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Archive for 30 abril 2015

Nuevas noticias sobre Nocturna 2015

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Tras los anuncios de INDIGENOUS, INFINI, JUNE, KILL ME THREE TIMES y LIZA, THE FOX FAIRY , NOCTURNA 2015, Festival de Internacional de Cine Fantástico de Madrid completa su Sección Oficial Fantástico con dos nuevas películas:

DARK WAS THE NIGHT (USA, 2014)

Tras cosechar espectaculares críticas en varios festivales norteamericanos, el film dirigido por Jack Heller (Bicho Malo), con Kevin Durand (The StraKin) y Lukas Haas (Origen) encabezando su reparto, nos contará como un antiguo mal se despierta en los bosques cercanos al remoto pueblo de Maiden Woods, a causa de los trabajos de una compañía maderera en el lugar. Aislados y amenazados, el sheriff Paul Shields (Durand) deberá superar los demonios de su pasado para proteger las vidas de las personas que ama.

EXETER (USA, 2015)

También conocida como Backmask, el nuevo trabajo de Marcus Nispel nos mostrará como cuando una pandilla de adolescentes encuentran un viejo disco de vinilo durante una fiesta, desatan un espíritu que se infiltra en el grupo poseyendo un cuerpo tras otro. Pronto descubrirán que el espíritu trata de transmitirles un mensaje y que la verdadera fuente del mal está muy cerca…

SECCIÓN OFICIAL DE CORTOMETRAJES

En NOCTURNA 2015 también podrá verse una amplia representación del fantástico más breve con la proyección de una selección de cortometrajes nacionales e internacionales que competirán por el premio Shots:

2037 (España, 2014), de Enric Pardo

A TRAVÉS DEL ESPEJO (España, 2014), de Iván Mena

AÚN HAY TIEMPO (España, 2014), de Albert Pintó

BE AFRAID OF THE DARK (España, 2014), de Bruno Llopis

BIENVENIDOS AL FIN DEL MUNDO (España, 2014), de Manu Carbajo

CAPTCHA (Reino Unido, 2014), de Edward Tracy

CHROMOSOME 4 (USA, 2014), de Daniel Diosdado

CLARKE’S THIRD LAW (España, 2014), de Javier Valenzuela

DERNIÈRE FORMALITÉ (Bélgica, 2014), de Stéphane Evaraert

EL VIDENTE (España, 2015), de Roberto Suárez

FERDINAND KNAPP (Francia, 2014), de Andrea Baldini

FLEXIBILITY (España, 2014), de Remedios Crespo

FORMOL 105 (España, 2014), de Martín Rodríguez

HAPPY FACE (España, 2014), de Marc Juvé

HIDE AND SEEK (USA, 2014), de Carles Torrens

HYBRIS (Francia, 2014) de Benjamin Gros, Margaux Le Gall, Océane Nguyen, Audrey Serre

LA BUENA MUERTE (CRISTO DE) (España, 2015), de Suda Sánchez

LA HORA DEL BAÑO (España, 2014), de Eduardo Casanova

LAST MEMORY (España, 2015), de Juan Luis Moreno

LESSONS LEARNED (USA, 2014), de Toby Froud

MANÍAS (España, 2015), de Santiago Capuz

PHOENIX (Alemania, 2014), de Florian Frerichs

SHINER (Reino Unido, 2014), de David Lilley

THALION LTD. (España, 2015), de Diego Arjona

THE FISHERMAN (España, 2015), de Alejandro Suárez

THE PERIPHERAL (USA, 2014), de JT Seaton

El Festival Internacional de Cine Fantástico de Madrid, NOCTURNA 2015, se celebrará en los Cines Palafox de Madrid del 25 al 31 de mayo.

Categorías:Nocturna

VAMOS DE ESTRENO (o no) * Jueves 30 de abril de 2015*

MANDARINAS (Mandariinid, Zaza Urushadze, 2013) *****

Estonia / Georgia. Duración: 87 min. Guión: Zaza Urushadze. Música: Niaz Diasamidze. Fotografía: Rein Kotov. Productora: Allfilm / Georgian Film. Género: Drama.

Reparto: Lembit Ulfsak, Giorgi Nakashidze, Misha Meskhi, Elmo Nüganen, Raivo Trass.

Sinopsis: En 1990 estalla la guerra en una provincia georgiana que busca la independencia. Ivo, un estonio, decide quedarse, a diferencia del resto de sus compatriotas, para ayudar a su amigo Margus con la cosecha de mandarinas. Durante un combate que se produce cerca de su granja, sobrevivirán dos combatientes, que pertenecen a distintos bandos y de cuyos  cuidados se hará cargo Ivo.

