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Archive for 30 abril 2014

‘Fist of Jesus’ da el salto al largo

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Buenos días queridos feligreses:

Fist of Jesus, el cortometraje español que el año pasado en solo dos meses alcanzó el millón y medio de visitas en YouTube y que obtuvo 66 premios en algunos de los festivales de género fantástico más importantes del mundo, arranca ahora su campaña de mecenazgo para convertirse en largometraje.

Once Upon a Time in Jerusalem, la adaptación al largo del cortometraje narra en clave de comedia las aventuras de un joven Jesús en una película a medio camino entre La Vida de Brian y los primeros trabajos más gamberros de Peter Jackson.

Sus directores, David Muñoz y Adrián Cardona llevan a sus espaldas una larga carrera en el mundo del cortometraje contando con más de 200 premios alrededor del mundo en festivales como el Fantastic Fest de Austin o el festival de Sitges, donde también Fist of Jesus, tras ganar en el festival de Gales, se encuentra nominado al Méliès de Oro para el Festival de Sitges 2014.

Ahora arrancan la campaña de mecenazgo en Indiegogo para producir el largometraje este 2014
https://www.indiegogo.com/projects/once-upon-a-time-in-jerusalem

En www.fistofjesus.com encontraréis más información, podréis ver el cortometraje Fist of Jesus, …

www.facebook.com/FistofJesus

Sesión bélica de Phenomena con motivo del Salón del Cómic

Las películas de guerra son un género que han filmado grandes directores desde ópticas muy personales, reflejando tanto su brutalidad descarnada como su épica. Con motivo del 32 Salón Internacional del Cómic de Barcelona, que tiene en la presencia de la guerra en el cómic uno de sus ejes, Phenomena – The ultimate cinematic experience ha programado para el viernes 9 de mayo, en el cine Comedia de Barcelona, un programa doble espectacular: La Chaqueta Metálica, de Stanley Kubrick (20.00 horas) y Evasión o Victoria, de John Huston (22.00 horas), dos clásicos del cine bélico dirigidos por dos directores clave que ofrecen una visión descarnada de lo que esconde cualquier conflicto armado.

El precio de la entrada única para ver las dos películas es de 9 euros y las cintas se exhiben en versión original subtitulada en castellano. Una vez más, Phenomena – The ultimate cinematic experience, da la oportunidad de disfrutar de dos grandes clásicos, en este caso, del cine bélico, a un precio único. Las entradas pueden adquirirse a través de www.atrapalo.com o en las mismas taquillas del cine Comedia. Los espectadores que conserven el resguardo de la entrada de esta doble sesión de Phenomena podrán utilizarla para obtener un 2×1 al comprar en las taquillas del Salón una entrada de 7 euros. Esta promoción no es acumulable a otros descuentos y promociones de las entradas del Salón del Cómic.

LOS FILMS:

La Chaqueta Metálica (1987). Un grupo de reclutas se prepara en Parish Island, centro de entrenamiento de la marina norteamericana. Allí está el sargento Hartmann, duro e implacable, cuya única misión en la vida es endurecer el cuerpo y el alma de los novatos, para que puedan defenderse del enemigo. Pero no todos los jóvenes están preparados para soportar sus métodos.

Evasión o Victoria (1981). Segunda Guerra Mundial, año 1943. El comandante del campo de concentración de Gensdorff, que antes de la guerra había formado parte de la selección alemana de futbol, se interesa por un grupo de prisioneros que practican este deporte. Se le ocurre entonces la idea de organizar un partido en el que se enfrenten una selección alemana y una selección formada por prisioneros.

 

El film coreano ‘Han Gong-Ju’ inaugurará la sección Nuevas Visiones del Festival de Sitges

La presentación de la nueva edición del SITGES – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya por parte de su director Ángel Sala ha traído el anuncio que Han Gong-ju, ópera prima del director Lee Su-jin y protagonizada por Chun Woo-hee (“Sunny”, “Mother”), será la película inaugural de la Sección Competitiva New Visions.

Considerada por muchos como la mejor película del año producida en Corea del Sur, su paso por festivales no deja lugar a dudas del carácter excepcional que ésta posee: Premio del Público en Busan, Premio del Jurado en Rotterdam, Gran Premio del Jurado en Marraquech, y recientemente en Deauville se alzó con el Gran Premio del Jurado, el Premio de la Crítica y el Premio del Público a la Mejor Película. Ópera prima de Lee Su-jin, y primer papel protagonista de la joven actriz Chun Woo-hee, Han Gong-ju ha supuesto una auténtica revelación dentro de la industria cinematográfica de Corea del Sur, tanto por la extraordinaria calidad de las actuaciones de sus protagonistas, como por la gran sensibilidad demostrada por un director novel en un tema tan delicado como el que trata.

