picadora de carne, mientras Marcos está más pendiente de las piernas de la secretaria (Inés Morales). Una escena con la que Eloy de la Iglesia incide en la crítica social, constante en su obra y presente en gran parte de la película.
– Un compañero veterano (Valentín Tornos) es el encargado de enseñarle a Marcos el funcionamiento de la máquina, y mientras se dirigen hacia ella rememora el día en que la madre de Marcos sufrió el accidente que la mató. Una de las pocas notas de humor, eso sí, negrísimo, que contiene el filme.
– Dos encargados hablan sobre Marcos y su extraña costumbre de llevar a su puesto de trabajo una bolsa. Sospechan que roba herramientas y uno de ellos comprueba que esté vacía. Tras hacerlo y decir a Marcos que debe dejarla en la taquilla, vuelve a la oficina de control.
Cabe indicar que Eloy de la Iglesia rodó este filme directamente en inglés, algo que se nota al ver la versión internacional, y estas tres escenas son las únicas rodadas en castellano, así que es posible que por ello fueran excluidas de Cannibal Man.
La versión española se inicia directamente con los títulos de crédito, mientras que la versión para el extranjero utiliza como prólogo previo a los títulos imágenes de matanza de reses en el matadero donde trabaja Marcos, que contempla la cruda escena comiendo un bocadillo. Escenas que también están incluidas en la copia estrenada en España, pero montadas en su lugar correspondiente.
Las escenas de cama de Marcos, tanto con Paula (Emma Cohen) como con Rosa (Vicky Lagos) son más largas en Cannibal Man, mostrando los pechos la primera. Vicky Lagos, tal y como cuenta el director, no quería desnudarse, aunque se dejó convencer. También cuando Rosa mancha con leche (…) el pantalón de Marcos, esta lo limpia frotando el muslo y mirándolo lascivamente, una escena que con los ‘certeros’ cortes de censura queda mucho más inocente en la copia española.
Que las escenas de sexo hubieran sido escamoteadas por los censores para su exhibición en nuestras pantallas, entraba dentro de la normalidad de la época, pero mucho más extraño resultaba que la violencia fuera rebajada, como así fue. Si comparamos los crímenes de Marcos en ambas versiones, notaremos aligerado el número de planos de La semana del asesino en comparación con Cannibal Man. En ambos se muestran los mismos crímenes, pero en la versión española de manera más fugaz.
Al ser la casa de Marcos y su hermano Esteban (Charly Bravo) el hogar familiar, está repleto de iconografía religiosa perteneciente a la fallecida madre. Pues bien, hay un momento que supuestamente le resultó sacrílego al censor de turno, de tal modo que decidió cortarlo: cuando Marcos está intentando tapar el fétido olor de los cadáveres con spray ambientador, puede verse como la nebulización se va posando sobre diversos objetos: la
Eloy de la Iglesia entrevistado por Pierrot
tele, los pósters de la pared y, en la versión para el exterior, sobre una urna de cristal que cubre una imagen de la virgen.
Y llegamos a uno de los pasajes más mutilados del filme, naturalmente el momento en el que Marcos y Néstor van a la piscina nocturna. Unas escenas que aún así no han sido despojadas de su contenido filo gay, aunque muchísimo más palpable en Cannibal Man. También cuando posteriormente Marcos está en su casa tomando whisky en la mecedora, rememora la noche en la piscina con Néstor mediante fugaces flash-backs. En La semana del asesino tan solo toma whisky y no rememora nada de nada…
Otros planos son ligeramente más largos en una versión u otra, pero las enumeradas son las diferencias más significativas.
EL BLU RAY DE SUBKULTUR
Recientemente el sello alemán Subkultur Entertainment ha editado una impecable copia de Cannibal Man que, además de ser la mejor forma de ver esta película por la calidad de la misma, realmente maravillosa, lo es por los extras, entre ellos unos once minutos de descartes. Once minutos que al saber de su existencia nos hicieron soñar con una copia por fin completa del filme de De la Iglesia. Una reconstrucción que el propio director consideraba casi imposible, y más teniendo en cuenta que “fue cortada con especial saña por la censura y que los cortes, al contrario de lo que solía ocurrir, fueron incinerados”[7]. El propio director recuerda algunos detalles que posiblemente se han perdido para siempre: “Quitaron un momento en el que degüellan una vaca mientras Vicente Parra come un bocadillo, le cae una gota de sangre, se la limpia con el dedo y sigue comiendo. Las escenas del matadero no gustaron nada a los censores”[8]
Pero el sueño no lo ha sido del todo, ya que gran parte de estas imágenes, remasterizadas también pero sin sonido, ya eran conocidas por estar incluidas en La semana del asesino:
– Escena con el jefe de personal.