Poster-MANDARINAS-OKQue la guerra es una estupidez y una estéril lucha de intereses disfrazada con el llamativo color de las banderas y otros cantos de sirena, es algo que el cine ya nos viene recordando desde sus inicios. Tan solo cabe recordar obras de arte como Sin novedad en el frente (All Quiet on the Western Front, Lewis Milestone, 1930) o Senderos de gloria (Paths of Glory, Stanley Kubrick, 1957), por citar tan solo dos. Pero nunca está de más recordarlo. Y eso es lo que propone, desde la sencillez, Mandarinas, film que nos narra como las obligada convivencia entre enemigos puede terminar rebelando que es más lo que nos une que lo que nos separa. ¿Recuerdan Infierno en el Pacífico (Hell in the Pacific, John Boorman, 1968) o la mucho más reciente Perdidos en la nieve (Into the White, Peter Naes, 2012)?, pues por ahí van los tiros pero poniendo hincapié en el personal civil. En esos héroes cotidianos a los que no se les erigen monumentos si se les otorgan condecoraciones.

Y no se espanten ante la procedencia del filme, ya que Mandarinas, a pesar de su sensibilidad eslava, no está exenta de sutil humor, a pesar de no sortear cuestiones como la luche de religiones. Y todo ello sin recurrir a huecos sentimentalismos. Totalmente recomendable.

Premios
2014: Premios Oscar: Nominada a Mejor película de habla no inglesa
2014: Globos de Oro: Nominada a Mejor película de habla no inglesa
2014: Satellite Awards: Mejor película de habla no inglesa

 

DIFRET  (Zeresenay Mehari, 2014) *****

Etiopía / Estados Unidos. Duración: 99 min. Guión: Zeresenay Mehari. Música: David Schommer, David Eggar. Fotografía: Monika Lenczewska. Productora: Haile Addis Pictures. Género: Drama.

Reparto: Meron Getnet, Tizita Hagere, Haregewine Assefa, Brook Sheferaw, Mekonen Laeake, Meaza Tekle.

Sinopsis: En Adis Abeba, la abogada Meaza Ashenafi (Meron Getnet) ha creado una red de ayuda a mujeres y niños pobres que necesiten la ayuda de un letrado. Se enfrenta a un hostigamiento constante por parte de la policía y del gobierno. Aun así, se atreve a defender a Hirut (Tizita Agere), una chica de 14 años a la que secuestraron y violaron cuando regresaba del colegio y que consiguió matar a su raptor antes de escapar. A pesar de haber actuado en defensa propia, Hirut puede ser condenada a la pena de muerte, ya que en la Etiopía rural sigue existiendo el “telefa” o matrimonio por rapto.

difret-cartel-5763DIFRET es la primera película del realizador etíope Zeresenay Berhane Mehari y trata sobre una de las tradiciones más ancestrales de Etiopía, el “telefa” o la costumbre de raptar a niñas para casarse con ellas. Ganó el Premio del Público de la sección Panorama del Festival de Cine de Berlín y previamente, el Premio del Público del Festival Internacional de Cine de Sundance. Fue precisamente poco antes del estreno de DIFRET en el Festival de Sundance 2014, cuando el director y los productores recibieron la gran noticia de que Angelina Jolie se había unido a los productores ejecutivos. Por mediación de amigos comunes, la actriz vio la película sin terminar, le encantó y llamó al director para decirle que quería ayudarles como fuera. De esta manera, se convirtió en productora ejecutiva durante la postproducción.
La película está basada en un hecho real ocurrido en Etiopía en los años noventa. Rodada en amárico, idioma oficial del país, donde la palabra “difret” puede significar al mismo tiempo “valiente” y “violación”, el realizador  etíope indaga en las consecuencias que tiene romper con las tradiciones y creencias profundamente arraigadas, a través de la historia de una ONG de mujeres abogadas que lucha por la libertad de una niña de 14 años, acusada de matar a su raptor y violador.
El reparto de la película tardó ocho meses en ser configurado y cuenta en su haber con más de 70 intérpretes no profesionales, incluyendo el de la joven Tizita Hagere que se enfrentó al reto de encarnar a la niña Hirut. La actriz, poetisa y dramaturga etíope Meron Getnet, una de las estrellas de cine y televisión más populares de Etiopía, interpreta a Meaza Ashenafi, la abogada y activista fundadora de la organización de asistencia legal para las mujeres.
Interesante cinta rodada e interpretada ‘al modo occidental’, que en algún momento se acerca peligrosamente a los parámetros argumentales de los televisivos melodramas dominicales basados, al igual que este, en hechos reales. Su mejor baza es el exotismo de la propuesta y la forma de narrarla, con cámara inquieta y textura cercana al documental, huyendo de argumentos secundarios que seguramente la industria americana no hubiera desdeñado, como hubiera sido el añadir un interés romántico. A la verosimilitud del relato contribuye, sin duda, la naturalidad interpretativa de sus actores, muchos de ellos, tal y como hemos leído, no profesionales.
 

LECCIONES DE AMOR (Words and Pictures, Fred Schepisi, 2014)

*****

USA, 111 min. Guión: Gerald DiPego. Música: Paul Grabowsky Fotografía: Ian Baker. Productora: Latitude Productions / Lascaux Films. Género: Comedia.