SINOPSIS:

Han Gong-ju (Chun Woo-hee) es una joven estudiante obligada a abandonar su escuela tras un misterioso incidente del que todo el mundo la señala como culpable. Con sus padres ilocalizables, es llevada a un pequeño pueblo donde se queda a vivir con la madre de uno de sus profesores. Poco a poco irá acostumbrándose a su nueva vida y haciendo nuevos amigos, entre ellos Eun-hee, una divertida compañera de clase que la empujará a unirse a su grupo de música. Pero el pasado que Han Gong-ju ha dejado atrás pronto vuelve para atormentarla.

Categorías:Festival de Sitges

El viento se levanta, il faut tenter de vivre

El_viento_se_levanta_The_Wind_Rises-603357491-largeSiempre tiene un punto de tristeza ver una película sabiendo que es la última de su director. En algunos ocasiones porque el artista ha seguido batallando con las imágenes hasta el final y dejan tras de sí una obra póstuma que constituye todo un legado; ocurría así con Dublineses (The dead) de John Huston que nos dejaba un fundido en negro profundo como el bajar de párpados final que era. En otras ocasiones porque el realizador decide retirarse cuando aún le asiste la lucidez y puede cerrar su obra con dignidad, fue así con Kieslowski que se puso tras las cámaras por última vez con el rojo de su trilogía de los colores (Tres colores: azul; Tres colores: blanco; Tres colores: rojo). Y ahora el que nos deja es Hayao Miyazaki a quien le debemos tantas obras maestras de la animación. Miyazaki se despide con El viento se levanta (Kaze Tachinu), nos regala un biopic impregnado por la melancolía de El cementerio marino  de Paul Valery del que toma prestado un verso para el título de este su último trabajo. Los tres filmes postreros que mencionamos tienen en común la suave melancolía de quien está degustando la finitud del tiempo y desde esa conciencia, sin darnos falsas esperanzas, nos alienta a aprovechar y gozar la vida, un trágico canto a la “joie de vivre” contenido e intenso a partes iguales.

El viento se levanta es un repaso sútil como la brisa  a la vida de Jirō Horikoshi el hombre que diseño los tristemente célebres cazas Zero (sí, los que usaban los kamikazes para sus ataques suicidas). De la mano de Miyazaki acompañamos a Jiro desde su niñez soñadora hasta su madurez, deteniéndonos en los momentos álgidos que atravesó  como el terremoto de Kanto de 1923, la Gran Depresión, la epidemia de tuberculosis y la entrada de Japón en la Segunda Guerra Mundial. Criticada en su país de origen tanto por los conservadores como por los izquierdistas lo que nos ofrece la película es una visión extendida de cómo la pasión de Horikoshi por volar fue atrapada por los avatares de la guerra y el militarismo. “No construimos armas, mejoramos aviones” dice un personaje en el filme, ese es el punto de vista desde el que se aborda este biopic, vemos a un hombre perseguir su sueño por encima de las circunstancias que le han tocado vivir. Y amar, porque esta es también una gran historia de amor. Es un gran canto a las aspiraciones de superación y a la necesidad de vivir aunque nos veamos rodeados por lo más adverso.

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Auténtico poema visual, es posiblemente la menos fantástica de las obras de Miyazaki, pero está llena de magia y de lirismo en el detallado trabajo de sus imágenes. De la mano de Miyazaki hasta las tragedias están armadas de un poderío visual que las vuelve poéticas: así ocurre con el terremoto de Kanto, por lo que se refiere a los dramas colectivos, o el vómito hemoptísico de Nahoko (la amada de Jiro) en lo más íntimo, en el que las gotas de sangre tiñen de rojo las flores componiendo una sinfonía de color delicuescente. El trabajo de los fondos está perfilado con una minuciosidad extrema y la animación dibuja con realismo todos los movimientos. Y aunque el tono general de la cinta sea el realismo no faltan los momentos oníricos que nos hacen elevarnos a otra dimensión. En ellos los sueños de Jiro entran en contacto con los de su  ídolo Caproni (ingeniero aeronáutico italiano que le sirvió de inspiración) tejiendo un espacio en el que la conciencia se funde con lo idealizado y en el que el protagonista halla los motivos para seguir viviendo.