– Escena con el compañero que enseña el funcionamiento de la máquina a Marcos y le habla de la muerte de su madre.
– Escena en la que el operario de la fábrica controla que la bolsa de Marcos está vacía.
– Plano exterior del Bar Rosa.
– Escena de diálogo entre Marcos y el Sr. Ambrosio (Fernando Sánchez Polack) en la puerta de casa de Marcos en la que pregunta por su hija.
– Plano del periódico donde Marcos ve que el taxista ha muerto.
– Rótulos de los días de la semana.
– Rosa habla con Agustín (Rafael Hernández) en la puerta del bar Rosa y se aleja dejándole acabando el cartel de ‘Hoy paella’.
Como ya he indicado, todas estás imágenes están en La semana del asesino, pero… el disco de Subkultur cuenta con aproximadamente dos minutos muy esclarecedores y totalmente inéditos en ambas versiones, todos ellos ofrecidos también sin sonido:
– Escena en blanco y negro que muestra a Marcos esposado dentro de un coche patrulla que se aleja del suburbio donde vive. Una escena que posiblemente era el prólogo del filme y que puede reintegrarse con tan solo añadir el sonido de una sirena de coche patrulla.
– Escena más prolongada de sexo entre Rosa y Marcos, también con posibilidad de añadirse.
– Y finalmente la mejor y más reveladora: unos planos de Marcos y Néstor besándose apasionadamente (tanto en la piscina, como en casa de Néstor).
Lo que nos confirma que estamos ante la copia más completa del filme de Eloy de la Iglesia y ante la posibilidad de que juntando todos estos elementos de una y otra, más los aparecidos, pueda hacerse la copia definitiva del filme.
Tan solo por estos dos minutos y la calidad fantástica del Blu ray[9] ya valdría la pena adquirir la copia editada por Subkultur, pero tampoco conviene perderse el fantástico archivo fotográfico repleto de raras fotos de rodaje, algunas muy, muy reveladoras, que convierten este blu-ray / DVD en una pieza de colección en la que lamentablemente tan solo cabe echar en falta el haber añadido la versión española o, al menos, subtítulos en castellano.
Eloy De la Iglesia.
[1] http://krimi-giallo-casebook.blogspot.com.es/2015/02/review-cast-4-cannibal-man-aka-la.html?zx=f2ccb336ee63bd4b (Las capturas del blu-ray están tomadas de este blog)
[2] Ontañón estuvo mucho más acertado que en El Castillo de Fu-Manchu (Jesús Franco, 1969), en la que situó a Fu-Manchu (Christopher Lee) y su ejército en un muy reconocible Parque Güell y en La Ciutadella de Barcelona.
[3] Aguilar, C. y Llimás, F. “Visceralidad y autoría. Entrevista con Eloy de la Iglesia”. Conocer a Eloy de la Iglesia, Filmoteca Vasca y Festival Int. De cine de Donosti, Donosti, 1996. Pág. 110
[4] Ibidem. Pág. 115. Bolsita que puede verse en los extras del Blu-ray de Subkultur. Un recurso promocional que también se realizaría con otros filmes como Las torturas de la inquisición (Hexen bis aufs Blut gequält, Michael Armstrong y Adrian Hoven, 1970), La noche del terror ciego (Amando de Ossorio, 1972) e incluso Slugs, muerte viscosa (Juan Piquer Simón, 1988).
[5] Ibidem.
[6] Ibidem.
[7] Rubio, F. G.”La semana del asesino” Ven y mira. Semana de cine fantástico y de terror de San Sebastián , 2011. Pág. 295
[8] Aguilar, C. y Llimás, F. Opus cit.