Reparto: Clide Owen, Juliette Binoche, Keegan Connor Tracy, Bruce Davison, Adam DiMarco, Janet Kidder, Valerie Tian, David Lewis, Eva Bourne.

250599Sinopsis: Jack (Clive Owen) es un carismático profesor de inglés que tiene problemas de alcohol y ha perdido su capacidad de escribir. Dina (Juliette Binoche) es una artista reconocida que lucha contra una enfermedad, que le impide pintar. Ambos ejercen de profesores en una institución elitista en Croyden (Nueva Inglaterra). Entre ambos se enciende una pequeña chispa, que pasará a ser pasión cuando se enfrenten para dirimir si son más importantes las palabras o las imágenes.

La cinta nos habla sobre la falta de inspiración y la imposibilidad de crear. Pero sobre todo nos muestra una historia de amor entre seres desencantados con aires de screwball comedy, mérito de los dos protagonistas, Owen y Binoche, que salvan al filme de naufragar. Y todo ello a pesar de que el personaje que encarna Juliette Binoche resulta a veces un tanto antipático. La película se atasca en algún momento cercano a su desenlace, pero no deja de ser un agradable entretenimiento gracias a sus dos protagonistas.

POS ESO (Sam, 2014) *****

España. 81 min. Guión: Samuel Ortí Martí (AKA Sam), Rubén Ontiveros. Música: Aritz Villodas. Fotografía: Nestor De Les. Productora: Basque Films / Conflictivos Productions. Género: Comedia de animación.

Sinopsis: La Trini, bailaora mundialmente conocida, abandonó los tablaos sumida en una gran depresión desde que su esposo, el gran mataor de toros Gregorio, muriese en un posterposesoaccidente doméstico. Damián, su hijo de 8 años, ha empezado a dar signos de una rebeldía que roza la demencia. Ningún médico, psicólogo o psiquiatra puede explicar el comportamiento del crío, conducta que irá empeorando hasta tal extremo que será necesaria una explicación sobrenatural a su estado. Esta situación pone a la Trini al borde de los nervios, quien decide contactar con el Padre Lenin, cura vasco repudiado por la Iglesia que está atravesando una crisis de fe; pero tal como todas las señales indican, es él la única esperanza de devolver la tranquilidad a tan maltrecha familia.

Pos Eso  es el primer largometraje de animación stop motion de Sam tras el exitoso corto Vicenta (2010), que llegó a estar nominado a los Goya. Un detallado trabajo de artesanía que cuida tanto los fondos como a los personajes principales, a los que prestan su voz, entre otros, Santiago Segura, Carlos Areces, Álex Angulo, Anabel Alonso y Mariví Bilbao. Exorcismos, folklore, toreros y mucho humor con gotas de actualidad bizarra y guiños cinéfilos para un apabullante film repleto de humor que obtuvo  una merecida mención especial del jurado en el Festival de Sitges.

WALKING ON SUNSHINE (Max Giwa y Dania Pasquini, 2014) *****

UK. Duración: 97 min. Guión: Joshua St Johnston. Música: Anne Dudley. Fotografía: Philipp Blaubach. Productora: Vertigo Films / IM Global. Género: Musical.

walking-on-sunshine_32439Reparto: Greg Wise, Joelle Koissi, Leona Lewis, Annabel Scholey, Adrian Palmer, Hannah Arterton, Shane Salter, Val Monk, Terry Noble, Susan Fordham, Katy Brand.

Sinopsis: Maddie (Annabel Scholey) está decidida a organizar su boda con Raf (Giulio Berruti), su prometido e invita a su hermana Taylor (Hanna Arterton) sin saber que ambos tuvieron una relación amorosa tiempo atrás.

Otro musical llegado de Inglaterra repleto de hits de los ochenta pero  que no pasa de sonrojante. Tan solo recomendable para completistas del género y masoquistas que quieran pasar un buen e intenso rato.

ASTÉRIX: LA RESIDENCIA DE LOS DIOSES (Astérix: Le domaine des dieux, Louis Cliché y Alexandre Astier, 2014)*****

Francia. Duración: 82 min. Guión: Alexandre Astier (Cómic: Rene Goscinny, Albert Uderzo) Música: Hubert Cornet. Productora: SND / M6. Género: Comedia de animación.