El viento se levanta y Miyazaki enfila el camino del adiós, pero nos deja una carrera brillante con la que podremos gozar una y otra vez. Y nos anima a perseguir los sueños en nuestra fugaz existencia, una existencia abocada a desaparecer pero en la que vale la pena tratar de vivir. 

Sitges 2014 será un sueño

París nunca se acaba, concluía Hemingway, del mismo modo Sitges tampoco se agota. Y si París era una fiesta, este Sitges será un sueño. Lo onírico es el leitmotiv de esta edición. El reconocimiento del inconsciente y el poder de los sueños marcó el siglo pasado (aquel en el que nací), Sitges se propone recuperar esa preeminencia desde un punto de vista innovador. Y así queda reflejado en el cartel que se descubría esta mañana. En él el perfil de la iglesia de Sitges (conocida como La punta) que se ha convertido en icono del certamen aparece en profundidad de campo como emergiendo de las brumas, mientras un niño en primer plano sostiene un ramillete de globos, pero globos oculares, mirado de cerca por su perro. Se trata de un cartel abierto a la interpretación de quien lo contempla que quiere reflejar, precisamente, la atmósfera surreal de los sueños.

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Ante la disolución de las fronteras entre el mundo real y el virtual (los quince minutos de gloria de Warhol se miden hoy en los ciento cuarenta caracteres de Twiter), el festival se dedicará a explorar las múltiples opciones que el cine fantástico ofrece en este campo (justo en un año en el que se cumpl el quince aniversario  desde que Kubrick adaptara el Relato soñado de Arthur Schnitzler en su película testamento Eyes wide shut). Es demasiado pronto para que se desvelen títulos, pero no para anunciar la película inaugural. La inauguración recae este año en uno de los títulos más esperados por el aficionado, la última entrega de la saga ideada por Jaume Balagueró y Paco Plaza, esta vez con la única dirección del primero. Se trata, evidentemente de Rec 4, apocalipsis, de la que su director confiesa que no habrá concesión al humor sino que retoma el espíritu original de oscuridad y terror. En palabras de Balagueró se trata de una película terroríficamente entretenida.

Como viene siendo habitual el Festival apuesta por la reivindicación del terror patrio (entiéndase catalán), pero también lo hace por los nuevos talentos. Sitges 2014 estará muy pendiente del trabajo de los jóvenes detrás (y delante) de las cámaras, en consonancia con el décimo aniversario del Jurado Carnet Jove. Sitges acogerá el ESCAC Week, un programa de actividades i proyecciones en el que participan centenares de alumnos de la escuela, los cuales como acreditados podrán vivir desde dentro esta cita artística y profesional. Y la SGAE en el apartado Nova Autoria recogerá los cortometrajes de alumnos de escuelas de cine catalanas a partir de una preselección efectuada por las propias escuelas.

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Sitges está volcada, pues, a lo emergente, por eso dentro del certamen ocupará un espacio destacado el nuevo cine latinoamericano incorporando una sección transversal en la que ha cooperado Blood Window, sello cinematográfico creado para difundir ese cine.

Los motores de Sitges 2014 se ponen en marcha desde ahora, habrá una intensa actividad de información y también algunas premieres antes de que volvamos a hacer carrerillas por la la blanca Subur ( esas dichosas colas). Y nosotros estaremos aquí para contároslo.

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Categorías:Festival de Sitges

El rodaje de ‘Vampyres’ se calienta.

El rodaje de la nueva película de terror de Víctor Matellano concluye esta semana

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La producción del nuevo filme de terror de Víctor Matellano Vampyres afronta sus últimos días de rodaje. Las primeras imágenes de la producción muestran a los actores protagonistas en acción: Marta Flich y Almudena León como las cruentas vampiras, Christian Stamm en el papel de Ted, Verónica Polo Bacorn como Harriett y la estrella internacional Caroline Munro. El rodaje, que se ha desarrollado en inglés en varias localizaciones de Madrid y Segovia, dio comienzo el pasado 1 de abril y se ha prolongado durante cuatro semanas. 

El reparto de Vampyres se completa con Anthony Rotsa, Víctor Vidal, Luis Hacha, Alina Nastise y Remedios Darkin, además de la participación especial de Lone Fleming, May Heatherly, Antonio Mayans y Conrado San Martín.

Víctor Matellano también firma el guión basado en la mítica película original de José Ramón Larraz, estrenado en España como Las Hijas de Drácula (1974). El propio Larraz, quien falleció en septiembre de 2013, participó en la preproducción de la película.