[9] Pueden comparar capturas de esta edición con la anterior editada por Blue Underground en este enlace:
Miguel Ángel Plana: nostalgia y pasión
La primera vez que supimos de Miguel Ángel Plana fue hace bastantes años, en las hojas del magnífico Flash-Back 3. La publicación, editada por Antonio Busquets y dedicada enteramente al cine fantástico español, contó con dos colaboradores de lujo: Carlos Aguilar, que realizó una cronología comentada del género en España y nuestro protagonista, Miguel Ángel Plana, que nos inundó de sana envidia por haber entrevistado, él solito, a Paul Naschy, Narciso Ibáñez Menta, Juan Piquer Simón, Víctor Israel, Jack Taylor y, por supuesto, Carlos Aured. Unos contenidos que convirtieron ese ya lejano Flash-Back 3 en un referente sobre el cine fantástico español. Mucho más tarde tuvimos ocasión de conocer a los artífices del histórico pro-cine y compartir mesa, mantel y mucho más con Miguel Ángel Plana que, de vuelta al fandom verbigracia a las redes sociales, publica, tras algunas colaboraciones en libros colectivos, su primer libro en solitario, dedicado a uno de los cineastas más olvidados del cine español, Carlos Aured, ocasión que aprovechamos para someterlo a un esclarecedor tercer grado. Les dejamos pues con Miguel Ángel Plana.
En Fantasti’CS 2014 presentando el libro ‘Carlos Aured. Nostalgia y pasión’ (Foto: Serendipia)
¿QUIEN DIABLOS ES MIGUEL ÁNGEL PLANA?
Pues un tipo normal, con tendencia al freakismo, que de niño veía mucho la tele y leía muchos tebeos y se quedó un poco gilipollas. El caso es que años después quise estudiar algo relacionado con el cine, que se había convertido en mi pasión adolescente, pero terminé estudiando filosofía y sociología, por razones de apoyo familiar y falta de huevos para meterme en algo tan complejo. Al final me establecí como asalariado del gobierno con un puesto de empleado público
¿Cómo nace esa pasión por el cine y más concretamente por el fantástico?
¡¡¡Atacado por las babosas de Slugs!!!(Lo siento, ¡Tenía que ponerla!) (Foto: David García)
Ya en mi niñez con aquellas míticas series de los sesenta y, sobre todo, con los ciclos de la Universal que pasaban a veces por la 2 (entonces UHF). Lo que más leía eran tebeos de terror, luego Verne, Poe…lo típico. Y si encima, ya adolescente, te empiezas a comprar “Mundo Desconocido” y a creer en fantasmas, ovnis y todo eso, pues ya te digo. Menudo caldo de cultivo. Creo que por eso luego estudié algo como la filosofía, para no perder la cabeza, supongo.
Dentro de ese género ¿Cuáles dirías que son tu tipo de películas favoritas y porqué?
Dentro de este género, como dentro de cualquier otro, en el fondo lo que espero es que se me sorprenda. Algo que cada vez es más difícil. Me gusta contar historias, y que me cuenten historias. Creo que, antropológicamente, era la forma en que tenían los primitivos de organizar el caos. Cuando la historia es predecible, cuando la ves venir desde el primer momento, y no hay sorpresa, ya pierdo el interés.
Por cierto ¿Recuerdas la primera película de terror que viste?
Perfectamente. En la televisión la estupenda versión de Jack Clayton de “Otra vuelta de tuerca”: “Suspense”. Y en el cine de mi barrio una mejicana de Carlos Enrique Taboada, “Hasta el viento tiene miedo”.
INCURSIÓN EN EL FANDOM: FLASH-BACK
¿Como surgió lo de hacer las entrevistas que más tarde se publicaron en Flash-back? ¿Era este el destino inicial que tenías previsto para ellas?
La verdad es que lo de publicarlas no lo tenía claro hasta que conocí a Busquets y su “Flashback”, pero a finales de los ochenta me pareció una idea sumamente original y me puse manos a la obra. Creo que era necesario, y yo, como admirador de esa gente y de esas películas, quise hallarles una reivindicación, hasta entonces inexistente, o que yo al menos desconocía puesto que era ajeno al mundo del fandom y a todo tipo de publicaciones más allá del “Fotogramas” y alguna biografía clásica.
¿Cómo nació tu relación con Antonio Busquets?
Precisamente a partir de esa idea germinal de las entrevistas. Por azar encontré los primeros números de su revista y me gustaron. Y encima el tipo era de Valencia y vivía en mi misma ciudad. Desde entonces hemos hecho alguna que otra cosa juntos.
Tras bastante tiempo de no saber de ti vuelves a estar visible, ahora por redes sociales, y colaboras en el libro sobre Piquer Simón ¿Cómo es el fandom que te has encontrado? ¿Muy diferente del que había en los noventa?