Sinopsis: Estamos en el año 50 A.C. Toda la Galia está ocupada por los romanos… ¿Toda? ¡No! Una aldea poblada por irreductibles galos resiste todavía y detienen siempre al invasor. Exasperado por la situación, Julio César decide cambiar de táctica: como sus ejércitos han sido incapaces de imponerse por la fuerza, será la misma civilización romana la que se encargará de seducir a los bárbaros galos. Para ello, ordenará construir al lado de la aldea una lujosa residencia para romanos: “la residencia de los Dioses”. ¿Podrán nuestros amigos galos resistirse a la tentación del dinero y el confort romano? Astérix y Obélix tendrán que esforzarse para frustrar los planes del César.

asterix-trailer-la-residencia-de-los-dioses-posterTras producciones de dibujos animados e imagen real, las aventuras de Astérix vuelven a la pantalla en animación 3D, un formato ideal para este tipo de adaptaciones basadas en personajes de cómic, como han demostrado los recientes  estrenos de Doraemon e incluso Mortadelo y Filemón en este tipo de animación.

Astérix. La residencia de los dioses, adapta con éxito el cómic original de Uderzo y Goscinny, manteniendo el humor y el encanto de los personajes con una animación nada apabullante, limpia y brillante. No en vano Louis Cliché, uno de sus directores, proviene del mundo de la animación habiendo trabajado en reconocidos éxitos como Up (2009) y Wall-e (2008). Sin duda se trata de un plan ideal para el público de todas las edades, que no enfurecerá a los puristas de los personajes originales.

 

 

Categorías:VAMOS DE ESTRENO

Vértigo, fascinación por el abismo y lo nocturno

“Sorprende en este filme la partitura musical hasta el punto de que no se sabe muy bien si la película es una evocación de esta prodigiosa banda musical o ésta constituye el entramado fílmico y melódico que concede al filme su verdadero armazón”[1]. No exagera Eugenio Trías al hablar así de la relevancia de la música de Bernard Herrmann en Vértigo: la trabazón entre la música y la imagen es tal que no puede comprenderse la una sin la otra. Es en la composición donde se enuncian los motivos temáticos de la película, las notas musicales son las encargadas de nombrar la pasión (mejor obsesión) y de dar o quitar voz a los personajes. Así el tema de Judy Barton sólo se escucha durante la escena de la carta pues ese es el único momento en que el personaje de Kim Novak tiene vida propia en el filme. El fantasma de Madeleine ( la falsa Madeleine de hecho) lo inunda todo y su leit motive musical corona buena parte del metraje siendo sólo superado en peso e importancia por el tema de amor, un tema en el cual puede rastrearse la herencia de Wagner pues la música de Herrmann evoca el Liebestod  de Tristán e Isolda, se nos habla así desde la melodía del tópico cultural de la muerte de amor y de eso nos habla Vértigo de la orientación tanática del Eros. La película lleva a su límite absoluto el gran tema del amor-pasión entretejido con la pulsión de muerte, el vértigo que le da título es una mezcla de miedo a la caída y atracción por el abismo. El obsesionado Scottie necesita recuperar a su amada y actuará como un auténtico Pigmalión, cuando encuentre a Judy no cejará hasta volverla idéntica a esa amada muerta. La muerte de amor en Vértigo es mucho más perversa que en Tristán e Isolda, nadie muere por la ausencia del otro, la pasión toma otro camino, “para decir las cosas de una manera simple, este hombre quiere acostarse con una muerta; es pura necrofilia”[2]. En este, su aspecto necrófilo, es en el que vamos a insistir.

Vértigo carta

Sobre Vértigo se han derramado ríos de tinta. Incomprendida en su momento, hoy es vista como obra maestra indiscutible, tanto es así que la revista Sight&Sound del British Film Institute, la ha elevado a “mejor película de todos los tiempos”, desbancando a Ciudadano Kane que llevaba 50 años ininterrumpidamente en ese trono. Inclasificable por género, su escaso éxito en su estreno se debió en gran medida a su renuncia a la sorpresa. La carta de la que hablábamos al referirnos al tema musical de Judy rompe el enigma generado hasta ahí, pues revela la verdadera identidad de la joven y el engaño del que ha sido víctima Scottie a fin de poder encubrir el asesinato real. Toda la trama policíaca inicial se manifiesta como un auténtico MacGuffin y el público se ve obligado a revisar sus hipótesis[3]. Hay que entender que para Hitchcock el verdadero suspense no estaba en la trama sino en la relación que se establece entre los personajes. Desvelar que Madelein en verdad no fue más que la recreación  que hizo Judy de ella aumenta el dramatismo de su conversión en manos de Scottie, a diferencia de lo que ocurría con la novela que adapta el guión (De entre los muertos de Pierre Boileau y Thomas Narcejac): “En el libro el lector descubría a una chica que no quería transformarse, nada más. En la película un hombre se encuentra con una mujer que se da cuenta de que ese hombre poco a poco la desenmascara”.[4] Sabe que la desenmascara y sabe también que la lleva a la muerte, pues dejarse transformar supone una renuncia a sí misma: aunque no perdiese la vida, habría perdido su yo. Scottie la conduce , por tanto, a una doble muerte, “(la literal y la figurativa de la falsa Madeleine), pues Judy está obligada -por su propia pasión- a convertirse, de nuevo, en una persona inexistente y por lo tanto, tendrá lugar la muerte de una persona real y de una persona irreal, de la auténtica Judy y de la falsa Madeleine”[5].  La búsqueda de ser amada la lleva a sacrificarse como persona cayendo en una autodestrucción dirigida por la voluntad de Scottie, en la que Judy se abisma emotiva y físicamente.