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Vampyres cuenta la historia de dos vampiras que habitan en una oscura mansión donde atraen a hombres a los que ofrecen orgías de sexo que terminan siendo orgías de sangre. Hasta aquel lugar llegan unos jóvenes excursionistas con ganas de fiesta, y un hombre joven que esconde un oscuro pasado…

Matellano presentó recientemente en el marco del Festival de Cine de Málaga su documental ¡Zarpazos! Un viaje por el Spanish horror, que próximamente estará en el Festival de Cine Fantástico de Madrid Nocturna 2014, mientras que su cortometraje La Cañada de los ingleses ha sido seleccionado para participar en la sección Short Film Corner del Festival de Cannes.

“Vampyres” es una producción de Ángel Mora para Artistic Films. En el apartado técnico acompañan a Artistic Films empresas como The Other Side Cinema, Recámara, Gigantes y Molinos, La Mansión del terror y Fonofox en calidad de productores asociados.

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Chuky: 26 años dando guerra

Hola, soy Chucky, y seré tu amigo hasta el final. ¡Hidey-ho!

Han pasado veintiséis años desde que el ilustre “Good Guy” entonara por primera vez, entre el cariño y la amenaza profética, su ominosa muletilla; un cuarto de siglo repartiendo sustos, risas y tajos a destajo, que no sólo ha demostrado que Chucky sigue en forma, sino que aún le queda mucha pila.

Pelirrojo, de imponentes ojos azules, sonrisa traviesa, peto vaquero y colorido jersey a rayas, su aspecto está enraizado en el imaginario popular, su nombre implícito en conversaciones cinéfilas. Es tal su resonancia que incluso llegó a fagocitar el título original de la franquicia a partir de la cuarta entrega. La gente dejó de referirse a la saga como “Muñeco Diabólico”; se habían convertido en “las películas de Chucky”.

Don Mancini, el “Geppetto” de esta historia, llegó a Hollywood con una idea firme bajo el brazo, y gracias a su inflexible dedicación, primero como guionista, y más tarde sumando los roles de productor y director, su criatura llegó a protagonizar la friolera de seis películas, varios cortometrajes, cómics, spots, videojuegos, e incontable merchandising.

Y si Don Mancini es el alma de la saga, Brad Dourif (“Alguien voló sobre el nido del cuco”, “El Señor de los Anillos”) es sin duda el alma del muñeco. Dourif, pese a haber trabajado en numerosas producciones de peso, reconoce que una mayoría de espectadores sigue identificándolo con Chucky, y no sin razón. Su simbiosis con el muñeco es absoluta e indivisible, mágica; metafílmica. Le ha prestado su voz en todas las entregas, e incluso su cuerpo en varias de ellas, interpretando al asesino en su etapa humana, Charles Lee Ray, el infame “Estrangulador de Lake Shore”.

Chucky dio sus primeros pasos en 1988 bajo la dirección del “master of horror” Tom Holland (“Noche de miedo”, “Thinner”). En la película, Charles Lee Ray (amalgama de tres asesinos reales: Charles Manson, Lee H. Oswald y James Earl Ray), malherido por los disparos de un policía, se esconde en una juguetería, donde gracias a la magia vudú transfiere su alma a un muñeco “Good Guy” para sobrevivir. El muñeco cae en manos del pequeño Andy (Alex Vincent) como regalo de cumpleaños de su madre, aunque en realidad es Andy quien ha caído en manos del muñeco. Chucky está vivo, y nada ni nadie lo detendrá hasta cumplir su objetivo, poseer el cuerpo del niño.

Con el Slasher de resaca y agonizando a las puertas de los 90, Holland sorprendió a propios y extraños con un título que devolvía la dignidad al subgénero. “Muñeco diabólico” fue un broche de oro para una edad de oro; una película de terror poco corriente, oscura, sobria y  adulta, que supo balancear el suspense, la tensión, el horror e incluso pinceladas de humor, tintando de pesadillas la almohada de los que crecieron en los 80.

El éxito de crítica y taquilla, reforzado por la vertiginosa popularidad del personaje (pese a las quejas de muchas asociaciones de padres), se tradujo en dos secuelas consecutivas entre 1990 y 1991, de John Lafia y Jack Bender respectivamente. Un total de tres películas desde tres ópticas, que aun así resultaron sorprendentemente homogéneas. A fin de cuentas, Don Mancini seguía moviendo los hilos de su marioneta desde el papel.