Aunque quizá haya más cohesión y, evidentemente el mismo entusiasmo, creo que no se diferencia mucho del de antaño. Las mismas filias, las mismas fobias y las mismas rivalidades. Quizá sea más cercano y más fuerte el apoyo del fandom por parte del objeto de su idolatría. También se ha ido ampliando el espectro, pero en cuanto a los aspectos negativos del mismo, estos siguen estando ahí. Siempre habrá el que se crea mejor que el resto, el que espera reconocimiento por considerarse él mismo el mesías de la nueva doctrina. Nosotros lo único que debemos hacer es divulgar, enseñar y mantener la memoria. Sin esperar nada a cambio.
Durante la presentación del libro dedicado a Juan Piquer Simón (Noten las cervezas discretamente ocultas) (Foto: Archivo M. A. Plana)
¿Fuiste a festivales en los noventa? ¿Has notado muchos cambios con los actuales?
Pues igual que con el fandom: las mismas camarillas, los mismos intereses, los mismos cenáculos, si bien pienso que ahora hay más camaradería e interrelaciones y colaboraciones externas. Las redes sociales han contribuido mucho a ello. Incluso profesionalmente. Ahora voy poco, pero siempre me ha gustado Sitges. Y hacer tertulia con los amigos. E intercambiar opiniones. Pero, a veces, pasas tanto tiempo ocupado viendo películas, al incrementarse la oferta, que incluso esa bondad se va perdiendo.
Feliz estrangulando a Robert (Freddy) Englund (Foto: Archivo M. A. Plana)
¿Qué opinas de la nostalgia que hay por el VHS?
¿Nostalgia? Jajajaja, yo hace tan sólo tres o cuatro años que me desprendí de mis viejos videos y los doné a un hospital de enfermos mentales. Pues igual que en su momento la nostalgia por el Súper 8. Se pueden recuperar muchas cosas, pero prácticamente la tecnología informática nos lo pone todo al alcance y hoy por hoy casi todo está ahí, al otro lado del botón. Eso ahorra mucho tiempo. Antes era una locura. Está bien tener arqueología en casa, pero acumular mucho también es un gran problema. Ahora con el DVD tengo más películas que cuando manejaba el video, y me ocupan muchísimo menos espacio.
INCURSIÓN EN EL CINE: UNIDOS POR LA SANGRE
¿Nos explicas un poco como nació y murió tu proyecto Unidos por la sangre y en qué consistía?
Pues fue precisamente con el proyecto reivindicativo de las entrevistas, hablando con un amigo distribuidor de cine al que le gustaba el mismo tipo de películas y que teníamos gratos recuerdos de nuestros cines de barrio. Pensamos, ¿por qué no hacer una película con los presupuestos de ahora y una perspectiva más cercana a los años noventa, alejada de la precariedad de aquellos años, con más efectos especiales, una factura más internacional y con nuestro star system de aquellos años -actores y técnicos-?
Algunos diseños para ‘Unidos por la sangre’ (Archivo M. A. Plana)
Antes, para mí, ya había confeccionado algunas historias. Así conjugaba mis dos pasiones: la literatura y el cine. Sin ánimo de exhibirlas, para disfrute personal. Y así surgió “Unidos por la sangre” y los contactos. Todos estábamos entusiasmados. Pero creo que nos equivocamos de tiempo y de enfoque.
¿Hiciste más guiones?
Por supuesto que sí, sobre todo gracias a mi relación con Aured. Intentamos mover varias ideas. Siempre con el mismo resultado.
¿Quedaste desanimado por la falta de interés por parte de las productoras y por el mundo del cine en general?
La verdad es que sí, así que decidí volver a la crítica de cine.
¿Has pensado en volver a activar este u otro proyecto?
Nunca. De vez en cuando le echo una mirada a aquel primer ingenuo borrador de “Unidos por la sangre”, con sus diseños de personajes, su story board, los videos de casting que hicimos…. Son buenos recuerdos, una etapa mágica en mi vida, a pesar de los escollos, y de conocer gente maravillosa. Proyectos locos, ya no sólo dentro del fantástico hispano. Entré un poco en la rueda y montamos varias productoras con las que produjimos un corto, trabajé incluso de actor en spots publicitarios para la televisión, y, en un 
piloto de una serie que no llegó a ver la luz, compartí escena con Pepe Viyuela, colaboré con un gran amigo, y uno de los pilares del undeground y la contracultura valenciana de los setenta, Rafa Gassent, en un proyecto suyo sobre Blasco Ibáñez. Le hice de ayudante de dirección. También probamos fortuna, ambos, con un proyecto de serie para nuestra extinta televisión valenciana sobre la crónica negra local, tipo “La huella del crimen”…. En fin… Pero al final, me quedo con la radio y los artículos. Creo que debo ser de los pocos que ha llegado a hacer crítica de cine en un periódico tan poco sospechoso como “Superdeporte”. Jajajajaja. También estuve varios años en un magazine de otra cadena local hablando de los estrenos de la semana. Mi experiencia como actor me sirvió. Coño, y además pagaban bastante bien.