vertigo espiral

Vértigo trata sobre una obsesión, sobre volver una y otra vez al mismo punto. Así la primera parte viene marcada por el deambular en círculo de los dos personajes por las calles de San Francisco y la segunda es un volver a reproducir punto por punto lo amado. La espiral, que aparece ya en los famosos créditos de Saul Bass, tiene carácter de estructura en el filme (y domina igualmente a la partitura). Espiral es el recogido que lleva Madeleine y circular será el beso que consumará el rencuentro con su efigie cuando Judy haya accedido a peinarse igual. Ese momento en que su vestirse, que es un desnudarse, alcanza la desnudez total como cuenta el propio Hitchcock: “Todos los esfuerzos de James Stewart para recrear a la mujer, cinematográficamente, está presentados como si quisiera desnudarla en vez de vestirla. Y la escena de más intensidad es cuando la chica vuelve después de haberse teñido de rubia. James Stewart no está completamente satisfecho porque no se ha hecho el moño. ¿Qué quiere decir eso? Eso quiere decir que está casi desnuda ante él, pero todavía se niega a quitarse las braguitas. Entonces James Stewart se muestra suplicante y ella acepta y vuelve al cuarto de baño. James Stewart espera que vuelva esta vez desnuda, preparada para el amor”. Scottie ha sido incapaz de tocar a Judy hasta que ella accede a fundirse con la imagen de Madeleine, porque él espera que aparezca de nuevo la amada muerta y en esa secuencia crucial cuando Judy entra en la habitación lo hace envuelta de un alo que realmente la hace parecer surgida de entre los muertos, “(…) elegí que residiera en el Hotel Empire de Post Street porque tiene en la fachada un anuncio de neón verde en constante intermitencia. Aquello me permitió provocar sin artificio el efecto de misterio sobre la chica”[6].  Scottie ya ha recreado a Madeleine, pero no le basta con ello, necesita el imposible de que sea la propia Madeleine, por eso tendrá que retornar al escenario primordial donde todo ocurrió: la torre en la que no pudo alcanzarla. Tiene que repetir esa escena (la trama le brinda la excusa del descubrimiento del engaño) para curar su obsesión, aunque eso vaya a sellar definitivamente la tragedia de Judy.

Vértigo transformación

Toda la trama del filme, en la que “cada frase del diálogo, cada color, cada elemento de decoración, cada pieza de vestuario, cada nota musical, cada ángulo de la cámara, cada mirada, mantiene una relación orgánica con el conjunto”[7], resulta ser un tránsito hacia la sublimidad de las grandes tragedias y ello es posible por el hermanamiento del amor-pasión de ambos con la muerte. Su desenlace es demoledor[8]: Judy, transformada en una muerta Madeleine, cae al vacío; Scottie, curado de su acrofobia, se queda contemplándola mientras abre sus brazos como si abrazara el vacío, como si abrazara la muerte definitiva de su amor, perdido ya indefinidamente en la melancolía.“Él descubre, como Nietzsche, que si uno lucha con monstruos puede acabar convirtiéndose en uno de ellos. Y que si uno contempla largo tiempo a un abismo, el abismo acaba mirando dentro de ti”[9].


[1] Trías, E.: Vértigo y pasión, un ensayo sobre la película Vértigo de Alfred Hitchcock
[2] Hitchcock en Truffaut, F: El cine según Alfred Hitchcock, RBA editores, Barcelona, 1993, p. 201
[3] La trama de Vértigo es de sobras conocida, sin embargo, es pertinente adjuntar una breve sinopsis del argumento para refrescarlo: El detective de la policía de San Francisco Scottie Ferguson sufre de acrofobia y se ve comprometido a retirarse del servicio cuando un compañero cae de una cornisa al vacío, durante la persecución de un delincuente. Un día recibe una llamada de Gavin Elster, un antiguo compañero de estudios y le contrata para vigilar discretamente a su esposa Madeleine. Su bella mujer sufre de melancolía y parece estar poseída por el espíritu de su bisabuela, Carlota Valdés, muerta cien años antes, con ánimo de matarla. Scott la sigue y observa por distintos lugares de la ciudad: tiendas, cementerios, hoteles, museos, mientras empieza a investigar la trágica historia de Carlota. Aunque intenta impedir un intento de suicidio, finalmente no puede evitar que Madeleine se arroje desde la torre de un campanario y muera. Descubre que estaba realmente enamorado de Madeleine y cae en un fuerte estado de shock. Tiempo después se cruza en la calle con Judy Barton, una mujer corriente y la asocia a Madeleine. Decidido a recuperar su amor perdido, se hace amigo suyo y va intentando transformarla en su recuerdo, obligándola a vestirse e incluso moverse como ella.
[4] Hitchcock en Truffau, F.: Op cit, p. 201
[5] Spoto, D.: El arte de Alfred Hitchcock, RBA editores, Barcelona 1992, p. 212
[6] Hitchcock en Truffaut, F.: opus cit, p. 201
[7] Spoto, D.: Opus cit, p. 213
[8] Como curiosidad cabe señalar que se rodaron dos finales para Vértigo, uno el que comentamos y otro alternativo en el que vemos a Scottie volver a casa de Midge (Barbara Bel Gedes), la amiga que representa el mundo ordenado y diurno (y que no tiene ningún tema asociado en la banda sonora). Ella está oyendo la radio en la que se está informando sobre la captura de Elster, la apaga cuando abre la puerta y Scottie se dirigirá a la ventana ante la que permanece con la misma actitud que en el primer final. Con este final alternativo se distribuyó en Finlandia y se estrenó en el Festival de San Sebastián (donde la copia recibió por título De entre los muertos). Para más información se puede consultar el interesante artículo de Irene de Lucas Ramón en este enlace: http://shangrilatextosaparte.blogspot.com.es/2008/07/carpeta-50-aos-con-vrtigo-1958-2008.html  Este final puede verse aquí en versión original: 