En virtud de la fidelidad, “Muñeco diabólico 2” sigue siendo para muchos la mejor secuela. En esta continuación directa, cuasi embrionaria, Andy es dado en adopción al matrimonio Simpson, después de que a su madre la ingresaran en un Psiquiátrico por divagar sobre muñecos vivientes. Por su parte, Chucky, carbonizado tras su última confrontación con Andy, es restaurado por los técnicos de “Play Pals” (fabricantes de los muñecos “Good Guy”), para investigar las anomalías de su diseño y así tranquilizar a los accionistas. Una segunda oportunidad para el juguete asesino, que necesita urgentemente poseer el cuerpo de Andy antes de que su alma quede atrapada para siempre en el muñeco.

Muñeco diabólico 3 llegó inmediatamente después, aunque esta vez sólo en el lapso de tiempo real, ya que en la ficción han pasado ocho años desde que Chucky quedó hecho trizas en su segundo intento frustrado de reencarnarse en Andy. Chucky resucita al mezclarse su sangre con plástico durante la fabricación de un nuevo Good Guy. Su plan, invariable, sigue siendo poseer a Andy, que ahora tiene dieciséis años y es cadete en una Escuela Militar. Sin embargo, la casualidad le lleva a conocer al pequeño Tyler, un cuerpo a priori más accesible que el rebelde Andy, que aun estando al margen, sigue siendo el único capaz de plantarle cara. Fiel a la tradición del género, Muñeco diabólico 3 cumple con maestría las reglas de las secuelas; hay más acción, más chascarrillos, más tacos, más armas y más asesinatos, que además, son más gráficos y más retorcidos. Sin embargo, y pese a la orgía de cadáveres, el destino siguió poniéndole la zancadilla a Chucky, que acabó con sus huesos triturados en un ventilador.

Los pedazos de Chucky dormitaron en una caja durante siete largos años, hasta que el Scream de Wes Craven, con su discurso reivindicativo y postmoderno del Slasher, animó a las viejas glorias a desempolvar sus cuchillos. Don Mancini no perdió la ocasión de reciclar a Chucky, en el sentido literal de la palabra, y para ello contó con Ronny Yu en la dirección, quien poco más tarde haría lo propio con otros dos ídolos del género (“Freddy VS Jason”). La novia de Chucky supuso un agradecido lavado de cara radical, divertido e inteligente, enmarcado en el humor negro, la autoconciencia y los guiños nostálgicos, amén de introducir otro glorioso personaje en el panteón de los villanos de cine, Tiffany (Jennifer Tilly), la novia perfecta, y una sonora patada en el c*** a todas las Barbies del mundo.

Bride of Chucky

El cambio de siglo alentó al propio Mancini a meterse en el pellejo de director. Con La semilla de Chucky (2004), el guionista, productor y ahora director llevó el carácter de su predecesora a las últimas consecuencias, añadiendo al desestructurado matrimonio un hijo transexual, Glen (o Glenda), con el que se marcó de paso un sentido homenaje a Ed Wood, el consagrado peor cineasta de la historia. El humor crítico-paródico que envuelve la cinta es tan descarado, mordaz, desenfadado y pasado de rosca, que dejó planchados a los fans en la butaca, para quienes sigue siendo la entrega más polémica, delirante y arriesgada de la saga.

El año pasado, coincidiendo con el 25 aniversario de Chucky, Mancini decidió reconciliarse con su público, y sacó su mejor vajilla para celebrar las bodas de plata. La maldición de Chucky tiene todo lo que el fan deseaba y más. Vuelven los espacios minimalistas, las atmósferas tensas, el stalking en primera persona, los sustos, el tono sombrío (sin renunciar a la vena cachonda), los personajes clásicos, y el look original del muñeco. Una vuelta al pasado mirando al futuro, pues reescribe y extiende el timelime de la historia, atando cabos sueltos y rellenado agujeros con flashbacks de todas las entregas. En esta ocasión, nuestro muñeco malhablado favorito invoca otra vez a Damballa, ya no para poseer el cuerpo de Andy o el de Tyler, sino el de su mismísima hija perdida, Nica, cuyo papel interpreta, para más inri, la virtuosa Fiona Dourif, hija de Brad Dourif. Todo un regalo para los fans. Imprescindible quedarse hasta el final de los créditos.

Ya está disponible en DVD y Blu-ray un nuevo pack de películas de Chucky, aunque lamentablemente incompleto. La versión en DVD incluye cuatro largometrajes: El muñeco diabólico 2, El muñeco diabólico 3, La semilla de Chucky y La maldición de Chucky, mientras que el pack en Blu-ray contiene las mismas excepto La semilla de Chucky. Uno no entiende el porqué de no editar la saga completa. Misterios del marketing. 

 

Categorías:DVD / BLU-RAY, HOMENAJES
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