LIBROS, CARLOS AURED Y RETORNO AL FANDOM
¿Cómo se te ocurrió lo de hacer un libro sobre Carlos Aured? ¿Cómo lo enfocaste?
Miguel Ángel Plana recibiendo el premio Fantasti’CS 2014 de la mano de Jorge Juan Adsuara (Foto: Serendipia)
En realidad la idea no fue mía, si no del editor. Adsuara, conociendo mi relación con Carlos, me propuso hacer un apartado en una obra colectiva más extensa sobre diversos realizadores del fantástico patrio. Y la cosa se fue hinchando un poco. Al principio pensaba canibalizar lo que ya había hecho antes, como en el caso del libro de Piquer Simón, pero dado que sabía más cosas de las que surgieron en aquel mítico Flash-Back, procuré darle otra orientación. Siempre he pensado que, más allá de la cerrazón de ciertos sectores del fandom o de la rigurosidad racionalista de la crítica más sesuda, hay que hablar de ciertas cosas con el corazón, entre la nostalgia y la pasión, más que con el cerebro y la vista. Situarnos en el contexto y el momento y valorarlo en su justa medida con unos parámetros que no son los de ahora, retrotraernos a nuestra psique infantil, a nuestro primer visionado, a nuestro primer impacto. Con el caso de Carlos, y dado que ahora ando metido en un programa de radio que tiene que ver con esos temas, recordé mis conversaciones con él sobre los mismos y me sirvió para hablar de unas inquietudes en él que la gente desconoce. También es parte de mi vida, así que tiene una doble vertiente: la biográfica y la autobiográfica. Fue una etapa de mi vida bastante bonita, en lo personal y lo profesional, y cuando las cosas no fueron bien, Carlos me apoyó. Así que creo que también debería saldar esa deuda de gratitud.
¿Hay alguna entrevista para el libro que te hubiera gustado conseguir y no fue posible? ¿En general, te lo pusieron fácil?
Dos mentes atormentadas: con Miike en Sitges (Foto: Archivo M. A. Plana)
Las únicas entrevistas que no he podido conseguir fueron de las personas que ya no están entre nosotros. Todo el mundo fue muy atento y amable. Encuentro que la mayoría de los profesionales cinematográficos de nuestro país son muy cercanos. Y si encima todos tienen buenos recuerdos y hablan bien de tu objeto de estudio…
¿Estás satisfecho con el resultado?
Siempre hay cosas que se pueden mejorar. Pero la verdad es que la respuesta anímica del lector ha sido tan emotiva que me doy por recompensado. El otro día me llamó el hijo mayor de Paul Naschy, Sergio Molina, para felicitarme y darme las gracias por el libro y los recuerdos que se desgranan en él. Que se trataba de un texto emotivo, hecho con el corazón. Claro que también habrá al que no le guste, jajajaja. Pero con palabras como las de Sergio y otros ya es bastante premio.
Y no quiero terminar la entrevista, por supuesto, sin dar las gracias a dos compañeros tan grandes como Carlos Benítez y Ángel Gómez, sin cuya ayuda, este libro hubiera perdido parte del esplendor que tiene. O la excelente maquetación de nuestro común amigo Josemi, de Tyrannosaurus Books, o toda esa maravillosa gente que ha aportado material gráfico.
Ahora ya comienza a haber una generosa bibliografía sobre el cine fantástico español, ¿Qué obra crees que falta todavía?
La verdad es que sí, pero quizá faltaría que se rescatasen obras aisladas o la tarea de algún francotirador olvidado.
¿Estás preparando nuevos libros sobre fantástico? ¿Puedes adelantarnos algo?