[9] López Pulido, R.: VÉRTIGO: EL ABISMO QUE SUBE Y SE DESBORDA.

HOMENAJE A EUGENIO TRÍAS, http://www.educa.madrid.org/web/ies.jaimeferran.colladovillalba/revista32/10-Vertigo%20MQ.pdf

Categorías:CINE CLUB

FX en el Salón del Cómic: La magia de Guillermo del Toro y el futurismo de Óscar Aibar

Durante el último Festival de Sitges se pudo disfrutar de una interesante exposición sobre la saga REC que, además de carteles, fotos y vestuario, mostraba increíbles piezas de efectos especiales realizadas por David Ambit, una gentileza del festival totalmente gratuita que disfrutamos, mientras nuestro espíritu coleccionista aullaba a la luna roto de envidia. Algo similar a lo que sucedió durante el 33 Salón del Cómic, ya que dentro de la macro exposición dedicada a la Ciencia Ficción, pudieron admirarse unas piezas que resultan casi míticas. Bueno, casi no: totalmente míticas para el fan del cine fantástico. La mayor parte de ellas pertenecientes a películas de Guillermo del Toro, un cineasta y creador de mundos que tendría que ser reverenciado por su querencia y dedicación al fantástico más imaginativo. Realizadas por la firma catalana de efectos especiales DDT, estas piezas pertenecían a tres de sus películas más famosas: 

EL LABERINTO DEL FAUNO

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EL ESPINAZO DEL DIABLO

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HELLBOY

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ATOLLADERO

Pero también hubo la posibilidad de poder ver diseños de armas pertenecientes a un, por desgracia, invisible film de Óscar Aibar, Atolladero (1995) un western futurista que mezclaba actores nacionales como Pere Ponce, Félix Rotaeta o Joaquín Hinojosa, junto a Iggy Pop. Una apuesta increíble y quizás adelantada a su época que necesitamos recuperar ya.

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Todas las fotos: Serendipia

 

Calentando Nocturna con Cine Basura y Amarna Miller

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Dentro de PreNOCTURNA, programación que os avanzaremos en breve, el viernes 22 de mayo a las 20.00h en Artistic Metropol (calle Cigarreras 6, Madrid) tendrá lugar un programa especial de  #CineBasura con invitados de lujo.

#CineBasura es un programa de culto de CANAL+Xtra centrado en películas de pésima calidad (o no tanto), relacionadas mayoritariamente con el género. Los culpables de estos desaguisados son Paco Fox y José Viruete, aunque en esta ocasión se contará con Fox y  Carlos “Oso” Palencia, que se dedicarán a destripar con sus comentarios, chistes y chascarrillos en directo lo que vean en pantalla.

4bee73976b3aa2abe238c20498c82e44La invitada que acompañara a nuestros comentaristas estrella basureros será, ni más ni menos, que Amarna Miller, actriz porno, directora y alma libre. Viaja alrededor del mundo mientras escribe sus aventuras en su blog. Colabora en revistas como Primera Línea, Playground, Vice y El Periódico de Cataluña. Ganó el premio Ninfa 2014 a mejor actriz española. Con esta invitada, el #CineBasura hace historia al tener su primera invitada NSFW.

La película a destripar en esta edición de PreNOCTURNA es Frankenhooker, de Frank Henenlotter, uno de los mejores directores de películas bizarras y grotescas más queridos por los fans del fantástico gracias a su trilogía Basket Case.

Frankenhooker,  es una  película de culto por derecho propio y joya del cine trash que funciona tanto para reírse de ella como con ella. Con mucha desvergüenza, 1180637_CanalPlus_FRANKENHOOKER1 (1)cuenta la historia de un joven que resucita a su novia despedazada por una cortadora de césped usando partes de un puñado de prostitutas que han volado por los aires por culpa de una droga explosiva de su invención.

Las invitaciones para ésta sesión especial se podrán recoger a partir del martes 28 de abril en Artistic Metropol (horario de 16.00h a 22.00h, máximo dos por persona) hasta completar aforo.

El Festival Internacional de Cine Fantástico de Madrid, NOCTURNA 2015, se celebrará en los Cines Palafox de Madrid del 25 al 31 de mayo.

Categorías:Nocturna

VAMOS DE ESTRENO (o no) * Viernes 24 de abril de 2015*

LA FAMILIA BÉLIER  (La Famille Bélier, Eric Lartigau, 2014) *****

Francia / BélgicaDuración: 105 min. Guión: Victoria Bedos, Thomas Bidegain, Eric Lartigau. Música: Evgueni Galperine, Sacha Galperine. Fotografía: Romain Winding. Productora: Jerico / Mars Films / France 2 Cinéma. Género: comedia.

Reparto: Louane Emera, Karin Viard, François Damiens, Roxane Duran, Mar Sodupe, Eric Elmosnino, Ilian Bergala, Luca Gelberg, Clémence Lassalas.

Sinopsis: Todos los miembros de la familia Belier son sordos excepto Paula de 16 años. Ella es la intérprete esencial para sus padres todos los días, especialmente en lo que respecta al familia-belierfuncionamiento de la granja de la familia. Un día, alentada por su profesor de música que ha descubierto su talento para el canto, decide prepararse para la audición del Coro de Radio France. Una elección que la obliga a distanciarse de su familia y a crecer.

Siguen llegando comedias francesas a nuestras pantallas, lo cual no nos parece mal, muy al contrario ya que, en su mayoría, resultan cuanto menos agradables. En este caso nos encontramos ante una que, para variar, esta ambientada lejos de ambientes acomodados y se ha localizado en el medio rural, que es donde vive la familia Bélier, protagonista de una simpática trama excepcionalmente interpretada y que nos mantiene con la sonrisa durante todo el metraje. Entre todos sus actores destaca la joven Louane Emera, concursante de la edición francesa de ‘La Voz’ que debuta con esta cinta y que fue merecedora del premio César a la mejor actriz revelación. Una cinta simpática con la que pasar un buen rato, que no es poco.

GIRLHOOD (Bande de Filles, Céline Sciamma, 2014) *****

Francia (113’) Guión: Céline Sciamma. Música: Jean-Baptiste de Laubier. Fotografía: Crystel Fournier. Género: Drama.

Reparto: Diabate Idrissa, Rabah Nait Oufella, Tatiana Rojo, Karidja Touré, Assa Sylla, Lindsay Karamoh, Mariétou Touré, Idrissa Diabaté, Simina Soumaré, Dielika Coulibaly, Cyril Mendy.

Sinopsis: Para Marieme (Karidja Touré), la vida es una sucesión de prohibiciones. Se siente agobiada por su familia (en especial por su hermano), por la escuela y por la implacable ley de los chicos del barrio. Pero su vida cambia cuando conoce a un grupo de chicas de espíritu libre. 936full-girlhood-posterEntonces cambia su nombre, su modo de vestir y abandona la escuela para ser aceptada en el grupo. Convertida en Vic, abraza el código de la calle donde se mezclan violencia, amistad y libertad.

Con Girlhood, Céline Sciamma completa una trilogía dedicada al complejo mundo de la niñez y la adolescencia que inició con su primer film, Lirios de agua, seleccionado en la sección Un certain regard en Cannes (2007) y en más de treinta festivales más. Aunque fue con la sorprendente Tomboy con la que Sciamma tocó el cielo, obteniendo un gran éxito de crítica y público. Ahora con Girlhood, la directora nos introduce en la parte más descorazonadora de la compleja adolescencia de unas jóvenes de extrarradio, situando su historia en un barrio marginal de Francia, como en el que creció la propia Scianma. Veremos como de la soledad y la inseguridad, la protagonista pasará a afirmarse en el seno de una banda, para terminar topándose de cara con la realidad y las -escasas- posibilidades que la vida le ofrece. Brillantemente rodada, es casi como un documental en cuyo tono contribuye, sin lugar a duda, su excelente reparto compuesto por jóvenes de entre 14 y 20 años sin experiencia previa en el mundo de la interpretación, que fueron seleccionadas tras un casting de cuatro meses por calles, centros comerciales y parques de atracciones de París y alrededores. Habrá que seguir de cerca la interesante carrera de Céline Sciamma, que parece confirmarse con este agridulce film.