Tengo varios proyectos, pero relacionado con nuestras aficiones uno muy avanzado y en negociaciones…y hasta aquí puedo leer…
Y sí, hasta aquí esta interesante charla con Miguel Ángel Plana, una de las mejores personas con las que nos hemos topado durante estos seis años de Proyecto Naschy. Un tipo de lo más amiguetil con el que hemos compartido muchas veladas cinéfilas y cinéfagas (amén de gastronómicas) y del que somos felices de considerarnos amigos.
‘CARLOS AURED. NOSTALGIA Y PASIÓN’ DE MIGUEL ÁNGEL PLANA
Como todo festival que se precie, Fantasti’CS de Castellón tiene la sana costumbre de editar un libro coincidiendo con cada nueva edición del certamen. Tras unos años que pueden considerarse de aprendizaje, el festival se ha tomado la tarea más en serio y en estos último años, bajo el sello editorial Museo Fantástico, ha editado unos memorables tomos: El primero de ellos dedicado a Juan Piquer Simón y el pasado año una obra monumental centrada en el mago de los efectos especiales Willis O’Brien. En esta ocasión el homenajeado ha sido el director de cine Carlos Aured, un francotirador que merecía este tributo en forma de libro y más si el responsable ha tenido la fortuna de tenerlo como amigo, tal y como es el caso del autor, Miguel Ángel Plana, que mezcla la vida y obra de Aured, con sus propias vivencias, tales como los escollos que tuvieron que atravesar cuando intentaron poner en marcha algún proyecto en común. 320 aprovechadas páginas repletas de cinefilia. Terror y erotismo. Ilusión y tragedia. Nostalgia y pasión. Profusamente ilustradas con imágenes en blanco y negro y color. El autor, además ha contado con dos pequeños artículos realizados por Ángel Gómez Ribero y el que esto les escribe. Todo ello en libro necesario y totalmente recomendable que pueden adquirir en tiendas especializadas como Argot (Castellón), El Coleccionista (Zaragoza), Freaks (Barcelona), De Pelis (Madrid) y Rosebud (Valencia). También en EBay y Todocolección o directamente poniéndose en contacto con la editorial mediante el siguiente mail: edicionesmuseofantastico@gmail.com
El libro ‘Wild Wild East’ editado por el Festival Nits ya es una realidad
La campaña de micromecenazgo que el Festival Nits de cinema oriental puso en marcha hace unas semanas para financiar una parte de los gastos de edición de lo que será el primer libro del certamen, Wild Wild East, del curry western en soja western, ha llegado con éxito a su fin. Un total de 109 mecenas han participado y entre todos se ha conseguido superar el umbral de los 3.000 euros que se necesitaban. Se han alcanzado 3.077 euros.
Este libro único en su especie, la del insólito mundo del western asiático, verá la luz coincidiendo con la próxima edición del Festival Nits, que del 14 al 19 de julio volverá a llevar a Vic el mejor cine llegado de Asia, una larga lista de actividades relacionadas con la cultura asiática y suculentas cenas de las gastronomías de estas tierras lejanas. Los mecenas empezarán a recibir entonces sus recompensas y todos aquellos que no hayan participado en la campaña tendrán una nueva oportunidad para adquirir el libro. Durante el festival se dedicará un ciclo a este exótico género cargado de filmes muy conocidos dentro del cine popular asiático pero prácticamente anónimos en Occidente.
LA RECOMPENSA
El libro propone al lector un recorrido por la incidencia que tuvieron las películas de indios y vaqueros en el continente asiático desde los primeros films indios de los años 30 con Fearless Nadia al neo-western chino de hoy en día, pasando por Taiwán, Filipinas, Tailandia, China, Japón o Corea. Los westerns disfrutaron de tanta popularidad que rápidamente se transfiguraron, adaptándose al paladar del consumidor local, y se convirtieron en doblemente salvajes, dando lugar a algunas de las mejores obras del cine popular asiático. El autor, y por lo tanto encargado de
guiarnos por este periplo, es Domingo López, experto en cinematografías desconocidas.
Será un libro a todo color, en papel de alta calidad, ilustrado con reproducciones de carteles originales, fotografías de las películas y con dibujos originales de Xevi Domínguez, realizados especialmente para la ocasión.
Además el libro contará con firmas invitadas como Jordi Sánchez-Navarro, Andrew Leavold, Ross Chen, Tomás Fernández Valentín o Albert Galera, entre otros. El libro se presentará en dos ediciones, en catalán y castellano.