MURIERON POR ENCIMA DE SUS POSIBILIDADES (Isaki Lacuesta, 2014) *****

España. 100 min. Guión: Isaki Lacuesta. Fotografía: Diego Dussuel, Marc Gómez del Moral. Productora: Versus Entertainment / Sentido Films. Género: Comedia

Reparto: Raúl Arévalo, Imanol Arias, José Coronado, Eduard Fernández, Ariadna Gil, Sergi López, Carmen Machi, Ángela Molina, Àlex Monner, Albert Pla, Josep Maria Pou, Pau Riba, José Sacristán, Jaume Sisa, Emma Suárez, Ivan Telefunken, Luis Tosar, Jordi Vilches, Julián Villagrán.

Sinopsis: Cinco ciudadanos de un país sospechosamente parecido al nuestro, ven destrozadas sus vidas por la crisis económica y terminan en el manicomio, donde se conocen y elaboran un plan para salvar la economía: secuestrar al presidente del Banco Central y exigirle que todo vuelva a ser como antes.

Murieron_por_encima_de_sus_posibilidades-895415915-largeLa que puede ser la comedia española más inteligente de la temporada, auténtica patada en las partes a los responsables de la crisis que nos ha tocado vivir (o al menos pataleta con la que hacernos unas risas a su costa) va naufragando conforme se va acercando al final a pesar de una primera parte realmente buena. A la buena marcha contribuyen sin duda los protagonistas, especialmente unos muy locos Albert Pla y Jordi Vilches. El resto del reparto está compuesto por muchos nombres conocidos, que demuestran su sentido del humor al haber formado parte de esta película de Isaki Lacuesta, un director batallado en diversos géneros, especialmente en el documental (como el interesante La noche que no acaba, que nos habla de las estancias de Ava Gardner en España) y que aborda esta comedia negra contando entre sus actores con Sergi López y Emma Suarez, protagonistas del próximo filme del director, el thriller La propera pell. A pesar de no haber cohesionado los elementos como se hubiera merecido la historia, el film es recomendable por su humor, su mala leche y sus dosis de incorrección política, que tanto se echan en falta en estos tiempos.

 

 

 

Categorías:VAMOS DE ESTRENO

Galería Cosplay 33 Salón del Cómic de Barcelona

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Yo fui uno de los que acudió al primer Salón del Cómic de Barcelona y tocó el cielo consiguiendo el autógrafo de Richard Corben. Entonces las cosas estaban comenzando y aunque yo lo recuerdo como un salón enorme, supongo que no lo era, ni mucho menos. Las publicaciones de Toutain y las de su ‘competidora’, La Cúpula, mandaban en el mercado español, y los súper-héroes estaban todavía en vías de recuperación tras ser editados/destrozados por Bruguera. Fórum arreglaría y dejaría marcado el camino para que Marvel definitivamente desembarcara en España. El Manga no se conocía y el Salón contó con la presencia, además del enorme Corben, con Will Eisner y creo recordar que Hugo Pratt y las primeras espadas del cómic europeo, que era lo que primaba por entonces. Pero no me hagan caso, que yo solo buscaba a Corben. Todo este rollo viene a cuento de que hasta hace unos años, lo de ver a gente disfrazada era raro, y si la había, eran trabajadores a cargo de la editorial de turno. Lo de ahora ya es una locura, pero una locura que da mucho color al Salón. De hecho hay público que tan solo acude al Salón por ver a estos elementos (especialmente elementas) disfrazados. Dan color y como decía Karina, “aires de fiesta” a este Festival,  convirtiéndose en un elemento imprescindible del Salón del Cómic. Valgan pues estas imágenes como homenaje a estos esforzados jóvenes (y no tan jóvenes) que de forma desinteresada decoran y dan color (y calor) a los asistentes al Salón del Cómic posando amable y pacientemente ante todo aquel que quiere retratarlos o retratarse con ellos.

Todas las fotos: Serendipia

De la inocente sencillez manga...

Del Manga más inocente…

... al más petardo.

… al más petardo.

Del más surrealista...

Del más surrealista…

... al más sexy...

… al más sexy…

... todo tiene cabida en el Salón del Cómic.

… todo tiene cabida en el Salón del Cómic.

De lo más elaborado...

De lo más elaborado…

... a lo más artesanal.

… a lo más artesanal…

... para todo hay lugar en el Salón.

… para todo hay lugar en el Salón.

Superhéroes...

Superhéroes…

... villanos...

… villanos…

...colegiales...

…colegiales…

... mamá y su hija...

… mamá y su hija…

... máquinas de destrucción...

… máquinas de destrucción…

Pasando por el cine, con algunos modelos menos conseguidos...

Pasando por el cine, con algunos modelos menos conseguidos…

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… y otros muy logrados…

... lo viejuno...

… lo viejuno…

... y lo que siempre está de moda...

… y lo que siempre está de moda…

Todo, todo cabe...

Todo, todo cabe…

... en el Salón del Cómic de Barcelona.

… en el Salón del Cómic de Barcelona.

¡¡Nos vemos en 2016!!

¡¡NOS VEMOS EN EL 34 SALÓN DEL CÓMIC!!

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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