UNA DESCABELLADA IDEA DE…
El proyecto de Wild Wild East, del curry western al soja western nace en el marco del Festival Nits de cinema oriental, un certamen que desde 2004 trabaja para acercar al público el mejor cine de Asia en un festival único en su especialización en Cataluña y España. Hace tiempo que le damos vueltas al proyecto de crear una colección dedicada al cine asiático y, finalmente, nos hemos decidido a intentarlo de la mano de Tyrannosaurus Books, editorial especializada en la publicación de obras inéditas de autores españoles y en la recuperación de clásicos modernos internacionales con un especial interés en la literatura de género (terror y ciencia-ficción) pero abrazando también propuestas encuadradas dentro de la ficción negra y criminal, la literatura infantil de corte fantástico y el ensayo cinematográfico.
Iniciamos esta colección hablando de los westerns asiáticos coincidiendo con el ciclo que la próxima edición del Festival Nits -que se celebrará en Vic del 14 al 19 de julio- dedicará a este exótico género cargado de filmes muy conocidos dentro del cine popular asiático pero prácticamente anónimos a Occidente.
El Buque Maldito y Phenomena presentan: Los Abandonados de Nacho Cerdà
Proyección de la película Los abandonados con la presencia del realizador Nacho Cerdà. Sábado 11 de abril 2015 – 18:30h
El debut en el largometraje del director catalán Nacho Cerdà se aplazaba considerablemente tras el éxito obtenido con sus cortometrajes Aftermath (1994) y Génesis (1998), que, junto a The Awakening (1991), formaron la llamada Trilogía de la Muerte.
Film protagonizado por los actores Anastasia Hille y Karel Roden y donde Cerdà firmaba su guión junto a los también directores Karim Hussain y Richard Stanley; una historia que nos arrastraba hacia una especie de precipicio donde dos hermanos deben hacer frente al presente en una granja desamparada y situada en un pueblo de Rusia. Ambos deberán cerrar viejas heridas y, a su vez, realizar un ejercicio interior estremecedor, un viaje en el tiempo donde el terror, las visiones y la angustia darán paso a terribles consecuencias…
Entradas anticipadas ya disponibles:
http://phenomena.admit-one.eu/?p=details&eventCode=17961
Y en las taquillas del cine:
Phenomena
C/. Sant Antoni Maria Claret, nº168
Barcelona
<M> L5 (Sant Pau) / L2 (Sagrada Familia) / L4 (Alfons X/Joanic)
Ya están a la venta los bonos y abonos para el festival Nocturna 2015
Para que puedas organizarte mejor el Festival Internacional de Cine Fantástico de Madrid, NOCTURNA 2015 pone desde este momento a la venta en las taquillas del cine Palafox, los Bonos de 10 entradas junto a varios abonos VIP (disponibles exclusivamente a través de su página web: http://www.nocturnafilmfestival.com/index.php/es/bonos)
Los tres abonos que lanza el Festival posibilitan el acceso a la sala sin realizar cola, además de disponer de asiento reservado. Estos abonos son:
* ABONO VIP TOTAL (PVP: 220 €)
Abono que da acceso a todas las sesiones del Festival (en todas las salas, incluidas inauguración y clausura) en los cines Palafox. Acceso directo, sin hacer cola, tan sólo enseñando la acreditación. El ABONO VIP TOTAL consta de:
– Bolsa Oficial.
– Catálogo Oficial.
– Camiseta Oficial.
– Acreditación Oficial.
– Asiento asignado y fijo en la mejor zona de la sala (por orden de reserva)
* ABONO VIP SALA 1 (PVP: 120 €)
Abono que da acceso a todas las sesiones del Festival que se realicen en la Sala 1 de los cines Palafox (22 sesiones incluidas inauguración y clausura). Acceso directo, sin hacer cola, tan sólo enseñando la acreditación. El ABONO VIP SALA 1 consta de:
– Bolsa Oficial.
– Catálogo Oficial.
– Acreditación Oficial.
– Asiento asignado y fijo en la mejor zona de la sala (por orden de reserva)
* ABONO VIP SALA 2 y 3 (PVP: 110 €)
Abono que da acceso a todas las sesiones del Festival que se realicen en la Sala 2 y 3 de los cines Palafox (23 sesiones). Acceso directo, sin hacer cola, tan sólo enseñando la acreditación. El ABONO VIP SALA 2 y 3 consta de:
– Bolsa Oficial.
– Catálogo Oficial.
– Acreditación Oficial.
– Asiento asignado y fijo en la mejor zona de la sala (por orden de reserva)
Los abonos adquiridos a través de la web del Festival se podrán recoger en la tienda del Festival (en la entrada del cine Palafox), previa presentación del DNI, a partir del día 25 de mayo a las 16.30h (se recomienda venir a primera hora)
* BONO 10 (PVP: 50 €)
Bono de 10 entradas que debe ser canjeado en taquilla por la entrada correspondiente para cada sesión.
Todos los bonos adquiridos a través de esta web se podrán recoger en la tienda del Festival (en la entrada del cine Palafox), previa presentación del DNI, a partir del día 25 de mayo a las 16.30h (se recomienda venir a primera hora)
Las entradas generales al festival tendrán un precio de 6€, a excepción de Inauguración y Clausura cuyo precio será de 7€.
INDIGENOUS SE SUMA A LA PARRILLA DE NOCTURNA 2015
Se incorpora a la Sección Oficial Fantástico Indigenous, un film norteamericano dirigido por Alastair Orr, con guión de Max Roberts y protagonizado por Jaime Newball, Jamie Anderson, Juanxo Villaverde, Laura Penuela y Lindsey McKeon que nos traslada a las paradisiacas playas de Panamá donde un grupo de amigos se perderán durante una excursión en la selva. Lo que comienza siendo un viaje de placer se convertirá en una auténtica pesadilla.
El Festival Internacional de Cine Fantástico de Madrid, NOCTURNA 2015, se celebrará en los Cines Palafox de Madrid del 25 al 31 de mayo.
Evento Star Wars y nuevos invitados se suman al Salón del Comic
Autores tan destacados como Stefano Martino, creador del personaje Alan Dracon, el dibujante Barry Kitson (Harbinger), Elena Casagrande (Riesgo Suicida) y David Messina (The Bounce) se suman a la lista de invitados del 33 Salón Internacional del Cómic de Barcelona.
Barry Kitson se inició en el mundo de dibujar superhéroes en la década de los 80 y hoy por hoy ha pasado por las dos grandes, DC y Marvel. Ha dibujado desde The Amazing Spider-Man a Batman: Legends of the Dark Knight, pasando por Los Cuatro Fantásticos y The Adventures of Superman. Por su parte, Stefano Martino ha colaborado con el mismísimo George R.R. Martin, que pidió expresamente sus dibujos para la adaptación de Portales.
Por lo que respecta a Elena Casagrande, ha dibujado adaptaciones de series de televisión como True Blood o Expediente X, y ahora mismo está centrada en Riesgo suicida, junto a Mike Carey. David Messina ha colaborado con Marvel en más de una ocasión y recientemente ha finalizado The Bounce, con guiones de Joe Casey.
STAR WARS CELEBRATION 2015
Los fans de Star Wars que no puedan acudir a la Star Wars Celebration de 2015 en Anaheim (California) tendrán una oportunidad única de vivir este evento en Barcelona: la Celebration se iniciará el 16 de abril con un panel sobre la nueva película Star Wars: El despertar de la Fuerza en el que participarán su director J.J. Abrahams y Kathleen Kennedy, productora ejecutiva de la película y Presidenta de Lucasfilm, además de otros invitados sorpresa. El panel se podrá ver en directo en 35 cines de 23 países de todo el mundo, y uno de estos cines será el Cinesa Diagonal (Calle de Santa Fe de Nou Mèxic, s/n).
CÓMO CONSEGUIR LAS ENTRADAS: Recogiéndolas el 16 de abril de 12:00 a 15:00 horas. Se repartirá una entrada por persona hasta que se agoten las entradas disponibles.
DÓNDE RECOGERLAS: En un autobús temático de Star Wars custodiado por Stormtroopers ubicado a la entrada del Salón Internacional del Comic de Barcelona (Avenida Reina Maria Cristina (s/n).
EL EVENTO: El panel dará comienzo a las 19:00 horas y la apertura de puertas del cine será a partir de las 18:30 horas (Cinesa Diagonal, Calle de Santa Fe de Nou Mèxic, s/n).
Aquellas personas que tengan ya su entrada y así lo deseen podrán subir al Autobús Star Wars, que les transportará desde Fira Barcelona hasta Cinesa Diagonal. Las salidas del bus serán a las 16:00, 16:45 y 17:30 horas.
PARA MÁS INFORMACIÓN SOBRE LA STAR WARS CELEBRATION VISITA:
www.starwarscelebration.com
www.facebook.com/starwars.es
www.twitter.com/StarWarsSpain
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